Après plus de 65 Années de créations diverses, je crois avec " Labyrinthe " cette toile aux huiles de 2023, primée par le Prix International " The New Great Masters in New York " attribué par Francesco Saverio et Francesco Russo de la Fondation Effetto Arte, j'ai commencé une série d'0euvres peintes sur toiles et, ou bois, pour poser et me poser la question du pourquoi peindre, être là, sinon montrer en couleurs ce Monde, qui est le nôtre à tous, dans lequel nous essayons de vivre ! Cette grande toile " Vies et Guerres Horreurs en permanence " témoigne, après longue réflexion et tant de multiples méditations, pour l'Artiste que je crois être, encore, par ces lignes, tant de coloris, le pire mais aussi le meilleur qui pourrait venir, enfin arriver, avec quelques efforts que l'Humain doit chercher en lui, et mettre en partage pour ceux qui veulent apprendre, encore, à écouter, à regarder, et offrir, justement, par l'Art, et cela remonte bien loin en arrière, nos anciens dans des grottes, sur des parois ici et là de par notre planète, offrir donc le Beau de notre Temps, compliqué et que nous faisons en sorte de détruire par toutes les formes et manières, mais le geste de l'Artiste sera là, encore, pour longtemps "
L’ART, CETTE ÉTINCELLE QUI DÉFIE LE RÉEL
Chers artistes, magiciens du quotidien et poètes de l’imaginaire,
L’art n ’est pas une destination, ni un mode d’emploi. C’est une étincelle. Un frisson. Une urgence parfois silencieuse qui s’éveille au détour d’un regard, d’un rêve ou d’un simple silence Créer, c ’est danser avec l’inconnu, accepter de ne pas tout comprendre, et pourtant avancer, trait après trait, comme un funambule sur le fil invisible de l’inspiration
Pas besoin de GPS pour explorer l’invisible. Une feuille, un souffle, une envie suffisent à faire naître des mondes C’est là toute la beauté du geste artistique : il n ’obéit à rien, sinon à votre élan Il doute, trébuche, recommence, invente, transforme l’erreur en miracle
Combien de fois une coulure est-elle devenue cascade ? Un raté, une révélation ? Ce sont ces instants imprévisibles, ces petits chaos fertiles qui font naître l’inattendu. Car l’art aime les imprévus Il les invite à table, les mêle à la matière, les embrasse comme des muses rebelles.
Mais créer, ce n ’est pas toujours être seul face à soi-même. C’est aussi tendre la main à l’autre, partager une idée, une technique, un sourire Dans cette communauté d’âmes curieuses, chacun avance à son rythme, et tous s ’encouragent. Ici, pas de hiérarchie : juste des chemins différents, des regards multiples, et une infinie richesse d’expressions.
Alors à vous, rêveurs debout, sculpteurs de lumière, brodeurs d’instants : ne doutez jamais de ce que vos mains savent dire Continuez à chercher, à tenter, à recommencer. Osez l’imperfection, car elle est souvent le début de la magie.
L’art ne se laisse pas enfermer Il respire, il éclabousse, il réveille Il est là, en vous, chaque fois que vous osez
À vos idées folles, vos mains tâchées, vos silences habités.
L’aventure ne fait que commencer L’équipe éditoriale
REGARD HAUT GF PATRICK GAILLARD
I x E L C O U R O U G N O N
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A L’HONNEUR
Facebook :@Mixel Courougnon
M I X E L
C O U R O U G N O N
Un artiste multiple
Dès notre première rencontre en 1979 en Allemagne fédérale au cœur de Ratisbonne en Bavière, j'ai su que je découvrais un Grand Artiste !
Tout dernièrement le Choc une fois de plus fut là pour son Exposition-Solo En MAI 2025 à la Galerie THUILLIER dans le Marais à PARIS, près du Musée Picasso où ensemble nous allions pour y passer des heures !
Mon souvenir est son départ en 1981 d'Allemagne pour la Belgique où chaque soir il jouait "Voix d'Ombre", une de ses pièces, au théâtre Appia à Bruxelles, peignait, et signait ses livres !
Puis il revenait à Munich pour exposer, faire lecture de ses livres et repartir enfin pour les pays du Maghreb !
Nous restions en contacts divers et nombreux toutes ces années pendant lesquelles il exposait partout, certes.
Mais toutes ses époques en peinture qui fascinent le public par les différences de sujets, techniques aussi incroyables les unes que les autres et enfin
Les Couleurs parfaites qu'à PARIS je découvrais dans la joie et les questions que je posais au Maître devenu mais à l'AMI COUROUGNON qu'il reste toujours !
Assis à la terrasse d'un café passage Verdeau ou boulevard des Italiens, ses réponses étaient des sourires et le Mystère persistait ! Il ne dirait rien...
Ses Bleus, ses Rouges, ses Ocres, que saurais-je de son travail alors qu'il a toujours prétendu que : "je m'amuse, je jongle, rien de plus !"
J'attends la suite d'une Vie déjà longue !
J'attends d'autres sujets, tant d'autres couleurs !
Des sourires COUROUGNON encore et encore pour notre bonheur !
H N de Dietrich (critique d'Art Mai 2025 Munich)
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S A N J A Y
S I W S A N K E R
Mon art naît où l’eau et la roche se rencontrent
Nous sommes tous des épaves en chantier
Inspiré de cette réplique tirée d’un thriller, me voilà engagé sur une galerie de 9 dessins mettant en lumière la complexité des interactions humaines à travers l’univers symbolique des Abysses
Dans un paysage dystopique en perpétuel mouvement, façonné par une histoire, des conflits d’intérêts et des carences, un homme décide de partir à la conquête d’une terre fertile, avec comme seule ressource, sa volonté de vivre
Je suis un artiste guadeloupéen, bercé par l'univers des Comics Marvel, et la pratique des arts martiaux
Après un bac ES, j’ai entamé des études d’arts appliqués à Paris, mais faute de moyens financiers, j’ai abandonné mon cursus
S’en est suivi une période de travail éprouvante qui a façonné mon univers artistique, très contrasté, avec un penchant affirmé pour les rendus dramatiques
S E A N G A B R I E L
Une esthétique brute, viscérale et engagée
Sean Gabriel est un artiste contemporain dont le travail plonge directement dans les profondeurs de l’émotion humaine, des conflits intérieurs et des tensions sociales Son univers visuel est percutant, souvent sombre, toujours chargé de symbolisme À travers une technique mêlant spray, peinture brute et gestuelle instinctive, il crée des figures fantomatiques, des visages marqués et des entités troublantes.
Ses œuvres frappent par leur intensité : silhouettes anonymes, masques, halos, cornes chaque élément semble invoquer des archétypes entre le sacré et le démoniaque L’esthétique street art, les couches de peinture, les effets de contraste forts et la typographie urbaine traduisent une urgence d’expression, comme un cri visuel contre l’indifférence ou la violence du monde
A R T I C L E
A R T I S T E S N O M A D E S :
C R É E R E N T R E D E U X C O N T I N E N T S
Lemonde de l’art n ’ a jamais été aussi mobile De plus en plus d’artistes choisissent une vie nomade, créant entre deux pays, deux cultures, deux langues Cette double appartenance géographique influence profondément leur œuvre Leurs créations portent les traces des paysages qu’ils traversent, des rencontres, des ruptures, mais aussi de l’adaptation constante.
Créer à Paris et exposer à Mexico, vivre quelques mois à Dakar pour préparer une résidence à Berlin : ce rythme, aussi stimulant qu ’exigeant, offre une richesse infinie. Les œuvres se nourrissent d’un mélange d’influences, de traditions croisées, de matériaux locaux parfois inattendus Cette mobilité est aussi une réponse à la mondialisation du marché de l’art, qui pousse les artistes à se montrer
ailleurs pour exister
Loin d’être une simple tendance, ce mode de vie reflète une transformation plus profonde du rapport à l’espace, au temps et à l’identité L’artiste nomade développe une pensée fluide, ouverte, en dialogue permanent avec des environnements changeants Il apprend à composer avec l’impermanence, à faire de l’instabilité une force créative
Mais derrière cette liberté apparente, il y a aussi des contraintes : logistiques, administratives, familiales. Travailler en transit demande une grande capacité d’organisation Les repères sont flous, les repères mentaux aussi Où est "chez soi" quand on crée partout ?
L’atelier devient alors un espace mental, un état d’esprit plus qu ’ un lieu physique Être nomade, c ’est vivre en création permanente, entre adaptation et mouvement, dans une tension fertile entre ici et ailleurs Une manière d’habiter le monde par l’art, en perpétuelle réinvention.
Ce phénomène touche toutes les disciplines : arts visuels, performance, photographie, design Il redéfinit la notion même de parcours artistique. Le lieu de naissance, de résidence ou d’exposition ne suffit plus à situer une démarche. Ce qui compte, c ’est le chemin parcouru, la capacité à se réinventer à travers des contextes multiples Le nomadisme artistique n ’est plus une exception, mais bien une nouvelle normalité
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S T É P H A N E
P I E T R E M E N T
L’art abstrait au service de la nature
Né en 1971 à Tours,
Stéphane Pietrement alias WOOD METAL SPIRIT est un artiste pluridisciplinaire « Sculpteur sur Bois et Bronze, Fondeur en Bronze Freestyle, Ciseleur et Polisseur » Il excelle dans diverses disciplines artistiques avec un style caractérisé par une esthétique épurée et abstraite, principalement axée sur le biomorphisme et inspirée par la nature
Ses oeuvres se distinguent par leur perfection dans les moindres détails, témoignant d'une grande maîtrise technique, d'une éthique professionnelle rigoureuse et d'un travail minutieux. La fusion du « Bronze en Freestyle »
réalisée par l'artiste se fait à une température de 1100°C sans moule de cire et sans la moindre soudure pour la finition de la sculpture. Depuis sa première exposition de céramique en 1996, Stéphane Pietrement a reçu plusieurs distinctions, notamment au Japon Fort de ses 30 années de recherche et d'exploration des matériaux, en passant par la création de Bijoux précieux, il réalise aujourd'hui des Totems & Sculptures intemporelles en Bois et Bronze Freestyle qui reflètent la « Biodiversité Marine et Terrestre
» Basé au Pays Basque depuis 2020, l'artiste présente ses créations mêlant du « bois noble multiséculaire recyclé » en provenance d'anciennes bâtisses de Nouvelle-Aquitaine à du « Bronze doré poli »
La démarche artistique de Stéphane Pietrement vise à établir une connexion entre le public et la nature, incitant à une réflexion profonde sur la préservation des environnements marins et terrestres.
Ses oeuvres élégantes et raffinées en pièces uniques 1/1, oscillant entre « le Végétal, le Minéral et l'Animal » , sont exposées chez Roche Bobois sur la Côte Basque, en Galeries et Salons d'Art Contemporain tant en France qu'à l'Étranger, captivant « collectionneurs, amateurs d'art et décorateurs d'intérieur » qui se laissent transporter dans son univers singulier.
Je m ’appelle Sylvie, artiste peintre autodidacte
Après un début à l’huile, je me suis initiée à la peinture acrylique. Cette technique me permet de travailler différents médiums pour apporter du caractère à mes œuvres.
Je peins essentiellement au couteau. Son côté franc, tranchant et généreux colle assez bien à ma personnalité
J’ai commencé par travailler le figuratif, et puis il y a eu la perte de mon papa qui m'a fait me
questionner sur cette dimension abstraite et subjective du temps qui passe trop vite ou pas assez, qui apporte son lot d’épreuves, puis qui guérit, craquèle notre mémoire, nos souvenirs, notre jeunesse, mais nous apporte tant de bonheur
D’où la présence de roues, métaphore de ce temps qui file, accentuées par ce côté métallique
Comme pour rappeler le tic-tac du mécanisme d’horlogerie et cette vie qui oscille comme un pendule
Enfaisant mon deuil, je me suis rendue compte que le temps fait toujours son œuvre et dans le « bon sens » Que la lumière finit toujours par nous éclairer et apaiser notre âme.
Ma foi m ’ a également aidée Elle fait partie de moi et fait de moi ce que je suis Si, à travers mon travail, je peux envelopper de lumière le monde comme ma foi m ’enveloppe, alors c ’est que je suis parvenue à mon but, même si on me reproche souvent mes toiles sombres… De l’obscurité naît la lumière D’ailleurs, en symbolique des figures géométriques, le cercle représente l’âme, l’amour, et son centre, l’esprit, la sagesse
Si les personnes qui regardent mes œuvres sont touchées par cette lumière, subtile souvent et enveloppante, et qu ’elles se sentent apaisées… alors j’aurai réussi à faire passer mon message c ’est le plus beau des cadeaux pour un artiste
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J U L I E
D ’ A N N A
L’âme en peinture, entre mer et matière
Autodidacte passionnée et diplômée en art-thérapie, Julie D’Anna a choisi la peinture comme un moyen d’expression intime, de soin et de partage
Son parcours artistique repose sur une dualité profonde : d’un côté, des toiles abstraites à l’acrylique inspirées par l’océan, et de l’autre, des aquarelles représentant des organes humains comme des paysages intérieurs
Dans ses œuvres marines, le bleu profond, les textures et la lumière traduisent une sensation d’infini, de mouvement et de souffle À travers l’aquarelle, elle aborde le corps humain avec douceur et poésie, transformant des formes
souvent taboues en symboles de vie, de fragilité et de force
Cette tension entre extérieur et intérieur, tangible et invisible, structure toute sa démarche artistique.
Elle l’a concrètement exprimée dans deux plaques commémoratives créées pour les hôpitaux de La Timone à Marseille et de Béthune Beuvry à Lille, rendant hommage à l’humanité présente dans les lieux de soin
Julie D’Anna ne cherche pas à expliquer, mais à faire ressentir. Son art nous invite à une traversée émotionnelle, entre l’intime et l’universel, le corps et le monde
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O D E
Cherche à transcrire l’invisible
Artiste du Vivant pratique la photographie et la peinture numérique intuitives Dans sa démarche artistique, sa relation extrasensorielle au vivant devient son élan fondamental
La spiritualité y établit une trame souterraine, sans dogme ni système, comme un état de relation au monde, une manière d’être traversé
Les photographies réalisées dans des environnements naturels naissent d’un contact direct avec l’espace : être dans un total état de disponibilité élabore la rencontre avec le vivant ; l’écoute de soi, la qualité de présence au moment de la prise de vue sont décisives
L’artiste cherche à transcrire
l’invisible, ce qui peut être perçu mais jamais directement révélé
Elle entretient un rapport sensible à la matière et s’inscrit dans une volonté de créer des images ouvertes, transpercées par des formes, des symboles et des vibrations
Ses œuvres ne s ’arrêtent pas à la vision oculaire, mais reposent sur un regard intérieur, capable de s ’affranchir des codes visuels traditionnels
A T R I C K A I L L A R D
Originaire de Lyon et installé à Vergèze, dans le sud de la France, Patrick Gaillard incarne le parcours inspirant d’un homme ayant troqué une brillante carrière entrepreneuriale pour se consacrer pleinement à sa passion : la peinture
Dans son atelier, il crée des œuvres grand format, principalement à l’acrylique, où le regard de ses sujets devient le cœur vibrant de la composition : « Je travaille spécialement sur le regard, je cherche l’intensité et l’émotion, un équilibre fragile entre la force et la vulnérabilité. »
Ses tableaux sont réalisés au couteau et au pinceau Lorsqu’il peint des animaux, notamment
des félins ou des gorilles
Il aime exprimer la menace qui pèse sur eux, mettant en lumière la biodiversité, le réchauffement climatique, la déforestation et le braconnage à travers son art
Patrick Gaillard réalise aussi des portraits d’êtres fascinants rencontrés au gré de ses voyages aux quatre coins du monde
Ses œuvres illustrent parfaitement la maîtrise technique et l’engagement émotionnel de l’artiste
Dernière exposition : avril 2025 à l’Espace M Goalard, à La GrandeMotte
Instagram : @patart30
https://echoes-nch.com/
Engagés pour la paix et garder l'ESPOIR
Comment expliquer, comment mettre des mots sur ce dessin, symbole d’espoir, ce qui en soi est déjà une totale utopie ? CHANTAL et CLAUDE nous entraînent encore une fois dans leur univers, et aujourd’hui, Nous les retrouvons dans une démarche militante pour la paix et pour garder l'espoir
Quelle généreuse idée que d’utiliser l’art pour véhiculer un message de paix dans le monde !
«La Terre, ce trésor qui devrait être universel, surtout à l’heure de la mondialisation, provoque une fois de plus convoitise et mégalomanie Seule la paix peut faire
resplendir la Terre au milieu du cosmos »
Chantal et Claude refusent de perdre espoir, et leur colombe en est la preuve.
Une fresque de 200 x 200 a été réalisée par les artistes ; elle les accompagnera tout au long de leurs expositions La Colombe pour la paix, dont l’œil représente la Terre et les ailes les cinq continents, a aussi été déclinée en badge commercialisé par les artistes
« Porter ce badge, c ’est afficher sa volonté de garder l’espoir ! »
Contact: Lallemandchantal@yahoo fr (c) Adagp, Paris 2025
L ’ A R T P O S T A L : Q U A N D L E T I M B R E D E V I E N T
Œ U V R E D ’ A R T A R T I C L E
Bienavant Instagram, les galeries en ligne ou les newsletters d’artistes, certains créateurs avaient trouvé un autre moyen d’exister et de partager leur travail : la poste Oui, la bonne vieille boîte aux lettres ! L’art postal, aussi appelé mail art, est un mouvement né dans les années 1960, qui consiste à transformer chaque courrier en œuvre d’art Enveloppes décorées, cartes postales illustrées, timbres détournés, collages, dessins, petits objets insérés dans les plis Tout support envoyé par la poste peut devenir une œuvre unique, intime et voyageuse
Ce mode d’expression est à la fois accessible, libre et joyeusement subversif Il permet à chacun de créer sans passer par les circuits officiels du monde de l’art Nul besoin d’être exposé dans une grande galerie : il suffit d’une
adresse, d’un timbre, et d’un peu d’imagination.
À une époque où tout va vite et où l’image est souvent éphémère, l’art postal revient en force dans certains cercles d’artistes indépendants Il séduit par sa lenteur, sa matérialité, son côté personnel. Envoyer une œuvre, c ’est créer un lien On ne poste pas seulement un objet, on poste une intention, un message. C’est un dialogue artistique et humain, loin des “likes” et de l’algorithme
Des artistes comme Ray Johnson, considéré comme le père du mail art, ont initié ce type d’échange en réseau, bien avant internet Aujourd’hui encore, des créateurs du monde entier s ’envoient mutuellement des œuvres, sans même se connaître, dans un vaste réseau souterrain d’expression libre
C’est un art sans frontière, sans censure, où l’accident de parcours (pli perdu, abîmé ou tamponné) fait partie de l’œuvre finale
Créer une œuvre postale demande de l’inventivité mais aussi de l’humilité : il faut composer avec les contraintes du format, de la solidité et du trajet incertain. Et pourtant, c ’est précisément ce qui en fait la beauté
Aujourd’hui, certains musées, bibliothèques ou festivals redécouvrent ce courant discret mais profondément vivant L’art postal n ’est pas un simple retour en arrière nostalgique : c ’est un acte artistique poétique, parfois militant, toujours sincère À l’heure du toutnumérique, il rappelle que l’art peut encore circuler à dos de timbre
L A R I S S A P E R E K -
R E S T O V A - C L I O N
L’art qui récompense et élève
Artiste-mosaïste de niveau international, Larissa Perekrestova-Clion, professeur d'arts plastiques (www mosaiquelarissa com), peintre, sculpteur, lauréate de l'Académie des Sciences, des Belles-Lettres et des Arts de Marseille et de la Médaille d'Or, est la déléguée de la Société Académique des ARTS-SCIENCES-LETTRES de Paris
Elle est professeur d'arts plastiques et la présidente de l'Association Internationale "Optimisme dans l'Art" - Académie des Arts Plastiques de Peyrolles-en-Provence Cette année, Larissa, au Salon des Artistes Français, pendant l'exposition "ART CAPITAL", a été primée avec une médaille dans la section "Mosaïque, Vitrail" La cérémonie de la remise de la médaille s ’est déroulée le 22 avril à 14h, à la Mairie du Ve (salle Pierrotet) - 21 place du Panthéon, 75005 Paris, avec succès Larissa est devenue sociétaire de la Société des Artistes Français, et sa proposition de créer un Prix Privé Annuel à hauteur de 200 euros dans la section de la mosaïque du Salon
des Artistes Français, qui se tiendra en février 2026 au Grand Palais, de la part de l'Académie des Arts Plastiques de Peyrolles-en-Provence, a été acceptée Le descriptif de ce prix figurera chaque année dans le catalogue du Salon
Suite à la remise à Larissa, le 6 octobre 2024, de la Médaille d'Or de la Société Académique des Arts-Sciences-Lettres de Paris, pendant la cérémonie de la Grande Fête Annuelle dans les Salons Opéra Ravel de l’Hôtel InterContinental Paris Le Grand, Larissa est devenue la déléguée de la Société Académique des Arts-Sciences-Lettres de Paris Elle a invité plusieurs talentueux artistes, suite à leur carrière, à poser leur candidature en vue de recevoir les récompensesmédailles, d'après la commission supérieure de la Société Académique des Arts-Sciences-Lettres de Paris pour 2025 Les noms des futurs lauréats seront publiés dans le prochain article ! L’exposition au Cercle des Artistes de Paris, au pavillon 18, magnifique endroit au Parc Floral de Paris, au Bois de Vincennes, du 1er mai au 1er juin
Larissa remercie l’équipe pour une inoubliable expérience
Une magnifique exposition collective et annuelle des œuvres des élèves de l'Académie des Arts Plastiques de Peyrolles-en-Provence s ’est déroulée avec succès à la Chapelle des Pénitents à Château Gombert, du 9 avril au 19 mai, avec vernissage le lundi 28 avril
Larissa vous invite à une prochaine exposition au Salon ART3F, au Chapiteau de Fontvieille à Monaco, du 19 au 21 septembre, avec vernissage le vendredi 19 septembre de 16h à 22h, pour découvrir ses œuvres en mosaïque, sculptures, peinture, ainsi que des œuvres de ses élèves
Appel aux candidatures et inscriptions à la cinquième édition du
Grand Concours-Salon International des Arts Plastiques de Peyrolles-en-Provence Il se déroulera du 15 mai au 30 septembre ! Nous invitons tous les artistes – professionnels, amateurs, débutants, adultes et enfants – à participer à ce concours unique, qui a récompensé en 2024, 250 œuvres dans 33 sections-techniques et leurs 125 artistes, dont 99 œuvres avec 1er, 2e et 3e prix ! Ce concours a aussi récompensé, avec des matériels, 151 œuvres et leurs artistes ! Nous recherchons activement des mécènes pour cet événement exceptionnel dans le milieu de la culture, qui encourage, récompense et participe à l’évolution de la vie artistique de chaque artiste ! Cette année, l'exposition du Grand Concours-Salon International des Arts Plastiques de Peyrolles-enProvence 2025 aura lieu du 14 novembre au 15 décembre inclus, et je propose le vernissage le samedi 22 novembre (à confirmer) Pour l'inscription, envoyez votre demande par email : peyrolles concours art@outlook fr, ensuite, les documents d'inscription vous seront envoyés
Dans trois ateliers, les élèves de Larissa reçoivent des cours de mosaïque, peinture, sculpture, dessin Depuis 21 ans, 780 élèves adultes et enfants ont créé, sous la direction de Larissa, plus de 2 650 œuvres dans différentes techniques ! Plusieurs enfants sont devenus architectes et artistes Plusieurs œuvres de Larissa sont installées dans des cathédrales européennes ou dans des locaux publics Elle a réalisé des commandes publiques et privées en France et à l’étranger, dans le style laïque et religieux ! Vous aurez la possibilité de voir, à la Basilique de Fourvière à Lyon, ses mosaïques : La vie de St Jacques de Compostelle, 25 m², et Hymne à la Famille de Sainte Marie, 6 m² À la cathédrale de Monaco : mosaïque St Nicolas, les deux médaillons au-dessus des loges princières, qui représentent les armoiries de la Principauté de Monaco et le monogramme du Prince Albert La mosaïque Les patrimoines architecturaux de Peyrolles-en-Provence, de 7 m², sur la façade de l'Office du tourisme, ainsi que 40 m² de mosaïque sur la façade de l'immeuble "Négociante" à Odessa (Ukraine), ainsi que, dans une collection privée, L’Histoire de France et L’Histoire de l’Ukraine, etc http://www mosaique-larissa com/
U N A Y E L P L A N C Q
Günay Delplancq a découvert sa passion pour l’image numérique en 2019. Il s ’est d’abord plongé dans les possibilités créatives offertes par l’intelligence artificielle, bien avant sa démocratisation Ce qui n’était, au départ, qu ’ un passe-temps est rapidement devenu une vocation artistique
Visionnaire dans son approche, il a su intégrer l’IA à ses processus de création, en l’associant à des outils comme Adobe Illustrator et Photoshop Cette combinaison technique et intuitive a donné naissance à
une esthétique singulière, où chaque œuvre explore les tensions entre technologie, matière et imaginaire
Ses créations, comme Rêves
Flous, Holy Moly ou L’attente Silencieuse (2ᵉ prix –International Art Competition 2024), reflètent une sensibilité contemporaine et un langage visuel énigmatique. À travers elles, Günay Delplancq invite à une lecture à plusieurs niveaux, entre beauté formelle et questionnement écologique ou sociétal
Sontravail a été exposé à l’Alter Schlachthof d’Eupen, au Marché aux Fleurs de Limbourg, et sélectionné à deux reprises pour le Luxembourg Art Prize (2022 et 2023) Il a également reçu deux Coups de Cœur du jury lors de l’édition 2024 de l’International Art
Aujourd’hui, l’intelligence artificielle reste au cœur de sa pratique Ses œuvres sont actuellement cotées 600 € par Akoun (format de référence 15P), l’une des principales références du marché de l’art
X . A I R
Je crée entre précision et liberté
Doté
d’une passion pour le dessin, j’ai commencé au crayon gris, souvent pendant les cours J’aime me diversifier et explorer aussi bien les techniques que les supports.Mon inspiration vient de ce que je vis, de ce que je pense. Si je pars en randonnée, je vais peindre des animaux
Je veux me perfectionner dans mes techniques et en découvrir encore beaucoup d’autres Pour l’instant, j’expose surtout autour de chez moi, mais je voudrais faire découvrir mes peintures à un public plus large
Quand je suis sorti de ma formation d’aérographiste, je me suis focalisé uniquement sur cette technique Avec le recul, je pense que c’était une erreur, en tant qu ’artiste J’ai besoin de précision, mais aussi de lâcher prise, de jeter de la peinture, de m ’exprimer librement sur une toile. Cela se ressent dans l’œuvre, et je pense que les gens le perçoivent aussi.
https://philippefares.fr/
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P H I L I P P E F A R E S
Un jeu entre rigueur et hasard
Philippe Fares est un sculpteur contemporain plasticien, français La lumière artificielle baigne certaines de ses sculptures, dans un champ chromatique spécifique, amplifiant le contraste des lignes directrices de celles-ci Il travaille essentiellement par assemblage de matières de dureté équivalente : le granit, le verre, le béton, etc
Les œuvres artistiques de Philippe Fares sont construites avec précision à l'aide de méthodes scientifiques et d'une planification minutieuse. Ses créations présentent souvent un motif de céramique récurrent, un jeu méticuleusement équilibré avec le hasard Cette synthèse
d'une conception exacte et de l'imprévisibilité de l’aléatoire confère à ses œuvres une qualité dynamique et intrigante.
Philippe Fares est aussi peintre ; ses toiles sont très contemporaines, abstraites et décomposées
Dans certaines séries, comme FLOAT SHARDS par exemple, les aplats de couleur pure captent le regard et flottent sur une étendue d’eau limpide, sans qu’il soit possible de déterminer clairement l’émotion visuelle qui se dégage de l’assemblage de surface créé par l’artiste
