1.1 Keith Haring

Keith Haring

Keith Haring (1958-1990) si è unito a una lunga ma sporadica schiera di artisti del XX secolo che hanno portato elementi della cultura popolare, della “low art” e della non-arte negli spazi un tempo esclusivi della “high art” di musei e gallerie. Ha attinto alle tecniche e ai luoghi dell’arte di strada, come i graffiti e i murales, ha utilizzato colori vivaci e artificiali e ha mantenuto le immagini accessibili per catturare gli occhi e le menti degli spettatori e indurli sia a divertirsi sia a impegnarsi in questioni importanti. Tra anni Settanta e Ottanta il paesaggio urbano delle metropoli statunitensi si trasformò inesorabilmente in una landa di segni e signiticati.

La città è il terreno di una delle sottoculture più vive del XX secolo: dall’immagine alla musica, dalla politica allo stile, fino al cinema. L’origine di questa cultura visiva è analoga a quella musicale con la nascita del rap e dell’hip hop. Le immagini e i testi ingannevolmente semplici di Haring, sono nati inizialmente nelle stazioni della metropolitana, sui cartelloni neri vuoti in attesa delle affissioni pubblicitarie: fin dall’inizio la sua opera è caratterizzata dall’uso massiccio di figure stilizzate, simboli, ideogrammi ispirati al mondo dei fumetti. Le sue opere hanno fornito commenti culturali toccanti e taglienti su temi quali l’AIDS, la tossicodipendenza, l’amore illecito e l’apartheid. Sia come artista che come attivista, Haring ha stabilito che la rappresentazione di questioni serie può essere divertente o almeno vivace se comunicata attraverso immagini altamente cartoonesche e scelte di colori fresche e vivaci. L’impegno di Haring verso linee pulite e immagini semplici ha dato nuova vita alla figurazione in pittura, in contrasto con gli approcci più astratti e concettuali della generazione precedente e con la pittura gestuale più espressionista dei suoi contemporanei. Haring ha dimostrato la possibilità di utilizzare luoghi pubblici, solitamente non dedicati all’arte, per condividere messaggi artistici e politici con un pubblico multiplo. Ha dato credibilità e legittimità alla street art e l’ha portata nelle gallerie d’arte e nei musei, ispirando una nuova generazione di artisti dalla strada alla galleria:

Il mio contributo al mondo è la mia abilità nel disegnare. Dipingere è ancora sostanzialmente la stessa identica cosa che fu nella preistoria. Riunisce l’uomo e il mondo. Vive nella magia.33

Molti intendono l’etica generale della Street Art come una ribellione contro lo status quo. Per Haring questo includeva lo stesso mondo elitario delle belle arti. Sebbene l’arte popolare rurale, tecnicamente non addestrata, avesse trovato una nicchia, la street art urbana è stata ampiamente riconosciuta solo dopo il successo commerciale degli anni Ottanta di Haring e di altri artisti come Basquiat. Il successo di Haring ha conferito credibilità e legittimità alla Street Art, dimostrandola degna di essere esposta nelle gallerie d’arte e nei musei.

33 Kay Haring, Robert Neubecker, Keith Haring: The Boy Who Just Kept Drawing, Dial Books, New York 2017.

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Keith Haring, Heart, 1982 Uno dei suoi primi lavori, questo radioso motivo del cuore/amore si ripresenterà in molti dipinti e disegni per tutto il resto della sua carriera. Questa innocente ma controversa immagine di due uomini innamorati è blanda rispetto alle successive immagini di Haring, ma l’audacia di rappresentare l’amore omosessuale in questo momento era già un’affermazione significativa e un risultato marcato in un ambito culturale più ampio. In quest’opera denominata “Heart”, due persone sono raffigurate mentre si amano, e le linee di energia spesso utilizzate da Haring sottolineano questo stato euforico tanto quanto il movimento cinetico dei corpi di queste figure nello spazio. L’immagine riassume in molti modi l’atteggiamento ottimistico di Haring, che in fondo era per molti versi un romantico, che credeva nell’umanità e nel potere dell’amore.

Dal punto di vista visivo, l’immagine è un classico di Haring, con la sua superficie piatta e bidimensionale, la sua semplicità da cartone animato e l’uso di colori vivaci e saturi. Haring ha spesso delineato i suoi personaggi e le sue scene con spesse linee nere che ricordano molti artisti moderni precedenti (come Picasso di cui era follemente influenzato). Haring utilizzava linee vibranti all’interno e intorno ai suoi soggetti per trasmettere energia, sia positiva che negativa.C’è una reintroduzione della cornice, segno di un ponte culturale tra una forma d’arte totalmente pubblica e aperta, e una più concentrata sul sistema istituzionale con i suoi codici e le sue convinzioni.

L’interesse che Keith Haring mise anche nella musica lo convinse a realizzare alcune copertine per album soprattutto rap e a creare un immaginario di rimbalzo per questo genere. Nel 1983 creò la copertina dell’album Life is Something Special dei NYC Peech Boys, band di musica elettronica legata al Paradise Garage, il club di New York che fu teatro delle famose performance di body painting di Haring con Grace Jones. Gli omini danzanti e il bambino che gattona (senza i soliti raggi che emanano dalla sua figura, quello che poi diventerà famoso come il Radiant Child). Realizzò anche nello stesso anno la copertina del singolo Without You di David Bowie, tratto dall’album Let’s Dance, con altri due omini che si abbracciano disegnati con una rapida linea nera. Il messaggio di inclusione è evidente.

NYC Peech Boys, Life is Something Special, 1983 Keith Haring e Grace Jones, 1986

David Bowie, Without You, 1983

Quello con il mondo della musica non fu un lavoro a senso unico, ma un dare e ricevere continuo. Haring si fece influenzare dalla musica stessa e dalle parole di alcuni gruppi hip-hop. Il murales newyorkese “Crack is Wack” (il crack è terribile) del 1986, realizzato per sensibilizzare l’America sulla pericolosità di questa terribile droga, porta infatti con sé una frase che era il motto tra molti rapper afroamericani del periodo. Un’esclamazione che deriva dal singolo electro hip-hop dei Turning Point, “Life is Fresh/Crack is Wack” del 1986.

Crack is Wack è un murale pubblico dipinto su un campo da pallamano ad Harlem, New York, Si tratta di un’opera monocromatica di colore arancione con le caratteristiche linee nere di Haring che delineano le scritte e i caratteri. Si tratta di un esempio dei numerosi dipinti e murales pubblici che Haring realizzò in tutto il mondo tra il 1982 e il 1989, ma è particolarmente degno di nota per la sua esecuzione originariamente illecita (anche se la città di New York l’ha rapidamente adottata) e per il fatto che affronta direttamente un problema sociale in un luogo particolarmente vulnerabile. L’espressione “Wack” è un termine gergale che significa “non buono”. Una pipa da crack in basso riporta il messaggio centrale all’interno di una nuvola di fumo. I simboli della morte del teschio incombono, poiché il denaro brucia e viene sprecato mentre i tossici sono consumati dai demoni personali e dalla dipendenza. Un suggerimento dei sintomi simili alla pazzia che la dipendenza dalla droga potrebbe produrre) può essere vista nell’animale con gli occhi distorti. La croce è un simbolo religioso ricorrente nei dipinti di Haring, che rappresenta un’istituzione dogmatica e giudicante. Dal punto di vista compositivo, Haring mantiene il messaggio testuale in primo piano, ma allo stesso tempo lo integra nel più ampio gruppo di immagini circostanti, in parte attraverso i punti dinamici che riempiono parzialmente le lettere del messaggio, risuonando con le linee emanate dalle figure su tutti i lati.

Keith Haring, Crack is Wack, 1986