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Claudia Giannetti (ed.)


El discreto encanto de la tecnología Artes en España The Discreet Charm of Technology Arts in Spain

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Claudia Giannetti (ed.)

MEIAC | Badajoz, 12.06.2008 – 24.08.2008 ZKM | Karlsruhe, 27.09.2008 – 15.02.2009

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Ministerio de Cultura Ministry of Culture Ministro de Cultura | Minister of Culture César Antonio Molina Subsecretaria | Undersecretary María Dolores Carrión Martín Director General de Bellas Artes y Bienes Culturales | General Director of Fine Arts and Cultural Assets José Jiménez

Junta de Extremadura Autonomous Government of Extremadura Presidente de la Junta de Extremadura President of the Junta de Extremadura Guillermo Fernández Vara Consejera de Cultura y Turismo Councillor for Culture and Tourism Leonor Flores Rabazo Directora General de Patrimonio Cultural Director General of Cultural Heritage Esperanza Díaz García

Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación de España Ministry of Foreign Affairs and Cooperation of Spain

ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe ZKM | Center for Art and Media Karlsruhe

Ministro de Asuntos Exteriores y de Cooperación de España | Minister of Foreign Affairs and Cooperation of Spain Miguel Ángel Moratinos Cuyaubé

ZKM Chairman and CEO Peter Weibel

Secretaria de Estado de Cooperación Internacional | Secretary of State for International Cooperation Leire Pajín Iraola Director General de Relaciones Culturales y Científicas | Director General of Cultural and Scientific Relations Alfons Martinell Sempere

Departamento de dirección Directorial Department Christiane Riedel Administración | Administration Boris Kirchner Biblioteca | Library Petra Zimmermann, Christiane Minter, Regina Strasser-Gnädig Mediateca | Mediathek Claudia Gehrig, Hartmut Jörg, Andreas Brehmer

MEIAC, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo MEIAC, Extremaduran and Ibero-American Contemporary Art Museum Director Antonio Franco Domínguez Técnicos de arte / conservadores Art Specialists / Conservators Catalina Pulido Corrales Rocío Nicolás Blanco José Ángel Torres Salguero Departamento Didáctico Education Department Teresa León González Administración | Administration Rosa Regalado González Ángeles Barrientos Tejada Mª Paz García Buzo Centro de Documentación y Biblioteca Documentation Centre and Library Susana Moralo Aragüete Encarnación Pérez Rojas

Educación | Education Janine Burger, Banu Beyer, Carolin Knebel, Marianne Spencer, Henrike Plegge Marketing Barbara Schierl, Sebastian Steinert

Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX State Corporation for Spanish Cultural Action Abroad, SEACEX

Colaboradores del ZKM | ZKM Partners LBBW, EnBW Principal apoyo | Main Sponsor Stadt Karlsruhe, Land BW

Director General | Executive Director Mª Isabel Serrano Sánchez Dirección de Proyectos Project Management Pilar Gómez Gutiérrez Gerente | Administrative Manager Pilar González Sarabia Comunicación y Relaciones Institucionales Communication and Institutional Relations Alicia Piquer Sancho Exposiciones | Exhibitions Belén Bartolomé Francia Arte Contemporáneo Contemporary Art Marta Rincón Areitio Económico-Financiero | Accounts Manager Julio Andrés Gonzalo Jurídico | Legal Adriana Moscoso del Prado Hernández

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Artistas Artists

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Ramon Llull Manuel Barbadillo José Luis Alexanco Eugeni Bonet Joan Leandre Rafael Lozano-Hemmer Iván Marino

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Presentación Introduction

En la Edad Media, el filósofo Ramon Llull propone un sistema combinatorio binario para codificar el lenguaje, un antecedente conceptual del código binario informático actual. Su “aparato de discos” es el primer planteamiento de la relación humano-máquina desde la perspectiva de la automatización del saber. Diversas teorías del siglo XX, como la Cibernética, inciden de nuevo en este aspecto basándose en las nuevas tecnologías.

En su trayectoria de más de medio siglo, se han consolidado las que emplean lasartistas tecnologías audiovisuales, En artes la década de 1960, influenciados por los sistemas computarizadas, digitales o telemáticas sus más diversosde la cibernéticos, como Barbadillo o Alexanco,en aplican el principio formatos. Hana irradiado, influencia y suenimaginario combinatoria sus obras además, y utilizan,su por primera vez España, los informáticos y la programación para la creación automática arecursos casi todas las prácticas artísticas contemporáneas. de formas plásticas: el arte En su desarrollo hangenerativo. cumplido un papel central el ánimo investigador y el afán creativo, así como la fascinación El salto del uso programático del ordenador a la reflexión sobre el por explorar las potencialidades de los “nuevos” medios arte del código viene de la mano de artistas como Leandre o Marino, correspondientes a cada época. que investigan la programación como principio artístico.

I.

Operar sobre el código formal

Acting upon on thethe Formal Formal Code Code In the Middle Ages, Ramon Llull, a philosopher, designed a binary and combinatory for acoding language. was During the more system than half century of their Conceptually, existence, thethis arts a precursor of today’s binary computer code. His “disc apparatus” that employ audiovisual, computerised, digital or telematic was the first attempt to examine the human-machine relationship technologies in their many diverse formats have become from the point of view of knowledge automation. Various 20th-cenconsolidated and spread their influences and imaginary to tury theories based on new technology, such as Cybernetics, also practically all contemporary artistic practices. have a bearing on this relationship.

The investigative spirit and creative drive have played central its development, but so hasbythe fascinationsuch with as In the roles 1960sinartists who were influenced Cybernetics, exploring the potentials of the “new” media Barbadillo or Alexanco, applied combinatorics to theircorresponding work and used computers andperiod. programming—–for the first time in Spain—–to create to each

artistic forms automatically, paving the way for generative art. The jump from programming computers to reflecting on the art of the code was made by artists such as Leandre and Marino, who investigated programming from the artistic point of view.

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Palma de Mallorca, 1232–1316, también llamado Raymond Lully. Los hechos de su vida están recogidos en un relato autobiográfico, Vida coetània, dictado a sus discípulos de la cartuja de Vauvert (París) en 1311. Una serie de vivencias le hicieron abandonar a su familia y sus bienes, y emprender una vida dedicada al apostolado y al peregrinaje. En 1288 Llull recibió el título de doctor (magister) en la Universidad de París. Prolífico escritor en catalán, latín y árabe, cuenta con más de 240 obras conservadas, a menudo de difícil clasificación por la diversidad temática y de género: filosofía, mística, relato, poesía lírica y narrativa, exposición didáctica. Caben destacar: Libre d’amic e amat, Art de contemplació, Art demostrativa, Libre de meravelles, Art amativa, Taula general, Arbre de ciencia, Lògica nova, Ars Dei, Ars magna generalis ultima. En esta última obra, Llull desarrolla un sistema combinatorio mecánico, dotado de círculos concéntricos y signos (alphabetum), para la adquisición del saber y la inferencia de la verdad de la fe cristiana. Aunque su mecanismo lógico-matemático estuviese al servicio de una finalidad doctrinal, el método sienta las bases de la algoritmización del lenguaje mediante un sistema mecánico basado en la combinatoria binaria.

Ramon Llull

Palma de Mallorca, 1232–1316, also known as Raymond Lully. The details of Ramon Llull’s life are contained in his autobiographical story entitled Vida coetània, which he dictated to his disciples at the monastery of Vauvert (Paris) in 1311. A series of experiences led him to leave his family and material possessions, and undertake a life dedicated to preaching and pilgrimages. In 1288 Llull was awarded the title of Doctor (magister) from the University of Paris. He was a prolific writer in Catalan, Latin and Arabic, and over 240 of his works have survived, often defying classification as result of the diversity of their themes and genres: philosophy, mystic literature, short stories, lyrical poetry and narrative, and didactic texts. He is particularly noted for the following works: Libre d’amic e amat, Art de contemplació, Art demostrativa, Libre de meravelles, Art amativa, Taula general, Arbre de ciencia, Lògica nova, Ars Dei and Ars magna generalis ultima. In this latter work, Llull presents a mechanical combinatorial system, complete with concentric circles and signs (alphabetum), for the acquisition of knowledge and the inference of the truth of the Christian faith. Despite the fact that his logicalmathematical mechanism served a doctrinal purpose, the method nevertheless laid the foundations for the algorithmicisation of language through a mechanical system based on binary combinations.

Ars brevis, final del siglo XIV / late 14th century. Pergamino, 177 x 127 mm.

Signatura topográfica: f.IV.12; 33 ff.; latín.

Parchment, 177 x 127 mm.

Iniciales en rojo y azul; figuras en cuatro o más colores; epígrafes en rojo. Encuadernación de madera forrada de piel.

Biblioteca El Escorial, Madrid.

Al final: “Este libro es del doctor Frey Alonso de San Cibrian y Dexolo. Procede probablemente de la biblioteca de Guzmán y de Fonseca, Gaspar de (1587–1645).” Imágenes reproducidas: (Fig. 1) f-IV–12. Fol. 3r (Fig. 2) f-IV–12. Fol. 4r (Fig. 3) f-IV–12. Fol. 6r (Fig. 4) f-IV–12. Fol. 7r

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Topographical catalogue number: f.IV.12; 33 pp.; Latin. Initials in red and blue; figures in four or more colours; inscriptions in red. Wood binding with a leather cover. At the end: “This book belongs to Brother Alonso de San Cibrian y Dexolo, PhD. It probably came from the library of Guzmán y de Fonseca, Gaspar de (1587–1645).” Images reproduced: (Fig. 1) f-IV–12. P. 3r (Fig. 2) f-IV–12. P. 4r (Fig. 3) f-IV–12. P. 6r (Fig. 4) f-IV–12. P. 7r

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Fig. 1 Ars brevis f-IV–12. Fol. 3r © Biblioteca El Escorial, Madrid.

Ramon Llull

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Operar sobre el código formal

Acting on the Formal Code

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Fig. 2 Ars brevis f-IV–12. Fol. 4r © Biblioteca El Escorial, Madrid.

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Fig. 3 Ars brevis f-IV–12. Fol. 6r © Biblioteca El Escorial, Madrid.

Ramon Llull

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Operar sobre el código formal

Acting on the Formal Code

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Fig. 4 Ars brevis f-IV–12. Fol. 7r © Biblioteca El Escorial, Madrid.

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Fig. 1 Opuscula varia Ars inveniendi particularia in universalibus [fragmentos / extracts]. Duae figurae Dei, f. 11r / p. 11r. © Biblioteca El Escorial, Madrid.

Opuscula varia, siglo XVI / 16th century. Papel, encuadernación en pergamino, 203 x 145 mm.

Signatura topográfica: &. IV. 6; 82 ff.; latín.

Topographical catalogue number: &. IV. 6; 82 pp.; Latin.

Paper, parchment binding, 203 x 145 mm.

Imágenes reproducidas:

Images reproduced: (Fig. 1) p. 11r Ars inveniendi particularia in universalibus [extracts]. Duae figurae Dei. (Fig. 2) p. 14r Ars inveniendi particularia in universalibus [extracts]. Duae figurae philosophiae. (Fig. 3) p. 16r Ars inveniendi particularia in universalibus [extracts]. Dist. III, desumptae. (Fig. 4) p. 79v Ars demonstrativa [extracts]. Delineatio, complectens figuras A et T figuras II, III, IV. (In medio manus delineata est cuius digiti exhibent alphabetum.) (Fig. 5) p. 81r Figura principiorum formae aquaeitatis.

Biblioteca El Escorial, Madrid.

(Fig. 1) f. 11r Ars inveniendi particularia in universalibus [fragmentos]. Duae figurae Dei. (Fig. 2) f. 14r Ars inveniendi particularia in universalibus [fragmentos]. Duae figurae philosophiae. (Fig. 3) f. 16r Ars inveniendi particularia in universalibus [fragmentos]. Dist. III, desumptae. (Fig. 4) f. 79v Ars demonstrativa [fragmentos]. Delineatio, complectens figuras A et T figuras II, III, IV. (In medio manus delineata est cuius digiti exhibent alphabetum.) (Fig. 5) f. 81r Figura principiorum formae aquaeitatis.

Ramon Llull

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Operar sobre el código formal

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Fig. 2 Opuscula varia Ars inveniendi particularia in universalibus [fragmentos / extracts]. Duae figurae philosophiae, f. 14r / p. 14r. © Biblioteca El Escorial, Madrid.

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Fig. 3 Opuscula varia Ars inveniendi particularia in universalibus [fragmentos / extracts]. Dist. III, desumptae, f. 16r / p. 16r. Š Biblioteca El Escorial, Madrid.

Ramon Llull

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Fig. 4 Opuscula varia Ars demonstrativa [fragmentos / extracts]. Delineatio, complectens figuras A et T figuras II, III, IV. (In medio manus delineata est cuius digiti exhibent alphabetum), f. 79v / p. 79v. © Biblioteca El Escorial, Madrid.

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Fig. 5 Opuscula varia Figura principiorum formae aquaeitatis, f. 81r / p. 81r. Š Biblioteca El Escorial, Madrid.

Ramon Llull

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Operar sobre el cĂłdigo formal

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Sevilla, 1929 – Málaga, 2003. Se dedica a la pintura a partir de 1953. En 1959 se instala en Nueva York, donde permanece tres años. Su incesante afán de experimentación propicia importantes transiciones estilísticas y conceptuales de influencia neoconstructivista. Pasa a incorporar elementos compositivos basados en la simetría, la repetición, las pausas y el ritmo, que se manifiestan mediante estructuras modulares geométricas. A partir de 1964, estas estructuras conforman el lenguaje formal y estético de Barbadillo, que se concentra en un número restringido de módulos y formas simples, así como en la combinatoria entre ellos. La aplicación de un sistema binario tanto en color —utiliza sólo el blanco y el negro en sus pinturas— como en forma son algunos de los resultados de la influencia de las teorías cibernéticas. En su segunda etapa, entre 1968 y 1979, Barbadillo aplica conocimientos adquiridos en los seminarios pioneros de Generación automática de formas plásticas (Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid). La elaboración de una sintaxis modular cada vez más compleja y sutil marca las demás fases de su producción pictórica. Entre muchas otras exposiciones, cabe destacar su participación en las ediciones séptima, novena y décima de la Bienal de São Paulo, celebradas, respectivamente, en 1963, 1967 y 1969. Sobresalen también Formas computables, Centro de Cálculo (Madrid, 1969); Arteónica (São Paulo, 1971); L’Ordinateur et l’Art (París, 1971); Ars Electronica (Linz, Austria, 1979); exposición individual en la Freien Universität de Berlín (1980); y la exposición monográfica en la Fundación Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 1995). Fue miembro de la Computer Arts Society de Londres y del Consejo Asesor de la Gesellchaft für Computergrafik und Computerkunst de Múnich. En 1999 recibió el Premio Pablo Ruiz Picasso.

Manuel Barbadillo

Seville, 1929 – Malaga, 2003. Manuel Barbadillo began painting in 1953, moving to New York in 1959, where he lived for three years. His lifelong enthusiasm for experimentation gave rise to major stylistic and conceptual transitions with a neoconstructivist influence, and he went on to incorporate compositional elements based on symmetry, repetition, pauses and rhythm, expressed in the form of geometric modular structures. By 1964, these structures constituted the basis of Barbadillo’s formal and aesthetic language, focused on a limited number of modules and simple forms, and the combination of both. The application of a binary system in both colour—in his paintings he used only black and white—and form are just some of the results derived from the influence of cybernetic theories. In his second phase, between 1968 and 1979, Barbadillo applied his knowledge acquired in the pioneering Automatic Generation of Artistic Form Seminar at the Data Processing Centre at the University of Madrid. The development of an increasingly complex and subtle modular syntax marked the remaining phases of his pictorial output. Of the numerous exhibitions in which he participated, the most notable are the 7th São Paulo Biennial (1963), and, subsequently, the 9th (1967) and 10th (1969) editions; Formas computables [Computable Forms] at the Data Processing Centre of the University of Madrid (1969); Arteónica, the computer arts show in São Paulo (1971); L’Ordinateur et l’Art (Paris, 1971); Ars Electronica (Linz, Austria, 1979); his solo show at the Freien Universität in Berlin (1980); and the retrospective exhibition of his work held at the Fundación Pablo Ruiz Picasso (Malaga, 1995). He was a member of the Computer Arts Society in London and the Advisory Board of the Gesellchaft für Computergrafik und Computerkunst in Munich. In 1999 <www.danielcanogar.com> he was awarded the Pablo Ruiz Picasso Prize.

Ameroz, periodo / period 1968–1979 | Enera, periodo / period 1968–1979. Articulaciones modulares [Modular Articulations], 1969. .

Pinturas sobre tela e impresiones sobre papel. Paintings on canvas and printouts on paper. Colección Jane Weber. Jane Weber Collection.

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M. Barbadillo, "Materia y vida", en VV.AA., Ordenadores en el arte. Generación automática de formas plásticas. Madrid: Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, 1969, pp. 19, 21, 23. M. Barbadillo, “Materia y vida”, in Various Authors, Ordenadores en el arte. Generación automática de formas plásticas (Madrid: Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, 1969), pp. 19, 21, 23.

“La búsqueda del orden ha dirigido la evolu- “The quest for order has dictated the ción de mi obra durante los últimos años, evolution of my work in recent years, from a lo largo de un proceso de creciente sistethe growing systematisation of its various matización de sus elementos, hasta el elements to the use of a single form which, empleo de una sola forma, que, repitiéndorepeated in different positions, serves se en diferentes posiciones, modula la comas a module for the entire composition. posición total. [...] He estado experimentan[...] I have been experimenting with do con cuadros ejecutados en partes, que, paintings executed only in part, which, pudiendo colocarse cada una en varias placed in a variety of positions, generate posiciones, originan composiciones distintas. different compositions. [...] As the [...] A medida que las asociaciones de associations of modules become more módulos se hacen más complejas, el sistecomplex, the system governing them ma que las rige se hace menos visible, la becomes less visible and the variety of variedad formal aumenta, e igualmente las forms increases, as do the possibilities posibilidades combinatorias; es decir, la of combination, is to say, that freedom of libertad de elección.” 1 choice.”1

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Manuel Barbadillo Ameroz, periodo / period 1968–1979. Sistema de cuatro módulos. Acrílico sobre tela, 120 X 120 cm. Four-module system. Acrylic on canvas, 120 x 120 cm. Fotografía / Photo: José Luis Gutiérrez. © Jane Weber.

Manuel Barbadillo

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Manuel Barbadillo Enera, periodo / period 1968–1979. Sistema de cuatro módulos. Acrílico sobre tela, 120 x 120 cm. Four-module system. Acrylic on canvas, 120 x 120 cm. Fotografía / Photo: José Luis Gutiérrez. © Jane Weber.

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Manuel Barbadillo Articulaciones modulares, 1969. Doce impresiones sobre papel, aproximadamente 28 x 24 cm cada módulo. (Producción gráfica de uno de los primeros programas utilizados por Barbadillo, ejecutados en el Centro de Cálculo de Madrid.) 12 printouts on paper, each module approx. 28 x 24 cm. (Graphic output of one of the first computer programs used by Barbadillo, conducted at the Data Processing Center in Madrid.) Fotografía / Photo: José Luis Gutiérrez. © Jane Weber.

Manuel Barbadillo

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Madrid, 1942. En 1965, Alexanco recibe el Premio Nacional de Grabado. En 1966, en la I Bienal Internacional del Grabado de Cracovia, es premiado ex aequo con Alechinski, Vasarely, Masuo Ikeda. De 1969 hasta 1973, trabaja en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, donde elabora un programa de generación automática de formas plásticas. En 1971, crea con el compositor Luis de Pablo la obra plástico-acústica Soledad interrumpida, que se estrena en Buenos Aires y se presenta en numerosos países. A partir de esta obra, ambos artistas crean otra obra plásticoacústica llamada Historia natural, que se estrena en 1972 en las Olimpiadas de Múnich, Alemania. Organiza y dirige con Luis de Pablo los Encuentros de Pamplona en 1972. Entre 1975 y 1979 trabaja en Nueva York y California. Por encargo de la Editora Nacional diseña, en 1978, la edición príncipe de la Constitución española. Ha hecho hasta la fecha sesenta y ocho exposiciones individuales. Su obra se encuentra representada en numerosos museos.

José Luis Alexanco

Madrid, 1942. In 1965, Alexanco received Spain’s National Engraving Prize, and in 1966 he was jointly awarded first prize, along with Alechinski, Vasarely and Masuo Ikeda, at the 1st Krakow International Engraving Biennial. Between 1969 and 1973 he worked at the Computing Centre of the University of Madrid, where he created a computer program for the automatic generation of plastic forms. In 1971, he and the composer Luis de Pablo created the plastic-acoustic work Soledad interrumpida [Interrupted Solitude], which was premiered in Buenos Aires and subsequently presented in numerous countries. After this first work, the two artists then went on to create another plasticacoustic work entitled Historia natural [Natural History], which received its premiere at the 1972 Munich Olympics in Germany. That same year, Alexanco and Luis de Pablo organised and directed the Encuentros de Pamplona [Pamplona Meetings]. In 1975, he moved to the US, working in New York and California until 1979. In 1978, the Editora Nacional [Spain’s national publishing house] commissioned him to design the first edition of the Spanish Constitution. To date he has held 68 individual exhibitions, and his work is <www.danielcanogar.com> represented at numerous museums.

Plata [Silver], 1968. | Mouvnt XX, 1972. Esculturas. Sculptures.

José Luis Alexanco crea, durante el periodo en que trabaja en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid (Seminario de Generación Automática de Formas Plásticas), el programa informático que utiliza Mouvnt, escrito en Fortran IV. El programa realiza transformaciones topológicas, a partir de una forma-origen, que se calculan a partir de los datos que definen cuarenta curvas de nivel en un sistema de coordenadas X, Y, Z. El programa utiliza cinco tipos diferentes de métodos para transformar las curvas de nivel y una serie de parámetros para cada tipo. Al combinarse, se vuelve imposible la repetición de un resultado, y ello permite trabajar indefinidamente encadenándolos.

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José Luis Alexanco creted the computer program used by Mouvnt, written in Fortran IV, during the period when he worked at the University of Madrid Data Processing Center (Seminar for the Automatic Generation of Plastic Forms). The program conducts topological transformations on an original form. The transformations are calculated on the basis of data that define 40 contour lines in an X, Y, Z system of coordinates. The program uses five different types of methods to transform the contour lines, with several parameters for each type. When all of these are combined, there is no possibility of an output being repeated, therefore making it possible to create indefinite chains.

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Plata, 1968. Forma origen fundida en plata, Original form cast in silver, 15 x 15 x 15 cm. © J. L. Alexanco.

José Luis Alexanco

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Rodajas de metacrilato [Methacrylate Slices], 1969.

Mouvnt XX, 1972.

Forma origen cortada en rodajas de metacrilato, Original form cut into methacrylate slices, 25 x 40 x 6 cm.

Metacrilato resultado de ordenador, Methacrylate computer output, 15 x 15 x 15 cm.

© J. L. Alexanco.

© J. L. Alexanco.

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Barcelona, 1954. Eugeni Bonet toca diversas teclas en cine, vídeo y medios digitales como escritor, comisario y artista. Entre sus realizaciones en cine y vídeo se cuentan 133 (1978–1979, con Eugènia Balcells), Duchamp (retard en vídeo) (1986–1987), Lecturas de Cirlot (1997–1998), Mecanica (retard digital) (2001), Usession (2002) y un largometraje en 35 mm, Tira tu reloj al agua (2004). Actualmente tiene en fase de montaje el mediometraje eGolem, embrión de un posible largometraje. Como comisario, sus actividades más recientes incluyen el programa itinerante El cine calculado (1999 y 2001), la exposición Movimiento Aparente (Espai d’Art Contemporani de Castelló, 2000), el área audiovisual de la exposición Comer o no comer (Salamanca, 2002) y el ciclo cinematográfico Próximamente en esta pantalla: El cine letrista, entre la discrepancia y la sublevación (MACBA, 2005). En invierno de 2008 está prevista la publicación de un libro que recopilará gran parte de sus escritos.

Eugeni Bonet

Barcelona, 1954. A writer, exhibition curator and artist, Eugeni Bonet’s activities span film, video and digital media. His film and video productions include 133 (1978–1979, with Eugènia Balcells), Duchamp (retard en vídeo) (1986-1987), Lecturas de Cirlot (1997–1998), Mecanica (retard digital) (2001), Usession (2002) and a 35 mm feature film entitled Tira tu reloj al agua [Throw Your Watch to the Water] (2004). He is currently engaged in the post-production stage of his medium-length film eGolem, the embryo of a possible full-length feature film. As a curator, his most recent activities include the travelling programme El cine calculado [Calculated Cinema] (1999 and 2001), the exhibition Movimiento Aparente [Apparent Motion] (Espai d’Art Contemporani de Castelló, 2000), the audiovisual section of the exhibition Comer o no comer [To Eat or Not To Eat] (Salamanca, 2002) and the film season Próximamente en esta pantalla: El cine letrista, entre la discrepancia y la sublevación [Coming Attractions: Letterist Cinema, in between of discrepancy and uprising] (MACBA, 2005). An anthology of most of his writings is due to be published in the winter of 2008.

Usession, 2002. Videoinstalación. Tres videoproyecciones, dos canales, bucles de 6'50". Video installation. Three video projections, two-channels, 6'50" loop.

Hecho a mano y a máquina / Hand- and machine made: Eugeni Bonet Música / Music: Eduardo Polonio, Vida de máquinas [Life of Machines], 1988 (fragmento) [fragment]; Usession, 1995. Formatos-master / Master formats: DVCam & Betacam. © in medias res, Barcelona 2002.

Un cenotafio numérico y musical en memoria de Alan Turing, el filósofo del algoritmo universal, precursor de un mundo digital que abandonó prematuramente. “A pesar de partir de una música y de un personaje que la ha inspirado y sobre el cual gira la historia, Bonet también ha conseguido, con la articulación de la imagen, una coreografía distinta, una rítmica que no es sólo formalista, sino que va creando sus propias tensiones visuales. Al final, con muy pocos elementos y con la sabia combinación de éstos, uno sale con la sensación de saber mucho más de la biografía de Turing que si se hubiese leído sus memorias.” (Valentín Roma)

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A numerical, musical cenotaph in memory of Alan Turing, the philosopher who introduced the universal algorithm and the forerunner of a digital world that he abandoned prematurely. “Although the work is based on a piece of music and the person who inspired it, and about whom the story revolves, Bonet’s manipulation of the images has also resulted in a different choreography, in a rhythmics which is not only formalistic, but gradually weaves its own visual tensions. In the end, despite the use of very few but skilfully combined elements, the viewer is left with the impression of knowing much more about Turing’s life than if he had read his memoirs.” (Valentín Roma)

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Eugeni Bonet Usession, 2002. Captura de imágenes del vídeo. Screenshots of the video. © in medias res, Barcelona 2002.

Eugeni Bonet

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Sabadell (Barcelona), 1968. Intérprete de medios, miembro de los Archivos del Observatorio OVNI desde 1994. En 1994–1996, desarrolla las series de interrupciones mediáticas MAP (Mega Assemble Project), Fundación Zero y Serial Monuments, bajo el titulo genérico Las cintas analógicas. En 1995–1997, trabaja en el proyecto colectivo OIGO ROM y MAP MSN (Mega Assemble Project MSN), primeras pesadillas y euforias en la red sobre soporte CD-ROM. En 1998, se involucra en la trama de los Archivos Presidente. Desde 1999, desarrolla el proyecto retroyou.org, con bifurcaciones hacia nuevas formas de entrenamiento/entretenimiento de masas, entre la nostalgia y el miedo a la actualización permanente: retroyou RC (Fck the Gravity Code!); retroyou nostalG (Air Forced 2); nostalg2 (El día del tentáculo) y la mailing list <http://ddtpv-txmx7-bbgj9-wgy8k-b9ghm.org>. Otros proyectos colectivos en los que está involucrado son los Archivos Babilonia (El lado oscuro del imperio y la habitación de la guerra) con Abu Ali; Velvet Strike, con Anne Marie Scheleiner y Brody Condon. Se encuentra en la actualidad saliendo de ese punto de flotación entre consideraciones varias, preparando el proyecto serial ¡En el nombre del Kernel!

Joan Leandre

Sabadell (Barcelona), 1968. Joan Leandre is an interpreter of the media and has been a member of the Archives of the Observatory of Unidentified Videos (Observatorio OVNI) since 1994. Between 1994 and 1996 he produced the media interruption series MAP (Mega Assemble Project), Fundación Zero [Zero Foundation] and Serial Monuments, all under the umbrella title of Las cintas analógicas [The Analog Tapes]. Between 1995 and 1997 he worked on the group project OIGO ROM and MAP MSN (Mega Assemble Project MSN), the first CD-ROM nightmares and euphorias on the net. In 1998 he was involved in the Archivos Presidente [President Archives] plot. Since 1999 he has been developing the retroyou.org project, with ramifications involving new forms of mass training/entertainment based on nostalgia and the fear of continuous updating: retroyou RC (Fck the Gravity Code!); retroyou nostalG (Air Forced 2); nostalg2 (El día del tentáculo [The Day of the Tentacle]) and the mailing list <http://ddtpv-txmx7-bbgj9-wgy8k-b9ghm.org>. Other group projects in which he is involved are Archivos Babilonia (El lado oscuro del imperio y la habitación de la guerra) [The Babylon Archives (The Dark Side of the Empire and The War Room)] with Abu Ali; and Velvet Strike with Anne Marie Scheleiner and Brody Condon. He is currently departing from that point of flotation amidst miscellaneous considerations and preparing the series ¡En el nombre del Kernel! [In The Name Of The Kernel!]. <http://retroyou.org>m>

retroyou_nostalg2 fS3k Far Spammers of the Third Kind*, 2003-2008. Espamers lejanos de tercera clase, de la serie

Software art.

inconclusa retroyou nostalg2, crece desde dentro hacia fuera, trazando la espiral dibujada por los flancos débiles del sistema operatiColección MEIAC. MEIAC Collection.

vo. Sin superar el momento de inflexión, pone en peligro latente la integridad del sistema a través del uso de antiguas técnicas y estrategias olvidadas en el tiempo. El programa actúa como generador de datos multifunción, imprevisible y sin rumbo... con el único objeto del misterio tan deseado y perdido. En este sentido, el programa es una especie de catalizador errante, un mensajero del pasado sin origen ni destino, un voraz portador que se expande o contrae siguiendo el mandato de su código: El día del tentáculo, El ciclo de los mil y un archivos, 1911, 300 años atrás.

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Far Spammers of the Third Kind, part of the incomplete series retroyou nostalg2, grows outwardly, tracing the spiral drawn by the weak flanks of the operating system. Without ever transcending the moment of inflection, it subtly endangers the integrity of the system by using long-forgotten techniques and strategies. The program acts as a type of multifunctional, unpredictable and erratic generator of data, the sole aim of which is that longed-for, lost mystery. In this respect, the program is a sort of errant catalyst, a messenger from the past with neither origin nor destination, a voracious carrier that expands or contracts according to the mandates of its code: El día del tentáculo [The Day of the Tentacle], El ciclo de los mil y un archivos [The Thousand and One Archives Cycle], 1911, 300 años atrás [300 Years Earlier].

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Joan Leandre retroyou_nostalg2, 2003-2008. Imagen generada por el programa. Image generated by the program. Š J. Leandre.

Joan Leandre

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Ciudad de México, 1967. Realiza intervenciones interactivas en espacios públicos usando nuevas tecnologías e interfaces hechas a medida. Valiéndose de la robótica, de proyecciones, sonido, conexiones de Internet y móviles, sensores y otros artilugios, sus instalaciones intentan crear “antimonumentos de agenciación alienígena”. Ha presentado su trabajo con ocasión de las celebraciones del Milenio en la Ciudad de México (1999); los actos en Rotterdam Capital Europea de la Cultura (2001); durante la Cumbre Mundial de las Ciudades en Lyon (2003), la apertura del Centro de Arte y Medios YCAM de Japón (2003) y la expansión de la Unión Europea en Dublín (2004). Su trabajo se ha exhibido en varios países: Art Basel Unlimited (Suiza), Bienal de Liverpool (Gran Bretaña), Bienal de Shanghai (China), Itaú Cultural (Brasil), Bienal de Estambul (Turquía), Bienal de La Habana (Cuba), Musée des Beaux Arts (Canadá), European Media Art Festival (Alemania), Bienal de Arquitectura y Media (Austria), Laboratorio Arte Alameda (México), entre otros. Sus obras figuran en colecciones privadas y públicas, como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la colección Jumex de México y la Fundación Daros de Zúrich. Ha recibido importantes premios: el Golden Nica en Ars Electronica; premio al Arte interactivo de la Academia Británica BAFTA; mejor instalación en el IDMA de Toronto; el Cyberstar Award en Colonia; artista del año en los Rave Awards de Wired Magazine; premio a la excelencia del Festival de Media Art de Japón; y premio Bauhaus en Dessau, Alemania, entre otros. Ha impartido numerosos talleres y conferencias por todo el mundo, y sus ensayos han sido editados en diversas e importantes publicaciones de arte y nuevos medios.

Rafael Lozano-Hemmer

Mexico City, 1967. Rafael Lozano-Hemmer develops interactive interventions in public spaces using new technologies and custom-built interfaces. With their use of robotics, projections, sound, Internet and cell-phone links, sensors and other devices, his installations attempt to create “antimonuments for alien agency”. His work has been commissioned for events such as the Millennium Celebrations in Mexico City (1999), the Cultural Capital of Europe in Rotterdam (2001), the United Nations World Summit of Cities in Lyon (2003), the opening of the Yamaguchi Centre for Art and Media in Japan (2003) and the expansion of the European Union in Dublin (2004). His work has been shown at events in several countries, including Art Basel Unlimited (Switzerland), the Liverpool Biennial (UK), the Shanghai Biennial (China), the Itaú Cultural (Brazil), the Istanbul Biennial (Turkey), the Havana Biennial (Cuba), the Musée des Beaux-Arts (Canada), the European Media Art Festival (Germany), the Architecture and Media Biennial (Austria), the Laboratorio Arte Alameda (Mexico), and others. His work is represented in private and public collections such as the Museum of Modern Art in New York, the Jumex Collection in Mexico and the Daros Foundation in Zürich. He has received major distinctions, such as the Golden Nica at Ars Electronica, the BAFTA British Academy award for Interactive Art, the Best Installation prize at the IDMA in Toronto, the Cyberstar Award in Cologne, the Artist of the Year prize at Wired Magazine’s Rave Awards, an Excellence prize at the Media Art Festival in Japan and a Bauhaus prize at Dessau, Germany, amongst others. He has given numerous workshops and lectures around the world, and his essays have appeared in a variety of major art and new media publications.

33 preguntas por minuto. Arquitectura Relacional 5 [33 Questions per Minute. Relational Architecture 5], 2000–2001. Instalación. Micropantallas LCD, ordenador portátil y conversor. Dimensiones variables. Installation. Tiny LCD screens, laptop and converter. Dimension variable. Colección MUSAC / MUSAC Collection. Programadores / Programmers: Conroy Badger & Rafael Lozano-Hemmer. Idiomas / Languages: Susie Ramsay, Ana Parga, María Velarde Torres, Luis Jiménez-Carlés, Luis Parga, Gabriela Raventós (para español / for Spanish); Rebecca MacSween (para inglés / for English); Stephan Klinger, Sakrowski, Till Braband (para alemán / for German). Production / Production: Conroy Badger, Will Bauer, Sandra Badger. Con el apoyo de / With the support of: Will Bauer, Conroy Badger, Ana Parga, María Velarde Torres, Luis Jiménez-Carlés, Luis Parga & Gabriela Raventós. Edición: 1/5 + 1 P. A. Edition: 1/5 + 1 A. P.

La instalación consta de un programa informático que utiliza reglas gramaticales para combinar palabras de un diccionario y poder generar hasta 55.000 millones de preguntas diferentes y fortuitas. Las preguntas se presentan a una velocidad de 33 por minuto —el umbral de legibilidad— en 21 micropantallas, localizadas en columnas o paredes del centro de exhibición. El sistema tardará más de tres mil años en hacer todas las combinaciones posibles. Un teclado permite a los participantes añadir sus propias preguntas y comentarios en el flujo automático.

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This installation consists of a computer program that uses grammatical rules to combine words chosen at random from a dictionary and generate up to fifty-five billion unique, fortuitous questions. The questions are presented at a speed of 33 per minute—the threshold of legibility— on 21 tiny LCD screens encrusted on the support columns of the exhibition hall or mounted on the wall. The system will take over 3,000 years to present all the possible word combinations. A keyboard allows participants to add their own questions and comments to the automatic flow.

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Rafael Lozano-Hemmer 33 preguntas por minuto. Arquitectura Relacional 5, 2000-2001. Š R. Lozano-Hemmer & Vegap.

Rafael Lozano-Hemmer

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Rosario, Argentina, 1968. Desde el año 2000 se encuentra radicado en Barcelona. Estudia cine en su país natal y se dedica, desde los comienzos de su carrera, a la producción en formatos experimentales, como el videoarte y el documental de autor. A mediados de la década de 1990, estudia en el Departamento de Cine y Televisión de la Universidad de California (Estados Unidos) y en la HDK, Universidad de las Artes, Filminstitut, Berlín (Alemania). Antes de acabar el siglo, sus trabajos obtienen reconocimiento internacional y reciben apoyos de las fundaciones Antorchas, Rockefeller y MacArthur. Obtiene, entre muchos otros galardones, los primeros premios en los festivales Up and Coming (Hannover, 1997); Videobrasil (São Paulo, Brasil, 1996); ForumVideo (Belo Horizonte, Brasil, 1995); Canariasmediafest, Festival Internacional de Canarias (España, 2006); y LIMBO, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Argentina, 2006). A partir de 2000, se dedica a la producción artística, la investigación y la docencia en el ámbito universitario. Investiga y produce obras en soportes interactivos y telemáticos (net art, web art, network, streaming video online y redes en general), que alcanzan amplia difusión en el circuito internacional. En los últimos años, dando continuidad a la investigación de estructuras hipermedia, que culmina en proyectos pioneros como In Death’s Dream Kingdom (streaming media online, 2002-2003), muestra especial interés por la exploración de los fundamentos del lenguaje audiovisual —las reglas formales del aparato fílmico y su marco ideológico—, aplicados a nuevos formatos de instalación. Sus trabajos recientes con imágenes programadas y generativas analizan las estrategias de escritura de los discursos audiovisuales contemporáneos y las condiciones latentes propias de los medios que las producen.

Iván Marino

Rosario, Argentina, 1968. Resident in Barcelona since the year 2000, Iván Marino studied film-making in his native country and from the outset of his career has concentrated on the production of experimental formats, such as video art and art-house documentaries. In the mid–1990s he studied at the Film and Television Department of the University of California in the United States, and at the HDK University of the Arts, Filminstitut in Berlin, Germany. By the end of the century, his work had already earned international acclaim and support from the Antorchas, Rockefeller and MacArthur foundations. He has won numerous awards, including the first prizes at festivals such as Up and Coming, Hannover, 1997; Videobrazil, São Paulo, Brazil, 1996; ForumVideo, Belo Horizonte, Brazil, 1995; Canariasmediafest International Festival of the Canaries, Spain, 2006; and LIMBO at the Museum of Modern Art of Buenos Aires, Argentina, 2006. Since 2000 he has concentrated on artistic production, research and teaching at university level. He researches and produces work involving interactive and telematic media (net art, web art, network, streaming video online and networks in general), with widespread coverage on the international scene. In recent years his ongoing research into hypermedia structures has culminated in pioneering projects such as In Death’s Dream Kingdom (streaming media online, 2002-2003), and he is particularly interested in exploring the basics of audiovisual language (the formal rules of film apparatus and their ideological framework) applied to new installation formats. His latest works with programmed and generative images analyse the writing strategies of contemporary audiovisual discourse and the latent conditions of the media that produce them. <www.ivan-marino.net>gar.com> <www.danielcanogar.com>

Pn=n!, 2006-2007. Videoinstalación computarizada basada en sistema generativo. Dataproyector, pantalla y ordenador. Computerised video installation based on a generative system. Data projector, screen and computer.

Colección MEIAC. MEIAC Collection. Colección CAM, Caja de Ahorros del Mediterráneo. CAM, Caja de Ahorros del Mediterráneo Collection.

Pn=n! está basada en un montaje programado y continuo de la secuencia del tormento de La pasión y muerte de Juana de Arco (1928), película de Carl Theodor Dreyer. Dicha secuencia está dividida en sus tomas, a las que Marino aplicó una fórmula combinatoria que va agotando todos los ordenamientos posibles. La obra invita a reflexionar sobre la tortura como un programa que ejecuta de manera sistemática el aparato de la historia, y que se encuentra estructurado básicamente sobre tres funciones: víctimas, victimarios y cómplices en diferentes grados. Torturadores, torturados y testigos presenciales son funcionarios del programa. Los usuarios están en el exterior: el programa presta sus servicios a la periferia del sistema operativo.

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Pn=n! is based on a programmed and continuous assembly of the torture scene from Carl Theodor Dreyer’s film The Passion of Joan of Arc (1928). The scene is broken down into its various shots, upon which Marino has applied a combinatorial formula that gradually exhausts all the possible arrangements. The work invites viewers to reflect on torture as a computer program that systematically executes the apparatus of history, which is basically structured around three functions: victims, people who engage in torturing the victims, and accomplices in varying degrees. Torturers, the tortured and eyewitnesses execute the program. The users are on the outside: the program services the periphery of the operating system.

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Iván Marino Pn=n!, 2006-2007. Captura de imágenes de la obra. Screenshots of the work. © I. Marino.

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Santiago Ramón y Cajal Daniel Canogar Gustavo Caprín Moisés Mañas Daniel Palacios Jiménez Agueda Simó

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Presentación Introduction

Los instrumentos técnicos de visualización de lo que, a simple vista, no se puede observar han sido ampliamente usados en las ciencias para superar las limitaciones propias del aparato visual humano. El uso del microscopio y la microfotografía permitieron al célebre científico Ramón y Cajal examinar el tejido nervioso y formular su teoría neuronal, que revolucionó la neurociencia. Ésta sigue influenciando, hasta hoy, muchos campos del saber, desde los sistemas de inteligencia artificial o las redes telemáticas, hasta el arte. El lado invisible de lo visible se está explorando en el arte mediante el uso de las nuevas tecnologías. Sus propuestas despliegan posibilidades sorprendentes a la percepción, así como a la manera de comprender o interpretar el mundo. Además, permiten aventurarse en el paso del exterior al mundo interior, que genera nuevos modelos de visualidad y transforma el propio quehacer artístico.

Operar sobre el código visual

Acting on the Visual Code Instruments for seeing what is not immediately visible have been widely used by science to overcome the limitations of the human eye. Microscopes and microphotography helped Ramón y Cajal, an eminent Spanish scientist, to examine nerve tissue and to formulate his neuron theory, which revolutionised neuroscience. Up to the present day, this theory continues to influence many fields of knowledge, ranging from artificial intelligence and telematic networks, to art. The invisible side of the visible is being explored in art using the latest technology. The new capabilities open up surprising possibilities for perception and for understanding and interpreting the world. Furthermore artists can use them to undertake the journey from the exterior to the interior world. This concept generates new models of visual exploration and changes the way artists work.

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Petilla de Aragón (Navarra), 1852 – Madrid, 1934. Licenciado en Medicina en 1873, a partir de 1888 estudia las conexiones neuronales, desarrollando una revolucionaría teoría sobre los mecanismos que gobiernan la morfología y los procesos conectivos de las células nerviosas. Esta investigación alcanzó reconocimiento con la concesión del Premio Nobel de Fisiología y Medicina en 1906. Su teoría neuronal, contraria a la teoría reticularista admitida hasta entonces, sentó las bases de la actual Neurociencia. En 1904, publica la tesis sobre la Textura del sistema nervioso del hombre y de los vertebrados, la obra más importante y más completa sobre la anatomía microscópica publicada a escala mundial, siendo fuente de consulta hasta la actualidad. Entre sus innumerables investigaciones, hay que destacar las dedicadas a la degeneración y la regeneración del sistema nervioso (1912–1914), en las que demuestra la capacidad regenerativa de las células nerviosas. Paralelamente a la ciencia, Cajal se interesa por las artes, la fotografía y la literatura, habiendo publicado varios libros autobiográficos, de cuentos o de ciencia-ficción. Fue elegido miembro de la Real Academia Española en 1905. Ese mismo año, la Academia Imperial de Ciencias de Berlín le otorga la Medalla de Oro de Helmholz. Desarrolla nuevas técnicas en el ámbito de la fotografía, siendo el precursor del microfilm; descubre el fotofonógrafo, la técnica para grabar y reproducir la voz mediante la fotografía (1903); e investiga acerca de la fotografía estereoscópica aplicada a estudios histológicos para la obtención de imágenes microscópicas en tres dimensiones de células nerviosas (1918). Su vocación de pintor y dibujante queda plasmada en los excepcionales dibujos del tejido nervioso a escala microscópica, que, además de interés científico, expresan una gran sensibilidad estética.

Santiago Ramón y Cajal Dibujos y fotografías, 1899–1921. Drawings and Photographs, 1899–1921.

Depositario: Instituto Cajal (CSIC, Consejo Superior de Investigaciones Científicas). Deposit: Instituto Cajal (CSIC, Spanish National Research Council). © Herederos Santiago Ramón y Cajal.

Con la colaboración de / With the collaboration of:

Los dibujos científicos de Cajal, elaborados a mano alzada, constituyen parte fundamental de sus investigaciones neurológicas mediante la utilización del microscopio. En el primer periodo, comprendido entre los años 1888 y 1891, estos dibujos ilustran su teoría neuronal y, gracias a su realismo y representación de técnicas histológicas revolucionarias, alcanzan reconocimiento internacional. Además del rigor científico con el que están realizados, su plasticidad estética deriva de una refinada técnica artística. Cajal emplea tinta china negra aplicada con plumilla (contornos), lápiz de grafito (efectos de relieve, volumen, segundos planos), gouache blanco (destaque de ciertas zonas) y, de forma esporádica, la acuarela.

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Petilla de Aragón (Navarre), 1852 – Madrid, 1934. Santiago Ramón y Cajal completed his degree in Medicine in 1873 and in 1888 began to study neuron connections, developing a revolutionary theory on the mechanisms governing the morphology and connective processes of nerve cells, which earned him the Nobel Prize in Physiology and Medicine in 1906. His neuron theory, which contradicted the continuous reticulum theory generally accepted at the time, established the foundations of current neuroscience. In 1904, he published his thesis Textura del sistema nervioso del hombre y de los vertebrados [Texture of the Nervous System of Man and the Vertebrates], his most important work and the most complete treatise on microscopic anatomy published in the world, which remains a source of reference to this date. Most noted amongst his numerous experiments were those concerning the degeneration and regeneration of the nervous system (1912–1914), in which he proved the regenerative capacity of nerve cells. In addition to his scientific work, Cajal also had a keen interest in the arts, photography and literature, and published several books in the autobiography, short story and science fiction genres. In 1905 he was elected a member of the Spanish Royal Academy, and that same year the Royal Academy of Sciences of Berlin awarded him the Gold Helmholtz Medal. In the field of photography, he developed new techniques, including a forerunner of microfilm; he discovered the photophonograph, a technique that employs photography to record and reproduce voice (1903); and he researched the applications of stereoscopic photography in histological studies, obtaining microscopic 3D images of nerve cells (1918). Meanwhile, his vocation as a painter and draughtsman is plainly evident in his outstanding drawings of the nervous system as viewed under the microscope, which, in addition to their scientific merits, demonstrate great artistic sensitivity.

Cajal’s free-hand scientific drawings constitute a fundamental part of his neurological research using the microscope. During the first period, 1888 to 1891, these drawings illustrated his neuron theory and, because of their realism and representation of revolutionary histological techniques, were internationally acclaimed. In addition to the scientific rigour with which they are executed, their aesthetic merits are derived from a refined artistic technique. Cajal used black Indian ink applied with a nib (outlines), graphite pencil (to create relief, volume and second planes), white gouache (to highlight certain areas) and, sporadically, watercolour.

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Pirámide gigante profunda de la circunvolución frontal ascendente del hombre, h. 1899, 25,0 x 15,5 cm. [irreg.] Giant deep pyramid of the ascending frontal convolution in man, c. 1899, 25.0 x 15.5 cm. [irreg.] © Herederos de Santiago Ramón y Cajal.

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Pequeñas pirámides y células estrelladas del cerebro motor del hombre, h. 1899, 14,0 x 15,5 cm. [irreg.] Small pyramids and star-shaped cells of the motor brain in man, c. 1899, 14.0 x 15.5 cm. [irreg.] © Herederos de Santiago Ramón y Cajal.

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Capas primera y segunda de la corteza olfativa de la circunvolución del hipocampo del niño, h. 1901, 20,1 x 16,0 cm. [irreg.] Layers I and II of the olfactory cortex in the hippocampal convolution of a child, c. 1901, 20.1 x 16.0 cm. [irreg.] © Herederos de Santiago Ramón y Cajal.

Santiago Ramón y Cajal

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Operar sobre el código visual

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Esquema de la estructura y las conexiones del hipocampo, h. 1901, 15 x 24 cm. [irreg.] Diagram of the hippocampal structure and connections, c. 1901, 15 x 24 cm. [irreg.] © Herederos de Santiago Ramón y Cajal.

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Célula de Purkinje del cerebelo humano, h. 1899, 15,5 x 10,7 cm. [irreg.] Purkinje cell of the human cerebellum, c. 1899, 15.5 x 10.7 cm. [irreg.] © Herederos de Santiago Ramón y Cajal.

Santiago Ramón y Cajal

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Operar sobre el código visual

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Cerebro humano visto por la cara ventral, h. 1890, papel a la albúmina, 9,1 x 6,0 cm. Ventral view of the human brain, c. 1890, albumin paper, 9.1 x 6.0 cm. © Herederos de Santiago Ramón y Cajal.

“La fotografía no es deporte vulgar, sino ejercicio científico y artístico de primer orden y una dichosa ampliación de nuestro sentido visual. Por ella vivimos más, porque miramos más y mejor. Gracias a ella, el registro fugitivo de nuestros recuerdos se convierte en copiosa biblioteca de imágenes, donde cada hoja representa una página de nuestra existencia y un placer estético redivivo.” 1

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“Photography is not a vulgar sport, but a scientific and artistic exercise of the highest order and a happy extension of our visual sense. Through photography, we live more, because we look more and better. And thanks to photography, the fleeting register of our memories becomes a copious archive of images, in which each leaf represents a page of our life and a new aesthetic pleasure.” 1

1

Santiago Ramón y Cajal, Fotografía de los colores. Bases científicas y reglas prácticas, Zaragoza / Saragossa, Prames-las tres sorores, 2007, p. 17.

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Células piramidales usadas para fotografía biplanar a dos tintas, h. 1918. Copia digital de placa al gelatino-bromuro, 8,9 x 11,9 cm. Pyramidal cells used for a two-ink biplanar photograph, c. 1918. Digital copy of a gelatine bromide plate, 8.9 x 11.9 cm. © Herederos de Santiago Ramón y Cajal.

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Operar sobre el código visual

Acting on the Visual Code

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Microfotografías estereoscópicas de células piramidales y neuronas del ganglio simpático, h. 1918. Papel al gelatino-bromuro, 20,6 x 15,9 cm.

Microfotografías estereoscópicas de la médula espinal y del cerebelo, h. 1918. Papel al gelatino-bromuro, 20,7 x 15,9 cm.

Stereoscopic microphotographs of pyramidal cells and neurons in the sympathetic ganglion, c. 1918. Gelatine bromide paper, 20.6 x 15.9 cm.

Stereoscopic microphotographs of the spinal cord and cerebellum, c. 1918. Gelatine bromide paper, 20.7 x 15.9 cm.

© Herederos de Santiago Ramón y Cajal.

© Herederos de Santiago Ramón y Cajal.

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Microfotografías biplanares de la médula espinal y de un ganglio raquídeo, h. 1918. Papel al gelatino-bromuro. 20,2 x 14,5 cm. Biplanar microphotographs of the spinal cord and a ganglion rachidien, c. 1918. Gelatine bromide paper. 20.2 x 14.5 cm. © Herederos de Santiago Ramón y Cajal.

Santiago Ramón y Cajal

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Operar sobre el código visual

Acting on the Visual Code

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Neuronas piramidales de la capa V de la corteza cerebral de un gato, h. 1921. Fotografía. Preparación: Método de Golgi. Microfotografía digital, AN 0.75, 20x, 26 x 39 cm. Layer V pyramidal neurons in the cerebral cortex of a cat, c. 1921. Photograph. Preparation: Golgi method. Digital microphotograph, NA 0.75, 20x, 26 x 39 cm. © Herederos de Santiago Ramón y Cajal.

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Motoneurona de la médula espinal de un gato cortada transversalmente, h. 1903. Preparación: Método de nitrato de plata reducido. Microfotografía digital: AN 1,4, 60x, 33,64 x 29,00 cm. Cross-section of a motor neuron in the spinal cord of a cat, c. 1903. Preparation: Reduced nitrate silver method. Digital microphotograph: NA 1.4, 60x. 33.64 x 29.00 cm. © Herederos de Santiago Ramón y Cajal.

Santiago Ramón y Cajal

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Operar sobre el código visual

Acting on the Visual Code

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Madrid, 1964. Vive y trabaja en Madrid. Cursó un máster con especialización en fotografía de la Universidad de Nueva York y el International Center for Photography en 1990. Ha publicado Ciudades efímeras: exposiciones universales, espectáculo y tecnología (Madrid, Julio Ollero Editor, 1992) e Ingrávidos (Madrid, Fundación Telefónica, 2003), así como varios ensayos sobre la arquitectura de la imagen, la fotografía contemporánea y el arte de los nuevos medios. Actualmente es director artístico de VIDA, concurso anual de la Fundación Telefónica. Como artista visual trabaja con la fotografía, la escultura y la instalación. Sus trabajos se han expuesto en el Palacio de Velázquez, Madrid; Galería Max Estrella, Madrid; Galería Filomena Soares, Lisboa; Galerie Guy Bärtschi, Ginebra; Centro de Arte Santa Mónica, Barcelona; Museo Alejandro Otero, Caracas; el Wexner Center for the Arts, Ohio; el Museo Kunstsammlung Nordrhein Westfallen, Düsseldorf; Museo Hamburger Banhof, Berlín y Mattress Factory Museum, Pittsburgh.

Daniel Canogar

Madrid, 1964. Lives and works in Madrid. In 1990 he obtained an MA in Photography from New York University and the International Center for Photography. He has published Ciudades efímeras: exposiciones universales, espectáculo y tecnología (Madrid: Julio Ollero Editor, 1992) and Ingrávidos (Madrid: Fundación Telefónica, 2003), as well as various essays on architecture of the image, contemporary photography and new media art. He is currently the director of VIDA, the annual juried prize awarded by Fundación Telefónica. As a visual artist he works with photography, sculpture and installation. His work has been exhibited in the following spaces: Palacio de Velázquez, Madrid; Galería Max Estrella, Madrid; Galería Filomena Soares, Lisboa; Galerie Guy Bärtschi, Geneva; Centro de Arte Santa Mónica, Barcelona; Museo Alejandro Otero, Caracas; el Wexner Center for the Arts, Ohio; el Museo Kunstsammlung Nordrhein Westfallen, Düsseldorf; Museo Hamburger Banhof, Berlin and Mattress Factory Museum, Pittsburgh. <www.danielcanogar.com>

Teratologías [Teratologies], 2001. Instalación audiovisual. Fibra óptica, generador de luz, 24 terminales zoom, 24 diapositivas, dimensiones variables. Audiovisual installation. Fiber optic cable, light generator, 24 zoom terminals, 24 slides, dimension variable.

Microorganismos encontrados en el cuerpo humano (virus, bacterias y parásitos) invaden el espacio expositivo. Al entrar en la instalación, el público interrumpe las proyecciones y se convierte en una pantalla. Teratologías contamina metafóricamente el cuerpo del público.

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Microorganisms found in the human body (virus, bacteria and parasites) invade the exhibition space. On entering the installation, the public interrupts the projection beams and becomes a screen. Teratologías therefore metaphorically contaminates the public’s body.

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Daniel Canogar Teratologías, 2001. Imagen de la instalación. View of the installation. © D. Canogar & Vegap.

Daniel Canogar

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Buenos Aires, Argentina, 1968. Reside y trabaja en Barcelona, España. En 1991, Gustavo Caprín finaliza sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón de Buenos Aires, en la especialidad de Pintura. En 2005 obtiene el Diploma de Estudios Avanzados (DEA) por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona (UB). Desde 1994 expone regularmente su trabajo de manera individual. Sus exposiciones más recientes incluyen las realizadas en La Casa Elizalde (Barcelona, 2003), Ross Farell Gallery (Estados Unidos, 1999) y en el Museo Fernán Félix de Amador (Argentina, 1997). Ha participado en numerosas muestras grupales en América Latina, Canadá, Estados Unidos y Europa. Ha recibido, entre otros galardones, el 2.º Premio de Vídeo Monocanal del Premio MAMbAFundación Telefónica de Artes y Nuevas Tecnologías (Argentina, 2006), la Beca Colección CAM (Caja de Ahorros del Mediterráneo) de Artes Plásticas (España, 2005) y el Premio Especial de Videoinstalación en el Festival VAD (España, 2004).

Gustavo Caprín

Buenos Aires, Argentina, 1968. Lives and works in Barcelona, Spain. Gustavo Caprín completed his studies at the Prilidiano Pueyrredón National School of Fine Art in Buenos Aires in 1991, specialising in painting. In 2005 he obtained the Diploma of Advanced Studies (DEA) from the Faculty of Fine Arts of the University of Barcelona. Since 1994 he has held regular solo shows of his work, exhibiting most recently at La Casa Elizalde (Barcelona, 2003), the Ross Farell Gallery (United States, 1999) and the Museo Fernán Félix de Amador (Argentina, 1997). He has also participated in numerous group exhibitions in Latin America, Canada, the United States and Europe. Awards for his work include the 2nd Monochannel Video Prize at the MAMbAFundación Telefónica de Artes y Nuevas Tecnologías Awards (Argentina, 2006), the CAM - Caja de Ahorros del Mediterráneo Plastic Arts Collection Grant (Spain, 2005), and the Special Video Installation Prize at the VAD Festival (Spain, 2004). <www.danielcanogar.com> <www.gustavocaprin.net>

Ejercitaciones sobre la electricidad [Exercises on Electricity], 2006. Videoinstalación para ocho canales, dimensiones variables. Video installation for eight channels, dimension variable.

Colección CAM, Caja de Ahorros del Mediterráneo. CAM, Caja de Ahorros del Mediterráneo Collection.

“Una vez más, Gustavo Caprín remeda las maneras del audiovisual científicoeducativo. […] Esta obra extrae una plasticidad silenciosa de los fundamentos de la electricidad, sus materiales, meandros y aplicaciones. Pero su despliegue instalativo también podría asimilarse al de un museo de la ciencia o una feria de las vanidades del progreso tecnoindustrial. […] Excepcionalmente, uno de los canales consiste en un único plano-secuencia que recoge el dibujo a mano alzada de un diagrama inescrutable. Por sí sola, esta imagen compendia la insinuación última de la obra de Caprín: la consideración del arte (el dibujo, el vídeo) como un sistema de conocimiento, tras la fachada de una superchería cientifista.” (Eugeni Bonet, 2006)

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“Once again, Gustavo Caprín has aped the fashion of scientific and educational audiovisuals. […] This work extracts a silent plasticity from the basics of electricity, including the materials, circuits and applications. But the installation would also be perfectly at home in a science museum or fair on the vanities of technical and industrial progress. […] Exceptionally, one of the channels consists of the single view or frame of a freehand drawing of an inscrutable diagram. This image alone sums up the latest insinuation in Caprín’s work: the consideration of art (drawing, video) as a system of knowledge, behind the façade of pseudo-scientific mumbojumbo.” (Eugeni Bonet, 2006)

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Gustavo Caprín Ejercitaciones sobre la electricidad, 2006. Captura de imágenes del vídeo. Screenshots of the video. © G. Caprín.

Gustavo Caprín

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Elda, Alicante, 1973. Doctor en Artes Visuales e Intermedia por la Universidad Politécnica de Valencia (UPV), España. Especialista universitario en Programación de Intranets e Internet. CFP - Departamento de Informática de Sistemas y Computación DISCA, Facultad de Informática, UPV. Licenciado en Bellas Artes, Facultad de Bellas Artes de San Carlos, UPV. Actualmente es profesor del Departamento de Escultura (Área Audiovisuales) de la UPV. Comparte su labor docente con la dirección creativa, área multimedia e I+D, para la compañía MASmedios desde 1999. Como miembro investigador del Laboratorio de luz, ha trabajado muy directamente en proyectos relacionados con Arte, Tecnología y Sociedad ATS, en campos de estudio como instalaciones audiovisuales interactivas y realidad aumentada. Desde 1996 se vale de las nuevas tecnologías aplicadas al arte. Para ello amplía sus estudios e investigaciones en arte electrónico con diferentes becas en Southampton Institute, Reino Unido, 1998; Carnegie Mellon University, Pittsburgh, Estados Unidos, 1999; y Ars Electronica Center, Austria, 2002. Desde 1998, su trabajo ha sido presentado y premiado en diferentes festivales y exposiciones relacionados con arte y tecnología, dentro y fuera de España. Su trabajo ha sido expuesto individualmente en diferentes ocasiones: Congratulations We Lost the Image (2004); WIN-D (2007), en la galería Rosa Santos Valencia y en el MUA, Museo Universitario de Alicante (2007).

Moisés Mañas

Elda, Alicante, 1973. Moisés Mañas has a PhD in Visual and Cross-Media Art from the Polytechnic University of Valencia (UPV), Spain. He has a university diploma in Intranet and Internet Programming from the Vocational Training Centre of the Department of Information Technology Systems and Computing, at the Computing Faculty of the University of the UPV. He also has a degree in Fine Art from the San Carlos Faculty of Fine Arts at the UPV. He currently teaches in the Sculpture Department (Audiovisual Studies) at the UPV. Since 1999, he has combined his teaching activities with creative direction in the multimedia and R&D fields for the company MASmedios. As a researcher at the Light Laboratory of the UPV, he has been directly involved in projects related with Art, Technology and Society (ATS), in fields such as interactive audiovisual installations and augmented reality. He has been using new technologies applied to art since 1996. To this end, he undertook further study and research in electronic art, obtaining grants to attend the Southampton Institute in the United Kingdom, 1998; the Carnegie Mellon University, Pittsburgh, United States, 1999; and the Ars Electronica Center, Austria, 2002. Since 1998, he has exhibited his work and won awards at a number of art and technology festivals and shows, both in Spain and abroad. He has also exhibited his work individually on several occasions, as follows: Congratulations We Lost the Image (2004); WIN-D (2007), at the Rosa Santos Gallery in Valencia and the MUA, Museo Universitario de Alicante (2007).

<www.moisesmanas.com>

WIN-D [World·In·Now]-Data, 2007. Instalación audiovisual online controlada mediante datos meteorológicos variables en tiempo real, dimensión variable. Online audiovisual installation controlled by variable meteorological data in real time, dimension variable.

Datos en tiempo real / Real-time data: www.comunitatvalenciana.com

Una serie de parámetros claves —la dirección, la humedad, los grados y la velocidad del viento— construyen un descriptivo y sutil paisaje sonoro de síntesis FM (creado en tiempo real por la aplicación) y una particular deriva a partir de los datos, con los que se dirigen cuatro ventiladores industriales situados en los cuatro puntos cardinales de la sala. Sus variaciones provocan una marea de papeles impresos con la información de los índices de ozono del planeta y las coordenadas de la ruta diaria del satélite Meteosat a lo largo del año 2005. Este juego entre el dato, su significado técnico-conceptual y el poder de control produce una experiencia de feedback telecontrolada entre el espacio exterior y el interior de la instalación.

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A series of key parameters—the direction, humidity, temperature and speed of wind— construct a descriptive but subtle FM-synthesis sound landscape (created in real time by the application) and a specific shift in direction based on the data, which are used to direct four industrial fans situated at the four corners of the room. Their variations generate a vast quantity of sheets of paper printed with information about the earth’s ozone indices and the coordinates for the route traced daily by the Meteosat satellite throughout 2005. This play between the data, their technical and conceptual significance, and the power of control produces a remotely controlled feedback experience between the exterior space and the interior of the installation.

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Moisés Mañas WIN-D [World·In·Now]-Data, 2007. Imagen de la instalación en la Galería Rosa Santos, Valencia. View of the installation at the Rosa Santos Gallery, Valencia. Fotografía / Photo: Moisés Mañas. © M. Mañas.

Moisés Mañas

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Córdoba, 1981. De formación en ciencias y licenciado en Bellas Artes, complementa sus estudios con un máster en Arte y Tecnología, así como otro en Arte en la Esfera Pública. Actualmente su trabajo se desarrolla aplicando las relaciones del arte, la ciencia y la tecnología al espacio y los sistemas perceptivos. A pesar de su formación “clásica”, su interés en la informática o la electrónica se centra en utilizarlos, más que para generar un proceso, para lograr una representación a partir de ellos. Aunque abordando diferentes temas, su trabajo es un juego de relaciones con el espacio: ya sea con el propio espacio físico, cómo lo percibimos o qué fenómenos se dan en él. En cierto modo, son ambientes que invitan a una reflexión o representan las reflexiones que hace en un momento concreto de su investigación acerca de las percepciones y de la forma en que éstas influyen en nuestra forma de relacionarnos con el espacio. El contacto con la realidad y con los lenguajes plásticos es un aspecto destacado en su obra, que busca crear situaciones y no simulaciones, utilizando la “realidad” en sus instalaciones con el fin de originar resultados plásticos y no digitales. La tecnología le permite controlar qué factores intervienen en tal espacio, en qué medida y cuál será su efecto. De este modo, el público queda inmerso en la obra y forma parte de ésta, observando su proceso, mientras el artista, a la vez, puede estudiar sus reacciones, único factor que no puede controlar y aspecto vital de su trabajo.

Daniel Palacios Jiménez

Cordoba, 1981. A trained scientist and a Fine Arts graduate, Daniel Palacios Jiménez completed his studies with a Master’s in Art and Technology, and another in Art in the Public Sphere. His work currently revolves around the relations of art, science and technology to space and perceptive systems. Despite his “classical” training, his interest in information technology and electronics focuses more on using these as tools for representation rather than generating a particular process. And although he explores a variety of themes, his work centres primarily on relations with space: physical space as we perceive it, and the phenomena that arise in that space. To a certain extent, the settings he creates either invite reflection or represent his reflections at a specific point of his research into perceptions and how these influence the way in which we relate to space. Reality and the plastic idioms are notable aspects of his work, which seeks to create situations rather than simulations. Hence, he uses “reality” in his installations to generate plastic, not digital, results. Technology enables him to control which factors impact on the space in question, and to measure and define this impact. As such, the viewers become immersed in and form part of the work, observing the process. In the meantime, the artist is able to study their reactions, the only factor he cannot control and therefore a vital aspect of his work.

<www.danielcanogar.com> <www.stopantplay.com>

Waves, 2006. Instalación cinética interactiva, 130 x 45 x 600 cm. Interactive kinetic installation, 130 x 45 x 600 cm.

Un largo trozo de cuerda representa tridimensionalmente una serie de ondas flotando en el espacio, a la par que éstas producen sonido por la propia física de su movimiento: la cuerda, además de crear el volumen, crea simultáneamente el sonido al cortar el aire. Se conforma, así, un único elemento, que se verá alterado según nos comportemos frente a él, según nuestros movimientos, según nuestras interferencias en el espacio: de una línea estable sin sonido se pasará a formas caóticas de sonidos irregulares cuantos más movimiento hagamos en torno a la instalación. Se producen incluso diferentes estadios de ondas sinusoidales y sonidos armónicos.

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A long piece of rope forms a three-dimensional representation of a series of waves floating in space, which in turn emit sound through the very physics of their movement: in addition to creating volume, the rope simultaneously creates sound as it cuts through the air. It therefore becomes a single element, which alters depending on how we behave when confronted by it, on our movements, on our interference in the space in question: a steady, soundless line evolves into chaotic forms of irregular sounds the more movements we make around the installation. Even different phases of sinusoidal waves and harmonious sounds are produced.

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Daniel Palacios Jiménez Waves, 2006. Imágenes de la instalación. Views of the installation. © D. Palacios.

Daniel Palacios Jiménez

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Bilbao. Artista multimedia que investiga la interacción entre el arte, la ciencia y las nuevas tecnologías. Su trayectoria artística se inicia con la creación videográfica y prosigue con la informática gráfica, las instalaciones interactivas y la realidad virtual. En 1992 desarrolló su primer entorno virtual en Art+Com, Berlín, con un proyecto experimental sobre estructuras fractales en torno al tetraedro de Sierpinski. Posteriormente realizó diversos proyectos de realidad virtual, como Micromundos, sirenas y argonautas y Mímesis, entornos virtuales en los que utiliza conceptos tomados de las matemáticas y la biología, como los atractores y el mimetismo. En estas obras, desarrolla nuevos lenguajes de comunicación entre el usuario y los entornos virtuales, así como interfaces visuales estereoscópicas, que facilitan la interactividad y la inmersión del usuario en la obra. Sus proyectos han sido exhibidos internacionalmente en museos, festivales y conferencias, como Siggraph, Imagina, Artfutura, Cibervision, etc. Es doctora en Bellas Artes y combina su trabajo artístico con la investigación y la docencia en varias universidades, como la de Southern, California, la de Beira Interior, Portugal, y la del País Vasco, así como en el California Institute of the Arts.

Agueda Simó

Bilbao. This multimedia artist experiments with the interaction between art, science and new technologies. She commenced her artistic career with videographic creation before continuing with graphic information technology, interactive installations and virtual reality. In 1992 she developed her first virtual environment at Art+Com in Berlin with an experimental project based on fractal structures and the Sierpinski tetrahedron. She subsequently produced a variety of virtual reality projects, including Micromundos, sirenas y argonautas [Microworlds, Mermaids and Argonauts] and Mímesis [Mimesis], virtual environments that borrow mathematical and biological concepts, such as attractors and mimicry. These works not only create new languages of communication between the user and the virtual environments, but also stereoscopic visual interfaces, which facilitate interactivity and the user’s immersion in the work. Her projects have been exhibited at international museums, festivals and conferences, such as Siggraph, Imagina, Artfutura, Cibervision, etc. Agueda Simó has a PhD in Fine Arts and combines her artistic work with research and teaching at a variety of institutions, including the University of Southern California, the University of Beira Interior in Portugal, the University of the Basque Country and the California Institute of the Arts. <www.danielcanogar.com> <www.aguedasimo.net>

JCC revisited, Brain research II, 2007. Instalación interactiva. Interactive installation.

¿Puede la mente entenderse a sí misma? Su estructura, su evolución, los factores biológicos que la condicionan, su funcionamiento... su mal funcionamiento... su tratamiento... En JCC, el usuario puede explorar los misterios de la mente humana navegando por el cerebro de una persona que sufrió una intervención quirúrgica cerebral: la sección de los tejidos nerviosos entre los lóbulos prefrontales y el tálamo. Provisto de un mapa, el cerebro de JCC, el usuario establece conexiones entre sus percepciones, pensamientos, memorias, emociones... La realidad y la ficción de la neurociencia en el siglo XXI se mezclan en esta instalación sobre un ser humano, cuyo sistema nervioso ha sido desconectado en parte.

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Can the mind understand itself? Its structure, evolution, the biological factors that condition it, how it works… how it breaks down… its treatment… In JCC, the user is able to explore the human mind by browsing the brain of person who has had brain surgery affecting the section of nervous tissue between the prefrontal cortex and the thalamus. Aided by a map, the brain of JCC, the user establishes connections between his perceptions, thoughts, memories, emotions, etc. The reality and fiction of neuroscience in the 21st century are combined in this installation about a human being whose nervous system has been partly disconnected.

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Agueda Simó JCC revisited, Brain Research II, 2007. Imágenes de la instalación. Views of the installation. © A. Simó.

Agueda Simó

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Operar sobre el código visual

Acting on the Visual Code

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Abu Ali * Toni Serra Eugènia Balcells Juan Carlos Eguillor Equipo 57 Pedro Garhel Carles Pujol Benet Rossell José Antonio Sistiaga José Val del Omar

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Presentación Introduction

La analítica del espacio, del tiempo y de la posición del espectador fue indagada magistralmente por Velázquez, que supo desarticular la dicotomía entre ficción y realidad, así como desbordar los límites del cuadro. Su influencia es notable hasta hoy en obras de Dalí, Pujol o Eguillor. El empleo de técnicas audiovisuales, informáticas y de telecomunicación dilata las posibilidades de representación estética de la dimensión espaciotemporal vinculada a la construcción de la realidad.

Hacer perceptible lo sensorial, tangible lo inmaterial, corpóreo lo espaciotemporal fue el gran logro de José Val del Omar. Su cine apuesta por una participación activa del espectador a través de una supervisión plurisensorial, y abre vías inéditas a la experimentación artística audiovisual, recogidas más recientemente por otros creadores, como Sistiaga, Balcells o Garhel.

Operar sobre el código sensorial [espaciotemporal]

Acting on the Sensorial [space-time] Code The analysis of space, time and the position of the spectator were masterfully investigated by Velázquez who knew how to dismantle the dichotomy between fiction and reality and how to go beyond the limits of the canvas. His influence can still be seen today in the works of Dalí, Pujol and Eguillor. The use of audiovisual, IT and telecommunication techniques increases the ways of representing space-time dimensions linked to the construction of reality. The great achievement of José Val del Omar was to make sensorial signals visible, the immaterial tangible and to give space-time substance. He envisioned cinema as an all-encompassing experience that would communicate with all the spectator’s senses simultaneously and called this plurisensorial supervision. His ideas opened new paths for audiovisual exploration and they have been re-examined by contemporary artists such as Sistiaga, Balcells and Garhel.

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Barcelona, 1960. Vive entre Duar Msuar y Barcelona. Ha cursado estudios de Historia del Arte y Filosofia en la Universidad de Barcelona, y de Vídeo y Fotografía en la Film & Video Art Inc. y en la School of Visual Arts de Nueva York. Autor de vídeos, obras interactivas, arqueología mediática, texts y otros sub-media. Es miembro fundador de los Archivos OVNI, Observatorio de Vídeo No Identificado, donde realiza trabajos de programación e investigación. La mayor parte de sus trabajos plantean una línea de tensión que va de lo poético e intimista a lo político y social, de la experiencia interior a la reflexión sobre una realidad progresivamente dominada por crecientes dispositivos de control, manipulación de identidades y comunidades. Esta exploración se manifiesta en temas tales como la construcción de identidades a través de los mass media (TV Code Series), o a través de los videojuegos y de la llamada realidad expandida: The war room (Babylon Archives), o Paisajes interiores a través de sueños y trances, introspecciones. Junto a retroyou, desarrolla el proyecto de arqueología mediática Babylon Archives. Ha compilado diversos ciclos de vídeo, entre ellos Malestar en las ciudades y TransArab – en torno al vídeo árabe, además de intervenir en la programación regular de vídeo en el MACBA (1996–1997). Ha sido galardonado con varios premios, como el Premio Nam June Paik (Düsseldorf, 2006), por la videoinstalación Istishara; el Premio Catalunya de Patrimonio (2004), por el proyecto Archivos del Observatorio OVNI; el Premio Ciudad de Barcelona de Artes Plásticas (2002), por la instalación Fes ciudad interior; y el Premio Immagene Leggera (Palermo) por el interactivo Welcome to Interzone.

Abu Ali * Toni Serra

Barcelona, 1960. Abu Ali * Toni Serra lives between Duar Msuar and Barcelona. He studied the History of Art and Philosophy at the University of Barcelona, and Video and Photography at the Film/Video Arts Inc and the School of Visual Arts in New York. He is the author of videos, interactive works, media archaeology, texts and other submedia. He is also a founding member of the Archives of the Observatory of the Unidentified Videos (OVNI Observatorio), where he undertakes programming and research work. Most of his works contain a line of tension that stretches from the poetic and intimate to the political and social, from inner experience to reflection about a reality progressively dominated by growing numbers of control devices and the manipulation of identities and communities. This exploration is manifested in themes such as the construction of identities through the mass media (TV Code Series), video games and so-called expanded reality: The War Room (Babylon Archives), and Paisajes interiores [Inner Landscapes] through dreams and trances, introspections. In addition to retroyou, he is working on the media archaeology project Babylon Archives. He has compiled several video series, such as Malestar en las ciudades [Unease in Cities] and TransArab – en torno al vídeo árabe [TransArab – About Arab Video], and between 1996 and 1997 he organised regular video screenings at the MACBA Museum of Contemporary Art in Barcelona. He has won several prizes, including the Nam June Paik Prize (Düsseldorf, 2006) for his video installation Istishara; the Catalonia Heritage Prize (2004) for the project Archivos del Observatorio OVNI [Archives of the Observatory of the Unidentified Videos]; the City of Barcelona Plastic Arts Prize (2002) for the installation Fes ciudad interior [Fes Inner City]; and the Immagene Leggera Prize, Palermo, for the interactive Welcome to Interzone. <www.desorg.org>

Wahab Dikr (da recuerdo) [Gives Memory], 1994-2006. Videoinstalación de dos canales. Two-channel video installation. Colección MEIAC. MEIAC Collection.

Wahab Vídeo series / Video series: Archivos de Tánger & El Hamdulillah Tapes [Tangier Archives and El Hamdulillah Tapes]. Música / Music: Mohammed Abdelwahab. Cámara y edición / Camera work and editing: Toni Serra Me Pierdo producciones.

Last Night Dikr Cámara y edición / Camera work and editing: Toni Serra. Soundtrack mix: Toni Serra, a partir de sonidos ambientales, incrustaciones y fragmentos modificados de Al.lah Al.lah Al.lah de Oruç Guvenç y Tumata / Toni Serra, based on background noises, inlays and modified excerpts from Al.lah Al.lah Al.lah by Oruç Guvenç and Tumata. Me Pierdo producciones.

Confrontación de dos vídeos que, si bien son distantes en el tiempo, mantienen una misma línea de continuidad: la experiencia interior, a través de símbolos y metáforas que emergen de la realidad cotidiana.

The confrontation of two videos which although clearly distant in time adhere to the same continuous line: inner experience, through symbols and metaphors taken from everyday reality.

Wahab, Tánger, 1994, 3'00" Polvorientas canciones egipcias, la danza de lo efímero.

Wahab, Tangier, 1994, 3'00" Dusty Egyptian songs, the dance of the ephemeral.

Last Night Dikr, Duar Msuar, 2006, 7'00".

Last Night Dikr, Duar Msuar, 2006, 7'00".

La búsqueda del agua, el descenso al pozo del corazón. Sobre un poema de Najmudin Kubra, autor persa, siglo XII. “Ve y barre la cámara de tu corazón, prepárala para convertirse en la morada de tu bienamado. Cuando tú te vayas de allí, él entrará. En ti, vacío de ti, él manifestará su belleza.”

The search for water, the descent to the well of the heart. Based on a poem by Najmudin Kubra, a 12th-century Persian author. “Go and sweep the chamber of your heart, prepare it to become the dwelling of your beloved. When you leave, he will enter. In you, empty of you, he will reveal his beauty.”

(Najmudin Kubra, Manifestaciones de la Belleza,

(Najmudin Kubra, Expressions of Beauty, 12th century,

s. XII, Persia.)

Persia.)

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Abu Ali * Toni Serra Last Night Dikr, 2006. Capturas de imágenes del vídeo. Screenshots of the video. © Abu Ali * Toni Serra.

Abu Ali * Toni Serra Wahab, 1994. Capturas de imágenes del vídeo. Screenshots of the video. © Abu Ali * Toni Serra.

Abu Ali * Toni Serra

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Barcelona, 1943. En 1965, se gradúa en Arquitectura Técnica en su ciudad natal. En 1968, se traslada a Estados Unidos y realiza un máster en Arte en la Universidad de Iowa (1971). Desde entonces vive entre Nueva York y Barcelona. Desde mediados de la década de 1970, se convierte en uno de los nombres esenciales en el arte conceptual español, centrando su trabajo en temas relacionados con la sociedad de consumo y con los efectos de los medios de comunicación sobre la cultura de masas. En sus trabajos se mezclan los diferentes lenguajes del arte más actual, configurándose finalmente en instalaciones en múltiples formatos, en las que el sonido, la luz y el movimiento comparten protagonismo con la memoria, el tiempo, lo cotidiano, el ser humano y el misterio de lo esencial. En los últimos años, ha expuesto en el Centro Nacional Reina Sofía de Madrid, en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, en el Palau de la Virreina de Barcelona, en el Museo del Barrio de Nueva York, en el Centro Cultural de Belém de Lisboa y en el Centro Cultural Banco do Brasil en Río de Janeiro, en muchas exposiciones colectivas, así como en festivales de cine experimental, de vídeo, de performance e instalación.

Eugènia Balcells

Barcelona, 1943. Eugènia Balcells graduated in her native city as an Architectural Technician in 1965. In 1968 she moved to the United States and took a Master of Arts degree at the University of Iowa (1971). Since then, she has lived between New York and Barcelona. In the mid–1970s she became one of the key figures on the Spanish conceptual art scene, focusing on themes such as the consumer society and the impact of the media on popular culture. Her work combines the various idioms of cutting-edge art and takes the form of different types of installations in which sound, light and movement are used to explore memory, time, the ordinary, the human being and the mystery of essence. In recent years she has exhibited her work at the Centro Nacional Reina Sofía in Madrid; at the Museum of Contemporary Art in Barcelona; at the Palau de la Virreina in Barcelona; at the Museo del Barrio in New York; at the Belém Cultural Centre in Lisbon; and at the Banco do Brasil Cultural Centre in Rio de Janeiro. She has also participated in numerous group exhibitions, as well as experimental film, video, performance and installation <www.danielcanogar.com> festivals.

Anar-hi anant (Ir yendo) [On and On], 2000. Instalación audiovisual. Audiovisual installation.

Colección MEIAC. MEIAC Collection.

Proyecto y realización / Project and realization: Eugènia Balcells.

En esta instalación, el espacio queda dividido en tres zonas: en la primera, una pantalla translúcida muestra una imagen en movimiento de agua y luz, misteriosa y brillante, que nunca es exactamente igual. En una segunda zona, el espectador ve la imagen desde el otro lado de la proyección. La tercera zona, ubicada detrás de un gran rollo de papel fotográfico con una ventana para la proyección, se sitúa el artilugio generador de las imágenes: una botella de plástico transparente con agua, que gira constantemente por la acción de un motor, en un ir y venir circular. Se trata de una obra sintética que, a partir de objetos cotidianos, genera una experiencia poética, un vaivén cíclico, con imágenes sugerentes, a veces casi orgánicas, y un sonido rítmico que recuerda el mar y la respiración.

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In this installation, the space is divided into three areas: in the first, a translucent screen shows a mysterious, shining image of water and light in motion, which is never exactly the same. There is also a sound that suggests sand being shifted by the sea. In the second area, the viewer sees the image from the other side of the screen. The third area, situated behind a large roll of photographic paper, contains the device that generates the images: a transparent plastic bottle filled with water, which, activated by a motor, turns and turns, tracing a circular passage. Using everyday objects, this synthetic work generates a poetic experience, a cyclical swinging movement, with evocative and, at times, quasi-organic images, and a rhythmic sound reminiscent of the sea and breathing.

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1 Eugènia Balcells Anar-hi anant (Ir yendo), 2000.

Eugènia Balcells

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2, 3 Eugènia Balcells Anar-hi anant (Ir yendo), 2000.

Imagen de la instalación en MEIAC, Badajoz, 2008. View of the installation in MEIAC, Badajoz, 2008.

Imágenes de la instalación, 2008. Views of the installation, 2008.

Fotografía / Photo: Vicente Novillo.

Fotografías / Photos: Elzine Aristide.

© MEIAC, E. Balcells & Vegap.

© E. Balcells & Vegap.

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San Sebastián, 1947. “Tras cursar estudios de Periodismo y Cinematografía, se dedica profesionalmente a la ilustración y el cómic, desarrollando un sello muy personal —en lo gráfico y en la malicia de sus contenidos— que halla continuidad en sus creaciones en vídeo y animación digital. Su primer vídeo, Bilbao la Muerte (1983), es una ominosa fantasía donde recrea los contradictorios estados de ánimo que la ciudad de Bilbao le infunde, utilizando maquetas tridimensionales, dibujos recortados, pequeños objetos y sonidos concretos. Tras obtener el Premio Monte Veritá del Festival de Vídeo de Locarno (Suiza), consistente en la producción de una nueva pieza, se introduce en las tecnologías informáticas aplicadas a la posproducción de vídeo (De Imaginum, 1984). Su primera incursión en la imagen de síntesis y su obra audiovisual más conocida es Menina (1986), a la que seguirían otras experiencias de animación digital y proyectos multimedia, aunque también momentos de desengaño con las nuevas tecnologías.” (Eugeni Bonet)

Juan Carlos Eguillor

San Sebastián, 1947. “After studying journalism and cinema, Eguillor dedicated himself professionally to illustration and comics, developing a very personal style—both for his graphics and for the malice of his content—which have continued in his creations in video and digital animation. His first video, Bilbao la Muerte (1983), is an ominous fantasy where he recreates the contradictory emotional states the city of Bilbao inspires for him, using three-dimensional models, cut-out drawings, small objects and concrete sounds. After obtaining the Monte Veritá Prize at Locarno Video Festival (Switzerland), consisting in the production of a new work, he began working in computer technologies applied to video postproduction (De Imaginum, 1984). His first attempt in the world of synthesized images and his best known audiovisual work is Menina (1986), which was followed by other experiences in digital animation and multimedia projects, though he has also, at times, shown misgivings towards these new technologies.” (Eugeni Bonet) <www.danielcanogar.com>

Menina [Maid of Honour], 1986. Animación por ordenador, 13'00". Computer animation, 13'00". Colección Fundesco. Fundesco Collection.

Producción / Production: FUNDESCO Diseño y dirección / Design and direction: Juan Carlos Eguillor Productor ejecutivo / Executive producer: Félix B. Lizarralde. Imagen generada por computador ATC / Image generated by ATC computer. Director técnico / Technical director: Vicente Agustí. Programación / Programming: Félix Berges, Jorge Crespo, Juan Ramón Torán. Música original / Original music: Ramón Farrán. Director de posproducción / Post-production director: Luis Gómez Cornejo. Edición / Editing: Mariano Antoranz. Técnicos de posproducción / Post-production technicians: Fernando Olmo, Pedro Pages, Joaquín García. Operador cámara / Cameraman: Santiago Gómez. Secretaria de producción / Production secretary: Itziar de Castro.

Menina es la primera obra española de animación realizada íntegramente por ordenador. La narrativa se basa en el tema del cuadro de Velázquez Las meninas, considerado la primera obra en la historia de la pintura que intenta la representación del espacio pictórico fuera de campo. Siguiendo esta idea, las imágenes digitales de la animación subvierten las reglas de representación de la realidad, introduciendo los personajes en un mundo virtual, en el que toda clase de recursos es posible.

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Menina [Maid of Honour] was the first Spanish animation produced entirely by computer. The narrative is based on the theme of Velázquez’s work Las meninas [The Maids of Honour], regarded as the first work in the history of painting that attempted representation beyond the pictorial space. Continuing with this same idea, the digital images of the animation subvert the rules of the representation of reality by placing the characters in a virtual world in which all kinds of devices are possible.

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Juan Carlos Eguillor Menina, 1986. Captura de imágenes de la animación. Screenshots from the animation. © J. C. Eguillor.

Juan Carlos Eguillor

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Formado en París en 1957 por Ángel Duarte (Aldeanueva del Camino, Cáceres, 1930 – Sion, Suiza, 2007), José Duarte (Córdoba, 1928), Juan Serrano (Córdoba, 1929), Agustín Ibarrola (Basauri, Vizcaya, 1930) y Jorge Oteiza (Orio, Guipúzcoa, 1908 - San Sebastián, Guipúzcoa, 2003; abandonaría poco después), a los que se incorporaron más tarde Juan Cuenca (Puente Genil, Córdoba, 1934), Néstor Basterretxea (Bermeo, 1924), Luis Aguilera (Córdoba, 1925) y Francisco Aguilera Amate (Lucena, Córdoba, 1928 - Córdoba, 1989). En el manifiesto que firmaron en 1957 establecían como principio el análisis de la interacción entre el espacio plástico bidimensional y tridimensional, y la preocupación ideológica frente a los problemas sociales. El Equipo 57 supo mantener abierto el debate sobre la relación entre arte y sociedad, girando la labor del grupo en torno a principios programáticos de lo concreto, que defendía la aproximación del arte a la realidad. Su formulación ideológica se basaba en la investigación y la experimentación, así como en una racionalización de todo el proceso artístico para dotarle de un sentido social comprometido. El Equipo 57 concretó a lo largo de su existencia el sentido autónomo de la obra como objeto que ocupa un lugar en nuestro entorno. Sin salirse del trabajo científico y analítico, las obras del grupo fueron generando un proceso genealógico, en el que la realidad no es más que una matriz que se transforma en otra y ésta, a su vez, vuelve a ser matriz para engendrar otra forma, desencadenando una reflexión sobre las estructuras de repetición. En sus cinco años de actividad, el Equipo 57 realizó ocho exposiciones, a las que acompañaron de un corpus teórico de primer orden. En 1962, el grupo se disolvió, poniéndose punto final a uno de los proyectos más apasionantes de la vanguardia española en la segunda mitad del siglo XX.

Equipo 57

The team was formed in Paris in 1957 by Ángel Duarte (Aldeanueva del Camino, Cáceres, 1930 – Sion, Switzerland, 2007), José Duarte (Cordoba, 1928), Juan Serrano (Cordoba, 1929), Agustín Ibarrola (Basauri, Biscay, 1930) and Jorge Oteiza (Orio, Guipúzcoa, 1908-San Sebastián, Guipúzcoa, 2003, who left shortly afterwards). These were subsequently joined by Juan Cuenca (Puente Genil, Cordoba, 1934), Néstor Basterretxea (Bermeo, 1924), Luis Aguilera (Cordoba, 1925) and Francisco Aguilera Amate (Lucena, Cordoba, 1928 - Cordoba, 1989). The manifesto signed in 1957 established as its guiding principles the analysis of the interaction between two-dimensional and three-dimensional plastic space, and the ideological response to social problems. Equipo 57 explored the debate on the relationship between art and society. The work of its members revolved around programmatic principles of the concrete as a means of defending the approximation of art and reality. Its ideology was based on research and experimentation, and on the rationalisation of all artistic processes in order to imbue them with a sense of social commitment. For the duration of its existence, the group advocated the autonomy of artworks as objects that occupy a place in our environment. Without abandoning their scientific and analytical dimensions, the works produced by the group gradually formed a genealogical process in which reality was simply a matrix transformed over and over again to produce another form, giving rise to a reflection on the structures of repetition. In its five years of activity, Equipo 57 produced eight exhibitions and a theoretical corpus of the first order. In 1962, the group broke up, bringing an end to one of the most fascinating projects in the Spanish avant-garde movement of the second half of the 20th century.

Film experiencia I. Base teórica: interactividad del espacio plástico [Film Experience I. Theoretical Base: The Interactivity of Plastic Space], 1957. Película animación 35 mm, mudo, color, 6'51". Animation film 35 mm, silent, in colour, 6'51".

Archivo Filmoteca de Andalucía, Consejería de Cultura, Junta de Andalucía. Depósito del Equipo 57. Archive Filmoteca de Andalucía, Consejería de Cultura, Junta de Andalucía. Deposit by Equipo 57.

Producción / Production: Equipo 57. Cámara / Camera: Francisco Sánchez.

Experimento artístico que consistió en la filmación fotograma a fotograma de sucesivos gouaches sobre papel, generosamente coloreados y firmados por el propio Equipo 57. La proyección de esta continua sucesión filmada muestra la evolución cambiante de las manchas de color plasmadas en ellos. Estas transformaciones en el color y las formas, que dan cierta apariencia de movimiento, se inscriben dentro de lo que ellos denominan interactividad, uno de los ejes conceptuales fundamentales de su teoría y praxis artística.

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This artistic experiment consisted in filming frame by frame the production of a series of gouaches on paper, richly coloured and signed by Equipo 57 itself. The continuous filmed sequence illustrates the ever-changing evolution of the blots of colours used. These transformations of colour and form seem to suggest motion, or what the group called interactivity, one of the conceptual guiding principles behind its theory and practice of art.

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Equipo 57 Film experiencia I, 1957. 6 gouaches sobre papel / 6 gouaches on paper, 33,5 x 49,5 cm c/u. / each. © Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. Colección Junta de Andalucía / Junta de Andalucía Collection.

Equipo 57

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Puerto de la Cruz, Tenerife, 1952 – Tenerife, 2005. Pedro Garhel, uno de los artistas más destacados del arte contemporáneo español, dejó en el ámbito del media art una obra no demasiado extensa, aunque, memorable conceptual y estéticamente, que ha adquirido con el tiempo un innegable valor histórico. Después de sus inicios como pintor, a finales de la década de 1970, se dedicó a la performance, el vídeo y la instalación. Desempeñó, asimismo, un papel fundamental no sólo como impulsor, gestor y comisario artísticocultural, sino también como docente en el ámbito universitario. Dotado de una incansable energía creativa y productiva, estuvo siempre a caballo entre la dedicación a su obra personal y a las iniciativas de apoyo a las manifestaciones artísticas contemporáneas. Sumergirse en las entrañas de la psique humana, “recorrer el camino del exterior al interior”, como decía el artista, y hacer aflorar los conflictos éticos, sociales, comunicativos y anímicos de la existencia espaciotemporal —individual y colectiva—, son las cuestiones centrales que se entrelazan en su obra. En la formalización de sus ideas, ha recurrido a diferentes medios y tecnologías, como el sistema de realidad virtual, utilizado por él de forma pionera en la performance. La profundidad conceptual y la riqueza espiritual de su producción, así como el desarrollo de un lenguaje estético muy personal, lo sitúan entre los nombres más representativos del arte contemporáneo, habiendo sido uno de los pocos artistas españoles invitados a participar en eventos internacionales como la Documenta de Kassel, en Alemania, o Ars Electronica de Linz, en Austria. (Claudia Giannetti)

Pedro Garhel

Puerto de la Cruz, Tenerife, 1952 – Tenerife, 2005. Pedro Garhel, one of the most prominent figures in Spanish contemporary art, did not leave behind an extensive body of work in the field of media art. However over time the conceptually and aesthetically memorable nature of his creations have endowed them with undeniable historical value. After starting out as a painter in the late 1970s, he moved on to performance art, video and installation. He also played a pivotal role as an artistic and cultural promoter, manager and curator, as well as a teacher at the university level. Blessed with an inexhaustible creative and productive energy, he consistently divided his efforts between dedication to his own work and initiatives supporting contemporary artistic expressions. Delving into the bowels of the human psyche, “travelling the road from the exterior to the interior”, as the artist put it, and bringing the ethical, social, communicative and emotional conflicts of spatiotemporal existence—both individual and collective—to the surface are the central issues that intertwine in his work. He resorted to different media and technologies to formalize his ideas, such as the virtual reality system, which he applied to performance art in a pioneering manner. The conceptual depth and spiritual richness of his oeuvre, together with the development of a very personal aesthetic language, situates him among the most representative names in contemporary art, having been one of the few Spanish artists invited to participate at international events such as the Kassel Documenta in Germany or Ars Electronica in Linz, Austria. (Claudia Giannetti)

La región central [The Central Region], 1994. Videoinstalación de cuatro canales, tamaño variable. Four-channel video installation, dimension variable.

Colección MEIAC. MEIAC Collection.

Con la participación de / With the perfomance by Branda, Luis Gutiérrez y Valcárcel Medina. Producción del montaje de la obra / Production of the work‘s assembly: MEIAC. Asesoría técnica de producción / Production technical consultancy: Leona. Revisión de la remasterización / Remasterization revision: E-dumedia Soluciones SLU.

“Tres pantallas de plexiglás, cortadas y penetrables, describen sendos rostros de tres personas de generaciones diferentes, todas ellas respondiendo a las preguntas esenciales de la existencia [...], mezcladas con imágenes de fenómenos de la naturaleza, mientras […] a lo lejos de la profundidad del túnel oscuro sigue habiendo una luz, una imagen, una proyección de un caballo al galope, que no deja de surcar el horizonte. Los espectadores se introducen y penetran en la imagen, pasan a ser cuerpos electrónicos. Descienden a la caverna de la conciencia. [...] en un viaje de ida y vuelta en medio de fluidos, textos electrónicos, agua, condensaciones de aire, imágenes magnéticas, sonidos, movimientos, etc., que nos sumergen en esta región central: nosotros mismos.” (Pedro Garhel)

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“Three Plexiglass panels, cut and penetrable, trace the faces of three people pertaining to different generations, each responding to the essential questions of existence [...], mingled with images of natural phenomena, while […] in the distant depths of the dark tunnel, there is still a light, an image, a projection of a galloping horse that never quite disappears over the horizon. Observers penetrate and enter into the image; they become electronic bodies. They descend into the cavern of consciousness. […] on a return trip surrounded by fluids, electronic texts, water, condensations of air, magnetic images, sounds, movements, etc., that plunge us into this central region: ourselves.” (Pedro Garhel)

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Pedro Garhel La región central, 1994. Imagen de la instalación en MEIAC, Badajoz, 2008. View of the installation in MEIAC, Badajoz, 2008. Fotografía / Photo: Vicente Novillo. © P. Garhel & MEIAC. 1

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Pedro Garhel La región central, 1994. Capturas de imágenes de los vídeos. Screenshots of the videos. © P. Garhel & MEIAC.

Pedro Garhel

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Barcelona, 1947. Estudia en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona y de Madrid. Inicia su trayectoria en el campo de la pintura, interesándose por aspectos relacionados con la geometría y la composición. A partir de 1975, se dedica también a obras audiovisuales e instalaciones. Durante el curso de 1992–1993, invitado por Peter Weibel, imparte clases en el máster de la Hochschule für Angewandte Kunst (Escuela Superior de Artes Aplicadas) de Viena, compartiendo seminario con W. Wasulka y Valie Export. Sus trabajos se han expuesto en Europa y América: Bienal de São Paulo (1981), Bienal de París (1982), Galleria d’Arte Moderna de Bolonia (1986), Gemeentemuseum de La Haya (1986), Kunsthalle de Baden-Baden (1992), Galería Metropolitana de México DF (1987), Museum Fredericianum de Kassel (1992), entre otros. En el Estado español, su obra se ha exhibido en varios centros de arte, entre los que destacan: Fundació Miró, Barcelona (1979); I Festival Internacional de Vídeo, celebrado en el Círculo de Bellas Artes de Madrid (1984); La mirada electrónica, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (1987); Palau de la Virreina, Barcelona (1991); Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona (2000), entre otros. Su obra forma parte de colecciones permanentes, como la del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona.

Carles Pujol

Born in Barcelona in 1947, Carles Pujol studied at the Faculties of Fine Arts in Barcelona and Madrid. He began his career in painting, showing interest in aspects related to geometry and composition. Since 1975 he has also done audiovisual works and installations. During the 1992–1993 academic year he was invited by Peter Weibel to give classes in the Masters program at the Hochschule für Angewandte Kunst in Viena, sharing the seminar with W. Wasulka and Valie Export. His work has been seen in Europe and Latin America: Sao Paulo Biennial (1981), the Paris Biennial (1982), Galleria d’Arte Moderna in Bologne (1986), Gemeentemuseum in The Hague (1986); Kunsthalle Baden-Baden (1992); Galería Metropolitana in Mexico City (1987), and the Museum Fredericianum in Kassel (1992), amongst others. In Spain his work has been seen at various art centres, including the Fundació Miró, Barcelona (1979), I Festival Internacional de Vídeo, held at Madrid’s Círculo de Bellas Artes (1984), La mirada electrónica, at MNCARS Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (1987), Palau de la Virreina, Barcelona (1991) and Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona (2000), amongst others. His work can be found in the permanent collection of MACBA, the Museu d’Art <www.danielcanogar.com> Contemporani de Barcelona.

Malevich, 1996. Instalación audiovisual en circuito cerrado. Closed circuit audiovisual installation.

“La obra es una instalación geométrica. Se basa en la proyección bipartita de un motivo sobre el mismo motivo. Mi recreación de la forma de Malevich está sometida a la fluidez y a la potencia de la luz; se desarrolla en un espacio físico real y toma forma a la vista del espectador. El papel de la cámara y de los monitores es fundamental para dar sentido a la instalación: la cámara recoge de manera selectiva fragmentos de sombras, los transmite a los monitores, que visualizan y sintetizan la imagen original pintada por Malevich. Las imágenes son efímeras y, a la vez, reales y presentes, aunque evoquen el pasado, puesto que ayudan a la memoria a reencontrar la imagen pensada y pintada por el artista ruso.” (Carles Pujol)

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“The work is a geometric installation. It is grounded on the double projection of one motif over the same motif. My re-creation of Malevich’s form is submitted to the fluidity and power of the light; it is developed in a real physical space and takes shape before the visitor’s gaze. The role of the camera and the monitors is fundamental in giving meaning to the installation: the camera selectively picks up fragments of shadows and sends them to the screens, which visualize and synthesize the original image as painted by Malevich. The images are ephemeral and, at the same time, real and present, although they evoke the past, given that they assist memory in recalling the image thought and painted by the Russian artist.” (Carles Pujol)

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Carles Pujol Malevich, 1996. Vista de la instalación en circuito cerrado. View of the closed circuit audiovisual installation. Fotografía / Photo: Carles Pujol. © C. Pujol.

Carles Pujol

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Ager, 1937. Artista interdisciplinario e investigador, a lo largo de su amplia trayectoria artística ha cultivado la acción, la instalación, el dibujo, la pintura, la escultura, el cine, el vídeo y la poesía. Ha desarrollado un lenguaje singular a base de micrografías, ideogramas y pictogramas originales que no pertenecen a ningún código lingüístico. Es una práctica creativa en la que confluyen la caligrafía y la escritura: un lenguaje que crea un repertorio infinito de signos, gestos, figuras, temas, formas antropomórficas, zoomórficas... En la década de 1970, se vincula en París, donde reside, al arte conceptual. Más adelante pasa largos períodos en Nueva York, ciudad en la que entra en contacto con los movimientos de vanguardia. En las postrimerías de la década de 1980 se instala en Barcelona, donde sigue profundizando en las constantes de su obra: la búsqueda de espacios pictóricos, simbólicos y narrativos. Ha realizado más de un centenar de exposiciones personales en Europa y Estados Unidos, y ha participado, durante los últimos treinta años, en numerosas exposiciones colectivas. Ha colaborado con numerosos escritores, entre ellos V. Altaió, J. R. Bach, J. Brossa, M. O. Briot, M. Butor, A. Clapés, R. Coover, J. Y. Jeannet, J. C. Lambert, G. Lascault, L. Maristany, J. A. Masoliver Ródenas, C. H. Mor, L. Oliva, M. De Renzi, P. Restany, J. Sala-Sanahuja, C. M. Sanuy, S. Sarduy, M. Vázquez Montalbán, O. R. Veillon y E. Xargay. Y también con cineastas como F. Betriu, E. Bonet, A. Fulchignoni, G. Hernández, A. Mercader, J. Rouch, J. Torrent y A. Verdaguer.

Benet Rossell

Ager, 1937. Throughout his long artistic career, this multidisciplinary and investigative artist has cultivated action, installation, drawing, painting, sculpture, film, video and poetry. In the process, he has developed a unique language of original micrographs, ideograms and pictograms alien to any known linguistic code. This creative practice combines calligraphy and writing: a language that generates an infinite repertoire of signs, gestures, figures, themes, anthropomorphic forms, zoomorphic forms, and so on. During the 1970s Benet Rossel lived in Paris, where he was linked with conceptual art. He subsequently spent long periods in New York, moving in avant-garde circles. In the late 1980s, he moved to Barcelona, where he continues to explore the recurrent themes in his work: the quest for pictorial, symbolic and narrative spaces. Over the course of the last 30 years, he has given over a hundred solo shows in Europe and the United States, and has participated in numerous group exhibitions. He has collaborated with countless writers, including the following: V. Altaió, J. R. Bach, J. Brossa, M. O. Briot, M. Butor, A. Clapés, R. Coover, J. Y. Jeannet, J. C. Lambert, G. Lascault, L. Maristany, J. A. Masoliver Ródenas, C. H. Mor, L. Oliva, M. De Renzi, P. Restany, J. Sala-Sanahuja, C. M. Sanuy, S. Sarduy, M. Vázquez Montalbán, O. R. Veillon and E. Xargay. The filmmakers with whom he has collaborated include: F. Betriu, E. Bonet, A. Fulchignoni, G. Hernández, <www.danielcanogar.com> A. Mercader, J. Rouch, J. Torrent and A. Verdaguer.

1000 a Miró [1000 to Miró], 1993. Animación, betacam, audio estéreo OdB, 16'36". Animation, Betacam, 0dB stereo audio, 16'36".

Colección MEIAC. MEIAC Collection.

Autor / Author: Benet Rossell Producción / Production: Oframe Store Suite musical / Musical suite: Jaume Aiats.

1000 a Miró es un vídeo en homenaje a Miró, realizado en colaboración con Oframe Store, que disponía de los últimos adelantos en posproducción de la época, como el Harry, el Paintbox y el Encore, que permitían la producción de imágenes al más alto nivel de calidad. Durante 17 minutos, el vídeo muestra dibujos originales e imágenes reales manipuladas por el autor. Capturados por la cámara, se convierten en el escenario de una performance pictórica que Benet Rossell acomete en directo, sirviéndose de una paleta gráfica a modo de plumilla o pincel y de una pantalla como hoja de papel o lienzo.

El discreto encanto de la tecnología. Artes en España

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The video 1000 a Miró [1000 to Miró] is a tribute to Miró, produced in association with Oframe Store, which was able to supply the latest advances in postproduction at the time—such as Harry, Paintbox and Encore—resulting in images of the highest quality. Throughout its 17 minutes duration, the video shows original drawings and real images manipulated by the author. These are captured by the camera and turned into the setting for a pictorial performance given live by Benet Rossell, aided by a graphic palette in the form of a nib or paintbrush and a screen that doubles as sheet of paper or canvas.

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Benet Rossell 1000 a Miró, 1993. Captura de imágenes del vídeo. Screenshots of the video. © B. Rossell.

Benet Rossell

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San Sebastián, 1932. Su formación artística es autodidacta. A los 13 años se inicia en la pintura realizando copias de obras clásicas en el Museo de San Telmo de San Sebastián. Entre 1955 y 1961, reside en París, donde amplía sus conocimientos de arte contemporáneo. En 1965, participa en la creación de un grupo de artistas vascos, al que Oteiza denomina posteriormente GAUR. A partir de 1968, realiza varias películas experimentales, pintando directamente sobre el celuloide. Después de una primera versión de ocho minutos de Ere erera baleibu izik subua aruaren... o De la luna a Euskadi (1968), trabaja diecisiete meses en la segunda versión del largometraje del mismo título, de setenta y cinco minutos, realizada en 35 mm y totalmente pintada a mano. Las largas secuencias de colores marcan un ritmo dinámico, otorgando a la obra una estética propia de la música visual. Tras su primera presentación del original, ha sido galardonada con el Premio Txistu de Plata, Cine Experimental, Bilbao (1968). Además de la pintura, sigue dedicándose al cine y realiza las películas Ana (1970), Laztanak (1970), Impresiones en la alta atmósfera (1988–1989), Paisaje inquietante - Nocturno (1991), En un jardín imaginado (1991) y Han (sobre el sol) (1992). Su obra audiovisual ha sido exhibida en los principales festivales nacionales e internacionales, así como en las siguientes instituciones: Museo de Arte Moderno de Nueva York; Cinémathèque Française, París; Cinemateca Real de Bélgica, Bruselas; Anthology Film Archives, Washington DC; Filmoteca Nacional de Madrid; Centre Georges Pompidou, París; Ludwig Museum, Colonia; Filmmuseum, Fráncfort; Museum Guggenheim, Bilbao, entre otros. Su obra se encuentra en las colecciones de varios museos y filmotecas internacionales.

San Sebastián, 1932. José Antonio Sistiago is a selftaught artist. He began painting at the age of 13, copying classic works at the Museo de San Telmo in San Sebastián. From 1955 to 1961 he lived in Paris, where he expanded his knowledge of contemporary art. In 1965, he was a founding member of a new group of Basque artists, which Oteiza subsequently called GAUR. Three years later, in 1968, he began to make experimental films, painting directly onto the celluloid. Following a first 8-minute version of Ere erera baleibu izik subua aruaren… [From the Moon to the Basque Country] (1968), he spent the next 17 months on the second version of the feature film of the same title. This had a running time of 75 minutes and was produced in the 35 mm. format and painted entirely by hand. The long colour sequences establish a dynamic rhythm, lending the work an aesthetic that has much in common with visual music. When the original was first presented, it won the Txistu de Plata Prize for Experimental Film in Bilbao (1968). In addition to painting, José Antonio Sistiago continued his film-making activity, producing the following: Ana (1970); Laztanak (1970); Impresiones en la alta atmósfera [Impressions from the Upper Atmosphere] (1988–1989); Paisaje inquietante - Nocturno [Disturbing Landscape - Nocturnal] (1991); En un jardín imaginado [In an Imagined Garden] (1991); and Han (sobre el sol) [Han (About the Sun)] (1992). His audiovisual work has been exhibited at all the major national and international festivals, as well as at the following institutions: Museum of Modern Art, New York; Cinémathèque Française, Paris; Cinémathèque Royale de Belgique, Brussels; Anthology Film Archives, Washington DC; Filmoteca Nacional, Madrid; Centre Georges Pompidou, Paris; Ludwig Museum, Cologne; Filmmuseum, Frankfurt; Guggenheim Museum, Bilbao; and others. His work is also represented in the collections of a variety <www.danielcanogar.com> of international museums and film archives.

José Antonio Sistiaga Impresiones en la alta atmósfera

[Impressions from the Upper Atmosphere], 1988–1989. 70 mm/15 perforaciones, color, sonora, 7'00". 70 mm/15 perforations, colour, sound, 7'00". Colección MEIAC. MEIAC Collection.

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José Antonio Sistiaga, "Sistiaga, el trazo vibrante", entrevista realizada en San Sebastián, el 4 de mayo de 2007, publicada en Bego Vicario y Jesús Mª Mateos (eds.), Sistiaga, el trazo vibrante, Madrid, Animadrid n.º 3, 2007, p. 137. José Antonio Sistiaga, “Sistiaga, el trazo vibrante”, interview conducted in San Sebastián on 4 May 2007, published in Bego Vicario y Jesús Mª Mateos (Eds.), Sistiaga, el trazo vibrante, Madrid, Animadrid nº 3, 2007, p. 137.

“Cuando pinté Impresiones en la alta atmósfera le pedí a mi hijo Waslaw que produjese un sonido, una vibración al órgano, porque yo estaba convencido de que en el cosmos, en el exterior, tendría que haber sonido, el problema es que nosotros no somos capaces de oírlo por nuestra propia limitación y porque no hay atmósfera, pero con todas las tormentas cósmicas que existen, esa vibración sonora debe estar ahí. [...] Hay un irrintzi al final, ya que yo hago una aproximación poética a un tema dado, no científica, y por lo tanto me puedo permitir este final. Este grito me produce una sensación similar a la que me producen las gaviotas de noche en el mar, donde no hay prácticamente nada, es una sensación de soledad excepcional.” 1

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“When I painted Impressions from the Upper Atmosphere, I asked my son Waslaw to produce a sound, a vibration, on the organ, because I was convinced that in the cosmos, in outer space, there must be sound. The problem is that we cannot hear it because of our own limitations and because there is no atmosphere, but with all the cosmic storms we have, that sonorous vibration must be there. [...] At the end, there’s an “irrintzi” (the long cheer pronounced at traditional Basque fiestas). As I deal with my theme from a poetic rather than scientific viewpoint, I can afford to use that ending. This shout has a similar effect on me as seagulls at night by the sea, where there’s practically nothing else. It’s the feeling of acute loneliness.” 1

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José Antonio Sistiaga Impresiones en la alta atmósfera, 1988–1989. Fotogramas de la película. Stills from the film. © J. A. Sistiaga & Vegap.

José Antonio Sistiaga

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Granada, 1904 – Madrid, 1982. Este artista representa el enlace entre la vanguardia histórica y el cine experimental moderno. Además, ha sido uno de los tecnólogos europeos pioneros en proyectos y patentes audiovisuales: desde el objetivo de ángulo variable (actual zoom) del año 1928, pasando por el sonido diafónico, el desbordamiento apanorámico de la imagen y la táctilvisión de las décadas de 1950 y 1960, hasta los ensayos multimedia con vídeo, láser y otras técnicas en la década de 1970 y principios de la de 1980. En su juventud, dentro de las Misiones Pedagógicas de la República, realizó miles de fotografías y decenas de películas documentales, en su mayoría perdidas como consecuencia de la guerra civil. Se conservan cinco: Estampas 1932, montada por Val del Omar como muestra de la labor didáctica de las Misiones; tres, restauradas y agrupadas bajo el título Fiestas cristianas/ Fiestas profanas (1934–1935); y Vibración de Granada (1935), que prefigura la obra maestra de Aguaespejo granadino (1953–1955). Otra obra crucial, Fuego en Castilla (1958–1960), fue premiada en el Festival de Cannes de 1961 por su iluminación táctil. Ese mismo año comienza Acariño galaico —aunque no la concluye, concluyéndose póstumamente en 1995—; las tres últimas conforman el Tríptico elemental de España. En sus últimos años, Val del Omar desarrolló, en su todavía existente laboratorio de PictoLumínicaAudioTáctil (PLAT), numerosas técnicas (Óptica biónica ciclo táctil, Palpicolor, Cromatacto, Bi-Standard, Intermediate 16-35, etc.) y trabajos en proceso que han sido agrupados por Eugeni Bonet, en 20032004, bajo el título Tira tu reloj al agua. (G. Sáenz de Buruaga, 2007)

José Val del Omar

Granada, 1904–Madrid, 1982. This artist represents the link between the historical avant-garde and modern experimental film. He was also one of the pioneering European technologists in audiovisual projects and patents: from the variable-angle-time-lens (the present-day zoom) developed in 1928, to diaphonic sound, the apanoramic overflow of image and the tactile vision of the 1950s and 1960s, followed by his multimedia experiments with video, laser and other techniques in the 1970s and early 1980s. In his youth he produced thousands of photographs and scores of documentary films within the framework of the so-called Pedagogic Missions of the Republic. Most of these were subsequently lost during the Spanish Civil War, but five have survived: Estampas 1932 [Prints 1932], edited by Val del Omar as an example of the educational work undertaken by the Missions; three films that have been restored and grouped under the title Fiestas cristianas/Fiestas profanas [Christian Feasts/Secular Feasts] (1934–1935); and Vibración de Granada [Vibration of Granada] (1935), which prefigures the master piece Aguaespejo granadino [Water-Mirror of Granada] (1953– 1955). Another key work, Fuego en Castilla [Fire in Castile] (1958–1960), received an award at the 1961 edition of the Cannes Festival for its tactile lighting. That same year, Val del Omar embarked on Acariño galaico [Galician Caress] but this was only completed posthumously in 1995. These last three films form the Tríptico elemental de España [Elementary Triptych of Spain]. In his later years, Val del Omar continued to use his still existing PLAT (Picto-Luminic-Audio-Tactile) laboratory to develop numerous techniques (Tactile Cycle Bionic Optics, Palpicolor, Chromatact, Bi-Standard, Intermediate 16-35, etc.) and works in progress which in 2003-2004 Eugeni Bonet grouped under the title Tira tu reloj al agua <www.danielcanogar.com> [Throw Your Watch to the Water]. (G. Sáenz de Buruaga, 2007)

Tríptico elemental de España [Elementary Triptych of Spain] Tres películas de 35 mm. Three 35 mm films.

“Val del Omar quería que su Tríptico se proyectara en orden inverso al de su realización. Pero sus “elementos” van más allá de los de los griegos o los de Ramon Llull. Son más bien los del taoísmo y la física subatómica. Del confín del barro de Galicia al sinfín del fuego de Castilla y al vuelo infinito del agua de Granada, Val del Omar nos sumerge en una grandiosa sinfonía en la que el orden del mundo salta en pedazos bombardeados, como en un reactor de partículas, por la energía y la profundidad de su visión. Como en el cosmos subatómico, todo es ritmo, desnivel y cambio incesante. Los elementos de ese universo son, más que dinámicos, caóticos, etapas transitorias en el flujo incesante de la transfiguración.” (G. Sáenz de Buruaga, 1997)

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“Val del Omar wanted his Triptych to be screened in the reverse order to the sequence of filming. But his “elements” go beyond those of the Greeks and Ramon Llull, pertaining more to Taoism and subatomic physics: from the confines of the clay in Galicia to the never-ending fire in Castile and the infinite flight of water in Granada, Val del Omar immerses us in a magnificent symphony in which the world order is bombed to pieces, as if in a particle reactor, by the energy and depth of his vision. As in the subatomic cosmos, everything is rhythm, unevenness and ceaseless change. The elements in this universe are not so much dynamic as chaotic, transitional stages in the never-ending flow of transfiguration.” (G. Sáenz de Buruaga, 1997)

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José Val del Omar Acariño galaico (De barro), 1961, 1981–1982, 1995. Película de 35 mm, 24'00". Fotograma de la película. 35 mm film, 24'00". Still from the film.

© Archivo María José Val del Omar y Gonzalo Sáenz de Buruaga, Madrid. © María José Val del Omar and Gonzalo Sáenz de Buruaga Archive, Madrid.

Acariño galaico (De barro) [Galician Caress (Of Clay)], 1961, 1981–1982, 1995. Película de 35 mm, BN, Dolby SR, 24'00". 35 mm film, B&W, Dolby SR, 24'00".

Empezada en 1961 y ultimada, según sus instrucciones, en 1995, es la obra más sombría de su autor, un viaje al bronco inicio de Occidente: las masas de barro que el escultor intenta forjar, las criaturas del barro (meigas, ranas, anguilas), el ojo de Dios que todo lo ve, sus oficiantes que todo lo ennegrecen, los terribles disparos del golpe de Estado embarrado: guerra al Cielo y a la Tierra. El propio Val del Omar describe sus intenciones: “Vinimos por el agua —nos hicieron de barro— el fuego de la vida nos va secando. Pasamos la pasión que nos consume la savia de la risa y el llanto. Y al final quedamos —sin gesto— aprisionados.” (G. Sáenz de Buruaga, 2007)

José Val del Omar

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Begun in 1961 and completed, according to his instructions, in 1995, this is the author’s darkest work, a journey to the harsh origins of the West: the masses of clay that the sculptor attempts to mould, the clay creatures (witches, frogs, eels), the eye of God that sees all, his celebrants that darken all, the terrible shots fired in the muddy coup d’état: war on Heaven and on Earth. Val del Omar described his intentions as follows: “We came by water—they made us of clay. The fire of life is drying us. We feel passion—wisdom consumes us—of laughter and weeping. And in the end we are left—without gesture— imprisoned.” (G. Sáenz de Buruaga, 2007)

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José Val del Omar Fuego en Castilla (Táctil Visión del páramo del espanto), 1958–1960. Película de 35 mm, 17'00". Fotogramas de la película. 35 mm film, 17'00". Stills from the film.

© Archivo María José Val del Omar y Gonzalo Sáenz de Buruaga, Madrid. © María José Val del Omar and Gonzalo Sáenz de Buruaga Archive, Madrid.

Fuego en Castilla (Táctil Visión del páramo del espanto) [Fire in Castile (Tactile Vision of the Plateau of Fright)], 1958–1960. Película de 35 mm, BN y color, Dolby SR, 17'00". 35 mm film, B&W and colour, Dolby SR, 17'00".

Película premiada en 1961 en el Festival de Cannes por sus efectos de iluminación táctil. Val del Omar, místico o mecamístico gracias a la tecnología, trasciende los ritmos flamencos de la percusión de Vicente Escudero en las maderas del Museo de Escultura de Valladolid, las anima y hace danzar, y las prende fuego ante los espectadores alucinados. Una introducción auténtica de Val del Omar describe así estas visiones ultraterrenas: “Castilla se presenta sin color, sin melodía, sin timbres y sin palabras. En un monorritmo jondo de un ciego temblor de uñas, ante el mundo que está próximo y propicio a sumergirse en el gran espectáculo de la invasión del Valle de las Diferencias por el Fuego que nos reintegra a la Unidad.” Pero el final es esperanzador en la propia voz del autor: “La muerte es sólo una palabra que se queda atrás cuando se ama. El que ama, arde, y el que arde vuela a la velocidad de la luz. Porque amar es… ser lo que se ama.” (G. Sáenz de Buruaga, 2007)

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This film won an award at the 1961 edition of the Cannes Film Festival for its tactile lighting effects. Val del Omar, mystic or mecha-mystic thanks to technology, reproduces the flamenco rhythms of Vicente Escudero’s percussion in the wooden sculptures of the Sculpture Museum in Valladolid, animating them and making them dance, before setting fire to them in front of the astonished audience. An authentic introduction by Val del Omar describes these ultra-earthly visions as follows: “Castile presents itself without colour, without melody, without timbres and without words. In a jondo monorhythm of a blind trembling of nails, before the world that is near and disposed to immerse itself in the great spectacle of the invasion of the Vale of Differences by the Fire that restores us to Unity.” But, in the author’s own voice, the end is a hopeful one: “Death is no more than a word when one loves. He who loves, burns, and he who burns flies with the speed of light. Because to love is… to be what one loves.” (G. Sáenz de Buruaga, 2007)

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José Val del Omar Aguaespejo granadino (La gran siguiriya), 1953–1955. Película de 35 mm, 23'00". Fotograma de la película. 35 mm film, 23'00". Still from the film. © Archivo María José Val del Omar y Gonzalo Sáenz de Buruaga, Madrid. © María José Val del Omar and Gonzalo Sáenz de Buruaga Archive, Madrid.

Aguaespejo granadino (La gran siguiriya) [Water-Mirror of Granada (The Great Siguiriya)], 1953–1955. Película de 35 mm, BN, Dolby SR, 23'00" 35 mm film, B&W, Dolby SR, 23'00".

José Val del Omar

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Es el primer “elemental” que Val del Omar acabó y el último que debe ser proyectado. Esta obra, con más de quinientos sonidos procesados con tecnología diafónica, se adelanta en más de un cuarto de siglo al concepto moderno del sound design. Las imágenes son también asombrosas: en el Festival de Berlín de 1956, Val del Omar fue calificado como el Schönberg de la cámara, descubridor de la atonalidad del lenguaje fílmico. Junto al mayor homenaje al cante jondo que haya hecho el Cine, Val del Omar describe su obra con humilde lirismo: “Un día le oí pedir al Federico de mi tierra: 'Señor, dame oídos que entiendan a las aguas.' Y ahora soy yo quien os pide que me los prestéis para oírlas. Porque no siendo el mío el camino real de las emociones directas, habréis de salir al encuentro de este pequeño sendero de imágenes y gritos que discurre veloz y a veces oculto entre la yerba.” (G. Sáenz de Buruaga, 2007)

This is the first “elementary” that Val del Omar finished and the last one in the order of screening. With over five hundred sounds processed with diaphonic technology, this work was more than a quarter of a century ahead of the modern concept of sound design. The images are equally stunning: at the 1956 edition of the Berlin Festival, Val del Omar was described as the Schönberg of the camera, the discoverer of atonality in film. Not only the greatest-ever film tribute to cante jondo, this work was described by Val del Omar in the following humble lyric terms: “One day I heard Federico of my native land ask of God, ‘Lord, give me ears that understand the waters.’ And now I am the one who asks you to give me ears to hear them. Because, as mine is not the royal road of direct emotions, you must go out to meet this little path of images and shouts that runs fast and is sometimes hidden in the grass.” (G. Sáenz de Buruaga, 2007)

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Pilar Albarracín Marcel·lí Antúnez Roca Pepe Buitrago Javier Codesal Evru Isabel Herguera Concha Jerez & José Iges Anna Miquel Jordi Moragues Massanet Ignacio Pardo Carmen F. Sigler Begoña Vicario Wolf Vostell

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Presentación Introduction

Desde la perspectiva de la percepción, uno mismo nunca puede abarcar totalmente el cuerpo —nuestra interfaz para el mundo—. La codificación y descodificación de la identidad mediante diferentes estrategias del sujeto y de la sociedad son cuestiones que se plantean con profusión en el arte contemporáneo, como reflejo de la creciente preocupación humana por definir su lugar en el mundo. El conjunto de obras exhibidas en este módulo permite conformar un panorama de las diferentes vías para abordar las temáticas afines: el papel que desempeña el cuerpo en los vínculos entre mundo interior y exterior, entre vida y muerte; la mediación de condicionantes externos para la construcción de la identidad; la forma en que los códigos de género avalan las convenciones de feminidad y masculinidad; el cuerpo como lugar de la escritura; las máscaras y la inestabilidad de la identidad; y el control que la macroestructura ejerce sobre los individuos.

Operar sobre la interfaz del cuerpo

Acting on the Body’s Interface The furthest and most intimate recesses of our minds and bodies—our interface with the world—are beyond our reach. Thus identity is not completely under our control. It is encoded and decoded through deliberate strategies designed by ourselves and by society. This uneasy situation is frequently examined by contemporary art. Perhaps such questions reflect our growing desire to define our place in the world. The works in this section of the exhibition are different approaches to the various aspects of this situation. They include the role of our bodies in the life-death relationship, interior-exterior worlds; the influence of external conditions on the construction of identity and the way in which gender codes underpin conventional ideas of femininity and masculinity. Other works explore the concept of the body as a place where everything we have experienced is written; the use of masks and unstable identity; and macro-control of individuals.

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Sevilla, 1968. Comienza sus estudios de Psicología y Bellas Artes en la Universidad de Sevilla. Se licencia en esta última en 1993. Actualmente vive y trabaja en Madrid. Desde 1991, viene realizando acciones y performances, así como paralelamente otro tipo de trabajos fotográficos o instalaciones, que se han podido ver en diversas exposiciones individuales, como la de la Fundació La Caixa (Sala Montcada) o en las Reales Atarazanas de Sevilla. Entre las exposiciones colectivas más destacables están las realizadas en las siguientes instituciones: PS1 MOMA, Nueva York; Brooklyn Museum; Swiss Institute de Nueva York; Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris; Centre International d’Art et du Paysage de l’Ile de Vassivière; Magazín 3, Estocolmo; Modern Sanat Müzesit; Herzliya Museum of Contemporary Art; Macedonian Museum of Contemporary Art; Hamburger Bahnhof; Centre d’Art Contemporain, Ginebra; Kunstmuseum, Bonn; o Centro Cultural Banco do Brasil, Brasilia. También cabe destacar su participación en diversas bienales: I Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla, 2004; I Moscow Biennale of Contemporary Art , 2005; y 51st International Art Exhibition, Bienal de Venecia, 2005. Subrayamos su participación en los festivales de cine de Locarno, en el 46º October Salon de Belgrado, así como en el Festival di Ravello. Ha impartido diversos talleres y conferencias.

Pilar Albarracín

Seville, 1968. Pilar began studying Psychology and Fine Arts at the University of Seville, graduating in the latter subject in 1993. She currently lives and works in Madrid. Since 1991 she has been working in the field of actions and performances, as well as simultaneously producing photographs and installations, which have been exhibited as solo shows at venues such as the Fundació La Caixa (Sala Montcada) and the Reales Atarazanas in Seville. She has also participated in a number of group exhibitions, most notably at the following: PS1 MoMA, New York; Brooklyn Museum; Swiss Institute of New York; Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris; Centre International d’Art et du Paysage de l’Ile de Vassivière; Magasin 3 Stockholm; Modern Sanat Müzesit; Herzliya Museum of Contemporary Art; Macedonian Museum of Contemporary Art; Hamburger Bahnhof; Centre d’Art Contemporain, Geneva; Kunstmuseum, Bonn; and the Centro Cultural Banco do Brasil, Brasilia. Her work has also been exhibited at a variety of art biennials, as follows: the 1st International Biennial of Contemporary Art, Seville, 2004; the 1st Moscow Biennial of Contemporary Art, 2005; and the 51st International Art Exhibition, Venice Biennial, 2005. Furthermore, she has participated at the Locarno Film Festival, the 46th October Salon in Belgrade, and the Ravello Festival. She has given various workshops and talks. <www.pilaralbarracin.com>

Ritual y trance (o La cabra) [Ritual and Trance (or The Goat)], 2001. Acción/videoperformance monocanal, 3'20". Mono-channel action/ videoperformance, 3'20". nstallation. Variable dimensions. Cortesía de la Galería Filomena Soares, Lisboa (Portugal). Con la colaboración de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía. Courtesy of the Galería Filomena Soares, Lisbon (Portugal). With the collaboration of the Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía.

“Pilar Albarracín utiliza la perversión de los significantes como mecanismo de acción. Un traje de baile, una academia de danza y un odre es todo lo que necesita para subvertir la semántica y desarrollar una nueva narrativa. En su vídeoperformance La cabra, la representación de lo atávico se une a la imagen contemporánea del trance. El discurso generado en este vídeo es la traslación de lo arcaico a la fenomenología contemporánea. Albarracín importa códigos propios que sustituyen las expectativas generadas por la escenografía y el atrezzo inicial.” (Álvaro Rodríguez Fominaya)

“Pilar Albarracín uses the perversion of signifiers as a mechanisms of action. A dance costume, a dance academy and a wineskin are all she needs to subvert semantics and create a new narrative. In her video performance La Cabra [The Goat], the representation of the atavistic combines with the contemporary image of a trance. The discourse generated in this video traces the passage from the archaic to contemporary phenomenology. Albarracín imports her own codes to replace the expectations generated by the set design and initial props.” (Álvaro Rodríguez Fominaya)

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Pilar Albarracín La cabra, 2001. Captura de imagen del vídeo. Screenshot of the video. © P. Albarracín.

Pilar Albarracín

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Bailaré sobre tu tumba [I Will Dance on Your Grave], 2004. Videoperformance monocanal, 7'04". Mono-channel video performance, 7'04".

Cortesía de la Galería Filomena Soares, Lisboa (Portugal). Con la colaboración de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía. Courtesy of the Galería Filomena Soares, Lisbon (Portugal). With the collaboration of the Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía.

“En Bailaré sobre tu tumba la artista y un bailaor profesional ejecutan una danza que simboliza la antiquísima guerra de los sexos, sólo que aquí las líneas de batalla no están trazadas claramente: las botas de tacón negras del bailador y los sólidos zapatos de baile rojos de la artista se intercambian los papeles en un juego erotizado de dominación y sumisión que flexibiliza la frontera entre los sexos. Los violentos embates de los pies contra el suelo podrían incluso provocar que la pista de baile cediese a una nueva relación entre los sexos, porque la danza tiene la capacidad de liberar lo reprimido a través de movimientos sin forma.” (Andrea Inselmann)

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“In I Will Dance on Your Grave the artist and a professional dancer perform a dance that symbolizes the age-old balttle of the sexes, only here, battle lines are not clearly drawn, as the black highheeled boots of the male dancer and the robust red dancing shoes of the artist alternate roles in an eroticized game of domination and submission, rendering the lines between the sexes more fluid. The violent stamping of their feet might just cause the dance floor to give way to a new relationship between the sexes, as dance can bring out in shapeless movements the liberation of the repressed.” (Andrea Inselmann)

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1, 2 Pilar Albarracín Bailaré sobre tu tumba, 2004. Capturas de imágenes del vídeo. Screenshots of the video. © P. Albarracín.

Pilar Albarracín

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Moià, Barcelona, 1959. Antúnez es internacionalmente conocido por las performances mecatrónicas y sus instalaciones robóticas. Sus trabajos se han presentado en numerosos festivales, galerías, museos y teatros de todo el mundo, como la Villette de Paris, el lCA de Londres, el FILE de São Paulo, el DAF de Tokio, el DOM Cultural Center de Moscú, el DEAF de Rotterdam, Ars Electronica de Linz o el Performing Arts de Seúl (Corea), entre otros. Desde la década de 1980, la característica principal del trabajo de Antúnez Roca reside en su preocupación por la condición humana, por el cómo y el porqué de los deseos y las emociones de los seres humanos: primero, a través de la performance tribal del colectivo La Fura dels Baus, grupo del que fue fundador, coordinador artístico, músico y actuante desde 1979 hasta 1989; después, en solitario. Esta preocupación se ha trasladado, paulatinamente, hacia un tipo de obras que proponen sistemas complejos y que a menudo devienen híbridos, sin categoría. La incorporación y trasgresión de elementos científicos y tecnológicos, utilizados desde principios de la década de 1990, así como su interpretación por medio de dispositivos únicos y particulares, confieren a la obra de este artista una renovada cosmogonía cálida, cruda e irónica, donde tienen cabida temas tan clásicos como el afecto, la identidad, la escatología o la muerte. Estos elementos adquieren en su obra una dimensión irónica y humana y provocan una reacción espontánea en el espectador.

Marcel·lí Antúnez Roca

Moià, Barcelona, 1959. Antúnez has gained an international reputation for his mecatronic performances and robotic installations. He has presented his work at numerous festivals, galleries, museums and theatres around the world, including La Villette in Paris, the ICA in London, FILE in São Paulo, DAF in Tokyo, the DOM Cultural Centre in Moscow, the DEAF in Rotterdam, Ars Electronica in Linz and the Seoul Performing Arts Centre (Korea). Since the 1980s, Antúnez Roca’s work has centred on the human condition, on the meaning of human desires and emotions, expressed initially through the tribal performances of La Fura dels Baus, the group he founded and was a member of from 1979 to 1989, as artistic coordinator, musician and performer; and subsequently through his solo performances. This early preoccupation has gradually shifted to other types of work that propose complex systems and often become hybrids, defying classification. The incorporation and transgression of scientific and technological elements, which he has used since the early 1990s, as well as their interpretation through unique and highly individual mechanisms, imbues the work of this artist with a new cosmogony, one that is at once warm, crude and ironic, and which explores classic themes such as affection, identity, eschatology and death. In Antúnez Roca’s work, these elements take on an ironic, human dimension and provoke a spontaneous reaction in the viewer.

<www.marceliantunez.com>

DMD Europa, 2007. Instalación audiovisual interactiva. Interactive audiovisual installation.

Artista / Artist: Marcel·lí Antúnez Roca. Software DMD / DMD Software: Matteo Sisti Sette. Música DMD / DMD Music: Alain Wergifosse. Edición DMD / DMD Edition: Sergi Dies. Rodaje DMD / DMD Running: Robert Roig Hardware DMD / DMD Hardware: Héctor Lopez. Foto fija / Fixed Photo: Carles Rodríguez. Jefa de producción / Head of Production: Lucía Egaña Rojas. Jefe técnico / Technical Head: Oriol Ibáñez. Producción ejecutiva / Executive Production: Eva Vilaró Mora. Producido por / Produced by: Panspermia S.L. & Civica Galleria d’Arte Moderna di Gallarate.

El Dibujo Mural Dinámico consiste en una proyección a escala 1/1 de la construcción de un dibujo monocromo que, integrado por cinco estampas, representa algunos de los tópicos creativos del artista. Esta proyección, que hilvana lo biológico, la enfermedad, la burocracia, la soledad y lo orgiástico, desemboca en un conjunto de acciones en las que se funden el cuerpo del artista, el muro y la pintura. Un sistema interactivo permite que el espectador elija uno de los tres vídeos que avanzan en paralelo y que muestran puntos de vista y ritmos de montaje diferentes. Este sistema permite que el espectador edite el desarrollo del dibujo a su gusto.

El discreto encanto de la tecnología. Artes en España

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The Dibujo Mural Dinámico [Dynamic Mural Drawing] is an audiovisual on a 1/1 scale of the construction of a monochrome drawing which, made up of five pictures, represents some of the artist’s creative topics. With a narrative thread that links the biological, illness, bureaucracy, loneliness and the orgiastic, the audiovisual culminates in a series of actions that fuse the body of the artist, the wall and the painting. An interactive system enables the viewer to choose one of three videos, which are played in parallel and show different perspectives and paces of construction, and to edit the drawing process to his or her own taste.

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Marcel·lí Antúnez Roca DMD Europa, 2007. Imágenes de la instalación y de la proyección. Images of the installation and the projection. Fotografía (superior) / Photo (above): Walter Capelli. Fotografías (inferior) / Photos (below): Carles Rodríguez. © M. Antúnez Roca & Vegap.

Marcel·l í Antúnez Roca

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Ciudad Real, 1954. Su actividad artística se inicia en la pintura. Tras viajar a Nueva York, con la beca Fulbright (1985), se introduce en el campo de la holografía. La exposición “Pintura, hierro y luz” (Madrid, 1989) es indicativa de un rumbo que se afianza al establecerse seguidamente en Londres, donde halla la colaboración de hológrafos como Mike Medora, Nigel Robiette y Caroline Palmer, con quien realiza la holoescultura What do you think? (Londres, 1989) “La apariencia de la realidad-La realidad de la apariencia” es el argumento de una serie de trabajos (fotografía, vídeo, hologramas, etc.) realizados por Buitrago durante los últimos quince años. Una reflexión acerca de la delicada línea que discurre entre lo real y lo irreal, la sutil barrera entre lo que conocemos y desconocemos, entre lo que la realidad nos muestra y nos oculta. Como las instalaciones: Throwing it down the drain (Londres, 1995), Geometría (Lisboa, 1998), “Simulación-Disimulación” (Madrid, 1999), la serie Nobody-Nadie (Madrid, 2001) o Sostenible-Insostenible llevada cabo con una beca de residencia en el Center for the Holographic Arts (Nueva York, 2004). En paralelo a estos proyectos, Pepe Buitrago ha ido desarrollando diversos trabajos de holopoesía —como el libro Siglo XX (Londres, 1991), las series Tono de voz y Tiempo (Ciudad Real, 2006) o sus trabajos de fotografía con hologramas (Madrid, 2007)— donde juega con el lenguaje, a la vez que con la levedad inmaterial y la profundidad aparente de los elementos holográficos.

Pepe Buitrago

Ciudad Real, 1954. His artistic activity started with painting. After travelling to New York on a Fulbright grant (1985), he began to work with holography. The exhibition “Painting, Iron and Light” (Madrid, 1989) marked a new direction that was consolidated when he moved to London, where he began to collaborate with holographers such as Mike Medora, Nigel Robiette and Caroline Palmer, with whom he made the holosculpture What do you Think? (London, 1989). “The Appearance of Reality—The Reality of Appearance” forms the narrative thread of a series of works (photography, video, holograms) created by Buitrago during the last fifteen years. A reflection on the thin line separating the real and the unreal, the subtle barrier between what we know and what we do not know, between what reality reveals and what it hides from us—like his installations: Throwing it Down the Drain (London, 1995), Geometry (Lisbon, 1998), GuiseDisguise (Madrid, 1999), the series Nobody-Nadie (Madrid, 2001) and Sustainable-Unsustainable, carried out with a Residence Grant at the Centre for the Holographic Arts (New York, 2004). In parallel to these projects, Pepe Buitrago has developed several holopoetry works—such as the book 20th Century (London, 1991), the series Tone of Voice and Time (Ciudad Real, 2006)—as well as photographic works with holograms (Madrid, 2007), in which he plays with language and with the immaterial levity and apparent depth of holographic elements.

Nadie es Nadie (él-ella) [Nobody is Nobody (He-She)], 2006. Holoesculturas. Hologramas, hierro y cristal, 200 x 100 x 50 cm. Holosculptures. Holograms, iron and glass, 200 x 100 x 50 cm.

“Díptico concebido como desnudos escultóricos, estatuas modeladas con palabras holográficas, Adán y Eva expulsados del paraíso y enredados en palabras de Octavio Paz del Laberinto de la soledad: “El sentimiento de soledad, nostalgia de un cuerpo del que fuimos arrancados, es nostalgia de espacio.” Somos una silueta que desplaza todo su volumen en el espacio, pero también somos múltiples individuos fragmentados. Sólo la lectura completa de todos los fragmentos, que contienen a su vez las características de las figuras completas, dota de todo el sentido a una silueta anónima, en la que nos podemos reconocer.” (Carmen Dalmau)

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“A diptych conceived as sculptural nudes, statues modelled with holographic words, Adam and Eve expelled from Eden, and tangled up, as Octavio Paz puts it in The Labyrinth of Solitude: “The feeling of loneliness, the nostalgia of a body from which we were uprooted, is nostalgia of space.” We are a silhouette which shifts its entire volume through space, but we are also multiple, fragmented individuals. Only the whole reading of all the fragments, containing in turn the characteristics of the whole figures, can provide with a meaning a silhouette which is anonymous, but in which we can recognise ourselves.” (Carmen Dalmau)

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Pepe Buitrago Nadie es Nadie (él-ella), 2006. Holoesculturas. Holosculptures.

“No sólo nos disimulamos a nosotros mismos y nos hacemos transparentes y fantasmales; también disimulamos la existencia de nuestros semejantes. [...] los ninguneamos. El ninguneo es una operación que consiste en hacer de Alguien, Ninguno. [...] Ninguno [...] Es el hombre que olvidamos siempre por una extraña fatalidad. [...] Es una omisión. Y sin embargo, Ninguno está presente siempre. [...] Por eso el Ninguneador también se ningunea; él es la omisión de Alguien. Y si todos somos Ninguno, no existe ninguno de nosotros. El círculo se cierra y la sombra de Ninguno se extiende [...] y lo cubre todo. [...] Vuelve a imperar el silencio, anterior a la Historia.” Octavio Paz, El laberinto de la soledad.

Pepe Buitrago

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“Not only do we conceal ourselves, becoming transparent and ghostly; we also conceal the existence of those like ourselves. [...] We treat them as if they were no-one. Treating someone like this consists of turning Someone into No-one. [...] No-one. [...] It’s the person we always forget through a strange misfortune. [...] It’s an omission. And yet, No-one is always present. [...] Which is why the person who treats someone as no-one treats himself in the same way; he is that Someone’s omission. And if we’re all No-one, none of us exist. [...] The circle closes and the shadow of No-one spreads [...] and covers everything. [...] Silence reigns again, before History.”

Fotografía / Photo: Pepe Buitrago. © P. Buitrago & Vegap.

Octavio Paz, The Labyrinth of Solitude [loose translation].

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Sabiñánigo, Huesca, 1958. Artista de amplios registros y técnicas, su obra abarca propuestas de muy diversa índole que circulan, con gran libertad y coherencia, entre la palabra y la imagen. Utiliza y fusiona en sus proyectos distintos medios y herramientas: instalaciones, acciones, fotografías, textos, poesía, cine y vídeos. Ha desarrollado una intensa actividad creativa desde 1983, año en el que finaliza sus estudios de Ciencias de la Información y realiza su primera instalación de vídeo, Una televisión en un nicho que, junto con el vídeo Pornada, de 1984, inaugura lo que ya comienza a perfilarse como un corpus discursivo propio que estará presente a lo largo de toda su trayectoria, independientemente del medio que utilice. El punto fundamental hacia el cual enfoca su mirada es el hombre y su identidad (masculina y femenina) en los distintos estadios de la vida, enfrentado a la enfermedad, al deseo, a la frustración..., todo ello expresado con un lenguaje muy personal y de una fuerte simbología. Entre sus exposiciones individuales, pueden señalarse: Tras la piel, Museo Pablo Serrano (Zaragoza, 1995); Inmóviles - Fábula de un hombre amado, EspacioUno MNCARS (Madrid, 1999); El monte perdido, Galería Estrany–de la Mota (Barcelona, 2004); Mario y Manuel, Diputación de Huesca (2005). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas: Cazadores de sombras, MAMBO (Bogotá, 2007); Gestes, Printemps de Septembre, École des Beaux-Arts (Toulouse, 2003); Visiones privadas, Museo Carrillo Gil (México DF, 1993); Bienal de la Imagen en Movimiento’92, MNCARS (Madrid, 1992).

Javier Codesal

Sabiñánigo, Huesca, 1958. Javier Codesal is an artist who uses a broad range of registers and techniques. His work encompasses widely differing proposals that swing freely but coherently between word and image. Installations, actions, photographs, texts, poetry, film and video are the various mediums and tools that he employs and combines in his projects. He embarked on his intense creative career in 1983, after completing his studies in Information Sciences and making his first video installation, Una televisión en un nicho [A Television In A Niche], which, together with the video Pornada, from 1984, introduced what was already emerging as a unique discursive corpus that has remained present throughout his career, regardless of the medium employed. The fundamental themes explored by Codesal are humans and their identity (masculine and feminine) at different stages in their lives—experiencing illness, desire, frustration, etc.—expressed in a highly personal and highly symbolic language. His solo exhibitions include the following: Tras la piel [Behind the Skin] at the Museo Pablo Serrano (Saragossa, 1995); Inmóviles - Fábula de un hombre amado [Motionless - The Fable of a Loved Man] at EspacioUno MNCARS (Madrid, 1999); El monte perdido [The Lost Mountain] at Galería Estrany–de la Mota (Barcelona, 2004); and Mario y Manuel [Mario and Manuel] at the Diputación de Huesca (Huesca, 2005). He has participated in numerous group exhibitions, such as: Cazadores de sombras [Shadow Hunters] at MAMBO (Bogota, 2007); Gestes [Gestures] at Printemps de septembre, Ecole des Beaux-arts (Toulouse, 2003); Visiones privadas [Private Visions] at the Museo Carrillo Gil (Mexico City, 1993); Bienal de la Imagen en Movimiento’92 [Image in Movement Biennial‘92] at the <www.danielcanogar.com> MNCARS (Madrid, 1992); and others.

Lectura de manos [Palm Reading], 2002. Vídeo monocanal, proyección, 15'43". Mono-channel video, projection, 15'43".

Proyecto, cámara y edición / Project, camerawork and editing: Javier Codesal. Posproducción de sonido / Sound postproduction: Pedro Saavedra. Con la participación de / With the participation of: Elisa Romero. Vídeo producido con el apoyo de / Video produced with support from: Caja San Fernando.

Una mujer lee las manos de Javier Codesal. El vídeo se resuelve en un plano único. El carácter, la salud, la inteligencia, los defectos, las historias familiares, el amor, todo lo que va siendo recogido de las manos compone un paisaje y una novela. Novela del personaje cuyas manos vemos en la pantalla, pero que también pueden ser las de cualquier otro. El punto de vista de la cámara permite la identificación plena del espectador como sujeto de la lectura llevada a cabo. Pero el vídeo nos ofrece además un retrato diáfano de la lectora.

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A woman reads Javier Codesal’s palms. The whole video revolves around the same frame. Character, health, intelligence, faults, family histories, love—everything read on his palms gradually forms a landscape and a novel. It is the novel of the character whose hands we see on the screen, but it might well also be the novel of anyone else. Because of the angle of the camera, the viewer seems to be the person having his palms read. But the video also offers a clear portrait of the reader.

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Javier Codesal Lectura de manos, 2002. Fotograma del vídeo. Video still. © J. Codesal.

Javier Codesal

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Javier Codesal Campana de Huesca, 2001. Proyección vertical. Fotogramas del vídeo. Vertical projection. Video stills. © J. Codesal.

Campana de Huesca [Huesca Bell], 2001. Vídeo monocanal, 2' 08". Proyección vertical y repetido en sinfín. Dimensión variable. Mono-channel video, 2' 08". Vertical loop projection. Dimension variable.

Proyecto y realización / Project and production: Javier Codesal Colaboración / Collaboration: Julia Sieiro. Cámara / Camerawork: Almudena Sánchez, Javier Codesal. Posproducción de vídeo y audio / Video and audio postproduction: Factoría de Vídeo. Actores / Actors: José Luis Benedí, Javier Rey Benedí. Agradecimientos / Acknowledgements: Paco Vega, Javier Espada, Luis Marco, José Antonio Codesal, Iglesia de San Miguel de Zaragoza. Obra producida con el apoyo de / Work produced with support from: Huesca Imagen 8.

Los rostros de dos personas se comunican a través de un trayecto del interior de sus cuerpos, que comienza y termina en las bocas. Desde la boca abierta de un hombre se desciende por una escalera de piedra, hasta la boca abierta de un niño. Desde la boca abierta del niño se volverá a ascender por la misma escalera hasta la boca abierta del hombre, en un proceso tenso e infinito. Oímos palabras ininteligibles, susurradas, que se mezclan con algunos repiques de campana.

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The faces of two people are joined together via a journey to the interior of their bodies, which commences and ends at their mouths. The open mouth of a man provides access down a flight of stone steps to the open mouth of a boy. Meanwhile, the same flight of steps leads up from the open mouth of the boy to the open mouth of the man, in a tense, neverending process. We hear unintelligible words, whispered, intermingled with the pealing of a bell.

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Javier Codesal

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Barcelona, 1946. Antes conocido como Zush, nacido Alberto Porta. Evru adoptó su nombre Zush en 1968, cuando decidió romper con el reino de lo cotidiano, creando un mundo paralelo llamado Evrugo Mental State, un estado ficticio para el que ha inventado su propia moneda, bandera, alfabeto, etc. Su obra/trabajo es un intento de mostrar la creación global de un entorno físico y su adopción como obra de arte. Zush operó bajo esta identidad hasta el 2001, año en que, con motivo de su exposición Zush-Tecura en el MACBA, Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, dio fin a su personalidad adoptada y tomó nuevo nombre: Evru. Además de sus dibujos y libros de artista, es también uno de los pioneros en el uso de las tecnologías aplicadas a la creación plástica y el arte por ordenador. Recibió una beca de la William Fulbright y la Fundación Juan March, de Madrid, en el año 1975, para estudiar en el MIT (Instituto de Tecnología de Massachussets, Estados Unidos) y ha disfrutado también de la beca del DAAD (Servicio de Intercambio Académico de la República Democrática de Alemania, Berlín; 1982–1983). En 1996, evru.org puso en marcha su primer CD-ROM, Manual Psico-Digital, que fue galardonado con el Premio LAUS al mejor CD-ROM del año 1999 por la AFI-FAD de Barcelona. Su obra está presente en muchas colecciones públicas y privadas, como el MOMA y el Museo Guggenheim, Nueva York; el Centro George Pompidou, París; la Fundación Cartier, París; el MNCARS (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), Madrid; el MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona) y el IVAM, (Instituto de Arte Moderno de Valencia).

Evru

Barcelona, 1946. Previously known as Zush, born Alberto Porta. Alberto Porta adopted the name Zush in 1968, when he decided to break with the realm of the ordinary and create a parallel world called Evrugo Mental State, a fictitious state for which he invented a currency, flag, alphabet, etc. His work is an attempt to demonstrate the global creation of a physical environment and its adoption as a work of art. Zush maintained this identity until 2001, when he used the exhibition Zush-Tecura at the MACBA Museum of Contemporary Art in Barcelona to relinquish his adopted personality and take on the new name Evru. In addition to his drawings and books as an artist, he is also a pioneer in the use of technologies applied to the plastic arts and computer-assisted art. In 1975 he received a Fulbright grant and an award from the Fundación Juan March in Madrid to study at the Massachusetts Institute of Technology in the United States. He was also awarded a grant by the DAAD, the German Academic Exchange Service, to study in Berlin (1982–1983). In 1996 evru.org launched its first CD-ROM, Manual psico-digital [Psycho-digital Manual], which won the LAUS Trophy for the best CD-ROM of 1999, awarded by AFI-FAD, Barcelona. His work is present in numerous public and private collections, including amongst others those of: the MoMA and the Guggenheim Museum in New York; the Centre George Pompidou and the Fondation Cartier in Paris; the MNCARS Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid; the MACBA Museum of Contemporary Art in Barcelona; and the IVAM Institute of Modern Art in Valencia. <www.evru.org>

Oficina de flujos de Evrugo Mental State [Evrugo Mental State Flow Office], 2005-2006. Serie fotográfica, impresión digital, diferentes formatos. Photographic series, digital image, different formats.

La serie de fotografías Oficina de flujos de Evrugo Mental State fue realizada con modelos voluntari@s, convocad@s en la instalación-exposición in situ, en distintas exposiciones del mismo título en distintas fechas, entre 2004 y 2006. La instalación incluía el estudio fotográfico, decorado con accesorios elaborados especialmente, donde l@s model@s se ponían la ropa y las máscaras creadas por el artista para transformarse en un personaje evrugui y ser fotografiad@s. Tras la sesión fotográfica, l@s participantes recibieron un certificado de residencia y una condecoración del Evrugo Mental State, firmado y rubricado por el artista.

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The photographic series Oficina de flujos [Flow Office] by Evrugo Mental State was produced with volunteer models invited to participate in a site-specific installationexhibition repeated under the same title on different dates between 2004 and 2006. The installation included the photographic studio, decorated with specially fashioned props, in which the male and female models dressed up in the clothes and masks created by the artist in order to become evrugui citizens and have their photographs taken. After the photographic session, the volunteer models received a certificate of residence and a medal from the Evrugo Mental State, signed and approved by the artist.

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Nombre Apellido Título obra, 2001. © imagen

Evru IUVRA, 2005. Imagen digital sobre soporte de aluminio siliconado, 190 x 120 cm. Disparo de cámara: Clara Gasiot. Digital image on aluminium silicate, 190 x 120 cm. Camera shot: Clara Gasiot. © Evru & Vegap.

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Evru VERUDO, 2005. Imagen digital sobre soporte de aluminio siliconado, 190 x 120 cm. Digital image on aluminium silicate, 190 x 120 cm. © Evru & Vegap.

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Nombre Apellido Título obra, 2001. © imagen

Evru VRODO, 2005. Imagen digital sobre soporte de aluminio siliconado, 190 x 120 cm. Digital image on aluminium silicate, 190 x 120 cm. © Evru & Vegap.

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San Sebastián, 1961. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco UPV/EHU. Cursó estudios en la Kunstakademie de Düsseldorf (Alemania), donde recibió el titulo de Meisterschüler del profesor Nam June Paik. Spain Loves You (1987), su primer trabajo en animación, recibió varios premios nacionales e internacionales. A partir de este momento incorpora la animación a su trabajo de videoinstalación. En 1993 obtuvo un MFA (Master of Fine Arts) del Departamento de Animación Experimental del California Institute of the Arts de Los Ángeles (Estados Unidos). En 1997 fundó, junto con Satinder Singh, un estudio de animación, Loko Pictures, donde se realizaron varios trabajos de publicidad para clientes como HBO, FOX International y Proctor and Gamble, entre otros. Al mismo tiempo que se desarrollaron y coprodujeron trabajos de animación independiente como The Balloon (2003) y La gallina ciega (2005). Ha impartido clases y dirigido talleres de animación en EICTV, San Antonio de los Baños (Cuba) y en el California Institute of the Arts, Los Ángeles. Desde 2005 es profesora invitada en el National Institute of Design de Ahmedabad (la India). Desde marzo de 2002 dirige Animac, Muestra Internacional de Cine de Animación de Cataluña, en Lérida. En 2007, colabora en la coordinación de la primera edición de Chritakhatak, Internacional Student Animation Festival, en el Nacional Institute of Design en Ahmedabad (la India). Su último trabajo, La gallina ciega (2005), fue nominado a los premios Goya 2005.

Isabel Herguera

San Sebastián, 1961. After taking a first degree in Fine Arts from the University of the Basque Country UPV/ EHU, Isabel Herguera studied at the Kunstakademie in Düsseldorf, Germany, obtaining the qualification of Meisterschüler from Professor Nam June Paik. Spain Loves You (1987), her first animation, received a variety of national and international awards, and she thereafter incorporated animation into her video installation work. In 1993 she obtained a Master’s degree in Fine Arts from the Experimental Animation Department of the California Institute of the Arts, in Los Angeles, United States. In 1997 she opened an animation studio, Loko Pictures, with Satinder Singh, producing several commercials for customers such as HBO, FOX International and Proctor & Gamble. During the same period, the team also developed and co-produced independent animated films such as The Balloon (2003) and La gallina ciega [The Blind Hen] (2005). She has taught and run animation workshops at EICTV, San Antonio de los Baños, Cuba; and at the California Institute of the Arts, Los Angeles. Since 2005 she has held the post of guest lecturer at the National Institute of Design in Ahmedabad, India. Since March 2002 she has run Animac, the International Animated Film Festival in Lerida, Catalonia. In 2007 she helped to coordinate the first edition of Chritakhatak, the International Student Animation Festival at the National Institute of Design in Ahmedabad, India. Her most recent film, La gallina ciega (2005), received a nomination for the 2005 <www.danielcanogar.com> edition of the Goya awards.

Spain Loves You, 1987. Animación de recortables, collage, 16 mm, 5'00". Cut-out animation, collage, 16 mm, 5'00".

Tres motivos sirven para comentar una década de nuestra historia reciente: la retransmisión de los primeros pasos del hombre en la Luna; una excursión a lo largo del río Bidasoa; y la puesta en escena que anticipa la toma de la fotografía de familia numerosa.

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Three events provide the background for a critique on a decade in our recent history: the broadcast of mankind’s first steps on the moon; a trip up the River Bidasoa; and the preparations involved in photographing a large family.

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Isabel Herguera Spain Loves You, 1987. Fotograma de la película. Still from the film. © I. Herguera.

Isabel Herguera

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Concha Jerez Las Palmas de Gran Canaria, 1941. Artista intermedia. Cursa la carrera de piano en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y la licenciatura de Ciencias Políticas en la Facultad de Ciencias Políticas de Madrid. Desde 1991 es profesora de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca. Realiza obras individuales de forma continuada desde 1973 hasta el momento actual en España, Alemania, Francia, Italia, Austria, Inglaterra, Dinamarca, Suecia, Finlandia. A partir de 1976, centra su trabajo en el desarrollo del concepto de instalación como obra in situ, en espacios de gran envergadura. Entre sus actividades cabe destacar veintitrés exposiciones y numerosas performances individuales, así como espacios sonoros y visuales, obras radiofónicas, para la web, conciertos y acciones con la colaboración de José Iges. José Iges Madrid, 1951. Ingeniero industrial, doctor en Ciencias de la Información, compositor y artista intermedia. Los ejes fundamentales de su trabajo artístico son la interacción de instrumentos convencionales con sonidos grabados o electrónica en vivo, el empleo de las nociones de “instalación” y/o “arte intermedia”, tanto en trabajos en/para espacios concretos como en obras en/para los medios electrónicos, y un personal uso de lo escénico y del lenguaje radiofónico. Ha realizado obras escénicas o para solista/s y cinta y/o electrónica en vivo, así como obras de arte radiofónico, instalaciones sonoras y visuales, performances y conciertos intermedia, ámbitos estos últimos en los que ha venido colaborando desde 1989 con la artista Concha Jerez.

Concha Jerez José Iges

Concha Jerez Las Palmas de Gran Canaria, 1941. A cross-media artist, Concha Jerez studied piano at the Conservatoire in Madrid and politics at the Madrid Faculty of Politics. Since 1991 she has taught at the Faculty of Fine Arts at the University of Salamanca. She has been producing individual artworks uninterruptedly since 1973 and in a number of countries, including Spain, Germany, France, Italy, Austria, the United Kingdom, Denmark, Sweden and Finland. Since 1976, she has focused in particular on developing the concept of installation as a work in situ, in large-scale spaces. Her activities include 23 exhibitions and numerous solo performances, sound and visual installations, radiophonic pieces, web art, concerts and collaborations with José Iges. José Iges Madrid, 1951. José Iges studied industrial engineering and has a PhD in Information Sciences. He is also a composer and a cross-media artist. His artistic work centres around the interaction of conventional instruments with recorded and/or electronic live sounds, the use of the notions “installation” and “cross-media art” both in works in/for specific spaces and in works in/for the electronic media, and a highly personal use of performance and the language of radio. He has produced staged works and both taped and live electronic works for soloists, as well as radiophonic artworks, sound and visual installations, cross-media performances and concerts, the latter two with the artist Concha Jerez, with whom he has been collaborating since 1989.

<www.conchajerez.com>

<www.joseiges.com>

Persona: probador [Person: Fitting Room], 2005-2008. Ambiente intermedia, 244 x 122 x 244 cm. Cross-media environment, 244 x 122 x 244 cm.

Edición del vídeo / Video editing: Pedro López, Concha Jerez. Cámara / Camerawork: Xabi Leibar. Grabación, mezcla y edición de sonido / Sound recordings, mixing and editing: José Iges. Fotografías / Photographies: Miguel Quintas. Producción / Production: Centro Cultural Montehermoso - Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz.

Es una caja de luz perteneciente al proyecto Persona. Toma la forma de un estilizado probador de ropa, en una de cuyas caras interiores se sitúa una pantalla de plasma rodeada de espejo. En la pantalla se ve a gente cambiándose de ropa incesantemente, pero no sus rostros, mientras se escuchan sus comentarios sobre el vestir —esa segunda piel quizá— como definidor de la identidad. El espejo es la superficie que captura al visitante cuando entra en el Probador y contempla a quienes se cambian de ropa a la vez que “se contempla”. Una mirada que va del freudiano “mi cuerpo me mira” al lacaniano “nuestros cuerpos me miran”.

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The piece consists of a lightbox belonging to the Persona project. Here it takes the form of a stylised changing room, on one interior wall of which hangs a plasma screen surrounded by a mirror. The screen shows a series of people constantly changing their clothes, but never lets us see their faces. In the meantime, however, we hear their comments about clothes—that second skin, perhaps?— as definers of identity. The mirror immediately captures the visitor’s attention when he enters the Fitting Room and contemplates those who are changing their clothes while simultaneously “contemplating themselves”. A vision that swings from Freud’s “my body is looking at me” to Lacan’s “our bodies are looking at me”.

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Concha Jerez / José Iges Persona: probador, 2005-2008. Imagen de la instalación. View of the installation. Fotografía / Photo: Miguel Quintas. © C. Jerez / J. Iges.

Concha Jerez / José Iges

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Barcelona, 1949. Doctora en Bellas Artes con la tesis Arte y animación (1987) y máster en Producciones Artísticas e Investigación (2006). Realiza sus primeras películas a finales de la década de 1960 en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona, sobre todo en formato súper 8, incorporando acetatos, collages y dibujos animados. En 1971, trabaja en el estudio de animación Pegbar Productions para la serie Los Jackson Five. Estudia Artes Gráficas en la Universidad Estatal de Dallas, Texas (Estados Unidos), y dos años más tarde realiza Gnocchi, el inconformista (1975). Esta animación ha obtenido los premios internacionales de mejor film de animación en el Festival Internacional de Súper 8, Teherán (Irán, 1976), y premio especial de calidad de la Dirección General de Cinematografía, Madrid (1980). Otros títulos destacados son Encuentros (1977) y Pájaro Azul (1982), galardonados con varios premios. Con la animación Cántico de luz y sombra (1976) obtiene el primer premio en el II Certamen Nacional de Cine Amateur de Barcelona (1977) y el II Premio del Jurado en la Muestra Internacional de Cine en Súper 8, Guadalajara (México, 1981). Como artista plástica, Anna Miquel comparte la realización y la enseñanza del cine de animación en la Universidad de Barcelona, con su trabajo de pintura, que expone en el ámbito nacional e internacional.

Anna Miquel

Barcelona, 1949. Anna Miquel obtained a PhD in Fine Arts with her thesis Arte y animación [Art and Animation] (1987) and also has a Master’s degree in Artistic Productions and Research (2006). She made her first films in the late 1960s at the Faculty of Fine Arts in Barcelona, most of them in the Super 8 format and incorporating acetates, collages and cartoons. In 1971 she was employed at the Pegbar Productions animation studio, where she worked on the Jackson Five series. She then went on to study Graphic Art at the State University of Dallas in Texas (USA), and two years later made Gnocchi, el inconformista [Gnocchi, the Nonconformist] (1975). This film won several international distinctions, including the Best Animated Film award at the International Super 8 Festival in Teheran (Iran, 1976), and the Special Quality prize awarded by the Directorate-General of Cinematography, Madrid (1980). Other major titles include Encuentros [Encounters] (1977) and Pájaro Azul [Blue Bird] (1982), both of which won severral awards. Her animated film Cántico de luz y sombra [Canticle of Light and Shade] (1976) obtained First Prize at the 2nd National Amateur Film Competition of Barcelona (1977) and the Second Jury Prize at the International Super 8 Film Festival in Guadalajara (Mexico, 1981). As a visual artist, Anna Miquel combines her filmmaking and teaching of the animated genre at the University of Barcelona with her painting, which she <www.danielcanogar.com> has exhibited both at home and abroad.

Gnocchi, el inconformista [Gnocchi, the Non-conformist], 1975. Animación. Dibujo, collage y acetato sobre papel milimetrado. Película súper 8, 16 mm y 35 mm. Animation. Drawing, collage and acetate on graph paper. Film in super 8, 16 mm and 35 mm.

Música / Music: Albert Sardá Director de fotografía / Director of photography: Jaume Peracaula (formatos 16 mm y 35 mm) / (16 mm and 35 mm formats) Producida por / Produced by: Josep Mª Forn (formatos 16 mm y 35 mm / 16 mm and 35 mm formats) Con la colaboración de / With the collaboration of:

Corto de dibujos animados en el que se empleó la técnica de dibujos sobre acetato y collage sobre fondos de papel gris milimetrado. La animación narra la historia de un grupo de personajes condenados a caminar dentro de un espacio gris y rutinario, dirigidos por una gran mano dictatorial. El personaje protagonista, es decir, “el inconformista”, se saldrá de la raya para alertar a sus compañeros del peligro de la alienación y de la falta de libertad. Pagará con la muerte su insurrección. Pero tamaña osadía no caerá en saco roto, sino que servirá de ejemplo para que todos los demás se rebelen contra el símbolo de la dictadura.

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This animated short film incorporates drawings on acetate and collages on a background of grey graph paper. It narrates the story of a group of people who, directed by a large dictatorial hand, walk within a confined grey, monotonous space. When the main character, that is, “the nonconformist”, steps out of line to alert his companions to the danger of alienation and the lack of freedom, he pays for his insurrection with death. But his audacity has not been in vain: it becomes an example for all the others to rebel against the symbol of dictatorship.

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Anna Miquel Gnocchi, el inconformista, 1975. Fotogramas de la película. Dibujo sobre acetato y papel milimetrado. Stills from the film. Drawing on acetate and graph paper. © A. Miquel.

Anna Miquel

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Operar sobre la interfaz del cuerpo

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Barcelona, 1970. Formado en la especialidad de realización audiovisual, después de dos años de prácticas profesionales en este sector, se dedica a la animación por ordenador, desde 1990, en el ámbito de la posproducción publicitaria. En 1993, participa en el máster en Imagen de Síntesis y Animación por Ordenador de la Universidad de las Islas Baleares, en el que, fruto de sus inquietudes narrativas, produce The Contact y The Hit, dos cortos de amplia aceptación mundial y merecedores de premios en prestigiosos festivales como Imagina, SIGGRAPH, NICOGRAPH, London Effects & Animation Fesival o Art Futura. Entre 1994 y 1997, realiza Una nit [Una noche] en el Instituto Universitario del Audiovisual de la Universidad Pompeu Fabra, donde también imparte clases de animación por ordenador. Entre 1998 y 2002, produce Mantis como artista residente en la Academia Superior de Arte y Medios, en Colonia. Actualmente trabaja como independiente.

Barcelona, 1970. Jordi Moragues studied Audiovisual Production, an activity he pursued for the first two years of his career. Since 1990 he has focused on computer animation, working in the advertising postproduction field. In 1993 he took an MA in Image Synthesis and Computer-Assisted Animation at the University of the Balearic Islands, where his narrative leanings led him to produce The Contact and The Hit, two short films that gained both international acclaim and a crop of awards at prestigious festivals such as Imagina, SIGGRAPH, NICOGRAPH, the London Effects & Animation Festival and Art Futura. Between 1994 and 1997 he made Una nit [One Night] at the Audiovisual School of the Pompeu Fabra University, where he also taught computer-assisted animation. Between 1998 and 2002, during his period as resident artist at the Academy of Media Arts in Cologne (Germany), he produced Mantis. He currently works freelance.

Jordi Moragues Massanet

<www.danielcanogar.com>

The Hit, 1994. Animación por ordenador, PAL estéreo, 3'28". Computer-assisted animation, PAL stereo, 3'28".

La inocencia es encantadora, refrescante... y transitoria. Un alegre y colorido mazo claudica ante el monótono ritmo de sus fríos y metálicos vecinos. Fue mi proyecto final para el máster de Imagen de Síntesis y Animación por Ordenador de la Universidad de las Islas Baleares. La idea era tan simple y universal, que elegí mostrarla de modo enérgico y atractivo, usando la música y la atmósfera.

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Innocence is charming, refreshing… and fleeting. A cheery, brightly-coloured mallet gives in to the monotonous rhythm of its cold, metallic neighbours. This was my final project for the Master’s in Image Synthesis and Computer-Assisted Animation that I took at the University of the Balearic Islands. The idea was so simple and universal that I decided to convey it as dynamically and appealingly as possible, using music and atmosphere.

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Jordi Moragues Massanet The Hit, 1994. Captura de imágenes de la animación. Screenshots of the animation. © J. Moragues.

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Lugo, 1947. Vive en La Coruña. Cursó estudios de Bellas Artes en Madrid y realizó sus primeras obras en el campo de la pintura y el cine, en películas súper 8. Sus primeros vídeos datan de 1985, y en 1988 empieza a trabajar con imágenes generadas por ordenador. Ha obtenido diversos premios en festivales a lo largo de toda la geografía española (Vitoria, Cádiz, Málaga, Teruel, Ourense, Las Palmas). Ha expuesto en numerosas muestras internacionales (Kassel, La Haya, Osnabrück, Cannes, Sidney, Graz, Berlín, São Paulo, Moscú, Hannover). Su obra figura en diversas colecciones, como Arteleku, Centre d’Art Santa Mónica de Barcelona, La Caixa, MNCARS (Centro de Arte Reina Sofía), Hamaca, CGAC (Centro Galego de Arte Contemporánea). En el año 2007 realizó una exposición individual de videoinstalaciones en el CGAC de Santiago de Compostela.

Ignacio Pardo

Lugo, 1947. Ignacio Pardo lives in La Coruña. He studied Fine Art in Madrid and the first art works he produced were paintings and Super 8 films. His earliest videos date from 1985, and in 1988 he began working with computer-generated images. He has won a variety of awards at festivals around Spain (Vitoria, Cadiz, Malaga, Teruel, Ourense, Las Palmas, etc.), and has presented work at numerous international exhibitions (Kassel, The Hague, Osnabrück, Cannes, Sydney, Graz, Berlin, São Paulo, Moscow, Hannover, and others). His work is represented in the collections of institutions such as Arteleku, the Centre d'Art Santa Mónica in Barcelona, La Caixa, the MNCARS Centro de Arte Reina Sofía, Hamaca, and the CGAC Centro Galego de Arte Contemporánea. In 2007 he held a solo show of video installations at the CGAC in Santiago de Compostela. <www.danielcanogar.com>

Tránsito [Transit], 1988. Vídeo monocanal, 6'20". Mono-channel video, 6'20".

Grabación en Betamax. Recorded on Betamax. Música / Music: Michel Canada.

“Tránsito es, sin duda, la obra más poderosa de la primera etapa en la videografía de Ignacio Pardo. No apta para todos los estómagos ni para las retinas impresionables, encadena una serie de imágenes –a partir de la inicial de un cuerpo yaciente, desnudo e inmóvil– que se funden en la retina como un capricho cruel, y como si fueran a seccionar el globo ocular mismo mediante concatenaciones repulsivas que evocan la muerte, la podredumbre y el suplicio. El artista, en una de sus escuetas sinopsis, describió el asunto de esta pieza como "el último viaje hacia el tránsito definitivo". Y el vídeo, que comienza con el traqueteo de un tren en la banda sonora, regresa en su conclusión a dicha metáfora como el final del trayecto hasta una vía muerta.”

“Tránsito [Transit] is, without any doubt, the most powerful work in Ignacio Pardo’s early video graphic output. Not suitable for all stomachs, nor for impressionable retinas, it contains a chain of images—beginning with a body lying naked and motionless— that merge together on the viewer’s retina like a cruel whim, as if the repulsive links in the chain, with their reminiscences of death, putrefaction and torture, were about to cut right through your eyeball. In one of his brief synopses, the artist described the theme of this work as “the last journey to final death”. And if the video begins with the jolting of a train as its soundtrack, it returns at the end to the same metaphor, with a siding as the final destination.” (Eugeni Bonet)

(Eugeni Bonet)

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Ignacio Pardo Tránsito, 1988. Captura de imagen del vídeo. Screenshot of the video. © I. Pardo.

Ignacio Pardo

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Huelva, 1960. Desde el inicio de su trayectoria creativa, Carmen Sigler ha tratado cuestiones relativas a la percepcción, la representación y la construcción de la imagen de género y de la identidad. Todo ello a través de la utilización de medios como la fotografía, el vídeo, la instalación, así como de las acciones performativas que registra en diversos formatos. El amor, la adolescencia, la soledad y el aislamiento, junto con los arquetipos femeninos y los conceptos tradicionales, como maternidad y familia, son los temas principales, en los que Sigler aborda la búsqueda de una mirada propia, no condicionada por la mirada masculina. En todos estos temas tiene una presencia destacada el cuerpo como lugar para la reflexión sobre el gozo y el dolor, sobre el deseo y su frustración, y para elaborar alegorías de una identidad mudable. Desde 1993, año en que comienza su actividad artística, ha intervenido en diversas exposiciones individuales, tales como Indiferencia es diferencia (1994), La última realidad (1995), Cuerpo (1996), Brûlant d´amour sans object (2001), Cuando se oyen las moscas volar (2003), Victoria, Ana y mamá (2004), De lo imposible a lo posible (2006). Ha participado además en exposiciones colectivas como 100% (1994), Érase una vez de minimal al cabaret 70’s y 90’s (1996), Luces, cámara, acción (…) ¡corten! (1997), Iluminaciones (1999), Bordes inasibles (2000), El bello género, convulsiones y permanencias actuales (2002), Carrera de fondo (2005), Contraseñas: disparos eléctricos (2007), Todo cuanto amé formaba parte de ti (2007), Plano íntimo (2007).

Carmen F. Sigler

Huelva, 1960. Since the outset of her artistic career, Carmen Sigler has dealt with issues concerning the perception, representation and construction of the image of gender and identity, using the media of photography, video, installation and different types of performance. Love, adolescence, loneliness and isolation, plus feminine archetypes and traditional concepts such as maternity and family, are the principal themes through which Sigler addresses the quest for an individual perspective unconditioned by the male perspective. A marked presence in all these themes is the body, both as a space for reflecting about pleasure, pain, desire and frustration, and for creating allegories with a changing identity. Since 1993, the year she embarked on her artistic career, she has held several solo shows, including Indiferencia es diferencia [Indifference Is Indifference] (1994), La última realidad [The Ultimate Reality] (1995), Cuerpo [Body](1996), Brûlant d´amour sans objet (2001), Cuando se oyen las moscas volar [When You Hear Flies Fly] (2003), Victoria, Ana y mamá [Victoria, Ana and Mummy] (2004), and De lo imposible a lo posible [From The Impossible To The Possible] (2006). She has participated in group exhibitions such as 100% (1994), Érase una vez de minimal al cabaret 70’s y 90’s [Once Upon A Time From Minimal To 70s and 90s Cabaret] (1996), Luces, cámara, acción (…) ¡corten! [Lights, Camera, Action (..) Cut!] (1997), Iluminaciones [Illuminations] (1999), Bordes inasibles [Unseizable Edges] (2000), El bello género, convulsiones y permanencias actuales [The Beautiful Gender, Convulsions and Current Permanences] (2002), Carrera de fondo [Long-distance Race] (2005), Contraseñas: disparos eléctricos [Passwords: Electric Shots] (2007), Todo cuanto amé formaba parte de ti [Everything I Loved Was A Part Of You] (2007), and <www.danielcanogar.com> Plano íntimo [Intimate Plane] (2007).

Mamá fuente [Mummy Fountain], 2006. Videoinstalación con monitor de 32" y fotografía 180 x 96 cm. Video installation with a 32" screen and a 180 x 96 cm. photograph.

“La artista como medium de la que emana la obra, la dramatización del cuerpo y de la mirada y, asimismo, la iconografía de tradición cristiana de las Dolorosas que magistralmente representó la pintura barroca. Sobre un fondo negro, la figura frontal y el gesto de abnegado sacrificio posibilitan el milagro que hace que broten del cuerpo de la mujer chorros de agua que simbolizan las virtudes supuestamente propias de toda madre: bondad, paciencia, sumisión, ternura, alegría, consuelo, comprensión, etc. Y de nuevo la elevación, en el sentido de idealización: la imagen en impresión digital se eleva sobre un pequeño monitor de vídeo que reproduce fragmentos de la imagen imposible.” (Mar Villaespesa, Como si fuera feliz de ser infeliz.)

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“The artist as the medium from which the work emanates, the dramatisation of the body and perspective, and the ‘Our Lady of Sorrows’ iconography of the Christian tradition so masterly portrayed in Baroque painting. Against a black background, the figure in the foreground and the gesture of selfless sacrifice give rise to the miracle that enables jets of water to spout from the woman’s body, symbolising the virtues that all mothers supposedly possess: kindness, patience, submissiveness, tenderness, happiness, sympathy, understanding, etc. And again, elevation, in the sense of idealisation, as the digitally printed image is elevated above a small video screen that reproduces fragments of the impossible image.” (Mar Villaespesa, Como si fuera feliz de ser infeliz [As If I Were Happy To Be Unhappy])

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Carmen F. Sigler Mamá fuente, 2006. Fotografía que forma parte de la instalación / Photo forming part of the installation, 180 x 96 cm. © Fotografía / Photo: Francisco L. Rivera/ Transversal, Granada.

Carmen F. Sigler

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524 Begoña Vicario Haragia (Carne humana), 1998. Captura de imágenes del vídeo. Screenshots of the video. © B. Vicario.

Caracas, Venezuela, 1962. Vive y trabaja en Lezama, Vizcaya. Estudió Bellas Artes en la Universidad del País Vasco, y actualmente es profesora en la facultad de Bellas Artes de dicha universidad. En 1993 produjo y realizó su primer corto en 35 mm, Geroztik ere. En 1996, concluyó Pasión por ti y Pregunta por mí, que fue premiada con el Goya al mejor corto de animación. Haragia (Carne humana) es su más reciente trabajo, y hasta la fecha ha acudido a importantes festivales, como Tampere, Toronto, Vancouver y BBC Londres.

Begoña Vicario

Caracas, Venezuela, 1962. Begoña Vicario lives and works in Lezama, Biscay. She studied Fine Arts at the University of the Basque Country and is currently a teacher in the same faculty. In 1993 she made her first 35 mm short film, Geroztik ere. In 1996 she completed Pasión por ti [Passion For You] and Pregunta por mí [Ask For Me], which won a Goya award for the best short animated film. Haragia (Carne humana) [Haragia (Human Flesh)] is her most recent work, and to date she has participated in major festivals such as Tampere, Toronto, Vancouver and BBC London. <www.danielcanogar.com>

Haragia (Carne humana) [Haragia (Human Flesh)], 1998. Película, 35 mm, 12'00". 35 mm film, 12'00".

Haragia (Carne humana) nos sitúa frente a la tragedia de los desaparecidos, víctimas de la injusticia, la violencia, la negación y el olvido. Begoña Vicario viaja hasta un lugar imaginado para retratar sus cuerpos inertes, sus voces. Película sin cámara ni escenario, creada mediante un recuento minucioso de los cuerpos, donde el escáner anota cada pliegue de la piel y lo dibuja sobre la pantalla. Voz, música e imagen componen una pieza que nos introduce en el dolor y la angustia de quienes sufren la pérdida violenta de un cuerpo querido, de su nombre, de su lugar en el mundo.

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Haragia (Carne humana) [Haragia (Human Flesh)] explores the tragedy of the missing, victims of acts of injustice, violence, denial and oblivion. Begoña Vicario travels to an imaginary place to portray their lifeless bodies, their voices. This is a film with neither camera nor setting, created by the meticulous counting of bodies, with the scanner noting every fold of skin and transferring it to the screen. The voices, music and images in this work convey the grief and anguish of those who suffer the violent loss of a loved one, of his name and his place in the world.

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BegoĂąa Vicario

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Leverkusen, Alemania, 1932 – Berlín, 1998. Pintor y artista interdisciplinar. Cursa estudios de arte en Colonia, Wuppertal, Düsseldorf y París. En 1954 descubre el término dé-coll/age, convirtiéndolo en principio crítico y creativo de su producción artística. El dé-coll/age se aplica, inicialmente sobre carteles urbanos desgarrados que el propio artista borra o quema, fiel a una concepción procesual y fenomenológica. Este mismo principio lo induce a suscribir, en 1961, la fórmula “Arte=Vida, Vida=Arte”, parte sustancial de sus realizaciones creativas, especialmente de los happenings —uno de cuyos principales exponentes es, precisamente, Vostell— y de sus acciones y conciertos Fluxus, movimiento en el que colabora como cofundador desde 1962. Fue editor de la revista Dé-coll/age. Bulletin des idées actuelles. Desde finales de la década de 1950, la mayoría de sus happenings y environments generaron gran cantidad de partituras y cuadros-objeto, en los que Vostell utilizó numerosas técnicas, como fotografía sobre tela emulsionada, serigrafía sobre plexiglás o materiales electrónicos. Las imágenes y los objetos representativos de la sociedad en la que vive (televisión, avión, coche, etc.) le sirven de recurso para, desde un enérgico compromiso, denunciar política y socialmente temas como la guerra, la incomunicación, la violencia y el abuso de los medios tecnológicos. Desde 1969, Vostell realiza numerosos betonnages, usando el hormigón como metáfora de opresión y bloqueo. Casado con la extremeña Mercedes Guardado, desde la década de 1970 su vida y creación se vinculan fuertemente a España, donde funda, en 1976, el Museo Vostell Malpartida, en Malpartida de Cáceres, Extremadura. Ha recibido numerosos premios y sus obras han sido expuestas en los museos más importantes del mundo.

Wolf Vostell

Leverkusen, Germany, 1932 – Berlin, 1998. A painter and interdisciplinary artist, he studied art in Cologne, Wuppertal, Düsseldorf and Paris. In 1954 he created the idea of dé-coll/age, turning it into the critical and creative principle of his artistic production. Dé-coll/age was originally applied on torn urban posters, which are then erased or burnt by the artist, as part of a procedural and phenomenological understanding. In 1961 this same principle led him to come up with the formula “Art=Life, Life=Art”, which became an important factor in his creative works, especially in his happenings—a type of event Vostell was considered to be one of the main exponents of—and his Fluxus actions and concerts, a movement he collaborated in as a co-founder from 1962 onwards. He was the publisher of the magazine Dé-coll/age. Bulletin des idées actuelles. Starting in the late 1950s the majority of his happenings and environments generated a large quantity of musical scores and paintingobjects, where Vostell employed various techniques, such as photography on canvas emulsion, silkscreen on Plexiglas or electronic material. The representative images and objects of the society he lived in (television, the airplane, the car, and so on) are resources that, out of a strong social commitment, would enable him to make political and social statement on the issues of war, lack of communication, violence and the abuse of technological media. After 1969 Vostell made numerous betonnages, where concrete was to become a metaphor of oppression and blockade. He was married to a woman from Extremadura, Mercedes Guardado, and from the 1970s on had close ties to Spain, where in 1976 he founded the Museo Vostell Malpartida, in Malpartida, province of Cáceres, Extremadura. He has received numerous awards and his work has been exhibited in <www.danielcanogar.com> some of the world’s most important museums.

TV Rebaño [TV Herd], 1989. Videoperformance, 2'00". Video performance, 2'00".

Cortesía de / Courtesy of: TVE, S.A.

Autor / Artist: Wolf Vostell. Realización / Production: TVE, S.A.

Una pastora desnuda lleva a cuestas un zurrón-televisor que transmite, en circuito cerrado, las imágenes captadas por una cámara de vídeo situada en la cabeza del carnero del rebaño. Esta acción Fluxus se realizó en el mes de julio de 1989 en una finca de Malpartida de Cáceres, Extremadura. La encargó y produjo Televisión Española para ser incluida en el capítulo de la serie El arte del vídeo dedicado a la performance. Vostell propone una metáfora cruel del medio, de la condición de las audiencias masivas y el círculo cerrado que se crea entre emisor y audiencia. El producto del medio, las imágenes, constituyen para Vostell la carnaza que alimenta, a su vez, a los guardianes y dueños del sistema.

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A naked female shepherd carries on her back a sack-television that transmits the images taken by a video camera placed on the head of the herd’s lead male in closed circuit. This Fluxus action was done in July 1989 at a farm in Malpartida, province of Caceres, Extremadura, and was commissioned and produced by Televisión Española to be included in the series The Art of Video, which was dedicated to performance. Vostell proposes a cruel metaphor of the medium, with the condition of mass audiences and the closed circuit set up between the emitter and the audience. The product of the medium, the images, constitute for Vostell the violent situation that at the same time feeds the system controlled by guardians and bosses.

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Wolf Vostell TV Rebaño, 1989. Captura de imágenes de la videoperformance. Screenshots of the video performance. © TVE, S.A. & Wolf Vostell.

Wolf Vostell

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Operar sobre la interfaz del cuerpo

Acting on the Body’s Interface

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Julián Álvarez García Maite Cajaraville Salvador Dalí & José Montes-Baquer Pep Dardanyà Lluís Escartín Joan Fontcuberta Marisa González Miquel Jordà Iván Marino Enrique Marty Miralda Muntadas Thomas Nölle Joan Rabascall Francisco Ruiz de Infante Francesc Torres Eulàlia Valldosera

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Presentación Introduction

La noción de realidad se basa en qué y en cómo se observa. Con los nuevos medios, la sustitución de la experiencia in situ por imágenes de repertorio de la “realidad” en la pantalla es un fenómeno cada vez más extendido. Los seres humanos no vivimos hoy exclusivamente “en” el mundo, ni “en” el lenguaje, sino sobre todo “en” las imágenes que generamos y que nos proporcionan los medios técnicos y mediáticos. Ficción y realidad se fusionan de forma tácita. Este proceso favorece la instauración del hedonismo y su ética lúdica, que desarman el sentido de justicia o igualdad. Los artistas reunidos en este módulo abordan esas cuestiones en sus obras desde las perspectivas de la microestructura individual o familiar —–en la que los individuos construyen realidades paralelas—– y del espacio público o los mass media, donde se establecen consensos y enfrentamientos acerca de la explicación de la realidad.

Operar sobre la interfaz de la realidad

Acting on the Reality Interface The notion of reality depends on what is observed and how it is observed. New media are increasingly replacing the in situ experience of reality with prefabricated images of this “reality” on a screen. We humans no longer live exclusively “in” the world or express ourselves “in” language but “in” images: in the images we make and in the images that we receive through technical media. Fiction and reality are fused together. This process encourages hedonism and funmorality, which debilitate any sense of justice and equality. The artists in this section tackle these questions in their work from the perspective of the individual and also of the family (where individuals forge parallel realities). Others make reference to public space or the mass media, where consensus or confrontations arise about the explanation of reality.

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León, 1950. Reside en Barcelona desde 1975. Es titulado en Dirección y Producción Cinematográfica (London Film Academy, 1974). Realiza estudios de Cinematografía (Escola d’Estudis Artistics. Hospitalet de Llobregat, 1975–1977) y de vídeo/tv (Escuela Superior de Arte Dramático, CIPLA. Barcelona, 1978–1980). Promotor y organizador (1983–1986) de la Mostra de Videos Realizats a Barcelona a l’Entorn de l’Art, la Música i la Realitat (Mostra de Videocreació de Catalunya). Organizador, entre otras, de la Muestra de Vídeos Brasileños (1985) y Muestra de Vídeos Italianos (1986). Organiza y dirige el Primer Concurso de Cámaraa-mano y la muestra Del cine-ojo al video-yo (1987). Estrena en el Mercat de les Flors (Barcelona, 1988) el espectáculo El ring. Expone Boxiana en la Galería de Arte La Pedrera (Barcelona, 1988), que incluye vídeos, pinturas y videoinstalación. Como creador, su trayectoria arranca en 1979 con Bellvitge, Bellvitge. Desde entonces ha realizado más de sesenta obras (vídeocine y multimedia). Algunos de sus últimos trabajos se enmarcan dentro del nuevo género videográfico que ha denominado egoMOVIES. Ha participado en la mayoría de certámenes y muestras de vídeo nacionales e internacionales, habiendo sido premiado en una veintena de ocasiones. Como articulista y ensayista, ha colaborado en diversas revistas especializadas. Actualmente dirige la Escuela de Vídeo-Cine-TV, 3D & Multimedia del IDEP (Barcelona), actividad que simultanea con la de autor-productor independiente de obra propia en vídeo, cine y soportes interactivos (net art, CD-ROM, DVD).

Julián Álvarez García

León, 1950. Álvarez has lived in Barcelona since 1975. He studied Film Direction and Production at the London Film Academy, graduating in 1974. Between 1975 and 1977 he studied Cinematography at the Escola d’Estudis Artistics, Hospitalet de Llobregat, and, between 1978 and 1980, Television and Video studies at the Escuela Superior de Arte Dramático, CIPLA, Barcelona. He was the promoter and organiser (1983–1986) of the Mostra de Videos Realizats a Barcelona a l’Entorn de l’Art, la Música i la Realitat (Video Art Festival of Catalonia), and amongst other events organised the Brazilian Videos Exhibition (1985) and the Italian Videos Exhibition (1986). He also organised and directed the First Camera-in-Hand Competition and the From The Film-Eye to the Video-I Festival (1987). In 1988 his show El ring [The Ring] received its debut at the Mercat de les Flors (Barcelona). That same year, he exhibited Boxiana, which includes videos, paintings and video installation, at the La Pedrera Art Gallery (Barcelona). His career as a creator commenced in 1979 with Bellvitge, Bellvitge. Since then, he has made over 60 film, video and multimedia works. Several of his most recent projects belong to the new videographic genre known as egoMOVIES. He has participated in most of the major national and international video competitions and festivals, and has won awards on around 20 occasions. He has written articles and essays for a variety of specialist journals. He is currently the director of the IDEP School of Film, Video, TV, 3D & Multimedia (Barcelona), an activity that he combines with writing and independently producing his own videos, films and <www.danielcanogar.com> interactive media (net art, CD-ROM, DVD).

El ring [The Ring], 1989. Vídeo monocanal, Betacam SP, 12'00". Mono-channel video, Betacam SP, 12'00".

Colección MEIAC. MEIAC Collection.

Dos hombres se enfrentan en el espacio acotado de un ring. Se superponen las reflexiones de una masajista-aficionadaal-boxeo. Ambos llevan acoplada en la mano derecha una mini-cámara de video. El combate —figurado— es intermitentemente “interceptado” por imágenes reales de boxeo. Cada uno de los asaltos expresa una estrategia frente al adversario. Video-danza a partir de la “puestaen-escena” del espectáculo El ring (Mercat de les Flors. Barcelona, 1988), de Julián Álvarez. Tanto el directo (60’) como el vídeo monocanal (12’) representan experiencias pioneras y novedosas de integración (intermedia) de danza, vídeo y monólogo teatral.

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Two men confront each other within the confines of a boxing ring, while a boxingenthusiast masseuse makes a series of reflections. Attached to each man’s right hand is a tiny video camera. The simulated fight is intermittently “intercepted” by real boxing images. Each round expresses a particular strategy used against the opponent. A video-dance based on the “mise-enscène” of the show El ring [The Ring] (Mercat de les Flors. Barcelona, 1988), by Julián Álvarez. Both the live show (60’) and the mono-channel video (12’) represent pioneering, novel (cross-media) experiences integrating dance, video and theatrical monologue.t

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Julián Álvarez García El ring, 1989. Foto / Photo: Imanol Sistiaga. © J. Álvarez.

Julián Álvarez García

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Operar sobre la interfaz de la realidad

Acting on the reality interface

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Llerena, Badajoz, 1967. Máster en Teoría y Práctica del Arte Contemporáneo (MFA) por la Universidad Complutense de Madrid y diplomada en Informática (Madrid, 1991–1993), completa su formación multidisciplinar en la Städelschule für Bildende Kunst, Fráncfort, Alemania (1993–1996), bajo la tutela de los profesores Peter Weibel y Thomas Bayrle, especializándose en arte interdisciplinar, videocreación y arte digital. Entre sus exposiciones destacan La nadadora en el MEIAC; The (UN)Real Site, en el Palacio Real de Aranjuez, Madrid, BerlinFest, Berlin; ISIS-Symmetry, Washington DC; New Europe, Bienal de Venecia, La Zitella; Flux of Influences, Haus der Kulturen der Welt, Berlin; UPDATE, Copenhague; V Cyberconf, Fundación Arte y Tecnología, Telefónica, Madrid; Festival de Música Avanzada Sónar, Museo Arte Contemporáneo de Barcelona, Barcelona; Art Futura, Círculo de Bellas Artes, Madrid; Hannover 2000, Hannover; Mad’01, Madrid; Mediarama, Sevilla; Todo fluye: Infografía española, Centro de Arte Reina Sofía, Madrid. Ha colaborado en la sección de Actualidad del ABC y en revistas como Netconexion. Ha comisariado el festival Body and Sexuality, en el Film Museum de Fráncfort y Mediarama, Festival de Arte y Nuevas Tecnologías, en el CAAC de Sevilla. Maite Cajaraville ha impartido conferencias en el Instituto Goethe, en el Festival de Música Avanzada Sónar, en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, en el festival Atlántico, Lisboa (Centro Cultural de Belém), en la Universidad de Málaga y en el Institut Europeo de Disseny, entre otras instituciones.

Maite Cajaraville

Llerena, Badajoz, 1967. Master of Fine Arts in Contemporary Art Theory and Practice from the Universidad Complutense de Madrid. Graduate degree in Computing (Madrid, 1991-93). She completed her multidisciplinary training at the Städelschule für Bildende Kunst in Frankfurt, Germany (1993-96) under the guidance of the artists and teachers Peter Weibel and Thomas Bayrle, specialising in interdisciplinary art, video-creation and digital art. Among her most outstanding exhibitions are: La Nadadora [The Swimmer] at MEIAC; The (UN)Real Site, at the Palacio Real in Aranjuez, Madrid; BerlinFest, Berlin; ISIS-Symmetry, Washington DC; New Europe, Venice Biennial, La Zitella; Flux of Influences, Haus der Kulturen der Welt, Berlin; UPDATE, Copenhagen; V Cyberconf, Fundación Arte y Tecnología, Telefónica, Madrid; Advanced Music Festival Sónar, Museo Arte Contemporáneo de Barcelona; Art Futura, Círculo de Bellas Artes, Madrid; Hannover 2000, Hannover; Mad’01, Madrid; Mediarama, Seville; Todo fluye: Infografía española [Everything Flows: Spanish Infography], Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid. She has written articles in the current affairs section of the national newspaper ABC, and in magazines such as Netconexion. She curated the experimental film festival Body and Sexuality, at the Film Museum in Frankfurt am Main (Germany) and Mediarama, the art and new technologies festival at the Andalusian Centre of Contemporary Art CAAC in Seville. Maite Cajaraville has also given talks at a number of institutions, such as the Instituto Goethe, the advanced music festival Sónar, the MACBA in Barcelona, the Círculo de Bellas Artes in Madrid, the Atlantic Festival in Lisbon (Belém Cultural Center), the University of Malaga, and the Institut Europeo de Disseny. <www.maitecajaraville.org>

IA. Inocencia artificial [AI. Artificial Innocence], 2001. Vídeo monocanal, 2'10". Mono-channel video, 2'10".

En un pseudo-mundo cibernético se presentan tres personajes en una playa paradisíaca, símbolo de la “sociedad del bienestar”. La ruptura comienza en el horizonte, más allá de la línea del mar, lejos. En el paisaje diurno entran elementos extraños: unos aviones que realizan una coreografía, el estallido de misiles de alta tecnología… Nuestros personajes hacen caso omiso de estos trastornos. Nada puede traspasar su “inocencia” instalada en el fuerte sentimiento acomodaticio de la sociedad occidental. Tanto el cambio climático como el nuevo terrorismo están subvirtiendo estos términos.

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In a pseudo-world cybernetic, three characters are viewed on a heavenly beach, the symbol of the “welfare state”. The interruption begins on the horizon, beyond the line of the sea, very far away. The daytime landscape is invaded by a series of strange elements—aeroplanes performing a choreography, high-tech missiles exploding—but the characters pay no attention to these disturbances. Nothing can penetrate their “innocence”, founded on the deeplyrooted easygoing nature of western society. But climate change and the new terrorism are subverting these terms.

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Maite Cajaraville IA. Inocencia artificial, 2001. Captura de imágenes del vídeo. Screenshots of the video. © M. Cajaraville.

Maite Cajaraville

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Operar sobre la interfaz de la realidad

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Barcelona, 1935. José Montes-Baquer cursa estudios de música en los conservatorios de Barcelona y Valencia (violonchelo), y de Musicología y Sociología de la Música en Múnich. A partir de 1962, desarrolla actividades de producción y redacción de programas musicales en radio y televisión (BBC de Londres, Bayerischen Rundfunk de Múnich, TVE de Madrid). En 1966, trabaja como productor de discos para la CBS de Fráncfort y un año después recibe el Premio Ondas por la colección discográfica Los viajes del joven Mozart. Desde 1967 y hasta 1999 trabaja como redactor y realizador en el Departamento de Música de la Televisión de Colonia WDR, del que es nombrado director en 1989. A partir de 1970, orienta su trabajo hacia el cine y la televisión en busca de formatos genuinos de los medios electrónicos y de una nueva estética audiovisual apropiada a la expresión artística y musical. Ha realizado más de treinta documentales, habiendo trabajado con personalidades tales como Maurice Béjart, Roland Petit, Ustinov, Piazzolla, Stockhausen, Paul Bowles, Barenboim, etc. Sus “composiciones audiovisuales” o “videografías” —como él define parte de su producción— mantienen el fuerte vínculo con la música, combinando diferentes lenguajes y géneros. Un surrealista y a la vez productivo encuentro en Nueva York con Salvador Dalí, en 1974, lo lleva a dirigir la película del pintor, Impressions de la Haute Mongolie. Hommage à Raymond Roussel (1974–1975), con la que obtiene el Premio Grimme en Alemania (1976) y la Máscara de oro (primer premio) de la Academia Británica de Film y Televisión BAFTA (1976). Entre otros muchos galardones recibidos a lo largo de su carrera, merecen mencionarse el premio del Festival Internacional de Praga (1978); los premios Ondas por El meteorito (1979) y Bachianas Brasileiras (1980); el primer premio del Wildescreen Festival de Amsterdam (1995); el primer premio del Festival High Definition de Tokio (1998).

Salvador Dalí José Montes-Baquer

Barcelona, 1935. José Montes-Baquer studied music (cello) at the conservatories in Barcelona and Valencia, and Musicology and the Sociology of Music in Munich. In 1962 he began producing and writing music programmes for radio and television (the BBC in London, Bayerischen Rundfunk in Munich, and TVE in Madrid). In 1966 he moved into the field of record production, working for CBS in Frankfurt, and a year later he was awarded the Ondas prize for the record collection Los viajes del joven Mozart [The Travels of the Young Mozart]. From 1967 until 1999 he worked as a writer and producer in the Music Department of WDR Television in Cologne, being appointed as head of the department in 1989. In 1970 he began to focus on film and television in his quest for authentic formats within the electronic media and a new audiovisual aesthetic more in keeping with artistic and musical expression. He has made more than 30 documentaries and has worked with key figures such as Maurice Béjart, Roland Petit, Ustinov, Piazzolla, Stockhausen, Paul Bowles, Barenboim, etc. His “audiovisual compositions” or “video graphics”—as he defines part of his output—have a strong musical link while combining different idioms and genres. A surrealistic and simultaneously productive meeting with Salvador Dalí in New York in 1974 resulted in him directing the painter’s film, Impressions de la Haute Mongolie. Hommage à Raymond Roussel (1974–1975), which won the Grimme prize in Germany (1976) and the Golden Mask (First Prize) at the BAFTA British Film and Television Awards (1976). Of the numerous distinctions he has received throughout his career, the most noted are as follows: First Prize (the Golden Mask) at the BAFTA British Academy Film and Television Awards (1976); the Prague International Festival Prize (1978); Ondas prizes for <www.danielcanogar.com> El meteorito [The Meteorite] (1979) and Bachianas Brasileiras [Brazilian Bacchae] (1980); First Prize at the Wildscreen Festival in Amsterdam (1995); and First Prize at the High Definition Festival in Tokyo (1998).

Impressions de la Haute Mongolie. Hommage à Raymond Roussel [Impressions of Upper Mongolia. Hommage to Raymond Roussel], 1974–1975. Película. Formato electrónico 2 pulgadas a partir de 35 mm y súper 16 mm, 48'16". Film, 2-inch electronic format based on 35 mm and Super 16 mm, 48'16". Dirección / Direction: José Montes-Baquer. Producción / Production: Mandred Gräter, Frithjof Zeidler. Cámara / Camera work: Bodo Kessler. Laboratorio / Laboratory: Geyer Werke GmbH, Hamburgo / Hamburg. © Polyphon Film- und Fernsehgesellschaft mbH.

Una película de Salvador Dalí y José Montes-Baquer

A film by Salvador Dalí and José Montes-Baquer. “Es una película verdaderamente insólita, ya que no puede compararse con ningún tipo de fílm de los hasta ahora conocidos. En realidad, se trata de una ‘composición audiovisual’. [...] Título y subtítulo proceden del propio Salvador Dalí, quien añadía que el homenaje a Raymond Roussel era una clave importante para la comprensión de una buena parte de su propia obra.” 1

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“It is a genuinely unusual film defying comparison with all the known types of film. In actual fact, it is an “audiovisual composition”. [...] The title and subtitle were conceived by Salvador Dalí himself, who added that the hommage to Raymond Roussel was an important key to understanding much of his own work. 1

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Salvador Dalí / José Montes-Baquer Impressions de la Haute Mongolie. Hommage à Raymond Roussel, 1974–1975. Fotograma de la película. Still from the film. © Polyphon Film- und Fernsehgesellschaft mbH.

“Dalí manifestó su intención de pintar sobre algunas de las imágenes congeladas del film a fin de hacer surgir los rasgos fundamentales de una historia que él improvisaría hablando sobre las imágenes. Y precisamente sobre estas imágenes, en parte abstractas, Dalí hace surgir la fábula de una princesa de la Mongolia, quien en tiempos ancestrales, y para hacer frente a una gran epidemia de hambre, suministra a sus súbditos los polvos alucinógenos extraídos de un champiñón gigante.” 2

José Montes-Baquer

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“Dalí expressed his intention of painting over some of the frozen images in the film in order to highlight the main features of a story that he would improvise while speaking over the images. And indeed it is precisely over these partly abstract images that Dalí narrates the fable of a Mongolian princess who in ancient times solved widespread famine by supplying her subjects with hallucinatory powder obtained from a giant mushroom.” 2

1

José Montes-Baquer, “Impressions de la Haute Mongolie. Hommage a Raymond Roussel”, conferencia pronunciada en la Universidad Rovira i Virgili de Tarragona con motivo del centenario de Salvador Dalí, 7 de julio de 2004. Manuscrito no editado, p. 1. José Montes-Baquer, “Impressions de la Haute Mongolie. Hommage a Raymond Roussel”, talk given at the Universidad Rovira i Virgili in Tarragona to mark the centenary of Salvador Dalí’s birth, 7 July 2004. Unpublished manuscript, p. 1.

2

Op. cit., pp. 35-36.

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Caldes d’Estrac, Barcelona, 1961. Pep Dardanyà es artista visual y antropólogo. Ha participado en proyectos internacionales de arte en el espacio público: Winfall 91 en Glasgow, Escocia; Druckwerk en Bremen, Alemania; Back to Paradise en Peterborough, Canadá; Kunst&Zwalm en Zwalm, Bélgica. Ha intervenido en numerosas exposiciones colectivas, entre ellas: La còpia infidel (La copia infiel), La Capella, Barcelona; Bienal de Jovens criadores da Europa e do Mediterrâneo, Lisboa, Portugal; El cor de les tenebres (El corazón de las tinieblas), La Virreina, Barcelona y CAAM de Las Palmas de Gran Canaria; Indivisuals, Mendel Art Galery, Saskatoon, Canadá, y en la Fundación Tàpies, Barcelona; Lladres de cossos (Ladrones de cuerpos), Metrònom, Barcelona. Ha expuesto individualmente en la Fundación Espais d’Art Contemporani de Girona, en la Galería 44 de Barcelona y en la Galería Visor de Valencia. Profesor en el Máster de Comisariado en el MECAD/ESDI y Antropología en la Escuela Elisava de Barcelona. Cofundador de la empresa TAT. Espacios para la cultura, empresa dedicada al diseño, la producción y el montaje de exposiciones. Actualmente es director de Can Xalant, centro de creación y pensamiento contemporáneo de Mataró, España.

Pep Dardanyà

Caldes d’Estrac, Barcelona, 1961. Pep Dardanya is a visual artist and anthropologist. He has participated in the following international public art projects: Winfall 91 in Glasgow, Scotland; Druckwerk in Bremen, Germany; Back to Paradise in Peterborough, Canada; and Kunst&Zwalm in Zwalm, Belgium. He has exhibited in numerous group shows, including the following: La còpia infidel, La Capella, Barcelona; Bienal de Jovens criadores da Europa e do Mediterrâneo, Lisbon, Portugal; El cor de les tenebres, La Virreina, Barcelona and CAAM in Las Palmas, Gran Canaria; Indivisuals, Mendel Art Gallery, Saskatoon, Canada and in the Fundació Tàpies, Barcelona; and Lladres de cossos, Metrònom, Barcelona. He has exhibited individually at Fundació Espais d’Art Contemporani in Girona, at Galería 44 in Barcelona and at Galería Visor in Valencia. He teaches on the Master’s course in Curatorship at the MECAD/ESDI School, and also teaches anthropology at the Elisava School in Barcelona. He is the co-founder of the company TAT. Cultural Spaces, which designs, produces and installs exhibitions. At present he is the director of Can Xalant, a centre of creation and contemporary thinking in Mataró, Spain. <www.pepdardanya.com>

Transpam, 2007. Videoinstalación de 2 canales, dimensión variable. Two-channel video installation, dimension variable.

Intérpretes / Performers: Babou Chan, Pep Dardanya. Edición / Editing: Rafa Ruiz. Colaboración / Collaboration: Can Xalant. Centro de Creación y Pensamiento Contemporáneo de Mataró.

¿Cómo construimos imaginarios a partir de promesas imposibles? ¿Qué impacto tienen en estas construcciones las nuevas tecnologías? ¿Qué papel cumple en este contexto el correo electrónico no deseado? Los spams procedentes de África inciden en la capacidad de ganar dinero rápida y fácilmente, hurgando en la vanidad del opulento mundo occidental. Éste, por el contrario, propone la posibilidad de aprovecharse de las oportunidades que ofrece el estado del bienestar. Convertidos en documentos audiovisuales, los spams se proyectan en dos monitores enfrentados en el espacio de exposición. Se entrecruzan ideas sobre el deseo, el talento, el trabajo, el dinero y la dignidad.

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How do we construct imageries based on impossible promises? How do new technologies impact on these constructions? What role does spam play in this context? Spam from Africa is all about the capacity to earn fast, easy money, and as such plays on the vanity of the affluent west. Meanwhile, the welfare state in this western world presents numerous opportunities, there for the taking. Spam emails converted into audiovisual documents are projected onto two facing monitors in the exhibition space, offering a mixed array of ideas about desire, talent, work, money and dignity.

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Pep Dardanyà Transpam, 2007. Captura de imágenes del vídeo. Screenshots of the video. © P. Dardanyà & Vegap.

Pep Dardanyà

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Barcelona, 1966. Fotógrafo errante y poeta cineasta, fundador de El Armadillo Productions en Nueva York, Lluís Escartín ha pasado de asistente de Jonas Mekas en el Anthology Film Archives a conservador de fotografía y celuloides en la selva chiapaneca, y posteriormente a regidor del festival OVNI en Barcelona. Entre muchas otras cosas, es, en todas sus encarnaciones, un observador del mundo con compromiso poético. Autor, entre otros, de 75 Drive-a-Way, 1991; Path of the Bees, 1999; Mohave Cruising, 2000; Amor, 2001; Texas Sunrise, 2002; Terra Incognita, 2005; Nescafé Dakar, 2008. Sus filmes, exhibidos en museos y festivales de cine en más de veinte países, han ganado diversos premios internacionales. Su obra es una composición sin partitura, una obra que rompe con los formulismos de la videocreación local. Atraviesa la dolorosa experiencia de la búsqueda de la autenticidad: ese compromiso analítico de tender a hacer visible lo que, obstinadamente, la sociedad hace invisible.

Lluís Escartín

Barcelona, 1966. An errant photographer and filmmaking poet, and the founder of El Armadillo Productions in New York, Lluís Escartín started out as an assistant to Jonas Mekas at the Anthology Film Archives before becoming the curator of photography and film in the Chiapa jungle, and then moving on to direct the OVNI Festival in Barcelona. In all of his incarnations he is, amongst many other things, an observer of the world with a commitment to poetry. He is the author of the following works: 75 Drive-aWay, 1991; Path of the Bees, 1999; Mohave Cruising, 2000; Amor [Love], 2001; Texas Sunrise, 2002; Terra Incognita [Land Unknown], 2005; Nescafé Dakar, 2008, and others. His films have been screened at museums and film festivals in over 20 countries, and have attracted a variety of international awards. His work is a composition without the music score, a departure from the formulas of local video creation. It transcends the painful experience of the search for authenticity. It is the analytical commitment <www.danielcanogar.com> to reveal what society obstinately tries to conceal.

Texas Sunrise, 2002. Vídeo monocanal, 17'20". Mono-channel video, 17'20".

Texas Sunrise experimenta con el lenguaje cinematográfico no lineal, provocando un discurso crítico en el que la confrontación entre sonido e imagen crea una obra tan sencilla y compleja como poética y política. Ha sido galardonado con el premio José Val del Omar del Festival Internacional de Cine Experimental de Granada.

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Texas Sunrise experiments with non-linear film language to create a critical discourse in which the confrontation between sound and image generates a work that is as simple and complex as it is poetic and political. The work was awarded the José Val del Omar Prize at the International Festival of Experimental Cinema of Granada, Spain.

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Lluís Escartín Texas Sunrise, 2002. Captura de imágenes del vídeo. Screenshots of the video. © L. Escartín.

Lluís Escartín

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Barcelona, 1955. Inició su actividad artística mientras cursaba estudios de Ciencias de la Información en la Universidad Autónoma de Barcelona. Ha tenido una intensa experiencia profesional en el ámbito de la publicidad, del periodismo y de la docencia. En la actualidad enseña en los Estudios de Comunicación Audiovisual de la Universitat Pompeu Fabra (Barcelona), y recientemente ha sido profesor invitado en el Department of Visual & Environmental Studies de la Harvard University de Cambridge, Massachusetts, Estados Unidos (2003-2004); en la School of Art, Media & Design, University of Wales, Newport, Reino Unido (2005-2006); y en Le Fresnoy, Centre National des Arts Contemporains de Turcoing, Francia (2006-2007). Colabora con asiduidad en publicaciones especializadas en arte e imagen, y en 1980 cofundó la revista Photovision. Ha realizado exposiciones individuales en The George Eastman House (Rochester, 1985), Folkwang Museum (Essen, 1987), MoMA (Nueva York, 1988), The Photographers’ Gallery (Londres, 1988), MIT (Cambridge, 1988), Art Institute (Chicago, 1990), IVAM (Valencia, 1992), Museum Rupertinum (Salzburgo, 1995), Fundación Arte y Tecnología (Madrid, 1997), MNAC (Barcelona, 1999), Museum of Fine Arts (Fukui, Japón), MUA (Alicante, 2001), Palazzo delle Esposizioni (Roma, 2001), ARTIUM (Vitoria, 2003), Aperture Foundation (Nueva York, 2006), Australian Center of Photography (Sidney, 2007). Su obra ha sido adquirida por colecciones públicas como las del Musée d’Art Moderne – Centre Georges Pompidou, Paris; Metropolitan Museum of Art, Nueva York; Museum of Modern Art, Nueva York; Museum of Modern Art, San Francisco; The Art Institute, Chicago; National Gallery of Art, Ottawa; IVAM, Valencia; MACBA, Barcelona.

Joan Fontcuberta

Barcelona, 1955. Joan Fontcuberta embarked on his artistic activity while still a student of Information Sciences at the Autonomous University of Barcelona. He has worked extensively in the fields of advertising, journalism and teaching. Currently, he teaches Audiovisual Communication Studies at the Universitat Pompeu Fabra (Barcelona) and has been a guest lecturer at the following institutions: Department of Visual & Environmental Studies at Harvard University, Cambridge, Massachusetts, United States (2003-04); School of Art, Media & Design, University of Wales, Newport, (2005-06); and Le Fresnoy, Centre National des Arts Contemporains in Tourcoing, France (2006-07). He regularly writes articles for art and image journals, and in 1980 he co-founded the magazine Photovision. He has held solo shows of his artistic work at the following institutions, amongst others: the George Eastman House (Rochester, 1985), the Folkwang Museum (Essen, 1987), MoMA (New York, 1988), The Photographers’ Gallery (London, 1988), MIT (Cambridge, 1988), The Art Institute (Chicago, 1990), IVAM (Valencian Institute of Modern Art, Valencia, 1992), the Museum Rupertinum (Salzburg, 1995), the Fundación Arte y Tecnología (Madrid, 1997), MNAC (National Museum of Art of Catalonia, Barcelona, 1999), the Museum of Fine Arts (Fukui, Japan), MUA (Museum of the University of Alicante, Alicante, 2001), the Palazzo delle Esposizioni (Rome, 2001), ARTIUM (Vitoria, 2003), the Aperture Foundation (New York, 2006), the Australian Centre of Photography (Sydney, 2007). His work features in major public collections such as those of the Musée d’Art Moderne – Centre Georges Pompidou, Paris; the Metropolitan Museum of Art, New York; the Museum of Modern Art, New York; the San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco; the Art Institute, Chicago; the National Gallery of Art, Ottawa; IVAM, Valencia; MACBA (Museum of Contemporary Art of Barcelona), Barcelona.

<www.fontcuberta.com>

Zoography, 1994. Instalación audiovisual. Audiovisual installation.

“El 10 de febrero de 1994 viajaba de Múnich a Salónica. Al cabo de unos minutos de vuelo el comandante indicó por megafonía que sobrevolábamos Sarajevo. Miré por la ventanilla: sólo un plácido mar de nubes ajeno a la barbarie que se desarrollaba debajo. Esta paradoja me impulsó a hacer un trabajo que evocase la necesidad de una experiencia más allá de las apariencias. En Canarias sigue viva la tradición de las peleas de gallos. En un viaje a Las Palmas planteé el simulacro de un combate. La gallera se situó sobre papel fotográfico virgen. A un gallo se le sumergieron las patas en revelador; al otro, en fijador. Al evolucionar sobre el papel, uno dejó sus huellas en tonos oscuros; el otro, en tonos claros. Por encima de la impresión superficial se halla la caligrafía de la lucha y de la violencia, de la confrontación de fuerzas, de las estrategias de los contendientes. No se trata tanto de una descripción de la riña como de su propio rastro, su registro físico. ¿No es eso precisamente lo que llamamos un ‘documento’?” (Joan Fontcuberta, julio de 1994).

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“On 10 February 1994 I was on a flight from Munich to Salonica. A few minutes after we were airborne, the pilot announced over the loudspeaker that we were flying over Sarajevo. I looked out of the window: just a calm sea of clouds totally remote from the savagery going on below. This paradox inspired me to create a work that would suggest the need for an experience beyond appearances. In the Canaries, the cockfighting tradition still lives on. On a trip to Las Palmas, I staged a mock fight. The cockpit was placed on unexposed photographic paper. One cock had its legs submerged in developer, the other in fixer. As they moved across the paper, one left dark-coloured prints, the other light-coloured prints. Beyond the superficial impression lies the calligraphy of battle and violence, the confrontation of different powers, the strategies of the contenders. The result is not so much a description of the cockfight as its very trace, its physical register. Isn’t this precisely what we call a ‘document’?” (Joan Fontcuberta, July 1994)

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Joan Fontcuberta Zoography, 1994. Hojas de otoño cayendo sobre el río Miljacka [Autumn Leaves Falling on the Miljacka River], huellas de contacto, marcas y rasgaduras originadas durante la pelea de gallos / Prints, marks and scratches produced during the cockfight. © J. Fontcuberta & Vegap.

Joan Fontcuberta Zoography, 1994. Capturas de imágenes del vídeo. Screenshots of the video. © J. Fontcuberta & Vegap.

Joan Fontcuberta

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Bilbao, 1945. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Madrid, máster en el Art Institute de Chicago, en el Departamento de Sistemas Generativos con Sonia Sheridan, y graduada en un BFA (Bachelor of Fine Arts) en la Corcoran School of Art, Washington, 1976. Es una de las artistas pioneras en la aplicación de las nuevas tecnologías de la reproducción y la comunicación en la creación. Toda su trayectoria artística está marcada por la relación sistemática con las tecnologías en continuo cambio de la sociedad contemporánea: desde sus primeros trabajos con fotocopiadoras y fotografías a principios de la década de 1970, posteriormente con faxes, y después con ordenadores y vídeo. En la simbiosis entre el arte y la tecnología, y recurriendo al método del ensamblaje de diferentes técnicas, Marisa González ha generado y codificado, además, un nuevo lenguaje. La reproducción o generación de la forma y la repetición como valores emblemáticos de lo contemporáneo están presentes en toda su trayectoria. Hay tres constantes en su trabajo: la utilización de la tecnología, la conciencia social y el reciclado. Entre las numerosas exposiciones realizadas en Europa y los Estados Unidos, cabe destacar las muestras individuales La Fábrica, en la Fundación Telefónica de Madrid, en el año 2000, y La central nuclear de Lemóniz, 2004, en el CAB, Centro de Arte Caja Burgos. Publica artículos, dirige talleres, participa en conferencias, seminarios y congresos sobre nuevas tecnologías. Ha realizado más de cincuenta exposiciones individuales y ha participado en ciento cincuenta colectivas.

Marisa González

Bilbao, 1945. She studied Fine Art at the University of Madrid, obtained a Master’s degree from the Art Institute of Chicago, where she studied with Sonia Sheridan in the Generative Systems Department, and graduated with a Bachelor of Fine Arts degree from the Corcoran School of Art, Washington, in 1976. González is one of the pioneering artists in the application of new technologies to reproduction and communication in artistic creation. Throughout her career she has focused on the systematic relationship with constantly evolving technologies in contemporary society: from her early works with photocopiers and photography at the beginning of the 1970s, then with faxes, and subsequently with computers and video. In this symbiosis between art and technology, and resorting to the assembly of different techniques, she has not only created but also codified a new language of expression. The reproduction or generation of form and repetition as emblematic values of contemporary society have been central to her work throughout. There are three crucial topics in her work: the use of technology, social awareness and recycling. She has held numerous exhibitions in Europe and the United States, including the solo exhibitions La Fábrica at the Fundación Telefónica in Madrid in 2000, and La central nuclear de Lemóniz, held in 2004 at the CAB, Centro de Arte Caja Burgos, Spain. She publishes articles, directs workshops, and participates in lectures, seminars and conferences on new technologies. She has held over 50 solo shows and participated in 150 group exhibitions. <www.marisagonzalez.com>

Controles de seguridad [Security Controls], 2004. Seis cajas de luz.

Las “señales de alarma” de esta instalación son objetos rescatados del desmantelamiento

Six lightboxes.

y la destrucción del centro de control de la central nuclear de Lemóniz, que alertaban acerca de los posibles fallos en la central, incluso con las extremas medidas de seguridad de la planta: fallo en el suministro de aire, fallo general de motores, alta radiación, etc. La sociedad contemporánea evoluciona entre estrictas medidas de seguridad. La globalización y el crecimiento económico generan un incremento de las mismas. Cuanto más desarrollada está la sociedad, más exigentes y extremas son sus medidas de seguridad, como los controles ecológicos y personales, consecuencia de las amenazas que acarrean los conflictos políticos y religiosos y que atentan contra la libertad

The “alarm signals” in this installation are objects rescued from the dismantling and destruction of the control centre at the Lemoniz Nuclear Power Plant, where they indicated possible failures, despite the extreme security measures in place at the plant: air failure, general engine failure, high radiation, etc. Contemporary society evolves in the midst of strict security measures. Globalisation and economic growth increase these even further. The more developed a society, the more stringent and extreme its security measures, such as the ecological and personal controls which, arising from the threats created by political and religious conflicts, undermine individuals‘ freedoms.

de los individuos.

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Marisa González Controles de seguridad, 2004. Fragmento de la instalación Fallo general de motores. Fragment of the installation Fallo general de motores [General Engine Failure]. © M. González & Vegap.

Marisa González

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544 Miquel Jordà Hotels, 2004. Serie fotográfica. Photographic series. © M. Jordà & Vegap.

Valencia, 1963. Realiza estudios superiores de música y pintura en Valencia, Barcelona y Amsterdam. En Barcelona se especializa en la Fundación Phonos, centrándose en la interactividad de programación musical y arte electrónico. Su paso al mundo de la imagen no es casual. Aparte de sus propias producciones, cultiva la interrelación música-imagen realizando tanto bandas sonoras como colaborando con múltiples artistas visuales. Su obra se centra en torno al viaje en todas sus facetas y utilizando múltiples formatos, como el vídeo, la fotografía, el sonido, las instalaciones, la música o la pintura. Ha participado en los principales festivales o ferias de vídeo y arte electrónico, como SONAR, ArtFutura, ARCO, CICV, Ars Electronica, DIVA NY, Venecia VF o Cannes, impartiendo asimismo cursos y seminarios por todo el mundo. Como experiencia personal, ha dado dos veces la vuelta al mundo, visitando más de 150 países, lo que le ha servido para poseer un gran archivo de imágenes y sonidos de todo el planeta que utiliza para la realización de sus obras. Su libro y obra Sobre la piel del mundo ha sido traducido a nueve idiomas y fue el recopilatorio de un trabajo de cuatro años de constantes viajes y experiencias. Dirige actualmente la productora sin ánimo de lucro T mundi.

Miquel Jordà

Valencia, 1963. Miquel Jordà studied music and painting at university level in Valencia, Barcelona and Amsterdam. In Barcelona he undertook specialist training at the Fundación Phonos, focusing on the interactivity between musical programming and electronic art. His engagement with the world of images is no coincidence. In addition to his own productions, he cultivates the relationship between music and image, composing sound tracks and collaborating with numerous visual artists. His work centres on the theme of travel in all its aspects and using a variety of formats, such as video, photography, sound, installations, music and painting. He has participated in the main video and electronic art festivals and shows, such as SONAR, ArtFutura, ARCO, CICV, Ars Electronica, DIVA NY, Venice VF and Cannes, and has run courses and seminars around the world. He has undertaken two world tours, visiting over 150 countries. This has provided him with a vast archive of images and sounds from all over the globe, which he incorporates into his artworks. His book and DVD Sobre la piel del mundo [Across the Skin of the World] has been translated into nine languages and was compiled over four years of constant travel and new experiences. He currently runs the non-profit-making production company T mundi. <www.tmundi.org> <www.miqueljorda.com>

Hotels, 2004. Instalación, fotografía, vídeo, audio. Installation, photography, video, audio.

Coordinación / Coordination: Virginia Sánchez.

“El autor dio una doble vuelta al mundo durante tres años fotografiando todos los espacios en los que pernoctó.” Instalación de 1.250 microfotografías con sonidos, en las que el espectador puede seguir un recorrido noche tras noche por más de setenta países en una doble vuelta al mundo. De pequeños hoteles familiares a noches de aeropuertos, de los hoteles-cápsula de Tokio a noches en veleros en medio de la nada. Poesía y arte en un mundo acelerado, marcado por la singularidad de espacios tan comunes como habitaciones, que acentúan la identidad de pueblos y países.

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“The author did a double tour of the world over the course of three years, photographing every place where he spent a night.” An installation comprising 1,250 micro photographs with sound, in which the viewer can follow the artist’s journey, night after night, in his double tour of the world. From small family-run hotels to nights at airports, from capsule hotels in Tokyo to nights spent on sailing boats in the middle of nowhere. Poetry and art in an accelerated world, characterised by the uniqueness of ordinary spaces like rooms, which accentuate the identity of towns and countries.

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Miquel JordĂ

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Véase biografía See biography, p. 446

Iván Marino Sangue, 2006-2007. Captura de imágenes de la obra. Screenshots of the work. © I. Marino.

Iván Marino Sangue, 2006-2007. Videoinstalación computarizada basada en sistema generativo. Dataproyector, pantalla y ordenador. Computerised video installation based on a generative system. Data projector, screen and computer.

Colección MEIAC. Colección CAM (Caja de Ahorros del Mediterráneo). MEIAC Collection. CAM (Caja de Ahorros del Mediterráneo) Collection.

Durante la guerra de Irak, Televisión Española emitió una extraña noticia: en pleno desarrollo del conflicto bélico, la aviación estadounidense había bombardeado un convoy humanitario. El informe televisivo mostraba imágenes grabadas in situ. Un pasajero del convoy llevaba su cámara circunstancialmente encendida en el momento de la explosión. Al estallar la bomba, el cameraman perdió el control del aparato. No obstante, la cámara continuó grabando un paisaje de muerte y desolación. Esta obra rearticula aquellas sintéticas imágenes sin sujeto, delegando a una interfaz la función de re-presentarlas. El dispositivo interviene en la organización automática de las imágenes en el tiempo y en el espacio de visualización (la pantalla), con abierta referencia a las cronofotografías de Marey.

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During the Iraq War, the Spanish national television network broadcast a strange piece of news: at the height of the conflict, US aeroplanes bombed a humanitarian convoy. The news programme showed images filmed in situ. A passenger of the convoy happened to have his camera switched on at the time of the explosion. When the bomb went off, the cameraman lost control of his equipment but the camera nevertheless continued to film a scene of death and desolation. This work re-articulates those synthetic images without a subject, delegating the task of re-presenting them to an interface. The device assists in the automatic organisation of the images in the time and space of their visualisation (the screen), with an open reference to Marey’s chronophotographs.

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Ivรกn Marino

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Salamanca, 1969. Estudia Bellas Artes en la Universidad de Salamanca. En 1996 es seleccionado en la Muestra de Arte Joven en Madrid y obtiene una beca de la Fundación Marcelino Botín de Santander. Participa en exposiciones colectivas, como The Real Royal Trip, en PS1, Nueva York (2003) o Où?, Scènes du Sud: Espagne, Italie, Portugal, en el Carré D´Art, Nîmes, Francia (2007); e individuales como Flaschengeist, la caseta del alemán, en el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, 2005), o en galerías como Espacio Mínimo, Deweer, K4, Enrique Guerrero, Witzenhausen, entre otras. Su profundo compromiso con el teatro se refleja, además, en la realización de escenografías de ópera, en el Teatro Regio de Turín y en el Teatro Real de Madrid, así como en el Centro Dramático Nacional en Madrid.

Enrique Marty

Salamanca, 1969. Enrique Marty studied Fine Art at the University of Salamanca. In 1996 he was nominated to participate in the exhibition of Young Art in Madrid and was awarded a grant from the Marcelino Botín Foundation in Santander. He has participated in several group exhibitions, such as The Real Royal Trip, at PS1, New York (2003) and Où?, Scenes du Sud: Espagne, Italie, Portugal, at the Carré D´Art in Nîmes, France (2007). He has also held the following solo shows: Flaschengeist, la caseta del alemán [Flaschengeist, The German’s Hut] at the MUSAC, Museum of Contemporary Art of Castile-León (2005), and at a variety of galleries including Espacio Mínimo, Deweer, K4, Enrique Guerrero, Witzenhausen, etc. His profound commitment to the theatre is reflected in his opera set designs for the Teatro Regio in Turin and the Teatro Real in Madrid, and his stage designs for Centro <www.danielcanogar.com> Dramático Nacional in Madrid.

Lección de tiro [Shooting Lesson], 2005-2007. Vídeo monocanal, 3'40". Mono-channel video, 3'40".

Lección de tiro muestra a mi padre enseñándole a utilizar una pistola real a mi madre. Mi madre se muestra al principio muy temerosa por tener un arma en las manos pero, poco a poco, va perdiendo el miedo hasta manejar la pistola cargada de forma temeraria.

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Lección de tiro shows my father teaching my mother to use a real gun. At first my mother is very nervous about holding a weapon, but gradually she overcomes her fear and even becomes fairly audacious in her handling of the loaded gun.

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Enrique Marty Lección de tiro, 2007. Captura de imágenes del vídeo. Screenshots of the video. © E. Marty.

Enrique Marty

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Duelo [Duel], 2007. Animación a partir de 1.216 acuarelas, vídeo monocanal, 2'30". Animation comprising 1,216 watercolours, mono-channel video, 2'30".

El segundo trabajo, la película de animación Duelo, consiste en un reto a pistola entre mis padres, editado como una película de acción. Sin embargo, cada uno se encuentra en un lugar distinto, así que, en realidad, el duelo es falso: no pueden dispararse el uno al otro.

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The second piece, the animated film Duelo, consists of a challenge at gunpoint between my parents, edited as an action film. However, they are each in a different place, so the duel is actually a fake duel: they can’t possibly shoot at each other.

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Enrique Marty Duelo, 2007. Captura de imágenes de la animación. Screenshots of the animation. © E. Marty.

Enrique Marty

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Terrassa, Barcelona, 1942. Vive y trabaja en Miami y Barcelona. En el período 1966–1972 inicia su trayectoria artística en París, donde participa en la V Bienal (1967) con Soldats Soldés, realizando una serie de assemblages de espíritu antimilitarista, propuestas de amélioration de objetos, mobiliario familiar, monumentos y espacios públicos. Paralelamente, se presenta con Dorothée Selz como Traiteurs coloristes, y aborda, entre 1967 y 1970, un extenso trabajo alrededor del eat art: pasteles en forma de monumentos, instalaciones y banquetes con comidas de colores chillones. Instalado en Nueva York, impulsa propuestas de arte comestible en espacios públicos, como Movable Feast, Nueva York (1974) y Breadline en el CAM de Houston (1977), con la videoinstalación Texas TV Dinner. En 1977 participa en la Documenta VI de Kassel con la acción-ritual Fest für Leda. Continúa realizando diversas instalaciones/intervenciones: Charlie Taste Point, Berlín (1979); Mona a Barcelona, Barcelona (1980); Wheat & Steak, Kansas City (1981), periodo que culmina con HolyFood / Santa Comida, Museo del Barrio, Nueva York (1984) y Magiciens de la Terre, París (1989). En 1986, impulsa uno de sus más participativos proyectos, que le ocupa hasta 1992: Honeymoon, basado en el ritual del matrimonio entre dos monumentos: Colón (Barcelona) y Libertad (Nueva York). En 1995, presenta una antología de sus trabajos en el IVAM de Valencia y en la Fundació La Caixa, Barcelona. En el año 2000, realiza el Food Pavilion para la Expo 2000 de Hannover, que sienta las bases del proyecto Food Cultura Museum.

Miralda

Terrassa, Barcelona, 1942. Miralda lives and works between Miami and Barcelona. He embarked on his artistic career in Paris, during the period from 1966 to 1972, where he participated in the 5th Paris Biennial (1967) with Soldats Soldés, which marked the beginning of a series of anti-military assemblages, proposals for improving objects, household furniture, monuments and public spaces. Simultaneously, he and Dorothée Selz combined to form Traiteurs Coloristes, and between 1967 and 1970 they produced a vast output of Eat Art: cakes in the form of monuments, installations and banquets with garishly-coloured food. Subsequently, as a resident of New York, he produced a variety of Eat Art installations in public spaces, including Movable Feast, New York (1974) and Breadline at the Contemporary Arts Museum in Houston (1977), which incorporated the video installation Texas TV Dinner. In 1977 he participated in Documenta VI in Kassel with his ritual action Fest für Leda. In subsequent years he continued to develop various installations/ interventions, such as Charlie Taste Point, Berlin (1979), Mona a Barcelona, Barcelona (1980) and Wheat & Steak, Kansas City (1981). He ended this period with HolyFood / Santa Comida, at the Museo del Barrio in New York (1984) and Magiciens de la Terre in Paris (1989). In 1986 he launched Honeymoon, one of his most participatory projects. Based on the marriage ritual between two monuments, the Columbus statue in Barcelona and the Statue of Liberty in New York, this project kept him busy until 1992. In 1995, a retrospective of his work was held at the IVAM [Valencian Institute of Modern Art] in Valencia and the Fundació La Caixa in Barcelona. In the year 2000, he designed the Food Pavilion for Expo 2000 in Hannover, setting out <www.danielcanogar.com> the foundations for the Food Cultura Museum project.

Honeymoon Top, 1986. Vídeo monocanal, 4'45". Mono-channel video, 4'45".

Metáfora del idilio imaginario entre dos monumentos, dos iconos cargados de simbolismo, pero con ideales opuestos: el de colonización —monumento a Colón de Barcelona— y el de libertad —la estatua de la Libertad de Nueva York. Los dos monumentos tienen la misma edad y residen en el mismo paralelo, uno en el Viejo Continente, otro en el Nuevo Continente. Después del mutuo acuerdo entre las familias, el idilio conllevó la petición de mano, la confección del vestido de prometida y del ajuar, el diseño de las alianzas, la despedida de soltera, la ceremonia del banquete… El vídeo muestra la ascensión a los dos monumentos, los dos paisajes urbanos de fondo, dos contextos, dos ciudades que se sobreponen y se unen en una realidad simbólica.

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A metaphor based on an imaginary romance between two monuments, two highly symbolic icons with contrasting ideals: colonisation in the case of the monument to Christopher Columbus in Barcelona, and freedom in the case of the Statue of Liberty in New York. Both monuments are identical in age and situated on the same parallel: one in the old continent and the other in the new. Following mutual agreement between the two families, the romance involved the betrothal, the production of the bride’s wedding dress and trousseau, the design of the wedding rings, the hen party, the wedding reception, etc. The video shows the ascent of the two monuments, the two urban landscapes in the background, two contexts, two cities superimposed and united in a symbolic reality.

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Miralda Honeymoon Top, 1986. Capturas de imágenes del vídeo. Screenshots of the video. © Miralda & Vegap.

Miralda

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Barcelona, 1942. Reside en Nueva York desde 1971. La obra de Muntadas aborda temas sociales, políticos y de comunicación, como la relación entre el espacio público y el privado dentro de determinados marcos sociales, o los canales de información y la forma en que son utilizados para censurar o promulgar ideas. Presenta sus proyectos en distintos medios, como fotografía, vídeo, publicaciones, Internet, instalaciones multimedia e intervenciones en espacios urbanos. Actualmente es profesor invitado del Programa de Artes Visuales de la Escuela de Arquitectura del MIT en Cambridge y del Instituto Universitario de Arquitectura del Veneto de Venecia. Ha recibido diversos premios y becas, como el Premio Nacional de Artes Plásticas 2005, otorgado por el Ministerio de Cultura español. Su obra se ha exhibido en diversos museos: el MoMA de Nueva York, el Berkeley Art Museum de California, el Musée Contemporain de Montreal, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona, entre otros. En cuanto a su presencia en certámenes internacionales, cabe destacar su participación en las ediciones sexta y décima de la Documenta de Kassel (1977, 1997), en la Whitney Biennial of American Art (1991), así como en las bienales de Venecia, São Paulo, Lyon, Taipei, Gwangju y La Habana. Entre las exposiciones individuales celebradas con posterioridad a On Translation: i giardini, en el Pabellón de España de la Bienal de Venecia (2007), se cuentan: Protokolle, Württembergischer Kunstverein Stuttgart; Muntadas. Proyectos Urbanos (2002/2005)… Hacia Sevilla 2008, Centro de las Artes de Sevilla. En 2007, expuso Muntadas/Bs.As., en el Espacio Fundación Telefónica, el Centro Cultural Recoleta y el Centro Cultural de España en Buenos Aires. En 2008, presentó Petit et grand en el Instituto Cervantes de París y Muntadas: La construcción del miedo y la pérdida de lo público en el Centro Cultural José Guerrero de Granada.

Muntadas

Barcelona, 1942. He has lived in New York since 1971. His work addresses social, political and communications issues such as the relationship between public and private space within social frameworks, and explores channels of information and the ways in which they may be used to either censor or promote ideas. His projects are presented in different media such as photography, video, publications, the Internet, and multimedia installations in urban spaces. He is currently Visiting Professor at the Visual Arts Program in the School of Architecture at the MIT in Cambridge, Massachusetts, and at the Instituto Universitario de Arquitectura del Veneto in Venice. Muntadas has received several prizes and grants, including Spain’s Visual Arts prize in 2005, awarded by the Spanish Ministry of Culture. His work has been exhibited in museums around the world, including the MoMA in New York, the Berkeley Art Museum in California, the Musée Contemporain in Montreal, the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid, the Museu d’Art Contemporani in Barcelona, and others. He has presented work at the VI and X editions of Documenta Kassel (1977, 1997), the Whitney Biennial of American Art (1991), and at the biennials in Venice, São Paulo, Lyon, Taipei, Gwangju and Havana. Subsequently to On Translation: I Giardini displayed at the Spanish Pavilion in the Venice Biennial (2007), his latest solo exhibitions include Protokolle, Württembergischer Kunstverein Stuttgart and Muntadas. Urban Projects (2002/2005)… Towards Seville 2008 at the Centro de las Artes in Seville. In 2007 he exhibited Muntadas/Bs. As. simultaneously at the Telefónica Foundation Space, the Recoleta Cultural Centre and the Spanish Cultural Centre in Buenos Aires. In 2008 he has presented Petit et Grand at the Cervantes Institute in Paris and Muntadas: The Construction of Fear and the Loss of Public Space at the José Guerrero <www.danielcanogar.com> Cultural Centre in Granada.

On Translation: Listening, 2001. Videoinstalación, proyección sinfín (loop). Medidas variables. Video installation, loop projection. Dimension variable.

Colección MEIAC. MEIAC Collection.

“Una pieza en cierto modo gemela de On Translation: On View, del mismo año, a la vez que retoma el motivo de la telefonía móvil, ya presente anteriormente en los trípticos que integran la serie gráfica On Translation: il telefonino (2001). Un plano-secuencia, de aproximadamente diez minutos, se reproduce en bucle sobre una gran pantalla de proporción panorámica. Delante se sitúan unas banquetas de Mies van der Rohe. La escena, grabada en Corea del Sur, se desenvuelve en el espacio semi-exterior —una especie de atrio o balconada— de un edificio indeterminado y de arquitectura genérica: tanto podría ser un edificio corporativo, como un centro comercial o un museo. Desde ambos extremos, una sucesión de individuos salen a este

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“ A piece that to a certain extent parallels On Translation: On View, from the same year, while simultaneously returning to the mobile phone theme explored in the triptychs forming the graphic series On Translation: il telefonino (2001). A single shot sequence, lasting approximately ten minutes, is reproduced as a loop on a large panoramic screen. Mies van der Rohe stools stand in front of the screen. The scene, filmed in South Korea, unfolds in the semi-outdoor space—a type of atrium or continuous balcony—of an undetermined building with a generic style of architecture: possibly a corporate building, such as a shopping centre or museum. A series of individuals emerge from both sides of this open space to speak on their mobile phone, moving in circles around

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Muntadas On Translation: Listening, 2005. Captura de imágenes del vídeo. Screenshots of the video. © Muntadas & Vegap.

espacio abierto para hablar por el móvil, moviéndose en círculos y en un área reducida, preservando así una cierta reserva ante los demás usuarios que hacen de este no-lugar transitorio un locutorio al aire libre. El sonido ambiente hace por lo demás inaudibles las conversaciones que mantienen. Este proyecto incide a su vez en una de las dicotomías más frecuentadas por Muntadas, a propósito de la relación público/ privado.” (Eugeni Bonet, publicado en el catálogo de la

the confined area and maintaining a certain reserve towards the other users, who turn this transitional non-space into an open-air telephone booth. Meanwhile, the background noise makes it impossible to hear the conversations they are holding. This project also impacts on one of the dichotomies most frequently explored by Muntadas, namely the public/private relationship.” (Eugeni Bonet, published in the catalogue of the 51st edition of the Venice Biennial, 2005.)

51.ª Bienal de Venecia, 2005.)

Muntadas

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Soest, Alemania, 1948. Vive y trabaja en Barcelona desde 1988. Inicia su actividad artística a mediados de la década de 1970, trabajando con objetos, collages, fotografía, dibujo y pintura. En 1978, realiza una exposición individual en la Kurhaus Dangast, conocida en la época como el punto de encuentro de la Academia Libre Oldenburg en torno a la figura de Joseph Beuys. Entre 1979 y 1981, emprende un largo viaje por diversos países de América Latina. De regreso a Alemania, se instala en Bonn, ciudad en la que presenta la muestra individual Yves Klein, entre otras cosas, en el Kunsthistorisches Institut de la Universidad de Bonn (1987). A partir de 1993, trabaja en diferentes formatos —cajas de objetos, assemblages, environments, fotografías, instalaciones—, en los que aborda esencialmente temas como la memoria y el olvido, la condición humana en la sociedad de consumo posindustrial, la destrucción de las culturas y el uso de las tecnologías. Desde 2006 se dedica sobre todo a la fotografía digital y las instalaciones audiovisuales. Fue cofundador y mentor, en 1993, de la Asociación de Cultura Contemporánea L’Angelot, en Barcelona, el primer espacio en España dedicado específicamente al media art. Ha expuesto en varios centros de arte en Europa y América Latina: Kunstverein de Bonn (1984); Kunstpalast de Düsseldorf (1988); Museo de Arte de Mülheim (1988); Orangerie Schloss Augustusburg (1988); Fundación Friedrich Naumann, Königswinter (1989); Syndikathalle, Bonn (1989); Centro Cultural Brasil-Espanha, Belo Horizonte (1996); Centro Multimedia, México DF (2002); V Festival Internacional de la Imagen, Manizales (Colombia, 2006); Centro Cultural de España, México DF (2006), entre otros. En España, ha expuesto en el Museu d’Art de Sabadell, Observatori-III; MUVIM, Valencia (2002), Pronóstica; Museu d’Art Contemporani d´Eivissa, Ibiza (2003); Drap-Art, CCCB Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (2006 y 2007); XII Canariasmediafest, Las Palmas (2006), entre otros.

Thomas Nölle

Soest, Germany, 1948. Thomas Nölle has lived and worked in Barcelona since 1988. Nölle began his artistic activity in the mid–1970s, working with objects, collage, photography, drawing and painting. In 1978 he had a solo exhibition at the Kurhaus Dangast, known at the time as the meeting point for the Oldenburg Free Academy where Joseph Beuys was the point of reference. From 1979 to 1981 he travelled extensively in Latin America. Upon returning to Germany he settled in Bonn, where he saw the solo exhibition Yves Klein, amongst other things, in the Kunsthistorisches Institute of the University of Bonn (1987). Since 1993, he has worked in different formats—object boxes, assemblages, environments, photography, installations— dealing with subjects related essentially to memory and forgetfulness, the human condition in post-industrial consumer society, the destruction of cultures and the use of technology. Since 2006 he has worked especially in digital photography and audiovisual installations. In 1993 he co-founded the Asociación de Cultura Contemporánea L’Angelot, in Barcelona, the first space in Spain dedicated specifically to media art. He has shown in various art centres in Europe and Latin America: Kunstverein Bonn (1984), Kunstpalast Düsseldorf (1988), Mülheim Museum of Art (1988), Orangerie Schloss Augustusburg (1988), Friedrich Naumann Foundation, Königswinter (1989), Syndikathalle, Bonn (1989), Centro Cultural Brasil-Espanha, Belo Horizonte (Brazil, 1996), Centro Multimedia, Mexico City (2002), V Festival Internacional de la Imagen, Manizales (Colombia, 2006) and the Centro Cultural de España, Mexico City (2006), amongst others. In Spain he has shown at the Museu d’Art de Sabadell, and in Observatori-III, MUVIM, Valencia (2002), Pronóstica, Museu d´Art Contemporani d´Eivissa, Ibiza (2003), Drap-Art, CCCB Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (2006 and 2007) and the XII Canarias<www.danielcanogar.com> mediafest, Las Palmas (2006).

El salto del ángel (Qué será, será...) [Angel’s Leap (Whatever Will Be, Will Be...)], 2008. Videoinstalación de tres canales. Three channel video installation.

Proyecto y concepción / Project and Concept: Thomas Nölle. Captura, grabación y edición de vídeo / Video Capture, Recording and Edition: Iván Marino. Músico / Musician: José Prat.

Tres imágenes videográficas abordan el tema de la forma en que el ser humano se enfrenta a la realidad y la vida. El baile despreocupado y frenético de una niña (el baile sobre un volcán) se contrapone a la escena igualmente delirante, si bien trágica, de un hombre preparándose para saltar desde lo alto de la Torre Eiffel, con la ilusoria certidumbre de que el manto que lleva puesto le permitirá volar. Mientras tanto, el músico toca Qué será, será (Whatever Will Be, Will Be). El título hace referencia al tipo de salto al vacío que una persona hace desde una gran altura con los brazos abiertos, como Yves Klein en su conocida fotografía (1960). El gesto artístico se mezcla con el gesto vital en ambos extremos.

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Three video images take on the subject of how human beings deal with reality and life. The carefree, frenetic dance of a girl (dancing on a volcano) is juxtaposed with an equally delirious scene, though in this case tragic, of a man getting ready to jump off the Eiffel Tower, deluded into believing that the cape he is wearing will enable him to fly. Meanwhile, the background music is Que Será Será (Whatever Will Be, Will Be). The title refers to the type of leap into space done with one’s arms spread out wide, like the Yves Klein jump in his famous photograph (1960). The artistic gesture is blended with the vital gesture on both extremes.

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Thomas Nölle El salto del ángel (Qué será, será...), 2008. Captura de imágenes del vídeo. Screenshots of the video. © T. Nölle.

Thomas Nölle

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Barcelona, 1935. Entre 1951 y 1957 cursó estudios en la Escuela Superior de Artes Decorativas Massana, Barcelona. En 1962, la Diputación Provincial de Barcelona le concedió una beca para ampliar su formación en el extranjero. Ingresó en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París, ciudad en la que reside habitualmente. Desde 1964 expone regularmente en diversas ciudades de Europa y también en los Estados Unidos, Brasil, Japón y Corea. En 2003 se presentó una retrospectiva de su obra en el Centro de Arte Villa Tamaris de La Seyne–sur-Mer. Ha participado en exposiciones internacionales: Bienal de París (1965 y 1969); Bienal de Venecia (1972 y 1976); Barcelona Paris New York, Palacio Robert, Barcelona; Ideas y actitudes, Centro de Arte Santa Mònica, Barcelona (1992); La ciudad, Centro Georges Pompidou, París, y Centro de Cultura Contemporánea, Barcelona; Logo Non Logo, Thread Waxing Space, Nueva York (1994); La ciudad en Europa, Museo de Arte Contemporáneo, Tokio; Cara a la historia, Centro Pompidou, París (1996); Juegos y simulacros, Canal de Isabel II, Madrid (1999); Las cien sonrisas de Mona Lisa, Museo Metropolitano, Tokio (2000); Azerty, Centro Pompidou, París; An Exhibition of Art as Communication, Art in the Atrium, Madison (2001); Printed in Spain, Neues Museum Wesserburg, Bremen y MACBA Barcelona (2005); Desacuerdos, MACBA, Barcelona (2005); El arte sucede, Museo Reina Sofía, Madrid (2006); Primera generación, arte e imagen en movimiento (1963–1986), Museo Reina Sofia, Madrid (2006); Barcelona 1947/2007, Fondation Maeght, Saint Paul de Vence (2007).

Joan Rabascall

Barcelona, 1935. Joan Rabascall studied at the Massana School of Decorative Art in Barcelona from 1951 to 1957, and in 1962 was awarded a scholarship by the Provincial Government of Barcelona to undertake further study abroad, which he did at the National School of Fine Arts in Paris (1962–1963). He mainly lives in the latter city. Since 1964 he has regularly exhibited his work in a variety of European cities, as well as in the United States, Brazil, Japan and Korea. In 2003 a retrospective of his work was held at the Villa Tamaris gallery in La Seyne–sur-Mer. He has participated in countless international exhibitions, a selection of which follows: Paris Biennial (1965 and 1969); Venice Biennial (1972 and 1976); Barcelona Paris New York, Palacio Robert, Barcelona; Ideas y actitudes [Ideas and Attitudes], Centro de Arte Santa Mònica, Barcelona (1992); La ciudad [The City], Centre Georges Pompidou, Paris and Centro de Cultura Contemporánea, Barcelona; Logo Non Logo, Thread Waxing Space, New York (1994); La ciudad en Europa [The City in Europe], Museum of Contemporary Art, Tokyo; Cara a la historia [A Face on History], Centre Pompidou, Paris (1996); Juegos y simulacros [Games and Shams], Canal de Isabel II, Madrid (1999); Las cien sonrisas de Mona Lisa [The One Hundred Smiles of the Mona Lisa], Metropolitan Museum, Tokyo (2000); Azerty, Centre Pompidou, Paris; An Exhibition of Art as Communication, Art in the Atrium, Madison (2001); Printed in Spain, Neues Museum Wesserburg, Bremen and MACBA Barcelona (2005); Desacuerdos [Disagreements], MACBA, Barcelona (2005); El arte sucede [Art Happens], Museo Reina Sofía, Madrid (2006); Primera generación, arte e imagen en movimiento (1963–1986) [First Generation, Art and Image in Movement (1963–1986)], Museo Reina Sofia, Madrid (2006); Barcelona 1947/2007, <www.danielcanogar.com> Fondation Maeght, Saint Paul de Vence (2007).

Import-Export, 2001. CD-ROM multimedia. Multimedia CD-ROM.

“Infinitivo global Parece ser que avanzamos hacia un mundo feliz. A través de los medios nos llegan, en oleadas sucesivas, noticias de toda clase, sin jerarquía alguna ni conexión aparente entre sí. Cansado, el artista apaga la imagen y el sonido, y entra en duermevela. Aparecen entonces imágenes nítidas: los paraísos artificiales son próximos a los paraísos fiscales; los traficantes de muerte, bien vestidos, se parecen a los hombres de negocios honestos. Por medios electrónicos indirectos, todos sus negocios continúan haciendo girar el mundo día y noche, tal como es, hasta el infinito...” (Jean-François Bory)

“Global infinitive It would appear that we are advancing towards a brave new world. The media bombard us with wave upon wave of news items, none of which display any order of priority or any apparent connection with each other. Weary, the artist switches off both image and sound, and falls into a light sleep. And then a series of very clearly defined images appear: artificial paradises that resemble fiscal paradises; well-dressed dealers in death who look like honest businessmen. Using indirect electronic media, their businesses continue to make the world go round, day and night, just as it is, ad infinitum…” (Jean-François Bory)

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Joan Rabascall Import-Export, 2001. Captura de imágenes del CD-ROM. Screenshots of the CD-ROM. © J. Rabascall & Vegap.

Joan Rabascall

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Vitoria-Gasteiz, 1966. Actualmente vive y trabaja en Francia. Ruiz de Infante pertenece a una generación de artistas cuya sensibilidad está marcada por el encuentro y la confrontación de la tecnología con otros materiales muy simples. En sus obras combina, sin complejos, dispositivos tecnológicos y bricolaje de urgencia. Los “recorridos para experimentar” que nos propone, así como el desequilibrio que generan, constituyen a menudo una “trampa” que cuestiona nuestra percepción. Son recurrentes en sus obras las alusiones directas a los modos constructivos, sin normas jerárquicas, del período de la infancia. Así, pues, problematiza la noción de escala, la de cosa inacabada, la de cosa o lugar oculto… la noción de complejidad, de ineficacia, de simetría inexacta, de desorden sofisticado... Temáticamente, la infancia o, mejor dicho, los tránsitos infanciaadolescencia-estado adulto han recorrido (y recorren) sus diferentes proyectos, haciéndonos entrar en espacios en los cuales lo extraño cotidiano se hace evidente (lugares para el aprendizaje, ludotecas sin reglas en las que nadie juega, desequilibrados juegos de construcción a escala uno, juegos de pistas sin lógica evidente, espacios audiovisuales de violencia absurda...). En su trabajo videográfico crea universos poéticos (a veces de gran violencia) evitando recursos y fórmulas narrativas tradicionales. La ausencia de sincronía entre la imagen, el texto y el sonido es el pilar fundamental para la escritura de discursos paralelos e incluso paradójicos.

Francisco Ruiz de Infante

Vitoria-Gasteiz, 1966. Francisco Ruiz de Infante currently lives and works in France. He belongs to a generation of artists whose sensitivity is characterised by the juxtaposition and confrontation of technology with other very simple materials, so that he has no qualms about combining technological and makeshift devices in his work. The “itineraries for experimenting” that he proposes, plus the disequilibrium they generate, are often a “trap” to question our perception. Direct references to the constructive modes of childhood, without any hierarchical rules, recur again and again in his work. Hence, he queries the notion of scale, of the incomplete object, of the hidden object or place... the notion of complexity, of inefficiency, of inexact symmetry, of sophisticated disorder... Thematically, childhood, or rather the various transitions between childhood, adolescence and the adult state, have always been central to his projects and remain so today, inviting us to enter spaces in which the bizarre nature of the ordinary becomes evident (places for learning, playschools without rules in which no one plays, precarious, life-size construction games, clue-based games without any apparent logic, audiovisual space with absurd violence, etc.). His videographic work creates poetic (and at times incredibly violent) worlds, paying no heed to traditional devices and narrative formulas. The lack of synchronicity between image, text and sound is the crucial key to writing parallel and even paradoxical discourses.

<www.mediatecaonline.net/ruizdeinfante>

La edad de las serpientes [The Age of Snakes], 2002–2007. Instalación audiovisual con tres canales de sonido, cinco canales de vídeo en bucle, dos canales de imagen en circuito cerrado. Aprox. 6 m x 4 m. Audiovisual installation with three sound channels, five looped video channels, and two closed circuit image channels. Approx. 6 m x 4 m. Realización y edición de audio y vídeo / Video and audio recording and editing: Francisco Ruiz de Infante. Estudio de post-producción / Post production studio: Atelier des Rives. Producción / Production: Association “Autour de la Terre” (Auberive). Producción del montaje de la obra / Production of the work’s assembly: MEIAC. Asesoría técnica de producción / Production technical consultancy: Leona. Agradecimientos / Thanks to: Galeria Elba Benitez (Madrid), Musée d’Art Moderne et Contemporain (Estrasburgo) / Museum of Modern and Contemporary Art, Strasbourg (Francia / France), World Wide Video Festival (Holanda / Netherlands) & MEIAC.

Un gran habitáculo en construcción contiene todo un arsenal de máquinas para la captación y la reproducción audiovisual: un puesto de control. En su interior, el espectador se encuentra envuelto por un sonido-pulsación nervioso y dos grupos de imágenes: 1. La secuencia de la serpiente: cinco planos de una ficción dispersa en el espacio, en la cual los personajes —la mano enguantada, el gato, la cabeza de la culebra y la cola cortada— se suceden confeccionando una historia de pesadilla. 2. La red: dos imágenes captadas en tiempo real por cámaras de vigilancia, que nos muestran una realidad no menos de pesadilla: la de una red tentacular visible e invisible (nidos de cables-serpientes que transmiten imágenes y son imagen). La gran cantidad de imágenes de la instalación y su tratamiento hacen que el espectador pueda deslizarse fácilmente hacia el juego prohibido del adulto: ese que mezcla conscientemente realidad y ficción.

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A large interior under construction contains a whole battery of machines for capturing and reproducing sounds and images: a control post. Inside, the viewer is enveloped by a sound or nervous beat and two groups of images: 1. The snake scene: five shots concerning a fiction played out in different spaces, in which the various characters —a gloved hand, a cat, a snake’s head and a tail that has been cut off—succeed each other to create a horror story. 2. The net: two images captured in real time by surveillance cameras show an equally horrific but real situation: a visible and invisible tentacular net (nests of cables/snakes that both transmit images and are themselves image). Because of the vast quantity of images used in the installation and their treatment, the viewer easily slips into the forbidden adult game of deliberately mixing reality and fiction.

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Francisco Ruiz de Infante La edad de las serpientes, 2002–2007. Imágenes de la instalación. Views of the installation.

Fotografías / Photos: Francisco Ruiz de Infante. Cortesía de / Courtesy of: Galería Elba Benítez, Madrid © F. Ruiz de Infante.

Francisco Ruiz de Infante

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Barcelona, 1948. Artista visual. Vivió en París entre 1967 y 1969. Se trasladó a Chicago en 1972. Desde 1974 se instaló en Nueva York. Entre 1986 y 1988 vivió en Berlín a través del programa de intercambio académico del gobierno alemán. Desde octubre de 2001 se encuentra en Barcelona por un periodo de tiempo indefinido. Ha expuesto en: Whitney Museum of American Art (Nueva York), Museum of Modern Art (Nueva York), Carnegie Institute (Pittsburgh), Los Angeles Museum of Contemporary Art, Nationalgalerie (Berlín), Stedelijk Museum (Amsterdam), Rudolfinum Galerie (Praga), Museo Estatal Ruso (San Petersburgo), Massachusetts Institute of Technology, MIT (Cambridge), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, retrospectiva), Museo Guggenheim Bilbao, Fundació Joan Miró (Barcelona), Institut Valencià d’Art Modern, IVAM (Valencia), Centre d’Art Santa Mònica (Barcelona), International Center of Photography (Nueva York), etc. Su trabajo se encuentra en numerosas colecciones públicas e institucionales en todo el mundo. Ha realizado y está realizando proyectos permanentes en espacios públicos. Es comisario de exposiciones y colabora en varias publicaciones y periódicos. Ha sido presidente de l’Associació d’Artistes Visuals de Catalunya. Ha recibido el National Endowment for the Arts Individual Fellowship, el New York Council for the Arts Fellowship, el Massachusetts Council for the Arts and Humanities Fellowship, el New York Foundation for the Arts, la D.A.A.D. del Gobierno Federal Alemán, el Premio Emil Radok de la Universitad de Praga, el Premio de la Fundación Picasso, y la Beca Fulbright de Intercambio Académico. Es Premi Nacional d’Arts Plástiques de la Generalitat de Catalunya.

Francesc Torres

Born in Barcelona, Spain in 1948, Francesc Torres is a visual artist. He lived in Paris from 1967 to 1969, and moved to Chicago in 1972. In 1974 he settled in New York City. From 1986 to 1988 he lived in Berlin as part of an academic exchange program. He currently lives in Barcelona, Spain, where he has been based for an long period of time. Torres has shown at the Whitney Museum of American Art, New York, the Museum of Modern Art, New York, the Museum of Art, Carnegie Institute, Pittsburgh, the Los Angeles Museum of Contemporary Art, Los Angeles, the Nationalgalerie, Berlin, the Stedelijk Museum, Amsterdam, the Rudolfinum Galerie, Prague, the Russian State Museum, Saint Petersburg, the Massachusetts Institute of Technology, MIT, Cambridge, Mass., the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, in a retrospective, the Guggenheim Museum Bilbao, the Fundació Joan Miró, Barcelona, the Institut Valencià d’Art Modern IVAM, Valencia, Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona, and the International Center of Photography, New York, amongst others. His work is represented in many international public and institutional collections. Torres has permanent work in the public space, and curates exhibitions and writes for several journals internationally and for newspapers in Spain. He has been president of the Catalan Association of Visual Artists. He has been the recipient of the National Endowment for the Arts Individual Artist’s Fellowship, the New York Council for the Arts Fellowship, the Massachusetts Council for the Arts and Humanities Fellowship, the grant from the New York Foundation for the Arts, the D.A.A.D. given by the German Government, the Emil Radok Prize by the University of Prague, the Picasso Foundation Prize, and the Fulbright Academic Exchange Fellowship. He also received the Visual Arts National Prize awarded by the Autonomous Government of Catalonia, Spain. <www.danielcanogar.com>

Soliloquio de la felicidad [Soliloquy on Happiness], 2000. Candelabros, caja electrónica de regulación de luz, vaso con agua y pista de sonido. Dimensión variable. Chandeliers, electronic box for light regulation, glass water and sound track. Dimension variable.

La actividad política ilumina la arena social. Basado en eso, Soliloquio de la felicidad es un comentario sobre el estado actual de la política, sobre su desmantelamiento ideológico, para convertirla en pura gestión de intereses que no siempre son los de la mayoría. Para ello es necesario desnudar el discurso político de contenido, dejando algunos retazos tácticos para la galería. El sonido que activa la pieza es un compendio pregrabado de sesiones previas a la convocatoria de las elecciones legislativas del Congreso de los Diputados en Madrid. El sonido de las sesiones activa la fluctuación de la luz de la sala.

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Political activity illuminates the social arena. Based on this, Soliloquy on Happiness is a commentary on the present state of politics, on the ideological dismantling of politics to turn it into pure management of interests which are not always those of the majority. It is necessary, for this, to undress the political discourse of content leaving some tactical fragments for the gallery. The sound which activates the piece is a pre-recorded compound of sessions prior to the calling of the legislative elections by the Congress of the Deputies in Madrid. The sound of the sessions activates the fluctuation of the lighting in the hall.

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Francesc Torres Soliloquio de la felicidad, 2000. Imágenes de la instalación, Fundación Telefónica, Madrid, 2000. Views of the installation, Fundación Telefónica, Madrid, 2000. Fotografías / Photos: Luis Asín. © F. Torres & Vegap.

Francesc Torres

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Vilafranca del Penedès, Barcelona, 1963. Actualmente vive y trabaja en Barcelona. Cursa Bellas Artes en Barcelona y en 1990 se traslada a Amsterdam, donde ingresa en la Rietveld Akademie (sección de Audiovisuales) para presentar por primera vez su ciclo creativo El ombligo del mundo, que más tarde mostrará parcialmente en España. En 1992, presenta su performance Vendajes en la sala Montcada de la Fundació La Caixa, que posteriormente realizará en diversas instituciones europeas. En 1995, vuelve a residir en Barcelona, y es entonces cuando empieza a participar asiduamente en las diversas bienales internacionales periféricas que nacen durante la segunda mitad de la década de 1990, así como en diversas muestras colectivas, siempre fuera de nuestras fronteras: Kwang-ju (Corea del Sur), Manifesta I (Rotterdam), Skulpture Project (Münster), Sidney, Santa Fe (Nuevo México), Johannesburgo, Estambul… En ellas, logra ir presentando su serie de instalaciones que forman, en conjunto, una casa bajo el epígrafe Apariencias. En 1999 obtuvo la beca DAAD para artistas en residencia en Berlín, que abandona para volver a Barcelona y preparar su muestra de carácter retrospectivo producida por Witte de With (Rotterdam), en 2000, y Fundació A. Tàpies (Barcelona), en 2001, que permite difundir su trabajo en su propio país. Sigue presente en Venecia, São Paulo y diversas muestras internacionales, a pesar de vivir una etapa de un relativo silencio creativo, que romperá con su próxima exposición en el Palacio Velázquez del Museo Reina Sofía de Madrid, programada para 2008.

Eulàlia Valldosera

Vilafranca del Penedès, Barcelona, 1963. Eulàlia Valldosera currently lives and works in Barcelona. She studied Fine Arts in Barcelona and in 1990 moved to Amsterdam, where she enrolled at the Rietveld Akademie (Audiovisual section) and presented her creative series El ombligo del mundo [The Centre of the Universe], subsequently showing part of this same series in Spain. In 1992 she presented her performance Vendajes [Bandages], which she then performed again at a variety of European institutions and at the Sala Montcada of the Fundació La Caixa. In 1995 she moved back to Barcelona and became a regular participant in the various peripheral international biennials that emerged during the second half of the 1990s, as well as in a variety of group exhibitions outside Spain: Kwang-ju (South Korea), Manifesta I (Rotterdam), Skulpture Project (Münster), Sydney, Santa Fe (New Mexico), Johannesburg, Istanbul, etc. On these occasions she gradually exhibited the series of installations that together form a house entitled Apariencias [Appearances]. In 1999 she won a DAAD (German Academic Exchange Service) grant for artists in residence in Berlin, a city she left in order to return to Barcelona to prepare her retrospective exhibition organised by Witte de With (Rotterdam) in 2000 and by the Fundació A. Tàpies (Barcelona) in 2001, the latter enabling her to publicise her work in her native country. She continues to participate in the Venice and São Paulo biennials and other international exhibitions, despite a relatively silent creative period recently, which she is about to break with her exhibition at the Palacio Velázquez of the <www.danielcanogar.com> Museo Reina Sofía in Madrid, scheduled for this year.

Relationships#1, 1997. Instalación audiovisual, proyección de diapositivas, mobiliario, dimensiones variables. Audiovisual installation, slide projection, furniture, dimension variable.

En la instalación, dispongo a modo de escenario teatral los proyectores de diapositivas que reproducen la acción. Proyectan la imagen de la habitación múltiples veces, de modo que la habitación se expanda como vista en un triple espejo. En la pared donde se halla proyectada la habitación, se han dispuesto algunos accesorios de baño, donde pequeños espejos estratégicamente colocados recogen parte de la proyección y la escupen por las paredes adyacentes. A medida que transcurren las diapositivas, vemos cómo se interrelacionan. El audio es una grabación en tiempo real de la sesión fotográfica.

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In the installation, I create a type of stage set with the slide projectors that reproduce the action. They project the image of the room over and over again, so that the room expands, as if seen in a triple mirror. On the wall on which the room is projected there are several bathroom articles, and strategically placed small mirrors pick up part of the projection and reflect it onto the adjacent walls. As the slides are projected, we see how they interrelate. The sound is a recording in real time of the photographic session.

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Eulàlia Valldosera Relationships#1, 1997. Imagen de la instalación. Views of the installation. © E. Valldosera.

Eulàlia Valldosera

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Lo humano y lo invisible Antoni Abad Roberto Aguirrezabala JesĂşs Alido Maite Cajaraville Dora GarcĂ­a

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Presentaciรณn Introduction

Realidades virtuales. Programa de arte para internet

Virtual Realities. A programme of net art <http://www.meiac.es/vg/index.html>

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Bressemer & Alia Nilo Casares & Bernardo Tejeda JODI (Joan Heemskerk & Dirk Paesmans) Sylvia Molina & Juan Millares Víctor Nubla Carles Pujol <http://www.meiac.es/vg/humano/index.htm> Zush (ahora / now Evru) Lo humano y lo invisible [The Human and the Invisible], 1996. Muestra en Internet. Exhibition on the Internet.

Organiza / Organizer: Connect-arte / ACC L’Angelot. Comisaria / Curator: Claudia Giannetti. Dirección técnica y diseño / Technical direction and design: Yoonah Kim & Ralph Zenger, Connect-arte. Fecha de la convocatoria: abril de 1996 / Call for works: April 1996. Fecha de la muestra: noviembre de 1996 hasta enero de 1997 / Date: From November 1996 to January 1997. Restauración de las obras / Artworks restoration: Connect-arte; Jaume Presas, Yoonah Kim, 2008.

Esta muestra en Internet fue la primera de estas características realizada en España, que reunió a una serie de artistas españoles o que, como los Jodi, trabajaban en aquellos momentos en España. En su mayoría, han realizado la producción de obra específica para la plataforma online, enfrentándose por primera vez al nuevo medio. En 2008, Connect-arte, en colaboración con el MEIAC, procedió a la restauración de las piezas que pudieron recuperarse.

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This exhibition on the Internet was the first of its kind in Spain, bringing together a number of Spanish artists and others, like Jodi, who were then working in Spain. The majority of them have done work specifically to be shown online, dealing for the first time with the new medium. In 2008, Connect-arte, in collaboration with MEIAC, restored those works that could be recovered.

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Carles Pujol Véase biografía / See biography: p. 484.

E.F.I., 1996. Web art.

Concepción / Design: Carles Pujol Programación / Programming: JODI.

El título es un indicativo de efímero, frágil e ínfimo. La ‘I’ se emplea como parte de una arista de un paralelepípedo, pasando a ser el soporte bidimensional de la figura en movimiento.

Carles Pujol

The title is indicative of the ephemeral, the fragile, the negligible. The ‘I’ forms part of the edge of a parallelepiped, thus becoming the two-dimensional support of the moving figure.

E.F.I., 1996. Captura de imagen del website. Screenshot of the website. © C. Pujol.

Zush (ahora / now Evru) Véase biografía / See biography: p. 508.

IKELA, 1996. Web art.

Ikela es una animación en formato Quick Time incorporada en html, extraída de la sección del Cuerpo evrugui en el CD-ROM PsicoManualDigital, del año 1995. Un habitante del Evrugo Mental State que muere por hiperventilación. Ikela is a QuickTime animation incorporated into html, extracted from the Cuerpo evrugui [Evrugui body] section on the CD-ROM PsicoManualDigital from 1995. An inhabitant from the Evrugo Mental State hyperventilates and dies.

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Zush (ahora / now Evru) IKELA, 1996. Captura de imagen de la website. Screenshot of the website. © Evru & Vegap.

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Nilo Casares & Bernardo Tejeda Recurrente [Recurrents], 1996. Película QuickTime online. Bucle de 00'09". 567 x 340 píxels. Online QuickTime movie. 00’09" loop. 567 x 340 pixels.

El latido es el último recurso al que aferrarse el cerebro piensa que si late vive hasta que se cierra.

The heartbeat is the last thing the brain clings on to it thinks that as long as the heart is beating, it will continue to live until it closes down.

Nilo Casares Véase biografía / See biography: p. 267. <http://comisario.net>

Bernardo Tejeda A Havana, Terra Chá, 1957. Licenciado en Filosofía por la Universidad de Valencia. A finales de la década de 1980 comienza su trabajo artístico realizando diversos proyectos en instituciones y galerías privadas. A partir de 1996, participa también en ferias internacionales como ARCO, FIAC, Art Cologne o Chicago Art Fair. Su obra, que comprende escultura, fotografía y multimedia, pone el punto focal en la disciplina de la instalación y discurre dentro de los límites de una estética neoconceptual. Conforma su trabajo en series siempre abiertas en continua hibridación. Ha realizado intervenciones en el Museet for Samtidskunst (Nomade Skrift) en Dinamarca, L’Angelot (Expanded Collage) en Barcelona o la Universidad de Wisconsin (Travellingart: The American Tour) en los Estados Unidos, entre otros.

Havana, Flat Land, 1957. Tejeda has a degree in Philosophy from the University of Valencia. He embarked on his artistic career in the late 1980s, producing a variety of projects for institutions and private galleries. Since 1996 he has participated in international fairs such as ARCO, FIAC, Art Cologne and the Chicago Art Fair. His work, which encompasses sculpture, photography and multimedia, focuses on installation art and embraces a neoconceptual aesthetic. Tejada tends to produce series of works, which are always open-ended and in continuous hybridisation. He has designed installations for various institutions, including the Museet for Samtidskunst (Nomade Skrift) in Denmark, L’Angelot (Expanded Collage) in Barcelona and the University of Wisconsin (Travellingart: The American Tour) in the United States.

Nilo Casares & Bernardo Tejeda Recurrente, 1996. Captura de imagen del website. Screenshot of the website. © N. Casares & B. Tejeda.

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JODI (Joan Heemskerk & Dirk Paesmans) Cache, 1996. Joan Heemskerk (Kaatsheue, Holanda, 1968) y Dirk Paesmans (Bruselas, 1965) han estudiado, en la década de 1980, en la Kunstakademie de Düsseldorf con Nam June Paik y trabajan juntos bajo el nombre JODI desde 1994. Conocidos por sus proyectos de net art y software art, manipulan el código y su contexto online, subvirtiendo sus condiciones más típicas. <www.jodi.org>

Web art.

Joan Heemskerk (Kaatsheue, Netherlands, 1968) and Dirk Paesmans (Brussels, 1965) studied in the 1980s at the Kunstakademie in Düsseldorf with Nam June Paik and have worked jointly under the name JODI since 1994. Renowned for their net art and software art projects, they manipulate computer codes and their online context, subverting their most characteristic conditions. <www.jodi.org>

JODI Cache, 1996. Captura de imagen del website. Screenshot of the website. © JODI.

Bressemer & Alia Manos lunares [Lunar Hands], 1996. Web art.

Bressemer & Alia Manos lunares, 1996. Captura de imagen del website. Screenshot of the website. © Bressemer & Alia.

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Víctor Nubla Método de composición objetiva [Method of Objective Composition], 1996. Proyecto web. Sistema compositivo mediante procesos azarosos de extracción sonora de la radio de onda corta. Web project. Compositional system using random processes for extracting sound from short-wave radio.

El MCO es en un mazo de cartas infinito, cuyo soporte es un disco digital, un bloc de notas donde apuntamos el resultado de la consulta, aunque el soporte básico del material simbólico sea el espacio, las ondas hertzianas que se transmiten por él. El momento y el lugar de la extracción constituyen el oráculo.Obtenemos la forma mediante el destino, que nos la adjudica de manera personal. Lo que resulta ni es una respuesta ni una solución, sino una expresión matérica de lo desconocido, de lo posible, de lo no formulado, que vive entre el resto de posibilidades.

Barcelona, 1956. Empieza su trayectoria musical en 1976, como cofundador del grupo-laboratorio Macromassa, con el que trabaja hasta su disolución en 1996. Además de participar en proyectos colectivos, como Naïf/Atlas, Bel Canto Orquestra y Clónicos, ha sido miembro de la European Experimental Composer Orchestra y director del grupo Moex, en Cerdeña. Actualmente combina su trabajo en solitario (discos, conciertos) con los proyectos Dedo y Aixónoéspànic. Para Nubla, la música es una herramienta de transmisión emocional y de búsqueda sonora, con instrumentos electrónicos, como el sampler y el sintetizador, en contraste con el clarinete (a menudo manipulado). Es autor de numerosas bandas sonoras para cine y vídeo, de músicas para danza y teatro, así como de música sinfónica. Su discografía ha sido publicada internacionalmente. Realiza conciertos en Europa y América. Escribe habitualmente sobre música e imparte cursos y talleres.

Barcelona, 1956. Víctor Nubla embarked on his musical career in 1976 as co-founder of the laboratory group Macromassa, where he stayed until the group split up in 1996. In addition to participating in joint projects such as Naïf/Atlas [Naive/Atlas], Bel Canto Orquestra [Bel Canto Orchestra] and Clónicos [Clones], he has been a member of the European Experimental Composer Orchestra and director of the group Moex, based in Sardinia. He currently combines his solo work (albums, concerts) with the Dedo and Aixónoéspànic projects. For Nubla, music is a tool for conveying emotions and searching for new sounds, with electronic instruments, such as samplers and synthesisers, and—contrasting with these and often manipulated—clarinets. He has composed numerous soundtracks for films and videos, music for dance and theatre, and also symphonic music. His albums have been published internationally, and he gives concerts around Europe and America. He regularly writes about music and runs courses and workshops.

The MCO is an infinite pack of cards on a digital disk, a notepad on which to jot down the outcome of the query, while the basic medium of the symbolic material is space, the Hertz waves transmitted through space. The time and place of the excerpt form the oracle. The destination provides the form, which is personally assigned. The result is neither a response nor a solution, but a material expression of the unknown, of the possible, of the non-formulated, which dwells amongst the remaining possibilities.

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Víctor Nubla Método de composición objetiva, 1996. Captura de imagen del website. Screenshot of the website. © Victor Nubla.

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Sylvia Molina & Juan Millares El Rastro [The Rastro], 1996. Web art.

Hay algo que hace del Rastro un lugar muy afín al espacio en la Red: su caracter efímero. Se trata de un espacio provisional, que empieza a existir en el momento en que se montan sus tenderentes y la gente pasea entre los mismos mirando, charlando o comprando. Un espacio que desaparece cuando las calles y plazas donde se instalan quedan vacías, cuando el paseante desaparece... El Rastro en la Red, se estructura en una trama de 3 plazas y 4 calles. Las plazas sugieren la reunión, el encuentro. Las calles, como en el Rastro real, estan ocupadas por puestos, pequeños tenderetes donde se truecan "cosas" y en donde, por su forma lineal, se propicia el paseo, el deambular entre los puestos (blogs, chats, wikis actuales). There is something which makes the Rastro flea market a very appropriate space for the net, and that is its ephemeral nature. It is a provisional space that comes into existence precisely at the point when the stalls are put up and people begin to stroll around them, looking, chatting or buying. It disappears when the streets and squares on which it is situated become empty, when the strollers disappear… El Rastro [The Rastro Flea Market] on the net occupies 3 squares and 4 streets. The squares invite meetings, social gatherings. The streets, as in the real Rastro, are taken up with stalls, little stands where ‘things’ are traded. Due to their linear structure, the streets tend to invite people to stroll, to wander between the stalls. (blogs, chats, wikis).

Sylvia Molina Muro Madrid, 1968. Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, actualmente imparte clases de Nuevas Tecnologías y Procesos en la Facultad de Bellas Artes de Castilla-La Mancha (Cuenca). Desde principios de la década de 1990, sus proyectos e investigaciones se han centrado en el campo de la plástica y la música por computador. Ha desarrollado numerosos proyectos tanto online como offline, individuales y colectivos (Brandenburg 3, Fuge/Lemoine, Ovum, Inexterno, El Rastro, BachPiranesi...), así como proyectos de investigación nacionales o internacionales (En la piel del otro, Yumgaga, El banquete…). Ha escrito numerosos artículos e impartido gran número de conferencias. En la actualidad, pertenece al grupo de investigación INDEVOL (Interfaces Dinámicas Evolutivas), que desarrolla proyectos de I+D+I. <www.sylviamolina.net> Juan Millares Alonso Las Palmas de Gran Canaria, 1945. Arquitecto, profesor de la Facultad de Bellas Artes de Madrid y cineasta. Ficción: guionista y director de varios cortometrajes y una serie de 13 capítulos, Mucho cuento (1990), para Televisión Española. Piezas de videocreación. No ficción: guionista y director de varios documentales. Guionista y director del largometraje Cuadernos de contabilidad de Manolo Millares (2005), I Premio de la sección de documentales de la Semana Internacional de Cine de Valladolid. Multimedia (en colaboración con Sylvia Molina): El Rastro (1996); Madrid y los Navegantes (CD-ROM, 1997). Artículos en varias publicaciones y diversas conferencias. Ha formado parte de los jurados de diversos festivales internacionales y de la Comisión de Expertos del ICAA (Instituto de Cinematografía y de las Artes Visuales) del Ministerio de Cultura.

Sylvia Molina Muro Madrid, 1968. Sylvia Molina Muro has a PhD in Fine Arts from the Complutense University in Madrid and currently teaches New Technologies and Processes at the Faculty of Fine Arts at the University of Castile-La Mancha (Cuenca). Since the early 1990s her projects and research have centred on the field of computer-assisted arts and music. She has produced numerous individual and group projects, both online and offline (Brandenburg 3, Fuge/ Lemoine, Ovum, Inextern, El Rastro, Bach-Piranesi...), as well as national and international research projects (En la piel del otro [In Another’s Skin], Yumgaga, El banquete…). She has written numerous articles and given countless lectures.She is currently a member of the INDEVOL (Evolutionary Dynamic Interfaces) research group, which develops R+D+I projects. <www.sylviamolina.net> Juan Millares Alonso Las Palmas de Gran Canaria, 1945. Juan Millares Alonso is an architect, a lecturer at the Faculty of Fine Arts in Madrid, and a film-maker. Fiction: screenwriter and director of several short films and a 13-episode television series, Mucho cuento (1990), for Televisión Española. Various videos. Non-fiction: screenwriter and director of several documentaries. Screenwriter and director of the feature film Manolo Millares’s Accounting Books (2005), which won first prize in the Documentary Section of Valladolid International Film Week. Multimedia (in association with Sylvia Molina): El Rastro (1996); Madrid and the Navigators (CD-ROM, 1997). Articles in a variety of publications and participation in several conferences. He has been a jury member at many international festivals, as well as a member of the Expert Committee of the Institute of Film and Audiovisual Arts (ICAA) of the Spanish Ministry of Culture.

Sylvia Molina & Juan Millares El Rastro, 1996. Captura de imagen del website. Screenshot of the website. © M. Molina & J. Millares.

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Lérida, 1956. Vive en Barcelona. Sus proyectos han sido presentados en el Espacio Uno del Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 1997; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 1999; 2ª Bienal Iberoamericana de Lima, 1999; MECAD/ZKM net_condition, Karlsruhe, 1999; Dapertutto en la Bienal de Venecia, 1999; Media Lounge del New Museum of Contemporary Art, Nueva York, 2001; Hamburger Banhof, Berlín, 2002; Museu d’Art Contemporani de Barcelona, 2003; P.S.1./MOMA, Nueva York, 2003; Centro Cultural de España, México DF, 2004; 1ª Bienal de Sevilla, 2004; Centre d’Art La Panera, Lérida, 2005; Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, 2005; La Casa Encendida, Madrid, 2005; Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona, 2006; Estrecho dudoso: Tráficos, Fundación Teorética, San José de Costa Rica, 2006; Centro Cultural São Paulo, 2007 y en Internet. El proyecto canal*ACCESSIBLE, en el Centre d’Art Santa Mònica, ha recibido el Premio Nacional de Artes Visuales de la Generalitat de Cataluña y el Golden Nica Digital Communities del Prix Ars Electronica de Linz, Austria 2006. En marzo de 2008 se inician las transmisiones del proyecto GENEVE*accessible por parte de un grupo de personas con discapacidades físicas de Ginebra.

Antoni Abad

Lerida, 1956. Antoni Abad currently lives in Barcelona. His projects have been exhibited at the following institutions: Espacio Uno in the Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 1997; Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, 1999; 2nd Ibero-American Biennial, Lima, 1999; MECAD/ZKM net_condition, Karlsruhe, 1999; Dapertutto at the Venice Biennial, 1999; Media Lounge at the New Museum of Contemporary Art, New York, 2001; Hamburger Banhof, Berlin, 2002; Museo d’Art Contemporani, Barcelona, 2003; P.S.1./MOMA, New York, 2003; Centro Cultural de España, Mexico City, 2004; 1st Seville Biennial, 2004; Centre d’Art La Panera, Lerida, 2005; Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, 2005; La Casa Encendida, Madrid, 2005; Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona, 2006; Estrecho dudoso: Tráficos [Doubtful Straits: Traffic] Fundación Teorética, San José de Costa Rica, 2006; Centro Cultural São Paulo, 2007, and on the Internet. The project canal*ACCESSIBLE [ACCESSIBLE Channel*] at the Centre d’Art Santa Mònica won the Visual Arts Prize awarded by the Regional Government of Catalonia and the Golden Nica Digital Communities at the Prix Ars Electronica in Linz, Austria 2006. In March 2008 a group of people with physical disabilities began a webcast of the project GENEVE*accessible [Accessible GENEVA*]. <www.zexe.net>

sitio*TAXI, 2004. Webcast audiovisual desde teléfonos móviles. Multimedia webcast from cell phones.

Proyecto / Project: Antoni Abad, México DF marzo-abril de 2004 / Mexico City, March-April 2004 Programación / Programming: Eugenio Tisselli. Sociólogo / Sociologist: Jorge Morales. Taxistas / Taxi drivers: Pedro González Mercado, Marcos Arturo González, Jorge Alberto Barrera, Arturo Olguin, Rosa María López, Pedro González Mariscal, Miguel Ángel Perea, Juan Montzi, Miguel Ángel Ortiz, José Guel, Juan Gerardo Herrera, Antonio Sabbagh, Javier Vargas, José David Morin, Eugenio Alderete, Alejandro Fabila, Alejandro García. Talleristas / Workshop coordinators: Andrea Martínez, Morelos León, Mariel Quevedo, Quetzal Castillo, Aldo Francisco Córdoba, Lucia Italia Rodríguez, José Vladimir Cortés.

Diecisiete taxistas de la Ciudad de México utilizan teléfonos celulares con cámara integrada para constituirse en cronistas de su propia realidad. En reunión preliminar, deciden sobre los canales a emitir y se asocian en equipos emisores dedicados a cada canal consensuado. Recorren espacios públicos y privados de la ciudad, y recopilan e intercambian experiencias u opiniones por medio de mensajería multimedia (audio, video, foto, texto) y de conversaciones telefónicas. sitio*TAXI es una experiencia dirigida a colectivos itinerantes y carentes de presencia activa en los medios de comunicación preponderantes. Un proyecto de red de comunicación audiovisual celular para el colectivo de taxistas de la Ciudad de México. <www.zexe.net/MEXICODF>

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Seventeen taxi drivers in Mexico City use cell phones with integrated cameras, to turn themselves into chroniclers of their own reality. At an initial meeting, they decide on which channels to webcast on, and form groups for each channel they have agreed on. They visit public and private places in the city, gathering and exchanging experiences and opinions through multimedia messaging (audio, video, photography and text) and cell phone conversations. sitio*TAXI is an experience aimed at itinerant collectives who have no active presence in existing media. A mobile, audiovisual communication network project for the taxi drivers of Mexico City. <www.zexe.net/MEXICODF>

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Antoni Abad sitio*TAXI, 2004. Taxistas transmiten desde celulares en <www.zexe.net> Comida de traje en casa de don Facundo. Tlalpan, MÊxico DF, 2004. Taxi drivers webcasting from cell phones at www.zexe.net A formal lunch at the home of Facundo. Tlalpan, Mexico City, 2004. Š A. Abad & Vegap.

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Bilbao, 1971. Aguirrezabala se licencia en Bellas Artes en 1995 (Universidad del País Vasco). A partir de este año deja la pintura y la escultura, terreno en el que había estado trabajando desde la década de 1980. Tras dos años de búsqueda, en 1997 descubre Internet, un lugar que reunía todo lo que buscaba en el arte: poder experimentar en un medio desconocido, salir de la galería y convertir al espectador en sujeto activo de la obra. En junio de 1999, funda en Bilbao la Agencia Interactiva Adclick, compañía especializada en proyectos para Internet y comunicación digital. Desde su primera pieza de net art, Easy One (1998), Aguirrezabala ha explorado el contexto de la identidad del espectador. En what:you:get (1999), se espía al usuario para configurar un perfil de su personalidad. Badplayer (2002) es un proyecto sobre monitorización de usuarios. En Scanner Game (2001), se utiliza un sistema chat donde todo lo que se habla es escaneado. En su proyecto de net art más reciente, Easyfriend (2006), investiga en formatos híbridos de cine expandido en Internet con ayuda de robots conversacionales. Su trabajo ha sido expuesto en numerosos festivales internacionales y galardonado con reconocimientos como el primer premio a la mejor obra de net art en el X Canariasmediafest (2002); premio Mobiüs Barcelona (2006); finalista Mobiüs Barcelona (2000); premio al artista revelación del Festival de Navarra (1998), entre otros. Además ha recibido becas a la producción de proyectos por parte de entidades como la Diputación Foral de Vizcaya, Caja Madrid, Mecad y Arteleku. En la actualidad investiga en el desarrollo de sistemas narrativos ficcionales de cine expandido, utilizando soportes híbridos entre cine, instalación, fotografía e Internet.

Roberto Aguirrezabala

Bilbao, 1971. Aguirrezabala graduated in Fine Arts from the University of the Basque Country in 1995. That same year he abandoned painting and sculpture, the fields he had worked in since the 1980s, and in 1997, after two years of searching for a new medium, he discovered the Internet, a place that provided everything that he hoped to find in art: the chance to experience with an unknown medium, take art out of the gallery and turn the viewer into an active subject in the work. In June 1999 he founded the Agencia Interactiva Adclick in Bilbao, a company specialising in projects for the internet and digital communication. Since his first piece of net art, entitled Easy one (1998), Aguirrezabala has explored the context of the viewer’s identity. In what:you:get (1999), the user is spied on to create a profile of his personality. Badplayer (2002) is a project about user monitoring. In Scanner game (2001), a chat system scans everything that is spoken about. Meanwhile, his most recent net art project, Easyfriend (2006), explores hybrid forms of expanded film on the internet, aided by conversational robots. His work has been exhibited at numerous international festivals and has attracted several awards, including the following: first prize for the best net art work at the 10th Canariasmediafest (2002); the Mobiüs Barcelona Prize (2006); finalist at Mobiüs Barcelona (2000); the best new talent prize at the Festival of Navarre (1998). He has also received grants to produce projects from institutions such as the Provincial Government of Biscay, Caja Madrid, Mecad and Arteleku. Currently, he is experimenting with the expanded film fictional narrative systems, using hybrid media involving film, installation, photography and the Internet.

<www.robertoaguirrezabala.com>

<www.adclick.es>

Easyfriend, 2006. Proyecto de net art. Net art project.

Dirección y guión / Direction and Script: Roberto Aguirrezabala. Producción Intérpretes | Interpreters: / Production: Adclick, S.A. y /and Babou Chan, Dardanya Diputación ForalPep de Vizcaya Intervienen / Actors: Soledad Edición | Edition: Magunagoikoetxea y Aitor Gabiola. Rafa Ruiztecnológico / Technological Desarrollo development: Adclick, S.A. Colaboración | Collaboration:

Can Xalant. Centro de Creación y Pensamiento Contemporáneo de Mataró Colección del artista Artist’s Collection

Easyfriend se propone la búsqueda de la identidad a través de la conversación. El proyecto es una inmensa comunidad poblada de robots. Utiliza la inteligencia artificial emocional para crear identidades dinámicas y configurables. El espectador, al entrar por primera vez, tiene que proyectar su deseo y lo que espera de una relación. Easyfriend se convierte, así, en un escenario de vida artificial. Paralelamente, se desarrolla una trama de ficción protagonizada por dos personajes en busca de la ansiada fusión con la proyección de su deseo. Easyfriend resulta un híbrido entre cine y net art que explora la narración en Internet. <www.easyfriend.org>

Easyfriend reflects on the quest for identity through conversation. The project revolves around a vast community populated by robots, using artificial emotional intelligence to create dynamic, configurable identities. On entering the project for the first time, the viewer is asked to define his request and what he expects from a relationship. Easyfriend therefore becomes a setting for artificial life. At the same time, a fictional plot unfolds in which two characters desperately seek to match up their requests. Easyfriend is a hybrid of film and net art that explores narrative techniques on the Internet. <www.easyfriend.org>

p. 577

Roberto Aguirrezabala Easyfriend, 2006. Captura de imágenes de la web. Screenshots of the web. © R. Aguirrezabala.

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Roberto Aguirrezabala

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Madrid, 1960. Artista, investigador y teórico. Consultor titulado en nuevas tecnologías aplicadas a la comunicación. Fue fundador y director artístico del departamento de Realidad Virtual y Ciberespacio del Instituto de Artes y Tecnologías, Universidad de San Francisco de Madrid (1995). Comisario de la I y II Muestra de Arte Contemporáneo MAC. Ha realizado manifestaciones artísticas, performances, obras conceptuales, instalaciones, etc., en países como los Estados Unidos, México, Guatemala, Kenia, Tanzania, la India y Nepal. Creador de música cibernética asintónica. Ha colaborado como profesor de prácticas en el Departamento de Psiquiatría de la Universidad Autónoma de Madrid, en la especialidad de Realidad Virtual, Aplicaciones Clínicas y Terapéuticas. Ha impartido conferencias en importantes congresos y eventos nacionales e internacionales. Creador de la primera sala de realidad virtual permanente en España en la cripta de la iglesia de Santa Cruz, Cuenca. Pionero mundial en la implementación al arte del sistema de aura cromática humana con sistemas cibernéticos de generación de imagen en tiempo real. En la última década, su trabajo se ha centrado en la fusión del arte y la ciencia a través de sistemas de retroalimentación humano-máquina, señales bioenergéticas de interacción mental y teletransportación de auras y energías al espacio. Trabaja en la instalación Tecnotelepatías. Dirige Electronic Art Internacional Productions.

Jesús Alido

Madrid, 1960. An artist, researcher and theoretician, as well as a qualified consultant in new communication technologies, Jesús Alido founded and was the artistic director of the Virtual Reality and Cyberspace Department at the Institute of Arts and Technology, University of San Francisco in Madrid (1995). He also curated the 1st and 2nd editions of the MAC Exhibition of Contemporary Art. He has produced a variety of artistic manifestations, including performances, conceptual works, installations, etc., in countries such as the United States, Mexico, Guatemala, Kenya, Tanzania, India and Nepal, and has composed asyntonic cybernetic music. He has collaborated as a practicals teacher in the Psychiatry Department of the Autonomous University of Madrid, specialising in the field of Virtual Reality, Clinical and Therapeutic Applications. He has presented papers at major national and international conferences and events. He also created Spain’s first permanent virtual reality room in the crypt at the Church of Santa Cruz, Cuenca. He was one of the first people in the world to apply the human chromatic aura system to art, using cybernetic systems for generating images in real time. Over the last decade his work has focused on the fusion of art and science through human-machine feedback systems, bioenergetic signals of mental interaction and the teleportation of auras and energies to space. He is currently working on an installation entitled Tecnotelepatías [Technotelepathies] and directs Electronic Art International Productions. <www.alido.com>

Jugant amb Carme (Jugando con Carmen) [Playing with Carme], 1995. Performance y videoinstalación en circuito cerrado con sistema de bucle interactivo. Presentación online (2008). Performance and closed circuit video installation with an interactive loop. Online presentation (2008).

Autor / Author: Jesús Alido. Performer / Performer: Carme Viñas. Producción del sitio web/ Website production: Electronic Art International Productions.

La obra fue concebida, producida y expuesta en la QUAM del Castillo de Montesquiu, en el Taller de Galería Virtual. El espacio virtual generado por Alido se realizó para un encuentro con el mundo interior de Carme V. with Weinbergen bajo el epígrafe: “Mucho antes que alguna de las dos se conocieran, ya se pertenecían.” En este espacio y sirviendo de la intermediación de la tecnología, Carme se encuentra con su yo virtual y aprende a contemplarse, acariciarse, besarse y amarse en un plano místico estrictamente personal. La obra se presenta en una nueva versión online.

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The work was conceived, produced and exhibited at the QUAM Castillo de Montesquiu [Castle of Montesquiu Art Fortnight], as part of the Virtual Gallery Workshop. The virtual space generated by Alido was produced for an encounter with the inner world of Carme V. with Weinbergen under the following epigraph: “Long before either of them met, they already belonged to each other.” In this space, and thanks to the use of technology, Carme meets her virtual alter ego and learns to look at, caress, kiss and love herself on a strictly personal mystical plane. The work is presented in a new online version.

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Jesús Alido Jugant amb Carme (Jugando con Carmen), 1995. Fotografía de la performance. Photo of the performance. Fotografía / Photo: Jesús Alido. © J. Alido.

Jesús Alido

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Realidades virtuales

Virtual Realities

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Véase biografía See biography, p. 532

Maite Cajaraville What’s happening in my living-room?, 2000-2008. Net happening. Net happening.

Colección MEIAC. MEIAC Collection.

En febrero de 2000, durante ARCO’00, Maite Cajaraville invitó a DJ, músicos, técnicos de redes, de sonido, performers, visitantes, etc., para que organizaran en su apartamento madrileño una sesión casi continua de música y diversión. Tenían sesiones de seis horas de sonidos y vídeo retransmitidas en directo, que podían ser vistas y escuchadas online en el stand del MEIAC en la feria. El planteamiento consistía en mostrar el poder de la red como medio de difusión de ideas creativas y regeneradoras, activistas y reivindicativas, en lo que fue una de las primeras manifestaciones ad hoc de la televisión personal en España.

El discreto encanto de la tecnología. Artes en España

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In February 2000, during the celebration of the Madrid Contemporary Art Fair, ARCO’00, Maite Cajaraville invited a series of DJs, musicians, network technicians, sound technicians, performers, visitors to the fair, etc., to organise a virtually non-stop music and fun session in her Madrid apartment. The resulting sound and video six-hour sessions were broadcast live so that they could be watched and listened to online at the MEIAC stand at the fair. One of the first ad hoc manifestations of personal television in Spain, the project set out to illustrate the power of the net as a method for disseminating creative and innovative ideas, as well as serving as a vehicle for activism and the assertion of particular claims and rights.

The Discreet Charm of Technology. Arts in Spain

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Maite Cajaraville What’s happening in my living-room?, 2000-2008. Captura de imágenes de la web. Screenshots of the web. © M. Cajaraville & MEIAC.

Maite Cajaraville

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Realidades virtuales

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Valladolid, 1965. Vive y trabaja en Bruselas. Su interés se centra en la creación de situaciones que alteren la relación tradicional entre artista, obra y espectador. Su obra se caracteriza por un fuerte contenido conceptual que, partiendo de los más diversos soportes creativos, investiga en la construcción de ficciones para descodificar las infinitas relaciones que se producen entre el sujeto y el contexto en el que se ve inmerso. Transitando continuamente sobre el sutil límite que separa lo real y lo irreal, sus obras reflexionan en torno a la búsqueda de una identidad, que sólo se hace posible como fruto del proceso de negociación del individuo con su entorno, produciendo un estado de mutua dependencia que hace indisociables al uno del otro. Desde 1999, ha creado varios trabajos para la web: Lifetime Soundtrack, 1997; Heart Beat, 1999; The Tunnel People, 2000; Insertos en tiempo real, 2001; La esfinge... Ha expuesto en Manifesta, Luxemburgo, 1998; Arco Project Rooms, Madrid, 2000; Bienal de Estambul, 2003; MACBA, Barcelona, 2003; Museo Patio Herreriano, Valladolid, 2004; el FRAC Lorraine (Francia), 2004; MUSAC, León, 2005; MNCARS, Madrid, 2006; Skulptur Projekte de Münster, 2007. Ha participado en festivales como el Rotterdam Film Festival (Holanda) 2004; Monocanal, MNCARS, Madrid, 2003; Trasvaseo, en el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (Argentina), 2000. Ha impartido cursos y conferencias en varios universidades y museos internacionales.

Dora García

Valladolid, 1965. Dora García lives and works in Brussels. Her interest focuses on the creation of situations that alter the traditional relationship between artist, work and viewer. Her work is characterised by its strong conceptual content, which through the use of several creative mediums explores the construction of fictions as a means of decoding the infinite relations between subject and context. Continuously treading the subtle boundary between the real and the unreal, her works explore the quest for identity, which is only possible through the individual’s negotiation with her environment, thereby establishing a state of mutual dependence and an inextricable link between the two. Since 1999, she has created various works for the web: Lifetime Soundtrack, 1997; Heart Beat, 1999; The Tunnel People, 2000; Immersed in Real Time, 2001; The Sphinx, and others. Her work has been exhibited at Manifesta, Luxembourg, 1998; in the Arco Project Rooms, Madrid, 2000; at the Istanbul Biennial, 2003; at the MACBA, Barcelona, 2003; at the Museo Patio Herreriano, Valladolid, 2004; at the FRAC Lorraine (France), 2004; at the MUSAC, León, 2005; at the MNCARS, Madrid, 2006; and at the Skulptur Projekte in Münster, 2007. She has participated in festivals such as the Rotterdam Film Festival (Holland) 2004; Mono-channel, MNCARS, Madrid, 2003; and Trasvaseo at the Museum of Contemporary Art of Buenos Aires (Argentina), 2000. She has given courses and talks at several international universities and museums. <www.danielcanogar.com> <www.doragarcia.net>

Heart Beat, 1999. Aplicación web interactiva, v. 4.2, 800 x 600. Interactive web application, v. 4.2, 800 x 600.

Colección MEIAC. MEIAC Collection.

Real Player G2. Producción / Production: w3art.

Uno de los primeros ejemplos de narrativa multipolar, aborda la hipotética tendencia de jóvenes decididos a escuchar sólo su propio corazón, mediante aparatos que graban y reproducen sus sonidos. La pieza puede organizarse mentalmente a partir de varios recorridos, que dependen solamente de la decisión del visitante de la web, viajando a través de diferentes textos encadenados por palabras. Pretende mostrar los conceptos básicos que condicionan la supervivencia en el mundo de hoy. La pérdida de identidad, la música como comunicación y la libertad frente a los condicionamientos externos se combinan en este viaje a través de los latidos de millones de corazones.

El discreto encanto de la tecnología. Artes en España

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One of the first examples of multipolar narrative, this work reflects on the hypothetical tendency of young people to listen just to their own heart, using equipment to record and reproduce their sounds. The piece can be mentally articulated around several itineraries, decided by the web visitor, journeying through a series of different texts linked by words. The aim of the work is to illustrate the basic concepts that condition survival in today’s world. The loss of identity, music as a form of communication and freedom from external influences all combine in this journey through the beats of millions of hearts.

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Dora García Heart beat, 1999. Captura de imágenes de la web. Screenshots of the web. © D. García & MEIAC.

Dora García

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Realidades virtuales

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ApĂŠndice Appendix

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Participantes especiales / Special participants Página / page 424

Ramon Llull

450

Santiago Ramón y Cajal

Artistas participantes / Artists Página / page 574

Antoni Abad

512

Isabel Herguera

576

Roberto Aguirrezabala

514

Concha Jerez & José Iges

496

Pilar Albarracín

571

Jodi

438

José Luis Alexanco

544

Miquel Jordà

474

Abu Ali * Toni Serra

442

Joan Leandre

578

Jesús Alido

444

Rafael Lozano-Hemmer

530

Julián Álvarez García

466

Moisés Mañas

500

Marcel·lí Antúnez Roca

476

Eugènia Balcells

434

Manuel Barbadillo

516

Anna Miquel

440

Eugeni Bonet

552

Miralda

Bressemer & Alia

573

Sylvia Molina & Juan Millares

Pepe Buitrago

518

Jordi Moragues

Maite Cajaraville

554

Muntadas

462

Daniel Canogar

556

Thomas Nölle

464

Gustavo Caprín

572

Victor Nubla

570

Nilo Casares & Bernardo Tejeda

468

Daniel Palacios Jiménez

520

Ignacio Pardo

571 502 532 / 580

548

Iván Marino Enrique Marty

504

Javier Codesal

534

Salvador Dalí & José Montes-Baquer

558

Joan Rabascall

486

Benet Rossell

536

Pep Dardanyà

560

Francisco Ruiz de Infante

478

Juan Carlos Eguillor

522

Carmen F. Sigler

480

Equipo 57

470

Agueda Simó

538

Lluís Escartín

488

José Antonio Sistiaga

Evru

562

Francesc Torres

540

Joan Fontcuberta

490

José Val del Omar

582

Dora García

564

Eulàlia Valldosera

482

Pedro Garhel

524

Begoña Vicario

542

Marisa González

526

Wolf Vostell

508 / 569

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446 / 546

484 / 569

Carles Pujol

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Obras en la exposición | Works in the exhibition

(Ca: Colección del artista | Collection of the artist)

Participantes especiales Special participants

Ramon Llull | Opuscula varia | Siglo XVI [16th century] | Figura principiorum formae aquaeitatis | Signatura topográfica [Topographical catalogue number]: &. IV. 6, f.81r | 203 x 145 mm | Reproducción [Reproduction] | Biblioteca El Escorial, Madrid

Ramon Llull

Santiago Ramón y Cajal

Ramon Llull | Ars brevis | Final del siglo XIV [Late 14th century] | Signatura topográfica [Topographical catalogue number]: f-IV-12. Fol. 3r | 177 x 127 mm | Reproducción [Reproduction] | Biblioteca El Escorial, Madrid

Santiago Ramón y Cajal | Pirámide gigante profunda de la circunvolución frontal ascendente del hombre [Giant deep pyramid of the ascending frontal convolution in man] | h. [c.] 1899 | Dibujo a mano [Hand drawing] | 25,0 x 15,5 cm [irreg.] | Reproducción [Reproduction]: 50,0 x 31,0 cm | Herederos Santiago Ramón y Cajal | Depositario [Deposit]: Instituto Cajal (CSIC, Consejo Superior de Investigaciones Científicas)

Ramon Llull | Ars brevis | Final del siglo XIV [Late 14th century] | Signatura topográfica [Topographical catalogue number]: f-IV-12. Fol. 4r | 177 x 127 mm | Reproducción [Reproduction] | Biblioteca El Escorial, Madrid Ramon Llull | Ars brevis | Final del siglo XIV [Late 14th century] | Signatura topográfica [Topographical catalogue number]: f-IV-12. Fol. 6r | 177 x 127 mm | Reproducción [Reproduction] | Biblioteca El Escorial, Madrid Ramon Llull | Ars brevis | Final del siglo XIV [Late 14th century] | Signatura topográfica [Topographical catalogue number]: f-IV-12. Fol. 7r | 177 x 127 mm | Reproducción [Reproduction] | Biblioteca El Escorial, Madrid Ramon Llull | Opuscula varia | Siglo XVI [16th century] | Ars inveniendi particularia in universalibus [fragmentos / extracts]. Duae figurae Dei | Signatura topográfica [Topographical catalogue number]: &. IV. 6, f.11r | 203 x 145 mm | Reproducción [Reproduction] | Biblioteca El Escorial, Madrid Ramon Llull | Opuscula varia | Siglo XVI [16th century] | Ars inveniendi particularia in universalibus [fragmentos/extracts]. Duae figurae philosophiae | Signatura topográfica [Topographical catalogue number]: &. IV. 6, f.14r | 203 x 145 mm | Reproducción [Reproduction] | Biblioteca El Escorial, Madrid Ramon Llull | Opuscula varia | Siglo XVI [16th century] | Ars inveniendi particularia in universalibus [fragmentos/extracts]. Dist. III, desumptae | Signatura topográfica [Topographical catalogue number]: &. IV. 6, f.16r | 203 x 145 mm | Reproducción [Reproduction] | Biblioteca El Escorial, Madrid Ramon Llull | Opuscula varia | Siglo XVI [16th century] | Ars demonstrativa [fragmentos/ extracts]. Delineatio, complectens figuras A et T figuras II, III, IV (In medio manus delineata est cuius digiti exhibent alphabetum.) | Signatura topográfica [Topographical catalogue number]: &. IV. 6, f.79v | 203 x 145 mm | Reproducción [Reproduction] | Biblioteca El Escorial, Madrid

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Santiago Ramón y Cajal | Pequeñas pirámides y células estrelladas del cerebro motor del hombre [Small pyramids and star-shaped cells of the motor brain in man] | h. [c.] 1899 | Dibujo a mano [Hand drawing] | 14,0 x 15,5 cm [irreg.] | Reproducción [Reproduction]: 50,0 x 55,5 cm | Herederos Santiago Ramón y Cajal | Depositario [Deposit]: Instituto Cajal (CSIC, Consejo Superior de Investigaciones Científicas) Santiago Ramón y Cajal | Capas primera y segunda de la corteza olfativa de la circunvolución del hipocampo del niño [1st and 2nd layers of the olfactory cortex in the hippocampal convolution of a child] | h. [c.] 1901 | Dibujo a mano [Hand drawing] | 20,1 x 16,0 cm [irreg.] | Reproducción [Reproduction]: 50,0 x 40,0 cm | Herederos Santiago Ramón y Cajal | Depositario [Deposit]: Instituto Cajal (CSIC, Consejo Superior de Investigaciones Científicas) Santiago Ramón y Cajal | Esquema de la estructura y las conexiones del hipocampo [Diagram of the hippocampal structure and connections] | h. [c.] 1901 | Dibujo a mano [Hand drawing] | 15,0 x 24,0 cm [irreg.] | Reproducción [Reproduction]: 50,00 x 78,85 cm | Herederos Santiago Ramón y Cajal Santiago Ramón y Cajal | Célula de Purkinje del cerebelo humano [Purkinje cell of the human cerebellum] | h. [c.] 1899 | Dibujo a mano [Hand drawing] | 15,5 x 10,7 cm [irreg.] | Reproducción [Reproduction]: 50,0 x 34,5 cm | Herederos Santiago Ramón y Cajal | Depositario [Deposit]: Instituto Cajal (CSIC, Consejo Superior de Investigaciones Científicas) Santiago Ramón y Cajal | Cerebro humano visto por la cara ventral [Ventral view of the human brain] | h. [c.] 1890 | Fotografía. Papel a la albúmina [Photograph. Albumin paper] | 9,1 x 6,0 cm | Reproducción [Reproduction]: 70,0 x 46,3 cm | Herederos Santiago Ramón y Cajal | Depositario [Deposit]: Instituto Cajal

(CSIC, Consejo Superior de Investigaciones Científicas) Santiago Ramón y Cajal | Microfotografías estereoscópicas de células piramidales y neuronas del ganglio simpático [Stereoscopic microphotographs of pyramidal cells and neurons in the sympathetic ganglion] | h. [c.] 1918 | Fotografía. Papel al gelatino-bromuro [Photograph. Gelatine bromide paper] | 20,6 x 15,9 cm | Reproducción [Reproduction]: 70,0 x 52,4 cm | Herederos Santiago Ramón y Cajal | Depositario [Deposit]: Instituto Cajal (CSIC, Consejo Superior de Investigaciones Científicas) Santiago Ramón y Cajal | Microfotografías estereoscópicas de la médula espinal y del cerebelo [Stereoscopic microphotographs of the spinal cord and cerebellum] | h. [c.] 1918 | Fotografía. Papel al gelatino-bromuro [Photograph. Gelatine bromide paper] | 20,7 x 15,9 cm | Reproducción [Reproduction]: 70,0 x 53,7 cm | Herederos Santiago Ramón y Cajal | Depositario [Deposit]: Instituto Cajal (CSIC, Consejo Superior de Investigaciones Científicas) Santiago Ramón y Cajal | Microfotografías biplanares de la médula espinal y de un ganglio raquídeo [Biplanar microphotographs of the spinal cord and a ganglion rachidien] | h. [c.] 1918 | Fotografía. Papel al gelatino-bromuro [Photograph. Gelatine bromide paper] | 20,20 x 14,50 cm | Reproducción [Reproduction]: 70,00 x 49,86 cm | Herederos Santiago Ramón y Cajal | Depositario [Deposit]: Instituto Cajal (CSIC, Consejo Superior de Investigaciones Científicas) Santiago Ramón y Cajal | Neuronas piramidales de la capa V de la corteza cerebral de un gato [Layer V pyramidal neurons in the cerebral cortex of a cat] | h. [c.] 1921 | Fotografía. Preparación: Método de Golgi. Microfotografía digital: AN 0,75, 20x | [Photograph. Preparation: Golgi method. Digital microphotograph: NA 0.75, 20x] | 26,00 x 39,00 cm | Reproducción [Reproduction]: 120,00 x 62,33 cm | Herederos Santiago Ramón y Cajal | Depositario [Deposit]: Instituto Cajal (CSIC, Consejo Superior de Investigaciones Científicas) Santiago Ramón y Cajal | Motoneurona de la médula espinal de un gato cortada transversalmente [Cross section of a motor neuron in the spinal cord of a cat] | h. [c.] 1903 | Fotografía. Preparación: Método de nitrato de plata reducido. Microfotografía digital: AN 1,4; 60x [Photograph. Preparation: Reduced nitrate silver method. Digital microphotograph: NA 1.4; 60x] | 33,64 x 29,00 cm | Reproducción [Reproduction]: 103,47 x 120,00 cm | Herederos Santiago Ramón y Cajal | Depositario [Deposit]: Instituto Cajal (CSIC, Consejo Superior de Investigaciones Científicas)

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Obras en la exposición | Works in the exhibition

Artistas (Ca: Colección del artista) Artists (Ca: Collection of the artist)

Julián Álvarez García | El Ring [The Ring] | 1989 | Vídeo monocanal [Mono-channel video] | 12'00" | Colección [Collection]: MEIAC

Antoni Abad | sitio*TAXI | 2004 | net art | Ca

Marcel·lí Antúnez Roca | DMD Europa | 2007 | Instalación audiovisual interactiva [Interactive audiovisual installation] | Ca

Roberto Aguirrezabala | Easyfriend | 2006 | net art | Ca Pilar Albarracín | Bailaré sobre tu tumba [I Will Dance on Your Grave] | 2004 | Videoperformance monocanal [Mono-channel video performance] | 7'04" | Ca Pilar Albarracín | Ritual y trance (o La cabra) [Ritual and Trance (or The Goat)] | 2001 | Videoperformance monocanal [Mono-channel videoperformance] | 3'20" | Ca José Luis Alexanco | Plata [Silver] | 1968 | Forma origen fundida en plata [Original form cast in silver] | 15,0 x 15,0 x 15,0 cm | Ca José Luis Alexanco | Rodajas de escayola [Plaster Slices] | 1969 | Forma origen cortada en rodajas de escayola [Original form cut into plaster slices] | 25,0 x 40,0 x 6,0 cm | Ca José Luis Alexanco | Rodajas de metacrilato [Methacrylate Slices] | 1969 | Forma origen cortada en rodajas de metacrilato [Original form cut into methacrylate slices] | 25,0 x 40,0 x 6,0 cm | Ca José Luis Alexanco | Paquete de fichas para IBM 360 [Packet of cards for IBM 360] | 1970 | Programa y datos para procesar [Program and data for processing] | Ca José Luis Alexanco | Mouvnt X | 1972 | Metacrilato resultado de ordenador [Methacrylate computer output] | 15,0 x 15,0 x 15,0 cm | Ca José Luis Alexanco | Mouvnt XX | 1972 | Metacrilato resultado de ordenador [Methacrylate computer output] | 15,0 x 15,0 x 15,0 cm | Ca José Luis Alexanco | Organigramas del programa 1/3; 2/3; 3/3 [Computer flow charts 1/3; 2/3; 3/3] | 1973 | Montajes fotográficos [Photographic montages] | Dimensión variable [Dimension variable] | Ca Abu Ali * Toni Serra | Wahab, Tánger [Wahab, Tangier] | 1994 | 3'00" | Colección [Collection]: MEIAC

Eugènia Balcells | Anar-hi anant (Ir yendo) [On and On] | 2000 | Instalación audiovisual [Audiovisual installation] | Colección [Collection]: MEIAC Manuel Barbadillo | Ameroz | periodo 1968–1979 [period 1968–1979] | Acrílico sobre tela [Acrylic on canvas] | 120 X 120 cm | Colección [Collection]: Jane Weber Manuel Barbadillo | Enera | periodo 1968–1979 [period 1968–1979] | Acrílico sobre tela [Acrylic on canvas] | 120 X 120 cm | Colección [Collection]: Jane Weber Manuel Barbadillo | Seneiya | periodo 1968–1979 [period 1968–1979] | Acrílico sobre tela [Acrylic on canvas] | 60 X 60 cm | Colección [Collection]: Jane Weber Manuel Barbadillo | Casira-estudio | periodo 1968–1979 [period 1968–1979] | Acrílico sobre tela [Acrylic on canvas] | 60 X 60 cm | Colección [Collection]: Jane Weber Manuel Barbadillo | Articulaciones modulares [Modular Articulations] | 1969 | Ocho impresiones sobre papel, aproximadamente 28 x 24 cm cada módulo [8 printouts on paper, each module approx. 28 x 24 cm] | Colección [Collection]: Jane Weber Manuel Barbadillo | Articulaciones modulares [Modular Articulations] | 1969 | Seis impresiones sobre papel [6 printouts on paper] | aproximadamente 24,1 x 28,0 cm cada módulo; total 24,1 x 167,5 cm [each module approx. 24,1 x 28,0 cm; total 24,1 x 167,5 cm] | Colección [Collection]: Jane Weber

Daniel Canogar | Teratologías [Teratologies] | 2001 | Instalación audiovisual. Fibra óptica, generador de luz, 24 terminales zoom, 24 diapositivas [Fibre optic cable, light generator, 24 zoom terminals, 24 slides] | Ca Gustavo Caprín | Ejercitaciones sobre la electricidad [Exercises on Electricity] | 2006 | Videoinstalación para ocho canales [Video installation for eight channels] | Colección [Collection]: CAM, Arte Contemporáneo de la Caja de Ahorros del Mediterráneo Nilo Casares & Bernardo Tejeda | Recurrente [Recurrent] | 1996 | web art | Ca Javier Codesal | Campana de Huesca [Huesca Bell] | 2001 | Vídeo monocanal. Proyección vertical y repetido en sinfín [Mono-channel video. Vertical loop projection] | 2'08" | Ca Javier Codesal | Lectura de manos [Palm Reading] | 2002 |Vídeo monocanal, proyección [Monochannel video, projection] | 15'43" | Ca Salvador Dalí & José Montes-Baquer | Impressions de la Haute Mongolie. Hommage à Raymond Roussel (Impresiones de la Mongolia Interior. Homenaje a Raymond Roussel) [Impressions of Upper Mongolia. Hommage to Raymond Roussel] | 1974 –1975 | Película. Formato electrónico 2 pulgadas a partir de 35 mm y super 16 mm [Film, 2-inch electronic format based on 35 mm and Super 16 mm] | 48'16" | Polyphon Film- und Fernsehgesellschaft mbH. Pep Dardanyà | Transpam | 2007 | Videoinstalación [Video installation] | Ca Juan Carlos Eguillor | Menina [Maid of Honour] | 1986 | Animación por ordenador [Computer animation] | 13'00" | Colección [Collection]: Fundesco

Eugeni Bonet | Usession | 2002 | Videoinstalación. Tres videoproyecciones, dos canales, bucles de 6'50" [Video installation. Three video projections, two-channels, 6'50" loop] | Ca

Equipo 57 | Film experiencia I. Base teórica: interactividad del espacio plástico [Film Experience I. Theoretical Base: The Interactivity of Plastic Space] | 1957 | Película animación 35 mm, mudo, color [Animation film 35 mm, silent, colour] | 6'51" | Archivo Filmoteca de Andalucía. Depósito [Deposit]: Equipo 57

Bressemer & Alia | Manos lunares [Lunar Hands] | web art | Ca

Lluís Escartín | Texas Sunrise | 2002 | Vídeo monocanal [Mono-channel video] | 17'20" | Ca

José Buitrago | Nadie es Nadie (él-ella) [Nobody is Nobody (He-She)] | 2006 | Holoesculturas. Hologramas, hierro y cristal [Holosculpture. Holograms, iron and glass] | 200 x 100 x 50 cm | Ca

Evru | IUVRA | 2005 | Imagen digital sobre soporte de aluminio siliconado [Digital image on aluminium silicate] | 190 x 120 cm | Ca

Abu Ali * Toni Serra | Last Night Dikr, Duar Msuar | 2006 | 7'00" | Colección [Collection]: MEIAC

Maite Cajaraville | IA. Inocencia artificial [AI. Artificial Innocence] | 2001 | Vídeo monocanal [Mono-channel video] | 2'10" | Ca

Evru | VERUDO | 2005 | Fotografía. Imagen digital en soporte de aluminio siliconado [Digital image on aluminium silicate] | 190 x 120 cm | Ca

Jesús Alido | Jugant amb Carme (Jugando con Carme) [Playing with Carme] | 1995–2008 | videoperformance online | Ca

Maite Cajaraville | What's happening in my living room? | 2000–2008 | web art | Colección [Collection]: MEIAC

Evru | VRODO | 2005 | Imagen digital sobre soporte de aluminio siliconado [Digital image on aluminium silicate] | 190 x 120 cm | Ca

Obras en la exposición

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Works in the exhibition

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Obras en la exposición | Works in the exhibition

Evru | YOLADIS | 2005 | Fotografía digital sobre soporte de aluminio siliconado [Digital image on aluminium silicate] | 126 x 190 cm | Ca Evru (Zush) | IKELA | 1996 | web art | Ca Joan Fontcuberta | Zoography | 1994 | Instalación audiovisual [Audiovisual installation] | Ca Dora García | Heart Beat | 1999 | net art | Colección [Collection]: MEIAC Pedro Garhel | La región central [The Central Region] | 1994 | Videoinstalación de cuatro canales [Four-channel video installation] | Colección [Collection]: MEIAC Marisa González | Controles de seguridad [Security Controls] | 2004 | Seis cajas de luz [Six light boxes] | 60 x 10 x 32 cm cada [each] | Ca Isabel Herguera | Spain Loves You | 1987 | Animación de recortables, collage, 16 mm [Cut-out animation, collage, 16 mm] | 5'00'' | Ca Concha Jerez & José Iges | Persona: probador [Person: Fitting Room] | 2005–2008 | Ambiente intermedia [Cross-media environment] 244 x 122 x 244 cm | Ca Jodi (Joan Heemskerk & Dirk Paesmans) | Cache | 1996 | web art | Ca Miquel Jordá | Hotels | 2004 | Instalación, fotografía, vídeo, audio [Installation, photography, video, audio] | Ca Joan Leandre | retroyou_nostalg2 fS3k Far Spammers of the Third Kind* | 2003/2004– 2008 | Software art | Colección [Collection]: MEIAC Rafael Lozano-Hemmer | 33 preguntas por minuto. Arquitectura Relacional 5 [33 Questions per Minute. Relational Architecture 5] | 2000–2001 | Instalación. Micropantallas LCD, ordenador portátil y conversor [Installation. Tiny LCD screens, laptop and converter] | Colección [Collection]: MUSAC Moisés Mañas | WIN-D [World·In·Now]-Data | 2007 | Instalación audiovisual on-line controlada mediante datos meteorológicos variables en tiempo real [Online audiovisual installation controlled by variable meteorological data in real time] | Ca Iván Marino | Pn=n! | 2006–2007 | Videoinstalación computarizada basada en sistema generativo. Dataproyector, pantalla y ordenador [Computerised video installation based on a generative system. Data projector, screen and computer] | Colecciones [Collections]: MEIAC; CAM, Caja de Ahorros del Mediterráneo Iván Marino | Sangue | 2006–2007 | Videoinstalación computarizada basada en

El discreto encanto de la tecnología. Artes en España

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sistema generativo. Dataproyector, pantalla y ordenador [Computerised video installation based on a generative system. Data projector, screen and computer] | Colecciones [Collections]: MEIAC; CAM, Caja de Ahorros del Mediterráneo Enrique Marty | Lección de tiro [Shooting Lesson] | 2005–2007 | Vídeo monocanal [Mono-channel video] | 3'40" | Ca Enrique Marty | Duelo [Duel] | 2007 | Animación a partir de 1216 acuarelas, vídeo monocanal [Animation comprising 1216 watercolours, mono-channel video] | 3'40" | Ca Anna Miquel | Gnocchi, el inconformista [Gnocchi, the Non-conformist] | 1975 | Animación. Dibujo, collage y acetato sobre papel milimetrado. Película súper 8, 16 mm y 35 mm [Animation. Drawing, collage and acetate on graph paper. Film in super 8, 16 mm and 35 mm] | Ca Miralda | Honeymoon Top | 1986 | Vídeo monocanal [Mono-channel video] | 4'45" | Ca Sylvia Molina & Juan Millares | El Rastro [The Rastro] | 1996 | web art | Ca Jordi Moragues Massanet | The Hit | 1994 | Animación por ordenador [Computer-assisted animation] | 3'28” | Ca Antoni Muntadas | On Translation: Listening | 2005 | Videoinstalación, proyección en loop. Medidas variables [Video installation, loop projection. Dimensions variable] | Colección [Collection]: MEIAC Thomas Nölle | El salto del ángel (Qué será, será...) [Angel‘s Leap (Whatever Will Be, Will Be...)] | 2008 | Videoinstalación de tres canales [Three channel video installation] | Ca Victor Nubla | Método de composición objetiva [Method of Objective Composition] | 1996 | web art | Ca Daniel Palacios Jiménez | Waves | 2006 | Instalación cinética interactiva [Interactive kinetic installation] | 130 x 45 x 600 cm | Ca Ignacio Pardo Tránsito [Transit] | 1988 | Vídeo monocanal [Mono-channel video] | 6'20" | Ca Carles Pujol | Malevich | 1996 | Instalación audiovisual en circuito cerrado [Closed circuit audiovisual installation] | Ca Carles Pujol | E.F.I. | 1996 | web art | Ca

Francisco Ruiz de Infante | La edad de las serpientes [The Age of Snakes] | 2002–2007 | Instalación audiovisual con tres canales de sonido, cinco canales de vídeo en bucle, dos canales de imagen en circuito cerrado. Aprox. 6 m x 4 m [Audiovisual installation with three sound channels, five looped video channels, and two closed circuit image channels. Approx. 6 m x 4 m] | Ca Carmen F. Sigler | Mamá fuente [Mummy Fountain] | 2006 | Videoinstalación con monitor de 32" y fotografía 180 x 96 cm [Video installation with a 32" screen and a 180 x 96 cm photograph] | Ca Agueda Simó | JCC revisited, Brain Research II | 2007 | Instalación interactiva [Interactive installation] | Ca José Antonio Sistiaga | Impresiones en la alta atmósfera [Impressions from the Upper Atmosphere] | 1988–1989 | 70 mm/ 15 perforaciones, color, sonora [70 mm/15 perforations, colour, sound] | 7'00" | Colección [Colection]: MEIAC Francesc Torres | Soliloquio de la felicidad [Soliloquy on happiness] | 2000 | Instalación. Candelabros, caja electrónica de regulación de luz, vaso con agua y pista de sonido [Installation. Chandeliers, electronic box for light regulation, glass water and sound track] | Ca José Val del Omar | Aguaespejo granadino (La gran siguiriya) [Water-Mirror of Granada (The Great Siguiriya)] | 1953–1955 | Película 35 mm, BN, dolby SR [35 mm film, B&W, Dolby SR] | 23'00" | Herederos José Val del Omar José Val del Omar | Fuego en Castilla (Táctil Visión del páramo del espanto) [Fire in Castile (Tactile Vision of the Plateau of Fright)] | 1958– 1960 | Película 35 mm, BN y color, dolby SR [35 mm film, B&W and colour, Dolby SR] | 17'00" | Herederos José Val del Omar José Val del Omar | Acariño galaico (De barro) [Galician Caress (Of Clay)] | 1961, 1981–1982, 1995 | Película 35 mm, BN, dolby SR [35 mm film, B&W, Dolby SR] | 24'00" | Herederos José Val del Omar Eulàlia Valldosera | Relationships#1 | 1997 | Instalación audiovisual, proyección diapositivas, mobiliario [Audiovisual installation, slide projection, furniture] | 4,80 x 7,70 m | Ca

Joan Rabascall | Import-Export | 2001 | CD-ROM multimedia [Multimedia CD-ROM] | Ca

Begoña Vicario | Haragia (Carne humana) [Human Flesh] | 1998 | Película, 35 mm [35 mm film] | 12'00" | Ca

Benet Rossell | 1000 a Miró [1000 to Miró] | 1993 | Animación [Animation] | 16'36" | Colección [Collection]: MEIAC

Wolf Vostell | TV Rebaño [TV Herd] | 1989 | Videoperformance [Video performance] | 2'00" | TVE, S.A.

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Biografías de los comisarios | Curator’s biographies

Claudia Giannetti

Antonio Franco

Peter Weibel

Investigadora en los ámbitos del arte contemporáneo y del media art. Comisaria de exposiciones, teórica y escritora. Doctora por la Universidad de Barcelona en la especialidad de estética digital. Ha sido directora de la Asociación de Cultura Contemporánea L’Angelot, del MECAD\Media Centre d’Art i Disseny, ambos de Barcelona, y del Canariasmediafest, Festival Internacional de Artes y Culturas Digitales de Gran Canaria. Como curadora, ha comisariado desde 1988 más de un centenar de actividades, entre exposiciones, congresos y eventos en museos e instituciones nacionales e internacionales. Ha impartido conferencias, clases y seminarios en varios paises. Desde 1995, ha sido profesora en universidades de Barcelona y Lisboa. Ha publicado diversos libros, entre otros: Arte en la era electrónica – Perspectivas de una nueva estética (1997); Ars Telematica (1998); Estética digital – Sintopía del arte, la ciencia y la tecnología (2002); y La razón caprichosa en el siglo XXI (2006).

Historiador y crítico de arte, es director del MEIAC, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, desde donde ha impulsado la realización de importantes iniciativas relacionadas con la creación artística ibérica e iberoamericana. Es miembro del Consejo de Redacción de la revista hispanolusa Espacio-Espaço desde su fundación en 1987. Desde 1998, coordinador de las exposiciones, foros y seminarios sobre arte latinoamericano y español que han venido celebrándose en el MEIAC. Autor de muy diversos trabajos de investigación y ensayos en el ámbito de su especialidad.

Ha estudiado medicina, literatura, cinema, filosofía y matemática (lógica) en Viena y París. Sus diversas actividades como artista, comisario, teórico y autor en el ámbito del arte y los media le han convertido en una figura central en el contexto internacional. Desde 1976, ha sido profesor en diversas universidades en Europa y los EE.UU. Desde 1983 es catedrático de la Universidad de Artes Aplicadas de Viena. Entre 1984 y 1989, dirigió el laboratorio de artes digitales del Departamento de Media de la Universidad de Nueva York, Buffalo, y en 1989 fundó el Instituto de Nuevos Medios de la Städelschule de Francfort, Alemania. Entre 1986 y 1995, estuvo a cargo del festival Ars Electronica de Linz, Austria, como consultor y después como director artístico. Entre 1993 y 1999, comisarió los sucesivos pabellones austriacos de la Bienal de Venecia y fue curador de la Neue Galerie Graz, Austria. Desde 1999, es Presidente y Director del ZKM | Center for Art and Media Karlsruhe, Alemania. En 2007 fue nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Arte y Diseño de Helsinki.

Claudia Giannetti is a researcher in the fields of contemporary and media art. An exhibition curator, a theoretician and a writer, she took her PhD from the University of Barcelona with a dissertation on digital aesthetics. She was director of the Asociación de Cultura Contemporánea L’Angelot and the MECAD\ Media Centre of Art & Design, both in Barcelona, and of the Canariasmediafest International Arts and Digital Cultures Festival of Gran Canaria. She has curated more than one hundred activities (exhibitions, congresses and events) at national and international museums and institutions since 1988, as well as giving lectures, classes and seminars in several countries. She has been a professor at the universities of Barcelona and Lisbon since 1995. A prolific writer and theoretician, her publications include, amongst others: Art in the Electronic Age – Perspective of a New Aesthetics (1997); Ars Telematica (1998); Aesthetics of the Digital – Syntopy of Art, Science and Technology (2002); The Capricious Reason in the 21st Century (2006). <www.artmetamedia.net>

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Art historian and art critic Antonio Franco is currently director of the MEIAC, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, from where he has launched many important initiatives related to Iberian and Latin American artistic creation. He has been a member of the editorial board of the Spanish-Portuguese magazine EspacioEspaço since its origins in 1987. Since 1998, he has coordinated exhibitions, forums and seminars on Latin American and Spanish art at the MEIAC. He is author of several research works and essays in his specialist field.

Peter Weibel studied medicine, literature, film, philosophy, and mathematics (modal logics) in Vienna and Paris. His activities as artist, curator, theoretician and author in the field of art and the media have made him a major figure on the international scene. Since 1976 he has lectured widely at universities and academies in Europe and the US. Since 1983 he is Professor at the University of Applied Arts in Vienna. After heading the digital arts laboratory at the Media Department of New York University in Buffalo from 1984 to 1989, he founded the Institute of New Media at the Städelschule in Frankfurt-on-Main in 1989. Between 1986 and 1995, he was in charge of the Ars Electronica festival in Linz, firstly as artistic consultant and later as artistic director. From 1993 to 1999, he was curator at the Neue Galerie Graz in Austria and he also curated the Austrian pavilion at the Venice Biennale. Peter Weibel has been Chairman and CEO of the ZKM | Center for Art and Media Karlsruhe since 1999. He received the title of Honorary Doctor from the University of Art and Design Helsinki in January 2007.

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Exposición · Exhibition

Producción | Production MEIAC, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo Organización | Organization Ministerio de Cultura Ministry of Culture Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales, Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes General Department of Fine Arts and Cultural Assets, Office for the Promotion of Fine Arts Junta de Extremadura, Consejería de Cultura y Turismo Dirección General de Patrimonio Cultural Regional Ministry for Culture and Tourism of the Autonomous Government of Extremadura, Office for Cultural Heritage

Exposición en el MEIAC · Exhibition at MEIAC

Exposición en el ZKM · Exhibition at ZKM

Producción | Production MEIAC, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo

Coordinación general | General Direction Peter Weibel, Claudia Giannetti, Antonio Franco

Coordinación general | General Direction Claudia Giannetti, Antonio Franco (MEIAC) Coordinación de la exposición en el MEIAC Exhibition Management at MEIAC Rosa Regalado Coordinación del proyecto en el Ministerio de Cultura | Project Management at the Ministry of Culture Mariflor Sanz Mallo Gloria López-Boado Montero Asistentes | Assistants Ángela Montesinos Alexandra Gutiérrez Bonanni

Registro | Registrar Marianne Meister Dirección técnica | Technical Management Martin Häberle, Matthias Ossmann

Diseño de la exposición | Exhibition Design Alejandro Mancilla con / with Claudia Giannetti

Documentación | Documentation Rocío Nicolás Blanco, MEIAC

Comisarios | Curators Claudia Giannetti, Antonio Franco, Peter Weibel

Registro y conservación | Registrar and Conservation José Ángel Torres Salguero, MEIAC Catalina Pulido, MEIAC

Itinerancia internacional International Itinerancy Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España, SEACEX State Corporation for Spanish Cultural Action Abroad, SEACEX

Administración | Secretariats Ángeles Barrientos Tejada, MEIAC Mª Paz García Buzo, MEIAC

ZKM | Center for Art and Media Karlsruhe, Alemania | Germany

Dirección ejecutiva del proyecto | Project Management Andreas F. Beitin con / with Isabel Meixner

Dirección de montaje | Installation Management Ronald Haas, Werner Hutzenlaub, Dirk Heesakker

Idea y concepción | Idea and Concept Claudia Giannetti

Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación. Dirección General de Relaciones Culturales y Científicas Ministry of Foreign Affairs and Cooperation. The General Department of Cultural and Scientific Relations of Spain

Coordinación de la itinerancia SEACEX Itinerancy Management SEACEX Marta Rincón, Anael García

Asesoramiento y supervisión del montaje audiovisual Audiovisual Installation Consultancy and Supervision E-dumedia Soluciones SLU Gráfica | Graphics Laura Meseguer, Boris Dworschak

Dirección de montaje y asesoría técnica Installation Management and Technical Consultancy Leona Estudio de digitalización y posproducción de vídeo Video Digitization and Postproduction Studio All Film Juntos, S.L., Barcelona Control de calidad audiovisual y documentación audiovisual | Audiovisual Quality Control and Documentation E-dumedia Soluciones SLU Dirección técnica | Technical Management Salas Audio-Video Asesoramiento y supervisión del montaje audiovisual Audiovisual Installation Consultancy and Supervision E-dumedia Soluciones SLU Equipo de montaje | Installation Team Artemarc

Equipo de montaje | Installation Team Gisbert Laaber, Dirk Heesaker, Christof Hierholzer, Mirko Frass, Christian Nainggolan, Julia Beister, Martin Boukhalfa, Silke Fehsenfeld, Lutz Fezer, Peter Gather, Heiko Hoos, Manfred Schmieder, Manfred Stürmlinger, Niels Burchert, Helge Grey, Claudius Böhm, Klaus Hebenstreit, Marco Preitschopf, Volker Becker, Berthold Dieterich, Jean Michel Dejasmin, Massimo Randissi, Michael Feldbausch Raphael Dobler, Tanja Götzmann, Susanne Pawelzyk Conservación | Conservation Hanna Barbara Hölling, Fenna Yola Tykwer Administración | Secretariats Ingrid Walther, Anna Reiss, Andrea Hartinger, Alexandra Kempf Website (diseño y realización) | Website (Design and Realization) Silke Altvater, Heike Borowski Soporte en tecnología de la información | IT Support Joachim Schütze, Volker Sommerfeld, Elena Lorenz, Uwe Faber

Iluminación | Exhibition lighting Toño Sáinz Equipamiento técnico | Technical equipment Sonido Rubio Gráfica de la exposición | Exhibition Graphics Laura Meseguer Departamento didáctico | Education Department Teresa León González

Dirección de servicios | Facility Management Peter Futterer, Peter Kuhn, Klaus Wirth, Matthias Herlan, Martin Braun, Hartmut Krampe Relaciones públicas | Public Relations Friederike Walter, Evelyne Astner

Website (diseño y programación) | Website (Design and Programming) E-dumedia Soluciones SLU Dirección de la itinerancia | Itinerancy Direction Claudia Giannetti, Antonio Franco (MEIAC) Coordinación de la itinerancia Itinerancy Management Claudia Giannetti, Ángela Montesinos Transporte | Transport Artemarc Seguro | Insurance Marsh-Disbrok. Vitalicio Seguros

Producción | Production

Organización | Organization

Itinerancia internacional | International Itinerancy

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Libro–Catálogo · Book–Catalogue

Edita | Published by Ministerio de Cultura Secretaría General Técnica, Subdirección General de Publicaciones, Información y Documentación Ministry of Culture General Technical Secretariat, Office for Publications, Information and Documentación Junta de Extremadura, Consejería de Cultura y Turismo Regional Ministry for Culture and Tourism of the Autonomous Government of Extremadura

Agradecimientos especiales · Special thanks to

Un proyecto de esta complejidad no hubiera sido posible sin la colaboración de artistas, autores, prestadores, museos e instituciones. Queremos expresar nuestro más sincero agradecimiento a:

Artistas [Reproducciones en Contexto artístico y Contexto histórico] Artists [Artistic and Historical Context reproductions]

All the artists, authors, lenders, museums and institutions, without whom such an outstanding project could never have been realized. We wish to express our deepest gratitude to:

(No se incluye a los artistas participantes en la muestra.) (Artists participating in the exhibition are not included.)

MEIAC, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo

Archivo María José Val del Omar y Gonzalo Sáenz de Buruaga

Francesc Abad

Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX State Corporation for Spanish Cultural Action Abroad, SEACEX

Badische Landesbibliothek, Karlsruhe

Gerardo L. Armesto

Caixaforum, Fundación “la Caixa”, Barcelona

Jordi Artigas Candela

Cabildo de Gran Canaria, Gran Canaria Espacio Digital

María Cañas

CSIC, Consejo Superior de Investigaciones Científicas

Carles Congost

Editora | Editor Claudia Giannetti

Connect-arte, Barcelona

Daniel Cuberta

Concepción y coordinación general Concept and General Coordination Claudia Giannetti

Familia de Pedro Garhel, Milagros García Hernández

Concepción gráfica y tipografía Graphic Concept and Typesetting Laura Meseguer

Familia de Leonardo Torres Quevedo

Documentación | Documentation José Ángel Torres Salguero, MEIAC Alexandra Gutiérrez Bonanni

Familia de Manuel Barbadillo, Jane Weber Familia de Santiago Ramón y Cajal, Mª Ángeles Ramón y Cajal Filmoteca de Andalucía, Consejería de Cultura, Junta de Andalucía

Jaime del Val Miguel Díez Lasangre El Perro Dogon Efff David Domingo Bartolomé Ferrando

Filmoteca de Catalunya

Mercedes Gaspar Salvo

Filmoteca Española

José Luis Gómez Perales

Traducción al inglés | English Translation Jeffrey Swartz Polisemia, S.l. Carter Consulting SL

Fundación Gala-Salvador Dalí

Sergi Jordá con / with Günter Geiger, Marcos Alonso, Martin Kaltenbrunner

Traducción del alemán | German Translation María L. Barbero-García

Instituto Cajal, Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) / Spanish National Research Council, Miguel Freire

Transcripción | Transcription María Hernández Revisión de español | Spanish Proofreaders Mario Merlino María Hernández

Fundación Telefónica, Madrid Hamaca Media & Video Art Distribution from Spain, Barcelona

MUA, Museu Universitat d’Alacant, Universitat d’Alacant Fundació General, Alicante

Kònic Thtr Laboratorio de Luz Oliver Laxe Laida Lertxundi Izibene Oñederra

MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, León

Pedro Ortuño

Revisión de inglés | English Proofreader Alan Moore, Caplletra SL

Prames–Las tres sorores

Pistolo Eliza

Patrimonio Nacional, Biblioteca de El Escorial

Pere Portabella

Tratamiento digital de imagen Digital Image Treatment Francisco Fernández Ortiz / Unidad Móvil, Madrid

Polyphon Film- und Fernsehgesellschaft mbH, Berlín

Joaquim Puigvert

Televisión Española, Programa Metrópolis, Maria Pallier

Tere Recarens

Westdeutscher Rundfunk Köln, Colonia

Josu Rekalde

Fotomecánica | Photomechanical Process Unidad Móvil Fotografía Especializada

Alberte Pagán

Lluis Rivera

Fotocomposición | Photocomposition Unidad Móvil Fotografía Especializada

Manuel Saiz

Papel | Paper Creator Vol, 135 g Munken Print White 1,5, 115 g

Carles Santos

Oriol Sánchez Andrés Sardà & Riccardo Sinistra Eusebio Sempere

Impresión | Printing Artes Gráficas Palermo, S.L.

toni an(d)toni Xavier Villaverde

Encuadernación | Binding Encuadernación Ramos

José María Yturralde Claudio Zulian

© Edición | Edition: 2008, Ministerio de Cultura, Secretaría General Técnica, Subdirección General de Publicaciones, Información y Documentación; Consejería de Cultura y Turismo, Junta de Extremadura; MEIAC, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo; Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX © Textos | Texts: 2008, los autores | the authors © Reproducciones | Reproductions: 2008, los autores y herederos | the authors, and their legal successors © Imagen de la portada | Cover image: Thomas Nölle © Traducciones | Translations: 2008, Consejería de Cultura y Turismo, Junta de Extremadura

Todos los derechos están reservados. No está autorizada la reproducción, el archivo o la introducción en sistemas de recuperación de datos o transmisión en cualquier soporte electrónico o mecánico (incluso fotocopia, grabación u otros medios) sin la autorización escrita del editor. All rights reserved. No part of this publication may be reproduced, stored in or introduced into a retrieval system, or transmitted in any form by any electronic or mechanical means (including photocopying, recording, or otherwise) without prior written permission of the publisher. Badajoz, junio de 2008 / June 2008. NIPO: 551-08-042-0 ISBN (MEIAC) 978-84-612-3278-9 ISBN (SEACEX): 978-84-96933-19-4 Depósito legal / Legal Deposit M-33502-2008 Impreso en España / Printed in Spain

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El discreto encanto de la tecnología. Artes en España

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The Discreet Charm of Technology. Arts in Spain

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El discreto encanto de la tecnología Artes en España Claudia Giannetti (ed.) La exposición enlaza el siglo XIII con el XXI mediante una articulación modular que se centra en cinco grandes temas, representativos para la condición artística: el código formal; el código visual; el código sensorial y espaciotemporal; el cuerpo y la identidad; y la construcción de la realidad. Más de un centenar de obras de 65 artistas tejen el hilo discursivo en el contexto de cada módulo. Son los vínculos conceptuales entre las obras, y no los cronológicos o los técnicos, los que generan el entrelazamiento de los cinco ejes temáticos. El foco de atención en la creación española no atiende a una mera cuestión geográfica, sino que pretende establecer un diálogo entre prácticas creativas y artistas que, hasta la fecha, jamás coindicieron en un mismo espacio y en un mismo tiempo. Las obras en exposición no utilizan necesariamente un soporte tecnológico. Sin embargo, los fundamentos de sus planteamientos tienen raíces en la técnica y la ciencia. Pintura, escultura y fotografía conviven con cine experimental, vídeo, instalación y obras para Internet.

The Discreet Charm of Technology Arts in Spain Claudia Giannetti (Ed.) The exhibition links the 13th century to the 21st through a modular approach that focuses on five key themes representative of the artistic condition: the formal code; the visual code; the sensory and space-time code; the body and the identity; and the construction of reality. More than a hundred works by 65 artists weave the discursive thread within the context of each module. It is the conceptual link, rather than chronological or technical affinity, that links the five themes. The accent on Spanish works is not merely a question of geography; rather, the exhibition tries to establish a dialogue between creative practices and artists that had never before been brought together in the same space, at the same time. The works in this exhibition are not necessarily on technological supports, but they are all based on approaches rooted in technique and science. In it, painting, sculpture and photography can be found alongside experimental film, video, interactive installations, and Internet works.

Itinerancia internacional | International Itinerancy

Profile for MEIAC

El discreto encanto de la tecnología (Parte 2)  

Artes en España (Artistas participantes de la muestra)

El discreto encanto de la tecnología (Parte 2)  

Artes en España (Artistas participantes de la muestra)

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