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OPEN20


OPEN20 International Exhibition of Sculptures and Installations


Dedicato a Dedicated to Pierre Restany


«Semplice, evidente e funziona da sé.» «Simple, evident and works by itself.» Pierre Restany, 1998.


Con il patrocinio di Under the patronage of

Organizzazione Organized by

COMMUNICATIONS

ARTE

ARTE

COMMUNICATIONS

In collaborazione con In collaboration with


Ideatore e curatore Conceiver and curator Paolo De Grandis Presidente President Co-curatrice Co-curator Carlotta Scarpa Direttore Director Organizzazione generale General organization Francesca Romana Greco Responsabile organizzativo Organizational manager Relazioni esterne External relations Roberto Rosolen Ideazione grafica Graphic design Sofía Arango Echeverri Assistenza artistica Artistic assistant Supporto tecnico Technical support Leonardo De Grandis OPEN 20 Edizione 20th Edition Catalogo Catalogue PDG Arte Communications C.F. 94073370275 Via P. Orseolo II 16, 30126 Venezia Lido - Italy Tel.+ 39 041 5264546 Fax +39 041 2769056 info@artecommunications.com www.artecommunications.com Traduzioni Translations Rossella Bagnardi Sandra Speirs Stampa Printing Europrint - Treviso Edizioni Edited by Š PDG Arte Communications 2017


Sommario Summary 15 OPEN STORY

21 PAOLO DE GRANDIS Ideatore e curatore Conceiver and curator 25 CARLOTTA SCARPA Co-curatrice Co-curator 35 MARA RUMIZ 39 DANNY CARELLA Presidente Municipalità di Lido Pellestrina Mayor of the Town of Lido Pellestrina 41 CARLO MONTANARO Scrittore, Giornalista, Critico cinematografico Writer, Journalist, Film critic 43 SERENA MORMINO Curatore Curator 45 ILIO RODONI General Manager Hilton Molino Stucky 47 ALESSIO LAZAZZERA General Manager Hotel Excelsior Venice Lido Resort 49 LORENZO MAYER Giornalista Journalist 50 PREMIO OPEN OPEN PRIZE 53 ARTISTI ARTISTS 54 Nutopia Yoko Ono 58 Belgio Belgium Phil Akashi 60 Francia France ORLAN 64 Germania Germany Günter Sponheuer 66 Islanda Iceland Inga Svala Thorsdottir Cina China Wu Shanzhuan 68 Italia Italy Giancarlo Bozzani

70 Italia Italy Stefano Bressani 72 Italia Italy Nando Crippa 74 Italia Italy Gillo Dorfles 76 Italia Italy Marco Fioramanti 78 Italia Italy Laura Fiume 80 Italia Italy Salvatore Fiume 82 Italia Italy Ferruccio Gard 84 Italia Italy Resi Girardello 86 Italia Italy Alessandro Manfredini 88 Italia Italy Gaspare Manos 90 Italia Italy Federica Marangoni 92 Italia Italy Davide Medri 94 Italia Italy Gianfranco Meggiato 98 Italia Italy Lucio Micheletti 100 Italia Italy Luigi Ontani 102 Italia Italy Max Papeschi 104 Italia Italy Antonio Paradiso 106 Italia Italy Gabriele Polidori 108 Italia Italy Maurizio Radici 110 Italia Italy Reverie 112 Italia Italy Marco Nereo Rotelli 114 Italia Italy Giuseppe Verri 116 Italia Italy Nanda Vigo 118 Italia Italy Laura Zeni 120 Italia Giappone Italy Japan Kengiro Azuma 122 Norvegia Norway Marianne Heske 124 Pakistan Amin Gulgee 126 Perù Italia Peru Italy Ana Maria Reque 128 Polonia Poland Igor Mitoraj 130 Ucraina Ukrain Yana Rusnak 132 USA Richard Humann 135 BIOGRAFIE BIOGRAPHIES 141 PDG ARTE COMMUNICATIONS 146 RINGRAZIAMENTI ACKNOWLEDGEMENTS


OPEN Story


Compression Sunbean, CĂŠsar, Cesar, 1961. Excelsior Hotel Hotel The Westin Excelsior

Time Out, Arman, 1997. TimeHotel Out, Excelsior Arman, 1997

Pierre, Marianne Heske, 1999. Lungomare Marconi

ErmEstetica CristoFORO Colombo, AfterOntani, That, Chiharu Shiota,1999. Luigi 1996. Hotel Excelsior

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Le Produit Naturel/Le Produit Artificiel, Chen Zhen, 1991. Hotel Des Bains

Adamo ed Eva, Niki de Saint-Phalle, 1985. Hotel Des Bains

After That, Chiharu Shiota,1999. Lungomare Marconi


Untitled (Ringed Figure), Keith Haring, 1987. Hotel Excelsior

Mamma Mamma, Gaetano K. Bodanza, 1994-1995. Blue Moon

Contemporary Terracotta Warriors, Yue Minjun, 2003. Hotel Des Bains

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Non dove ‘87-II, Emilio Vedova, 1987. Hotel Excelsior Non dove ‘87-II, Emilio Vedova, 1987. Paolo De PaoloGrandis, De Grandis, Marino Cortese e Pierre Restany. Emilio Vedova e Pierre Restany.

Christo Package, Christo and Jeanne-Claude, 1963. Hotel Excelsior


Clothes Veins Study, Dying Slave, Sui Jianguo, 1998. Lungomare Marconi

Space Station, Julio Larraz, 2007. Lungomare Marconi

Holy Weaver, Kriti Arora, 2006. Hotel Des Bains

Totem, Marc Quinn, 2007. Piazzale S.M. Elisabetta

7 Dancing Figures, Magdalena Abakanowicz, 2001-2002. Hotel Excelsior

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Red Memory-Captain, Chen Wenling, 2008. Hotel Excelsior

Il musico, Leรณn Ferrari, 2008. Hotel Excelsior


Grande Arabesque, Aldo Mondino, 1995. San Servolo Island

Point Mass VI, Lim Dong-Lak, 2009. Grand Hotel Ausonia & Hungaria

Scultura architettura, Mimmo Rotella, 1990. Hotel Excelsior

Hello Elephant, Nam June Paik, 2000. Hilton Molino Stucky

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Forever Marilyn, Seward Johnson, 2005. Hotel Excelsior

Thsuki no hikari, Igor Mitoraj, 1991. Hotel Excelsior

Nutopia, Yoko Ono, 2002. Lido of Venice


Paolo De Grandis OPEN è nato nomade, in armonia e contrappunto con la Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica. OPEN, come una ragnatela, metafora della possibilità di espansione inesauribile, della sua apparente fragilità e della sua resistenza ai mezzi esterni. Da una parte una trama concentrica dall’altra un ordito radiale per raccontare il meccanismo perfetto di arte all’aperto. Può crescere all’infinito essendo flessibile e resistente. Ed è proprio questa ragnatela che ho scelto come immagine rappresentativa per la ventesima edizione di OPEN. Nell’immagine del ragno che tesse la sua tela solitario mi sono rivisto nell’atto di costruire la storia di OPEN. Una rete inesauribile che ha visto partecipare più di mille artisti provenienti da tutto il mondo. Una corsa contro il tempo affrontando le difficoltà burocratiche e logistiche che una mostra d’arte all’aperto comporta. Ricordare in questa occasione tutte le persone importati che insieme a me hanno costruito OPEN non è compito semplice ma il primo è stato sicuramente il caro amico Pierre Restany. Lo conoscevo dai tempi dei miei soggiorni parigini a casa del comune amico César. Soggiorni contraddistinti da lunghe chiacchierate sul Nouveau Realisme. Fatto ritorno a Venezia gli proposi di presiedere al comitato scientifico ed il suo entusiasmo contraddistinse la linea curatoriale fino al 2003, anno della sua triste scomparsa. Pierre amava OPEN e per dirla con le sue parole: «Come tutte le grandi idee è semplice, evidente e funziona da sé». Insieme a Pierre, Mara Rumiz, allora Assessore alla Cultura del Comune di Venezia, capì da subito l’importanza di OPEN e rese possibile la prima edizione attraverso una collaborazione attiva e preziosa. Tra i curatori che mi hanno accompagnato in questi anni un pensiero va ad Enrico Pedrini, Alanna Heiss, Achille Bonito Oliva, Philippe Daverio, Chang Tsong-zung. E grazie soprattutto a Carlotta, Francesca e Sofia. OPEN una mostra errante, dal Lido di Venezia all’Isola di San Servolo fino all’Isola della Giudecca e poi ancora gli alberghi che ci hanno ospitato in questo lungo viaggio, l’Hotel Excelsior, l’Hilton Molino Stucky ed il Grande Albergo Ausonia&Hungaria.

Ideatore e curatore Conceiver and curator

OPEN was born a nomad, in harmony and counterpoint with the International Film Festival. OPEN, like a spider’s web, a metaphor of the possibility of inexhaustible expansion, apparently fragile yet resistant to external mediums. On the one hand a concentric warp, on the other a radial weft, to illustrate the perfect mechanism of open-air art. It can grow infinitely because it is flexible and strong. I have chosen this cobweb as the representative image of the twentieth edition of OPEN. In the image of the spider weaving its solitary web, I saw myself constructing the history of OPEN. An inexhaustible network in which more than a thousand artists from all over the world have taken part. A race against time, dealing with the bureaucratic and logistic difficulties involved in an openair art exhibition. On this occasion, it is not easy to remember all the important people who helped me create OPEN, but the first was certainly my dear friend Pierre Restany. I had known him since the time I stayed in Paris, in the home of our mutual friend César. Those visits were marked by long talks about Nouveau Realisme. When I returned to Venice, I suggested that he chair the scientific committee and his enthusiasm was a distinguishing feature of the line followed by the curators until 2003, the year of his death. Pierre loved OPEN and, to say it in his words, “Like all great ideas it is simple, clear and works by itself.” Along with Pierre, Mara Rumiz, who at that time was Councillor for Culture at the Municipality of Venice, immediately understood the importance of OPEN and made the first edition possible with her precious, active collaboration. Among the curators who have accompanied me in these years, a special thought goes to Enrico Pedrini, Alanna Heiss, Achille Bonito Oliva, Philippe Daverio and Chang Tsong-zung. And thanks above all to Carlotta, Francesca and Sofia. OPEN is a wandering exhibition, from Venice Lido to the Island of San Servolo and then to the Island of Giudecca; then the hotels that have hosted the exhibition in this long journey, the Excelsior, the Hilton Molino Stucky and the Grande Albergo Ausonia&Hungaria. This year is distinguished by the return of great artist friends like 21


Un anno che si contraddistingue per il ritorno di grandi artisti amici come Yoko Ono che presenta un progetto curato da Jon Hendricks che ha visto una lunga elaborazione e che viene presentato in anteprima ad OPEN, una visione simbolica e metaforica del viaggio dei migranti, tra immaginazione e poesia per non dimenticare. Il ritorno di ORLAN, Igor Mitoraj, Luigi Ontani, Federica Marangoni, Gianfranco Meggiato, Ferruccio Gard, Amin Gulgee e Marianne Heske che in occasione di OPEN 1999 fece viaggiare un enorme sasso di 4000 anni fa dal villaggio di Tafjord e che ancora oggi stazione al Lido di Venezia. OPEN è nato al Lido e fino a qualche anno fa l’insegna pubblicitaria del Campari svettava quale richiamo ed eco di una socialità per certi versi anacronistica ma comunque emblematica e riconoscibile per i cittadini lidensi. Ho pensato dunque di commissionare all’amico Marco Nereo Rotelli un nuovo simbolo di benvenuto al Lido, uno stendardo, un invito poetico a godere di questa piccola isola resa viva dai fasti della Mostra d’Arte Cinematografica e dall’arte di OPEN.

Yoko Ono, who presents a project curated by Jon Hendricks that has required a long preparation, making its première at OPEN, a symbolic and metaphoric vision of the journey of migrants, between imagination and poetry, so as not to forget. The return of ORLAN, Igor Mitoraj, Luigi Ontani, Federica Marangoni, Gianfranco Meggiato, Ferruccio Gard, Amin Gulgee and Marianne Heske, who at OPEN 1999, brought an enormous 4000-year-old stone from the village of Tafjord, which is still at Venice Lido today. OPEN was born at Lido and, until a few years ago, the Campari advertising sign towered overhead echoing a social aspect that might be anachronistic to a certain extent, but was nevertheless emblematic and recognisable for the people of Lido. I therefore had the idea of asking our friend Marco Nereo Rotelli to design a new welcome symbol for Lido, a standard, a poetic invitation to enjoy this little island enlivened by the magnificence of the Film Festival and by the art of OPEN.

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Carlotta Scarpa

Co-curatrice Co-curator

Jean Dubuffet sosteneva che «la vera arte è dove nessuno se lo aspetta, dove nessuno ci pensa né pronuncia il suo nome […]». Oggi, proprio quando tutto appare possibile, si rende necessario inseguire l’impossibile. La sfida di un’idea nata vent’anni fa per incontrare l’arte quasi per caso sulle piazze, sulle vie o lungo il mare del Lido di Venezia. Un impegno continuo verso un climax, senza misura di protezione o confini, laddove l’opera d’arte irrompe nella vita reale non più commisurata a spazi convenuti ma liberata anno dopo anno a luoghi pubblici nei quali lo spettatore negozia in termini sia fisici che intellettuali l’esperienza dell’arte. Esperienza che si fa esperimento per sottrarsi all’inadeguatezza del linguaggio ed attuare degli slittamenti nei quali da una parte l’opera non dice né racconta ma si da come cosa che esiste tra le cose, dall’altra sfugge allo spazio, non se ne sta inerte nell’opaco del non-percepito, ma trasuda vita. OPEN, un’intuizione lampeggiante, un’esperienza vissuta con Paolo da ormai quindici anni nel corso dei quali abbiamo condiviso ogni collaborazione, incontro nella sua profondità ma anche nel godimento di quella leggerezza calviniana fatta di amicizie e racconti di vita. OPEN come un infinito campo possibile dell’esperienza artistica. Un’arte che nel suo dispiegarsi è eterea perché anche se misurata ad uno spazio, aperto o chiuso, vibra di pulsazioni sottili. Correnti di energia presenti nell’aria ci raccontano non tanto quel che c’è ma quello che non si vede e non si può toccare ma che aderisce come un guanto ai nostri corpi. In questo improvviso stupore di un’opera fruita all’aperto, il viandante dell’arte si sofferma sul dubbio, sull’equivocità e la sua contraddizione. E così l’avventura di OPEN ha inizio. Un’idea semplice, creare una mostra di sculture ed installazioni all’aperto durante la Mostra del Cinema. Un evento che sin dalla prima edizione si è contraddistinto per il felice connubio tra artisti internazionali, a rappresentare il loro paese, e le forme plastiche di sculture ed interventi site specific presso le aree verdi del Lido di Venezia. Un’esposizione che mirava a conciliare il fervente milieu che si viene a creare a Venezia nel corso della Mostra Internazionale di Arte Cinematografica con scelte linguistiche

Jean Dubuffet said that «True art is found where we least expect it, where nobody is thinking about it or saying its name […]». Today, when everything seems possible, it is necessary to pursue the impossible. The challenge of an idea that originated twenty years ago to meet art almost by chance in the squares, the streets or along the sea promenade at Venice Lido. A continuous commitment to a climax, without protections or boundaries, where the work of art bursts onto the scene of real life, no longer restricted to conventional spaces but released year after year in public places, where the onlooker enjoys the experience of art in both physical and intellectual terms. This experience becomes an experiment to escape the inadequacy of language and to make changes in which, on the one hand, the work does not tell a story but offers itself as a thing that exists among things, on the other it escapes from space, it does not sit there motionless in the opaque realm of the non-perceived, but it exudes life. OPEN, a brilliant intuition, an experience that I have shared with Paolo for fifteen years, during which we have worked together in depth in every collaboration and meeting, enjoying the lightness of friendship and stories like something from a tale by Calvino. OPEN like an infinite possible field of artistic experience. An art that is ethereal as it unfolds because, even where it is tailored to an open or closed space, it vibrates with subtle pulsations. Currents of energy in the air tell us not so much what is there, but rather what cannot be seen or touched, but that fits our bodies like a glove. In this sudden amazement of a work enjoyed outdoors, the wayfarer in art lingers over doubt, ambiguity and contradiction. And so the OPEN adventure began. A simple idea, to create an open-air exhibition of sculptures and installations during the Film Festival. An event which, from its first edition, has been distinguished by a successful combination of international artists, representing their country, and the moulded forms of sculptures and site-specific interventions in the green areas of Venice Lido. An exhibition that aimed to reconcile the fervent milieu that was created in Venice during the Film Festival with language, sculptures and forms that infected the surrounding environment. Not just an overlapping of different expressive 25


processes, but an authentic dialogue between two spheres of the world of figurative art, from which both can be enriched and provide matter for discussion. If, as Pierre Restany pointed out, the first edition in 1998 was strongly influenced by public art, that is by sculpture devoid of possible influences of twentieth-century styles of painting and therefore highly suited to be inserted in modern social space, the later editions, and especially that of 2000, witnessed the exponential growth of new participants from Asia and overseas. The bridge between East and West was created by Taiwan, with which Paolo had already launched an important collaboration, bringing that country to the Venice Biennale for the first time. OPEN 2000 presented thirty artists, with an increased participation of Asian countries such as Singapore, Hong Kong and Japan, and of South America with Ecuador, Brazil, Chile, Colombia and Mexico. The high level of quality of the selection criteria in the early days was maintained in the subsequent editions. After Pier Paolo Calzolari, Italy was represented by Fabrizio Plessi, then by Emilio Vedova and Mimmo Rotella, while César, for France, was followed by Arman, Raynaud and Bernar Venet; for the United States, Beverly Pepper was followed by Carl Andre and Keith Haring. Those first four editions promoted international movements aimed at a revaluation of contemporary art, with a wider objective of worldwide presence in the Venetian territory. On many occasions, the art of OPEN has been animated by themes that marked its evolution in style. The 1999 edition featured the Globalisation of Art, characterised by the nascent awareness of a more and more pluralistic and multi-ethnic society, where the traditional boundaries that used to separate the individual from the environment were tending to collapse, as they still do today. Arman, Theodoros, Ju Ming and Carl Andre were the standardbearers of this edition that aimed to redefine the open-air spaces in a dynamic system of interactivity and relatability involving several cultural paths and personal experiences. The direct continuation of this reflection was female creativity as the centre of the problem of information and artistic communication. The theme of 2002 was L’Immaginaire Féminin. The idea of presenting forty female artists, as well as marking the woman’s role in the social and political system, was turned into a stimulating experience of creativity in art language. The

scultoree e plastiche tese a contaminare l’ambiente circostante. Non, dunque, una semplice sovrapposizione di diversi processi espressivi, ma un autentico dialogo tra due sfere del mondo artistico figurativo, dal quale entrambe possano risultare arricchite e comunque poste in discussione. Se, come affermò Pierre Restany, la prima edizione del 1998 risentì dell’influenza egemonica dell’arte pubblica, cioè di una scultura scevra da possibili influenze degli stili pittorici del XX secolo e dunque propriamente idonea ad essere inserita nello spazio moderno sociale, in seguito le successive edizioni, ed in particolare quella del 2000, videro la crescita esponenziale di nuove partecipazioni asiatiche ed oltreoceano. A creare un ponte tra Oriente ed Occidente fu proprio Taiwan, con la quale Paolo aveva già avviato un’importante collaborazione portandola per la prima volta alla Biennale di Venezia. OPEN 2000 raggiunse dunque le trenta partecipazioni con l’incremento di partecipazioni asiatiche come Singapore, Hong Kong e Giappone e di quelle sudamericane con l’Ecuador, il Brasile, il Cile, la Colombia ed il Messico. L’alto livello qualitativo del criterio di selezione degli esordi si mantiene nelle edizioni successive. Dopo Pier Paolo Calzolari, l’Italia sarà rappresentata da Fabrizio Plessi, poi da Emilio Vedova fino a Mimmo Rotella Rotella; dopo César per la Francia seguiranno Arman, Raynaud e Bernar Venet; dopo Beverly Pepper, gli Stati Uniti saranno rappresentati da Carl Andre e da Keith Haring. Queste prime quattro edizioni sono state dunque promotrici di quelle istanze internazionali tese ad una rivalutazione dell’arte contemporanea, in un più ampio obiettivo di apertura e presenza su scala mondiale nel territorio veneziano. L’arte di OPEN è stata in più occasioni animata da temi che hanno segnato la sua evoluzione stilistica. La Globalizzazione dell’arte ha contrassegnato l’edizione del 1999, caratterizzata dall’allora nascente consapevolezza di una società sempre più pluralistica e multietnica dove appunto i confini tradizionali che separavano l’individuo dall’ambiente tendevano - ed ancor oggi tendono - a dissolversi. E dunque Arman, Theodoros, Ju Ming e Carl Andre si fecero portabandiera di questa edizione tesa a ridefinire gli spazi all’aperto in un sistema dinamico di interattività e relazionabilità fra più percorsi culturali ed esperienze personali. Diretta prosecuzione di tale riflessione è stata la creatività al

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femminile quale centro del problema dell’informazione e della comunicazione artistica. L’Immaginaire Féminin segnò, infatti, il tema del 2002. L’idea di presentare quaranta artiste, oltre a marcare il ruolo della donna nel sistema sociale e politico, si trasformò in un’esperienza stimolante di creatività nei linguaggi dell’arte. Un’edizione celebrata dalla presenza di Yoko Ono che con l’installazione Ex It varcò la soglia della memoria di ogni razza e di ogni paese presentando quaranta bare con all’interno una pianta di ulivo. Un’edizione che ha inoltre precorso i tempi data la grande affluenza di artiste donne alle Biennali internazionali. Il 2003 ha visto invece celebrare il sodalizio tra Arte e Cinema. Due generi che si compenetrano e completano, due forme artistiche che vivono d’immagine e si nutrono del desiderio di tradurre emozioni. E così presero parte artisti-registi come Julian Schnabel, che hanno plasmato le loro storie dando vita ad immagini filmiche che diventano quadri, scultori e pittori che si sforzano di andare oltre la materia inerte per avvicinare l’emozione all’immagine in movimento. Ma non solo, attirati oltre i confini del proprio mestiere volti celebri della macchina da presa si cimentarono nelle discipline contigue, come Dennis Hopper e Gina Lollobrigida che con la sua presenza all’inaugurazione generò un vero e proprio caso mediatico. L’impegno e la considerevole rete di scambi che Paolo ha instaurato e sviluppato nel corso della sua carriera con l’Oriente, unitamente ai debutti di nuovi paesi alla Biennale di Venezia, sono indicativi della scelta tematica del 2004, OPENASIA, dedicata interamente all’Asia. Un’edizione destinata all’arte contemporanea orientale e alle sue tendenze più innovative, che ha rappresentato un’occasione straordinaria per conoscere talenti emergenti e proporre quelli già affermati e per scoprire, nondimeno, le interpretazioni inedite ed i risultati formali accattivanti di molti artisti occidentali che, nel corso della loro formazione, hanno sviluppato una forte attenzione verso l’antica tradizione figurativa orientale. L’esposizione dunque non solo ha proposto un’incursione in una realtà culturale specifica, ma ha messo a fuoco interpretazioni trasversali di una tematica di interesse globale. Tra i quarantatre artisti in mostra, OPENASIA ha presentato in anteprima mondiale Onochord di Yoko Ono, ha visto la curatela di Philippe Daverio con il progetto intitolato Gli Etruschi in Oriente ed ha confermato la guida curatoriale di

edition was marked by the presence of Yoko Ono who, with the installation Ex It, crossed the threshold of memory of every race and every country, presenting forty coffins with an olive plant in each one. That edition was also ahead of its time, considering the great turnout of women artists at international Biennale exhibitions. 2003 celebrated the close relationship between Art and Cinema. They are two genres that intertwine and complete each other, two artistic forms that live on image and feed on the desire to translate emotions. Artist-directors took part, like Julian Schnabel, who told their stories creating film images that became pictures; sculptors and painters who strove to go beyond inert material to bring emotion close to the moving image. Tempted to step outside the boundaries of their profession, even famous faces from the movies exercised their talents in the related art forms, among them Dennis Hopper and Gina Lollobrigida, whose presence at the inauguration was a great event for the media. The commitment and the considerable exchange network that Paolo has established and developed with the Orient during his career, together with the debuts of new countries at the Venice Biennale, are indicative of the theme chosen in 2004, OPENASIA, dedicated entirely to Asia. An edition devoted to contemporary Oriental art and to its most innovative trends, which represented an extraordinary opportunity to get to know emerging talents and to propose those that were already successful, and to discover, nevertheless, the unpublished interpretations and captivating formal results of many western artists who, in their training, had felt the strong attraction of the ancient Oriental figurative tradition. The exhibition not only proposed a journey into a specific cultural reality, but it focused on transverse interpretations of a theme of global interest. Among the forty-three artists at the exhibition, OPENASIA presented the world première of Onochord by Yoko Ono. One of the curators was Philippe Daverio with a project entitled The Etruscans in the Orient, while Chang Tsong-zung, who had given a precious contribution ever since the first edition, was confirmed as leading curator. It is from the point of view of its curators that OPEN has expressed its international vocation. They have included famous names such as Alanna Heiss, Lòrànd Hegyi, Robert C. Morgan, Philippe Daverio, Achille Bonito Oliva, Efi Strousa, Chang Tsong-zung, Lina

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Chang Tsong-zung che sin dalla prima edizione ha dato il suo prezioso contributo. Ed è proprio dal punto di vista curatoriale che OPEN ha dato forma alla sua vocazione internazionale. Sono passati, infatti, nomi di prestigio quali: Alanna Heiss, Lòrànd Hegyi, Robert C. Morgan, Philippe Daverio, Achille Bonito Oliva, Efi Strousa, Chang Tsong-zung, Lina Tsikouta, Jin Sup Yoon, Sirje Helme, Gianluca Marziani, Gloria Vallese, Nevia Pizzul Capello, Enrico Pedrini, Daniela Palazzoli, Christos Savvidis, Gertrud KohlerAeschlimann, Yang Wen-i, Serena Mormino solo per citarne alcuni. Ma dietro tali figure di rilievo l’“antenato” resta comunque Pierre Restany che accolse con entusiasmo l’idea di OPEN al suo nascere. L’eterogeneità e la fisicità sono alcune delle caratteristiche di OPEN ed in particolare tali due accezioni hanno contraddistinto l’edizione del 2005: sculture dal grande impatto visivo, frutto di pratiche avvolgenti che invadono l’intero ambiente, dai replicanti di J. Seward Johnson, passando per Rabarama fino alle monumentali sculture di Sebastian. In un presente al centro di tensioni politiche in grado di monopolizzare anche la sfera culturale, la bruciante attualità diviene una presenza costante come nell’arte di B.ZARRO che con l’opera Cavallo di Troia, un vero aereo F104 da guerra, denunciò la politica di intervento internazionale. Se fino al 2005 si era cercato di individuare un nucleo plurale, capace di determinare i percorsi della creatività di artisti riconosciuti a livello internazionale, in occasione della nona edizione, si è data voce anche ad una serie di artisti provenienti dalle Accademie di Belle Arti, che, risultati marginali se non del tutto assenti da ogni rassegna espositiva internazionale, hanno però trovato in OPEN occasione di vivo confronto. Una nuova linfa da coniugare in un percorso espositivo comune che faccia il punto dell’esperienza delle Accademie internazionali e dei risultati ottenuti. OPEN 2006 cerca di definire alcuni ambiti, alcuni contesti che arricchiscono il bouquet di questa “fabbrica di arti”, dei percorsi della creatività accademica proveniente da Macao, Venezia e Vienna. Da allora hanno partecipato ad OPEN la National Taiwan University of Arts, l’Accademia di Belle Arti di Bologna, l’Accademia di Belle Arti di Brera, l’Università di Salonicco, la Finnish Academy of Fine Arts e i giovani artisti del

Tsikouta, Jin Sup Yoon, Sirje Helme, Gianluca Marziani, Gloria Vallese, Nevia Pizzul Capello, Enrico Pedrini, Daniela Palazzoli, Christos Savvidis, Gertrud Kohler-Aeschlimann, Yang Wen-i, Serena Mormino to name but a few. But the “ancestor” behind all these important figures has always been Pierre Restany, who enthusiastically welcomed the idea of OPEN at its birth. Heterogeneity and physicality are some of OPEN’s characteristics, and these two aspects particularly distinguished the 2005 edition: sculptures with a great physical impact, the fruit of enveloping activities that invaded the whole environment, from replicates by J. Seward Johnson to Rabarama and Sebastian’s monumental sculptures. In a present at the centre of political tension that monopolised even the cultural sphere, burning topicality was a constant presence as in the art of B.ZARRO who denounced international interventionism with the work entitled Trojan Horse, a real F104 fighter plane. While up until 2005 the aim had been to identify a plural nucleus, able to determine the creative careers of internationally known artists, for the ninth edition it was decided to include a series of artists from the Fine Arts Academy. These artists, represented only marginally or not at all in other international reviews, found an opportunity for vibrant confrontation at OPEN. New energy to be combined in a joint exhibition path that focussed on the experience of the international Academies and on their achievements. OPEN 2006 sought to define certain settings, certain contexts that enrich the bouquet of this “art factory”, the paths of academic creativeness from Macao, Venice and Vienna. Since then, participants in OPEN have included the National University of Arts, the Fine Arts Academy of Bologna, the Fine Arts Academy of Brera, the University of Thessaloniki, the Finnish Academy of Fine Arts and the young artists taking part in the arst-urban residence program. The central nucleus always remained the plastic arts, though interpreted not only in the conventional form, but also in border areas where creativeness competes with communication, with its mechanisms and its aims. The group of artists from three continents included important figures such as Louise Bourgeois, Arman, Luigi Mainolfi, John Henry, Zhao Guanghui, Chen Changwei and the performer Xiao Ge. Performances and happenings have animated OPEN’s vernissages over the years. We cannot forget the Matatoa group which, with

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programma di residenza di ar-st-urban. Il nucleo portante restano comunque le arti plastiche declinate tuttavia non solo nella forma canonica, ma anche in quelle zone di confine dove la creatività si confronta con la comunicazione, con i suoi meccanismi e con le sue finalità. Il drappello di artisti provenienti dai tre continenti presenta figure di rilievo quali Louise Bourgeois, Arman, Luigi Mainolfi, John Henry, Zhao Guanghui, Chen Changwei e la performer Xiao Ge. E sono proprio le performance e gli happening ad aver animato i vernissage di OPEN nel corso degli anni. Da non dimenticare il gruppo Matatoa che con quaranta ballerini dell’Isola di Pasqua guidati da Marco Nereo Rotelli contraddistinsero l’inaugurazione del 2004, il messaggio “I love you” trasmesso ad intermittenza con una torcia in piazza San Marco da Yoko Ono, Xiao Ge al Blue Moon nel 2006 e le irriverenti e seducenti performance di B.ZARRO e Iris Brosch delle ultime edizioni. Per la decima edizione, come sempre, OPEN coniuga alla presenza di artisti importanti, quali Christo, Lee Ufan e Beverly Pepper, figure storiche dell’arte contemporanea italiana quali Sandro Chia, Enzo Cucchi e Giuseppe Spagnulo, così come continua a presentare promesse di talenti ancora da scoprire. Particolare attenzione è stata inoltre data alla presenza asiatica con gli interventi di Hu Xiangcheng, Li Chen, Shi Jinsong, Xiang Jin e Shan Shan Sheng fino alle nuove partecipazioni indiane di Bharti Kher e Kriti Arora. Dopo dieci anni di intenso ed emozionante lavoro si è presentata la necessità di spunti e stimoli nuovi da cui muovere, orizzonti lunghi su cui perdersi. Per l’undicesima edizione di OPEN oltre 40 opere tra sculture, interventi pittorici e ambientali, installazioni video e sonore accolgono lo spettatore in un turbinio di sensazioni che spaziano dall’ironia al disgusto, dalla provocazione alla commozione, dalla raffinatezza all’eccesso, offrendo una molteplicità di linguaggi che va dal digitale alla più tradizionale tecnica pittorica, alla scultura monolitica di Marc Quinn, autobiografica di Chen Wenling, imponente di Cyrille André. Giunta alla sua dodicesima tappa, OPEN offre ancora una volta un nuovo percorso in divenire. Destreggiandosi tra le innumerevoli sorprese offerte dalle installazioni dal forte potere seduttivo, come quella degli artisti svizzeri Daniel Glaser/Magdalena Kunz,

forty dancers form Easter Island led by Marco Nereo Rotelli, was featured in the inauguration in 2001; the message “I love you” transmitted intermittently with a flashlight in Saint Mark’s Square by Yoko Ono, Xiao Ge at the Blue Moon in 2006 and the irreverent, captivating performance of B.ZARRO and Iris Brosch in the latest editions. For the tenth edition, as always, alongside important artists such as Christo, Lee Ufan and Beverly Pepper, OPEN presented historic figures of Italian contemporary art such as Sandro Chia, Enzo Cucchi and Giuseppe Spagnulo, as well as promising young talents still to be discovered. Particular attention was also devoted to Asia, with interventions by Hu Xiangcheng, Li Chen, Shi Jinsong, Xiang Jin and Shan Shan Sheng and new Indian participations by the artists Bharti Kher and Kriti Arora. After ten years of intense and exciting work, the need was felt for new stimuli, new horizons in which to wander. For the eleventh edition of OPEN, more than 40 works including sculptures, painting and environmental events, video and sound installations, enveloped the onlooker in a whirlwind of sensations ranging from irony to disgust, from provocation to commotion, from refinement to excess, offering a multiplicity of forms of expression, from digital to the most traditional painting technique, to the monolithic sculpture of Marc Quinn, the autobiographic sculpture of Chen Wenling and the imposing sculpture of Cyrille André. At its twelfth edition, OPEN again offered a new route to follow. Winding their way through the countless surprises offered by installations with a strong seductive power, like that of the Swiss artists Daniel Glaser and Magdalena Kunz, the great canvases by the Georgian artist Eteri Chkadua and the countless blue sheep of Bertamaria Reetz and Rainer Bonk, the visitors found satisfaction in the next contextual setting, where a huge sculpture workshop awaited them. There the great masters León Ferrari, Ugo Riva, Ercole Pignatelli and Girolamo Giulla dialogued with internationally renowned artists such as Nataraj Sharma and Christian Bolt. The following year, attention was concentrated on the fundamental works of Dennis Oppenheim and ORLAN. The American artist, one of the leading exponents of contemporary conceptual art of the second half of the twentieth century, devoted especially to the creation of great installations in public spaces, presented

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passando per le grandi tele dell’artista georgiana Eteri Chkadua fino alle innumerevoli pecore blue di Bertamaria Reetz e Rainer Bonk, il visitatore trova poi compiacimento nella contestualizzazione successiva, ove lo attende un grande laboratorio del fare scultura. Qui i grandi maestri León Ferrari, Ugo Riva, Ercole Pignatelli, Girolamo Giulla dialogano con artisti riconosciuti a livello internazionale come Nataraj Sharma e Christian Bolt. L’anno successivo l’attenzione si concentra sulle opere fondamentali di Dennis Oppenheim e ORLAN. L’artista statunitense, tra i massimi esponenti dell’arte concettuale contemporanea della seconda metà del XX secolo, dedito soprattutto alla realizzazione di grandi opere installative negli spazi pubblici, ha presentato Heavy Dog Kiss. Del tutto radicale, opposto al banale e al prevedibile è l’approccio dell’artista francese ORLAN, che ha esposto Drive-in: ORLAN REMIX, una video installazione con una limosine gonfiabile dove il concetto di ibrido è protagonista assoluto, capace di divenire in modo tangibile significato e significante, mezzo espressivo dell’opera d’arte di cui delinea forma e contenuto. Quello della quattordicesima edizione di OPEN è un allestimento eclettico, eterogeneo fatto di contrasti dove apre il percorso espositivo, quale omaggio alla vita che rinasce, l’imponente e conturbante orchidea di bronzo dipinto The Chromatic Archaeology of Desire di Marc Quinn. Fulgida nei colori, sconvolgente nella ricerca del dettaglio, ferma e imperturbabile allo scorrere del tempo. Il binomio bellezza-tempo, vita-morte è un forte leit motiv nelle opere dell’artista inglese, esponente della Young British Art e tra i maggiori artisti a livello mondiale. «Muovere ciò che è fermo, fermare ciò che si muove» diceva G.C. Argan del Signorelli, un gioco di leve e di molle per vincere l’inerzia della figura. Oggi, forse, “codificare il significante e decodificare il significato”, questa la sfida delle due successive edizioni di OPEN. Una scelta curatoriale linguistica, non tematica: fornire all’artista, un codice, o meglio il significante, una bandiera, un drappo, uno scampolo di tessuto di 3x1 m. Elemento grammaticale visivo che si basa su regole sintattiche legate al contesto urbano, alla configurazione spaziale, gli spazi all’aperto, l’aria del Lido di Venezia. Relazione spaziale in bilico tra sfondo e vicinanza, forma chiusa e forma aperta e poi esperienza e ancora pregnanza per rivelare la funzione

Heavy Dog Kiss. Completely radical, opposed to the banal and the foreseeable, is the approach of the French artist ORLAN, who presented Drive-in: ORLAN REMIX, a video installation with an inflatable limousine where the hybrid concept is the absolute protagonist, able to become tangibly the signified and the signifier, a means of expression of the work of art of which it outlines the form and the content. The set-up of the fourteenth edition of OPEN was eclectic and heterogeneous, made of contrasts where the exhibition was opened, as a tribute to the rebirth of life, by the imposing and disturbing painted bronze orchid The Chromatic Archaeology of Desire by Marc Quinn. Brightly coloured, with a devastating search for detail, motionless and unperturbed by the passing of time. The pairing of beauty-time, life-death, is a strong leitmotiv in the works of the English artist, an exponent of Young British Art and one of the leading artists at world level. «Moving things that are still, stopping things that move», said G.C. Argan about Signorelli, an interplay of levers and springs to overcome the inertia of the figure. Perhaps “coding the signifier and decoding the signified” would be the challenge for the two following editions of OPEN. The curators chose not a theme but a language: to provide the artist with a code, or rather with the signifier, a flag, a standard, a piece of fabric measuring 3x1m. A visual grammatical element based on rules of syntax linked to the urban context, to spatial configuration, the openair spaces and the air of Venice Lido. The spatial relationship swings between background and foreground, closed form and open form, then experience and meaningfulness, to reveal the function of visual language, whether it be expressive, exhortative, aesthetic or informative. The flags were a memory of a unique and extraordinarily scenic event: in 2002 Paolo had been European Commissioner for the Flag Art Festival in Seoul on the occasion of the FIFA World Cup Korea/Japan. Thousands of banners, standards, scrolls, art and literature from all over the world captured in signs and entrusted to the wind ten years later addressed and inspired the layout of OPEN. The flags at OPEN were developed following the rules of classical image composition, based on equilibrium, weight, perspective, rhythm, movement, direction and finally symmetry; particularly striking was the series by Yoko Ono, taking part in OPEN for the third time, curated by Jon Hendricks and

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del linguaggio visivo sia essa espressiva, esortativa, estetica o informativa. Le bandiere, una suggestione, il ricordo di un evento unico nel suo genere, straordinariamente scenografico nel 2002 Paolo era commissario europeo per il Flag Art Festival di Seoul in occasione di FIFA World Cup Korea/Japan. Migliaia di stendardi, drappi, rotoli, arti e letterature da tutto il mondo catturate in segni e affidate al vento dieci anni dopo indirizzano e ispirano il percorso di OPEN. Quelle di OPEN sono bandiere che si sviluppano seguendo i canoni della composizione classica dell’immagine fatta di equilibrio, peso, prospettiva, ritmo, movimento, direzione e infine della simmetria, tra cui spicca la serie realizzata da Yoko Ono, nella sua terza partecipazione ad OPEN, curata da Jon Hendricks e visibile a S. Maria Elisabetta. OPEN compie i suoi diciassette anni consapevole dell’impossibilità di superare la specificità dei linguaggi, mettendo in scena ancora una volta la scultura e proponendo l’installazione, entrambe come gesti puramente liberi. Un processo che si compie in fieri da anni per cercare quello straniamento, l’ostranenie così come lo aveva delineato Victor Šklovskij, in quel procedimento letterario (e artistico) intenzionale teso ad ottenere per l’appunto uno sguardo nuovo sulle cose, la liberazione dalla consuetudine e il risveglio dell’attenzione percettiva. Uno strumento decisivo per uno dei compiti essenziali dell’arte, la lotta contro l’automatismo: «Grazie all’arte è come se ci togliessimo i guanti, ci strofinassimo gli occhi e vedessimo per la prima volta la realtà, la verità della realtà» (V. Šklovskij, Testimone di un’epoca. Conversazioni con Serena Vitale, Roma 1979). Le installazioni e le sculture del 2014 interrompono l’ordinario contesto urbano, inducono un cortocircuito nel fruitore, quell’effetto di straniamento che costringe a continuare la visione, a notare i dettagli, ad interrogarsi su quella sostanza segreta per generare una disassuefazione dalla realtà che ci circonda per poi indurci in un universo assolutamente nuovo, quello che alberga dentro attraverso l’arte creata al di fuori. Fino ad arrivare alle ultime edizioni quando OPEN reinventa i suoi spazi. Insieme agli spazi pubblici del Lido, laboratori permeabili alla fruizione fisico estetica, si apre a un nuovo contesto espositivo, quello del Molino Stucky, il più importante monumento di archeologia industriale conservato a Venezia. Un mulino, uno spazio che ha memoria, è voluminoso, è gonfio di

presented at S. Maria Elisabetta. OPEN celebrated its seventeenth edition, well aware of the impossibility of overcoming the specificity of language, again putting sculpture on display and proposing installation, both as purely free gestures. A process that is accomplished as it is evolving for years, to seek that alienation, what Victor Šklovskij called ostranenie, in that intentional literary (and artistic) procedure that aims to find a new way of looking at things, the freedom from everyday things and the reawakening of perceptive attention. A decisive tool for one of the essential tasks of art, the fight against automatism: «Thanks to art, it is as though we took our gloves off, rubbed our eyes and saw reality for the first time, the truth of reality» (V. Šklovskij, Testimone di un’epoca. Conversazioni con Serena Vitale, Rome 1979). The installations and sculptures at OPEN 2014 interrupt the ordinary urban context, they cause a short-circuit in the observer, that effect of alienation that forces us to keep on looking, to notice the details, to wonder about the secret substance that enables us to shake off the habit of the reality that surrounds us and leads us into an absolutely new universe, the one that lives inside us through the art created outside. At its latest editions, OPEN reinvented its spaces. Along with the public spaces on Lido, workshops accessible for physical and aesthetic enjoyment, a new exhibition venue was inaugurated at Molino Stucky, the most important example of industrial archaeology preserved in Venice. A mill, a space with a memory, is voluminous, swollen with temporality, vast exposed brick surfaces, pinnacles and towers inspired by mediaeval cathedrals and town halls, a true example of architectural eclecticism. The artistic interventions are grafted onto this eclecticism, linked one to the other, from the work by Michelangelo Pistoletto, who opened the display with his Third Paradise, to Nam June Paik, the father of video art, with the historic work Hello Elephant. OPEN is a great public park, a weave of nature and culture, internal and external, biological and technological, painting and multimedia, a synthesis of characters and of contemporary trends. In this way the territory becomes a privileged observatory, as is demonstrated by the organisation of this important event, projected in a national and international dimension. Art as an “other” world: imaginative, a world often without clear outlines, a confused geography in which to let one’s imagination

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temporalità, una intersezione di sconfinate superfici di cotto a vista, pinnacoli e torri desunti da cattedrali e municipi medievali, vero esempio di eclettismo architettonico. E su questo eclettismo si innestano, si ingranano, gli uni negli altri, gli interventi artistici dall’opera di Michelangelo Pistoletto, che apre idealmente il percorso con il suo Terzo Paradiso, a Nam June Paik, il padre della video arte, con la storica opera Hello Elephant. OPEN costituisce un grande parco pubblico, un intreccio di natura e cultura, interno ed esterno, biologico e tecnologico, pittura e multimedialità, sintesi dei caratteri e delle tendenze contemporanee. In tal modo il territorio diventa un osservatorio privilegiato, come mostra l’organizzazione di questo importante evento che si proietta in una dimensione nazionale e internazionale. L’arte come mondo “altro”: immaginifico, un mondo spesso privo di contorni chiari, una geografia confusa su cui divertirsi a fantasticare. Ed è con questo piacere della scoperta, tra sculture che ricercano tonalità e forme in divenire ed installazioni che dialogano con l’ambiente, che i visitatori di OPEN negli anni hanno visitato un percorso sì espositivo - anche sulla visionarietà occidentale in cui si mescolano conoscenze storiche e gusto della bizzarria - ma capace innanzi tutto di divertire l’intelligenza, tra piccole e grandi sorprese. Ed è così che siamo giunti a celebrare i suoi primi vent’anni. Vent’anni di sculture, installazioni, happening e performance a testimonianza di quanto l’arte possa irrompere nell’ambiente esterno per attirare l’osservatore catturandone lo sguardo e rallegrandone l’animo. Una tappa, un punto d’arrivo e di ripartenza, più consapevole e più rigoroso. Diversamente infatti da ogni altro evento a carattere annuale, dal quale ci si potrebbe aspettare sempre qualcosa di nuovo, OPEN propone la sua linearità e la sua integrazione, aspetti maturati grazie alla semplicità dell’idea di fondo ed al suo contesto espositivo a cielo aperto: territori di esplorazione, punti di scambio e di confronto, spazi coreografici spesso aperti alla loro stessa trasformazione.

run free. It is with this pleasure of discovery, among sculptures that seek tones and changing forms and installations that dialogue with the environment, that visitors to OPEN over the years have explored an exhibition path in a western visionary dimension where historic notions are mixed with a taste for the bizarre, but which is nevertheless able to amuse the intelligence, with small and large surprises. And so now we are celebrating its first twenty years. Twenty years of sculptures, installations, happenings and performances bearing witness to how art can break into the outside environment to attract onlookers, capturing their eyes and cheering their souls. A stage, a point of arrival and of a new departure, more aware and more rigorous. Unlike every other yearly event, from which one could always expect something new, OPEN proposes its linearity and its integration, characteristics that have matured thanks to the simplicity of the underlying idea and to the open-air exhibition space: territories to explore, points of exchange and confrontation, choreographic spaces often left open to transformation.

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Mara Rumiz In 1998 I was Councillor for Culture in the Municipality of Venice and in that role I had the honour of participating in the project of Paolo De Grandis and acting as godmother to the first edition of OPEN. The name of the review already incorporated meanings and objectives that harmonised with what I considered the necessary guidelines for our city’s cultural policies: opening to the most different territories, even far away; opening to dialogue among different artistic languages and among the different subjects and institutions present in the city; involving all the citizens in the meeting with art, even those who were less accustomed to visiting museums and galleries. Now, twenty years later, we find ourselves in a world that is becoming more and more closed; they are building walls instead of bridges; we are breaking up and defending a homeland that is becoming smaller and more stifling all the time; there is rejection instead of welcome; there is the globalisation of markets but the restriction of rights. Culture is the most formidable weapon to enable meeting, dialogue and reciprocal contamination to prevail. Ever since its inception, OPEN has hosted countries that had never appeared on the Italian cultural scene before. Venice is the home of prestigious cultural institutions recognised at world level. They could and should act as a lever for designing the city’s future and avoiding its transformation into a mere tourist destination. For this to happen, they must talk more, collaborate better with one another. Biennale, University, Academy of Fine Arts, Conservatoire, Cini Foundation, Guggenheim Foundation, Pinault Foundation, Museums Foundation, the Superintendencies, the Fenice, the Teatro Stabile, but also the various associations, laboratories and craft workshops are formidable forges not only for exhibitions but also for cultural production. Research, training, the drafting of cultural projects also “for export” can take the place of the factories that closed their doors in the city many years ago. OPEN, which is held at the same time as the Film Festival and dialogues with it, sends a signal in this direction. The artists who take part in OPEN step outside protected locations and, instead of showing their works in museums, galleries or specifically dedicated areas, they accept the challenge to place sculptures and installations in the open air, where every citizen

Nel 1998 ricoprivo l’incarico di Assessore alla Cultura del Comune di Venezia e in questa veste ebbi l’onore e il piacere di condividere il progetto di Paolo De Grandis e di fare da madrina alla prima edizione di OPEN. Già il nome della rassegna racchiudeva in sé significati e obiettivi che ben sintetizzavano quella che ritenevo dovesse essere la linea guida per le politiche culturali nella nostra città: apertura ai più diversi, e anche lontani, territori; apertura al dialogo fra diversi linguaggi artistici e fra diversi soggetti e istituzioni presenti in città; coinvolgimento di tutti i cittadini, anche quelli meno abituati a frequentare musei e gallerie, nell’incontro con l’arte. A distanza di vent’anni ci troviamo in un mondo che si chiude sempre di più; si costruiscono muri anziché ponti; ci si divide e si difende una patria che tende a divenire sempre più piccola e asfittica; c’è il respingimento anziché l’accoglienza; c’è la globalizzazione dei mercati ma il restringimento dei diritti. Ebbene, è la cultura l’arma più formidabile per far prevalere l’incontro, il dialogo, la reciproca contaminazione. OPEN ha ospitato, sin dagli esordi, Paesi che mai si erano affacciati sulla scena culturale italiana. Venezia è sede di istituzioni culturali prestigiose e riconosciute a livello mondiale. Potrebbero/dovrebbero essere la leva per disegnare un futuro alla città e per evitare che essa si trasformi in mera meta turistica. Perché questo avvenga è necessario che esse si parlino di più, collaborino meglio fra di loro. Biennale, Università, Accademia di Belle Arti, Conservatorio, Fondazione Cini, Fondazione Guggenheim, Fondazione Pinault, Fondazione Musei, le Soprintendenze, la Fenice, il Teatro Stabile ma anche le realtà associative, i laboratori, le botteghe d’arte, sono formidabili fucine non solo per l’esposizione ma per la produzione culturale. La ricerca, la formazione, l’elaborazione di progetti culturali anche “da esportare”, possono prendere a pieno titolo il posto delle fabbriche che in città hanno chiuso i battenti ormai tanti anni fa. OPEN, che si svolge in contemporanea con la Mostra del Cinema e con essa interloquisce, da un segnale anche su questo. Gli artisti che partecipano a OPEN escono dai luoghi protetti e, anziché esporre le proprie opere nei musei, nelle gallerie, nelle 35


aree specificatamente dedicate, accettano la sfida di collocare sculture e installazioni all’aperto, per dare a ciascun cittadino la possibilità di imbattersi in esse. Le persone, quando escono da casa, quando passeggiano, quando si spostano per lavoro o per esigenze familiari, si trovano davanti l’opera d’arte. Non la cercavano ma essa c’è e questo determina, in ogni caso, un’emozione o, comunque, una reazione. E gli artisti sono pronti a confrontarsi anche con il giudizio di questi cittadini “non addetti ai lavori”. Dopo vent’anni OPEN ha tutt’altro che esaurito la sua missione: oggi c’è bisogno più che mai di rafforzare quegli elementi di inclusione, di dialogo, di coinvolgimento, di esplorazione, che sono alla base del suo progetto. Grazie, quindi, a Paolo De Grandis e a Carlotta Scarpa e auguri di buon lavoro per tutte le prossime edizioni.

has the chance to run into them. When people leave the house, when they take a walk, when they go out for work or for family reasons, they find themselves face to face with works of art. They were not expecting this and it will always produce an emotion, or at least a reaction. The artists are also ready to cope with the judgements of these “laypersons”. After twenty years, OPEN still has not exhausted its mission: today more than ever, there is the need to reinforce its underlying elements of inclusion, dialogue, involvement and exploration. So thank you to Paolo De Grandis and to Carlotta Scarpa and every good wish for all the coming editions.

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Danny Carella

Presidente Municipalità di Lido Pellestrina Mayor of the Town of Lido Pellestrina

L’Esposizione Internazionale di Sculture e Installazioni OPEN compie vent’anni. Qualità, passione, valorizzazione e rigenerazione del territorio, sperimentazione e cultura sono le parole d’ordine di OPEN, che ha saputo andare oltre le considerevoli difficoltà burocratiche e oltre le crescenti problematiche imposte dal contesto economico. Il ritorno al Lido, proprio nell’edizione del ventennale, è un privilegio che ci consente di ammirare una manifestazione di respiro internazionale di tutto rispetto nell’ambito della produzione artistica contemporanea. Il rilancio del Lido di Venezia non può e non deve essere di esclusiva matrice economica. Deve essere anche e soprattutto un rilancio culturale. Nel corso dei decenni il Lido si è sempre distinto per una produzione culturale di assoluta rilevanza, a partire dalla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica. Ed è nel solco di questa tradizione consolidata di cultura che OPEN si innesta pienamente portando il proprio consistente contributo alla rinascita del nostro territorio. A nome della Municipalità di Lido e Pellestrina un caloroso e sincero ringraziamento a Paolo De Grandis, ideatore e curatore, a OPEN e a tutti coloro che ne consentono l’organizzazione e la realizzazione e nel corso degli anni ne hanno, con sapiente maestria, consentito la crescita, il radicamento e lo sviluppo, fino a coinvolgere più di cinquecento artisti e quasi cento Paesi, mettendo ora in connessione due tra le isole più celebri di Venezia, il Lido e la Giudecca, nella sontuosa cornice di splendidi hotel e delle strade che conducono alla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica. Sarà un onore poter nuovamente ospitare OPEN nel nostro territorio e mi auguro che questa sinergia e sintonia possa durare per lungo tempo, mantenendo inalterata quella forte tensione verso il futuro pur consapevole del glorioso passato, con lo spirito che lega indissolubilmente la comunità dell’isola del Lido e della Città di Venezia alla propria anima artistica.

OPEN, the International Exhibition of Sculpture and Installations, is twenty years old. Quality, passion, enhancement and regeneration of the territory, experimentation and culture are the key words of OPEN, which has succeeded in overcoming the considerable bureaucratic difficulties and the growing problems imposed by the economic situation. The return to Lido, for this twentieth-anniversary edition, is a privilege that enables us to admire an impressive international event in the field of contemporary artistic production. The return to Venice Lido cannot and must not be viewed exclusively as an economic move. It must also and above all be a cultural boost. Over the decades, Lido has always been distinguished for its highly important cultural production, starting from the International Film Festival. OPEN comes fully in the wake of this consolidated cultural tradition, making its own important contribution to the rebirth of our territory. In the name of the Municipality of Lido and Pellestrina, I warmly and sincerely thank Paolo De Grandis, creator and curator of OPEN, and all those who have allowed its organisation and realisation in these years, skilfully permitting its growth, establishment and development, involving more than five hundred artists and almost one hundred countries, and who have now formed a connection between two of Venice’s most famous islands, Lido and Giudecca, in a sumptuous setting of splendid hotels and the streets that lead to the International Film Festival. It will be an honour to host OPEN again in our territory and I hope that this synergy and harmony may be long-lasting, preserving that strong tension towards the future without forgetting the glorious past, with the spirit that indissolubly bonds the community of the island of Lido and the City of Venice to their artistic soul.

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Carlo Montanaro

Scrittore, Giornalista, Critico cinematografico Writer, Journalist, Film critic

Eccoci davanti a una di quelle presunte certezze destinate a venir subitaneamente smentite. Un’emergenza così industrialmente, architettonicamente e socialmente connotata come il Molino Stucky costruito all’ingresso del Canal della Giudecca alla fine dell’’800 con criteri, allora, modernissimi, non ha lasciato tracce particolari nel mondo della celluloide. Malgrado la vicinanza, durante la Repubblica di Salò, con gli studi della Scalera Film. C’è da attendere il dopoguerra per ritrovare uno degli ingressi sull’acqua del Molino trasformato in accesso ad un improbabile teatro di posa (Gli amanti di Verona, Andrè Cayatte, 1949). Pochi anni dopo per Bonifacio B. l’antieroe del suo film d’esordio di Tinto Brass (In capo al mondo - già Chi lavora è perduto 1963) lo Stukcy, nel finale, incombe con la sua mole come minaccia di una malsopportata vita lavorativa. Ci vuole almeno un’altra decina d’anni per vedere finalmente oltre che l’esterno neogotico, l’interno pericolosamente diroccato dell’immensa fabbrica di farina distrutta. È Aldo Lado, regista di thriller anche lui veneziano (almeno d’adozione), ad ambientarci una caccia con inseguimento di pericolosi delinquenti: Chi l’ha vista morire, 1972, risulta ad oggi la documentazione più esauriente dello stato d’abbandono dell’enorme manufatto. Un rapidissimo passaggio in motoscafo ci riporta agli anni ’30, con un pericolo appena sventato in Marittima da un Indiana Jones in piena forma (Steven Spielberg, Indiana Jones e l’ultima crociata, 1989). Mentre non tutti sanno che la famiglia Stucky, estinta, riposa a destra dell’ingresso monumentale del cimitero di San Michele prospiciente le Fondamenta Nuove. In una cappella con cripta dove, nella finzione di Nero Veneziano (Ugo Liberatore, 1978), apparve “nientepopodimenoche” il padre dell’Anticristo…

Here we are in front of one of those presumed certainties that are destined to be disproven immediately. An industrially, architecturally and socially important structure like the Molino Stucky, the mill built at the entry to the Giudecca Canal at the end of the nineteenth century, with highly modern criteria for its time, has not left particular traces in the world of film. And this despite its nearness to the Scalera Film studios at the time of the Italian Social Republic. We would have to wait for the post-war period to find one of the Mill’s water gates transformed into the access of an improbable prose theatre (Gli amanti di Verona, Andrè Cayatte, 1949). A few years later, in the finale of Tinto Brass’s début film (In capo al mondo - originally Chi lavora è perduto - 1963) the Stucky towers over the antihero, Bonifacio B., like the threat of a poorly tolerated working life. Another ten years or so would pass before we would finally see, not only the Neo-Gothic exterior, but also the dangerously crumbling interior of the immense, destroyed flour factory. Aldo Lado, another Venetian thriller director (by adoption, anyway), chose it as the setting for a chase involving dangerous criminals: Chi l’ha vista morire, 1972, is still the most complete documentation of the state of abandon of the huge building. A rapid motorboat ride takes us back to the Thirties, where Indiana Jones at the top of his form makes a lucky escape (Steven Spielberg, Indiana Jones and the Last Crusade, 1989). Not many people know that the last resting place of the now extinct Stucky family is to the right of the monumental entrance to the cemetery of San Michele, facing the Fondamenta Nuove. They lie in a chapel with a crypt where, in the horror film Nero Veneziano (Ugo Liberatore, 1978), there appeared none other than the father of the Antichrist...

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Serena Mormino Scrivere, uno dei tanti modi per vivere e amare l’Arte… Incroci talvolta casuali che si trasformano in grandi amicizie proprio grazie al denominatore comune dell’amore per l’Arte come Vitamina essenziale. Perché Arte è anche, se non prima di tutto, amore per la vita, condivisione, insegnamento e accrescimento costante reciproco… VIVA ARTE VIVA, ovvero AMA ARTE AMA… Ormai sette anni di collaborazione con PDG Arte Communications, ritrovarsi ogni stagione sempre più uniti e appassionati accanto agli artisti che, anche grazie a tutti noi, stanno scrivendo pagine di storia della cultura nel mondo. Con orgoglio eccomi ancora una volta accanto a Paolo De Grandis, amico fraterno maggiore, da cui molto ho imparato, anche attraverso i suoi racconti. Come quello dell’incontro casuale su uno di quei cerchi della vita in cui si può camminare alla stessa velocità, fianco a fianco anche laddove lontani e scrivere insieme una pagina di arte tanto voluta e dall’animo forte… Nasce in me il desiderio di ricordare questo compleanno così importante di OPEN nel mondo e il suo ideatore Paolo De Grandis con un premio omaggio anche al suo eterno amico Pierre Restany. La consapevolezza di aver imparato ad amare l’Arte grazie agli scritti dei grandi critici, proprio come Restany, e alle opere dei grandi artisti come Salvatore Fiume e l’amico Kengiro Azuma. Direttamente dalle emozioni, sguardi, parole fianco a fianco a Gillo Dorfles, Arturo Schwartz, Vittorio Sgarbi, Luciano Caprile, Daniele Crippa e Paolo De Grandis… Il privilegio di dialogare ogni giorno con gli artisti della nostra epoca e tradurre in parole le loro emozioni e la loro Arte… Vivere, amare, scrivere, stimolare nuove idee, convinzioni forti come il tema a me tanto caro del Design come forma d’Arte, piccole gocce capaci di riempire vuoti fino ad ora trascurati ma che necessitano di nuova linfa che pochi hanno il dono di avere ma che devono essere acclamati a pieno titolo artisti capaci di stimolare maggiori sensi anche nel quotidiano… Una nuova pagina tutta da scrivere insieme, pronti a nuove edizioni e nuove sfide contaminando vita, emozione, amore, in una parola ARTE.

Curatrice Curator Writing, one of the many ways of living and loving Art… Chance meetings that are transformed into great friendships thanks to the common denominator of the love of Art as an essential Vitamin. Because Art is, above all, the love of life, sharing, teaching and constant mutual growth. LIVE ART LIVE, or LOVE ART LOVE… I have been collaborating with PDG Arte Communications for seven years now. We meet each season, more united and enthusiastic, alongside the artists who, thanks also to all of us, are writing pages in the history of world culture. I am proud to be here again with Paolo De Grandis, a friend who is like a big brother and from whose stories I have learned a lot. Like the story of the chance encounter on one of those circles of life in which you can walk at the same speed, side-by-side or even far apart, and write together a much-awaited page of art with a strong soul. I felt the desire to commemorate this important birthday of OPEN in the world and its creator, Paolo De Grandis, with a tribute also to his eternal friend Pierre Restany. I am aware that I learned to love Art especially from the words of the great critics, such as Restany, and from the works of great artists such as Salvatore Fiume and his friend Kengiro Azuma. Directly from the emotions, looks and words alongside Gillo Dorfles, Arturo Schwartz, Vittorio Sgarbi, Luciano Caprile, Daniele Crippa and Paolo De Grandis… The privilege of talking every day with the artists of our time and translating their emotions and Art into words. Living, loving, writing, stimulating new ideas, strong convictions like theme of Design as a form of Art, which is so dear to me. Little drops that can fill voids that had been overlooked until now, that require new impetus that few are able to provide, but that must be fully acclaimed as artists able to stimulate greater meanings even in everyday situations. A new page to write together, ready for new editions and new challenges, involving life, emotion, love, in one word ART.

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Ilio Rodoni

General Manager Hilton Molino Stucky

Ogni volta che cammino per questa città non posso fare a meno di notare che Venezia ha da sempre un legame indissolubile e speciale con l’arte: si respira tra le calli, dentro e fuori le chiese o nella magnificenza di Piazza San Marco. Una magia che resta sospesa nell’aria e colpisce con tutto il suo stupore quando la luce del giorno lascia spazio alla notte, dove tutto sembra rimanere fissato nel tempo, tra il dolce scorrere delle acque dei canali. Come Venezia, anche il nostro Hotel ha da sempre un legame molto forte con l’arte. Il Molino Stucky rappresenta uno dei più alti esempi di architettura industriale dell’Ottocento, un gioiello riportato alla luce dopo anni di restauro a seguito della sua chiusura nel 1955. Dalle mura ai dettagli delle stanze, fino alla splendida torre neo-gotica, ogni giorno respiriamo l’arte di questo moderno capolavoro veneziano che domina le acque del Canale della Giudecca. È con grande piacere che, anche quest’anno, ospiteremo tra le mura del nostro Hotel, OPEN, giunto oramai alla sua ventesima edizione e curato da PDG Arte Communications. Grazie all’intuizione di Paolo De Grandis e Carlotta Scarpa è nata l’idea di utilizzare gli ampi spazi del Molino per accogliere le installazioni di artisti riconosciuti a livello internazionale. Anche quest’anno riproporremo un ponte che si allunga tra il passato, il presente e il futuro; un ponte tra il fascino delle cose passate e il mistero contemporaneo: ciò che ogni visitatore respira a Venezia camminando tra le sue calli.

Whenever I walk through this city, I cannot help but not that Venice has always had a special, indissoluble bond with art: you can breathe it in the calli, inside and outside the churches or in the magnificence of St. Mark’s Square. This magic hangs in the air and strikes you with all its wonder when the daylight gives way to night, everything seems to remain fixed in time, while the water flows gently in the canals. Just like Venice, our Hotel has always had a very strong bond with art. The former mill, Molino Stucky, is one of the finest examples of nineteenth-century industrial architecture, a gem brought back to light after years of restoration following its closure in 1955. From the walls to the detail of the rooms and the splendid Neo-Gothic tower, every day we breathe the art of this modern Venetian masterpiece that dominates the waters of the Giudecca Canal. It is with great pleasure that our Hotel will again host OPEN, an event that has now reached its twentieth edition, curated by PDG Arte Communications. Paolo De Grandis and Carlotta Scarpa had the idea of using the extensive spaces of the Mill to host the installations of internationally acclaimed artists. This year too we shall propose a bridge between past, present and future; a bridge between the charm of things past and the mystery of today: just as every visitor walking through the calli of Venice can breathe today.

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Alessio Lazazzera

General Manager Hotel Excelsior Venice Lido Resort

Affacciato direttamente sulla spiaggia del Lido di Venezia, l’Hotel Excelsior è un capolavoro dell’arte veneziana degli inizi del Novecento. La sera del 21 luglio 1908 più di 30.000 veneziani e oltre 3.000 ospiti da ogni parte del mondo giunsero nell’affascinante cornice del Lido di Venezia per assistere all’inaugurazione dell’Hotel Excelsior. La costruzione fu commissionata dall’illustre imprenditore Nicolò Spada che ne affidò l’opera al noto architetto veneziano Giovanni Sardi, secondo la cui lungimirante visione il Lido di Venezia si rivelava come un luogo straordinario per il completamento dell’immagine di fasto di Venezia. L’atmosfera Belle Époque non poteva che rappresentare lo sfondo più adatto per celebrare questa nuova meta del lifestyle internazionale, preferita dei bon vivant e del jet set internazionale. Lunghissima, da allora, la lista dei personaggi famosi e delle celebrità del mondo della politica, della finanza, dell’economia e dello spettacolo che nel tempo sono stati ospiti dell’Hotel, fino ai volti noti di oggi, che ogni anno affollano il red carpet della rassegna cinematografica. Vivere l’Hotel Excelsior significa respirarne l’atmosfera glamour, apprezzandone lo stile inconfondibile. La serata di inaugurazione della Mostra del Cinema ebbe luogo nel 1932 sulla terrazza dell’Hotel e da allora il connubio con la Mostra del Cinema rappresenta un binomio indissolubile, e ogni anno a settembre i riflettori di tutto il mondo vengono puntati sul nostro Hotel. L’Hotel Excelsior è un albergo iconico, da sempre amato dal jet set internazionale che continua ad essere il simbolo di eleganza e charme. Quest’anno siamo lieti di ospitare nei nostri spazi interni ed esterni le installazioni di OPEN, che arricchiranno l’Hotel Excelsior con opere d’arte di famosi artisti nazionali e internazionali per tutta la durata dell’esposizione, rendendo l’atmosfera dell’hotel ancora più magica.

Located on Venice Lido beach, the Hotel Excelsior is a masterpiece of Venetian architecture dating back to the early 1900. The night of July 21st 1908 over three thousand invited guests, personalities who had travelled especially for the occasion from all over the world, and over 30.000 Venetian citizens, reached the Lido to attend the hotel’s opening night. The construction was commissioned from the famous entrepreneur Nicolò Spada to the great architect Giovanni Sardi. According to Spada’s vision, Venice Lido was to be transformed into the ideal completion of the adjacent magnificent and glorious Venice. The atmosphere of the Belle Époque was the perfect background to celebrate this as a new destination of international lifestyle, favorite destination among the international jet-set and bon vivant. Over the years innumerable distinguished guests have stayed at the Excelsior, and no star in the star system would dream of opting to stay anywhere else during the Venice Film Festival. Experiencing the Hotel Excelsior means living its glamorous atmosphere and its unique style. The opening ceremony of the Film Festival took place in 1932 on the hotel terrace, and since then the bond with the Film Festival is an indissoluble combination, and every year in September the spotlight around the world is focused on our Hotel. Hotel Excelsior is an iconic hotel, always loved by the international jet set, and continues to be symbol of elegance and charm. This year we are delighted to house OPEN installations in our indoor and outdoor spaces, which will enrich the Hotel Excelsior with works of art by famous national and international artists for the duration of the exhibition, making the hotel’s atmosphere even more magical.

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Lorenzo Mayer

Giornalista Journalist

Tutto il mondo parla del Lido di Venezia (anche) grazie a OPEN. Una finestra sul mondo aperta con coraggio e passione da una piccola isola della laguna. È un vero piacere per me, che ne ho seguito tutte le edizioni dal 1998 (quando ero, anche io, solo agli inizi della mia carriera giornalistica) ad oggi, poter intervenire in queste pagine per festeggiare questo importante traguardo dei vent’anni. I numeri di OPEN in questo ventennio parlano da soli: 190 Paesi rappresentati, oltre 600 artisti invitati, 150 curatori di fama internazionale. Di tutto ciò, anzitutto, vanno fatti i complimenti al suo instancabile promotore Paolo De Grandis, presidente di PDG Arte Communications e al suo nutrito staff di collaboratori, curatori e promotori. Senza di lui, e loro, nulla di questo sarebbe stato possibile. Una sfida intrapresa nel segno della grande passione e di una solida determinazione. Ma c’è un qualcosa che va al di là dei dati e che solo i numeri non basterebbero a spiegare: ovvero il legame profondo con il Lido di Venezia, isola che non solo ospita la manifestazione ma che, lungo i suoi viali alberati o luoghi simbolo, ne diventa parte integrante. Un rapporto non sempre facile, non privo di ostacoli e problematiche, ma sempre presente, comunque. Capace di far discutere, dibattere, a volte anche dividere, ma comunque di gettare un seme da far crescere e fruttare. Negli anni questo importante evento artistico si è aperto anche ad altri luoghi della nostra città (citiamo, per tutti, l’isola di San Servolo e l’hotel Hilton della Giudecca) senza però mai escludere completamente il Lido, dove questa manifestazione è nata e cresciuta con grande soddisfazione. OPEN rappresenta per il Lido una finestra aperta sul mondo: la storia dell’isola della Belle Époque e dei primi Novecento ben si incontra anche con l’innovazione, lo sguardo aperto al futuro, l’incontro e le testimonianze di Paesi diversi che qui trovano una vetrina importante. Se vogliamo è proprio questo il prezioso messaggio che ci trasmette, con i fatti e le sue opere, OPEN: la voglia di un’isola di crescere non solo grazie al prestigio del passato, aperto alle sfide anche del domani, alle novità, alle intuizioni di genio. Verso un radioso futuro che brilla non solo di luce passata, ma anche di nuovo fulgore. Questo è OPEN, questo, in fondo, è anche il Lido di Venezia. Vent’anni che sono una tappa importante, ma non un punto di arrivo. Grazie a chi vent’anni fa ci ha creduto. Con l’augurio, sincero, alla rassegna dei migliori successi e di una lunga vita davanti a sé.

The whole world is talking about Venice Lido, thanks (also) to OPEN. A window onto the world, opened with courage and passion from a small island in the lagoon. It is a real pleasure for me, having followed all the editions from 1998 (when I too was only in the early days of my career as a journalist) to the present day, to appear in these pages to celebrate this important twentyyear milestone. During these twenty years, OPEN’s numbers speak for themselves: 190 countries represented, more than 600 guest artists, 150 internationally renowned curators. For all this we must first pay our compliments to its untiring creator, Paolo De Grandis, chairman of PDG Arte Communications, and to his staff of curators, collaborators and promoters. Without him, and them, none of this would have been possible. A challenge undertaken with great passion and firm determination. Yet there is something that goes beyond data and that the numbers alone would not be able to explain: I mean the deep bond with Venice Lido, the island that not only hosts the event but which, with its tree-lined avenues and symbolic sites, has become an integral part of it. The relationship has not always been an easy one, without its obstacles and problems, but it has always been present. Able to provide food for discussion, sometimes to divide opinions, but still to cast a seed that will grow and bear fruit. Over the years, this important artistic event has also been featured in other parts of the city (in particular, the island of San Servolo and the Hilton Hotel on Giudecca), without ever completely excluding Lido, where the exhibition was born and grew with great satisfaction. For Lido, OPEN is a window onto the world: the history of the island of the Belle Époque and of the early twentieth century blends well with innovation, with an eye on the future, while different countries come together and find an important showcase. If we wish, this is the precious message that OPEN sends to us, with its actions and works: the desire of an island to grow not only thanks to the prestige of its past, but also to the challenges of the future, to innovation and genial intuitions. Towards a radiant future, resplendent not only with the light of the past but also with a new brightness. This is OPEN, this is, deep down, also Venice Lido. Twenty years are an important milestone, but not a point of arrival. Thanks to those who believed in it twenty years ago. Wishing the review every success and many more years to come.

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Premio OPEN OPEN Prize Premio Speciale Collaterale alla 74. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica

Special Prize to the 74th International Film Festival of Venice

Patrocinio Associazione Culturale PDG Arte Communications in collaborazione con Associazione Culturale AMARTE

Patronised by Associazione Culturale PDG Arte Communications in collaboration with Associazione Culturale AMARTE

Settembre 2017 Venezia Lido

September 2017 Venice Lido

PDG Arte Communications istituisce la XVII Edizione del Premio OPEN, in occasione di OPEN 20, Esposizione Internazionale di Sculture ed Installazioni. L’evento prevede la premiazione di un regista presente alla 74. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia che con la sua opera riveli, in maniera inedita, un fertile interesse verso la seducente tematica della mutua interazione tra arte e cinema, due forme artistiche che vivono d’immagine e si nutrono del desiderio di tradurre emozioni.

PDG Arte Communications launches the XVII Edition of the OPEN Prize, on the occasion of OPEN 20, International Exhibition of Sculptures and Installations. The prize will be awarded to a director taking part in the 74th Venice International Film Festival whose work reveals, in an unprecedented way, afruitful interest in the fascinating theme of the mutual interaction between art and cinema, two art forms wchich live on image and are nourished by the desire to express emotions.

Premio realizzato dall’Artista Gabriele Polidori www.fgp-design.com

Prize created by the artist Gabriele Polidori www.fgp-design.com

Legami 2017 plexiglass 26,6 x 20 x 12 cm

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Artisti Artists


Yoko Ono Nutopia

INVISIBLE PEOPLE


INVISIBLE PEOPLE Look through the telescopes for the desperate people arriving in small boats, seeking refuge, from far away wars. There is a horn sound, tapping of the water against the boats, and the sound of people shouting in the distance. The beautiful sound was made by all the winds in the universe. However, not a shadow of a boat can be seen with the naked eye or through the telescopes. y.o. 2009 – 2017


GENTE INVISIBILE Punta il telescopio verso la gente disperata, che giunge a bordo di fragili imbarcazioni, in cerca di rifugio, da guerre remote. Si ode il suono di una sirena, lo sciabordio dell’acqua contro gli scafi, le grida della gente in lontananza. Il suono meraviglioso prodotto da tutti i venti dell’universo. Ma neanche l’ombra di un’imbarcazione si vede a occhio nudo o al telescopio. y.o. 2009 – 2017


SPACE TRANSFORMER


Phil Akashi Phil Akashi è un artista belga che nella sua ricerca espressiva affianca ad una formazione accademica europea la passione per l’arte e la filosofia orientale. I viaggi in Asia sono scanditi da tappe espressive che collimano in una ricerca basata su sperimentazioni in bilico tra arte e pratica orientale che trova la sua principale espressione nella sigillografia che Phil Akashi scandaglia su più supporti. Fin dagli inizi è chiara l’attitudine dell’artista a ridurre i soggetti delle sue opere a motivi ripetuti in un’elaborazione incessante in cui il sigillo diviene il segnale di uno spazio costruito non più sulle leggi prospettiche ma sulla suggestione che da essi trae lo spettatore. Un’apparente ordine precostituito incalzato da un “ritmo” ossessivo che con grande forza cattura l’attenzione di ogni spettatore. Un gioco di pieni e vuoti, un’altalena visiva di improvvisi oscuramenti e rivelazioni. Come un libro, si apre a verità che dichiarano la forza di un incontro possibile e fecondo fra culture simili e diverse. La reiterazione del modulo-sigillo abdica alla narrazione per concentrarsi su un portato emotivo e si appropria di una valenza estetica e semantica indipendente fino a sperimentazioni linguistiche che tracciano la doppia trattazione di storia e politica come in Resistance, opera realizzata per OPEN 20. Qui il codice-simbolo è uno, ma amplificato nello spazio, e riproduce l’antico sigillo del “Mandato del Cielo” basato su un concetto tradizionale di sovranità secondo la quale il Cielo conferiva il diritto divino di governare a chi ne fosse moralmente degno. Se un governante agisce in maniera non retta può essere rovesciato. Un principio a tutela delle virtù di moralità e integrità proprie di un reggente, della guida di un popolo, e per estensione simbolo della sfida contro la corruzione. Misterioso, affascinante, inafferrabile. Il mondo artistico di Phil Akashi è qui svelato: taccuino di viaggio, tra storia orientale, pratiche millenarie e riflessione sociale.

Phil Akashi is Belgian artist who, in his expressive research, combines European academic training with a love of Oriental art and philosophy. His travels to Asia are characterised by expressive stages that coincide in a research based on experimentations, balanced between art and technical practice, which finds its main expression in the creation of seals produced on different supports. Right from the start, it is clear that the artist tends to reduce the subjects of his works to motifs repeated in an unceasing process in which the seal becomes the sign of a space built not on the laws of perspective, but on the suggestion that the onlooker draws from them. An apparent pre-constituted order pressed by an obsessive “rhythm” that captures the attention of each onlooker with great force. A game of solids and voids, a visual seesaw of sudden concealments and revelations. Like a book, it opens to reveal truths that declare the strength of a possible and fruitful meeting between similar and different cultures. The repetition of the seal module abandons narration to concentrate on an emotional content and appropriates an independent aesthetic and semantic value, leading up to the experiments in language that trace the double treatment of history and politics, as in Resistance, a work created for OPEN 20. Here the symbol-code is only one but it is amplified in space and reproduces the ancient seal of the “Mandate of Heaven” based on a traditional concept of sovereignty according to which Heaven granted the divine right of government to those who were morally worthy. If a governor acts in an incorrect way he can be overturned. A principle to safeguard the virtues of morality and integrity of a regent, of the leader of a people, and, by extension, a symbol of the fight against corruption. Mysterious, fascinating, elusive. Phil Akashi’s artistic world is revealed here: a travel journal, between oriental history, ancient customs and social reflection.

Carlotta Scarpa

Carlotta Scarpa

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Belgio Belgium

Finalist Artist of the 11th Arte Laguna Prize Presented by:

Resistance 2017 rame, vinile marmoreo copper, marble vinyl 1 x 400 x 400 cm Photo credit: Phil Akashi Studio


ORLAN Le Plan du Film è una serie importante che ORLAN ha concepito partendo da una frase di Jean-Luc Godard a proposito di un film di Jacques Becker: «la grandezza di Montparnasse 19 non è soltanto di essere un film all’inverso, ma in un certo senso l’inverso del cinema». ORLAN interpreta questa frase alla lettera per trovare l’inverso del cinema e comincia a creare locandine da film, raccontando la sua vita nell’arte attraverso poster cinematografici dipinti. Prima con colori acrilici su tela, stile Bollywood, poi con poster in lightbox, ma anche poster su carta come a Valencia, con una grande campagna di affissioni nella città e su banner alla Mostra Internazionale del Cinema di Venezia. Questa produzione “infernale” è un film sulla creazione di un film all’inverso, che parte dalla comunicazione e dalla pubblicità coinvolte nella produzione di un’opera cinematografica. Quindi, non soltanto poster con il nome di ORLAN, ma anche i nomi dei suoi amici del momento e il nome di qualche grossa stella del cinema, per far credere alla gente che il film esista. In questo modo ORLAN ha creato il trailer del film che non esiste. Ha realizzato anche la colonna sonora di uno dei film che non esistono e il DVD, il libro di presentazione nonché i comunicati stampa e grossi interventi come alla Fondazione Cartier, dove registi, attori e critici cinematografici furono invitati a parlare dei film che figuravano sui poster. Il concetto è di fare una fiction sulla fiction, dando vita alla fine a un film che esiste e che sarà esistito per decenni grazie a tutta la pubblicità che si fa di solito quando si ultima un film e si vuole presentarlo al pubblico.

Le Plan du Film is an important series that ORLAN conceived from a sentence of Jean-Luc Godard about a film by Jacques Becker: «the greatness of Montparnasse 19 is to be not only a film in reverse, but in a certain sense the reverse of the cinema». ORLAN takes this sentence literally to find the reverse of the cinema and starts to create cinema posters, telling of her life in art in the form of painted cinema posters. First in acrylic paint on canvas, Bollywood style, then posters in light boxes, but also paper posters like in Valencia, with an enormous posting campaign in the town and on banners at the Venice Film Festival. This “infernal” production is a film about making a film in reverse, starting from all the communication and advertising that surrounds the production of a movie. So not only posters where the name of ORLAN appears, but also the names of her friends of the moment and one or two names of big stars from the world of the cinema, to make people believe that the film exists. ORLAN has thus created the trailer of the film that does not exist. She also realized the sound track of one of the films that do not exist and the DVD, the book of presentation as well as the press releases and great performances like at the Cartier Foundation, where several directors, actors and film critics were invited to take about the films represented on the posters. The concept is to make fiction about fiction, creating at the end a film that exists, and that will have existed for decades just because of all the communication that is habitually made when the film is finished and is to be presented to the public.

Francia France

ORLAN

ORLAN Le Plan du Film 2001 Catharsis, Generic n°27 160 x 119.38 cm cad. each

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Günter Sponheuer Come per i temi classici raffigurati nei suoi quadri di paesaggi, nature morte, strutture architettoniche, Günter Sponheuer mostra anche nella resa di volti umani o di persone la dovizia della sua pennellata. Nella rappresentazione di personaggi della vita pubblica, come Bob Dylan, Günter Grass o Heinrich Böll, il pittore si lascia ispirare da trasmissioni televisive, riproducendo espressioni mimiche, che enfatizzano in forma pittorica la parola appena pronunciata o la canzone cantata. Nel dittico “una coppia dissimile” che ritrae Donald Trump e Angela Merkel, Sponheuer utilizza la tecnica a strati, in cui dipinge sulla tela le forme di base del tema definitivo, adattando sul retro una lastra di vetro acrilico, cui aggiunge un piano equivalente ed un quarto strato, dipinto. Essicati i colori ad olio, gli elementi sovrapposti, applicati sulla tela e fissati dalla cornice, producono un lieve effetto tridimensionale. Il dittico nasce dall’incontro della Cancelliera tedesca con il Presidente degli USA, Donald Trump, e gli sguardi critici della stessa - nel corso di una conferenza stampa - portano il pittore a fissare con pennello e colori questa scena. Non sfugge all’osservatore l’espressione curiosamente indagante che la Merkel riserva al suo partner. Günter è un pittore che per amore di libertà si sottrae a tutti gli ismi, ma gli elementi colore, dinamica e sentimento, che si ritrovano in ogni suo lavoro, ripropongono il libero rapporto con colore e forma nella pittura espressionista, se non altro per quella grande attenzione alla psicologia, anche in senso “patologico”, che emerge dalle opere di espressionisti quali Otto Dix, Max Beckmann, Oskar Kokoschka, Egon Schiele. Sponheuer si muove sulla scorta di queste esperienze. La sua sensibile scelta emerge dai suoi ritratti.

As in the classical themes depicted in his paintings of landscapes, still life scenes and architectural structures, Günter Sponheuer shows the abundance of his brush strokes also when painting human faces or people. When he depicts people in public life, such as Bob Dylan, Günter Grass or Heinrich Böll, the painter finds inspiration in television broadcasts, representing mimic expressions that emphasise in picturesque form the words they have just spoken or the song they have just sung. In the diptych “a dissimilar couple”, representing Donald Trump and Angela Merkel, Sponheuer uses a layered technique, in which he paints the basic forms of the final theme on the canvas, adapting a slab of acrylic glass on the rear, to which he adds an equivalent plane and then a fourth, painted layer. When the oil paints have dried, the overlapping elements, applied on the canvas and fixed by the frame, create a slight three-dimensional effect. The diptych originated with the meeting between the German Chancellor and the President of the USA, Donald Trump, and the critical looks of the Chancellor – during a press conference - led the painter to immortalize the scene with his brush and paints. The observer cannot miss Merkel’s curiously questioning expression as she looks at her interlocutor. Günter is a painter who, for the love of freedom, shuns all “isms”, but the elements of colour, dynamic and feeling, which are found in all his works, repropose the free relationship with colour and form in Expressionist painting, if only for that great attention to psychology, even in the “pathological” sense, that emerges from the works of Expressionist artists such as Otto Dix, Max Beckmann, Oskar Kokoschka or Egon Schiele. Sponheuer takes his cue from these experiences. His chosen sensitivity emerges from his portraits.

Nevia Capello Nevia Capello

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Germania Germany

Curator: Nevia Capello Supporter:

Donald Trump 2017 olio su tela, vetro acrilico oil on canvas, acrylic glass 80 x 80 cm Angela Merkel 2017 olio su tela, vetro acrilico oil on canvas, acrylic glass 80 x 80 cm


Inga Svala Thorsdottir and Wu Shanzhuan Inga Svala Thorsdottir e Wu Shanzhuan, artisti e persone eclettiche di grande cultura, da decenni si preoccupano di tracciare i perimetri del sistema matematico per ponderarne la forma. Osservando i modi in cui la “forma” della matematica racchiude un fascino segreto, proseguono poi sommessamente cannibalizzandone la magia e la bellezza per l’arte. Dalla “scoperta” della parentesi perfetta (The Perfect Bracket) nel 1992, si sono progressivamente dedicati a ulteriori iterazioni artistiche e teoriche della sua forma concettuale come, ad esempio, in opere quali Little Fat Flesh, Arctic Fox Arc e Bracket Bridge. Metafora della conoscenza, le parentesi sono quadri di riferimento, mentre i contenuti tra parentesi rappresentano l’intero campo del significato. Thorsdottir e Wu si sono resi conto che quanto più distanti sono le parentesi, tanto più esteso è il campo di interesse, ma tanto minore è la concentrazione sul suo oggetto. Viceversa, quanto più vicine sono le parentesi, tanto più profonda è la visione. Gli artisti hanno poi ipotizzato la possibilità di avvicinare gradualmente le parentesi tanto da farle incrociare e scambiarsi, domandandosi se ciò equivalga a una completa trascendenza del pensiero e della comprensione in una corsa esponenziale verso la perfezione, come il Dio onnisciente. Gli artisti hanno continuato a esplorare una condizione aprioristica della connessione attraverso nuove permutazioni ed evoluzioni di The Perfect Bracket create aggiungendo elementi calcolati matematicamente. In Bracket Bridge, la “frequenza naturale” di The Perfect Bracket è incorporata nella progettazione concettuale dei ponti. Sospesa esattamente sul limite precario della tolleranza materiale, la forma del Bracket Bridge dimostra “matematicamente” il limite di tolleranza della connettività e, per analogia, della stessa civiltà umana.

Inga Svala Thorsdottir and Wu Shanzhuan, artists and polymaths, have for decades pursued an interest in tracing the perimeters of the mathematical system to ponder its form. Observing the ways the “form” of mathematics holds a secret enchantment, they then quietly proceed to cannibalize its magic and beauty for art. Starting with their “discovery” of The Perfect Bracket in 1992, they have gradually found their way to further artistic and theoretical iterations of its conceptual form, including works such as Little Fat Flesh, Arctic Fox Arc and Bracket Bridge. As a metaphor for knowledge, brackets are frames of reference and the bracketed contents represent the entire field of significance. Thorsdottir and Wu realized that the wider apart the brackets, the broader the field of concern, but the lesser the depth of focus. Conversely the narrower the scope, the more profound the insight. The artists then posited if, by gradually bringing the brackets closer together, so that they cross and pass through each other, does this equal a complete transcendence of thought and comprehension, rushing exponentially towards perfection, like the all-knowing God? The artists have continued to explore an a priori condition of connectedness through new permutations and evolutions of The Perfect Bracket created by adding mathematically calculated features. In Bracket Bridge, the “natural frequency” of The Perfect Bracket is built into the bridges conceptual engineering. Poised at exactly the precarious limit of material tolerance, the form of the Bracket Bridge demonstrates “mathematically” the tolerance limit of connectivity, and by extension, of human civilization itself. Chang Tsong-zung

Islanda - Cina Iceland - China

Curator: Chang Tsong-zung Exhibition view of Circles Vibration Bracket Bridge Circle Vibration series: 2015 olio su tela oil on canvas 112 x 152 cm cad. each Bridges the Pythagoras series 2015 Narcissus Bridge acciaio steel 169 x 99 x 6 cm Sisyphus Bridge acciaio steel 122 x 144 x 6 cm

Chang Tsong-zung

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Giancarlo Bozzani La figura elegante dai modi gentili dell’artista Giancarlo Bozzani stride con la sua produzione pittorica fatta di forme sgretolate e oscure. Se Francis Bacon, Jackson Pollock e Jean-Michel Basquiat usano la drammaticità, la disperazione, il tratto crudo e violento come elementi che tracciano aneddoti e leggende, in Bozzani, fortemente ispirato da questi maestri, la storia, la mitologia, la letteratura, presenti nei suoi cicli, parlano di scandali nei monasteri, di inquisizione, di vendita di indulgenze, di vocazioni obbligate, di culture corrotte. Sono i segni degenerati di popoli negletti che escono dagli squarci di un borgo medioevale come da una qualunque strada di una metropoli. Bozzani prelude ad una nuova profezia che impone il terrore di una guerra imminente e, attraverso i suoi dipinti apocalittici e devastati, racconta le miserie e le violenze umane, tra croci e rumorose accuse anticlericali che fanno eco a Bacon sui temi della crocifissione e le manipolazioni dei ritratti di Innocenzo X di Velázquez. Curioso che Bozzani come Bacon provenga dal design e sia approdato attraverso l’astrazione, fortemente riferita all’Action Painting, allo smembramento della figura per restituire una nuova immagine spinta all’estremo, quasi a volerne dichiarare la caduta spirituale, la pochezza morale. L’artista dipinge per esorcizzare la trasformazione, per tenere distante la morte, raccontandola. Opere veloci, pensate e create in un tempo breve. Le figure titaniche di Giancarlo Bozzani sono paure e solitudini, sorrisi dimenticati e passioni abbandonate, occhi che guardano lontano, dietro la memoria, vicino alla pazzia. Per loro non c’è tempo, la pittura è l’esprit per fermare l’attimo creativo. Rimane il ricordo e la modernità del gesto di una struggente umanità, rimane la realtà dell’atto.

The elegant, well-mannered figure of the artist Giancarlo Bozzani clashes with his production as a painter, filled with broken, dark forms. If Francis Bacon, Jackson Pollock and Jean-Michel Basquiat used drama, despair, harsh and violent lines as elements that trace stories and legends, in Bozzani, who was strongly inspired by those masters, the history, mythology and literature present in his cycles tell of scandals in monasteries, the Inquisition, the sale of indulgences, forced vocations and corrupt cultures. They are the degenerate signs of neglected people that emerge from glimpses of a medieval village just as from any street in a metropolis. Bozzani paves the way to a new prophecy that imposes the terror of imminent war and, through his apocalyptic and devastating paintings, tells of human misery and violence, amidst crosses and noisy anticlerical accusations that echo Bacon in the themes of the crucifixion and the manipulation of the portraits of Innocent X by Velázquez. It is curious how Bozzani, like Bacon, comes from design and arrives, through abstraction, referring strongly to Action Painting, at the dismemberment of the figure to offer a new image taken to extremes, almost declaring its spiritual collapse, its moral inadequacy. The artist paints to exorcise the transformation, to keep death away, telling its story. Rapid works, conceived and created in a short time. Giancarlo Bozzani’s titanic figures are fears and loneliness, forgotten smiles and abandoned passions, eyes that look into the distance, beyond memory, near madness. For them there is no time, painting is the esprit that halts the creative moment. What remains is the memory and the modernity of the gesture with a poignant humanity, there remains the reality of action.

Bianca Laura Petretto

Bianca Laura Petretto

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Italia Italy

Curator: Bianca Laura Petretto Supporter:

B&BArt MuseodiArte contemporanea

Nulla si crea nulla si distrugge 2015 pittura a olio, acrilico, grafica oil painting, acrilic, graphic 120 x 80 cm


Stefano Bressani KAOTIKA - Without Time - La scenografia della nostra contemporaneità, del quotidiano in cui vive l’Uomo Stefano Bressani. Colui che ha saputo creare da incoerenze e sperimentazione nuova Arte, colui che vive di colore ci aiuta a leggere drammaticamente la concezione attuale deformata del tempo. Non sono più le lancette a scandire i secondi, ma è la velocità del nostro stesso corpo con il respiro affannato per riconcorrere un tempo che non serve, perché già soffocato da altre rincorse senza sosta. Una staffetta con noi stessi, ove la pista va corsa in entrambi i sensi; ove non esistono squadre e maglie multicolori; ove si corre contro gli altri e contro il nostro inconscio. Ed ecco che tutto intorno perde sapore, così come la natura perde la Vitamina Vita senza il bagliore, il cambiamento della luce nel corso della giornata e delle stagioni. Tutto è uguale, anche coloro che ci circondano, senza distinzione di razza, status, ideologia… un bene? Alla fine corriamo, ci scontriamo e cadiamo a terra sopraffatti… allora forse solo una corsa incolore perché priva di anima. Il bianco candido di Bressani qui non enfatizza la purezza dell’animo, ma il suo deterioramento quotidiano, candeggiato da modi di comunicare totalmente impersonali, ove tutti crediamo di essere al centro dell’attenzione, in un mondo di solitudine reale. Bressani nel suo costante gioco di incoerenze, concede un’altra possibilità al suo mondo, per non dimenticare che l’essenza di vita è data proprio dalla volontà di rigenerarsi e di elevarsi a qualcosa di superiore… ma esisterà davvero, o tutto va riletto? Serena Mormino

KAOTIKA - Without Time - The scene of our contemporary society, of the daily life of the Man Stefano Bressani. The man who has managed to create new Art from incoherence and experimentation, who lives on colour, helping us dramatically to read the present deformed conception of time. It is no longer the hands of the clock that mark the seconds, but the speed of our own body with our laboured breathing as we chase after a time that is no use to us, because it is already suffocated by other relentless chases. A relay race with ourselves, where the running track goes in both directions; where there are no teams or multi-coloured vests; where we race against the others and against our own subconscious. And everything around us loses its flavour, just as nature loses the vitamin of life without the brightness, the change of light during the day and the different seasons. Everything is the same, even the people around us, without any distinction of race, status, ideology... is this a good thing? In the end we run, we collide and we fall to the ground exhausted... so perhaps it is only a colourless race because it does not have a soul. Bressani’s bright white here does not emphasise the purity of the soul, but its daily degeneration, bleached by totally impersonal means of communication, where we all believe we are at the centre of attention, in a world of real loneliness. In his constant game of inconsistencies, Bressani offers his world another chance, so as not to forget that the essence of life comes from the desire to regenerate and to achieve something higher… but does it really exist, or should we read it all over again? Serena Mormino

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Curator: Serena Mormino Sponsor / Patronage:

Patronage: Città di Vercelli

Acknowledgements: Stefano Corti

Abigail Bressani Kaotika Column 2017 stoffe di abbigliamento clothes 240 x Ø 100 cm Photo credit: Marco Bargigia

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Nando Crippa Malinconia dei giochi d’infanzia con la consapevolezza disillusa dell’essere “ormai grandi” ma, al contempo, la speranza umana che qualcosa di bello ci sia e che i sogni si possano un giorno realizzare. Nando Crippa non poteva che plasmare terracotta, materiale semplice in assoluta sintonia con i suoi personaggi. Focalizza, in modo quasi provocatorio, l’attenzione dello spettatore sulle persone comuni a cui la società troppo spesso non dedica attenzione. A quei semplici “omini” che vivono la vita senza eccessi, senza troppe pretese, spesso anche troppe poche ambizioni, in bilico tra normalità e sopravvivenza. Crippa omaggia tali “personaggi in cerca d’autore” per scuotere il pubblico, perché le persone apparentemente semplici in realtà spesso sono quelle che nascondono grandi talenti, cultura e magari anche il giusto equilibrio… Opere delicate e velate di tristezza, volutamente un po’ annebbiate negli sguardi di assoluta modestia. A noi comprendere se “consumate” dalla vita o se volutamente in secondo piano, “in seconda serata” direbbero di un palinsesto ricco di reality show che con tutto hanno a che vedere tranne che con la quotidianità dei più. Crippa ha la grande capacità di saper fissare momenti lunghi eternità, nel silenzio che le sue opere ci conducono a ricordare. Personaggi senza tempo, quasi fuori moda, sospesi nei decenni a cavallo tra il Novecento e questo nuovo millennio. Uomini di periferia, classici contabili con i manicotti neri per non sciupare la camicia inamidata, personaggi quasi asessuati, senza età, con il volto tipico di coloro a cui viene fermato il tempo nell’attimo in cui inizia il loro pensiero, il loro domandarsi il perché della vita.

The melancholy of childhood games with the disenchanted awareness that we have now “grown up” but, at the same time, the human hope that there is still something good and that one day our dreams may come true. Nando Crippa could not but work in terracotta, a simple material in absolute harmony with his characters. He almost provocatively focuses the onlooker’s attention on ordinary people, to whom society too often does not pay attention. Those ordinary “little people” who live their life without excess, without too may expectations, often also with few ambitions, walking the tightrope between normality and survival. Crippa pays tribute to these “characters in search of an author” to arouse the public, because people who appear to be ordinary are often those who have great hidden talents, culture, and maybe even the right sense of equilibrium… Delicate works veiled with sadness, intentionally rather misty in their downcast eyes. It is up to us to understand whether they are “consumed” by life or intentionally in the background, “after the watershed” as they might say on a programming schedule full of reality shows, which have absolutely nothing to do with most people’s everyday lives. Crippa has the great ability to fix long moments of eternity, in the silence that his works call to mind. Timeless characters, almost out of fashion, suspended in the decades between the twentieth century and this new millennium. Men from the suburban belt, classic accountants with black over-sleeves to avoid spoiling their starched shirts, almost sexless characters, ageless, with the typical face of someone for whom time has stopped in the moment when their thought began, asking themselves about the reason for life.

Serena Mormino

Serena Mormino

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Curator: Serena Mormino Sponsor / Patronage:

Tenda 1 2017 terracotta dipinta painted terracotta 39 x 47 x 47 cm Courtesy: collezione privata private collection

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Gillo Dorfles Dialogare con colui che sta vivendo il cambiamento del mondo da oltre 107 anni, con IL critico, LO storico d’arte, IL fondatore di movimenti artistici tra cui il MAC, è come entrare da protagonisti nella storia dell’arte dell’ultimo secolo. Indipendente e fiero, talvolta quasi spaventato e curioso come un bambino, mi accoglie con un grande sorriso e infinita umiltà, in un contenitore di decenni di cultura, come un volume di storia dell’Arte scritto con intensità, grande sapienza e passione dallo stesso Professore. Dalle finestre non filtra mai troppa luce, perché la vera luce sono le opere e ovviamente il padrone di casa. Sì perché quelle stesse opere sono vive nella sua collezione, come nei musei del mondo, grazie a lui, ai suoi scritti. Un secolo di testi critici, di volumi che portano la sua firma, ma anche un secolo di produzione artistica di suo pugno. Gillo Dorfles ha testimoniato l’evoluzione dei canoni artistici classici raccontandoli a parole e con il linguaggio della pittura. In una delle visite turbamento di emozioni, chiacchierando d’Arte, ci soffermiamo sulla scultura… ed ecco che mi mostra ricordi di giovinezza. Avvolte da pagine di giornale, perché le parole non possono mai mancare, con grande emozione e abbassando il tono di voce, come a mostrarmi un segreto, emergono tre piccole sculture in terracotta, informi e morbide come le sue pitture, come se tutto fosse nato da lì, anche la produzione più recente. Immediata e comune l’idea di una nuova sfida, ingigantire quelle forme in sculture di grande formato. Tra il timore e la voglia di realizzare un sogno di quel ragazzo che si è poi scoperto punto di riferimento per l’Arte, decidiamo di sfidare tempo e dimensioni, raggiugendo qualcosa di unico e prezioso. Pochi mesi dopo Gillo inizia a dipingere la sua scultura, il suo monumento…

Dialoguing with the person who has been experiencing the change of the world for over 107 years, with THE critic, THE art historian, THE founder of artistic movements including the MAC, is like entering the history of art of the last century as protagonists. Independent and proud, sometime almost frightened and curious like a child, he welcomes me with a big smile and infinite humanity, in a location containing decades of culture, like a book on history of Art written with intensity, great wisdom and enthusiasm by the Professor himself. The windows never let in too much light, because the real light is in the works and of course in our host. Yes, because these works are alive in his collection, just as in museums all over the world, thanks to him and his writing. A century of critical texts, of books bearing his name, but also a century of his own artistic production. Gillo Dorfles witnessed the evolution of the classical rules of art, narrating them with words and with the language of painting. During one of the visits, in a whirlwind of emotions, talking about Art, we linger on the subject of sculpture... and he shows me some memories of his youth. From some pages of newspaper, because there are always words, with great emotion and a low tone of voice, as though revealing a secret, he unwraps three little terracotta sculptures, shapeless and soft like his paintings, as though everything began there, even his most recent production. We immediately share the idea of a new challenge, enlarging these shapes into large sculptures. Between the fear and the desire to bring to life a boy’s dream that then became a point of reference for Art, we decide to challenge time and dimensions, achieving something unique and precious. A few months later, Gillo started painting his sculpture, his monument…

Serena Mormino

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Curator: Serena Mormino Sponsor / Patronage:

Acknowledgements: Daniele Crippa Senza Titolo 1944 - 2014 tecnica mista mixed media 130 x 44 cm Courtesy: Daniele Crippa


Marco Fioramanti Marco Fioramanti è un artista che interpreta la contemporaneità in un’ottica visionaria e radicale. La sua istanza di semplificazione assoluta, espressa fin dai primordi della sua parabola, culmina nell’idea che l’opera d’arte è la concretizzazione di un unico tratto che stabilisce e definisce l’oggetto immettendolo nella dimensione vivente, ma nel contempo stravolgendola in un impeto di rigenerazione e trasformazione imposto dalla viva presenza dell’opera nel nostro vissuto. C’è in Fioramanti lo spirito del Barone di Münchhausen e dell’Olandese volante e, come questi personaggi immaginari, è autore di meravigliosa ingenuità, di totale caparbietà, innervati di magia e spirito d’avventura. C’è in lui una sorta di archetipo, modello, forma primaria che è la nave, la nave volante che attraversa il mondo intero o scende addirittura, con enorme sforzo degno di Fitzcarraldo, lungo la Scala Santa del Laterano. È il suo lavoro una sorta di laica sacralizzazione di un tempo che aspira, stesso tempo, all’eterno e al contingente. Ed è da credere che la sua acuta percezione della contemporaneità potrà di volta in volta appartenere a epoche diverse, purché orientate verso la terra della fantasia, dove tutto può succedere e nulla è veramente reale. Claudio Strinati

Qui scrive un uomo dalla bizzarra caratteristica di vedere con le orecchie, piuttosto attente. Poche immagini mi restano passate attraverso la vista, molto pigra. A rappresentare la nostra epoca e la nostra avventura quelle create da Marco Fioramanti sono filtrate, arrivate, e restano, con forza.

Marco Fioramanti is an artist who interprets the contemporaneity with his radical vision. He searches to semplify the absolut. His idea of art is the realisation of the “tratto” which defines and sets the object in its living dimension. At the same time Fioramanti acts an upsitedown of the objects in order to regenerate and transform them. He brings them alive as vital works in our existence. Fioramanti expresses the spirit of the Baron Münchausen and the Flying Dutchman. He is similar to these fictional characters, he is the stubborn and wonderful creator of magical and adventurous actions. There is an archetype inside him, a primary form of a “flying ship” which crosses the whole world going even down the Holy Stairs in Laterano, as the epic of Fitzcarraldo. It is a sort of secular sacralisation actual and aeternal together. His sharp perception of our contemporary times belongs to many different ages. Everything can happen in this wonderful land because here nothing is truly real. Claudio Strinati

Here is Tito Schipa Junior writing. A man who can see with his sharp ears. A man with lazy eyes. Only few images remain in his vision. The pictures which represent our age and our adventure. These are the images made by Marco Fioramanti, filtered images which stay powerful in the mind to live in our Memory. Tito Schipa Junior

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Translator: Ugo Scoppetta Sponsor: SUD METAL Snc, Castellammare del Golfo (TP) Acknowledgements: Vincenzo Bambina, Alberto Bambina, Roberto De Amicis, Didi Leoni, Dante Perrel, Francesco Pezzini, Ana Rusiniuc, Ugo Scoppetta Il relitto di Eroideide 2017 struttura in ferro, tela, pigmenti iron structure, fabric, pigments 550 x 800 x 650 cm

Tito Schipa Junior

Photo credits: Marco Fioramanti, Roberto De Amicis, Claudio Colomba

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Laura Fiume Pittura, scultura, Laura Fiume nasce nell’Arte e vive dell’intensità cromatica e olfattiva del colore da sempre; ama il susseguirsi della vita, ne apprende equilibri e debolezze grazie all’Arte. Sperimenta contaminando tecniche, dimensioni, spazi, varcandone i confini. Fa suo ciò che la circonda con una semplicità e capacità che solo chi ha conosciuto da vicino l’eccellenza di tutto quello che rappresenta può esprimere in perfetto equilibrio e suggerendo nuove visioni a chi osserva. Entra nelle architetture, negli spazi patinati delle copertine delle riviste di arredamento conferendo quell’anima che spesso le sole parole non sanno generare. Coglie attimi di vita quotidiana non solo dei personaggi animati ma anche di icone di design che vivono la nostra epoca, che diventano protagonisti principali, ricordandoci che noi siamo anche ciò che scegliamo e amiamo. Con le sue tele forti, ricche di colore e di materia, amplifica i sensi, l’energia di tutto ciò che diventa sua fonte di ispirazione e di racconto colorato. Consapevole della tecnica pittorica classica, capace di creare mostre, cataloghi, archivi, di generare arte, è scenografa anche della vita personale; forse anche da qui l’istinto di ritrarre scene di vita quotidiana in un equilibrio perfetto di composizioni e scomposizioni. Alla continua ricerca di rinnovamento di sé, sperimenta tecniche ardue con il sapore dell’antico, colori ricercati ed importanti, tessuti eleganti e preziosi, generando opere dalla semplicità disarmante con una poetica d’altri tempi, quasi fiabesca. Serena Mormino

Painting, sculpture, Laura Fiume was born in Art and has always lived on the chromatic and olfactory intensity of colour; she loves the succession of life, she learns its equilibriums and weaknesses through Art. She experiments by mixing techniques, dimensions and spaces, breaking down their borders. She assimilates everything that surrounds her with a simplicity and skill that only someone who has first-hand knowledge of excellence and all that it represents can express in perfect equilibrium, suggesting new viewpoints to the observer. She enters architectural spaces, the glossy covers of furnishing magazines, giving them the soul that often cannot be generated with words alone. She captures moments of daily life not only of real people, but also of the design icons that characterise our time, that become true protagonists, reminding us that we are also all that we choose and love. With her strong canvases, rich in colour and material, she simplifies the senses and the energy of everything that becomes the source of inspiration for her colourful tale. With a knowledge of classical painting technique, the ability to create exhibitions, catalogues, archives, to generate art, she is also a stage designer in her personal life; perhaps this accounts for her instinct of depicting scenes of everyday life in a perfect balance of compositions and decompositions. In a continuous search for self-renewal, she experiments in arduous techniques with an antique flavour, refined and important colours, elegant and precious fabrics, creating works with a disarming simplicity and a poetry of bygone days, almost like a fairy-tale. Serena Mormino

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Curator: Serena Mormino Sponsor / Patronage:

Acknowledgements: Serena Mormino, Luciano Fiume, Paola Gazzoli, Luciano Mascherpa, Patrizia Grassini, Zauditu Negash, Paolo Ruocco, Valentina Ruocco Fiume, Anna e Guido Tassini Trittico Gatta in bilico 2014 olio su tessuto oil on fabric 120 x 120 cm Piacevole incontro 2010 olio su tessuto oil on fabric 120 x 120 cm Occhiali dimenticati 2014 olio su tessuto oil on fabric 120 x 120 cm Courtesy: collezione privata private collection

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Salvatore Fiume «Salvatore Fiume è per me una sorgente di fascino in rinnovo permanente. Mi rammarico di una cosa sola, di non averlo conosciuto più presto… È l’uomo-orchestra di una sinfonia-performance senza difetto, la sinfonia della vita… Un uomo che ha saputo portare il proprio rapporto naturacultura al livello della più immediata equivalenza esistenziale. Un uomo per cui la cultura passa necessariamente attraverso un senso acutissimo della natura integrale, la natura dell’Io e dell’Altro, dell’essere e delle cose… Gli artisti che sanno abbinare la maestria tecnica con la ricchezza affettiva di una cultura planetaria sono rarissimi. Appartengono al bene comune dell’umanità, fanno parte del suo eterno patrimonio.» Pierre Restany, tratto da La natura integrale di Salvatore Fiume, 1992

«For me, Salvatore Fiume is a source of fascination that is permanently renewed. I regret only one thing, that I did not know him sooner… He is the one-man band of a faultless symphony performance, the symphony of life… A man who has succeeded in bringing his nature-culture ratio to the level of the most immediate existential equivalence. A man for whom culture necessarily passes through a highly acute sense of integral nature, the nature of the Ego and of the Other, of the being and of things… Artists who are able to combine technical skill with the emotional richness of planetary culture are very rare indeed. They belong to the common good of humanity, they are part of its eternal heritage.»

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Pierre Restany, excerpted from La natura integrale di Salvatore Fiume, 1992

Mi rammarico di non averlo conosciuto di persona, ma sono certa di incontrare la sua anima ogni qualvolta mi accingo a perdermi nella sua Arte, ritrovando antiche sensazioni, culture contaminate con sapienza unica, semplicità primordiale con la consapevolezza di chi ha vissuto secoli di storia e di umanità. “Esempio come ipotesi”, si rinnova ancora una volta la sua idea di continuità perpetua, di assenza di tempo, di legame indissolubile con la Natura, unica vera legge e dono divino. Pervaso dal desiderio di creare personaggi e di animarli con la poesia, dando loro anima e immortalità; dal desiderio di dare senso a spazi vuoti atemporali. Salvatore Fiume era inconsapevole della sua capacità naturale di fermare il tempo, di amplificarlo all’infinito… figure femminili e animali si intrecciano, si completano in un gioco naturale, dialogando tra epoche e culture difformi per trovare il giusto spazio e la loro essenza. Mi rammarico di non aver conosciuto Fiume e Restany, ma sono grata alla loro anima tradotta in Arte e parole, per avermeli fatti amare…

I regret never having met him in person, but I am sure that I meet his soul whenever I delve into his Art, rediscovering old sensations, cultures contaminated with a unique knowledge, a primeval simplicity, with the awareness of someone who has experienced centuries of history and of humanity. “Example as hypothesis”, his idea of perpetual continuity is renewed once again, the idea of the absence of time, but of an indissoluble link with Nature, the only true law and divine. Pervaded by the desire to create new characters and to animate them with his poetry, giving them a soul and immortality; by the desire to give a meaning to empty and timeless spaces. Salvatore Fiume was unaware of his natural ability to stop time, to amplify it infinitely… female and animal figures are intertwined, completing one another in a natural game, dialoguing between periods in history and different cultures to find the true space and their own essence. I am sorry that I never met Fiume and Restany, but I am grateful to their soul translated into Art and words, for having made me love them...

Serena Mormino

Serena Mormino

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Curator: Serena Mormino Sponsor / Patronage:

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Antropotauro 1949 bronzo bronze 54 x 39 x 29 cm


Ferruccio Gard [...] Se per Vasarely il fine è quello di smussare, se non addirittura di eliminare, ogni psicologismo, ogni riferimento della pratica della pittura al sentimento, al “cuore”, per Gard si tratta di mantenere un equilibrio tra rigore costruttivo della forma-colore e “sentimento”, tra percezione visiva e movimenti dell’anima. Insomma, la retina non è tutto: quanto osserviamo è manifestazione di un tentativo, di una speranza, di indicare un assoluto con il quale l’arte ha necessità di confrontarsi. [...] La seduzione dello spazio e la seduzione del colore sembrano contrassegnare le variabili compositive che accompagnano la ricerca di Ferruccio Gard, dalle modulazioni degli anni Settanta fino alle più recenti variazioni modulari. [...] «Carattere e sentimento variano da quadro a quadro, senza nessun tocco aggiuntivo», sottolineava Josef Albers appena giunto al Black Mountain College, nel 1933, all’indomani della chiusura del Bauhaus. E questo riferimento è probabilmente l’indice più appropriato per affrontare le varianti della ricerca visiva di Gard, che ben sa che per poter usare il colore è necessario sapere che esso inganna di continuo. Che il colore ordinato in molteplici varianti è il veicolo capace di generare infinite possibilità percettive, ma anche ritmi musicali che giustificano l’utopia che chiamiamo arte, di fissare un flusso continuo in una forma. Beatrice Buscaroli, tratto da Quando la retina non è tutto, presentazione della mostra antologica 1969 - 2015 Chromatism and Optical Art, Galleria Internazionale d’Arte Moderna, Ca’ Pesaro, Fondazione Musei Civici di Venezia, 17 ottobre - 10 dicembre 2015.

[...] While Vasarely’s purpose is to blunt, if not eliminate, any psychology, all references to the practice of painting of sentiment, the “heart”, Gard’s is to maintain a balance between the constructive rigor of color-form and “feeling,” between visual perception and movements of the soul. In short, the retina is not everything: what we see is a manifestation of an attempt, a hope, for an absolute that art must need confront. [...] The seduction of space and the seduction of color seem to mark the compositional variables that accompany the art of Ferruccio Gard, from the variations of the seventies to the most recent modular changes. His optical universe contains no the nostalgia of unexplored dawns, or of perverse ironies that indicate the hostility of space in the age of technology. [...] «Character and feeling alter from painting to painting without any additional ‘handwriting’ or, so-called, texture», stated Josef Albers coming to Black Mountain College in 1933, after the closure of the Bauhaus. This reference is probably the most appropriate gauge for judging the art of Gard. The artist is cognizant that to use color you need to know that it deceives time. And that color with multiple variations generates endless possibilities of perception, as well as musical rhythms that justify the utopia we call art, setting continuous flow into form.

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Beatrice Buscaroli, excerpted from When the Retina is not Enough, presentation of the anthological exhibition 1969 - 2015 Chromatism and Optical Art, International Gallery of Modern Art, Ca’ Pesaro, Foundation Museums of Venice, 17 October - 10 December 2015.

Chromatic Energies 2017 acrilico su plexiglass acrylic on plexiglass 55 x 55 x 5 cm

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Resi Girardello Con alcune sculture [...] Resi Girardello mette in scena una ironica riflessione su se stessa, la sua famiglia e le sue ascendenti, fino all’8000 a.C. e oltre. Lavorando fili di rame, ottone, argento e acciaio, Resi Girardello crea sculture metalliche soffici, ingannevolmente cedevoli e delicate, facendo ironia sulla paziente applicazione femminile che si associa alla storia di questi lavori, e nello stesso tempo disarmando, con umorismo, gli strumenti della seduzione. I suoi soggetti includono grandi archetipi mitologici della femminilità (dee, ninfe e sirene) e paradossali capi d’abbigliamento. [...] Scintillanti e spesso non indossabili (spesso, ma non sempre), i bustini, reggicalze e sottovesti in filo metallico di Resi Girardello sono sculture che parlano del corpo in assenza; feticci misteriosi della femminilità [...]. Danae’s Oracle (2006) è un monumentale bustier con una porticina apribile davanti, che rappresenta insieme sia la seducente principessa del mito che la torre nella quale il padre Acrisio la richiuse tentando inutilmente di sottrarla alle nozze. [...] il grande letto [...], al tempo stesso sfarzoso ed essenziale, [...] evoca nella struttura misteriosamente tenue e trasparente una libidine solo sognata, un erotismo che è soprattutto nella mente e nello sguardo (L’amore dà, l’amore toglie, 2009). [...] Un linguaggio che si evolve negli anni senza perdere i suoi connotati unici e ben riconoscibili; e, in questi tempi di conformismo imperante, un’aria diversa, da parte di un’interprete della scultura soffice che sa unire la trasgressione (vera) e una sorprendente capacità tecnologica e profondità di pensiero.

With some sculptures [...] Resi Girardello stages an ironic survey about herself, her family and her ascendants, up to 8,000 BC and beyond. Working on copper, brass, silver and steel wire, Resi Girardello creates soft, deceptively frail and delicate metallic sculptures, ironizing about the female patient application associated with the history of these works, while at the same time disarming, with humour, the tools of seduction. Her subjects include the great mythological archetypes of femininity (goddesses, nymphs and sirens), or the paradoxes of fashion clothing. [...] Sparkling and often non-wearable (often, but not always), Resi’s bustiers, suspenders, and underwear in wire are sculptures that talk of the body in the absence: mysterious feminine fetishes [...]. Danae’s Oracle (2006) is a monumental bustier with an openable front, evoking both the seductive princess of the myth and the tower in which her father Acrisius locked her up, in a vain attempt to prevent her from marrying. [...] the great bed [...], at the same time gorgeous and minimal, evoking in its mysteriously tiny and almost transparent structure the vanity of libido, an eroticism which is in the mind and the gaze more than elsewhere. Hers is a language that evolves over the years, without losing its unique and recognizable features; and, in these times of dominant conformism, breathes a different air. An interpreter of the soft sculpture, that combines (real) transgression with surprising craft and depth of thought. Gloria Vallese, excerped from MATRIA, 2011

Gloria Vallese, tratto da MATRIA, 2011

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L’amore dà, l’amore toglie 2009 copriletto in filo di rame tessuto a mano bedspread made of copper wire hand-woven 40 x 160 x 200 cm Photo credit: Paola Baldari

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Alessandro Manfredini La scultura di Alessandro Manfredini non vuole abitare lo spazio fisico, modularlo, plasmarlo attorno a sé, scuoterlo. Ha scelto un altro luogo: vuole vivere nei nostri pensieri. Nasce da materiali semplici, da sempre compagni dell’uomo, comprensibili a tutti, da qualsiasi cultura. Terracotta e smalti danno forma ai pensieri, svelandone i volti, dotandoli di corpi, accompagnandone i gesti. Ogni riflessione, stupore, emozione viene personificata dal fare Arte di Manfredini. Un intero popolo è nato e nasce dalle sue mani, un popolo di “monaci” particolari che potrebbe abitare qualcuna de “Le città invisibili” di Calvino, trovarsi alla corte di “Ubu Roi” di Jarry o essere addirittura i “Tartari che non arrivano mai” di Buzzati. I monaci in mostra raccontano, con stupita levità, una parte importante della vita dell’artista: per gran parte della giovinezza Alessandro ha avuto una gran passione per le rane, ne ha allevate e osservate un’infinità, accompagnandole durante la metamorfosi della crescita. Ma E Piovono Rane appartiene profondamente alla vita del suo autore anche per un’altra ragione. I personaggi inizialmente erano tre. Quella notte di maggio di cinque anni fa il terremoto che scosse l’Emilia portò via assieme a troppe vite umane e innumerevoli opere d’arte anche un piccolo monaco di ceramica, la prima scultura di quest’opera. Rimase schiacciata e ridotta a pezzi dalle macerie della casa di Manfredini. Qui i due superstiti paiono ricordarsene e sembrano essere più addolorati per il fatto che uno di loro non ci sia più che stupiti dalle rane che piovono ancora nelle emozioni, che nessun terremoto seppellirà mai, di Alessandro Manfredini.

Alessandro Manfredini’s sculptural endeavour does not seek to inhabit physical space so as to modularise it, to shape it around oneself, or shake it around. It has chosen another place: to live in our thoughts. His sculptures are born of simple materials, always companions of man, understandable to everyone, from any culture. Terracotta and enamels give shape to thoughts, revealing their faces, endowing them with bodies, accompanying them with gestures. Every reflection, wonder, emotion is personified in Manfredini’s Art. A whole nation was born and is born of his hands, a population of “monks” who could inhabit some of Calvino’s “invisible cities”, find themselves at the court of Jarry’s “Ubu Roi”, or even the “Tartars who never arrived” by Buzzati. The monks on display tell, with astonishing levity, an important part of the artist’s life: for much of Alessandro’s youth was fired by a great passion for frogs, raising and observing an infinite number of them, accompanying them during their metamorphosis of growth. But E Piovono Rane deeply belongs to the life of its author for another reason also. The characters, initially, were three. That night in May five years ago, the earthquake that shook Emilia and brought along with it too many human lives and innumerable works of art, also took a small ceramic monk; the first sculpture of this work. It was crushed and cut down by the rubble of Manfredini’s house. Here the two survivors seem to remember and look more grieved by the fact that one of them is no longer astonished by the frogs still raining in Alessandro Manfredini’s emotions, that no earthquake will ever be able to bury.

Umberto Zampini

Umberto Zampini

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Curator: Umberto Zampini E Piovono Rane 2005 terracotta refrattaria con particolari smaltati, gesso refractory terracotta with enamelled details, plaster 35 x 36 x 18 cm cad. each


Gaspare Manos «Nulla conosciamo secondo verità perché la verità è nel profondo» scrisse Democrito e afferma Gaspare Manos in questo autoritratto. Le materie con cui lo realizza appartengono alla preistoria dell’uomo, alla sua storia e al nostro quotidiano. La terra cruda impastata è manipolata con gesti semplici, quasi infantili, gli stessi gesti che il Dio della Genesi compie per dare forma e vita all’umanità. S’impastano in quella terra, plasmata in forma di cani ancestrali, tutte le infanzie dell’artista, tutti i luoghi in cui ha vissuto; Asie e Afriche si confondono nell’elaborato mediterraneo della mente, del cuore e delle mani. Dieci occhi, buchi di pigmento dalle pupille metalliche ci osservano. Il nostro sguardo rimbalza in quegli occhi e ci penetra: guardare Democritus significa guardarci dentro, scoprire quel profondo che ci accomuna alla natura, alla forza dei suoi elementi primordiali. Cerca di rassicurarci Manos: quelle bestie antiche sono cani, i nostri fedeli compagni di cammino. Cani con la museruola, non possono morderci. Museruole in plastica, materia del presente e del futuro, create per imbrigliare e sottomettere, per farci stare tranquilli senza temer pericoli. Cinque piccoli oggetti, quasi frammenti rituali, per comporre un’opera unica, per raccontare sì un artista, ma anche per permetterci l’accesso al nostro stesso profondo, perché, come avrebbe potuto dire Democrito, solo dove l’anima incontra la materia primigenia, la terra madre, è possibile incontrare la verità.

«In reality we know nothing - for truth is in the depths» wrote Democritus and affirms Gaspare Manos in this self-portrait. The materials used in this particular endeavour belong to the prehistory of man, to his story and to our daily life. The raw earth chosen has been manipulated with simple almost child-like gestures; the same gestures accomplished by the God of Genesis to give shape and life to humanity. Kneaded in that dough into the shape of ancestral dogs, we find all the youthful recollections of the artist and all the places where he lived; Asia and Africa. These have been blended by his hands and elaborated via his Mediterranean soul. Ten eyes, pigmented holes with metal pupils that observe us. Our gaze bounces back and penetrates us. Looking at Democritus also means looking at ourselves; to discover that profound link with nature and the force of its primordial elements. Manos attempts to reassure us here: those antique animals are dogs, faithful companions of our path. Dogs with a muzzle cannot bite. Plastic muzzles, made of a material from our present and future, created to harness and render submissive, to make us feel safe without fear of dangers. Five small objects almost ritual fragments. These compose a single work of art that tell the story of this artist. But they also enable us to access our own private depths, because, just as Democritus could have said, only where the soul encounters the primal matter of mother earth, one can meet truth.

Umberto Zampini Umberto Zampini

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Curator: Umberto Zampini Democritus (5 self portraits as a dog) 2010 - 2017 argilla, metallo, cuoio, pelo animale, plastica, pigmento clay, metal, leather, animal bristles, plastic, pigment 5 pezzi pieces 12 x 22 cm cad. each 100 x 50 cm


Federica Marangoni L’Artista italiana che fin da giovane approda a NY, accanto ai grandi nomi internazionali, lavora a stretto contatto con Pierre Restany che diventerà amico di una vita, in un scambio reciproco di emozioni e stimoli artistici che generano momenti storici di vita e di storia dell’Arte. Marangoni crea video pioneristici, generando una nuova forma d’arte; sperimenta e trasforma in arte il vetro. La Luce, elemento fondamentale di vita, diventa punto focale della sua Arte. Tutto si associa con naturalezza nel suo lavoro, la sua poesia crea nuove forme di contaminazioni. Ed ecco che lo schermo tv è luce che, vivendo all’interno di un’installazione, diventa la terza dimensione capace di generare movimento. La Luce per Maragoni è la mente, senza luce non c’è energia. Non è la dimensione a fare l’arte, ma la luce in senso proprio e nel senso di genialità, di poesia, di emozione. È quello spirito vitale che fa vivere e illumina le opere. La luce è energia, è natura, tutti la possiamo apprezzare e fare nostra, ma solo la luce dell’Arte di Marangoni riesce a generare nuova luce, nuova natura. Una natura, quella di Marangoni, che Pierre Restany definiva “congelata”, monito di consapevolezza di preservare la nostra stessa vita. L’Arte è Vitamina essenziale di Vita, capace di generare connessioni, amicizie e rispetto. Il legame con Restany è immortale come il loro amore per la cultura, capace di superare confini e la violenza della morte. Marangoni gli dedica un monumento virtuale, ricostruito per OPEN 20 per ricordare il grande amico critico anche con un po’ di ironia, dedicandogli la prima scritta TOLERANCE.

The Italian artist, who arrived in NY in her youth, alongside great international names, worked in close contact with Pierre Restany, who would become her lifelong friend, in a reciprocal exchange of emotions and artistic stimuli that generated historic moments of life and history of Art. Marangoni creates pioneering videos, generating a new art form; she experiments with glass, transforming it into art. Light, the fundamental element of life, becomes the focal point of her Art. Everything is naturally associated in her work, her poetry creates new forms of contamination. And so the TV screen is light, living inside an installation and becoming the third dimension, able to generate movement. Light for Marangoni is the mind, without light there is no energy. It is not the dimension that creates art, but light in its own sense and in the sense of geniality, poetry and emotion. It is a vital spirit that brings works to life and illuminates them. Light is energy, it is nature, we can all appreciate it and make it our own, but only Marangoni’s light of Art is able to generate a new light, a new nature. Pierre Restany defined Marangoni’s nature as “frozen”, indicating the awareness that we must preserve our own life. Art is the essential Vitamin of Life, able to generate connections, friendship and respect. The link with Restany is as immortal as their love for culture, able to go beyond boundaries and the violence of death. Marangoni dedicates a virtual monument to him, rebuilt for OPEN 20 to remember her great friend the critic also with a touch of irony, dedicating the first word to him, TOLERANCE. Serena Mormino

Serena Mormino

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Italia Italy Curator: Serena Mormino Sponsor:

Patronage:

Acknowledgements: uno speciale ringraziamento a Paolo Berra per il suo appoggio all’Arte Contemporanea a special thanks to Paolo Berra for his support to Contemporary Art TOLERANCE Monumento all’amicizia 2003 2 TV, 2 video, neon su metallo, struttura a rete 2 TV set, 2 videos, neon sign on metal, net structure dimensioni variabili variable dimensions Ricostruzione dell’opera di Federica Marangoni per OPEN nel 2003, anno della morte del critico amico Pierre Restany Reconstruction of the artwork by Federica Marangoni on the occasion of OPEN 2003, year of the death of the art critic and friend Pierre Restany


Davide Medri Regala luce come una stella che si affaccia all’improvviso nel cielo denso di nubi. Più di un arcobaleno dopo la tempesta, la luce della stella di Medri è una certezza che ricompare più brillante che mai ogni giorno, regalandoci energia, fonte essenziale di vita. Una stella a cui rimandare pensieri diversi, in cui cercare noi stessi. Le opere di Medri hanno una dimensione superiore, quasi divina, come se la sua materia permettesse di scolpire anche lo spazio circostante. Un’immagine specchiata e scolpita nella memoria visiva, emozionale, tattile. L’infinito e inconsueto piacere di giocare con frammenti di specchio freschi di taglio manuale dell’artista e non farsi male, anzi constatare la piacevolezza al tatto, alla scoperta di quel connubio di materiale pregiato, delicato e fragile così come sono fragili i pensieri che si generano e, appunto, la magia della sicurezza, in un gioco di continui contrasti… come quando ci si sofferma a guardarsi l’anima riflessa dalle opere di Medri. Un’arte antica quella del mosaico che dialoga in perfetto equilibrio con il contemporaneo e ci rimanda, con le sue luci e bagliori, alla speranza del futuro. Attimi che si riflettono all’infinito, catene di pensieri capaci di creare energie come auree magiche; le sue opere così perfette hanno il dono di captare la sua anima e mostrarla a chi si accinge ad osservarle, creando un dialogo intimo non solo con gli occhi dello spettatore, ma con il suo io più profondo. Infiniti specchi per amplificare la nostra anima e regalarla agli altri in tante sfaccettature diverse ma tutte legate dal nostro io indissolubile.

He offers light like a star that suddenly appears in a cloudy sky. More than a rainbow after the storm, the light of Medri’s star is a certainty that reappears more brilliant than ever every day, giving us energy, the essential source of life. A star to which we can devote different thoughts, in which to search for ourselves. Medri’s works have a superior, almost divine dimension, as though his material also enabled him to carve the surrounding space. An image reflected and carved in the visual, emotional and tactile memory. The infinite and unusual pleasure of playing with fragments of mirrors, newly hand-cut by the artist, without hurting ourselves but, on the contrary, appreciating their pleasant texture, discovering the combination of fine, delicate material, as fragile as the thoughts that are generated and the magic of safety, in a game of continuous contrasts… as when we linger to gaze on our soul reflected by Medri’s works. The ancient art of mosaic dialogues in perfect equilibrium with the contemporary world and, with its dazzling lights, encourages us to hope in the future. Moments that are infinitely reflected, chains of thought able to create energy like magic golden effects; his perfect works have the ability to capture his soul and reveal it to the observer, creating an intimate dialogue not only with the eyes of the spectator, but with his innermost self. Infinite mirrors to amplify our soul and offer it to others in many different facets, yet all linked to our indissoluble essence. Serena Mormino

Serena Mormino

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Curator: Serena Mormino Sponsor / Patronage:

Acknowledgements: Serena Mormino, Bruno Rainaldi, Alessandro Ciffo, Andrea Salvetti Freedom 2017 pvc, mosaico specchio pvc, mirror mosaic 30 anelli rings 36 x 26 cm cad. each l. 700 cm design Bruno Rainaldi Courtesy: collezione privata private collection Photo credit: Ezio Manciucca

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Gianfranco Meggiato Non soldati appostati dietro ai sacchi di sabbia ma sculture: Le Muse Silenti. Dopo aver ispirato la poesia, la Musa la difende, ultimo baluardo contro la barbarie e la morte. I loro nomi - Sfera Sirio, Sfera Conchiglia, Doppia Sfera, Disco Tensione, Il Mio Pensiero Libero. Bisogna perdersi per ritrovarsi, affrontare i propri mostri per sopravvivere e, allo stesso tempo, riconoscere i giusti strumenti. Unica scultura bianca: Il Mio Pensiero Libero, una fluttuazione di bianco puro, che vibra nello spazio e si innalza sopra l’intera composizione. È la dichiarazione centrale della sua poetica: l’arte è libertà, il pensiero vola alto, comunque sia. «Queste sculture monumentali - sono parole di Meggiato stanno a indicare che solo l’arte, il libero pensiero, l’acquisizione di consapevolezza e non le armi, possono salvare l’uomo da se stesso. L’uomo non ha bisogno di sovrastrutture ma direttamente dovrà percorrere con l’umiltà dell’apprendista il proprio individuale labirinto per arrivare alla conoscenza, per compiere la propria esperienza del finito.» Meggiato immagina le sue trincee abitate da un coro di Muse che accompagnano alla scoperta del Pensiero Libero; invita a non restare fuori, a entrarci, a guardare ciò che sta dentro per imparare a riconoscere i fantasmi di guerrieri, espressione della fragilità umana nella difficile, forse impossibile, ricerca di pace. Qualsiasi sia la sembianza del mostro va affrontata, per ritrovare l’equilibrio lasciandosi condurre dai veri eroi: i poeti, gli artisti. Luca Beatrice

Not soldiers stationed behind sandbags, but sculptures: The Silent Muses. After having inspired poetry, the Muses defend it, a last bastion against barbarism and death. Their names are Sfera Sirio, Sfera Conchiglia, Doppia Sfera, Disco Tensione, Il Mio Pensiero Libero (Sirius Sphere, Seashell Sphere, Double Sphere, Tension Sphere, My Free Thought). You have to get lost to find yourself, to come to grips with your own monsters to survive and at the same time to recognize the proper tools. Only one sculpture is white: My Free Thought, a fluctuation of pure white that vibrates in space and rises above the entire composition. This is the central statement of his poetics: art is freedom, thought soars to the heights, without limitations. «These monumental sculptures - Meggiato says indicate that only art, free thought, the acquisition of awareness and not weapons, can save man from himself. Man has no need for superstructures, but has to directly, with the humility of the apprentice, go through his own individual labyrinth to reach knowledge, to achieve his own experience of the finite.» Meggiato imagines his trenches as a garden inhabited by a choir of Muses that accompany us in the discovery of Free Thought. He urges us not to remain outside, but to enter, to look at what is inside in order to learn to recognize the ghosts of warriors, the expression of human frailty in the difficult, perhaps impossible search for peace. Whatever the guise of the monster it must be confronted, to rediscover the balance, letting ourselves be guided by the true heroes: the poets, the artists. Luca Beatrice

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Curator: Luca Beatrice Il Giardino delle Muse Silenti 2017 Il Mio Pensiero Libero fusione in alluminio, verniciato e cesellato aluminium casting, painting, engraving h 400 cm Sfera Sirio fusione in alluminio, verniciato e cesellato aluminium casting, painting, engraving Ø 200 cm Courtesy: Accademia Art Gallery S.L.U.

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Lucio Micheletti Una mano rotta dalla violenza del terremoto, simbolo dell’homo faber, della cultura, piegata dalla forza devastante della natura a cui l’Uomo sta togliendo equilibrio e consapevolezza. La storia si incrina, modificandone il percorso, così come la rottura scomposta rischia di non poter più essere perfetta come un’entità superiore la aveva originariamente creata. Ma l’uomo ha l’innata capacità di salvare la sua stessa vita, di imparare dai suoi stessi errori… La forza del Blu di Micheletti ci suggerisce un segnale di assoluta speranza; quello stesso Blu che ha coverizzato architetture e flora, quel blu che ha avuto la capacità di abbracciare le acque, ora interviene per preservare la storia. Blutsugi ブル 継ぎ… la fascia blu è preziosa come la materia oro che nella cultura giapponese viene usata magistralmente per saldare frammenti; Micheletti fa suo il kintsugi (riparare con l’oro), la cultura antica per rendere preziose anche le ferite, per rendere ancora più pregiato ciò che accidentalmente o consapevolmente è stato rotto. Nulla va sprecato, nulla va rinnegato; l’Uomo, così come la Natura Madre Sovrana, ha la grande intelligenza di progredire, di rimediare se non migliorare continuamente. Grazie agli errori, al dolore, si cresce, si comprende meglio il senso della vita ed il proprio io, creando qualcosa di nuovo, unico e ancora più prezioso. La tela blu abbraccia la mano forte, vissuta ma ferita; la protegge, la enfatizza come fosse una nuova nervatura, più preziosa perché più consapevole, richiamando lo sguardo per ricordare il proprio vissuto.

A hand broken by the violence of the earthquake, symbol of homo faber, of culture, bent by the devastating force of nature from which Man is taking away equilibrium and awareness. History cracks, modifying its path, just as the compound break risks no longer being perfect as a higher being had originally created it. But man has the innate ability to save his own life, to learn from his own mistakes… The strength of Micheletti’s Blue suggests a signal of absolute hope; that same Blue that has covered architecture and flowers, the blue that has been able to embrace the waters, now steps in to preserve history. Blutsugi ブル 継ぎ… the blue band is as precious as the gold material which, in Japanese culture, is skilfully used to join fragments; Micheletti adopts kintsugi (repairing with gold), the ancient culture for making even wounds precious, for making something that has been accidentally or intentionally broken even more valuable. Nothing is lost, nothing is repudiated; Man, like Supreme Mother Nature, has the great intelligence to progress, to remedy if not to improve continuously. Thanks to mistakes, to pain, man grows, understands better the meaning of life and his own self, creating something new, unique and even more precious. The blue cloth embraces the strong hand, living but wounded; the cloth protects it, emphasises it as though it were a new set of nerves, more precious because it is more aware, attracting the gaze to recall its life.

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Curator: Serena Mormino Sponsor / Patronage:

Acknowledgements:

Serena Mormino Blutsugi ブル 継ぎ 2017 marmo, stoffa, corten marble, fabric, corten 95 x 60 x 30 cm

Serena Mormino

Courtesy: collezione privata private collection

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Luigi Ontani Italia Italy

Leda e Cigno 1975 stampa fotografica Ilfochrome Ilfochrome photo print 75 x 75 x 3,5 cm Courtesy / Photo credit: Cesare Bastelli

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Max Papeschi «Cerco immagini che abbiano un impatto immediato, a livello di divertimento e di gradevolezza cromatica. Prima si dovrebbe ridere, poi si dovrebbe pensare che non c’è nulla da ridere. Anzi, se hai riso, ti devi anche sentire un po’ in colpa.» Max Papeschi, intervista di Stefano Caselli per FQ MILLENIUM

La sintesi di Wall Street è tutta in questa dichiarazione di Papeschi: l’opera d’arte è il mezzo comunicativo grazie al quale si racconta la più cruda delle verità attraverso un’estetica satirica divertente che induce ad una profonda critica. Questa natura ambivalente è parte intrinseca della poetica di Max Papeschi, è rappresentativa di tutte le sue opere che dovrebbero essere viste nel complesso delle loro serie. Wall Street è un frammento della serie Smile, Relax and Hate - dove i visi teneri, buffi e a volte ridicoli dei bambini sono la chiave di lettura delle tragedie sociali, politiche ed economiche della nostra epoca - ed è senz’ombra di dubbio l’opera più significativa. La sua forza evocativa scaturisce da un collage che richiama alla memoria i puerili e creativi passatempi dell’infanzia. Eppure accostando con acuta semplicità immagini della coscienza comune, dal complesso di forme e colori armonioso - un bambino che fa una smorfia simpatica, la bandiera a stelle e strisce, la sagoma di un “colletto bianco” e il nome di una strada famosa - Papeschi fa nascere una favola diversa da quella che appare ad un primo colpo d’occhio e che ci fa sorridere, egli infatti ri-crea la cronaca attuale. Così in un gioco in cui si mischiano le figure del nostro presente, l’opera di Papeschi ci costringe a riflettere sui temi più drammatici della storia contemporanea.

«I look for images that have an immediate impact, at the level of amusement and pleasant colours. First they should make you laugh, then you should think that there is nothing to laugh at. Indeed, if you have laughed, you should also feel a bit guilty.»

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Max Papeschi, interviewed by Stefano Caselli for FQ MILLENIUM

The synthesis of Wall Street can all be found in this declaration by Papeschi: the work of art is the means of communication through which the harshest of truths can be told through an amusing aesthetic satire that leads to profound criticism. This ambivalent nature is an intrinsic part of the poetry of Max Papeschi, it is typical of all his works which should be viewed within their whole series. Wall Street is a fragment of the series Smile, Relax and Hate - where the tender, funny and sometimes ridiculous faces of children are the key for reading the social, political and economic tragedies of our times – and it is without any shadow of a doubt the most significant work. Its evocative strength springs from a collage that reminds us of the easy creative pastimes of our childhood. Yet by simply placing together images of the common consciousness, in a harmonious group of shapes and colours - a child pulling a funny face, the flag with its stars and stripes, the outline of a “white-collar worker” and the name of a famous street - Papeschi creates a different story from the one that appears at first glance and that makes us smile, in fact he re-creates current news items. So, in a game where the figures of the present are mixed, Papeschi’s work forces us to reflect on the most dramatic themes of contemporary history. Flavia Vago

Curator: Flavia Vago Sponsor:

Acknowledgements: Andrea Ferrari, Diego Bernardi, Mattia Pelizzoni, Francesco Tursini, Federico Contini, Piero Muscarà, Laura Bellucci Wall Street 2009 stampa digitale su pvc, collage digitale digital print on pvc, digital collage 400 x 400 x 5 cm Photo credit: Fabrizio Re Garbagnati

Flavia Vago

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Antonio Paradiso Un volo che si proietta all’infinito dell’Arte, capace di migrare costantemente tra Milano e Matera andata e ritorno, per poi scegliere di viaggiare verso nuove mete, deserti, lidi e lagune e ritrovare così eterne amicizie con una spontaneità come predestinata. Un sogno bramato dall’Uomo spesso sconfitto dalla forza della Natura, ignaro della capacità di volare in eterno, di varcare confini inimmaginabili, proprio grazie a quel dono divino che è l’Arte. Il desiderio di superare confini, di elevarsi a qualcosa di superiore è peculiarità dell’Uomo da sempre capace, inconsapevolmente, di scrivere pagine di storia lunghe secoli e dialogare con i posteri. Arte come Madre Natura, il desiderio di poter spiccare il volo senza cadere si avvera nel momento stesso in cui si plasma arte, quella poetica forma di comunicazione che più di qualsiasi altra, non conosce barriere, limiti e scadenze. Quel dono di poter plasmare dal nulla nuovi Icari la cui cera non può essere sciolta nemmeno dal calore della stella più grande fonte di vita. Ed ecco che nuova fonte di Vita è proprio l’Arte, quella magia non occulta, non celata che troppi bramano ma che pochi hanno nel loro io più profondo e che, laddove spontanea, genera emozioni ed energie che nessuno può spegnere. Voli di palombe dalla preistoria al futuro si elevano tra pareti di calcarenite in cui è scritta la storia del nostro Io, incancellabile perché scritta nella natura come nel nostro DNA, in un viaggio iniziatico e spirituale per raggiungere quell’infinito che è la conoscenza e l’amore per la vita.

A flight projected over infinite Art, able to migrate constantly from Milan to Matera and back, then to decide to travel towards new destinations, deserts, shores and lagoons, and thus discover eternal friendships with a predestined spontaneity. A dream craved by Man, often thwarted by the force of Nature, unaware of the ability to fly eternally, to cross unimaginable borders, thanks to the divine gift of Art. The desire to cross borders, to rise to something higher, has always been a particular trait of Man, who is able, unconsciously, to write pages of history several centuries long and to dialogue with posterity. Art like Mother Nature, the desire to take flight without falling is achieved in the moment in which art is created, that poetic form of communication which, more than any other, knows no barriers, limits or expiry dates. The gift of being able to create new Icaruses from nothing, whose wax cannot be melted even by the heat of the greatest live-giving star. The new source of Life is Art, that undisguised, unhidden magic that too many seek but that few have in their innermost selves and which, when spontaneous, generates emotions and energies that no one can quench. Flights of doves from prehistory to the future soar among calcarenite walls on which the history of our Ego is written, inerasable because it is written in nature like our DNA, in an initiatory and spiritual journey to reach infinity, which is knowledge and the love of life. Serena Mormino

Serena Mormino

Italia Italy

Curator: Serena Mormino Sponsor / Patronage:

Patronage / Acknowledgements: Parco scultura La Palomba Volo 2008 corten 153,5 x 100 x 100 cm Courtesy: collezione privata private collection Photo credit: Cecilia Paradiso

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Gabriele Polidori Design come forma d’arte, il confine tra progettazione e quindi scienza, design e arte diventa sempre più confuso o semplicemente diversamente interpretabile. Un’arte fruibile anche nel quotidiano, un’Arte tangibile nella sua completezza e percepibile con maggiore intensità, un’intensità che coinvolge il senso della vista e del tatto, che genera una tangibilità anche fisica laddove ci accoglie e ci avvolge nel domestico. Gabriele Polidori omaggia due discipline così vicine e strettamente correlate, con la spontaneità tipica di chi ama in modo incondizionato e non si sofferma a vincoli imposti dai più. Ecco che nascono sculture per il quotidiano, omaggi alle eccellenze della Laguna: Arte, Cinema e Musica. Legami, un abbraccio protettivo tra storia e tradizione: la storica pellicola cinematografica generata dalla cinepresa dell’era predigitale protegge con eleganza il Campanile di San Marco. Rolling, omaggio indiscusso alla contaminazione tra culture, tra musica rock e pop art. Riflessioni omaggia l’Arte italiana nel mondo, IL critico Pierre Restany con il suo Terzo Manifesto e la storia di OPEN, dal lui ideata insieme a Paolo De Grandis e scritta in venti anni intensi. Si fondono epoche, tecniche, materiali e si incastrano insieme al plexiglass anche pensieri e quegli spazi che fino ad ora avevano tenuto separate, seppur di poco, realtà che nessuna definizione tecnica può più tenere distinte a priori. L’Arte incontra la vista e la mente, il Design la vista, la mente, il corpo… allora non è forse una forma di comunicazione ancora più degna di essere acclamata Arte?

Design as a form of art, the border between planning and therefore science, design and art, is becoming more and more confused, or it can simply be interpreted in a different way. Art that can be enjoyed also in everyday life, art that is tangible in its completeness and that can be perceived with greater intensity, an intensity that involves the senses of sight and touch, generating an even physical tangibility where it welcomes us and envelops us in the domestic scene. Gabriele Polidori pays tribute to two closely related disciplines, with the typical spontaneity of someone who loves unconditionally and does not stop before restraints imposed by the majority. Sculptures are thus created for everyday life, tributes to the excellent figures of the Lagoon: Art, Cinema and Music. Legami, a protective embrace between history and tradition: the historic film created by the movie camera of the pre-digital era elegantly protects the Bell Tower of Saint Mark’s. Rolling, an undeniable tribute to the contamination between cultures, between rock music and pop art. Riflessioni pays tribute to Italian Art in the world, the critic Pierre Restany with his Third Manifesto and the history of OPEN, which he conceived with Paolo De Grandis, written in twenty intense years. Periods, techniques and materials blend, while thoughts and spaces that previously kept them even slightly apart fit snugly with the Plexiglas in realities that can no longer by distinguished by any technical definition. Arte meets sight and mind, Design meets sight, mind and body… so is it not perhaps a form of communication even more worthy of being acclaimed as Art?

Serena Mormino

Serena Mormino

Italia Italy Curator: Serena Mormino Sponsor:

Sponsor / Patronage:

Legami 2017 plexiglass, taglio laser, stampa digitale plexiglas, laser cut, digital printing 120 x 45 x 43,5 cm Rolling chair 2017 plexiglass, taglio laser, stampa digitale plexiglas, laser cut, digital printing 105 x 45 x 43,5 cm Riflessioni 2017 plexiglass, taglio laser, stampa digitale plexiglas, laser cut, digital printing 117,5 x 45 x 43,5 cm Photo credit: 02 STUDIO

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Maurizio Radici

Bianca Laura Petretto

Bianca Laura Petretto

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Curator: Bianca Laura Petretto Translator: Roseanne Rogosin Supporter:

B&BArt MuseodiArte contemporanea

Sponsor: TOMAT P.A. FABRIZIO

MANUTENZIONE

What you experience observing Maurizio Radici’s images is something linked to a feeling of boundlessness. He marks a boundary across a line as he eliminates it simultaneously with his pictorial substance. He draws forms and figures coming from “other” worlds, but definite and visible.The Animali Atlantidei (Atlantis Animals) collection, which has been produced in the past ten years, recalls the magic realism echoing the poetry of our master Gabriel Garcia Marquez who seduces us by blending imagination and cruelty. One Hundred Years of Solitude have ideally accompanied Radici’s creative world, filled of pure and silent marks without any partition or misunderstanding. For him, his signature upside-down on the canvas implies the parallel world where the artist lives in constant contact with art. «I am a map maker, he claims - and I know the path I must follow in order not to get lost. I create apocalyptic sets or forms suspended in undetermined places, because an artist paints what can’t be seen and discloses it.» To a certain extent, painting is setting free the refuse mankind carries within. The mark made with Indian ink longs to be a non-picture. It doesn’t pursue a goal, it becomes recognizable and leaves a trail. Death’s solemn gait, our day-by-day precariousness and transforming existence in the Japanese art of ukiyo-e invoke zest for pleasure and beauty, which reveal themselves in a refined and passionate fashion in Radici through an archaic use of the paint brush, of graphics and trenchant colors. Many a connection to his true and ideal masters can be pointed out: his torn visions evoke Vedova and Bacon, chromatisms and carved shapes gaze at El Greco, his crushed and stretched humanity at Giacometti. We are left with Maurizio Radici’s constant action focused on substance transformation, with his vital need to be aware of every mark, with his art - a device to help humans encompass their true sacredness.

PROGETTAZIONE

La sensazione che si prova osservando le immagini di Maurizio Radici è qualcosa legato al sentimento della sconfinatezza. Segna un confine attraverso la linea e al contempo la elimina con la materia pittorica. Disegna forme e figure che provengono da mondi “altri” ma concreti, visibili. La serie delle opere Animali Atlantidei che ha prodotto negli ultimi dieci anni rimanda a quel realismo magico di cui riecheggiano i versi del maestro Gabriel García Márquez che seduce mescolando la fantasia con la crudeltà. Cento anni di solitudine hanno accompagnato idealmente il mondo creativo di Radici, popolato da segni puri e silenziosi, senza divisioni e fraintendimenti. La sua firma collocata al contrario nella tela, per lui, significa il mondo parallelo dove l’artista vive costantemente con l’arte. «Sono un costruttore di mappe - afferma e conosco la strada che devo percorrere per non perdermi. Creo scenari apocalittici o figure sospese in luoghi indefiniti perché l’artista dipinge quello che non si vede, lo rivela.» Dipingere è, in una certa maniera, liberare le scorie che l’uomo porta con sé. Il segno realizzato con la china anela alla non pittura. Non persegue un obiettivo, si rende riconoscibile, lascia traccia. Nell’arte giapponese dell’ukiyo-e l’incedere della morte, la precarietà quotidiana, l’esistenza che muta, sollecitano il gusto per il piacere e il bello che in Radici si manifestano in modo raffinato e passionale attraverso l’antico uso del pennello, della grafica e del colore incisivo. Molti i riferimenti ai maestri reali e ideali: visioni squarciate evocano Vedova e Bacon, cromatismi e forme incise guardano a El Greco e umanità sgretolate e allungate a Giacometti. Rimane il costante esercizio per trasformare la materia, la vitale necessità di conoscere i segni, per Maurizio Radici rimane l’arte, strumento che aiuta l’uomo a comprendere la propria sacralità.

PARCHI.GIARDINI.INTERNI A VERDE

FAB.TOMAT @GMAIL.COM

Patronage:

Animali atlantidei 3 2017 china acquerellata, acrilico, pigmenti watercolor, acrylic, pigments 350 x 200 x 5 cm


Reverie Ho impugnato un giglio per scrivere su carta una favola sensibile che fosse “appropriata” al Maestro ideale per la mia rêverie. Ripenso al suo aforisma: «La mia citazione è sempre a memoria, quindi in qualche modo elastica o addirittura sgrammaticata»… Ave Maestro Luigi Ontani! PourOntani è una dedica a occhi aperti che non prevede alcun tipo di ri-citazione/recitazione, artificio o espediente. Si tratta di necessità e di vita: i tableaux-vivants, i lavori dal vivo e soprattutto la viva eco di “VivArte”. Ave Maestro Luigi Ontani! Questa è la mia promessa: il pubblico verrà coinvolto e immerso in un gioco di ruoli concreti. Per questo viaggio nelle maschere del Maestro Ontani ho scelto come figura retorica principale la sinestesia. Di oggetto in oggetto, di abito in abito e di pelle in pelle: animerò l’immobilità, porgerò l’orecchio a chi lo chiederà, reggerò gli sguardi o sbatterò le ciglia, arriverò all’ombelico delle cose. Ogni senso attivato sarà il mio, ma per divenire veicolo e strumento di amplificazione: tutto sarà reale e in un Altrove di compartecipazione. Persona, maschera, ombra: seguirò il processo del mutamento raccontando un bestiario, un diario di nuove umanità, a partire da un ramo di vinco e dall’uovo di Leda; dal Grillo Dante all’Ombrofago attraverserò Chimere, Angeli, Santi e il Tempo… Una metamorfosi che si concluderà con l’icona per me più potente/presente: Ave Maestro Luigi Ontani!

I took up a lily to write on paper a sensitive story that would be “suited” to the ideal Maestro for my rêverie. I think back to his aphorism: «I always quote from memory, so the quotation tends to be elastic or even ungrammatical». Ave Maestro Luigi Ontani! PourOntani is a daydreaming dedication that does not envisage any kind of quotation/recitation, artifice or expedient. It is a question of necessity and of life: tableaux-vivants, works made from life ad especially the living echo of “VivArte”. Ave Maestro Luigi Ontani! This is my promise: the public will be involved and immersed in a real game of roles. For this journey into the masks of Maestro Ontani I have chosen synaesthesia as the main figure of speech. From object to object, from costume to costume and from skin to skin: I shall animate immobility, lend an ear to those who ask, hold the gaze or blink my eyes, I shall arrive at the navel of things. Every activated sense will be my own, but to become a vehicle and a tool for amplification: everything will be real in a shared Elsewhere. Person, mask, shadow: I shall follow the process of change telling about a bestiary, a diary of new humanities, starting from a willow branch and from Leda’s egg; from Dante the Cricket to the Ombrofago passing through Chimeras, Angels, Saints and Time… A metamorphosis that will end with the icon that for me is the most powerful/present: Ave Maestro Luigi Ontani!

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Reverie

Reverie

Rinascimento Ipersensibile 20 luglio 2017 Firenze, Palazzo Strozzi Photo credit: L. Mugri

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Marco Nereo Rotelli Per come la vedo io, la poesia non è solo poesia perché è una bella scrittura verso la verità, ma perché introduce il mondo delle parole nell’arte e, io sono (quasi) sicuro, le parole cambiano il mondo. La verità è bellezza e la bellezza è verità, ecco tutto quello che devi sapere per essere perfettamente stupido. Questo sembrerebbe dimostrare il contrario: le parole sono bugiarde e non cambiano nulla. “C’è poco da dire, c’è solo da vivere.” Se ami l’arte, se puoi scrivere, se ami leggere, prepara un grande “benvenuto all’inferno” perché non potrebbe essere differente in questo mondo. Più conosci più soffri. Insomma non c’è speranza, forse sì, se usi una parola semplice e felice. Se io scrivo “Lido di Venezia” tu puoi avere una visione. Benvenuto al Lido di Venezia! Il paradiso perduto che puoi vivere nel futuro.

The way I see it, poetry is not just poetry because it is a nice way of writing the truth, but because it introduces words into the world of art, and I am (almost) sure that words change the world.

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Truth is beauty and beauty is truth, that is all that you need to know to be perfectly stupid. This would seem to prove the opposite: that words are liars and do not change anything. “There’s very little to say, there is only to live.” If you love art, if you can write, if you like to read, prepare a big “welcome to hell” because it might not be different in this world. The more you know, the more you suffer. In short, there’s no hope; or perhaps there is, if you use a simple and happy word. If I write “Venice Lido”, you can have a vision. Welcome to Venice Lido! The paradise lost that you can experience in the future. Sorry everyone, I’ve just been having fun with words. Marco Nereo Rotelli

Scusate tutti, ho scritto solo un gioco di parole. Marco Nereo Rotelli

Acknowledgements: Hotel Riviera, Lido di Venezia Welcome to Beauty 2017 stampa su pvc printing on pvc 700 x 110 cm Graphic design: Margherita Zambelli, Art Project

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Giuseppe Verri Roma nel suo passato antico divenne grande grazie ad un eroe sorto sulle stesse sue terre; era il contadino soldato che negli anni della repubblica difendeva i suoi pascoli e in quelli dell’impero se ne andò a conquistare quelli degli altri. Pasceva le vacche con calma bucolica e dal ferro dell’aratro passava a quello del gladio; si pensionava andando a dissodare campi nuovi. L’uomo era milite per la sua difesa e per le sue conquiste e agreste per la frugalità della sua etica. Giuseppe Verri è una versione postmoderna di questa ancestrale figura: si è inventato militante contadino. L’analogia ovviamente qui si ferma: l’umanità ha fatto passi avanti negli ultimi tre millenni e sul pascolo oggi pianta il luppolo. Giuseppe Verri non si è diplomato in arte, si è laureato in ingegneria civile; ha perpetuato la figura di suo padre, che era costruttore, e l’ha portata in una dimensione cerebrale. Non crea lavori come dicono oggi tutti gli artisti; costruisce opere ambiziose. La carriera iniziale che lo aveva portato in un ufficio pubblico di Roma. È fuggito, ha interrotto la frustrazione d’un meccanismo virtuoso ufficiale. Si è dato ai campi che sono diventati la sua officina. L’arte è sempre un balzo in una dimensione nuova, è la ricerca di alternative praticabili e stimolanti. L’Uomo Sapiens si sforza a tornare sui suoi passi per essere Uomo Faber. L’intellettuale ritrova la dimensione del manovale per scoprire che le arti così si chiamano perché si fanno con gli arti. Il resto è dovuto all’immaginazione. E al sogno.

In the ancient past, Rome became great thanks to a hero who came from its own land; he was a soldier farmer who in the years of the republic defended his pastures and, in the years of the empire, set off to conquer the pastures of others. He pastured his cows with bucolic calm and passed from the iron of the plough to that of the sword; he retired from farming to till new fields. The man was a soldier for his defence and his conquests and a farmer for the frugality of his ethics. Giuseppe Verri is a post-modern version of that ancestral figure: he has invented himself as a militant farmer. Of course, the analogy stops here: humanity has made progress in the last three millenniums and today they plant hops on the pasture. Giuseppe Verri did not study art, he took a degree in civil engineering; he carried on the figure of his father, who was a builder, and transferred it to a cerebral dimension. He does not create what all artists today call jobs; he builds ambitious works. His first career took him to a public office in Rome. He escaped, he broke away from the frustration of an official virtuous mechanism. He took to the fields, which became his workshop. Art is always a leap into a new dimension, the search for practicable and stimulating alternatives. Homo Sapiens makes an effort to retrace his footsteps and become Homo Faber. The intellectual returns to the dimension of the labourer to discover that, if arts are also called handicrafts, it is because they are made with the hands. The rest is all due to the imagination. And to dreaming. Philippe Daverio

Philippe Daverio

Italia Italy

Curator: Philippe Daverio Il cavallo a dondolo del figlio di Troia - nelle profonde caverne ed il ventre il mio io 2017 ferro, pietra leccese iron, Lecce stone 517 x 700 x 250 cm

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Nanda Vigo Nanda Vigo ci ricorda che tutto è in movimento, anche se spesso l’uomo per timore non lo ricorda. Viviamo in un pianeta che è in moto perpetuo, noi stesso lo siamo; l’aria, la luce, l’energia è in movimento. Tale consapevolezza spesso disturba la visione della vita a cui ci aggrappiamo con le nostre certezze talvolta deviate, se non erronee, per sentirci più protetti, sicuri, ancorati a supposizioni che ci fanno sentire importanti e non ci rammentano che siamo materia viva. Abbiamo bisogno di “stimolatori di spazio” per riprendere a vivere, a guardare dentro di noi la nostra energia per proiettarla verso qualcosa di più grande, per sprigionare quella luce insita nell’animo oltreché nel corpo, senza aver paura di aprirci verso un’altra dimensione, verso la conoscenza, l’Arte e l’infinito. Ma anche di “filtri visivi cronotopici” per concepire oltre la realtà, per oltrepassare dimensioni e limiti, per trovare noi stessi. Così nel Cronotopo vetro e alluminio amplificano e schermano l’elemento naturale luce per farcelo percepire in modo assoluto. La progressione della Luce, resa opera da Vigo, scandisce i tempi dell’arte e della cultura. La genesi umana deriva dalla forza dell’energia naturale, da quelle esplosioni generate dalla vita e che generano ogni istante vita, a cui non possiamo sottrarci ma che possiamo contribuire a rendere ancora più affascinanti grazie all’Arte che può tutto, anche varcare confini e prospetti. Così come la chimica genera nuova materia, così fantasia e Arte possono creare nuovi pensieri, emozioni, oggetti.

Nanda Vigo reminds us that everything moves, even though man often forgets this out of fear. We live on a plant that is perpetually moving, we are moving too; the air, the light, the energy are moving. This awareness often disturbs the view of life that we cling to with our certainties that are sometimes deviated, or even wrong, to feel safer, more protected, anchored to suppositions that make us feel important and that do not remind us that we are living matter. We need “space stimulators” to resume living, to look at our energy inside us and project it towards something greater, to release the light that is innate in the soul as well as in the body, without being afraid to open up towards another dimension, towards knowledge, Art and infinity. But we also need “chronotopical visual filters” to conceive beyond reality, to go beyond dimensions and limits, to find ourselves. In Cronotopo, glass and aluminium thus amplify and shield the natural element of light to enable us to perceive it in an absolute manner. The progression of Light, which Vigo transforms into a work, marks the times of art and culture. The human genesis derives from the force of natural energy, from those explosions generated by life and which generate life in every moment, which we cannot escape but which we can help to make more fascinating thanks to Art, which can do everything, even break through boundaries and perspectives. Just as chemistry creates new matter, so imagination and Art can create new thoughts, emotions and objects.

Serena Mormino

Serena Mormino

Italia Italy

Curator: Serena Mormino Sponsor / Patronage:

Patronage:

Lugano / Honolulu Nanda Vigo negli anni 60 con uno dei suoi Cronotopo 1963 telaio in alluminio, vetri stampati aluminium frame, printed glasses 40 x 40 x 20 cm Courtesy: collezione privata private collection Photo credit: Archivio Nanda Vigo

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Laura Zeni Omini come DNA della sua anima e delle sue opere, come lettere a comporre una poesia di vita e di colore. Profili come contenitori di emozioni, di esperienze, pensieri, essenze della vita. Icone di un modo di comunicare di altri tempi. I profili della Zeni delimitano, rendendoceli visibili, e amplificano al contempo gli spazi, il dentro ed il fuori, come a voler rendere trasparente il nostro essere al punto da permettere a chiunque di metterci dentro qualcosa, di leggere come e ciò che vuole… ognuno di noi si sente perso dentro questo nuovo mondo ove crediamo di conoscere tutto e tutti… Ed ecco che i pieni diventano vuoti e un corpo svuotato del suo essere viene oltraggiosamente riempito di pensieri ed immagini altrui con l’ignorante convinzione della conoscenza. E, invece, il mondo dovrebbe tornare a ruotare nel senso giusto. Allora rileggeremmo i profili della Zeni con il loro nome, Profili Interiori, dentro cui ognuno di noi è egoisticamente nascosto… quell’essenza di ogni singolo che nessuno può rubare e mettere a nudo, ma che è ben radicata nella nostra mente, nel nostro cuore, in ogni singola cellula ed è così leggera perché forte e spirituale. I profili scultorei della Zeni ci suggeriscono che ciò che è positivo e negativo non esiste se non per la somma di entrambi, perché noi siamo anche contrapposizioni senza le quali non saremmo veri. Ed è proprio nei vuoti delle sue sculture che ritroviamo l’anima, quel complesso di energie che l’uomo non è in grado di rendere visibile con semplici tratti, perché l’anima è intangibile ed immortale.

Little people like the DNA of her soul and of her works, like letters composing a poem of life and colour. Profiles like containers of emotions, experiences, thoughts, essences of life. Icons of a means of communication of long ago. Zeni’s profiles outline internal and external spaces, making them visible and amplifying them at the same time, as though to make our existence transparent to such an extent as to enable anyone to put something into it, to read whatever they want… each one of us feels lost in this new world where we think we know everything and everybody… Now solids become voids and a body drained of its being is outrageously filled with other people’s thoughts and images, with the ignorant conviction of knowledge. Instead, the world should turn in the right direction again. So we shall read Zeni’s profiles again with their own name, Interior Profiles, within which each one of us is selfishly hidden… that essence of each individual that no one can steel and lay bare, but which is deeply rooted in our mind, in our heart, in every single cell, and is so light because it is strong and spiritual. Zeni’s sculpture profiles suggest to us that what is positive and negative does not exist except as the sum of the two, because we are also contrasts, without which we would not be real. It is in those voids in her sculptures that we find the soul, that complex of energies that man is not able to reveal with simple lines, because the soul is intangible and immortal. Serena Mormino

Serena Mormino

Italia Italy

Curator: Serena Mormino Sponsor / Patronage:

Radar 2016 - 2017 ferro, cristalli iron, crystals 130 x 120 x 100 cm Courtesy: collezione privata private collection Photo credit: Bruno Bani

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Kengiro Azuma Il 15 Ottobre 2016 inizia una nuova vita, un nuovo MU per il grande Maestro e amico Kengiro Azuma, perché la sua anima, la sua Arte è eterna e ci accompagna ogni istante… Come l’aria che respiriamo e l’acqua che genera vita, per lui i concetti di MU e di YU della filosofia zen sono pietre miliari della sua cultura, ispirazione e ragione di esistenza. MU, il vuoto, l’infinito. YU, il pieno, il finito. Il positivo ed il negativo, la vita e la morte, l’uomo e la donna, il caldo ed il freddo… perché il tutto è generato da opposti, tangibili e significativi solo se complementari e presenti. Come la scultura di Azuma, così anche la natura ci offre superfici lisce e lucide come la luce, la gioia dell’essere e la speranza; superfici opache, mosse, ruvide, spente che rimandano alle difficoltà della vita e alle sue parti oscure; opposti che si attraggono e che con la loro energia generano nuova vita… Visibile ed invisibile, Natura e Arte… corpo e anima. La Goccia… quell’attimo che non riusciamo a vedere con precisione… quell’attimo di vita senza cui la Terra non vivrebbe così come la conosciamo e l’Uomo non esisterebbe. Quell’insieme di istanti che riempiono i vuoti creando pieni e alimentando così l’istante successivo e l’intera esistenza. La Goccia diventa simbolo di vita infinita, rendendo reale, tangibile e “materiale” quell’istante di acqua, di natura, di Noi. Ho fatto mie le parole di Azuma: «Oggi più di così non potevo fare, meno di così non potevo fare».

On 15 October 2016 a new life began, a new MU for the great Maestro and friend Kengiro Azuma, because his soul, his Art is eternal and accompanies us at all times… Like the air that we breathe and the water that gives life, for him the MU and YU concepts of Zen philosophy are milestones of his culture, inspiration and reason for existence. MU, the void, the infinite. YU, the solid, the finite. The positive and the negative, life and death, man and woman, hot and cold… because everything is generated by opposites, tangible and significant only if they are complementary and present. Like Azuma’s sculpture, also Nature offers us surfaces that are smooth and glossy like light, the joy of being and hope; surfaces that are opaque, moved, rough, dull and that refer to the difficulties of life and to its dark aspects; opposites that attract and generate new life with their energy… Visible and invisible, Nature and Art… body and soul. The Drop… the moment that we cannot see precisely… the moment of life without which the Earth would not live as we know it and Man would not exist. That set of instants that fill the voids creating solids and thus nourishing the next instant and the entire existence. The Drop becomes a symbol of infinite life, making that instant of water, of nature, of Us, real, tangible and “material”. I have adopted Azuma’s words: «Today I could not do more than this, I could not do less than this». Serena Mormino

Serena Mormino

Italia Giappone Italy Japan

Curator: Serena Mormino Sponsor / Patronage:

Acknowledgements: Archivio Kengiro Azuma Le tre Gocce a Venezia MU-765 2016 ppp, 2016 bronzo, legno bronze, wood 18 x 9 x 9 cm cad. each Courtesy: collezione privata private collection Photo credit: Anri Ambrogio Azuma

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Marianne Heske Nelle tradizioni delle culture di tutto il mondo, le bambole rappresentano alcuni aspetti dell’esistenza umana. Da quando l’artista norvegese Marianne Heske ha trovato la testa in cartapesta di un’antica bambola a un mercatino delle pulci a Parigi nel 1971, ha continuato a giocare con questa idea ricorrente.

In traditions found among cultures all over the world, dolls represent certain aspects of human existence. Ever since Norwegian artist Marianne Heske found an antique papier maché doll’s head in a Parisian flea market in 1971, she has been playing with this recurring idea.

Norvegia Norway

Karen Wright

Karen Wright

Stoned 2002 pietra preziosa scolpita a mano, Zimbawe hand carved precious stone, Zimbabwe 11 x 6 x 6 cm Photo credit: Marianne Heske

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Amin Gulgee «Le campagne e le città dell’Hindustan sono molto deprimenti. I paesaggi rurali e urbani sono indistinguibili l’uno dall’altro. I giardini non hanno delimitazioni.» Così scriveva Babar, primo imperatore Moghul, nelle sue memorie intitolate Babarnama e proseguiva illustrando al subcontinente indiano il Charhar Bagh, ossia un tipo di disposizione dei giardini persiani (successivamente denominato dai Moghul Char-Bagh, che significa “quattro giardini”). Il Charhar Bagh persiano risale al VI secolo a.C.. Di questo potente simbolo, costituito da due linee perpendicolari che si congiungono al centro si sono appropriate, nel tempo, molte religioni e culture. Nell’Induismo compare come mandala, espressione di una visione dell’universo e simbolo di vita. Nei miti antichi dell’Asia centrale, rappresenta l’intersezione dei quattro fiumi dai quali un albero cosmico si innalzerebbe verso i cieli. Successivamente, nel Cristianesimo, si manifesta nella forma della croce greca. Come afferma Gulgee «Questo potente simbolo ricorre nel tempo indicandoci come noi umani possiamo condividere una consapevolezza e un’anima profonda che ci accomuna tutti». Nella sua carriera di scultore, Gulgee è tornato ripetutamente sulla forma del Char-Bagh, che ha iniziato ad affascinarlo sin dalle ricerche svolte per la tesi di laurea in Storia dell’Arte all’Università di Yale sui giardini Moghul. Per l’installazione esposta a OPEN 20, l’artista ha creato un giardino in Char-Bagh suddividendo con una croce di specchi riflettenti una superficie di sabbia. Dai quadranti apparentemente senza vita emergono 64 foglie di rame pietrificate. Ogni foglia è unica e le loro forme naturali ritorte contrastano con la rigida linearità del Char-Bagh sul quale sono poste, trasformando l’installazione in quattro giardini di vita e rinascita.

«The country and towns of Hindustan are extremely ugly. All its towns and lands have a uniform look. Its gardens have no walls.» So wrote Babar, the first Mughal emperor, in his memoir the Babarnama. He went on to introduce the Charhar Bagh garden design (later referred to by the Mughals as CharBagh, meaning “four garden”) to the Indian subcontinent. The Charhar Bagh dates back to the 6th century B.C. Persia. This potent symbol of two perpendicular lines meeting at the center has been appropriated by many religions and cultures throughout time. In Hinduism it appears as the mandala, reflecting a view of the universe, and is a symbol of life. In ancient Central Asian myths it represented the four rivers from whose intersection a cosmic tree would grow to the heavens. And later in Christianity it appears as the Greek cross. As Gulgee states «That this potent symbol appears through time is an indication of how we as humans can share a consciousness and a deep core that connects us all». Throughout his career as a sculptor, Gulgee has repeatedly engaged with the form of the Char Bagh. His fascination began with research he undertook for his thesis on Mughal gardens for his degree in Art History at Yale University. For the installation on view at OPEN 20, the artist has created a garden by dividing a field of reflective mirror with a cross of sand. Rising from the seemingly lifeless quadrants are 64 petrified copper leaves. Each leaf is unique; their twisting organic forms contrast with the rigid linearity of the Char-Bagh upon which they are placed. The resulting installation is a four garden field of life and rebirth. John McCarry

Pakistan

Curator: Niilofur Farrukh Char Bagh IV 2017 rame, specchio, sabbia copper, mirror, sand dimensioni variabili variable dimensions Courtesy: Artist and Wei-Ling Gallery, Kuala Lumpur

John McCarry

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Ana Maria Reque Nella spiaggia degli Alberoni ho trovato delle bellissime Meduse dai colori viola e trasparente, questo incontro diventa fonte d’ispirazione e si trasforma in una scultura luminosa. L’opera vuole far rivivere un instante di vita, l’acqua del mare e la materia gelatinosa che si trasformano in Terra, Fuoco e Aria, Natura che si ricicla ed evolve costantemente. Penso che ogni individuo reinterpreti in modo diverso le immagini in base alla propria cultura d’origine. Il dialogo e l’integrazione tra le tecniche e i materiali propri di culture diverse, la tecnica Raku, e la lavorazione del vetro soffiato producono nell’artista un senso di “liberazione” che raggiunge un livello imprevedibile, ricordando il momento in cui l’uomo si sottomette alla natura, grazie all’intervento dei quattro elementi si ottengono dei pezzi con superfici ricche di sfumature, di riflessi metallici ed iridescenze. In questo caso le fiamme hanno collaborato a ridefinire e decorare le superfici dell’opera Meduse.

In the Alberoni beach I found some beautiful purple coloured and transparent jellyfishes, this encounter became source of inspiration and turned into a bright sculpture. The work of art revives a moment in life, the Water of the sea and the jelly-like matter turns into Earth, Fire and Air, Nature which resurrects and constantly evolves. I think that each person reinterprets the images in a different way according to his own culture of origin. The exchange and the integration among the techniques and materials typical of different cultures, the Raku technique, and the processing of blown glass, produce in the artist a sense of “release” which reaches an unpredictable level, recalling the moment when the human being surrenders himself to Nature, thanks to the attendance of the four elements one obtains pieces having surfaces rich of shades, of metallic reflections and iridescences. In this case the flames cooperated in redefining and decorating the surfaces of the work of art Meduse.

Perù Italia Peru Italy

Ana Maria Reque Ana Maria Reque

Supporter:

Acknowledgements: Mons. Silvano Brusamento; Giuseppe La Bruna, Direttore Accademia di Belle Arti di Venezia; Paolo Giubelli, Vetri soffiati di Murano Meduse 2017 ceramica raku, vetro soffiato di Murano, led raku ceramic, Murano blown glass, led 51 x Ø 24 cm Photo credit: Gino Gabrieli

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Igor Mitoraj Igor Mitoraj nasce a Oederan, Polonia, nel 1944, e muore a Parigi nel 2014. Trascorre la sua adolescenza a Dresda. Le immagini del Rinascimento che vede stampate su vecchi libri suscitano in lui l’interesse per le belle arti. Così, dopo aver frequentato il Liceo Artistico, a diciannove anni inizia a studiare pittura iscrivendosi all’Accademia delle Belle Arti di Cracovia, dove trae profondi insegnamenti sotto la guida del professor Tadeusz Kantor, pittore importante, apprezzato in tutto il mondo per il suo teatro di avanguardia. Dopo diverse esperienze all’estero, prima a Parigi e poi in Messico, si accorge però che ha molto più potere e libertà di esprimere la propria energia creativa attraverso la scultura. I viaggi in Grecia e in Italia consolideranno infine il suo gusto per la statuaria antica e la predilezione per il bronzo e il marmo. La straordinaria arte di Igor Mitoraj deriva dalla sua capacità di fondere il passato con il presente. Non si tratta, tuttavia, di uno sguardo nostalgico al passato, né tanto meno di un semplice lavoro filologico: i frammenti di un passato, i corpi e i volti raffigurati con caratteristiche ben proporzionate, tipicamente elleniche, sono il punto di partenza per una riflessione su temi senza tempo come l’amore, ma anche la solitudine e la sofferenza. Per Mitoraj, solo l’arte è capace di proteggere l’uomo dalle aggressioni del mondo che ci circonda: è un elemento necessario alla vita di ogni giorno e indispensabile allo sviluppo intellettuale.

Igor Mitoraj was born in Oederan, Poland, in 1944 and died in Paris in 2014. He spent his youth in Dresden. The Renaissance pictures that he saw printed in old books awoke his interest in the fine arts. So, after attending the High School specialising in art, at the age of nineteen he began to study painting, enrolling at the Academy of Fine Arts in Krakow, where he benefited from the teachings of Professor Tadeusz Kantor, an important painter, appreciated all over the world for his avantgarde theatre. After various experiences abroad, first in Paris and then in Mexico, he realised that sculpture offered him much more power and freedom to express his creative energy. His travels in Greece and Italy would strengthen his taste for ancient statues and his preference for bronze and marble. The extraordinary art of Igor Mitoraj derives from his ability to blend past and present. Yet it is not a nostalgic look at the past, nor even a question of simple philology: fragments of the past, bodies and faces depicted with well proportioned, typically Greek characteristics, are the point of departure for a reflection on timeless themes such as love, but also loneliness and suffering. For Mitoraj, only art is able to protect man form the aggressions of the world that surrounds us: it is a necessary element for everyday life and indispensable for intellectual development.

Polonia Poland

Galleria d’Arte Contini

Galleria d’Arte Contini Eclisse Grande III 2010 bronzo bronze Ed. 1/8 100 x 140 x 100 cm Courtesy: Galleria d’Arte Contini

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Yana Rusnak Il senso dell’arte di Yana Rusnak risiede nel vortice dell’elemento cosmico dei sentimenti. L’artista è assolutamente sincera nella sua convinzione che Dio, essendo l’origine assoluta di ogni creazione, è amore, e allo stesso tempo motore principale dell’Universo. Yana Rusnak è un’artista ingegnosa con uno stile eccezionale e molte ambizioni. Cosmografia del microcosmo. Il triangolo d’oro e l’ovale sono il desiderio di chiarezza, proporzionalità ed armonia. Queste proprietà sono inventate dalla natura stessa. La base di tutta la creazione dell’universo è l’essere umano. Divina Proporzione. Il triangolo d’oro è un mosaico dell’universo. L’appartenenza del cosmo al campo di energia universale che non sparisce mai. L’interno infinito è l’immensità delle nostre possibilità, combinando in se stesso queste due immensità l’uomo diventa uguale all’universo.

The sense of Yana Rusnak’s art lies in the whirlpool of the cosmic element of feelings. The artist is absolutely sincere in her belief that God, being an absolute beginning of any creation, is love, and at the same the main driving force of the Universe. Yana Rusnak is an imaginative artist with a singular style and set of ambitions. Cosmography of microcosm. The golden triangle and the oval are the desire for orderliness, proportionality and harmony. These properties are invented by nature itself. At the heart of all is the human figure, a perfect creation of the universe. Divine proportions. The golden triangle is a mosaic of the universe, affiliation of the universe to the overall non-vanishing energy field. The infinite inner world is the limitlessness of our capabilities, combining these two infinities man becomes equal to the universe.

Ucraina Ukraine

Tamara Li

Tamara Li

Curator: Tamara Li Sponsor:

Nude#1 2017 acrilico su tela acrylic on canvas 230 x 140 x 3 cm Nude#2 2017 acrilico su tela acrylic on canvas 230 x 140 x 3 cm

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Richard Humann Richard Humann arricchisce la sua installazione Ascension creando nuove costellazioni che si sovrappongono a quelle già esistenti nel nostro cielo notturno. L’ascensione è l’atto del passaggio a un livello più alto o più potente, oppure la celebrazione dell’ascesa ai cieli. L’opera di Humann sfrutta con grande maestria la tecnologia della realtà aumentata coinvolgendo lo spettatore attraverso mezzi che sono al tempo stesso pubblici e profondamente privati. La nuova costellazione, The Angel Stars, è visibile sul Lido di Venezia con l’app gratuita Membit. È sufficiente che lo spettatore rivolga lo smartphone o il tablet verso il cielo per godere di questo spettacolo di realtà aumentata. Con Ascension, Richard Humann eleva alcune figure emblematiche del XX secolo collocandole nel cielo stellato. Possiamo così vedere The Blue Moon King, The Tragic Queen, The White Knight e The Four-Headed Monster, assieme ad altre otto costellazioni create dall’artista. Le immagini ibride sono quelle di Elvis Presley, di Marilyn Monroe, di John F. Kennedy, dei Beatles e di altre personalità iconiche. Per The Angel Stars, l’artista ha trasformato in immagini metaforiche proiettate nel cielo due star dell’epoca d’oro del cinema hollywoodiano, Clark Gable e Katharine Hepburn.

Richard Humann continues his art installation Ascension in creating new constellation systems superimposed over our existing ones in the night sky. Ascension is the act of moving to a higher or more powerful position, or the celebrated journey of rising to the heavens. Humann’s art installation harnesses the technology of the Augmented Reality (AR) environment and engages viewers via means that is at once public and deeply personal. The newly created constellation, The Angel Stars, is visible above the Lido in Venice when viewed with the free Membit app. The viewer simply holds their smart phone or tablet up toward the sky to see the Augmented Reality art. In Ascension Richard Humann elevates icons of the 20th Century and places them in the night sky. There are The Blue Moon King, The Tragic Queen, The White Knight, and The Four-Headed Monster, along with eight other constellations that he has created. The hybrid imagery is that of Elvis Presley, Marilyn Monroe, John F. Kennedy, the Beatles, and other iconic personalities. For The Angel Stars he has taken two movie stars of the golden age of Hollywood, Clark Gable and Katharine Hepburn and transformed them into metaphoric imagery, and then lifted them to the heavens above. Elga Wimmer

Elga Wimmer

USA

Curator: Elga Wimmer Sponsor:

Acknowledgements: Seol Park, Producer; Young Jeon, Spark Plus Art; Mia Collins, Assistant to Richard Humann; Jay Van Buren, Membit, Inc. The Scarlett Marauder 2017 realtà aumentata augmented reality dimensioni variabili variable dimensions The Lovely Lioness 2017 realtà aumentata augmented reality dimensioni variabili variable dimensions

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Biografie Biographies


Phil Akashi Belgium

Gillo Dorfles Italy

Born in Brussels, Belgium, 1978. Lives and works in Brussels, Belgium and Hong Kong, China. www.philakashi.com

Born in Trieste, Italy, 1910. Lives and works in Milan, Italy.

Kengiro Azuma Italy Japan

Marco Fioramanti Italy

1926 - 2016

Born in Rome, Italy, 1954. Lives and works in Rome, Italy. www.marcofioramanti.com Photo credit: Laura Gianetti

Giancarlo Bozzani Italy

Laura Fiume Italy

Born in Milan, Italy, in 1959. Lives and works in Milan, Italy. www.giancarlobozzani.it

Born in Urbino, Italy, 1953. Lives and works in Canzo, Como, Italy. www.laurafiume.it

Stefano Bressani Italy

Salvatore Fiume Italy

Born in Pavia, Italy, 1973. Lives and works in Pavia, Italy. www.stefanobressani.com Photo credit: Andrea Cherchi

1915 - 1997

Nando Crippa Italy

Ferruccio Gard Italy

Born in Merate, Lecco, Italy, 1974. Lives and works in Casatenovo, Lecco, Italy. Photo credit: Stefano Pensotti

Born in Vestignè, Turin, Italy, 1940. Lives and works in Venice, Italy since 1973. www.ferrucciogard.it

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Resi Girardello Italy

Gaspare Manos Italy

Born in Vicenza, Italy. Lives and works in Venice, Italy and London, UK.

Born in Bangkok, Thailand, 1968. Lives and works between London, UK and Venice, Italy. www.gaspare-foundation.com

Amin Gulgee Pakistan

Federica Marangoni Italy

Born in Karachi, Pakistan, 1965. Lives and works in Karachi, Pakistan.

Born in Padua, Italy. Lives and works in Venice, Italy. www.federicamarangoni.com Photo credit: Carlo Biasia

Marianne Heske Norway

Davide Medri Italy

Born in Aalesund, Norway, 1946. Lives and works in Oslo, Norway. www.marianneheske.no

Born in Cesena, Italy, 1967. Lives and works in Cesena, Italy. www.davidemedri.eu

Richard Humann U.S.A.

Gianfranco Meggiato Italy

Born in the Lower Hudson Valley, New York, USA, 1961. Lives and works in Brooklyn, New York, USA. www.richardhumann.com Photo credit: Jesse Strauch

Born in Venice, Italy, 1963. Lives and works all around the world. www.gianfrancomeggiato.com

Alessandro Manfredini Italy

Lucio Micheletti Italy

Born in Carpi, Modena, Italy, 1968. Lives and works in Sassuolo, Modena, Italy.

Born in Milan, Italy. Lives and works in Milan, Italy.

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Igor Mitoraj Poland

Max Papeschi Italy

1944 - 2014

Born in Milan, Italy, 1970. Lives in Milan, Italy and works around the world. www.maxpapeschi.com

Marco Nereo Rotelli Italy

Antonio Paradiso Italy

Born in Venice, Italy, 1955. Lives and works in Milan, Italy and Paris, France. www.marconereorotelli.it

Born in Santeramo, Bari, Italy, 1936. Lives and works in Milan and Matera, Italy. www.parcosculturalapalomba.it

Yoko Ono Nutopia

Gabriele Polidori Italy

Born in Tokyo, Japan, 1933. Lives and works in New York, USA. www.imaginepeace.com Photo credit: Kevin Mazur ©Yoko Ono

Born in Città di Castello, Italy, 1973 Lives and works in Città di Castello, Italy. www.fgp-design.com

Luigi Ontani Italy

Maurizio Radici Italy

Born in Vergato, Bologna, Italy, 1943. Lives and works in Rome, Italy.

Born in Palazzolo sull’Oglio, Brescia, Italy, 1958. Lives and works in Sarnico, Bergamo, Italy. www.maurizioradici.it

ORLAN France

Ana Maria Reque Peru Italy

Born in in Saint-Étienne, Loire, France, 1947. Lives and works in Los Angeles, New York, USA and Paris, France. www.ORLAN.eu

Born in Lima, Peru, 1961. Lives and works in Venice. www.anamariarequeArt.com

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Reverie Italy

Giuseppe Verri Italy

Born in Florence, Italy, 1994. Lives and works in Milan, Italy. www.reverieinarte.com www.artmoodon.com

Born in Rome, Italy, 1970. Lives and works in Lanuvio, Rome, Italy.

Yana Rusnak Ukraine

Nanda Vigo Italy

Born in Cherkassy, Ukraine, 1993. Lives and works in Kyiv, Ukraine. www.rusnak-art.com

Born in Milan, Italy. Lives and works in Milan, Italy. www.nandavigo.com

Wu Shanzhuan China

Laura Zeni Italy

Born in China, 1960. Lives and works in Hamburg, Germany, Shanghai, China and Reykjavík, Iceland. www.hanart.com Photo credit: Kitmin Lee

Born in Milan, Italy, 1962. Lives and works in Milan, Italy. www.laurazeni.it

Günter Sponheuer Germany Born in Essen, Ruhr, Germany, 1945. Lives and works in Fürstenau, Germany. www.spony-sponheuer.com

Inga Svala Thorsdottir Iceland Born in Iceland, 1966 Lives and works in Hamburg, Germany, Shanghai, China and Reykjavík, Iceland. www.hanart.com Photo credit: Kitmin Lee

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PDG Arte Communications


2017 First Karachi Biennale, Paolo De Grandis appointed international curator, Pakistan, 21/10 - 05/11 OPEN 20. International Exhibition of Sculptures and Installations, 01/09 - 01/10 17th edition, OPENPRIZE at 74. Venice International Film Festival Stills of Peace and Everyday Life, Italia e Cina, IMPROMPTU di Yahon Chang, Scuderie Palazzo Acquaviva, Atri, 15/07 - 03/09 57. International Art Exhibition – la Biennale di Venezia,13/05 - 26/11: 4th Official Participation of Andorra, Istituto S. Maria della Pietà; Official Participation of Azerbaijan, Palazzo Lezze, Campo S. Stefano; Official Participation of Mauritius, Istituto S. Maria della Pietà; Official Participation of Mongolia, Istituto S. Maria della Pietà; 9th Official participation of the Hong Kong Arts Development Council (collateral event), Arsenale, Campo della Tana; 5th Official participation of the Macao Museum of Art (collateral event), Arsenale, Campo della Tana. LINA CONDES Timeless Adventure in parallel to the Biennale Arte, Palazzo Pisani, Conservatorio Benedetto Marcello, Campo S. Stefano 13/05 - 26/11 From la Biennale di Venezia & OPEN to MACRO. International Perspectives: LI CHEVALIER Trajectory of Desire, MACRO Testaccio, La Pelanda, 27/01 - 26/03; ALESSANDRO VERDI Sulla pelle della pittura, MACRO Testaccio, La Pelanda, 12/04 - 17/05; POETRY Adonis e Marco Nereo Rotelli, MACRO Testaccio, La Pelanda, 12/04 - 17/05. 2016 Changwon Sculpture Biennale, We create things, things create us, Paolo De Grandis appointed international curator for Michelangelo Pistoletto and Jaime Arango Correa participation, Korea, 22/09 - 22/10 OPEN 19. International Exhibition of Sculptures and Installations, 02/09 - 02/10 16th edition, OPENPRIZE at 73. Venice International Film Festival From la Biennale di Venezia & OPEN to MACRO. International Perspectives: Yahon Chang THE QUESTION OF BEINGS, MACRO Rome, 23/06 - 28/08; Yi Zhou Fragments of Rome, past, future, parallel worlds, MACRO Rome, 21/10 - 27/11; María Verónica León Veintemilla GOLD WATER: APOCALYPTIC BLACK MIRRORS II, MACRO Rome 30/03 - 17/04. 15. International Architecture Exhibition – La Biennale di Venezia, 28/05 - 27/11: 6th Official participation of the Hong Kong Arts Development Council and Hong Hong Institute of Architects (collateral event), Arsenale, Campo della Tana; 2nd official participation of the Macao Institute of Architects, Coexistence, (collateral event), Arsenale, Campo della Tana.

2015 OPEN 18. International Exhibition of Sculptures and Installations, 03-23/09 15th edition, OPENPRIZE at 72. Venice International Film Festival 56. International Art Exhibition – la Biennale di Venezia, 09/05 - 22/11: 3rd Official Participation of Andorra, Spiazzi; Official Participation of Azerbaijan, Beyond the Line, Palazzo Lezze, Campo S. Stefano; Official Participation of Azerbaijan, Vita Vitale, Ca’ Garzoni; Official Participation of Ecuador, Istituto S. Maria della Pietà; Official Participation of Georgia, Arsenale; 8th Official participation of the Hong Kong Arts Development Council (collateral event), Arsenale, Campo della Tana; 5th Official participation of the Macao Museum of Art (collateral event), Arsenale, Campo della Tana; The Question Of Being, Yahon Chang (collateral event), Istituto S. Maria della Pietà; The Union of Fire and Water (collateral event), Palazzo Barbaro; Xanadu by Nikunja (collateral event), Istituto S. Maria della Pietà. 2014 OPEN 17. International Exhibition of Sculptures and Installations, 28/08 - 28/09 14th edition, OPENPRIZE at 71. Venice International Film Festival 14. International Architecture Exhibition – La Biennale di Venezia: 5th Official participation of the Hong Kong Arts Development Council and Hong Hong Institute of Architects (collateral event), Arsenale, Campo della Tana; 1st official participation of the Macao Institute of Architects (collateral event), Arsenale, Campo della Tana; The Space That Remains: Yao Jui-Chung’s Ruin Series (collaterla event), Istituto S. Maria della Pietà. 2013 OPEN 16. International Exhibition of Sculptures and Installations, 29/08 -30/09 13th edition, OPENPRIZE at 70. Venice International Film Festival 55. International Art Exhibition – la Biennale di Venezia, 01/06 – 24/11: 2nd Official Participation of Andorra, Chiesa di San Fantin; Official Participation of Azerbaijan, Palazzo Lezze, Campo S. Stefano; 1st Official Participation of Côte d’Ivoire, Spiazzi, Arsenale; 7th Official participation of the Hong Kong Arts Development Council, (collateral event), Arsenale, Campo della Tana; 4th Official participation of the Macao Museum of Art, (collateral event), Arsenale, Campo della Tana; Grand Canal, (venue to be defined); Ink Brush Heart by Simon Ma, Chiesa di San Stae; Passage to History: 20 Years of La Biennale di Venezia and Chinese Contemporary Art, Nappa 89, Arsenale; Raphsody in Green, Istituto della Pietà.

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2012 OPEN 15. International Exhibition of Sculptures and Installations, 30/08 -30/09 12th edition, OPENPRIZE at 69. Venice International Film Festival 13. International Architecture Exhibition – La Biennale di Venezia: 4th Official participation of the Hong Kong Arts Development Council and Hong Hong Institute of Architects, Inter Cities / Intra Cities: Ghostwriting the Future (collateral event), Calle della Tana, Arsenale; Dragon Horse Bond by Simon Ma, travelling exhibition in Hong Kong, Shanghai, Beijing and Miami to celebrate the 20th anniversary of Ferrari in China. 2011 OPEN 14. International Exhibition of Sculptures and Installations, 01/09 - 02/10 11th edition, OPENPRIZE at 68. Venice International Film Festival 54. International Art Exhibition – la Biennale di Venezia, 04/06 – 27/11: 1st Official Participation of Andorra, Beyond vision, Chiesa di San Samuele, Campo San Samuele; 6th Official participation of the Hong Kong Arts Development Council, Frogtopia - Hongkornucopia (collateral event), Arsenale, Campo della Tana; 3rd Official participation of the Macao Museum of Art, Mobility & Memory (collateral event), Arsenale, Campo della Tana; Days of Yi (collateral event), presented by MOCA Shanghai, Museum of Contemporary Art in Shanghai, Spiazzi, Arsenale; Neoludica. Art is a Game | 2011 – 1966 (collateral event) organised by E-Ludo Lab, Sala Dei Laneri, Centro Culturale Candiani; Pino Pascali. Return to Venice / Apulia Contemporary Art (collateral event), organised by Fondazione Museo Pino Pascali, Palazzo Michiel dal Brusà. Destiny of Drums di Mykola Zhuravel e Vitaliy Ocheretyanyy, Chiesa di San Stae 2010 OPEN 13. International Exhibition of Sculptures and Installations, 01/09 - 03/10 10th edition, OPENPRIZE at 67. Venice International Film Festival 12. International Architecture Exhibition – La Biennale di Venezia: 3rd Official participation of the Hong Kong Arts Development Council, Quotidian Architectures: Hong Kong in Venice (collateral event), Calle della Tana, Arsenale; Immaterial Spaces, Isola di San Servolo. LA PERSPECTIVE DU VENTRE, André Villers photographe et artiste_ photographer and artist, Fondaco dell’Arte, San Marco 3415, 30/07 – 17/10 2009 OPEN 12. International Exhibition of Sculptures and Installations, 02/09 - 04/10 9th edition, OPENPRIZE at 66. Venice International Film Festival

53. International Art Exhibition – La Biennale di Venezia: Official participation of Georgia, Spiazzi, Castello 3865, Arsenale; Official participation of Portugal, Fondaco dell’Arte, San Marco 3415; 6th Official participation of Latvia, Spazio Ferrari, Calle Castelli, Cannaregio 6096/A; 2nd Official participation of Morocco, Chiesa Santa Maria della Pietà, Riva degli Schiavoni; 1st Official participation of Principality of Monaco, Presidio Militare Caserma Cornoldi, Riva degli Schiavoni; 1st Official participation of Gabon , Telecom Italia Future Centre, San Marco 4826; 2nd Official participation of Syrian Arab Republic, Palazzo Zenobio, Dorsoduro 2596; 2nd Official participation of Macao, Scoletta di San Giovanni Battista e del SS. Sacramento; 5th Official participation of Hong Kong, Arsenale, Campo della Tana; 8th Official participation of Taiwan, Palazzo delle Prigioni, San Marco; Create & Change: Internal = External, 1=∞, Palazzo Pisani (S. Marina), Cannaregio 6104; AttaKim: ON-AIR , Palazzo Zenobio, Dorsoduro 2596; Alessandro Verdi: Floating in Uncertainty , Arsenale, Campo della Tana; La Punta dell’Iceberg. I Disegni di Francis Bacon, Palazzo Zenobio, Dorsoduro 2596, 07/06 – 22/11 Craxi punti di vista, Riva San Biagio, Castello 2145, 07/06 - 30/09 SPEAK THAT I CAN SEE YOU, Interactive Performance by Andrea Pagnes/ Verena Stenke, Fondaco dell’Arte, San Marco 3415, 02/04 – 3/04 2008 OPEN, 11. International Exhibition of Sculptures and Installations, 27/08 – 28/09 8th edition, OPENPRIZE at 65. Venice International Film Festival 11. International Architecture Exhibition – La Biennale di Venezia: Official participation of Latvia, Riva San Biagio; Official participation of Portugal, Fondaco dell’Arte, San Marco; 5th Official participation of Taiwan (collateral event), Palazzo delle Prigioni, San Marco; 2th Official participation of Hong Kong (collateral event), Calle della Tana, Arsenale; Next Gene 20 (collateral event), Calle della Tana, Arsenale; 2007 VISION FÈMININE. Sei Artiste Cinesi a Venezia, Fondaco dell’Arte, 20/04 - 13/05 30 DISEGNI DAL DESERTO DEI SOGNI DI OMAR GALLIANI, Hassan Museum, Rabat, 27/04 - 27/05 52. International Art Exhibition – La Biennale di Venezia: Official participation of Georgia, Campo della Tana 2126/A, Arsenale; Official participation of Portugal, Fondaco Marcello, San Marco 3415; 5th Official participation of Latvia, Scoletta di San Giovanni Battista e del SS. Sacramento;

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1st Official participation of MACAO, Riva San Biagio, Castello 2145; 1st The First Roma Pavilion, PARADISE LOST, Palazzo Pisani (S. Marina) Cannaregio 6103; 4th Official participation of Hong Kong, Campo della Tana, Arsenale; 7th Official participation of Taiwan, Palazzo delle Prigioni, San Marco; CAOS PROJECT by ALBA AMORUSON STEFANO FIORESI, MASSIMO FRANCHI E GIUSEPPE LINARDI, Sala Badoer - Scuola Grande di San Giovanni Evangelista, San Polo 2454; ENERGY OF EMPTINESS. LI CHEN, Telecom Italia Future Centre, San Marco 4826; RESONANCE by LEE UFAN, Palazzo Palumbo Fossati, San Marco 2597; TRANSCENDENTAL REALISM. THE ART OF ADI DA SAMRAJ, Palazzo Bollani, Castello. OPEN2OO7 10. International Exhibition of Sculptures and Installations, Outdoor spaces in Venice Lido, 30/08 - 14/10 7th edition, OPENPRIZE at 64. Venice International Film Festival 2006 FEZ FEZ by Fabrizio Plessi, Hassan Museum, Rabat, 30/05 - 02/07 Paolo De Grandis appointed International Director of the new Museum of Contemporary Art in Rabat, Hassan Museum, Morocco 10. International Architecture Exhibition – La Biennale di Venezia: Official participation of Cyprus, Libreria Mondadori; Official participation of Greece, Giardini della Biennale; 3rd Official participation of Latvia, Riva San Biagio, Venezia; Official participation of Luxembourg, Campo della Tana, Arsenale; Official participation of Portugal, Giardini della Biennale; 4th Official participation of Taiwan (collateral event), Palazzo delle Prigioni, San Marco; 1st Official participation of Hong Kong (collateral event), Calle della Tana, Arsenale; PROJECT BELGRADE, Scoletta di S. Giovanni Battista e del SS. Sacramento; HABITAR PORTUGAL, Fondaco Marcello, San Marco 3415. OPEN2OO6 9.International Exhibition of Sculptures and Installations, Venice Lido, 30/08 - 01/10 6th edition, OPENPRIZE at 63. Venice International Film Festival FLOWERS FROM THE EAST. Xiao Feng and his family, Hassan Museum, Rabat, 07/12 - 28/01/2007 2005 51st International Art Exhibition – La Biennale di Venezia: 5th Official participation of Estonia, Palazzo Malipiero, San Samuele; 3rd Official participation of Hong Kong (collateral event), Fondaco Marcello, San Marco; 3rd Official participation of Indonesia, Telecom Italia future Centre, San Marco; 7th Official participation of Iran, Fondazione Levi, Accademia;

4th Official participation of Latvia, Palazzo Malipiero, San Samuele; 1st Official participation of Morocco, Chiesa della Pietà, Castello; 3rd Official participation of Singapore, Calle della Tana, Arsenale; 6th Official participation of Taiwan (collateral event), Palazzo delle Prigioni, San Marco; PLAY THE GLASS, Masuda Hiromi (collateral event), Scoletta di San Giovanni Battista e del SS. Sacramento, San Marco; US Virgin Islands Council on the Arts (collateral event), The Shape of Time, Cornelia Kubler Kavanagh, Riva degli Schiavoni, Arsenale; Personal Living Space, Marya Kazoun (collateral event), Palazzo Pesaro Papafava. OPEN2OO5 8th International Exhibition of Sculptures and Installations, Venice Lido, 31/08 - 02/10 5th edition, OPENPRIZE at 62.Venice International Film Festival ATELIER APERTI/WORK IN PROGRESS, 10 Artists at Fondaco Marcello, Venice, 09 - 20 Dicember 2004 9th International Architecture Exhibition – La Biennale di Venezia: 3rd participation of Taiwan, Palazzo delle Prigioni, San Marco; 2nd participation of Latvia, Arsenale; 1st participation of Singapore, Calle della Tana, Arsenale; Venice Village, 1st Art project for international artists resident in Venice, Palazzo delle Prigioni, 05-20 June 2004 OPENASIA 7th International Exhibition of Sculptures and Installations, Venice-Lido, 01/09 – 10/10 4th edition OPENPRIZE at 61. Venice International Film Festival, Hotel Des Bains 2003 Taiwan painting exhibition - La peinture a travers les epoques - Taiwan Venice, Palazzo delle Prigioni , 3/1 - 4/3 OPEN2OO3 ARTE & CINEMA 6thInternational Exhibition of Sculptures and Installations, Venice Lido, 27/08 - 05/10 3rd edition OPENPRIZE at 60.Venice International Film Festival, Palazzo Benzon, Venice 50th International Art Exhibition – La Biennale di Venezia: 6th Official Participation of Iran, Palazzo Malipiero, S. Samuele; 5th Official Participation of Taiwan (Extra 50), Palazzo delle Prigioni, S. Marco; 4th Official Participation of Estonia, Palazzo Malipiero S. Samuele; 3rd Official Participation of Latvia, Palazzo Malipiero, S. Samuele; 2nd Official Participation of Hong Kong (Extra 50), Ramo della Tana, Arsenale; 2nd Official Participation of Singapore, Fondazione Levi, Accademia; 2nd Official Participation of Indonesia, Palazzo Malipiero, S. Samuele. Kuma La Luce Circolante, Cloister S. Francesco della Vigna, Arsenale Masuda Hiromi PLAY THE GLASS con tenerezza, Cloister S. Francesco della Vigna, Arsenale Angel Orensanz Burning Universe, Palazzo Malipiero, S. Samuele

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2002 Korea-Seoul International Flag Art Festival - The official opening ceremony of 2002 FIFA World Cup Korea/Japan, 29 May - 25 June OPEN2OO2 L’Imaginaire Féminin 5th International Exhibition of Sculptures and Installations, Venice Lido, 29/08 - 06/10 2nd edition, OPENPRIZE at 59. Venice International Film Festival, The Guggenheim Collection 8th International Architecture Exhibition – La Biennale di Venezia: 2nd participation of Taiwan, Palazzo delle Prigioni 1st participation of Ukraine, Pavilion Italia Biennale Gardens 1st participation of Latvia, Pavilion Italia Biennale Gardens Taiwan painting exhibition - La peinture a travers les epoques- Taiwan Montecatini Terme 07/12, 2002 - 01/01 2003 2001 49th International Art Exhibition – La Biennale di Venezia: 4th Official Participation of Taiwan, Palazzo delle Prigioni, San Marco; 1st Official Participation of Hong Kong, Ex Musicanti, S. Apollonia; 1st Official Participation of Singapore, Schola S. Apollonia; 2nd Official Participation of Republic of Latvia, Church S. Lio; 1st Official Participation of Jamaica, Ex Oratorio S. Filippo Neri; 1st Official Participation of Ukraine, Biennale Gardens; 29th Official Participation of Greece, Biennale Gardens; OPEN2OO1 Globalization of Culture – 4th International Exhibition of Sculptures and Installations, Venice Lido, 29/08 - 07/10 1st edition, OPENPRIZE at 58.Venice International Film Festival, The Guggenheim Collection, Venice 2000 OPEN2OOO 3rd International Exhibition of Sculptures and Installations, Venice Lido 30/8 - 30/10 Apocalisse Maria Luisa De Romans, Venice, S. Stae Church, May - July Auguste Rodin Plasters&Bronzes, Palazzo delle Prigioni, June-November 1999 48th International Art Exhibition – La Biennale di Venezia: 3rd Official Participation of Taiwan, Palazzo delle Prigioni, San Marco; 1st Official Participation of the Republic of Latvia; V.O.C. China Taiwan, Ateneo Basso (collateral event). The End of the Great Utopia, Turovski August Rodin Gessi e Bronzi, Venice S. Stae Church, August/November Auguste Rodin Plasters&Bronzes, Bologna, Palazzo Pisani, December/ January SEZIONE GIOVANI- 1° Exhibition of young artists, Venice, Palazzo delle Prigioni OPEN1999 2nd International Exhibition of Sculptures and Installations, Venice Lido, Sept. - Oct. 1998 OPEN1998 1st International Exhibition of Sculptures and Installations,

Venice Lido – Sept-Oct. Icaro nel cielo di Venezia, Venice, Palazzo delle Prigioni 1997 47th International Art Exhibition – La Biennale di Venezia: 2nd Official Participation of Taiwan, Palazzo delle Prigioni, San Marco; 1st Official Participation of the Republic of Estonia, open space Biennale Gardens; 2nd Official Participation of the Republic of Macedonia, S. Giovanni Novo Church. 1995 46th International Art Exhibition – La Biennale di Venezia: 1st Official Participation of Taiwan, Palazzo delle Prigioni, San Marco. 1992 Pablo Picasso, Salvador Dalì, Marc Chagall 1989 Trittico della pace, Ireland, Dublin - Museum of Modern Art, Belfast Museum of Modern Art, Kilkenny Museum of Modern Art; Work: George Dokoupil 1988 Birds in spirit, Venice - Biennale, Museo di Sant’ Apollonia; Works: Marcia Grostein, Hunt Slonem 1987 Calligraffiti of Fire, Paris, Sami Kinge Gallery - Curator: William S. Burroughs, Work: Brion Gysin 1986 The Knot Arte Povera at P.S.1. New York - Curators: Germano Celant and Alanna Heiss - Works: Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone and Gilberto Zorio - First Presentation of Arte Povera 1985 Arte Santa, Ravenna, Loggetta Lombardesca - Curator: Achille Bonito Oliva - Works: Julian Schnabel, Joseph Beuys, Enzo Cucchi, Andy Warhol, Gino De Dominicis, etc. 1984 Quartetto, Venice - Commitee of Critics: Achille Bonito Oliva, Alanna Heiss, Kaspar Koenig. Artists: Joseph Beuys, Bruce Nauman, Enzo Cucchi, Luciano Fabro. PREMIO ACADEMIA FOUNDATION ALLA XLI BIENNALE DI VENEZIA XLI Biennale Award to the artist Lothar Baumgarten by an international committee of critics

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Ringraziamenti Acknowledgements Maurizio Bartoli, Rossella Bagnardi, Paolo Ballarin, Erika Bello, Ugo Bergamo, Massimo Bran, Andrea Buono, Beatrice Buono, Renzo Busetto, Luca Caruti, Massimiliano Caldart, Danny Carella, Giulia Cozzolino, Federico Curtoni, Ermelinda Damiano, Barbara De Zorzi, Laura Fanecco, Alessio Lazazzera, Mariachiara Marzari, Pierluigi Morasco, Luca Pradel, Ilio Rodoni, Giovanni Roncan, Giovanni Rossi, Mara Rumiz, Sandra Speirs, Constance Stancanelli, Roberto Viola, Claudio Zambon, Riccardo Zennaro.

VENEZIA SPIAGGE SpA

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www.vellardi.com


Azienda Vinicola

Via Osimana, Camerano Ancona


Finito di stampare nel mese di agosto del 2017 da Europrint, Treviso.


COMMUNICATIONS

ARTE

ARTE

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OPEN 20. Esposizione Internazionale di Sculture ed Installazioni  

OPEN 20. Esposizione Internazionale di Sculture ed Installazioni  

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