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Editorial Nuestra primera portada local

Con motivo de la 5ª edición, la revista NOISE ARMADA ha decido poner en su portada a la banda local REY GORDIFLÓN, para dar paso en la revista a darle apoyo a las bandas locales que muestren una interesante idea, sin importar que tan conocida sea, o si lleva poco tiempo en el medio musical. Como director de la revista, he decidido crear un nuevo colectivo local para todas las personas interesadas, en el que los mismos músicos de Medellín puedan sugerir que bandas podrían salir, de ahora en adelante, en la revista. Claro está que no dejaremos de publicar las propias, ni que vamos a detener nuestra muestra de las mejores ideas internacionales; pero, de ahora en adelante, la revista tiene la voz de los músicos. Desde ahora, se abrirán las inscripciones para que, todo aquel artista que esté interesado en publicarse en la revista, muestre el portafolio y pueda ingresar a nuestras páginas; con la opinión de los demás músicos que ya han sido parte de la Noise. Así que si desean participar, envíen un correo a noise-armada@hotmail. com, para que puedan entrar a aportar. Esperamos que las personas interesadas estén en constante contacto con nosotros, la Noise Armada ahora tiene la voz de Medellín.

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DIRECCIÓN Oscar Daniel Alzate Pérez oscard_alzate@hotmail.com DIRECCIÓN DE ARTE Juan Felipe Osorio Betancur felipe-b16@hotmail.com JEFE DE REDACCIÓN Marco Antonio Mejía seas_of_jupiter@live.com Colaboración Carla Rudolf JEFE EDITORIAL Daniel Alejandro Yepes yepes-mtl@hotmail.com Dirección de concepto gráfico Oscar Daniel Alzate Pérez Diseño Sebastian Moreno Cadavid Oscar Alzate Fotógrafos: Juan Felipe Osorio Betancur Camilo Hernández M. Camila Valenzuela Foto de portada: Camilo Hernandez Diseño de portada: Sebastian Moreno C. Asistencia en artes: Toño Valderrama

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La revista Noise Armada no se hace responsable por las opiniones de los columnistas, como así tampoco por los conceptos vertidos por los entrevistados y anuncios publicitarios Para mayor información de la revista búscanos en www.facebook.com/noisearmada o en el correo noise-armada@hotmail.com


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riginarios de la ciudad de Tampico, Tamaulipas, México; The Smösh es una banda digna representante del rock alternativo mexicano, conformada por Zavido y Hugo en las guitarras y voces, Amílcar en la guitarra, teclado y coros; y Marcelo en el bajo. Se han presentado en festivales internacionales (Fit 2009 Y 2010), así como también en importantes foros de su ciudad natal y alrededores. En el 2010 graban su primer disco, titulado de manera homónima; el cual está compuesto por 9 tracks, de los cuales 7 fueron producidos por Maurizio Terracina (miembro de bandas como: Zurdok, Vaquero, y The Volture), con un sonido fuertemente influenciado por la vertiente del rock alternativo canciones como “Ernie”, su primer sencillo; y junto con “Algún Lugar”, que abre el disco y cuenta con un coro bastante pegajoso y una melodía sencilla, son un buen abrebocas del sonido del grupo. Otras canciones que podríamos mencionar son “Bullet Bullet” o “Lullaby For a Deaf Monster”, en la que coquetean con el inglés para darle un giro a ese sonido alternativo que manejan, convirtiendo el disco en toda una experiencia polifacética, donde se exploran diferentes aspectos del rock alternativo. The Smösh sobresalen por su sonido fino y delicado, pero sin perder potencia. Su disco es un buen ejemplo de cómo se pueden mezclar los diversos ritmos de la música alternativa sin salirse de la línea y manteniendo la estructura, sin mencionar el arte gráfico del mismo, que también está bastante cuidado, y nos presenta mundos surreales y caricaturescos en blanco y negro; que, acompañados, por sus suaves melodías, crean la mezcla perfecta y convierten a este álbum homónimo en toda una experiencia tanto visual como sonora. Una banda delicada pero con firmeza, de sonidos suaves y ligeros, ideal para relajarse y dejarse llevar por la música o adentrarse en esos mundos surreales que ellos proponen. El caso es que el sonido de The Smösh llego y no piensa pasar inadvertido.


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(Por Oscar Alzate)

un espacio musical

irremplazable Fue el 25 de Noviembre del año 2006, cuando, al encender la radio por la mañana en la emisora que llevaba más de 22 años al aire en Medellín, noté que no era usual lo que estaba escuchando. Fue por mucho tiempo que no logré entender lo que sucedía, de hecho, pensé que había sintonizado mal los 98.9. Pero era cierto, se había acabado el espacio más importante (musicalmente hablando) de la ciudad. Han pasado casi 6 años desde que Veracruz desapareció, y hasta la fecha no ha llegado otro medio que logre llenar el vacío que éste dejó. Una estación en la que se dieron a conocer las bandas más grandes que tuvo esta ciudad. Es curioso que los tres movimientos rockeros del lugar se dieron durante el período de transmisión de Veracruz, emergiéndo del primero Kraken, Bajo Tierra, El Pez y Ekymosis, del segundo; mientras que bandas como Pop Corn, Rey Gordiflón, La Mojiganga, entre otras surgirían del tercero, todas siendo impulsadas por éste importante espacio radial. Cuando Veracruz se acabó, se acabó el mayor promotor de música local, lo cual dejó a la ciudad sin más momentos trascendentales del rock. Si bien han aparecido grandes bandas apoyadas por medios y eventos, no se ha generado una

nueva oleada en la escena local, lo que nos lleva a pensar en la importancia de esta emisora para la época, y a preguntarnos ¿qué hubiese pasado si Veracruz los apoyara? Seguramente les estaría yendo mejor. Es increíble todas las cosas que se me vienen a la mente de sólo recordar la programación de Veracruz, como las tardes de puro rock, las batallas de las bandas al mediodía, “El Cocuyo” en las noches, sacando toda la sátira sobre los demás; pero ante nada, lo más memorable que sostuvo, fue su programa de las madrugadas “Huevo Matutino”, con los 3 tipos locos de “Zape Pelele”: Diego Peña, Diego Cardona y Andrés Vargas; un espacio para levantarse con los mejores ánimos, claro está que estos chicos hicieron historia, convirtiéndose en unas leyendas de la comedia local. Para desgracia de todos, esto se terminó, y es una tristeza, puesto que después de ello el rock en Medellín no ha logrado desarrollarse de nuevo como lo lograba hacer fácilmente hace unos 6 años. No quiero decir, con esto, que la desaparición de Veracruz esté totalmente

vinculada a que no haya sucedido algo grande en la onda local recientemente, pero sí es algo que se puede mirar desde ese punto de vista: la pérdida del mayor espacio comunicativo de la comunidad rock en la ciudad trajo sus consecuencias, y lo más probable es que, por mucho tiempo, siga sucediendo lo mismo en la ciudad. Sin ánimo de ofender a las bandas que en éste momento se desempeñan actualmente en la localidad, pero no es lo mismo que cuando estaba Veracruz, al menos en el desarrollo de los nuevos proyectos. Han sido 6 años sin el más grande de todos medios. Sólo los recuerdos nos pueden hacer pensar que la ciudad tenía algo tan bueno, que hubiera seguido cambiando el ámbito de la música colombiana. Ahora sólo queda luchar para que se llegue a consolidar un nuevo proyecto, donde las bandas locales tengan su espacio.


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Por María Camila Ramírez

No pisé arena sino un suelo gris y caliente, expuesto al sol ardiente brillante encima de mí. De primeras, hablé con una mujer que califico ahora como luchadora y orgullosa de su origen. Parece que es un común en los hombres el sentido de nacionalidad cuando se ha vivido fuera de su país por una larga temporada, así pues le sucedió a esa negra educada que expandió las fronteras de su isla y se untó de latinos con la idea de aprender del mundo y ensañar el suyo. Su experiencia la hizo habilidosa en el castellano y elocuente cuando se refería a la historia y el presente de su país. Fue de este modo que sin leer supe que Jamaica no tiene Rey ni presidente, que se le nombra primer ministro al jefe de gobierno aunque vulgarmente es conocido entre los ciudadanos como “El ladrón más grande de éste país”, que tienen un gobierno parlamentario y a veces “corruptuario”, que tan sólo 50 años tienen de independencia y autonomía frente a Inglaterra, y por lógica de influencia en el período de conquista, su idioma oficial es el inglés y la moneda circulante es el dólar con sello jamaiquino; divagamos un poco sobre el mapa de la isla y me conversó sobre los lugares más turísticos, luego como sabía que la pregunta no podía faltar le cuestioné de sopetón ¿Cuál es la imagen que tienen aquí de Bob Marley?, y ella sin percatarse del cambio de tema y del interés en mi voz, seguramente porque ya estaría acostumbrada a escuchar la misma pregunta, me respondió: “Para

nosotros Bob Marley es muy importante porque fue quien llevó la música nuestra a todas partes, la dio a conocer en todos los rincones del mundo, y por medio de sus letras mostró nuestra cultura”. Cuando salí de ese lugar sentí que la preguntaba sobraba: Bob Marley se dibuja en todas las calles de Jamaica, era tan importante su figura que hasta conforma la fuente de comercio más grande de la Isla, su imagen se vende en dólares, y su rostro ha sido tallado en madera más de un millón de veces por las manos negras que empíricamente moldean su sustento; entonces pensé irónicamente si en vez de colgar de la pared esa imagen de Jesús crucificado que es tan representativo para los católicos, allá en las casas de los isleños se cuelga ese rostro alargado de cabellera enmarañada que bien podría parecerse a Jesús. Pero no sólo se comercializa su imagen, aún a pesar de los años se siente su música. Era casi imperdonable que éste cantante no dejara en las futuras generaciones una muestra de su lucha, de su empuje, de sus ideas atrevidas que tenía por nombre “libertad”. Me tomaría la osadía de decir que en Jamaica no se respira oxígeno sino música, esto hace que el ambiente esté cargado de un misticismo religioso. Mientras compraba un par de recuerdos con mis ojos, escuchaba a lo lejos canciones como “One Love” y recordé mi casa y el lugar donde suelo sentarme para cantar

a la par de Bob Marley. ¿Quién se imaginaría que estaría allí donde nació uno de mis artistas favoritos, y que esta vez no cantaba sola?. Me llenó de un éxtasis ligero el observar las bocas de esos hombres y mujeres que repetían en sus labios oscuros las palabras que yo pronunciaba, esa era la única forma de entendernos, sin poder evitarlo, guiada más bien por un poder ancestral y la fuerza de su voz, me uní a ellos en su baile y en su goce, mi atrevimiento lo amenicé con una sonrisa la cual fue correspondida con muchas más y canté y bailé y reí y sudé como ellos, la negrura de su piel y la calidez de sus ojos me hizo amarlos, amar su alegría, su sentir, su forma de disfrutar y ese sabor que sólo los caribeños tienen. Más tarde, al partir, dediqué una mirada a sus rostros, unos tranquilos e imperturbables, otros sonrientes, y tuve que romper forzadamente el lazo que había creado con ellos en esas pocas horas, de muchas maneras me sentía agradecida por permitirme tocar sus manos, por enseñarme de su trabajo y dejarme participar en su fiesta cotidiana donde indudablemente se le rinde tributo al reggae. Cayendo la tarde vi la isla verde desde lejos, y el cielo se pintaba sobre ellos con los colores de su bandera, como dándoles la gracia que se merecen por los años de escasez. Yo todavía escuchaba el ritmo de su música y el aroma de la playa celeste.


FotografĂ­as por Camila Valenzuela


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Esta noche, la ciudad de la eterna primavera comienza su 2012 con la visita, por primera vez, de la banda finlandesa Apocalyptica; desde sus inicios en 1993, la única vez que habían pisado suelo Colombiano fue en el cierre del Rock al Parque 2005, prometiendo volver en un futuro.

Fue Medellín el primer sitio de parada en nuestro país, teniendo el placer de darle a los paisas una noche llena de metal. Para esta ocasión, la banda telonera fue Tenabrarum, una banda que desde 1990 lleva mostrando el talento paisa al mundo.

Apocalyptica trae a conocer su último álbum “7th Symphony”, que ellos mismos consideran una verdadera sinfonía. Su música se ha caracterizado por ser apasionante, dinámica y llena de melodía. Esta vez, la banda se ha esforzado por componer temas instrumentalmente puros; sin embargo, no dejan de lado la oportunidad de añadir a su trabajo la voz, por lo cual presentan las canciones “End of Me”, “Broken Pieces”, “Not Strong Enough”, “Bring Them to Light”.

Dando inicio a la velada, siendo las 8:20 se apagan las luces en el teatro de la Universidad de Medellín; los integrantes de Tenebrarum toman su lugar, y con su música, empiezan a aumentar la energía del público. Son recibidos con gritos al comenzar con la canción “Search”, del álbum Voices, y es evidente el apoyo al metal paisa por parte de los asistentes, haciendo sentir a la banda orgullosa de una vez más tocar en casa. Continúan animando a los es-

pectadores con el tema “Saving You”, seguido de “Despertar”, ambas de su última producción “Winter”, melodías que estaban deleitando al público. Tenebrarum continua con “Visions”, del álbum “Voices”. Demostrando su pasión por la música, la banda se despide con el cover “El Velo” de la banda colombiana Estados Alterados, canción que eleva aún más el ánimo en el teatro, uniéndolos a todos en una sola voz. Tenebrarum agradece a Medellín por su apoyo y el calor con los que lo recibieron, esperando poder compartir con ellos en otra ocasión, dejan el escenario a las 9 de la noche. Mientras Apocalyptica se alistaba para entrar en escena, el público lleno de energía aclamaba a los finlandeses. Fue en aquel momento, cuando las luces se apagaron y se abre el telón a las 9:15, que el teatro estallo en gritos por los más de 1300 asistentes; anunciando la entrada de una banda, que a pesar de su apretada agenda, venía con la mayor intención de complacer a su público de Medellín. El primero en tomar su lugar en el centro del escenario fue Eicca Toppinen, seguido de Perttu Kivilaakso a su derecha, y de Paavo Lotjonen a su izquierda. Cada uno toma la mejor posición y empiezan a entonar las primeras notas del tema “On the Rooftop With Quasimodo”, de su álbum 7th Symphony”, con la introducción de la batería a cargo de Mikko Siren, el último en completar


FotografĂ­a por Camila Valenzuela


el grupo. Es así como se da el inicio oficial de la presentación, el escenario se ilumina con un espectáculo de luces que acompañan las notas de estos cuatro artistas. Una escenografía cargada de magia y de fondo en letras blancas “APOCALYPTICA”. Al finalizar su primera interpretación, la banda continua sin descanso con el tema “2010”, un instrumental que eleva a un más la energía en el teatro, permitiendo a los tres cellistas moverse activamente hacia su público. Eicca Toppinen se detiene a saludar, y cuando pronuncia las palabras “Hello Colombia” con su voz grave, reciben la alegría de quienes vinieron a acompañarlos, él mismo presenta el tema “Grace”, del álbum Worlds Collide, una melodía dinámica que trasmite al público la perfecta combinación de las notas musicales del cello y la batería; los tres cellistas animan al teatro con sus

Fotografía por Camila Valenzuela

movimientos transmitiendo la energía que solo en un concierto de metal se ve. Continuando con la velada, la banda interpreta uno de los cover que los hicieron famosos: “Master of Puppets” de Metallica; esta vez el público paisa acompañó a la banda cumpliendo con el papel de ser la voz para este clásico, resultando en un coro que hacía temblar al teatro por todo el sentimiento que se vivía en el momento. Los finlandeses tenían preparado la introducción de la voz en su espectáculo, es en el tema “I’m not Jesus”, cuando Eicca Toppinen presenta al vocalista invitado Tipe Johnson. El teatro recibe calurosamente el anuncio y se disponen a disfrutar de este sencillo, seguido de


“Not Strong Enough”, del álbum 7th Symphony, ambas acompañadas por la voz del público. Al finalizar, Eicca Toppinen se apodera del micrófono esta vez presenta el clásico “Quutamo”, del álbum Apocalyptica, en cuanto terminó de hablar el público enfrenesido por la noticia se dispone a bailar al ritmo de 3 cellos, en el que se puede decir fue el instante más energético de todo el concierto. La banda, feliz de estar compartiendo por primera vez su música en la ciudad de Medellín, y sobretodo presenciar a unos asistentes tan dinámicos, que estaban respondiendo a su pasión; presentan una dulce melodía que trae la calma al teatro, Perttu Kivilaakso se encarga de transmitir a través de las notas musicales de su cello sentimientos que con palabras no se pueden describir. Fue sorprendente ver como en el teatro todo fue silencio. El público, muy respetuoso, admiraba en ese momento lo que presenciaban sus sentidos; en un abrir de ojos un hombre y su cello habían dominado a una multitud. Cuando Perttu Kivilaakso dio la última nota, el teatro se llenó de aplausos dirigidos a este artista. Luego de tan emotiva interpretación entraron Eicca Toppinen y Paavo Lotjonen, abriendo paso a lo que sería el lado sentimental de Apocalyptica esa noche, con la interpretación de los temas “Bittersweet”, del álbum Amplified - A Decade of Reinventing The Cello, y otro gran cover, “Nothing Else Matters”; el público toma su lugar interpretando las letras en ambas canciones. Es Perttu Kivilaakso quien toma el micrófono para presentar a todos los miembros de la banda, cada uno hace su

entrada al escuchar su nombre, y el teatro aclama por ellos. La banda tenía la tarea de recuperar la energía de su gente, es por eso que vuelven a escena con el tema “Last Hope”, del álbum Worlds Collide, y logran levantar una vez más en el público su ánimo. Del álbum Amplified - A Decade of Reinventing The Cello, la banda, acompañada de Tipe Johnson, interpretan el tema “Life Burns”, aumentando el entusiasmo que había en cada uno de los asistentes. Con esta canción dan paso a otro cover de Metallica, siendo el turno para “Seek and Destroy”, que pone al público a saltar y a cantar junto con la banda. Para rematar este momento de fervor que se estaba viviendo en el teatro, comienzan a sonar las notas de “Inquisition Symphony”, un cover de la banda Sepultura. Apocalyptica abandona el escenario, en ese mismo instante el público clama el nombre de la banda una y otra vez, aumentando el volumen con el fin del regreso a escena de los finlandeses. No paso mucho tiempo para que sus voces fueran escuchadas, y la banda vuelve a la tarima. Esta vez, la escenografía se centra en iluminar los cellos de cada miembro, en las notas de “At Gates Of Manala”, del álbum 7th Symphony. Al término de esté, el público pide el tema “I Don´t Care” de su producción Worlds Collide, por lo que aparece Tipe Johnson, y junto a la banda comienzan a entonar la canción, el teatro enloquece, y de nuevo se une a una sola voz para cantar junto a sus artistas uno de los temas favoritos de la noche. Tipe Johnson se despide de escena, anunciando con su partida lo que sería el fin del

concierto. La banda, para cerrar con broche de oro, trae a Medellín una vez más a Metallica, con el tema “Enter Sandman”; el teatro estalla por los gritos de una multitud satisfecha, uniéndose con su voz a la presentación de Apocalyptica. Se enciende las luces y la banda agradece por la buena energía que recibieron. Eicca Toppinen sugiere que siente que tiene la piel de gallina, y promete que regresaran a la “Ciudad de la Eterna Primavera”. Los espectadores, con deseos de continuar el espectáculo piden una canción más, en este momento Perttu Kivilaakso sonríe a sus seguidores y toma su cello en mano, para dar inicio a la última canción de la noche, “Hall Of The Mountain King”, también del Amplified - A Decade of Reinventing The Cello. Vuelven los efectos de las luces al escenario, los finlandeses están dispuestos a entregar su última carga de energía a los paisas, un público que durante toda la noche hizo que Apocalyptica se sintiera como en casa. Siendo las 10:15 pm, se encienden las luces en el teatro, y la banda le da el adiós a Medellín. Solo queda decir que Medellín fue testigo de uno de los conciertos más importantes en la escena del metal, la banda hizo que cada uno de los más de 1300 espectadores saliera satisfecho, gracias a la producción que dio su mejor esfuerzo para entregar a los paisas un sonido de calidad y un espacio en el teatro de la Universidad de Medellín, que se merece una banda como Apocalyptica. No queda más que agradecer a la banda por compartir su talento con Colombia, y decirles que esta tierra paisa estará esperando su regreso.


Noise Presenta

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conss que o c a is d valorad ía los grabar la parte más o l p r musica ta, uirían n it t ió c nproduc blico. Se tra diez ca de su ía r y de el pú a b co. a a e H ítica y atorios on9 gr d r il c 3 p a 9 t o la 1 s c e e En s de r e un c , la orqu 1915 no de ademá navideño, d es con iendo este u re de n b ales io m c ía o ie r o c da y s origin . s, s disc e e e dic e n u d m n ú q m u u a m 2 s lb J o 1 c l 961 5á aso rry su éxin niño como Franto de 1 ntre 1953 y 1 Reeros p u e n d im ju r ía a r p e los nac ado os ría la cim dos e ños en ien añ , bautiz egar a spués, entra , realiza e los a aparición d a para ll rriente t Sinatra, qu o como e e p t d a n año La et id er viame con la s para to. Un r parte, ob rquesta cis Alb e, y ya conoc lo apoincidió o c e oblema itos: is a o d r r r o p m p a la r t m s o o f s o n c a má , o eros ámb “La etapa ante, e Sinatra l entonces, de num en distintos o cant orsey. Esta m o democ e Frank s e d e u ió D l q a uno atr upc n l pop n a ía e my r r in e n ir a m S e c o n r la T a a ía b n de da ertir res l (co s, y de orsey m ste una e conv popula Musica e Beatle (con sus nto a D tra, siendo é Sinah T ju voz”, s antes más a e t d s e Sina sica nt ledora ral), política zgerald n para tilo de los ca oria de la mú or éxie Fit spiració ría ciertas in p e t d o is en gen s con John pta ente o u , n d f en la h se; recordad ” (proble e a e k r n l n s o a io Y ía le u c r a c w a la n n e l d e e o e r rs Las ayu tra, d dounid “New York, N dy), pe la ciudad de ), l coante. que le e t e n s n n e o a o e c d , ” a K m como cualid tos co les en su hijo ta y”. e Moon as lega secuestro de orques arrollo e to th les, “Yesterda s m la e M ivid a ly n u F o l n s “ nte act l. eat and ,ye re la ra e a t s b B t e a n a r s e e g r n h 2 e a o T o c 4 V c d lega En 19 n ver de de su musica ría so a su dejó su mica, e demás atográfica y arle pa e se conoce a a blepara d Sinatra una vida polé mafia, qu inem leja pro de etap c lo p u d , la m y s a o io n d a r c o o solita músic culó c dido riada y efleja, te com se le vin ho comproba n Esta va iográfica se r carrera adelan su firma con os s á m la que b en su un hec mistades co ia por, nte est mática a anera, Columb gráfica. Dura musical siendo a m t ía s n a e e n a t años. co afi an n algu ima a e estos irecció cha dis que m apos de la m vo que b d d a l r a la esta últ al g ic s e a jo c u r u d t a t s b a m e e ía , d f u in s a S igu unq año gran discogr ido una des ordhal, de la Amet se; y a ocasión ante a S n L l e e id x ib n de la tas rec de A dou parte en una ca se enconorques of Musicians pa ha r a r s t o a o e p r d n la comió con dec nun eration 944, y siderac amente, en dos d estuvie nales, 1 n e u o F e c y ib u r q n t rica los 1942 s de Básic ctiriores entre entre prueba os deli crítica. con sus ante 948; y, clu1 se ca (AFM) n traron crado en act ción de e n eprise ació más a ex r R a la z lu ic a p e e o d r v p v e a d in t a la e de es e un ra 947, s abaciones de to que en organizapas, la r la variedad s 1 a e t y u e p 4 , 4 r g lugar po e 19 vos crim sión de teriza te a las io. A partir d ue dan c e con el f n q a , o e r a r s r t m p o a a d de d a su n ad siv o Sin s ensay lbumes ne y a la r olo por u fama lo hiz ajar co o á s b il t e io a a r d d r t u e n t es do ogé ue s res cesió s. pieza a os líde te, ya q una su ideración hom so p 49, em ores musicale a en 9 y 1 cantan onocer a est a , s p s n e tr ale ect ac fícil co como este r de Sina berros dir s crimin a imt rec o e o llegar n ic e í s io it s á c ro b Es a par perm en ha g aniza o g s e lo t r d o l o u is n E s y n e d non e, a carrera Sinatra, quie riodo c n el represe u n part e s e p e o t t . k s s e e e la an s de era tra ar a Fr despertó má e vertido nomasia de su carr música, Sina d n r o a c ls e u s p ica zon de su r anto carrera sica po su mús en los cora es nte, po ión de la mú onseA parte sarrollo una a t iit n u ie t ió u q n etac n de or in ; y, c emoc anos, m e s interpr adounidense tambié iendo un act d a llas ló g e a r r m la s figu n aque st de l, s a e lo a a c a r r n o b o u v la a t e t u c l n s p a e le u ,e día a. n no g , dándo mente ordinaria en hoy en o de la músic r cuente vo quie de grabación stilo al a r io r t c o x lo a e e n , d ter s cia ue cas e esto influen e la canción in encumsesione personal a s retaciopués d ... s e D d e p u r u o s e q it t e, nk? in ámb un to lament l constituyó ¿Es Fra ciendo tensas le . a a s in h r e , a c r e P t a nal. actu lmen ividua en isociona res; m nto ind finitivo s bramie de gracia de nes em que irregula recibir la a e cia de po un golp o de decaden briendo al tiem evarían omo el ll lo es ue nes c nds, a el proc mas q Big Ba ueva era de galardo n Hera s e s a J o d t a in io an ar llam dist umanit scar al mejor as a un cuyo dominio t H r e io u p m las Pre io O jor as. opular, n prem y otro a me úsica p a los vocalist Cam s la sholt, u l lo a ás de ondía rincip etapa corresp 3 vendría la actor p reparto, adem e ganó inatra u 5 q e que S En el la actor d ios Grammy o músie t m duran em pitol, diez pr u carrera co s e durant


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¿Por qué copiar y/o

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(y hasta válidos), mientras no impliquen imitar? (Por Marco Antonio Mejía)

Nunca he sido, precisamente, el más admirador de las obras de Pablo Picasso, jamás pude comprender qué es lo apreciable en ellas. Es más, lo único que se me ocurriría hacer con alguna de sus pinturas, sería limpiarme la nariz. Pero el tipo, definitivamente, dijo una de las cosas más ciertas en la historia de las artes, y cito: “Los buenos artistas, copian; los grandes, roban”. Estoy muy seguro de que es, muy probablemente, una frase ampliamente usada, re-usada, abusada, violada, y quemada; pero es aplicable, por completo, para, básicamente, cualquier cosa relacionada con el proceso de creación y concepción en las artes. Y es que ya no hay piezas enteramente originales, bien sean canciones, pinturas, sinfonías, esculturas, corto o largometrajes, actos teatrales, fotografías, óperas, o lo que sea que se te ocurra; ya no existe la creación que sea absolutamente inédita y novedosa; y para ser franco, no creo que tal cosa haya existido alguna vez, porque la psicología humana está atada, entre varias cosas, a su entorno y a su naturaleza particular. Pero eso no significa que el arte sea cien por ciento genérica y replicada. Quizás el entorno influencie el origen de la idea, pero no influencia su expresión; o por lo menos, no lo hace más allá de medios materiales. Y no lo hace, porque cada individuo percibe su entorno de diferente manera, y su naturaleza condiciona el modo en que esa influencia se expresa hacia el exterior. Lo que sí depende de la voluntad del individuo, es el grado de similaridad entre la influencia y la expresión. Diciéndolo de manera menos complicada, tienes determinada personalidad de nacimien-

to (tu naturaleza), que es, hasta cierta medida, influenciada (por así decirlo) por los lugares y las circunstancias en tu vida; pero el modo en que estas influencias se reflejan en ti mismo, está directamente vinculado con el carácter de tu personalidad, de tu naturaleza; está condicionado a algo intangible, que te diferencia de todos los demás. Y estas influencias son enormemente variadas, van desde la cobija que más te gusta, hasta tu marca de cigarrillos favorita, hasta tu grupo preferido, hasta un enorme rencor, hasta un lugar en el que inexplicablemente te sientes muy bien, hasta una escena que ves una y otra vez porque te gusta, y etc. Larga historia en corto, ¿alguna vez se han preguntado porque Led Zeppelin son una de las más reconocidas bandas de la historia del rock, pese a que Jimmy Page, básicamente, le robó a la mitad de los músicos de blues estadounidenses; mientras que Jack White, en 3 grupos, y con casi las mismas influencias, ha logrado hacer música completamente diferente de lo que Led Zeppelin hicieron? O por el contrario, ¿por qué casi todas las bandas actuales que se autodenominan como grunge, suenan como copias a carbón de Nirvana y Pearl Jam? La originalidad está realmente en cómo el artista junta los componentes al momento de crear su arte, o sea, en la voluntad que tenga para crear algo que se le pueda atribuir él, o la falta de tal voluntad; que en últimas, ni siquiera termina en creación, si no en la réplica, buena o mala (subjetivismo…), de alguna de esas influencias, que es reflejo de la incapacidad para desaferrar la identidad artística propia, de la identidad artística de la influencia.


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Escribir un libro, sembrar un árbol e ir a un concierto (Por Gloria Estela Laverde)

Antes de morir, todo el mundo debería escribir un libro, sembrar un árbol, y tener un hijo; aunque yo, sinceramente, cambiaría tener un hijo por ir a un concierto. No es malo para el que lo quiera tener, pero si criar a un hijo vale un aproximado de 800 mil pesos mensuales, según Matt Groening, preferiría ir a unos cuantos conciertos con esa plática. Se vale cualquiera, pero con un mínimo de dos asistencias, para acumular un año de experiencia; y ¡claro!, se vale festival gratuito, pero con una sumatoria de 5 horas continuas, y un máximo de 3000 pesos en comida para todo el día. Algún día se empieza, y si no lo ha hecho, debería; así ya sabrá qué es vivir. Mi primera vez fue en el 2005, era gratis, mi corta edad no me daba para tener con que pagar algún concierto, que por estas épocas, eran más bien toques. Sí fue mi primer toque en ese año, con varias bandas, pero la que más recuerdo es G98. Era un cumpleaños del desaparecido Musinet (como lo conocíamos los rockeros). Ahí también fue mi primer pogo, no sabía ni siquiera a

qué me enfrentaba, pero a ritmo del barquito, me metí en uno sin saberlo, y casi termino aplastada. Pero que buen recuerdo... Al final de la noche, lo confieso, también cante hasta reventar con Tres de Corazón. Era el colegio, ¿con que más se empieza a revelar uno? Y bueno, no se prive del placer de un concierto. Vaya también a uno donde pague la entrada, uno internacional, con la banda que lo haga llorar, así cante pura felicidad. Yo ya lo hice, lloré viendo a Red Hot Chilli Peppers y a Foals. Haga fila muchas horas antes del concierto, aunque al abrir las puertas, entren primero los de atrás. Pague VIP alguna vez, es genial estar cerquita y pensar que en cualquier momento te suben al escenario para cantar esa canción. ¡Sí ESA canción!. Aunque también vaya a ver pantallas, se aprende de maldecir mil veces el por qué no tengo dinero para estar adelante. Desee mucho ir a un concierto que sabe que se va a perder, es indescriptible la sensación, pero de algo ayuda. El año pasado me perdí Interpol, pero por nada del mundo lo vuelvo hacer, eso ayuda a coger fuerzas, para la próxima vez, de hasta empeñar hasta la nevera. Vaya solo o sola a un concierto, es raro al principio, pero después, por mal que le vaya, consigue un amigo o amiga en la misma situación. Amigos de concierto, ¡qué buena consecuencia

de este placer!. Que no le falte un concierto de hardcore, son geniales; en espacios pequeños, con la mejor energía, y todo el mundo se sabe las canciones. Ahí uno entiende que es un verdadero fan. Algún día me tocó ver a Grito, y, ¡oh, sorpresa!, qué banda para dar y recibir en un concierto. Odie a sus compañeros de concierto cuando no canten por pena. Grite y salte, no importa nada. Avergüéncelos. Y si al llegar a la casa, al final del día, escucha un zumbido en sus oídos, seguramente si disfrutó del concierto. Que no le vaya a faltar un concierto de alguna banda o de alguien que odie, se siente bien criticar, y es probable también que cambie de opinión, y termine cantando las canciones de Don Tetto. Reemplace tener un hijo por ir a un concierto. Al final quedas cansado, satisfecho; pero al otro día, estás como nuevo, y no tienes que desear que lleguen rápido a los 15. Ir a conciertos recuerda que la vida es bella, y es de las mejores inversiones. Al final de la vida será mejor mostrar las boletas de los conciertos, y no las canas que te salgan por criar niños.


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The Beatles, The Rolling Stones, y Jimi Hendrix. ¿Qué tienen en común estos artistas?, el éxito internacional. ¿Pero qué me dicen de agrupaciones como Spin Doctors, Eiffel 65, o Blind Melon?, ¿no te suenan de a mucho, verdad? Pero tienen también algo en común: una canción. Sí, así es, una canción; que sonó en la radio, quizás en la tv, pero en algún lugar la escuchaste. Se tratan de esos temas que sonaron en su momento, levantaron la banda hasta la cima, para después verla caer; pero que nunca pasaron al olvido, porque hoy en día, tal vez con menos frecuencia, siguen sonando, y son de esos temas que te transportan a épocas pasadas. Dulces melodías o guitarras afiladas, que te llevan de regreso a las escapadas del colegio, al primer beso, o a algo más banal (digamos, un paseo por el parque). Canciones como “Take On Me”, “Whip It”, o “Turning Japanese”, que, de seguro, llegaste a escuchar en su momento. Y es que, de no ser así, ¿dónde te has escondido hasta ahora? Las agrupaciones One Hit Wonder nos han dejado algo importante, y es que, aunque su legado no perdurara más allá de una canción, muchas de estas sirvieron para inspirar a

(Por Juan Felipe Osorio)

Mi querido

One Hit

algunas otras agrupaciones con mayor éxito, e inclusive, para aportar a la banda sonora de tu vida. Pero entra la duda, ¿qué les falto a estas bandas, para triunfar a un nivel mundial? No creo que fuera talento, de haber sido eso, ni una sola de sus canciones hubiera agradado; quizás no contaron con suerte, o simplemente su música nació en la época incorrecta. Pero miren la ironía: Aún así lograron inmortalizarse, dejar un legado; no hay nada de malo en pertenecer al club de los One Hit Wonders. En lo personal, lo considero un honor, puesto que significa que, para alguien en algún lugar, tuviste algo de importancia; y eso es mucho, considerando la gran cantidad de músicos talentosos que se disputan, hoy en día, por seguir haciendo lo que aman, aún cuando no cuentan con el apoyo de nadie. Es por ello que el “One Hit Wonder`s Club” es una buena opción, para cuando desees recordar aquellos éxitos que nunca pasaran de largo, y que siempre escucharas en algún lugar.


Bogotá, martes 28 de febrero de 2012 Teatro Metropol, calle 24 No: 6-31 8:00 de la noche Edad mínima de ingreso: 14 años. Boletas: •Awaking The Centuries $150.000 •Per Aspera Ad Astra $120.000 •Eppur Si Mouve $80.000 •Fan Meeting, cupo limitado $ Estos precios incluyen el recargo por servicio de Ticket Express. Todos los asistentes recibirán una boleta conmemorativa de colección edición limitada. h t t p : / / w w w. t i c k e t e x p r e s s . com.co/component/content/ article/35/3158-anamed.html Puntos de venta de Ticket Express a nivel nacional, teléfono 6091111 ó desde cualquier celular al numeral 609. Puntos de venta en Bogotá: •Rolling Disc, carrera 5ª No: 1886 local 206 C.C. Vía Libre, teléfono 2860009 •Ozzy Bar, Av. Boyacá No: 64 F 15 •Ticket Express: Almacenes La Música centro carrera 7 No: 21-54, C.C. Bulevar Niza local 164 - 465, C.C. Granahorrar local 339, Kenzo Jeans C.C. Plaza de las Américas local 1914, C.C. Gran Estación local 1056, Galerías calle 53 No: 2557, Hard Rock Café C.C. Atlantis local 011 y Carrefour carrera 30 No. 18-78, Avenida calle 80 No: 69 Q 50, Diagonal 170 No. 64-45. Puntos de venta Manizales: •Silmaril Café Rock, calle 65 No: 23 B 14 •Puntos Ticket Express Manizales, miércoles 29 de febrero de 2012 Teatro Fundadores, carrera 22 con calle 33 8:00 de la noche Edad mínima de ingreso: 14 años. Boletas: •Awaking The Centuries $130.000 •Per Aspera Ad Astra $100.000 •Eppur Si Mouve $80.000 Información para tours desde cualquier ciudad del país: •300 3642416 •304 4305467 info@innovamotion.net haggardcolombiainfo@gmail. com Un evento InnovaMotion.


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areciera toda una nueva ola, porque últimamente estos grupos coloridos y con temáticas dance están invadiendo cuanto listado musical y medios de comunicación existen. Y si bien esta es una banda que no podría pasar inadvertida, puesto que su éxito se ha hecho bastante notable a nivel mundial, Foster the People es una banda de las más recientes, nacida en el año 2009. Proveniente de Los Angeles, California, la agrupación está conformada por Mark Foster en la voz, teclado, piano, sintetizadores, guitarra, programación y percusión; Mark Pontius en la batería y percusión adicional, y Cubbie Fink en el bajo y coros. Foster the People es una banda polifacética, su sonido pasa por el dance, el indie rock, y el pop; mezclando diversas influencias de otras vertientes musicales. A raíz del éxito de su canción

“Pumped Up Kicks” firmaron un contrato con Columbia Records, y lograron catapultarse como una banda fresca llena de sonidos nuevos, llegando a tocar en festivales como Coachella y South By Southwest. Su álbum debut, “Torches”, lanzando en el año 2011, es un disco lleno de ritmo y canciones pegajosas, siendo “Pumped Up Kicks” la canción más popular del álbum, misma que los catapulto al éxito y los hizo figurar en el top de diversos listados musicales a nivel mundial como el Billboard Alternative Songs, en el cual alcanzaron la posición número uno; además un numero tres en el chart de Rock Songs, y una tercera posición en el Hot 100, el principal chart de la Billboard. Su disco debut “Torches” está compuesto por 12 canciones, cada una mas pegajosa que la anterior, de las cuales se pueden resaltar la ya mencionada

“Pumped Up Kicks”, su mayor éxito hasta el momento; “Helena Beat”, “Don’t Stop (Color on the Walls), y “Houdini”. Cuenta, entonces, con canciones totalmente dance en las que ritmo y las líneas de bajo pegajosas son protagonistas, y algunas con atmosferas un tanto más densas, donde la voz se lleva el papel principal, pero sin dejar de lado el ritmo arrollador que los caracteriza. Con ritmos frescos y pegajosos, los Foster the People han logrado conquistar fans alrededor del mundo. Un álbum debut en el mercado, tres videos, y diversas presentaciones en festivales, los han llevado a la cima del éxito; lugar que tienen bien merecido, puesto que su música es fresca, novedosa, y por lo que hemos podido escuchar hasta ahora, parece ser que tienen mucho mas por ofrecer, así que hay que estar preparados para más sorpresas. El beat podría reinventarse…


Foto Por Juan Felipe Osorio


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“Cuentos Para No Dormir”, de Johnie All Stars Por Juan Felipe Osorio Con claras influencias del punk rock californiano, pero adaptándolo a un estilo propio, Johnie All Stars han evolucionando y sorprendido con su música desde su comienzo en 1997, y esta no podía ser la excepción. “Cuentos Para No Dormir” es un disco brillante, cargado de sonidos y matices propios, de una agrupación que no acostumbra a sus fans a más de lo mismo. Compuesto por 14 temas llenos de mucha energía y ritmo acelerado, este álbum es todo un homenaje a la evolución de la banda, tanto en sonido como en madurez; un disco donde se ven reflejadas las vivencias de cada uno de sus miembros, a lo largo de los 15 años que llevan tocando juntos. Ahora vuelven para dejar bastante claro que no piensan parar, y que hay mucho más para dar. El álbum es fiel al estilo característico del grupo. En éste se puede escuchar un poco de punk, rock, algunos tintes de hardcore, y el inconfundible sonido Johnie. Canciones como “Los Dados de la Vida” o “Barco Calavera”, son algunos ejem-

plos de la evolución presente en el disco; mismas canciones que se han convertido en himnos para sus fans, y las cuales no pueden faltar en cada uno de sus conciertos. También se pueden resaltar temas como “Cuentos Para No Dormir”, canción encargada de abrir el disco, y misma que le da nombre al álbum; “La Noche con los Monstruos”, un tema de ritmo frenético, ideal para no dejar de moverse; “Lo que el Viento se Llevo”, en la cual participa Mike Herrera, vocalista de la agrupación MxPx; y “La Venganza de los Nerds”, uno de los temas donde el punk rock se hace más presente. Es así como Johnie All Stars plasman, en este disco, una parte de sí mismos; sin decepcionar a nadie, y sorprendiendo con su sonido renovado, pero evocando el punk rock tan característico en ellos. Un álbum hecho para ser escuchado en su totalidad, y dejarse llevar por esos ritmos frenéticos y acelerados. Un álbum, efectivamente, hecho para no dormir.


FotografĂ­as por Camilo Hernandez www.camilohernandez.com


Estuvimos junto a una de las bandas más grandes de la música local de Medellín, Rey Gordiflón. Hablaremos de su historia, estilos musicales en cada disco, y de lo nuevo que se viene por estos músicos que cada vez evolucionan más, para mostrarnos que, ante nada, son los mismos chicos que crecieron en las calles de la ciudad.


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ue durante el año de 1998, cuando varios jóvenes habitantes de Envigado y Sabaneta, entre los cuales se encontraban “Seres”, “Chalo”, “Pedro”, y “Matute” (de quienes ya ninguno permanece en la banda), antes de su primera presentación en una cancha de Envigado, decidieron llamar a su nuevo proyecto REY GORDIFLÓN; un nombre algo improvisado en su momento, y que esperaban con el tiempo cambiar, cosa que nunca sucedió. Luego de su presentación, comenzaron a reclutar mucha más gente para la banda. Fue así como en el año 2000 sacaron su primer trabajo, realizado en estudio llamado Ahora. Para ese momento, Sergio “ seres” Rojas tocaba la batería;

Rogelio Acosta, el bajo; Juan Felipe “Matute” Alvarado y AJ Rúa, las guitarras; Juan Antonio Murillo, el Saxo; Ricardo Álvarez “Poke” y Freddy montes, las trompetas; y Edison Gómez era vocalista. Este trabajo, que muestra una gran influencia por el ska que había predominado en la ciudad, es uno muy movido, rápido, y alegre, y que lleva a un movimiento más de “skaters”. Para 2002 la banda tenía ya un contrato con las disqueras Devil Records y Viuda negra, con los que consiguieron ingresar a un disco de recopilación de música de ska latinoamericana llamado “THE SKA BOX: Guerra por el Poder”, con su cover “Sabor a Mí”, junto a otras grandes bandas del ska latino-

americano; y durante el mismo año, se presentarían frente a todas las demás bandas del CD en Bogotá. Luego de que los demás integrantes del grupo notaran que el vocalista de ese entonces cada vez perdía más interés en la banda, y asistía a menos ensayos, un día antes de tomar el avión para Bogotá, Rúa y Acosta decidieron aprender las mitades de las canciones para cada uno, y cantarlas. Fue en ese momento cuando la banda tomó un nuevo orden, con Rúa en la voz principal. En aquel tiempo, cuando, según el mismo Rúa, sucedió algo por lo que la banda sería tan reconocida, fue cuando terminó con su novia de más de 5 años juntos, como él dice “la novia Bombrill”, se encerró durante mucho tiempo, a expresar todo lo que sentía en letras y poemas que escribía en una pequeña libreta que aún conserva. Fue ese suceso algo que, en su momento, no creyeron que fuese a cambiar sus vidas del modo en que lo hizo, haciéndolos entrar en la historia del rock de Medellín, y de Colombia; pero para entonces, solo pensaban en sacar su nuevo material. El 25 de enero de 2005 lanzaron su primer sencillo, llamado “Buenos Días”, una canción que contiene una mezcla de alegría y frustración por un amor desaparecido, y que sería la entrada al disco, que ya no solo sugería el rápido ska con el que habían trabajado antes (aunque


continuaba estando presente). En ese mismo año lograron presentarse en el Festival Rock al Parque, donde se sorprendieron de toda la energía que demostraban las personas de la capital colombiana, de que los asistentes cantaran sus temas; y consideraron, en ese momento, que tal vez fue el mejor de la banda. Luego de “jugar de visitantes” en Bogotá, lograron presentarse en el Altavoz, y mostrar ante su gente lo que sería el nuevo camino para la banda. A finales del mismo año, lanzaron la que es muy probablemente la canción más reconocida de la banda, con la que ganarían variados reconocimientos nacionales, “Feeling Down”; una canción que muestra una fuerza impresionante sobre cualquier otro tema del momento. En cada sonido de vientos, cuerdas, y voces, la banda logró, sin duda alguna, conquistar la audiencia de toda una generación. Rúa, hablando con la Noise Armada, nos comentaba que, cuando se lanzó “Feeling Down”, él se encontraba fuera del país, totalmente desconectado de lo que sucedía aquí; que, cuando regresó, y tuvieron su primer evento, notó que había mucha gente más gente de lo usual en las presentaciones del grupo; y que, cuando tocaron la canción, le sorprendió el hecho de que todos los que estaban allí presentes, corearon toda su letra. Eso sería un buen ejemplo para lo que le sucedía con Rey Gordiflón en ese momento, muchas mas puertas se les abrieron gracias a éste disco, el más reconocido de ellos, llamado “Medallo de Luxe”; un disco que contenía una gran variedad de ideas de autoría de sus integrantes, algunos más fuertes que los del anterior, más elaborados, pero sin olvidar sus inicios. Fotografías por Camilo Hernandez www.camilohernandez.com

Rua: “El Medallo de Luxe fue lanzado en el lugar indicado en el momento indicado”


El “Medallo de Luxe” es un disco muy interesante de escuchar, los vientos ocupan buena parte del ambiente del álbum, aunque los riff de guitarra logran llamar la atención y sostener las líneas de los vientos; así como las letras tienen el suficiente carácter como para incrustarse en tu mente. Durante más de un año, el grupo fue protagonista de varias series de conciertos y reconocimientos por todas partes del país. Fue así como Rey Gordiflón, junto a otras bandas locales como Pop Corn y Tres de Corazón, llevaron la música de Medellín a una tercera ola de rock (respectivamente siendo las anteriores, la ola de bandas que surgieron durante los días de Kraken, y la ola de bandas que surgieron durante los días de Bajo Tierra). En el año 2007 comenzaron en su tercer trabajo en estudio, con la discográfica Supernova. La grabación se realizó de tres maneras: La primer es la más común, que es grabando cada una de los instrumentos enteros por aparte; la segunda, de manera recortada, es decir grabando solo de a cierto número de compases; y la tercera, grabando totalmente improvisado

Fotografías por Camilo Hernandez www.camilohernandez.com


en el mismo estudio. Según el mismo Rúa, durante una tarde escuchando algo de electrónica, quiso imitar los sonidos del tema, mas sin darse cuenta, comenzó a crear algo nuevo, y terminó haciendo algo interesante; y, recordando algo que le sucedió, curiosamente, con una mujer a la que esperó mucho tiempo para ver, escribió una canción que ya tiene un buen merito, llamada “Mil Soledades”. En el año 2008, salió, por fin, el “Monocyclos”; un disco con un total de 14 pistas, que llevan dentro una gran variedad de temas, mezclando, tanto lo que habían vivido en su disco anterior, como su presente por entonces. Es instrumentalmente más trabajado, con más seriedad musical, buscando que oyente no solo se interese por la letra de cada canción, sino por cada una de las composiciones que habían creado. Es así como el “Monocyclos” fue trabajado para ser un disco más pensado y detallado que sus antecesores; porque en sí, los integrantes del grupo eran, ahora, mucho más maduros. Fue entonces, cuando comenzaron a patrocinar este disco, que varios comenzaron a dejar

el grupo. Primero fue Acosta, después de una disputa con los demás integrantes. Su último concierto con la banda fue el Concierto de la Juventud de 2008. “Poke”, el trompetista, salió de la banda en el 2009; y el baterista, “Seres”, se marchó en 2010, para irse a Argentina. Pedro, uno de los fundadores de la banda, reingresó brevemente como bajista; pero estuvo muy conforme con la situación de la banda, y salió en 2010. En este punto de la historia del grupo es donde llega el equilibrio entre sus integrantes. En el mismo año, ingresa como bajista Santiago Barreraque, quién encajó perfectamente en el sonido de Rey. En 2011, luego de probar con diferentes músicos, ingresó en la batería Juan Camilo Henao (reconocido en la ciudad, también, por ser el baterista de Artefacto); para el mismo año, entra en Jesús David “Chucho” Llanos, a continuar su trabajo en los teclados. Así es como la banda, con sus nuevos integrantes, y conservando los más representativos, comienzan una nueva etapa, y se han convertido en unos grandes músicos y artistas del rock de Medellín. El sonido que han logrado para tocar sus can-

“Rey” estará prontamente grabando de nuevo más canciones para sus seguidores.

ciones más emblemáticas en vivo, de hecho, suena mucho mejor que en su propia época. Al escuchar el sonido que tienen en este momento, hacen pensar que es una banda mucho más grande de lo que sus seguidores lo hacen ver; aunque parecen todavía unos niños que disfrutan de cada momento en que comienza cada canción. La banda está en su mejor momento, sus músicos congenian indudablemente (sin ignorar u ofender a cualquier otra persona que estuvo antes, quienes también aportaron grandes cosas para la banda), y con esto han conseguido, que cuando interpreten en vivo sus temas, logren darles nuevos toques, más atractivos para todos aquellos que están en el lugar. Después de un largo camino, nada fácil para lograr que las personas griten con ellos cada tema, la banda ha decidido, al final de este mes, comenzar a grabar nuevas canciones. Filmarán un video clip pata la nueva canción, “Nada”, que ya han tocado en vivo varias vez; y claro, continúan ensayando, trabajando para su gente, con toda la energía y sentimiento que pueden expulsar para rockear.


Que corra la voz

(Por María Camila Bedoya)

Han pasado ya dos meses desde que tuve la oportunidad de visitar el país del ron, la caña, el son, el tabaco y la revolución. Ese país tan mestizo, que desde la llegada de Colón se empapó de la cruz y la cultura occidental, que mezclados con los ritmos de la raza negra, la herencia de los Taínos, la santería, el Vudú, los santos cristianos, la invasión gringa con sus cafetines, y el último hecho, la revolución; hicieron del pueblo Cubano lo que es hoy. Estaba en busca de alguna frase que representase de la mejor manera al pueblo cubano, cuando encontré este refrán

popular, que a mi modo de ver, encaja perfectamente: “Al son que me toquen bailo”. De la forma más literal, un cubano te baila el son que le pongas, ellos llevan el ritmo en sus pies, porque, como buenos caribeños, aprendieron muy bien la lección de baile. Pero no sólo se quedaron en el son y los conocidos ritmos tropicales, recordemos que el Ballet Nacional de Cuba es reconocido como uno de los mejores del mundo. En cuanto al canto tampoco se han quedado atrás, solo hay que pasarse por La Habana para ver montones de agrupaciones musicales cantando en las calles, con los CDs grabados

para vender su música; o simplemente hacer un recorrido en el tiempo y recordar a personajes como Silvio Rodríguez y Pablo Milanés, que inmortalizaron la trova cubana, y llevan ya varios años haciendo vibrar a más de una generación con sus letras revolucionarias. Por su parte, el Son Cubano evolucionó con el devenir histórico del país, y viajo por las plazas y los parques engendrando leyendas como Eliades Ochoa, Ibrahim Ferrer, Omara Portuondo, y Rubén González. Con la herencia latente de la revolución y la lucha popular, aun se escuchan en las esquinas el pregón de Compay Segundo: “Hasta siem-


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pre, Comandante”. Buenavista Social Club le dio la vuelta al mundo con sus hermosas melodías; La Sonora Matancera es el recuerdo más hermoso del bolero; Polo Montañez, con su ritmo tropical, llegó al mercado internacional, haciéndose famoso por canciones como “Un Montón de Estrellas”; y aún se puede escuchar a Celia, que canta “rebuscando en paisajes tan extraños” para regresar a su patria querida. Lo más lindo del pueblo cubano está en su unión y solidaridad, ellos aprendieron lo que era vivir en comunidad. Es asombroso que te cuenten cosas como que en las fechas cí-

vicas, casi la totalidad de la población se reúne en la plaza de la revolución. Sólo Imagínense, ¡11 millones de personas reunidas! Que en la isla haya un 99% de alfabetismo es un claro ejemplo de lo que un pueblo unido puede hacer, las maestras que participaron en este proceso lo recuerdan como el triunfo más grande de la educación cubana. A los herederos de la “Isla de Juana” no les ha tocado nada fácil desde el día en que decidieron derrocar a Batista y triunfó la revolución, ya que perdieron a su principal consumidor de caña de azúcar, Estados Unidos. Después tuvieron

que superar la crisis de los 90, cuando se disolvió su principal aliado, la Unión Soviética; y lo más tenaz, sobrevivir al actual bloqueo comercial y financiero por parte de Estados Unidos. Esto, sólo por citar algunos de los hechos que ha tenido que afrontar Cuba como pueblo entero, por lo que reafirmo mi idea inicial: Un cubano te baila desde un son cubano hasta un bloqueo económico con la misma energía, alegría y ganas de salir a adelante.


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Esta es una historia que no empieza con un “erase una vez”, no. Por el contrario, esto comienza en el año 2009, cuando Eduardo Agudelo, Camilo Henao, Alejandro Fernández, Daniel Hincapié y Juan David Ospina, deciden juntarse para hacer música; música que les nace desde el corazón, y les corre por las venas. Alejandro dejaría la agrupación más adelante, por razones personales, siendo reemplazado por Cristian Carmona. Antised es una banda difícil de clasificar, aunque ellos definen su sonido como hardcore punk. Al escucharlos, es difícil encontrar un sonido definido en ese mar de influencias por el que navegan sus componentes, desde el funk hasta el punk, desde el hardcore punk neto hasta el hardcore melódico. Lo cierto es que, si escuchas sus canciones, jamás encontraras dos que suenen igual, aunque eso no quiere decir que sean incongruentes; por el contrario, cada uno de los miembros que compone Antised, aporta parte de su sonido y su estilo al tocar, para crear unas melodías tan amorfas como sonoras; una fórmula que, hasta el momento, les ha funcionado a la perfección, ya que consolida su sonido como melodías dignas de ser escuchadas. Algunas de estas se desprenden de su primer EP, titulado “350 ml”. Canciones como “Fin de los Días”, “Promesas del Ayer”, o “Momento Perfecto”, son un buen ejemplo de por dónde se debe empezar para descifrar el sonido de esta banda; que podría denominarse

como “Sonido Antised”. Sus componentes, más que amigos, han crecido juntos como una familia. Ya sea en ensayo o tocando en vivo, todos se fusionan de una manera casi perfecta, se conectan con lo que están tocando, y le ponen parte de su espíritu a la música, para dejar fluir las notas de sus canciones; mismas notas que muchas veces terminan convirtiéndose en algo totalmente nuevo, dando testimonio del talento y la entrega de cada uno de ellos, quienes, entre risas y bromas ocasionales, terminan creando melodías cargadas de energía y espíritu. Algunos podrían pensar que esto es una tontería, que para hacer música se necesita seriedad, pero ellos la tienen clara: Hacen lo que les gusta porque les gusta, y más que para complacer a nadie, hacen música para ellos mismos, para transmitir un mensaje. Ahí es donde se ve el profesionalismo detrás del músico, porque para ellos no se trata solo de hacer canciones, sino de cuanto de ellos mismos hay puesto en ellas. Empezaron siendo una banda de amigos, haciendo música sin muchas pretensiones, por allá en el 2009; y hoy se perfilan como una gran agrupación dentro de la escena local, conformando, en definitiva, un proyecto interesante; algo de lo que, como amante de la música, no deberías perderte, porque independientemente de cuantas bandas de hardcore punk hayas escuchado en la vida, estoy seguro de que aquí encontraras sonidos frescos, melodías que

te aceleraran el pulso, y una buena dosis de ritmo. Yo ya viví la experiencia de verlos en vivo, y debo decir que, aunque termine con sed, Antised es una banda que nunca dejara de sorprenderte, y menos ahora que están en su “momento perfecto”. Dudas que disipar, aquí están las respuestas: Juan Felipe: ¿De dónde viene el nombre “Antised”? Antised: “El nombre es mas anecdótico que representativo” (risas). El grupo de amigos siempre ha sido muy numeroso. Lo que hacíamos, era que los viernes nos reuníamos a hablar y ese tipo de cosas, siempre decíamos “hey, tengo como sed de cervecita”. Un día un amigo dijo “no, este es el escuadrón Antised”, y el nombre de la banda salió de eso. JF: ¿Cuál fue su primera canción completa? AS: “Fin de los Días”. La compusimos cuando ensayábamos en la casa del vocalista, él tenía la letra de la canción, y luego le montamos la melodía. ¡Es de mis canciones favoritas! (vocalista). JF: La canción “Momento Perfecto” es de mis favoritas del EP, ¿cómo surgió esa canción? AS: La canción surge de una situación personal, y habla de aquellas criticas que no son ni constructivas ni destructivas


para la vida. Y es muy particular, porque, en principio, era muy corta, tenía solo un verso. Un día, en nuestro primer toque, nos dijeron “¡parce, esa canción es muy bacana, háganla más larga!”, y de ahí surge el tema. JF: ¿Cuánto tiempo llevan tocando?

AS: A finales del año 2010 grabamos nuestro primer EP, pero solo fue lanzado hasta mediados del año 2011; y la caratula del disco fue diseñada y realizada por nuestro baterista, quien es el encargado de todo el tema de la imagen de la banda. Y la modelo de la caratula es una amiga nuestra.

AS: Tres años, durante los cuales hemos ensayado cada ocho días sin falta. Ensayamos durante cerca de un año, hasta que se nos dio la oportunidad de tocar en nuestro primer concierto. JF: ¿En qué año hicieron su primer EP, y quien realizo el arte del disco?

“Nos gusta ser una banda prolífica” – Daniel Hincapié “Las canciones de nosotros tienen alma” – Camilo Henao


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Armonía para la humanidad Por Claudia Abril

Durante el transcurso de los tiempos han surgido variedad de sonidos, todos guiados a grupos específicos de oyentes; los géneros son cada vez más, y las variantes musicales crecen a grandes proporciones. La música, como la pintura, fotografía, y escritura (entre mil más), tienen en común la intensión de expresar; y esto es, a mi modo de ver, lo que hace que todas estas expresiones se conviertan en ARTE. Estamos en una sociedad sofocada, llena de inconvenientes y obstáculos fácilmente identificados, pero el olvido progresivo de soluciones, olvido de profundidades y aspectos únicos en cada uno, por estos tiempos en los que el fin es llevar una vida con pocas necesidades, dinero en abundancia, belleza física, entre otros aspecto netamente superficiales; hemos olvidado las necesidades del ser, esas que alimentan lo que nos hace sentir realmente vivos, justamente eso creo que han intentado despertar músicos como

Bob Marley, John Lennon, Janis Joplin, Aretha Franklin, Elton John, Kurt Cobain, sin ir muy lejos, Thom Yorke, entre muchos más; quienes, con sus sonidos, reflejan armonía promulgan aspectos profundos y existenciales que no se deben olvidar, ponen en alto sentimientos puros como el amor, la conservación por lo natural, y una forma de vida llena de profundidades extinta de superficialísimos. En ciertos casos, los artistas no se limitan a expresar con su música el repudio a lo banal, y empiezan a alimentar movimientos pacifistas, dando por ellos hasta su vida. Los casos de Marley y Lennon son muy destacados: El primero, afirmando que si los que hacen el mal no descansan, él tampoco estaría dispuesto a hacerlo; y el segundo, enfrentando el amor y la paz ante un mundo que, si bien le consumió el cuerpo, su legado fortaleció. Con estos ejemplos quiero demostrar que cada artista que ha dejado un legado sano y com-

pleto, ha tenido una fe ciega en la profundidad de cada uno de nosotros, una fe que pretende cambiar lo peor que abunda. Todos ellos, y otros personajes vinculados con otro tipo de artes, son iguales a nosotros; todos tienen las mismas capacidades, rasgos, y características que nosotros poseemos. En este orden de ideas, si ellos han generado cambios relevantes y positivos para la humanidad, empezando por su propio ser, ¿porqué cada uno de nosotros no puede empezar a generar un cambio en sí mismo? Finalizo no solo invitando a cada lector a concienciarse, sino también a dejar conciencia en mí; tal vez sea de gran ayuda en algún momento. Agradezco al lector, a la revista, pero en especial a los artistas que en cualquier campo que manejen, han demostrado que todos tenemos claridad en nuestra oscuridad… Tenemos un yang en nuestro respectivo yin.


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A propósito de la ley S.O.P.A, me pregunto si en realidad sería una buena estrategia para lograr la legalidad de las marcas y el éxito en la comercialización de libros, películas y música; para nadie es un secreto que todas estas políticas son globales. Incluso en Colombia, en 2011 el ministro del interior, Germán Vargas Lleras, intentó fallidamente la implementación de una serie de medidas similares. Pero hablemos de lo que nos gusta, la música: ¿Cuántas DE LA veces, en los últimos años tu, has comprado un CD original?, ¿escuchas la música prensada en CDs, o en forma virtual (computador, celular, reproductor mp3)? Hoy día, la mayoría ESTA EN de la música ya no se escucha en disco compacto, y tienes que ser un gran fan para tomarte la tarea de ganarte el dinero, ir a la discotienda a comprar el CD, hacer el esfuerzo de escucharlo completo, y tener el placer de ver el librillo y leer las letras, en vez de ahorrarte la plata y descargarlo de la internet. Como dije anteriormente, para comprar un CD, usted tiene que ser muy fan de la banda, y para eso los músicos tienen que ganarse el respeto y el cariño del público; y esto nos lleva al principal error que se come-

LA

INDUSTRIA

MUSICA CRISIS?

NO

SIMPLEMENTE ESTA MUTANDO

(Por Julian Lopez Arias)

te cuando se hace música para los demás: Para que una banda deje de ser un proyecto, tiene que ensayar mucho, y para eso necesitan dinero. También tienen que darse a conocer para tocar en conciertos, y por eso publican un CD, y para eso también se necesita dinero, es por eso venden los CDs. Pero nadie le compra a una banda que no conocen (excepto unos pocos amigos), y por eso no funciona. Para que un proyecto musical sea viable, se necesitaría que el mismo proyecto gaste dinero para ensayar y grabar, y así poder hacer un CD para ser invitados a conciertos, y de esta forma ganar reconocimiento y algo de dinero por sus presentaciones, ayudados de los medios de comunicación para que compren los CDs, y así tener dinero para seguir ensayando y produciendo su música. Obviamente lo anterior es lo que puede hacer sostenible al proyecto, y todo depende de qué tipo de música sea, y de qué medio de comunicación promocione al artista para que así se pueda vivir de la música.


Dato curioso: Muchos se han motivado a adquirir “Khaos Legions” por la edición japonesa en mediabook, que incluye dos temas extras, además del extra “Covered in Khaos”, un CD de covers con las versiones de “Warning”, de Discharge; “Wings Of Tomorrow”, de Europe; “The Oath”, de Kiss; y “The Book of Heavy Metal”, de DreamEvil.


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¿Renació

Arch Enemy? (Por Daniel Alejandro Yepes)

Hace un año pensaba “¡POR FIN!”. Es lo que exclamas cuando uno de los discos más esperados, de una de las bandas más brutales del death metal, tarda cuatro años en llegar; y eso mismo me ha pasado con “Khaos Legions”, el último, noveno, álbum de Arch Enemy. Ese nivel, Sí, el nivel que ha ido alcanzando desde que Angela Gossow se incorporó a la banda sueca, que debutó con “Wages of Sin” (Century Media, 2002); se quebró en “The Root of All Evil”, un disco en el que recuperaban material clásico de sus primeras épocas, y un sonido más contemporáneo. El resultado no fue muy llamativo. Comparando “Khaos Legions” con “Rise Of The Tyrant”, su anterior álbum de estudio, éste primero muestra lo que probablemente es un paso adelante en aquel camino tomado por la banda, en el que se apartaban de lo que habían hecho hasta “Doomsday Machine”. Por otra parte, uno de sus discos más exitosos.

El monstruo sueco no se ha domesticado, sigue estando en estado salvaje; pero ese salvajismo es como el de las fieras. Y que esto no se tome como una crítica, porque Arch Enemy tienen, concentrado en este cancionero, el mejor sonido de su historia. Ah, y ni hablar de Angela Gossow, que sigue sorprendiendo. Sí, aún a estas alturas, con una variedad de tonos, gruñidos, y cambios de registro asombrosos. Basta mencionar el tema “No Gods, No Master”, que con el oído aguzado, es una delicia. Aunque la sobre-exposición mediática de esta chica, creo que a la larga no les ha sido muy benéfico. Pero también parece que el death metal de Arch Enemy ha perdido punch. Michael Amott, y su hermano Christopher, siguen siendo unos fuera de serie capturando riffs; pero aún así, dejan la sensación de no ser suficientemente impresionantes.

Hablando también de algunos sonidos que no escuchábamos muy a menudo de la banda sueca, el propio Michael Amott dice: “Este disco contiene alguna de las canciones más rápidas que he grabado, junto con un puñado de medios tiempos heavies”. En efecto, en el primer grupo estaría la supertécnica “Cruelty Without Beauty”, y en segundo, “Cult of Chaos”, con una Gossow transformada en súcubo infernal. Y en medio, una gran canción, titulada ‘Bloodstained Cross’. Sin duda, es un álbum cargado de energía y buen metal; pero claro, por lo novedoso de ciertos tracks, me atrevo a decir que a algunos no les gustara, por esa carga de sonidos un poco más tradicionales del heavy metal. Claro está, sin dejar el death metal atrás.


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“Resolution”, de Lamb of God (Por Marco Antonio Mejía)

De comienzo, el grupo no tarda en esgrimir sus argumentos ante su estatus como pertenecientes a la crema y nata del heavy metal estadounidense; y muy seguramente, también a nivel mundial. Tal vez no sea posible reinventarse por completo y ofrecer elementos enteramente frescos y novedosos álbum tras álbum; pero Lamb of God sí que saben cómo mantener la línea, porque tienen en claro cuál es su labor: Hacer metal. Y según el libro de texto de la clase de Heavy metal 101, ¿cuáles son las básicas para hacerlo? Pues, es bien sencillo, son la fuerza, la crudeza, la intensidad, y un montón de bien calibrados gritos e insanos fraseos de guitarra. “Resolution” tiene, por todas partes, el sello de groove metal propio de la banda (manifestado de diferentes modos); que, entre muchas cosas, deja más que en claro por qué fue absurdo tratar de incluir a bandas como Korn dentro de dicha etiqueta (“etiqueta” dentro del sentido simple, porque Lamb of God son más que groove). Comienza con “Straight for the

Sun”, que, pese a no ser precisamente extensa (durando dos minutos y fracción), es fácilmente de lo más pesado que escucharás este año. “Desolation” y “Ghost Walking” (esta última, el primer sencillo promocional del álbum) se mueven dentro del rango tradicional del grupo, con las partes de screams, riffs vertiginosos, y cambiantes patrones rítmicos, todos al orden del día. Hacia “The Undertow” y “The Number Six”, la intensidad aumenta, y el álbum se vuelve gradualmente más dinámico y fluído, con ambas canciones dejando respectivamente ambas sensaciones, porque la primera casi bordea con el metalcore (o metal hardcore, según prefiera quien escuche), mientras la segunda tiene una estructura cambiante, con los start-stops característicos del metal alternativo. “Barbaraosa” es un breve intento hacia lo experimental, un corto número acústico con fondo de feedback de distorsión; mientras que “Invictus” y “Cheated” mantienen la línea encontrada hacia el comienzo del disco. “Insurrection”, con sus casi cinco minutos, es a

mi juicio, el mejor número en todo el álbum, mostrando uno de los lados más progresivos de Lamb of God; y el ambiente en la siguiente pista, “Terminally Unique”, es similar, aunque un poco más enfocado en ser metal que en demostrar musicalidad. “To the End” es sencillamente el mejor riff de todo el álbum, y quizás, también, la canción más pegajoza de todo el álbum. Las últimas dos pistas, “Visitation” y “King Me” son otros dos números progresivos, uno más que el otro, palpable en el carácter de cada uno. El primero es, en corto, metal intenso juntado creativamente; mientras que el segundo, que incluye algunos pasajes sinfónicos, son seis minutos y medio de ingenio combinado con crudeza. Para terminar, cabe destacar que, a diferencia de gran parte de los grupos de metal activos actualmente, Lamb of God aciertan al preferir grabar tradicionalmente, lo que ayuda a dar fortaleza al sonido; en lugar de utilizar modulaciones o compresiones en la edición de estudio.


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N U P LA

Y A M

R

O M A C I ÓN

M

E

l punk de Medellín recibió en sus filas a la primera mujer que hiciera parte de una banda del género a mediados de la década de los 80’s. En una época donde el M 19 se tomaba el palacio de justicia y cuando la escena del rock de Medellín era dominada por hombres o machos alpha, según el actual término de moda, Mónica Moreno, más conocida simplemente como “Mónica la de I.R.A” o mejor aún, como suele plasmar con su rúbrica, MonikI.R.A, entró en una escena donde se instaló y se quedó para decir cantando. Aunque no sólo cantando, porque si bien ha plasmado con su banda y en sus canciones pensamientos como: “aceptar lo vivido/si es preciso olvidar/no importa si has perdido, perder puede ser ganar/”, su discurso también está presente en la academia. MonikI.R.A, la misma que hemos visto con una cresta puntiaguda que pareciera querer rozar los rayos del sol, esa que en medio de un concierto toma la palabra y le dice a la gente, “¡ey, la buena pa´ todos!”, la misma que

vemos sentada detrás de los ‘tarros’ de la batería, también comparte como docente su aprendizaje como Licenciada en Educación Especial en la Facultad de Educación de Universidad de Antioquia. Esta mujer de ojos cafés, 1.62 de estatura, tez blanca y cabello de color indeterminado pues las tinturas son frecuentes, tiene una mirada tan atenta como la de una gato que avista una posible presa, una mirada fuerte y a la vez dócil, cargada además de una alegría saltona, sin prejuicios. Cuando habla, esta mujer que primero empezó cantando a poquitos en I.R.A y luego asumió también la batería, lo hace con seguridad y firmeza, a veces de manera pausada como un oleaje lento pero otras no menos veces, lo hace con una velocidad e intensidad que dan la sensación de inferir que Mónica hace honor a la máxima callejera que asegura: “es más sabio quién entiende que su voz es la proyección de su ser”. Esta mujer que ha llegado con el sonido de I.R.A en concierto a disímiles lugares como el CBGB en Estados Unidos, Venezuela, Ecuador, Chile, Argentina, y en Colombia a es-

cenarios como Rock al Parque, Festival Altavoz, Manizales Grita Rock, Cali Underground, entre otros escenarios, se caracteriza por ser una mujer de carácter firme que sin bozal alguno expresa desde las entrañas lo que siente, lo sustenta y lo defiende con los dientes si es necesario, pero tiene esa gran capacidad del diálogo, de negociar y de aceptar que se equivocó si el caso lo amerita. Si bien esta “dama del punk” ha visitado grandes festivales con su banda, nunca ha perdido el sentido de su sonido y de lo que hace, y por eso, también ha llegado con I.R.A a conciertos en bares para 200, 500 o 1000 personas, lo que resume además, de golpe, uno de sus rasgos más sobresalientes y que ayudan a traducir su personalidad: el gran valor que le da a los momentos, a las cosas pequeñas, al sentido de lo esencial. En el año 2004, cuando el grupo estuvo en el Festival Punk Olympics New York CBGB en concierto e hizo la diligencia previa en la Embajada de los Estados Unidos para tramitar la visa, Mónica, con quien se puede pasar un día entero escuchándola contar


E I K N

: R YO

RE

.A R . I E NO D

las anécdotas de los toques y los viajes la banda, recuerda el día en el que acudieron a la cita: “nosotros nos fuimos tal cual somos, sin pintas raras o cachacos, nada, fuimos de jean, botas, con chaquetas de taches y nos cargamos con una carpeta llena de afiches, fotos, artículos de prensa y además llevamos CD’s de la banda. Nos sentamos, dijimos que éramos una banda independiente y que nos habían invitado a tocar a Estados Unidos, mostramos la invitación oficial y simplemente dijimos que no pretendíamos quedarnos, que nuestra vida está en Colombia; incluso , dijimos que no teníamos plata, que camellábamos y que queríamos ir a tocar y a nada más. La persona que nos atendió miró la carpeta y después de hacernos algunas preguntas nos aprobó la visa. Nosotros salimos de ahí y no la creíamos”. Hablar de Mónica, sus historias y su vida sin mencionar a su compañero, a su media naranja, sin exagerar, su complemento, David Viola, es hablar de una historia incompleta. Luis David Viola, llamado Viola en la escena, guitarrista y cantante de I.R.A, anda con

iag

nt Por: Sa

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go N n a r A o

Mónina hace ya 256 años años paseándose en la escena punkie. Y es que realmente no sobra decir que esta pareja se ha convertido en referente para generaciones de muchos músicos de la ciudad y del país, gente joven con ganas de hacer una banda y que ve en ellos un modelo a seguir pues son 10 trabajos discográficos prensados, su álbum “Epidemia de Infexión Respiratoria Aguda” fue editado en acetato en Brasil, toques en Colombia, Chile, Argentina, Venezuela, Brasil, entre otros países, sumados a muchos más logros que no mencionaremos aquí pues no es la intensión de este texto pero que cobrar total relevancia pues todos los han conseguido sin disqueras o sellos, simplemente ellos creyendo en lo que hacen y aman; pero sobre todo, lo que hay que decir sobre esta pareja, como le escribió Viola a Mónica en la canción “Mi punk amor”, una de las canciones de su más reciente disco titulado “Firmes”, ella es y será su punk amor: “… Sabes que te quiero y que siempre lo haré/así sea en lo bueno o sea en lo malo/y después de morir

alau

hag o g a i t an

amando seguiré/sólo mi espíritu sabe lo que siento/y te doy las gracias por tu quererme a mí/porque siempre tu mano es mi salvación/ahora estoy seguro que sí existe el amor/ eso es lo que le falta a este puto mundo/eres eres mi punk amor/mi sucio amor mi punk amor”. Años atrás, cuando los grupos de punk no se atrevían a hacer un video clip, cuando una banda del género en la ciudad nunca había enfrentado su música con un unplugged, es más, asumiendo que los medios puedes ser un complemento del proceso de autogestión siempre y cuando respondieran a la línea de la banda, entre muchas otras apuestas en las que han sido pioneros, ahí estuvo presente Mónica, acompañada de Viola, abriendo otros caminos al punk de la ciudad. Después de tantos años haciendo música, compartiendo su conocimiento, guerreando, abriendo espacios para otros grupos que vienen de atrás construyendo camino, el legado de MonikI.R.A es tan sencillo y pareciera tan evidente pero en un mundo lleno de caos y consumismo no lo es, pues su elección con cada acción tanto desde la independencia de su banda como en sus actos cotidianos es una: vivir para ser libre haciendo lo que ama. Sitio oficial: www.infexionra. com Facebook: I.R.A Punk Medellín



Noise Armada edición de Febrero