Revista "Línea Gráfica"

COMPOSICIÓN

PROCESO CREATIVO

Milton Glaser, una leyenda del Diseño Gráfico

…“10 Cosas que he aprendido a lo largo de los años”

10 Reglas de composición por las que se rige todo diseñador

…Encuentra tu enfoque …Dirige al ojo con líneas guía …Escala y jerarquía …Equilibra tus elementos …Usa elementos que se complementen entre sí

…Aumenta (o reduce) el contraste …Repite elementos de tu diseño …No olvides el espacio blanco …Alinea tus elementos …Divide tu diseño en tercios

La importancia de la ilustración en el Diseño Gráfico

…¿Qué es la ilustración?

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Diseño de cine. Séptimo arte y Diseño Gráfico

…Diseño Gráfico y cine: una relación de película …Diseño de cartelería y más

Literatura convertida en diseño

Evolución y principales estilos gráficos

…La historia del diseño gráfico …Décadas de 1760, 1890, 1903, 1919, 1947, 1970 y 1990

La importancia del diseño en las portadas de música

…La primera portada …Más que una portada …El impacto de la era digital

Las 7 etapas de esenciales de tu proceso creativo que añadirán valor a tus servicios de diseño

TIPOS DE TIPOGRAFÍA

in profundizar demasiado dentro de cada categoría de tipografías, lo cierto es que podemos clasificar a las fuentes tipográficas por su morfología en 4 grandes grupos:

- Con serifa (romanas)

- Sin serifa (palo seco)

- Cursivas (manuscritas)

- Decorativas (exposición)

Vamos a conocerlas una por una para que puedas aprender a diferenciarlas por su forma.

Tipografías con serifa (romanas)

Las tipografías con serifa son aquellas que cuentan con remates o terminales, que son esos pequeños adornos ubicados en los extremos de los trazos de los caracteres.

Las tipografías Serif suelen ser concebidas como serias y tradicionales. Cuentan con un aire académico o institucional. Son tipografías idóneas para párrafos o textos largos, ya que los pequeños terminales o serifas contribuyen a que se cree una línea imaginaria bajo el texto que facilita mucha lectura a nuestro ojo.

…Tipografía Palatino Serif – Hermann Zapf 1948

Algunos ejemplos de fuentes tipográficas Serif son: Times New Roman, Garamond o Book Antigua. Y recuerda dentro de las tipografías con serifa, podemos incluir también las tipografías egipcias o Slab Serif.

Tipografías sin serifa (de palo seco)

Las tipografías sin serifa o de palo seco (sans serif) se caracterizan por la ausencia de remates y terminales. Se diseñan sin serifas. Sus trazos apenas presentan contrastes.

“La tipografía necesita ser escuchada, necesita ser sentida, necesita ser vivida”

Helmut Schmid

Las tipografías Sans Serif suelen asociarse con la tipografía comercial, ya que ofrecen un resultado muy bueno para la impresión de titulares o poco texto, en carteles y publicidad. Este estilo de fuente evoca modernidad, seguridad, neutralidad y minimalismo.

Aunque este tipo de fuente tipográfica no cuente con la línea invisible que consiguen las tipografías Serif para los textos

…Tipografía Helvética Helvética (Neue Haas Grotesk) – Max Miedinger 1957

largos, es muy recurrida también para textos en pantalla y textos en tamaños pequeños. Gracias precisamente a la ausencia de terminales y remates, esta tipografía puede resultar más legible en textos de pequeño tamaño que su hermana mayor. Algunos ejemplos de tipografías San Serif son: Futura, Helvética, Arial, Gotham o Avenir.

Tipografías manuscritas (cursivas)

Las tipografías manuscritas también se denominan como cursivas o script. Son tipografías que representan o imitan la caligrafía a mano, por lo que en ocasiones también se les puede denominar como tipografías caligráficas. Generalmente este tipo de tipografías cuentan con una tendencia itálica o cursiva claro. Las letras se ligan entre sí y encontramos curvas más pronunciadas que en las tipografías con serifa o de palo seco.

Como se ligan con la caligrafía, cuentan con una personalidad algo más humana y cercana. Algunas tipografías cursivas podrían ser Beckham Script o Parisienne.

Tipografías decorativas (exposición)

También se les denomina como tipografías display. Están consideradas como tipografías divertidas, más desenfadadas, pero pueden transmitir una gran variedad de sensaciones. Cuentan un carácter y personalidad muy fuerte. Desde el punto de vista de la psicología tipográfica son transgresoras y contribuyen a llamar más la atención. No obstante, la legibilidad que se puede obtener con este tipo de fuentes es algo más pobre.

Dentro de este conjunto de decorativas entrarían las tipografías cuyas características no se ajustan a los tres conjuntos

anteriores. Suelen crearse para fines específicos donde la legibilidad no se tiene demasiado en cuenta. Como por ejemplo en el branding de producto en el sector de la alimentación. Son muy expresivas y suelen contar con atributos más temáticos.

Eso sí, definitivamente no son tipografías idóneas para párrafos de texto.

Pueden llegar a transmitir falta de cuidado o desinterés en el diseño. Por eso, piénsate bien cuando utilizar este tipo de fuentes tipográficas.

…Tipografía Parisienne – Astigmatic

…Tipografía decorativa Basteleur Bold

¿CÓMO COMBINAR COLORES?

l trabajar con color, hay ciertas cosas que debes tener en cuenta para obtener un buen resultado, como el contraste, la legibilidad de los tonos, el mensaje que estos transmiten y de dónde te inspiras al combinarlos. Veamos en qué consisten cada uno de estos temas.

Cuida del contraste

Por ejemplo, ¿alguna vez has visto colores que parecen vibrar cuando están uno junto al otro? La solución es bajarles el tono. Inicia ajustando la claridad, oscuridad o saturación de uno de los colores de tu diseño. En ocasiones, un ligero contraste es todo lo que tu paleta necesita.

Legibilidad

Tus colores deben ser fáciles de leer y agradables a la vista. A veces, eso significa no agregar color a cada detalle. Tonos neutros como negro, blanco y gris pueden ayudarte a balancear un diseño, así cuando uses otro color, este realmente sobresaldrá.

El mensaje que transmiten los colores

Cada color envía un mensaje, así que es importante considerar lo que quieres comunicar y escoger una paleta que encaje. Por ejemplo, los colores vivos tienden a dar un toque divertido o moderno. Los colores desaturados, a menudo, parecen más orientados a los negocios. A veces depende solamente del contexto. Te sorprendería cuán flexibles pueden ser.

Inspiración al combinar colores

Podrás encontrar ideas de cómo hacerlo en carteles publicitarios o famosas obras de arte, entre muchos otras cosas y espacios.

También puedes usar algún recurso web para buscar paletas de colores o crear las tuyas. Incluso diseñadores experimentados buscan inspiración en su entorno. No hay nada malo con encontrar algo que te atraiga y adaptarlo a tu gusto.

“El lenguaje es una limitación, una prisión. El diseño permite explorar otros espacios”

Neville Brody

Línea Gráfica

10 REGLAS DE COMPOSICIÓN POR LAS QUE SE RIGE TODO DISEÑADOR

Podrías tener los elementos gráficos más hermosos del mundo, pero si tu composición no da la talla, todo se va directo a la basura.

Así que podemos decir con certeza que la composición es muy importante. Pero, ¿qué es exactamente una composición? Bueno, poniéndolo en términos simples, es la parte donde todos los elementos separados se unen para formar un todo. Cuando todas tus letras, tus imágenes, tus gráficos y colores se unen para formar un diseño cohesivo. Una composición exitosa significa que has organizado, distribuido, alineado y compilado tu diseño de manera tal que no solo se ve bien, sino que también es altamente funcional y efectivo. Veamos unos cuantos consejos, trucos y técnicas que harán que domines la composición en un abrir y cerrar de ojos.

ncuentra tu enfoque

Como nos lo decían cuando estábamos en la escuela, tener enfoque es algo muy importante. Un elemento clave para cualquier buena composición es un punto focal sólido, ya que ayuda a dirigir naturalmente los ojos de tus espectadores hacia las partes importantes de tu diseño primero.

Cuando elijas tu punto focal, toma en cuenta que el objetivo principal de todo diseño es la comunicación. Independientemente de que estés comunicando una idea, cierta información, o simplemente un sentimiento o una emoción, tu diseño está contando una historia específica, así que procura elegir un punto focal que

ayude a contar esa historia de la manera más contundente y efectiva.

Algunas maneras de llamar la atención son mediante técnicas como la escala, el contraste y las líneas guía, lo cual discutiremos con mayor detalle más adelante. Pero por el momento, analicemos un ejemplo.

En este ejemplo por Matthew Metz para la cadena de moda Nordstrom, el punto focal es la modelo y su ropa. Razón por la que ella ha sido colocada al centro, tiene letras y un bloque de color posicionado de manera que resalte y dirija la atención hacia su rostro y luego su atuendo, y las líneas guía dirigen los ojos por debajo de su marco y gradualmente hacia más información.

Del mismo modo, este diseño de póster por Shauna Lynn Panczyszyn pone el enfoque en la fotografía del hombre. El diseño orienta el enfoque de esta imagen al colocarlo en el centro, enmarcándolo con los gráficos, y usando gráficos garabateados para guiar al ojo hacia la fotografía.

02. Dirige al ojo con líneas guía

Así como apuntas algo cuando quieres que los demás lo vean, al posicionar ciertas líneas y formas de ciertas maneras puedes controlar el punto de vista de tu diseño, es decir, hacia dónde se mueven los ojos de los espectadores cuando ven tu diseño. Un uso común de líneas guía con el que podrías estar muy familiarizado es dentro de organigramas. Los organigramas usan líneas para dirigir tus ojos de un punto al siguiente en una manera obvia. Échale un vistazo a esta tarjeta de “aparta la fecha” por Paper and Parcel que usa líneas de guía de organigrama para presentar la información en una forma divertida y única. Las líneas guía también pueden guiarte hacia diversos niveles o puntos de información. Como se discutió anteriormente, ¿quieres que el ojo se dirija primero hacia el punto focal principal, pero luego a dónde va? Al posicionar y ajustar tus líneas guía puedes no solo dirigir el ojo hacia el punto focal

de tu diseño sino también por el resto del mismo.Por ejemplo, observa este diseño de póster por Design By Day que utiliza líneas guías sólidas para primero dirigir el ojo hacia el punto focal principal (el título), y luego hacia los demás peldaños de información.Claro, no todos los diseños que crees tendrán líneas tan evidentes para ajustarlas para dirigir el punto de vista, pero esto no significa que estés en una balsa sin remos. Encuentra formas y líneas dentro de tus imágenes y elementos gráficos y úsalos para dirigir el ojo en ciertas maneras. Un ejemplo de esto puede observarse en este póster de 1 Trick Pony que utiliza la línea al lado del brazo izquierdo del hombre para dirigir al ojo hacia y desde el logo y luego hacia el resto de la imagen. De este modo, las formas de la imagen han sido utilizadas para dirigir al ojo.

03. Escala y jerarquía

La escala y la jerarquía visual son algunos de los fundamentos creativos que pueden crear o destruir tus diseños, así que es importante tener un buen entendimiento de ellos para mantener una composición exitosa. En una explicación muy breve, la jerarquía es la colocación y diseño de elementos en orden para señalar su importancia de manera visual. Así que puedes hacer que un elemento más importante sea más grande y llamativo que uno menos importante que podría ser más pequeño o más tenue. La jerarquía es especialmente importante cuando se trata de la letra.

La escala con frecuencia se utiliza para comunicar jerarquía al dirigir la atención hacia y lejos de ciertos elementos, indicando de este modo su importancia para la comunicación. Por ejemplo, este diseño de póster por Jessica Svendsen usa una imagen escalada como el elemento más grande, lo que ayuda a llamar la mayor atención y enfoque.

El título es la pieza más grande y llamativa de letra debido a que es la parte más importante de información escrita para esta comunicación específica, y el cuerpo de texto es mucho más pequeño. Entonces, la escala ha sido utilizada para indicar el punto focal, y para mantener la jerarquía tipográfica. La escala también es una herramienta increíblemente útil para darle a tu diseño proporción y un sentido del tamaño. Puedes hacer que las cosas se vean extremadamente detalladas y diminutas, o puedes hacerlas grandes e imponentes. Por ejemplo, este diseño de póster por Scott Hansen usa una escala reducida, una silueta pequeña de dos personas para ayudar a comunicar la impresionante escena frente a ellas. Esto les da inmediatamente a los espectadores un sentido de la magnificencia y tamaño de la escena.Al contrastar un elemento a pequeña escala al lado de uno a gran escala en tu composición, puedes crear un número de efectos diferentes.

04. Equilibra tus elementos

El equilibrio es muy importante en muchos sentidos, y por supuesto que tus diseños no son la excepción. ¿Pero cómo encontramos ese perfecto equilibrio dentro de nuestros diseños? Bueno, discutamos sobre dos tipos comunes de equilibrio y cómo dominarlo. Primero, tenemos el equilibrio simétrico. Este tipo de equilibrio hace exactamente lo que indica su nombre – equilibra tu diseño usando la simetría. Al reflejar ciertos elementos de diseño de izquierda a derecha o de arriba a abajo, puedes crear un fuerte sentido de equilibrio. A continuación, se muestra un ejemplo de equilibrio simétrico. Este diseño de invitación de boda por Jennifer Wick usa una composición simétrica al reflejar el posicionamiento de la letra y de los elementos gráficos. Al usar la simetría, este diseño es más elegante, limpio y hermosamente equilibrado. Otro tipo de equilibrio, y posiblemente el tipo más común es el equilibrio asimétrico. El equilibrio asimétrico también es un término bastante claro, dado que habla de crear equilibrio sin simetría.

A continuación, se muestra un ejemplo de equilibrio asimétrico exitoso. Este diseño de póster por Munchy Potato emplea el equilibrio asimétrico al dispersar y escalar elementos deliberadamente.

En el diseño de arriba, los tres círculos centrales son los elementos más grandes en el diseño, pero se equilibran gracias a la letra, los gráficos de línea fina, y al círculo pequeño con mucha textura en la esquina inferior.

…Diseño de póster por Munchy Potato

Una buena técnica para dominar el equilibrio asimétrico es pensar que cada elemento tiene un ‘peso’. Los objetos pequeños pueden ‘pesar’ menos que los objetos más grandes, y los elementos altamente texturizados pueden ‘pesar’ más que los elementos coloreados de manera lisa. Cualquiera que sea el caso para tu diseño, equilibra estos elementos pesados hasta que obtengas un equilibrio efectivo.

05. Usa elementos que se complementen entre sí

Alguna vez seguramente oíste hablar de los colores complementarios, pero ¿qué hay de los elementos complementarios del diseño? Un elemento clave para una composición exitosa y efectiva es tomarse el tiempo para seleccionar cuidadosa y deliberadamente cada elemento de tu diseño para que cada parte complemente el todo. Un error común en las composiciones es usar imágenes que no se complementan entre sí. Así que cuando uses más de una imagen en tu composición, intenta asegurarte que todas se vean efectivas y cohesivas cuando se agrupen. Hay muchas maneras para lograrlo, aquí hay unos cuantos consejos.Usa fotos de la misma sesión de fotos. Esta es una forma sencilla de garantizar que tus fotografías se vean cohesivas ya que es probable que todas estuviesen bajo la

misma dirección artística y estilo fotográfico. Mira este artículo de revista por Jekyll & Hyde y Elena Bonanomi que hace precisamente eso para crear un diseño hermoso. Colorea tus fotos del mismo modo. Con la prevalencia de filtros y herramientas de ajuste de imágenes, eres capaz de colorear y ajustar tus fotos para tener paletas más cohesivas. Elige fotos que hayan sido tomadas de forma similar. Intenta elegir fotos que tengan estéticas y estilos similares, por ejemplo, si una imagen es muy minimalista, elige otras que estén inspiradas en lo minimalista para complementarla. Échale un vistazo a este ejemplo de diseño de sitio web por Feint que ha elegido imágenes que tienen cierta tosquedad con mucha textura, vetas de madera y tonos fríos. Crear un formato cohesivo también significa combinar la letra y las imágenes para que se complementen entre sí. Toda tipografía diferente cuando se usa en las circunstancias adecuadas tiene ciertos tonos e ideas asociados a ella – una tipografía cursiva detallada con muchos adornos y rizos por ejemplo podría expresar elegancia y sofisticación. Así que cuando elijas una tipografía, procura que tenga propósito e intención.

06. Aumenta (o reduce) tu contraste

El contraste es una herramienta sumamente útil para resaltar y ocultar ciertos elementos de tu diseño. Al aumentar el contraste o usar un color distintivo de alto contraste, puedes ayudar a que un elemento sobresalga y llame la atención. De igual manera, al reducir el contraste, puedes hacer que un elemento se desvanezca en el fondo.

Este ejemplo por Thebault Julien usa colores de alto contraste para enmarcar y resaltar las imágenes focales, y usa tipografías llamativas para resaltar los fragmentos clave de información.

Pero también usa letras más ligeras y delgadas para empujar los otros elementos fuera del centro de atención un poco.

Mientras que el color vibrante del caso anterior funciona para resaltar el diseño, el siguiente ejemplo usa un color vibrante para ocultar un elemento del diseño.

De esta manera, el contraste también puede usarse para ‘ocultar’ ciertos elementos de tus diseños al igual para crear un significado con ellos. Así que usa el contraste con un propósito para tu diseño, ya sea para ajustar el enfoque hacia un elemento o para alejarlo.

…Sentido de lectura

07. Repite elementos de tu diseño

Repite conmigo: “la repetición crea composiciones exitosas”. Para mantener la consistencia y un formato lógico, intenta tomar elementos específicos de una sección de tu diseño y aplícalos en otras secciones. Tal vez un estilo de letra puede aplicarse en más de una sección de tu diseño, o quizás un motivo gráfico puede usarse más de una vez. Así que prueba armar tu diseño con elementos repetidos.

La repetición es un factor clave cuando se trata de formatos de múltiples páginas. Repetir elementos de tu formato y/o diseño ayuda a que cada página pase a la siguiente, creando un conjunto cohesivo de páginas.

Por ejemplo, mira estos diseños de artículos de revista por Mauro De Donatis y Elizaveta Ukhabina. En este diseño, cada composición de formato es similar, las únicas diferencias son el contenido escrito, los colores y el uso de imágenes. Esta composición repetida ayuda a los lectores a reconocer rápidamente el formato y por lo tanto familiarizarse con la información de manera rápida.

La repetición también es un factor clave cuando se trata de diseñar composiciones de una sola página. Al repetir elementos gráficos puedes mantener tu diseño fuerte y cohesivo, así como este póster de evento por Jessica Hische. Este póster repite ciertas estilizaciones de letra, gráficos y pesos de línea a través del mismo para mantener un diseño cohesivo y efectivo. Si de repente se decidiera utilizar un gráfico basado en líneas rosas gruesas y llamativas en alguna parte de en medio, la cohesión se perdería. Por lo que al mantener la paleta de fuentes y la paleta de colores pequeña y los estilos gráficos simples y parecidos, el diseño se mantiene hermoso y fuerte.

Línea Gráfica

Cuando diseñes, mantén un registro de las tipografías, grosores de líneas, colores, etc., que uses, e intenta repetirlos en alguna parte de tu diseño para unir las piezas como un todo.

08. No olvides el espacio blanco

La forma más fácil de ofender al espacio blanco es referirse a él como ‘espacio vacío’. El vacío implica que debería estar lleno de algo, que no está haciendo su trabajo, pero este no es el caso. El espacio blanco, cuando se usa estratégicamente, puede ayudar a incrementar la claridad y apariencia general de tu diseño al equilibrar las partes más complicadas y abarrotadas de tu composición con espacio que ayuda a que tu diseño pueda respirar.

Por ejemplo, observa este diseño por Cocorrina que usa espacio blanco para equilibrar la imagen, la textura y la letra para mantener el diseño limpio y sofisticado. Entonces, ¿cómo usamos el espacio blanco en nuestros diseños? Reduce tus elementos gráficos. Al reducir tus imágenes, letras, gráficos, etc., puedes crear algo de espacio blanco alrededor de tus puntos focales mientras permaneces dentro del marco de tu gráfico original. Por ejemplo, mira este diseño de tarjeta de receta por Serafini Creative que reduce el diseño central para crear un hermoso marco de espacio blanco alrededor del diseño.

No tienes porqué llenar todo el espacio con contenido. Como se acaba de mencionar, el espacio blanco no es espacio vacío, está haciendo su trabajo y sirviendo su propósito, así que no sientas la necesidad de llenar cualquier espacio blanco que tengas con más contenido.

Por ejemplo, observa este diseño de sitio web por Creative Web Themes que usa una imagen para representar el producto, un título en negrita, dos pequeñas líneas de texto, y luego un enlace para obtener mayor información. Gracias a este simple formato, y la forma en que no todo el espacio ha sido llenado con contenido, hay mucho lugar para que espacio blanco haga lo suyo y deje que cada elemento respire perfecta y efectivamente. Cuando diseñes tu pieza, pregúntate si cada elemento de tu diseño es 100% necesario. ¿En verdad necesitas todas esas letras, necesitas el título azul brillante, necesitas 3 imágenes diferentes? Al eliminar los trozos y fragmentos innecesarios de tu diseño, puedes crear un diseño más directo que aproveche el espacio blanco al máximo.

09. Alinea tus elementos

Cuando diseñes una composición que tenga muchos elementos, no los eches todos sobre la página y digas que ya terminaste, porque alinear estos elementos es una forma rápida y sencilla de transformar tu diseño de lamentable a chic.

…Tarjeta de receta por Serafini Creative

… Creative Web Themes

… Monocle

¿Tienes problemas para alinear tus elementos? Canva eliminará ese problema por ti en un santiamén con una herramienta de alineación automática sumamente útil. Solo arrastra tu elemento por la página y Canva lo alineará con tus otros elementos y lo pondrá en su lugar, como si fuese arte de magia.

Mira este ejemplo de un artículo de revista perfectamente alineado por Huck. El elevado grado de alineación entre sus elementos crea un formato definido, organizado y efectivo que es fácil de navegar y agradable para el ojo.

Alinear tus elementos de manera fuerte y lógica también te ayuda a crear orden entre muchos elementos. Así que, si estás usando muchas imágenes, muchas letras y/o muchos elementos gráficos, la alineación podría ser tu nuevo mejor amigo.

La alineación también es muy importante cuando lidias con las letras. Existen muchas maneras de alinear tus letras, pero una buena regla general para los cuerpos de texto más largos es apegarse a la alineación izquierda, ya que es la forma más fácil para el ojo de navegar y darle sentido al contenido.

10. Divide tu diseño en tercios

La regla de los tercios es una técnica simple en la que los diseñadores dividen sus diseños en tres filas y tres columnas, y en los puntos donde las líneas verticales y horizontales se encuentren es donde deberían ir tus puntos focales.

El diseñador William Beachy juega con esta regla con sus diseños, como puedes notar en el ejemplo que se encuentra debajo. Al colocar los puntos focales en cada intersección de línea, su diseño se vuelve impresionante y efectivo. Beachy también dice que, “Al evitar un diseño centrado agregas algo de movimiento e interés”.

Usar la regla de los tercios es una estupenda manera de empezar la composición de tu diseño, ya que te proporciona una guía

rápida para posicionar y enmarcar tus elementos. Observa este diseño de sitio web por Gajan Vamatheva para National Geographic y tómate un momento para imaginarte dónde se intersectarían las líneas de la regla de los tercios. Quizás notes que las líneas se intersectarían encima de los puntos focales de cada imagen – los excursionistas en la primera imagen, el ave más grande en la segunda. Las líneas se intersectarían en puntos alrededor de los cuadros de texto, dirigiendo al ojo hacia estos puntos. Una estupenda manera de comenzar con tu diseño, en especial si aplicarás la regla de los tercios, es comenzar con una cuadrícula. Las cuadrículas te ayudan a alinear tus elementos en una forma más lógica y a tener un entendimiento más claro de dónde estarán el(los) punto(s) focal(es) de tu diseño. Asegúrate de echarle un vistazo a este tutorial sobre cómo usar las herramientas de cuadrícula de Canva para darles a tus diseños un poco más de estructura y orden. Cuando encuentres un diseño que pienses que sea muy efectivo, intenta desarmarlo mentalmente y busca la estructura subyacente sobre la que se creó. ¿Se usó la regla de los tercios? O quizás se usó un formato de cuadrícula específico. En todo caso, disecciona los ejemplos de inspiración y sigue sus ejemplos cuando puedas hacerlo.

El pasado mes de junio, falleció a los 91 años de edad Milton Glaser, considerado el diseñador más influyente de la segunda mitad del siglo XX en Estados Unidos.

Milton Glaser, creador del icónico logotipo I Love NY, nació en el Bronx y murió en Manhattan, el mismo día de su cumpleaños. Su viuda, Shirley Glaser, declaró al diario The New York Times que la causa de su fallecimiento fue un derrame que se sumó al grave daño que padecían sus riñones. Nació en 1929. Estudió en la Escuela Superior de Música y Arte y la Escuela de Arte de Cooper Union en Nueva York y con el pintor Giorgio Morandi en Bolonia, Italia. En 1954, junto con Seymour Chwast, fue fundador del mítico Push Pin Studio. En 1974 montó su propio estudio en Manhattan. Participó en la fundación de la editorial WBMG y del New York Magazine. Fue responsable del diseño de periódicos como el Washington Post, O Globo o La Vanguardia y fue consultor en importantes diarios de todo el mundo. Se reconoce además por su trabajo como ilustrador y diseñador de carteles, como el cartel del disco “Best of Bob Dylan”, diseñado en 1967 y que encabeza la lista de los carteles más célebres de la historia. En 2001, en una conferencia impartida en el American Institute of Graphic Arts, Milton Glaser dictó “Cosas que he aprendido a lo largo de los años”, y aquí los presentamos. “Cosas que he aprendido a lo largo de los años”

MILTON GLASER, UNA LEYENDA DEL DISEÑO GRÁFICO

…Milton Glaser

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1. Sólo puedes trabajar para gente que te agrada.

Es una regla curiosa que me llevó mucho tiempo aprender porque, de hecho, al comenzar a trabajar sentía justo lo contrario. Ser profesional requería que no te gustara la gente para la cual trabajabas, o al menos que mantuvieras una relación distante.

Hace algunos años me di cuenta de que lo opuesto era verdad. Descubrí que todo el trabajo valioso y significativo que había producido, provenía de relaciones afectivas con los clientes. No estoy hablando de profesionalismo; estoy hablando de afecto. Estoy hablando de compartir con el cliente algunos principios comunes. Que de hecho tu visión de la vida sea congruente con la del cliente. De otro modo la lucha es amarga y sin esperanzas.

2. Si puedes elegir, no tengas un empleo.

Una noche estaba sentado en mi coche fuera de la Universidad de Columbia, donde mi esposa Shirley estudiaba Antropología. Mientras esperaba escuchaba la radio y oí a un periodista preguntar: “Ahora que ha llegado a los 75, ¿tiene algún consejo para nuestra audiencia sobre cómo prepararse para la vejez?”.

Una voz irritada dijo: “¿Por qué últimamente todos me preguntan sobre la vejez?”.

Reconocí la voz de John Cage, el compositor y filósofo que influenció a gente como Jasper Johns y Merce Cunningham y al mundo de la música en general. En cuanto lo conocí, admiré su contribución: “Sabes, no sé cómo prepararme para la vejez”, dijo. “Nunca tuve un empleo, porque si tienes un empleo, algún día alguien te lo quitará y entonces no estarás preparado para la vejez. Para mí ha sido lo mismo cada día desde los doce años. Me levanto por la mañana y trato de hacerme una idea de cómo llevar el pan a la mesa ese día. Es lo mismo a los setenta y cinco: me levanto cada mañana y pienso cómo voy a llevar hoy el pan a la mesa. Estoy excelentemente bien preparado para la vejez”.

3. Alguna gente es tóxica, mejor evitarla.

(Este es un apartado del punto 1). En los años 60 había un hombre llamado Fritz Perls que era psicólogo gestáltico. La terapia Gestalt, derivada de la historia del arte, propone que debes comprender el “todo” antes de los detalles. Lo que debes observar es la cultura entera, la familia completa, y la comunidad, etcétera. Perls proponía que en todas las relaciones la gente puede ser tanto tóxica como enriquecedora entre sí. No es necesariamente cierto que la misma persona será tóxica o enriquecedora en todas sus relaciones, pero la combinación de dos personas puede producir consecuencias tóxicas o enriquecedoras.

Y lo importante que puedo contar es que hay un test para determinar si alguien es tóxico o enriquecedor en su relación contigo.

Aquí va el test: tienes que pasar algún tiempo con la persona, así sea tomar un trago, ir a cenar o ir a ver un juego deportivo. No importa demasiado, pero al final observa si te sientes con más o menos energía, si estás cansado o si estás fortalecido. Si estás más cansado, entonces te han envenenado. Si tienes más energía, te han enriquecido. El test es casi infalible y sugiero usarlo toda la vida.

4. El profesionalismo no es suficiente, o lo bueno es enemigo de lo genial. Cuando comencé mi carrera quería ser profesional. Esa era mi aspiración porque los profesionales parecían saber todo y además les pagan por eso. Más tarde, después de trabajar un tiempo, descubrí que el profesionalismo en si mismo era una limitación. Después de todo, lo que profesionalismo significa en la mayoría de los casos es “reducción de riesgos”. Desafortunadamente en nuestro campo, el así llamado creativo (odio esa palabra porque se suele usar mal, odio el hecho de que se la use como sustantivo, ¿te imaginas llamar a alguien creativo?), cuando haces algo en forma recurrente para reducir riesgos o lo haces de la misma forma en que lo has hecho antes, se vuelve claro por qué el profesionalismo no es suficiente. Después de todo, lo que se requiere en nuestro campo, más que cualquier otra cosa, es la transgresión continua. El profesionalismo no da lugar a la transgresión porque ésta incluye la posibilidad de error, y si eres profesional tu instinto te dicta no fallar, sino repetir el éxito. Entonces el profesionalismo como aspiración en la vida se convierte en una meta limitada.

5. Menos no necesariamente es más.

Al ser hijo del modernismo escuché este mantra toda mi vida: “menos es más”. Una mañana, antes de levantarme, me di cuenta de que era un sinsentido total, un asunto absurdo y bastante vacío. Pero suena importante porque contiene dentro de sí una paradoja resistente a la razón. Sin embargo, no funciona cuando pensamos en la historia visual del mundo. Si observas una alfombra persa, no puedes decir que menos es más porque te das cuenta de que cada parte de esa alfombra, cada cambio de color, cada cambio de forma es absolutamente esencial para su calidad estética. No se puede probar de ninguna manera que una alfombra lisa es superior. Lo mismo con el trabajo de Gaudí, las miniaturas persas, el art nouveau y muchas otras cosas. Tengo una máxima alternativa que creo que es más apropiada: “suficiente es más”.

6. El estilo no es confiable.

Es absurdo ser leal a un estilo. No merece tu lealtad. Debo decir que para los viejos profesionales del diseño es un problema, porque el campo está manejado más que nunca por intereses económicos. El cambio de estilo suele estar ligado a factores económicos, como todos los que leyeron a Marx saben. También se produce cansancio cuando la gente ve demasiado de lo mismo todo el tiempo. Entonces, cada 10 años más o menos se produce un cambio estilístico y las cosas se vuelven diferentes. Las tipografías van y vienen y el sistema visual cambia un poco. Si tienes años de trabajo como diseñador tienes el problema esencial de qué hacer. Quiero decir, después de todo, has desarrollado un vocabulario, una forma que te es propia. Es uno de los modos de distinguirte de tus pares y establecer tu identidad en el campo del diseño. Mantener tus creencias y preferencias se vuelve un acto de equilibrio. La duda entre perseguir el cambio o mantener tu propia forma distintiva se vuelve complicado. Todos hemos conocido casos de ilustres diseñadores cuyo trabajo repentinamente se pasó de moda. Y hay historias tristes como la de Cassandre, indiscutidamente el diseñador gráfico más importante de la década de los años 20 del siglo XX, que no pudo ganarse la vida en sus últimos años y se suicidó.

7. En la medida en que vives, tu cerebro cambia. Tengo un amigo llamado Gerard Edelman que es un gran erudito en estudios del cerebro, que dice que la analogía del

cerebro con un ordenador es lamentable. El cerebro es más como un jardín silvestre que constantemente está creciendo y esparciendo semillas, regenerándose, etc. Y él cree que el cerebro es sensible a toda experiencia y a todo encuentro que tengamos en nuestra vida.

Me fascinó una historia en un periódico hace pocos años acerca de la búsqueda del oído absoluto. Un grupo de científicos decidió que descubriría porqué alguna gente tiene oído absoluto. Son los que pueden escuchar una nota con precisión y replicarla exactamente en el tono correcto. Alguna gente tiene un oído muy fino, pero el oído absoluto es raro incluso entre los músicos. Los científicos descubrieron que en la gente con oído absoluto el cerebro era diferente. Ciertos lóbulos del cerebro habían experimentado algún cambio o deformación recurrente entre quienes tenían oído absoluto. Entonces descubrieron algo aún más fascinante: si tomas un grupo de niños de cuatro o cinco años de edad y les enseñas a tocar el violín, después de unos años algunos de ellos habrán desarrollado el oído absoluto, y en todos esos casos su estructura cerebral habrá cambiado. Bien… ¿qué podría significar eso para el resto de nosotros? Tendemos a creer que la mente afecta al cuerpo y el cuerpo afecta la mente, pero generalmente no creemos que todo lo que hacemos afecte el cerebro. Estoy convencido de que si alguien me gritara desde el otro lado de la calle mi

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…Milton Glaser

…Milton Glaser

cerebro podría verse afectado y mi vida podría cambiar. Es por eso que mi madre siempre decía: “no te juntes con esos chicos malos”. Mamá tenía razón. El pensamiento cambia nuestra vida y nuestro comportamiento. También creo que el dibujo funciona de la misma manera. Soy un gran defensor del dibujo, no por haberme convertido en ilustrador, sino porque creo que el dibujo cambia el cerebro de la misma forma en que encontrar la nota correcta cambia la vida de un violinista. El dibujo te vuelve atento, te hace prestar atención a lo que ves, lo cual no es tan fácil.

8. La duda es mejor que la certeza.

Todo el mundo habla siempre de tener confianza, de creer en lo que haces, pero las creencias profundamente arraigadas de cualquier tipo evitan que te abras a experimentar, y es por eso que encuentro cuestionable toda posición ideológica sostenida con firmeza. Me pone nervioso cuando alguien cree demasiado en algo. Ser escéptico y cuestionar toda convicción arraigada es esencial.

Por supuesto hay que tener clara la diferencia entre escepticismo y cinismo, porque el cinismo es tan restrictivo a la propia apertura al mundo como las convicciones apasionadas: son como gemelos. En definitiva, resolver cualquier problema es más importante que tener razón. Existe una sensación de autosuficiencia tanto en el mundo del arte como en el del diseño. Tal vez comienza en la escuela. Las escuelas de arte a menudo comienzan con el modelo de personalidad singular de Ayn Rand, resistiendo a las ideas de la cultura que la rodeaba. Las escuelas alientan la idea de no ceder y defender tu trabajo a toda costa. Bien, el asunto es que nuestro trabajo consiste en lograr ponerse de acuerdo. Sólo tienes que saber en qué ceder. La búsqueda ciega de tus propios fines a costa de excluir la posibilidad de que otros puedan tener razón, no tiene en cuenta el hecho de que en diseño siempre lidiamos con una tríada: el cliente, la audiencia y tú mismo. Lo ideal sería que mediante alguna clase de negociación todas las partes ganaran, pero la autosuficiencia suele ser el enemigo.

9. Sobre la edad.

El año pasado alguien me regaló para mi cumpleaños un libro encantador de Roger Rosenblatt, llamado “Ageing Gracefully”

(Envejeciendo con gracia). No me di cuenta del título en el momento, pero contiene una serie de reglas para envejecer con gracia. La primera regla es la mejor: “No importa. No importa lo que pienses. Sigue esta regla y agregarás décadas a tu vida. No importa si es tarde o temprano, si estás aquí o allá, si lo dijiste o no, si eres inteligente o estúpido. Si saliste despeinado o calvo o si tu jefe te mira mal.Si consigues o no que te den ese ascenso o premio o casa, no importa”. Sabiduría al fin. Entonces escuché un maravilloso cuento que parecía relacionado con la regla número diez: Un carnicero estaba abriendo su negocio una mañana y mientras lo hacía un conejo asomó su cabeza a través de la puerta. El carnicero se sorprendió cuando el conejo preguntó: “¿Tiene repollo?”. El carnicero dijo: “Esta es una carnicería, vendemos carne, no vegetales”. El conejo se fue saltando. Al día siguiente el carnicero estaba abriendo su negocio y el conejo asomó su cabeza y preguntó: “¿Tiene repollo?”. El carnicero ahora enojado le respondió: “Escúchame pequeño roedor, te dije ayer que vendemos carne, no vegetales, y la próxima vez que vengas por aquí te voy a agarrar del cogote y clavaré esas orejas flojas al suelo”. El conejo desapareció precipitadamente y nada sucedió durante una semana. Entonces una mañana el conejo asomó su cabeza desde la esquina y preguntó: “¿Tiene clavos?”. El carnicero dijo: “No”. Entonces el conejo dijo: “¿Tiene repollo?”.

10. Decir la verdad. El cuento del conejo es importante porque se me ocurrió que buscar repollo en una carnicería sería como buscar ética en el campo del diseño. No parece ser el lugar más adecuado para encontrarla tampoco. Es interesante observar que en el nuevo código de ética de la AIGA (American Institute of Graphic Arts) aparece una cantidad importante

de información sobre conductas para con los clientes y para con otros diseñadores, pero ni una palabra acerca de la relación del diseñador con el público. Lo que se espera del carnicero es que venda carne que se pueda comer y no mercancía engañosa. Recuerdo haber leído que, durante los años de Stalin en Rusia, todo lo que llevaba la etiqueta de “ternera” en realidad era pollo. No me quiero imaginar qué sería lo que llevaba la etiqueta “pollo”.

Podemos aceptar algún nivel mínimo de engaño, como que nos mientan a cerca del porcentaje de grasa de sus hamburguesas, pero cuando el carnicero nos vende carne podrida nos vamos a otra parte. Como diseñadores ¿tenemos menos responsabilidad con nuestro público que un carnicero? Quien esté interesado en vigilar la ética en diseño gráfico, debería notar que la razón de ser de un código es proteger al público, no a los diseñadores ni a los clientes. “No hacer daño”. es una advertencia a los médicos que tiene que ver con la relación con sus pacientes, no con sus colegas o con los laboratorios.

Hasta su muerte el 26 de junio de 2020, Glaser estaba trabajando en un proyecto gráfico que representaría la idea de colectividad durante el aislamiento forzado de la pandemia Covid-19.

Como dijo el artista al New York Times, esperaba que el proyecto, titulado Juntos, se distribuyera en las escuelas públicas de la ciudad para difundir el mensaje de que «no estamos solos».

«‘Estamos todos juntos en esto’ se ha reiterado mil veces, pero puedes crear el equivalente simbólico de esa frase con solo usar la palabra ‘juntos’, y luego hacer que esas letras parezcan como si fueran todas diferentes, pero todas relacionadas «, dijo a la publicación.

Colecciones Permanentes

Milton Glaser está representado en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno de Nueva York; El Museo de Israel, Jerusalén; The Chase Manhattan Bank, Nueva York; El Archivo Nacional en Washington D.C.; El Instituto Smithsonian, Washington, D.C. y El Museo Nacional de Diseño Cooper Hewitt, Nueva York.

LA IMPORTANCIA DE LA ILUSTRACIÓN EN EL DISEÑO GRÁFICO

a ilustración y el diseño gráfico son dos profesiones diferentes que suelen confundirse o mezclarse entre sí, pero, la verdad es que un ilustrador no tiene necesariamente que ser diseñador gráfico, ni un diseñador debe contar con conocimientos de ilustración. Sin embargo, estas profesiones se complementan de manera extraordinaria debido a que el trabajo de ambos se refleja en el producto gráfico final. Resulta interesante, ¿cierto? Si quieres saber más, mantente atento a este artículo porque te contaremos todo sobre la importancia de la ilustración en el diseño gráfico.

¿Qué es la ilustración?

Las ilustraciones son imágenes capaces de transmitir un mensaje, normalmente acompañan textos o historias. A diferencia de la escultura u otros tipos de arte, la ilustración hace uso de diseños bidimensionales para acompañar una idea, ésta podría estar desarrollada con tinta, óleo, acuarelas o cualquier otro material artístico.

En sus inicios, fue utilizada con fines publicitarios para ser imagen de carteles, anunciar productos, promocionar servicios, etc.; además, se lucía en las portadas de libros, revistas y famosos cuentos infantiles.

Hoy en día, la ilustración cuenta con múltiples fines asociados a la comunicación y el arte, es por esta razón, que ha tomado un papel importante en el desarrollo del diseño gráfico, ya sea con fines publicitarios o relacionado a otro tipo de comunicación visual.

Importancia en el diseño gráfico

En el ámbito del diseño gráfico, se entiende a la ilustración como todo dibujo o imagen utilizado para ilustrar un documento o mensaje de cualquier tipo; se considera una herramienta versátil, ya que puede utilizarse en diferentes formatos de presentación, ya sea para un flyer publicitario, publicación informativa o hasta en el diseño de un logotipo. Existen muchas razones por las cuales la ilustración resulta importante para el diseño gráfico. A continuación, mencionaremos las más relevantes.

La ilustración resulta práctica para el diseño gráfico. Esto sucede cuando se desea incluir una imagen sin la necesidad de recurrir a una fotografía, se puede dar un toque más artístico y original mediante una ilustración.

Las herramientas de ilustración permiten la creación de infografías mucho más dinámicas y precisas. Esto es utilizado en el desarrollo de diseños para empresas, inmobiliarias o instituciones educativas que buscan dar a conocer sus servicios de manera más intuitiva para los lectores.

La ilustración es capaz de transmitir un mensaje más emocional en cualquier circunstancia, a diferencia de las herramientas de diseño gráfico, la ilustración logra capturar el arte de un mensaje

y transmitirlo por una imagen dinámica que llame la atención de todos los espectadores de manera instantánea. Cómo puedes ver, la ilustración resulta muy útil y efectiva para el diseño gráfico, ya que puede aportar creatividad y dinamismo a cualquier pieza de diseño, así como eliminar la rigidez de las fotos o imágenes precisas para añadirle un toque artístico y dinámico a cualquier pieza gráfica. Recuerda que ambas son profesiones distintas y cuentan con enfoques totalmente diferentes, sin embargo, pueden complementarse al estar orientadas a un mismo objetivo visual, ya sea publicitario, educativo, informativo, etc.

“Si puedes diseñar una cosa, entonces puedes diseñarlo todo; si lo haces bien, perdurará para siempre” Massimo Vignelli

la hora de hacer una película hay diversas disciplinas involucradas como el guión, la música, el vestuario, la iluminación, la escenografía o la cámara. Pero ¿qué hay del diseño gráfico?

El diseño gráfico de cine permite hacer del mundo en el que nos adentramos al visualizar una película algo real. Permite comunicar sin ser apreciado a simple vista. Desde marketinhouse queremos contarte todo lo que hace el diseño gráfico para convertirse en un diseño de cine y hacer más real tus películas.

Diseño gráfico y cine: una relación de película.

Un periódico con la fecha adecuada en Regreso al futuro, un mapa mágico que ayuda a Harry Potter en su aventura o un billete dorado que hace que Charlie pueda visitar la famosa Fábrica de Chocolate. El diseño de cine consigue hacernos creer que lo inimaginable es posible. Además, consigue que nos adentremos en la película, a través de diferentes disciplinas, incluso antes de empezar verla.

Diseño de cartelería

Lo primero que solemos ver de una película es el tráiler o el cartel promocional. Séptimo arte y diseño gráfico se unen para crear el que será unos de los elementos decisivos a la hora de elegir si ver una película o no. Por este motivo, hay que tener especial cuidado en su elaboración, con el objetivo de que el espectador no pase de largo.

Los carteles, como las propias películas, cuentan una historia. Según el género el diseño de cartelería seguirá una serie de reglas no escritas, las cuales principalmente son:

Predominio de un color:

Amarillo – Cine indie.

Rojo – Comedia romántica, drama.

Azul – Documental, película de animales.

Negro – Thrillers, terror, fantástico.

Basado en los protagonistas:

Dos imágenes superpuestas con una imagen de los protagonistas – Drama

Espalda contra espalda – Comedia romántica

De espaldas – Héroes

Corriendo – Acción

Ojos – Terror, suspense o thriller

Diseño de títulos de créditos

Uno de los usos más antiguos. Con el cine mudo aparecieron los primeros créditos. Aunque estos se basaban únicamente en el uso de tipografías legibles a partir de los años 60 se empezó a jugar con ellos para introducir al público en la trama y tema de la película.

Entre los diseñadores gráficos más destacados dentro de esta disciplina encontramos a Saul Bass, creador de títulos como Psicosis o West Side Story, Maurice Binder y la tan conocida introducción a las películas de James Bond; o Dan Perri a quien debemos atribuir la autoría de los míticos créditos de Star Wars. Para entender un poco mejor esta parte, os dejamos el ejemplo de Saul Bass. En esta secuencia de créditos iniciales para Psicosis, apoyándose en la música consigue generar incertidumbre y tensión con elementos básicos del diseño gráfico como son las líneas y la tipografía.

H3: Diseños de cines, elementos dentro de la escena

El departamento de arte es el encargado de la creación del atrezzo, dentro de él encontramos a los diseñadores gráficos, los encargados de imaginar y producir todo el arte gráfico de la película.

A lo largo de la película el diseño gráfico introduce al espectador dentro del mundo de la película. Hace que elementos cotidianos se conviertan en narradores. En la mayoría de ocasiones los diseños pasan desapercibidos, pero son vitales para generar atmósferas y escenarios. Es por eso, que en esta disciplina no existen límites en cuanto a soportes, materiales, tamaños o herramientas de creación. Todo se puede crear. Cada uno de los elementos que aparecen han sido tratados y cuidados al detalle. Un claro ejemplo es la papelería, no vale con comprar un libro en una librería y ponerlo ahí. Tiene que parecer que ha sido utilizado, leído… debe tener un aspecto real con respecto a la escena de la película donde aparece y el personaje o personajes que lo van a utilizar. Hay varios diseñadores artísticos que, a pesar de no tener un nombre tan reconocido como puede ser el nombre del director o del actor principal, destacan por su excelente trabajo. Hoy queremos que conozcas a Annie Atkins.

Famosa por su trabajo en las películas de Wes Anderson, director conocido por el cuidado del color hasta el mínimo detalle. Gracias a su labor, el papel de diseñador gráfico en el cine ha tomado más importancia en los últimos años. Sobre la creación de elementos que conformen parte de la película, la propia Atkins asegura que los gráficos para el cine son frágiles por naturaleza propia, y que deben crearse varias copias de un mismo elemento de forma idéntica.

En definitiva, después de leer este post, queda claro que el diseño gráfico está presente en cualquier parte, aunque no seamos consciente y es una doctrina que nos permite comunicar de infinitas maneras.

Y si nunca te habías fijado en todo el diseño de cine que existe dentro de las películas tenemos una “mala” noticia para ti. ¡Ya no vas a poder ver una película igual!

“El diseño está en todo lo que hacemos, pero también está en medio de todo; es una combinación de arte, ciencia, historia y filosofía”

Erik Adigard

HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO: EVOLUCIÓN Y PRINCIPALES ESTILOS GRÁFICOS

a historia del diseño gráfico y especialmente, los colores y su significado (si es que podemos afirmar que lo tengan), es una disciplina que está relacionada con casi todo lo que hacemos y que da movimiento a nuestras ideas. A lo largo de su historia ha vivido numerosos cambios, la mayoría de ellos propiciados por la situación social o económica de la época y el surgimiento de las vanguardias y movimientos revolucionarios. Si hacemos un repaso a través de la historia de la humanidad podemos comprender las distintas etapas de este arte y su influencia en otras artes. Conocer las raíces de este fascinante mundo de formas y color, puede ser sumamente útil si deseamos diseñar adecuadamente nuestra imagen de marca, para dotarla de una personalidad acorde a los servicios que vamos a prestar. Porque, conociendo el pasado y aprendiendo del presente, podremos prepararnos eficientemente para el futuro. ¿Quieres saber cómo ha sido el camino recorrido por este arte milenario? Aquí te lo contamos en detalle.

La historia del diseño gráfico

Sería muy difícil precisar el tiempo exacto en que surgió el diseño gráfico, porque, en verdad representa uno de los compañeros inseparables de la evolución humana.

Pero, si tuviéramos que decantarnos por una época específica, tendríamos que remontarnos a 20 mil años a.C. En aquel tiempo lejano del que datan las pinturas rupestres. Los diseños elaborados sobre las paredes de las cuevas representaban actividades y formas de vida, que nos han servido para intuir cómo vivían aquellas primeras sociedades.Desde ese punto, podríamos seguir avanzando a través de la historia de la humanidad, atravesando distintas etapas donde la imagen fue ocupando un lugar cada vez más relevante.

En el Antiguo Egipto, por ejemplo, encontramos el elaborado sistema de escritura iconográfica: los jeroglíficos. Una serie de símbolos gráficos que representaban sonidos y fonemas. En la Edad Media aparecen los primeros textos adornados con imágenes y decoraciones, acompañando textos de corte religioso. La invención de la imprenta (en 1440) sería de vital importancia para el fomento del trabajo gráfico y la investigación de materiales que colaboraran con la evolución del diseño gráfico. Surgirían especialidades y oficios específicos. Los copistas, tipógrafos y cajistas, alcanzarían cierta relevancia, consiguiendo darle a las artes gráficas y a la escritura un lugar fundamental en el desarrollo de las sociedades.

Década de 1760: La revolución industrial y la litografía

Pero seguramente, el gran salto del diseño gráfico fue en el siglo XVIII, durante la Revolución Industrial.

Durante este período surgió toda una industria mecanizada que sirvió para sembrar los rudimentos de las artes gráficas. El éxodo rural trajo como consecuencia la gran concentración de personas en las ciudades. Esta masificación provocada por la creación de puestos de trabajo para el manejo de la maquinaria industrial dio origen a un nuevo tipo de ciudadano: el consumidor.El resultado de todos estos cambios fue el surgimiento de la técnica publicitaria y la propaganda política, que marcarían un antes y un después para el diseño gráfico. La necesidad de elaborar técnicas de convencimiento que ayudaran a mejorar las ventas, motivó el surgimiento de profesiones capaces de manejar los elementos visuales con este objetivo. Profesionales que pudieran trabajar con las formas, textos, tipos de letras y colores de una forma ordenada y convincente, para ofrecer un mensaje claro y fuerte.

Década de 1890: Modernismo o El Art Nouveau

Entre los siglos XIX y XX el diseño gráfico continuó evolucionando. Este período, conocido como Belle Epoque o Art Nouveau, se destacó por la multidisciplinariedad.Los artistas gráficos comenzaron a trabajar con elementos traídos de disciplinas más técnicas, como la arquitectura, trabajando así con diseños geométricos y angulares.Algunos artistas destacados de esta época son Charles Rennie Mackintosh (quien trabajó con tejidos estampados que influirían notablemente en el art déco) y Peter Behrens (a quien se considera uno de los creadores del logo).

1903: Wiener Werkstätte

A principios del siglo XX surgió la agrupación Wiener Wekstätte, fundada por Josef Hoffmann y Koloman Moser.

El gran aporte de este movimiento al diseño gráfico fue la combinación de técnicas y materiales. Carpintería, curtiembre, encuadernación y metalurgia son algunas de las profesiones que tuvieron relevancia en aquel contexto.

Los integrantes de la agrupación Wiener Wekstätte defendían el ideal de la Grasamtkuntwer (la multidisciplinariedad de las seis artes, acuñada por Wagner) e influyeron notablemente en muchas artes.

1919: Bauhaus

Tan sólo una década más tarde surgiría la Escuela de Bauhaus, fundamental para comprender la evolución del diseño gráfico. Tomando el ideal de la Grasamtkuntwer, esta escuela reunió a escultores, pintores, arquitectos y artistas de todas las disciplinas, para componer un movimiento que valorara el trabajo especializado sin distinguir entre oficios.

Uno de los principales valores de esta escuela era dejar atrás esa idea de elitismo vinculada a los oficios. Promovía la profesionalización de todas las personas independientemente de la clase social a la que pertenecieran.

Cabe mencionar que, el gran lema de esta escuela era: «la forma sigue a la función»; lo cual significa que la forma y la estética deben ir de la mano y toda obra de arte debe tener un objetivo funcional.

1947: Los logotipos corporativos de Paul Rand

En torno a la década del cincuenta el mundo conoció a Paul Rand, a quien se denomina cariñosamente «papá logo». Se lo considera uno de los grandes diseñadores de la historia. El trabajo de Rand fue rotundamente importante para la consolidación del diseño gráfico. Principalmente se le reconoce el haber conseguido combinar formas geométricas y tipografías con espacios en blanco.

Podría decirse que Paul Rand sentó las bases para el diseño de logotipos corporativos, que supondría una novedosa ampliación de las fronteras del diseño artístico.

Son muchas las marcas que han sido tocadas por la mano precisa y visionaria de Rand: IBM, Abc y UPS, entre muchas otras. Además, en la actualidad, Rand cuenta con una gran cantidad de seguidores, que apoyan ese tipo de diseño, efectivo y contundente.

Década de 1970: Posmodernismo

Durante los años 60 y 70 tuvieron lugar muchísimos cambios en el mundo: el surgimiento de un nuevo mapa de países, los numerosos avances tecnológicos y ciertos movimientos sociales dirigirían el destino de la sociedad.

La guerra de Vietnam, el surgimiento de los hippies y los beatniks en Estados Unidos, el nuevo mapa de países en Europa y el surgimiento de las telecomunicaciones (principalmente la televisión como medio masivo de comunicación) colaborarían con notables avances para el diseño gráfico. De hecho, podríamos decir que en esta época se ubica el período dorado de la publicidad.

El expresionismo gráfico fue decisivo para el diseño, al combinar forma y lenguaje de una forma nueva y revolucionaria. El avance de disciplinas como la fotografía y la infografía, asimismo, colaboraron con la diversidad y la especialidad en el diseño gráfico: creando una forma de expresividad totalmente nueva para este arte.

Década de 1990: Las herramientas digitales

Desde los años ochenta y ya bien entrados los noventa el diseño gráfico vivió una nueva revolución. La llegada de los ordenadores personales y la aparición de programas informáticos específicos para el trabajo de los diseñadores posibilitaron una especialización y un desarrollo inusitado para la disciplina.

“El gran diseño es una relación multidimensional entre la vida humana y el entorno” Naoto Fukasawa

Evolución del Diseño Gráfico Siglo XIX Revolución industrial Siglo XX

–Impresionismo (1874) –Art and Crafts (1880)

–Fauvismo (1905)

–Expresionismo (1910)

–Bauhaus (1919-1937)

–Dadaismo (1923)

–Exposición universal (1861) –Post impresionismo (1886)

–Cubismo (1907)

–Arte abstracto (1910) –Art decó (1920)

–Expresionismo abstracto (1960)

–Cámara oscura (1820) –Art Nouveau (1900) –Futurismo (1908)

–Suprematismo (1915) –Surrealismo (1920) –Pop Art (1960)

LA IMPORTANCIA DEL DISEÑO EN LAS PORTADAS DE MÚSICA

a música es un pasatiempo muy común, es un arte que tiene el poder de evocar sentimientos, alterar estados de ánimo y memorias pasadas, en ella se concentran una cantidad extensa de artistas y géneros que buscan ser escuchados y reconocidos por un amplio público. Pero la música no convive sola en este ámbito, necesita algo que la complemente, que le brinde un significado extra, aquí es cuando el diseño gráfico hace presencia; en el proceso de creación de una canción o álbum es esencial crear una portada que transmita todo lo que el artista te quiere contar, se tiene que hacer buen uso de los recursos ya sean fotográficos, ilustrativos, tipográficos, etc. Todo esto para cumplir la difícil misión de capturar la mirada del público, esos detalles pueden hacer la diferencia para que alguien se anime a escucharlo y se quede en la memoria de las personas (claro, obviando el hecho que si las canciones son buenas también permanecerán en la mente del oyente).

La primera portada Para ponernos en contexto se debe mencionar un poco de la historia de la primera portada, aunque se pensaría que los discos siempre fueron acompañados de un diseño, la realidad es que existió una época donde su empaque solo consistía de cartón o papel estraza, agujereadas en el centro el cual permitía que se viera una etiqueta con el nombre del artista, canción, compositores y discografía, esto fue así durante mucho tiempo, hasta que llegó el diseñador Alex Steinweiss a crear la portada de Smash Song Hits de Richard Rodgers y Lorenz Hart en 1940. La arriesgada propuesta de Steinweiss hizo que las ventas del álbum crecieran estratosféricamente y como toda acción tuvo una reacción, en este caso para bien ya que las disqueras empezaron a crear diseños para sus próximos lanzamientos.

Tate Linden

Más que una portada

Con el pasar del tiempo, surgieron nuevos discos, con ello también nace la necesidad de crear productos que exigen tener una identidad más definida, algo que las caracterice y puedan expresarse desde un inicio sus intenciones, un ejemplo de esto es el álbum Unknown Pleasures de Joy Division (1979) la imagen de la portada muestra los aproximadamente 80 pulsos sucesivos del primer púlsar descubierto, fue creada por el diseñador Peter Saville. Una caratula cuanto menos curiosa e intrigante, un fondo negro con líneas blancas que parecen haber sido trazadas con duda y miedo, una irregularidad muy particular, así como las canciones que contiene el disco, desenfrenadas y densas, al menos esa es mi interpretación, porque a consideración esta icónica y simbólica portada es algo polisémica.

La necesidad de crear productos cada vez más llamativos empezó a resonar en las disqueras, ya no bastaba con solo la portada, por esta razón se empezaron a implementar nuevas formas de complementar un álbum, se agregaron nuevos elementos en el empaque como fundas de cartón con la misma impresión de la portada para proteger el estuche del disco, pequeños libros donde puedes encontrar las letras de cada track, calcomanías referentes al contenido, posters, portadas intercambiables y hasta el mismo cd con algún diseño, la experiencia de comprar, abrir y reproducir un disco se había convertido en algo más que llegar a casa y meterlo al estéreo.

“El diseño es una oportunidad de seguir contando una historia, no de resumirla”

El impacto de la era digital Pero ¿qué pasa cuando llega la era digital, la viralización está latente y el alcance de producir música llega a la mano de todos? el diseño de empaque empieza a pasar a segundo o tercer plano, todo el diseño vuelve a recaer en la carátula y el recurso de la conceptualización cae ante el abarrotado mercado, la norma parece que se vuelca a un estilo fotográfico simple con poses repetitivas y carentes de personalidad, ahora sí que «métanle más diseño» ¿no? Para la primera canción y álbum es entendible, el artista busca permanecer en la mente del posible escucha, pero abstenerse a innovar en conceptos visuales puede parecer que lo único que desea es solo ser reconocido por su imagen física, es apreciable cuando realmente demuestran un cambio en su identidad y reflejan la identidad de su disco.Un ejemplo de la evolución del contenido visual en la música es el álbum Biophilia de Björk (2011) una creación puramente visual e interactiva que se basa en elementos o fenómenos naturales, quizás este disco sea uno de los mayores avances que existen en cuanto representación de su contenido.Hemos aprendido que sin el diseño la música carecería de una personalidad completa, que, si bien los diversos géneros musicales le pueden aportar una parte, necesitan de este apoyo visual para ser mejor comprendidas. Si eres un artista o productor debes comprender que el diseño va más allá de crear una imagen bonita y estética, centrándonos

en este ámbito musical es notorio que se exige que seas arriesgado y te atrevas a ofrecer algo más que refleje tu arte, recuerda que un mensaje bien formulado siempre será bien recibido.

…Grammofon-musik-illustration

LITERATURA CONVERTIDA EN DISEÑO

iteratura y diseño son dos ramas artísticas que desde sus orígenes han ido de la mano y se han retroalimentado de formas diferentes. Comenzando por las propias portadas y cubiertas de los libros, cuya estética ya se tenía en cuenta hace siglos cuando las decoraban con grabados y panes de oro, hasta la actualidad, destacando por la originalidad de sus materiales o los recursos que utilizan para sintetizar su contenido. Ejemplos de ello son la portada de Un Mundo Feliz, realizada por Richard Tutlle, que incluye cápsulas de Prozac, o la de Fahrenheit 451, por Elizabeth Pérez, que sustituye el 1 por una cerilla que se puede encender en el lomo del libro.

Por supuesto los libros infantiles, pero también algunas novelas para adultos han incluido a menudo entre sus páginas ilustraciones, algunas sencillas y esquemáticas y otras cargadas de detalles, como algunas obras fantásticas reconocidas mundialmente que nos mostraban mapas de mundos imaginarios en sus primeras o últimas páginas.

No podemos evitar hablar también de los vistosos libros pop up, que al abrirlos nos despliegan sus historias delante de la cara, en tres dimensiones e incluso con movimiento.

Al igual que en el caso de los “libros con dibujos”, los pop ups han pasado de ser algo casi exclusivamente dirigido a niños para meterse en el mundo de los adultos. O, mejor dicho, para meternos, a los adultos, en su mundo maravilloso.

Y por qué no, el uso diseño para contar historias es más que evidente en los comics o las novelas gráficas, como son los casos de Moderna de Pueblo y Sara Herranz o los libros del diseñador Ricardo Cavolo, que, de la mano de Gunter Gallery, han pasado por Mercado de Diseño.

Lo que puedes encontrar en Mercado de Diseño Desde Mercado de Diseño te queremos contar los secretos de otras dos marcas que llevan varias ediciones con nosotros: Minimae y Aventuras Literarias. Ambas firmas han bebido mucha literatura y esto ha dado como fruto productos totalmente diferentes, pero igualmente sorprendentes. Si para ti cualquier libro que incluya un mapa suma puntos, tienes que conocer Aventuras Literarias, la hazaña editorial que comenzaron en 2013 Mónica Vacas y Daniel Castillo, a través de la cual cartografían

grandes clásicos de la literatura elaborando mapas de ciudades que ya no existen, o al menos no de la misma forma, a través de sus descripciones: Londres de Jane Austen o Sherlock Holmes, el Madrid de Galdós o el Oviedo que transitaban los personajes de Clarín son algunos de los mapas que puedes encontrar en su stand de Mercado de Diseño.Pero con sus últimos lanzamientos van un paso más allá. Se trata de Paisajes Literarios, bibliografías para hurgar en el porqué de cada referencia y redescubrir y entender mejor Rayuela y La Trilogía de Nueva York con la ayuda de París-Buenos Aires, trazando la Rayuela y Nueva York, la ciudad de los espejos, que ellos mismos describen como “Rayuela desmontada y analizada pieza a pieza a través de un mapa de lectura con todos los lugares y referencias de Julio Cortázar” y “La trilogía de Nueva York analizada desde los lugares en los que transcurre. Una visión de la ciudad a través de las palabras y la vida de Paul Auster”. Además de todo esto, ofrecen material adicional en internet para que los compradores de sus artículos en papel puedan acceder a más datos e información, imágenes y videos relacionados con el mundo propio de la literatura universal. Y si en Aventuras Literarias se encargan de aumentar el universo propio de los libros, en Minimae son capaces de hacer todo lo contrario, reducir libros enteros a una sola página. Con su proyecto Gütemberg, a cargo de Pepe Larraz y con la ayuda del diseñador Pau Marco, Minimae ha conseguido lo que muchos otros diseñadores pensaban imposible: comprimir obras completas de la literatura universal tan extensas como El Quijote, Ana Karenina o Ulises en pósteres. Los clientes se sorprenden en cada edición de Mercado de Diseño al descubrir que estos libros pueden ocupar tan solo una lámina.

…Gunter gallery

El primero de ellos fue Don Quijote de La Mancha, que convirtieron en una lámina de texto en bloque para más adelante rediseñarla, de manera que permitiera leer tanto el libro completo (con una lupa, eso sí), como la primera página, de forma simultánea.

Después de aquello, siguieron con más clásicos de la literatura, como La Metamorfosis de Kafka, Moby Dick o Hamlet, que representaron con diseños sencillos y simbólicos, y otros más evidentes, como La Vuelta al Mundo en 80 días, Peter Pan o uno de sus últimos diseños relacionados con América: la cara a, con la Historia Completa de Estados Unidos, y la cara b, con El escándalo WikiLeaks.

“El lenguaje es una limitación, una prisión. El diseño permite explorar otros espacios”

Neville Brody

…Aventuras literarias

LAS

7 ETAPAS ESENCIALES DE TU PROCESO CREATIVO QUE AÑADIRÁN VALOR A TUS SERVICIOS DE DISEÑO

n nuestra profesión como diseñadores es absolutamente necesario hacer ver a tus clientes potenciales que tu trabajo no se limita a crear un dibujo en 5 minutos. Para ser un buen diseñador no basta con saber Photoshop o Illustrator a nivel técnico, hay que saber transmitir las ideas de la marca de nuestro cliente y crear un diseño funcional y estratégico.

Queremos mostrar el valor de nuestro trabajo y una de las mejores maneras para lograrlo fácilmente es enseñar a nuestros clientes el proceso creativo que implica desarrollar un buen diseño centrado en la marca del cliente.

Esto te va a diferenciar de un plumazo de la competencia que hace «logos bonitos» por 4 duros y que se los inventa copiando ideas o por inspiración divina frente a tus servicios orientados a conseguir los objetivos de la marca con un proceso creativo profesional.Somos diseñadores profesionales que ayudamos a nuestros clientes a conseguir los objetivos de sus negocios a través del diseño, no somos artistas que buscamos expresarnos creativamente. No te confundas.Con los años he ido mejorando y ajustando mi proceso creativo añadiéndole etapas donde también implico al cliente. Esto me permite entender mejor qué es lo que necesitan y las preferencias gráficas para acertar con la propuesta sin improvisar ni inventarme lo que el cliente espera conseguir.

Implementar un buen proceso creativo en tus servicios de diseño te va permitir:

—Diferenciarte de la competencia barata —Aumentar y fijar mejor el precio de tus presupuestos —Estimar mejor los plazos de entrega —Añadir valor a tus servicios —Optimizar y estandarizar tus procesos y servicios —Mejorar la aceptación de propuestas y diseños

En este artículo quiero explicarte brevemente cómo es mi flujo de trabajo, workflow, proceso creativo – o como lo quieras llamar- dentro de mis servicios de diseño como freelance que ayuda a que las propuestas sean aceptadas más fácilmente y que aumente el valor de mi trabajo.

1. Briefing

El primer paso pasa por completar un briefing creativo junto con el cliente. Se trata de una herramienta esencial para saber toda la información sobre nuestro cliente, su marca, negocio y las necesidades concretas para el proyecto. Puedes ver un ejemplo de preguntas para crear un logotipo aquí.

2. Investigación y documentación

En base al briefing realizo una investigación y documentación previa. Esta fase es clave para inspirarme, analizar lo que hace la competencia local y global, los referentes y empezar a meterme de lleno en el negocio y sector del proyecto.

3. Moodboard

Esta etapa la he añadido recientemente a mi proceso creativo y me encanta. Se trata de crear un tablero inspiracional (yo utilizo Pinterest) junto con tu cliente añadiendo fotos, texturas, colores, diseños que engloben el estilo, valores y las emociones que queremos transmitir con la marca antes de ponernos a diseñar. De esta forma podemos entender la marca en su conjunto y orientar los diseños a un estilo o look and feel más concreto. Puedes leer más sobre los moodboards en este artículo de Threefeelings.

4. Tormenta de ideas, bocetos y diseño

Una vez tengamos todo lo anterior definido comenzamos a diseñar. Fíjate que estamos en el punto 4. Muchos diseñadores empiezan por aquí directamente sin tener toda la valiosísima información previa y se inventan los diseños por intuición, por lo que les gusta a ellos o por la moda del momento.

5. Presentación de propuestas

Cuando tenemos creada la propuesta o propuestas iniciales se las hacemos llegar a nuestro cliente. Lo puedes entregar en formato de mockup para que tenga un contexto y se vea aplicado a un soporte real. Aquí es importante que le expliques a tu cliente el porqué del diseño o concepto y que entienda que todo tiene una razón de ser y que está diseñado de esa manera por alguna razón relacionada con los objetivos que busca conseguir.

6. Feedback del cliente o ronda de revisiones

Una vez presentadas las propuestas le damos un plazo al cliente para que nos haga llegar su feedback. El número de rondas de revisiones deberías especificarlo siempre en tus presupuestos para que el cliente entienda que aquí hay que ser específico con los cambios para que el proceso no se alargue y no te pida 20 cambios sin sentido.

7. Creación y entrega de archivos finales

Una vez aprobados los diseños, toca crear todos los archivos finales en los diferentes formatos, versiones y tamaños que necesite el cliente. Esto forma parte del trabajo y solemos subestimar el tiempo de dedicación. También es importante mostrar al cliente los entregables que va a conseguir al finalizar el trabajo porque esto será la parte más tangible de todo el proceso. Añadiendo más formatos, tamaños y versiones (de colores por ejemplo cuando hablamos de logotipos) añadirá más valor a tu trabajo con un coste en tiempo pequeño para ti.

“El buen diseño es diseño en su absoluta mínima expresión” Dieter Rams

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BENEMÉRITA UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE PUEBLA Colegio de Diseño Gráfico Ejercicio de la materia de Edición Editorial Digital Otoño 2022

Por Melissa Gutiérrez Rodríguez