Revista Street Wear

2,50 € MAYO ESPAÑA 2019

DE DONDE VIENE EL STREETWEAR UN REPASO A ALGUNOS INFLUENCIADORES

NUEVAS COLECCIONES Y MATERIALES

STREET WEAR Director ejecutivo Rubén Lobato Andrés Director de arte Guillermo Rodríguez Jefa de diseño Ana cilia avilez Jefe de diseño iPad José Roque Gutiérrez Diseñadores Víctor Axel Peralta Luis Gerardo Hernández Editor web Roberto sierra Coordinadora editorial de SW digital Emma Sibaja Asistente editorial de SW digital Paloma González Fotógrafos e ilustradores Jaime Arrau, Nick Carvell, Israel Esparza, Adrián Gaut, Ignacio Huízar, Jason Kim, Diego Lafuente, Matallana, Luz Montero, Nino Muñoz, Tom Schirmacher, Simon Webb.

Estilismo, maquillaje y peinado. Benjamín Valdés.

Director Rafael Molano Guzmán Subdirector Alfonso Parra Jefe de redacción Jesús Alberto Germán Editor de moda Fernando Carrillo Coordinador editorial David Alejandro Chávez Director de diseño digital Jose luis antillón Directora de archivo gráfico y consejera editorial Virginia núñez Coordinador Senior del archivo gráfico y documentación Ricardo osorio Coordinadora del archivo gráfico y documentación Eréndira Pita Ejecutivas de Ventas Ruth Baqueiro, Gioconda (Jill) Vélez-Broo ks, Andr ea García IA Sant Oyo Directora de producción Viridian a Sala s Coordinadora de producción Nancy Moreno Directora de Marketing Rosa maria gardea Gerente de marketing publicitario Carlos fajer Gerente de marketing editorial Elizabeth Cortés Directora de relaciones públicas Karina balderas Gerente de relaciones públicas Enrique Sánchez Armas Directora de Recursos Humanos Fernanda Herrera Gerente de ventas senior: Gioconda (Jill) Velez-Brooks 800 South Douglas Road, Suite 835, Coral Gables, Florida, 33134 EE. UU. Tel. (305) 371 9393 Fax (305) 371 9392 Colaboradores Sivasdescalzo,Highsnobiety, Enfemenino, Majos, Sneakernews, Hypebeast, Dazed

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Un paseo por la historia de la moda: curiosidades de diseño La moda de diseño, entendida como la capacidad creativa de sastres y modistos de inventar nuevas prendas y cortes, fue in crescendo. La variedad de telas, cortes y colores fue cambiando constantemente creándose tendencias de cada época.

Ya en aquella época los nobles egipcios utilizaban distintos tipos de tela y patronaje para distinguir su posición social a través de su ropa y existían sastres y modistos. Además, los egipcios adinerados utilizaban pieles cortadas por modistos y piedras preciosas para adornar sus atuendos.

Inicialmente usaban algodón y más tarde el lino porque era considerado más puro. El color más habitual era el blanco, acompañado de dibujos en los bordes.

Los modistos griegos utilizaban lino, lana y pieles para elaborar la ropa.

La moda de diseño se diferenciaba de la egipcia por la introducción de gran variedad de prendas. La diferenciación de moda otoño-invierno y primavera-verano comenzaba con el pueblo griego. Sin embargo, las diferencias entre ropa de hombre y

ropa de mujer eran menores que en la tierra del Nilo.

La moda de diseño de Roma fue la más rica de todas. El famoso escritor romano Plauto llegó a parodiar en una de sus comedias los grandes gastos que realizaban los romanos para tener un armario lleno. Esta fue la época de esplendor de bordadores, camiseros, curtidores, tintoreros y zapateros. A diferencia de los griegos, los romanos cosían sus telas, principalmente de lino e hilo. Los romanos más ricos se permitían el lujo de tener sastres entre sus esclavos, aunque los oficios artesanos relacionados con la moda de diseño fueron ganando prestigio progresivamente.

Los romanos utilizaban amplias telas para cubrir su cuerpo. La prenda por excelencia era la toga aunque la prenda que siempre llevaban era la túnica, ya que esta iba inmediatamente pegada a su cuerpo. Era parecida al chitón griego y el corte era el mismo tanto para hombre como para mujer.

En cuanto al calzado romano, aunque la sandalia seguía siendo un habitual había distintas versiones como la cáliga y el campago y numerosos accesorios como anillos, brazaletes y collares. Estos accesorios también los llevaban junto con cadenas de oro, perlas y piedras como rubíes y esmeraldas.

La moda de diseño de la Edad Media sigue estando liderada por los romanos aunque éstos adoptaron prendas y estilos de bárbaros, bizantinos y árabes. Salvo para actos oficiales, los romanos dejaron de utilizar la toga, influenciados por el pudor de las creencias cristianas. La tendencia de la moda de diseño fue la de cubrir el cuerpo. En esta época lograron gran popularidad los talleres de moda de diseño que innovaban distintas prendas como calzas a la española y talles como jubones y corpiños. Aunque la mayor novedad fueron, sin lugar a dudas, las faldas, que llegaron desde Italia.

La moda de diseño de la Edad Moderna se caracteriza por grandes cambios de principio a fin. El Rena-

cimiento fue la época de esplendor de la moda italiana con sombreros de plumas, zapatos de punta ancha y sombreros de pluma. Las mujeres continúan llevando jubones y corpiños y se imponen las faldas y sobrefaldas hasta que en España se impone el verdugado, una saya acampanada sostenida por un armazón de alambres o madera.

A medida que se acerca la Revolución Industrial se empiezan a llevar vestidos, pelucas y grandes sombreros aunque en España lo que se impone son las mantillas para la cabeza, siendo las más admiradas las de fabricadas en seda.

Moda en los años 30 En los años 30 se popularizaron los pantys y los trajes de chaqueta y, en los años 40, se volvió a un look más elegante de manos de Christian Dior con vestidos más ceñidos a la cintura. Las curvas femeninas se asociaron a un ideal de belleza con actrices como Marilyn Monroe como referentes.

Moda en los años 60 y 70 Empezaban a imponerse los zapatos puntiagudos, accesorios y complementos como bolsos que se llevaban al codo y estampados de flores que, en los años 60, son sustituidos por pantalones de campana y blusas de algodón. En los años 70 se mantienen los temas floreados que se mezclan con “moda retro”, triunfando las botas entre las mujeres.

Moda en los años 80 y 90 En los años 80 y 90 se sigue en una línea de libertad de expresión y comodidad con la novedad de la transparencia en la ropa. La lencería deja de ser un tabú y es habitual que los tirantes de los sujetadores sean visibles, permitiendo a la mujer mostrarse como quiera. Cada vez más los looks se asocian a grupos sociales y camisetas con mensajes y se popularizan el tinte de pelo, los piercings y los tatuajes.

A partir del siglo XXI, año 2000 se empieza a hablar de tribus urbanas y 3

se asocian una serie de marcas y estilos a cada una de estas “tribus”. El traje y los vestidos clásicos se llevan solo en ocasiones especiales y para trabajar en entornos exclusivos o de cara al cliente. Nace una tendencia hacia la customización de la ropa.

Son muchas las personas que crean sus propias prendas y accesorios y las opciones de diseño y personalización se incluyen en procesos de fabricación a escala mundial.

La ropa es un reflejo de la personalidad y la individualidad de cada persona, una forma más de expresarse. Los trajes y vestidos de marcas de lujo se vuelven a pedir a medida y se paga por la exclusividad. La moda de diseño vuelve a ser trendy y se considera artistas a modistas y diseñadores de moda.

Streetwear: Una historia de autoexpresión Lo que durante mucho tiempo fue visto de forma peyorativa por el mundo de la moda, hoy es una industria que mueve billones de dólares y que se reinventa cada día.

Diversas teorías se manejan respecto al origen del streetwear. Así como tampoco existe un consenso 4

claro sobre su significado, algunos argumentan que el streetwear es, de hecho, más un modelo de negocio que un tipo de estilo. Y es que el streetwear es algo que vive en tránsito, que va reflejando momentos de la historia y que ha adquirido cada vez más relevancia. Un movimiento que no tiene reglas estrictas y que está en constante cambio. Lo que durante mucho tiempo fue visto de forma peyorativa por el mundo de la moda, hoy es una industria que mueve billones de dólares y que se reinventa cada día.

Una de las teorías más aceptadas respecto al origen del streetwear es que surgió en los años 70 en California.

Se dice que Shawn Stussy fue el que comenzó rayando su apellido en sus

tablas de surf hechas a mano. Después comenzó a usar su firma como logo en camisetas, shorts y gorras que vendía fuera de su auto alrededor de Laguna Beach. Para muchos este fue el inicio de la autoexpresión en la moda y el punto de partida del streetwear.

A principios de los años 80, las industrias de la moda del hip hop empezaron a fusionarse con ropa deportiva – lo que derivó en el aumento de la popularidad de las empresas como Kangol, Adidas, Nike y Le Coq Sportif. La industria de pronto se convirtió en un fenómeno internacional. Continentes y países comen-

zaron a desarrollar su propio estilo identificando a su propia cultura. Se extendió al Reino Unido, Sudáfrica, India, Canadá y muchas zonas del sudeste asiático.

Sin embargo, otra teoría apunta a que el movimiento surgió a finales del siglo 20 como una reacción en contra de la producción en cadena ampliamente masificada en los centros comerciales.

Independiente de su origen, hoy en día el streetwear ha cruzado las fronteras de la ropa y se ha trasladado a distintas áreas de la moda.

Lentes de sol y bolsos están cada vez más presentes en los look de sus seguidores y marcas como Eastpak o Blackflyz han comenzado a producir este tipo de accesorios inspirados en

el streetwear.

Ahora, qué es lo que viene en el streetwear? Mientras que diseños innovadores siguen predominando en poleras o jeans, muchas marcas están comenzando a entrecruzar estilos, mezclando lo casual con ropa inteligente. Esto es lo que ha estado haciendo marcas como Volcom y Hurley.

Este mercado también está siendo más prominente en el segmento femenino, marcas como MbyM y Gentle Fawn han comenzado a producir ropa para mujeres, siendo que en un comienzo las marcas tenían

Hoy en día, las líneas entre la pista y lo que conocemos como “streetwear” están borrosas más allá de casi todo reconocimiento.

Cuando se anunció a fines del año pasado que la floreciente marca Stüssy celebraría su 35 aniversario con una colaboración con el seminal Dover Street Market de Comme des Garçons , la ironía no se habría perdido en Shawn Stüssy. Era una asociación que aparentemente reflejaba la fusión de los mundos de moda urbana y alta moda, con las diferencias entre cada uno lentamente siendo indistinguibles.

Este cambio fue algo que el propio Stüssy había predicho casi dos décadas antes y, en última instancia, contribuyó a su salida de su marca homónima.

Para Stüssy, fusionar sus sensibilidades dirigidas por la calle con un tipo de diseño más desafiante era el futuro; sus colegas en ese momento no estaban de acuerdo.

Hoy en día, las líneas entre la pista y lo que conocemos como “streetwear” están borrosas más allá de casi todo reconocimiento. Cada vez más, las creaciones más emocionantes de la pasarela cuentan con elementos que se pueden clasificar como streetwear, desde las juveniles prendas post-soviéticas y las sudaderas de gran tamaño con influencia de Thrasher de VETEMENTS , hasta la ropa deportiva de Nasir Mazhar y la visión exacta de Cottweiller . . Cada vez más, los puntos de referencia de la alta moda se están entrelazando con la naturaleza cruda y visceral de la cultura callejera. Como lo demuestra el modelo de monopatín en la campaña SS16 de Gucci , lo bajo y lo alto están encontrando una forma nueva e inesperada de coexistir.

como foco el target masculino.

Como vemos, es la historia de cómo un pequeño movimiento logró hacer burla del status que de la industria de la moda, hacer de sus ropas una forma de autoexpresión y reflejo de lo que se vivía en las calles… y que, sin duda, marcó un antes y un después en la forma de vestir.

Cómo se difuminan las líneas entre el streetwear y la pista

Por supuesto, tomar prestada inspiración de la calle y traducirla a la pista no es nada nuevo. Yves Saint Laurent tomó repetidamente lo que vio en las calles de París y lo filtró a través de su propia y única visión, algo que Hedi Slimane evocaría más tarde

Cada vez más, las creaciones más emocionantes de la pasarela cuentan con elementos que se pueden clasificar como streetwear como defensa de su estética de la tienda de segunda mano en Saint Laurent . Y, más recientemente, Riccardo Tisci, de Givenchy, tomó artículos básicos de moda, como la humilde camiseta gráfica y la mochila, y los hizo suyos mejorándolos con la artesanía que viene de ser una histórica casa de moda francesa.

Desde Gosha Rubchinskiy y VETEMENTS hasta Nasir Mazhar y Off White, los diseñadores de hoy están eludiendo las categorizaciones tradicionales.

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Stüssy & Dover Street Market, colección “World Tour” de marca compartida de Drop

La colección “TX-074” de JAPAN & C2H4 de Mastermind está en línea recta desde el futuro

Stüssy y Dover Street Market continúan sus colaboraciones anuales con la presentación de una nueva colección “World Tour” de SS19.

Después de dar un primer vistazo a su presentación FW19, la colaboración de C2H4 con Mastermind JAPAN ofrece una visión general completa, cortesía del sello de Los Angeles y de la marca japonesa.

Consisten en camisetas de manga corta y larga, suéteres de cuello redondo y sudaderas con capucha, las siluetas están adornadas con los logotipos de ambas marcas. Más específicamente, la parte frontal de las piezas muestra la marca de la casa de DSM yuxtapuesta contra el logotipo de Stüssy junto a las ciudades de sus notables tiendas de capítulos. En la parte posterior, el tema de la gira mundial continúa con cinco ciudades clave tanto en Nueva York como en California que figuran en la lista, mientras que también presenta el motivo “S” entrelazado de Stüssy y su marca en el guión.

Representada en colores rosa, amarillo, azul, blanquecino, gris ceniza, blanco y negro, la colección completa ya está disponible para comprar en las tiendas de capítulos Stüssy, DSM LA y DSM London, así como en línea. Los precios van desde $ 40 a $ 95.

Titulada “TX-074”, la gama de colaboración abarca chaquetas, pantalones de chándal, shorts, sudaderas con capucha, suéteres y camisetas que se detallan con gráficos sencillos, como el motivo del cráneo y los huesos de Mastermind JAPAN, el texto en japonés, así como la marca C2H4.

Además, C2H4 señala que el editorial pone énfasis en una empresa virtual ficticia de ciencia y tecnología “C2H4® Robotics”, “que fabrica robots súper inteligentes especializados en la búsqueda de soluciones”, y destaca el modelo denominado “TX-074”, también conocido como “El Maestro”.

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Toda la gama se presenta en tonos versátiles de negro, gris y blanco, mientras que la colección también se complementa con una línea de accesorios como una gorra con el logotipo bordado, una bandolera, una máscara y calcetines, todos los cuales están detallados con los motivos de colaboración. .

son Voorhees en Viernes 13, hechas de piezas de gorras de HUF, Stüssy o Ralph Lauren. Y también tiene otras que recuerdan a Frankenstein hechas a partir del cuero de botas de cowboy. Por no hablar de las pelucas como las que llevaba Cleopatra pero en versión contemporánea y hechas con calcetines flúor de Nike.

La colección maestra JAPAN x C2H4 “TX-074” está programada para caer el 30 de marzo en el sitio web de C2H4. Las cantidades son extremadamente limitadas.

Y es por esto que destacan los diseños de Shin, por su calidad DIY y por la originalidad de los diseños.

Si revisamos máscaras recientes que han diseñado diferentes marcas de moda, nos vienen a la cabeza los balaclavas de Calvin Klein y Gucci, o las máscaras joya que tapaban toda la cara de Maison Martin Margiela, sorprendentemente llevadas por el

SHIN MURAYAMA, EL ESCULTOR DE STREETWEAR

Nacido en Niigata (Japón) en 1977, graduado de la prestigiosa universidad Bunka de Tokio, empezó a diseñar para varias marcas de moda.

No fue hasta 2008 cuando se mudó a Nueva York y decidió embarcarse en lo que él llama su proyecto de máscaras bajo el nombre de Twoness. No se sabe exactamente porqué Shin decidió dedicarse únicamente a crear máscaras, pero está claro que su decisión no podría haber sido más acertada.

Shin, que se llama a sí mismo creador de esculturas blandas, diseña máscaras parecidas a las que lleva Ja-

A principios de este mes, Brain Dead abandonó una colaboración con Slam Jam , ya que ahora la etiqueta con sede en Los Ángeles lanza un nuevo lote de productos para el verano de 2019.

Liderando el camino está la selección de camisetas de manga corta con gráficos coloridos, que puedes combinar con el teñido salpicado de Brain Dead y el pantalón de playa de tinte de mármol. Destacados adicionales incluyen la camisa de bolos que se ofrece en dos combinaciones de colores, así como la camisa de aloha con estampado completo. La marca también ofrece dos estilos de ropa de abrigo para el verano de 2019 con el anorak de cremallera completa de nylon y la capa de trabajo con paneles, con el primero en dos tonos.

Ha llegado a colaborar con marcas del calibre de Stüssy, HUF o Alyx, y el rapero A$AP Rocky.

Cuando se habla de reworks normalmente se piensa en zapas tuneadas, logos en sitios que no tocan o dos mitades de camisetas mal cosidas a lo Vetements. Lo último en lo que pensaríamos sería una máscara personalizada. Y es en eso precisamente en lo que se especializa Shin Murayama, un diseñador y artista de origen japonés que ha logrado hacerse un hueco en el mundo del streetwear y ha llegado a colaborar con marcas del calibre de Stüssy, HUF o Alyx, y el rapero A$AP Rocky.

La colección Summer 2019 de Brain Dead está aquí para amenizar tu guardarropa

megalómano Kanye West en el tour de Yeezus (2013-2014).

Pero lo de Shin es distinto, lo suyo es más que nada una propuesta artística desarrollada a base de usar diferentes prendas, muchas de ellas de Stüssy.

Murayama acabó colaborando con ellos en una colección cápsula sacada a finales de 2018, después de haber regalado años atrás una máscara personalizada a Michael Kopelman, integrante de la International Stüssy Tribe. En honor a este grupo de skaters y amigos de la marca, Shin llamó a su colección la International Sewing Tribe, en una clara alusión al DIY de sus diseños (‘sewing’ significa coser en inglés).

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THE ULTIMATE RAIN & STAIN RESISTANT BARRIER

TAKASHI MURAKAMI Y SU INFLUENCIA EN EL HIP HOP Aunque la obra del artista japonés Takashi Murakami se la relacione bastante con estas dos disciplinas, mayoritariamente se dedica a hacer cuadros, ilustraciones o murales, y de hecho en más de una ocasión ha dicho que no sabe nada de moda y que cuando está trabajando se pone playlists genéricas de Youtube con títulos como Mejor música dance . Aún así sus colaboraciones con Louis Vuitton, creando el emblemático Monogram multicolor que marcó los 2000, son ya míticas; y ha trabajado también junto a otras marcas urbanas como Vans o Nike. ¿Pero cómo se le empezó a relacionar con el hip hop?

Corría el año 2007, Kanye West había lanzado su primer álbum College Dropout , que fue aclamado por la crítica y el público, y tenía planeado sacar Graduation: en la portada saldría el – ya icónico – mismo personaje que en el primero, un oso, que maduraba y enseñaba su evolución graduándose en la universidad.

Dio la casualidad que poco antes de sacar el disco, fue a una exposición de Murakami, y se quedó anonadado con su obra. Claramente, podríamos decir que le encantó su trabajo, algo por otro lado nada extraño, ya que Kanye siempre ha sido fan del anime, estética que comparte Murakami; sin ir más lejos Akira es una de sus películas de referencia (véase el vídeo de Stronger ). Así es como el artista redibujaría al oso de la portada en versión cómic. De todas formas, el trabajo de Murakami va más allá de una estética cute, lo que en japonés se conoce como ‘kawaii’.

A Murakami se le conoce también por ser el fundador de un nuevo movimiento artístico, lo que él llama Superflat, donde eleva la estética anime e intenta borrar todo tipo de líneas tradicionales, por ejemplo las

que normalmente separan el 2D del 3D o lo kawaii de lo macabro. Ha sabido romper todos los estigmas y estereotipos que rodean la definición de artista o de artista contemporáneo, convirtiéndose en una especie de sucesor de sucesor de Warhol.

El americano usaba iconos de la cultura pop, mientras que el japonés ha sabido crear iconos nuevos como los personajes de Kiki y Kaikai que parecen salidos de un anime.

A Murakami se le conoce también por ser el fundador de un nuevo movimiento artístico, lo que él llama Superflat, donde eleva la estética anime e intenta borrar todo tipo de líneas tradicionales

Por último, queda por destacar una perlita que soltó Murakami en una entrevista. Él ha llegado a comparar las raíces del hip hop con las del arte contemporáneo en Japón. El hip hop en los ochenta y noventa era criticado por ser música de macarras o barriobajeros, pero hoy en día recibe el reconocimiento que se merece. Asimismo, en una sociedad tan clasista como la japonesa, el arte contemporáneo se ha infravalorado, y ha sido considerado como algo banal en vez de intelectual, pero con la llegada de artistas como Murakami esta opinión ha ido cambiando a partir del siglo XXI. Y es que los dos géneros han luchado la misma guerra y finalmente han conseguido ganarla.

Volviendo a porqué se enamoró Kanye de la obra de Murakami, otra cosa que le llamó la atención es el número de proyectos y diferentes disciplinas, Kanye debió de acordarse de otro creativo que había revolucionado otra industria creativa… Ni más ni menos que él mismo, Kanye West, que como ya bien sabemos ha sabido meterse en el mundo de la moda. Y es que el mundo del hip hop está lleno de hombres renacentistas, como Pharrell Williams o Kid Cudi, y da la casualidad que ellos también han colaborado con el japonés, de ahí podemos observar tanta influencia de Murakami en este género.

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¿CÓMO HA CONSEGUIDO KAWS QUE LE ADOREN TANTO DESDE EL ARTE COMO DESDE LA MODA?

Primero, como graffitero al uso. Más tarde, con un tipo de acción muy concreta: se dedicaba a tunear anuncios de grandes marcas de la moda añadiendo sus propios personajes.

Jugada maestra. Este tipo de intervención artística callejera inmediatamente llamó al atención de los dos mundos que han encumbrado a KAWS en las últimas décadas: la escena artística adora su carác-

COMME des GARÇONS, homenajeó a Snoopy y sus colegas en varias colecciones para Uniqlo, customizó unas Air Jordan 4, le regaló a Dior un peluche gigante construido con flores coloridas e incluso Kanye West recurrió a su arte para la portada del disco 808s & Heartbreak.

Eso en lo que respecta a la moda.

Pero es que en el campo del arte KAWS no deja de sorprender. Si mu-

Recientemente, la ciudad de Hong Kong amanecía con una gigantesca escultura inflable flotando sobre las aguas de Victoria Harbor. Se trata de una intervención artística de KAWS, uno de los nombres más estimulantes a la hora de explorar los pliegues entre el nuevo street art y el arte de toda la vida, ese que está pensado para ser exhibido en museos.

KAWS, uno de los nombres más estimulantes a la hora de explorar los pliegues entre el nuevo street art y el arte de toda Imagina despertar una mañana, lanzar la vista sobre la bahía de Victoria Harbor en Hong Kong y encontrarte con una megalómana escultura flotante de algo parecido a un Mickey Mouse muerto. El Coloso de Rodas, pero en versión tocada, hundida, derribada y adaptada a los gustos estéticos de la sensibilidad post-moderna aficionada al street art. Puede sonar extravagante, pero es lo que acaba de ocurrir en Asia, y el culpable no es otro que KAWS. A nadie debería pillarle por sorpresa esta acción artística. Porque este KAWS:HOLIDAY ya ha pasado por otras ciudades como Taipei o Seúl.

Pero, sobre todo, porque la carrera de Brian Donnelly hace tiempo que ya forma parte del imaginario colectivo.

Al fin y al cabo, no todos los artistas tienen una entrada tan triunfal en el mundo del arte como la suya. Nacido en 1974 en Nueva Jersey y newyorker de adopción, Donnelly alternaba su trabajo diurno (incluso llegó a ser animador en series míticas como Daria o Doug) con unas labores nocturnas mucho más estimulantes.

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ter irreverente y su capacidad para crear verdaderos iconos estéticos, mientras que el mundo de la moda no tardó en pedirle que dejara de tunear sus anuncios en la calle y lo hiciera directamente para las marcas.

Calvin Klein fue una de las primeras en reclamar sus servicios. Y, a partir de ahí, la lista es casi interminable: tiene sus propias Nike Air Force 1, diseñó el frasco de un perfume para

chos consideran a Los Simpsons (los de los primeros años, por lo menos) como el reverso oscuro de la cultura imperante, resulta que Donnelly creó el reverso oscuro del reverso oscuro: The Kimpsons . Varios personajes fascinantes, ya sea en versión 2D ilustrada o en esculturas tridimensionales, entre los que se encuentran Accomplice (una especie de conejo maldito), Chum (una inquietante

Es adorado a partes iguales tanto por el mundo del arte como por el mundo de la moda. Y, mientras tanto, él sigue marcándose locuras como hacer flotar una escultura colosal. revisión del muñeco de Michelin), Bendy (algo así como una serpiente)

cada vez más grandes. Así que hay quien ya ha empezado a preguntarse: ¿Y lo próximo qué es? ¿Un Companion en la superficie lunar?

KAWS es adorado a partes iguales tanto por el mundo del arte como por el mundo de la moda. Y, mientras tanto, él sigue marcándose locuras como hacer flotar una escultura colosal sobre las aguas de Hong Kong.

'Don't Believe The Hype': Artcurial venderá obras raras de KAWS, Supreme y más Luego de su venta curada por Sarah Andelman el año pasado, la casa de subastas francesa Artcurial regresa con otra entrega de gran importancia titulada “ No creas al grito” . Un tesoro de accesorios de streetwear y arte contemporáneo estarán disponibles, incluyendo piezas de Supreme, Chanel, KAWS, Takashi Murakami, Futura, Damien Hirst, Medicom Toy, Banksy y más.

Liderar los lotes es uno de los mosaicos más grandes jamás creados por Invader que tiene una altura de dos metros y representa a un personaje negro Invasor del Espacio con un fondo azul. La obra de arte se hizo originalmente para el distrito de arte callejero en Viena, Austria, con un estimado de preventa de $ 335,295- $ 447,060 USD. Otro punto a destacar es una selección de piezas de graffiti creadas por Dondi White, Rammelzee, Lee Quinones, Keith Haring y A-One. La casa de subastas está exhibiendo actualmente todas las obras que se pueden comprar en su ubicación en París, vea la presentación de diapositivas de arriba para ver más de cerca.

Don’t Believe The Hype se lanzará el 5 de mayo.

o ese Companion que es, sin lugar a dudas, la creación más insigne de KAWS. Es Companion el que protagoniza KAWS:HOLIDAY. Y también es Companion el que coronó en forma de gigantesco globo inflable el desfile de Acción de Gracias de Macy’s en 2012. La evolución es evidente: KAWS va conquistando espacios 11

EL ADIDAS FUTURECRAFT LOOP, COMPLETAMENTE RECICLABLE, TRATA SOBRE POSEER MATERIAL, NO ZAPATOS Adidas comenzó su iniciativa de salvar al mundo un zapato a la vez al asociarse con Parley For The Oceans, una organización dedicada a limpiar los profundos mares azules. Juntos, procesaron los desechos plásticos encontrados en los océanos en hilos adecuados para la producción de calzado de alto rendimiento, y a fines de 2015 presentaron una muestra de su investigación y desarrollo a las Naciones Unidas.

Futurecraft Loop no es muy diferente de lo que ya existe en el mercado.

Este primer modelo de prototipo (aún listo para usar) comparte elementos similares a los zapatos para correr Ultra Boost y Pure Boost. No te enfoques demasiado en el aspecto, porque eso no es lo que está en la plataforma aquí. El énfasis real está en el proceso de producción, porque es bastante sorprendente que un material pueda formar el tejido superior, el marco del talón soldado con calor, las rayas, la barra de Torsión e incluso el Boost.

La idea aquí es que cuando finalmente tengas un par de zapatillas

precios probablemente sean muy altos. Estamos pensando en los precios de Futurecraft 4D como mínimo.

Solo 200 pares de la versión en blanco que se ve aquí se entregaron para seleccionar medios / personas influyentes. Fuimos uno de los pocos afortunados, pero desafortunadamente no podremos quedárnoslos.

El público en general no podrá verlo por sí mismo hasta el año 2021 En lugar de eso, nos han indicado que los usemos regularmente durante el próximo mes aproximadamente,

El propio zapato se puede reciclar en su forma de base y convertirlo en un par de zapatos completamente nuevo.

A partir de ahí, la marca alemana emprendió una misión para reducir su huella al lanzar millones de pares de zapatos construidos en parte con desechos reciclados, y no se detendrán en el corto plazo, ya que confirman que otros 11 millones contarán con la presencia de la Tierra. material.

La marca está totalmente dedicada a la idea de sostenibilidad, y su presentación de Futurecraft Loop podría ser la zapatilla más ecológica jamás creada, siempre que el público siga su ejemplo. Este nuevo proceso de creación involucra solo un material plástico que puede ser manipulado en varias formas, resultando en un zapato hecho de solo un material. Eso, a su vez, significa que el propio zapato se puede reciclar en su forma de base y convertirlo en un par de zapatos completamente nuevo. ¿Está listo el mundo para una zapatilla reciclable y que cambia de forma?

Desde el punto de vista del diseño, el 12

Futurecraft Loop podría ser la zapatilla más ecológica jamás creada.

Futurecraft Loop, tendrás un pedazo de material, no el zapato real.

Como parte de un proceso natural de círculo completo, los zapatos pueden devolverse a adidas, donde lo reciclarán para convertirlo en una nueva zapatilla de deporte y se lo devolverán. Eso es lo que la marca idealmente desea lograr, pero la logística de todo lo que puede ser difícil. Eso significa que la cantidad de zapatos de Futurecraft Loop reales en el mercado podría ser limitada, y los

y luego los enviemos cuando estén listos para recopilarlos para un análisis más profundo, como si en primer lugar siempre hubiéramos sido parte del proceso de investigación y desarrollo. ¿Cómo va a funcionar este material reciclado contra el desgaste normal? ¿Se decolorará? ¿Es tan bueno o incluso mejor que lo que se ofrece en el mercado ahora?

Desafortunadamente, el público en general no podrá verlo por sí mismo hasta el año 2021.

Todavía hay mucho por descubrir con Futurecraft Loop, pero está claro: poseer un par de zapatos tiene un nuevo significado.

Arreglar el racismo de la industria no debería caer solo en Virgil Abloh Virgil Abloh se encontró en el centro de una reacción violenta en las redes sociales la semana pasada cuando las fotos de la cena del equipo de Off-White ™ surgieron en línea, revelando que el personal de Off-White ™ que asistió era casi completamente blanco. Si bien la crítica fue rechazada inicialmente por el representante de relaciones públicas de Abloh, el diseñador publicó una declaración cuando la historia creció en línea fuera de los habituales círculos de expertos de la moda.

amplio. A saber, ¿por qué cae sobre los hombros de las personas de color para solucionar un problema en toda la industria? La diversidad, y la falta de ella, es un problema general en los niveles superiores de la moda, pero rara vez, si alguna vez, vemos el mismo nivel de escrutinio que Abloh está actualmente bajo aplicado a sus compañeros blancos.

Más recientemente, vimos a Gucci enfrentar una crítica colectiva similar debido a la debacle del suéter de cara negra de la marca. Mientras que Gucci recibió una reacción violenta por el artículo ofensivo, relativamente poco de eso aterrizó en Alessandro Michele. De hecho, fue el CEO de la marca, Marco Bizzari , quien habló

co equipo de Milán de Off-White ™ son una prueba de que, si bien es relativamente fácil de usar el streetwear y una gran cantidad de jóvenes influyentes negros como tarjeta de presentación, crear un verdadero cambio detrás de escena requiere mucho más esfuerzo.

El contragolpe contra Abloh es parte de una tendencia más amplia que afecta el POC en industrias que sufren de una representación insuficiente; No es simplemente la falta de inclusión, es la expectativa tácita de que POC será la encargada de solucionar el sesgo de la industria. Es lo que Van R. Newkirk II describió como “La diversidad como un segundo trabajo” para Columbia

La diversidad, y la falta de ella, es un problema general en los niveles superiores de la moda En un movimiento inusual para Abloh, quien normalmente ignora las llamadas de su marca, se dirigió a las historias de Instagram para mostrar a las personas negras con las que trabaja, como Tremaine Emory y Acyde de No Vacancy Inn , e incluso Serena Williams . Abloh más tarde emitió una declaración que decía:

“Mi equipo de diseño es diverso ya que el mundo es grande”. La

respuesta de milquetoast dejó mucho que desear; no pasó mucho tiempo para que la gente señalara que trabajar con uno de los atletas más famosos del mundo no es lo mismo que contratar a personas negras en su personal.

También vale la pena señalar que la mayor parte de la “indignación” fue en realidad decepción. Se ha vuelto fácil aplanar todo lo que sucede dentro de las paredes de las redes sociales como una mafia furiosa, desesperada por la sangre. Pero la mayor parte de lo que vimos fue que los negros expresaban tristeza por una marca de moda de lujo liderada por negros que aparentaba simplemente seguir el status quo de la industria. Pero este rechazo ha arrojado luz sobre un problema más

públicamente al WWD al respecto, y Michele lanzó una declaración poco después diciendo que “Contraria-

mente a mis intenciones, ese saltador de cuello de tortuga evocó una imagen racista me causa el mayor dolor “.

El nombramiento de Abloh para Louis Vuitton todavía se usa como un momento decisivo en la moda y una señal de que la industria estaba haciendo un cambio concertado.

Pero, como notamos en su momento, su contratación no era una señal de cambio sistémico, sino que simplemente destacaba los problemas que siempre han plagado a la moda y otras industrias creativas similares.

Las fotos del abrumadoramente blan-

Journalism Review , donde examinó

“La recopilación de responsabilidades tácitas relacionadas con la diversidad, la inclusión y el desarrollo” que se espera que asuma el POC en comparación con su contrapartes blancas.

Y este esfuerzo puede terminar siendo una espada de doble filo para las minorías. En un estudio de 2016 en Harvard Business Review , Stefanie K. Johnson y David R. Hekman descubrieron que “Los ejecutivos

blancos y masculinos no son recompensados, en cuanto a su carrera, por participar en un comportamiento de valoración de la diversidad, y los ejecutivos no blancos y femeninos

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“La industria no ha prestado atención a la diversidad en el ejecutivo y otros roles de liderazgo en la moda. realmente obtienen castigado por ello “.

Las personas de color que trabajan en la moda son conscientes de esto. Como Andre Walker le dijo a HYPEBEAST en 2018, “La industria no ha

prestado atención a la diversidad en el ejecutivo y otros roles de liderazgo en la moda.

“Se avergonzó de diversificar la pasarela con la esperanza de que no requiera la misma protesta para cambiar la sala de juntas”.

Victor Glemaud se hizo eco de ese mismo sentimiento, y también le dijo a HYPEBEAST : “Sin

inclusión, colectivamente, especialmente desde la escena detrás de la escena, es decir, ejecutivos de alto nivel, paneles de jurados, editores, inversores y ejecutivos de relaciones públicas / marketing, todos los cuales desempeñan un papel fundamental en el proceso de toma de decisiones, se mantendrá un techo de cristal para los empresarios / diseñadores independientes que son negros “.

El POC en las industrias creativas siente esta carga.

Es una responsabilidad que el escritor y presentador de podcast Tracy Clayton también señaló. En un hilo de Twitter, reveló que BuzzFeed había pedido a sus empleados negros que impartieran un taller sobre raza sin compensación adicional, en respuesta al video “ 27 preguntas que tienen los negros para los negros” . En un panel de 2016, Tracee Ellis Ross, actor de Black-ish , también rechazó este trabajo extra y le dijo a un reportero que solo le estaban preguntando a Black-ish sobre la diversidad sin mencionar la desigualdad en otros programas mucho menos inclusivos.

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Abloh rara vez habla explícitamente sobre la raza, pero claramente se ha esforzado por incluir modelos negros en sus imágenes tanto para Off-White ™ como para Louis Vuitton.

Abloh rara vez habla explícitamente sobre la raza, pero claramente se ha esforzado por incluir modelos negros en sus imágenes tanto para Off-White ™ como para Louis Vuitton. Si bien este enfoque puede haber sido visto como progresivo en el pasado, las audiencias se han vuelto más inteligentes al hecho de que la apariencia de diversidad no es lo mismo que la inclusión. Karen Brown, fundadora de la consultora de gestión de diversidad e inclusión Bridge Arrow exploró esto en un artículo para Harvard Business Review , señalando que “Los empleados

que difieren de la mayoría de sus colegas en religión, género, orientación sexual, antecedentes socioeconómicos y generación a menudo ocultan partes importantes de sí mismos en el trabajo por temor a las consecuencias negativas “.

Muchos han señalado que, en primer lugar, hacer cambios simbólicos en la fuerza laboral no cambiará lo que hizo que el entorno sea tan poco atractivo para las personas de color, y, sin embargo, los que ocupan puestos importantes en la moda parecen retrasarse en el reconocimiento de este fenómeno.

Pero tienen que ponerse al día, ya que las audiencias se están dando cuenta de que un diverso reparto de modelos de pasarela a menudo puede enmascarar a equipos homogéneos, en su mayoría blancos, entre bastidores.

Abloh puede ser la cara pública de Off-White ™, pero la compañía pertenece en un 53,76% a New Guards Group, el conglomerado ascendente italiano

fundado por Marcelo Burlon y Davide De Giglio.

Business of Fashion recientemente publicó una extensa función en De Giglio, donde reveló que generalmente encuentra los equipos con los que trabaja Abloh.

Y, sin embargo, New Guards Group se ha escapado de la reacción violenta sobre la diversidad del equipo de Off-White ™. Esto puede deberse al hecho de que el grupo es relativamente desconocido en comparación con conglomerados similares, como LVMH y Kering. Pero también es probable debido a las bajas expectativas para las personas blancas cuando se trata de prácticas de contratación con diversidad.

Pero esto no debe significar que De Giglio no pueda hablar sobre el tema. Que la tarea recayera en Abloh mientras De Giglio permanecía en las sombras resalta la raíz del problema.

Si bien Abloh inicialmente se encogió de hombros debido a la composición racial de su compañía dejó un mal sabor, la nota verdaderamente amarga fue la silenciosa suposición de que arreglar la diversidad y la inclusión es únicamente el trabajo de POC. Hasta que las creatividades blancas reciban el mismo nivel de escrutinio para las prácticas de contratación inclusivas que POC, el sistema seguirá siendo el mismo.

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