MONDO SONORO SEPTIEMBRE 2011 Nº187

Septiembre de 2011 nº 187

t

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

THE RAPTURE

EN ESTADO DE GRACIA THE DRUMS

HAY UNA LUZ QUE NUNCA SE APAGA JUSTICE

ROCK DURO FERMIN MUGURUZA • SIDECHAINS • MILES KANE • I BREAK HORSES • WU LYF • CLAP YOUR HANDS SAY YEAH! • YATCH • ÓSCAR MULERO • METRONOMY DIGITALISM • IN FLAMES • CONNAN MOCKASIN • FACE TO FACE • LOS TIKI PHANTOMS • MILLENCOLIN • AMPLIFIER • THE HORRORS • FESTIVALES www.mondosonoro.com

staff Coordinador General Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com)

MondoSonoro · Septiembre 2011 /5/

NOTICIAS

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6. Fermin Muguruza, el mundo en imágenes 7. El funk a toda máquina de Sidechains 8. Miles Kane, un dandy precoz

mondofreako 11. I Break Horses 12. WU LYF 13. Clap Your Hands Say Yeah!

14. Yatch 15. Metronomy 16. Digitalism 17. In Flames

Redacción Redactor Jefe Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Madrid Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Catalunya Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Web Marta Terrasa Bonnin (marta@mondosonoro.com) Diseño gráfico y maquetación Manuel Fijo (maquetacion@mondosonoro.com)

entrevistas

Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www.tengountrato.com Mondoweb www.mondosonoro.com

19. The Drums Razones para el cambio 21. The Rapture Reconquistando la gracia 22. Justice Rock duro

◗ Ed. Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 963 987 ◗ Ed. Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197

sumario

Conciertos

21 / THE RAPTURE Reconquistando la gracia

25-31. FIB, Azkena, Bilbao BBK, Sonorama, Sonisphere, Santander Summer...

◗ Ed. Canarias (canarias@mondosonoro.com) Redacción Job Ledesma Tel 615 125 126 Publicidad Enrique Santana Tel 689 53 39 53 Jacob Cabrera Tel 609 55 12 00

escaparate

◗ Ed. Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Tlf./Fax 963 220 026

33. Connan Mockasin, Urge Overkill...

◗ Ed. Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551

vinilos 35. The Horrors Disco del mes

◗ Ed. Galicia-Castilla y León (galicia@ mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro. com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379

mondomedia

◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 Colaboradores: Textos Alberto Comeche, Álvaro Fierro, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, Celestí Oliver, Cristina V. Miranda, Dani Arnal, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Fernando Fuentes, Francesc Feliu, Edu Tuset, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Héctor García, Ignacio Pato, Iván Ferrer, J. Batahola, Javi López, Joan Cabot, Jorge Ramos, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Marcos Martín Lora, María Baigorri, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Miguel Amorós, P. Muñoz, Óscar Gual, Robert Aniento, Sergio Del Amo, Toni Castarnado, Xavi Llop Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

“no solo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Enrique Peñas porque va a ser padre”

42-43. Mondo Recomienda 45. Conexiones

mondoweb

S

i pensaban ustedes que la vuelta de vacaciones iba a ser tranquilita, andaban muy equivocados. Se nos han juntado un montón de discos interesantes, algunos firmados por artistas a los que hemos apoyado ya mucho en estas páginas. Para no soltar una lista larga y absurda, vamos a quedarnos con los tres a los que dedicamos el mayor espacio. Los estadounidenses The Rapture y The Drums por un lado, y los franceses Justice por el otro. ¿Y por qué volvemos a dedicarles tanta atención? En el caso de The Rapture porque su nuevo trabajo, “In The Grace Of Your Love”, es una orgía de hits bastante más accesible que en sus tiempos post-punk. En el de The Drums porque su segunda entrega es uno de esos movimientos que debe-

22 / Justice Rock duro

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46. La entrevista Fan: Los Tiki Phantoms

19 / THE DRUMS Razones para el cambio

Aragón

DC

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ría hacer callar a todos los que dudaron de su valía. “Portamento” es un trabajo sólido que combina una personalidad cada día más definida con algunos cambios que marcarán el futuro. Entonces, ¿por qué hemos decidido colocar a Justice en portada? Porque tiene mérito que el dúo francés se haya atrevido a crear algo de la desfachatez de “Audio, Video, Disco”. El suyo es un homenaje a sus héroes de juventud e infancia y, al tiempo, un álbum que busca sonar a rock duro desde la electrónica, a stadium band de los ochenta, a algo que podría explotarles en las manos o hacerles cerrar festivales. Veremos qué ocurre con ellos, pero de momento nosotros nos lo pasamos muy bien con sus riffs electrónicos y sus ritmos pesados. ■ Redactor Jefe Joan S. Luna

5 lotes de

foehn records formados por los discos de

oso leone, balago y marina gallardo

TAN LEJOS... ❚ PEARL JAM continúan celebrando el vigésimo aniversario de la publicación de “Ten”. A lo largo de estos meses os hemos informado sobre la película que Cameron Crowe ha rodado sobre el grupo. Y ahora ya conocemos la banda sonora que lo acompañará. Se trata de un doble disco; el primero contiene quince temas grabados en directo a lo largo de sus innumerables actuaciones. El segundo disco se centra en todas esas rarezas, caras B que tanto les gustan.

/6/ Septiembre 2011 · MondoSonoro

Fermín Muguruza Foto Archivo

NOTICIAS

❚ JOSH RITTER, quien hace unos meses presentaba su nuevo disco, “So Runs The World Away”, acaba de sorprender a muchos con la publicación de su primera novela, “Bright’s Passage”. Desgraciadamente, Ritter no nos visitará de momento en directo, ya sea en su condición habitual de músico o la recién estrenada de escritor. ❚ “High Flying Birds” es como se titula el primer álbum en solitario de NOEL GALLAGHER. Para su presentación oficial, ha lanzado a la vez la canción y el videoclip “The Death Of You And Me”, dirigido por Mike Bruce. El disco saldrá publicado el próximo 17 de octubre a través de su propio sello Sour Mash Record y ha sido coproducido por David Sardy.

Fermín Muguruza, el mundo en imágenes Hace ya un tiempo que Fermin Muguruza dio a conocer un nuevo proyecto. Su visión de la música del mundo árabe desde su experiencia personal. Se trata de once documentales producidos para la cadena Al Jazeera.

Amy Winehouse Foto Archivo

❚ AMY WINEHOUSE falleció el pasado 23 de julio. El cuerpo sin vida de la cantante fue encontrado en su apartamento de Candem (Londres). La cantante de 27 años, se dio a conocer en 2003 con su primer album “Frank”, aunque la fama mundial le llegó posteriormente con “Back To Black”. Su profunda y personal voz, su estética y actitud, dieron la vuelta al mundo, así como sus reiterados problemas con las drogas.

E

l último proyecto de Fermin Muguruza lleva meses siendo público. Se trata de once documentales que recogen el legado y el presente musical de nueve países de mayoría árabe, como Egipto, Sudán, Marruecos, Yemen o Líbano, en un trabajo para la cadena Al Jazeera. “Comencé a desarrollar el proyecto en diciembre de 2009, buscando productores locales en cada país donde debía trabajar, recopilando documentación, tocando a toda la red de contactos para que me ayudaran a la hora de buscar propuestas musicales, y

el rodaje comenzó en marzo del año pasado, con el primer viaje a Egipto”. Muguruza nos cuenta el duro trabajo contra la burocracia de países como Bahrein o el Túnez de Ben Ali y le cuesta recomendarnos algún músico en particular. “Se me hace redifícil, pero ahí van: la rapera Malikah de Líbano y Fathy Salama de Egipto, productor, músico y arreglista del disco de Youssou N’Dour ‘Egypt’, ahora trabajando para Cesaria Evora además de sus proyectos personales”. Los documentales llevan emitiéndose desde marzo pasado y se

Vuelve el Heineken Music Selector

❚ PATTI SMITH publicará un nuevo LP titulado “Outside The City” con dieciocho canciones que abarcan temas de toda su carrera, desde que en 1975 debutara con “Horses” hasta su interpretación de “Smell Like Teen Spirit” de Nirvana dentro del disco “Twelve” de 2007, un álbum íntegro de versiones que incluía también adaptaciones de temas de Jimi Hendrix, The Rolling Stone o REM. ❚ TOM MORELLO, guitarrista de Rage Against The Machine y líder de The Nightwatchman, se lanza ahora como escritor de cómics. “Orchid” trata de una fantasía épica en el futuro sobre una prostituta de dieciséis años que tiene que sobrevivir en un mundo terrorífico lleno de extrañas especies animales. Cada número irá acompañado de un tema exclusivo de Tom Morello a modo de banda sonora. ❚ “House Of Rufus” es como se titula la recopilación de trabajos de RUFUS WAINWRIGHT que abarca toda su carrera hasta ahora. Una edición limitada muy cuidada, presentada en un cofre forrado de terciopelo rojo que incluye seis discos de estudio, dos álbumes de directos, cuatro discos adicionales de material inédito y seis DVD’s grabados por Canadá y Estados Unidos. n

pueden ver subtitulados en la versión inglesa de Al Jazeera, aunque el recorrido de los mismos parece que también pasa por festivales como el de Donostia o el DOCSDF mexicano. Sea como fuere, para el músico y director vasco la importancia de estos audiovisuales está clara. “La verdad es que las declaraciones de varios dirigentes europeos contra el multiculturalismo tratan de dinamitar todos esos puentes de comunicación intercultural que muchos construimos y que consideramos imprescindibles para evitar que la xenofobia, el racismo o el integrismo se instalen en la sociedad, por eso considero que estos documentales, además de su alcance cultural, musical y pedagógico, también tienen un alto valor político”.

■ Ignacio Pato L.

Ya tenemos nueva edición del ciclo Heineken Music Selector, la segunda, que este año se extenderá durante los meses de septiembre, octubre, noviembre y diciembre. Se amplía el número de banda, de ciudades y de salas, que suman en total una cifra de veinticinco conciertos de lo más diverso. La aventura se inicia el próximo jueves 1 de septiembre con la actuación de The Drums y Okkervil River en Madrid. A partir de ahí, se sucederán conciertos de formaciones estatales como Delorean, Hola A Todo El Mundo y Catpeople, o de nombre extranjeros como los de Akron/Family, Anna Calvi, Clem Snide, Fanfarlo, Cut Copy o Wilco. Las ciudades que acogerán las actuaciones son Madrid, Barcelona, Valencia, A Coruña, Vigo, Bilbao, Santiago de Compostela, Toledo, Burgos, Durango, Cádiz y Puerto de Santa Maria. www.musica.heineken.es n Delorean Foto Nacho Alegre

Primeras confirmaciones del FIZ Los festivales ya no son sólo para el verano, cada vez más tenemos la posibilidad de disfrutar de estos eventos a lo largo del otoño y el invierno. El FIZ tendrá lugar el 1 de octubre y los grupos desvelados hasta ahora son los británicos James o los españoles Vetusta Morla, Standstill, Delorean y The Faith Keepers. El Festival Independiente de Zaragoza celebra este año su edición número once, manteniendo hasta el momento la calidad tanto en lo que se refiere a nombres estatales como internacionales. Las entradas están a la venta desde el pasado 25 de julio en la red Ticketmaster o en IberCaja. En todo caso, consulta la información actualizada en www.fizfestival.com ■

Wilco Foto Archivo

Sidechains Foto Jorge Boleas

MondoSonoro · Septiembre 2011 /7/

TAN cerca... ❚ JAVIER CORCOBADO vuelve a interpretar temas ajenos en un disco de versiones que esta vez le llevará a enfrentarse a temas de Manuel Alejandro, Agustín Lara, José Alfredo Jiménez, Serge Gainsbourg, Astrud Gilberto, Fred Astaire, Frank Sinatra, Spacemen 3 y Caetano Veloso. El álbum, se titula “Luna que se quiebra…” y será publicado por Pias en las próximas semanas. ❚ El 19 de septiembre verá la luz, en formato de descarga digital, “Toro Remixes”, un disco de remezclas de EL COLUMPIO ASESINO. Los encargados de darle otro enfoque al tema son algunas de las bandas latinoamericanas más alabadas de estos últimos meses: Dënver, Algodón Egipcio, Disco Ruido, María y José, Rey Pila, De Mentira y Motivado, Balún y Sussie 4.

Muchachito Bombo Infierno Foto Albert Jodar

En Vivo, otra gran cita en Madrid

❚ TUYA es el nuevo proyecto de David T. Ginzo, quien tras años formando parte de grupos como Templeton o Lüger, y acompañando como multiinstrumentista a Anni B Sweet, El Hijo, Brian Hunt, Alex Ferreira o Catpeople decide ahora encabezar su propio proyecto personal. Lo hará con un Ep de seis temas que publicará el próximo 13 de septiembre el sello madrileño Subterfuge.

Lo hemos dicho muchas veces: no solo del indie vive el hombre.

Por eso, los próximos 8, 9 y 10 de septiembre tendrá lugar en el Getafe Open Air (Madrid), una nueva edición del En Vivo, con más de cuarenta bandas, en su mayoría nacionales, aunque también haya lugar para fichajes extranjeros como los americanos The Offspring, uno de los cabezas de cartel. Además de los californianos, el peso del festival también lo comparten The Specials, Bad Manners, Toy Dolls y grupos veteranos como Los Suaves y otros como Mago de Oz, Los Delinqüentes, Sôber, SFDK, Kiko Veneno, Muchachito Bombo Infierno, La Fuga, Boikot, Duo Kie, Celtas Cortos y muchísimos más, que llenarán tres días de rock, hip hop, sentidos tributos y rumba. De momento, ya se han vendido más de 45.000 abonos, pero todavía estás a tiempo para hacerte con el tuyo a un precio de 35¤ el abono anticipado con derecho a acampada. Tienes toda la información del cartel completo, los viajes organizados y mucho más en la web del festival: http://envivofestival.com ■

❚ MANOS DE TOPO acaban de salir de los estudios Ultramarinos de la Costa Brava de Santi García, donde han grabado su tercer disco de la mano de Ramón Rodriguez (The New Raemon).

Su nuevo trabajo verá la luz el próximo otoño.

Ahora están inmersos en la producción del próximo videoclip y han vuelto a confiar en el buen hacer de Kike Maillo.

El funk a toda máquina de Sidechains Sidechains es Alex Ferrer y Alex Ferrer es el cincuenta por ciento de The Requesters (la otra mitad es el ya reconocidísimo John Talabot), así como uno de los productores más inquietos y menos populares al mismo tiempo del momento. Con su nuevo Ep, “The Shape Of Funk To Come” las cosas deberían cambiar para mejor.

Chrome Hoof Foto Steve Bliss

Monkey Week, otoño en el Puerto de Santa María La lista de nombres para la nueva edición del encuentro musical y profesional Monkey Week, que tendrá lugar durante los días 28 a 31 de octubre en Puerto de Santa María no para de crecer. La última que se ha confirmado es la de los americanos Oneida, en su única actuación en nuestro país. Pero ya son muchos los artistas anunciados hasta el momento, desde Herman Dune hasta Mugstar, pasando por Chrome Hoof, Zombie Zombie (con repertorio de John Carpenter) o el proyecto de Ken Stringfellow junto a Ledatres, interpretando la banda sonora del musical “Hedwig & The Angry Inch”. Todos ellos estarán actuando en el Monasterio de la Victoria.

Por otro lado, el circuito de showcases sigue creciendo con bandas como Airbag, Mucho, Disco Las Palmeras!, Polock, Cuzo y un largo etcétera, que presentarán su propuesta por los distintos escenarios repartidos por cada uno de los rincones de la ciudad. Por otro lado, en breve se anunciarán los diversos debates para público y profesionales. Los abonos ya están a la venta y con un precio reducido hasta el 15 de septiembre. Más en www.monkeyweek.org ■

NOTICIAS

“

De los noventa guardo un gran recuerdo ya que fue por entonces cuando descubrí la música electrónica y coincidió con el boom que tuvieron grupos como Daft Punk, Underworld, The Prodigy o The Chemical Brothers”. Efectivamente, si hubiera que buscar un adjetivo para definir el nuevo EP de Sidechains, “The Shape Of Funk To Come”, sería el de noventero: una colección de sintetizadores y beats que te transporta a aquella dorada época del house desprejuiciado.

Pero si bien su anterior EP bebía más del old school house, este tira por derroteros definitivamente más funk. “El funk y el soul siempre han sido de mis géneros preferidos y esta vez quería dedicarles unos temas dándoles un toque más actual”. Y para hacerlo, Sidechains no necesita miles de cacharros y virguerías de software. “Al final uno se da cuenta de que es mucho más productivo tener muy pocos elementos en el estudio y utilizar el tiempo

para componer y no perder tiempo ni dinero para acabar convirtiéndote en un coleccionista. Supongo que es el error más común de los músicos, pensar que una 909 original va hacer que tu música sea mejor”. Por eso Sidechains prefiere dedicar su tiempo a los trabajos de producción en The Groove, a sacar nuevas referencias como Sidechains y a hacer algunas remezclas, aunque sólo: “cuando ves claro que puedes darle un enfoque nuevo e interesante a un tema aportando tu estilo, porque es algo que puede quemarte muchísimo si empiezas a aceptar cosas por compromiso o por dinero”. Por supuesto, otro gran objetivo de Sidechains para 2011 es acabar el álbum con The Requesters. “Hasta ahora ha sido imposible por trabajos paralelos tanto de John Talabot como míos pero, si todo va bien, saldrá este año. Esperemos sacarlo antes de que el minimal vuelva a estar de moda”.

■ Virginia Arroyo

❚ SUZY Y LOS QUATTRO sacarán a finales de septiembre su nuevo trabajo, titulado “Hank”.

Se trata del tercero de su carrera. Ha sido grabado en los estudios Musiclan y mezclado por Blind Joes (Sidonie, Love Of Lesbian). El título del disco y todas las canciones están inspiradas por su amigo y roadie del grupo, Hank, quien la banda perdió hace dos años.

Fleet Foxes Foto Archivo

❚ Ya se conocen los primeros nombres que conformarán la nueva edición del SAN MIGUEL PRIMAVERA CLUB, que tendrá lugar del 23 al 27 de noviembre de manera simultánea en Barcelona y Madrid. Lo más destacados son Fleet Foxes, Superchunk, The Pop Group, Handsome Furs, Jeff The Brotherhood, Steve Moore, Shabazz Palaces, John Maus, Girls y Elephant 6 The Olivia Tremor Control. ❚ The Zombie Kids llevan un verano de lo más ajetreado. Apenas iniciada la primavera ya empezamos a verles en festivales como el Estrella Levante S0S4.8, Vinilove, Sónar, BBK Live, Electromar y muchas citas más en las que el dúo levantaron a todo el público con su electro –indie- rock. Ahora, van un paso más allá y aterrizan en Estados Unidos y Canadá de la mano de Nacional Records, sello que publicará su debut, “Face”, editado aquí por Subterfuge. ❚ El MERCAT DE MUSICA VIVA DE VIC, que este año se celebra del 14 al 18 de septiembre en diferentes espacios de la capital de Osona, anuncia nuevos nombres. La lista la encabeza Los Evangelistas, una banda tributo a Enrique Morente formada por miembros de Lagartija Nick y Los Planetas, además de bandas como Dead Capo o Split 77, entre otros. n

Miles Kane Foto Archivo

NOTICIAS /8/ Septiembre 2011 · MondoSonoro

Miles Kane, un The Last Shadow Puppets en solitario

Micah P. Hinson Foto Archivo

Ebrovisión, mirando el río Micah P. Hinson es una de las nuevas confirmaciones para la próxima edición del Ebrovisión, que tendrá lugar del 15 al 17 de septiembre en Miranda de Ebro. Tras el accidente sufrido hace unas semanas, Hinson y su banda, The Pioneer Saboteurs (Tachenko) se encuentran recuperados y listos para la cita festivalera. Además de ellos, The Brontës presentarán en directo su nuevo disco, “Vender la sombra”, el primero de su carrera cantando en castellano. Junto a ellos estarán también Varry Brava (los murcianos han dado mucho que hablar este 2011 y demostrarán el porqué durante el Ebrovisión). Recordad que además de estas nuevas confirmaciones, podrás disfrutar de bandas como The View, Vetusta Morla, Erland & The Carnival, Xóel Deluxe, Delorean, Maga, Mendetz, Lapido, Pony Bravo, The Last Dandies, Javiera Mena, Bigott, Atom Rhumba, Mendetz, Supersubmarina y muchas más. Tienes toda la información en la web: www.ebrovision.com ■

Es un valor en alza sin demasiadas pretensiones que tiene la experiencia de haber sido parte The Little Flames y de The Rascals, además de haber co-liderado The Last Shadow Puppets con Alex Turner. Kane abre la puerta a su carrera en solitario con “Colour Of The Trap” (Columbia/Sony BMG), un plástico que sorprende por su calidad y madurez.

P

osiblemente sea una declaración de intenciones, pero el músico británico de Wirral se hace un hueco entre la familia del brit-pop y en general del rock and roll internacional. “Mi intención era mostrar a la gente mis influencias, ya que es importante para mí. Mis mayores tótems en el álbum van desde T-Rex, John Lennon o Duane Eddy hasta Lee Hazelwood, pasando por Jacques Dutronc”. En todo caso, su nuevo trabajo discográfico sorprende por la elegancia que desprenden todas y cada una de las composiciones. Desde una temprana edad, Kane ya tuvo clara su vocación, aun a riesgo de perderse en un abarrotado océano de nuevos nombres emergentes. Con The Little Flames puso las bases sobre las que se asentarían The Rascals, pero la cimenta-

ción de The Last Shadow Puppets, junto a Alex Turner, fue lo que realmente le sirvió como punto de apoyo esencial. Es más, el líder de Arctic Monkeys escribe con Kane seis de las doce canciones de “Colour Of The Trap”, como “Rearrange”, “Telephaty” o la canción que da título a este álbum.

“Alex es como un hermano para mí y trabajamos muy bien juntos. Es una conexión excelente la que tenemos.

Eso hace que escribir sea algo muy fácil y sobre todo muy divertido”.

Pero, ¿cómo se empieza desde cero para encarrilar un nuevo proyecto? La decisión y claridad con la que Miles Kane ha trabajado es fruto de la paciencia y la constancia, máximas muy presentes en su carrera. El bueno de Kane no quería repetirse ni utilizar las mismas fórmulas que fueron santo y

seña de anteriores etapas, así que se lanzó a la piscina. “Cuando se acaba el proceso natural hay que cambiar de rumbo.

Con mi anterior banda, The Rascals, nunca trabajamos así, por lo que tuve que hacer algo nuevo. Lo necesitaba”.

Los doce cortes, más que sobresalientes, que incluye el disco van desde el pop más oscuro hasta la psicodelia más ácida. Parte de la responsabilidad recae en los productores Dan Carey y Dan The Automator, debido a una encomiable labor para dar una forma vintage al resultado definitivo. Pero uno de los puntos fuertes se basa en la colaboración de Noel Gallagher en “My Fantasy”, hecho que ha ayudado a llamar la atención del público más reticente, pero que para nada ha eclipsa este disco tan soberbio.

“No sé cómo ocurrió realmente, pero habíamos coincidido un par de veces.

Cuando ya estaba mezclando ‘Colour Of The Trap’ vino al estudio para pasar el rato. Al final terminó haciendo algunos coros. Sin duda fue una gran tarde”. Definitivamente y sin lugar a dudas, la búsqueda prosigue, pese a que ahora toca disfrutar y analizar un disco excelente.

El sueño de Miles Kane hecho realidad.

■ Charly Hernández

South Pop Isla Cristina, alegato meridional Toteking Foto Diego L Rodríguez

Rock in Way Estrella Galicia, gozando en el monte Maga Foto Archivo

Lejos de amilanarse tras el despliegue que supuso el pasado Año Santo, la agenda musical gallega se revuelve planteando nuevas propuestas de primer nivel. Tras los jalones de Vigo Transforma, Derrame Rock, Sónar Galicia y otros eventos por celebrarse como Cultura Quente o Son Rías Baixas el festival Rock In Way Estrella Galicia perfila y pone broche a una nutrida temporada estival de conciertos.

El evento tendrá lugar los días 9 y 10 de septiembre en el Monte do Gozo de Santiago de Compostela. Por sus dos escenarios desfilarán bandas como The Offspring, Toy Dolls, Rinôçérôse o The Specials, los últimos en incorporarse al cartel. La propuesta, que aglutina un total de veinte grupos, pone especial énfasis en la promoción de bandas gallegas incorporando nombres como Triángulo de Amor Bizarro, Niño y Pistola, Igloo o The Blows. Sôber, Muchachito Bombo Inferno, Delorean y Toteking son de momento los encargados de representar la vertiente hispánica del cartel. Si no necesitas más noticias para convencerte, puedes conseguir ya los abonos para los dos días con derecho a acampada a un precio reducido de 29 euros en la red de venta Servinova. Más datos en: www.rockinway.com ■

El nuevo álbum de Maga Los sevillanos ya tienen listas sus nuevas canciones. Un disco gestado en plena gira de presentación de su predecesor "A la hora del Sol", es por ello que se halla contagiado de la energía que transmite el directo actual de la banda y por lo tanto se presente como un disco cargado de pegada."Satie contra Godzilla", sutileza frente a fuerza bruta, un equilibrio que Maga han abordado en un álbum que llega en un momento especial para la banda. Y es que el 1 de septiembre celebran su décimo aniversario, y por ello ofrecerán un concierto especial en Sevilla, ante sus paisanos y amigos. Para los que no podáis asistir, tendréis que esperar al 18 de octubre, fecha en la que verá la luz "Satie contra Godzilla". Un disco que ha sido grabado en los estudios Ultramarinos de Santi García y ha contado con la producción de Ramón Rodríguez (The New Reamon). n

Tan fascinado quedó el propio Bob Stanley (Saint Etienne) de su visita al festival el año pasado como Dj, que ha convencido a sus otros dos compañeros, Sarah Cracknell y Pete Wiggs, para que vuelvan como grupo y participen en la próxima edición de este año prevista del 9 al 11 de septiembre. La presencia de Saint Etienne en el South Pop Isla Cristina es para la organización la culminación de un sueño por lo que el trío de Londres ha supuesto para la cultura pop así entendida en los últimos veinte años. Pero los británicos son solamente uno de los platos exquisitos de la edición de este año. Allí estarán actuando también Catpeople, Pony Bravo, Exson Valdes, Linda Mirada, Miéle, Montevideo, Odio París y otros. Toda la información sobre entradas y alojamiento en www.southpopfestival.com ■

Saint Etienne Foto Archivo

----------------------------------Agenda SON Estrella Galicia

Micah P Hinson plays Trompe Le Monde (Pixies)

14 y 15 de septiembre Café Pop Torgal, Ourense y Leclub, A Coruña

Kathryn Calder (The New Pornographers)

Ciclo American Autumn 16 de septiembre / Café Pop Torgal, Ourense

Javiera Mena

30 de septiembre / Leclub, A Coruña 01 y 05 de octubre / Café Pop Torgal, Ourense y Teatro Lara, Madrid

Marah

01 de octubre / Sala El Infierno, Vigo

Alela Diane

26 de octubre / Teatro Lara, Madrid

John Grant

09 de noviembre / Teatro Lara, Madrid

----------------------------------Festivales SON Estrella Galicia

Rock In Way

The Specials, The Offspring, The Charlatans, Bad Manners, The View, Rinocerose...

09 y 10 de septiembre Monte do Gozo, Santiago de Compostela

----------------------------------Otras fechas SON Estrella Galicia

Eef Barzelay (Clem Snide), Zachary Cale, This Frontier Needs Heros, Ciclo American Autumn, Festival Sinsal...

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mondofreako

/11/ Septiembre 2011 · MondoSonoro

I Break Horses Foto Alex Southam

ENTREVISTAS ★ WALA WALA ★ NO CONFIDENCIAL ★ LOS DISCOS DE MI VIDA ★ SUBEN/BAJAN ★ EN LA MALETA

i break horses

corazón de cristal

Descubiertos por el sello de un ex Cocteau Twins; retratados en forma de portada por el mítico Vaughan Oliver; bendecidos por Tom Rowlands (The Chemical Brothers), autor de la remezcla de su primer single. ¿Quién y de dónde surge ese misterioso dúo que desde el anonimato publica “Hearts”, uno de los discos más imponentes en lo que llevamos de 2011?

L

os primeros calores del verano han venido acompañados de tres discos que toman las medidas a lo que llevamos de 2011: “Hearts” (I Break Horses), “We Must Become The Pitiless Censors Of Ourselves” (John Maus) y “Dedication” (Zomby). También cuando escribo esto, en los primeros días de julio, llama la atención el pequeño debate que ha desatado la publicación del libro “Retromanía” por el prestigioso plumilla británico Simon Reynolds.

Para Reynolds (cito de la entrevista para la web de El País): “lo mejor de la actualidad es algo que mastica el pasado, siendo consciente de ello y disfrutándolo, siendo honesto, mezclando elementos dispares, recuperando movimientos olvidados o descubriendo lo más ignoto”. Efectivamente la música más excitante que se ha llevado a cabo en el último lustro, de Animal Collective a LCD Soundsystem, encaja en esta definición. Aunque puestos a mirar atrás esa percha también podríamos colgársela

a la mayor parte de los renovadores del pasado que hoy veneramos sin discusión: Can, The Clash, Aphex Twin o mil más.

Maria Linden responde al teléfono desde la cama, realmente cansada después de un duro día de trabajo en el que “me ha tocado atender por teléfono a unos cuantos clientes malhumorados. Después de eso charlar contigo sobre el disco es una bendición”. Por muy infernal que pueda resultar, Maria sabe que su jornada diaria como recepcionista le libera de pagar el peaje que supone vivir de la música.

“Por un tiempo lo intenté como profesora, pero en cuanto comprendí que el trabajo no consistía tanto en enseñar como en mantener a los críos callados me desanimé y lo abandoné”. La historia de I Break Horses -proyecto personalísimo del que ha terminado haciendo partícipe a Fredrik Balck- es prácticamente la del mejor pop del último lustro, que se distingue por dos características esenciales: el

individualismo (algo en lo que tiene tanto que ver la revolución tecnológica como el mundo post 11-S) y la reinvención de sonidos del pasado. En su caso necesitó seis años dentro de las filas de una banda, Blackstrap, para verlo claro. “Escribía parte de la música y resultaba muy complicado porque soy una persona solitaria y eso afecta a mi manera de trabajar, al intentar mantener un control muy grande sobre todo lo que hago”. En algunas canciones de

de que necesitaba la ayuda de alguien con las percusiones. Soy autosuficiente con todo salvo con la batería. Ahí fue cuando entró Fredrik -que había formado parte tiempo atrás de una banda con varias referencias en Labrador, Aerospace-. Pero resulta que Fredrick también publica poesía, así que me envió unas cuantas letras que me encantaron y de ese modo comenzó a escribir para I Break Horses”. Aunque la forma de encontrar-

"Soy una persona solitaria y eso afecta a mi manera de trabajar" Blackstrap ya estaba presente la influencia de la banda que cambió su vida. “Había crecido entre discos de clásica y jazz, escuchando a mi hermano que es pianista profesional...

Hasta que me hice adolescente y descubrí a My Bloody Valentine. Era diferente a todo lo que había escuchado hasta entonces”.

Finiquitó su relación con el grupo y arrancó una aventura doméstica de la que durante los cinco últimos años sólo pudimos escuchar dos covers a modo de temblorosa declaración de intenciones en sendos discos recopilatorios: “Goodbye Sweet Dreams” de Roky Erickson y “All Of My Tears” de Spiritualized. “Una vez aprendí a grabar por mi cuenta hice una maqueta y me di cuenta

se tuvo poco que ver con todo eso. “Los dos somos hipocondríacos, y nos conocimos a través de un foro médico buscando síntomas para averiguar si sufríamos cáncer”.

Ese es el título de una de las canciones y también el principal motor de un disco de sonido catedralicio que ha madurado a lo largo de cinco largos años y pasado por las manos de seis productores diferentes hasta dar con la tecla correcta, hasta concretar el sonido exacto que Maria tenía en su cabeza: “la banda sonora imaginaria de mis películas favoritas”. ■ Luis J. Menéndez “hearts” está publicado por bella union/music as usual.

PROMOCIÓN DE CALLE Fabricamos y colgamos 1.000 Carteles A3 por 399€ (Report fotográfico del 100% del trabajo)

mondoFREAKO /12/ Septiembre 2011 · MondoSonoro

wu lyf

Rodeados durante el último año de mitos y leyendas, WU LYF han logrado poner nerviosa a la escena musical británica. Pero ahora por fin ha visto la luz el primer disco de esta banda, “Go Tell Fire To The Mountain”. Y es su propio vocalista quién nos desvela el misterio.

U

n par de temas circulando por Internet y una críptica declaración de objetivos les ha presentado ante el mundo como algo más parecido a un culto satánico que a un grupo. Lejos de perjudicarles, WU LYF (siglas de World Unite! Lucifer Youth Foundation) se ha convertido en la nueva sensación proveniente de Manchester. Pero lo de jugar a la confusión ha tenido más que ver con sus propios principios que con una estrategia de marketing. “Sé que suena poco romántico pero nunca quisimos ser misteriosos”, confiesa Ellery Roberts, vocalista y teclista del grupo, sobre su negativa a conceder entrevistas en el último año y medio. “Nos parecía aburrido. Estábamos concentrados en terminar el disco y ahora que ya está publicado hemos comenzado a hacer promoción porque ya podemos hablar de algo que es concreto, de algo que la gente puede escuchar”.

Por teléfono suena tan agradable que cuesta imaginarle detrás de las voces desgarradas que se han convertido en seña de identidad de

la banda y que inundan los incendiarios diez temas de “Go Tell Fire To The Mountain”, su álbum de debut, publicado en junio. En él se mezclan las percusiones y se superponen las melodías de órgano, bajo y guitarra, consiguiendo un rock atmosférico que es épico y es underground, pero que en cualquier caso despunta por su originalidad. Difícil de catalogar, algunos han definido el resultado como una combinación agitada entre Spiritualized y Swans; otros, como algo que recuerda a los primeros Happy Mondays. Y todos, como una revelación que ya era necesaria. Pero ellos describen su música como heavy pop, y a la hora de hablar sobre sus influencias, Ellery apunta a otro lado. “Mientras trabajaba en el disco, escuchaba mucho a Godspeed You! Black Emperor y mucho afrobeat. Y sobre lo de los Happy Mondays, no creo que tengamos mucho que ver, aunque quizá para la gente sí”.

El bajista Tom McClung, el batería Joseph Manning y el guitarrista Evans Kati son quienes

le han acompañado en ese “combate de boxeo” que, según Ellery, ha sido el proceso de creación del álbum. “Cada uno ha aportado sus ideas”, asegura. “Y la suma podría considerarse una historia visual, formada por narraciones cortas que hemos intentado plasmar en las canciones”. El tema en común de su relato: La rebelión. “El disco habla del sentimiento de comunidad, de darnos fuerzas entre todos, de dejar de

WU LYF Foto Archivo

fin del secreto página web. “Creo que vemos la locura que entraña la religión, pero también sentimos por ella una especie de fascinación.

Esa noción de ‘quemarse en el infierno’, de lo oscuro…”. Su admiración le llevó hasta España, donde valoró alguna que otra iglesia como estudio de grabación. “Encontré una en Barcelona que me encantaba”, cuenta.

Pero al final se quedaron con una de Manchester. Pertenecer a esta ciudad no ha hecho

"Hablamos de dejar de hacer las cosas que las normas sociales señalan como correctas" hacer las cosas que las normas sociales señalan como correctas”, cuenta. Pero donde de verdad se deja notar su espíritu revolucionario es en su actitud independiente. Con varias discográficas rifándoselos, han preferido ir por libre, autoeditar sus temas y negociar ellos mismos la distribución internacional, que en nuestro país corre a cargo de PIAS. Más irreverente ha sido lo de grabar el disco en una iglesia. Aunque el vocalista asegura que no fue premeditado, sí reconoce esa atracción por lo religioso que les ha llevado a incluir la palabra Lucifer en el nombre del grupo y a hacer todo tipo de alusiones bíblicas y apocalípticas en su

más que aumentar su fama, pero triunfar en el Reino Unido parece interesarles tan poco como la industria musical. “Nos hace mucha más ilusión que se nos conozca en España, por ejemplo, que aquí”, cuenta Ellery. La experiencia ya les ha demostrado que cuanto más huyan de ser un hype, más conseguirán todo lo contrario, pero seguir a lo suyo y preparar su segundo álbum es lo único que les importa.

■ Cristina Pancorbo “go tell fire to the mountain” está publicado Por pias

MondoSonoro · Septiembre 2011 /13/

mondoFREAKO

¡¡¡ wala wala!!!

“Cualquiera que se declare de derechas ha de ser un cretino o un cabrón. O un potentado” (Nacho Vegas en El País)

“Cantar algo de John Fogerty es quedar más en evidencia que versionando a Elvis. Es muy difícil” (Eddie Spaghetti de Supersuckers en Popular 1)

clap your hands say yeah!

CYHSY Foto Archivo

resurrección

“Los chicos aquí se visten y hablan como si fueran artistas de hip hop. Estamos perdiendo la verdadera sangre africana” (FEMI KUTI en Ritmos del Mundo)

“Sueño con el anillo, la iglesia con las flores, la dama de honor...”

(LADY GAGA en Grazia)

Los norteamericanos disfrutaron de una fama prematura gracias al entusiasmo latente en su atractivo debut homónimo de 2005.

Una continuación tan monocromática como “Some Loud Thunder” (07), el disco en solitario de su vocalista y cuatro años de silencio parecían significar la defunción popular del quinteto, pero el orgulloso “Hysterical” está aquí para evitarlo.

L

“Estuve un año componiendo un solo de guitarra” (ANDRÉS CALAMARO, en Rolling Stone)

“Noel parece un miembro de Westlife” (LIAM GALLAGHER, en NME)

o primero que sorprende es la afable normalidad de tono que posee Alec Ounsworth al otro lado del teléfono, alejada de los personales graznidos con los que interpreta las canciones de Clap Your Hands Say Yeah!. El cantante responde a mis preguntas desde Londres, donde se encuentra de promoción pocos días antes de comenzar a presentar en directo las nuevas canciones de la banda. Han pasado cuatro largos años desde la última entrega, aunque para ellos el tiempo no parece una losa demasiado pesada. “Llegó un momento en el que sacar un álbum hubiese sido algo forzado. A veces hay que parar un poco y ser honesto para no hacer lo mismo una y otra vez. Pero todos hemos estado muy activos trabajando en diferentes proyectos”. En cualquier caso y teniendo en cuenta la desorbitada velocidad a la que gira la sociedad actual, el hecho de dejar pasar tanto tiempo lleva implícito el riesgo de caer en el olvido por parte del siempre exigente público, máxime cuando su anterior obra, “Some Loud Thunder”, resultó lastrada por una excesiva sobriedad. “He escuchado comentarios como si se tratase de una especie de reunión o regreso del grupo. Imagino que si lo miras desde la perspectiva del negocio tanto tiempo puede ser considerado como perjudicial, pero yo no veo el aspecto empresarial como el principal”. Lo cierto es que, contra todo pronóstico, el presente álbum contiene argumentos sobradamente sólidos

para el optimismo. “La inspiración viene de mis experiencias durante estos últimos años. Me adhiero a la historia. Tiene que ver con crecer y tomarte las canciones como un trabajo, algo que es relativamente real y estable y con lo que la gente puede verse reflejada hoy en día”. “Hysterical” es una mixtura equili-

que lo hemos conseguido”. En ocasiones la fama traiciona y engulle sin piedad a los que la disfrutan con demasiada premura. Parece evidente que ese fue el caso de la formación allá por 2005, cuando de la noche a la mañana se convirtieron en el grupo de moda. “Sólo puedo especular con cómo habría sido si todo hubiese venido de manera más gradual, pero en lo único que pienso es en que, finalmente, estoy con un nuevo disco después de los otros dos. Uno de los motivos por los que nos tomamos el respiro fue porque yo personalmente daba muchas cosas por hechas. Todo lo que sabía era que empezamos a tocar y a conseguir ‘sold out’ en nuestros conciertos. Ahora me he dado cuenta de que no todo el mundo puede tocar como una banda sólida al mo-

"Internet es el principal responsable del déficit y desorden de atención global" brada que contiene adictivas canciones como las que brillaban en el debut homónimo de los norteamericanos, pero con la madura contención de la que fuese su continuación. “Es una combinación adecuada de ambos. El segundo álbum salió con pocas ideas de antemano y esta vez hemos hecho mucha preproducción juntos.

En este sentido es más cercano al primer disco que al segundo”. Lo que es evidente es que canciones como “Same Mistake”, “Maniac”, “Into Your Alien Arms” o la misma “Hysterical” son aciertos descarados y efectivos que sin duda ayudarán en la consiguiente rehabilitación musical de Ounsworth y compañía. “Puedo decir que para mí esto es como volver el principio.

Hemos estado luchando para saber quiénes son CYHSY, porqué nos movemos y hacia dónde vamos. Eso lleva su tiempo, pero creo

mento. El nuestro es un proyecto un tanto extraño, y necesitábamos que las canciones se estructurasen y fuesen más claras. Por algún motivo, hay algo en este grupo que tiene mucho sentido”. Volviendo al pasado, uno de los motivadores de aquel éxito fue Internet, herramienta gracias a la cual la banda alcanzó el éxito sin siquiera firmar un contrato discográfico.

“Internet puede ser un vehículo útil, pero también puede ser algo confuso. Quizás tenga una postura romántica, pero creo que con Internet todo pasa demasiado rápido. Es, sin ninguna duda, el principal responsable del déficit y desorden de atención global”.

■ Raúl Julián “hysterical” está publicado por v2.

mondoFREAKO /14/ Septiembre 2011 · MondoSonoro

John Franks Foto Archivo

no confidencial

john franks (smile) “All The Roads Lead To The Shore” (December, 10) ha dado mucho que hablar durante los últimos meses, convirtiendo a Smile en unos habituales de la temporada festivalera estatal.

A ver qué tal se le da a John Franks, su vocalista, contestar a nuestras malintencionadas preguntas.

yatch

◗ ¿Se liga más siendo cantante o surfer?

Eso pregúntaselo a tu mujer… ◗ Os llamáis Smile y proyectáis amor y buen rollito… ¿hacéis algún tipo de terapia de grupo antes de salir al escenario?

La terapia es el concierto. ◗ ¿Dani Merino tuvo que dejar el grupo porque no podía enfrentarse a tanta felicidad?

La verdad es que no me lo había planteado así, pero ahora que lo dices puede que sí. ◗ ¿Es vuestra meta colar “Do As I Want” en un anuncio de seguros o de pasta dentífrica?

No. La intención era colarla en algún capítulo de Bob Esponja. ◗ ¿Cuál es vuestro garito favorito del mundo y por qué?

El Aratxu en Romo cuando éramos pubertos. Ponían buena música y allí nos juntábamos la gente más musiquera de Getxo. ¡Me han dicho que vuelve a estar de moda! ◗ ¿Tener una posición acomodada os ha permitido sacar adelante al grupo con más facilidad?

La verdad es que tener un chofer que te lleve a los ensayos y un jet privado para girar siempre ayuda. ◗ Recomendadnos un disco, un libro y una película ”Fleet Foxes” de Fleet Foxes; “Robinson Crusoe” de Daniel Defoe; “El mago de Oz” de Victor Fleming. ◗ ¿El mejor concierto que habéis visto en lo que va de año?

Fleet Foxes en el Primavera Sound, seguido de muy cerca por el de Mumford And Sons en el FIB. ◗ ¿Cómo conseguís que todo Getxo vaya a vuestros conciertos?

Regalando piruletas de corazones durante el concierto. ◗ ¿No es el ukelele el instrumento más odioso del planeta?

Qué va, personalmente odio la cítara húngara. ◗ Eres británico, pero ¿alguna vez te han dicho que por qué cantas en inglés, que se nota que no es tu lengua materna o alguna estupidez por el estilo?

Nunca, más bien todo lo contrario, me preguntan dónde he aprendido a hablar inglés. ◗ ¿Le romperías las piernas a algún crítico musical de este país?

No me lo pongas tan fácil… ■

bailando con la cabeza Aunque pueda parecer lo contrario, Yatch es una formación con mensaje, algo no muy habitual en los grupos que apuestan por el baile. Su particular universo espiritual merece ser descubierto, aunque uno siempre acabe disfrutando mucho más de sus canciones. Y las de “Shangri-La” no son una excepción.

D

esde que Yatch firmaron por DFA su sonido ha tendido a ser cada vez más similar a LCD Soundsytem. Mímesis o síndrome de Estocolmo, lo cierto es que siguen siendo una de las propuestas más interesantes de un panorama electrónico que no se caracteriza precisamente por planteamientos teóricos ajenos a la música. En cambio, Jona Bechtolt y Claire L. Evans tienen teoría para dar y tomar. Y también un directo que es tanto un gran drama en blanco y negro como una fiesta salvaje. Unos y ceros. Pares o nones.

Te gustan o te parecen un par de niñatos pedantes. ¿Para qué quieres más opciones?

Sentados delante del gran ventanal de un hotel en el centro de Madrid lanzan sus manifiestos con soltura sin caer en lo pedante. Con una sonrisa terrible. (Claire) “Es más fácil decirlo que llevarlo a cabo, pero nuestros shows son siempre muy diferentes. Tratamos de que sea una experiencia individual distinta para cada persona del público, aunque para nosotros cada noche sean personas desconocidas las que están frente al escenario. La audiencia es energía, y con cinco personas encima de las tablas, hay tanta energía fluyendo que eso significa caos, anarquía, utopía y autonomía. A todas esas variables juntas, nos gusta llamarlo experiencia”. Un caos que no es tanto como parece. Bajo la apariencia de descontrol, hay muchas horas de ensayo y un gran respeto por aquellos que han pagado su entrada en taquilla, algo que si bien es común a casi todos los músicos, pocos se encargan de que quede claro en las entrevistas. (Claire) “El valor de la anarquía en un concierto es tremen-

damente importante. La gente tiene que sentir que está pasando algo especial porque han tenido la deferencia de pagar por venir a vernos y al fin y al cabo, esto es un trabajo como otro cualquiera, en el que tienes que dar lo mejor de ti mismo.

En las giras, en realidad todo esta bajo control la mayoría del tiempo, pero tiene que parecer que no es así. Tratamos de ser honestos con nuestros fans. Hacemos música que se puede comprar, es un producto, así que el dinero es algo que está por medio como en cualquier otra actividad comercial. Que un artista pase

Yatch Foto Guilded

◗ ¿Es cierto que si tuvieras que elegir entre la tabla de surf o la guitarra pasarías de la música?

Son perfectamente compatibles las dos. “Surf all day, rock all night”.

“Es más fácil pensar que todo va a ir a peor, pero tal vez la gente no se para a considerar que tiene la posibilidad de hacer que las cosas cambien porque la idea es en si misma un cliché. Para nosotros el concepto de utopía es muy importante porque ese lugar no tiene por qué ser idílico, irreal y que dure para siempre.

Puede estar hecho de pequeños momentos en los que por alguna razón la gente se permite salir de si mismos y disfrutar.

Si los pones todos juntos, es lo más cerca de la felicidad que puedes llegar a estar. Internet es también uno de esos lugares”. La idea está presente a lo largo de su nuevo álbum, “Shangri-la”. Un disco en el que las iluminaciones de trabajo anterior, “See Mistery Lights”, se convierten en delicias tanto para los oídos más exigentes –atentos a los detalles que casi se perciben solamente al escuchar el disco con auriculares- como para los que sólo quieren disfrutar de la mezcla de electrónica, percusiones acústicas y ruidos de

"El valor de la anarquía en un concierto es tremendamente importante" hambre es algo muy grosero”.

La utopía, concepto desarrollado por Tomás Moro en el siglo XV y que hace referencia a la proyección que hacemos los humanos de un mundo idealizado que representa una alternativa al que os ha tocado vivir, es un tema recurrente en el imaginario de Yatch. Cuelgan, y discuten con los fans, sus manifiestos en su página web (un interesante almacén de textos complementarios a su música) y que Claire desarrolla en complejas letras que canta con voz monótona desde su incorporación definitiva al grupo en 2008 (hasta entonces proyecto unipersonal de Jona Bechtolt, procedente de The Blow). Reconoce que es muy difícil hacer una melodía original hoy en día, pero que no lo es desarrollar ideas en otros soportes. (Claire)

todo tipo. (Jona) “Desde que entró Claire, el grupo ha ganado en intensidad. Principalmente somos nosotros dos, pero en esta ocasión el bajista ha hecho algunas voces. No tenemos productor ni solemos colaborar con otras bandas porque estamos demasiado metidos en la nuestra, pero nos encanta poner nuestras canciones a disposición de otros para que hagan remixes. Cualquier reinterpretación es una forma de diálogo y es una visión diferente de un mismo mensaje que ofrece un cuadro más amplio de lo que queremos decir”. ■ Javi Batahola “shangri-la” está publicado por dfa/music as usual.

MondoSonoro · Septiembre 2011 /15/

mondoFREAKO

Los discos

Millencolin Foto Archivo

de mi vida

fredrik larzon (millencolin) Batería de Millencolin, Fredrik Larzon siempre ha sido el miembro más permeable a los sonidos más duros del punk y el rock. Por si no estaba ya claro, aquí nos desvela cinco discos de referencia para él. A propósito, Millencolin estarán actuando en Barcelona (Apolo, 22 septiembre), Madrid (Penelope, 23 septiembre) y Bilbao (Santana 24 septiembre). la primera banda de la que fui fan

“Piece Of Mind” (1983) Descubrí a Iron Maiden gracias al hermano mayor de unos amigos, al que también le compré una pulsera del grupo hecha por él mismo. Estaba un poco aterrorizado por todo lo referente a esta banda cuando les descubrí en 1981 con “Killers”, aunque para mí este es EL DISCO.

un disco que me ha inspirado

Circle Jerks

“Group Sex” (1980) Agresivo aunque melódico punk rock californiano de la mejor calidad. Es rápido, sucio y muy directo. Uno de los primeros discos de punk americano que descubrí y, sin duda, mi favorito. Las voces, los riffs, la batería… todo es perfecto.

UN DISCO muy emocional

Neurosis “Through Silver In Blood” (1996) Un disco que me golpea en el estómago como un puñetazo y cuyo efecto permanece como una resaca de domingo en tu cabeza, pero que no puedo dejar de adorar. Oscuro, super heavy y primitivo, pero delicadamente cuidadoso con cada uno de sus sonidos y su imagen.

UN disco de punk británico

Discharge “Hear Nothing, See Nothing, Say Nothing” (1982) Otra gran inspiración para mí. Es un disco simple, minimalista, pero muy rompedor en diversos aspectos (el sonido, los ritmos de batería, las letras, etcétera).

UN auténtico clásico del metal

Slayer “Reign In

Blood” (1986) Un clásico atemporal que se publicó cuando la mayoría de las bandas thrash escribían letras divertidas, vestían ropas de colores y cosas así. Slayer nacieron como grupo contracorriente. Metal marcado por el punk. n

metronomy

un paso adelante

Joseph Mount, la mente creativa de los británicos, ha querido recordar su niñez en “The English Riviera”. El álbum, el primero grabado en un estudio al uso, se desmarca de sus antecedentes, al tiempo que presenta a una formación totalmente renovada.

E

l romper de las olas y unas gaviotas revoloteando el cielo. De este modo empieza “The English Riviera”, el trabajo con el que Metronomy conscientemente rompe la senda electrónica de sus dos trabajos anteriores. Debutando en 2006 aprovechándose de la escena nu-ravera, la banda se ha distanciado bruscamente de la electrónica y el pop extraño de sus trabajos previos dotando a su propuesta de una elegancia que no consigue empalagar a lo largo de sus once temas. Con ecos a una tierra imaginaria en la que el verano se perpetúa en el tiempo, Joseph Mount se enfrenta al primer gran reto de su carrera. Sus fans, como siempre, tomarán la última palabra ante tal reformulación sonora. “Es normal que muchos estén algo confusos con el disco ya que podían llegar a pensar que la electrónica siempre sería un elemento fundamental en mis canciones. Suena a tópico, pero habrá gente que dirá que los primeros discos eran mejores. En mi caso, no me preocupa. Sentía la necesidad de probar algo nuevo y no estancarme en lo que todos estos años he venido haciendo”, comenta Mount al otro lado del teléfono horas después de haber actuado en Brighton. ¿Dicho paso estaba estudiado o ha surgido de forma natural? “Ambas cosas. La idea de componer un álbum más relajado y cercano en su sonido me venía rondando por la cabeza desde hace tiempo. Y creo que ha sucedido en el momento idóneo”.

Volviendo al pequeño pueblo de Totnes que le vio nacer, Mount decidió psicoanalizarse fantasiosamente a la hora de perder el miedo a la

hoja en blanco. “Hasta entonces siempre había trabajado en Londres. La verdad es que es muy difícil dejar la ciudad, pero me sirvió para desconectar durante un tiempo de su escena musical e ignorar a mis rivales. Totnes es un pequeño pueblo rural en el que predominan las granjas, algo totalmente opuesto a la capital. Sin

miéndote al máximo, consigues ver la luz satisfactoriamente”. Aunque Metronomy se pasea en estos momentos por los escenarios como un cuarteto tras la incorporación de dos nuevos miembros en sus filas, Anna Prior y Gbenga Adelekan (debido a la marcha de Gabriel Stebbing, quien desde 2009 ha querido probar suerte en Your Twenties), Mount continúa alzándose como el cerebro exclusivo del proyecto. Tienen permiso para tachar de figurantes al resto de su equipo. “Aunque ahora seamos cuatro no ha cambiado absolutamente nada. Metronomy sigue siendo algo mío desde hace ya unos años. Que el resto influya en mis ideas es prácti-

"Metronomy sigue siendo algo mío desde hace ya unos años" embargo, eso es lo que buscaba para el álbum, ya que todo gira en torno a una fantasía de lo que para mí significa crecer. No en todos, pero en algunos temas sí que reflejo lo que viví y experimenté allí de pequeño. Es mucho más fácil escribir sobre tus propias memorias que partir de la nada”. Puestos a variar su método de trabajo, otro elemento significativo del nuevo Mount radica en que por primera vez se ha animado a pisar un estudio en condiciones.

“Los discos anteriores los compuse encerrado en mi habitación con la única compañía de mi ordenador. Antes, quizás por el formato de las canciones, me conformaba con eso, pero en esta ocasión tenía varias ideas que había que desarrollar en el estudio. Por momentos, como por ejemplo con ‘The Bay’, se estableció una batalla conmigo mismo los primeros días porque me era prácticamente imposible conseguir el sonido que quería. Estas dudas siempre son buenas. Al final, expri-

camente imposible”, comenta entre risas.

Apoyado por su faceta como remezclador para artistas como Goldfrapp, Ladytron o Lykke Li, con tal de “experimentar con estructuras y poder desarrollar futuras ideas”, Mount ha cumplido uno de sus sueños mainstream produciendo dos temas del debut del patito feo de las Girls Aloud, Nicola Roberts. “Desde hace años me apetecía mucho trabajar con Girls Aloud, y acabar haciéndolo con una de ellas se me hace extraño. Es la primera vez que colaboro con una estrella del pop y el balance ha sido genial. He compuesto y producido dos temas, uno que aparecerá en el disco y otro que presumiblemente será una cara B”. Tras hacer lo propio con Sophie Ellis-Bextor, el tiempo dirá si acaba convirtiéndose en el nuevo Richard X. ■ Sergio del Amo

“the english riviera” está publicado por because/warner.

Metronomy Foto Gregoire Alexandre

Iron Maiden

mondoBEATS /16/ Septiembre 2011 · MondoSonoro

EN LA

Óscar Mulero Foto Archivo

MALETA

Óscar Mulero

◗ ¿Cuáles eran tus objetivos cuando empezaste a pinchar: pasarlo bien, ligar, convertirte en una estrella?

Comencé a finales del 89, y la razón inicial fue el ganar un dinero extra para hacerme con una Yamaha RD 350 de segunda mano, en aquel momento no tenía la más mínima intención de dedicarme profesionalmente a ello. ◗ ¿Podrías decirnos alguno de tus discos favoritos que nunca hayas pinchado?

Escuchar distintos estilos de música aunque no sea electrónica es algo que me divierte y aporta mucho, así que según esto hay infinidad de discos que no he podido poner en mi Dj set. ¿Uno de ellos? “From The Lions Mouth” de The Sound. ¿Por qué? Está claro que en mi set de techno no pinta mucho. ◗ ¿Qué crees que es lo peor que puede hacer un Dj mientras pincha?

Posiblemente dejar sin sonido la sala en mitad de tu set… esto es una de las cosas que puede ocurrir cuando empiezas y los nervios se apoderan de ti, o por falta de concentración, en esos casos suele ser común quitar el disco que está sonando en lugar del que tienes en pre-escucha. ◗ ¿Qué odias en otros Dj’s?

No hay nada de otros Dj’s que se me haga tan insoportable como para que llegue a odiarlo. Sí me molestan algunas cosas como que se acerquen a ver que es lo que estoy poniendo en ese momento, y sobre todo que merodeen alrededor mirando la hora para coger el relevo. ◗ ¿Qué importancia le das a que la gente baile más o menos para cambiar la línea de tu set?

Esto es definitivo. El fin del Dj es hacer que la gente baile; si no están bailando con lo que estas poniendo, es que ha llegado el momento de preguntarse el porqué y hacer algunos cambios. ◗ ¿Vinilo o compact disc?

Hace cerca de año y medio que no utilizo el vinilo a nivel profesional, por el contrario sí mucho en casa.

Es el formato que me gusta comprar para escuchar y coleccionar. En cuanto a calidad de sonido, y más aun si tienes un buen amplificador de válvulas, no hay como compararlo con el soporte digital, pero no cabe duda de que el digital está cada vez más presente a nivel profesional. ◗ ¿Estás harto de trabajar por la noche?

La vida de noche solo ocupa los fines de semana.

No me cansa tanto el hecho de trabajar de noche como el tema de los viajes. Esto último es lo que más va pesando conforme pasan los años. ◗ ¿Podrías citarnos a tus Dj’s favoritos?

Hay unos cuantos que me gustan y creo que muchos aún por descubrir, así que no tengo ningún único favorito, pero algunos de los que más me gustan hasta la fecha son Jeff Mills, Aphex Twin, Surgeon, Francois Kevorkian... ■

DIGITALISM

ELECTRÓNICA BIPOLAR Con su reválida, Digitalism no hacen más que confirmar lo que ya intuíamos: que su capacidad para crear hits es inagotable y que siguen siendo una de las bandas más divertidas que ha dado Alemania. Hablamos con Jens Moelle de la colección de temazos que se gastan en “I Love You, Dude”.

P

arece que la Santa Trinidad de la electrónica para las masas ha vuelto a la tierra: primero fueron Simian Mobile Disco con aquel “Delicacies” de finales del año pasado, luego Justice con ese hitazo que es “Civilization” y ahora Digitalism aterrizan de nuevo en nuestras terrenales vidas con “I Love You, Dude”. Nada menos que cuatro años han pasado desde que el dúo alemán publicara su exitoso “Idealism”. “Cuatro años tampoco es tanto tiempo”, se justifica Jence. “Sacamos el álbum en 2007 y estuvimos como dos años de gira. ¡Dimos la vuelta al mundo un par de veces! (risas). Después continuamos haciendo sólo Dj sets para poder estar más tiempo en casa y comprar cosas para el estudio. No fue hasta este último año que tuvimos tiempo para ponernos a escribir cosas nuevas. Tampoco teníamos prisa. No somos como Lady Gaga, que la gente compra su música y a la siguiente semana ya se compra otra cosa. Lo nuestro es más underground: la gente se toma su tiempo para comprarlo y descubrirlo”. Jence, nacido Jens Moelle, se muestra relajado y confiado en el trabajo que ahora presentan. Ni rastro de la presión que a algunos les supone un previo éxito discográfico y de crítica. “Qué va, si ha habido presión ha sido exclusivamente por parte nuestra. Somos muy perfeccionistas y nada nos parece suficientemente bueno en el estudio. Si por nosotros fuera, nunca acabaríamos de retocar las canciones, pero con el tiempo hemos aprendido a decir ‘basta’”. Seguramente parte de esa liviandad y falta de ataduras tenga mucho que

ver con cómo se han planteado este disco.

“Hicimos exclusivamente lo que nos apetecía”, explica Jence. Y el resultado es un disco notable y, como ellos mismos remarcan, “más extremo que el primero: con más rápidas y más lentas, más polarizado”.

Un jugoso álbum en el que el dúo explora con éxito diversos géneros con las miras siempre puestas en la pista de baile: un poquito de electro por aquí (“Antibiotics”), alguna personal aproximación a la música disco (“Stratosphere”), guiños a bajas revoluciones al big beat de gente como Apollo 440 (“Miami Showdown”) y momentos abiertamente poperos como “2 Hearts” o “Forrest Gump”. Precisamente en

está en nosotros”. Y, aunque uno diría que en este álbum la balanza se inclina más hacia la electrónica, ellos confiesan que en su iPod “antes había más techno y ahora hay más indie”. Lo que sigue sin cambiar es que son unos cachondos mentales. Sólo ellos (bueno, ellos o Das Racist) podrían titular un disco “I Love You, Dude”, como un par de amigos a las tantas de la madrugada en plena fase etílica de exaltación de la amistad. “¡Sí! (risas). Aunque lo cierto es que tampoco pensamos mucho en el nombre del álbum, no buscábamos que tuviera un significado profundo. Nos gusta hacer tonterías y sorprender a la gente, y creo que este título es totalmente inesperado.

Cuando lo lees, no sabes qué te vas a encontrar en el álbum: es perturbador y divertido”. Aunque para divertidos, los temas que contiene: hits directos, empaquetaditos para desparramarlos directamente sobre la pista, pero que no pierden fuelle escuchados en casa dentro de la lógica del disco. Esta

"Nosotros somos bastante bipolares, como Charlie Sheen" este último tema contaron los teutones con una colaboración de lujo: la del frontman de The Strokes, Julian Casablancas. “Fue genial porque en aquel momento él estaba con la promoción de su disco en solitario y pensábamos que nos mandaría a tomar por culo, pero qué va: sacó un rato para grabar una idea de unos pocos segundos y nos la envió”. Esta colaboración evidencia la marca de fábrica de Digitalism, una banda con el corazón dividido entre la electrónica y el rock “Bueno, es que nosotros somos bastante bipolares, como Charlie Sheen (risas). Tenemos una parte indie y una parte electrónica, y no creo que ninguna de las dos vaya a vencer nunca a la otra: siempre seremos una mezcla de ambas,

cohesión, no obstante, tiene más de casual que de premeditada. “Nosotros escribimos tema por tema, por separado. En nuestro primer disco sí que había un par de canciones que sabíamos que tenían que ir exactamente en ese orden concreto en el álbum, pero esta vez sólo teníamos los temas, sin tracklist ni ninguna idea global. Lo único que teníamos claro es que no queríamos alargar innecesariamente ni el conjunto ni los temas: si quieres escuchar lo mismo, ve hacia atrás y dale al play otra vez”. ■ Virginia Arroyo

“I LOVE YOU, DUDE” está publicado por V27MUSIC AS USUAL.

Digitalism Foto Archivo

Es uno de los nombres imprescindibles de nuestra escena electrónica.

Lo lleva siendo muchos años, pero ahora, tras la edición del doble álbum “Grey Fades To Green” (Warm Up/ Triple Vision, 10), merece toda repercusión más que nunca.

MondoSonoro · Septiembre 2011 /17/

mondoFREAKO

In Flames Foto Archivo

IN FLAMES

RESTOS DE UN INCENDIO Podrá gustarte más o menos su evolución, pero no cabe duda de que In Flames ha sido la banda más popular de su estilo y generación.

Ellos pusieron el death metal sueco en el mapa. Su último “Sounds Of A Playground Fading” (Century Media) tiene todos los puntos para reanimar el debate. Este mes lo presentan en nuestro país.

“

No planificamos nuestra música, tocamos con el corazón y el alma.

Todo nace de las emociones y las atmósferas… lo que sientes en cualquier momento te puede inspirar”, me comenta el cantante Anders Fridén a través de Skype. “No buscamos sorprender a los fans, no hay una intención de cambiar simplemente por el hecho de cambiar, aunque intentas que el nuevo material no sea una copia exacta de lo que ya has hecho en el pasado. Sólo queremos escribir buena música”. Su discurso, por muy honesto que suene, recuerda sospechosamente al de otras bandas dadas a los cambios, como sus admirados Metallica en los noventa, o el caso reciente de formaciones como The Haunted o los hasta ahora prácticamente intocables Morbid Angel, cuyos últimos trabajos han sacudido la escena metálica más o menos underground. “En nuestro caso, nunca hemos cambiado drásticamente, la evolución ha sido progresiva. Si hubiéramos saltado de ‘Lunar Strain’ al sonido actual, entendería el revuelo. Siempre intentamos

hacer el mejor disco posible de In Flames.

Es muy difícil escribir música para la gente, no es música hecha con el corazón”. Parte de la evolución de su sonido, reconoce Fridén, tiene que ver con los cambios de estudio. Quizás por ello, sus dos últimos trabajos, grabados ambos en sus propios IF Studios, suenan parecidos. “Esta vez nos hemos esmerado más que nunca en el sonido y hemos enfocado el disco como un todo completo, con una misma dinámica y un buen flow. También hemos trabajado más en la preproducción y con las primeras demos”. Con todo, “Sounds Of A Playground Fading” recupera algo del pulso y mayor variedad de su anterior “Come Clarity”. Contiene también algunas sorpresas llamativas, como la partes habladas de “Jester’s Door”. “Tenía una serie de palabras y frases escritas en un papel. Estaba tocando la melodía en un pequeño órgano y se me ocurrió que era una buena manera de darles salida. Es un buen pasaje que marca un punto especial en el disco. Es muy importante para el álbum como uni-

dad”. Por su parte, “Liberation”, haría rasgarse las vestiduras a muchos de sus desertores. Una power ballad a lo In Flames. ¿Lo más accesible que han grabado nunca? “Nació como parte de otra canción, pero al dar forma a los acordes se convirtió en una pieza autónoma. El resultado tiene mucha fuerza y es muy vital. Juega un papel básico al final del disco”. Al margen de lo musical, son días convulsos para los miembros de In Flames. A finales de julio se vieron forzados a dejar a medias su gira americana y su participación en el Mayhem

contra la adicción al alcohol sigue sin dar frutos y eso no era compatible con estar en la banda. Tampoco hay que olvidar al resto del grupo, cada uno de ellos es muy importante para el sonido de In Flames”.

Entre las buenas noticias tenemos que el disco, su debut con Century Media, ha sido número 1 en Alemania y número 41 en España, en ambos casos por primera vez en la historia del sello. No es para nada un mal inicio. “Conocía su trabajo y sabía que eran buenos en lo suyo.

Es muy pronto para sacar conclusiones,

"Nunca hemos cambiado drásticamente, la evolución ha sido progresiva" Tour por enfermedad grave de un familiar cercano –se mantienen, sin embargo, sus fechas para este otoño, incluyendo su paso por nuestro país-. Por otra parte, su guitarrista Jesper Strömblad ya no participó en la grabación de su último disco como consecuencia de sus problemas con el alcohol, con lo que el grueso de la composición ha recaído en Björn Gelotte. Niclas Engelin, viejo conocido de la banda, le sustituye en directo. “No ha afectado tanto a la música. Björn y yo llevamos muchos años trabajando juntos, en nueve de nuestros diez discos. Jesper es una buena persona, sigue siendo un gran amigo, pero su lucha

pero hemos empezado con buen pie”. Un logro notable para un disco sobre la muerte y los cada vez más escasos rincones vírgenes del planeta. Aunque Anders no ahonda demasiado en el tema. Tendrá razón Björn cuando dice que nunca les explica claramente de qué van sus letras… “Siempre lo hago, ¡pero son demasiado estúpidos para entenderlas! (risas)”.

■ David Sabaté “Sounds Of A Playground Fading” está publicado por Century Media. In Flames estarán el 14 de septiembre en Santiago, el 16 en Madrid, el 17 en Bilbao y el 18 en Barcelona

/19/ Septiembre 2011 · MondoSonoro

The Drums Foto Archivo

entrevistaS

the drums

razones para el cambio Los autores de uno de los mejores discos del pasado 2010 para esta publicación han hecho los deberes y presentan un año después “Portamento”, su continuación. Un segundo largo que es en esencia sonido The Drums en estado puro, pero que al tiempo ofrece pistas sobre un futuro posible que desdice a los agoreros.

A

Jonathan Pierce le conocemos por su faceta como frontman sobre el escenario. Él es ese chico amanerado, gesticulante y con voz engolada que parece obsesionado por convertir cada concierto de The Drums en una experiencia única, y cuyo empeño le hace en ocasiones -cuando tanta pasión resulta sobreactuada- rozar el ridículo. La imagen que cada uno de nosotros nos hemos ido formando de él, supongo que bastante parecida, la terminamos de completar cuando lo encontramos en las páginas de cualquier revista de tendencias, entre escaparates de moda firmados por los fotógrafos más afamados del momento. “Soy consciente de que la atención del público en un tiempo en el que hay tantísimas novedades es poca. Hoy eres la banda más cool del año y al siguiente no le interesas absolutamente a nadie. Frente a eso lo único que puedes hacer es respetarte a ti mismo y hacer la música que amas. Es la única forma de dormir tranquilo. Fue lo que me enseñó la experiencia con mi grupo anterior, Elkland”. Uno de esos fotógrafos, Hedi Slimane, publicaba recientemente en su web entre instantáneas de Amy Winehouse y Frances Bean Cobain unas preciosas fotografías de Jonathan y Jacob. Les mostraba en casa, trabajando en la grabación de uno de sus temas, absortos y más próximos a nuestra idea preconcebida de lo que es un maniático del estudio que de esa frívola popstar condenada a un declive tan rápido como meteórico fue su ascenso. Ajenos a la cámara, sin fijarse en el objetivo y absorbidos por su ac-

tividad entre cables y conectores cannon y jack, en las fotografías se intuyen dos personalidades que tienen poco que ver con los retratos mentales que nos habíamos hecho de ellos.

P

ero el mundo de la música aún guarda unas cuantas lecciones de vida para The Drums. Una de ellas, cara amarga del éxito, tuvo lugar cuando hace ahora justo un año Adam Kessler decidió abandonar la banda agotado por el ritmo de conciertos y compromisos promocionales. Jonathan dice que The Drums ocupa el ciento diez por ciento de su vida y eso era algo que Adam, como muchos otros en su lugar, simplemente no podía soportar. “Llevábamos un año tocando sin parar y un día llegó y nos dijo que no quería seguir. Adam es un viejo amigo, crecimos juntos, así que su marcha fue algo raro que nos deprimió bastante. Para combatir la decepción el día después de que dejara el grupo empezamos a escribir las canciones del nuevo álbum. Durante el siguiente mes y medio grabamos quince temas de los que finalmente en el disco han sobrevivido doce”.

Reconvertidos en trío, se volvieron a encerrar en casa -“el principal cambio fue que (sonrisa cómplice) mientras que el disco anterior lo grabamos en el dormitorio de mi casa, esta vez trasladamos el estudio a la cocina”- para intentar dar un paso adelante que sin traicionar el sonido característico del grupo, les sirviera para no estancarse. “Hay miedo a permitir a alguien formar parte de la toma

de decisiones del grupo. Las ideas detrás de The Drums son sencillas y no estoy demasiado interesado en que deje de ser así. Siempre he admirado a esas bandas que cuentan con un sonido consistente a lo largo de sus carreras, que publican discos sólidos durante cinco o diez años sin necesidad de reinventarse constantemente.

Dicho esto, también es verdad que en ‘Portamento’ los sintetizadores tienen mucho más peso que en el disco de debut y no descarto que el siguiente pueda ser al completo un disco de tecno-pop. ¿Por qué no?

niño. La portada de ‘Portamento’ es una fotografía de cuando era crío, con unas manchas rojas en los ojos que me dan apariencia de estar poseído. Quiero a mis padres, pero creo que para ellos yo siempre he sido una especie de demonio porque nunca me conformé con lo que ellos deseaban para mí”. Desde el mismo instante en que The Drums saltaron a las portadas de la prensa musical y de tendencias con la ya famosa “Let’s Go Surfing”, Jonathan Pierce se convirtió en un icono dentro de la comunidad gay.

Sin embargo, no ha sido hasta ahora que, en las

“Hoy eres la banda más cool del año y al siguiente no le interesas a nadie” Cuando Jacob y yo nos conocimos éramos muy fans de Wendy Carlos, Kraftwerk y Jean Michel Jarre y llevamos toda la vida jugando con los sintetizadores, de hecho a nosotros lo que nos resultó novedoso cuando fundamos The Drums fue componer canciones con guitarras”.

“

Portamento”, término musical que se refiere a la transición desde un sonido agudo a otro más grave, incide en ese cambio. Pero en su metafórico simbolismo, por encima de todo apunta hacia otra mutación mucho más importante que ha tenido lugar en la personalidad de Jonathan durante este último año. Un hecho clave que surge en la conversación cuando le pregunto hasta qué punto estaba predestinado a convertirse en una estrella del pop. “Lo cierto es que cuando era joven quería ser estrella de cine. De hecho… en realidad quería hacer cosas que me hicieran sentir lejos de mi realidad, porque odiaba todo lo que me rodeaba cuando era

múltiples entrevistas que le hemos podido leer, ha tratado de cuestiones extramusicales que afectan a su labor como compositor. Hasta hoy la música, su pasión por los oldies o los clásicos del sello Factory le había servido de cortina tras la que esconderse públicamente. “Estaba a la defensiva, me protegía y no era consciente de que lo estaba haciendo. Ha sido en este último año que me he sentido liberado para hablar abiertamente de todo esto. Y es por eso que me siento muy satisfecho de este disco y de su título, porque el cambio que he llevado a cabo en mi interior ha sido casi mágico: a mis veintinueve años al fin me siento satisfecho con lo que soy y estoy haciendo, puedo escribir canciones que hablan sobre mi vida, sobre cómo fue y también sobre lo que está siendo”.

■ Luis J. Menéndez “Portamento” se publica el 5 de septiembre vía Moshi Moshi/Music As Usual. The Drums estarán en Madrid (Heineken Music Selector) el 1 de septiembre.

entrevista /20/ Septiembre 2011 路 MondoSonoro

the rapture

reconquistando la gracia

MondoSonoro · Septiembre 2011 /21/

Han pasado cinco años desde la publicación de “Pieces Of The People We Love” (06), su último trabajo de estudio, y en el camino The Rapture han estado al filo de la disolución si no directamente hechos pedazos. “In The Grace of Your Love” marca un nuevo inicio para un grupo que había perdido de vista sus orígenes y que ahora vuelve a disfrutar de lo que importa: hacer grandes canciones.

H

an sido unos años raros en el seno de The Rapture y, a pesar de que el batería Vito Roccoforte insiste en que “In The Grace Of Your Love” no es un disco de retorno, la salida del grupo del bajista Matt Safer, el tiempo transcurrido desde la edición de su último álbum y las vicisitudes que ha tenido que superar el conjunto neoyorquino para llegar vivo a la edición de su cuarto trabajo de estudio, alientan a considerar este nuevo disco como un nuevo comienzo. “‘In The Grace…’ supone cerrar el círculo: hemos vuelto a nuestros inicios, a cómo eran las cosas cuando empezamos con el grupo y a disfrutar de hacer canciones y de estar en una banda, más que preocuparnos por los

igual que llenes estadios o vendas millones de discos, porque seguirás siendo infeliz”. De lo que se trata, explica Roccoforte, es de disfrutar del proceso de creación, sentirse satisfecho con el trabajo bien hecho.

“A eso me suena ‘In The Grace Of Your Love’”, explica: “a una banda divirtiéndose de nuevo haciendo música”.

A

diferencia de “Pieces Of The People…”, en el que las labores de producción se repartieron entre Ewan Pearson, Paul Epworth y Danger Mouse, en esta ocasión todo el trabajo ha recaído en las manos del francés Philippe Zdar (Cassius), quien venía de colaborar en el último disco de

“Ahora nos sentimos más libres de hacer lo que nos dé la gana” resultados y las recompensas”. “Nosotros veníamos del punk”, prosigue. “Tocábamos en el salón de la casa de algún desconocido y salíamos hacia el siguiente concierto en la siguiente ciudad, sin ganar un céntimo y organizándolo todo nosotros mismos desde una cabina de teléfonos.

Era cuando no había móviles ni Internet.

Ahora parece algo muy lejano, pero de eso hace apenas diez años. En esos momentos nuestro mayor sueño era tocar en Europa y fantaseábamos con vivir de la música. Cuando apareció ‘House Of Jealous Lovers’ y ‘Echoes’ (DFA, 03), en cuestión de meses todos esos sueños se hicieron realidad de repente. No hay nada de malo en ello, de hecho es algo increíble, pero sin darte cuenta empiezas a sustituir tus viejos sueños por otros mucho más estúpidos y vacíos como entrar en las listas de ventas, ser el número uno, vender miles de entradas… Y nada de eso significa una mierda, nada de ello te va a satisfacer completamente, nunca serás feliz. Yo no me metí en la música buscando eso”.

The Rapture Foto Archivo

F

ue en esas circunstancias, las de un grupo que ha perdido de vista porqué hacían lo que hacían, en que las relaciones entre los miembros de la banda empezaron a resquebrajarse. Safer decidió abandonar cuando The Rapture ya habían empezado a componer las canciones del nuevo disco, retrasando todavía más una producción ya de por sí larga, teniendo en cuenta que una parte de estos años los invirtieron en construir su propio estudio en Nueva York. “Cuando estás en un grupo las cosas se pueden volver realmente disfuncionales. Matt era infeliz, así de simple. Y cuando eres infeliz da

Phoenix. “Ya estuvimos a punto de trabajar con él en ‘Pieces Of People…’, pero por alguna razón la cosa no cuajó. Al principio no parecía muy por la labor, porque tenía mucho trabajo, pero en cuanto oyó las maquetas que le enviamos nos llamó entusiasmado”. La decisión de trabajar con un solo productor ha terminado por darle a este trabajo la cohesión de la que carecía su antecesor y un toque unitario a un álbum que ya de por sí seguía una clara línea argumental:

cuaderno, más bien deja que las palabras fluyan”. La melancolía no es algo nuevo en la música de The Rapture, pero en este disco hay algo que no estaba en los anteriores: una tristeza más profunda y humana, ya no canalizada a través de la angustia sino por la nostalgia.

Contribuye a esa sensación el hecho de estar ante una colección de temas imponente, no ya desde el punto de su efectividad en la pista, también a nivel emocional. De alguna forma, son más canciones. “A medida que te haces mayor vas ganando experiencia y compones mejores canciones. A veces eso no tiene ninguna importancia porque también pierdes frescura, pero creo que hemos conseguido que el disco no se resienta, jugando con nuevas influencias y con una aproximación nueva. Y tienes razón en que no es un álbum bailable en el sentido más evidente del término, aunque la energía sigue estando allí. Por ejemplo, el ritmo de ‘In The Grace Of Your Love’ va a cien bpm, es quizás la canción más lenta que hayamos compuesto nunca, pero incluso a ese ritmo, cuando la estrenamos hace unos meses en Australia, la gente se volvió loca”.

P

recisamente de Australia proviene uno de los dos sellos encargados de poner en circulación el disco, Modular. El otro es DFA, otro detalle que contribuye a cerrar el círculo: el sello en el que publicaron la canción que les convirtió en los profetas del revival dance-punk a principios de la pasada década, tras experiencias varias etiquetas. “Nunca nos molestó demasiado que nos metieran en ese saco. No puedes controlar estas cosas, así que no tiene sentido preocuparse. Sí es cierto que ahora nos sentimos más libres de hacer lo que nos dé la gana”. En general, da la impresión de que The Rapture nunca habían tenido tanto control so-

“Ser el número uno, vender miles de entradas… nada de eso significa una mierda” el amor y la pérdida. La foto de portada de “In The Grace Of Your Love” muestra al padre de Luke Jenner, cantante y guitarrista del grupo, sobre una tabla de surf, surcando una ola con los brazos en cruz. Se trata de una imagen a la vez extrañamente melancólica y vitalista y que refleja perfectamente el carácter del disco.

“Muchas de las canciones hablan de la familia de Luke. Su madre murió mientras estábamos de gira y creo que buena parte de las canciones están dedicadas a ella. A nivel lírico se trata de un disco muy personal. Además, Luke escribe de una forma muy peculiar, semiinconscientemente. De hecho, para la canción que da título al disco y que para nosotros es el tema central, una de las primeras que compusimos, grabó las voces a la primera a partir de una idea que tenía, improvisando la letra y así es más o menos como ha quedado en el disco. Fue algo increíble. No es la clase de cantante que se pase el tiempo anotando frases en un

bre sí mismos y lo que sucede a su alrededor.

A partir de aquí, habrá que ver en qué medida esto modifica el habitual ritmo de trabajo de la banda, que en doce años ha publicado apenas cuatro largos. “Es cierto, no es demasiado”, se ríe Vito Roccoforte. “Lo que sucede es que no componemos mientras estamos de gira y siempre hemos sido una banda que toca mucho en directo. Estaremos seguro un año y medio de tour y luego supongo que nos tomaremos un descanso.

Pero espero que no vuelvan a pasar cinco años”. Y vuelve a reírse. De hecho, Roccoforte se ha reído durante casi toda la entrevista.

Eso debe de significar algo, sobre todo cuando conversas con el batería de un grupo que ha estado al borde de la autodestrucción.

■ Joan Cabot

“in the grace of your love” está publicado por dfa/music as usual. the rapture estarán el 22 de noviembre en barcelona (razzmatazz)

entrevista

THE RAPTURE “In The Grace Of Your Love” DFA/Music As Usual ROCK

1111

El nuevo álbum de The Rapture es una vuelta atrás en diversos aspectos.

Los neoyorquinos trabajan de nuevo al amparo de DFA, sello que ya les acogió tras sus días en Gravity y Sub Pop. La espantada de Mattie Safer, elemento imprescindible durante los últimos años para el grupo y ahora en solitario, otorga de nuevo todo el poder a Vito Roccoforte y Luke Jenner (al tiempo que vuelve a ser un trío, con el siempre periférico Gabriel Andruzzi aun en plantilla). Y es un retorno al pasado también en su sonido. The Rapture no se retuercen sobre si mismos para volver a los tiempos ariscos de “Mirror” (99), sino que echan mano de sonidos más funk, más disco, más pop, incluso soul (“It Takes Time To Be A Man”) convirtiendo “In The Grace Of Your Love” en un disco en el que conviven los últimos setenta y los ochenta fundamentalmente, sin dejar de ser un álbum totalmente actual. Y sobre todo muy bueno. The Rapture superan con él sus últimos años de oscuridad, grietas y vacío. Cinco años para tomar aire y plantarse de nuevo en el mundo de los vivos con un puñado de canciones que supera de largo a “Pieces Of The People We Love” (06).

Podríamos considerar que la ayuda de Philippe Zdar (Cassius) ha devenido fundamental para que su sonido sea más accesible –aviso, y mucho más comercial- que nunca, pero no insistiré demasiado en ello porque lo realmente fantástico de “In The Grace Of Your Love” son sus canciones, su vitalidad, sus estribillos, lo contagioso de cada una de las partes vocales de Luke Jenner (en ese sentido prácticamente no falla ningún tema, desde la titular a la pieza más post-punk del conjunto, “Can You Find A Way?”, pasando el bailable single “How Deep Is Your Love”, “Sail Away”, la caribeña “Come Back To Me” o “Children”), ese ritmo que aparece y no se despide de nosotros en todo el disco, mutando en diversos estilos y sobre todo haciendo de este retornos con The Rapture uno de esos reencuentros por los que vale la pena tener paciencia. Joan S. Luna

Justice Foto Adrian Boot

entrevista /22/ Septiembre 2011 路 MondoSonoro

MondoSonoro · Septiembre 2011 /23/

entrevista

justice

R.O.C.K. Tras cuatro años de retiro existencial después de poner patas arriba las pistas de baile más macarras gracias a hits que aguantan el paso del tiempo, los franceses vuelven con “Audio, Video, Disco”, un álbum menos guerrero en el que rinden pleitesía a las bandas rockeras que toda la vida les han acompañado.

L

legó el momento de volver a lucir la chupa, cargar con la munición en el pecho y reafirmarse como el valor en alza de las pistas de baile de regusto afrancesado. Menos macarras que cuando se convirtieron en la esperanza de la zapatilla hedonista hace cuatro años, Justice se lo han tomado con calma a la hora de gestar este “Audio, Video, Disco” que llegará a los reproductores el próximo 24 de octubre. Sólo en apariencia, su genoma se mantiene intacto.

Pero a lo largo de estos once temas (con lacónico interludio incluido) Xavier de Rosnay y Gaspard Augé han decidido conscientemente rebajar los bpm, transmutar su identidad más que nunca en un cinético paraje de guitarras falseadas y darle la espalda a los singles rompepistas. En definitiva, Justice siguen siendo los mismos de siempre, aunque ya no tienen motivos para rendir tributo a la ultraviolencia del destructivo videoclip de “Stress”. “Nuestro primer disco podría decirse que mostraba una noche en la ciudad

ber”, la última película en cartelera de Quentin Dupieux, o para echarle una mano a su amigo Sebastian en “Total”. Recuperados de trasnocheos varios, no fue hasta hace un año que decidieron engrasar la máquina de nuevo. Aunque un imprevisto demoró algo más si cabe que se pusieran en acción. “Para este disco necesitábamos un nuevo estudio y estuvimos cinco meses metidos sólo en ello. Nunca hemos querido un ingeniero de sonido que nos ayudara. Por esta razón tuvimos que tomarnos nuestro tiempo para probar y toquetear el nuevo equipo que habíamos comprado hasta conseguir el sonido que realmente queríamos”. ¿Acaso la metodología de trabajo ha variado respecto a sus primeras canciones? “La verdad es que no. Seguimos componiendo los temas con un piano o una guitarra. Así de simple. Hasta que no llega ese momento en el que nos gusta lo que primitivamente suena no nos ponemos a

“Seguimos sin entender por qué el primer disco funcionó tan bien” y, ahora, un día de disfrute en el campo.

Desde hace años teníamos en la cabeza hacer un largo como este, cuyo mayor reto fuera que sonara con fuerza pero sin caer en la agresividad de algunos de nuestros primeros temas. El sonido se ha endulzado en esta ocasión”, comenta Xavier de Rosnay, el interlocutor que con su marcadísimo acento francés nos guía por su nueva criatura.

D

esde que de la mano de Ed Banger el dúo se paseara con su cruz (literalmente) sacando a flote un postureo digno de las estrellas del rock (el documental “A Cross The Universe” dio buena fe de ello), de Rosnay sólo ha tenido que madrugar para producir el debut de la banda Jamaica y Augé, por su parte, para ponerle la música junto a Mr. Oizo a “Rub-

producirlas. Afortunadamente, no somos ingenieros de sonido. Siempre trabajamos de un modo muy empírico. Sabemos cómo queremos sonar, pero en ocasiones no sabemos cómo lo tenemos que hacer. Es por ello que nos lo tomamos con mucha calma. Ni mucho menos somos músicos, así que damos rienda suelta a la improvisación e intentamos no impacientarnos lo más mínimo. Como hacer un largo requiere su tiempo, lo mejor que puede hacerse es disfrutar en la mayor medida posible del proceso”, explica de Rosnay durante una vespertina pausa de los ensayos que en breve les volverán a hacer engullir el polvo del asfalto. A la primera escucha de “Audio, Video, Disco” sorprende una cosa: sus referentes rockeros se exhiben más explícitamente que nunca. A saber,

C

“Parade” se vale del bombo de “We Will Rock You”, los primeros segundos de “Newlands” colarían como el riff de un sobado hit de AC/DC y “Ohio” (con la contribución vocal del cantante de Midnight Juggernauts) funciona a modo de tributo a Crosby, Stills & Nash. A pesar de que de todo esto se percatarán hasta los oídos menos entrenados, ellos no ven tal empaque. “Las guitarras no tienen tanta importancia para nosotros por una simple razón: la mayoría de ellas han sido generadas electrónicamente como por ejemplo en ‘Horsepower’, donde nos valimos de un Moog para crear dicho efecto. En otras piezas como ‘Brianvision’ (lo adivinaron, un homenaje a Brian May) la guitarra sí es verdadera, pero es algo excepcional a lo largo del disco. Todas las canciones tienen un punto nostálgico. Pese

nay ante mi absurda sugerencia de que reculen y acerquen “Helix” al Olimpo de los temones quebrantahuesos. “El éxito no nos importa.

Es más, seguimos sin entender por qué el primer disco funcionó tan bien. Lo que a la gente le gusta siempre es un misterio.

Por mucho que le dé vueltas a la cabeza, la receta del triunfo no tiene ninguna explicación ni se puede prever. Lo único que pretendemos es que todo aquel que nos escuche disfrute”.

L

os parisinos se encuentran encerrados estos días en su coqueto nuevo estudio tejiendo los hilos de su directo y amenazándonos con varias sorpresas selladas por la boca.

Si se atreven a incluir una instrumentación al uso sobre el escenario se nos caería todo al suelo.

“Tocamos muy mal y todo el mundo se percataría de ello” a darles un envoltorio idóneo para nuestros días, son como guiños al pasado”, explica la mitad del tándem dando a entender que siguen escuchando la misma música de siempre sin dejarse obnubilar por las tendencias que imperan actualmente en el circuito electrónico.

“

Siendo sincero, no creo que haya muchos hits potenciales en este trabajo.

Los primeros temas siguen la estela de nuestro debut, pero a los pocos minutos damos la bienvenida a nuevos paisajes.

Debe entenderse como un disco progresivo que tendría que escucharse de principio a fin para poder entender su evolución”.

Buena muestra de ello podrá degustarse en el tema homónimo que en unas semanas ejercerá de segundo single tras “Civilization”. “Nuestra música nunca ha sido pensada para las radios, así que no nos supone mucho problema escoger cuál será el siguiente sencillo promocional. Sólo nos dejamos aconsejar por Ed Banger y nosotros mismos en estas cosas. ‘Audio, Video, Disco’ será el próximo single porque nos gustaría editarlo en vinilo con varias remezclas. No nos importa que haya o no vocales, nos movemos por un sentimiento no racional a la hora de tomar estas decisiones”, sentencia de Ros-

“Entiendo por qué lo dices. Sin embargo, la gracia es que no seamos una banda y todo sea mucho más simple y secuenciado a la hora de mostrar la cualidad electrónica de nuestra música. Además, sería muy frustrante que agarráramos una guitarra o nos sentáramos ante un piano ya que los tocamos muy mal y todo el mundo se percataría de ello. Sería de lo más vergonzoso que la gente viera lo ineptos que somos con un instrumento bajo el brazo”, confiesa de Rosnay desmintiendo, ya de paso, aquel rumor que el año pasado corrió por la red en el que se decía que había publicado en Twitter que cabía la posibilidad de realizar un featuring con Lady Gaga. “Ninguno de los dos tenemos una cuenta de Twitter. Alguien ha usurpado nuestros nombres para crearse un perfil falso y lanzar el bulo”. Con la denuncia pública efectuada, Justice tienen la responsabilidad de volver a sacar cera de esa segunda generación french housera que abanderaron en 2008. Como no podía ser menos, las luces de neón se han engalanado con motivo de su esperado retorno.

■ Sergio del Amo

“AUDIO, VIDEO, DISCO” SE PUBLICA EL PRÓXIMO 24 DE OCTUBRE DE LA MANO DE ED BANGER/WARNER.

on su primer álbum y con sus populares remixes (¿hace falta que los recordemos?), el dúo francés Justice llegó lejos, muy lejos. Durante unos meses se convirtieron en uno de los nombres más grandes de la electrónica festivalera y en acreditados sucesores de los grandes maestros, Daft Punk, pero la influencia de los firmantes de “Around The World” o “One More Time” se convirtió con el paso del tiempo en una losa que les impedía volar más alto. Por eso, Gaspard Augé y Xavier De Rosnay (que pueden tener bastante de caraduras, pero poco de tontos) empezaron a potenciar su cara más rock. Su look cada día era más rockero y sucio, sus patillas más largas, sus chaquetas de cuero más raídas, cada día colocaban más pantallas y más grandes en sus conciertos, cada día tomaban una actitud más de rock star (échenle un vistazo al documental “A Cross The Universe” si lo dudan). Y aquí estamos, cinco años después de que todo empezase, con un esperado segundo disco que, si algo hace, es despejar dudas sobre lo que pretenden ser Justice. Así que empiecen a tenerlo claro: Justice quieren ser estrellas del rock, pero del rock, rock. Y algunas de sus canciones bien pueden ayudarles a conseguirlo.

Sin abandonar sus herramientas electrónicas, Augé y De Rosnay apuestan en “Audio, Video, Disco” por un robusto sonido deudor del stadium rock y el hard rock de finales de los setenta o los primeros ochenta. Y si han escuchado ya el disco, sabrán que no bromeo.

Cierto, Daft Punk samplearon las guitarras del “Release The Beast” de Breakwater, pero Justice no juegan a lo mismo. Nada de funk negro, “Audio, Video, Disco” es un disco que suena blanco, un disco de guitarras (casi ninguna es real) con máquinas, un disco macarra, de rítmos machacones, bastante horterón, que despista mucho a la primera escucha, pero atrapa con la repetición. Aquí no encontrarán ustedes referentes cool, guiños de especialistas en bandas ignotas, aquí lo que hay es mucho rock del que no suele estar bien visto. En 2011, Gaspar y Xavier han dado forma a un álbum que bebe, más o menos conscientemente, de AC/DC (“New Lands” y “Helix”), Rage Against The Machine (“Canon”), Goblin (el inicio clásico de “Audio, Video, Disco” o “Horsepower”) o incluso del hair metal y el rock duro comercial de hace treinta años (“On’n’On”), por no hablar del solo de “Brianvision” (el título lo dice todo). Y dependiendo de su background, podrás ustedes escuchar chispas a lo Led Zeppelin, Black Sabbath, The Who, Whitesnake de finales de los ochenta o también Giorgio Moroder, claro. Créanselo, porque la cosa va en serio y encima acaba funcionando. Justice no quieren ser como los demás y han apostado a cara o cruz. Su rollo es el rock. n Joan S. Luna

/25/ Septiembre 2011 · MondoSonoro

Portishead Foto Jose Navarro Arctic Monkeys Foto Carmen Monteagudo

Primal Scream Foto Carmen Monteagudo

The Strokes Foto Carmen Monteagudo

Arcade Fire Foto Jose Navarro

CONCIERTOS

FIB Lugar Recinto Conciertos de Benicàsim Fecha 14, 15, 16 y 17 de julio Estilo varios Público 200.000 personas aprox.

Promotor Maraworld

Todo parece indicar que el Festival Internacional de Benicàssim ha consolidado su nueva etapa del todo con una apuesta decidida por el escenario principal. Una estrategia basada en dotar al festival de los grandes nombres de la escena pop rock internacional del momento. Estrellas que, como Arcade Fire, hicieron gala de su estatus ganador sin decepcionar a nadie, u otras como Arctic Monkeys que desaprovecharon la ocasión para revindicar su posición en el panorama rock con un concierto desigual y titubeante. Por su parte, The Strokes se quedaron a medio camino.

No fue un concierto inolvidable, pero cumplieron con las eternas expectativas que generan, sobre todo al echar mano de un buen número de cortes de su primer disco y envolverse con un aura de chulería intocable. Claro que si la actitud no va acompañada de buena música, produce risa y de momento no hay lugar para la carcajada. El tiempo dirá. Al igual que nos dirá si Portishead serán capaces de mantener el estado de forma ejemplar y milimétrico que demostraron durante su actuación en temas como “Glory Box” “Mysterons” o “Roads” que sonaron con una precisión de relojero suizo sumada a una intensidad contenida y mágica de relumbrón. La misma que alcanzaron pero en circunstancias distintas Primal Scream y Lori Meyers. Los primeros porque, al ejecutar “Screamadelica”, parecieron resucitar ese ‘stoniano’ pacto con el diablo, reverdeciendo de paso unos laureles que remataron en su recta final con “Country Girl”, “Jail Bird” y “Rocks”. Mientras que los segundos conscientes del excelente sonido y dimensiones del escenario principal, supieron sacarle el máximo partido a la oportunidad brindada de demostrar que son una de las mejores bandas de pop hispano y que su cancionero, pese a los resbalones, es digno de jugar en la primera división. Una oportunidad que también supieron exprimir bandas como Layabouts con una correosa y contundente actuación que sorprendió a más de uno el primer día de festival o unos Catpeople que se vaciaron tanto que Adrián, su vocalista, por muy poco se queda ronco.

Pero lo mejor será que vayamos por partes y aunque es imposible glosar las excelencias o decepciones de todos los programados sí podemos afirmar que el jueves las chicas eran las auténticas protagonistas. Russian Red, presentando nuevo álbum con una banda competente, vestidos con un traje que recordaba a esas orquestas de club nocturno, más una Lourdes Hernández que ha madurado artísticamente con “Fuerteventura”, añadiendo a su característi-

co folk de autor algunas pinceladas country en el sonido de las guitarras. Mientras que, por su parte, Julieta Vengas supo despejar las estúpidas polémicas de un plumazo gracias a su clase y tablas.

Las mismas que están atesorando Crystal Fighters en su inacabable gira por nuestro país, y que les llevó a poner patas arriba el FIB Club, con temas como “I Love London”, momento txalaparta incluido, o un “Xtatic Truth” con el que cerraron su actuación.

El viernes se inició con uno de los mejores grupos nacionales de esta edición, Nudozurdo, que con el crepitar de guitarras que saturan el ambiente y temas como “Ha sido divertido” o la genial “El hijo de Dios” demostraron su excelente estado de forma. Por su parte, The Undertones ofrecieron un brillante concierto con multitud de temas conocidos que hicieron las delicias de jóvenes y menos jóvenes. “Jimmy Jimmy”, “You’ve Got My Number” o la infalible “Teenage Kicks” sonaron frescas para disfrute del público.

Herman Dune y Art Brut también demostraron su excelente momento. Los primeros porque saben desplegar ese buen rollo indiscutible que desprenden sus canciones, y porque la melodiosa voz de David tiene ese indefinible punto de enganche que te hace dibujar una sonrisa de lo más idiota en tu rostro. Art Brut fueron todo lo contrario. Un concierto brutote, directo y por todas, en el que las proclamas de su cantante, cual predicador enloquecido, se levantaban sobre incendiarios riffs de guitarra. En el sector veterano, The Stranglers mantuvieron el tipo pese a los cambios en su formación, sonando de manera contundente en temas añejos como “Golden Brown”, “Skin Deep” o ese himno punk que es “No More Heroes”. James Murphy realizó una sesión en la que predominaron los ritmos negros del funk y la música disco que dieron pie a que Friendly Fires fueran un soplo de aire fresco gracias a sus temas más bailables, con el vocalista Ed Macfarlane sudando la camiseta. La verdad es que canciones como “Jump In The Pool” o “Paris” son un aliciente, pero lo es más cuando la banda se entrega, como consiguieron en los minutos finales con la enorme “Kiss Of Life”.

El sábado lo iniciamos con Astrud y el Colectivo Brossa, quienes pese a contar con un sonido que solo llegaba a los que estaban más cerca del escenario, supieron mantener a sus fieles pendientes de cada una de las reinterpretaciones de sus grandes éxitos. Bombay Bicycle Club no anduvieron tampoco muy finos, enredados en un rock difuso y complejo de seguir. Por contra sí

tuvieron un gran sonido Mumford & Sons, cuya propuesta folk rock de raíces británicas requiere de un escenario menos monumental para ser disfrutada como merece, aunque no desentonaron del todo gracias al poderoso timbre vocal descarnado y fuerte de Marcus Mumford que se salió en la épica “Thistle & Weeds”.

Casi a la misma hora, Beirut mostraban dificultades para levantar el vuelo y provocaron más de una deserción al dejar para casi el final sus temas más conocidos, empeñados en presentar su nuevo disco. Arctic Monkeys empezaron a por todas, pero poco a poco se fueron desinflando. Protagonizaron un show con demasiados altibajos cuando deberían haber ido a piñón, sacando la apisonadora. Quizás la culpa la tiene un repertorio que es celebrado por sus fans cuando se centra en el primer disco (“I Bet You Look Good On The Dancefloor”, “When The Sun Goes Down”), pero cuya reacción baja en los temas del tercero (“Crying Lightning” o “Pretty Visitors”), mientras que los de su último trabajo no acaban de funcionar todavía como debieran (el single “The Hellcat Spangled Shalala” pasó bastante desapercibido al igual que “Brick By Brick”), así que posiblemente sea una cuestión de rodaje y tiempo.

El primer grupo que justificaba el domingo la excursión hasta el recinto era Antònia Font a los que aconsejo de todo corazón pasar mucho más tiempo en el local de ensayo. Mira que tenían toda la predisposición del público para salir airosos del bolo, pero no. Aquello no sonaba conjuntado ni con cola, todo lo contrario que Noah & The Whale, que podrán gustar más o menos (a los ingleses inexplicablemente mucho), pero al menos tenían cierta solvencia sobre el escenario. Otra cosa fueron Veronica Falls, banda que, aunque técnicamente pésimos, mostraron el júbilo de saberse en un festival donde no cuadraban pero en el que pensaban disfrutar. Con un sonido más cercano al anorak pop y bastante timidez, se ganaron el corazoncito de la escasa parroquia que se acercó a verlos. Claro que tras la ya comentada demostración de Portishead, Arcade Fire hicieron el concierto por el que será recordada esta edición de Benicàssim. Mucho más compactos y hechos en la carretera que en su concierto en el Sant Jordi de Barcelona de hace unos meses, presentaron una elegante escenografía, basada en las marquesinas de los viejos teatros de varietés, unida a unas consistentes proyecciones que aderezaron el despliegue instrumental del multitudinario combo. Se les vio con ganas y entregados. Tanto que en su despedida con “Wake Up” y “Sprawl”, se le erizó el bello hasta al más insensible (con loca escalada por una de las torres del escenario incluida), demostrando por qué se han convertido en la banda más importante de esta nueva era. Ahí es nada. Israel Sánchez, Carlos Ciurana y Don Disturbios

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CONCIERTOS /26/ Septiembre 2011 · MondoSonoro Primus Fotos Ionpositivo

AZKENA ROCK FESTIVAL Sala Recinto Mendizabala (Vitoria-Gasteiz) Fecha 23, 24 y 25 de junio Estilo rock Público 55.580 Promotor Last Tour International

Brian Setzer

Ozzy Osbourne

Los navarros Bizardunak abrieron la tarde del jueves en la jornada más masiva de la historia del Azkena Rock, cagándose en el 15 M, reivindicando la lucha de clases y combinando la mala ostia de The Pogues y el jolgorio de The Dubliners con la misma intensidad. Eels aparecieron en formato de semi big band, y Mark Oliver Everett no frunció ni un segundo el ceño a pesar del cartel de día al que le tocó sumarse. Con su bipolaridad dirigida hacia el lado optimista, Everett y sus uniformados (e hirsutos) músicos dejaron corto el manido adjetivo ecléctico. Un diez.

Black Country Communion es un supergrupo sin sinergias, como suele ocurrir en estos casos, que construyen un muro de sonido demasiado, ejem, enladrillado. The Cult mostró a un Ian Astbury encortisonado que, al grito de “campeones, oe oe oe” (¿?) gozó de decibelios, pero de poca efectividad. Lavadoras con un centrifugado más rítmico que el de un Rob Zombie fagotizado por su personaje las hay, que las he escuchado, y Ozzy Osbourne se respaldó en su leyenda para no caer en la caricatura.

Aunque ni tan mal. Pero peor que Kyuss Lives!, quienes sorprendieron hasta a los más alejados estéticamente del stoner. Su formación casi original no dilapidó tan importante legado.

El viernes, la resaca del día anterior se empalmó con The Riff Truckers, la gran esperanza del rock and roll sureño del sur de Euskadi, valga la redundancia. Nerds bizkainos, de polvorientas y etílicas guitarras, merecen llegar alto.

Blue Rodeo tienen un gusto excepcional construyendo canciones, dosificando los cambios, y aunque se decantaron por los temas más largos y atmosféricos, tienen en la melodía otro de sus fuertes, aunque no lo demostraron.

Reverend Horton Heat se sigue quedando a medio gas, al contrario de unos Atom Rhumba cada vez más sexualmente agresivos y crecidos ante la masa. Cheap Trick eran plato muy esperado de degustar, y supieron añejos y actuales al mismo tiempo, a cuenta de unos himnos imperecederos (desde “Surrender” a “Dream Police”) que se defienden solos. Guitarras de cinco mástiles y bromas aparte, se han sabido mantener al paso de los años. De lo mejor de la jornada. Bad Brains aguantaron como pudieron el tipo, Primus pecaron de analíticos y por ende, monocordes, y al directo (y a su técnico de sonido) de Queens Of The Stone Age no le tose nadie en la actualidad. El adjetivo de inefable del día se lo adjudicamos al blues metal de Clutch.

New Bomb Turks tuvieron un horario demasiado temprano en una tarde de sábado para llegar a más gente y por tanto, comprobar colectivamente que el estado mental de Eric Davidson sigue siendo preocupante. The Avett Brothers fueron aplaudidos y vitoreados gracias al encanto de los propios hermanos, a rasgar el folk como si fuera rock duro, encandilar con medios tiempos sublimes, empalmar el country con el rock and roll y salir airosos en cada una de las canciones. La gente sonreía y, a mi lado, una chica lloraba. Si los conservadores hermanos de Carolina del Norte fueron la sorpresa, el público de Band Of Horses iba sobre seguro, y así transcurrió el recital.

Sobrios pero no tanto, cumplieron trámite con “Laredo” para dejar claro que “Is There A Ghost” o “Funeral” te ponen la piel de gallina, como en el disco. Gregg Allman atrapó por momentos la magia de los ambientes del blues rock folk de su pasado; Bright Eyes pudieron mejorar un show que no llegó a las expectativas creadas por el genio de Conor Oberst, muy al pesar de quien esto firma; Brian Setzer’s Rockabilly Riot rozó el notable, sobre todo en la segunda parte con Slim Jim Phantom aporreando temas de Stray Cats y Paul Weller, flemático y contenido, se va sumergiendo con más facilidad en las pantanosas aguas del AOR. Mejores ocasiones para verle ya ha habido, sobre todo cuando no está en piloto automático. Álvaro Fierro

Moby Foto Javier Rosa

electromar Lugar Recinto de los Narejos (Los Alcázares, Murcia) Fecha 29 y 30 julio Estilo pop, rock y electrónica Público 22.000 personas aprox. Promotor Electromar

Doble o nada, así se presentaba la cuarta edición de Electromar. Dos jornadas, una selección musical más variada y un nuevo recinto que fuera capaz de abarcar la expectativas de público que, por lógica, debían duplicarse. Digamos que el balance es bastante favorable.

En lo artístico visto lo visto, ha sido un notable éxito y el papel ha estado a punto de agotarse, lo que certifica que Electromar ha experimentado ese crecimiento. La quinta edición del festival murciano arrancaba sin el completo convencimiento de que iba a ser una noche memorable. Una incógnita que debía despejar la estrella de la noche y de la edición de este año, Moby. El neoyorquino suele jugar al despiste en sus conciertos, eso unido a la linealidad de su último disco nadie se podía imaginar un espectáculo vibrante, donde repasó todos su hits, de “Porcelaine” a “Extreme Ways”, o lo que es lo mismo de “Play” a “18”. Una puesta en escena orgánica, donde destacó la voz negra de Shayna Steele y un concepto audiovisual impecable. Ataviado con una camiseta de “Democracia Real” y chapurreando español bien pudo salir a hombros de Los Alcázares. La otra apuesta de la noche, por lo menos para el que suscribe, eran los londinenses Foreign Beggars, pero su pólvora de grime y electro se mojó en un sonido que no les acompañó y evitó que cortaran una oreja que por actitud ya tenían en el bolsillo. Los que sí aprovecharon la torre sónica del escenario Electromar fueron Cyberpunkers.

Los italianos pusieron boca abajo a un público “desatao” con su ruidoso electro punk. En el apartado patrio, Varry Brava fueron los encargados de abrir el festival –con sol en el horizonte todavía- sin que

por ello perdieran su divertida actitud disco y Delorean, cuyo oficio quizá hubiera dado más de si en la madrugada. También se puede decir que The Leadings tocaron a deshora, pero alguien tenía que empezar la jornada del sábado y eso no achantó ni un pelo a los murcianos. Supersubmarina venían de la otra punta del país (el día anterior tocaban en Santander) pero los andaluces se realimentaron con sus nuevos temas para, una vez arriba, rematar ante el delirio de las primeras filas con “Electroviral”, “Supersubmarina” y la histórica “Cientocero”. Cortésmente el Chino dio paso a sus hermanos mayores, Lori Meyers, que de uniformado negro riguroso –Alfredo el batería ponía el contrapunto blanco- y corbata fina, se posaron en ese majestuoso escenario con la convicción de que son una banda grande. En su caso esa grandeza la da un repertorio capaz de unir en una secuencia “Dilema”,”Luciérnagas”, “Explícame” y “Luces de Neón”. Noni ejerció de altivo frontman silueteando al borde del escenario al tiempo que arengaba a la marea murciana que no tenía descanso entre tanto hit. Tanto se ha hablado del contenido electrónico de su último disco que no dudaron en aprovechar su presencia en Electromar para despedirse con una apoteósica autoremezcla de “Mi realidad”. Como solapa entre ese pop del siglo XXI y la electrónica culta, 2020 Soundsystem, la formación del Ralph Lawson llevaron al directo ese acercamiento que hace el Dj británico entre el electro y la música puramente de canciones. El público se lo tomó como un ejercicio de calentamiento para evitar tirones musculares con lo que se avecinaba. Y es que con 2Many Dj’s llegó la fiesta.

Los reyes del bootleg provocaron al personal con remezclas de Motörhead, Kiss o Aretha Franklyn y como viene siendo habitual en sus sesiones por la costa mediterránea no faltó el gran Chimo Bayo.

La explosión de confeti y la invasión de pelotas luminosas hizo que el público que rozaba las veinte mil personas triturara el pedregal del escenario principal. Después de esto, que The Zombie Kids la liaran parda en el escenario Barceló y que a las nueve de la mañana hubiera todavía quince mil personas bailando en el recinto entraba en lo previsible. Concluyendo, se puede decir que tras el salto, Electromar ha caído de pie. Arturo García

MondoSonoro · Septiembre 2011 /27/

CONCIERTOS

Love of Lesbian Foto Alfredo Arias

FESTIVAL LOW COST Lugar Ciudad Deportiva Guillermo Amor (Benidorm, Alicante) Fechas 21, 22 y 23 de julio Estilo diversos Público 45.000 personas aprox. Promotor Low Cost

SANTANDER MUSIC Sala Campa de la Magdalena (Santander) Fecha 22-7-11 Estilo diversos Público lleno Promotor Mouro Producciones

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Esta edición del Santander Music arrancó en el nuevo Escenario Santander, lo que permitió que el jueves contara con conciertos más atractivos que en ocasiones anteriores. Abrieron Tulsa, como dúo y en acústico, un formato en el que sonaron planos y monótonos. Mucho más entretenidos estuvieron Betacam, el proyecto del torrelaveguense Javier Carrasco. Reconvertidos en trío, empezaron con un sonido guitarrero para pasar después a un electro-pop que sorprendió gratamente. El Columpio Asesino salieron a matar. Subieron a Pixies y a Suicide en el stuka de Primal Scream y bombardearon el auditorio con bilis y electricidad malsana, en lo que terminó en una de las mejores actuaciones que les he visto.

El viernes, Polock pusieron fondo sonoro a la entrada del público al recinto. The Pains Of Being Pure At Heart tienen una colección de canciones que dejan en evidencia a artistas con carreras mucho más dilatadas que la suya; por desgracia, sobre el escenario quedaron desganadas. Empieza a ser preocupante la incapacidad de estos neoyorquinos para sonar como tienen que hacerlo. Mando Diao no vinieron para repartir guitarreo ni baile, o al menos no tanto como en otras ocasiones. Acompañados de un piano y un cuarteto de cuerda, los suecos repasaron lo mejor de su carrera en un recital elegante pero al que le faltó sangre. Mucho más enérgica y sucia fue la actuación de los británicos Crystal Fighters. Lo suyo es una exhibición de poderío que pese a recurrir a trucos un tanto verbeneros

consiguen que estos funcionen y así llevar el desmadre a la campa. Eso sí, a estas alturas también convendría que alguien les enseñara cómo se toca la txalaparta. No consiguió una respuesta tan unánime del público la propuesta de El Guincho; en cualquier caso, el canario hila mucho más fino que los anteriores, y aunque la tosca sonorización borró muchos recovecos de sus canciones, no impidió que pudiésemos disfrutar de uno de los directos más complejos e inclasificables del panorama actual. El sábado, Hola A Todo El Mundo se llevaron el título a la indumentaria más cantosa del festival con sus disfraces de superhéroes de barrio. Por otro lado, es espectacular ver a los cinco componentes trabajar juntos para hilvanar sonidos y tejer canciones, pero también es cierto que no debo de tener un corazón tan puro como el que se necesita para disfrutar de una propuesta tan jovial. Es posible que ahora mismo la mayor parte de los comentarios que Russian Red suscita en los medios provengan de polémicas extramusicales, pero su directo debería servir para que la atención vuelva a lo importante: con muchas más tablas y desparpajo sobre el escenario, sin tantos efectismos a la hora de cantar y con una buena banda a sus espaldas, no hay duda de que brindó uno

actuación de los barceloneses, que planean acabar el año en escenarios mexicanos tras haber comenzado la gira de su último disco allá por el mes de febrero.

Repartiendo de lo lindo en el escenario pequeño, bastante avanzada la madrugada del viernes al sábado, Lüger fue lo más sobresaliente entre los meritorios nacionales, entre los que también destacaron los tapados Cápsula, Catpeople y Supersubmarina, estos últimos más por poder de convocatoria y por la respuesta incondicional del público que por su propia propuesta sobre el escenario. En el lado negativo, no pudimos encontrar mucho interés en la actuación de Fangoria, que en directo se empeña en cargarse su más que atractivo repertorio y parte de la carrera pretérita de Alaska metiendo sobredosis de bombo a piñón fijo y envolviendo todo con una sonrojante puesta en escena más propia de otro tipo de locales, de los que proliferan, sin ir más lejos, en el mismo Benidorm. La de Crystal Castles fue, por contra, y ya repasando la participación foránea, la mejor actuación del festival. El dúo canadiense planteó una hora de electrónica apocalíptica espectacular, tanto en lo visual como en lo musical. En las antípodas de The Pains Of Being Pure At Heart, excelentes también con su enérgico pop shoegazer (varios cuerpos por delante de la asfixiante invasión actual de grupos-clon adictos a la reverb), la no tan lunática Alice Glass y el misterioso Ethan Kath facturaron una actuación en todo momento imprevisible y envuelta por un magnetismo brutal.

Quizá por el rodaje conseguido durante la interminable gira en la que viven, seguramente ayudados por lo atractivo del emplazamiento (enorme escenario abierto, mucho público pero sin déficit de oxígeno aun en primeras filas), tanto sus figuras como las canciones se mostraron extrañamente humanizadas. Lo dicho, de largo la mejor actuación del festival. Ok Go, Mika, Mando Diao, Cut Copy y Klaxons, todos ellos cabezas de cartel a quienes en realidad poca gente había acudido a ver ex profeso, cumplieron de manera aseada en el estadio. Durante las actuaciones de estos dos últimos, las más destacadas de este grupo (precisos y voluntariosos Cut Copy, elegantes pero algo funcionariales Klaxons), comprobamos felizmente que es posible apostar por la pegada sin tener que renunciar a los matices en la ejecución, el elemento que más se echa en falta en el modo de atacar el escenario en este tipo de eventos. Jorge Ramos

Russian Red Foto Charo Celis

Vetusta Morla Foto Ion Positivo

Con su acertado traslado al comodísimo recinto de la Ciudad Deportiva Guillermo Amor y gracias a un cartel confeccionado con el punto justo de riesgo y a unos precios más que razonables, el Low Cost ha vuelto a demostrar que es una de las fechas marcadas en rojo por el público festivalero del verano. Indudablemente, la ubicua triada que forman Lori Meyers, Love Of Lesbian y Vetusta Morla, grupos que no desgastan a sus fans por más que su nombre no deje de aparecer en carteles a lo largo de nuestra geografía, sobresalía como principal fuerza de convocatoria en la edición de este año, que registró una media de 15.000 espectadores durante los tres días. Poco que comentar de sus respectivas actuaciones, más allá de que los tres grupos cumplieron con creces con lo que de ellos se espera. Si ya se presuponía el baño de masas en los tres casos, cabría señalar el brío y la efervescencia melódica con que se desarrolló el set de Lori Meyers, el efectismo y la entrega bidireccional obtenida durante la actuación de Love Of Lesbian y una cierta linealidad en el concierto de Vetusta Morla, quizá la actuación que mayor número de asistentes congregó en los tres días de festival pero, por su desarrollo monocorde y debido a la falta de discurso escénico de los miembros del grupo (a veces reemplazada por palpables dosis de impostura), la menos susceptible de gustar a público no converso. Del resto de la primera línea nacional, un escalón por debajo en poder de convocatoria pero aun así firmando actuaciones multitudinarias destacaron Sidonie, tan cómodos en escenario grande como cuando se mueven en recintos reducidos, y Delafé y Las Flores Azules, en cuya festiva actuación pudimos comprobar cómo ha crecido en presencia e importancia la participación de Helena Miquel, algo obligada en este caso debido a la afonía con que se presentó un voluntarioso pero limitado Óscar. Con su propuesta bullangera y cercana, Delafé y Las Flores Azules dejaron varios de los momentos más vibrantes del festival.

Standstill, por su parte, descargaron un intensísimo set, a todas luces de lo más ambicioso del programa en cuanto a proyecto sobre el escenario (hagamos algo que vaya un poco más allá que salir con los amplificadores al diez), aunque se vieron lastrados a ratos por un sonido demasiado estridente. Dorian, que clausurarían el festival al día siguiente con una actuación en acústico junto a la playa, cerraron el cartel del sábado en el escenario grande por todo lo alto. Gran

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de los mejores conciertos del festival. The Ting Tings llevan años explotando su nombre sin más justificación que ese par de hits incontestables que son “Great Dj” e “It’s Not My Name”.

Sí, son uno de los grupos con más morro que yo recuerde, pero en ningún momento tratan de disimular la broma que son, y así consiguieron poner a bailar a todo el público. Les perdonaremos una vez más. Los franceses Jamaica jugaron a ser Phoenix, aunque la comparación con sus compatriotas todavía les queda un tanto grande, y su actuación quedó en un mero pasatiempo para esperar a James Murphy. El líder de los desaparecidos LCD Sondsystem cerró el festival con una sesión llena de funk, house y post-punk mientras empezaba a caer una fina lluvia. Y es que el verano en Santander es así: el tiempo respetó la fiesta, pero es raro pasar un fin de semana entero sin estar pendiente de lo que pueda caer del cielo. Carlos Caneda Fernández

CONCIERTOS /28/ Septiembre 2011 · MondoSonoro Amaral Fotos Alfredo Arias

sonorama Lugar Aranda de Duero (Burgos) Fechas 11,12, 13 y 14 de agosto Estilo diversos Público 20.000 personas aprox. Promotor Art de Troya

Teenage Fanclub

El sábado, Mishima, que para no salir demasiado de Catalunya demostraron una adaptación a tierras castellanas bastante exitosa. El Guincho también nos hizo bailar hasta reventar los pies y eso que tuvo que cerrar casi a las cinco y media. Dos bandas y un destino la liaron como es habitual. Feliz unión la de los de Vielba y los de Pardo, más feliz que la de La Orquesta Poligonera, un proyecto sin más sentido (o sin demasiado sentido) que pasarlo bien. Las apuestas foráneas de la noche lo dieron todo sobre el escenario. Shout Out Louds con su concepción del pop elegante y Rinôçérôse con su atmósfera contagiosa y bailable que nos descubría, para nuestra satisfacción, que no estaban tan acabados como decían por ahí. Los que están empezando a hacer historia son los navarros de El Columpio Asesino: brillantes, imperturbables e intensos, hicieron corear eso de “Te voy hacer bailar toda la noche”. Un concierto intachable que supo mezclar a la perfección lo nuevo y lo más nuevo. Como el de La Habitación Roja, veteranos de mil festivales, que supieron ganarse a todos con un recital medido de principio a fin. El sábado también vimos a Mujeres y Nadadora, cada vez más consolidados en lo que mejor saben hacer cada uno (el punk garajero más ruidoso, los catalanes, el pop meláncolico y eléctrico, los gallegos) y a un Xoel López que sigue buscándose con denuedo en otra de sus reinvenciones desorientadas.

El domingo comprobamos que Ellos es uno de los grupos más divertidos en directo (y que “Lo tomas o lo dejas” es un himno generacional) y que Fernando Alfaro está mejor que nunca. Sonriente y hablador supo ganarse al público con “Un viaje largo, largo”. Excelentes también estuvieron The Hidden Cameras. Joel Gibb sabe rodearse siempre de una banda formidable y comprende muy bien que la música también es espectáculo, testiculina e ideología. Otros que cuentan con un magnífico repertorio son Teenage Fanclub, que con sus pintas de “antiestrellas pop” hicieron las delicias de todos con sus éxitos imperecederos. La Bien Querida también nos trajo las canciones de su segunda obra, aunque el público coreó más las de “Romancero” y Cycle pusieron con su electrorock, facilón pero efectivo, a dar saltos a los superdotados que todavía guardaban alguna fuerza. Finalmente Amaral habían prometido un directo contundente y, aunque tampoco acabaron de dar del todo esa vuelta de tuerca prometida, sí mantuvieron una puesta en escena más provocativa y rockera como antesala de su próximo trabajo de título explícito: “Hacia lo salvaje”. Manuel Ortega

La Bien Querida

El primer día del Sonorama, en lugar de ir a lo fácil, se apostaba por grupos decididamente a contracorriente.

La Frontera o Sex Museum no son nombres habituales en festivales de carácter marcadamente pop. Los primeros enardecieron a los más rockeros con “Judas el miserable”, mientras que los segundos pusieron un colofón magnífico a la primera noche, haciendo gala de su estilo insobornable de actitud desafiante y un historial intachable que mezclaba sus mejores canciones de hoy con sus clásicos imperecederos. Los otros triunfadores de la noche fueron Triángulo de Amor Bizarro definitivamente tocados por un halo satánico y una confianza que les hace inalcanzables para cualquier otra formación del panorama patrio. La voces de Isa y Rodrigo fueron desgranando un repertorio donde la distorsión y la actitud fueron conquistando al público. El cierre con “El crimen: cómo ocurre y cómo remediarlo” fue simplemente apoteósico. Coque Malla se mostró más cómodo con lo ritmos rockeros de su anterior disco que con los de cantautor meloso del último, aunque su forma de afrontar cada canción y su pose natural le hacen sonar siempre diferente. Curiosamente los que más sonaron a lo de siempre fueron los grupos más jóvenes. Eladio y los seres queridos, con alguna canción brillante, y Miss Caffeina, sobrados de oficio y con conexión permanente con el público.

El viernes 12 todo empezó con Bigott, que acompañado de una gran banda mostró que lo suyo está simplemente a otro nivel. Como a otro nivel, majestuosos y brillantes, están los chicos de Delorean, sin dar un respiro a los que no podían esperar a los Dj’s para bailar.

Tachenko hicieron su primer recital tras el accidente y volvieron a demostrar que cada vez tocan mejor y que su talento es único e inimitable. Las nuevas canciones venían a demostrarlo una vez más con humildad pero contundencia. Otros inimitables fueron Guadalupe Plata que consiguieron enloquecer a la carpa Future Stars con el blues dadaísta y andaluz de su primer álbum, con lemas vitales tan sugerentes como “¿Qué se siente al matar a un gatito?”. Más previsibles pero igual de efectivos fueron Niños Mutantes e Iván Ferreiro con dos conciertos muy diferentes, pero en el fondo bastante parecidos. Otros que conectan cada vez más con el respetable son Second, a los que el cambio de idioma quizá les haya hecho ganar adeptos. Por el contrario Los Campesinos! y Dorian no sorprendieron y pasaron rápido por el escenario. Como unos Catpeople, esforzados y decididos que tuvieron que bregar con un sonido no del todo satisfactorio y unos Sexy Sadie para los que no pasa el tiempo, aunque su tiempo evidentemente haya pasado.

Delafé y las Flores Azules Foto Fernando Ramírez

CRUÏLLA Bcn Lugar Parc del Fórum (Barcelona) Fecha 8 y 9-7-11 Estilo varios Público 23.000 personas aprox.

Promotor Barcelona Events Musicals

El Festival Cruïlla Bcn se ha consolidado en Barcelona. Y lo ha hecho con el cartel estilísticamente más variado desde que iniciara su recorrido. El viernes la danesa Agnes Obel, dio la bienvenida a los pocos que fueron puntuales. Voz melosa, piano y chello, más adecuados para estar tumbados al césped que en el duro hormigón que envuelve al Fòrum. La siguieron Iron & Wine. Sam Beam vino acompañado de una numerosa banda que llevó su dulce ternura musical hacia un folk progresivo, a veces hasta crudo. Antònia Font sonaron bastante más eléctricos que en otras ocasiones.

Apenas tocaron temas de “Lamparetes”, y sí un grandes éxitos que funcionó de karaoke. Aunque quien se llevó el gato al agua fue Jack Johnson. La evidencia se cumplió y acaparó a la inmensa

mayoría del público. Su folk amansó a las fieras (si es que las había). Eso sí, los que más sorprendieron esa noche fueron los neozelandeses Fat Freddy’s Drop. Con un dominio del escenario espectacular, una sección de vientos hiperactiva y una mezcla musical que revolucionó el lugar.

La nota de calidad la puso Celebrate Mama Afrika, el tributo sudafricano a la gran Miriam Makeba, que dirige Hugh Masekela. Entre los que también funcionaron citaremos a Delafé Y Las Flores Azules con un show calculadísimo y sin parar de darle gas. O la leyenda del reggae Max Romeo junto al extravagante Lee Scratch Perry. Juntos nos balancearon con su reggae y dub clásicos.

Tras un día de grandes intensidades emocionales y sobre todo mucho desgaste físico encaramos la jornada final con la expectativa fijada en los grandes nombres como Madness, Calle 13 y Public Enemy pero también en los pequeños prodigios programados en el Escenari Ramon Llull. Tras la apertura por parte de la rapera francesa Keny Arkana que volvía tras más de tres años de silencio para presentar su nuevo disco “L’Esquisse 2”, salieron al escenario Estrella Damm Los Tiki Phantoms, que ofrecieron un espectáculo de surf y

rock’n’roll ancestral a la altura de lo que nos tienen acostumbrados.

Los puertorriqueños Calle 13 arrasaron con su irreverente pose, bien acompañada por la siempre eficaz artillería rítmica. El momento álgido se mantuvo con Madness. Con toda una división de músicos sobre el escenario consiguieron hilvanar un nutrido repertorio en el que combinaron clásicos del ska jamaicano con hits de su propia cosecha. Lástima que hacia la mitad del concierto perdieran vigor y las pausas entre canción y canción fueran cada vez mayores.

Mientras tanto en el escenario Ramon Llull nos topamos con Litoral, una de las gratas sorpresas del festival. Dejando a un lado su falta de desparpajo en las distancias cortas, bien es cierto que su pericia ejecutando su todavía algo menguado repertorio no atiende a dudas.

De allí nos fuimos para el escenario Cases de la Música, donde Joan Colomo parecía improvisar un concierto en el comedor de su casa.

Los valencianos Obrint Pas en cambio lograron exprimir hasta la última gota de energía del público desde el minuto uno de su actuación. Los veteranos Public Enemy hicieron lo que pudieron, que no fue poco, pero bien es cierto que cada una de sus visitas supone un grado de tensión progresivamente menor. Así, sus conciertos se parecen cada vez más a un parque de atracciones temático del hip hop old school que a otra cosa, alejándose de la experiencia reivindicativa de tiempos pasados.

Lluís S. Ceprián / Miguel Amorós

MondoSonoro · Septiembre 2011 /29/

CONCIERTOS Coldplay Fotos Ionpositivo

BILBAO BBK LIVE 2011 Lugar Kobetamendi (Bilbao) Fecha 7, 8 y 9 de julio Estilo diversos Público 100.000 personas Promotor Last Tour International

Suede

Viernes 8. The Mars Volta jugaron al despiste, y salieron airosos.

Un inicio a media tarde con material nuevo, aún sin disco mediante, dejó perplejo a más de uno, quebrantando las normas no escritas de un directo. Es decir, haciendo que el público sea el que se esfuerce en encontrar y no el grupo por buscar. Girando lo progresivo hacia la oscuridad entre tintes psicodélicos, sesenteros, intensos y surrealistas, con un Cedric Bixler-Zavala poderoso entre falsetes, sorprende la acepción de su propuesta, de lo cual uno se congratula. TV On The Radio ganaron el pulso a la hora tonta de la tarde, liberando los espacios cerrados del rock hacia atmósferas hipnóticas e inmediatas, materializadas en el indiscutible “Wolf Like Me”, cerrando así un set corto. Con Vetusta Morla, el debate interno también acucia.

Son buenos músicos y haciendo lo suyo ondean irrepochables argumentos. Ajenos por completo al gusto personal de quien esto firma, en el grupo madrileño empero patina una ligera sensación de incredulidad: a título personal, reitero, no me creo las miradas al infinito de su cantante haciendo ver que la música que canta le supera y no la puede controlar. Los ingleses Kasabian fueron antaño coronados en su directo como soberanos, categoría que les queda ancha visto lo visto, tanto por las cabriolas egocéntricas de Tom Meighan como por sus canciones. No tardaron mucho en retratarse como un grupo con piloto automático a velocidad de crucero, sin ideas ni ganas de tenerlas. El fantasma del escepticismo volaba alrededor de Suede, ya que la lejana marcha de Bernard Butler les había dejado tocados -también se puede abrir un hilo de debate al respecto-. Pues bien, el mejor sonido de la jornada y primer puesto en el podio fue para

Brett Anderson, un frontman davidbowiano nacido para estar sobre un escenario, cuanto más grande mejor, para cantar y saltar, bañarse en la masa y demostrar que el cancionero de sus dos primeros e inmejorables discos, como “This Hollywood Life” o “So Young”, aún tensa emociones.

Sábado 9. Les Savy Fav dejaron a una audiencia que apenas les conocía coreando “oeoeoes”, visceral combinación garajera a la mayor gloria de su cantante, Tim Harrington. En la entrada del recinto unos pasquines anunciaban que el recital de 30 Seconds To Mars podría provocar ataques epilépticos. Las luces estroboscópicas del montaje eran susceptibles de crear espasmos: pues bien, una pena que no nos sucediera a los presentes para que nos pudieran sacar del recinto en volandas. La empanada de emo-heavy que tiene encima Jared Leto ha llevado a que se les catalogue la peor banda del festival. Jack Johnson es un buenrollista, en efecto, un vividor que es músico para publicitar su faceta de surfista y que pierde fuelle en los escenarios grandes. Contagioso peligro de insipidez al que fuimos en busca de cura con un analgésico llamado The Black Crowes. Demostración de guitarras y slide sobre todo por parte de Luther Dickinson, balancearon los temas clásicos para regocijo lisérgico, alargando las canciones en un ejercicio de hipnosis colectiva dentro de un marco aséptico, sin florituras megalómanas como otros cabezas de cartel. La apertura de “Jealous Again” y “Hotel Illnes”, las jam de “Poor Elijah” y “Thorn In My Pride”, la infalible “Hard To Handle” y el bis de “Remedy” pusieron broche de oro a la última gira española de los hermanos Robinson, con un Chris en trance indio, haciéndonos testigos de un momento irrepetible y de una banda que no ha podido elevar más alto el estatus del rock and roll y el soul en las últimas tres décadas. Visto esto, por muy chemical brother que uno sea, era el momento de bajar el monte no andando, sino volando. Álvaro Fierro The Black Crowes

Jueves 7. The Twilight Singers, comenzaron incómodos mientras trasladaban al receptor su luto estético y artístico por la muerte del amor, pero se fueron sobreponiendo al sonido y a unas inseguridades ora técnicas ora personales. Como se definió una vez su música: “ve la luz a través de las grietas de las persianas de una claustrofóbica habitación de hotel”. Beady Eye, a pesar de un concierto correcto, se confirmaron como el bluff que son: planos, anodinos en el mejor de los casos, hasta los fans menores de Oasis comprobamos que la falta de Noel Gallagher deja la partitura en blanco para el resto de sus ex compañeros, sobre todo su hermano. Con Blondie, las sensaciones fueron agridulces. Un arranque estimable, el mejor de la jornada que se fue desacelerando con la ampulosa “Maria” o los ritmos barraqueros de “Wipe Off My Sweat”.

Sólo faltaba un cartel de “Prohibido chocar de frente”. Los hitos se repartieron entre la versión de The Nerves (“Hanging On The Telephone”), “Heart Of Glass”, “Call Me” o el final con “One Way Or Another”. La masificación del primer día tenía en Coldplay su razón de ser, y en Chris Martin su convergencia. Soslayando lo fastuoso de confetis y pirotecnias, los británicos saben qué tecla tocar para que estalle la emoción generalizada, en un recital estudiado, efectista pero efectivo.

Bloody Foto Antonio Rodríguez

Creamfields andalucía Lugar Circuito de Velocidad (Jerez de la Frontera) Fecha 13 y 14 agosto Estilo electrónica variada Público 20.000 personas aprox. Promotor Creamfields

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Una luna altiva, gigante y blanca. Un paisaje de colinas. Un valle de asfalto. Las hordas que entraban el sábado en el recinto de Creamfields parecían recién aterrizadas del platillo volante de la zona VIP del Circuito de Jerez. Se acercaba el gran momento del sábado, del mes, del año y, movidos por el ritmo triunfal de quienes conquistan un nuevo planeta, acudían a la llamada, a unir sus cuerpos al ritual marcado por los chamanes de la música electrónica. The Prodigy no podía defraudar el sábado a las más de 30.000 almas que, sudadas, se rendían a ellos. No podían porque cuando alguien cumple un sueño, un rito, nada importa que los ecualizadores confundan, que el sonido sea sucio y las palabras difíciles de identificar. “Where is the fucking spanish people?”, gritaban arrancando la piel de un público al que le bastaban tres acordes para identificar los hits y perder la cabeza. Liam, Keef y Maxim arriesgaron poco, pero dieron al público de Jerez lo que quería.

Pasaba la una de la madrugada cuando los más sedientos se desplazaban al segundo escenario para bailar con Tiga. Los destinos se dividían en tres puntos: Barceló Stage, Alhambra y Andalucía Suena. Era el sino de este rito, multiplicarse, correr de un lado a otro, hacer el caballito a un triángulo irregular. Fue el primero de ellos y principal el que recibiría las propuestas más esperadas. Sesiones más cuidadas, técnicamente mejores, en las que el sonido, salvo alguna caída, se mezcló con

los visuales en una danza perfecta.

Los belgas 2Many Dj’s salpicaron al público de frescura, confeti y temazos entre los que cayeron Blur, Motörhead, Nirvana y, por supuesto, su guiño a Chimo Bayo. Entusiastas y gamberros, su actuación sirvió para atemperar al público que esperaba a Paul Kalkbrenner y a Paul Van Dyk y que no sabía la suerte que tenía por esa noche fresca, extraña en el agosto jerezano. El primero logró una sesión contenida que preparó para rendirse al trance más allá de las cinco cuando la gente se dividía entre Marc Marzènit o Marcus Schulz.

Camping, lanzaderas eternas, taxis o coches despejaron lentamente el recinto para la última noche, menos masiva y más exigente. Para el domingo, el Creamfields quería mostrar que la electrónica tiene mil sensibilidades. Todavía de día, Delorean apenas pudo reunir a un puñado frente al escenario principal.

Competía con el Madrid-Barça, el cansancio y con los precios del exterior. La noche estaría dividida, otra vez. A un lado, el minimal de James Holden, al otro, el electro-rock de The Bloody Beetroots, energía a raudales y abundancia. Un cóctel molotov al que Dennis Lyxzén encendería la mecha. Fueron para mu-

chos la guinda del festival.

Un tropezón con la luz no consiguió que se perdiera tensión de la mano de Richie Hawtin a quien siguió un Gareth Emery que disputó protagonismo a una de las sorpresas de la noche, el belga Agoria. El final del festival ya se acercaba y se superaban las seis cuando Armin Van Buuren arrancaba con el “Personal Jesus” de Depeche Mode. Una consagración religiosa para esta liturgia en la que se había convertido el fin de semana. Con él y sus visuales llegaron las primeras luces y el éxtasis del final apuntado por Umek. Reventados, con la piel pegajosa del sudor propio y ajeno, la gente abandonó el Circuito aliviada por el día de fiesta. Uno no sabía si subirían al mismo platillo.

Fátima Vila

Iron Maiden Foto Mariano Regidor

Slash Foto Mariano Regidor

CONCIERTOS /30/ Septiembre 2011 · MondoSonoro

SONISPHERE GETAFE OPEN AIR Lugar Getafe (Madrid) Fechas 15 y 16 de julio Estilo metal Público 70.000 personas aprox.

Promotor Last Tour International

Récord absoluto de asistencia en la tercera edición del festival itinerante de metal Sonisphere. Esperemos que el éxito permita un acondicionamiento definitivo del recinto de cara a próximas ediciones. Ello no impidió que algunos miles de (valientes) asistentes disfrutaran de la primera descarga del festival con Bullet y su heavy rock contagioso a medio camino entre Accept y Airbourne. Angelus Apatrida son de Albacete pero podrían ser alemanes o de San Francisco, sin desmerecer el producto local. El cuarteto dio una nueva lección de thrash metal punzante y veloz con “Blast Off”, “Of Men And Tyrant”, “Give ‘Em War” o “Legally Brainwashed” como principales arietes. Con Valient Thorr llegó la fiesta. Su hard rock metalizado con toques sureños fue todo un chute para los sentidos. Con pintas de moteros pasados de vueltas y con las barbas más largas que las melenas, revolucionaron las primeras filas con vitaminadas odas al nihilismo como “Double Crossed”, “Sleeper Awakes” y “Mask Of Sanity”. La visceral “Ocean Planet” inauguró la particular master class de Gojira. Imaginativos, vibrantes y demoledores, lo suyo es death metal del futuro, como demostraron “Flying Whales”, “Vacuity” o “A Sight To Behold”. Sôber sonaron limpios y potentes, pero los temas de su disco de regreso, “Superbia”, no terminaron de conectar con la audiencia, algo que sí lograron canciones pretéritas como “Diez años” o “Arrepentido”. Los suecos Arch Enemy protagonizaron otro de los momentos más duros del festival, desplegando su death metal melódico con firmeza y sana soberbia. Nuevas canciones como “Yesterday Is Dead And Gone” o los himnos “Under Black Flags We March” y “No Gods, No Master” encajaron a la perfección junto a “Nemesis” o “We Will Rise”. Y llegó el momento más esperado de la primera jornada, el del ex-guitarrista de Guns N’ Roses Slash. Visto así a unos cuantos metros, con su pelo rizado, su chistera y sus gafas de sol, parece que el tiempo no haya pasado.

Contribuyeron a ello hits imborrables de su antigua formación como “Nightrain”, “Rocket Queen”, “Civil War”, “Sweet Child O’ Mine”, “My Michelle” o “Paradise City” –el delirio absoluto- alternados con repescas de Slash’s Snakepit y Velvet Revolver, y algunos temas nuevos (magníficos “Ghost” y “Promise”). Mención aparte para Myles Kennedy (Alter Bridge) y su sorprendente variedad de registros. Tras ellos, The Darkness arrancaron a lo grande con “Black Shuck”. Es injusto que se les recuerde sólo por “I Believe In A Thing Called Love”,

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pero no acabamos de creernos su regreso.

Hammerfall arrancaron el sábado a las tres y media de la tarde. La peor hora para los bañistas y para el público de un festival al aire libre. Por suerte, la entretenida mezcla de heavy y power metal de los de Gotemburgo cuenta con una nutrida (y agradecida) legión de fans. No entiendo por qué siempre programan a Mastodon tan pronto. Suya fue la mejor descarga de la jornada tras la imbatible Dama de hierro. Los de Atlanta centraron el set en su tercer disco, “Blood Mountain”, y lo completaron con sendas miradas a su pasado (“March Of The Fire Ants”, “Blood And Thunder”) y futuro (“Crack The Skye”). Siguen sonando frescos y únicos. Apocalyptica no tuvieron su día y recurrieron en exceso a sus versiones de Metallica (“Master Of Puppets”, “Seek And Destroy” y “Nothing Else Matters”), muy celebradas, eso sí, por el público. Dream Theater son probablemente unos de los mejores músicos del planeta, pero una vez más quedó demostrado que su intrincado y virtuoso metal progresivo no es la mejor apuesta para un gran festival. Eso sí, su asombroso nuevo batería, Mike Mangini, se ha integrado perfectamente en la banda. Y llegaron Iron Maiden. Da igual que les hayamos visto diez o veinte veces. Todo el mundo –público, invitados, el resto de artistas- estaban allí para reverenciar a los británicos. Tras arrancar con canciones nuevas como “The Final Frontier” y “El Dorado”, intercalaron clásicos mayúsculos (“2 Minutes To Midnight”, “The Trooper”) con algunas repescas de su última etapa (“Dance Of Death” o la redonda “The Wicker Man”). Bruce Dickinson lideró con carisma y energía a una formación que, a pesar de contar con enormes escenarios de cartón piedra –el de esta gira reproduce un hangar interespacial- vive por y para las canciones. Culminaron su set con una tripleta que nos dejó afónicos: “The Number Of The Beast”, “Hallowed Be Thy Name” y “Running Free”. Tras ellos, Twisted Sister lograron mantener el listón. Sus bazas: un frontman, Dee Snider, de poderosa voz y energía inhumana, un saludable sentido del humor y un buen puñado de contagiosos himnos macarras, de “Stay Hungry” y “Burn In Hell” a unas alteradas “We’re Not Gonna Take It” o “I Wanna Rock”. Uriah Heep, incluídos en el cartel tras la caída de Alice Cooper, defendieron con profesionalidad y veteranía su hard rock con pedigrí, y Lacuna Coil cerraron la cita con una Cristina Scabbia algo más apagada de lo habitual. David Sabaté

Triángulo de Amor Bizarro Foto César Moreno Linde

contempopránea Lugar Castillo de Luna (Alburquerque) Fecha 29 y 30-7-11 Estilo pop Público media entrada Promotor Contempopránea 1114

Las previsiones no fallaron y la 16ª edición de Contempopránea marchó a contracorriente con motivo del más que considerable descenso de público, que apenas llegaba a la mitad de aforo, desluciendo así uno de los paisajes pop con más solera de la península: la ladera del Castillo de Luna en Alburquerque, destino indie por excelencia durante tantos años y quién sabe si en los venideros. Cajón de Sastre abrieron mecha con su disco debut, “Miedos y otras fobias”, compendio de cuentos musicales de amor, muerte y vida con un lenguaje propio entre el pop electrónico, los sonidos ochenteros y el trip hop. Band Á Part, es decir Coral y Javi, ofrecieron una soleada selección de temas veraniegos al estilo de la nouvelle vague de Godard con unos intensos adornos y preciosas melodías a base de intrumentos de viento creando una atmosfera twee-pop. Bearsuit sorprendieron a propios y extraños por su sinergia y al mismo tiempo una energía que mantuvieron de principio a fin. Art rock con pinceladas dance en estado puro. Standstill demostraron una vez más su gran estado de forma con esa obra circular llamada “Adelante Bonaparte”. Momentos de calma y reflexión en “Resplandor” o “Todos de pie” y, por supuesto para el bullicio y fruición absoluta de “¿Por qué me llamas a estas horas?”. Xoel López reapareció con mucha fuerza. Un breve pero intenso repaso a su extensa discografía con aires latinos dejando patente su sintonía con América, a partir de ahora su exilio particular. Xoel, más que nunca, sigue traspasando fronteras allá donde va. Preciosa

versión del “This Charming Man” de The Smiths en honor a Julio Ruiz. Con The School llegaron los primeros bailes de la noche. El suyo fue uno de los conciertos más vitoreados de la noche con el beneplácito y clamor popular de cara y la insistencia de que los de Cardif tocaran más bises.

Triángulo de Amor Bizarro fueron una apisonadora sobre el escenario trasladando los sonidos obsesivos, hipnóticos y violentos que en los últimos ochenta llevaron a los libros de historia a grupos como Telescopes, The Jesus And Mary Chain o My Bloody Valentine, a una nueva perspectiva absolutamente personal. Implacables como nadie. Delafé y Las Flores Azules enardecieron y animaron en todo momento. Seguramente su directo sea el más divertido y ocurrente de la actualidad. Mendetz cerraron la primera jornada de conciertos con su característico “Casio-punk”, un electro-rock bailable creado con sonidos rítmicos y muchos sintetizadores. No hay pregrabados, no hay programaciones, sino una fiesta totalmente dirigida por los cuatro miembros del grupo.

Los Ginkas iniciaron la última jornada de Contempopránea con su punkabilly pegadizo que tan buenas vibraciones dejó en el FIB. Todo perfecto salvo una cosa: el horario de su actuación, demasiado temprano para un público tímido aún sumergido en

la piscina del camping. El dúo pamplonica Souvenir hizo gala de esteticismo electro pop con raíces ochenteras, pero sin olvidarse de su inabarcable amalgama de estilos que sí funcionaron de forma compacta. Cats On Fire fueron un auténtico delicatessen made in Finlandia. Renacentistas con ambición pop. A Ellos se les vio tan cómodos sobre el escenario que parecía que jugasen en casa. La Bien Querida fue de más a menos. Siguen triunfando los temas de “Romancero”, sin embargo su último disco “Fiesta” no terminó de cuajar en Alburquerque, empalagando más de la cuenta. Sexy Sadie regresaban a uno de los escenarios que les vio crecer y triunfar. Temas para el recuerdo como “In The Water” o “My Bike” hicieron brincar y enloquecer a los presentes, aunque fueron El Columpio Asesino quienes se erigieron en triunfadores de la noche, dejando muy claro que en su repertorio tienen el hit del verano, “Toro”. Javier Solis

Scissor Sisters Fotos Kiko Domingo

MondoSonoro · Septiembre 2011 /31/

arenal sound Lugar Playa del Arenal (Castellón) Fecha 4 de julio Estilo diversos Público lleno Promotor Arenal Sound

Puede que el Arenal Sound ascienda, con esta segunda edición a la primera división de los festivales españoles, aunque muchos aspectos tendrán que mejorar si quiere mantenerse ahí. En el aspecto meramente musical la cosa mejora. Con un sonido deficiente los jienenses Supersubmarina hicieron un papel más que digno, congregando a varios miles de personas coreando “Ola de calor” o “Eléctrico”. Dorian hicieron bailar al público entregado a su pop barnizado con guitarras rock tan resultón como indolente. Por suerte aparecieron en escena The Charlatans en un recital de clase de la veterana banda de Manchester que nos puso la carne de gallina. Se echó en falta algún tema como “How High”. Quien tuvo retuvo. Polock redondearon lo que estaban siendo las mejores horas de la noche. Son una de las sorpresas de la temporada que no paran de girar con su brillante “Getting Down From The Trees” y que con temas como “Fireworks” o “High On Life” convencieron al público en tan solo media hora. Russian Red llegaba en un momento que seguramente no era el idóneo para su folk acústico e intimista. El viernes, el trío Dinero nos sorprendió con su rock musculoso, que empezó a calentar motores en una tarde calurosa. Incomprensible la ubicación en el escenario Legendario de La Habitación Roja. Jorge Martí y sus compañeros ya son veteranos y el sonido no les hizo justicia, con un repertorio de temas clásicos y más recientes que animó a sus seguidores. El sonido tampoco ayudó a Triángulo de Amor Bizarro, ya de por sí ruidosos, aunque tampoco les faltó actitud. Vetusta Morla presentaron “Mapas” ante un enorme gentío que llenaba la explanada, alternándolas con las de su primer trabajo (mejor acogidas). Los valencianos Twelve Dolls esperan afianzarse con su nuevo disco “Graso”, y temas como “Pánico” pueden ayudarles puesto que calidad no les falta, dando una enérgica actuación. Por su parte, Scissor Sisters ofrecieron un espectáculo con el saber estar en el escenario de Jake Shears y Ana Matronic como plato fuerte. Empezaron bien Vive La Fête con la canción que les da nombre, pero se fueron desinflando a medida que pasaba su tiempo, ni la versión de “Popcorn” animó al público, cosa que sí logró después Calvin Harris con su set de electro house. El sábado les tocó a los valencianos The Welcome Dynasty el honor de abrir la jornada, bajo un sol de justicia y ante un aforo aún reducido, aunque merecen que se les preste más atención. Caía el sol cuando We Are Standard comenzaron a caldear (aún más) el ambiente con su fórmula bailable que animó al público, saltando al ritmo de “Chusma Remix” o su versión del “Waiting For The Man”. Tras los de Getxo continuamos con El Guincho y sus ritmos tropicales, que también animó con sus percusiones y teclados al principio de la noche con “Kalise” o “Bombay” acompañado por un guitarrista y otro bajista. Pero si hablamos de música de baile, Delorean dieron la primera campanada de la noche, con sus alegres melodías con toques de house, añadiendo sampleados del “Tracey In My Room” o “Ride On Time”, además del contagioso “Deli”, un verdadero hit para los de Zarautz. Varry Brava y su pop contagioso desde Murcia dieron un aire distinto a la noche, con algunos incipientes éxitos como “No vas a tener mi amor “, y versión de Golpes Bajos incluida. Otra sorpresa agradable la dieron los madrileños Layabouts, quizás el grupo más rockero del festival. Lástima que solo dispusieran de media hora. Los que no defraudan son Rinôçerôse, su efectiva fusión de rock y dance es una apuesta segura. Con Love Of Lesbian llegó el punto álgido de la noche, una marea humana desbordó el escenario principal cantando todas las canciones de la banda. Los electrónicos sonidos contundentes de The Suicide Of Western Culture envueltos por melodías sugerentes y la sesión de Orbital Dj’s pusieron fin a la noche El domingo fue el día más flojo tanto a nivel de programación como de público. Con un cartel más centrado en el mestizaje que en el indie, destacaron los madrileños Canteca de Macao que congregaron a un buen puñado de seguidores todavía ávidos de fiesta. Por su parte, La Pulquería consiguieron que el nivel festivo no decayera. A las cuatro y media de la mañana empezaron los franceses The Third Twin, quizás merecedores de otro horario. Carlos Ciurana y Alberto Lapaz

CONCIERTOS

Vienen de: Nueva Zelanda/Reino Unido Publican: “Forever Dolphin Love” (Phantasy Sound/Karonte, 2011) En la onda de: Syd Barrett, Sun Ra, Radiohead

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Diecisiete Foto Archivo

Mi madre me dijo que debería grabar un disco”.

Esas son las primeras palabras de Connan Hosford, últimamente conocido como Connan Mockasin, un sobrenombre heredado de su anterior proyecto, Connan & The Mockasins, con los que emigró de su Wellington natal, en Nueva Zelanda, a Londres. El caso es que esa es precisamente la clase de frase que uno espera escuchar del autor de un disco como “Forever Dolphin Love”, la pieza de psicodelia más fascinante y rara que hayas podido escuchar en años. “Realmente no sabría definirlo. Supongo

Diecisiete Vienen de: Madrid Publican: “Diecisiete” (Cuervo, 11) En la onda de: The White Stripes, Blumfeld, Maga Diecisiete es la edad en la frontera del mundo adulto, sin haberla traspasado, y también un grupo, o mejor: un dúo, porque así es como se presentan Susana Lasvinges (batería) y Antonio Maestre ‘Mae’ (guitarra y voz), ex de Peluze, Stoned Fish o Murdo. (Mae) “Siempre hemos compuesto desde esa idea: hacer canciones que conceptualmente no necesitasen un bajo, ese era el reto. Que nadie lo eche de menos y que si te lo imaginas es porque crees que está ahí”. (Susana) “Para mí ha sido un ejercicio de sencillez increíble, y al final te das cuenta de que menos es más. Eso también supone minimizar la guitarra y la batería en cuanto a elementos. No llevamos pedal, por ejemplo. Ahora me parece fácil, pero al principio era muy complicado. En general Mae tiene los temas en su cabeza pensando que somos dos, y cuando viene con algo que no es para Diecisiete nos damos cuenta en seguida”. Iniciaron su andadura en 2008, casi sin querer (Susana) “De repente nos encontramos con que teníamos un grupo y un concierto cuando sólo llevábamos un mes, y luego nos metimos a grabar un disco sin ni siquiera tener las canciones acabadas”. El resultado es un primer trabajo que sabe a noise pop de los noventa adornado de épica romántica, aunque es en directo donde se puede comprobar la verdadera dimensión de su música. ■ Enrique Peñas

que es como música para tomar drogas, aunque yo no tome demasiadas”, bromea. “No escucho mucha música, la verdad. Ni siquiera tengo una colección de discos como Dios manda y mucho menos un iPod. La gente siempre comenta, ‘debe haber escuchado un montón de Syd Barrett’, pero no es así. Soy demasiado vago para eso. Bueno, cuando aprendí a tocar la guitarra, me metí de lleno en Jimi Hendrix. Esa es mi máxima influencia como instrumentista”. Tras años colaborando con otros artistas, Hosford ha encontrado un protector en el DJ y productor Erol Alkan, quien lo fichó para su sello Phantasy Sound. “Escuchó una cinta que había grabado y en seguida se interesó”, explica Hosford, sentado en el loft del hotel Princess de Barcelona, al día siguiente de su actuación en el festival Primavera Sound. Su paso

por la Ciudad Condal es una prueba de cómo ha ido aumentando la repercusión de un disco extraño y maravilloso que a veces parece compuesto en Marte y otras en las profundidades de un océano. “En serio”, se reafirma él, “hice el disco porque mi madre me lo dijo, ni siquiera me planteé que nadie pudiera prestarle la más mínima atención, así que hice lo que me dio la real gana en todo momento. No esperaba nada”. Inmerso en la gira de presentación del álbum, para la que cuenta entre otros con el bajista James Milne (Lawrence Arabia, The Brunettes), también prepara disco en colaboración con Samuel Dust de Late Of The Pier y varios proyectos ligados a sendas exposiciones. No está mal para alguien que se describe a sí mismo como un vago. “Es que sólo soy vago en lo tocante a coleccionar los discos de otra gente”. ■ Joan Cabot

Urge Overkill Foto Archivo

Connan Mockasin

Nacidos en los albores de la década de los noventa, los emblemáticos punks californianos Face To Face presentarán en nuestro país su último disco de estudio, “Laugh Now, Laugh Later”, el primero después de nueve años de silencio y una ruptura de cuatro. “Ha sido muy fácil y natural, muy fluido, y quizá porque Scott y yo ya hacemos otras cosas aparte en proyectos que no son punk rock, teníamos claro que el camino de este disco debía ser precisamente el punk. Es un disco urgente y potente”, aclara su líder Trever Keith sobre el mantenimiento de nivel del disco en lo que a velocidad y melodía se refiere. A pesar de los cambios de formación, la alineación que presentará en esta gira parece estabilizada con la entrada del batería Danny Thompson junto a Scott Shiflett, Chad Yaro y el mencionado Trever, único remanente real del bautismo discográfico en 1992 con “Don’t Turn Away”. “Tocar con Scott y Chad, que llevan en la banda desde 1995, es casi como tocar con la formación original”. Para Face To Face, el punk tiene todavía mucha guerra que dar. “Esto va de permitir a cada uno expresar sus opiniones, eso nunca cambiará, puede además significar muchas cosas diferentes, pero todas válidas”. Lo podremos comprobar en Barcelona el 6 de septiembre en Razzmatazz y en Madrid en Caracol al día siguiente. ■ Ignacio Pato L.

Face to Face Viene de: Estados Unidos Publica: “Laugh Now, Laugh Later” (People Like You/Century Media, 11) En la onda de: No Use For A Name, Alkaline Trio, Blink 182

Connan Mockasin Foto Richard Brimer

/32/ Septiembre 2011 · MondoSonoro

Urge Overkill Vienen de: Chicago Publican: “Rock’n’Roll Submarine” (UO Records, 11) En la onda de: Superdrag, Matthew Sweet, Cheap Trick

Face to Face Foto Brandon

escaparate

Hacía dieciséis años que Urge Overkill no publicaban disco, desde aquel postrero “Exit The Dragon”, después de dejar un gran legado con una obra como “Saturation”. Y tras tanto tiempo en barbecho, es una sorpresa ver publicado “Rock’n’Roll Submarine”. “Hemos estado preparando el disco durante cinco largos años. Además, hubo un par de situaciones en las que tuvimos que parar por temas personales. El disco suena más parecido a nuestros discos para Touch & Go, mucho más directo y primitivo, y también es muy variado, con todas las canciones sonando distintas entre si”. El tiempo no pasa en balde, y la situación actual no es la misma para ellos que en sus años dorados. “En 1995, el rock reinaba, Seattle estaba en lo más alto musicalmente hablando, con grupos como Nirvana o Soundgarden, y todo aquello formaba parte del movimiento cultural. Ahora es diferente, aunque quizás haya más sellos y más bandas, pero antes estábamos todos más en contacto, las escenas eran más sólidas”. De todos modos, la historia de Urge Overkill va a estar ligada para siempre al nombre del cineasta Quentin Tarantino. “Que ‘Girl, You’ll Be A Woman Soon’ sonase en ‘Pulp Fiction’ nos ayudó a ser más populares. Para la historia quedará que sonemos en esa escena de la película...”. A propósito, Urge Overkill estarán actuando en el festival Turborock. ■ Toni Castarnado

Part Time Foto Archivo

MondoSonoro · Septiembre 2011 /33/

Amplifier Vienen: Reino Unido Publican: “The Octopus” (AmpCorp, 11) En la onda de: Soundgarden, Porcupine Tree, Led Zeppelin

Part Time Viene de: Estados Unidos Publican: “What Would You Say?” (Mexican Summer/Music As Usual, 11) En la onda de: Pet Shop Boys, Cut Copy, Ariel Pink

sí se puede decir que hacemos música ‘grande’”.

Una obra harto complicada que ha pasado por dificultades financieras para verse finalmente completada. “Cuando empezamos a prepararlo, trabajamos en dos álbumes a la vez. Uno se iba a llamar ‘The Octopus’ y el otro ‘Mystoria’, que tenemos aparcado. La gran cantidad de material que estábamos amontonando, sumado a la dificultad financiera, retrasó su fecha de edición.” Algo que incluso les llevó a inventar un método de promoción de lo más económico, incluir en cada copia una larga tira de minipegatinas con el logo del álbum. “No nos es posible abordar una campaña publicitaria masiva así que se nos ocurrieron estas pegatinas.

Tengo fotos de pegatinas ¡hasta en la lanzadera de la estación espacial de la NASA! (risas)”. Los cimientos del grupo hay que buscarlos básicamente en los setenta y los noventa tal como reconoce Sel: “Creo que esencialmente es cierto. Crecimos escuchando a bandas como Soundgarden, Tool o Kyuss, y también de alguna forma nos has influido los setenta, aunque sea más indirectamente”. ■ Ferran Lizana

Espanto Foto Archivo

Esta historia podría haber ocurrido hace treinta años, pero Davida Speck -cuerpo y alma de Part Time- nació en septiembre de 1982, así que por entonces apenas daba sus primeros pasos en este mundo. Nos saltaremos una adolescencia que, suponemos, le convirtió en un obseso del electro pop ochentero y asistimos al nacimiento de Part Time. “Normalmente compongo todas mis canciones solo. En directo he tocado con muchos músicos, pero yo soy el único responsable de la música y las ideas de Part Time”. Antes firmó algunos temas como Toko Ri Get High y con su nombre propio: hay montones de vídeos en YouTube con música de Davida. Su primer contacto discográfico fue Voice Academy, de Austin con una cinta de tirada limitada, ya agotada. Meses después, los responsables de Mexican Summer le escribieron desde Brooklyn para ficharle. Armado de “un ordenador, una grabadora de cuatro u ocho pistas, una mezcladora con efectos, pedales, guitarras, bases, sintetizadores, teclados y, también, pequeñas percusiones” ha tejido los once pasajes de elegante synth pop que contiene su debut, “What Would You Say?” “Me siento un poco bicho raro, no sé qué decir de la escena de mi ciudad. A veces pienso en mudarme a Los Angeles o Nueva York, en acercarme a gente que está haciendo cosas parecidas a mi música”. ■ P. Muñoz

P

ocos grupos actualmente encajan en el concepto de dinosaurio del rock como Amplifier, especialmente tras la reciente edición de esa obra mastodóntica llamada “The Octopus”. Su líder Sel Balamir nos lo cuenta: “’The Octopus’ es un gran álbum conceptual sobre todas las cosas. Pensamos que tendría mayor sentido a la hora de reflejar el concepto si fuera un álbum grandioso, teniendo en cuenta la gran cantidad de ideas que teníamos en mente.

Ciertamente no es un trabajo fácil. Debes mantener tu atención si quieres disfrutarlo en todo su esplendor. Es como vivir una aventura, una novela épica, algo así como una ‘music movie’ (risas). Pero no nos vemos como unos dinosaurios del rock modernos, siempre hemos tocado en pequeños clubes, aunque

escaparate

Espanto Luis y Teresa, integrantes del dúo Espanto, han conseguido sacar poco a poco, y sin traicionarse a si mismos, la cabeza fuera de los circuitos underground. Viene de Logroño y es uno de los pocos grupos del pop español capaz de dar sentido al término, no a la etiqueta, independiente. “Gracias, así lo entendemos también nosotros. La independencia no es un estilo, ni un género, ni una marca, y por no ser ni siquiera es una virtud. Lo que hacemos son canciones. Y el único circuito que nos importa es el de las personas a las que, por uno u otro motivo, admiramos y queremos”. Espanto acaban de ver recuperados sus dos últimos álbumes gracias a una reedición en vinilo a cargo Austrohúngaro (que también presenta un disco de remezclas en formato digital), uno de los sellos más a contracorriente del pop patrio, como también lo era el primer hogar del grupo, Birra y Perdiz. “en Austrohúngaro hemos encontrado un apoyo y un entusiasmo desmedidos, cósmicos... siempre hemos sido muy fans de lo suyo. Son intensos y muy activos y creen de verdad en lo que hacen. Y son aún mejores de lo que ya en su manifestación artística resultan”. Sobre las comparaciones que siempre relacionan a Luis y Teresa con Le Mans y Vainica Doble, lo tienen claro. “No queremos contar lo mismo ni de la misma forma que ya lo han hecho otros”. ■ Xavi Sánchez Pons

“En cada nuevo trabajo se ve reflejado el punto de madurez en que nos encontramos cada uno. Nuestras experiencias musicales y personales durante todos estos años han ayudado a equilibrar la báscula entre un sonido estéticamente más atemperado, así como un mayor peso en el significado de las letras, sin intención de dejar de lado la esencia guitarrera que todos llevamos dentro”. Hablamos de “Per fi potser demà”, el disco menos inmediato de la carrera del quinteto.

Un álbum amasado de manera mucho menos urgente y efusiva, al que se ha de medir por su empaque más adulto.

“Las cosas han salido así. Valen (guitarra y voz) nos iba regalando las canciones y nosotros las íbamos trabajando a nuestra manera hasta que nos dimos cuenta de que ya teníamos más de diez. El tema de las letras quizás sea un poco diferente. Había un montón de emociones en el aire, cosas que nos estaban ocurriendo que queríamos dejar pintadas en las canciones.

Son las letras más autobiográficas que hemos hecho hasta la fecha”. Aunque si algo llama la atención es ese carácter tremendamente compacto, conformado por un conjunto canciones equiparables entre sí a nivel cualitativo y con apenas ningún single claro. “Precisamente este es uno de los retos: once temas con vida propia capaces de sorprender a mucho más público del que nosotros mismos esperamos. El equilibrio entre no renunciar a nuestra esencia y conseguir conectar con el público de una forma natural”. ■ Francesc Feliu

Raydibaum Vienen de: Barcelona Publican: “Per fi potser demà” (RGB, 2011) En la onda de: The Beatles, Queens Of The Stone Age, Suede

Raydibaum Foto Archivo

Vienen de: Logroño Publican: “Ísimos y Érrimos” y “Errísimos” (Austrohúngaro, 11) En la onda de: Le Mans, Marine Girls, Electric Light Orchestra

Amplifier Foto Archivo

VINILOS BEIRUT

“The Rip Tide”.

Pompeii/Popstock!

POP

111

Con la que está cayendo en los Mercados de medio mundo y vista su repercusión en la economía doméstica viajar se ha puesto fatal. Zach Condon convirtió sus tres primeras referencias en una suerte de Guías Lonely Planet sonoras con las que atravesamos los Balcanes, las callejuelas parisinas y las polvorientas carreteras mejicanas. Sin embargo “The Rip Tide” renuncia a continuar de vacaciones, dejando de buscar inspiración en una tradición musical concreta. Tampoco explota la vena tecno-pop de “Realpeople Holland”, ese EP que se convertía en largo a costa de hacer de extraña pareja con “March Of The Zapotec”, lo último que habíamos sabido de Beirut hasta hoy. Este es simplemente un trabajo en el que el joven músico de Santa Fe se cita a sí mismo, en el que vuelve a sacar brillo a los arreglos y su afectada voz de nuevo nos susurra historias románticas. En su cuarta referencia el “sonido Beirut” parece completamente definido y asumido, tanto que desde hoy el sobresaliente sólo es posible por vía de lo excelso o de la reinvención. Y ni una cosa ni la otra se dan en “The Rip Tide”. Luis J. Menéndez

LOS CHIKOS DEL MAÍZ ”Pasión de Talibanes” Boa

HIP HOP

publicaron su EP de debut en 2009, a tiempo, y tras incorporar cinco temas y formar este álbum de presentación este año, sólo se puede decir que estos chicos saben divertirse tanto como la pandilla de Columbia.

Además de usar ritmos tradicionales criollos –más cercanos a su cultura que las fantasías colegiales pseudo caribeñas-, mamados en su estado natal y combinados con el enlatado de los actuales sintetizadores, mezclan el resultado con sus gustos por las guitarras feroces de sus bandas favoritas –léase, Sonic Youth, My Bloody Valentine-, y una combinación de voces mixtas (él y ella, Taylor y Tiffany) para alcanzar colofones siderales –“Words”–, o tonos diluidos como finales de fiestas -“Go Out All Night”-. Luis Argeo

GIVERS

“In Light” V2/Music As Usual

1111

De acuerdo, el verano se acabó, el pop de ascendencia africana y los vampiros se lo comen todo en las fiestas universitarias de los últimos cursos, y estos chicos de Louisiana llegan tarde a nuestro país. ¿Y qué? ¿No sigues escuchando a Bob Marley y lleva muerto más años de los que tú tienes? Givers

The horrors, repaso a los ochenta

DENIRO

“El extraño disfrazado de normal” Lengua Armada

ROCK

111

Formados entre otros por Nano Ruiz (ex Habeas Corpus) y el actor y cantante Willy Meyer, los madrileños DeNiro se presentan en sociedad con un auténtico trallazo, que funciona a la perfección como carta de presentación. Once canciones que sólo dan respiro a ratos, lo que tarda en aparecer un riff furioso y la potente voz de Meyer (excelente vocalista, por cierto), como ocurre en “Dispara”, con uno de los estribillos más logrados del álbum. Así, el disco avanza furioso (“Secta”, “Agua”), a base de rock duro, moderno, sin excesos, pero hecho a base de riffs poderosos, que nos recuerda inevitablemente a bandas como sus colegas Sôber. La propuesta de DeNiro es, si cabe, aun más auténtica e insobornable que la de Escobedo y compañía, aunque a ratos las letras transiten por caminos excesivamente previsibles.

Miguel Díaz Herrero

The Horrors Foto Archivo

THE HORRORS

1114

Es ahora, casi un lustro después de su formación como tal, cuando nos llega el debut oficial de los valencianos Los Chikos del Maíz. Un primer disco que de tan esperado y trabajado no parece tal, pero tampoco por lo deslenguado de las rimas de sus mc’s, Toni y Nega, que convierten el rap político en bandera y no hacen ni el amago de esconder su militancia. Unas rimas que harán las delicias de aquel que opine que al hip hop patrio le sobran flashies e intentos de agradar, pero que no deja títere con cabeza y que se regodea en las propias contradicciones del día a día. “Pasión de Talibanes” no es un disco que haga amigos y a veces deja la sensación de un radicalismo romántico mezclado con cierta dosis de cinismo actual, pero que también nos brinda varios regalos sólidos para el presente y futuro del rap nacional, como son el reflejo de la tradición cruzada entre intelectualismo y propaganda en el hip hop y la certeza de que Los Chikos del Maíz optan por una propuesta imposible de mutar en neutralidad. Ignacio Pato

ROCK

/35/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

“Skying”

XL/Popstock!

ROCK

THE WOMBATS

“This Modern Glitch” Sony

POP

1114

Al otro lado de los focos y de los premios, de las portadas y de los elogios, quedan las horas muertas entre tanta gira mastodónica, las habitaciones oscuras, el jet-lag y las relaciones sentimentales en la cuerda floja. Y es que esta otra cara de la moneda casi termina con la salud de Matthew Murphy, líder de The Wombats, enganchado durante una larga temporada a los antidepresivos. “This Modern Glitch” es el diario abierto de un desajuste personal, en el que, tras un vistoso envoltorio vitalista y up-tempo se esconde la manzana podrida (“Our Perfect Disease”). Más allá de si Murphy y compañía han conseguido expiar o no, demonios personales, este segundo álbum ofrece temas mucho más maduros, con letras realistas y concretas de las que golpean dos veces. Como si al contar la historia de una depresión y hacerlo mientras sacudimos pies y cabeza, todo estuviera bien. “This Modern Glitch” consigue hacernos bailar con los sintetizadores ochenteros de rompepistas como “Techno Fan” o “Tokyo (Vampires & Wolves)” y engancharnos con melodías más dulzonas como “Anti D”. Porque al parecer, para hacer terapia, ya no hace falta sentarse en círculo en algún centro gris, siempre puedes coger tu guitarra, tirar de sintetizadores y concebir en lo más oscuro, lo mejor de ti. Y nosotros, mientras, bailaremos a su salud. Marta Terrasa

1111

Hay un chiste perverso entre los que quieren mal a The Horrors que dice que los londinenses pronto se quedarán sin décadas que saquear: si en su debut apuraron los sesenta, “Primary Colours” explotó los setenta por la vía del kraut y en “Skying” vienen a sacarle brillo a la épica romántica de grupos tan inequívocamente ochenteros como Echo & The Bunnymen, The Church o hasta Simple Minds. Reafirmarse en esta idea es un modo de negar una serie de logros impepinables. A saber: que con sólo tres referencias han conseguido una voz propia e inconfundible; que su trayectoria muestra una vocación exploradora, inconformista y casi experimental (respaldada sorpren-

dentemente por sus jóvenes fans); y que a pesar del peso de las influencias, los de Londres manejan un catálogo de referentes lo suficientemente amplio como para resultar mucho más escurridizos de lo que su cada vez más escaso número de detractores pretende. Es cierto que los ecos de los ochenta resuenan a lo largo de “Skying” -como lo han hecho siempre en los discos de The Horrors-, pero también que si hubiera que tomarles medidas con alguna de aquellas bandas sería con The Teardrop Explodes de Julian Cope, fanáticos continuadores de la tradición psicodélica más “druggy” y sinuosa. Ajenos a presiones de la industria, se han refugiado en su estudio para dar forma a un disco a la vieja usanza, con principio y final, de largo recorrido y en el que las reverencias también alcanzan a My Bloody Valentine, Primal Scream o 13th Floor Elevators. Un “trip” que se decía antes. Un “discazo”, que es como lo hemos dicho siempre. Luis J. Menéndez

en la onda

THE TEARDROP EXPLODES

THE CHAMELEONS

MY BLOODY VALENTINE

Claves junto a Echo & The Bunnymen para entender “Skying”. Ambos fueron referentes del movimiento siniestro y, sin embargo, no hacían más que adaptar a su tiempo la herencia psicodélica de los sesenta. El uso de los vientos en “Skying” tiene mucho que ver con este disco, como también la posición de la banda, a caballo del culto y el éxito masivo.

Ésta es fácil: The Chameleons siempre han sido una referencia básica para entender el romántico oscurantismo de The Horrors en cada una de sus (tres) encarnaciones. Y como resulta que “Skying” es el disco en el que de forma más evidente se aprecia la huella de los ochenta, por fuerza será también aquel en el que estos ecos resultan más evidentes.

Poco se ha hablado del peso de los temas más articulados de “Loveless” en “Skying”. Su influjo sin embargo es evidente en la grabación de guitarras (sintetizadas, por momento “derretidas”, reducidas a una masa sonora) y ritmos -cercanos a un beat electrónico-. ¿Crees que es casualidad que Cat’s Eyes versionen “To Here Knows When”? ■ L. J. M

“Kilimanjaro” (1980) POP 1111

“Script Of The Bridge” (1983) ROCK 1111

“Loveless” (1991) ROCK 11111

vinilos /36/ Septiembre 2011 · MondoSonoro

arctic monkeys, su rollo es el rock LA FUGA “Raíces” Dro

ROCK

Arctic Monkeys Foto Archivo

ARCTIC MONKEYS “Suck It And See” Domino/Pias

ROCK

11114

Cuando una banda alcanza los niveles de notoriedad ostentados por Arctic Monkeys debe asumir con naturalidad la obligación de refrendar virtudes en cada nueva entrega, demostrando que merece (y mantiene) tal estatus. El cuarto disco de los de Sheffield no sólo supera sobradamente el reto, sino que confirma al cuarteto como la formación británica más talentosa de su generación. “Suck It And See” es un álbum de maneras tradicionales, en plena resolución de esa fórmula que conjuga contundencia y distinción en codiciado equilibrio. Cortes como “Brick By Brick”, “Library Pictures”, “Don’t Sit Down ‘Cause I’ve Moved Your Chair” o “All My Own Stunts” inciden y mejoran

aquel rock áspero y musculoso protagonista en “Humbug” (09) -legado de un Josh Homme que ahora cede la totalidad de la producción a James Ford-, compartiendo espacio con pop oscurecido en base a muros de guitarras y deudor de grupos como Echo & The Bunnymen en “That’s Where You’re Wrong”, “Love Is A Laserquest” o “Reckless Serendade”. La inteligente elegancia interpretativa del vocalista Alex Turner lidera un conjunto de canciones entonadas con más convicción, porte y resolución que nunca, aunando el clasicismo de David Bowie, Scott Walker o Ray Davies, con la agresividad de Nick Cave. Los británicos firman un disco atemporal en el que la euforia juvenil de sus inicios canaliza definitivamente hacia una enérgica consagración, sin perder aquella característica dosis de descaro que hace seis años les distinguió entre sus contemporáneos. Raúl Julián

SPIFFHAUS

COSTO RICO

CULTS

Spiff

Satélite K

Columbia/Sony

“Abierto hasta el intestino” ROCK

1114

Si dos terceras partes de Liquid Machine no quisieron cortar relaciones es porque allí aún había madera e ilusión. Por eso, tras la incorporación de un tercero más a bordo y de un más que lógico cambio de nombre, su vuelta como Spiffhaus significa un más que interesante giro musical decantado hacia lo progresivo y a cierta experimentación. Si antes eran capaces de regalarnos riffs antológicos, ahora su trayecto vira en pro de desarrollar toda una espiral de caminos tortuosos, con múltiples eslabones a determinados faros de la progresía del rock y el vanguardismo, donde el cúmulo de intensidades y juegos discursivos les enzarzan en una accesibilidad dificultosa, pero que una vez abierta y explorada es de esas que más satisfacciones produce. Lejos de aspavientos, la suya es una combinación de fuerzas que insta al oyente a visitar en un mismo viaje tanto las cavernas de King Crimson como las simas de This Heat. Un notable debut –masterizado por Bob Weston- con vocación de abrir mentes y capaz de desconectar de las tendencias actuales con gran destreza.

Francesc Feliu

“Amanece” RUMBA

“Cults” 1112

Siempre ha sido difícil etiquetar musicalmente a los barceloneses Costo Rico porque simplemente siempre han hecho la mezcla de todo lo que les gustaba. Tan pronto se marcan un perfecto y rítmico reggae como una alegre rumba catalana. Y eso es justamente lo que nos vuelven a traer en su cuarto trabajo, dos años después del exitoso “Colorín Colorado”. Un nuevo disco que supera al anterior y en el que quizá se hace notar más la presencia del productor Marià Roch (Jarabe de Palo, Dusminguet, La Trova Kung-Fú), en aquellas canciones más rumberas del trabajo –“Equivócate” o la manolera “Bons amics” (que bien podría haber sido la canción de algún anuncio veraniego)-. Así, “Amanece” está, como siempre, lleno de reggae, de rumba, de rock, de tumbaos y de ritmos latinos. Canciones hechas desde una óptica alegre y muy cálida, tanto en la música como en la forma de contarnos las cosas en los textos (sirvan como ejemplo “Deu anys” y “En la memoria”). A destacar también la bella voz de Meri López y la colaboración de Che Sudaka en “No puedes volver”. En definitiva, Costo Rico han conseguido superar las expectativas. Ivan Ferrer

POP

1114

“Abducted” es el corte con el que se inicia el debut de este dúo, un tema polvoriento, con sabor a carretera, a postes de electricidad y a la promesa que al final del camino, todo estará bien. Una misma ruta trazada inteligentemente por Madeline Follin y Brian Oblivion, capaces de combinar el pop de las girl groups de los sesenta (“Bumper”) con melodías dreamy (“Never Heal Myself”), dando al conjunto un contrapunto actual, como ocurre en la hipnótica “Bad Things” o en “Rave On”. Sí, lo hemos dicho ya de muchos otros grupos, pero es que Cults no son los primeros en subirse al tren del revival.

Aunque ellos lo hacen con mucha gracia. En su propuesta hay algo que sabe a conocido, pero que habías olvidado; como volver a leer tu agenda del colegio pasados quince años o disfrutar de una tarta helada un domingo en familia. Es precisamente ese imaginario postteen sobre el que cantan Cults: amoríos, bailes de graduación, despecho y noches de verano acompañados por el dulce sonido de un glockenspiel. Once temas que te ofrecen una tregua, tras la cual serás capaz de sumergirte de lleno en el caos diario.

Marta Terrasa

114

El séptimo disco de los cántabros viene precedido por la salida de la banda del cincuenta por ciento de sus componentes.

Tanto Rulo (voz) como Fito abandonaron el proyecto por desavenencias personales y a Edu y Nando les tocaba la complicada papeleta de sacar adelante una de las bandas más importantes del rock urbano nacional. Tras la incorporación de Pedro (ex Mr. Fylyn) y Raúl (ya colaboró con la banda en la gira de “Nubes y claros” en 2006) el grupo emprende una nueva aventura con un resultado titubeante, para la que cuentan con invitados especiales como Alberto Cereijo (Los Suaves) o Alfredo Piedrafita (Barricada). La voz rasgada y melancólica de Rulo es substituida por la voz más dulce y sosegada de Pedro Fernández, con lo que el grupo pierde un elemento de los más identificativos de su personalidad hasta la fecha. Con ello, “Raíces” ocupa un puesto secundario en su trayectoria, víctima de una fórmula que, pese a sonar cien por cien La Fuga, ha perdido la espontaneidad y sentimiento de antaño. Tan solo “Gripado corazón” o “Arde el viernes” acaparan la atención para añadirse al extenso cancionero de la banda en concierto. En todo caso, este “Raíces” debe ser entendido como la primera piedra de lo que será de ahora en adelante la nueva formación de La Fuga. Marcos Martín Lora

DAMO SUZUKI & CUZO ”Puedo ver tu mente” Alone Records

PROGRESIVO

111

Tras varios meses de espera ve la luz el esperado disco que refleja uno de los conciertos que los barceloneses Cuzo ofrecieron en su gira con Damo Suzuki, mítico exlíder de los no menos míticos Can. Siendo el primero de ellos, de otoño de 2009 en Huesca, el concierto no abdica en un solo momento de su intención de mantener la tensión y la experimentación entre los cuatro músicos.

Es así, y entendiendo un directo como este, de menos de cuarenta minutos de duración, como una improvisación sin límites claros ni estructuras aparentemente concretas como se puede disfrutar de este disco de una manera más adecuada. Lograr un viaje lisérgico sin necesidad de más que lo que al oyente le entra por los oídos ha sido siempre uno de los caballos de batalla del progresivo espacial en el que se puede enmarcar este trabajo, y ese y no otro es el cometido de los movimientos en que se divide -“Puedo ver tu mente”, “Tiempo que no tiene ojos en medio” y “Billete sencillo para dos”- un disco que deja atrás la etiqueta de improvisación para abrazar la de experiencia única.

Ignacio Pato L.

WOLF GANG

“Suego Faults” Atlantic

POP

111

A lo largo de unos pocos años, el sello Neon Gold ha sido capaz de presentar a algunos nombres favoritos del pop electrónico actual (Passion Pit, The Sound Of Arrows, Monarchy,

Penguin Prison o los disueltos Yes Giantess,), aunque seguramente pasará más a la historia por descubrir artistas a discográficas multinacionales hambrientas de nuevos fichajes como Marina & The Diamonds, Ellie Goulding o Max McElligott, más conocido como Wolf Gang. Y eso demuestra que, en las majors, continúa habiendo gente con vista. No se trata de que Wolf Gang sea el no va más, de que sus canciones sean totalmente irresistibles o de que sus posibilidades comerciales sean indudables, pero sí se trata de algunos hits que, con el apoyo suficiente, podrían llegar lejos. El británico McElligott tiene algunos, sobre todo “Lions In Cages” y “The King And All Of His Men”, dos piezas frescas que vendrían a sonar como lo harían Empire Of The Sun interpretando canciones de The Killers, pero producidas por Dave Fridmann claro.

Con ello no va a convertirse en el artista del momento, pero sí se asegura una amable rotación en los platos de los clubes de indie bailable. Joan S. Luna

COMET GAIN

“Howl Of The Lonely Crowd” Fortuna Pop!

POP

11114

La esperanza es lo último que se pierde. Y los que somos fans de Comet Gain, aka el grupo donde hace y deshace a su antojo el siempre, para lo bueno y para lo malo, imprevisible David Feck, sabíamos que tras casi seis años sin nuevo trabajo de estudio, un tiempo que ha sido ocupado por varios singles y un recopilatorio (“Broken Record Prayers”) una maravilla como esta podía caer en cualquier momento.

A muy poca distancia del enrabietado “Réalistes”, una de las obras mayores de estos esquivos brigadistas del pop, los londinenses se reivindican de lo lindo con un disco donde recuperan el brío a lo grande gracias a una colección de canciones de aúpa. Si bien podrían ser definidas como pop encabronado, la verdad es que hay un poco de todo. Desde medios tiempos la mar de emocionantes en los que es fácil verse reflejado en las letras inconformistas de Feck -“Some Of Us Don’t Want To Be Saved”-, a guiños a Alternative TV en la rabiosa “Working Circle Explosive!”, e himnos de puño en alto marca de la casa como “Clang Of The Concrete Swans”.

Xavi Sánchez Pons

I AM DIVE “Fall”

WeAreWolves Records

POP

1114

El vocalista Esteban Ruiz aparca las obligaciones con su banda habitual, los recomendables The Baltic Sea, para unir fuerzas junto a José A. Pérez, guitarrista de los también andaluces Blacanova, y publicar el debut de I Am Dive en el siempre atractivo formato de EP. Un total de seis de temas de enorme delicadeza y hábil minimalismo instrumental, compuesto y desarrollado con cuidado extremo, además de presentado en un meritorio empaque artesanal de edición limitada (y numerada). La sobria pero implicante capacidad vocal desplegada por el cantante comparte protagonismo con la guitarra ejerciendo como fiel compañera, a las que añadir unas mínimas bases electrónicas en preferente segundo plano. Elliott Smith, José González, Bon Iver o Nick Drake resuenan entre las influyentes referencias del dúo. La atención y mimo latentes en la grabación alcanza y embauca al oyente, obligándolo a afrontar la escucha con el mismo contagioso respeto que late en esta otoñal serie de canciones inmersas en constante bruma, evocadora y nostálgica. Raúl Julián

MondoSonoro · Septiembre 2011 /37/

top10

vinilos

odio parís, unos alumnos aventajados

internacional

OWL CITY

“All Things Bright And Beautiful” Universal

POP

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

Justice

“Audio, Video, Disco”

(Warner)

The Rapture

“In The Grace Of Your Love” (DFA/Music As Usual)

The Drums

“Portamento”

(Moshi Moshi/Music As Usual)

The Horrors “Skying”

(XL/Popstock)

Girls

“Father, Son, Holy Ghost” (Turnstile/Pias)

Active Child

“You Are All I See” (Anti/Pias)

M83

“Hurry Up We’re Dreaming!”

(Naïve)

John Maus “We Must Become The Pitiless Censors Of Ourselves” (Domino/Pias) Foster The People “Torches”

(Sony BMG)

Jay Z & Kanye West “Watch The Throne” (Universal)

top10 nacional

111

Es muy probable (francamente las posibilidades son de un noventa y ocho por ciento) que esta vaya a ser la única crítica positiva del nuevo disco de Adam Young que ustedes vayan a leer firmada por un periodista musical estatal. En cierta manera puedo entenderlo. Owl City suena empalagoso, demasiado cercano a The Postal Service O Death Cab For Cutie, sospechosamente optimista y rematadamente cristiano para provocar adhesiones en nuestro círculo de amistades.

Pero miren, quizás por todo ello y porque algunas de sus canciones me parecen bonitas (no fantásticas, no impresionantes, sino bonitas, con todo lo bueno y todo lo malo que la palabra conlleva) no puedo evitar echarle un empujoncito bienintencionado a este “All Things Bright And Beautiful” y que me guste. Llámenme blandengue, pero es lo que hay. Me gustan sus pianillos, algunas melodías, esos sintetizadores tan inocentes, aunque tan efectivos, esos subidones que uno imagina hechos de marshmallows, esos textos que parecen escritos por el chico con gafitas que no alcanza a enamorar a la rubita de clase en las películas de los ochenta hasta que protagoniza una minúscula heroicidad, ese aroma AOR que respira la producción. Sé que no estoy solo, porque son ya varios los artistas que han tomado algo de Owl City, sumando su nombre como influencia a falta de que jamás hubo/habrá un segundo disco de The Postal Service, y mucho menos uno tan almibaradamente comercial y baboso como este. Desgraciadamente “All Things…” no es “Ocean Eyes”, sin duda el mejor trabajo de Young hasta la fecha, pero sí tiene algunas canciones que quienes comulgamos con su propuesta aun podemos disfrutar (“Deer In The Headlights”, “Galaxies”, ah, y sobre todo escuchen la versión de “Alligator Sky” sin rapeado). Y es que si existe un guilty pleasure en 2011, no cabe duda de que su nombre es Owl City. Joan S. Luna

Odio París Foto Blanca Viñas

ODIO PARÍS “Odio París”

El Genio Equivocado

POP

11114

Aturdido por navajas que atraviesan mis oídos, melodías que ante el estupor de los efectos y los pedales consiguen flotar por la mente y letras que ante el estruendo inicial acaban sumergiéndose en susurros familiares, uno no sabe si lo que oye es la banda sonora del limbo o de un paraíso terrenal en el que la coraza del ruido no es tal. Odio París no sólo han conseguido firmar uno de los debuts estatales más laureados del año, sino volver a hacernos creer en la salvaguarda del pop como arma sonora. Los barceloneses miran desafiantes al desamor

y la muerte puliendo los errores cometidos en aquella maqueta que ya nos hacía presagiar lo que tenemos entre las manos. Aunque tengan que sobrellevar las comparaciones con tótems de la ensoñación shoegaze como My Bloody Valentine o The Pains Of Being Pure At Heart (estos últimos, a diferencia de nuestros protagonistas, siempre han querido reflectarse en el caleidoscopio del indie-rock británico), Odio París han conseguido lo imposible: que uno tenga la necesidad de oírles en bucle sin cansarse. Desde que despega “Cuando nadie pone un disco”, no hay marcha atrás. Tanto bajo el umbral garagero (“Infierno”) como elevando premeditadamente las pistas vocales (“Don de Traci”), son igual de disfrutables.

Uno de los álbumes patrios más redondos de los últimos años. Sergio del Amo

HOLLY GOLIGHTLY & THE BROKEOFFS “No Help Coming”

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

Sidonie

Transdreamer Records

(Octubre)

ROCK

“El fluido García”

Chinese Christmas Cards “Barcelona” (Mushroom Pillow)

Mendetz

“Silly Symphonies” (Music Bus/Warner)

Airbag

“Manual de montaña rusa” (Wild Punk)

VV. AA. “¡Chicas! Spanish

Female Singers 1962-1974”

(Vampisoul)

I Am Dive “Fall”

(We Are Wolves Records)

The Secret Society

“Peores cosas pasan en el mar” (Gran Derby)

Tuya

“Own”

(Subterfuge)

Burrito Panza

“Solo y mal acompañado” (El genio equivocado)

Nu Niles “Nu Niles”

(Buen Ritmo)

1111

Siempre es un placer escribir unas líneas sobre cualquier historia en la que ande metida Holly Golightly. Declaré públicamente mi amor por ella en tiempos de las Headcoatees allá por los noventa, y sus discos en solitario, donde se convirtió en una suerte de Ray Davies con tetas, me hicieron quererla aun más. Lógicamente lo de esta mujer solo está reservado para unos cuantos locos, un servidor es uno de ellos, que hemos estado siguiendo sus diferentes encarnaciones y proyectos a lo largo de las últimas dos décadas. Últimamente los que tenemos ganas de la saciar el gusanillo de material nuevo de la británica nos estamos poniendo las botas con Holly Golightly and The Brokeoffs, proyecto donde comparte esfuerzos con Lawyer Dave a la hora de reivindicar el blues, country y demás estilos añejos de la música yanqui. Capaz de resultar vacilones (“No Help Coming”) y encantadores (ojo con la preciosa “The Only One”) a la vez, Golightly y Dave son dos verdaderos perros verdes capaces de dar luz propia a un género transitado una y mil veces.

Sirvan como muestras las curiosas apropiaciones del “Here Lies My Love” de Ray Agee y el “L.S.D (Rock ‘N’ Roll Prison)” de Wavy Gravy. Xavi Sánchez Pons

ZOMBY

LAYABOUTS

ORTHODOX

4AD/Popstock!

Homeless Records

Alone

ELECTRÓNICA

“Baal”

“Savage Behavior”

“Dedication” 1111

En una entrevista reciente para la revista Self-Titled, Zomby ponía sobre la mesa dos claves esenciales para introducirse en su segundo disco. Por un lado al afirmar que “me echaron de escenas de las que no había pedido formar parte”. Efectivamente, el sector duro del dubstep no ha digerido del todo bien que el autor de “Where Were U In ‘92” demuestre amplitud de miras y presuma de bagaje musical tres años más tarde, en su debut para un sello tan poco clubber como 4AD. Por otra parte y desde el propio título, “Dedication” viene a ser una carta al padre muerto, un ejercicio de exorcismo personal en el que el baile da paso a otro tipo de estructuras más cercanas al minimalismo de Phillip Glass que al del sello Kompakt, sobre las que siempre planea un halo, si no deprimente, cuanto menos melancólico. En cierto modo “Dedication” representa para la electrónica lo que el “Young Prayer” de Panda Bear (invitado en “Things Fall Apart”) al folkpsicodélico: la pérdida como motor, un viaje sin quitamiedos e imperfecto a lo profundo del alma humana. Luis J. Menéndez

ROCK

1111

Este es el paso adelante que a todo grupo le gustaría hacer y que, o bien, a veces no quieren, o bien, a veces no puede hacer.

Layabouts lo han hecho y por eso hay que estar de enhorabuena. Atrás quedan sus dos primeros discos, el primero con sintetizadores y guitarrazos bailables y el segundo demostrando lo que corroboran con este tercero. “Savage Behavior” es un disco de rock sin paliativos. Y así de paso, dejan muy claro lo que quieren ser y lo que siempre han querido ser, un grupo de rock. Diez temas llenos de rabia y adrenalina, exactamente lo que muestran en sus directos.

“Rock’s Dead” abre la veda como declaración de intenciones, temas como “Fire” o “River Of The moon” mantienen la línea general del disco, “Chevy” y “Rollercoaster” suenan a próximos himnos en la discografía del grupo y apenas nos dan un respiro con “Falling Over”, en este efectivo disco de principio a fin. El paso adelante está dado, ahora solo queda seguir reafirmándolo en directo y que de paso el país se abra un poco más al rock and roll, que no, no está muerto. Marcos Martín Lora

METAL

1111

Siempre personales, con esa esencia que les hace tan reconocibles, esta nueva entrega de los sevillanos no sólo es meritoria por saber dar continuidad a esa vena más exploradora en la que ahondaron en su anterior entrega, “Sentencia”, sino también por lograr izarla con las texturas metálicas de su debut, “Gran Poder”. Es pues esta cuarta grabación otro paso adelante en la carrera del grupo, en el que sus intentos por no ceñirse a ningún cinturón que les constriña les lleva a ampliar las formas de su lenguaje ya establecido con una suerte de doom, que intensifica su lado más salvaje y áspero, aunque sin renunciar a los espacios informes donde lo atmosférico y lo ritual –como no, de tintes andalusíes- deviene protagonista principal. Cinco temas donde la multiplicación de intenciones se revela como un acertado camino donde el trío vuelve a reinterpretar músicas de corte tradicional dotándolas de un cuerpo metálico y opresivo, con algunos matices más respecto sus anteriores trabajos, y con el cual siguen erigiéndose en una de las bandas más atípicas y originales de nuestras tierras. Francesc Feliu

vinilos /38/ Septiembre 2011 · MondoSonoro

foster the people, a la busca del hit single AZARI & III “Azari & III” Coop/Music As Usual

ELECTRÓNICA

Foster The People Foto Archivo

FOSTER THE PEOPLE “Torches” Columbia

POP

1114

El debut de Foster The People viene a ser ese disco con el que te preparas para salir, con el que conduces horas hacia los festivales del sur y que termina quemado a finales de verano. Diez canciones pop que juguetean con la electrónica, las percusiones contundentes y que caminan en el borde de la psicodelia más digerible.

Como unos Empire of The Sun con menos parafernalia y unos Phoenix mucho más discotequeros (“I Would Do Anything For You”, “Call It What You Want”). Difícil resistirse al encanto naïf y fresco que desprenden, en un momento en que tantos grupos gastan synth pop

bailable. “Don’t Stop (Color On The Walls)” y “Pumped Up Kids” son los singles evidentes; fáciles y divertidos que enganchan a la primera y repiten en el reproductor. Sin embargo, “Waste” y “Helena Beat” -con su fusión de tambores, trenes y sintetizadores-, son de esos temas que descubres a la sexta escucha y aprecias todavía más; el equivalente a un "Electric Feel" de MGMT. Aunque algunos consideren que rompen la hegemonía bailonga del disco, los de Los Ángeles son demasiado jóvenes para recordar las noches de Studio 54, así que “Torches” idea su propia versión nutrida por las cintas VHS, los skate parks de Santa Mónica, los cedés, la actual ola revival ochentera y el sol californiano. Y quien les critique por su aparente superficialidad es que está demasiado ocupado como para pasarlo bien.

Marta Terrasa

VV. AA.

FATBOY SLIM

BORIS

Fantasy/Concord

Skint Records

Sargent House/Popstock!

“Best Of Bootlegs”

“Rave On Buddy Holly” ROCK

1111

Afrontar un disco tributo siempre lleva implícita una gran dosis de desconfianza, más aun cuando se trata de un artista tan influyente y precursor como Buddy Holly.

Por eso es necesario olvidar purismos y prejuicios que entorpecerían la asimilación de un conjunto de revisiones que aúna anárquicamente lecturas respetuosas con adaptaciones libres. Una vez aceptada la premisa, sólo queda disfrutar con la deslumbrante nómina de artistas que, desde su probada y personal capacidad como compositores, acometen las inmortales piezas del maestro. Leyendas por méritos propios dentro de la historia de la música como Nick Lowe, Graham Nash, Patti Smith, Lou Reed o el mismísimo Paul McCartney, comparten espacio con imprescindibles contemporáneos de diferentes perfiles como The Black Keys, Julian Casablancas, My Morning Jacket, She & Him o Modest Mouse entre otros.

Una referencia que alcanza a ser más que un simple homenaje, imponiéndose como una curiosidad de enorme interés protagonizada por destacados nombres bajo la devoción común por el genio de las gafas de pasta negra. Raúl Julián

ELECTRÓNICA

“Attention Please”/“Heavy Rocks” 11

Tras rebautizarse artísticamente como Fatboy Slim a mediados de los noventa, Norman Cook logró acercar la electrónica a un público masivo, convirtiendo automáticamente sus canciones en objetivo fácil para incontables compañeros de profesión y en herramienta esencial para caldear ambiente en salas y festivales de gran capacidad.

Nunca he encontrado demasiado sentido a unos remixes que, con demasiada frecuencia, despellejan las bases del acierto para situar el resultado muy por debajo de la pieza original. La presente referencia agrupa diez remezclas ya conocidas de artistas como Riva Starr, Abel Ramos o Markus Schulz junto a un corte firmado en exclusiva para la ocasión por Lazy Rich, ejecutadas sobre revisiones de celebrados temas del británico como “Praise You”, “Star 69”, “Weapon Of Choice” o “Rockafeller Skank”. Lejos de evitar la tónica habitual, el conjunto muestra un mismo patrón con extensas y machaconas relecturas destinadas sin disimulo al desfase dance. “Best Of Bootlegs” es un artificio recomendable exclusivamente (y con reservas) a fanáticos del género y coleccionistas. Raúl Julián

ROCK

1114

Los tres discos que Boris publica simultáneamente en Japón se reducen a sólo dos en el resto del mundo. Por el camino se queda un “New Album” que -me dicen, me cuentanse centra en la cara más dulce del trío. No en vano comparte algún tema con “Attention Please”, posiblemente lo más accesible que haya publicado la banda nipona hasta la fecha. Un trabajo cantado íntegramente por primera vez en su trayectoria por Wata, cuota femenina de la banda y también encargada de rascar unas guitarras más atmosféricas que nunca. Afilados como son aun cuando no lo pretenden, el lavado de cara les pone a transitar caminos similares a los de los últimos Blonde Redhead. “Heavy Rocks”, con Takeshi al frente, nos advierte desde el mismo título de que, esta vez sí, el trío pondrá los amplificadores a zumbar para llevar a cabo otro ejercicio de rockismo con matices. No es casualidad que nueve años después recuperen el título de uno de los discos que sirvió para colocarles en la vanguardia del stoner internacional. Tampoco lo es la colaboración de pesos pesados como Ian Astbury o gente de Isis, Mamifer o Ghost.

Luis J. Menéndez

1114

Housete del bueno, del de cerrar los ojos y mover el culete, del de agitar la cabeza como si no hubiera un mañana. Eso es, en esencia, lo que podemos encontrar en el debut homónimo de Azari & III: house elegante y hedonista, electrónica retro, nocturna y fiestera a más no poder, toda una oda a las pistas de baile de los primeros noventa. Desde los primeros sintetizadores y los beats filo-disco de “Into The Night” a ese hit underground enmarañado de bajos ultrarápidos que es “Manic”, los once cortes de este disco se mueven en terreno estrictamente dancefloor, pero lo hacen de maravilla. El divismo vocal housero de la época que rememoran sin pudor también está muy presente en todo el álbum, especialmente en la mencionada “Into The Night” o en “Reckless (With Your Love)”, donde los pianos y las cuerdas llevan las riendas de unos ritmos irresistibles. Si este disco tiene un defecto es ser demasiado repetitivo e insistente en su homenaje. Temas más oscuros y electro como “Manhooker”, abren caminos que podrían dar al combo canadiense la clave para unos futuros trabajos algo más personales. Virginia Arroyo

VV. AA.

“¡Chicas! Spanish Female Singers 1962-1974” Vampisoul

POP

1111

A la manera de la imprescindible serie de recopilatorios de Ace Records “Where The Girls Are” y sus sucesivos hijos (“Good Girls Gone Bad”, “Girls With Guitars”…), Vampisoul se atreve a repasar, en un golosísimo volumen, un buen número de canciones de cantantes y grupos españoles femeninos. Operación que desde ya pide a gritos nuevas entregas, este “¡Chicas!

Spanish Female Singers 1962-1974” es un auténtico festival para todo aquel que haya trasnochado más de una vez con Juan de Pablos y su “Flor de Pasión”, o para quien quiera, simplemente, hacerse una idea de lo atrevidas y sorprendentes que eran algunas de las chicas que se dedicaban a esto del pop en años de la Dictadura. De la selección, muy acertada, cabe destacar que hay un poco de todo, siendo el ye-yé el género más predominante. Ahí está la icónica versión de Sonia del “Get Off Of My Cloud” de The Rolling Stones, que aquí se bautizó como “Aquí en mi nube”, la no menos legendaria “Y… Y…” de Gelu o hits inapelables como “Llovió” de Ellas y esa cima del soul pop patrio que es “Mi Baby” de Marisel. Xavi Sánchez Pons

ART BRUT

“Brillant! Tragic!”

Cooking Vinyl

ROCK

111

Olvídense definitivamente de vistosos himnos hooligan para cantar puño en alto o jarra de cerveza en mano. Renuncien a pepinazos tipo “Emily Kane”, “Formed Band”, “Direct Hit” o “Alcoholics Unanimous”. La banda británica Art Brut encrudece y enreda severamente el sonido de su cuarta

entrega, dando prioridad a unas guitarras que colonizan sus nuevas canciones hasta demostrar que antes de entrar al estudio han repasado a fondo el catálogo de Pixies. Con una instrumentación cercana a The Strokes, “Lost Weekend” es lo más parecido a un sencillo al uso que habita entre la decena de nuevos cortes, porque el carismático vocalista Eddie Argos vocifera ahora desde un segundo plano con esa particular capacidad que aúna elegancia y contundencia. “Brillant! Tragic!” va encrespándose con el trascurrir de los temas hasta tocar techo cerca del final con las ruidosas “Axl Rose” y “I Am The Psychic”. Se agradece la intención del combo de buscar nuevos caminos entre los que desarrollar su obra pero, a pesar de lo interesante del resultado, es aquella pose arty con la que alcanzaron fama la que mejor les sienta y ajusta a la perfección. Raúl Julián

WHITE DENIM “D”

Downtown Records

ROCK

1111

El trío tejano White Denim diseña en su cuarto disco de estudio un inquietante, entrelazado y excéntrico rompecabezas sonoro, con el que certifica su obra definitiva tras aprovechar con extremada eficiencia los escasos cuarenta minutos aquí contenidos.

Un viaje empapado en ácido y concretado a través de psicodelia, blues duro y rock progresivo que incluye piruetas sónicas, jugosos cambios de sentido, amplios desarrollos instrumentales y alucinadas e inquietantes capacidades evocadoras. Composiciones como “It’s Him!”, “Burnished”, “Bess St.”, “At The Farm” o “Anvil Everything” motivan una intensidad y celeridad demoledora, sólo suavizada durante la maravillosa emotividad desprendida por “Street Joy” o “Keys” y el misticismo sixties latente en “Is And Is And Is”, completándose el conjunto con la colorida invitación de “River To Consider”. “D” es un álbum de enorme riqueza que invita a profundizar incansablemente entre sus diferentes estratos, hasta propiciar la absoluta satisfacción del oyente inquieto y alejado de convencionalismos. Raúl Julián

ANR “Stay Kids” Something in Construction

POP

111

Usan la misma electrónica pop y colorista, que busca el efecto y la emoción, que la de Yeasayer, Hot Chip, MGMT o TV On The Radio, a quienes incluso remiten por el tono vocal. Con ella, además, construyen un pop no muy equidistante al de Memory Tapes, quienes ya les han regalado algún que otro remix. Otro disco más con el que exhalar un festival de verano; una fiesta de luces y colores a base de pop sintético y ácido, fuegos de artificio y aires pletóricos y épicos que dejan la sensación de oxigenación. Le dan al pop psicodélico y al soul-funk espacial ochentero tal como si trazaran los momentos synth-pop de Prince, pero con mucho más confeti. Sin embargo tienen momentos más ambientales y orgánicos que cuadran con el pop escapista de Animal Collective como en “Tapes”.

Para quien no les recuerde de su debut de ya hace unos años, de 2005, Michael John Hancock y Brian Robertson son un dúo de Miami que para la edición de este segundo trabajo han reducido a meras siglas su nombre Awesome New Republic y han dado a las canciones una producción grandilocuente y de majestuosidad que llena de partículas el espacio, al igual que en su terreno lo hacen The Flaming Lips. Celestí Oliver

MondoSonoro · Septiembre 2011 /39/

THE SIDE POCKETS “Keep It Local” Irregular

ELECTRÓNICA

111

¿Qué ocurriría si Brandon Flowers y sus The Killers se empeñaran en desquitarse de las guitarras y tirarse en plan suicida (aún más) a la pista de baile? Pues seguramente algo parecido a “Smashing Windows”, uno de los temas que conforman el debut de The Side Pockets, la banda liderada por el vocalista Damian James (antiguo frontman de Anorak), el Dj Rubén Moreno, Jaume Pagès (búsquenlo como Jaumëtic o Phil Link) y Miqui Martínez.

Aunque en la nota de prensa de su discográfica nos pongan en aviso de que lo suyo es una recreación de la escena de Madchester y la new wave (“Come Out” y “Snapshots” en todo caso), el cuarteto pone toda la carne en el asador de las cajas de ritmo y los sintetizadores a la hora de crear un álbum que es una invitación al disfrute de los nostálgicos del synth pop de estribillos memorables (ese revival de dance noventero llamado “Stars” lo gozaré a base de bien durante semanas).

Puestos a buscar pegas, de lo único que se le podría tachar al grupo es de evidenciarnos explícitamente algunas de sus referencias.

Sergio del Amo

OLIVEMOON

“The Thickest Forest” Autoeditado

FOLK

1114

Cuatro años de existencia le ha llevado a Olivemoon presentar este trabajo de ocho temas. Con guiños a Wilco en los pasajes más rock y reverencias a Beirut en los más exóticos, la formación sueco-catalana consigue, no obstante, encontrar una voz muy personal y construir un discurso coherente y preciosista en este “The Thickest Forest”. Folk luminoso plagado de pequeños matices y detalles que nos vuelven a enamorar en cada nueva escucha. A la instrumentación clásica del pop-rock Olivemoon le añaden instrumentos más atípicos como el didjeridoo o la melódica, sonidos extraídos de objetos cotidianos como cazuelas o vasos, y el banjo y ukelele, tan comunes en el ámbito folk y tan bien exprimidos en estos ocho cortes. Dominado por los medios tiempos paisajísticos, el disco te envuelve con su manto y la voz de barítono de Marc Navarro te mece suavemente hasta la agradable sacudida de la alegre y energizante “Ohhh” seguida de “Feeling High”. Dicen que la escena catalana está en plena ebullición y, con grupos como éste, la cosa no tiene visos de parar ahora.

Virginia Arroyo

SHOULD

“Like A Fire Without Sound” Words On Music/Green Ufos

POP

1111

El tercer álbum entregado por la enigmática banda de Baltimore desde el año 1993 no resulta poseedor de ninguna dote grandilocuente que vaya a destacarlo forzosamente en las portadas de la prensa especializada. A cambio su escucha resulta accesible y francamente gratificante, con una equilibrada mezcla de delicado shoegaze, pop ensoñador y ramalazos folk que ensi-

misma y convence sin atisbo de duda. Es el excepcional valor de aquella obra creada con sentimiento y acierto, incluyendo nueve cortes cocinados a fuego muy lento, con especial cuidado en evitar que prisas y agobios estropeen una receta encantadora. Los norteamericanos logran seducir al oyente tras compartir esas sensaciones gracias a la belleza de composiciones engalanadas por las voces compartidas de Marc Ostermeier y Tanya Maus, principales artífices del proyecto. Un disco en el que apetece zambullirse una y otra vez para empapar la mente de su placidez latente, mientras se descubren detalles inéditos a cada nueva inmersión disfrutando de la herencia imprescindible de formaciones como Galaxie 500 o Yo La Tengo. Raúl Julián

vinilos

La selección Jäger:

css, viva la vida

ARBOREA

“Red Planet” Strange Attractors

FOLK

1114

Trotamúsicos especialmente vinculados a nuestro país -“House Of Sticks” se publicó en el sello castellonense Borne! y este nuevo disco incluye un tema titulado “Spain”-, representantes de esa otra cara de la oleada weird folk ajena a las revistas de tendencias, irreductible, insobornable, y de la que encontrarás infinitos ejemplos visitando el referencial blog Microphones In The Trees, el dúo de Maine va ya por su cuarto largo, recopilatorios y directos al margen. Apenas se mueven de sus premisas sonoras, que parten de los desnudos y polvorientos sonidos de los Apalaches, se fijan en pioneros como John Fahey o Robbie Basho -no es casualidad que Buck coordinara el pasado año un disco de homenaje a éste último- y toma prestados, sobre todo en el aspecto vocal, elementos del folk británico. Y a partir de ahí las diez canciones que componen “Red Planet” y que desarrolla la pareja con la ayuda de algún que otro ilustre como Helena Espvall (Espers) al cello, aspiran a trasladarnos a un estado de hipnosis siempre a partir de la repetición, de un intrigante uso del espacio sonoro y los silencios y, por encima de todo, sosteniéndose en la hermosísima y susurrante voz de Shanti Curran. Luis J. Menéndez

STATUS QUO

“Quid Pro Quo” Fourth Chord Records/Edel

ROCK

1111

No debe ser sencillo afrontar tu álbum de estudio número veintinueve. Claro que en el caso que nos ocupa habrá quien afirme que no existe tal problema, como en sus veintiocho discos anteriores, tan solo deben volver a desordenar los tres acordes, repetirlos en orden aleatorio y p’alante. Bromas aparte, la longevidad del quinteto británico -camino de los cuarenta y cinco años de carrera- y los frutos que por el camino han ido dejando son ya muestra de una relevancia y creatividad merecedoras de entrar destacadas en la historia del rock. Cuatro años después de su último trabajo de estudio (el mayor hiato en su larga historia), y tras alguna recopilación y disco en directo aligerando la espera, llega por fin un nuevo proyecto con canciones nuevas. Y las sensaciones no pueden ser más positivas. Los ingleses recuperan el pulso rockero de sus mejores trabajos como “Heavy Traffic”, “Under The Influence” o “Rock ‘Til You Drop”. Alejados del bache compositivo de sus dos últimos álbumes, retoman las mejores sinergias en las composiciones del grupo. “Rock‘n’Roll‘n’You”, “Dust To Gold” o “The Winner” muestran una banda a pleno rendimiento, mientras que “Better Than That” o “Frozen Hero” tienen ese inconfundible toque Quo que las hace irresistibles.

Robert Aniento

CSS Foto Archivo

CSS

“La Liberación” V2/Coop/Music As Usual

POP

1114

Lejos de desfallecer ante las acusaciones de grupo con-fecha-de-caducidad/ fenómeno de temporada, los brasileños se descuelgan con un tercer disco que deja bien a las claras que aún tienen cuerda para rato. Sin renovar un ápice sus señas de identidad, es decir, ese pop bailable de teclados de feria con fugas ocasionales al indie rock de los noventa más destartalado, Cansei De Ser Sexy vuelven a entregar un trabajo en el que la diversión y la búsqueda del hit inmediato lo son todo.

Sin llegar a las cotas de inspiración de su primer y

mejor disco, el celebrado “Cansei De Ser Sexy”, “La Liberación” ofrece suficiente carne a la que hincar el diente. Rompepistas absolutos como “You Could Have It All” (desde ya una de las mejores canciones de los de Sao Paulo) y “I Love You”, aires caribeños y pachanga bien entendida con las estupendas “Hits Me Like A Rock” (donde cuentan con la colaboración de Bobby Gillespie) y “Echo Of Love” (esta última muy en la onda de Bow Wow Wow), o esa curiosidad en clave punk pop que es “La Liberación”, canción que da nombre al disco y en la que Lovefoxxx se atreve con el castellano.

Xavi Sánchez Pons

vinilos /40/ Septiembre 2011 · MondoSonoro

airbag, guitarras y estribillos

Airbag Foto Archivo

AIRBAG

“Manuel de montaña rusa” Wild Punk

POP

1111

Si alguien pensaba que por refinar su sonido, armonizar las voces o invitar a Mai Meneses al estudio, los andaluces Airbag habían perdido su actitud punk, que se lance por los raíles de esta trepidante montaña rusa de subidones y bajones adolescentes, de situaciones insólitas, que no se pueden describir en un post o un tweet y que unas veces te producen ternura y otras simplemente risa. Y es que contar historias como las de “Opencor” –donde colaboran Los Nikis al completo- o “22”, con los treinta

PRAXIS

SUMMER RECREATION CAMP

“Profanation: Praparation For A Comino Darkness”

“Dolphins In Love” Foehn

ELECTRÓNICA

ya cumplidos, es bastante más punk que llevar una camiseta de GBH hecha jirones. Salvado el fondo, vamos con la forma. Ya en su anterior álbum, “Alto disco” (Wild Punk, 2011), Airbag buscaron la ola perfecta, tras muchos revolcones con la ecualización de sus discos, y en este nuevo trabajo, con Carlos Hernández (Los Planetas, Pereza, Triángulo de Amor Bizarro) como su Phil Spector personal, han conseguido acariciar ese power pop estiloso de sus admirados Weezer con sintetizadores, turbo rat y armonías vocales que otorgan a temas como “La ola perfecta” –en los coros de Josema Dalton- o “Trailer” un sonido grande. Por otro lado, es cierto que los personajes de “Alto disco” superaban a estos de ahora, pero no todos los veranos pueden ser tan especiales como aquel. Arturo García

M.O.D. Technologies/Popstock!

111

Aunque poco conicido, Cristian Subirà siempre ha sido un elemento activo dentro de la escena alternativa barcelonesa. Ya desde sus inicios en los bizarros Dead Man On Campus, su paso por Coconot y su más reciente trayecto como Narwhal, ha dado muestras de ser un personaje inquieto y poco clasificable, hecho que demuestra con la publicación de esta primera incursión como Summer Recreation Camp. Un proyecto en solitario en el que se adentra en un género al que últimamente ha volcado sus intereses como es el ambient, aportando treinta minutos de atmósferas relajantes que el barcelonés sabe aderezar con efluvios dream pop y cierto componente luminoso -entre nostálgico y melancólico-, gracias al empleo de guitarras ralentizadas, coros evanescentes, susurros volátiles e, incluso, hasta cierto tropicalismo soterrado. Siete composiciones bien resueltas, que no desentonarían al lado de Badalamenti o los primeros pasos de Fliyng Saucer Attack y Labradford, teñidas de un meritorio carácter propio dentro de ese difícil campo que es lo ambiental, donde lo realmente complicado es saber apartarse de lo recurrente. Francesc Feliu

ROCK

WARREN HAYNES “Man in Motion” Provogue

SOUL 1114

Grabado en 2008 pero no editado en Estados Unidos y Europa hasta este 2011, motivo por el cual hasta este momento sólo se podía encontrar en Japón, parece que son muchas las interpretaciones que pueden darse del enésimo trabajo de este proyecto de Bill Laswell. Porque entre el empacho de una sesión extenuante de metal, hip-hop, jazz, dub. funk y rock, a la del artefacto con estética inspirada en el corta y pega, rozando el set list radiofónico, lo que queda es un competente cúmulo de canciones moldeado y recalificado tanto por el mismo núcleo duro de la formación –el compuesto por Laswell, Buckethead y Brain-, como por sus músicos de grabación -la multitud de colaboraciones vocales (Ramme llzee, Maximum Bob, Iggy Pop, Killah Priest, Serj Tankian, Mike Patton) o instrumentales (Bernie Worrell, PhonosycographDISK, Grandmixer DXT). Una increíble amalgama musical de resultados frescos, potentes e interesantes, aunque también algo inconexos, con ganas de incluir dentro de la vanguardia a un formato rock con capacidad para contentar a diversos públicos. Francesc Feliu

1114

Merecidamente venerado como uno de los grandes iconos del rock sureño de los últimos veinte años, Warren Haynes es en realidad un declarado fanático del soul. De hecho, fue a través de ese negro estilo y sus inigualables vocalistas como la música entró en su vida para quedarse. Y ahora que Gov’t Mule parecen necesitar un descanso para tomar carrerilla e intentar regresar por fin con otro gran disco de estudio, y mientras la Allman Brothers Band limita su actividad a unos pocos shows al año, la ocasión se ha presentado que ni pintada para que Haynes cambie de tercio y regrese a sus raíces. Es decir, que los fans que ansíen el hard southern rock de sus primeros discos tendrán que seguir esperando, porque lo que hay aquí es un montón de soul y de funk, con un sonido pulcro y detallista, arreglos de viento magníficos, invitados con la clase de George Porter (Meters), Ivan Neville o Ian McLagan (The Faces) y, por supuesto, un Warren Haynes siempre reconocible, tanto por su personalidad a las seis cuerdas como por la calidez de su voz. Giro acertado en el momento justo, aunque en el fondo esperamos que sea circunstancial. Xavier Llop

mondorecomienda

/42/ Septiembre 2011 · MondoSonoro

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELÍCULAS ★ CLIPS ★ documentales

cómics

LIBRO El gato Frank Foto Archivo

Wonder Wart-Hog Gilbert Shelton La Cúpula (111)

Humor gamberro y delirante de la mano del pionero underground Gilbert Shelton, que recoge en este volumen las mejores historias de una de sus creaciones más bizarras: el superserdo. Un héroe imposible, duelos de locura contra villanos de pacotilla, crítica velada al americanismo oxidado y mucha caspa y mala baba con el punto justo de grosería. Daniel Arnal

Los hijos del deseo Gabrielle Piquet Sins Entido (1114)

Segundo trabajo de esta joven dibujante que ya había visto publicado en nuestro país a través de La Cúpula “Tres veces uno”, adaptación al cómic de unos relatos de Tonino Benacquista. Y si entonces ya nos había llamado la atención su preciosista apuesta por la línea clara, ahora esa impresión inicial sale reforzada con su primera historia larga, un emocionante relato protagonizado por un joven pintor. L.J.M.

Girls Don’t Cry Nine Antico Glénat (11)

Colección de historietas que tiene su origen en un encargo para la revista femenina juvenil Muteen. Sus protagonistas, pues, son un trío de adolescentes cuya mayor preocupación vital radica en dilucidar a quién le ha crecido más el culo en verano y dirimir si es temporada de flequillos. Una critica no demasiado mordaz a la vacuidad de las tendencias, a caballo del shojo y “Esther y su mundo”, cuyo mayor atractivo radica en el homenaje a The Cure de la portada. L. J. M.

El héroe

David Rubín Astiberri (111) David Rubín revisita el mito de Herácles (en dos libros) a través de un recorrido por sus famosas doce pruebas. Con una paleta cromática tan recargada como espectacular y ciertos dejes manga en las recreaciones pictóricas, Rubín plantea la mitología y sus figuras desde una perspectiva épica más humana y cercana al lector, consiguiendo una lectura agradable y amena. Daniel Arnal

FERMÍN SOLÍS

YO MISMO Y MI MECANISMO “Mi organismo en obras” es la tercera entrega de las aventuras de Martín Mostaza, alter ego de Fermín Solís con el que el autor cacereño echa una nostálgica mirada a la cultura de los ochenta.

Un lugar equivocado Brecht Evens Sins Entido (1111)

Premiada en la última edición de Angoulême como la obra más singular del año, la primera obra de Brecht Evens publicada en nuestro país funciona como una preciosa colección de postales en las que domina poderosamente el uso de la acuarela. En lo narrativo el belga también busca la ruptura, con una historia coral en la que reúne a un montón de personajes en una fiesta de antiguos alumnos, saltando de conversación en conversación, intrascendente las más de las veces, desesperanzador otras... L.J.M.

Skin Deep

Charles Burns La Cúpula ( 1111) Enésima reedición de material del estadounidense Charles Burns, pero no por ello menos necesaria. “Skin Deep” reúne tres historias (“Dog Days”, “Born Again” y “A Marriage Made In Hell”), publicadas originalmente entre 1989 y 1991. Una forma excelente de adentrarse en el mundo oscuro, crítico y pulp de uno de los autores americanos más personales y particulares. Ernesto Bruno

El vendedor de estropajos Fred Vargas y Edmond Baudoin Astiberri (111)

París es una ciudad cruda, violenta y poética a partes iguales. Por lo menos en el universo del escritor Fred Vargas y en los casos del comisario Adamsberg, algo que consigue plasmar a la perfección el siempre personal y Edmond Baudoin en este segundo trabajo compartido por ambos creadores tras “Los cuatro ríos”. E.B.

Miguel, 15 años en la calle Miguel Fuster Glénat (111)

Miguel Fuster fue un destacado dibujante de la etapa dorada de Bruguera y cuya vida dio un día un giro de ciento ochenta grados para dejarle tirado en la calle y alcoholizado por quince años. En su ilusionante regreso a los pinceles el de Barcelona nos cuenta su terrorífica experiencia, que es la de cualquiera de los numerosos homeless que nos cruzamos a diario. Lo hace con una narrativa poética, en ocasiones apostando por el relato ilustrado y conduciendo hacia el expresionismo lo clásico de su trazo. L.J.M.

“Mi organismo en obras” Fermín Solís La Cúpula

F

ermín Solís mira con nostalgia a los ochenta, y un poco más allá, porque en esta entrega Martín, su alter ego, se aproxima a la mayoría de edad y con ella a la eclosión grunge... “Si los anteriores libros eran una sucesión de anécdotas hiladas por recuerdos de juegos, series de televisión y revistas de la época, con este he escarbado más en mi interior y he tirado de emociones y sentimientos. Dibujando a este personaje disfruto mucho más que con otro tebeo, pero también me supone un gran esfuerzo emocional”. Los referentes musicales, casi constantes en la obra de Solís, son aun más numerosos en “Mi organismo en obras”. “Es lógico porque este tercer libro se centra en la adolescencia.

Era una época en la que escuchaba a The Fall pero también el ‘Max Mix 4’ o cualquier otra cosa que me gustase. No éramos tan selectivos como ahora”. De hecho Fermín asegura que cada uno de sus tebeos tiene su propia banda sonora, y alguna incluso puedes encontrarla en forma de lista pública en su perfil de Spotify. “Por ejemplo mientras dibujaba ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’, los discos que más sonaban eran los de Matt Elliott, James Yorkston, Vic Chesnut o Nick Cave, y mi próxima novela gráfica, que girará sobre el mito de Medea ya cuenta con banda sonora compuesta por temas de Eluvium, Fennesz, Ferry November, Diatonis o Codeine”. Y paralelamente a su actividad como dibujante de tebeos mantiene su faceta como músico formando parte de su proyecto pop (Burgim) y los juguetones Días X Menos 60, electrónica de baratillo y estética sci-fi que cuenta como el día más ilusionante de su corta trayectoria fue aquel en que “Mike Shirley, miembro del mítico grupo post punk Jungle Nausea, nos escribió pidiendo hacer una remezcla de una de nuestras canciones y felicitándonos por la versión que habíamos hecho de uno de sus temas. Flipamos”. ■ Luis J. Menéndez

libros La pregunta de las diez de la noche Kate De Goldi Reservoir Books (1111)

Si en su día te gustó el centeno de Salinger, deja ya las lecturas de verano. Este libro también limpia por dentro, y esconde una carga emocional que te llevará de la risa al suspiro o incluso al llanto. En las antípodas, un joven se enfrenta a una chica nueva a la escuela. Luis Argeo

El mismo río

Jaan Kaplinski Editorial Escalera (1111) El gran nombre de las letras estonias y permanente candidato al Premio Nobel Jaan Kaplinski dibuja un soberbio mapa espaciotemporal merced a una gran historia en la que su alter-ego, un joven filólogo y poeta, intenta salir adelante en un mundo adulto marcado por el fallecimiento de Stalin y la inminente efervescencia de una profunda revolución sexual y cultural. Daniel Arnal

MondoSonoro · Septiembre 2011 /43/

mondoRECOMIENDA

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

Piorreah! Foto Xavier Mercadé

Joni Destruye (Epidemia) Foto Archivo Meme

libro

joni d.

JORDI LLANSAMÀ

un diario personal del punk

BCN: DEL PUNK AL HC

Coincidiendo en las tiendas con otras dos publicaciones similares donde el punk de Barcelona también es protagonista, “Que pagui Pujol” (La Ciutat Invisible Edicions, 11) es la pequeña contribución a la causa de Joni D. La invitación de este particular activista a sumergirnos en su periplo personal por los ochenta.

“Que pagui Pujol”

Joni D. La Ciutat Invisible Edicions

“

Imagino que hacer este libro se debe al hecho de que Jordi Llansamà nos entrevistara para el suyo. Esa entrevista me hizo recordar cosas que debían estar guardadas en un rinconcito del cerebro y que fueron apareciendo durante varios meses en los momentos menos esperados, hasta que un año después, me decidí a transcribirlos para liberarme de ese agradable peso”. Sin duda, la suya es una visión totalmente personal del movimiento, el día a día de un mundo vivido y sentido por unos cuantos.

“Son mis memorias juveniles pero intentando documentarlas lo suficiente como para que se convirtieran en memorias colectivas. La intención era dejar constancia de esa juventud salvaje, transgresora y

libre. Creía importante dejar clara la evolución del movimiento punk barcelonés, nuestra necesidad visceral de expresarnos libremente, principalmente a través de la música y de fanzines, radios libres... Puede sorprender la claridad con la que expreso algunos aspectos que socialmente son considerados tabú, pero así fue nuestra juventud: vivimos lo que nos tocó vivir”.

Un libro que se reparte en diversas secciones de reiterativa aparición, a base de artículos cortos, independientes uno de otro, pero en riguroso orden cronológico. “El formato es espontáneo, como lo fue nuestra juventud, inconscientemente eso es lo que pretendí expresar.

A la hora de escribirlo ha influido más el concepto de diario personal, mientras que el concepto de fanzine aparece a través del maquetador, que supo darle ese formato idóneo”. ¿Quizá una publicación como esta, con toda la ideología que acarrea, sirva también para transformar alguna mente? “Lo que más deseo es que los que lo lean se den cuenta de que en este mundo hay muchos mundos y que, aunque en esta sociedad hay cosas que no están bien vistas, la realidad es que existimos”. ■ Francesc Feliu

A Jordi Llansamà se le lleva conociendo durante dos décadas como Jordi B-Core, a raíz de dirigir uno de los sellos independientes fundamentales de nuestro país. Él es el responsable de “Harto de todo” (B-Core, 11), una historia oral del punk barcelonés que nos llevó hasta el nacimiento del hardcore.

“Harto de todo” Jordi Llansamà B-Core

I

nspirándose en aquellos libros que han reflejado a modo de historia oral unos años concretos, “Harto de todo” es un grueso libro de entrevistas (con un pliego de imágenes y portadas de fanzines de todo tipo, algunos punk, otros no) en el que Llansamà se reencuentra con aquellas personas que formaron parte de su universo punk, desde 1979 hasta 1987. Quizás no estén todos los que fueron, pero sí fueron todos los que están. “Sigo lamentando que se quedara en el tintero una conversación con Tere de Desechables o la de Ernest de Flor y Nata records. O que la búsqueda de ‘Chema campeón’, portero por aquel entonces del Zeleste de la calle Platería, no diera resultados”. Como cualquier libro de entrevistas a terceros, está sujeto a los recuerdos, al tono heroicista de algunos o ampliamente modesto de otros, pero es que así es la vida y así se ha visto en infinidad de obras cimentadas a modo de historia oral, desde “Por favor, mátame”

hasta “Tenemos una bomba de neutrones”, pasando por “Punk Rock. An Oral History” o muchos otros. “La idea hacía tiempo que rondaba por mi cabeza, pero era un concepto mucho más gráfico. Carteles, fotos, flyers y unos pies de texto frondosos, pero finalmente, coincidiendo con la lectura de ‘Por favor, mátame’, decidí ampliar todavía mucho más esos pies de foto con los testimonios directos de los protagonistas”. Así conoceremos la repercusión del movimiento, cómo lo recuerdan sus protagonistas (miembros de L’Odi Social, Subterranean Kids, Último Resorte, etcétera), qué queda de aquellas actitudes, cómo afectó la llegada de las drogas más populares a la juventud barcelonesa, dónde fueron a parar los principios y qué surgió a continuación a partir de ese caldo de cultivo. Jordi Llansamà no analiza, critica u opina sobre todo ello, sino prefiere que sean otros quienes ofrezcan su testimonio “Siempre he priorizado a las personas por encima de todo. B-Core ha funcionado y funciona así. Es mi manera de ser y de ver las cosas, por eso he querido escribir esas memorias desde ese punto de vista.

Ellos fueron pioneros, tenían muy pocos medios y muchas ganas. Abrieron vías que no existían y que más tarde hemos utilizado muchos. Corrieron riesgos y actuaron visceralmente y sin premeditación”.

■ Joan S. Luna

libros Una semana en el motor de un autobús Nando Cruz Editorial Lengua de Trapo (1111)

Intensa narración acerca de las circunstancias que marcaron la obra más compleja de Los Planetas. Nando Cruz analiza las contradictorias perspectivas que, ante la gestación de su tercer disco, estuvieron cerca de certificar la defunción del grupo: una descomunal inspiración, lucha contra las dudas morales de J, la desoladora adicción de Florent y los cambios de formación. Raúl Julián

Juicio contra una prostituta Demóstenes Errata Naturae (111)

Reconstrucción parcial de un juicio de la Grecia clásica a partir de los discursos de la parte acusadora. La condición dialéctica de esta breve pieza aporta tanto sus virtudes como defectos. Así, desde un punto de vista narrativo peca de reiterativa y digresiva. Sin embargo, es un valioso documento histórico que, a ojos de nuestro tiempo, pone en entredicho ciertos aspectos de la venerada civilización helena. J. Picatoste Verdejo

AC/DC. Rock’n’roll de alto voltaje Phil Sutcliffe Grijalbo (114)

Poco vamos a descubrir a estas alturas sobre los míticos rockeros AC/DC que no se haya dicho ya una y mil veces, así que mejor echarle un repaso a libros de imágenes como este. De todos modos, el valor de esta obra no son las instantáneas inéditas, sino mostrarnos una amplia colección de merchandising, cartelería, pases o distintos vinilos.

Ernesto Bruno

conexiones

/45/ Septiembre 2011 · MondoSonoro

Blackberry <> Foo Fighters Foo Fighters, la banda liderada por Dave Grohl nunca deja de sorprender a sus seguidores. A un mes escaso de la publicación de “Back And Forth”, el documental que recoge toda su historia, presentan “Foo Fighters Garage Tour”. Se trata de un documental que muestra la gira por garajes de fans americanos, que a través de un concurso de Blackberry, tuvieron la suerte de recibir a la banda en sus propias cocheras presentando su último trabajo “Wasting Light”. Un bombero que perdió a compañeros en el 11-S, unos humildes granjeros forofos de la banda, o un fan que subió a tocar con sus ídolos fueron algunos de los afortunados. ■

Foo Fighters Foto Archivo

Hilfiger Denim <> Kids of America La nueva campaña de Hilfiger Denim cuenta con los más brillantes talentos de la joven escena neoyorquina, músicos, Dj’s y promotores culturales como Theophilus London, Mia Moretti o Nik Mercer que posan vestidos con prendas de la colección Hilfiger Denim FW11. Se refuerza así aun más el legado musical de la firma que encuentra su alter ego en los denominados Hilfiger Denim Live, una serie de conciertos itinerantes que desde 2009 recorren las principales ciudades de Europa con bandas como Matt & Kim, The Virgins, The Films, The Drums o Major Lazer. ■

Iceland Airwaves <> Islandia 66 Fender <> Graham Coxon Graham Coxon emergió del movimiento brit pop como uno de los más aclamados y distinguidos guitarristas del pop de los últimos años. Durante su carrera con Blur y posteriormente en solitario, su principal apuesta sonora ha sido por Telecaster, y ahora Fender le rinde homenaje con la presentación exclusiva para Europa de la signature Graham Coxon Telecaster. La Telecaster Graham Coxon posee una distinguida combinación de cuerpo en fresno con acabado Blonde, golpeador de carey, pastilla de puente single-coil Telecaster estilo vintage y pastilla de mástil humbucker Seymour Duncan ’59 SH-1. ■

El turismo musical cada vez está más presente en las agendas de los tour operadores y las compañías aéreas. Por ejemplo, Iceland Airwaves propone unas vacaciones a Reykjavík con motivo del Festival Iceland Airwaves en el que se darán cita bandas como Beach House, John Grant, Glasser, Active Child o The Vaccines, entre muchos otros. Se trata de un viaje con un precio de 699 euros por persona, que sale de Barcelona el jueves 13 de octubre (hasta el lunes 17) y en el que la coartada musical se da la mano de otros muchos atractivos que nos ofrece el pequeño país del norte de Europa. ■

Onitsuka Tiger <> Donnis

Beach House Foto Archivo

Como parte de la iniciativa “Made Of Japan”, la marca de ropa deportiva Onitsuka Tiger organizó una colaboración musical transcultural entre el rapero estadounidense Donnis y tres de los productores y Dj’s más destacados de Japón: De De Mouse, Joe Iron y Taku Takahashi. El resultado de esta llega bajo el título de “Nippon Sounds”, un Ep que incluye música original y remixes de Donnis que combinan sonidos de Atlanta y de Japón de un modo nunca visto. Puedes escuchar y descargar este trabajo en la dirección web http://soundcloud.com/nipponsounds/donnis-all-i-need. ■

Phineas y Ferb <> Slash

Pepe Jeans <> Singular Music Festival

Expocannabis

“Phineas And Ferb”, la serie de animación líder en Disney Channel da el salto a la gran pantalla y Slash participa en su banda sonora con el tema “Kick It Up A Notch”. El pasado 30 de agosto, se publicó el CD+DVD “A través de la Segunda Dimensión”, con un total de veintiún canciones.

Pepe Jeans organiza el Singular Music Festival, un evento del que participarán bandas como Twin Shadow, Sonny & The Sunsets o Crystal Fighters en lugares emblemáticos de ciudades como Bilbao, Lisboa o Berlín.

La séptima edición de Expocannabis, el encuentro de expertos y aficionados del cáñamo en todas sus aplicaciones, directas o derivadas, tendrá lugar del 30 de septiembre al 2 de octubre en La Cubierta de Leganés.

AEON <> La Noche en Vivo

Bigopo <> Sonoland

El pasado Jueves día 14 de Julio La Noche en Vivo fue premiada por la Asociación de Empresarios de Ocio Nocturno de la Comunidad de Madrid por su campaña “Vecinos de recogida de alimentos no perecederos”.

Bigopo.com es la primera red social de oportunidades para gente y empresas con talento, y la primera de esas oportunidades la propone Sonoland, un estudio de grabación de Madrid: la grabación de forma gratuita de un Ep de tres canciones. n

Gamefest <> Sensession Gamefest11, el evento dedicado a mostrar las principales novedades en el mundo de los videojuegos, tendrá lugar del 29 de septiembre al 2 de octubre en Madrid con un espacio donde pincharán los Sensession Dj’s.

mondoweb

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/46/ Septiembre 2011 · MondoSonoro

ENTREVISTA FAN

LOS BLOGS Héroes por un día

Maus y los tenderos

Los Tiki Phantoms Foto Archivo

(L. J. Menéndez)

LOS TIKI PHANTOMS Ardieron en un volcán durante más de dos siglos, pero nunca habían estado tan vivos como ahora mismo. Ser inmortales es todo un lujo para ellos y para nosotros, que vamos a poder seguir escuchándoles y viéndoles en directo por toda la eternidad.

Veamos qué es lo que vosotros les habéis preguntado vía email y facebook.

David Pascual Torres. ¿Para cuándo una gira fantasmal con Dick Dale y Link Wray? ¿Avisaríais a Duane Eddy y a The Ventures?

Somos los únicos que hemos podido resucitar gracias a los poderes del volcán, pero si el amigo Link al final lo consigue, por nosotros no habría ningún tipo de problema. Con Dick Dale ya tocamos hace algunos años, pero creo que no quiere volver a tocar con nosotros porque nos comimos toda su comida del backstage.

CONCURSOS

WEB

El Viyou. Hace poquito os vi en la playa de El Prat. No sabía que teníais nuevo bajista ¿A qué se ha debido el cambio? ¿Volvió el anterior a las catacumbas, se transformó en tótem indio, le encerraron por inmigrante o se lo comió el actual?

El anterior bajista ha tenido problemas porque le han salido unos cuantos hijos ilegítimos en nuestra isla y ha tenido que volver para abrir un chiringuito en la playa con el que ganar suficien-

te dinero para alimentarlos a todos. El nuevo bajista se llama “El jíbaro” y la verdad es que le ha sentado tan bien como a nosotros quemarse para después resucitar en el volcán.

Mj Garrido. ¿Os

puedo contratar para que toquéis en mi boda? Os daría de comer y de beber... ¡Si no tocáis no me caso! ¿Estás seguro de lo que dices? ¡¡¡Te costaría más dinero pagar todo lo que nos comeríamos del cátering que contratar a KISS!!!

Electra YeYé. Habéis sumado un gran número de adeptos, así que el Dios Tiki debe estar tremendamente satisfecho. Pero la pregunta es: ¿cuáles fueron las maldades que hicísteis en el ‘Viva Las Vegas Festival’?

Lo siento, pero hicimos un pacto que decía “Tikis, lo que pasa en Las Vegas, se queda en Las Vegas”, pero vamos, sabrás que uno de nosotros es adicto a la cirujía estética, el otro tiene problemas con mafias rusas por el juego, el otro fue el primer socio de Alcohólicos Anónimos y a mí me han prohibido la entrada en todos los clubes de strip tease de Europa, así que tú misma....

Mj Garrido. ¿Lleváis máscaras porque la realidad supera a la ficción y nos darían más miedo vuestros rostros reales? ¡A ver, ¿no te enteras o qué? ¡¡¡NO LLEVAMOS MÁSCARAS!!! Somos así. Es lo que tiene pasarse

2 Tablas de skate sailor jerry

John Maus la ha liado todo lo que puede liarla un minúsculo hype de la música alternativa cuando habla de un colectivo que se encuentra cerca de la desaparición, el tendero de discos. En una entrevista en Pitchfork Maus dijo que... “No te imaginas lo feliz que me hace que haya llegado el día en que las tiendas de discos desaparezcan. ¿20 $ por un disco? […] Ahora lo tenemos todo gratis y eso es maravilloso.

Para mí hay algo bastante deprimente en las tiendas de discos y también en las de equipos de sonido. Había algo opresivo en ellas, como el tipo que te mira arriba y abajo y examina lo que estás comprando”. Luego ha matizado estos comentarios en un texto largo que puedes leer en Internet. Supongo que enfrascado como estaba en la polémica le faltaba tiempo y por eso nos dio plantón telefónico a los medios españoles el día que tenía entrevistas telefónicas concertadas. Esto último, por si alguien no se ha dado cuenta, es pura ironía... ■

más de doscientos años ardiendo en un volcán, eso sí, tienes que admitir que somos unos tipos muuuuy elegantes

Uno entre un millón

Itzabel Moner. Una vez leí que Man Or As-

Matando a Bono

troman decían que hacían giras con miembros distintos disfrazados y la gente se creía que eran ellos. ¿Hacéis vosotros lo mismo? ¡Como no os podemos ver las caras!

Nosotros somos únicos e insustituibles. Si encuentras por ahí a otro esqueleto de doscientos cincuenta años de edad que sepa tocar la guitarra y que tenga tanto rollo como alguno de nosotros me avisas, ¿vale?

(Joan S. Luna)

Isaac Moreno.

¿Quiénes son vuestros enmascarados favoritos, sean músicos, superhéroes o lo que queráis? ¡No nos gusta la gente que usa máscara! ¡Son todos unos cobardes!

Casey Perez. ¿Qué os parecen Los Coronas? A mí me apasionan, pero son muy distintos a vosotros.

Nunca hemos tocado con ellos pero creo que son muy buenos músicos y parecen buena gente, eso sí, el día que toquemos juntos no tendremos compasión e intentaremos comernos toda su comida.■ PARTICIPA EN WWW.FACEBOOK.COM/MONDOSONORO

“Killing Bono” no es una buena película, para nada, pero si alguna vez han seguido ustedes a U2 les parecerá simpática e incluso divertida. Dirigida por Nick Hamm, está inspirada en el libro autobiográfico del músico y crítico Neil McCormick “I Was A Bono’s Dopplegänger”, en el que el irlandés nos cuenta sus aventuras y (sobre todo) sus desventuras como estrella del rock. Todos los nombres son reales, los de las bandas y los de las personas que aparecen retratadas en la cinta. Y demostrando nuevamente que Bono tiene más sentido del humor del que muchos le suponen, los propios U2 aceptan –apoyando la cinta desde un primer momento- todas las bromas que vemos en pantalla a su costa, sobre todo a la de Bono, claro está. En el largometraje asistimos a los primeros ensayos de la banda de los hermanos McCormick, a la inocente rivalidad inicial con ese grupo que acabaría siendo U2 y a las posteriores envidias del autor frente a los de Bono y The Edge, que siempre les trataron de la mejor forma posible, y que llevan a su protagonista a planear el asesinato de Bono. ■

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