Hatje Cantz Frühjahrsvorschau 2016

Neuerscheinungen / New Publications

F RÜ H L I N G / S P R I N G 2 0 1 6

New Publications

Frühling / Spring 2016 Neuerscheinungen # 890165 www.hatjecantz.de

H ATJ E CA N TZ

Hatje Cantz Verlag Mommsenstraße 27 10629 Berlin Deutschland Tel. +49 30 3464678-00 Fax +49 30 3289042-62 berlin@hatjecantz.de

N O RT H A M E R I C A Artbook | D. A.P. 155 Avenue of the Americas Second Floor New York, N. Y. 10013-1507 USA Tel. +1 212 627 1999 Fax +1 212 627 9484 orders@dapinc.com www.artbook.com

Zeppelinstraße 32 73760 Ostfildern Deutschland Tel. +49 711 4405-200 Fax +49 711 4405-220 contact@hatjecantz.de

UNITED KINGDOM / REPUBLIC OF IRELAND Gestalten UK Ltd Emma Ferguson, Lee Williams 65 London Wall London EC2M 5TU United Kingdom Tel. +44 20 7628-4829 Fax +44 20 7628-4828 e.ferguson@gestalten.com www.gestalten.com

www.hatjecantz.de

HIGHLIGHTS Special-Price Themen / T hemes

Verlegerische Geschäftsführung / Publisher Dr. Cristina Inês Steingräber

8

Kaufmännische Geschäftsführung / Managing Director Dr. Thomas P. J. Feinen

52

Programmleitung / Program Directors Dr. Cristina Inês Steingräber Dr. Sibylle Luig Ulrike Ruh

58

64

96

116

Kunst / A rt Fotografie / Photography Architektur / Architecture 128

4

Programmbereich Fotografie / Consulting Editor for Photography Art Books Nadine Barth

B E LG I U M Exhibitions International Kol. Begaultlaan 17 3012 Leuven Tel. +32 16 296900 Fax +32 16 296129 orders@exhibitionsinternational.be www.exhibitionsinternational.be

Vertrieb / Sales Tel. +49 30 3464678-00 sales@hatjecantz.de Edition Gerd Hatje Sabine Jenske Tel. +49 30 3464678-16 egh@hatjecantz.de

FRANCE Interart 1, Rue de l’Est 75020 Paris Tel. +33 1 43493660 Fax +33 1 43494122 commercial@interart.fr www.interart.fr

Presse / Press Sara Buschmann Lena Reich Tel. +49 30 3464678-08 presse@hatjecantz.de

Index

ROBERT LONGO 28 WOLFGANG TILLMANS 30 TARYN SIMON 35 KATI HECK 75 M+ M 76 OSTKREUZ 101 ANDREAS GEFELLER 114

AU ST R A L I A booksatmanic distribution PO Box 8 Carlton North VIC 3054 Tel. +61 3 9380 5337 Fax +61 3 9380 5037 manicex@manic.com.au www.manic.com.au

Auslieferungen / Distributors

Außendienst / S ales Representatives

W E LT W E I T (außer in den u. g. Ländern) / Main Distributor for all countries Bestellungen richten Sie bitte direkt an: Koch, Neff & Oetinger Verlagsauslieferung GmbH Schockenriedstraße 39 70565 Stuttgart Deutschland Ansprechpartnerin / Contact person: Antje Grimm Tel: +49 (711) 7899 2010 Fax: +49 (711) 7899 1010 HatjeCantz@kno-va.de www.kno-va.de

B E R L I N / B R A N D E N B U R G / M E C K LE NBU RG-VOR POMME R N / SACHSE N / S A C H S E N - A N H A LT / T H Ü R I N G E N UND BREMEN / HAMBURG / NIEDERS A C H S E N / S C H L E SW I G - H O L ST E I N buchart Verlagsvertretungen Jastrow Seifert Reuter Braune Office: Cotheniusstraße 4 10407 Berlin Tel. +49 30 44732180 Fax +49 30 44732181 Showroom: Greifenhagener Straße 15 10437 Berlin Tel. +49 30 44737260 service@buchart.org

SCHWEIZ AVA Verlagsauslieferung AG Centralweg 16 8910 Affoltern am Albis Tel. +41 44 76242-50 Fax +41 44 76242-10 verlagsservice@ava.ch www.ava.ch

Falls Sie diesen Prospekt über unseren Postverteiler erhalten haben und keine weitere Zusendung wünschen, informieren Sie uns bitte unter contact@hatjecantz.de oder +49 711 4405-200 / If you have subscribed to our preview and wish to stop receiving it, please write to contact@hatjecantz.de or call +49 711 4405-200

N O R D R H E I N - W E ST FA L E N / R H E I N L A N D - P FA L Z / S A A R L A N D / LUXEMBURG / HESSEN (außer Rhein-Main-Gebiet / PLZ-Gebiete 60–64 und 68) Büro für Bücher Gerd Wagner Poststraße 39 41334 Nettetal Tel. +49 2157 1247-01 Fax +49 2157 1247-02 g.wagner@buerofuerbuecher.de Benedikt Geulen Meertal 122 41464 Neuss Tel. +49 2131 1255990 Fax +49 2131 1257944 b.geulen@buerofuerbuecher.de Ulrike Hölzemann Dornseifer Str. 67 57223 Kreuztal Tel. +49 2732 558344 Fax +49 2732 558345 u.hoelzemann@buerofuerbuecher.de B AY E R N / H E S S E N (nur RheinMain-Gebiet / PLZ-Gebiete 60–64 und 68) Friederike Rother c/o Vertreterbüro Würzburg Huebergasse 1 97070 Würzburg Tel. +49 931 17405 Fax +49 931 17410 rother@vertreterbuero-wuerzburg.de B A D E N - W Ü RT T E M B E R G Michael Klein c/o Vertreterbüro Würzburg Huebergasse 1 97070 Würzburg Tel. +49 931 17405 Fax +49 931 17410 klein@vertreterbuero-wuerzburg.de Ö ST E R R E I C H Seth Meyer-Bruhns Böcklinstraße 26/8 1020 Wien Tel. +43 1 2147340 Fax +43 1 2147340 meyer_bruhns@yahoo.de SCHWEIZ Scheidegger & Co. AG Obere Bahnhofstrasse 10A 8910 Affoltern am Albis Tel.: +41 44 76242-41 oder -47 Fax: +41 44 76242-49 Urs Wetli u.wetli@scheidegger-buecher.ch Stephanie Brunner s.brunner@scheidegger-buecher.ch THE NETHERLANDS Jan Smit Eikbosserweg 258 1213 SE Hilversum Tel. +31 35 6219267 Fax +31 35 6238905 jan@jansmitboeken.info S C A N D I N AV I A Elisabeth Harder-Kreimann Joachim-Mähl-Straße 28 22459 Hamburg Tel. +49 40 55540446 Fax +49 40 55540444 elisabeth@harder-kreimann.de

SOUTH ERN AN D SOUTH E A ST E U R O P E Bookport Associates Alessandro Corno, Joe Portelli Via L. Salma, 7 20094 Corsico (MI) Italy Tel. +39 02 45103601 Fax +39 02 45106426 bookport@bookport.it E A ST E R N E U R O P E (except Russia) Josef Kolar Rauthstraße 65 9544 Feld am See Austria Tel. +43 4246 29060 josef.kolar@aon.at M I D D L E E A ST Richard Ward Ward International Ltd Unit 3 Taylors Yard 67 Alderbrook Rd London, SW12 8AD United Kingdom Tel. +44 20 8672-1171 richard@wibx.co.uk I N D I A / PA K I STA N / S R I L A N K A / BANGLADESH Sara Books Pvt Ltd. Ravindra Saxena 7 /28, Ansari Road, Daryaganj, New Delhi 110002 India Tel. +91 11 23266107 Fax +91 11 23266102 ravindrasaxena@sarabooksindia.com www.sarabooksindia.com E A ST A N D S O U T H E A ST A S I A (except Japan) / R U S S I A Publishers International Marketing Ltd Chris Ashdown 1, Monkton Close Ferndown Dorset, BH22 9LL United Kingdom Tel. +44 1202 896210 Fax +44 1202 897010 chris@pim-uk.com JA PA N Infinite Book & Art Services Haruhiko Oguchi 2-28-12, Nishihara, Shibuya-Ku Tokyo 151-0066 Tel. +81 3 3469-5708 Fax +81 3 3469-5708 haru@aw.catv.ne.jp M E X I CO / C E N T R A L A N D SOUTH AMERICA IMA / InterMediaAmericana Ltd David Williams PO Box 8734 London SE21 7ZF United Kingdom Tel. +44 20 72747113 Fax +44 20 72747103 david@intermediaamericana.com

Liebe Leserinnen und Leser,

Dear Readers,

auch dieses Programm ist mit seiner Vielzahl neuer Titel

With its wide range of new titles, this spring’s program is

sowohl der Tradition unseres Verlages als auch der

again committed to the tradition of our publishing house as

Innovation und zukunftsweisenden Auseinandersetzungen

well as to the innovations and future-oriented examination

mit gesellschaftspolitischen Fragenstellungen verpflichtet.

of sociopolitical issues. We continue to uphold the time-

In bewährter Tradition verlegen wir die bedeutendsten

proven tradition of publishing the most important artists

Künstler der Geschichte und Gegenwart in umfangreichen

from the past and the present in extensive exhibition

Ausstellungskatalogen. Getreu der Vorstellung, dass

catalogues. True to the belief that humans are only fully

der Mensch nur da ganz Mensch ist, wo er spielt, widmen

human when they play, in 2016 three major exhibitions

sich 2016 drei große Ausstellungen spielerischen,

devote themselves to playful, experimental facets of art.

experimentellen Facetten der Kunst. Die Kataloge zu Jean

The catalogues on Jean Dubuffet and Alexander Calder &

Dubuffet und Alexander Calder & Fischli/Weiss in der

Fischli/Weiss at the Fondation Beyeler as well as on

Fondation Beyeler sowie den Pionieren der Comic-Kunst

the pioneers of comic-book art at the Schirn Kunsthalle

in der Schirn Kunsthalle zelebrieren diese scheinbar

celebrate these seemingly light artistic positions. The

leichten künstlerischen Positionen. Innovativ stellt das

Institut für Zeitgenossenschaft innovatively presents

Institut für Zeitgenossenschaft Die 100 wichtigsten Dinge

Die 100 wichtigsten Dinge, based on which well-known

vor, anhand derer renommierte Autoren humorvoll

authors scrutinize our consumer behavior in a humorously

subversiv unser Konsumverhalten hinterfragen. Konsum

subversive way. On the other hand, consumption and

und der daraus resultierende Abfall wiederum sind das

the resulting waste is Paul Bulteel’s photographic subject.

Fotothema von Paul Bulteel. Und in World of Malls vom

And in World of Malls from the Architekturmuseum in

Architekturmuseum in München wird die Shopping

Munich, the shopping mall is examined as architecture of

Mall als Bautyp des Konsums betrachtet. Werke von Peter

consumption. Works by Peter Bialobrzeski, Alec Soth, and

Bialo­brzeski, Alec Soth und vielen anderen namhaften

many more noted photographers deal with the unbalanced

Fotografen beschäftigen sich in 1% Privilege in a Time of

distribution of consumer goods and wealth in the world

Global Inequality mit der unausgewogenen Verteilung von

in 1% Privilege in a Time of Global Inequality. Making Heimat:

Konsumgütern und Reichtum auf der Welt. Making Heimat.

Germany, Arrival Country, the DAM catalogue on the

Germany, Arrival Country, der Katalog des DAM anlässlich

occasion of the German contribution to the 15th

des Deutschen Beitrags für die Architektur-Biennale 2016

International Architecture Exhibition at the Venice Biennale

in Venedig, liefert unter anderem die dringend nötige

2016, includes the urgently needed examination of housing

Auseinandersetzung mit den Bauten zur Unterbringung

for refugees. My personal hope is that contemporary

von Flüchtlingen. Meine persönliche Hoffnung ist es,

architects remember Schiller’s dictum and design buildings

dass sich die zeitgenössischen Architekten dabei an das

in which humans can play and thus be fully human.

Diktum Schillers erinnern und Bauten entwerfen, in denen der Mensch auch spielen und so ganz Mensch sein kann.

CRISTI NA STEI NGRÄBER and the HATJE CANTZ team

Ihre CRISTINA STEINGRÄBER mit dem Team von HATJE CANTZ

HATJE C A NTZ

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News

Wir gratulieren!

Unsere Veranstaltungen und das Programm sowie alle News finden Sie unter www.hatjecantz.de You will find information about our events and the program as well as all of the latest news at www.hatjecantz.com

Auf folgenden MESSEN werden wir mit einem Stand vertreten sein

Treffen mit den Künstlern

We will have booths at the following FAIRS : ART KARLSRUHE

18.–21.2.2016

Auf den Messen bietet sich auch immer wieder Gelegenheit, Bücher signieren zu lassen und unsere Künstler kennenzulernen.

Matthias Kessler hat uns im Juni auf der Buchmesse in Basel besucht. Olivo Barbieri, Robert Voit und weitere Künstler signierten auf der Paris Photo im November. Signierte Bücher finden Sie auch auf unserer Website.

LEIPZIGER BUCHMESSE

17.–20.3.2016

LONDON BOOK FAIR

12.–14.04.16

BOOK EXPO AMERICA

11.–13.5.16 ART BASEL

16.–19.6.2016 Handbemalte Sonderausgabe von JULIAN SCHNABELS CVJ / Hand-painted special edition of JULIAN SCHNABEL’S CVJ

Meet the Artists!

Redaktionssitzung mit / Editorial meeting with FRANK HORVAT

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BUCH- und KUNSTMESSEN BOOK and ART FAIRS

Auch dieses Jahr freuen wir uns über Auszeichnungen zahlreicher Buchprojekte.

Durch die Juroren des Deutschen Fotobuchpreises wurden gleich mehrere Publikationen prämiert: Begegnungen auf Feuerland. Selk’nam, Yámana, Kawesqar.

Fotografien von Martin Gusinde 1918–1924 und Jakob Straub Roma Rotunda wurden beide mit dem Deutschen Fotobuchpreis 2016 in Silber ausgezeichnet. Arwed Messmers Reenactment MfS (ebenfalls Deutscher Fotobuchpreis 2016 in Silber) wurde zugleich auch zu einem der Bildbände des Jahres durch die Fachzeitschrift Fotoedition gekürt.

Darüber hinaus wurde Chien-Chi Changs Jet Lag vom Time Magazine zu einem der besten Fotobücher des Jahres gewählt.

Book fairs time and again provide opportunities to have books signed and to meet our artists.

Matthias Kessler visited us in June at the book fair in Basel. In November Olivo Barbieri, Robert Voit, and other photographers held book signings at the Paris Photo. Signed books can also be found on our website.

Wir werben in / We advertise in

“The best quality books.”

—T I M B U RTO N

Congratulations!

This year we are again delighted by the numerous awarded book projects. The jurors of the German Photo Book Prize honored several Hatje Cantz publications: Begegnungen auf Feuerland. Selk’nam, Yámana, Kawesqar. Fotografien von Martin Gusinde 1918–1924 and Jakob Straub’s Roma Rotunda were both awarded the silver 2016 German Photo Book Prize along with Arwed Messmer’s Reenactment MfS, which was also nominated as one of the illustrated books of the year by the trade journal Fotoedition. Moreover, Chien-Chi Chang’s Jet Lag was chosen

by Time Magazine as one of the best photo books of the year.

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E D ITION GE R D H ATJE

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Die COLLECTOR’S EDITIONS werden zur EDITION GERD HATJE COLLECTOR’S EDITION goes EDITION GERD HATJE NADAV KANDER

NEDKO SOLAKOV, Knight‘s Graffiti, 2012

I

n diesem Jahr wäre Gerd Hatje, einer der wichtigsten deutschen Verleger des 20. Jahrhunderts, 100 Jahre alt geworden. Der von ihm gegründete Hatje Cantz Verlag feiert zugleich sein 70-jähriges Bestehen.

Anlässlich dieser beiden Jubiläen lancieren wir unsere EDITION GERD HATJE. Der Kunsthistoriker Werner Spies nannte Gerd Hatje einen »gentleman publisher« und »Text- und Bilderverhexer«. Bis heute steht Gerd Hatjes Name international für zeitlos schöne Bücher und Editionen, die höchstes künstlerisches Niveau mit herausragender Qualität in Text und Grafik, Produktion und Verarbeitung verbinden. Jedes Buch ist ein mit liebevoller Sorgfalt entwickeltes Kunstwerk, ein individuelles Produkt aus intensiven Gesprächen mit Künstlern, Wissenschaftlern, Buchgestaltern, Lektoren, Übersetzern, Herstellern und vielen mehr.

T

his year, Gerd Hatje, one of the major German publishers of the 20th century, would have celebrated his 100th birthday. Founded by him, Hatje Cantz Verlag also celebrates its 70th anniversary. On the occasion of these two anniversaries we are launching EDITION GERD HATJE. The art historian Werner Spies called Gerd Hatje a “gentleman publisher” and a “text and image wizard.”

To this day, Gerd Hatje’s name stands internationally for timeless books and editions that combine the highest artistic standards with outstanding quality in text and graphics, production, and processing. Each book is an artwork developed with loving care, an individual product of intense discussions with artists, scholars, book designers, editors, translators, producers, and many more.

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E DI TI ON G E RD HATJE

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JULIAN SCHNABEL

Unsere zukünftigen Neuerscheinungen, die Backlist und weitere Informationen finden Sie auf der neuen Website www.editiongerdhatje.com Our future new releases, the backlist, and more information can be found on the new website www.editiongerdhatje.com

SEAN SCULLY

JOAN JONAS, Blue Bee, 2015

Aus unserem nicht nachlassenden Anspruch heraus, auch im digitalen Zeitalter weiterhin haptische und analoge Produkte von höchster Qualität und mit langer Beständigkeit zu schaffen, haben wir bereits seit Langem gemeinsam mit unseren Künstlern Editionen und Künstlerbücher als Collector's Editions entwickelt. Dieses Experiment wuchs zu einem großen Erfolg heran, der ab sofort nun unter dem Label EDITION GERD HATJE fortgesetzt wird. EDITION GERD HATJE ist die konsequente Fortführung des leidenschaftlichen Interesses, moderne Kunst, Architektur und Fotografie auch über das Medium Buch hinaus erfahrbar zu machen. Die ausgewählten Werke entstehen in engster Zusammenarbeit mit unseren Künstlern und erzeugen eine besondere Nähe zwischen Künstler, Verlag, Kunstwelt und Leserschaft. Die Novitäten in der EDITION GERD HATJE sind alle streng limitiert und jeweils individuell persönliche Medien der Künstler, die immer wieder neue Herangehensweisen erlauben.

Jedes in der EDITION GERD HATJE herausgegebene Werk wird in Gestaltung und Materialität, Inhalt und Darbietung unterschiedlich sein. So entstehen außergewöhnliche und einmalige Werke, auf die ich mich mit Ihnen gemeinsam freue!

ROBERT LONGO

WOLFGANG TILLMANS

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Ihre CRISTINA STEINGRÄBER

Out of undiminished drive to continue to create, even in the digital age, tactile and analog products of the highest quality and durability, together with our artists, we have for years been developing editions and artists’ books as Collector’s Editions. From now on this experiment’s great success will continue under the label EDITION GERD HATJE as the logical continuation of a passionate interest in making modern art, architecture, and photography tangible through the medium of the book. The selected works are created in close collaboration with our artists, selected a special closeness between artists, making for a special closeness between artists, publisher, the art world, and our readership. The new EDITION GERD HATJE publications are all strictly limited and respectively individualized through the personal media of each artist, allowing for new approaches again and again. Thus each work released in the EDITION GERD HATJE will vary in design and material, content and presentation. I join you in looking forward to these exceptional and unique works!

Yours, CRISTINA STEINGRÄBER

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HIGH LIGHTS

H I GH LI GHTS

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»Britain at its best«: das Schönste aus über 2 000 Ausgaben der Vogue Britain at its best: the crème de la crème from more than two thousand issues FRED ASTAIRE by ANDRÉ DE DIENES, May 1939

Die britische Vogue wird 100. Das Hochglanzmagazin war stets stilbildend, und dies weit über den Bereich der Mode hinaus. Zum 100. Jubiläum bietet dieser Prachtband anhand spektakulärer Bilder einen faszinierenden Streifzug durch ein Jahrhundert britischer Kulturgeschichte. Zu den illustren Fotografen, die diesem glamourösen Kaleidoskop seit der ersten Ausgabe im September 1916 seinen einzigartigen Charakter verliehen haben, zählen David Bailey, Cecil Beaton, Lee Miller, Irving Penn, Lord Snowdon und Mario Testino. Ein Hauptaugenmerk liegt dabei auf den Gesichtern, die zu Ikonen wurden: Künstler wie Francis Bacon, Lucian Freud, Damien Hirst und Henri Matisse; Stars von Marlene Dietrich bis Gwyneth Paltrow, von Rudolph Valentino bis zu David Beckham, prominente Frauen wie Lady Diana Cooper oder Lady Diana Spencer. Natürlich widmet sich der Band auch den Modedesignern, die das Jahrhundert definierten – Coco Chanel, Alexander McQueen und Yves Saint Laurent –, und der sich ewig wandelnden weibliche Silhouette.

Vogue 100 Hundert Jahre BritChic Hrsg. / Ed. ROBIN MUIR, Texte von / texts by NICHOLAS CULLINAN, LEON MAX, ROBIN MUIR, ALEXANDRA SHULMAN, mit historischen Beiträgen von / with historical material by ALDOUS HUXLEY, VIRGINIA WOOLF, LEE MILLER, CECIL BEATON, ANTONIA FRASER, LISA ARMSTRONG u. a. / et al.

304 S. / pp., ca. 350 Abb. / ills., 25,4 x 31 cm, Hardcover Ca. € 49,80 [D], CHF 60,80, $75.00, £45.00 ISBN 978-3-7757-4083-8 (Deutsch) Februar / February 2016

»Nervöse Leute tun gut daran, dieses Heft nicht in die Hand zu nehmen; es steckt voller aufregender Überraschungen … «

British Vogue is turning one hundred. The glossy magazine has always reflected styles—and well beyond the area of fashion. On the occasion of its centennial, this luxury volume provides a fascinating survey of a century of British cultural history with the help of spectacular images. The ranks of photographers who have lent this glamorous kaleidoscope its unique character since the first issue in September 1916 include David Bailey, Cecil Beaton, Lee Miller, Irving Penn, Lord Snowdon, and Mario Testino. The book focuses on faces that have become icons: artists such as Francis Bacon, Lucian Freud, Damien Hirst, and Henri Matisse; stars ranging from Rudolph Valentino and Marlene Dietrich to Gwyneth Paltrow and David Beckham; and prominent women such as Lady Diana Cooper or Lady Diana Spencer. The volume naturally also features the fashion designers who defined the century—Coco Chanel, Alexander McQueen, and Yves Saint Laurent among them— and reflects the ever-changing female silhouette.

AUSSTELLUNGEN / EXHIBITIONS: National Portrait Gallery, London

11.2.–22.5.2016 Manchester Art Gallery

24.6.–30.10.2016

— E R ST E AUS GA B E D E R B R I T I S C H E N VO GUE, S E PT E M B E R 1 9 1 6 ALEXANDER MCQUEEN by TIM WALKER,

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October 2009

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H I GH LI GHTS

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Das erste Buch der letzten Wahrheiten The first book of conclusive truths Nach intensiver Recherche und Analyse präsentiert das Institut für Zeitgenossenschaft IFZ in einem umfassenden Grundlagenwerk erstmalig die Ergebnisse jahrelanger Forschungsarbeit: Mit Die 100 wichtigsten Dinge gibt das IFZ ein Kompendium heraus, das sich jeglicher simplifizierenden Logik widersetzt und trotzdem schön anzusehen ist. Das Ziel: die Benennung der letzten materiellen Wahrheiten in einer endgültigen, auch für den Nicht-Wissenschaftler verständlichen Auswahl von genau 100 Dingen – den wichtigsten (!) Dingen.

Das mag zunächst wenig spektakulär anmuten, doch mit der Reduktion auf 100 Texte und 100 Fotografien stellt dieser Band den ersten Leitfaden zur Orientierung in unserer heutigen Wissensgesellschaft dar und eröffnet dem Leser eine völlig neue Perspektive auf die Welt der Dinge. Ein Buch für jeden, der mehr wissen möchte, als er bisher weiß.

Die 100 wichtigsten Dinge Institut für Zeitgenossenschaft IFZ Hrsg. / Ed. SAMIRA EL OUASSIL, TIMON KARL KALEYTA, TILMAN EZRA MÜHLENBERG, MARTIN MARTIN SCHLESINGER, Texte von / texts by KATJA EICHINGER, RAFAEL HORZON, SOPHIE HUNGER, DANIEL KEHLMANN, HOLGER LIEBS, MARKUS LÜPERTZ, MAGNUS RESCH, PETER RICHTER, CLAUDIUS SEIDL, CHRISTIANE STENGER u. a. / et al., Fotografien von / photographs by MISCHA LORENZ, Gestaltung von / graphic design by LANGESOMMER – ATELIER FÜR GRAFIKDESIGN UND TYPOGRAFIE

» D er GeistesBaedeker der modernen GroßstadtBohème.

Grandios! « —MAXIM BILLER, DAS LITER ARISCHE Q U A RT E T T

After years of intense research and analysis, the Institut für Zeitgenossenschaft IFZ is presenting its results for the first time in a comprehensive compendium: with Die 100 wichtigsten Dinge, the IFZ ventures to publish a book that defies any simplifying logic and yet has an attractive appearance. The goal: designating the conclusive material truths in a definitive and understandable—even for nonacademics—selection of exactly one hundred things— the most important (!) things.

This may initially hardly seem spectacular, yet by boiling the selection down to the number of one hundred texts and one hundred photographs, this volume constitutes the first guide for orienting oneself in today’s information society and introduces readers to a completely new perspective on the world of things. A book for everyone who wants to know more than they already do.

256 S. / pp., 100 Abb. / ills., 19,5 x 19,5 cm, Hardcover Ca. € 20,– [D], CHF 25,30, $30.00, £18.99 ISBN 978-3-7757-4114-9 (Deutsch) Januar / January 2016

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Von Little Nemo bis Krazy Kat – die Inkunabeln der Comic-Kunst wiederentdeckt Bilder für alle: die Geburtsstunde des medialen Zeitalters From Little Nemo to Krazy Kat—the first signs of comic art rediscovered Pictures for everyone: the birth of the media age Comics entstanden um 1897 in Form von farbigen Sonntagsbeilagen in den großen amerikanischen Tageszeitungen. Sie erreichten als erstes bebildertes Massenmedium zig Millionen Leser pro Tag und setzten sich sofort an die Spitze der Unterhaltungsindustrie. Lange wurde übersehen, wie innovativ und experimentell die frühen Comic-Pioniere waren und dass sich ihre Arbeiten häufig auf Augenhöhe mit der künstlerischen Avantgarde der Zeit befanden. Winsor McCay nahm ab 1905 den Surrealismus vorweg, so wie George Herriman in Krazy Kat ab 1913 Aspekte des Absurden Theaters etablierte.

Cliff Sterretts Szenarien der späten 1920er-Jahre erinnern an expressionistische Stummfilme, während Frank O. King mit Gasoline Alley das Erzählen in Echtzeit probierte.

Lyonel Feininger nicht zu vergessen, der 1906/07 mit zwei Comicserien seinen Weg zur künstlerischen Unabhängigkeit beschritt.

Pioniere des Comics Eine andere Avantgarde Hrsg. / Ed. ALEXAN DER B RAU N, MAX HOLLEI N, Vorwort von / foreword by MAX HOLLEIN, Texte von / texts by ALEXANDER BRAUN, DAVID CURRIER, THOMAS SCHEIBITZ, Gestaltung von / graphic design by ALEXANDER BRAUN Ca. 256 S. / pp., ca. 400 Abb. / ills., 24 x 31 cm, Softcover Ca. € 35,– [D], CHF 42,70, $55.00, £32.50 ISBN 978-3-7757-4110-1 (Deutsch) Juni / June 2016

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Comic strips originated in around 1897 in the form of colorful Sunday supplements in major American newspapers. They were the first illustrated mass medium to reach tens of millions of readers a day and soon ranked first in the entertainment industry. Just how innovative and experimental the early comic strip pioneers were and that their works were on a par with the artistic avant-garde of the period went without notice for a long time. Beginning in 1905, Winsor McCay prefigured Surrealism, just as George Herriman established aspects of Absurd Theater in Krazy Kat (starting in 1913). Cliff Sterrett’s scenarios from the late twenties recall Expressionist silent films, while Frank King tested the real-time narrative with Gasoline Alley. Not to forget Lyonel Feininger, who in 1906/07 tread the path of artistic independence with two comic strips.

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Schirn Kunsthalle Frankfurt

17.6.–18.9.2016

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JeanDubuffet

Ein schillernder Revolutionär der Kunst in all seinen Facetten

JeanDubuffet

FONDATION BEYELER

FONDATION BEYELER

Jean Dubuffet Metamorphosen der Landschaft / Metamorphoses of Landscape Hrsg. / Ed. Fondation Beyeler, Riehen/Basel, RAPHAËL BOUVIER, Texte von / texts by RAPHAËL BOUVIER, SOPHIE BERREBI, CHRISTINE BURGER, MICHEL DRAGUET, ANDREAS FRANZKE, CATHERINE ISELIN, SARAH SUZUKI Gestaltung von / graphic design by HEINZ HILTBRUNNER Ca. 232 S. / pp., ca. 160 Abb. / ills., 27,4 x 31 cm, Softcover Ca. € 58,– [D], CHF 70,80, $65.00, £45.00 ISBN 978-3-7757-4098-2 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4099-9 (English) Februar / February 2016

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A versatile revolutionary of art in all of his facets AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Fondation Beyeler, Riehen/Basel

31.1.–8.5.2016 Jean Dubuffet (1901–1985) gelang es mit seiner wegweisenden, nicht zuletzt von Werken künstlerischer Außenseiter inspirierten Bildsprache, sich von Traditionen zu lösen und die Kunst gleichsam neu zu erfinden.

Dubuffets Einfluss ist auch in der zeitgenössischen Kunst und Street Art noch zu spüren, beispielsweise bei David Hockney, Jean-Michel Basquiat und Keith Haring. Den Ausgangspunkt dieser Retrospektive des vielschichtigen Œuvre bildet Dubuffets faszinierende Vorstellung von Landschaft, die sich bei ihm auch in Körper, Gesicht und Objekt verwandeln kann. Er experimentierte mit neuen Techniken und Materialien wie Sand, Schmetterlingsflügeln, Schwämmen und Schlacke und schuf dabei ein einzigartiges Bilduniversum. Neben bedeutenden Gemälden und Skulpturen aus allen wichtigen Schaffensphasen des Künstlers zeigt der Band auch Dubuffets spektakuläres Gesamtkunstwerk Coucou Bazar, in dem Malerei, Skulptur, Theater, Tanz und Musik zusammenfinden.

»Schöne Landschaften interessieren mich nicht.

Ich mag Orte ohne Schönheit, ohne alles Pittoreske …« – J E A N D U B U F F E T

With his pioneering visual language, not least inspired by the work of artists on the margins of the cultural scene, Jean Dubuffet (1901–1985) succeeded in disengaging himself from traditions and reinventing art, so to speak. Dubuffet’s influence can also still be felt in contemporary art and Street Art, for example in work by David Hockney, Jean-Michel Basquiat, and Keith Haring. The point of departure for this presentation of the artist’s multilayered oeuvre is Dubuffet’s fascinating notion of landscape, which can also change into a body, a face, an object. He experimented with new techniques and materials, such as sand, butterfly wings, sponges, and slag, creating a unique pictorial universe.

Besides important paintings and sculptures from all of the artist’s creative phases, the volume also features Dubuffet’s spectacular Coucou Bazar, a synthesis of the arts in which painting, sculpture, theater, dance, and music converge.

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»Ich bin aufgewachsen in einem kleinen Dorf auf der anderen Seite des Rheins.

Der Fluss war zu Fuß in einer halben Stunde erreichbar. Wandernd durch eine Allee voller hoher Bäume sah man schon von Weitem das silbern schimmernde Band des Flusses, das zugleich Ziel, Ende der Wanderschaft und Verheißung auf ein anderes, ein geheimnisvolles Land am anderen Ufer des Flusses war.« – A N S E L M K I E F E R

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Albertina, Wien / Vienna

18.3.–19.6.2016

Die Holzschnitte von Anselm Kiefer erstmals in einem Band The woodcuts by Anselm Kiefer, concentrated for the first time in one volume

Anselm Kiefer Die Holzschnitte / The Woodcuts Hrsg. / Ed. ANTONIA HOERSCHELMANN, Vorwort von / foreword by KLAUS ALBRECHT SCHRÖDER, Texte von / texts by PETER SLOTERDIJK, WERNER SPIES, Interview von / interview by ANTONIA HOERSCHELMANN mit / with ANSELM KIEFER, Gestaltung von / graphic design by KLAUS GÖLTZ Ca. 160 S. / pp., ca. 71 Abb. / ills., 24 x 30 cm, Hardcover Ca. € 39,80 [D], CHF48,60, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4100-2 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4101-9 (English) März / March 2016

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Wie kaum ein anderer deutscher Gegenwartskünstler hat Anselm Kiefer sich mit der Geschichte seines Landes auseinandergesetzt und im Kontext mit mythologischen, religiösen und philosophischen Themen vieldeutige Kunstwerke geschaffen. Subtile Schichtungen, die abwechselnd überdecken und aufdecken, die das Wissen über die unabdingbare Verwandlung und Auflösung aller Materie in sich tragen – monumental und materialbezogen zugleich. Diese grundlegenden Elemente prägen auch seine Holzschnitte. Der Katalog zur gleichnamigen Retrospektive der Albertina setzt sich nun erstmals umfassend mit diesen grafischen Arbeiten auseinander. Über 35 der wichtigsten Bildzyklen und Themengruppen veranschaulichen die Vielfalt, die es zu entdecken gilt: von den ersten Werken – auch in traditionellem Buchformat – über die faszinierenden großformatigen Arbeiten zum Thema Brunhilde: Grane und den Wegen der Weltweisheit: Die Hermannsschlacht bis hin zum Werkblock der Rhein-Bilder.

Unlike hardly any other contemporary German artist, Anselm Kiefer has rendered the horrors of recent history and created profound works of art with mythological, religious, and philosophical themes. Subtle layers that alternately cover as well as uncover one another; that contain the knowledge of the inevitable transformation and dissolution of all matter—monumental and material-related at once. All of these fundamental elements that also inform his woodcuts. The catalogue accompanying the retrospective of the same name at the Albertina now thoroughly deals with these for the first time. More than thirty-five major works comprise the most important cycles and thematic groups and demonstrate the variety to be discovered: from the first works also in the traditional book format and the fascinating large-format works on the theme Brunhilde: Grane, to the Ways of Worldly Wisdom: Arminius’s Battle and the ensemble of Rhine woodcuts.

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Imposant und weitreichend: ein Überblick über die dynamische Entwicklung der Skulptur von der Moderne bis zur Gegenwart Imposing and educational: an overview of the dynamic development of sculpture from the modern period to the present Ausgehend von Spätwerken Constantin Brancusis und Alberto Giacomettis illustriert dieser einzigartige Überblicksband die spannenden und vielschichtigen Entwicklungen des sehr dynamischen Mediums der Skulptur.

Anhand ausgewählter Beispiele wird gezeigt, wie die klassische Vorstellung und Form von Skulptur in Bewegung geriet, abstrakter wurde, sich dem banalen Alltagsobjekt annäherte, räumlich oder konzeptuell entgrenzte oder auch in der Rückbesinnung auf die figurative Tradition neu konstituierte. Die lange und hochkarätige Liste der präsentierten Künstler in der Eröffnungsausstellung des erweiterten Kunstmuseums Basel reicht von Pablo Picasso, Henry Moore oder Alexander Calder bis zu Bruce Nauman und Damien Hirst. Ein vielschichtiger Parcours mit bedeutenden Leihgaben aus internationalen Museen und Privatsammlungen sowie Sammlungswerken aus dem Kunstmuseum Basel eröffnet ein dichtes, überaus reiches Spannungsfeld.

Sculpture on the Move 1946–2016 Hrsg. / Ed. KU NSTMUSEUM BASEL, B ER N HAR D MEN DES BÜ RGI, Texte von / texts by SIMON BAIER, BERNHARD MENDES BÜRGI, MARKUS KLAMMER, MALIKA MASKARINEC, ANDREI POP u. a. / et al., Gestaltung von / graphic design by SOFIE’S KOMMUNIKATIONSDESIGN Ca. 240 S. / pp., ca. 140 Abb. / ills., 20 x 26,5 cm, Hardcover Ca. € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4070-8 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4071-5 (English) April 2016

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What new paths have sculptors opened up since the end of World War II? Based on late works by Constantin Brancusi and Alberto Giacometti, this unique comprehensive volume illustrates the exciting and multifaceted developments in this dynamic art form. It demonstrates how the classic notion of form and sculpture was set in motion, became more abstract, was brought closer to the ordinary everyday object, dissolved spatial or conceptual boundaries, or even reconstituted itself by returning to figurative traditions.

The long and top-class list of the artists being presented ranges from Pablo Picasso, Henry Moore, and Jean Tinguely to Franz West, Damien Hirst, and Monika Sosnowska. On the basis of selected works from the Kunstmuseum Basel and outstanding loans from international museums and private collections, the tour opens up a dense, extremely rich world of contrasts.

AUSSTELLUNG / EXHIBITION:

Die vorgestellten KÜNSTLER (Auswahl) / Featured ARTISTS (selection):

Kunstmuseum Basel

19.4.–18.9.2016

Absalon, Carl Andre, Jean Arp, Max Bill, Louise Bourgeois, Constantin Brancusi, Alexander Calder, John Chamberlain, Eduardo Chillida, Peter Fischli und David Weiss, Katharina Fritsch, Alberto Giacometti, Robert Gober, Duane Hanson, Eva Hesse, Damien Hirst, Donald Judd, Mike Kelley, Jeff Koons, Mario Merz, Henry Moore, Bruce Nauman, Claes Oldenburg, Gabriel Orozco, Pablo Picasso, Charles Ray, Richard Serra, Monika Sosnowska, David Smith, Jean Tinguely, Oscar Tuazon, Danh Vo, Franz West

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Ein neues Haus für die Kunst von Christ & Gantenbein A new building for art by Christ & Gantenbein

Kunstmuseum Basel, Neubau Kunstmuseum Basel, New Building

Das Kunstmuseum Basel eröffnet im April 2016 seinen Neubau und gewinnt damit rund ein Drittel an zusätzlicher Ausstellungsfläche. Entworfen vom Architekturbüro Christ & Gantenbein, steht das Gebäude ganz im Dienste der Kunst – ein Solitär in seiner Erscheinungsform und doch eng verbunden mit dem Kunstmuseum, sowohl formal als auch durch einen unterirdischen Verbindungstrakt.

Mit dieser Publikation wird das Gebäude erstmals in all seinen Facetten vorgestellt. In ausführlichen Texten erläutern der Direktor des Kunstmuseums Basel, Bernhard Mendes Bürgi, und der Architekt Emanuel Christ das Konzept sowie inhaltliche und künstlerische Aspekte dieses neuen Gebäudes; Mechtild Widrich betrachtet es im allgemeinen Kontext der Museumsarchitektur.

Grundrisszeichnungen und eine umfangreiche Bebilderung komplettieren den Überblick.

In April 2016, the Kunstmuseum Basel is opening its new building, increasing its exhibition space by approximately two thirds. Designed by the architectural office Christ & Gantenbein, the building is completely in the service of art—solitary in its outward appearance, it is nevertheless closely linked to the Kunstmuseum, both in formal terms as well as by means of an underground connecting tract.

This publication introduces the building in all of its facets for the first time. In extensive texts, the director of the Kunstmuseum Basel, Bernhard Mendes Bürgi, and the architect Emanuel Christ describe the concept as well as the content-related and artistic aspects of this new building; Mechtild Widrich looks at it in the general context of museum architecture. Layout drawings and numerous illustrations complete the overview.

GEÖFFNET AB / OPEN STARTING:

19.4.2016

Hrsg. / Ed. Kunstmuseum Basel, BERNHARD MENDES BÜRGi, Texte von / texts by BERNHARD MENDES BÜRGI, EMANUEL CHRIST, MECHTILD WIDRICH, Fotografien von / photographs by STEFANO GRAZIANI, Gestaltung von / graphic design by MARIE LUSA Ca. 120 S. / pp., ca. 60 Abb. / ills., 21 x 26 cm, Hardcover Ca. € 29,80 [D], CHF 36,70, $45.00, £26.99 ISBN 978-3-7757-4090-6 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4091-3 (English) April 2016

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CHRIST & GANTENBEIN Das Architekturbüro

The Basel-based

Christ & Gantenbein

architectural office

mit Sitz in Basel wurde

Christ & Gantenbein

1998 gegründet. Ihre

was founded in

Bauaufgaben reichen

1998. Their building

von Museumsbau

projects range from

bis hin zu Wohn- und

museums to residential

Bürobauten.

and office buildings.

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“ To me the most important thing in composition is disparity. ”

– ALEXANDER CALDER AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Fondation Beyeler, Riehen/Basel

29.5. – 4.9.2016 In exemplarischer Weise haben der US-amerikanische Künstler Alexander Calder (1898–1976) und die Schweizer Künstler Peter Fischli (*1952) und David Weiss (1946– 2012) Formulierungen gefunden, einen Moment des fragilen Gleichgewichts – einen zugleich prekären und verheißungsvollen temporären Zustand – in ihrer Kunst darzustellen. Mit Calders bahnbrechender Erfindung des Mobiles in den frühen 1930er-Jahren und mit Fischli/ Weiss’ kreativer Zusammenarbeit, die 1979 begann, verliehen die Künstler dem Thema der fragilen Balance eine ikonische Form auf eine jeweils ganz andere Weise. Auf den ersten Blick scheinen ihre Werke völlig unterschiedlich zu sein, doch bei näherer Betrachtung erweisen sie sich als zwei Seiten einer Medaille, als Ergebnis unterschiedlicher Perspektiven auf das gleiche Thema zu verschiedenen Zeiten. Dieser aufwendig gestaltete, reich bebilderte Katalog gewährt mit seinen begleitenden Essays einen umfassenden Einblick in beide Œuvres.

The American artist Alexander Calder (1898–1976) and Swiss artists Peter Fischli (*1952) and David Weiss (1946–2012) have sought and found quintessential ways of rendering a moment of fragile balance in art— a temporary state at once precarious and propitious.

With Calder’s groundbreaking invention of the mobile in the early nineteen thirties, and Fischli/Weiss’s collaborative creative work from 1979 onwards, these artists each lent the theme of fragile balance an iconic form of a very different kind. At first glance, both positions could hardly be more different; later, however, they proved to be two sides of the same coin, the result of different perspectives on the same theme at different times.

The elaborately designed, richly illustrated catalogue with accompanying essays provides extensive insight into both oeuvres.

Alexander Calder & Fischli / Weiss Hrsg. / Ed. FONDATION BEYELER, Riehen/Basel, THEODORA VISCHER, Gestaltung von / graphic design by TEO SCHIFFERLI Ca. 210 S. / pp., ca. 180 Abb. / ills., 24,5 x 30,5 cm, Hardcover Ca. € 58,– [D], CHF 62,50, $ 85.00, £55.00 ISBN 978-3-7757-4126-2 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4127-9 (English) Juni / June 2016

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» Am Schönsten ist das Gleichgewicht, kurz bevor’s zusammenbricht.« – F I S C H L I / W E I S S 25

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Kunst und Künstler in Bewegung Art and artists in motion The Sense of Movement. When Artists Travel ist eine reich bebilderte Zusammenstellung über Kunst und Künstler in Bewegung. Die Publikation untersucht die unterschiedlichen Beweggründe und Ziele von Künstlerreisen im Laufe der Kunstgeschichte. Von langen und oft beschwerlichen Reisen der Renaissancemaler, die sich auf die Suche nach neuen Sujets und Mäzenen machten, bis hin zu zeitgenössischen Künstlern, die sich – immerzu in Bewegung – mittlerweile in einer globalisierten Kunstwelt zurechtfinden. Der Zweck und die Bedeutung des Reisens werden dabei von jeder Künstlergeneration neu gestaltet. Anhand von 70 herausragenden Projekten, mit aufschlussreichen Kommentaren und einer Fülle von Farbabbildungen versehen, vermittelt diese Publikation die Faszination und Bedeutung sowie Tragweite von Künstlerreisen.

The Sense of Movement. When Artists Travel erscheint anlässlich der BMW Art Journey, einer globalen Kunstinitiative der Art Basel und von BMW, die Künstler auf kreative Entdeckungsreisen schickt.

A richly illustrated compilation about art and artists in motion, The Sense of Movement: When Artists Travel surveys the countless motivations and destinations that have defined the intersection of art and travel through art history.

From Renaissance painters’ lengthy and often arduous journeys in search of new subjects and patrons, to today’s constant movement of artists through a globalized art world, the purpose and meaning of travel have been reconfigured anew in the imaginations of each successive generation of artists. Highlighting seventy iconic projects with insightful commentary and an abundance of color illustrations, this book conveys the excitement and meaning, as well as the significance of artists’ journeys.

The Sense of Movement: When Artists Travel is published on the occasion of the BMW Art Journey, the global art initiative of Art Basel and BMW, which sends artists on journeys of creative discovery.

ONLINE INTERVIEW:

The Sense of Movement When Artists Travel Hrsg. / Ed. BMW Group Munich, ANDRÁS SZÁNTÓ, Texte von / texts by THOMAS GI RST, MARC SPI EGLER, U RSU LA STRÖB ELE, LAWRENCE WESCHLER, Gestaltung von / graphic design by DORTEN 200 S. / pp., 90 Abb. / ills, 17,5 x 24 cm, Softcover € 29,80 [D], CHF 36,70, $45.00, £26.99 ISBN 978-3-7757-4065-4 (English) Dezember / December 2015

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“Artists have to be willing to go out there, deep into reality, in order to bring the thing back whole . ” — L AW R E N C E W ES C H L E R

Die vorgestellten KÜNSTLER (Auswahl) / The featured ARTISTS (selection):

Thomas Girst & Cristina Steingräber www.hatjecantz.de

Marina Abramović Bas Jan Ader Max Beckmann Joseph Beuys Sophie Calle Paul Gauguin Olafur Eliasson Robert Frank Paul Klee Richard Long August Macke Ai Weiwei 27

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Robert Longo im Dialog mit Meisterwerken des Abstrakten Expressionismus Robert Longo in a dialogue with masterpieces of Abstract Expressionism Im Mittelpunkt dieses Katalogs stehen Robert Longos jüngste Serien von Kohlezeichnungen nach bekannten Gemälden des Abstrakten Expressionismus. Die in Kohle wiedergegebenen Originalgemälde lassen sich auf den ersten Blick erkennen, doch es sind die übersehenen oder kaum wahrnehmbaren Details der komplexen Oberfläche, der Taktilität der Farbe, der Pinselstriche und des Musters der Leinwand, die Longo bei seiner Übertragung von farbig in schwarz-weiß, von Farbe in Kohle sichtbar gemacht hat.

Longos Zeichnungen befassen sich mit seiner ambivalenten Haltung zur Malerei und mit der historischen Bedeutung des Abstrakten Expressionismus in kunsthistorischen und kulturellen Kontexten.

Neben den abstrakt-expressionistischen Zeichnungen präsentiert das Buch Longos gewaltige 7-teilige Zeichnung des Kapitols in Washington, D. C. und eine 5,18 Meter hohe, mit Wachs beschichtete schwarze Skulptur der amerikanischen Flagge, die zu Boden zu stürzen oder durch ihn hindurchzufallen scheint.

Robert Longo Text von / Text by ANDREW DURBIN, Gestaltung von / graphic design by ÅBÄKE Ca. 300 S. / pp., ca. 250 Abb. / ills., 16 x 24 cm, Hardcover Ca. € 48,– [D], CHF 58,60, $55.00, £45.00 ISBN 978-3-7757-4107-1 (English) April 2016

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Ebenfalls lieferbar / Also available

Robert Longo Charcoal ISBN 978-3-7757-3196-6 (English) € 78,– [D], CHF 95,20, $120.00, £70.00

Robert Longo Stand ISBN 978-3-7757-3814-9 (Deutsch, English)

Nur € 20,- statt € 35,€ 20,– [D], CHF 25,30, $30.00, £18.99

This catalogue focuses on Robert Longo’s recent series of charcoal drawings of well-known Abstract Expressionist paintings. Rendered in charcoal, the original paintings are immediately recognizable, but it is the overlooked or imperceptible details of the complex surface, the tactility of the paint, the brushstrokes and the pattern of the canvas that Longo has made visible in his translation from color to black and white, paint to charcoal. Exploring his ambivalence toward painting, Longo’s drawings address the historical magnitude of Abstract Expressionism in art historical and cultural contexts.

Along with the Abstract Expressionist drawings, the book includes Longo’s enormous seven-panel drawing of the U.S. Capitol building and a seventeen foot tall black wax surfaced sculpture of an American flag that appears to collapse into or fall through the floor.

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Endlich wieder lieferbar, jetzt als Softcoverausgabe Die bahnbrechenden abstrakten Fotografien des Turner-Preisträgers Finally available again, now as a softcover edition The ground-breaking abstract photographs by the Turner Prize winner Neben seinen stilbildenden Porträts, Partybildern und Stillleben, mit denen er in den 1990er-Jahren bekannt wurde, haben Wolfgang Tillmans (*1968 in Remscheid) schon früh abstraktere Motive beschäftigt. In konsequenter Weiterentwicklung entstanden im vergangenen Jahrzehnt vollkommen ungegenständliche, Belichtungsprozess und Bildträger thematisierende Arbeiten. Von den feinen Farbschlieren der Blushes und Freischwimmer über die Paper Drops, die gerolltes Fotopapier als skulpturales, geheimnisvolles Objekt präsentieren, bis zu den farblich fesselnden Arbeiten der Lighter-Serie wird das der Abbildfunktion weitestgehend enthobene Foto selbst zum Kunstobjekt, wie das vorliegende, vom Künstler selbst gestaltete Buch eindrucksvoll demonstriert.

Apart from his seminal portraits, party images, and still lifes that gained him recognition in the nineties, Wolfgang Tillmans (*1968 in Remscheid) long ago began dealing with more abstract motifs. In the past decade he has consistently developed his approach to create totally non-representational works that examine themes such as the process of exposure and image supports. From the delicate veils of color in Blushes and Freischwimmer or the sculptural paper drops made of rolled-up photographic paper, to the colorfully compelling works of the Lighter series, the photograph itself—essentially divorced from its reproductive function—becomes the objet d’art, as the book here, designed by the artist himself, impressively demonstrates.

Wolfgang Tillmans Abstract Pictures Texte von / Texts by DOMINIC EICHLER, WOLFGANG TILLMANS, Gestaltung von / graphic design by WOLFGANG TILLMANS 384 S. / pp., 312 Abb. / ills., 29,7 x 27,5 cm, Softcover € 39,80 [D], CHF 48,60, $50.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4081-4 (Deutsch, English) Lieferbar / Available

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“ I use whatever the photographic medium offers to me to make contemporary pictures.

I have yet to reach its limits . ” – WO L F GA N G T I L L M A N S 31

Das neue James-Bond-Archiv von Taryn Simon The new James Bond archive

by Taryn Simon 1936 veröffentlichte ein amerikanischer Ornithologe namens James Bond die maßgebliche Studie zur Vogelwelt der Karibik. Ian Fleming, selbst begeisterter Vogelliebhaber, übernahm den Namen für seinen Titelhelden. Er fand ihn »flach und farblos«, passend für ein »anonymes … stumpfes Werkzeug in den Händen einer Regierung«. Für Field Guide to Birds of the West Indies schlüpft Taryn Simon (*1975) in die Rolle des originalen James Bond und identifiziert, fotografiert und klassifiziert jeden einzelnen Vogel in allen 24 James-Bond-Filmen. Viele davon tauchten ungeplant auf und blieben unbemerkt – sie bilden lediglich eine Art Hintergrundrauschen des Films, in den sie zufällig geflogen waren. Simons ornithologische Entdeckungen finden in einer Grauzone statt – einerseits innerhalb des James-BondUniversums, andererseits völlig außerhalb. Ihre Taxinomie von 331 Vögeln ist somit die präzise Betrachtung einer neuartigen Natur, vorgefunden in einer parallelen Realität.

In 1936, an American ornithologist named James Bond published the definitive taxonomy Birds of the West Indies.

Ian Fleming, an active bird-watcher living in Jamaica, appropriated the name for his novel’s lead character. He found it “flat and colourless,” a fitting choice for a character intended to be “anonymous . . . a blunt instrument in the hands of the government.”

Taryn Simon Field Guide to Birds of the West Indies Texte von / Texts by DANIEL BAUMANN, NICO BAUMBACH, Gestaltung von / graphic design by JOSEPH LOGAN, TARYN SIMON Ca. 636 S. / pp., ca. 367 Abb. / ills., 19,2 x 29 cm, Hardcover Ca. € 78,– [D], CHF 95,20, $120.00, £70.00 ISBN 978-3-7757-4092-0 (English) Januar / January 2016

In Field Guide to Birds of the West Indies, Taryn Simon (*1975) casts herself as James Bond (1900–1989) the ornithologist, and identifies, photographs, and classifies all the birds that appear within the twenty-four films of the James Bond franchise. The appearance of many of the birds was unplanned and virtually undetected, operating as background noise for whatever set they happened to fly into. Simon’s ornithological discoveries occupy a liminal space—confined within the fiction of the James Bond universe and yet wholly separate from it. This taxonomy of 331 birds is a precise consideration of a new nature found in an alternate reality.

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B EI DE BÄN DE VON DER KÜ NSTLER I N SIGN I ERT!

Nur 300 Exemplare!

Signiert und nummeriert im Schuber oder in der Edition Gerd Hatje mit originalen Fotoabzügen der Künstlerin B OTH VOLUMES HAVE B EEN SIGN ED BY TH E ARTIST!

Only 300 copies!

Signed and numbered in a slipcase or in the Edition Gerd Hatje with original photographic prints by the artist

AN INVENTORY

WOMEN, WEAPONS, AND VEHICLES FROM OF THE

Taryn Simon

Taryn Simon

An American Index of the Hidden and Unfamiliar

Contraband

ISBN 978-3-7757-3506-3

ISBN 978-3-7757-3971-9

Taryn Simon ist eine der renommiertesten zeitgenös­sischen Fotokünstlerinnen mit Einzelausstellungen in der ganzen Welt, unter anderem in der Nationalgalerie in Berlin, im Jeu de Paume in Paris.

Ihre künstlerische Praxis beinhaltet ausgiebige Recherchen; ihre Projekte verbindet ein ausgeprägtes Interesse an Kategorisierungen und Klassifizierungen. Folgende oben vorgestellte Publikationen sind derzeit bei uns erhältlich.

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JAMES BOND

Taryn Simon Birds of the West Indies

ISBN 978-3-7757-3663-3

Taryn Simon is one of the most prestigious contemporary photographic artists with solo exhibitions across the world. From the Neue Nationalgalerie in Berlin to Jeu de Paume in Paris and many more. Her artistic practice includes extensive research; her projects combine a keen interest in categorizations and classifications. The following publications listed above are presently available through us.

Taryn Simon Set aus / Set containing: Birds of the West Indies Field Guide to Birds of the West Indies Ca. 1076 S. / pp, ca. 577 Abb. / ills., 20,5 x 29,7 cm, Set aus 2 Bänden / set of 2 volumes, in Schuber in Lederoptik / in leatherlike slipcase

Please find more information at www.editiongerdhatje.com

Ca. € 350,– [D], CHF 427,00, $315.00, £525.00 ISBN 978-3-7757-4140-8 (English) Februar / February 2016

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»Wer das vergisst, was während der faschistischen Zeit geschah, der kann gezwungen sein, das Geschehene wieder erleben zu müssen .« – A DA M KÖ N I G

Stefan Hanke KZ überlebt Texte von / Texts by STEFAN HANKE,

Jeder neue Tag barg für Stefan Hanke (*1961 in Regensburg) die Gefahr, einen Menschen weniger kennenlernen zu können, der eine der größten Katastrophen der Menschheitsgeschichte überlebt hat, die in Europa je stattgefunden haben. Beinahe elf Jahre reiste der Fotograf für sein Projekt Tausende von Kilometern, um die letzten Überlebenden der nationalsozialistischen Konzentrationslager zu treffen. Bei diesen intensiven Begegnungen entstanden Aufnahmen, die uns Geschichte(n) äußerst reflektiert näherbringen. So traf Hanke auf die polnische Schriftstellerin Zofia Posmysz am Morgen nach ihrer Verleihung des Bundesverdienstkreuzes in einer Baracke des ehemaligen Frauenlagers AuschwitzBirkenau. Den Prager Pavel Stránský hingegen fotografierte er im Nürnberger Justizpalast, wo sich von 1945 bis 1949 die führenden Vertreter des NS-Regimes vor Gericht verantworten mussten. Hankes Bilder sind keine Dokumentationen, sondern Interpretationen dieser bewegenden Begegnungen.

For Stefan Hanke (*1961 in Regensburg), each new day harbored the danger of being able to meet one less person who had survived one of the greatest disasters in the history of humankind to occur in Europe. For his project, the photographer traveled thousands of kilometers in order to meet the last survivors of National Socialist concentration camps. Photographs were created during these intense encounters that relate stories and give us an understanding of history in a highly insightful way. Hanke met with the Polish writer Zofia Posmysz the morning after she received The Order of Merit of the Federal Republic of Germany in a barrack at the former women’s concentration camp in Auschwitz-Birkenau. And he took pictures of the Praguer Pavel Stránský in the Nuremberg Palace of Justice, where the leading representatives of the Nazi regime stood trial between 1945 and 1949. Hanke’s photographs do not have documentary character but are instead interpretations of these gripping encounters.

Gestaltung von / graphic design by ANDREAS PLATZGUMMER Ca. 264 S. / pp., ca. 122 Abb. / ills., 22 x 33 cm, Hardcover Ca. € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00

ISBN 978-3-7757-4020-3 (Deutsch) März / March 2016

AUSSTELLUNGEN / EXHIBITIONS: Dokumentationszentrum Reichsparteitagsgelände Nürnberg, Juli / July–Oktober / October 2016 Gedenkstätte Theresienstadt, Tschechien, April–Juli / July 2016 Gedenkstätte Auschwitz / Birkenau, Polen, Januar / January–Februar / February 2017 Kunst-und Gewerbeverein e.V. Regensburg, 25.3.–30.4.2017 SOWIE WEITERE STATIONEN / AND FURTHER VENUES

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POTSDAMER BAHNHOF / STRESEMANNSTRASSE 52° 30’ 29,67’’ N, 13° 22’ 39,49’’ 0 52.50824183, 13.37763548 BArch, DVH 60 Bild-GR35-08-049 bis 057 / ohne Angaben

[POTSDAMER BAHNHOF, 20.15 Uhr] Einer der Posten wird von zwei Männern mit Katapulten beschossen. Er bleibt unverletzt.

[POTSDAMER BAHNHOF STATION, 8.15 p.m.]

One of the sentries is shot by two men with catapults. He is not injured.

Die zweibändige, erweiterte Neuausgabe des vielfach rezensierten Buches Aus anderer Sicht The new, two-volume, expanded editon of the much-reviewed book The Other View

Inventarisierung der Macht Taking Stock of Power Die Berliner Mauer aus anderer Sicht / An Other View of the Berlin Wall Hrsg. / Ed. ARWED MESSMER, ANNETT GRÖSCHNER, Texte von / texts by GREG BOND, OLAF BRIESE, FLORIAN EBNER, MATTHIAS FLÜGGE, ANNETT GRÖSCHNER, ARWED MESSMER, Gestaltung von / graphic design by CARSTEN EISFELD

Gefördert durch die / Funded by the

Ca. 1100 S. / pp., ca. 1450 Abb. / ills., 21 x 29,7 cm, Hardcover, 2 Bände, in Schuber / 2 volumes, in slipcase Ca. € 98,– [D], CHF 116,60, $150.00, £90.00 ISBN 978-3-7757-4095-1

In unserem kollektiven Gedächtnis ist die Berliner Mauer ein Band aus Beton. 1966 aber bildeten Hausmauern, Zementplatten, Drahtzäune und Stacheldrahtverhaue die Grenze. Dieser frühen Berliner Mauer widmen sich der Fotograf Arwed Messmer und die Schriftstellerin Annett Gröschner in ihrem Langzeitprojekt. Ausgangsmaterial waren Fotografien, die von den DDR-Grenztruppen angefertigt wurden. In ihrem preisgekrönten Vorgängerband präsentierten die Autoren den innerstädtischen Mauerstreifen. 2012 stießen sie auf ein weiteres, ebenso umfangreiches Bildkonvolut. In der neuen zweibändigen Ausgabe zeigen sie nun mit rund 700 Panoramen aus 3000 Einzelbildern den gesamten Verlauf der Mauer um Westberlin. Ergänzt werden die Panoramen durch weiteres bearbeitetes Material aus dem Bundesarchiv. So vollendet sich ein Projekt von »dokumentarischer Empathie« (Florian Ebner), von dem der Fotokritiker Gerry Badger sagte, ihm gelänge es, »die Interpretation historischer Fakten in einem kreativen Akt in ein künstlerisches Werk zu verwandeln«.

In our collective memory, the Berlin Wall is a monolithic concrete barrier, but back in 1966 it was a motley ensemble of the walls of buildings, concrete and cement slabs, and barbed-wire mesh. Photographer Arwed Messmer and author Annett Gröschner have embarked on a long-term project on this “early Berlin Wall,” based on thousands of historical photographs taken by East German border troops.

Their first award-winning book presented the inner-city border strip. In 2012 they came across another extensive collection of hitherto unknown photographs. In a new two-volume edition with around seven hundred panoramas compiled from three thousand single images, Messmer and Gröschner now present the entire circumference of the Wall around West Berlin. The panoramas are supplemented by additional material from the German Federal Archives.

This completes a project of “documentary empathy” (Florian Ebner), which photo critic Gerry Badger saw as “transforming the interpretation of historical facts into a work of art in a creative act.”

und die / and the

(Deutsch, English) Mai / May 2016

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Haus am Kleistpark, Berlin

26.5.–13.8.2016 38

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Schön und so beunruhigend: Fotografien der reichsten 1% unseres Planeten Beautiful but troubling: photographs of the wealthiest 1% on our planet Sich einfach mal im Infinity Pool auf der Dachterrasse des 57-stöckigen Marina Bay Sands Hotels treiben lassen und das Hintergrundrauschen aus Singapurs beeindruckendem Hochhausmeer genießen. Oder nach einer ausgedehnten Ballonfahrt über Kenias Wildparks auf einer privaten Champagnerparty in Empfang genommen werden. Die aufwendigen Vergnügungen des reichsten Prozents der Erdbevölkerung stehen im extremen Gegensatz zum Leben der restlichen 99 Prozent. Die sich immer weiter öffnende Schere in Bildern zu beschreiben und nachdrücklich vor Augen zu halten, ist eine Herausforderung, der sich Nina Berman, Peter Bialobrzeski, Guillaume Bonn, Mikhael Subotzky und viele weitere Fotografen stellen. Der Band versammelt ihre Arbeiten, um der Diskrepanz der unterschiedlichen Lebensverhältnisse in krassen Kontrasten eine visuelle Evidenz zu verleihen, die ebenso faszinierend wie schockierend sein kann.

1% Privilege in a Time of Global Inequality Hrsg. / Ed. Myles Little, Texte von / texts by GEOFF DYER, JOSEPH STIGLITZ, Gestaltung von / graphic design by JULIA WAGNER, grafikanstalt 80 S. / pp., ca. 50 Abb. / ills., 29,2 x 29,2 cm, Hardcover Ca. € 35,– [D], CHF 42,70, $55.00, £32.50 ISBN 978-3-7757-4094-4 (English) Dezember / December 2015

“These photographs vividly capture some of the symptoms of this worldwide disease, and highlight the imperative to combat it.”

– J OS E P H ST I G L I T Z , N O B E L L AU R E AT E

To be able to simply drift in the infinity pool on the roof terrace of the fifty-seven-floor Marina Bay Sands Hotel, while in the background you can enjoy the urban soundscape of Singapore’s imposing sea of high-rises.

Or to be personally welcomed to a private champagne party after an extended hot-air balloon ride over the Kenyan wilderness. The extravagant pleasures of the wealthiest one percent of the earth’s population represent an extreme contrast to those of the remaining ninety-nine. Describing the gaping disparities in images is a challenge that has been taken up by Nina Berman, Peter Bialobrzeski, Guillaume Bonn, Mikhael Subotzky, and many others photographers.

The volume assembles their works for the purpose of lending visual evidence to the blatant discrepancy between people’s living conditions, which can be as fascinating as it is shocking.

Umfangreiche Ausstellungsübersicht auf / Extensive exhibition overview at

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“ L agosPhoto is more than just an exhibition for a month.

We’re building a growing community in this superenergetic and frenetic city.

That’s how to create alchemy so that magic can happen.”

– A Z U N WAG B O G U

Der erste Überblicksband zur kreativen Fotoszene Afrikas The first survey of Africa’s creative photography scene

Africa Under the Prism Contemporary African Photography from LagosPhoto Festival Texte von / Texts by JOSEPH GERGEL, CHIMAMANDA NGOZI ADICHIE, AZU NWAGBOGU, MARC PRÜST, SAHARA GROUP 488 S. / pp., 382 Abb. / ills., 21 x 29,7 cm, Softcover € 45,– [D], CHF 54,90, $55.00, £40.00 ISBN 978-3-7757-4088-3 (English) Lieferbar / Available

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Mit rund 17 Millionen Einwohnern ist Lagos, die ehemalige Hauptstadt Nigerias, nicht nur die größte Stadt Afrikas, sondern auch eine der bevölkerungsreichsten der Welt. In dieser Metropole voller Gegensätze und Widersprüche führt das rasante Bevölkerungswachstum zu infrastrukturellen Herausforderungen, bewirkt aber auch schnelle Fortschritte im Bereich der Kreativwirtschaft. Technologie, Fotografie und neue Medien spielen dabei eine wichtige Rolle.

In Lagos, diesem lebhaften Zentrum Westafrikas, wurde 2010 das erste und bis dato einzige internationale Fotofestival Nigerias ins Leben gerufen. Eine Plattform, auf der die Entwicklung zeitgenössischer Fotografie aus Afrika sowie aus einer größeren Community basiert und gefördert wird. Wie die Bilder beweisen, sprühen Afrikas Geschichten vor Lebendigkeit, Lebenslust und Dynamik, die jeglichen Afropessimismus von sich weisen, dafür aber den Fortschritt des Landes deutlich unterstreichen.

With a population of nearly seventeen million, Lagos, the former capital of Nigeria, is not only the largest city in Africa but also one of the most densely populated cities in the world. Full of contrasts and contradictions, the enormous increase in population leads to challenges in infrastructure and yet rapid advancements in creative industries. A silent social reawakening is emerging with photography, technology, and new media playing significant roles.

The first and, to date, only international art festival of photography in Nigeria, LagosPhoto Festival was initiated in 2010 in this richly vibrant center. A platform on which the development of contemporary photography from Africa and a wider community is established and fostered.

As testified to by the images, their African stories are bubbling over with vitality, a zest for life, and the dynamics that deny those proponents of Afropessimism, clearly underscoring a sense for the continent’s progress.

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»›Migropolis‹ ist ein Augenöffner. Belehrender, umfassender, gebildeter als in dieser Arbeit ist zeitgenössische Kunst selten geworden.«

–T H O M AS ST E I N F E L D, Süddeutsche Zeitung (zur Erstausgabe)

Jetzt wieder lieferbar Aktueller denn je: Migropolis!

Now available again More relevant than ever: Migropolis!

Migropolis Venice / Atlas of a Global Situation Von / By WOLFGANG SCHEPPE, IUAV Class on Politics of Representation, Essays von / essays by GIORGIO AGAMBEN, VALERIA BURGIO, WOLFGANG SCHEPPE 1344 S. / pp., 2.078 Abb. / ills., 158 Diagrammdarstellungen / 158 notational systems, 17 x 29 cm, Softcover, 2 Bände mit Banderole / 2 volumes with banderole Ca. € 58,– [D], CHF 70,80, $85.00, £55.00 ISBN 978-3-7757-4111-8 (English) Januar / January 2016

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Seit ihrem Erscheinen hat die durch den Philosophen Wolfgang Scheppe an der Universität für Architektur in Venedig (IUAV) unternommene vierjährige Studie zur globalisierten Stadt den Rang eines Standardwerks erreicht. Das komplex strukturierte zweibändige Buch betrachtet Venedig als exemplarischen Fall von Urbanität unter der Herrschaft der Globalisierung.

In ihr kreuzen sich die Bewegungsmuster der Migration und des Tourismus. Die breit angelegte Arbeit erlaubt durch Dokumentationen situationistischer »dérives«, bildkritische Datenvisualisierungen und vielschichtige Kartografien ein Eintauchen in die Stadt bis hinunter auf eine geradezu mikroskopische Ebene. Tausende von Fotos wechseln sich ab mit individuellen Fallstudien zu illegalen Immigranten wie zu Vergnügungsreisenden. Ein Schwerpunkt liegt auf den Konflikten des Ausschlusses, die vom Grenzregime Europas oder der durch die europäische Gesetzgebung ebenso erzwungenen wie kriminalisierten Schattenwirtschaft hervorgebracht werden. In solchen Widersprüchen liegen die Gründe für das Zerbrechen des metropolen Zusammenhangs in die zweigeteilte Dual City. Die gegenwärtige Debatte zur Fluchtbewegung aus den Schlachtfeldern der westlichen Allianzen und den von der globalisierten Wirtschaft pauperisierten Zonen der Welt findet hier eine einzigartig materialreiche Grundlage.

»Aktuell gibt es keinen besseren Gegenwartsreport, als diesen quantitativ und qualitativ hoch kompakten ›Atlas einer globalen Situation‹.«

–THOMAS HUMMITZSCH, taz (zur Erstausgabe)

Since its publication, the four-year study on the globalized city conducted by the philosopher Wolfgang Scheppe at the Università Iuav de Venizia has achieved the status of being a standard reference. The intricately structured twovolume book, in which the movement patterns of migration and tourism intersect, looks at Venice as an exemplary case of urbanity under the control of globalization. By means of the documentation of Situationist dérives, critical tools for data visualization and multilayered maps, the broadly conceived work permits immersing oneself in the city almost down to a microscopic layer. Thousands of photographs alternate with individual case studies on illegal immigrants as well as people on pleasure trips. One focus is on the conflicts of exclusion, which are brought about by Europe’s border regimes or by the shadow economy both compelled and criminalized by European legislation. The reasons for the break-up of the metropolitan context into a split “dual city” lie in such contradictions. The publication provides a unique and comprehensive basis for the current debate on the refugee movement from the battlefields of Western alliances and the zones of the world that have been pauperized by the globalized economy.Migropolis

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Faszinierende Utopie der Stadt im Wandel Fascinating urban utopia in a state of flux

“ O ur social model will be . . . f undamentally different from preceding models; it will also be qualitatively superior.”

– CO N STA N T N I E U W E N H U YS

Constant New Babylon Interview mit / Interview with REM KOOLHAAS, Texte von / texts by CONSTANT, TRUDY NIEUWENHUYS, LAURA STAMPS, WILLEMIJN STOKVIS, MARK WIGLEY Ca. 224 S. / pp., ca. 260 Abb. / ills., 24,5 x 29,2 cm, Hardcover Ca. € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4134-7 (English)

Eine offene Stadt ohne Grenzen, die sich in alle Richtungen auszudehnen vermag, um ihren Bewohnern eine ebenso freie wie flexible Entfaltung zu erlauben.

Diese faszinierende Utopie eines architektonischen und lebensweltlichen Wachsens bildete den Ausgangspunkt für Constants (1920–2005) lebensumspannendem Projekt: New Babylon. Der niederländische Maler und Mitbegründer der Künstlergruppe COBRA arbeitete zwischen 1956 und 1974 an zahlreichen Modellen, Gemälden, Zeichnungen und Collagen, um seine Vision der nomadischen Stadt der Zukunft darzustellen. Der Katalog betrachtet nicht nur die architektonischen Aspekte, sondern erfasst diese als das Gesamtwerk eines Künstlers. Neben seinen Modellen, Zeichnungen und Collagen wird auch den Entwürfen ein wichtiger Platz eingeräumt, um den künstlerischen Schaffensprozess nachzuzeichnen. Damit gewährt der Band einen tiefgreifenden Einblick, nicht nur in eine utopische Stadtplanung, sondern vielmehr in eine spezielle Art des Denkens und Imaginierens.

An open city without borders that is capable of flowing out in all directions to allow its residents to develop as freely as they do flexibly. This fascinating utopia of architectural and lifeworld growth forms the starting point of Constant’s (1920–2005) lifelong project: New Babylon. Between 1956 and 1974, the Dutch painter and co-founder of the avantgarde movement COBRA worked on numerous models, paintings, drawings, and collages for the purpose of depicting his vision of the nomadic city of the future. The catalogue focuses not only on the architectural aspects but embraces them as an artist’s synthesis of the arts.

Besides his models, drawings, and collages, attention is also given to the designs in order to trace the creative artistic process. This not only provides extensive insight into utopian urban planning, but to a greater degree into a mode of thought and imagination.

Mai / May 2016 AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Gemeentemuseum Den Haag / The Hague

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28.5.–2.10.2016

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Das Phänomen Shopping Mall The phenomenon of the shopping mall Der Katalog World of Malls widmet sich einem Bautyp, der vor knapp 60 Jahren in den Vereinigten Staaten erfunden wurde und sich schnell weltweit verbreitete. Durch die zunehmende Ausrichtung des Städtebaus auf den Autoverkehr wurde die Mall zu einem Ersatzraum für verlorene Urbanität. Doch wohin geht die Entwicklung der Shopping Mall heute? Auf der einen Seite gibt es weiterhin spektakuläre Neueröffnungen in Amerika, Asien, den Vereinigten Arabischen Emiraten und Europa. Zugleich stehen aber auch viele Malls leer, und einige werden umgebaut und umgenutzt. Kaum ein anderer Bautyp wird so kontrovers diskutiert: Bringt die Shopping Mall nun den Tod der Stadt oder fördert sie eher deren Wiederbelebung? Stadtplaner, Ökonomen und Architekturhistoriker wie Anette Baldauf, Robert Bruegmann, Dietrich Erben, Richard Longstreth,

World of Malls

Architektur des Konsums Architecture of Consumption Hrsg. / Ed. ANDRES LEPIK und / and VERA SIMONE BADER, Texte von / texts by ANETTE BALDAUF, REGINA BITTNER, SETARGEW KENAW, RICHARD LONGSTRETH, JUNE WILLIAMSON u. a. / et al.

Ca. 272 S. / pp., ca. 210 Abb. / ills., 19,5 x 22,5 cm, Softcover Ca. € 45,– [D], CHF 54,90, $70.00, £40.00 ISBN 978-3-7757-4138-5 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4139-2 (English) Juni / June 2016

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Alain Thierstein, June Williamson und Sophie Wolfrum untersuchen in ihren Aufsätzen die Transformationsprozesse der Shopping Mall vom 20. zum 21. Jahrhundert.

The catalogue World of Malls is devoted to a type of building that was invented in the United States just less than sixty years ago and quickly spread throughout the world.

Due to urban planning’s increasing orientation toward the automobile, the mall became a substitute for lost urbanity.

Yet what direction is the development of the shopping mall taking today? On the one hand, there continue to be spectacular new openings in America, Asia, the United Arab Emirates, and Europe. At the same time, however, many malls are empty, and some are being converted and repurposed. There is hardly any other building typology that is being discussed as controversially: does the shopping mall mean the death of the city, or does it stimulate its revitalization? In their essays, urban planners, economists, and architectural historians such as Anette Baldauf, Bob Bruegmann, Dietrich Erben, Richard Longstreth, Alain Thierstein, June Williamson, and Sophie Wolfrum examine the transformation processes of the shopping mall from the twentieth to the twenty-first century.

“ B uy, buy, says the sign in the shop window; Why, why, says the junk in the yard.”

13.7.–22.10.2016 – PAU L M CC A RT N E Y AUSSTELLUNG / EXHIBITION:

Architekturmuseum der TU München in der Pinakothek der Moderne

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The Little Moving Bookshop: Personalities geht auf Deutschland-Tour!

In unserem mobilen Ape-Buchladen reist das Buch nach Frankfurt, Hamburg und Berlin. Dort treffen wir Freunde und Freunde von Freunden.

In Personalities öffnen uns Menschen die Türen zu ihrer ganz persönlichen, unmittelbaren Umgebung: ihrem Zuhause und dem Ort ihres Schaffens. So unterschiedlich sie sind, verbindet sie doch alle etwas ganz Besonderes: die USM Möbelbausysteme. Wir begeben uns auf eine Reise in ihre Lebenswelten und lassen uns die Geschichten hinter den Möbelstücken erzählen – jedes so individuell wie ihr Besitzer.

Während die Stories der Personalities das Herzstück des Buches bilden, ergänzen namhafte Fachautoren das Thema »Persönlichkeit« um eine psychologische und soziologische Perspektive.

Wir machen einen Ausflug in die Persönlichkeitspsychologie, werfen einen Blick in Richtung Populärkultur und betrachten Persönlichkeit schließlich im Spannungsfeld zwischen Haben und Sein, zwischen materieller Kultur und Lifestyle. Die Diversität der Porträtierten spiegelt sich in der Vielfalt der begleitenden Essays wider, die auf unterhaltsame und überraschende Weise die Facetten rund um den Begriff der Persönlichkeit aufzeigen.

Personalities Hrsg. / Ed. USM U. SCHÄRER SÖHNE GmbH, Bühl, Texte von / texts by MICHAEL OBERT, CRAIG SCHUFTAN, ANNA SINOFZIK, LAURA STORFNER u. a. / et al., Gespräche mit / conversations with JON AYLING, ANDREAS ERNST, FLORIAN HOLZHERR, ULI MAYER-JOHANSSEN, KELLY ROBINSON, ANKA ZIEFER u. a. / et al., Gestaltung von / graphic design by FREUNDE VON FREUNDEN 192 S. / pp., 120 Abb. / ills, 22,4 x 32 cm, Leinen / clothbound € 38,– [D], CHF 46,40, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4080-7 (Deutsch, English) Lieferbar / Available

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In Personalities, people open doors into their very personal immediate surroundings: their homes and spaces of creative work. As different as they are, what connects them is something very special: the USM modular furniture system. We set out on a journey into their lifeworlds and let them tell the stories behind the pieces of furniture— each one as individual as their owners. While the stories constitute the heart of Personalities, well-known specialist authors supplement the subject of “personality” with a psychological and sociological perspective.

We take a trip into personality psychology, cast a glance in the direction of popular culture, and ultimately take a look at personality in the field of tension between having and being, between material culture and lifestyle. The diversity of those portrayed is reflected in the variety of the accompanying essays, which call attention to the facets around the concept of personality in an entertaining and unexpected way.

»Persönlichkeit ist für mich ein Mensch mit Ecken und Kanten ...« –ALE X ANDER SCHÄRER ,

Verwaltungsratpräsident US M 51

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Special-Price Eine Auswahl unserer schönsten Bücher zum Sonderpreis A selection of our most beautiful books at a special price

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Blow-Up Antonionis Filmklassiker und die Fotografie

Der Voyeurismus der Kamera: Vanessa Redgrave, Veruschka und Jane Birkin im Swinging London The voyeurism of the camera: Vanessa Redgrave, Veruschka, and Jane Birkin in Swinging London 280 S. / pp., 1020 Abb. / ills., 23,4 x 29,2 cm, Softcover € 9,95 [D], CHF 13,30, $15.00, £8.99 ISBN 978-3-7757-3736-4 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-3737-1 (English) Januar / January 2016

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Paul Gauguin

Hilma af Klint

Metamorphosen

Eine Pionierin der Abstraktion / A Pioneer of Abstraction

Alle Facetten des großen Malers in einem Band All facets of the great painter in one volume 248 S. / pp., 222 Abb. / ills., 23,7 x 27,4 cm,

Einblicke in andere Dimensionen der Existenz Insights into different dimensions of existence

Was ist Kunst? / What Is Art? 27 Fragen. 27 Antworten / 27 Questions. 27 Answers

Für junge Leser und Erwachsene For young readers and adults 216 S. / pp., 39 Abb. / ills., 13,1 x 17,2 cm, Softcover

296 S. / pp., 272 Abb. / ills., 21,9 x 28,2 cm, Softcover

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ISBN 978-3-7757-3526-1 (Deutsch)

ISBN 978-3-7757-3488-2 (Deutsch)

ISBN 978-3-7757-3527-8 (English)

Januar / January 2016

Januar / January 2016

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Hardcover € 19,95 [D], CHF 25,30, $30.00, £17,99 ISBN 978-3-7757-3811-8 (Deutsch)

1914 – Welt in Farbe Farbfotografie vor dem Krieg

Gregory Crewdson Beneath the Roses. Werke 2003–2007

Für alle Fans der irritierenden Fotoinszenierungen

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Dem Vergessen entrissen und neu entdeckt: frühe Farbfotografien aus dem Archiv der Medienpioniere Albert Kahn, Sergej M. Prokudin-Gorskii und Adolf Miethe

For all fans of staged photographs

Wrenched from oblivion and rediscovered: early color photographs from the archive of media pioneers Albert Kahn, Sergej M. Prokudin-Gorskii, and Adolf Miethe

140 S. / pp., 128 Abb. / ills., 30 x 41,2 cm, Hardcover

144 S. / pp., 101 Abb. / ills., 24,3 x 28 cm, Softcover

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ISBN 978-3-7757-2173-8 (Deutsch)

ISBN 978-3-7757-3644-2 (Deutsch)

Januar / January 2016

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Sp e c i a l -P r i ce

Maria Sibylla Merian Künstlerin und Naturforscherin 1647-1717

Die erste zusammenfassende Monografie zum Œuvre Maria Sibylla Merians The first comprehensive monograph on the work of Maria Sibylla Merian

Frida Kahlo Dramatisch, exotisch und schön: Ein Mythos wird neu beleuchtet.

Dramatic, exotic, and beautiful: a new light is cast on a myth

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Allen Jones

Fotorealismus

Verner Panton

Matteo Thun

Off the Wall

50 Jahre hyperrealistische Malerei

Spiegel-Kantine

The Index Book

Zum 75. Geburtstag 2012: eine umfangreiche Monografie über den britischen Pop-Art-Künstler

So schön kann die Realität sein: fotorealistische Meisterstücke aus fünf Jahrzehnten

Verner Pantons Gesamtkunstwerk: die SPIEGEL-Kantine, eine Orgie in Orange, Rot und Lila

Architektur und Produktdesign von Matteo Thun – von seinen frühesten Arbeiten bis heute, von A bis Z

In celebration of the artist’s seventyfifth birthday in 2012: an extensive monograph on the British Pop artist

How beautiful reality can be: five decades of photorealistic masterpieces

Verner Panton’s synthesis of the arts: the SPIEGEL cafeteria, an orgy of orange, red, and purple

Matteo Thun’s architecture and product design. From his earliest to his most recent works, from A to Z

112 S. / pp., 68 Abb. / ills., 21,5 x 27 cm, Softcover 276 S. / pp., 196 Abb. / ills., 24,9 x 29,7 cm, Hardcover

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236 S. / pp., 200 Abb. / ills., 20,7 x 27,5 cm,

200 S. / pp., 91 Abb. / ills.,

112 S. / pp., 104 farbige Abb. / ills.,

368 S. / pp., 321 Abb. / ills.,

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ISBN 978-3-7757-3606-0 (Deutsch)

Hardcover, € 19,95 [D], CHF 25,30, $30.00, £17.99

26,2 x 28 cm, Softcover

22,5 x 24,6 cm, Hardcover

23,9 x 28,9 cm, Softcover

ISBN 978-3-7757-3500-1 (Deutsch)

ISBN 978-3-7757-3607-7 (English)

ISBN 978-3-7757-3348-9 (Deutsch)

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ISBN 978-3-7757-3532-2 (Deutsch)

ISBN 978-3-7757-3321-2 (Deutsch)

ISBN 978-3-7757-3499-8 (Deutsch, English, Italian)

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»Ein ausführlich kommentierter und prachtvoll gestalteter Katalog.«

– D I E Z E I T (zu Ferdinand Hodler)

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Ferdinand Hodler

Chagall Meister der Moderne

Die erste große Übersicht über Hodlers Spätwerk der Jahre 1913 bis 1918

Die Anfänge und das frühe Schaffen des wegweisenden Avantgardisten

The first extensive overview of Hodler’s late works from the years 1913 to 1918

The early days and work of the pioneering avant-garde painter

212 S. / pp., 197 Abb. / ills., 28,3 x 31,7 cm, Hardcover

196 S. / pp., 128 Abb. / ills., 25 x 28,7 cm, Hardcover

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€ 19,95 [D], CHF 25,30, $30.00, £17.99

ISBN 978-3-7757-3378-6 (Deutsch)

ISBN 978-3-7757-3464-6 (Deutsch)

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»Ein Universalkünstler, dessen Welttheater sich eine melancholische Naivität bewahrt.« – D EUTSCHL ANDFUNK (zu Chagall)

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Sp e c i a l -P r i ce

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Andreas Feininger

Arno Schmidt als Fotograf

Kevin Erskine

Mars

Lucien Clergue

Roman Bezjak

Ein Fotografenleben 1906–1999

Entwicklung eines Bildbewusstseins

Supercell

Eine fotografische Entdeckung

Brasilia

Sozialistische Moderne

Ein Werk in seiner schwarz-weißen Geradlinigkeit und Schlichtheit – eines Experten unter den Experten

Eindrucksvolle Schwarz-Weißund Farbaufnahmen des bedeutenden Schriftstellers

Faszinierend und atemberaubend: großformatige Unwetter-Aufnahmen

Deutscher Fotobuchpreis in Gold: spektakuläre Aufnahmen vom Mars

Hommage an die Grandseigneurs – der Architekt Oscar Niemeyer und der Fotograf Lucien Clergue

Ausgezeichnet mit dem internationalen DAM Architectural Book Award

A work full of austere blackandwhite lines and simplicity— from the expert among experts

Striking black-and-white and color photographs by the distinguished author

Fascinating and breathtaking large-format photographs of severe weather

German Photo Book Award in Gold: spectacular photographs of Mars

Homage to the grand seigneurs— architect Oscar Niemeyer and photographer Lucien Clergue

Awarded with the international DAM Architectural Book Award

272 S. / pp., 151 Abb. / ills.,

204 S. / pp., 102 Abb. / ills., 28,6 x 28,7 cm, Hardcover

25,8 x 31,2 cm, Hardcover

30,3 x 35,8 cm, Hardcover

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€ 29,95 [D], CHF 36,80, $45.00, £26.99

ISBN 978-3-7757-3550-6 (Deutsch)

ISBN 978-3-7757-3713-5 (Deutsch)

ISBN 978-3-7757-3313-7 (English)

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Nur € 29,95 statt € 78,00

Nur € 24,95 statt € 48,00

192 S. / pp., 129 Abb. / ills., 17,8 x 23,8 cm, Hardcover

160 S. / pp., 64 Abb. / ills., 17 x 24,5 cm, Hardcover

192 S. / pp., 105 farbige Abb. / ills., 28,5 x 38,5 cm, Hardcover

€ 14,95 [D], CHF 19,40, $25.00, £13.99

€ 9,95 [D], CHF 13,30, $15.00, £8.99

€ 29,95 [D], CHF 36,80, $45.00, £26.99

ISBN 978-3-7757-2704-4 (Deutsch, English)

ISBN 978-3-7757-3149-2 (Deutsch, English)

ISBN 978-3-7757-3209-3 (English)

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»Ron Galella: Paparazzo Extraordinaire! – König der Paparazzi« – FEM

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Ron Galella

Peter Bialobrzeski

Paparazzo Extraordinaire!

Raw and Cooked

Ron Galella – der ungekrönte König der Paparazzi

Spektakuläre Bilder aus aller Welt: eine Auswahl seiner besten Fotos

Ron Galella—the uncrowned king of the paparazzi

Spectacular images from around the world: some of his best photographs

200 S. / pp., 104 Abb. / ills., 19,6 x 21,7 cm,

160 S. / pp., 128 farbige Abb. / ills.,

Softcover mit Goldschnitt / gilt-edged

28,9 x 34,9 cm, Hardcover

€ 14,95 [D], CHF 19,40, $25.00, £13.99

€ 29,95 [D] CHF 36,80, $45.00, £26.99

ISBN 978-3-7757-3324-3 (Deutsch, English)

ISBN 978-3-7757-3192-8 (Deutsch, English)

Lieferbar / Available

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Nur € 14,95 statt € 29,80

Nur € 29,95 statt € 68,00

160 S. / pp., 76 farbige Abb. / ills., € 19,95 [D] CHF 25,30, $30.00, £17.99 ISBN 978-3-7757-3188-1 (Deutsch, English) Lieferbar / Available

Nur € 19,95 statt € 39,80

» G roßstadtdschungel, Vision oder Wirklichkeit?« – DIE ZEIT (zu Peter Bialobrzeski)

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H I GH LI GHTS

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Liebe Leserinnen und Leser,

Dear Readers,

finden Sie hier eine Auswahl von Themenschwerpunkten aus unserem Programm, die das Verlagsteam für Sie zusammengestellt hat. Die Themen ermöglichen neue Lesarten, lösen die einzelnen Publikation aus singulären Deutungsmöglichkeiten heraus und erzählen große und vielfältige Geschichten im neuen Kontext.

Here the spotlight is on a selection of books from our program that has been assembled for you by the publishing team. The themes open up the individual publications to reinterpretation and tell great and myriad stories in a new context.

HANNE DARBOVEN, Unbändig, 2015, ISBN 978-3-7757-4018-0 (Deutsch), Boundless, ISBN 978-3-7757-4019-7 (English)

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TH EMEN / THE MES

Künstlerinnen / Female Artists

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Wie die Kunstgeschichte jahrhundertelang quasi ohne den weiblichen Blick auskam, ist uns noch immer ein Rätsel.

Wir freuen uns, ausgewählte Publikationen über herausragende Künstlerinnen zu präsentieren.

Without Restraint. Werke mexikanischer Künstlerinnen aus der Daros Latinamerica Collection / Works by Female Artists from the Daros Latinamerica Collection, 2016, Deutsch, ISBN 978-3-7757-4104-0 (English) Juni / June 2016

How the history of art got along for centuries quasi without the female perspective remains a great mystery to us.

MEXIKANISCHE KÜNSTLERINNEN STELLEN DIE MACHTFRAGE Teresa Serrano, Ximena Cuevas, Betsabeé Romero, Teresa Margolles, Claudia Fernández, Melanie Smith und Maruch Sántiz Gómez präsentieren ihre Lebenswelt in dezidiert weiblicher Sicht und antworten auf internationale künstlerische Strömungen mit ganz eigenen Ansätzen.

We are pleased to present selected publications on outstanding female artists.

FASZINIEREND ANDROGYN »Hannes Leben verlief so von Obsessionen getrieben, wie ihre monumentalen Werke entstanden. Dabei baute sie sich ihre ganz eigene Welt. Die einzige, die je für sie geschaffen war.« – CARL ANDRE

MEXICAN FEMALE ARTISTS POSE THE QUESTION OF POWER

Cindy Sherman, ISBN 978-3-7757-3960-3 (Deutsch, English) CINDY SHERMAN, Untitled Horrors, ISBN 978-3-7757-3486-8 (Deutsch), ISBN 978-3-7757-3487-5 (English); CINDY SHERMAN, Das Frühwerk 1975–1977. Catalogue Raisonné, ISBN 978-3-7757-2980-2 (Deutsch)

Teresa Serrano, Ximena Cuevas, Betsabeé Romero, Teresa Margolles, Claudia Fernández, Melanie Smith, and Maruch Sántiz Gómez present their living environment from a decidedly female point of view and respond with completely unique approaches to international artistic movements.

BRUCH DER STEREOTYPE »Jeder denkt, dass es Selbstporträts sind, aber das ist nicht meine Absicht. Ich nehme mich als Modell, weil ich weiß, dass ich mich selbst zum Äußersten treiben und so jede Aufnahme so hässlich, albern oder verrückt wie möglich machen kann.« – CINDY SHERMAN

FASCINATINGLY ANDROGYNOUS

BREACH OF STEREOTYPES

“Hanne’s life was so driven by obsession while she was creating her monumental works. She was in the process of building her own personal world. The only world that was ever created for her.” —CARL ANDRE

“Everyone thinks these are self-portraits but they aren’t meant to be. I just use myself as a model because I know I can push myself to extremes, make each shot as ugly or goofy or silly as possible.” —CINDY SHERMAN

LOUISE BOURGEOIS, I Have Been to Hell and Back, ISBN 978-3-7757-3970-2 (English) LOUISE BOURGEOIS, The Spider and the Tapestries, ISBN 978-3-7757-3997-9 (English)

»WOZU? ICH BIN EINE FRAU.« – so antwortete Louise Bourgeois auf die Frage, ob sie Feministin sei. Wir freuen uns sehr, zwei großartige Publikationen der mit dem weltweit höchstdotierten Kunstpreis, dem Praemium Imperiale, ausgezeichneten Künstlerin im Programm zu haben.

“WHAT FOR? I AM A WOMAN.” —replied Louise Bourgeois to the question of whether she was a feminist. We are delighted to have in our program two great publications on the artist honored with the world’s most highly remunerated art prize, the Praemium Imperiale.

HAPPY BIRTHDAY, MY LADY! Wir gratulieren der Grande Dame der Video- und Performancekunst Joan Jonas zum 80. Geburtstag!

SICHTBARES UND UNSICHTBARES

HAPPY BIRTHDAY, MY LADY! We wish the grande dame of video and performance art Joan Jonas a happy 80th birthday!

»Floyer vermeidet das Erhabene und bevorzugt das Prosaische.«

VISIBLE AND INVISIBLE “Floyer avoids the sublime and the prefers the prosaic.”

MARK GODFREY, S. / p. 158

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CEAL FLOYER, A Handbook, ISBN 978-3-7757-4077-7 (Deutsch, English)

JOAN JONAS, The Work of Joan Jonas. In the Shadow a Shadow, ISBN 978-3-7757-3961-0 (English); JOAN JONAS, They Come to Us without a Word. United States Pavilion 56th International Art Exhibition, Venice, ISBN 978-3-7757-4051-7 (English)

Please find more information at www.editiongerdhatje.com

Viele weitere Titel über bemerkenswerte KÜNSTLERINNEN finden Sie auf www.hatjecantz.de / You’ll find many more titles on remarkable FEMALE ARTISTS on www.hatjecantz.com

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TH EMEN / THE MES

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Unterwegs / En Route

Reisen, Suchen, Ankommen – wir freuen uns, ausgewählte Künstlerpublikationen einer mobilen Generation zu präsentieren, die sich durch Raum und Zeit bewegt.

Traveling, searching, arriving— we are pleased to present selected artist publications of a mobile generation, one that moves through time and space.

ROADTRIP TO HOPE Der sonst für stille Dokumentationen bekannte Markus Henttonen nimmt uns mit auf einen Roadtrip durch die Vereinigten Staaten, in der sich Langeweile und Exzess Gute Nacht sagen.

ROADTRIP TO HOPE Markus Henttonen is known for his quiet photo documentation.

This time he takes us on a roadtrip through the US where boredom and excess exist side by side.

MARKUS HENTTONEN, Twisted Tales Road to Hope, ISBN 978-3-7757-4047-0 (Deutsch, English)

»MIR GEHT ES UM ENTSCHLEUNIGUNG« BILDER EINER VERSCHÜTTETEN LIEBE

The Sense of Movement. When Artists Travel, ISBN 978-3-7757-4065-4 (English)

ZWECK UND BEDEUTUNG DES REISENS Lange bevor das Kunstatelier erfunden wurde, waren es vor allem Reisen, auf denen Künstler nach neuen Sujets und Auftraggebern suchten: auf Wanderungen, in Kutschen und Eisenbahnen. In Flugzeugen jetten zeitgenössische Künstler umher, immer zu in Bewegung, um sich in der internationalen Kunstwelt zurechtzufinden und zu vernetzen. Eine Hommage an die Künstlerreise!

Durch das wirtschaftliche Brachland Rumänien führt die Reise vorbei an zerfallenen Fabriken und bröckelnden Denkmälern einer sogenannten kommunistischen Zeit, hinein in unberührte Landschaften und Regionen, in denen Bauerntum und Traditionen mit der Geburt weitergegeben werden. Als letzter Augenzeuge tritt der Ungar Tamas Dezso dieser rasch verschwindenden Welt entgegen.

A journey leads through Romania’s economic wasteland, past collapsed factories and crumbling monuments of the so-called communist era into pristine landscapes and regions in which rural customs and traditions live on, passed from generation to generation. Hungarian Tamas Dezso encounters this vanishing world as a last eyewitness.

Borders do not exist in the mobile society. They are difficult to set. A burnout caused artist Jeppe Hein to experience the dissolution of mind and body. We are all the more happy that he has recovered and is presenting his first extensive retrospective, with which we invite you on a journey to yourself.

JEPPE HEIN, This Way, 2015, ISBN 978-3-7757-4084-5 (Deutsch)

»TODAY IS MONDAY, SO THIS MUST BE ZURICH.«

Long before the studio was founded, artists were on the move searching for subjects and patrons—on foot, by horse and buggy, and by train. Contemporary artists jet around the world, always in motion, to find a way and remain connected in this international art world.

A tribute to the artist’s journey!

– TA M A S D E ZS O

“FOR ME IT IS ABOUT DECELERATION”

PICTURES OF A BURIED LOVE

PURPOSE AND SENSE OF TRAVELING

»Wenn jemand klingelt bleiben wir ruhig, als wären wir nicht da.«

Grenzen existieren in der mobilen Gesellschaft nicht. Sie zu setzen fällt schwer. Mit einer Burn-Out-Erkrankung hat Jeppe Hein die Entgrenzung seines eigenen Körper erfahren.

Umso mehr freuen wir uns, dass der dänische Bildhauer und Installationskünstler genesen ist, und präsentieren seine erstmals umfassende Werkschau, mit der wir Sie auf eine Reise zu sich selbst einladen!

Der renommierte Fotograf Chien-Chi Chang gibt dem Reisen in der globalisierten Welt, in der menschliche Nähe eher zufällig passiert, ein lakonisch-humoristisches Antlitz.

“TODAY IS MONDAY, SO THIS MUST BE ZURICH.” The renowned photographer Chien-Chi Chang gives a laconic, humorist face to traveling in a globalized world, where human contact happens more by chance.

TAMAS DEZSO, Notes for an Epilogue, 2015, ISBN 978-3-7757-4048-7 (English)

CHIEN-CHI CHENG, Jet Lag, 2015, ISBN 978-3-7757-4025-8 (English)

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MICHAEL MÜLLER S. / p. 89 BERNHARD LEITNER S. / p. 82 DER KÜNSTLERNACHLASS / THE ARTIST ESTATE S. / p. 81

WOLFSBURG UNLIMITED S. / p. 70

VALENTIN CARRON S. / p. 86

CEAL FLOYER S. / p. 73

LYNN HERSHMAN LEESON S. / p. 77 BASIM MAGDY S. / p. 79

LE CORBUSIER S. / p. 93

Kunst /A rt WITHOUT RESTRAINT S. / p. 72

AUF DER SUCHE NACH 0,10 S. / p. 92

KU N ST / ART

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Hölzerne Meisterwerke aus dem 16. bis 20. Jahrhundert.

Berührend und gespenstisch-schön!

Masterpieces made of wood from the sixteenth to the twentieth centures. Touching and eerily beautiful!

Dieses Künstlerbuch vermittelt auf vielschichtige Weise die Differenz, Diversität und Gruppendynamik, die sich in Ydessa Hendeles’ Installation From Her Wooden Sleep … verbirgt. Im Zentrum der Ausstellung am Londoner Institute of Contemporary Arts steht eine einzigartige Gesellschaft, bestehend aus 150 hölzernen Künstlermanikins. Aus den Jahren 1520 bis 1930 stammend und von Handflächen- bis zu Lebensgröße reichend, umgeben sie eine einzelne Figur, auf die sie ihren kollektiven Blick richten. Dieses Szenario bildet den Rahmen für Hendeles’ neueste Untersuchung psychologisch aufgeladener Artefakte. Berühmt für ihre großräumigen, ortsspezifischen kuratorischen Kompositionen, verbindet Hendeles Kunstwerke, Artefakte und Fundstücke als individuelles Kunstwerk zu einer transzendentalen Erfahrung. Der von ihr herausgegebene und mit Anmerkungen versehene Bildband bietet Zugang zu dem Werk einer Künstlerin, die bereits einen festen Platz in der Gegenwartskunst einnimmt.

Ydessa Hendeles From Her Wooden Sleep . . .

Hrsg. / Ed. WAYNE GOODING, Texte von / texts by YDESSA HENDELES, Gestaltung von / graphic design by LISA KISS DESIGN Ca. 480 S. / pp., ca. 312 Abb. / ills., 23,5 x 30,5 cm, Leinen / clothbound Ca. € 65,– [D], CHF 79,30, $100.00, £60.00 ISBN 978-3-7757-4103-3 (English) Februar / February 2016

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“After all, the work is not about me, it is about everyone. We are wired both to generalise and discriminate.

Human beings need to relate.

No one can be isolated from the crowd.”

– Y D ES S A H E N D E L ES

This artist’s book interprets From Her Wooden Sleep …, artist-curator Ydessa Hendeles’s multilayered meditation on difference, diversity, and group dynamics. Central to the show inspired by and mounted at London’s Institute of Contemporary Arts is a unique community of 150 wooden artists’ manikins, dating from 1520 to 1930 and in scale from palm-size to life-size, surrounding a lone figure exposed to their collective gaze. This scenario is the framework for Hendeles’s latest exploration of psychologically charged cultural artifacts.

Renowned for large-scale, site-specific curatorial compositions, Hendeles integrates artworks, artifacts, and found objects to precipitate a transcendent experience as an individual work of art. This book of images, curated by Hendeles and presented with her notes, provides access to the work of an artist who has carved a distinctive space in contemporary art.

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KU N ST / ART

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Potenziale einer Stadt – künstlerische Perspektiven auf Wolfsburg A city’s potential—artistic perspectives on Wolfsburg

»In keiner Stadt habe ich die Geschichte der BRD derart verdichtet […] vorgefunden.« – C H R I ST I A N P E T ZO L D Was ist eine Stadt? Oder besser noch: Was kann eine Stadt sein? Diese Frage hat der neue Direktor des Kunstmuseums Wolfsburg Ralf Beil nicht nur sich, sondern auch einem Kreis ausgewählter Künstler vorgelegt, um potenzielle Entgrenzungen, Metamorphosen und Umdeutungen Wolfsburgs zu erkunden.

Der Katalog versammelt die Ergebnisse dieses schöpferischen Experimentierens, das sich nicht auf den musealen Raum beschränkt, sondern die ganze Stadt als Inspirationsquelle für Interventionen nutzt. Eigens für die Ausstellung entstehen groß angelegte Künstlerprojekte wie eine Totalinstallation von Julian Rosefeldt, Performances von John Bock, aber auch Fotoarbeiten von Eva Leitolf und Peter Bialobrzeski. Die weit ausgreifenden und vielgestaltigen Arbeiten spiegeln nicht nur Geschichte und Gegenwart, sondern auch die Zukunft einer Stadt zwischen Industrialisierung, Mobilisierung und Digitalisierung, zwischen Masse und Individuum, lokaler und globaler Aktion.

Wolfsburg Unlimited Eine Stadt als Weltlabor

Hrsg. / Ed. RALF BEIL, Texte von / texts by RALF BEIL, PETER BIALOBRZESKI, JOHN BOCK, MANFRED GRIEGER, CHRISTIANE HEUWINKEL, ALEXANDER KRAUS, EVA LEITOLF u. a. / et al., Gestaltung von / graphic design by KOMA AMOK Ca. 288 S. / pp., ca. 225 Abb. / ills., 23 x 28 cm, Hardcover Ca. € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4129-3 (Deutsch) April 2016

Die beteiligten KÜNSTLER / The participating ARTISTS: Franz Ackermann, Nevin Aladag, Christian Andersson, Ruedi Baur / Vera Baur, Peter Bialobrzeski, John Bock, Janet Cardiff / George Bures Miller, Don Eddy, Douglas Gordon, Heinrich Heidersberger, Peter Keetman, Anselm Kiefer, Eva Leitolf, Rémy Markowitsch, Arnold Odermatt, Peter Roehr, Didier Rittener, Julian Rosefeldt, Luc Tuymans, James Welling

What is a city? Or even better: what can a city be? The new director of the Kunstmuseum Wolfsburg, Ralf Beil, not only asked himself this question but also presented it to a circle of selected artists for the purpose of exploring the potential dissolution of Wolfsburg’s boundaries, its metamorphosis, and its reinterpretation.

The catalogue assembles the results of this creative experiment, which is not only confined to museum space but uses the entire city as a source of inspiration for interventions.

Major artists’ projects are being developed specifically for the exhibition, such as a total installation by Julian Rosefeldt, performances

by John Bock, or photographs by Eva Leitolf and Peter Bialobrzeski. The expansive and multiform works reflect not only the history and the present but also the future of a city between industrialization, mobilization, and digitalization, between mass and individual, local and global action.

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Kunstmuseum Wolfsburg

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24.4.–11.9.2016

Kunst als soziales Werkzeug für den kulturübergreifenden Austausch Art as a social tool for cross-cultural exchange

Wo geht es lang? Täglich legen wir bewusst und unbewusst zahlreiche Wege zurück – nicht nur kleinere und größere Distanzen, sondern auch innere Wege. Sowohl die Werke als auch die Inszenierung des dänischen Künstlers Jeppe Hein (*1974) im Kunstmuseum Wolfsburg beschäftigen sich damit. In einem Labyrinth aus Räumen, Wegen, Kreuzungen und Plätzen trifft der Besucher nicht nur auf die minimalistischen, kinetischen und sozial ausgerichteten Werke, sondern wird auch von neuen und ortsspezifischen Arbeiten überrascht. Seit dem Burnout des Künstlers im Dezember 2009 hat sich sein Materialspektrum erweitert: Klang, Resonanz, Stille, Duft oder Atem prägen neue Arbeiten und machen die Auseinandersetzung mit fernöstlichen Philosophien und Praktiken wie Buddhismus, Yoga und Meditation spürbar. So persönlich wie sein Aquarell-Tagebuch in der Ausstellung ist auch der Katalog. In einem sehr offenen Gespräch des Künstlers mit der Kuratorin Uta Ruhkamp sowie den Essays von Finn Janning und Peter Høeg wird nicht nur der Künstler, sondern auch die Person Jeppe Hein greifbar.

Which way do I go? We consciously and unconsciously travel numerous distances every day—not only shorter and longer distances, but inner ones as well. Both the works and the stagings by the Danish artist Jeppe Hein (*1974) at the Kunstmuseum Wolfsburg address this theme. In a labyrinth of spaces, paths, intersections, and squares, visitors not only encounter the minimalistally, kinetically, and socially oriented works but are also surprised by new and site-specific works. After his burnout in December 2009, he expanded his spectrum of material: sound, resonance, silence, scents, or breath characterize his new works and reflect his examination of Eastern philosophies and practices such as Buddhism, yoga, and meditation. The catalogue is also as personal as his watercolor journal in the exhibition. Jeppe Hein becomes palpable as both an artist and a person in a very open conversation with the curator Uta Ruhkamp as well as in essays by Finn Janning and Peter Høeg.

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Kunstmuseum Wolfsburg

15.11.2015–13.3.2016

Jeppe Hein This Way Hrsg. / Ed. RALF BEIL, UTA RUHKAMP, Vorwort von / foreword by RALF BEIL, Texte von / texts by LISA GROLIG, PETER HØEG, FINN JANNING, HARTMUT ROSA, UTA RUHKAMP 200 S. / pp., 100 Abb. / ills., 24 x 34 cm, Leinen / clothbound € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4084-5 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4085-2 (English) Dezember / December 2015

»Ich brauche keinen Porsche.

Ich bin der Porsche.« – J E P P E H E I N

KU N ST / ART AUSSTELLUNGEN / EXHIBITIONS:

Mexikanische Künstlerinnen: ein subversiver Blick auf berührende Arbeiten des lateinamerikanischen Konzeptualismus

Kunstmuseum Bonn

29.10.2015–10.1.2016 Aargauer Kunsthaus, Aarau

19.1.–10.4.2016

Female Mexican artists: a subversive view at touching works of Latin American Conceptualism

Künstlerinnen in Mexiko präsentieren ihre Lebenswelt aus dezidiert weiblicher Sicht und antworten auf internationale künstlerische Strömungen mit ganz eigenen Ansätzen: Arbeiten von Teresa Serrano (*1936), Ximena Cuevas (*1963), Betsabeé Romero (*1963), Teresa Margolles (*1963), Claudia Fernández (*1965), Melanie Smith (*1965) und Maruch Sántiz Gómez (*1975) bilden den Kern dieser Publikation. Die Fotografien, Videos, Objekte und Installationen aus dem Bestand der Daros Latinamerica Collection in Zürich werfen einen subversiven Blick auf die nationale Identität Mexikos. So stellen die Arbeiten herrschende Machthierarchien und die Frauen zugeordneten traditionellen Funktionen sowie ihre sozialen Räume innerhalb der mexikanischen Gesellschaft infrage. Dabei erfährt die scheinbare Banalität alltäglicher Dinge und Aktionen – sowohl im häuslich-privaten als auch im urban-öffentlichen Bereich –eine neue, tiefere Bedeutung und teils ironische Brechung.

Without Restraint Werke mexikanischer Künstlerinnen aus der Daros Latinamerica Collection Hrsg. / Ed. VALENTINA LOCATELLI, Kunstmuseum Bern, Texte von / texts by MATTHIAS FREHNER, HANS-MICHAEL HERZOG, VALENTINA LOCATELLI, ALMA RUIZ, Gestaltung von / graphic design by GABRIELE SABOLEWSKI Ca. 144 S. / pp., ca. 60 Abb. / ills., 24 x 29 cm, Softcover Ca. € 35,– [D], CHF 42,70, $55.00, £32.50 ISBN 978-3-7757-4104-0 (Deutsch, English) Juni / June 2016

Women artists in Mexico present their lifeworld from a decidedly female point of view and respond to international artistic movements with very different approaches: works by Teresa Serrano (*1936), Ximena Cuevas (*1963), Betsabeé Romero (*1963), Teresa Margolles (*1963), Claudia Fernández (*1965), Melanie Smith (*1965), and Maruch Sántiz Gómez (*1975) constitute the core of this publication. The photographs, videos, objects, and installations from the holdings of the Daros Latinamerica Collection in Zurich take a subversive look at Mexico’s national identity. The works call prevailing hierarchies of power into question, including their associated traditional functions as well as the social spaces of women within Mexican society. The apparent banality of everyday things and actions—both in the domestic-private as well as the urban-public sphere—experiences new, deeper meaning and is in part ironically broken.

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Kunstmuseum Bern

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3.6.–23.10.2016

So leicht kann Nachdenklichkeit sein Thoughtfulness can be so simple

Wer das erste Mal vor Ceal Floyers Arbeiten steht, mag zunächst verwundert, schließlich begeistert sein. Äußerst durchdacht spielt die Künstlerin (*1968) mit gewohnten Wahrnehmungsmustern, durchbricht sie mit feinster Ironie und einfachsten Mitteln.

Ihre Werke sind produktive Irritationen, die mit eigener Logik einen offenen Prozess des Sehens und Denkens motivieren. So führt sie uns bereits mit der Arbeit Light Switch (1992) buchstäblich hinters Licht und zeigt an einer Stelle des Raumes, an der sich ein Lichtschalter befinden könnte, das Lichtbild eines Lichtschalters. Lichtillusionen von Täuschung und Enttäuschung, die sich auch in späteren Werken wie der Overhead Projection (2006) wiederfinden. Hier scheint eine Glühbirne von der Decke des Raumes zu hängen, die in Wirklichkeit auf der Fläche des aufgestellten Overheadprojektors liegt. Erstmals werden in dieser Publikation 63 von Ceal Floyer selbst ausgewählte Werke systematisch dokumentiert.

Mark Godfrey und Sergio Edelsztein, zwei ausgewiesene Kenner ihrer Kunst, sowie Tacita Dean als Künstlerkollegin und Freundin setzen sich mit ihrem Werk auseinander und regen uns zum Nachdenken an.

Those who experience the oeuvre of Ceal Floyer (*1968) for the first time may initially be surprised and ultimately delighted. She plays with conventional patterns of perception in a highly sophisticated way, piercing through them with a keen sense of irony and the simplest of means. Her works are productive irritations whose inherent logic prompts an open process of seeing and thinking. With her work Light Switch (1992) she hoodwinks us by showing us the photograph of a light switch at a place in the room where one might be located. Light illusions of deception and disappointment also turn up in later works such as Overhead Projection (2006). In this case, a light bulb seems to be suspended from the ceiling of the space that in reality is lying on the projection stage of an overhead projector. This is the first publication to systematically document sixtythree works selected by the artist herself. Mark Godfrey and Sergio Edelsztein—two established authorities on Ceal Floyer’s art—and fellow artist and friend Tacita Dean examine her oeuvre and inspire us to reflect on it.

Ceal Floyer A Handbook Hrsg. / Ed. SUSANNE KÜPER, Texte von / texts by TACITA DEAN, SERGIO EDELSZTEIN, MARK GODFREY, Gestaltung von / graphic design by YVONNE QUIRMBACH Ca. 208 S. / pp., ca. 110 Abb. / ills., 21 x 26 cm, Softcover Ca. € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4077-7 (Deutsch, English) Lieferbar / Available

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KU N ST / ART

Ein Muss für jeden, der sich für finnische Kunstgeschichte und Kunst interessiert!

Wenn Kunst den Nerv einer Generation trifft: einziger lieferbarer Werküberblick zu Kati Heck

A must-have for anyone interested in art history and the stories of Finnish art!

Please find more information at www.editiongerdhatje.com

Das Kunstmuseum Ateneum – das meist besuchte Museum Finnlands – beherbergt die älteste und größte Kunstsammlung des Landes. In diesem neuen, wunderbar illustrierten Buch wird die Sammlung aus einem sozialgeschichtlichen Blickwinkel heraus betrachtet: Wie haben sich historische und politische Ereignisse auf die Kunst und die Künstler sowie auf die Museumsarbeit und die Erwerbungen für die Sammlung ausgewirkt?

Beginnend im Jahr 1809, setzt sich der Gang durch die Geschichte bis in die 1970er-Jahre fort. Darüber hinaus wird die Historie des Ateneum-Gebäudes selbst behandelt, das seit 127 Jahren das Zentrum der finnischen Kunstszene ist – nicht nur als Heimstätte von Sammlungen, sondern auch zwei bedeutender Schulen.

Der Katalog umfasst 16 thematische Artikel von Museumsfachleuten und fünf Kurzgeschichten zeitgenössischer finnischer Autoren.

The Ateneum Art Museum—the most frequently visited museum in the country— holds Finland’s oldest and largest art collection.

This new beautifully illustrated book looks at the collection through a social lens, addressing how historical and political events have influenced art and artists as well as museum work and acquisitions for the collection.

Starting with the year 1809, the storylines run through to the seventies. In addition, it covers the story of the Ateneum building itself as the center of the Finnish art scene for the last 127 years, not only the home of collections but also of two significant art schools.

The catalogue offers readers sixteen newly commissioned thematic articles written by museum specialists along with five short stories by contemporary Finnish authors.

Stories of Finnish Art The New Ateneum Guide

Hrsg. / Ed. ATENEUM ART MUSEUM / Finnish National Gallery, SUSANNA PETTERSSON, Texte von / texts by ERKKI ANTTONEN, TIMO HUUSKO, MARITTA MELLAIS, RIITTA OJANPERÄ, HANNA-LEENA PALOPOSKi u. a. / et al., Gestaltung von / graphic design by MARIA APPELBERG/Station MIR Ca. 248 S., ca. 250 Abb., 14 x 22 cm, Softcover Ca. € 25,– [D], CHF 31,60, $40.00, £22.99 ISBN 978-3-7757-4135-4 (English) ISBN 978-3-7757-4136-1 (Swedish) ISBN 978-3-7757-4137-8 (Finnish) März / March 2016

AUSSTELLUNG / EXHIBITION:

Ateneum / Finnish National Gallery, Neueröffnung / New opening:

When art strikes a chord with a generation: the only available overview of Kati Heck’s works

In der Malerei von Kati Heck (*1979 in Düsseldorf) leuchten der deutsche Expressionismus und die Neue Sachlichkeit auf. Ihre monumentalen Bilder bestechen zudem durch einen humorvollen Stilmix aus fotorealistisch dargestellten Figuren und zeichnerischen Elementen. Einzelne Partien der collagenhaft wirkenden Arbeiten sind akribisch ausgemalt, andere wiederum nur summarisch ausgeführt. Wie Robert Rauschenberg fügt Heck überdies nicht traditionelle Materialien und alltägliche Gegenstände zu höchst ungewöhnlichen Bildschöpfungen zusammen. »Deutlich und überzeugend stellt sie permanent die Kunst der Malerei infrage«, kommentierte Jan Hoet ihr Schaffen. Dieser Band zu Kati Heck stellt vornehmlich das malerische Werk einer der interessantesten aufstrebenden Künstlerinnen der Gegenwart vor.

German Expressionism and New Objectivity shine forth in the paintings by Kati Heck (*1979 in Düsseldorf). Her monumental paintings impress viewers with their humorous blend of styles, consisting of photorealistic figures together with graphic elements. Some sections of the collage-like works are meticulously painted in, while others are quickly executed.

Like Robert Rauschenberg, Heck joins nontraditional materials and everyday objects to develop highly unusual pictorial creations.

“She clearly, convincingly, and permanently questions the art of painting,” says Jan Hoet about her oeuvre. The volume on Kati Heck focuses primarily on the painting of one of the most interesting aspiring artists of today.

Kati Heck Texte von / Texts by WOODY ALLEN, ANN DEMEESTER, JAN HOET, LUC TUYMANS im Gespräch mit / in conversation with KATI HECK 144 S. / pp., ca. 82 Abb. / ills., 24,7 x 29 cm, Hardcover Ca. € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4131-6 (Deutsch, English) Januar / January 2016

“ To hell with all definitive Ideologies!”

– K AT I H E C K

14.3.2016 74

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KU N ST / ART

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Die erste umfassende Monografie des internationalen Stars der Medienkunst

Kaleidoscopic inner world: the new cycle of films by M+M

The first extensive monograph of the international star of media art

Der alltägliche Wahnsinn: Wir begleiten den Protagonisten des Filmzyklus 7 Tage von M+M durch eine Woche. Die nach den Wochentagen benannten Zweikanal-Installationen des Künstlerduos führen direkt in die Abgründe einer wechselhaften Psyche. Der österreichische Schauspieler Christoph Luser verkörpert die ambivalente, teils melancholisch, teils bedrohlich wirkende Hauptfigur, die höchst gegensätzlichen Situationen ausgesetzt ist. Jeder Tag lehnt sich dabei an eine Schlüsselszene der Filmgeschichte an, wie etwa aus The Shining oder Saturday Night Fever.

Das Künstlerduo M+M – Marc Weis und Martin De Mattia – ist bekannt für seine begehbaren, selbst inszenierten und höchst intensiven Filminstallationen, die narrative Möglichkeiten sowohl der Kunst als auch des Kinos erweitern und gleichzeitig die Linearität der Erzählung vollkommen auflösen. M+M hinterfragen dabei Konzepte der Identität vor dem Hintergrund einer radikal veränderten Zeitwahrnehmung.

Ihr neuer, groß angelegter Zyklus 7 Tage entstand in einem Zeitraum von 7 Jahren und wird in der gleichnamigen Ausstellungstour 2015 erstmals vollständig präsentiert.

M+M

Lynn Hershman Leeson gehört zu den ersten und wohl einflussreichsten Medienkünstlerinnen. Während der letzten fünf Jahrzehnte hat sie in den Bereichen Fotografie, Video, Film, Performance, Installation und interaktive sowie netzbasierte Medienkunst Wegweisendes geleistet. Die großen Themen von Hershman Leeson sind die Konstruktion von Identität, Überwachung bzw. Kontrolle und das Leben im Zeitalter der Gentechnologie. Ihre bekannteste Werkreihe, Roberta Breitmore (1973–1978), wird bestimmt durch eine Kunstfigur, verkörpert von ihr selbst und – teilweise simultan – von drei weiteren Frauen. Als eine Art Klon der Künstlerin wird deren Leben in Echtzeit und in der realen Außenwelt inszeniert. In ihren jüngsten Arbeiten bezieht Hershman Leeson Web-Applikationen und Massenkommunikationsmittel wie Smartphones mit ein und rückt auch neueste wissenschaftliche Entwicklungen auf dem Gebiet der Genetik und der regenerativen Medizin in den Fokus ihrer künstlerischen Arbeit – einschließlich 3D-Biodrucker, die Teile des menschlichen Körpers nachbauen.

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Deichtorhallen Hamburg

14.6.2015–17.1.2016

Lynn Hershman Leeson Civic Radar

7 Tage Hrsg. / Ed. CASINO LUXEMBOURG – Forum d‘art contemporain, Luxembourg, Galerie im Taxipalais, Innsbruck, M + M, Texte von / texts by M + M, KEVIN MUHLEN, JÜRGEN TABOR, Gestaltung von / graphic design by HEIMANN & SCHWANTES 168 S. / pp., 109 Abb. / ills., 24 x 32 cm, Hardcover € 38,– [D], CHF 46,40, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4054-8 (Deutsch, English, French) Lieferbar / Available

Please find more information at www.editiongerdhatje.com

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Kaleidoskopische Innenwelt: der neue Filmzyklus von M+M

Everyday madness: we accompany the protagonists of 7 Days, a series of films by M+M, for an entire week. The artist duo’s two-channel installations, named for the days of the week, lead directly into the abysses of a volatile psyche. The Austrian actor Christoph Luser embodies the ambivalent main character— who comes across as partly melancholy, partly threatening—who is subjected to highly conflicting situations. Each day, he borrows from a key scene from cinematic history, for instance from The Shining or Saturday Night Fever.

M+M—Marc Weis and Martin De Mattia—are known for accessible, self-staged, and highly intense film installations that expand the narrative potential of art as well as cinema and at the same time completely dissolve the narrative’s linearity. In doing so, M+M question concepts of identity against the background of a radically altered perception of time. Their new, large-scale cycle 7 Days developed over a period of seven years and will be presented for the first time in its entirety in the exhibition tour of the same name in 2015.

Lynn Hershman Leeson is one of the first and most influential media artists. During the past five decades she has done pioneering work in the fields of photography, video, film, performance, installation, and interactive and net-based media art. Hershman Leeson’s major themes are the construction of identity, surveillance and control, and life in the age of genetic engineering.

Her most well-known series is Roberta Breitmore (1973–78), a fictional character embodied by her and three other women, in part simultaneously. A kind of clone of the artist, her life is staged in real time and space. In her most recent works, Hershman Leeson includes web applications and mass communication media such as smartphones, as well as the latest scientific developments in the field of genetics and regenerative medicine, including 3D bioprinters that create human body parts.

Hrsg. / Ed. PETER WEIBEL, ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe, Texte von / texts by ANDREAS BEITIN, PAMELA LEE, PEGGY PHELAN, RUBY RICH, JEFFREY SCHNAPP, KYLE STEPHAN, KRISTINE STILES, TILDA SWINTON, PETER WEIBEL, Interview von / interview

by HOU HANRU, LAURA POITRAS mit der Künstlerin / with the artist, Gestaltung von / graphic design by JAN KIESSWETTER Ca. 384 S. / pp., ca. 430 Abb. / ills., 21 x 26,7 cm, Hardcover Ca. € 45,– [D], CHF 54,90, $70.00, £40.00 ISBN 978-3-7757-4102-6 (English) Februar / February 2016

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KU N ST / ART

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AUSSTELLUNG/ EXHIBITION: Kunsthalle Düsseldorf

5.12.2015–6.3.2016

Zeig mir, was Du hast, und ich sag Dir, wer Du bist: Aus Sammelwut wird Kunst

Erster Überblick über das Schaffen Basim Magdys

Show me what you have, and I’ll tell you who you are: collecting mania and recycling become art

First overview of Basim Magdy’s work

Quadratmeterweise leere Zahnpastatuben, Stifte, Wollknäuel, Schuhe oder Reinigerflaschen – alles fein säuberlich aufgereiht: Waste Not, die spektakuläre Installation von Song Dong (*1966 in Beijing) aus über 10 000 Einzelteilen, reiste um die ganze Welt und begeisterte zahllose Ausstellungsbesucher. Die Mutter des Künstlers verarmte im Laufe der Kulturrevolution und sammelte zwanghaft Alltagsgegenstände. Die Installation ordnet ihren gesamten Besitz und katalogisiert und dokumentiert damit ein Leben.

Der Band gibt erstmals einen Überblick über alle Werkreihen des Konzeptkünstlers, in denen er Themenfelder wie Konsum, Nachhaltigkeit, Erinnerung oder Spiritualität behandelt. So arrangiert Song Dong alte Türen und Fenster aus Abrissgebäuden zu neuen Wohnräumen, in Doing Nothing Garden auf der dOCUMENTA (13) verwandelte er einen Müllberg in einen begrünten Hügel, oder er baut aus Süßwaren moderne Stadtlandschaften nach: Eating the City – ungesund, aber lecker, Reinbeißen erlaubt!

Basim Magdy (*1977 in Assiut, Ägypten) – »Künstler des Jahres« 2016 der Deutschen Bank – war mit seinem vielfältigem Werk bereits an zahlreichen internationalen Gruppenausstellungen beteiligt. Hierzu zählen unter anderem die Biennalen in Schardscha und Istanbul 2013 und die Biennale von Montreal 2014, aber auch die Ausstellungen Welcome to the Jungle im KW Institute for Contemporary Art, Berlin, und Ocean of Images. New Photography 2015 im MoMA, New York.

Im Mittelpunkt seiner Filme, Fotografien oder Zeichnungen stehen Strukturen des Sehens, Erinnerns und Archivierens. Häufig lassen die Werke an surreale Erzählungen voll abgründigen Humors denken. Mit in ihrer Farbigkeit psychedelisch anmutenden Bildern und Montagen hinterfragt Magdy kollektive Utopien und formuliert Zweifel an Dogmen und Ideologien. Zugleich appelliert er an die Imaginationskraft des Betrachters und lässt alternative Realitäten und gesellschaftliche Entwürfe aufscheinen.

Basim Magdy Would a Firefly Fear the Fire that Burns in Its Heart?

Hrsg. / Ed. Deutsche Bank, Texte von / texts by REGINE BASHA,

Song Dong Texte von / Texts by FENG BOYI, SONG DONG, LENG LIN, BARBARA LONDON, SARINA TANG, PHILIIPPE VERGNE u. a. / et al., Gestaltung von / grahic design by JI YANG 304 S. / pp., 548 Abb. / ills., 22,7 x 28,5 cm, Hardcover € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4063-0 (English) Lieferbar / Available

Square meters of empty toothpaste tubes and bottles of cleaning solution, pencils, balls of wool, or shoes—all of it in neat rows: Waste Not, the spectacular installation by Song Dong (*1966) comprising more than ten thousand individual items, traveled around the whole world, inspiriting countless exhibition visitors.

The artist’s mother fell into poverty during the Cultural Revolution and compulsively collected everyday objects. The installation arranges everything she accumulated, cataloguing and documenting her life.

This is the first volume to provide insight into all of the series of works by the Conceptual artist in which he deals with issues such as consumption, sustainability, memory, or spirituality. Song Dong arranges old doors and windows from demolished buildings to create new living spaces.

In Doing Nothing Garden at documenta 12, he transformed a mountain of garbage into an attractive recreation area, or he recreates modern cityscapes out of candy: Eating the City—unhealthy, but yummy. Taking a bite is allowed!

LAUREN CORNELL, BRITTA FÄRBER, FRIEDHELM HÜTTE,

Basim Magdy (*1977 in Assiut, Egypt)—the Deutsche Bank’s 2016 “Artist of the Year”—has already presented his multifaceted oeuvre in numerous international group exhibitions. These include the biennales in Sharjah and Istanbul in 2013, the Biennale de Montréal in 2014, as well as the exhibitions Welcome to the Jungle at the KW Institute for Contemporary Art, Berlin, and Ocean of Images: New Photography 2015 at the Museum of Modern Art in New York.

Magdy’s films, phot0graphs, and drawings focus on structures of seeing, remembering, and archiving. His works often call to mind surreal narratives full of abysmal humor. The artist uses his psychedelically colored pictures and montages to scrutinize collective utopias and express doubt about dogmas and ideologies. At the same time, he appeals to the viewer’s power of imagination and causes alternative realities and designs for society to shine out.

AUSSTELLUNG/ EXHIBITION: Deutsche Bank KunstHalle, Berlin

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29.4.–3.7.2016

OMAR KHOLEIF, STEFAN KRAUSE, Gestaltung von / graphic design by KERSTIN RIEDEL Ca. 224 S., ca. 160 Abb., 28 x 28 cm, Hardcover € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4128-6 (Deutsch, English) Mai / May 2016

“Maybe I’m more interested in issues that are not particularly pleasant, but I have to say that my favorite reaction to the work I make is when people look at it and smile or laugh.”

— BA S I M M AG DY

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»In jeden anständigen Haushalt gehört ein Narwalzahn.« – LEHMANN BERNHEIMER

Ewige Kunst! – ewige Aufgabe?

Zum richtigen Umgang mit Künstlernachlässen im 21. Jahrhundert

“Every decent household should have a narwhal tusk.” – LEHMAN N B ER N H EIMER

Der Legende nach stellte das Horn eines Einhorns ein wirksames Mittel gegen Vergiftung dar und sollte die Kraft besitzen, Wasser zu reinigen. So pflegte Lehmann Bernheimer obigen Sinnspruch über jenen Gegenstand, der jahrhundertelang im Besitz der Familie als Horn des Fabelwesens gehandelt wurde.

Konrad Bernheimer ist vier Jahre alt, als ihn sein Großvater 1954 aus Venezuela, wohin die jüdische Familie vor den Nazis geflohen war, zurück nach München holt. Dorthin, wo die Bernheimers einst als Kunst- und Antiquitätenhändler bekannt waren und wo es jetzt gilt, von vorn anzufangen. Hier steht im Salon des Großvaters ein Narwalzahn, der Glücksbringer der Familie, der sie durch alle Höhen und Tiefen begleitet …

Lebendig und faszinierend erzählt Konrad Bernheimer die Geschichte seiner Familie, einer deutsch-jüdischen Kunsthändlerdynastie, und gewährt Einblicke in den ebenso spannenden wie ungewöhnlichen Alltag eines Kunsthändlers, der mit Werken von Lucas Cranach bis Peter Paul Rubens zu tun hat.

Great Masters and Unicorns The Story of an Art Dealer Dynasty Text von / Text by KONRAD O. BERNHEIMER 344 S. / pp., 46 Abb. / ills., 14,5 x 22,2 cm, Hardcover € 29,80 [D], CHF 36,70, $45.00, £26.99 ISBN 978-3-7757-4069-2 (English) Lieferbar / Available

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Legend has it that the horn of the unicorn could counteract poison and purify water. Lehmann Bernheimer used to say this aphorism about the object which for centuries had been collected and treasured as the horn of the mythical unicorn.

In 1954, when Konrad Bernheimer is four years old, his grandfather brings him back from Venezuela, where the family had fled from Nazi persecution, to Munich. The Bernheimers had been renowned art antique dealers there, and the time has come to start all over again. In the grandfather’s salon there is a narwhale tusk, a family talisman, which has accompanied them through highs and lows . . .

In this vivid and fascinating narrative, Konrad Bernheimer tells the story of his family, a German-Jewish dynasty of art dealers, and gives insights into the exciting and unusual life of an art dealer between Lucas Cranach and Peter Paul Rubens.

Everlasting art!—everlasting responsibility?

On the proper handling of artists’ estates in the twenty-first century

»Death can really make you look like a star.« Diesen Satz hinterließ uns Andy Warhol. Doch das Ableben per se stellt keinen Katalysator für die Bedeutung eines Künstlers dar. Zur posthumen Bewahrung und Entwicklung des künstlerischen Erbes ist die passende Nachlassstruktur von entscheidender Bedeutung. Den möglichen rechtlichen Gestaltungsrahmen, passende Finanzierungsmodelle sowie den richtigen Umgang mit Markt, Museen und Wissenschaft stellt das Handbuch von Loretta Würtenberger vor. Ihr Unternehmen Fine Art Partners berät seit vielen Jahren Künstler und Künstlernachlässe bei Aufbau und Entwicklung von Nachlasskonzepten sowie operativen Fragen. Anhand zahlreicher internationaler Beispiele erläutert die Autorin die verschiedenen Varianten zur Betreuung eines Künstlernachlasses und gibt Handlungsempfehlungen, wie heute nach dem Ableben eines Künstlers mit Arbeit, Archiv und Andenken idealerweise zu verfahren ist.

Andy Warhol bequeathed us the words “Death can really make you look like a star.” But death per se is not a catalyst for the relevance of an artist. What is of crucial importance is the proper management structure for the posthumous preservation and development of an artistic estate. The handbook by Loretta Würtenberger presents the possible legal framework, appropriate financing models, as well as the proper handling of the market, museums, and academia. Her business, Fine Art Partners, has advised artists and artists’ estates for many years in their structuring and development of estate concepts as well as in operative questions. Based on numerous international examples, the author explains the different alternatives for maintaining an artist’s estate and makes recommendations on how to ideally handle work, archives, and mementos following the death of an artist.

Der Künstlernachlass

Handbuch für Künstler, ihre Erben und Nachlassverwalter

The Artist Estate

A Handbook for Artists, Executors, and Heirs Text von / Text by LORETTA WÜRTENBERGER, KARL VON TROTT, Interviews mit / interviews with Rainer Judd Foundation (RAINER JUDD), The Estate of Martin Kippenberger (GISELA CAPITAIN), The Estate of Max Beckmann (MAYEN BECKMANN), The Henry Moore Foundation (RICHARD CALVOCORESSI) u. a. / et al.

Ca. 304 S. / pp., ca. 20 Abb. / ills., 16,5 x 24 cm, Softcover Ca. € 29,80 [D], CHF 36,70, $45.00, £26.99 ISBN 978-3-7757-4132-3 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4133-0 (English) Mai / May 2016

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KU N ST / ART

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Die Skizzen des visionären TonRaumKünstlers eröffnen der Kunst neue Wege

Chinesische Skulptur trifft auf englische Gartenkultur Neuerwerbungen der Cass Sculpture Foundation AUSSTELLUNG / EXHIBITION:

The sketches by the visionary sound artist open up new paths for art

CASS Sculpture Foundation, Sussex Mai / May–November 2016

Wer Ohren hat zu hören, dem vermittelt sich Bernhard Leitners Kunst unmittelbar. Radikale Tonexperimente, verdichtete Klangfelder.

Leitner, ausgebildeter Architekt, schafft mit Klängen (durch-)wandelbare Räume, kreiert innovative, intime akustische Räume, um Klang-Bewegungen im Körper selbst zu erleben, integriert Arbeiten als mediale Kunst am Bau, nutzt Ausstellungsbesucher als Resonanzkörper und spielt mit deren akustischen Gehirnen. Nach den ersten Entwurfsskizzen zu einem Soundcube (1969) folgten in den nächsten Jahrzehnten TonRaumskulpturen in beeindruckender Vielfalt. Auf detailreichen, fragilen Zeichnungen entwickelt Bernhard Leitner seine künstlerischen Vorstellungen, die teils erst umgesetzt werden können, wenn die technischen Voraussetzungen dafür erfunden oder produziert worden sind.

Die vorliegende Publikation ermöglicht erstmals einen direkten Einblick in Leitners visionäre Skizzenbücher und Ideennotizen.

Bernhard Leitner Skizzenbuch / Sketchbook Notation Ton-Räume / Notation Sound Spaces Text von / Text by EUGEN BLUME, Gestaltung von / graphic design by MARIANNE FRIEDEL, BERNHARD LEITNER 224 S. / pp., 113 Abb. / ills., 28,5 x 29 cm, Hardcover € 48,– [D], CHF 58,60, $75.00, £45.00 ISBN 978-3-7757-4076-0 (Deutsch, English) Lieferbar / Available

Bernhard Leitner’s art communicates directly with those who have ears to hear with. Radical sound experiments, dense fields of sound.

Leitner, a trained architect, uses sounds to generate mutable spaces; creates innovative, intimate spaces in which one can physically experience the movements of sound; integrates media-based works of art into his architecture; uses exhibition visitors as resonating bodies; and plays with their acoustic brains. Initial drafts for a Soundcube (1969) were followed by decades of TonRaumskulpturen (Sound Space Sculptures) in striking variety. Bernhard Leitner develops his artistic ideas in detailed, fragile drawings that can in part not be implemented until the technical conditions for them have been invented or produced. The present publication is the first to provide direct insight into Leitner’s visionary sketchbooks and notes.

Chinese sculpture meets English horticulture New commissions of the Cass Sculpture Foundation

In der Geschichte der Cass Sculpture Foundation – 1992 von Wilfred und Jeannette Cass als gemeinnützige Institution gegründet – eröffnet erstmals eine Ausstellung mit jüngst in Auftrag gegebenen Skulpturen von Gegenwartskünstlern aus Großchina. In Bronze gegossen, aus Holz geschnitzt oder in Stein gemeißelt, haben 19 herausragende Künstler vollkommen neue Werke geschaffen, die sich mit der gegenwärtigen Kultur, Politik und Gesellschaft auseinandersetzen.

Anders als die meisten Kataloge bietet diese Publikation zudem einzigartige Einblicke in den Entstehungsprozess einer Ausstellung.

Der Band begleitet die Arbeiten auf ihrem Weg von China bis nach West Sussex – von ihrem Entstehen im Atelier bis zum Aufbau – und bietet auf diese Weise die einzigartige Gelegenheit, dem Werden der Kunstwerke beizuwohnen.

For the first time in the history of the Cass Sculpture Foundation—a nonprofit institution founded in 1992 by Wilfred and Jeannette Cass—its first exhibition of newly commissioned sculptures by contemporary artists from Greater China will be unveiled.

Cast in bronze, carved from wood, or chiseled out of stone, nineteen outstanding artists have created new works that reflect on contemporary culture, politics, and society.

Unlike most catalogues, this publication provides unique behind the scenes perspectives on the making of the exhibition. Moreover, the volume accompanies the works as they travel from China to West Sussex, from the artists’ studios through to their production process and installation, providing the reader with a unique opportunity to witness their progress as works of art.

A Beautiful Disorder Texte von / Texts by CLARE HINDLE, ELLA LIAO, CLAIRE SHEA, WENNY TEO u. a. / et al.

Ca. 304 S. / pp., ca. 150 Abb. / ills., 21 x 29,7 cm, Hardcover Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4130-9 (Chinese, English) Juni / June 2016

»Mit dem Knie höre ich besser als mit der Wade« – B E R N H A R D L E I T N E R 82

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KU N ST / ART

In Deutschland lebende junge Künstler hinterfragen gesellschaftliche Konventionen

Unterwegs mit einem genialen Allrounder

Young artists living in Germany scrutinize social conventions

On route with an ingenious allrounder

Der ars viva-Preis wird seit 1953 jährlich an junge in Deutschland lebende Künstlerinnen und Künstler vergeben, deren Arbeiten sich durch richtungsweisendes Potenzial und hohe künstlerische Qualität auszeichnen. »Die diesjährigen Preisträger spiegeln ihre direkte Erfahrungswelt. Das Private wird politisch und führt zu aktuellen gesellschaftlichen Fragestellungen«, so der Kulturkreis der deutschen Wirtschaft. Flaka Haliti (*1982 in Priština) beschäftigt sich in ihren medienanalytischen Arbeiten mit gesellschaftlichen Strukturen. Hanne Lippard (*1984 in Milton Keynes) arbeitet in ihren textund zeitbasierten Arbeiten, Performances, Kurzfilmen und Tonstücken mit ihrer Stimme als Gestaltungsmittel. Calla Henkel & Max Pitegoff (*1988 in Minneapolis / *1987 in Buffalo) realisieren kooperationsbasierte Inszenierungen und rücken in ihren fotografischen Arbeiten das Soziale und Private in den Fokus.

ars viva 2016 Flaka Haliti. Hanne Lippard. Calla Henkel & Max Pitegoff Hrsg. / Ed. Kulturkreis der deutschen Wirtschaft, Texte von / texts by ANDREW BERARDINI, CAROLINE BUSTA, PHILIPP EKARDT, PAUL FEIGELFELD, Gestaltung von / graphic design by HARRI KUHN 128 S. / pp., 39 Abb. / ills., 21 x 28 cm, Softcover € 24,80 [D], CHF 31,40, $40.00, £22.99 ISBN 978-3-7757-4087-6 (Deutsch, English) Lieferbar / Available

Since 1953 the ars viva Prize is awarded annually to young artists living in Germany whose work stands out due to its remarkable potential and high artistic quality. According to the Kulturkreis der deutschen Wirtschaft, “This year’s prizewinners reflect their direct world of experience. The private becomes political and leads to the formulation of topical social questions.” Flaka Haliti (*1982 in Priština) deals with social structures in her media-analytical works. In her text- and time-based works, performances, short films, and audio pieces Hanne Lippard (*1984 in Milton Keynes) works with her voice as a creative medium. Calla Henkel & Max Pitegoff (*1988 in Minneapolis / *1987 in Buffalo) develop collaboration-based presentations, and in their photographic works they concentrate on the social and the private spheres.

AUSSTELLUNGEN / EXHIBITIONS: Städtische Galerie Karlsruhe

9.10.2015–17.1.2016 Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig

20.2.–17.4.2016 Index – The Swedish Contemporary Art Foundation, Stockholm

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11.6.–21.8.2016

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Sammlung Goetz, München / Munich

28.11.2015–23.4.2016

Die Kunst des Kanadiers Rodney Graham mag leichtfüßig daherkommen, tatsächlich verbirgt sich dahinter aber eine außerordentliche inhaltliche und mediale Vielschichtigkeit. So finden sich in seinen Fotografien, Objekten, Gemälden, Filmen, Texten und Musikstücken Verweise auf Philosophie und Literatur, Kunstund Kulturgeschichte, die von Erasmus von Rotterdam über Edgar Allan Poe bis zu Sigmund Freud, Richard Wagner und Kurt Cobain reichen. Während Graham in seinem Frühwerk die Annäherung an seine Materialquellen noch mit großer konzeptueller Strenge vollzieht, sind die späteren Arbeiten in ihrer spielerischen Ambivalenz zwischen wissenschaftlicher Faktizität und fantasievoller Fiktion vor allem von großem, intelligentem Humor geprägt.

In der Sammlung Goetz befinden sich Arbeiten aus allen Schaffensphasen und Gattungen.

Diese Publikation ermöglicht einen profunden Einblick in das umfassende künstlerische Werk dieses Allrounders aus den letzten 40 Jahren und lädt zur Entdeckungsreise ein.

The art by the Canadian Rodney Graham may come across as light-footed, yet in reality it harbors an extraordinary complexity in terms of content and its use of media. His photographs, objects, paintings, films, texts, and compositions contain references to philosophy and literature, to the history of art and culture, that range from Erasmus of Rotterdam and Edgar Allan Poe to Sigmund Freud, Richard Wagner, and Kurt Cobain. While in his early oeuvre he still approaches his sources of material with a great deal of conceptual rigor, in their playful ambivalence between scientific factuality and imaginative fiction his later works are marked primarily by an enormous and intelligent sense of humor. The Goetz Collection includes works from all of his creative phases and genres. This publication provides substantial insight into this all-rounder’s extensive artistic work of the last forty years and extends an invitation to set out on a journey of discovery.

Rodney Graham Hrsg. / Ed. INGVILD GOETZ, LEO LENCSÉS, KARSTEN LÖCKEMANN, Sammlung Goetz, Texte von / texts by TACITA DEAN, INGVILD GOETZ, KIM GORDON, RODNEY GRAHAM, LEO LENCSÉS, KARSTEN LÖCKEMANN, DOROTHEA ZWIRNER, Gestaltung von / graphic design by HERBURG WEILAND, München / Munich 184 S. / pp., 59 Abb. / ills., 17,6 x 24,6 cm, Hardcover € 35,– [D], CHF 42,70, $55.00, £32.50 ISBN 978-3-7757-4082-1 (Deutsch, English) Lieferbar / Available

»Es mag eine Last sein, sich immer wieder neu zu erfinden, aber es macht die Dinge interessanter.« – RO D N E Y G R A H A M 85

KU N ST / ART

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Ausstellungskatalog zum senkrechtstarter der Schweizer Kunstszene

AUSSTELLUNG / EXHIBITION:

Auf Expedition in fremdvertrauten Welten

Overbeck-Gesellschaft, Lübeck

Exhibition catalogue on the rising star of the Swiss art scene

22.11.2015–7.2.2016

Als Valentin Carron (*1977 in Martigny) im Jahr 2013 den Schweizer Pavillon auf der Biennale von Venedig mit seinen Skulpturen bespielen durfte, war der internationalen Kunstszene längst klar, dass er zu den herausragenden Schweizer Künstlern seiner Generation zählt. Doch was macht das Werk des jungen Wallisers aus? Zum Großteil sicher seine innige Heimatverbundenheit, die als eine der entscheidenden Inspirationsquellen gelten kann – im Wallis ist Carron aufgewachsen, hier lebt und arbeitet er. Dabei entfalten seine Arbeiten noch eine zweite entscheidende Komponente: Carrons Werk provoziert immer wieder die Frage nach Original und Kopie, danach, was Tradition und Identität sein können.

Indem er bekannte und traditionelle Formen seines Landes durch neue Materialien nachbildet, lässt er ihrer ikonischen Bedeutung und Wirkung Raum, um sie mit ironischem Gestus auszustellen. Das Edelweiß wird hierdurch auch immer wieder als Edelkitsch entlarvt.

Valentin Carron Hrsg. / Ed. OLIVER ZYBOK, Texte von / texts by GIOVANNI CARMINE, OLIVER ZYBOK Ca. 112 S. / pp., ca. 90 Abb. / ills., 22,2 x 28,7 cm, Hardcover Ca. € 30,– [D], CHF 36,80, $45.00, £26.99 ISBN 978-3-7757-4123-1 (Deutsch, English) März / March 2016

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When Valentin Carron (*1977 in Martigny) was free to install his sculptures in the Swiss Pavilion in the Venice Giardini within the scope of the 2013 Biennale, the international art scene long since knew that he was one of the outstanding Swiss artists of his generation. Yet what constitutes the young Valaisian’s oeuvre?

For the most part surely his profound affinity for his home, which can be considered one of his crucial sources of inspiration—Carron grew up in Valais and still lives and works there.

At the same time, Carron’s works develop a second, defining component: they repeatedly ignite the issue of original and copy, of what tradition and identity can be. By reproducing familiar and traditional forms from his country using new materials, he allows space for their iconic meaning and impact in order to exhibit them with an ironic gesture. By doing so, the pristine white edelweiss is time and again exposed as being pristine white kitsch.

On an expedition to foreignly familiar worlds

Vergilbte, stockfleckige Buchseiten sind das Trägermaterial für Martin Neumaiers vielschichtige Collagen, in denen er sich intensiv mit dem Thema des europäischen Kolonialismus und Imperialismus auseinandersetzt. Aufgeklebte grafische Elemente dynamisieren dabei die Druckerschwärze der Schriften und Darstellungen und überführen sie in eine konstruktivistische und abstrakte Bildlichkeit.

Auf den zweiten Blick gewinnen die Arbeiten eine zusätzliche Komponente und werden zu Überlagerungen unterschiedlicher Kulturen. Die Bücher, die Neumaier (*1970 in Hürth) als Grundlage für seine Arbeit dienen, sind Lehr- und Wissenschaftsbücher vom 18. bis 20. Jahrhundert, die in ihrer Bearbeitung eine Umdeutung, Umarbeitung und Neubestimmung erfahren: Die engen Repräsentationen der Buchseiten gewinnen in dem Palimpsest eine ästhetische Freiheit, die auch ihre Bedeutungsdimensionen vervielfältigt, um schließlich auf immer neue Weise andere Möglichkeiten des Sehens abzugewinnen.

Yellowed, moldy book pages are the support material for Martin Neumaier’s multilayered collages in which he carries out an intense examination of European colonialism and imperialism. Glued-on graphic elements dynamize the printing ink of the lettering and depictions and translate them into constructivist and abstract imagery. At second glance the works acquire an additional component, becoming superimpositions of different cultures. The books that Neumaier (*1970 in Hürth) uses as the foundation for his works are textbooks and science books from the eighteenth to the twentieth centuries, which experience a reinterpretation, adaptation, and redefinition in their processing: in their palimpsest, the narrow representations on the pages achieve an aesthetic freedom that also duplicates their dimensions of meaning to ultimately acquire any number of other possible ways of perceiving them visually.

Martin Neumaier Hrsg. / Ed. OLIVER ZYBOK, Texte von / texts by MARCUS ANDREW HURTTIG, OLIVER ZYBOK, Gestaltung von / graphic design by BOBBI FLEISCH 176 S. / pp., 110 Abb. / ills., 16,6 x 24 cm, Hardcover Ca. € 29,80 [D], CHF 36,70, $45.00, £26.99 ISBN 978-3-7757-4109-5 (Deutsch, English) Dezember / December 2015

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KU N ST / ART

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Ausstellungspolitik aus aktueller Sicht

Vielseitig, anspruchsvoll und provokativ: der Katalog zu Michael Müllers Einzelausstellungsdebüt in den Kunst-Werken, Berlin

New perspectives on curatorial politics

Seit den 1990er-Jahren bewegt sich der Diskurs im Bereich des Kuratierens rund um die Figur des professionellen Kurators. Folglich wurde Ausstellungspolitik üblicherweise als direktes Ergebnis bewusster Intentionen von Kuratoren verstanden. Heute jedoch geben neue Modelle von Institutionen und andere Ausstellungsmethoden gemeinsam mit zentralen Verschiebungen in der Finanzierungs- und Sammlungspolitik von Ausstellungshäusern den Blick frei auf Felder kuratorischen Handelns, über die der Ausstellungsmacher wenig bis keine Kontrolle hat. Der vorliegende Band stellt eine Reihe von Essays anerkannter Kunsttheoretiker und Kulturwissenschaftler zusammen, die über den Fokus auf den agierenden Kurator hinausgehen und diese bislang unerforschten Ebenen der Ausstellungspolitik aufdecken.

Curating and Politics Hrsg. / Ed. HEIDI BALE AMUNDSEN, GERD ELISE MØRLAND, Texte von / texts by HEIDI BALE AMUNDSEN, EKATERINA DEGOT, T. J. DEMOS, REESA GREENBERG, GERD ELISE MØRLAND, ANDREA PHILLIPS, CECILIA SJÖHOLM 128 S. / pp., 15 x 21,5 cm, Softcover Ca. € 29,90 [D], CHF 36,80, $45.00, £26.99 ISBN 978-3-7757-4079-1 (English)

Since the nineties, curatorial discourse has revolved around the figure of the professional curator. Consequently, curatorial politics is usually considered the direct result of a curator′s deliberate acts and intentions. Now, however, new institutional models and modes of exhibition practice together with key shifts in funding and collecting strategies have revealed aspects of curatorial politics over which the exhibition organizer has little or no control. The present volume presents a series of essays by noted art theorists and cultural scientists that go beyond the perspective of the individual curator to reveal these previously unexplored levels of curatorial politics.

Lieferbar / Available

“. . . the political potential of art is not necessarily inherent in the artwork as such, but may emerge through the ways in which it is displayed.”

– H A N N A H A R E N DT 88

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: KW Institute for Contemporary Art, Berlin

29.11.2015–24.1.2016 Multifaceted, challenging, and provocative: the catalogue accompanying Michael Müller’s solo exhibition premiere at the KW Institute for Contemporary Art

In ständig sich verändernden Formationen und quer durch alle Genres thematisiert Michael Müller (*1970 in Ingelheim) die Gestaltungsund Übersetzungsprozesse bildender Kunst.

Sein Werk ist dabei von einer Vielgestaltigkeit gekennzeichnet, die sich historische wie gegenwärtige künstlerische Codes aneignet, aber zugleich auch als etwas Ganzes erfahren wird. Sei es durch Müllers Erzählinstanzen Hermes und Hermaphroditos, die durch die Ausstellung wie durch den Katalog führen, oder durch den Künstler selbst, dessen Handschrift in den adaptierten Werken doch immer wieder impliziert ist und sichtbar wird.

Schnell wird klar, dass der Ausstellungstitel Wer spricht? immer auch die Fragen »Was wird gesagt?« und »Warum wird gesprochen?« beinhaltet. Dass es darauf keine eindeutige Antwort, sondern immer mehrere gibt, macht die besondere Erfahrung von Müllers Werken aus. Es lohnt sich zuzuhören und hinzusehen!

Michael Müller Wer spricht? / Who’s Speaking?

Michael Müller (*1970 in Ingelheim) examines processes of composition and translation in visual art in continually changing formations that cut across all artistic genres. His oeuvre is characterized by a versatility that appropriates historical as well as contemporary artistic codes, yet which is experienced in its coherence at the same time. Be it through Müller’s narrative voices Hermes and Hermaphroditos, which guide us through the exhibition as well as the catalogue, or through the artist himself, who is repeatedly implied and becomes visible in the adapted works. It quickly becomes clear that from Müller’s perspective, the title Who’s Speaking? also means “what is being said?” and “why?” The fact that there is no unequivocal answer to these questions makes up the special experience of Müller’s works. It pays to listen and to look!

Hrsg. / Ed. KW INSTITUTE FOR CONTEMPORARY ART, Texte von / texts by ELLEN BLUMENSTEIN, TRAVIS JEPPESEN, DANIEL TYRADELLIS, Gestaltung von / graphic design by HIT STUDIO, BERLIN Ca. 192 S. / pp., ca. 100 Abb. / ills., 18,5 x 22 cm, Softcover Ca. € 35,– [D], CHF 42,70, $55.00, £32.50 ISBN 978-3-7757-4113-2 (Deutsch, English) Februar / February 2016

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KU N ST / ART

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Zurück in die Zukunft: Pavel Peppersteins enigmatische Bildwelten Back to the future: Pavel Pepperstein’s mysterious visual worlds

Pavel Pepperstein.

The Cold Center of the Sun

“ I am primarily an ecologist, an advocate of an extremely cautious approach to the biosphere . . .” – PAV E L P E P P E R ST E I N Pavel Pepperstein, in Russland längst als Leitfigur der jüngeren Moskauer Kunstszene anerkannt, stellt ein wichtiges Bindeglied zwischen den älteren Vertretern des Moskauer Konzeptualismus und den jungen Kunstschaffenden seines Landes dar. Dem Betrachter eröffnen sich im zeichnerischmalerischen Werk des Künstlers rätselhafte, hybride Welten. Motive aus der russischen und antiken Sagenwelt treffen auf avantgardistische Formen im Stil von El Lissitzky oder Kasimir Malewitsch, die collagenartig mit Hollywoododer Science-Fiction-Szenen zusammengefügt werden. Dieser gewagten Mischung fügt Pepperstein ein kommentierendes Element hinzu: die Schrift. So erprobt er mit spielerischem Gestus verschiedene Gestaltungsmöglichkeiten, durchbricht die Grenzen des Gewohnten und kombiniert auf ironische Weise russische Ikonen mit Bildern der westlichen Populärkultur.

Der Katalog widmet sich erstmals nicht nur Peppersteins Kurzgeschichtensammlung The Secret of Our Time, sondern geht auch auf seine jüngsten Arbeiten ein.

Short Stories Einführung von / Introduction by LORAND HEGYI, OLGA SVIBLOVA, Texte von / texts by PAVEL PEPPERSTEIN, Gestaltung von / graphic design by JOCHEN MAHLKE 112 S. / pp., 62 Abb. / ills., 19,6 x 27 cm, Softcover € 28,– [D], CHF 34,80, $45.00, £25.99 ISBN 978-3-7757-4066-1 (English, French, Russian) Lieferbar / Available

Pavel Pepperstein, long since acknowledged as the central figure in Russia’s contemporary art scene, constitutes an important link between the older generation of Moscow Conceptualists and young aspiring artists in his country. In Pepperstein’s graphic, painterly works, mysterious, hybrid worlds open themselves up to the viewer’s gaze. Motifs from Russian and ancient mythology encounter avant-garde forms in the style of El Lissitzky or Kasimir Malevich that are combined, much like collages, with Hollywood or sciencefiction scenes. The artist adds a handwritten, annotating element to this bold blend. His playful gestures break through the confines of the familiar and ironically blend Russian icons with images taken from Western pop culture.

This catalogue relates a selection of stories by Pavel Pepperstein, taken from his short story collection The Secret of Our Time, to his recent works on canvas.

Zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit Between abstraction and representation

Jedes Sehen ist per se schon eine Abstraktion.

Wahrnehmungs- wie erkenntnisspezifisch existiert die Welt nie nur für sich, sondern immer schon für uns. Dass dies auch für die Kunst gilt, bringt das Werk Vladimír Houdeks wie kein anderes zum Ausdruck. Was der Titel Levitationen metaphorisch artikuliert, macht seine Arbeiten zu einer außergewöhnlichen Erfahrung für den Betrachter: ein Changieren zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit, das die Wahrnehmung in einen ästhetischen Schwebezustand versetzt. Houdeks Gemälde und Zeichnungen, Collagen und Filme spielen mit der Illusion und Täuschung, die durch eine auf der flachen Leinwand behauptete Plastizität erreicht wird. Auch wenn die Bezüge in seinen Werken durch geometrische Formprinzipien der Gegenwart bestimmt werden, sind Anklänge an die Ideen historischer Vorläufer, wie zum Beispiel des Konstruktivismus und seiner Aneignung von neuen Sinn- und Wahrnehmungszusammenhängen, unverkennbar.

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Mönchehaus Museum Goslar

13.2.–24.4.2016

Vladimír Houdek Levitationen Hrsg. / Ed. O L I V E R Z Y B O K , Texte von / texts by ZDENEK FELIX, ROSA WINDT, OLIVER ZYBOK, Gestaltung von / graphic design by BOBBI FLEISCH Ca. 112 S. / pp., ca. 120 Abb. / ills., 22,2 x 28,7 cm, Hardcover Ca. € 30,– [D], CHF 36,80, $45.00, £26.99

All vision is per se already an abstraction. In terms of perception and cognition, the world does not exist in itself but for us. Like no other, Vladimír Houdek’s oeuvre demonstrates that this also applies for art. As the title Levitations metaphorically articulates, his works become an extraordinary experience for the viewer, an alternation between abstraction and representation that shifts perception into aesthetic limbo. Houdek’s paintings and drawings, collages and films play with the illusion that is achieved by means of the alleged three-dimensionality on the flat canvas. Even though the references in his works are defined by contemporary principles of geometric form, similarities to the ideas of historical precursors, such as, for example, Constructivism and its appropriation of new contexts of meaning and perception, are unmistakable.

ISBN 978-3-7757-4122-4 (Deutsch, Englisch) März / March 2016

KU N ST / ART

Mit einer Vielzahl von Werken aus der bahnbrechenden Ausstellung von 1915 Including a large number of works from the pioneering exhibition of 1915

Auf der Suche nach 0,10

“The correlation of elements found and revealed in a painting is the new reality . . .”

– I VA N P U N I A N D X E N I A B O G US L AWS K A J A

Es war ein historischer Augenblick der Kunstmoderne, als Kasimir Malewitsch unter dem Banner des Suprematismus seine gegenstandslosen Bilder der Öffentlichkeit vorstellte und Wladimir Tatlin gleichzeitig revolutionäre Konterreliefs präsentierte.

Die erbitterten Rivalen standen einander künstlerisch diametral gegenüber. Die Plattform, die ihre jüngsten Arbeiten zeigte, 0,10 – Die letzte futuristische Ausstellung der Malerei, vom Künstlerkollegen Ivan Puni 1915 in Petrograd (heute St. Petersburg) organisiert, war den 12 anderen dort vertretenen Künstlern Anlass, sich einem der Lager zuzuschlagen. Das Ergebnis war eine stilistisch vielfältige Ausstellung, in der selbst vom Kubismus inspirierte Arbeiten zu sehen waren. In der Fondation Beyeler wird zum ersten Mal wieder eine große Zahl dieser Werke in einem Ausstellungszusammenhang gezeigt.

Der Katalog bietet Essays von Matthew Drutt und anderen Fachautoren sowie historische Dokumente, die teils noch nie übersetzt veröffentlicht wurden.

Die letzte futuristische Ausstellung der Malerei Hrsg. / Ed. MATTHEW DRUTT, Fondation Beyeler, Riehen/Basel, Texte von / texts by SAM KELLER, ANATOLIJ STRIGALEV, ANNA SZECH, MARIA TSANTSANOGLOU, Gestaltung von / graphic design by MIKO MCGINTY 272 S. / pp., 188 Abb. / ills., 24,5 x 30,5 cm, Leinen / clothbound € 65,– [D], CHF 70,80, $100.00, £60.00 ISBN 978-3-7757-4032-6 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4033-3 (English) ISBN 978-3-7757-4119-4 (Russian) Lieferbar / Available

This exhibition celebrates the historic moment in the history of modern art when Kazimir Malevich debuted his new non-objective paintings under the banner of Suprematism and Vladimir Tatlin introduced his revolutionary counter-relief sculptures. They were bitter rivals and diametrically opposed in their creative thinking, so when an exhibition in which their new works appeared, entitled 0,10—The Last Futurist Exhibition of Painting and organized by fellow artist Ivan Puni in Petrograd in 1915, the other 12 artists in the show chose sides. It was a stylistically diverse exhibition, with Cubistinspired works and the first non-objective paintings and reliefs. The Beyeler’s presentation includes a large number of the works from the original exhibition. The catalogue contains essays by exhibition curator Matthew Drutt and other leading scholars, as well as documents gathered together and translated for the first time.

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Fondation Beyeler, Riehen/Basel

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4.10.2015–17.1.2016

Das französische Original von 1950 erstmals mit deutscher und englischer Übersetzung The French original from 1950, for the first time in German and English

Poésie sur Alger, 1942 geschrieben und 1950 erstmals veröffentlicht, ist eine selbstironische Auseinandersetzung Le Corbusiers mit 13 ergebnislos investierten, arbeitsreichen Jahren, in denen er sich nicht weniger als drei weitreichenden städtebaulichen Entwürfen für Algier widmete. Auf seine erste Reise nach Algerien 1931 folgten zahlreiche weitere.

Der Architekt träumte davon, Algier als Südpunkt der kulturellen Verbindungslinien zwischen den Mittelmeeranrainern, zwischen Paris, Barcelona und Rom, zu installieren – als »islamischen Pol«, wie er das nannte.

Die Entscheidung, seine sehr persönlichen und auch selbst illustrierten Gedanken zu dem »plan directeur« für Algier zu veröffentlichen, markiert einen wichtigen Entwicklungspunkt im Œuvre Le Corbusiers.

Poésie sur Alger gewährt auch heute noch einen interessanten Einblick in das Innenleben und die Gedankenwelt des Wegbereiters der Architekturmoderne.

Poésie sur Alger, written in 1942 and published for the first time in 1950: a self-mocking examination of thirteen abortively invested, work-intensive years during which Le Corbusier devoted himself to the drawing up of extensive urban plans for Algiers. Numerous additional plans followed on his first trip to Algeria in 1931. The architect dreamed of installing Algiers as the southernmost point of the cultural connection between the littoral states of the Mediterranean, between Paris, Barcelona, and Rome—as an “Islamic pole,” as he called it.

The decision to publish his very personal and self-illustrated thoughts on a “plan directeur” for Algiers marks an important point in Le Corbusier’s development. The publication continues to provide multilayered insight into the inner life and world of thought of the pioneer of architectural modernism

Le Corbusier Poem on Algiers Texte von / Texts by CLEO CANTONE, LE CORBUSIER Ca. 88 S. / pp., ca. 45 Abb. / ills., 11 x 17 cm, Softcover Ca. € 19,80 [D], CHF 25,30, $27.50, £17.99 ISBN 978-3-7757-4096-8 (Deutsch, English) März / March 2016

“ Poetry radiates over Algiers: a master plan,— the master plan— will make this apparent.”

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KU N ST / ART

Faszinierende Artefakte und illuminierte Handschriften aus dem 9. bis 12. Jahrhundert

Die gesammelten Schriften Peter Weibels zur Mediengeschichte in 6 Bänden

Spektakuläre Zeugnisse der technischen Errungenschaften des Goldenen Zeitalters der arabisch-islamischen Kulturen

Peter Weibel’s collected writings of the history of media in 6 volumes

Fascinating artifacts and illuminated handwriting from the ninth to the twelfth centuries Spectacular evidence of the technical achievements of the Golden Age of Arabic-Islamic culture

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe

31.10.2015–28.2.2016 Jahrhunderte bevor erste Automaten in Europa für Erstaunen sorgten, wurde ihre Technik in arabisch-islamischen Kulturen entwickelt: Bereits zwischen dem 9. und 13. Jahrhundert notierten arabische Gelehrte ihr durch die Übersetzung und Weiterentwicklung antiker Texte und Ideen erworbenes Wissen über Maschinen zur Lobpreisung Gottes des Allmächtigen. Die opulente Publikation stellt vier Meistermanuskripte des Automatenbaus vor: zwei Schriften der Banū Mūsā ibn Shākir aus der Mitte des 9. Jahrhunderts, eine des Ingenieurs Ibn al-Razzāz al-Jazarī, die wohl um 1200 entstanden ist, sowie ein Manuskript des andalusischen Ingenieurs Ahmad ibn Khalaf al-Murādī aus dem 11. Jahrhundert.

Begleitende Essays rekonstruieren aus medienarchäologischer Perspektive die Entwicklung der muslimischen Automaten aus den Traditionen von Alexandria, Rom oder Byzanz und eröffnen Ausblicke auf ihre Weiterentwicklung in Europa.

Allah’s Automata Artifacts of the Arab-Islamic Renaissance (800-1200) Hrsg. / Ed. SIEGFRIED ZIELINSKI, PETER WEIBEL, ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe, Texte von / texts by MOHAMMED ABATTOUY, ULRICH ALERTZ, SALIM T. S. AL-HASSANI, NADIA AMBROSETTI, AYHAN AYTES, CLAUS-PETER HAASE, SUSANNE RÜHLING, GEORGE SALIBA, IMAD SAMIR, MONA SANJAKDAR CHAARANI, PETER WEIBEL, EILHARD WIEDEMANN, SIEGFRIED ZIELINSKI u. a. / et al., 152 S. / pp., 80 Abb. / ills., 22,5 x 27,5 cm, Softcover € 25,– [D], CHF 31,60, $40.00, £22.99 ISBN 978-3-7757-4106-4 (English) Lieferbar / Available

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Centuries before the first automata caused a sensation in Europe, their technology had been developed in Arabic-Islamic cultures: as early as between the ninth and thirteenth centuries, Arabic scholars noted down their knowledge about machines, which they had acquired through the translation and further development of antique texts, in praise of God Almighty. The opulent publication introduces four master manuscripts on the construction of automata: two works by the Banū Mūsā Ibn-Šhākir from the mid-ninth century, one by the engineer Ibn alRazzāz al-Jazarī written in around 1200, as well as a manuscript by the Andalusian engineer Ahmad ibn Khalaf al-Murādī from the eleventh century.

Accompanying essays reconstruct the development of the Muslim automata from the traditions of Alexandria, Rome, or Byzantium from a media-archeological perspective and throw light on their advancement in Europe.

Von den alten Griechen bis zur Gegenwart, vom Buch zum Grammofon, von Gutenberg bis Google – die Veränderungen der Aufzeichnungs-, Speicher- und Übertragungsmedien prägen unsere Kultur. Mit einer sechsbändigen Auswahl seiner Schriften legt Peter Weibel eine Enzyklopädie vor, die alle Bereiche der Medienwelt diskursiv abdeckt.

Der erste Band ist bereits 2015 erschienen, die anderen Bände folgen sukzessive. Band 1 behandelt das gesamte Spektrum der Architektur unter den Bedingungen der Neuen Medien. Band 2 widmet sich den medialen Neuerungen im Bereich der Musik, von Klang als informationstheoretischem Phänomen bis zur Theorie einer molekularen Musik. Band 3 thematisiert nun den Einfluss der Neuen Medien auf die Kunst und zeigt etwa, wie das Bild interaktiv und der Betrachter Teil des Werkes wird, wie Realität die Repräsentation ersetzt. Literatur, Politik und Theorie im Kontext der Neuen Medien sind die Themen der weiteren Bände.

From Greek antiquity to the present, from the book to the gramophone, from Gutenberg to Google, our culture is defined by changes in recording, storage, and transmission media.

In a six-volume selection of his writings, Peter Weibel presents an encyclopedia that addresses all areas of the media world. Three volumes will be published in September 2014, and the remaining three in spring 2015. Volume one deals with a broad definition of architecture in the context of new media. Volume two is devoted to media-relat­ed innovations in the area of music—from automatic methods of composition in the music of Mozart to a theory of molecular music. Volume three addresses the impact of new media on art and discusses how pictures become interactive and viewers become part of the work—how reality replaces representation. The themes of the other three volumes are literature, pol­itics, and theory in the context of new media.

Enzyklopädie der Medien.

Band 3 Kunst und Medien Hrsg. / Ed. UNIVERSITÄT FÜR ANGEWANDTE KUNST WIEN, ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe, Text von / text by PETER WEIBEL, Gestaltung von / graphic design by RENATA SAS Ca. 380 S. / pp., ca. 100 Abb. / ills., 16,5 x 24,2 cm, Softcover € 29,80 [D], CHF 36,70, $45.00, £26.99 ISBN 978-3-7757-3872-9 (Deutsch) Mai / May 2016

Weitere Titel der Reihe / Other books in the series Band 1 ist bereits erhältlich; Die Bände 2 und 4 erscheinen im April und Oktober 2016; die Bände 5 und 6 im März und August 2017 / Volume 1 is already available; volumes 2 und 4 will be published in April and in October 2016; volumes 5 and 6 in March and in August 2017, respectively: Architektur und Medien, ISBN 978-3-7757-3870-5 Musik und Medien, ISBN 978-3-7757-3871-2 Literatur und Medien, ISBN 978-3-7757-3873-6 Politik und Medien, ISBN 978-3-7757-3874-3 Theorie und Medien, ISBN 978-3-7757-3875-0

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SARA VANDERBEEK S. / p. 112

OSTKREUZ S. / pp. 100/101

PAUL BULTEEL S. / p. 115

ANDREAS GEFELLER S. / p. 114

ANDRES SERRANO S. / pp. 106/107

OLAF OTTO BECKER S. / p. 109

STEFAN KOPPELKAMM S. / p. 110

Fotografie / Photography BAMBERG SYMPHONY S. / p. 113

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» O STKREUZ, das heißt, aufrichtig zu sein, nicht mehr und nicht weniger.«

Jubiläumsband zum 25. Geburtstag der »Ostberliner« Agentur Jubilee publication celebrating the 25th birthday of the Berlin-based photo agency

– M A RC US JAU E R

Ostkreuz 25 Jahre Hrsg. / Ed. OSTKREUZ – Agentur der Fotografen, Vorwort von / foreword by WOLFGANG KIL, Texte von / texts by LAURA BENZ, JÖRG COLBERG, Gestaltung von / graphic design by TILL WIEDECK, HelloMe 159 S./ pp., 166 Abb. / 150 ills., 26 x 35,6 cm, Softcover, in Mappe / in folder € 38,– [D], CHF 46,40, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4062-3 (Deutsch / English / French) Lieferbar / Available

Im Jahr 1990, kurz nach dem Fall der Mauer, gründeten sieben ostdeutsche Fotografen die in Berlin ansässige Agentur OSTKREUZ. Durch Aufträge bedeutender Zeitschriften und Tageszeitungen wie Stern, GEO, Newsweek oder die New York Times sowie zahlreiche Ausstellungen und Publikationen wurden ihre Mitglieder rasch international bekannt.

Heute ist OSTKREUZ – mit der berühmten Pariser Agentur Magnum als Vorbild – die erfolgreichste von Fotografen geführte Agentur in Deutschland. Ihr gehören inzwischen 20 Fotografen an, die nahezu alle mit nationalen oder internationalen Preisen ausgezeichnet wurden. Mit ihren unterschiedlichen Biografien und Arbeitsweisen bilden sie eine bunt gemischte Gruppe aus Ost und West, eines aber vereint sie: ihr gesellschaftlich engagierter Blick auf die Welt. Fotografie als Haltung.

Wir freuen uns sehr, Ihnen anlässlich des 25-jährigen Bestehens von OSTKREUZ eine ungemein reiche Jubiläumsedition anbieten zu können. Die Box versammelt hochwertige Pigmentprints aller 20 Fotografen der Agentur: »Jeder von ihnen sieht mit anderen Augen auf die Welt, jeden interessiert etwas anderes an ihr, jeder bricht in eine eigene Richtung auf.

Aber es gibt einen Punkt, von dem sie dabei alle ausgehen und in dem sie sich stets wieder treffen. Dieser Punkt heißt OSTKREUZ. […]

Es bedeutet, herangehen an die Wirklichkeit.

In ihr das Material finden, mit dem man arbeitet. Bei dieser Arbeit den Kern der Dinge erkennen, ihn abbilden und in diesem Abbilden ehrlich bleiben. […]

In 1990, shortly after the Berlin Wall fell, seven East German photographers founded the Berlin-based agency OSTKREUZ. Their members quickly became internationally known through assignments from important magazines and newspapers such as Stern, GEO, Newsweek, and The New York Times, as well as in numerous exhibitions and publications. Taking after the Parisian agency Magnum, OSTKREUZ is the most successful photographer-led agency in Germany today. They now have twenty photographers, and almost all of them have received national or international awards.

With different backgrounds and work methods, they are a colorful mixture of East and West, but they all have one thing in common: their socially committed view of the world.

Photography as attitude.

In celebration of the 25th anniversary of OSTKREUZ, we are very pleased to be able to offer you a tremendously rich anniversary edition. The box contains high-quality pigment prints by all twenty of the agency’s photographers. “Each one of them sees the world with different eyes; everyone is interested in something else about it; everyone goes off in their own directions. But there is one starting point for all of them, where they always meet again. This point is called OSTKREUZ. . . . It means coming closer to reality. Finding in it the material to work with. While doing this work, recognizing things, photographing them, and remaining honest in this process. . . . OSTKREUZ means being sincere, no more and no less.”

Please find more information at www.editiongerdhatje.com

Jubiläumsedition 25 Jahre OSTKREUZ / OSTKREUZ 25th anniversary edition Mit Arbeiten von / With photos by: Marc Beckmann, Sibylle Bergemann, Jörg Brüggemann, Espen Eichhöfer, Sibylle Fendt, Annette Hauschild, Harald Hauswald, Tobias Kruse, Ute Mahler & Werner Mahler, Dawin Meckel, Thomas Meyer, Julian Röder, Frank Schinski, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting, Linn Schröder, Stephanie Steinkopf, Heinrich Völkel, Maurice Weiss 19 Pigmentprints auf Museo Silver Rag Papier, in Mappe, in Box /

AUSSTELLUNGEN / EXHIBITIONS: Goethe-Institut, Paris ab / starting November 2015 | 24 Beaubourg, Paris ab / starting November 2015 |

19 pigment prints on Museo Silver Rag paper, in folder, in box Blattformat / Sheet size: 24 x 30 cm Limitierte Auflage von 25, signiert, nummeriert / Limited edition of 25, signed and numbered Lieferbar / Available

Schleswig-Holstein-Haus, Schwerin ab / starting Juni / June 2016 | Kunstfoyer München ab / starting Oktober / October 2016 |

€ 4.500,00

Und weitere Stationen / And further venues

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Eine Elegie auf ein Land: eine fotografische Reise durch das besetzte Palästina

Typologie sakraler Baukunst: eine Fotostudie über armenische Kirchenbauten in über 25 Ländern

An elegy on a region: a photographic journey through occupied Palestine

Typology of sacral sites: a photographic study of Armenian church architecture in over twenty-five countries

Federico Busonero

Zwischen 2008 und 2009 unternahm Federico Busonero im Auftrag der UNESCO zwei ausgedehnte Reisen durch das besetzte Westjordanland. Mit einer Analogkamera und unverkennbar mit dem Herzen entstanden Bilder, die uns kulturell bedeutsame, selten gesehene Orte im Maschrek – der arabischen Bezeichnung für das »Land der aufgehenden Sonne« östlich des Nils– vor Augen führen: Städte und Dörfer mit großer Geschichte, überwältigende biblische Hügellandschaften und uralte Olivenhaine, fruchtbare Wadis, heilige Wüstenfriedhöfe sowie archäologische Stätte mit jahrtausendealten Schätzen.

Ein kritischer und dennoch neutraler Blick beleuchtet den drohenden Verlust des kulturellen Erbes Palästinas in Bildern, die zeigen, wie die heutige gebrochene Geschichte gewaltsam von einer anderen Realität besetzt wird, wie im Land, das bestehen bleibt, Visionen der Hoffnung dieser Realität zum Opfer fallen.

Seit 2007 arbeitet Claudio Gobbi (*1971 in Ancona) an der systematischen Erfassung armenischer Kirchenbauten vom Mittelalter bis in unsere Tage. Die Serie mit dem Titel Arménie Ville umfasst neben eigenen Aufnahmen des Fotokünstlers auch gefundene Bilder aus Archiven, dem Internet oder Auftragsarbeiten anderer Künstler. In den Fotografien aus über 25 Ländern von Westeuropa bis zum Kaukasus spürt der in Berlin lebende italienische Fotograf den Besonderheiten sakraler armenischer Baukunst und der bestechenden Einfachheit ihrer Formen nach, die seit über 1500 Jahren unverändert geblieben sind. Hierin setzt Claudio Gobbi seine konsequente Suche nach Schlüsselbildern verschiedener Kulturräume fort und umkreist dabei die Themen Zeit, Erinnerung, Migration und das kulturelle Erbe eines Volkes sowie Konzepte von Urheberschaft, Serialität und Repräsentation.

Commissioned by UNESCO, Federico Busonero undertook two extensive journeys through the West Bank of the Occupied Palestinian Territory between 2008 and 2009. Using a traditional film camera and unmistakably, his heart, he created pictures that illustrate culturally important, rarely seen places in the topography of the Mashriq—the Arabic “places of sunrise” to the east of the Nile—villages and cities with extraordinary heritage, pastoral rolling hills and ancient olive groves, fertile wadi ecologies, sacred desert cemeteries, and vanishing millennial archaeological sites. A critical yet neutral gaze sheds light on the impending loss of Palestine’s cultural legacy with images of today’s broken history being occupied forcefully by another’s reality, reflecting visions of hope sacrificed in the land that remains.

Claudio Gobbi (*1971 in Ancona) has been working since 2007 on the systematic recording of Armenian religious architecture from the Middle Ages to the present. Besides the photographer’s own photographs, the series, with the title Arménie Ville, also comprises found images from archives, pictures from the Internet and from commissioned artists.

Spanning more than twenty-five countries from Western Europe to the Caucasus, the Berlin-based Italian artist traces the specific features of sacral Armenian architecture and the captivating simplicity of its forms, which have remained unchanged for more than 1,500 years. Investigating the concepts of authorship, serialization, and representation, Claudio Gobbi carries on his quest for key images of various cultures and in the process addresses the subjects of time, memory, migration, and the cultural legacy of a people.

Claudio Gobbi

The Land that Remains – Photographs from Palestine Texte von / Texts by GIOVANNI FONTANA ANTONELLI, ANNE SANCIAUD AZANZA, Gestaltung von / graphic design by BROOKS WALKER Ca. 176 S. / pp., ca. 80 Abb. / ills., 29 x 31,5 cm, Hardcover Ca. € 45,– [D], CHF 54,90, $70.00, £40.00 ISBN 978-3-7757-4121-7 (English) April 2016

Arménie Ville A visual essay on Armenian architecture Texte von / texts by HRIPSIMÉ VISSER, MARTINA CORGNATI, FILIPPO MAGGIA, GIACOMO DANIELE FRAGAPANE, Gestaltung von / graphic design by ROB VAN HOESEL Ca. 144 S. / pp., ca. 125 Abb. / ills., 21 x 27 cm, Hardcover Ca. € 45,– [D], CHF 54,90, $70.00, £40.00 ISBN 978-3-7757-4115-6 (English, Italian) Mai / May 2016

AUSSTELLUNG / EXHIBITION:

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Fondazione Fotografia in Modena Juni / June–September 2016

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2. AUFLAGE des Bestsellers / 2ND EDITION of the bestseller

Die bröckelnde Pracht des architektonischen Erbes Kalkuttas, festgehalten auf prachtvollen Fotografien The crumbling splendor of Calcutta’s architectural heritage, captured in marvelous photographs.

Calcutta Chitpur Road Neighborhoods. Kolkota Heritage Photo Project Hrsg. / Ed. PETER BIALOBRZESKI, Vorwort von / foreword by PETER BIALOBRZESKI, Texte von /

Im Kalkutta des 19. Jahrhunderts bildete sich eine indische Elite, die sich in einem eklektischen Stilmix aus traditioneller Mogularchitektur und klassizistischen Elementen die bengalische Variante der Fabrikantenvilla errichtete. Heute sind die einstmals großartigen Villen und Paläste nur mehr ein Schatten ihres früheren Selbst.

Es scheint nur noch eine Frage der Zeit zu sein, bis die letzten steinernen Zeugen eines ehemals glanzvollen bengalischen Großbürgertums für immer verschwinden.

21 Fotografiestudenten von der Hochschule für Künste Bremen unter der Leitung von Peter Bialobrzeski haben als »Kolkata Heritage Photo Project« dieses unvergleichliche kulturelle Erbe fotografisch festgehalten. »Hätte Kalkutta den Appeal von Havanna, es gäbe längst Coffee-Table-Books über die alten Paläste«, schrieb die Süddeutsche Zeitung am 22. April 2007. Wir präsentieren das Desiderat bereits in der zweiten Auflage.

texts by MANISH CHAKRABORTI, FLORIAN HANIG 144 S. / pp., 74 Abb. / ills., 23 x 30 cm, Softcover € 29,80 [D], CHF 36,70, $45.00, £26.99 ISBN 978-3-7757-4074-6 (Deutsch, English) Lieferbar / Available

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In nineteenth-century Calcutta, a financially strong Indian elite emerged under the rule of the British East India Company, building up eclectic Bengali equivalents of industrialists‘ mansions, apparent stylistic blends of traditional Mughal architecture with more classical elements. Today the erstwhile magnificent villas and palaces retain only a shred of their former splendor, and it seems only a matter of time before the last stony reminders of a once brilliant Bengali upper middle class disappear for good.

Under the guidance of Peter Biaolobrzeski, twenty-one photography students from the Hochschule für Künste in Bremen captured the fading, crumbling grandeur of this culturally rich heirloom as part of the Kolkata Heritage Photo Project. On April 22, 2007, the Süddeutsche Zeitung wrote, “If Calcutta had the appeal of Havana, its palaces would long ago have become the subject of various coffee-table books.” We now present this desideratum in a second edition.

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Galerie Haus Schlangeneck, Euskirchen

24.4.–21.5.2016

Bilder fremder Schönheit: Leben zwischen den Geschlechtern Images of foreign beauty: life between the genders

Während seines Fotoprojekts Sonnenstraße, bei dem Frank Gaudlitz (*1958 in Vetschau) 2010 Alexander von Humboldts Spuren über die Anden folgte, begegnete er immer wieder Transsexuellen – starken, stolzen Frauen, die in einem männlichen Körper leben. Von der Gesellschaft an den sozialen Rand gedrängt, täglicher Diskriminierung und körperlicher Gewalt ausgesetzt, bedarf es des Muts der Amazonen, sich auch öffentlich zu ihrer gewählten Geschlechtsidentität zu bekennen.

Zwischen 2013 und 2015 lebte Gaudlitz jeweils mehrere Monate unter ihnen. In seinen Porträts hält er die Fragilität und Verletzlichkeit fest, die selbst hinter dick aufgetragener Schminke schlummert. Hochstilisierte, stilllebenartig wirkende Arrangements unterstreichen die Melancholie seiner Bilderzählungen und wirken wie Metaphern von Schönheit und Vergänglichkeit, von Paradies und Qual.

Nachdem Gaudlitz’ Bilder bereits in zahlreichen Ausstellungen zu sehen waren, erscheinen sie nun in diesem anspruchsvollen Fotoband.

Frank Gaudlitz A Mazo. Die Amazonen des Amazonas

During his photo project Sonnenstraße, during which Frank Gaudlitz (*1958 in Vetschau) followed the tracks of Alexander von Humboldt over the Andes in 2010, he time and again encountered transsexuals—strong, proud women who live in male bodies. Marginalized by society, exposed to discrimination and physical violence on a daily basis, it requires the courage of the Amazons to publically admit to their choice of gender identity.

Between 2013 and 2015, Gaudlitz lived among them for several months. In his portraits he consistently succeeds in capturing the fragility and vulnerability that slumbers even underneath thickly applied makeup. Highly stylized, almost painterly still life arrangements support the melancholy of this pictorial narrative and come across as metaphors of beauty and impermanence, of paradise and torture. After having been presented in numerous exhibitions, the images are now being published in this sophisticated volume of photographs.

Text von / Text by CLAUDIA SCHUBERT, Gestaltung von / graphic design by KARSTEN FRIEMEL TENY 136 S. / pp., 56 Abb. / ills., 24,5 x 28 cm, Leinen / clothbound € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4075-3 (Deutsch, English, Spanish) Lieferbar / Available

TM

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Ein neuer Blick auf Israel jenseits der allgegenwärtigen Nachrichtenbilder A new look at Israel beyond the ubiquitous news images Andres Serrano (*1950 in New York), einer der profiliertesten internationalen Gegenwartkünstler, erlangte vor allem mit seiner Arbeit Piss Christ große Bekanntheit, die bis heute nichts von ihrer verstörenden Wirkung verloren hat. Religion, Sexualität und Tod sind beherrschende Elemente in seinem Werk. Katholisch aufgewachsen in Williamsburg, Brooklyn, interessierte Serrano sich schon früh für die chassidistische Gemeinde Williamsburgs. Eine Einladung nach Israel erweiterte auch seine künstlerische Herangehensweise: Mit seiner Mamiya RB 67 näherte er sich dem Thema Glauben über die Landschaft. Er besuchte die heiligen Stätten, Bethlehem, Ramallah, Galiläa und das Tote Meer, ging dann Schritt für Schritt, Bild für Bild näher an die Menschen heran, folgte ihnen durch den Alltag und zu Festen, um zuletzt in intensiven Studioaufnahmen die Spuren der Identität eines ganzen Staates in den Gesichtern abzubilden. Ein eindrückliches Zeugnis, aufgenommen kurz vor dem Wiederauflammen des Nahostkonflikts.

AUSSTELLUNGEN / EXHIBITIONS: Royal Museum of Fine Arts of Belgium, Brüssel / Brussels,

18.3.–21.8.2016 MEP, Paris Herbst / Fall 2016

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“ I had no agenda other than to photograph and investigate as much of Jerusalem and Israel as possible” – A N D R E S S E R R A N O

Andres Serrano (*1950 in New York), one of the most celebrated representatives of international contemporary photography and art, achieved major prominence for his work Piss Christ which to this day has not lost any of its unsettling impact. Religion, sexuality, and death are pervasive elements of his oeuvre. Raised as a Catholic in Williamsburg, Brooklyn, he became curious about the Hasidic community there from an early age.

An invitation to Israel also expanded his artistic strategy: using a Mamiya RB67, he approached the subject of religious faith via the landscape and the people. He visited sacred sites, Bethlehem, Ramallah, Galilee, and the Dead Sea; came closer to people step by step, picture by picture, following them through their everyday lives and to celebrations, to ultimately depict the traces of the identity of an entire nation in their faces in intense studio photographs. Striking testimony captured on film shortly before the resurgence of the Middle East conflict.

Andres Serrano Salvation

Gestaltung von / Graphic design by ALEX WIEDERIN, Buero New York Ca. 216 S. / pp., ca. 200 Abb. / ills., 24,5 x 31,5 cm, Hardcover Ca. € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4124-8 (English) März / March 2016

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Ein Traum aus Eis, ein Traum in Weiß …

Blau, Grün und Grau: im Spiegelsaal der Gletscherhöhlen

Olaf Otto Beckers spektakuläre Fotobücher im Set zum Sonderpreis!

A dream out of ice, a dream in white . . . blue, green, and gray: in the hall of mirrors of the glacier caves

Olaf Otto Becker’s set of three spectacular photo books at a special price!

Bernd Nicolaisen Restlicht. Photographs | Tableaux | Lightboxes Iceland 2004–2015 Vorwort von / Foreword by KLAUS HONNEF, Texte von / texts by ANDREA HENKENS, STEPHAN REISNER, CHRISTOPH SIGRIST, ANDRES STAEGER, Gestaltung von / graphic design by WALTER STÄHLI 192 S. / pp., 103 Abb. / ills., 25,6 x 30 cm, Leinen / clothbound € 58,– [D], CH 70,80, $85.00, £55.00

IBN 978-3-7757-4061-6 (Deutsch, English) Lieferbar / Available

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Eindrucksvolle Dokumentationen nordischer Landschaften zwischen Natur, Zivilisation und Klimawandel

Striking documentation of Nordic landscapes between nature, civilization, and climate change Gletscher, Vulkane und Höhlen – Orte der Einsamkeit, Stille und Melancholie. Zugleich Orte von ungemeiner Erhabenheit. Seit 2004 zieht es den Schweizer Fotografen Bernd Nicolaisen (*1959 in Aarberg) für seine Aufnahmen immer wieder nach Island, dem Land der Gletscher und Geysire. Mit einer Großbildkamera ausgerüstet, begibt er sich auf faszinierende Expeditionen tief ins Innere von Eishöhlen – das imaginäre Bild stets vor Augen. Weder Mensch noch Tier haben die eisigen Spiegelsäle jemals zuvor betreten oder zu Gesicht bekommen, in denen allein bizarre Eis- und Gesteinsformationen den Raum beherrschen und das Licht in magischer Weise brechen. Aus der Distanz betrachtet, gewinnen Nicolaisens Fotografien an Form und Tiefe, während sie in der Nahsicht in kristalline Strukturen zerfallen. Durch die extremen Lichtbedingungen, dem Rest Licht, das in die Höhlen dringt, wird jedes Bild zu einer Entdeckungstour, die es in diesem Katalog zu erleben gilt.

Seit über zehn Jahren bereist Olaf Otto Becker (*1959 in Travemünde) den hohen Norden, um nach dem noch nie gesehenen Bild der Urlandschaft zu suchen, in der das Auge an die Grenzen des gewohnten Sehens stößt und die Natur zum Spiegel der Seele wird.

Er beobachtet geografische Besonderheiten und wartet optimale Lichtverhältnisse ab, bis er Bilder erschaffen kann, die von großer Klarheit, Weite und Konzentration zeugen.

Ob entlang der Küstenlinie und im Inlandeis Grönlands (Broken Line und Above Zero) oder in den entlegensten Regionen Islands, immer offenbaren seine Fotostudien neben der überwältigenden Schönheit dieser Eislandschaften auch deren existenzielle Bedrohung. Selbst in vollkommen unbelebten Gegenden hat der menschliche Einfluss fatale Folgen: Staub und Ruß aus der Luft lagern sich als schwärzliche Krusten ab, was zusätzlich zur globalen Erwärmung das Abschmelzen des Eisschildes noch beschleunigt – mit wohl unabwendbar katastrophalen Folgen.

Glaciers, volcanoes, and caves—places of solitude, tranquility, and melancholy. At the same time places of tremendous sublimity.

Since 2004, the Swiss photographer Bernd Nicolaisen (*1959 in Aarberg) has been drawn time after time to Iceland, the land of glaciers and geysers. Equipped with a largeformat camera, he sets out on fascinating expeditions deep into the bowels of glacial caves in search of fabulous images. Neither man nor animal has ever set foot in or their eyes on the frigid halls of mirrors, in which the space is dominated solely by bizarre ice and rock formations that magically refract the light. Viewed from a distance, Nicolaisen’s photographs gain form and depth, while up close they disintegrate into crystalline structures. Due to the extreme light conditions, the residual light that penetrates into the caves, each of the images in the catalogue takes readers on a truly spectacular discovery tour.

For over ten years now, Olaf Otto Becker (*1959 in Travemünde, Germany) has traveled the Far North on a search for the first ever image of the primeval landscape, where the eye reaches the limits of familiar vision and nature becomes a mirror of the soul. He observes distinctive geographic features and waits for the ideal light conditions for taking photographs that testify to great clarity, breadth, and concentration. Whether along the coastline or on the Greenland ice sheet, or into Iceland’s most remote regions (Broken Line and Above Zero), his photographic studies always reveal the overwhelming beauty of these icescapes as well as their existential endangerment. Even here, in these completely uninhabited regions, human influences have fatal consequences: dust and soot in the air form black, crusty deposits that, in conjunction with global warming, accelerate the melting of the ice sheets—with no doubt unavoidable catastrophic consequences.

Olaf Otto Becker-Set Set aus / Set containing: Broken Line, Above Zero, Under the Nordic Light 488 S. / pp., 244 Abb. / ills., 34 x 27 cm, Set aus 3 Bänden, Leinen / set of 3 clothbound volumes € 128,– [D], CHF 153,80, $195.00, £120.00 ISBN 978-3-7757-4117-0 Januar / January 2016

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Stadtraumreisen: ein Gang durch drei Werkzyklen

Einfach genial: im Spiel von Differenz und Wiederholung

Journeys through urban space: a walk through three cycles of works

Simply brilliant: difference and repetition at play

Mit Häuser Räume Stimmen fängt Stefan Koppelkamm (*1952 in Saarbrücken) nicht nur grundlegende Elemente des Stadtraums ein, er inszeniert mit ihnen auch ein Spiel unterschiedlicher Zeiten. Im Zentrum des Katalogs steht das Ortszeit-Local-TimeProjekt, mit dem der Fotograf 1990 begann.

Kurz nach dem Fall der Mauer reiste er durch Ostdeutschland und hielt in Schwarz-WeißAufnahmen Häuser, Straßen und Plätze fest. Zehn Jahre später suchte er diese Orte wieder auf und fotografierte sie von den exakt gleichen Standpunkten aus ein zweites Mal. Die Veränderungen sind frappierend: Ein gesellschaftlicher wie ökonomischer Wandel zeigt sich in jedem dieser Bilder. Ergänzt durch aktuelle Stadtimpressionen – riesige Fensterfassaden und überdimensionale Werbeplakate – sowie urbane Klangcollagen, entwirft Koppelkamm ein Panorama, das nicht nur den Raum, sondern auch die Zeit umfasst.

Stefan Koppelkamm Häuser Räume Stimmen / Houses Rooms Voices

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Museum der bildenden Künste Leipzig

14.2.–29.5.2016

Texte von / Texts by ARNOLD BARTETZKY, BERNADETTE DUFRÊNE, VALENTIN GROEBNER, ANNETT GRÖSCHNER, HANS-WERNER SCHMIDT, INES WEIZMAN

Ca. 192 S. / pp., ca. 100 Abb. / ills., 20 x 30 cm, Hardcover Ca. € 35,– [D], CHF 42,70, $55.00, £32.50 ISBN 978-3-7757-4118-7 (Deutsch, English) Februar / February 2016

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With Houses Rooms Voices, Stefan Koppelkamm (*1952 in Saarbrücken) not only collects basic elements of urban space. The catalogue also uses them to stage a game with different times. It focuses on the Local Time project, which the photographer initiated in 1990. Shortly after the fall of the Berlin wall, he travels through eastern Germany and captures houses, streets, and squares in black-and-white photographs. Ten years later, he seeks out these places a second time and takes pictures of them from exactly the same position. The changes are remarkable: social and economical transformations permeate each of these images. Supplemented by contemporary urban impressions—enormous window façades and huge billboards—as well as urban sound collages, Koppelkamm creates a panorama that embraces not only space, but time as well.

Peter Liversidge ist ein Konzeptkünstler, der die Grenzen der Kunst im 20. Jahrhundert erweitert hat. Sein facettenreiches Œuvre hat einen einzigartigen Ausgangspunkt – maschinenschriftliche Vorschläge, durch die er fast jedes Medium erkundet: Zeichnung, Performance, Installation, Fotografie, Druckgrafik, Malerei, Skulptur, Interventionen und Künstlerbücher. Dieses Buch bringt zum ersten Mal Liversidges außerordentliche Werkgruppe zusammen, in der er mithilfe der Sofortbildfotografie das Vergehen der Zeit und der Erinnerung untersucht. Mit einer Handkamera nimmt Liversidge zwei Bilder auf – das ursprüngliche, sorgfältig ausgewählte Bild leitet die Komposition des zweiten Bildes, das aufgenommen wird, sobald das erste entwickelt worden ist, und das versucht, das zu replizieren, was genau zum Zeitpunkt der ursprünglichen Belichtung erfasst wurde. Zwangsläufig treten Unterschiede zwischen den beiden Aufnahmen zutage. Diese manchmal großen, manchmal feinen Unterschiede sind die Schlüssel zu den Werken, nicht nur hinsichtlich ihrer Interpretation, sondern auch, weil sie das Vergehen der Zeit festhalten – was die jeweils einzelnen Bilder für sich genommen nicht können.

Peter Liversidge Twofold Hrsg. / Ed. SEAN KELLY, Texte von / texts by ALEC SOTH, COLM TÓIBÍN, Gestaltung von / graphic design by VERENA GERLACH Ca. 192 S. / pp., ca. 80 Abb. / ills., 24,2 x 29 cm, Leinen / clothbound

A conceptual artist pushing the boundaries of art in the twenty-first century, Peter Liversidge’s diverse oeuvre has a singular starting point, typewritten proposals through which he explores almost every medium: drawing, performance, installation, photography, printmaking, painting, sculpture, interventions, and artist’s books.

This book, for the first time, brings together Liversidge’s extraordinary body of work investigating the passing of time and memory through instant photography. Using a hand-held camera, Liversidge takes two images—the initial, carefully selected image guides the composition of the second image, which is taken moments after the first is developed and which attempts to replicate what was captured at the exact point of the original exposure. Sometimes profound, sometimes subtle, inevitable differences between the pair become evident. These differences are key to the works, not only in their reading, but also through their record of the passing of time—a quality not present in the individual images on their own.

Ca. € 45,– [D], CHF 54,90, $70.00, £40.00 ISBN 978-3-7757-4120-0 (English) März / March 2016

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Musik erleben in Wort und Bild

Innovative Arbeiten im Spannungsfeld zwischen Installation und Fotografie

Der Jubiläumsband zum 70-jährigen Bestehen eines der zehn besten Orchester der Welt

Innovative works in the interplay between installation and photography

Sara VanDerBeek

Experience music in words and pictures

Sara VanDerBeeks (*1976 in Baltimore) fotografische und skulpturale Arrangements greifen die aus der Dichtung bekannte ökonomische Verwendung von Struktur, Phrasierung und Rhythmus auf, um Bilder und multiple Prozesse innerhalb eines rigoros gestalteten Rahmens aufzuheben. Diese erste Studie in Buchlänge präsentiert eingehende Interpretationen von VanDerBeeks Experimenten mit der fotografischen Aufnahme, mit Abzügen, Gussbetonformen und gebauten Umgebungen, die auf verschiedene materielle Kulturen zurückgreifen.

Letztlich bietet das Buch eine reichhaltige Auswahl von Zufällen, Prozessen, Physikalitäten, Reflexionen über und Erinnerungen an Orte in Detroit, New Orleans, Los Angeles, Rom, Paris, Neapel, Rotterdam und New York, die sie von 2006 bis 2016 besucht hat.

Beiträge internationaler Fachleute und Kuratoren betrachten nicht nur VanDerBeeks grundlegende Praxis aus einem ungewöhnlichen Blickwinkel, sondern untersuchen auch, wie sie die derzeitigen Debatten über die Beziehung zwischen Bild und Objekt in der zeitgenössischen Kunst prägt.

Gespräch mit / Conversation with ROXANA MARCOCI, Text von / text by INA BLOM, MARK GODFREY, Gestaltung von / graphic design by GABRIELE SABOLEWSKI Ca. 176 S. / pp., ca. 110 Abb. / ills., 21 x 29,7 cm, Softcover Ca. € 35,– [D], CHF 42,70, $55.00, £32.50 ISBN 978-3-7757-4108-8 (English) Mai / May 2016

Sara VanDerBeek’s photographic and sculptural arrangements emulate a poet’s economic use of structure, phrasing, and rhythm to suspend images and multiple processes within a rigorously shaped framework.

This first book-length study presents close readings of VanDerBeek’s (*1976 in Baltimore) experimentation with photographic capture, prints, cast-concrete forms, and built environments that draw on diverse material cultures.

Ultimately, the book richly distills the chance, process, physicality, reflection, and recollection of her site visits to Detroit, New Orleans, Los Angeles, Rome, Paris, Naples, Rotterdam and New York between 2006 and 2016. Contributions by international scholars and curators offer an oblique angle not only into VanDerBeek’s vital practice, but also the ways she shapes current debates on the relationship between image and object within contemporary art.

In celebration of the seventieth anniversary of one of the ten best orchestras in the world

Kann man die Faszination von Musik auch in Text und Bild ausdrücken? Dieser Frage gehen die Lyrikerin Nora Gomringer und der Dokumentarfotograf Andreas Herzau in einer neuartigen Versuchsanordnung nach. Sie tauchen ein in den Kosmos der Bamberger Symphoniker: Zuhause in Bamberg, auf Tournee in der Welt – das ist der Alltag dieses außergewöhnlichen Orchesters. Während Herzau die Position des teilnehmenden Beobachters ausfüllt, entlockt die IngeborgBachmann-Preisträgerin 2015 mit ihrem lyrischen Ansatz dem Orchester die dazu gehörige Stimme. Sowohl das Spiel auf als auch hinter der Bühne wird eingefangen, der einzelne Musiker wie auch sein Anteil am Ensemble beleuchtet.

Das Ergebnis ist ein Buch, in dem Lyrik und Fotografie zusammentreffen und einen gemeinsamen Ton finden, um das Unsichtbare, die Musik, sichtbar zu machen!

Can the fascination for music also be expressed in words and pictures? The lyricist Nora Gomringer and the documentary photographer Andreas Herzau pursue this question within the scope of an innovative test arrangement. They plunge into the cosmos of the Bamberg Symphony: at home in Bamberg, on international tours—this is the daily routine of this extraordinary orchestra. While Herzau assumes the role of the participant observer, with her overall lyrical approach this year’s winner of the 2015 Ingeborg Bachmann Prize coaxes the necessary voice from the orchestra.

They capture what is being played both on as well as behind the stage, and shine a light on individual musicians as well as their place within the group.

The result is a book in which lyric poetry and photography act in concert for the purpose of making the invisible, the music, visible!

Bamberg Symphony Texte von / Texts by NORA GOMRINGER, Fotografien von / photographs by ANDREAS HERZAU Ca. 136 S. / pp., ca. 90 Abb. / ills., 24,5 x 31,5 cm, Leinen mit Schutzumschlag / clothbound with dustjacket Ca. € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4112-5 (Deutsch, English) Februar / February 2016

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Die Zukunft ist jetzt: ein fotografisches Experiment

Die Reste der Gesellschaft – gesammelt und zurückgewonnen

The future is now: a photographic experiment

Society’s leftovers— collected and reclaimed

Andreas Gefeller (*1970 in Düsseldorf) suchte bereits in seinen Serien Supervisions und The Japan Series nach dem großen Überblick. In seinem jüngsten Fotoprojekt Blank nähert er sich der Erde zunächst aus dem All und präsentiert verführerisch strahlende Satellitenbilder von Ballungszentren bei Nacht.

In ihnen verbinden sich technoide Lichtbahnen und Leuchtgitter zu kristallinen Schaltbildern menschlicher Existenz. Scheinbar in die leuchtenden Zentren hineinzoomend, verliert sich dann in den extrem überbelichteten Aufnahmen jeder Haltepunkt, an dem das Auge Orientierung finden könnte. Selbst massiv erscheinende Fassaden und Raffinerien werden zu filigranen, fast zeichnungsartigen Strukturen auf weißem, blankem Papier, und die Konturen von Containersilos oder Serverräumen gerinnen zu pulsierenden Mustern, die an binäre Codes erinnern: Das Licht verwandelt die Fläche des Fotos in einen randlosen und transparenten Raum und wird zur Metapher für eine in Sinnesreizen ertrinkende Welt. Die Grenzen der Fotografie werden sprichwörtlich aufgelöst.

Andreas Gefeller Blank

Text von / Text by DAVID CAMPANY, Gestaltung von / graphic design by ANDREAS GEFELLER Ca. 120 S. / pp., ca. 50 Abb. / ills., 29 x 32 cm, Hardcover Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4116-3 (Deutsch, English) März / March 2016

Please find more information at www.editiongerdhatje.com

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Andreas Gefeller (*1970 in Düsseldorf) sought the greatest overview as early as in his series Supervisions and The Japan Series. In his most recent photo project, Blank, he initially approaches the earth and presents seductively radiant satellite images of conurbations by night. The images combine technoid strips of light and light grids to become crystalline circuit diagrams of human existence.

Apparently zooming in on the radiating centers, the eye finds no halt in the extremely overexposed photographs. Even massive façades and refineries become filigree, almost drawing-like structures on blank white paper, and the contours of container silos or server rooms congeal to become pulsating patterns that are reminiscent of binary codes: the light transforms the photograph’s surface into a borderless and transparent space and becomes a metaphor for a world drowning in sensory stimuli. The boundaries of photography are proverbially dissolved.

Er gehört zum Leben wie die Luft zum Atmen: Die Rede ist von Müll. Wenn er nachlässig verwaltet wird, zerstört er Lebensräume an Land, in Flüssen und Meeren und verursacht gravierende Gesundheitsschäden.

Müllvermeidung und Recycling sind daher von großer Bedeutung.

Aber was versteht man überhaupt unter Wiederverwertung? Auch wenn der Begriff geläufig ist, hat kaum jemand Bilder von Wiederverwertungsanlagen vor Augen.

Der belgische Fotograf Paul Bulteel nimmt sich dieser Aufgabe an, fasziniert vom Massenausstoß der Konsumgüter und einem Prozess, der weggeworfenem Papier, Metall, Glas- und Kunststoffprodukten, komplexen Haushaltsgeräten und Maschinen immer neue Formen verleiht. Seine gut dokumentierten Aufnahmen faszinieren, machen aber auch nachdenklich.

Waste: like the air we breathe, it is part of life.

When badly managed, it destroys habitats on land, pollutes the air, and befouls our rivers and oceans.

For human populations this translates into major health issues. Avoiding excess consumption and recycling waste are therefore crucial.

But what does recycling really mean? Although the term is familiar, hardly anyone can form a mental picture of what recycling actually entails. Belgian photographer Paul Bulteel takes on this task in a series of striking and highly illuminating photographs of what happens when our discarded paper, metal, glass, plastic, appliances, clothing and countless other industrial byproducts and leftovers are broken down and transformed into new materials.

Visually fascinating and well documented, these images give us food for thought.

Paul Bulteel Cycle & Recycle Einführung von / Introduction by JOHAN PAS, Texte von / texts by PAUL BULTEEL, Gestaltung von / graphic design by JULIA WAGNER, grafikanstalt 176 S. / pp., ca. 101 Abb. / ills., 29 x 24 cm, Hardcover Ca. € 45,– [D], CHF 54,90, $70.00, £40.00 ISBN 978-3-7757-4105-7 (English) Januar / January 2016

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UP UP S. / p. 123 UP UP S. / p. 123

KIRSTEN & NATHER S. / p. 125

KIRSTEN & NATHER S. / p. 125 UP UP S. / p. 123 ELEMENTAL S. / p. 120 GLASS | WOOD S. / p. 122

Architektur / Architecture 118

KIRSTEN & NATHER S. / p. 125

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2. Auflage des Bestsellers: das Standardwerk des Direktors der Architekturbiennale 2016 in Venedig

Katalog zum Deutschen Pavillon auf der Architekturbiennale von Venedig: Einwanderung im Fokus

Second edition of the bestseller: the standard work by the director of the 2016 International Architecture Exhibition in Venice

Catalogue accompanying the German Pavilion at the International Architecture Exhibition in Venice: immigration in the spotlight

Aus Elemental, das als akademische Initiative zur Verbesserung der Lebensqualität armer Bevölkerungsschichten begann, ist ein professioneller Do Tank geworden, der das gesamte Spektrum innovativer Stadtentwicklung anbietet. Alejandro Aravena (*1967 in Santiago de Chile) gründete das Büro 2001 in seiner Heimatstadt mit der Absicht, die soziale Not unmittelbar zu lindern, anstatt auf mehr Gerechtigkeit über einen Ausgleich in den Einkommensverhältnissen zu hoffen.

Kein Dach über dem Kopf zu haben, bedeutet das geringere Übel gegenüber mangelndem Zugang zu Bildung, Arbeit, Gesundheit und Freizeit. Neben dem Bau öffentlicher Einrichtungen und Sozialwohnungen entwickelt Elemental neue Ansätze, um die Ressourcen und das Potential von Städten durch Infrastruktur- und Transportprojekte weltweit neu zu organisieren. Die Publikation dokumentiert die soziale Arbeit und Geschichte des internationalen Teams und zeigt Strategien der Finanzierung, etwa durch partizipativen Bau.

Elemental

Incremental Housing and Participatory Design Manual Texte von / Texts by ALEJANDRO ARAVENA, ANDRÉS IACOBELLI, Gestaltung von / graphic design by ELEMENTAL 512 S. / pp., 200 Abb. / ills., 17.4 x 24.2 cm, Softcover € 39.80, CHF 48,60, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4142-2 (English, Spanish) März / March 2016

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What began as an academic initiative to improve the quality of life of poor strata of the population has meanwhile become a professional “do tank” offering services that cover the entire spectrum of urban development. Alejandro Aravena (*1967 in Santiago de Chile) founded Elemental in 2001 in his hometown with the goal of alleviating social deprivation directly instead of hoping for a balance of income relations. Besides building public facilities and public housing, Elemental also develops new approaches for the reorganization of resources and the potential of cities by means of projects devoted to infrastructure and transportation. This publication documents the social activity and history of the international architectural team and sheds light on its financing strategies, for example through participative building.

Die aktuelle Flüchtlingssituation ist der Ausgangspunkt für die Ausstellung im Deutschen Pavillon auf der 15.

Architekturbiennale 2016 in Venedig.

Nicht nur der Status quo überfüllter Erstaufnahmeeinrichtungen oder notwendige Ad-hoc-Planungen für neue Unterkünfte sind das Thema des Pavillons. Was passiert danach, damit aus den Neuankömmlingen, die legal in Deutschland bleiben, Einwanderer werden, die sich in die deutschen Gesellschaft integrieren? Das Buch Arrival City des kanadischen Journalisten Doug Saunders hält dazu einige überraschende Antworten parat, sodass Saunders als Berater in das Team des Deutschen Pavillons aufgenommen wurde. Seine anhand von Recherchen in über 20 Städten auf 5 Kontinenten entwickelten Forderungen lassen sich auch auf die Situation in Deutschland übertragen. Einige von Saunders´ Thesen sind konsensfähig, andere provozieren.

The current refugee situation is the starting point for the exhibition in the German Pavilion at the 15th International Architecture Exhibition at the Venice Biennale 2016. The theme of the pavilion is not only the status quo of overcrowded reception centers for refugees or the necessary ad hoc plans for new housing. What happens afterwards, so that the new arrivals remain in Germany legally, achieve immigrant status, and are integrated into German society? The book Arrival City by the Canadian journalist Doug Saunders has several surprising answers to this question at hand, with the result that he was taken on as a consultant for the German Pavilion.

His demands, which he developed based on research conducted in more than twenty cities on five continents, can also be applied to the situation in the German cities of arrival. While some of Saunders’s theories draw a consensus, others are provocative.

Making Heimat Germany, Arrival Country

Hrsg. / Ed. OLIVER ELSER, PETER CACHOLA SCHMAL, ANNA SCHEUERMANN, Texte von / texts by DOUG SAUNDERS u. a. / et al., Gestaltung von / graphic design

by SOMETHING FANTASTIC, Berlin Ca. 288 S. / pp., ca. 200 Abb. / ills., 13,5 x 21 cm, Softcover Ca. € 9,80 [D], CHF 11,80, $8.99, £15.00 ISBN 978-3-7757-4141-5 (English) Mai / May 2016

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ARCH I TEKTUR / ARC HIT E C T U R E

Kengo Kuma: transzendente Architektur in maximaler Reduktion Kengo Kuma: transcendental architecture reduced to a maximum

“Without this project, I do not think that I would be the person I am today.”

Das alte und das neue Leben im modernistischen Hochhaus Johannesburgs mondäne Wolkenkratzer als Zeitzeugen der politischen Geschichte

– KENGO KUMA

The old and the new life in the modernist highrise Ausblicke, Durchblicke, Einblicke – Kengo Kuma (*1954) und Erieta Attali (*1966) ergänzen sich in ihrer künstlerischen Aussage ideal: Für beide liegt das Hauptaugenmerk ihrer Arbeit im Einbezug der Landschaft, nicht die vorgestellte Architektur spielt die Hauptrolle, sondern deren Kommunikation mit der Außenwelt.

Naturausschnitte und die Verschränkung von Innen- und Außenraum prägen die erstklassigen Fotografien von Erieta Attali.

Kengo Kuma verbindet in seinen einzigartigen Arbeiten auf unverwechselbare Art und Weise japanische Architekturtraditionen mit denen der Architekturmoderne. Architektur bildet dabei eine Brücke für die Begegnung des Menschen mit der Natur. Mit seinem sensiblen Erweiterungsbau für eine von Philip Johnson gebaute Mid-century-Ikone in New Canaan, Connecticut, den die vorliegende Monografie einfühlsam porträtiert, wurde Kuma im Westen bekannt.

GLASS | WOOD Erieta Attali on Kengo Kuma Texte von / Texts by ALESSIO ASSON ITIS, ER I ETA ATTALI, KENGO KUMA, JOAN OCKMAN, KEN TADASHI OSHIMA, SUSAN LEAMING POLLISH, Fotografien von / photographs by ERIETA ATTALI, Gestaltung von / graphic design by KENYA HARA 120 S. / pp., 66 Abb. / ills., 29,7 x 25,7 cm, Hardcover Ca. € 48,– [D], CHF 58,60, $75.00, £45.00 ISBN 978-3-7757-4086-9 (English) Lieferbar / Available

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Kengo Kuma (*1954) and Erieta Attali (*1966) complement one another perfectly in terms of their artistic statement: both focus on the inclusion of the landscape. It is not the architecture as such that plays the primary role but the way it communicates with the outside, the surrounding world. Details from nature and the intricate connection of interior with exterior space characterize the photographs by the first-class photographer Erieta Attali. In his unique works, Kengo Kuma combines Japanese traditions in architecture with those of modern architecture. His architecture constitutes a bridge where the individual and nature meet. Kuma became famous in the West for his sensitive extension to the midcentury icon by Philip Johnson in New Canaan, Connecticut, which this exquisite monograph insightfully discusses and portrays.

Johannesburg’s mundane skyscrapers as contemporary witnesses of politial history

Die Publikation Up Up – Stories of Johannesburg’s Highrises präsentiert eine Auswahl von Gebäuden in der Innenstadt von Johannesburg. Der Schwerpunkt liegt auf hohen modernistischen Türmen, die zur Zeit ihrer Erbauung Prestigebauten waren. Als Zeugen tiefgreifender Umschwünge in der politischen Geschichte der Metropole haben sie umfangreiche Veränderungen durchlaufen.

Dokumentiert werden die Bauten in zwei Erzählsträngen: Einerseits wird anhand von Fakten, Grundrissen, Archivmaterial und zeitgenössischen Innen- und Außenansichten die Architektur formal vorgestellt. Andererseits gibt es zu jedem Gebäude eine Reportage oder einen subjektiven Essay über dessen Innenleben. Interviews mit Bewohnern, gründlich recherchierte Texte zu aktuellen Themen und Beiträge unabhängiger Autoren, Künstler und Fotografen gestatten Einblicke in das alte und neue Leben dieser Türme.

The publication Up Up— Stories of Johannesburg’s Highrises presents a selection of buildings in the inner city of Johannesburg.

The focus lies on tall modernist towers that stood out at the time they were constructed.

Witnesses to profound shifts in the political history of the metropolis, the buildings have gone through immense changes. They are documented in two distinct sections: on the one hand, the formal architecture is presented with facts, floor plans, archival discoveries, and contemporary images of the interior and the exterior. On the other, each building is accompanied by a reportage or subjective essay on the inner workings of the building.

Interviews with residents, research-based texts on contemporary issues, and independent contributions from invited writers, artists, and photographers allow brief insights into the old and new lives of these towers.

Up Up

Stories of Johannesburg’s Highrises Hrsg. / Ed. NELE DECHMANN, FABIAN JAGGI, KATRIN MURBACH, NICOLA RUFFO, Fotografien von / photographs

by MPHO MOKGADI, Gestaltung von / graphic design

by GREGOR HUBER & IVAN STERZINGER Ca. 320 S. / pp., ca. 240 Abb. / ills., 19 x 27 cm, Softcover Ca. € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4093-7 (English) März / March 2016

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Erstes Überblickswerk zu den Bauten von Franz Roeckle, einem fast vergessenen Architekten

Eine Trouvaille: Wiederentdeckung eines Berliner Architektenteams der Nachkriegsmoderne

The first comprehensive volume on the buildings

by Franz Roeckle, a largely neglected architect

A lucky find: rediscovery of a Berlin-based team of architects from the modern postwar period

Es mag erstaunen, dass ein Überblickswerk zu den Bauten des Liechtensteiner Architekten bis dato ausblieb. Der ambigue Werdegang, den Franz Roeckle (1879–1953) beschritt, und die Unvereinbarkeit seiner politischen und ästhetischen Positionen mögen zu Teilen Antwort darauf geben: Kurz nach dem Studium bei Theodor Fischer gewinnt er den Wettbewerb für den Bau der Westend-Synagoge. Sie wird eine seiner bedeutendsten Bauten und verschafft ihm weitere Großbauprojekte im Raum Frankfurt.

Zu ihnen gehören das Krankenhaus der Israelitischen Gemeinde und das Israelitische Schwesternheim. 1923 sympathisiert der Architekt mit der NSDAP, der er 1932 beitritt.

Dennoch entsteht 1924 das Institut für Sozialforschung unter seiner Federführung.

Zudem ist er ausführender Architekt der Heimat-/Riedhofsiedlung unter Leitung von Ernst May und maßgeblich am Bau der Karlsruher Siedlung Dammerstock von Walter Gropius beteiligt. Diese Publikation liefert ein umfassendes und kritisches Bild des fast vergessenen Architekten des Neuen Bauens.

Franz Roeckle Bauten 1902-1933 Vorwort von / Foreword by CORNELIA KOLB-WIECZOREK, Texte von / texts by HUBERTUS ADAM, FLORIN FRICK, PETER GEIGER, CHRISTOPH JOBST, WOLFGANG VOIGT, Gestaltung von / graphic design by PETER ZIMMERMANN 176 S. / pp., 235 Abb., 25 x 30 cm, Leinen / clothbound € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4089-0 (Deutsch) Lieferbar / Available

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It may come as a surprise that a comprehensive volume on the buildings by the Liechtenstein architect has never been published. A partial reason for this may be found in the ambiguous personal background of Franz Roeckle (1879– 1953) and the incompatibility of his political and aesthetic stances: shortly after studying under Theodor Tischer, he won the competition for the construction of the Westend synagogue.

It would become one of his most notable buildings and earned him further largescale construction projects in the region of Frankfurt, including the hospital of the Israelite community and the Israelite nurses’ residence. In 1923 the architect sympathized with the National Socialist German Workers’ Party, which he joined in 1932. Yet in 1924 he was in charge of the building of the Institute of Social Research. He was furthermore the architect responsible for the Riedhof residential estate under the direction of Ernst May and was instrumental in the construction of the Dammerstock colony by Walter Gropius.

This publication provides a comprehensive and critical picture of the all-but-forgotten architect of New Building.

Die Berliner Baugeschichte wäre ärmer ohne sie: Das Architekturbüro von Klaus Kirsten (1929–1999) und Heinz Nather (*1927) zeichnete verantwortlich für eine Reihe von individuellen, unkonventionellen Wohnbauten und baukünstlerisch herausragenden Fabrikationsgebäuden.

Seine Wiederentdeckung verdankt das Architektenteam der Umnutzung und Wiederbelebung des Rotaprint-Geländes im Berliner Wedding mit seinen beiden kubischen Betontürmen. Die Initiatoren von ExRotaprint und heutigen Betreiber der Anlage begannen – motiviert von der faszinierenden Architektur – Material über die Architekten zu sammeln und fanden über eine Anzeige in der Bauwelt schließlich zu Heinz Nather und dessen Archiv.

Das entstandene Buch gibt einen Überblick über das Gesamtwerk von Kirsten & Nather und ordnet es in die bundesrepublikanische Nachkriegsmoderne ein. Besondere Beachtung finden dabei ihre überraschend offen und komplex gestalteten Wohngrundrisse der 1950er- und 1960er-Jahre sowie die Fabrikationsbauten der beiden Architekten als frühe Beispiele für eine »Corporate Architecture«.

Kirsten & Nather The architectural history of Berlin would be poorer without them: the architects Klaus Kirsten (1929–1999) and Heinz Nather (*1927) were responsible for a number of individual, unconventional residential buildings and outstanding manufacturing plants. Their rediscovery is ascribable to the Rotaprint complex in the Wedding district of Berlin with its two cubical concrete towers. Inspired by the fascinating architecture, the initiators of ExRotaprint and current operators of the plant began to collect material about the architects and discovered Heinz Nather and his archive by way of an announcement in the journal Bauwelt. The resulting book provides an overview of Kirsten & Nather’s body of architectural work and classes it with the modern postwar period in the Federal Republic of Germany. Special attention is given to their surprisingly open and complexly designed residential floor plans from the fifties and the sixties as well their manufacturing plants as early examples of corporate architecture.

Wohn- und Fabrikationsgebäude zweier West-Berliner Architekten Hrsg. / Ed. DANIELA BRAHM, LES SCHLIESSER / EXROTAPRINT, Texte von / texts by FRANK SEEHAUSEN, ALEXANDER HOFF, GUNDULA LANG, ELMAR KOSSEL, DANIELA BRAHM, LES SCHLIESSER, THOMAS STEIGENBERGER, Gestaltung von / graphic design by DANIELA BRAHM, CARSTEN EISFELD 272 S. / pp., 245 Abb. / ills., 19 x 26 cm, Halbleinen / half cloth € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4068-5 (Deutsch) Lieferbar / Available

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BI LD N ACHWE IS / C RE DITS

2 Redaktionssitzung mit Frank Horvat; Julian Schnabel beim Signieren von CVJ, © VG Bild-Kunst, Bonn 2015

6 Robert Longo at the printer, 2014, © VG Bild-Kunst, Bonn 2015

7 Julian Schnabel painting, 2015, © VG Bild-Kunst, Bonn 2015

8/9 Wolfgang Tillmans, Freischwimmer 26, 2003, © Wolfgang Tillmans, courtesy of Galerie Buchholz, Berlin, Cologne, David Zwirner, New York, and Maureen Paley, London

11 Fred Astaire by André de Dienes, May 1939, © Condé Nast Inc.; Alexander McQueen by Tim Walker, October 2009, © Tim Walker

13 Photos: Mischa Lorenz, Institut für Zeitgenossenschaft

15 George Herriman, Krazy Kat (1913– 1944), private collection; Charles Forbell, Naughty Pete (1913), 16.11.1913 (New York Herald), private collection; Frank King, Gasoline Alley (since 1918), 25.9.1936, private collection

17 Jean Dubuffet, Bocal à vache, 1943, private collection, photo: P. Schälchli, Zürich; Monsieur Plume pièce botanique (Portrait d’Henri Michaux), 1946, © VG Bild-Kunst, Bonn 2015

19 Anselm Kiefer, Die Rheintöchter, 1982– 2013, © Anselm Kiefer, © Albertina; Für Robert Fludd, 1996, © Anselm Kiefer, © Albertina

21 Pablo Picasso, La guenon et son petit, 1951, © Succession Picasso/VG Bild-Kunst, Bonn 2015, Sammlung im Obersteg, 2004, © photo: Kunstmuseum Basel, Martin P. Bühler; Jeff Koons, Rabbit, 1986, collection Museum of Contemporary Art Chicago, partial gift of Stefan T. Edlis and H. Gael Neeson, © Jeff Koons, New York, © photo: Nathan Keay

23 Photo: Julian Salinas; Grundriss Kunstmuseum Basel, © Christ & Gantenbein

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Alexander Calder, Snow Flurry, 1950, private collection, © 2015 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York / Pro Litteris, Zurich, photo: courtesy Calder Foundation, New York / Art Resource, New York

Varvara in Her Home Cinema, Moscow, 2010, photo: © Anna Skladmann; Opéra de Monte-Carlo, Monte Carlo, Monaco, 2009, photo: © David Leventi

25 Peter Fischli/Weiss, David, Die Gesetzlosen (aus der Serie: Equilibres), 1984/85, © 2015 Fischli/Weiss

27 Chris Burden, Death Valley Run, 1976 (performance), © Chris Burden, courtesy of the Chris Burden Studio and Gagosian Gallery; Eduard Spelterini, Die Pyramiden von Gizeh, Ägypten, 1904, from the collection of the Swiss National Library

29 Robert Longo, After Frankenthaler (Mountains and Sea, 1952), 2014, © VG Bild-Kunst, Bonn 2015; installation view of Gang of Cosmos at Metro Pictures, 2014, © Robert Longo, photo: all rights reserved, courtesy Metro Pictures, New York, © VG Bild-Kunst, Bonn 2015

31 Wolfgang Tillmans, Blushes #52, 2000; Edinburgh Builders, b, 1987, © Wolfgang Tillmans, courtesy of Galerie Buchholz, Berlin, Cologne, David Zwirner, New York, and Maureen Paley, London

33 01:15:56 Swiss Alps, Switzerland, 1969, © 2015 Taryn Simon; Bird skin: #88399 | Genus: Amazona; Species: guildingii; Subspecies: — | Common name: St. Vincent Parrot | Location: St. Vincent, British West Indies; Country: Lesser Antilles | Collector: Bond, J. | Date collected: 1/6/1930 (from the archives of the Academy of Natural Sciences of Philadelphia), © Taryn Simon

37 Stefan Hanke, Leon Weintraub vor der Zeppelintribüne auf dem ehemaligen Reichsparteitagsgelände in Nürnberg, 2014; Maria Gniatczyk in einer Straße der Warschauer Altstadt, 2014; Zofia Posmysz in einer Baracke des ehemaligen Frauenlagers des KZ Auschwitz-Birkenau, 2012; Kazimierz Smoleń im ehemaligen Stammlager KZ Auschwitz-Birkenau, 2011

38/39 BArch, DVH 60 Bild-GR35-08-049 bis 057 / ohne Angaben; BStU MfS HA I 3287, Bl. 23, © Arwed Messmer

43 Photo: © Nicola lo Calzo; photo: © Jerome Delay

45 Photos: © Wolfgang Scheppe

47 Constant Anton Nieuwenhuys, Klein Labyr, 1959, photo: Tom Haartsen, © Constant / Fondation Constant c/o, © VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Sectoren in berglandschap, 1967, photo: Tom Haartsen, © Constant / Fondation Constant c/o Pictoright Amsterdam, © VG Bild-Kunst, Bonn 2015

49 Jon Jerde, Horton Plaza, © The Jerde Partnership; photo: www.sephlawless. com; Paul Miller’s Circus at Shoppers’ World in the 1960s, photo: Peter Besh, © Framingham History Center

51 Jon Aylings Wohnraum, Fotografie an der Wand: Bernhard Praud; photo: Laurent Burst für fvonf.com

58/59 Hanne Darboven, © Hanne Darboven Stiftung, Hamburg / VG Bild-Kunst, Bonn 2015

60 © Cindy Sherman; Hanne Darboven, © Hanne Darboven Stiftung, Hamburg / VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Ceal Floyer, Nail Biting Performance, 2001, © VG Bild-Kunst, Bonn 2015

61 Teresa Serrano, Boca de tabla, 2007, Daros Latinamerica Collection, Zurich; Louise Bourgeois, © Easton Foundation, © VG Bild-Kunst, 2015; © Joan Jonas

62 Qiu Zhijie, Railway from Lhasa to Kathmandu, 2007 (detail), © Qiu Zhijie, courtesy of ARNDT Berlin; Tamas Deszo, Carpet Sellers (Pojorâta), 2012

63 © Markus Henttonen; Jeppe Hein, Breath, 2015, courtesy: König Galerie, Berlin and 303 Gallery, New York, photo: Jeppe Hein / Studio Jeppe Hein; Chien-Chi Chang, Venice Marco Polo Airport, 2009

64/65 Kati Heck, Danke, das wär’s dann alles, 2013, private collection, Brussels, courtesy Tim Van Laere Gallery, Antwerp, photo: Julia Wlodkowski

68/69 © Ydessa Hendeles, photos: Robert Keziere

71 Jeppe Hein, This Way, 2015, photo: Jeppe Hein, Studio Jeppe Hein; I Don’t Expect Anything but I’m Open for Everything, 2014, courtesy: König Galerie, Berlin, 303 Gallery, New York and Galleri Nicolai Wallner, Copenhagen, photo: Studio Jeppe Hein

72 Melanie Smith, Photo for Spiral City (II), 2002, Daros Latinamerica Collection, Zurich; Maruch Sántiz Gómez, Vax alak’ (Los niños no deben comer patas de pollo...), 1994, Daros Latinamerica Collection, Zurich

73 Ceal Floyer, Drop, 2013 (HD video / video without sound), © VG BildKunst, Bonn 2015

74 Hugo Simberg, The Wounded Angel, 1903, Ahlström Collection, Ateneum Art Museum, photo: Finnish National Gallery / Hannu Aaltonen

75 Kati Heck, »Bälck«, 2011, Collection Elke Segers, Antwerp, Belgium, courtesy Tim Van Laere Gallery, Antwerp, Belgium

76 Marc Weis und Martin De Mattia, Freitag_12.13; Samstag_10.11 (screenshots), © VG Bild-Kunst, Bonn 2015

77 Lynn Hershman Leeson, Reach from the series Phantom Limb, 1987, © Lynn Hershman Leeson; Roberta Breitmore, © Lynn Hershman Leeson

78 Song Dong, Eating the City in Beijing, 2003; Tearing Books: The Book of Mao, 1995

79 Basim Magdy, The Everyday Ritual of Solitude Hatching Monkeys, 2014, (film stills), commissioned by Art in General, New York and HOME, Manchester, UK

80 Photos: Archiv Konrad Bernheimer; portrait Konrad O. Bernheimer, photo: © Frank Lübke

81 Rainer Judd, Marfa Texas, 2014, photo: Vara Olana Kingsley

82 Bernhard Leitner, Ton-Bewegungen am Körper, durch den Körper, n.d.; Soundcube, 1969, © Atelier Leitner

83 Wang Yuyang, Identity, 2015 (artwork fabrication, Beijing), courtesy of Wang Yuyang

84 Hanne Lippard, Reading for Fans, 2014 (performance), photo: Joanna Szproch, courtesy: the artist, Flaka Haliti, I See a Face. Do You See a Face, 2014, courtesy: the artist, LambdaLambdaLambda, Priština, Kosovo

85 Rodney Graham, Aberdeen, 1998, (film still), courtesy Sammlung Goetz, Medienkunst, Munich; Canadian Humourist – Green, 2012, Courtesy Sammlung Goetz, Munich, photo: Jens Ziehe

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Valentin Carron, Pot I, 2013; We You You They I, 2013; I I You He We, 2012, courtesy the artist and Galerie Eva Presenhuber, Zurich

93 Le Corbusier, © FLC/VG Bild-Kunst, Bonn 2015

94 Rekonstruktion des Musikautomaten nach der Beschreibung der Banū Mūsā ibn Shākir, Programmierungen und Feinmechanik: Liang Zhipeng und Petja Ivanova; Animation: Olivia von Pilgrim; Produktion: Stefanie Rau

96/97 Bernd Nicolaisen, Cave of Sounds, 2014 (Vatnajökull Mountain, Iceland)

100 Photo: Marc Beckmann; photo: Jörg Brüggemann

101 Photo: Lynn Schröder; photo: Sibylle Fendt; photo: Jordis Antonia Schlösser; photo: Dawin Meckel

102 Federico Busonero, Waiting at the Crossroad of Route 60 with the Road to Sanur, n.d.; An-Nabi Musa, n.d.; Peace Center Betlehem, n.d.

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103

Martin Neumaier, o. T., 2013, private collection; o. T., 2013 private collection; o. T., 2012, private collection; o. T., 2015, courtesy Galerie Kai Erdmann, Hamburg; o. T., 2013, courtesy Galerie Parisa Kind, Frankfurt am Main; o. T., 2012, private collection

Claudio Gobbi, Gndevank, Part of a Southarmenian Monastery from the 10. Century, n.d.; Hovhannavank, Oldest Part of a 13. Century Monastery, n.d.

89 Michael Müller, I, 2013; Weltempfänger: Ich-Oper, 2010/11 (sound installation), courtesy Galerie Thomas Schulte and the artist, photos: Mathias Schormann,

90 Pavel Pepperstein, Ecological Studies on Past and Future. Immortal Girl Coming from the Sky in the Cristal.

Immortal Old Man Rising Up from the Earth in the Cristal, 2015, © Pavel Pepperstein, courtesy the artist and Kewenig, Berlin | Palma

91 Vladimír Houdek, Levitationen, installation views OverbeckGesellschaft, Lübeck, 2015, photos: André Giesemann; Ohne Titel, 2015, courtesy Polansky Gallery, Prag, photo: André Giesemann

92 Kazimir Malevich, Suprematist Composition, 1915, Fondation Beyeler, Riehen/Basel, Sammlung Beyeler, photo: Robert Bayer, Basel

104 Kolkata Heritage Photo Project, Nakhoda Mosque, Zakaria Street, n.d.

105

112 Sara VanDerBeek, installation view, Metro Pictures, New York, 2013; Second Chance, 2015; Roman Woman I, 2013, courtesy of the artist and Metro Pictures, New York.

113 Photos: Andreas Herzau

114 Andreas Gefeller, CS 13, 2011, courtesy Thomas Rehbein Galerie Köln; CS 02, 2010, courtesy Thomas Rehbein Galerie Köln; IP 12, 2012, courtesy Thomas Rehbein Galerie Köln

115 © Paul Bulteel

116/117 Photo: courtesy Erieta Attali

120 Photos: © Cristóbal Palma

122 Photo: courtesy Erieta Attali

123 Eingangsportal des Sanlam Buildings, photo: Mpho Mokgadi

124 Franz Roeckle, Siedlung Dammerstock, Karlsruhe, 1928/29; Entwurf Friedhof Venloer Strasse, Köln, 1913/14

125 Rotaprint Fabrik, Berlin, Tischlerei- und Lehrwerkstättengebäude, 1958; Haus Rudolph, Berlin, 1957

Frank Gaudlitz, Naturaleza muerta con carachupa y zapallo, n.d.; Kiomi Chavez Cainamari, 30, n.d.

106 Andres Serrano, Dead Sea Tree, n.d.

107 Andres Serrano, Burst of Light, n.d.; Arabian Nights. Old City of Jerusalem, n.d.; Eliazer with His Daughter, n.d.; Noga Moscowitz, n.d.

108 Bernd Nicolaisen, Searching, 2012 (Vatnajökull Mountain, Iceland); Jammed in the Ice, 2014 (Vatnajökull, Iceland)

110 Stefan Koppelkamm, Zittau, Marstall, 1990 | 2001; Paillettenkleid, 2007

111 Peter Liversidge, 8th Avenue, 2015; Lee, 2011; French Interior, 2014

Die Bildrechte liegen bei den genannten Rechtehaltern sowie bei den Künstlern und ihren Rechtsnachfolgern. / Images copyrights for works reproduced: artists and their legal heirs.

COVERMOTIV / COVER I LLUSTRATION Pavel Pepperstein, Ecological Studies on Past and Future. Immortal Girl Coming from the Sky in the Cristal.

Immortal Old Man Rising Up from the Earth in the Cristal, 2015 (detail) © Pavel Pepperstein, courtesy the artist and Kewenig, Berlin | Palma

BILDUNTERSCHRIFTEN UND BILDNACHWEIS DER ABGEBILDETEN WERKE / CAPTIONS AND CREDITS FOR THE REPRODUCED WORKS im Inhaltsverzeichnis: / in the table of contents: Jesse Chehak, Hollywood, California, 2007; Wolfgang Tillmans,

Lighter Blue Convex III, 2010; Espen Eichhöfer, Ein Staat entsteht, 2011, © Espen Eichhöfer / OSTKREUZ; © Sean Scully auf der Auftaktseite KU NST(von links nach rechts) / on the double page ART (from left to right): Louise Bourgeois and her assistant Jerry Gorovoy in Italy with marble works in progress in 1981, © Easton Foundation, © VG Bild-Kunst 2015, Bonn; Bernhard Leitner, Schwarze Vertikale, 1991; Michael Müller, Berührung, 2015, courtesy Galerie Thomas Schulte and the artist, photo: Mathias Schormann; Peter Roehr, Ohne Titel (FO 46), 1965, © VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Ceal Floyer, Helix, 2012, © VG Bild-Kunst, Bonn 2015, photo: Sebastiano Pellion di Persano, courtesy: Esther Schipper, Berlin; Lynn Hershman Leeson, Digital Venus-Titian, 1988 © Lynn Hershman Leeson; Le Corbusier, © FLC/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Le Corbusier, © FLC/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Valentin Carron, Inca, Cargo, Goal, 2012, courtesy the artist and Galerie Eva Presenhuber, Zurich; Teresa Serrano, Boca de tabla, 2007, Daros Latinamerica Collection, Zurich; Portrait Basim Magdy, photo: Deridre O’Leary, © Basim Magdy; 0,10 The Last Futurist Exhibition of Painting, installation view, photo: Stedelijk Museum, Amsterdam auf der Auftaktseite FOTO GRAFI E (von links nach rechts) / on the double page PHOTO GRAPHY (from left to right): Sara VanDerBeek, Ancient Solstice, 2014; Andreas Gefeller, IP 18, 2014, courtesy Thomas Rehbein Galerie Köln; © Maurice Weiss; © Paul Bulteel; © Olaf Otto Becker; Stefan Koppelkamm, Verwaltung IV, 2006; Andres Serrano, Defaced Poster on via Dolorosa, Jerusalem © Andreas Herzau auf der Auftaktseite ARCH ITEKTU R (von links nach rechts) / on the double page ARCHITECTURE (from left to right): Rotaprint AG, © Martin Eberle, E&E Berlin; Blick von der Kotze Street auf das Highpoint Building, photo: Mpho Mokgadi; Dali Tambo in seinem Garten, photo: Mpho Mokgadi; Klaus Kirsten & Heinz Nather; photo: courtesy Erieta Attali; Empfangstheke des leerstehenden Sun Hotels, photo: Mpho Mokgadi; © Cristóbal Palma; Rotaprint Fabrik, Berlin, Technisches Büro, 1956, photo: Foto Wisch, Berlin; Konstruktionsschema des Standart Bank Centers, photo: SAAR Preisänderungen, Lieferbarkeit und Irrtümer vorbehalten. / Prices, specifications, and terms subject to change without notice.

Redaktionsschluss / Copy deadline: 30.11.2015

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I N DE X

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1% Privilege in a Time of Global Inequality 40/41 100 wichtigsten Dinge, Die 12/13

A Africa Under the Prism 42/43 Allah’s Automata 94 Ars Viva 2016 84 Artist Estate, The 81 Auf der Suche nach 0,10 92

B

R

Hanke, Stefan 36/37 Heck, Kati 75 Hein, Jeppe 71 Hendeles, Ydessa 68/69 Hershman Leeson, Lynn 77 Houdek, Vladimir 91

Roeckle, Franz 124

I Inventarisierung der Macht 38/39

K

Bamberg Symphony 113 Beautiful Disorder 83 Becker, Olaf Otto 109 Bulteel, Paul 115 Busonero, Federico 102

Kiefer, Anselm 18/19 Kirsten, Klaus & Nather, Heinz 125 Koppelkamm, Stefan 110 Kuma, Kengo 122 Künstlernachlass, Der 81 Kunstmuseums Base l 22/23

C

L

Calcutta 104 Calder, Alexander 24/25 Carron, Valentin 86 Constant 46/47 Curating and Politics 88

Le Corbusier 93 Leitner, Bernhard 82 Liversidge, Peter 111 Longo, Robert 28/29

D

M

E

M+M 76 Magdy, Basim 79 Making Heimat 121 Michael Müller 89 Migropolis 44/45

Edition Gerd Hatje 4–7 Elemental 120 Enzyklopädie der Medien 95

N

F

Kirsten, Klaus & Nather, Heinz 125 Neumaier, Martin 87 Nicolaisen, Bernd 108

Dubuffet, Jean 16/17

Fischli/Weiss 24/25 Floyer, Ceal 73

G Gaudlitz, Frank 105 Gefeller, Andreas 114 Graham, Rodney 85 Great Masters and Unicorns 80 Gobbi, Claudio 103

128

H

O Ostkreuz 100/101

P Pepperstein, Pavel 90 Personalities 50/51 Pioniere des Comics 14/15

S Sculpture on the Move 20/21 Sense of Movement, The 26/27 Serrano, Andres 106/107 Simon, Taryn 32–35 Song Dong 78 Special-Price 52–57 Stories of Finnish Art 74

T Taking Stock of Power 38/39 Themen / Themes 58–63 Tillmans, Wolfgang 30/31

U Up Up 123

V VanDerBeek, Sara 112 Vogue 100 10/11

W Without Restraint 72 Wolfsburg Unlimited 70 World of Malls 48/49

Hatje Cantz Verlag Mommsenstraße 27 10629 Berlin Deutschland Tel. +49 30 3464678-00 Fax +49 30 3289042-62 berlin@hatjecantz.de

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HIGHLIGHTS Special-Price Themen / T hemes

Verlegerische Geschäftsführung / Publisher Dr. Cristina Inês Steingräber

8

Kaufmännische Geschäftsführung / Managing Director Dr. Thomas P. J. Feinen

52

Programmleitung / Program Directors Dr. Cristina Inês Steingräber Dr. Sibylle Luig Ulrike Ruh

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96

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Kunst / A rt Fotografie / Photography Architektur / Architecture 128

4

Programmbereich Fotografie / Consulting Editor for Photography Art Books Nadine Barth

B E LG I U M Exhibitions International Kol. Begaultlaan 17 3012 Leuven Tel. +32 16 296900 Fax +32 16 296129 orders@exhibitionsinternational.be www.exhibitionsinternational.be

Vertrieb / Sales Tel. +49 30 3464678-00 sales@hatjecantz.de Edition Gerd Hatje Sabine Jenske Tel. +49 30 3464678-16 egh@hatjecantz.de

FRANCE Interart 1, Rue de l’Est 75020 Paris Tel. +33 1 43493660 Fax +33 1 43494122 commercial@interart.fr www.interart.fr

Presse / Press Sara Buschmann Lena Reich Tel. +49 30 3464678-08 presse@hatjecantz.de

Index

ROBERT LONGO 28 WOLFGANG TILLMANS 30 TARYN SIMON 35 KATI HECK 75 M+ M 76 OSTKREUZ 101 ANDREAS GEFELLER 114

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