Artcertificate | Magazine Art4Any Juin 2021 by Artcertificate

art4any N°7 | JUIN | 2021 WWW.ART4ANY.COM

Coups de Projecteur sur plus de 30 Artistes

JACQUES CHARBONNEAU ISABELLE DELEDDA

INVITÉ D’HONNEUR

TAGOQUI

MARIE MAÎTRE FOX SABLINA GERALDINE CLAUS

GERALDINE CLAUS

Les meubles revisités par ses mains devenues expertes, deviennent de véritables oeuvres d’art

tAGoqui

Annie sÈne

louis mArtinez AlexAndre di PAscoli

GerAldine clAus

Pierre lAmblin

UNITED ARTISTS STORE

GAlerie libre est l'Art

PHiliPPe lonzi

PAtriciA ducePt rémi bénArd

mArie mAître AzzA nAFti

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art4any

JAcques cHArbonneAu

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invité d'Honneur tAGoqui

editoriAl QU'EST-CE QUE L’ART BRUT?

les œuvres d’Art brut sont réalisées par des créateurs autodidactes, des marginaux retranchés dans une position d’esprit rebelle ou imperméables aux normes et valeurs collectives, qui créent sans se préoccuper ni de la critique du public ni du regard d’autrui. sans besoin de reconnaissance ni d’approbation, ils conçoivent un univers à leur propre usage.

“ Je dédie mon art à tout le monde, chaque jour qui passe est toujours positif. les chats, les animaux, la nature, les êtres humains et tout ce qui est basé sur la paix et la tranquillité. mon art est créatif et imaginaire. mes larmes et mes sacrifices sont dédiés à l'art, le cœur de mes œuvres est inspiré de mes souvenirs d'enfance et d'une partie de ma jeunesse colombienne où je suis né. ”

Artiste Peintre Art brut

A L’HONNEUR

TAGOQUI

Vivre ma passion

ibia Patricia González est née à la unión valle le 16 Août 1962, c'est une artiste peintre autodidacte.

en 1987, elle arrive à Paris et commence avec son mari une nouvelle vie avec ses difficultés d'intégration.

c'est une artiste aux multiples facettes et aux convictions profondes. Penseuse complexe. elle aborde l'art et la culture, motivée par sa capacité à inventer de nouvelles formes abstraites, figures et couleurs à travers des animaux et des paysages liés à l'homme.

elle s'inscrit à des ateliers pratiques sur l'aménagement paysager, l'aquarelle, l'acrylique et l'huile.

son travaille s'inscrit dans ce que Jean dubuffet appelle la création “d'Art brut” ou dans cette autre définition de Gérard sendrey dite “création Franche”.

durant son enfance et son adolescence, elle a suivi quelques cours de dessin et de peinture. son intérêt pour l'art et la culture l'ont amenée à admirer les oeuvres de plusieurs artistes peintres colombiens.

sa fascination pour la culture parisienne, la découverte des musées et l'omniprésence de l'art dans la ville réveillent une nouvelle fois son intérêt pour la peinture.

elle peint le quotidien, les animaux et les paysages de sa ville natale la unión valle, en colombie.

en 2019, elle expose pour la première fois à la mairie du 5e arrondissement de Paris.

Internet : tagoqui.wixsite.com/website/ Email : lipagota@gmail.com

C’est au peintre français Jean Dubuffet que l’on doit le concept d’Art Brut.

LOUIS MARTINEZ la maîtrise technique des perspectives

ouis martinez est né en 1948 à condrieu dans le rhône.

il parvient à capter l’âme de la ville. celle qui s’éveille la nuit, loin du tumulte du jour et vide du bourdonnement de ses passants. c’est le moment où le paysage urbain devient un espace sensible jouant sur notre perception, comme le reflet de la lune dans une flaque d’eau ou le faisceau lumineux d’un néon miroitant dans une vitrine.

Internet : louis-martinez.com louis-martinez@wanadoo.fr

l’artiste pose son regard et fait jaillir l’éclat dans l’ombre. la lumière devient une matière picturale, le noir un refuge enveloppant. comme un clairobscur urbain, il nous plonge dans un univers intemporel et poétique où l’on croise parfois des silhouettes captées dans les lumières artificielles. le peintre dévoile autant qu’il met dans l’ombre la ville, comme un terrain de jeu qu’il parcourt nous menant d’une scène à l’autre avec une approche presque cinématographique des

plans. la respiration se fige, le regard balaye la rue et capte une ombre derrière une fenêtre illuminée. on attendrait presque que quelqu’un ou quelque chose vienne brusquement rompre ce silence assourdissant, en vain.

Fils d'émigrés espagnols, louis martinez poursuit malgré lui des études techniques où il rencontre roger lorin, peintre de renom qui lui transmet son amour des couleurs et des vieilles pierres. Peintre autodidacte, il dépeint la solitude des grands espaces urbains, l’inquiétude du coin de la rue et la complexité de nos sentiments. la figure humaine est souvent absente de ses toiles pourtant elle n’est pas loin, il suffit de savoir où regarder. traces de pas éphémères dans la neige, linge suspendu au balcon, fenêtres éclairées et intimité derrière la pierre. cette apparente absence ne nous renverrait elle pas à la fragilité de notre condition humaine ? l’art à ce pouvoir de figer un moment d’éternité et de repousser notre impermanence.

LA SOLITUDE DES GRANDS ESPACES URBAINS, L’INQUIÉTUDE DU COIN DE LA RUE ET LA COMPLEXITÉ DE NOS SENTIMENTS

ANNIE SÈNE

La toile ‘Métamorphose’

nnie sène est un mélange de cultures sénégalaise, française et guadeloupéenne, enrichi par la présence de sa famille. elle est une autodidacte dans l'âme, traverse les années en grandissant de ses essais et persévère dans l'apprentissage de nouvelles connaissances et compétences pour l'amener à accomplir ses rêves.

elle a expérimenté avec plusieurs médiums dont le crayon noir sur papier, le fusain sur papier et le pastel. ces médiums l'ont permis d'explorer l'espace de travail, les formes, la lumière, les ombres et les couleurs. sa motivation a toujours été la même : explorer la complexité de la nature humaine et la diversité qui en résulte.

Au début, elle a abordé la douceur et la féminité sous forme de portrait utilisant le crayon noir et le fusain. ensuite elle a fait sa vraie incursion dans le monde de la peinture à l’huile sur toile dont le sujet était une top-modèle africaine devenue activiste.

tandis que les œuvres précédentes touchaient surtout le visage celle-ci montre le corps de la femme.

la période suivante d’huile sur papier touchait l’identité, la féminité, et l’intimité chez l’adulte, ainsi que l’innocence et la douceur chez l’enfant. le pastel a suivi avec le nu au menu.

Par la suite elle se consacre à l’huile sur toile avec des sujets variés: paysages, personnages, animaux. la toile ‘métamorphose’ fut un point tournant dans sa démarche car elle embrasse le semi-abstrait.

en même temps ses toiles prennent de l’ampleur et elle sème des symboles à travers ses tableaux. des trésors cachés à trouver.

Annie sène enseigne la peinture à plusieurs groupes d'aînés. elle organise aussi des sessions de Karaoke de la chanson française surtout, pour certains de ses étudiants.

Internet : www.anniesene.com Email : creaffaires@gmail.com

ELLE FRÉQUENTE DES ATELIERS POUR ÊTRE EN COMPAGNIE D'AUTRES ARTISTES

GERALDINE CLAUS la liberté de créer

urieuse et passionnée, Géraldine claus est une touche à tout. Photographe de formation, elle a exercé plusieurs métiers au cours de sa vie.

Passionnée de déco et d’art, elle exprime déjà, à l’époque, sa créativité en peignant sur les murs, les portes et autres objets du quotidien.

A 18 ans elle décide de quitter sa lorraine natale pour s’installer un temps, à Paris. elle suit des cours de théâtre et développe son sens et ses connaissances artistiques.

“J’ai visité beaucoup d’expos, assisté à de nombreuses pièces de théâtre. J’avais une soif de découvrir et d’apprendre. une année riche en expériences !”

www.geraldineclaus.com geraldineclaus.com@gmail.com

de retour de la capitale, elle commence à travailler les meubles en patine et dévore tous les ouvrages sur le sujet. elle essaye, apprend, se trompe, recommence, s’améliore de jour en jour…

les années passent et, même s’il n’est pas encore temps de vivre de sa passion, le rêve d’ouvrir un jour un atelier ne la quittera plus. totalement autodidacte, elle travaille d’arrache-pied pour bien maîtriser son art et acquérir une légitimité. elle transforme cette lacune de départ en une véritable force. “Je ne sors pas d’une grande école d’art, j’ai tout appris par moi-même. ne pas être formatée par un enseignement purement académique, m’a finalement permis de développer mes propres techniques.” J’ai toujours suivi ma propre route, en gardant cette envie d’apprendre pour progresser. la vie est une belle école. l’apprentissage y est riche pour celui qui est curieux.”

Avec les années, son travail devient de plus en plus pointu, les meubles revisités par ses mains devenues expertes, deviennent de véritables oeuvres d’art qu’elle expose désormais dans des galeries.

COUP DE COEUR

LA CRÉATION PART DE L'ESPRIT PASSE PAR LE COEUR ET PREND VIE ENTRE LES MAINS DE L'ARTISTE.

www.facebook.com/geraldineclausatelier

MARIE MAÎTRE

Pour moi l'Art est total, physique, entier

assionnée par l'Art , je réalisais des sculptures en trombones, en élastiques, grillage et coton à tricoter.

ne disposant plus assez de place pour pouvoir continuer ces dernières, j'ai dû trouver une autre alternative. il fallait que je crée coûte que coûte. Je ne pouvais pas continuer à vivre si je ne pouvais plus faire ce qui m'habitait. J'ai donc trouvé à réaliser des créations photos. Je prends les photos moimême et suis mon propre modèle. Pour moi l'Art est total, physique, entier, il s'explore en poussant à l'extrême les capacités du créateur.

Artiste autodidacte, je parle volontiers de quête, cette quête qui m'anime sans cesse et m'accompagne à travers mes créations photos.

www.artmajeur.com/maitre-marie# Email : maitre.marie@gmail.com

DÉSORMAIS, CET ART-LÀ NOURRIT MON ÂME ET MON CORPS, IL RÉPOND À MES EXIGENCES HUMAINES AUTANT QUE JE PEUX LES PROVOQUER, LES ÉTALER ET PARTAGER. 17

United Artists Store présente

DES ARTISTES À VOUS COUPER LE SOUFFLE ! VISITEZ NOTRE GALERIE

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ALEXANDRE DI PASCOLI

la souffrance du temps qui passe, la mémoire de ce qui a été

www.unitedartists.store/ alexandre-di-pascoli

urnommé « eye of isis », se qualifiant de « photographe des temps modernes », Alexandre di Pascoli pratique essentiellement ce que l’on nomme l’urbex. le mot nous vient de l’anglais, il est né de la contraction de « urban exploration » qui a été abrégé en urbex. en français, cela correspond à « exploration urbaine », dans le sens de « visites de friches ». il s’agit de visiter des lieux construits par l’homme et qui ont été abandonnés depuis un temps plus ou moins long. les lieux explorés dans le cadre de l’urbex peuvent être de nature très différente : manoirs, châteaux, églises, mais aussi friches industrielles ou bâtiments publics comme les prisons, les asiles, les hôpitaux… Alexandre di Pascoli a une prédilection pour les lieux prestigieux, tels les châteaux et les bâtisses de caractère. ces endroits ont un côté mystérieux qui l’intrigue et le fascine : pour quelle raison d’aussi beaux domaines ont-ils pu être laissés à l’abandon, jusqu’à tomber dans l’oubli ?

en vérité, ils ne sont pas si « oubliés » que cela, la preuve en est les urbexeurs qui les visitent. le secret de leur existence est jalousement gardé dans le but de les faire durer en l’état le plus longtemps possible. la règle d’or, consistant à ne rien casser, laisser derrière soi, ou prendre, hormis quelques clichés, est soigneusement appliquée par tout photographe pratiquant l’urbex. via l’immortalisation de ces lieux somptueux et énigmatiques, Alexandre di Pascoli capture un peu de leur essence et de leur magie. son objectif : faire découvrir des univers surprenants et quasi inexplorés tout en conservant une empreinte de leur évolution dans le temps. Pour ce photographe des temps modernes, immortaliser ces endroits, c’est un peu comme voyager à travers le temps. ses photos offrent ainsi les images de ce voyage, une sorte de rêve éveillé…

PATRICIA DUCEPT

l’animal n’est pas un jouet ni un caprice, on l’a pour la vie

iplômée de l’esAG Penninghen, Patricia ducept est une artiste renommée de la scène contemporaine. sa devise « vivre en harmonie » (en « art’mony ») lui a inspiré son nom d’artiste, Art’monY, dont elle signe ses œuvres. Passionnée par l’art, Patricia ducept a d’abord été directrice artistique dans la communication, après quoi elle a choisi de se consacrer pleinement à son art.

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de nombreuses techniques sont sources d’inspiration et de création pour cette artiste originale aux œuvres pétillantes de vie. Passionnée par la peinture tout autant que par le collage, le graphisme ou bien encore la sculpture, Patricia ducept mélange habilement les techniques, juxtaposant par exemple le graphisme et la typographie à la peinture, pour donner vie à des toiles hautes en couleur. l’artiste pop’art y met en scène des mondes riches aux détails insolites qui font écho au monde de l’enfance. l’œuvre de Patricia ducept, qu’il s’agisse de ses toiles ou de ses sculptures, regorge de personnages récréatifs et amusants, pleins de poésie, tels que mickey, milou, Pinocchio, Félix le chat…

dotée d’un amour fort pour les animaux, l’artiste crée des sculptures très colorées représentant chats, chiens, oiseaux dans un univers vintage plein de douceur et de joie de vivre. Patricia joue volontiers avec les mots et les images, collant deci de-là sur ses toiles et ses sculptures des petits messages et illustrations teintés de poésie. ses œuvres donnent à voir toute l’immatérialité de notre société et se veulent détentrices de messages inspirants.

Ainsi, lorsque Patricia ducept sculpte un chien ou un chat, elle envoie un message universel : l’animal n’est pas un jouet ni un caprice, on l’a pour la vie, on se doit d’en prendre soin, de ne pas l’abandonner… ce message est subtilement rappelé sur les petits papiers déchirés et collés, disséminés sur l’animal sculpté. quel que soit l’animal représenté, Patricia ducept a toujours quelque chose à transmettre. ses tableaux, tout aussi graphiques et pleins de vie, raviront les amateurs de vintage qui n’ont pas perdu leur âme d’enfant : All you need is love, mickey star, enjoy Felix, Pop spiderman, Pop Kitty câlin…

PIERRE LAMBLIN

cette façon de faire, « à la sauvage »

é en 1973 , Pierre lamblin est un artiste plasticien cannois. Après une carrière professionnelle bien réussie, à 40 ans il a décidé de s'adonner à sa passion de toujours : l'art. il a alors installé sa galerie-atelier sur le vieux port de cannes à quelques mètres du tapis rouge, son show-room à monaco et s'est ainsi exposé à une clientèle internationale habituée de la French riviera. ses œuvres font partie aujourd'hui de collections d'art contemporain du monde entier et l’on compte parmi ses clients de nombreuses personnalités ainsi que des hommes d'affaires.

www.unitedartists.store/ pierre-lamblin

inventeur d'un style d'art unique, le multilayers, Pierre lamblin cherche à reproduire les abysses et invite littéralement le spectateur à s'immerger et plonger dans ses œuvres comme un plongeur à la découverte d'une épave. À partir de 3 à 4 plaques, il arrive à reproduire des volumes complexes. il encapsule ses œuvres pour l'éternité grâce à une matière épaisse et transparente : la résine époxy. Au travers de son art, Pierre lamblin s’applique à transmettre un sentiment

de joie, il veut des œuvres lisibles et interprétables. celles-ci explorent tour à tour des concepts qui lui sont chers : la société de consommation, le climat, les réseaux sociaux… Parmi ses thèmes de prédilection, nous pouvons citer l’enfance avec des sculptures représentant des personnages comme mickey, mais aussi la nature avec des sculptures d’animaux sauvages.

Amoureux de son travail d’artiste plasticien comme il l’est de sa ville, cannes, Pierre lamblin aime à faire découvrir son art directement auprès de son public. À la manière du street art où l’artiste tague les façades sans autre but que de partager son art, Pierre sème ses créations dans les contrées cannoises. une façon de marquer son territoire tout en laissant parler ses œuvres... cette façon de faire, « à la sauvage », prend tout son sens dans sa démarche expérimentaliste. en effet, Pierre lamblin ne veut pas rentrer dans le moule des artistes qui se copient, il revendique son indépendance créative.

RÉMI BÉNARD

l’alchimiste qu’il était s’est transformé en vrai chaman peintre !

e son enfance, il reste à rémi bénard peu de souvenirs agréables. Aussi l’artiste peintre aime-t-il à raconter que sa vie a commencé à l’âge de 24 ans alors qu’il frôlait la mort. en effet, suite au grave accident de moto qui a failli lui coûter la vie, rémi a vécu à ce momentlà l’extraordinaire : une expérience de mort imminente (e.m.i.). dès lors, une nouvelle vision du monde s’offre à lui, beaucoup plus intense ; ses ressentis face à celui-ci se développent considérablement. Pour mieux appréhender cette vision inédite, rémi bénard s’oriente vers le chamanisme, une pratique qui ouvre son esprit sur lui-même et sur d’autres mondes. ce sont ces autres mondes qu’il peint, la manifestation de l’invisible…

www.unitedartists.store/ remi-benard

« Autodidacte à 95% », rémi bénard peint à l’acrylique de façon tout à fait intuitive. ses séances de peinture sont axées sur le lâcher-prise et c’est dans une sorte de transe qu’il commence à laisser s’exprimer son art. l’inspiration peut lui venir à tout instant, de jour comme de nuit. Alors il commence son œuvre… certains tableaux sont réalisés

en quelques jours tandis que pour d’autres il faudra parfois plusieurs années pour pouvoir contempler l’œuvre achevée. rémi bénard aime les couleurs et les reliefs, la nature est l’une de ses sources d’inspiration favorites. mais la meilleure qui soit est son fils noé, son « plus grand inspirateur ». depuis sa naissance, l’enfant et son père vivent une très belle relation. très connectés l’un à l’autre, noé, grâce à ses étonnantes questions, guide son père lors du processus de création. c’est ainsi que rémi bénard a récemment peint « orion, ici la terre », après un échange avec son fils au sujet de la constellation d’orion. ce tableau a d’ailleurs bénéficié d’un coup de cœur lors d’un concours international.

Parmi ses nombreuses œuvres, nous pouvons citer : r.e.m.i, Autoportrait ou encore l'Arche de noé. le premier tableau fait référence à l’e.m.i. vécue par l’artiste, lors de laquelle il a fait sa toute première rencontre avec son fils qui allait naître 15 ans plus tard.

GALERIE LIBRE EST L'ART l’art et la liberté ne font plus qu’un !

la photo est pour moi le prix de la liberté ! », telle est la phrase que l’on peut lire en présentation sur le site de cette jeune artiste de 30 ans. captivée depuis l’enfance par le monde qui l’entoure, léa rime désire transmettre son regard singulier sur les choses. Ainsi est née sa passion pour la photographie. À travers l’objectif, la jeune femme capte sa pensée du moment présent et nous offre sa définition toute personnelle de l’art…

Pour léa rime, la photographie est également une façon touchante et puissante de rendre hommage à son père, chris rime. disparu il y a trois ans, c’était un artiste peintre et un photographe de talent qui a transmis à sa fille beaucoup de sa passion… lorsque l’on demande à léa pourquoi elle est artiste, la ré-

galerie-libre-est-lart.com galerie.libre_est_lart@yahoo.com

ponse est à la fois simple et éloquente : « car j’ai toujours eu la passion et l’envie de créer. l’art est pour moi le reflet de l’âme de l’artiste. » Ainsi, l’on peut percevoir sur ses magnifiques photographies, l’âme de cette talentueuse artiste : la mer et ses ondulations, l’écume échouant sur le littoral caillouteux… des photographies tout en finesse qui captent l’essence de la vie dans ce qu’elle a de plus naturel et de plus beau.

léa rime voit grand et sa passion pour l’art ne s’arrête pas à son amour de la photographie. la jeune femme est également directrice de la Galerie libre est l’Art située à Paris, qui a ouvert ses portes en 2018 et dont le leitmotiv est : « l’art et la liberté ne font plus qu’un ! »

le concept à travers cette galerie ? offrir sa chance aux jeunes artistes, donner ce qu’elle a eu la chance de recevoir : un endroit dédié pour ex-

poser son talent. en effet, peu de galeries permettent aujourd’hui aux nouveaux artistes d’exposer, ce que léa rime déplore, et ce à quoi elle remédie désormais. Pour aller toujours plus loin, libre est l’Art propose aussi une aide aux jeunes artistes pour tout ce qui touche à la communication : création de leur site internet, assistance, etc. léa a posé la question : « comment se faire un nom dans l’art quand on ne nous donne pas notre chance ? » et elle a proposé sa réponse, sa petite pierre à l’édifice : la galerie libre est l’Art pour soutenir les artistes dont le talent était, jusqu’ici, resté dans l’anonymat. une façon ingénieuse et généreuse de donner sa chance aux artistes de demain… dont les expositions ont repris depuis peu : « Art & corps » du 22 au 28 mai, « de l’abstrait au figuratif » du 29 mai au 4 juin, etc.

AZZA NAFTI

Je déssine et j’écris des contes pour les enfants

zza nAFti, née le 6 janvier 1987 à tunis (tunisie), est aujourd’hui une brillante informaticienne. Fille d’un père amoureux de littéraires, dès son plus jeune âge et tout au long de son enfance, elle se passionne pour le dessinet l’écriture.

dès cette époque, elle commence à rédiger des histoires sorties du monde imaginaire qu’elle renferme dans sa tête. Pour assouvir sa grande créativité, elle s’applique également à faire de beaux dessins sur papiers et sur cartons.

http://azza-nafti.com

azza.nafti.painting.books@gmail.com

Après s’être prise de passion pour la technologie et l’évolution, elle choisit de partir dans le domaine de l’informatique, tout en continuant d’écrire.

elle rédige alors des articles, en français, relatifs à la technologie et publiés dans le magazine français « PHPsolutions ». Par la suite et parallèlement à sa profession dans le domaine du consulting, elle continue à rédiger des articles, en anglais et publiés dans le magazine polonais « Pentest ».

devenue maman, elle passe beaucoup de temps avec ses enfants et souhaite éveiller leurs esprits. Pour cela, elle leur invente des histoires dans lesquelles elle leur enseigne, dans chaque nouveau conte, une valeur fondamentale et une morale. Pour commencer et en attendant la finalisation de son site webhttp://azza-nafti.com, elle choisit de publier ses histoires enfantines et ses tableaux, sur AmAzon.

PHILIPPE LONZI Autodidacte, libre et fier de l ’être

a sculpture est depuis toujours, pour Philippe lonzi, un moyen d'expression sincère. le travail de découpe de l ’acier neuf sous toutes ses formes, contribuent à la recherche d'une esthétique.

chaque œuvre en devenir est une remise en question, une nouvelle aventure, un laborieux voyage de l'esprit.

la pureté des lignes des aciers neufs ne devra pas disparaître après avoir été agressé par la flamme ou le tranchant des outils dirigés par l ’artiste.

les pleins s'équilibrant avec les vides, contribuent à une lente métamorphose de tous ces éléments.

de cette alchimie faite de réflexion et de matière, jaillit une nouvelle sculpture, qui restera, pour Philippe lonzi, le témoin d'un travail opiniâtre et le réceptacle d'une émotion sans limite.

Internet : https://lonzi.odexpo.com Email : p@lonzi.fr

COUP DE COEUR

IL PENSE ET TAILLE SES FORMES DANS DES TÔLES NEUVES, AUSSI VIERGES QUE LA PAGE DE L ’ÉCRIVAIN

MARGA MOREL D’ARLEUX tableaux peints à la cire sous verre

l y a quelques années je suis allée au louvre. Je suis tombée par hasard sur les portraits de Fayoum. il s’agit d’un ensemble de peintures de l’égypte romaine exécutés entre le ier et le ive siècle après J.c. ce sont des portraits funéraires peints, insérés dans des bandelettes au niveau du visage de la momie. les premiers portraits ont été trouvés dans le Fayoum, région d’égypte qui a donc donné son nom à ce type de peintures.

les portraits du Fayoum sont les seuls spécimens de peinture de chevalet que l’Antiquité nous a légués. ce sont les portraits les plus anciens jamais découverts. ce qui frappe d’abord c’est la transparence et l’intensité de la couleur qui a pu perdurer à travers les siècles avec une fraîcheur inouïe. ces peintures sont exécutées à la cire, le liant qui respecte le plus la vibration

http://www.margamoreldarleux.com Email : margamorel365@gmail.com

des pigments. tout de suite, je me suis dit qu’il fallait que je travaille cette technique, car ce qui me motive le plus dans la peinture c’est le rayonnement de la couleur dégagé par le tableau.

J’ai découvert à lisbonne au musée calouste Gulbenkian un petit tableau du 18ème siècle peint sous verre. il avait attiré mon attention parce qu’il dégageait une grande luminosité au point que j’ai cru qu’une lumière était cachée derrière. mais en me rapprochant je me suis rendu compte qu’il n’y avait aucune lumière : c’était l’effet de la couleur appliquée directement au verso du verre qui produisait cet effet.

J’ai aussitôt essayé dans mon atelier la même technique et j’ai constaté que cela permettait de visualiser par transparence tous les gestes et les superpositions de la peinture depuis le commencement du tableau jusqu’à son achèvement, ce qui donnait beaucoup plus de richesse à l’œuvre.

VISUALISER PAR TRANSPARENCE TOUS LES GESTES ET LES SUPERPOSITIONS DE LA PEINTURE

CES PEINTURES SONT EXÉCUTÉES À LA CIRE, LE LIANT QUI RESPECTE LE PLUS LA VIBRATION DES PIGMENTS

CAROLINE GASCH

médaille d’or de la photographie professionnelle française

i la terre est bleue comme une orange, la planète que célèbre caroline pince les cordes d’un arc en ciel pour composer une symphonie urbaine.

embarquement immédiat new York-Paris, via boston, miami, los Angeles.

ouvrez les yeux sur les villes qui palpitent, s’éclairent de mille feux nocturnes, dont les reflets sur l’eau ondoient en moires de soie.

Internet : www.carolinegasch.com Email : caroline.gasch@gmail.com

les dark lights de new York composent un tableau à accrocher aux cimaises du moma, tandis qu’à l’autre bout de la planète les fanaux de la bibliothèque nationale de France jouent sur scène-ou sur la seine, un opéra rock inspiré du Fluctuat nec mergitur.

l’œil de caroline fait naître des arpèges de couleurs qui réchauffent le cœur et instillent de la joie.

des jaunes d’or en vibrants halos de la gare de Grand central aux délicats pastels des Painted ladies de boston, c’est un voyage en terres nouvelles qui se dévoile.

une fête perpétuelle, un carrousel d’émotions. rené-charles Guilbaud Historien d’art

JACQUES CHARBONNEAU un précurseur des arts technologiques au québec

acques charbonneau est reconnu comme un précurseur des arts technologiques au québec.

constamment à la recherche d’un langage plastique associé à un art relié à la science par l’utilisation de technologies électrographiques, il participe à la création d’une nouvelle sensibilité artistique.

il conçoit en 1986, le procédé artistique Art-Pirate dont l’étape principale du processus consiste à sélectionner et à découper des segments colorés d’images contenant la mémoire du passé et les rassembler par collages superposés selon son inspiration artistique.

en détournant le sens des images de leur contexte réel, en réorganisant les couleurs et en modifiant les formes diverses, il réinvente ces images en de

Facebook : CH2O-Jacques-Charbonneau Email : artch2o@hotmail.com

nouvelles œuvres originales. Par différentes phases successives, il métamorphose l’image en la reconstruisant, la modifiant pour lui offrir une nouvelle essence.

l’image régénérée revit différemment, parachevée en temps réel grâce à la main de l’artiste. le meilleur exemple de son œuvre est l’album virtuel sur Facebook qui l’a obligé à produire 375 œuvres numériques, une par jour, pendant toute l’année 2016. Jacques charbonneau définit sa démarche comme une réflexion critique de notre société de surconsommation d'images qu’il intègre dans ma pratique artistique.

s’intéressant aux nouvelles tendances de l’art contemporain, il poursuit ses expérimentations dans le domaine des arts électrographiques en les intégrant aux techniques mixtes actuelles.

COUP DE COEUR

UNE RÉFLEXION CRITIQUE DE NOTRE SOCIÉTÉ DE SURCONSOMMATION

12 J

ISABELLE DELEDDA C'est à nous d'agir

'avais 3 ans en 68.

Autant dire que j'ai grandi avec l'insouciance et la certitude de tous les possibles. on avait comme modèles familiaux les grands-parents résistants, des histoires individuelles qui racontaient la grande Histoire. bref, il y avait un sens, des valeurs d'engagement politiques, artistiques un élan quoi !

on allait vers le sublime et je ne sais pas quand ... tout a dégringolé, on s'est retrouvés affublés d'accessoires inutiles, incapables de construire, totalement tributaires d'une technologie vorace.

c'est là que j'ai commencé à dessiner pour voir ce qui allait en sortir.

facebook.com/isabelle.deledda Email : Isabelle.deledda@gmail.com

A L'ÂGE DE 10 ANS, J'AI PENSÉ. JE NE VEUX PAS DESSINER,J'AI ARRÊTÉ

RAED ISSA

AVOIR LE DROIT DE S'EXPRIMER, C'EST UNE CHANCE DONT ON NE MESURE PAS TOUJOURS LA PORTÉE

MOHAMMED AL HAWARJI

our moi, l'art s est imposé tel un choix obligé comme le besoin d' air pour respirer. Je fais partie de ceux qui respirent en travaillant et ne se perdent pas en d'impossibles théorisations.

Je suis rentré dans le monde des couleurs à la recherche d'une alternative au monde plongé dans les ténèbres de la perte d'identité. le pinceau et la peinture constituent le cordon ombilical auquel je me raccroche pour créer des motifs qui me comblent de couleurs et donnent du sens à ma vie.

IMAD ABU HASHEESH

FADI A THABET

HAMADA M ELKEPT

DALIA RAHMAN 45

LISABEL FILIATRAULT le matériau composite est unique au monde

www.LISABEL.ca Email : lisabel@lisabel.ca

isAbel (Filiatrault), artiste peintre née au québec en 1968, peint depuis l’enfance. en 1990, elle élabore une technique nouvelle en utilisant des matériaux composites. c’est lors d’un vernissage, en 1991 à buckhead (Atlanta), qu’elle vend ses premières toiles. de 1991 à 2007, lisAbel continue à peindre tout en travaillant dans le domaine des matériaux composites commerciaux. À partir de 2007, privée de son emploi, elle se voue à temps plein à la création.

À dix ans, habitée de formes et de couleurs, lisAbel commence à peindre. elle s’inspire de Picasso, salvador dali, des visages, des paysages et tout ce qui l’inspire. Au ceGeP, elle étudie la technique des matériaux composites. elle ignore à ce moment-là que ses études feraient le pont entre ses premières peintures d’enfant et sa création en tant qu’artiste accomplie.

Distinctions et récompenses

2018 : diplôme d’Honneur, 48ième exposition internationale, Abbaye de Fontdouce, France 2018 : médaille honneur du salon victoire de samothrace, 49ième exposition en Pologne 2017 : médaille Argent, 46ièmeexposition internationale, beffroi de bruges, belgique 2017 : médaille d’or, 45ièmeexposition internationale villers-cotterêts, France 2014 : médaille d’or, 40ièmeexposition internationaleGalleria la Pigna, Guatemala saint-siege 2014 : diplôme d’Honneur, 39ième exposition internationale, cangas, espagne 2012 : médaille bronze, 36ième exposition internationale constanta roumanie 2013 : médaille d’or, 37ième exposition internationale tentoonstelling belgique

KLAO

- CLAUDIA ROUSSIN

J’ai voulu sortir de ma zone de confort

https://www.klao.fr claudia66cama@gmail.com

’ai toujours été attirée par l’Art avec un grand A, peinture, sculpture, affiches. néanmoins, l’art abstrait, le surréaliste le cubisme sont mes courants préférés où la couleur sublime les formes.

longtemps, j’ai griffonné sur tous les supports possibles la tête pleine d’images sans oser m’avouer que je voulais peindre. en effet, je ne me sentais pas légitime, n’ayant jamais suivi de formation artistique. il y a une dizaine d’années, en autodidacte, j’ai osé me lancer dans cette folle aventure. J’ai testé un certain nombre de techniques, collages, feutres, pastels et acrylique. tout d’abord, pour acquérir des compétences, et puis, pour trouver la technique la plus appropriée à mes envies. l’acrylique m’a apporté un contentement certain. J’apprécie de pouvoir m’exprimer sur de grandes surfaces, la couleur y est de suite transcendée. en outre, cette technique, grâce à son panel de médiums, offre des textures étonnantes.

Peu à peu, j’ai voulu sortir de ma zone de confort, pour essayer l’huile, technique moins immédiate, et surtout plus complexe. J’aime sa luminosité, sa transparence, son intensité. si j’ai fait évoluer ma palette de couleur, j’ai aussi tenté le figuratif très stylisé dans le but est de provoquer une émotion avec une représentation symbolique et non une reproduction réaliste. Par exemple, dans ma série sur les arbres, je représente l’arbre comme un totem, un élément fondateur du monde. il est devenu un objet de dévotion dans les 1éres croyances ce qui atteste de son importance. la femme que j’ai peu à peu intégrée dans cette série peut être la déesse lilith dans la littérature sumérienne. J’aime dupliquer certains de mes tableaux dans des variations de couleurs et en y insérant d’autres éléments. les portraits de femmes sont une autre de mes marottes que je croque avec bonheur. en parallèle, je continue d’explorer les possibilités infinies qu’offre l’art abstrait.

MOUNIR CHAÏBI il fricote avec le marbre et l’albâtre

a biographie de mounir chaïbi est aussi fournie que son atelier, toute en vrilles, en virages, en voyages.

le premier le sépare de son sud tunisien natal et le dépose dans la capitale.

d’un côté ou de l’autre du périphérique, selon l’époque, mais très vite dans le tout terrain. là où se mêlent ses cultures.

en 1980, il découvre la toscane : l’italie devient sa troisième patrie.

https://mounir-chaibi.com mounir.chaibi@hotmail.fr

il y séjourne régulièrement, encore ébloui par toutes ces expériences.

A son tour, il fricote avec le marbre et l’albâtre, s’associe aux performances, enchaîne ateliers où il enseigne et ateliers où il apprend : ici et làbas.

depuis il travaille différents matériaux, il en affectionne les couleurs et les essences. il explore divers univers, où il aborde divers thèmes.

dans la diversité de ses œuvres, ce qu’il essaie de saisir, c’est un instant à travers la forme, un passage entre deux moments, une sensation dans la matière, la perspective de mondes changeants… où l’image semble le plus souvent précéder l’idée …

NATHALIE LE HESRAN mon travail est mi-réaliste et mi-pop art

es peintures et collages présentent des moments de ma vie. mes créations oscillent entre le figuratif et l'abstrait. l'exploration de la couleur est primordiale.

mon travail a évolué sur plusieurs périodes. mes premiers tableaux étaient figuratifs. ma deuxième période se concentre sur l'abstraction et l'exploration de la couleur.

J'aime mélanger les techniques: peinture, dessin et collage. mes collages utilisent divers matériaux, notamment du tissu, du jute, de l'écorce, des épices ou du cuir. Pour créer de la texture, j'utilise différents types de cuirs et de cartons ou de papier incrusté de feuilles ou de fils.

Je fait partie d'une association d'artistes bretons et j’ai reçu un Premier Prix de collage au concours d’Abstract art 2021 et un coup de coeur au 1er concours international d'Art contemporain en 2020. Je vis à rennes, France.

J'essaye de développer une pratique à cheval entre la peinture et les arts plastiques. J'aime travailler les contrastes et les superpositions jusqu'à ce que j'obtienne un équilibre de couleur et de lumière.

nathalielehesran@facebook Email : nlehesran@gmail.com

chaque œuvre est unique. Je suis passionnée de collage depuis 2012. la création c’est l'histoire de ma vie…

Aujourd'hui, je suis dans une période où mon travail est mi-réaliste et mi-pop art. J’expose mon travail depuis 2014 dans des lieux d'art, des galeries, des bibliothèques et en compétition.

COUP DE COEUR

SEI SU

SUZY SEIGNEURET

l'expérimentation et la spontanéité sont ses lignes directives

ée à nantes en avril 1980, elle s'établit, depuis 10 ans au bout du monde, dans le Finistère. elle exposera à l'année, à partir du mois de juin, dans la boutique " liliarm'or ", un ami Joaillier créateur à Plouguerneau.

Peintre autodidacte, sei su utilise l'acrylique et de multiples outils pour créer des tableaux mêlant figuratif et abstrait. elle alimente sa créativité en laissant son inconscient guider ces choix artistiques. influencée par des notions allant du microcosme au macrocosme, passant par les lois régissants notre univers, elle aime exprimer ses concepts à travers un mélange de couleurs lumineuses.

sei-su.wixsite.com/galerie-art Email : suzy.seigneuret@yahoo.fr

sei su, Artiste peintre à la curiosité sans fin, expérimente une multitude de techniques et d'outils, en laissant la part de l'imprévisible alimenter sa créativité. son inspiration provient

de la nature et de son observation omniprésente. elle utilise l'acrylique et ses diverses techniques, pour créer des tableaux allant du courant figuratif à l'abstrait. l'expérimentation et la spontanéité sont ses lignes directives. seul le thème est défini au préalable. elle choisit des gammes de couleurs lumineuses contrastant avec les tons noirs des profondeurs de l'univers jouant avec la densité de la matière, les volumes et sa transparence.

ses tableaux sont le reflet de son imaginaire et expriment ses concepts existentiels : une analogie micro-macrocosmique mêlant des perceptions du visible et de l'invisible. chaque tableau est unique et invite, tout un chacun, à se plonger au cœur de ses représentations mentales.

DAVID FESSENMEYER liliarm’or - Joaillier créateur

orter un bijou liliarm’or, c’est porter un peu de mon âme, de ma personnalité et surtout de mes inspirations bretonnes.

tel un virtuose de la joaillerie avec une expérience de plus de 24 années, créateur dans l’âme, j’imagine, dessine et crée selon mes inspirations, que je puise au gré de mes rencontres, mon lieu de vie et de mon imagination.

en joaillerie, innover, trouver de nouvelles idées est le plus difficile.

mais c’est aussi ce qui me passionne le plus.

Je laisse du temps à mon imagination.

Internet : www.liliarmor.fr Email : contact@liliarmor.fr

Je suis un joaillier de cœur, passionné par mon métier, par la recherche du beau.

ma plus grande joie est de voir les clientes et clients porter mes créations et qu’ils puissent les transmettre.

depuis l’enfance, j’ai gardé le goût du défi de l’invention et du jeu. ce que j’aime avant tout, c’est imaginer un bijou unique pour chacune et tel un ingénieur ou un architecte, rendre mes créations uniques de par mon inspiration et ma personnalité !

spécialisé dans la haute joaillerie, les pierres précieuses et semi précieuses, david FessenmeYer, crée et réalise au sein de son atelier Plouguernéen des bijoux d’exception et raffinés dans la plus pure tradition joaillère du savoir-faire artisanal français.

THIERRY CASTIAU

L'art n'est pas une question de compréhension

e m’appelle thierry castiau et suis né à Florennes (belgique).

Je suis commandant de bord et pilote des avions depuis 19985. rien ne me prédestinait à la peinture.

c’est fin 2019, après avoir visionné quelques vidéos d’artistes en ligne que j’ai décidé de m’y mettre.

Autodidacte, je me suis vite dirigé vers l’acrylique et l’abstrait grâce à un ami artiste que je citerai ci-dessous.

J’ai peint plus de 250 tableaux, que ce soit sur toile ou sur papier. et c’est en mars 2021 que j’ai gagné le « Grand Prix Abstract Art 2021 » du concours international Artcertificate.

«l'art n'est pas une question de compréhension», dit-il, «l'art est une question de changement, de création. l’art façonne la société en changeant les pensées d’une personne.

il n'a jamais été question de comprendre, mais d'évoquer des émotions, de déclencher des réactions, de provoquer des changements. l’art n’est pas une chose apprivoisée, c’est la passion et le désespoir. c'est brut et incompréhensible. là où les mots échouent, il y a de l’art. » (zaicikas tadas (2021)).

https://tcastiau.art Email : thierrycastiau@scarlet.be

RIEN NE ME PRÉDESTINAIT À LA PEINTURE

PIA - PIERRE-ALAIN BOYER Au fil de l’intuition, il coupe, colle, superpose

iA, c'est le surnom de PierreAlain, depuis l'enfance, pour sa famille et ses amis. c'est aussi celui qu'il a choisi comme nom d'artiste car sa sonorité féminine représente bien la facette créative de son caractère.

il commence à dessiner des portraits en 1985, sur les bancs de la faculté des sciences de Paris.

Pendant de nombreuses années, scientifique le jour, il développe son jardin secret dans son atelier le soir, à l'abri des regards extérieurs, explorant de multiples thématiques et techniques aquarelles, acryliques, pastels, huile.

Internet : https://pia-galerie.com Email : contact@pia-galerie.com

en 2015, il suit une formation de coach, et Pierre-Alain, le scientifique et coach, accueille enfin vraiment PiA, le peintre. il accepte donc de faire de la peinture sa 3ème activité professionnelle. Peu à peu, il déve-

loppe son style, passant de la reproduction au plus près du sujet à une expression plus personnelle, libérée, intuitive.

il s'accorde d'autant plus facilement cette liberté qu'il crée ses propres supports en recyclant de vieux papiers, des planches de bois, du parquet, des objets divers qui l’inspirent et lui donnent l’impression d'apporter sa goutte d'eau en faveur de l’environnement, de ne plus gâcher.

il peut ainsi créer en toute liberté, il gratte, ponce, déchire, ajoute des collages pour créer des étoffes, des parures autour du sujet. il aborde de multiples thèmes (animaux, sports, voitures) mais son sujet de prédilection est le portrait.

sa quête de lâcher prise l'amène, à partir de 2018, vers le non figuratif avec la série des "Ça" et des "vitraux".

MARGAUX LANEYRIE ox'Art - Artiste-Peintre & Performeuse

rtiste-peintre et performeuse plastico-chorégraphique, ox'Art . margaux laneyrie oriente sa recherche, sa création et son processus dans le lien entre les arts plastiques et le mouvement dansé et performatif.

ox'Art mêle la danse à la peinture, dans un processus intermédial qu'elle nomme "corps-pinceau" afin de délivrer des expériences immersives intenses via un partage kinesthésique.

la performance plastico-chorégraphique, méthode principale, lui permet de transcrire de manière picturale, l’état de son corps en action sur la toile.

oxartmargauxlaneyrie.com Email : ox.margaux@gmail.com

sujette aux vertiges et à leurs effets visuels et psycho-physiques, quasi syncopal, l'artiste crée et réfléchie depuis des années autour de ce sujet. elle pratique la centrifuge cor-

porelle afin de créer des fonds picturaux, puis par la suite elle caresse la surface au pastel afin de définir des formes informent de corps dansés, en apesanteur, virevoltants ou encore chutants. le travail de la couleur et du contraste est important dans son projet. entre arts plastiques et arts de la scène, la limite est infime. l'art est un spectacle, il est une expérience de vie, une immersion dans un ailleurs à partager. l'artiste offre une invitation au voyage, dans un ailleurs fait de paysages mentaux, dans un univers spatial et sensitif, celui du rêve éveillé, qui est le sien.

la démarche, la réflexion et les performances d'ox'Art tendent peu à peu à se transformer en dispositif d’installation.

FOX SABLINA

La peinture érotique est une force créatrice

ablina est une peintre contemporaine aux techniques mixtes originaire de moscou, russie. elle est née au moment de l'éclatement de l'urss et fait le lien entre l'art classique du passé et la liberté d'expression du futur.

bien qu'elle soit une artiste classique et diplômée d'une école d'art, où elle a appris les ficelles de l'art académique, elle a opté pour une carrière plus créative et s'est consacrée aux beaux-arts.

Grâce aux voyages et à l'interaction avec différentes cultures, sa vision artistique s'est développée, et plus tard, après sa première visite à new York, elle a trouvé le thème principal de son art et un style distinctif.

cette évolution a donné lieu à une révolution interne qui a transformé l'artiste de formation classique en une brillante représentante de la peinture moderne. tout en conservant le meilleur de la formation académique, sablina a dépassé les intrigues conservatrices et patriarcales et la représentation démodée des femmes dans l'art.

des portraits mystérieux, des scènes sensuelles peintes en monochromie roseviolet vous plongeront dans une ambiance romantique. la combinaison des lumières, des matériaux et de la technique utilisée par l'artiste crée l'effet de peintures humides. en utilisent des jeux de mots, l'artiste définit ses œuvres comme de l'art éromantique et déclare : « Je veux célébrer nos corps et créer un espace qui minimise le jugement et encourage l'expression de soi ».

l'art érotique a été discrédité et mal compris pendant la majeure partie du siècle dernier comme un art vulgaire et associé à la saleté. cependant, lorsqu'elle est créée par un peintre comme sablina, la peinture érotique est une force créatrice puissante. le véritable objectif de son art est de libérer l'énergie cachée des spectateurs.

elle veut stimuler votre imagination, afin que vous puissiez utiliser la puissance reçue pour réaliser vos idées créatives. voir ses peintures, c'est entrer dans un monde sensuel.

facebook.com/ekaterina.podkovyrina1 Email : art.sablina@gmail.com

L'ARTISTE OFFRE GÉNÉREUSEMENT AU SPECTATEUR SON APHRODISIAQUE COMME UNE OCCASION DE SE SENTIR PARTICULIÈREMENT VIVANT

COUP DE COEUR

FREUD A ÉTENDU LE CONCEPT DE LIBIDO DE L'ÉNERGIE SEXUELLE À L'ÉNERGIE DE LA VIE EN GÉNÉRAL

A L’HONNEUR

CAROLINE LEMOINE

Je recherche pour chacun un portrait intemporel

’envisage mon studio photo comme l’atelier d’un peintre du 19ème siècle, pour créer des œuvres uniques qui traverseront le temps et feront partie d’une histoire. lors de la prise de vue, mon modèle apporte un objet, une histoire, qu’il ou elle souhaite partager et qui sera la source d’inspiration.

Après la prise de vue, faite en numérique, je sélectionne une photographie dont je fais 2 tirages sur papier d’art. tous les autres supports numériques sont supprimés. il n’existe plus rien de la séance que ces deux feuilles.

sur les tirages, je rajoute des éléments à la peinture : phrase, détails cachés, motifs en couleurs… l’utilisation de poudre d’or permet d’animer la photographie : en fonction du reflet de la lumière, des détails apparaissent ou se voilent.

cette étape peut se faire une semaine comme 2 mois après la séance photographique. le temps ne compte pas, seule compte l’inspiration. c’est une étape ris-

quée, puisque l’erreur devra faire partie de l’œuvre. elle sera peut-être corrigée et transformée, mais il en restera une trace.

Je garde un des tirages retravaillés et remets le second au modèle. J'explique ce que j’ai ajouté et l’invite à retrouver un élément caché : lui aussi devra scruter chaque centimètre carré, et ainsi s’approprier différemment l’œuvre. Au modèle de choisir, lorsque qu’il exposera la photo, ce qu’il en dira. l’œuvre a maintenant sa vie propre.

cette démarche prend le contre-pied de notre société où tout doit aller vite, où les images photographiques se multiplient, surtout si elles sont futiles. ici, le temps s’arrête, l’exemplaire unique remplace la profusion, les détails ont du sens. loin du jetable, l’œuvre est faite pour être conservée et transmise. mes modèles ne viennent pas seulement pour une photographie. ils viennent pour une œuvre d’art dont ils font partie. les photographies présentées ici sont tirées de « l’atelier du photographe » et de séries antérieures sans peinture.

Internet : http://www.images-de-soi.fr Email : caroline@images-de-soi.fr

Entre instinct et rencontre, je ne sais jamais par avance ce que je trouverai, mais lorsque je l’ai trouvé, je le sais.

COUP DE COEUR

JEAN SALIOU

Des mises en scène sorties d’un dessin animé

ean Yves saliou, né à dakar au sénégal en 1961, est un Français installé à saint raphaël sur la côte d’azur. Animé d’une énergie qui lui est propre, il a longtemps erré aux frontières de l’art en évoluant dans l’univers de la musique et du théâtre, un créateur depuis toujours.

Autodidacte, il se tourne vers la sculpture pour exprimer sa vision du monde et il se nourrit au quotidien de toutes les formes d’art, afin de façonner son univers et d’observer le monde et ses mutations permanentes. travaillant sur des matériaux tels que le bois, le métal et la résine, ces sculptures sont réalisées à partir de matériaux rejetés dans la nature par la société.

il privilégie les couleurs naturelles du métal, ne cherche pas à effacer la corrosion, au contraire, il garde sa forme et son aspect. il soude ensemble des éléments qui ont perdu leur fonction, leur utilité. en les associant, il concrétise de nouveaux objets sortis de son univers imaginaire pour les faire entrer dans le monde du beau.

ses sculptures transmettent un équilibre entre le mouvement et la chaleur, au travers de lignes croisées, d’objets soudés et

de rouille colorée. il mélange le métal et le bois comme un virtuose et nous raconte son histoire, nous fait découvrir son univers, des personnages, des ambiances, des mises en scène sorties d’un dessin animé. Abstraites ou figuratives, pliées ou tordues, ses compositions enchantent ce monde désenchanté.

la technique de JYs est interactive. chaque sculpture se caractérise par une émotion, parfois même, dans le secret,l'élément bois cohabite avec le métal. ses sculptures transmettent un équilibre, un mouvement d'une harmonie apaisante.

Grand passionné de la matière brute et de la transformation, chaque pièce évolue dans l’espace. des formes géométriques, des personnages ou encore des figures minimalistes aux couleurs africaines sont autant de repères qui mènent à l’univers de ce grand rêveur.

Aujourd’hui, JYs n’a de limite que son imagination. ses œuvres, qu’elles provoquent émotion ou réflexion, évoluent irrémédiablement au fil du temps...

https://www.jyssculpteur.com Email : jean-yves.saliou@hotmail.fr

IL SOUDE ENSEMBLE DES ÉLÉMENTS QUI ONT PERDU LEUR FONCTION, LEUR UTILITÉ

OLENA KUDRIACHENKO Je veux raconter beaucoup de choses à ce monde

« Je m'appelle olena Kudriachenko, j'ai 35 ans, je vis en belgique, mais je suis née en ukraine. Je suis ingénieur en environnement et J'ai toujours été attiré par l'art dans toutes ses manifestations. Au début, il y avait la fleuristerie, et après avoir déménagé en belgique, j'ai commencé à faire les premiers pas dans la peinture (peintures à l'huile, peintures acryliques). Par nature, je suis introvertie, donc la peinture est devenue pour moi une expression de soi et une opportunité de dialoguer avec l'univers. dans mes œuvres, je veux raconter beaucoup de choses à ce monde et je suis sûre que l'univers a aussi quelque chose à me dire. »

olenaviknes@gmail.com

ENRIQUE PELAEZ urbana Galeria | la capture d’images

hotographe de choix passionné par la capture d'images d'art urbain, d'architecture, de voyage depuis plus de 10 ans au cours desquels j'ai suivi ces cours.

« voir à travers les photographies » enseignées par le moma de new York en 2017.

« Appareils photo, exposition et photographie » enseignée par la michigan state university en 2020.

Aussi, au cours de ces années, j'ai présenté mon travail dans les expositions internationales suivantes.

• le projet Artbox à bâle, suisse en 2017.

https://urbanagaleria.com Email : hola@urbanagaleria.com

• l'Artbox talent, zurich, suisse en 2018 où j'étais le lauréat de l'expo et ma photo était en couverture d'un magazine. • le projet Artbox, zurich, suisse en 2019.

d'autre part, j'ai pu collaborer à ces projets de rénovation de bureaux et d'appartements.

• bureaux corporatifs de diebold situés cdmx.

• siège social de tamen sA de cv, cdmx. • département Airbnb.

JEAN SALIOU

Grand passionné de la matière brute et de la transformation, chaque pièce évolue dans l’espace.