Periódico
Órgano Informativo de la Asociación de Salas de Artes Escénicas de Medellín. Edición n.° 58 - Octubre de 2018 - 6.000 ejemplares - Distribución gratuita
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EL CENTRO DE
MEDELLÍN TIENE SU RUTA
TEATRAL
1. Teatro Pablo Tobón Uribe 2. Agité Teatro 3. Teatro El Trueque 4. Teatro La Sucursal 5. Teatro Oficina Central de los Sueños 6. Pequeño Teatro 7. Teatro Popular de Medellín 8. Teatro Porfirio Barba Jacob 9. Elemental Teatro 10. Teatro Matacandelas 11. Teatro Lido 12. Vivapalabra 13. Casa del Teatro 14. Teatriados 15. Teatro El Águila Descalza
Centro de Medellín, mapa para perderse. Proyecto de Universo Centro. www.centrodemedellin.co
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EDITORIAL
SUMARIO 3
EL CENTRO DE MEDELLÍN TIENE SU RUTA TEATRAL La globalización supone la aceleración del cambio tecnológico e informático, alta diversificación de los procesos productivos y de los mercados. El centro de nuestra ciudad no escapa a esa realidad que prioriza la sociedad de consumo por encima del desarrollo humano integral. Es por ello que las prácticas artísticas cobran un gran valor para la calidad de vida de los habitantes del «barrio de todos» como alimento al espíritu, goce estético e insumo para la reflexión sobre su entorno. Mientras el mundo más se globalice el arte seguirá siendo la mejor alternativa para que el ser se reivindique como humano. «El desarrollo humano es tal, cuando es producido por aquellos a los que él afecta mediante una gestión crecientemente autónoma y auto sostenida y sobre la base de sus propios recursos materiales y culturales» (Pedro Güell, 1996). El desarrollo humano no se impone por las autoridades gubernamentales ni se decreta; es la sumatoria de los intereses, las necesidades y los anhelos de los diversos grupos y sectores sociales que conforman unas comunidades presentes en un territorio; en este caso, en nuestro
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ENTREVISTA Fernando Rubio - Exposición de lo íntimo
centro de Medellín que se mueve entre olores y sabores, el silencio y el ruido, lo formal y lo informal, el orden y el caos, el grito y el pito, la destrucción y la creación. El centro es transitado diariamente por más de 1.850.000 personas en sus casi 520 cuadras caracterizadas por el uso mixto del suelo en vivienda, comercio, educación, diversión, arte y cultura. Desde la terquedad y la necesidad el centro ha creado su propia ruta teatral en la que cada estación se ha convertido en un foco de resistencia que hace que este lugar no muera y permanentemente se renueve. Estas estaciones están conformadas por los teatros y compañías: Teatro Pablo Tobón Uribe, Agité Teatro, El Trueque, Teatro Popular de Medellín (TPM), Elemental Teatro, Matacandelas, Teatro Ateneo Porfirio Barba Jacob, Pequeño Teatro, Oficina Central de los sueños, La Sucursal, Vivapalabra, Casa del Teatro, Águila Descalza y Teatriados. Son pulmones de vida que depuran la contaminación del alma capoteando y retando la inseguridad de cada noche y la indiferencia estatal de todos los días.
Proyecto ganador de la Convocatoria de Estímulos para el Arte y la Cultura 2018 Secretaría de Cultura Ciudadana de Medellín
Evento apoyado por el Ministerio de Cultura Programa Nacional de Concertación Cultural
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ESCENA NACIONAL Festival Internacional de Teatro de Cali
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PUBLIREPORTAJE Tres obras de la transformación del Centro
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.................................. ESCENA REGIONAL La Escalera de Pueblorrico
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.................................. ESCENA LOCAL Circo de la Rua
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....................................... NOTAS EN ESCENA
ASOCIADOS: Agité Teatro, Casa Clown, Casa Teatro El Poblado, Colectivo Teatral Matacandelas, Corporación Artística La Polilla, Corporación Artística Ziruma, Corporación Carantoña, Corporación Caretas, Corporación Casa del Teatro, Corporación Cultural Canchimalos, Corporación Cultural Nuestra Gente, Corporación Cultural Vivapalabra, Corporación La Fanfarria, Elemental Teatro, Fundación Circo Medellín, Teatro Barra del Silencio, Teatro El Trueque, Teatro Oficina Central de los Sueños, Teatro La Sucursal, Teatro Popular de Medellín. JUNTA DIRECTIVA: Teatro Oficina Central de los Sueños, Elemental Teatro, In-fusión Teatro, Corporación Artística La Polilla, Corporación Caretas. DIRECCIÓN ADMINISTRATIVA: Ana Cecilia Hernández Gallego. REVISOR FISCAL: Darío Calderón. CORRECCIÓN DE ESTILO: Catalina Trujillo CONSEJO EDITORIAL: Cristóbal Peláez, Iván Zapata, Jaiver Jurado, José Félix Londoño. COORDINACIÓN EDITORIAL Y DIAGRAMACIÓN: María Fernanda Hernández. COMUNICACIONES: María Fernanda Hernández. FOTOGRAFÍAS: Jaime Manrique, Daniel Alejandro Torres, Fotos cortesía. PORTADA: Centro de Medellín, mapa para perderse. Proyecto de Universo Centro. www.centrodemedellin.co IMPRESIÓN: La Patria. CONTACTO: periodico@medellinenescena.com www.medellínenescena.com
ISSN
ENTREVISTA
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Fernando
RUBIO
Exposición de lo íntimo Por Jaiver Jurado Giraldo
Fernando Rubio es un artista argentino de la escena contemporánea; un artista integral que toca muchas dimensiones de lo escénico, va de lo plástico visual al cine documental, desde el teatro ha pasado por la actuación, la dirección y la dramaturgia hasta el performance que lo ha llevado a recorrer muchos países del mundo con una apuesta provocadora y sutil. Esa multiplicidad de formas de lenguaje que usa está dada por su intensa búsqueda de la resignificación del espacio y las nuevas relaciones con el espectador. Al hacerlo, nos está diciendo algo de lo que el arte contemporáneo, el arte actual, debe hacer, nos está enviando mensajes. Esta entrevista es el resultado de conocer primero al artista y luego su obra fecunda; de compartir apreciaciones, miradas sobre el teatro y luego poder contemplar, o mejor, vivir varias experiencias, especialmente con su obra Todo lo que está a mi lado, performance que se presentó en el pasado Festival Internacional de Teatro de Cali con una puesta en escena que conmovió a cientos de espectadores y cuyo concepto de apreciación cambia radicalmente en su sentido clásico de apreciar. «Esta es una obra que nace después de un sueño. Con el recuerdo olvidado de una historia de la infancia. Una historia alojada en algún lugar de la mente y el cuerpo durante 25 años», dice Rubio.
FERNANDO RUBIO: En principio, gracias por la entrevista, celebró que haya un periódico teatral en este país. No hay muchos periódicos teatrales en el mundo, también hay que observar eso. Concuerdo con vos en la importancia de esos momentos qué marcan ese momento iniciático. En mis talleres, en los momentos de transmisión, de enseñanza, yo he vivido mucho la creación de la obra entre el momento inicial y el desarrollo de los procedimientos creativos que en mis obras son singulares y por eso hago tanto foco en ellos, y en el camino para acercarse a la singularidad de una obra, que no siempre son ejercicios aislados de la forma de presentación final, o sea, son casi pruebas, procedimientos y estos creo que no tienen sentido formalmente sin la potencia de ese momento inicial y quiero dedicar una reflexión a eso, creo que ahí se funda la
importancia de una obra. En principio en el propio artista, es donde nace la obra, qué es el motor que te lleva ahí, que no es simplemente el deseo implícito de hacerlo —porque nosotros lo tenemos permanentemente—, pero esa fuerza está en las cosas que hemos vivido y que perduran secretamente en el tiempo, apareciendo de pronto con una gran fuerza. Cuando niño, a los cinco años, iba en un auto con mi padre por un largo camino, me dormí en el asiento de atrás, mientras dormía se desató una gran tormenta que me despertó de pronto y vi con angustia que mi padre no estaba, nada, por ningún lado, yo estaba solo. Después mi padre apareció, había salido unos minutos y me dejo en el auto para que yo no me mojará, yo estaba conmocionado. Fue un momento fundante, lo reconozco como el primer momento en que te quedas solo, creo que aparece
ahí una dimensión de la humanidad, es decir nuestra fragilidad y realidad también. Quedarnos solos es también un valor, a veces también una posibilidad, una ampliación de caminos. Durante la infancia fue un pensamiento recurrente que me angustiaba y era un pensamiento silencioso, no recuerdo hablar de ello, debe haber durado cinco, diez años. Qué bello, qué potente algo que aparentemente pareciera tan pequeño en la vida de una persona y reaparecer 25 años después en un despertar en una cama en Buenos Aires en medio de un estado angustiante por varias razones y recordarlo con toda nitidez. Medellín en Escena: Siento que hay una preocupación por poetizar lo cotidiano, por trabajar esa realidad de distintas maneras y establecer el papel del espectador. A veces los directores nos contentamos simplemente con decir que la puesta
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ENTREVISTA
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en escena reside en la mente del espectador, y quizá hay verdad en ello. Pero tú, al contrario, te saltas esa premisa y siempre estás interponiendo, obstaculizando dificultando y provocando esa relación de la obra y el espectador. Creo que debe haber algunos objetivos ahí. F. R.: Sí hay muchos, de principio hay un fuerte deseo que tiene que ver con una necesidad interior de encontrar nuevas relaciones, es un pensamiento teatral y estético conducente de la forma, pero la esencia está en ver de qué manera el acontecimiento nos permite acercarnos aún más con el espectador. Lo que ha aparecido son revelaciones de alegría, de emociones, de entendimiento mucho más profundo, del porqué de la palabra, del porqué de los sentidos; por qué el cuerpo, el tacto, la mirada. Y es algo tan poderoso cuando podemos ver qué es lo que está pasando, qué estás insinuando, qué es lo que podés contar o dejar de contar. Creo que siempre ha habido una búsqueda que también es humana, sobre todo humana. No sé cuáles son las razones, los momentos iniciáticos de toda mi obra, pero seguramente tienen que ver con repensar los vínculos, buscar afectos y zonas de afectividades que es una manera de vivir mejor, una manera de vivir más inquietante, salir de esas zonas de planicie. Voy detrás de eso, voy detrás de encontrar ese acontecimiento. M. E.: Yo no muero, ya no más es un performance que toca una realidad directa del feminicidio. ¿Cómo fue la puesta en escena de esa obra? ¿Donde está situada la mujer? ¿Donde está situado el hombre? F. R.: Yo no muero, ya no más es una obra que comienza con una serie de buzones que se ponen en la ciudad donde la gente pueda poner historias sobre la violencia contra las mujeres de manera anónima, esos buzones se instalan en una cercanía de donde va a ser la performance, por ejemplo, ahora que se hizo en el Centro Cultural en Río de Janeiro, en el marco del Festival Internacional de Cine de Brasil. Se instalaron dentro de este gran espacio por diferentes lugares, en el baño de las mujeres, en las dos entradas principales, en el espacio donde sucede la interacción. Luego esas historias que aparecen en estas cajas van a ser proyectadas en un espacio que es una caja de vidrio durante todo el día, es decir las voces de esas personas que fueron colocando las historias. Esos mensajes duran varios días. Luego en la urna de vidrio se realiza una acción
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teatral con los actores, sobre el tema, sin sonido. Esta obra fue muy difícil para mí, fue muy complejo escribirla, porque es una inversión de los valores, es reconocer, viejas deudas, algunos dolores, y equívocos... Me llevó reflexionar fuertemente el espacio de la mujer y del hombre cuando ahondamos en reflexionar sobre quiénes somos, quién soy yo en principio como hombre y aparecen una cantidad de errores... una cantidad de traspiés tan grande que uno no sabe hasta qué punto, desde las cosas mínimas, las repeticiones a las que nos hemos acostumbrado, las que nos han enseñado, hemos hecho daño. La obra habla sobre los detalles de lo que somos, en lo que nos transforma la violencia, que ha generando espacios de costumbre, y esos espacios de costumbre, la vida cotidiana, es lo que hace esa caja de vidrio, es funcionar como un cuarto abierto que no tiene sonido. Trabajé sobre la inversión de lo que realmente sucede. Nosotros escuchamos lo que pasa dentro de las casas pero nunca lo vemos, de hecho la obra al final se pregunta: ¿dónde termina todo esto? Y realmente existe una superación en los otros como para que la forma de violencia, en este caso hacia la mujer, se entienda que no es cualquier violencia; o la violencia en términos generales. Como actor tuve que aprender y reaprender las miradas que, de alguna manera, ya no son o que ya no deberían ser frente al tema de la violencia con las mujeres.
Obra: Yo no muero, ya no más
M. E.: Hay una obra que es la historia de un hombre que debe convertirse en otro en un tiempo y un espacio definidos: El tiempo entre nosotros. Me llamó poderosamente la atención el tema porque es mirado como una acción sobre la vida profunda del actor, de algún modo sobre la naturaleza de nuestro hacer. ¿Dónde situarías al espectador en este caso? F. R.: El tiempo entre nosotros es una obra de larga duración —110 horas—, la terminología sería performance duracional. En esa casa que se construye, con madera reciclada, en el mejor de los casos madera de diferentes casas, un nuevo lugar que tiene diferentes memorias para reconstruir un nuevo lugar y este nuevo lugar va a ser habitado durante cinco días completos por un actor que está buscando ser otro. Entonces esta obra que tiene muchas capas y muchas ideas es exactamente una reflexión sobre la teatralidad, sobre el actor, qué podemos ser otros, hasta qué punto podemos llegar a transformarnos… el primer montaje fue en Argentina, en la bienal de performance, cinco días. Después fue en chile, en el Festival de Santiago, cinco días y otros cinco en Antofagasta, al borde del puerto; ahí, cerca del agua, porque la obra habla mucho sobre el agua, sobre el río y siempre busco hacerla cerca de lugares que tengan agua, al pie de los ríos y el mar. También se hizo en Singapur, en España y después en Alemania. Ha tenido un gran recorrido desde el 2015 hasta hoy. Son seis o siete montajes específicos con un
ENTREVISTA actor del lugar, hay una característica, el actor no es que solo esté ahí, tiene un calendario de situaciones desde las nueve de la mañana hasta las once o doce de la noche, y el público sabe todo lo que él hace. Es como una manera de vivir profundamente esa búsqueda, esa reflexión. Dentro de esas cosas está leer un libro y puedes entrar y escucharlo a él leyendo o puede leerlo en la intimidad, y si vos entrás en la casa lo empieza a leer más alto. En realidad lo que busca es compartir o vivir en intimidad, pues él se va moviendo entre esa posibilidad de que ingrese o no público. Después, el texto de la obra se repite tres veces al día. Cada día él también ve una película diferente que está en sintonía con algunos de los temas de la obra: la memoria, el tiempo, la casa, eso que habitamos, la relación con los otros. La película es un momento de encuentro, el público entra a la casa a ver la película. Además cada día el actor tiene un invitado, que llega a determinada hora. No es una visita convencional, es una visita al extrañada, está trabajada pero a la vez hay una parte totalmente liberada y lo que sucede en ese espacio de la visita, que es de los más fuertes de la obra, es la reflexión, y eso es algo que en esta obra quise acentuar, dije: la reflexión tiene que estar dentro. Los invitados son escritores, colegas del teatro, directores, filósofos o sociólogos que van a ver a ese hombre que no conocen, a vivir un momento de su experiencia, hasta encontrar un espacio de relación desde su perspectiva como persona, pero también desde
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su práctica y su hacer; reflexionar sobre lo que este hombre está haciendo ahí. Poner en crisis lo que este hombre está haciendo ahí. Y suceden unas cosas extraordinarias. Ese público que vos decís se ve en un choque, está en tensión máxima en la escena de la obra. Aquí aparece otro de los puntos importantes para mí, qué es el espacio y el espacio del espectador, porque el espectador puede decir cómo estás en la obra, cómo te acercas a esa obra. Hay un espectador que puede ir a ver todo en un día; a ver cómo él escribe, por qué va escribiendo el texto de la obra hasta que queda totalmente cubierta la casa en palabras. Algunas personas me preguntan por qué hago esto y les digo: yo no puedo dejar de hacerlo porque amo intentar encontrar esas nuevas realidades, esas conexiones. Y creo que es un hecho también social y político que algunas personas vean mi obra muy formal, otros, lo contrario; yo me muevo entre esas dos posibilidades, no descarto ninguna. M. E.: Cuando hablas de capas, es precisamente un montón de elementos de lo que estamos hechos, o sea, una cultura, una memoria, una manera de ser, una manera de hacer, una manera de ver la vida; creo que es una de las cosas que le aportas al arte; no es solamente pasar de un país a otro, sino que ese país y el lugar tenga una modificación. ¿Qué se modifica del paisaje con tu propuesta? La obra de las camas: Todo lo que está a mi lado, la obra de
la casa: El tiempo entre nosotros, plantean intervenciones muy grandes logística, artística y espacialmente, ahí hay un mérito, no es solamente poner una idea en un lugar, sino cohabitarlo, ser hospitalario de algún modo, me refiero, con el espectador. F. R.: E intentar conectar con la gente o hablar de la memoria del mundo, que fue otro de mis proyectos. Fotografiaba a personas preguntándoles: ¿qué es lo más bello que hiciste en tu vida? Y esa obra después se convirtió en un libro, en una instalación, con todas las fotos, con nombre y apellido, después la respuesta a esa pregunta. Esta obra la continúo haciendo, siempre sigo, quiero hacerla hasta que me muera, hacer una obra atemporal. Me interesó algo que dijiste de San Francisco de Asís, porque es alguien por quien me he sentido atraído. Yo no recibí una educación religiosa, pero fui a un colegio salesiano y cuando pienso mucho en mis obras, en esa búsqueda incesante de incluir al otro, de atravesar los lugares, de acercarnos, de transformar afectivamente el espacio, creo que hay una religiosidad ahí, un ritual. Hay una gran cantidad de sentido, una gran cantidad de símbolos que acompañan todo esto. Algunas personas creen que es el itinerario de alguien con suerte que le va bien por los festivales y bienales de arte, sin embargo, para mí, el movimiento, la necesidad permanente de estar en diferentes espacios, lugares, zonas, de atravesar la situación incómoda de no estar en casa y la idea de estar buscando una casa, precisamente como en El tiempo entre nosotros, también cuando yo entiendo cuál es el espacio, el espacio donde construyo, el espacio de esa casa que yo dejo en Argentina para irme a otros países, entonces precisamente el lugar, la casa, era lo que también ese hombre estaba buscando construir, eso por lo que está intentando ser otro. Es como mi biografía de algún modo. Entonces creo que hay una manera de vivir la itinerancia y que es mucho más profunda que la lógica de llevar tu obra por lugares distintos y distantes, está la vida misma; yo siento que soy nómada, he aprendido del movimiento. Qué son esos vacíos que se construyen como una posibilidad, pero están todo el tiempo dejando de ser, esa zona desértica, pisada y donde dejas una huella que vuelve a ser modificada por el viento, que se lleva todo. Hay ahí algo ancestral, de lo que somos.
Obra: El tiempo entre nosotros
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ESCENA NACIONAL
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M. E.: Lecturas ahora, puntos de referencia, cosas de donde agarrarse. F. R.: Hay unas reflexiones muy importantes que ha publicado en un libro Francesco Karely, que considero uno de mis últimos maestros. Él es italiano, arquitecto y artista visual, profesor de la Universidad de Roma; escribió un libro llamado El andar como práctica estética. Ese el libro ha sido una gran compañía todos estos años, siempre lo doy en los talleres. Reflexiona sobre el espacio, atravesar las ciudades, construir nuevas cartografías. Hay una de mis obras que se llama: Cartografía infinita, una instalación con la participación del público, donde se construye un mapa de la ciudad grande, hay un espacio en blanco un cuarto blanco, dónde se encuentra toda la línea de la ciudad, y vos llegas y hay una máquina donde apretás un botón y te saca dos fotos, después tienes que elegir un lugar y que haya sido importante en la ciudad y en ese lugar ir y clavar la foto y después ir a otro lugar donde pones tu foto y al lado escribís por qué fue importante para vos. En algún momento me gustaría hacer una publicación de esta experiencia. La cartografía tiene algo maravilloso.
Me acuerdo, de George Perec y también de él un texto que me fascina: “Pensando en paracaídas”, está en el libro Naci y es extraordinario. Ese texto es una extracción de una conversación que estaba teniendo con los compañeros de una revista, que estaban a punto de
lanzar, pero no la lanzaban y cuenta una historia de cuando él era paracaidista y la necesidad de lanzarse al vacío y construir más allá de los miedos. Siempre trato de pasarlo a mis alumnos, a mis alumnas; me gusta qué mis actores lo lean antes de salir a actuar. M. E.: Fernando, lo comparo con una vaca, le pregunto: ¿qué estará rumiando en alguno de sus cuatro estómagos? ¿Podría adelantar algo? Hay mucho. Mi ejercicio es ir desarrollando varios proyectos al mismo tiempo, entonces lo próximo que se viene es Cuando el dolor terminé. Hay una imagen que a mí siempre me acompañó, que a la vez es un imaginario doloroso: qué son los desaparecidos tirados al río de la Plata desde los aviones. Entonces escribí esta obra, nació con la imagen de homenajearlos en un barquito hasta el centro del río de la Plata en silencio. Finalmente se conforma un texto y una reflexión a partir de una imagen que se construye en la obra, que comienza con una actriz llevando a un grupo de personas a través de un pequeño recorrido en la ciudad y lo primero que les dice: «Si no pudiéramos volver…», y ahí empieza el camino. Llegan a un punto en que suben a una embarcación e inicia una navegación que va a terminar encontrándose con tres cuerpos flotando. Eso va a ser estrenado en enero en la Patagonia, Argentina, en un lago, en el Festival de San Martín de los Andes.
Diez cosas que me gustan:
Diez cosas que no me gustan:
1. Sentir la sonrisa y el abrazo de papá. 2. Ver dormir, despertar y sonreír a Caetano. 3. Mostrar lo escrito a actores y verlo en sus cuerpos resonar. 4. Mirar el mar y meter los pies, las piernas, el torso, los brazos, la cabeza; salir y ver el horizonte y recordar todas las veces que hice lo mismo. 5. Meter goles. Específicamente el momento en que la pelota da en la red. 6. Leer la antepenúltima página de un libro. 7. Tocar el timbre en la casa de mamá. 8. Volver a caminar el parque Rivadavia. 9. Tener tantas amigas y tantos amigos que me hacen sentir infinito. 10. Soñar e imaginar.
1. No poder dejar definitivamente algunos errores. No aprender de la tristeza y del dolor. 2. Sentir peligro. 3. Que me griten. 4. Que me digan lo que tengo que hacer. 5. Que existan armas, militares y fascistas. 6. Que las diferencias sean motor de opresión y hambre. 7. No lograr ser mejor persona tan fácilmente. 8. Sentir que pierdo el tiempo. 9. Escuchar personas que no quiero escuchar. 10. Sentirme incómodo sin buscarlo.
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FESTIVAL
INTERNACIONAL
DE TEATRO
CALI Por Jaiver Jurado
9 países invitados: Argentina, Brasil, Colombia, España, Estados Unidos, Israel, Italia, Perú y Uruguay. 10 días de programación. 282 artistas e invitados. 37 compañías teatrales. 41 espacios. Más de 120 eventos artísticos y académicos. 21.194 espectadores.
ESCENA NACIONAL Estos datos y cifras que son importantes a la hora de hacer balances, dejan entrever que el movimiento teatral de esta ciudad se ha tomado muy en serio la planeación, la organización y la ejecución de tan importante evento, en el momento exacto en que hay un gran resurgimiento de la escena caleña. La profusión de obras propias y de autor, el aumento de nuevos grupos, la permanencia tozuda de las salas de teatro, la audacia de propuestas emergentes, los relevos generacionales y la calidad del universo dramatúrgico hacen del Festival Internacional de Teatro de Cali un merecido escenario
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para lo que vienen proponiendo los artistas caleños hoy. Es de destacar también la respuesta casi inmediata del público — esta es la segunda edición del festival—; la mayoría de salas llenas nos hablan de esa necesidad y ese interés latentes que el espectador de esta ciudad tiene por el escénico. Las tendencias, los géneros, la innovación y la trayectoria de muchos grupos responden a esa necesidad lográndose el ritual. Se destaca el papel de la Secretaría de Cultura y otros organismos públicos y privados que le apuestan a esta certamen hecho desde y por los artistas, desde el corazón del teatro.
Izquierda: Noche sin límite - Acciones Periféricas Derecha arriba: Azul - Teatro del Presagio Derecha abajo: Hominum. Perdón por Ser - Teatro Azul
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PUBLIRREPORTAJE
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Tres obras de la trasformación del centro
PARA ADMIRAR Y DISFRUTAR El nuevo paseo Bolívar
Esta es una obra pensada para la movilidad alternativa y sostenible. Por el paseo Bolívar podrás ir en bicicleta a lo largo de una ciclorruta de un kilómetro o caminar en medio de locales comerciales atendidos por sus propietarios. Ellos celebran el cambio tan positivo que ha tenido el sector a partir de estas intervenciones físicas y sociales que ya son un hecho para el disfrute de los habitantes y los visitantes de la ciudad. Entre los beneficios de la obra se destacan: mejoramiento de la movilidad del sector, sobre todo peatonal y de bicicletas; recuperación como eje del centro histórico y cultural de la ciudad; mejoramiento de la oferta de los servicios para la comunidad y la consolidación como escenario artístico y cultural.
Historia
En el pasado, la carrera Bolívar fue llamada Camino del Monte por los pobladores de la ciudad. Esta vía fue una de las primeras en extenderse y conectar al norte con el sur del área metropolitana. Su relevancia comercial se dio gracias a que a su alrededor se comenzaron a construir espacios como la estación del Ferrocarril, varias terminales de buses y la plaza de mercado El Pedrero. Aunque las obras de transformación del centro están en plena construcción y hay dificultades para la movilidad peatonal y vehicular, ya se evidencian los beneficios paisajísticos y estéticos. Igualmente, se nota que habrá mayor disponibilidad de espacio público para peatones y ciclistas, así como para actividades culturales y de encuentro ciudadano. Veamos algunas de estas obras que ya tienen un significativo avance con su antes y después.
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ANTES DESPUÉS
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Plazuela El Huevo
Con esta obra se tiene el propósito de revitalizar este lugar con aumento del espacio efectivo para plazuela, reduciendo al mínimo posible los dos carriles de la calle 46 y adicionalmente se dará prelación al peatón. También, se tendrá una mejora en la accesibilidad a la plazuela, ya que se va a generar un cruce semafórico más seguro para quienes caminan o se movilizan en vehículo. Habrá incremento de las zonas verdes y blandas para así establecer las garantías necesarias de un lugar de encuentro y permanencia. Igualmente, con la intervención de la plazuela El Huevo, se hará un mejoramiento del paisajismo y embellecimiento de la ciudad.
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DESPUÉS
Las fachadas de Junín
Se trata de una intervención integral y paisajística con un componente especial: la recuperación de fachadas, culatas y medianerías —muros laterales que separan las edificaciones— ;con el fin de hacer más armónico y estético el paisaje urbano, pero preservando la identidad histórica y patrimonial de este emblemático sector del centro. El proyecto también contempla el reordenamiento y la adecuación de 3.400 metros cuadrados de espacio público, la recuperación del mobiliario y el embellecimiento visual. De esta manera se logrará propiciar lugares más confortables y atractivos para los miles de ciudadanos que a diario transitan por allí en lo que muchos consideran como juniniar.
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ESCENA REGIONAL
LA ESCALERA:
RIQUEZA ARTÍSTICA Y CULTURAL DE
PUEBLORRICO
Pueblorrico es un municipio situado en todo el corazón del Suroeste antioqueño. Fundado en 1866, se le llamaba «La Calle», en un principio, porque no era más que eso, una calle en el camino de Jericó a Bolívar, pero, luego de 152 años, el municipio ha crecido y tiene muchas calles por donde transitan sus más de 12.000 habitantes. Y también tiene una Escalera por donde suben y bajan los imaginarios de los pueblorriqueños. Javier Alejandro Arredondo Raigoza, un hombre que empezó a hacer teatro desde los trece años, es el director del grupo de teatro La Escalera. Actor, director y dramaturgo reconocido regional, nacional e internacionalmente. Un hombre de teatro en el sentido puro y amplio de la palabra. Por: Iván Zapata R.
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ESCENA REGIONAL
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MEDELLÍN EN ESCENA: ¿Cómo y estamos realizando un homenaje a Raquel Parra, maestra que escribió cuándo nace el grupo La Escalera? teatro (sainete) en la década de los JAVIER ARREDONDO: Para hablar treinta del siglo pasado. de esta agrupación es necesario mencionar la escuela de teatro del Nuestro método socioconductivista nos municipio de Pueblorrico y de la cual ha llevado a no hablar de una estética, hace parte la agrupación La Escalera, sino a una búsqueda interior y que en algunos momentos no nos aleje del creada por mí en 2003. teatro vanguardista y contemporáneo, Aunque La Escalera no es una pero que tampoco nos aleje de lo agrupación legalmente constituida, que somos y de nuestro contexto; es hace las veces de escuela. En ella se simple: pensamos no en montar para trabaja con semilleros, adolescentes, nuestro pueblo, sino para el mundo. adultos y, según la evolución actoral, se ubican en alguna de las agrupaciones M.E.: ¿Cuáles son vuestros proyectos a corto y mediano plazo? o se realiza la búsqueda de obras. conforman J.A.: Una de las grandes falencias que tenemos es no estar organizados como corporación cultural. Esto nos ha J.A.: 28 personas hacen parte de la traído muchas veces dificultades en la escuela y 9 de la agrupación. También venta de espectáculos o presentación hay gente de otros municipios que de proyectos, pues casi que es una hace parte de esta agrupación. Hay obligación organizarnos como entidad un encargado de la iluminación y en el para tratar de no desaparecer, como ya momento la música se está realizando ha sucedido con otras agrupaciones. por el equipo humano de La Escalera. Tenemos un público y espectadores ganados, pero carecemos de un M.E.: ¿Cuál es la propuesta estética espacio. Sea este el llamado en voz alta: Pueblorrico y La Escalera necesitan un del grupo? teatro. Pues en los últimos dos años J.A.: Hablar de una propuesta estética nos hemos dado a la tarea con la ayuda única es mentirnos y mentirles, puesto de nuestro público y espectadores; sin que como escuela incursionamos en ser sala concertada o estar apoyada el clown, los títeres, la cuentería, el por alguna otra convocatoria y solo teatro infantil; en teatro de sala hemos tener remuneración el director por incursionado en el teatro del esperpento, parte de la administración municipal teatro no. Muy pocas comedias puesto de turno, hemos logrado traer nueve que nuestro pensamiento como agrupaciones internacionales y escuela y agrupación es el de ser diecinueve nacionales, todas de muy más constructivistas. No quiere decir buen nivel. En el mismo sentido hemos que por medio de la comedia no se tratado de realizar presentaciones en pueda, sino que hacemos más teatro nuestro espacio, o fuera de él, cada 20 para indagar y dejar la duda frente al días. acto sensible del teatro y a la persona; además creemos que nuestro cuerpo En estos años de existencia hemos es el instrumento para llegar a ser logrado tener más de 120.000 nuestra tarea proxémica, nuestra espectadores, más de 60 montajes estética teatral. Hemos montado realizados y más de 300 presentaciones. performance, en algunos momentos teatro de calle. En el momento M.E.: ¿Quiénes actualmente?
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ESCENA LOCAL
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CIRCO DE LA RUA Es una compañía independiente que busca expandir y fortalecer el circo contemporáneo de manera profesional a través de experiencias que transforman vidas. Con quince años de trayectoria en el mercado cultural, fuimos constituidos legalmente como Circo de la Rua Corporación Cultural, en enero de 2015; desde entonces, buscan la dignificación a gran escala del circo en la ciudad, siendo grandes promotores de iniciativas en el mundo pedagógico, social, cultural y de entretenimiento. Cuenta con un semillero de formación que nace en 2010 y busca transmitir autodisciplina con empoderamiento personal para formar artistas creativos, propositivos y emprendedores que logran reinventar las calles en un escenario y su arte como una digna profesión. De este modo, artistas que comenzaron su desarrollo en el semillero, hoy continúan sus estudios profesionales en Escuela Circo, otros viajan internacionalmente con empresas de entretenimiento y talla mundial. Además, contamos con programas como Circo en Familia, Respira Circo y Entrena con Nosotros con los que buscan fortalecer los lazos familiares, fomentar en los núcleos sociales prácticas saludables y visibilizar dignamente la actividad circense en el medio, así como acercar a la comunidad a su quehacer.
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La creación y la investigación son fundamentales en los procesos internos con el grupo de proyección y el elenco. Sus resultados se reflejan en el estreno de una obra cada año que materializa los sueños colectivos, los amores y los desamores, los anhelos e incluso algunas frustraciones en torno a temas políticos, religiosos o tabúes. A 2020 desean ser reconocidos en el campo cultural y del espectáculo como una corporación sólida, creativa y productiva, que brinde bienestar a los artistas, que ayude en la transformación social positiva de la ciudad y cuente con una sede propia para la enseñanza de las artes circenses, la profesionalización de sus artistas y la invención de nuevas propuestas artísticas para el disfrute de toda la comunidad. Dentro de sus producciones artísticas se encuentran:
Okawonga (2005). Ganadora Beca de Creación. Descorazonclown (2006). Ganadora Beca de Creación. Cabaret circense (2007). El juego (2008). Mundo feroz (2009). Se busca (2010). Notiocioso (2012). Ich (2013). Cuentos para no dormir (2014). Inverano (2015). El misterio (2016). Han tenido la gran oportunidad de Prejuicios (2017). exponer su trabajo en el exterior, Memorias del olvido (2018). cumpliendo con temporadas en otros Última producción. países como Egipto y Dubai.
NOTAS EN ESCENA
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VIVAMOS EL TEATRO EN
COMUNIDAD La Corporación Cultural Nuestra Gente realiza el XXIII Encuentro Nacional Comunitario de Teatro Joven, del 4 al 11 de noviembre de 2018 en Medellín. La premisa de esta edición será: Territorios-Identidades-Memorias que crea el Teatro en la comunidad.
internacionales de Perú, Brasil y México; cinco de Colombia — Bogotá, Boyacá y Cali—; cuatro agrupaciones de Antioquia —Apartadó, Urabá, Carmen de Viboral y Bello—; más ocho agrupaciones de Medellín.
Además de la programación artística, algunos de los gruSon temáticas ligadas a las pos participantes estarán reaagrupaciones teatrales colom- lizando talleres de formación bianas y latinoamericanas, al de música y teatro. proceso del teatro en comunidad, a redes populares y proce- Para mayores informes sobre sos de interculturalidad y que el XXIII Encuentro Nacional busca reconocer en el teatro el Comunitario de Teatro Joven sentido de las múltiples inter- puede comunicarse al teléfono dependencias. 2580384 o al correo nuestragente@une.net.co. Esta edición tendrá la potencia creadora de veinte organiza- Del 4 al 11 de Noviembre de ciones teatrales; tres invitados 2018.Medellín.
DIRECTORIO DE SALAS ASOCIADAS Teatro La Sucursal Cra. 42 54-50 Centro - 4993087 plataformacultural@gmail.com
Elemental Teatro Cra. 42 44-46 Centro - 2176375 teatroelemental@gmail.com
Canchimalos Cl. 47DD 88 - 24 Santa Lucía - 448 97 40 culturacanchimalos@gmail.com
Casa Clown Cra. 44 69-71 Manrique - 2116570 colectivoinfusion@gmail.com
La Polilla Cl. 23 76-85 Belén - 3433627 info@lapolilla.org
Agité Teatro Cl. 52 39A -30 Centro - 2280361 agiteteatro@gmail.com
Matacandelas Cl. 47 43-47 Centro - 2151010 matacandelas@matacandelas.com
Barra del Silencio Cl. 45C 75-151 - Velódromo - 4135583 barradelsilencio@gmail.com
Caretas Cra. 126B 61A-71 San Cristóbal - 4270698 caretas@une.net.co
Nuestra Gente Cl. 99 50C-38 Santa Cruz - 2580348 nuestragente@une.net.co
Vivapalabra Cl. 55 43-63 Centro - 2396104 corporacionculturalvivapalabra@gmail.com
Oficina Central de los Sueños Cra. 43 52-50 Centro - 2394179 comunica.oficinacentral@gmail.com
La Fanfarria Cra. 84 42C-54 La América - 2509230 fanfarria@une.net.co
Ziruma Cl. 64 39-18 Villa Hermosa 2843462 arte-ziruma@hotmail.com
Teatro Popular de Medellín Cl. 48 41-13 Centro - 2166262 teatrotpm@une.net.co
CasaTeatro El Poblado Cra. 47B 17BSur-30 poblado - 3211100 info@casateatropoblado.org
El Trueque Cra. 40 50B-32 Centro - 2172605 eltrueque@teatroeltrueque.com
Carantoña Cra. 75 24-47 Belén - 3434022 corporacioncarantona@gmail.com
Casa del Teatro Cl. 59 50A-25 Prado Centro - 2540397 administracion@casadelteatro.org.co
Circo Medellín Cra. 53 30A-155 Cerro Nutibara - 2652369 info@circomedellin.com
www.medellinenescena.com
NOTAS EN ESCENA
Periódico Medellín en Escena
La Corporación Cultural
Arlequín y los Juglares renuncia al estímulo de la Ley de Espectáculos Públicos.
Mediante carta emitida al Ministerio de Cultura y a la Alcaldía de Medellín, La Corporación Cultural Arlequín y los Juglares explica el motivo de su renuncia al estímulo:
Señoras y señores Secretaría de Cultura Ciudadana del Municipio de Medellín Ministerio de Cultura de Colombia Cordial saludo, Para el equipo de dirección y todas las personas que integramos La Corporación Cultural para el Desarrollo Arlequín y los Juglares ha sido supremamente valioso resultar ganadores en la convocatoria Ley del Espectáculo Publico en la línea de compra y con tan buen puntaje. Lo asumimos como un reconocimiento a la labor incansable, paciente y persistente de nuestro grupo en estos 46 años de vida artística y a su aporte al arte y la cultura nacional y regional. Agradecemos a funcionarias y funcionarias que nos han acompañado con su valiosa asesoría en este trasegar por todo el proceso de presentación del proyecto y demás requisitos; al jurado por los aportes planteados en su evaluación, por el puntaje otorgado y las recomendaciones formuladas; a los compañeros y compañeras del gremio de las artes escénicas por su gestión permanente en función de garantizar el avance de esta ley y por su acompañamiento fraternal; al gobierno nacional y local por la voluntad política para dar cabal cumplimiento a esta ley que constituye, sin lugar a dudas, un gran aporte para el sector de las artes escénicas de nuestro país.
Estreno Teatro Popular de Medellín
La ciudad de los locos Los estudiantes de la escuela del Teatro Popular de Medellín llevan a escena la obra de teatro La ciudad de los locos, escrita por Iván Zapata Ríos —publicada con un premio de la convocatoria artística 2016—, en la que de modo surrealista se mezclan momentos de diversos artistas
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que en diferentes épocas han transformado el mundo y finalmente nuestra historia. Teatro Popular de Medellín Cl. 48 No. 41 - 13 Informes y reservas: 2166262
Lamentablemente tenemos que notificarles por este medio que los dueños del inmueble donde funciona nuestro proyecto: Casa Encantada de Juglares, han cambiado los términos planteados en la propuesta inicial con respecto al valor, quedando muy por encima de los dos avalúos catastrales presentados y de los documentos aportados inicialmente para la presente convocatoria, lo que nos obliga a renunciar al estímulo que nos hemos ganado con todo el esfuerzo y trabajo. Ni la corporación ni las partes involucradas (Alcaldía y Ministerio) estamos en condiciones de asumir el nuevo valor que han replanteado los dueños del inmueble. Instamos a la administración municipal para que nos acompañe en una gestión que permita salvar esta casa de ser convertida en un centro comercial o conjunto habitacional ya que es de gran valor patrimonial, arquitectónico y de memoria para la ciudad. Igualmente, al Ministerio de Cultura y a los demás entes comprometidos con esta ley, para establecer formas de blindar los acuerdos que se hacen con los propietarios de los inmuebles y evitar que asuman actitudes erráticas cuando hay aportes o recursos significativos aportados por el Estado. Atentamente Adriana María Diosa Colorado y Óscar Manuel Zuluaga Uribe
NOTAS EN ESCENA
Periódico Medellín en Escena
Teatro El Trueque estrena su nuevo montaje
El marinero de Ámsterdam Hoy, a cien años de la muerte de Guillaume Apollinaire y con el apoyo de la Secretaría de Cultura Ciudadana de Medellín, once actores en escena, vestuarista, escenógrafo, músicos, técnicos y una gran cantidad de manos trabajando en torno a la misma propuesta, Teatro El Trueque estrena El marinero de Ámsterdam, un divertimento escrito por Tulio Stella a partir del cuento de Guillaume Apollinaire, dirigido por José Félix Londoño, actor y director del teatro. Una comedia negra, una tragedia, una obra policíaca y un divertimento es lo
que nos ofrece Teatro El Trueque con esta nueva obra, que al mejor estilo del humor negro, se recrea en un puerto donde la única verdad no existe. Se presenta desde el 26 de octubre hasta el 1 de diciembre de 2018, con funciones jueves, viernes y sábado a las 8:00 p. m. Teatro El Trueque Cra. 40 50 B-32 Informes y reservas: 217 26 05 eltrueque@teatroeltrueque.com Medellín, Colombia
21° Festival Internacional de Mimos y Payasos
Mímame 2 al 11 de noviembre de 2018
Mímame se ha posicionado como uno de los eventos más importantes internacionalmente por su trayectoria y aporte al desarrollo del mimo y el clown en Colombia y América Latina. A lo largo de estos 21 años ha brindado a los artistas y al público una variada programación de diversas tendencias artísticas como mimo, pantomima, teatro gestual, artes circenses, danzas rituales y clown. Artistas de Alemania, Argentina, Chile, Colombia, Francia e Italia estarán en esta edición. Toda la programación en: www.festivalmimame.com
1er. Encuentro artístico diversidad y género Del 3 de noviembre al 1 de diciembre, la Casa del Teatro de Medellín propone un nuevo espacio estético para reflexionar desde el arte sobre los saberes y las prácticas del género en Medellín. El teatro, la danza, el documental y los diálogos sobre ciberfeminismo, masculinidades y expresiones LGTBI, componen una variada agenda, sin los rótulos tradiciones de un tema que cruza el pasado y el presente de una ciudad con muchas máscaras para afrontar sus realidades. Sin Rótulos enfocará las luminarias sobre temas e historias que no suelen ser muy visibles en esta ciudad y generará que Casa del Teatro se convierta en un espacio para una comunicación reflexiva sobre el género y la diversidad. Informes: 5017170
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