Técnicas y materiales en la pintura abstracta

En los años 1912-1914 artistas abstractos desarrollaron nuevos métodos introduciendo elementos reales en sus pinturas, como periódicos, que pegaban directamente en la superficie. Esta técnica se dio a conocer como “collage” y en la actualidad es un proceso artístico reconocido. Los artistas abstractos de Europa y, sobre todo, de Estados Unidos, han desarrollado métodos experimentales con técnicas y materiales. Aunque estos artistas eran conscientes de su lugar en la historia, produjeron obras de arte que posiblemente no permanezcan en el tiempo.

La historia de la abstracción tuvo un curso diferente en Estados Unidos. Con el apoyo del crítico de arte Clement Greenberg, la pintura del “arte por el arte” tenía poco que ver con la vida y su principal preocupación era con qué se hacían las pinturas. Greenberg fue el primero en apoyar públicamente a Jackson Pollock, quien se hizo famoso por derramar y aplicar pintura de uso doméstico en sus lienzos para conseguir un efecto “all –over” (por todas partes). Helen Frankenthaler aclaró la pintura al óleo con trementina para “manchar” lienzos no imprimados. En 1959, Frank Stella expuso sus “pinturas negras” que creó aplicando sistemáticamente pintura de uso doméstico en tiras suaves con la anchura de un pincel, y dejando una “raya” fina entre las marcas. Las téc- nicas y los materiales que se utilizaron para crear estas pinturas destacaban la “planicidad” y la forma rectangular de los lienzos, de forma que se reforzaba la idea de Greenberg sobre la pintura moderna. Gerhard Richter utilizó técnicas abstractas innovadoras, pero aprendió de las lecciones del pasado para que sus pinturas perduraran más. A finales de los 80, Richter comenzó a trabajar en una serie de grandes pinturas abstractas que, sor- prendentemente, mostraban un hiperrealismo subyacente. Se pintaba una capa fina y después se dejaba secar durante semanas. Los ayudantes de Richter preparaban su pintura al óleo, que se tamizaba con muselina para eliminar los grumos de pigmento que pudieran quedar. De forma inusual, Richter trabajaba con una espátula de grandes dimensiones, un trozo de metacrilato incrustado en madera, que movía por todo el cuadro o de arriba a abajo, embadurnándola de pintura y extendiéndola de forma desigual, con lo que la fina capa de pintura que estaba debajo quedaba inundada.

El arte abstracto o abstraccionismo reúne un conjunto de movimientos diferentes entre sí. Aun así, podemos resumir algunas características fundamentales compartidas.

Renuncia al FIgurativismo o naturalismo

El arte abstracto renuncia por completo al figurativismo al prescindir de representar objetos reconocibles. De esta manera, atesta un golpe contra la tradición occidental que, hasta el siglo XIX, se basaba en la imitación de la naturaleza.

Protagonismo de los elementos plásticos

En el arte abstracto, el protagonismo lo tienen los elementos plásticos en sí, sobre los cuales se carga todo el peso significante. La línea, el punto, el color, el plano, la geometría (plana o espacial), el material y la composición son el foco de interés del artista, y no meros recursos para referir elementos externos a la obra.

Libertad compositiva

El enfoque del arte abstracto favorece la originalidad y la libertad absoluta de los artistas en materia de composición plástica. Por ello, el abstraccionismo agrupa tendencias totalmente diferenciables entre sí que, además, han logrado impactar en la cultura visual contemporánea.