3190247 | A interação de arte e tecnologia

A interação de arte e tecnologia Características do impacto das tecnologias e da cultura de massa na arte

ESAD.CR Junho 2020

Escola Superior de Artes e Design Mestrado em Design Grรกfico Atelier de Design Grรกfico II Docente: Marco Balesteros Discente: Ianina Marushchak Ano lectivo: 2019/2020

1 INTRODUÇÃO A arte é um processo de compreensão criativa da vida em todas as suas manifestações. O mundo real e irreal faz surpreender muitos espectadores. O poder da transformação espiritual de meios expressivos nas artes visuais, por assim dizer, concentra-se nas experiências de fantasia dos artistas.

O tumulto de cores ou linhas, manchas e formas materializa visualmente as experiências existentes dos autores. Um fluxo de informações subconscientes que sai de um lápis ou pincel de um artista circula pensamentos nas mentes das pessoas que observam suas criações.

A revolução digital, que capturou toda a sociedade a partir da segunda metade do século XX, também tocou o mundo da arte, tendo um enorme impacto em sua formação e desenvolvimento. A interação entre tecnologia e arte ocorreu ao longo da história do desenvolvimento humano. A tecnologia nessa aliança foi aplicada principalmente na natureza, permaneceu o intermediário entre a idéia do artista e sua incorporação material. Continuando a transformar o plano da arte tradicional, a tecnologia hoje é tão cativante para o criador que suas experiências com o “material” obscurecem todos os outros significados e propósitos da arte, criando a arte da tecnologia.

Cada era histórica cria suas próprias novas tecnologias, algumas delas complementam e desenvolvem tipos e gêneros de arte existentes (em arquitetura, design, teatro, música etc.) e apenas algumas tecnologias dão origem a formas únicas de arte.

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“Em princípio, uma obra de arte, sempre foi reprodutível. O que foi criado pelas pessoas sempre podia ser repetido por outras.”

Walter Benjamin (Berlim, 15 de julho de 1892 — Portbou, 27 de setembro de 1940) foi um ensaísta, crítico literário, tradutor, filósofo e sociólogo judeu alemão. Um dos filósofos mais influentes da cultura do século XX. Os trabalhos de Benjamin sustenta a compreensão moderna do modernismo.

2 REPRODUÇÃO TÉCNICA DAS OBRAS DE ARTE A tematização do fenômeno da arte tecnicamente reproduzida e do homem em sua autenticidade coloca-nos no centro do campo problemático da preocupação pela preservação e retenção do mundo inteiro e a realização nessa integridade harmoniosa da plena presença do homem. Da perspectiva de cuidar da autenticidade de uma pessoa, um meio fundamentalmente importante e indispensável de preservá-la, bem como a integridade do mundo e do homem, a arte é apresentada. A especificidade da arte e, portanto, sua posição especial na cultura, consiste no fato de ser uma representação simbólica da integridade de todo o mundo, representa o “todo significativo da vida”.

A singularidade dessa forma espiritual de cultura reside no fato de que somente ela está sujeita à reprodução figurativa de uma pessoa integral, pois em outras áreas da cultura uma pessoa é representada fragmentariamente, substituída por seus lados ou funções individuais. A arte revela o significado da existência humana, permite que uma pessoa compreenda sua propriedade do Universum. Possuindo uma capacidade única de influenciar o mundo interior de uma pessoa, ela guarda a humanidade, preserva e aprofunda o caráter humanista de uma pessoa, desenvolve sua atitude universal em relação ao mundo, leva-a ao nível do ser espiritualizado.

No seu ensaio “A obra de arte na era de sua reprodutibilidade técnica” Walter Benjamin observa o peso crescente da reprodutibilidade técnica na cultura contemporânea e o declínio consequente das noções de autenticidade, autoridade do original, tradição do objecto artístico único. De acrdo com Bejamin, na era da reprodutibilidade técnica, as obras de arte perdem sua aura especial, sua singularidade.

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2.1 Gravura e Impressão “As artes gráficas foram reproduzidas pela primeira vez com a xilogravura e passou longo tempo até que, pela impressão, também a escrita fosse reproduzida. São conhecidas as enormes alterações que a impressão, a reprodutibilidade técnica da escrita, provocou na literatura.”

Xilogravura, A. Durer, “Os Quatro Cavaleiros do Apocalipse”, 1498

Calcogravura, A. Durer, “O Cavaleiro, a Morte e o Diabo”, 1513

Sebastian Brant, “Navio dos tolos”, 1488

A gravura apareceu pela primeira vez na China no século VI, sua origem foi causada pela necessidade de duplicação barata de textos e imagens.

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O desenvolvimento de técnicas de gravura está associado ao artesanato. A história da gravura européia está intimamente ligada à história da impressão, e o surgimento do papel barato no século XIV contribuiu para sua disseminação.

Na Europa, as primeiras gravuras apareceram na virada dos séculos XIV e XV na Alemanha e foram feitas na técnica de xilogravura. Por volta de 1430, surgiram livros de xilogravura em bloco, onde a imagem e o texto foram recortados no mesmo quadro: começou o desenvolvimento de uma xilogravura ilustrativa e de grande circulação. Por volta de 1461, o primeiro livro de composição, xilogravura ilustrada, foi impresso na Alemanha (desde então, a ilustração tornou se uma das principais áreas de aplicação da gravura).

Esse fenômeno de gravura, excepcional para a história, o nascimento de um tipo de arte completamente novo, foi determinado por várias razões: tecnológica, estética, social.

O surgimento de uma forma de arte replicada foi de grande significado cultural. Gravura tornou possível usar uma imagem visual, e a propriedade inerente de circulação autorizado a divulgar amplamente tal imagem.

Em momentos de agitação pública, inquietação de classe, revoltas religiosas e revoluções políticas, foram as gravuras que assumiram o papel de propaganda. Com o analfabetismo quase total das classes sociais mais baixas, a imagem de gravura, divergindo em centenas e milhares de folhetos, apelações, retratos, imagens satíricas, era uma espécie de enzima de fermentação desses movimentos sociais. quando queremos dizer gravura puramente artística, o fato de que cada obra existe em várias cópias e que pessoas em diferentes partes do mundo podem vê-la ao mesmo tempo, apenas talvez acrescente vantagens a esse tipo de arte. Perder pinturas em raridade, singularidade, gravura ganha em democracia, como se ela própria vai ao espectador.

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2.2 Litografia “Com o desenvolvimento da litografia, a técnica de reprodução regista um avanço decisivo. O processo muito mais conciso, que diferencia a transposição de um desenho para uma pedra do seu entahe num bloco de madeira, ou da sua gravação numa placa de cobre, conferiu, pela primeira vez, às artes gráficas a possibilidade de colocar no mercado os seus produtos, não apenas os produzidos em massa (como anteriormente) mas ainda sob formas todos os dias diferentes. A litografia permitiu às artes gráficas irem ilustrando o quotidiano. Começaram a acompanhar a impressão.”

John James Audubon, “Garça-real de Louisiana”, 1844

Ernst Haeckel, “Kunstformen der Natur”

Essa técnica foi inventada por Alois Senefelder — um jovem ator e escritor de teatro alemão — por volta de 1796, quando buscava um meio de impressão para seus textos e partituras e se deparava com o desinteresse dos editores. Acabou inventando um processo químico novo, mais econômico e menos demorado que todos os outros meios conhecidos na época.

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Jules Chéret, “Bal du Moulin Rouge”, 1889

Henri de Toulouse-Lautrec, “Ambassadeurs: O declamador Aristide Bruant”, 1892

A litografia foi usada extensivamente nos primórdios da imprensa moderna no século XIX para impressão de toda sorte de documentos, rótulos, cartazes, mapas, jornais, dentre outros, além de possibilitar uma nova técnica expressiva para os artistas.

Foi a partir do uso da técnica da litografia, na segunda metade do século XIX, que o cartaz passa a ter uma estrutura reconhecível como “peça gráfica de publicidade”.

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2.3 Fotografia “Pela primeira vez, com a fotografia, a mão liberta-se das mais importantes obrigações artísticas no processo de reprodução de imagens, as quais, a partir de então, passam a caber unicamente ao olho que espreita por uma objectiva. Uma vez que olho apreende mais depressa do que a mão desenha, o processo de reprodução de imagens foi tão extraordinariamente acelerado que pode colocar-se a par da fala.”

Karl Blossefeldt, Alemanha, 1865-1932

Com o desenvolvimento da fotografia, o valor de exposição começa a afastar, em todos os aspectos, o valor de culto.

A tecnologia da fotografia é baseada na Fotografia Fine Art, considerada um dos tipos de arte e ocupa um lugar fundamental na cultura de massa moderna.

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Giuseppe Primoli, “Fãs de Rezhan”, 1889

Alfred Stieglitz, “The Steerage”, 1907

Eugène Atdget, “Vitrine Bon Marche”, Paris, 1926

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2.4 Cinema “No teatro o desempenho artístico actor é apresentado ao público pela sua própria pessoa; pelo contrário, o desempenho artístico do actor de cinema é apresentado ao público por um equipamento.”

Gravação de som síncrona de um leão rosnando para screensaver da empresa de cinema MGM, 1928

O cinema cria novas reações, por exemplo, o actor de cinema vê a sua actuação “testada” pela câmara.

A representação do actor é submetida a uma quantidade de testes ópticos; o público não têm qualquer contacto com o actor, assim a sua atitude é também de teste (é uma atitude a que claramente não se expõem os valores de culto).

Extingue-se a aura do actor.

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Dizga Vertov, “O homem da câmara de filmar”, 1929

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Mesmo na reprodução mais perfeita está em falta:

• O “aqui e agora” da obra de arte; O aqui e agora do original constitui o conceito da sua autenticidade.

• A sua presença única no lugar em que se encontra; • A ligação da história ao presente; • A condição física e as mudanças no “corpo da obra”; • Aura da obra de arte; A aura entra em decadência quando confrontada com as condições técnicas da reprodutibilidade e com o significado crescente das massas.

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O que muda com a reprodutibilidade técnica?

• Conceito de autenticidade (essência da transmissão histórica da obra de arte); • Aura vacila na época da reprodução; • Reprodução retira o objecto do domínio da tradição (o objecto circula em diferentes espaços e tempos); • Multiplicidade de cópias substitui a existência única; • Reprodução técnica: produz uma mudança histórica nas formas de percepção humana; • A perda da aura conduz a uma percepção igualitária; • Os objectos reproduzidos continuam a ligados a funções rituais, mas de modo diferente.

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Fotografia e Cinema — produzem crise na arte A fotografia e o cinema apresentam dificuldades face a uma estética tradicional.

A vontade de associar o cinema à Arte força diferentes autores a revelar no cinema elementos de culto.

Os autores “reaccionários” (os que buscam os efeitos da arte, da aura) procuram o significado do filme no sobrenatural, no “conto de fadas”.

A representação cinematográfica obtém melhores resultados quando se “representa” o mínimo possível.

“O cinema e todo o seu equipamento, penetrou na realidade.”

“A realidade no seu aspecto mais puro é o resultado de um procedimento particular - registo fotográfico e montagem.”

O cinema opõe-se ao teatro mas também à pintura.

Benjamin defende que no cinema acontece algo diferente da pintura: a reacção de cada indivíduo é somada na audiência em massa, desta forma o público controla a recepção.

A pintura não está em condições de ser objecto de uma recepção colectiva (como acontece com a arquitectura e com o cinema).

Benjamin analisa o caso do dadaísmo defendendo que este procurou efeitos que só virão a ser plenamente possíveis no cinema.

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A destruição da aura e a valorização da inutilidade enquanto objectos de função contemplativa convocam uma atitude de distracção intensa: a obra de arte encontrase deste modo no centro do escândalo, é uma obra-choque. A arte adquire aqui uma qualidade táctil.

O elemento de distracção do cinema é também táctil: “as imagens em movimento tomaram o lugar do pensamento”.

A necessidade do público se adaptar ao choque corresponde a uma necessidade de adaptação à vida contemporânea.

A reprodutibilidade técnica altera a relação das massas com a arte, Walter Benjamin argumenta que essas massas, que são reaccionárias face a um Picasso, são progressistas diante de um Chaplin.

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Arte e significado social: • Quanto mais o público se afasta, em termos de crítica, fruição, atitudes, de uma arte, menor é o seu significado social;

• O que é convencional é apreciado acriticamente, enquanto o novo é criticado com aversão.

A “massa” faz surgir novas formas de comportamento face à obra de arte, cria-se uma participação de tipo diferente na distracção.

Diversão e recolhimento formam um contraste a que Benjamin dá a seguinte formulação:

• Aquele que se recolhe perante a obra de arte mergulha nela; • As massas em distracção absorvem a obra.

Para Benjamim: As tarefas do aparelho de percepção humana não podem ser resolvidas apenas pelos meios visuais (contemplação), antes são dominadas, essencialmente, pelo hábito.

A distracção cria hábitos, a recepção na diversão, que para o autor é cada vez mais perceptível em todos os domínios da arte, tem no cinema o seu verdadeiro instrumento.

O caminho que vai da aura à “iluminação profana da arte de massas” corresponde à passagem do valor de culto para o valor de exposição, sendo que este novo valor é uma forma de intervenção das massas.

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Com o desenvolvimento de formas de arte de massa (fotografia, cinema), a obra perde sua função cultural e ritual, deixando apenas um valor utilitário. Anteriormente arte requeria concentração de atenção e profundidade de percepção do espectador, mas agora a nova arte (em massa) não requer isso: ela diverte, distrai a atenção e pode servir como uma ferramenta poderosa para mobilização e propaganda.

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“Imagem é uma visão recriada. esse fenômeno é removido do espaço e do tempo em que apareceu pela primeira vez e preservado por vários momentos ou por vários séculos.”

John Berger (Londres, 5 de novembro de 1926 – Paris, 2 de janeiro de 2017) foi um crítico de arte, romancista, pintor e escritor inglês. Entre suas obras mais conhecidas é o ensaio introdutório em crítica de arte “Ways of Seeing”, escrito como acompanhamento da significativa série homônima da BBC, e frequentemente usado como texto universitário.

3 MUDANÇA NA PERCEPÇÃO DA ARTE O surgimento de novos meios de comunicação, fotografia e televisão trouxe objetos de arte do espaço sagrado para o status da informação. Novas soluções tecnológicas não apenas permitem estudar telas artísticas em dinâmica (mostrar detalhes individuais, colocar música de fundo na transmissão de imagens), mas também simplificam sua inacessibilidade para o espectador. Uma das características da arte é a “mobilidade da imagem”, a transição da arte da classificação de alta cultura para o consumo em massa.

O caráter de massa do produto leva ao fato de que a arte é desnecessariamente mitologizada por especialistas, razão pela qual alguns dos significados originais são perdidos e novos são adquiridos.

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“Imagem da câmera mudou a maneira de ver o mundo e pinturas”.

Basílica de São Francisco de Assis

A singularidade de cada pintura fazia parte da singularidade do lugar onde foi pendurada. Quando a câmera reproduz uma imagem, ela destrói sua singularidade. Como resultado, o valor dela muda ou multiplica e divide em muitos valores.

Graças à câmera, não o espectador chega à pintura, mas a pintura chega ao espectador. Nesta viagem, o valor da pintura está mudar.

A singularidade do original é que é a reprodução original.

Percebe-se como único que já não é o que a pintura mostra; o valor principal dela agora não é encontrado no que ela diz, mas no que ela é.

Esse novo status original é consequência dos novos métodos de reprodução da imagem.

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Um exemplo da demonstração do valor artístico através da reprodução em massa e uma atmosfera geral de veneração.

Leonardo da Vinci, “Virgem das Rochas”, Galeria Nacional, Londres

Leonardo da Vinci, “Virgem das Rochas”, Museu do Louvre, Paris

“A arte do passado já não existe tal como existiu outrora. A sua autoridade perdeu-se. Surgiu, em seu lugar, uma linguagem de imagens. O que importa agora é saber quem usa essa linguagem e com que fim.”

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“A arte do passado já não existe tal como existiu outrora. A sua autoridade perdeu-se. Surgiu, em seu lugar, uma linguagem de imagens. O que importa agora é saber quem usa essa linguagem e com que fim.”

No mundo moderno, a publicidade está substituir a pintura.

Como a pintura representava a riqueza humana através do prisma da classe dominante, a publicidade atua nas massas mais amplas e cria um mundo utópico de consumismo.

A fotografia publicitária em cores substitui a pintura no princípio fundamental da propriedade, mas a diferença entre fotografia e pintura é fundamental: a publicidade, diferentemente da pintura, não demonstra propriedade, mas apenas a exige e promete um futuro utópico. A publicidade é a exploração do sonho de mudanças futuras que prometem quem comprará os produtos. Do desejo de aquisição e inveja de quem já tem os produtos, surge o glamour.

Pieter Claesz, “Natureza-morta com um copo”, 1649

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Louça Arcoroc “Sierra” em vidro temperado, 1971

O dualismo observado por Berger do mundo da publicidade e do mundo real leva à principal conclusão de “Ways of Seeing” — perda da cultura moderna razoável em favor do consumo de massa.

Assim, os meios modernos de produção destruíram a autoridade da arte: “pela primeira vez na história, as imagens artísticas tornam se efêmeras, ubíquos, ilusórias, acessíveis, inúteis, gratuitas”.

Andy Warhol, “Latas de Sopa Campbell”, 1962

Badedas, 1970

Andy Warhol, “Díptico Marilyn”, 1962

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“Mármore azul”, 1972 A fotografia mais reproduzida da história que trouxe uma nova experiência visual, ver o mundo de um só lugar.

selfie de astronauta japonês Hoshide

Com o desenvolvimento da tecnologia, a realidade ficou sobrecarregada com imagens visuais que substituíram os meios verbais de transmissão de informações.

Mirzoev diz que a era pós-moderna é caracterizada por uma transição de textos para imagens que refletem eventualidade. Também diz, que a cultura visual não é apenas parte integrante da vida cotidiana, é vida cotidiana.

A principal característica da cultura visual é a “ilustração de idéias”— a imagem de realidades, idéias, valores, fisicamente não visíveis. O futuro da cultura visual é o desenvolvimento da televisão, da Internet e de outras mídias visuais.

A fotografia, por sua vez, determinou a evolução adicional de “Homem tipográfico” para “Homem gráfico” e tornou uma sociedade de consumo em obcecada pelo consumo de imagens visuais que mediam e agravam a percepção de pessoas, produtos, lugares (viagens), eventos, conceitos. Depois, a publicidade leva o bastão da fotografia neste campo de prazer visual. Ela cria uma unidade de imagem, motivação/ojetivo e estruturação de mercado da sociedade. Idealmente, essa é uma harmonia programada de impulsos/estímulos do mercado e reações do consumidor. Isso marca a partida do mundo privado do livro e a transição para o mundo público da iconografia visual. Com o surgimento da cinema, a vida mudou para a ecrã do televisão com publicidade non-stop.

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Os estudos visuais começaram a ser interpretados como uma teoria crítica, revelando o conteúdo ideológico do componente visual na cultura. Nesse contexto, práticas de produção e transmissão de imagens como cinema e fotografia, televisão e produção de vídeo, publicações ilustrativas impressas e novas tecnologias digitais começaram a atrair muita atenção.

O assunto de interesse da pesquisa são práticas visuais como publicidade, design, moda, produção de televisão e vídeo, tecnologias digitais.

Design gráfico, o tipo de visualização, faz uma contribuição inovadora para o desenvolvimento das esferas socioeconômicas e culturais da vida, contribui a formação de uma paisagem visual contemporânea. Design gráfico representa uma ampla variedade de tipos e direções, como tipografia e identidade visual, estilo visual de recursos da web e televisão, impressão e produção de livros. É percebido no ritmo das preocupações e atividades cotidianas, está presente como fundo na vida humana.

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4 NOVAS TECNOLOGIAS NA ARTE Como resultado da revolução técnica, mudanças cardeais ocorreram em todas as esferas da atividade humana, inclusive na arte. Novas tecnologias influenciaram o ambiente artístico e, como resultado, surgiu um novo fenômeno artístico — a arte digital.

Desde a segunda metade do século XX, os meios de comunicação tradicionais ou “antigos” (impressão, rádio, cinema, telefone) foram substituídos por “novas mídias” - satélites, televisão a cores e a cabo, videocassetes, tecnologia a laser, Internet e muitos outros sistemas de rede. Por muitos anos, isso determinou as ferramentas da arte contemporânea, tornando-se também o nome próprio da forma de arte — novas mídias. A arte das novas mídias (arte multimídia) é um tipo de arte da ecrã sincrética baseada no uso de dispositivos digitais e eletrônicos e outras técnicas tecnológicas.

O surgimento da arte digital levou ao surgimento de novos gêneros e formas de arte baseado no uso da tecnologia de computador, cujo resultado são trabalhos artísticos em formato digital. Áreas como, por exemplo, animação tridimensional, realidade virtual, sistemas interativos e a Internet descobriram amplas possibilidades criativas. As formas de arte já estabelecidas – cinema, animação bidimensional, vídeo arte, música – tecnologias digitais também foram bastante influenciadas, contribuindo para a criação de novas subespécies de gênero.

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Gráfica digital Vídeo art

Animação Pintura digital

Música eletrônica Internet art

Realidade virtual

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Literatura digital

Na utilização da linguagem da cultura digital, o surgimento da arte digital imediatamente contrastou se com todo o resto da arte - tradicional, a que refere se em relação ao analógico digital. A arte digital é um sistema aberto, por isso desenvolve se no contexto de toda arte e interage ativamente com a arte analógica, influenciando-a. Então, em primeiro lugar, os tipos mais tradicionais de arte - pintura, gráficos, escultura, foram afetados pelas artes digitais. Imagens holográficas começaram a aparecer, imitando uma imagem, uma escultura, um alívio e até uma arquitetura. Os meios de comunicação de arte mais ativos influenciaram a arte sintética – happening, performance.

Fotografia digital

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As principais características da arte contemporânea, formadas sob a influência da tecnologia 1. Interatividade – uma oportunidade para o espectador entrar em contato com o artista e até participar na criação das obras.

2. Novas ferramentas de arte.

3. O elitismo da arte digital (geralmente rede e mídia).

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Como resultado da influência da tecnologia na arte, desenvolveu-se o fenômeno das artes digitais, ou dos meios de comunicação da arte , caracterizado por interatividade, elitismo, novos meios artísticos, formas e gêneros. Os tipos mais comuns de arte digital são arte em vídeo, arte em rede e animação. O problema de avaliar esse efeito permanece ambíguo. Os especialistas no campo da arte e da cultura foram divididos em dois campos - aqueles que aceitam essa influência e consideram a arte na mídia um passo no desenvolvimento, uma direção promissora, e aqueles que não aceitam a avaliação da arte como degradação. Esse problema da luta de conservadores e inovadores é típico de qualquer etapa da evolução cultural.

Assim, as inovações tecnológicas da civilização digital transformaram radicalmente a realidade artística, preenchendo-a com novas unidades culturais que surgiram como resultado da convergência da ciência e da arte.

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Bibliografia: JOHN BERGER, “Ways of Seeing”.

British Broadcasting Corporation, Penguin Books. London, 1972.

NICOLAS MIRZOEFF, “How to see the world”.

Pelican Books. London, 2015.

WALTER BENJAMIN, “A obra de arte na era de sua reprodutilidade técnica”. Centro Cultural Alemão Goethe, "Médio". Moscovo, 1996.

Skolota, Z. N., “Arte contemporânea: formas e tecnologias”.

Jovem cientista n°11 (58). Kazan, novembro 2013.

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Atelier de Design Grรกfico II Ianina Marushchak