Marzo 2025
En esta edición: Especial Semana del Teatro por la celebración del Día Internacional del Teatro. 50 años del Pequeño Teatro de Medellín.
MEDELLÍN EN ESCENA
Periódico informativo de la Asociación de Salas de Artes Escénicas de Medellín
Pequeño Teatro de Medellín. Cincuenta Años
10 las exposiciones de la semana del teatro
ASOCIADOS:
Agité Teatro, Arlequín y los Juglares, Casa Clown, Casa Teatro El Poblado, Colectivo Teatral Matacandelas, Corporación Artística La Polilla, Corporación Artística Ziruma, Corporación Carantoña, Corporación Caretas, Corporación Casa del Teatro, Corporación Cultural Canchimalos, Corporación Cultural Nuestra Gente, Corporación Cultural Vivapalabra, Corporación La Fanfarria, La Pascasia, Elemental Teatro, Teatro Barra del Silencio, Teatro Oficina Central de los Sueños, Teatro La Sucursal, Teatro Popular de Medellín.
JUNTA DIRECTIVA:
Teatro Oficina Central de los Sueños, Elemental Teatro, Teatro Matacandelas, CasaTeatro El Poblado, Corporación Canchimalos.
DIRECCIÓN ADMINISTRATIVA: Ana Cecilia Hernández Gallego. REVISOR FISCAL: Darío Calderón.
CONSEJO EDITORIAL: Cristóbal Peláez, Yazmín González, Jaiver Jurado, Ana Cecilia Hernández G.
UN ACERCAMIENTO A LA POIESIS DE LA DRAMATURGIA DE GILBERTO MARTÍNEz
EDITOR: Jaiver Jurado G. CORRECCIÓN DE ESTILO: María Camila López Isaza. COORDINACIÓN EDITORIAL Y DIAGRAMACIÓN: La Cólquide Editorial. COMUNICACIONES: María Fernanda Hernández. FOTOGRAFÍAS: Fotos cortesía Pequeño Teatro de Medellín. Óscar Botero. Carlos Vidal. Teatro de Títeres Caretas. Hervánquez. Eöri-Szabó Zsolt. Archivo Medellín en Escena. ILUSTRACIÓN PEQUEÑO TEATRO: Will Zapata.
PORTADA:
Imagen Semana del Teatro, 2025. IMPRESIÓN: Periódico La Patria. 6.000 ejemplares. CONTACTO: periodico@medellinenescena.com.co www.medellinenescena.com.co ISSN: 23394234
notas en escena
Este periódico forma parte de: Periódico Medellín en Escena Ganador XXXI Premios CIPA Excelencia Periodística Categoría Periodismo Cultural 2021
Mesa de Medios www.mesademedios.com
Es recomendable mantener debajo de la almohada el libro El espacio vacío, de Peter Brook.
«El más vivo de los teatros se hace mortal cuando desaparece su tosco vigor, y a Brecht lo destruyen los esclavos mortales. Cuando habla de la necesidad de que los actores entiendan su propia función, no quiere decir que pueda lograrse todo por medio del análisis y la discusión. El teatro no es un aula, y al director que tenga un concepto pedagógico de Brecht le será tan imposible animar las obras brechtianas como a un pedante las de Shakespeare. La calidad del trabajo realizado en cada ensayo deriva por entero de la creatividad del ambiente de trabajo, y la creatividad no surge con explicaciones. El lenguaje de los ensayos es como la misma vida: usa palabras, pero también silencios, estímulos, parodia, risa, infortunio, desesperación, franqueza y encubrimiento, actividad y lentitud, claridad y caos».
pequeño teatro de medellín cincuenta años
Para esta conversación sobre el medio siglo de historia que cumple el Pequeño Teatro de Medellín, he querido que el protagonista sea Albeiro Pérez, uno de los actuales directores, con veinticinco años de actividad en este colectivo. Prometo que no será un monólogo —en el buen sentido de la palabra— porque su mirada es siempre amigable y generosa. Finalmente, tampoco será una entrevista personal de sus andares y proyectos como artista, sino la voz de todo un grupo que, tengo que decirlo, es clara y sincera, como corresponde a un gran profesional.
ABREBOCAS
Fui al Pequeño Teatro un día, a saludar. Recién llegaba de Nueva York, donde había estado cinco años: uno y medio en la escuela de Lee Strasberg, y luego dos en la universidad donde hice un posgrado. Fui a saludar y a ponerme a disposición del grupo porque, cuando volví a Medellín, dije: «No tengo grupo, ni dónde trabajar, ni nada». En ese entonces, en el Pequeño Teatro pasaban por una crisis y solo estaban Omaira Rodríguez, An-
drés Moure, Ramiro Rojo y Rodrigo Saldarriaga. Pero ellos seguían, estaban en temporada de Medea, y hacían un trabajo muy juicioso de entrenamiento físico diario. Yo me metí a ese entrenamiento y ahí empezó todo mi proceso.
LA CONSTITUCIÓN
Hablar de los cincuenta años es complejo en la vida de un grupo. ¿Cómo enfocar esa historia en un apretado artículo de periódico que busca destacar esta efeméride, ese gran periplo que el Pequeño Teatro ha hecho en el tiempo de una ciudad convulsa? Con Jaiver Jurado coincidimos en que hay unos hitos que durante estas cinco décadas han sido determinantes, y que, como una espiral, nos han conducido a un importante momento de madurez hoy.
El primer hito fue la constitución del grupo en 1975, partiendo de una premisa del fundador, Rodrigo Saldarriaga: crear una entidad dedicada al arte, al teatro, con una sede propia y un repertorio continuo, para así construir un público. Eso, por supuesto, tomó una buena cantidad de años, porque quienes conoce-
mos la historia, quienes han hecho crónicas sobre esta agrupación, sabemos que todo empezó en una casa en Villa Hermosa. De hecho, un montaje tan grande para su época, tan ambicioso como Macbeth (en su primera versión), nació en esa casa. Se adaptó el solar y ahí se hicieron varios montajes. Ese fue el acto fundacional.
En 1975 se adquiere la primera sala, a media cuadra del Teatro Pablo Tobón Uribe. Un espacio peculiar que guardaría muchas historias posteriores, pues allí estuvieron La Exfanfarria y El Trueque. Ese fue un momento muy importante para el Pequeño Teatro porque se empezaba a cumplir el sueño de sus fundadores: tener un espacio adecuado para poder hacer una temporada constante de obras. Luego vendría la gran adquisición: la casa en la calle Córdoba, nuestra actual sede. Allí tuvimos la primera sala de cámara, que nos sirvió un buen tiempo; y luego la sala grande, que hoy llamamos Sala Rodrigo Saldarriaga. Cuando se hizo este último espacio, Rodrigo vio su sueño cumplido en buena parte, porque fue un lugar que él diseñó, asesorado
Por: Jaiver Jurado Giraldo
por sus amigos arquitectos. La hizo como él quería, para hacer las obras y el teatro que él quería.
EL REPERTORIO
Yo diría que otro de los grandes hitos es el repertorio que ha ido creando el Pequeño Teatro a lo largo del tiempo, con obras de la dramaturgia mundial: Ibsen, Strindberg, Tennessee Williams, Shakespeare, Molière, Sófocles. Era una tendencia en ese momento. En Bogotá, el Teatro Libre, La Candelaria y el Teatro Popular de Bogotá ya habían empezado a hacer esas incursiones, y eran dichas creaciones las que brindaban a la ciudad nuevas opciones, más selectas si se quiere.
Ante la afirmación de que nuestro repertorio es clásico, no me canso de decir: «No lo es». Hice el ejercicio de repasarlo, desde la fundación del grupo hasta nuestros días, y me di cuenta de que el repertorio del Pequeño Teatro es todo menos clásico; es lo que menos se ha montado. La mayoría es teatro contemporáneo de los siglos XIX y XX: veinticinco obras, más o menos. Y entre teatro latinoamericano, colombiano y dramaturgia propia, sumamos casi treinta obras. ¿Dónde están los clásicos?, pregunto.
En un momento determinado, Rodrigo empezó a delegar la dirección, y fue entonces cuando empezamos a dirigir Ruderico Salazar y yo. En mi caso, tenía un interés particular en el teatro colombiano: Gilberto Martínez, Orlando Cajamarca, César Castaño, José Domingo Garzón, entre otros. Por su parte, Ruderico tenía un gran interés en la memoria familiar y del barrio, así como en la dramaturgia colombiana, especialmente en la obra Enrique Buenaventura. Esto permitió que el repertorio se renovara y enriqueciera aún más.
Me gustaría agregar que el Pequeño Teatro tiene, por lo menos, diez u once dramaturgias propias, entre las que se encuentran obras como Los chorros de Tapartó y La venganza de los huérfanos, de Rodrigo Saldarriaga; El columpio, de Ruderico Salazar; Las formas de la distancia, que fue Premio Nacional de Creación, y Río arriba, río abajo, que tiene que ver con el conflicto armado; ambas de Jesús Eduardo Domínguez, egresado de la Escuela. Yo planeo poner en escena mi primera dramaturgia este año, la cual tiene que ver con La Escombrera.
Todo esto para decir que conviene mirar nuestro trabajo desde una perspectiva mucho más amplia porque, si bien es cierto que hemos hecho clásicos, este concepto es mucho más complejo, según la forma en que se maneje. ¿Clásicos serían los griegos y hasta Shakespeare? ¿O una obra de finales del siglo XIX? Solo para poner un ejemplo, Muerte de un viajante es un clásico de la dramaturgia norteamericana, y estamos hablando de una obra escrita en el siglo XX.
ENTRADA LIBRE CON APORTE VOLUNTARIO
En 2002 iniciamos el sistema de taquilla con entrada libre y aporte voluntario, un logro muy significativo para nuestro grupo, y una estrategia ya reconocida en la ciudad y el país. Simultáneamente, empezó el proceso de formación de públicos y de democratización del arte. En otras palabras, un proceso que nos permitió brindar repertorio diverso a espectadores de todos los estratos socioeconómicos, niveles académicos e intereses artísticos. Ese era uno de los sueños de Rodrigo: crear la tradición, la cultura de ir al teatro. En eso los europeos nos llevan siglos, y nosotros insistimos muchas veces en que es un público que se ha creado, no para nosotros, sino para el teatro, porque desde que abrimos las puertas a grupos invi-
tados, nos hemos beneficiado todos.
Hay que decir que al comienzo fue difícil implementar este sistema por muchas razones. Por un lado, la reacción que hubo entre los colegas. Y por el otro, la confusión del público frente a esta manera de acceder al teatro. Lo confundieron con entrada gratis, pues el aporte era muy bajo.
Este ha sido un proceso largo, que lleva más de veinte años y, por ello, diríamos que también un proceso exitoso, por la constancia y la convicción con la que lo hemos hecho. Además, corrimos con suerte porque tenemos una sala grande para quinientos espectadores, lo cual facilita este mecanismo. El discurso que hacemos al final de las funciones crea una conexión, un diálogo con los espectadores, que a la vez los forma en la manera de ver el teatro.
Hoy el proyecto ha evolucionado, la gente ha entendido que la boleta podía tener un costo específico. Fue la pandemia la que apalancó todo esto, pues no podíamos tener boletas físicas, entonces se creó la plataforma en línea para adquirirlas. La cosa funcionó bien y se quedó como una opción que el público aún elige para comprar la boleta de algunas obras, estrenos o eventos que propone el Pequeño Teatro. Es un mecanismo mixto al que hoy acceden quienes vienen a vernos.
La Avería de Friedrich Dürrenmatt. Adaptación: Justine Ruchat. Dirección: Gabriel Álvarez. 2024
LA ESCUELA
Rodrigo era un visionario. Algún día pensó: «No voy a estar siempre aquí, ni tampoco los que están a mi alrededor. ¿Qué va a pasar entonces?». No lo dijo concretamente en esas palabras, pero cuando creó la Escuela de Formación de Actores Pequeño Teatro, seguro estaba pensando en eso. Esta iba a ser una cantera de actores y actrices que en algún momento empezarían a ser parte de una generación de relevo, por lo menos del equipo artístico.
De hecho, en este momento, tras el ocultamiento de Rodrigo, en un 80% de las obras —por lo menos de las que están en repertorio— hay aproximadamente un 40 o 50% de egresados de la Escuela. Esa es una fortuna que tenemos quienes dirigimos acá: poder ver en escena a personas entre los veinte y los ochenta años. Hay obras en las que aparecen hasta tres generaciones de actores y actrices. Por eso la Escuela es, sin duda, otro de nuestros hitos.
NUEVA PERSPECTIVA
Con la celebración de los cincuenta años, realizar la primera coproducción internacional con un grupo importante de Suiza representa un punto de giro y un gran impulso para nosotros; es algo que aspiramos a seguir haciendo. Pienso que somos un grupo de artistas que tenemos claro lo que queremos hacer y lo que significa el teatro para nosotros, para la ciudad y el país. Tenemos claros cuáles son los temas que nos interesan, los temas neurálgicos. También, las premisas de Rodrigo cuando ya sabía que tenía que partir y nos dijo: «Yo me voy tranquilo porque, afortunadamente, la casa ya no tiene deudas. Afortunadamente, algunos de ustedes ya han empezado a dirigir y tienen claro que el Pequeño Teatro será única y exclusivamente un lugar dedicado al arte».
Entonces Rodrigo partió y nosotros seguimos, no con todas, pero sí con muchas de las premisas que lo guiaban. Y cuando nos vayamos también nosotros, probablemente se mantenga el proyecto. En nuestras conversaciones tenemos muy claro qué es lo que queremos hacer. Lo otro es que entre nosotros hay mucho respeto. Por supuesto que tenemos crisis, diferencias, pero lo que nos une es tener esa claridad en los objetivos y en lo que queremos decir con el arte.
Como hemos sido una gran familia en el tiempo, y somos conscientes de ello, de que esto ha sido una construcción colectiva, sensible y voluntaria de decenas de artistas (no podría mencionarlos a todos sin, quizás, cometer el error de olvidar algunos nombres), desde lo más profundo del corazón de nuestra entidad, que ha sido la vuestra también, les agradecemos ese gesto y esa palabra que ayudaron a construir el Pequeño Teatro durante estos primeros cincuenta años.
Sala Tomás Carrasquilla.
Escuela de Formación de Actores Pequeño Teatro.
MENSAJE para el DÍA INTERNACIONAL DEL TEATRO
Theodoros Terzopoulos. (Grecia). Director de teatro, educador, autor, fundador y director artístico de Attis Theatre. Inspirador de las Olimpiadas de Teatro y presidente del Comité Internacional de las Olimpiadas de Teatro Italiano.
¿Puede el teatro escuchar el grito de ayuda que nuestros tiempos están lanzando, en un mundo de ciudadanos empobrecidos, encerrados en celdas de realidad virtual, atrincherados en su asfixiante privacidad? ¿En un mundo de existencias robóticas dentro de un sistema totalitario de control y represión en todos los ámbitos de la vida?
¿El teatro se preocupa por la destrucción ecológica, el calentamiento global, la pérdida masiva de biodiversidad, la contaminación de los océanos, el derretimiento de los casquetes polares, el aumento de los incendios forestales y los fenómenos climáticos extremos? ¿Puede el teatro convertirse en una parte activa del ecosistema? Desde hace muchos años, el teatro viene observando el impacto del hombre en el planeta, pero tiene dificultades para abordar esta problemática.
¿Se preocupa el teatro por la condición humana, tal como está surgiendo en el siglo XXI, en el que el ciudadano es manipulado por intereses políticos y económicos, redes mediáticas y empresas que moldean la opinión
pública? ¿Donde las redes sociales, por mucho que la faciliten, son la gran coartada de la comunicación, porque garantizan la necesaria distancia de seguridad con el Otro? Un sentimiento generalizado de miedo al Otro, a lo diferente, al extraño, domina nuestros pensamientos y acciones. ¿Puede el teatro servir como laboratorio para la coexistencia de las diferencias sin tener en cuenta el trauma sangrante?
El trauma sangrante nos invita a reconstruir el mito, y como dice Heiner Müller: «El mito es un agregado, una máquina a la que se pueden conectar máquinas siempre nuevas y diferentes. Lleva la energía hasta que la velocidad creciente haga estallar el campo cultural». Y yo añadiría el campo de la barbarie.
¿Pueden los reflectores del teatro arrojar luz sobre el trauma social y dejar de proyectar una imagen engañosa de sí mismo?
Son preguntas que no admiten respuestas definitivas, pues el teatro existe y sobrevive gracias a preguntas sin respuesta. Preguntas que lanza Dioniso, que pasa por su ciudad natal, por la orquesta del antiguo teatro, y continúa su silencioso viaje de refugiado por paisajes de guerra, hoy, en el Día Mundial del Teatro.
Miremos a los ojos de Dioniso, el dios extático del teatro y del mito que une pasado, pre-
Teodoros Terzopoulos.
Fotografía Eöri-Szabó Zsolt
sente y futuro; hijo de dos nacimientos, Zeus y Sémele; expresión de identidades fluidas: femenina y masculina, colérica y dulce, divina y animal. En equilibrio entre la locura y la razón, el orden y el caos. Un acróbata en la cresta entre la vida y la muerte.
Dioniso plantea una pregunta ontológica fundamental: «¿Cuál es el significado de todo esto?». Una pregunta que empuja al creador hacia una investigación cada vez más profunda sobre las raíces del mito y las múltiples dimensiones del enigma humano. Necesitamos nuevos modos narrativos que cultiven la memoria y creen una nueva responsabilidad moral y política para escapar de la dictadura multifacética de la Edad Media actual.
El Día Mundial del Teatro fue creado por el ITI (International Theatre Institute) y se celebró por primera vez el 27 de marzo de 1962, fecha de la apertura de la temporada del Teatro de las Naciones en París. Desde entonces, cada año en esta fecha, el World Theatre Day se celebra a escala mundial. Una de las acciones más importantes para la WTD es la circulación del Mensaje para el Día Mundial del Teatro, mediante el cual, por invitación del ITI, una figura de talla mundial comparte sus reflexiones sobre el tema «Teatro y Cultura de Paz».
Semana del Teatro Marzo 21 -27 de 2025 - Medellín
Óscar Botero
Fotografías de teatro 1970-2020
EVENTO ESPECIAL
CIRCUITO DE EXPOSICIONES
Óscar Botero se inició como fotógrafo en 1970. Uno de sus primeros trabajos fue realizar las fotografías de Teatro Libre, el primer grupo independiente que tuvo sala en Medellín y con el que se considera comenzó el teatro moderno en la ciudad. Por la calidad de su trabajo, Óscar fue llamado por otras agrupaciones y de esta forma, hacia el final del siglo, había formado el archivo fotográfico del teatro moderno, todo esto con cámaras de rollo de 35 milímetros.
En este archivo están los grandes personajes del teatro en Medellín en el siglo pasado: Gilberto Martínez †, Rodrigo Saldarriaga †, Cristóbal Peláez, Ofelia Agudelo, Mario Yepes, José Manuel Freidel †, Eduardo Cárdenas, Fernando Velásquez, Fernando Zapata †, Nora Quintero, Carlos Mario Aguirre y otros más, quienes iniciaron sus vidas artísticas en las décadas del 70 y 80, cuando escribieron, montaron y hasta actuaron sus primeras obras.
Por la forma sistemática como fue realizado y guardado este archivo se logró su
preservación por más de 50 años, convirtiéndose en una verdadera memoria de este hecho cultural, y con esta exposición se pone toda esa historia al alcance de la comunidad y de los públicos especializados e interesados en el tema.
Además, conforme con el deseo de dar a conocer esta recopilación histórica, es posible visitar la exposición virtual y descargar gratuitamente el libro que el Museo Viztaz editó en 2024 con estas fotografías en www.oscarbotero.com
Exposición Fotografías de Teatro 1970 - 2020. Óscar Botero
Abierta hasta el 31 de marzo de 2025. Entrada Libre.
«La Fotografía en el Teatro »
Visita guiada y conversatorio con Óscar Botero
Martes 25 de marzo de 2025
Hora: 10:00 a. m. Entrada Libre.
CasaTeatro El Poblado Cra 47B #17B SUR-30
IN MEMORIAM
Medellín en Escena
Medellín en Escena exalta la memoria de importantes artistas de la escena local que con sus obras, sus puestas en escena y sus actuaciones, enriquecieron el panorama escénico de la ciudad y el país durante muchos años, dejando un legado valioso a nuevas generaciones.
La historia del teatro, es la historia de la humanidad, de sus tragedias y sus retos, de su inmensa solidaridad. Este 27 de marzo en que celebramos el Día Internacional del Teatro queremos recordarlos con cariño y respeto como un principio esencial de reconocernos en la diversidad y diferencia, mirando las cosas que nos impulsan de manera conjunta a elevar la estética del teatro de la ciudad.
Agradecemos a familiares, amigos y entidades que hicieron posible este resumen fotográfico que esperamos circule por bibliotecas, teatros, entidades culturales y municipios de Antioquia como un testimonio de nuestra historia teatral y permanencia de nuestro arte.
Exposición In Memoriam.
Medellín en Escena
Abierta hasta el 31 de marzo de 2025.
Entrada Libre.
Casa del Teatro de Medellín
Clle 59 # 50 A 25
De Máscaras y Disfraces del Carnaval de Barranquilla
Teatro de Títeres Caretas
Barranquilla despunta, como capullo en flor, con su carnaval a cuestas, y dentro de este océano de riqueza histriónica con la fusión de las tres etnias, navega el elemento más fundamental para que se desarrollen sus carnestolendas: La Máscara.
Esta es utilizada en las diferentes danzas, comparsas y bailes tradicionales como elementos totémicos o decorativos en el espectáculo, en los disfraces individuales con figuras zoomorfas tales como toros, monos, perros, burros, águilas y otros.
Todas estas máscaras son elaboradas con diversas técnicas y materiales, algunas utilizan pieles de animales, cortezas de árboles, textiles, caparazones, cartones, papeles diversos, espuma, látex, vidrios, piedras, icopor, cuernos, metales; otros requieren de armazones gigantescos, de meca-
nismos para partes móviles, en fin, de una cantidad de elementos para hacerlas creíbles a la vista del público espectador.
Esas máscaras, caretas, antifaces, maquillajes y hasta el rostro embadurnado solo de harina de maíz o talco, nos presentan una connotación sagrada y vernácula de jolgorio, goce pagano, sensualidad, en unas fiestas que atañen a unas costumbres que se sincronizaron de manera creativa en este lado del Caribe.
Rodolfo Gómez Peralta
Exposición De Máscaras y Disfraces del Carnaval de Barranquilla
Entrada Libre.
Teatro de Títeres Caretas Cra 126 B # 61 A 71 - San Cristobal
Este artículo aborda brevemente elementos de la dramaturgia de Gilberto Martínez Arango, desde su teoría teatral, para un acercamiento a su poética que representa la naturaleza humana y fomenta el pensamiento crítico sobre lo que acontece al interior del ser humano y de Colombia.
Poiesis, según Aristóteles, se entiende como el proceso creativo y analítico que se evidencia en la creación, en este caso, de la dramaturgia de Gilberto Martínez. A continuación, se abordarán algunos elementos de su teoría teatral y dramaturgia. En Teatro, teoría y práctica, publicado en 1986, la dramaturgia hace parte de la creación literaria, mas no es literatura. El texto cobra sentido en la puesta en relieve, comprendida como la representación escenográfica de los múltiples elementos constitutivos de la obra. Partiendo de un escenocentrismo2, Martínez propone un teatro dialéctico, donde se correlacionan los siguientes elementos: (1) la estética del proceso de producción del texto; (2) la estética del hecho teatral, que incluye puesta en relieve y actos de habla; y 3) la estética del proceso de reacción y apreciación estética. Esto último lo lograba a partir de los conversatorios con el público al finalizar las obras3
Para Martínez, la dramaturgia es una partitura o libreto dramático en el cual se da un «proceso de pensar y sentir un ritmo» (Martínez, 2002, p.7) escrito bajo los siguientes atributos: situación conflicto, fábula, acción dramática, drama de la situación y rol. En sus obras, la pregunta por la condición humana es lo que subyace a través de sus persona-
UN ACERCAMIENTO A LA POIESIS DE LA DRAMATURGIA DE GILBERTO MARTÍNEz1
jes, entre ficticios y reales. Él narra los paisajes de lo que acontece; los argumentos de sus obras han sido inspirados por hechos históricos, que expone en sus dramaturgias de forma subjetiva, recreando una mirada caleidoscópica de los mismos. Este propósito lo expresa en su poema Teatro alquímico:
Hago una dramaturgia de fragmentos, pego pedazos de realidades en convenciones con relieve. Practicables de una realidad viviente. Espacio e instante en unidad dialéctica. (...) como otra opción de producción de subjetividad compartida e identificatoria.
(Martínez, 2002)
La dramaturgia de Martínez posee la característica de un teatro que se presenta como la aprehensión de acontecimientos ya ocurridos que son inscritos bajo la subjetividad del hecho teatral. El maestro se propuso, para su escritura dramática, «buscar en la historia los temas para consolidar una dramaturgia colombiana» (Martínez, 2010, p.17). La fábula y las situaciones conflicto están dotadas de una vitalidad cultural que refleja el panorama religioso, político y social, haciendo poiesis de «aquellos hechos, anécdotas y/o cualquier presencia de conflictos, de núcleos de desarrollo del entramado de una historia que debía de nuevo ser contada, aprehendida con los mecanismos propios de hecho teatral y, por lo tanto, develada. Y, por qué no, estudiar y manejar los resortes del actualmente menospreciado teatro documento» (Martínez, 1994, p. 5).
El teatro documento, como posibilidad de construir memoria del contexto de nuestro país y fomentar el pensamiento crítico, ha estado presente en la sociedad colombiana, recreando sus problemáticas sociales. En Teatrario 1994, Martínez describe una entrevista realizada por integrantes del Teatro Libre de Medellín a la Asociación Nacional de Usuarios Campesinos en 1971. Por esa fecha se había iniciado una lucha de los campesinos de Urrao por las tierras ante el Estado. Partiendo de esta situación, los dirigentes campesinos escribie-
Por: Daniela Castaño Molina*
ron una obra de teatro titulada Nuestra lucha Durante la entrevista, un integrante del Teatro le pregunta a uno de los campesinos la razón por la cual decidieron escribir una pieza teatral que representara lo que estaban viviendo, a lo cual él respondió: «Creemos que es una forma efectiva de recordar nuestras luchas y, además, educar para ellas» (Martínez, 1994, p. 150). En esta respuesta se señala uno de los elementos representativos de la poiesis dramática del maestro Martínez: crear obras pensadas para representar, denunciar y promover la discusión de temas no ajenos, ni a la filosofía ni al contexto histórico colombiano. Lo anterior, además, refleja uno de los aspectos que dan origen a la dramaturgia en Occidente: escribir y representar las situaciones conflictivas que, a través de la estética, promuevan el pensamiento crítico y procuren una reflexión y transformación de dichas situaciones.
Basada en los acontecimientos del 8 de junio de 1973 en la Universidad de Antioquia, Martínez escribe Zarpazo, recordando esa época de manifestaciones estudiantiles y la muerte de Luis Fernando Barrientos en una de ellas. Esta obra inmortalizó las luchas de los movimientos estudiantiles en Colombia, como lo afirma uno de los personajes: «Y pasan los años y los muertos se acumulan» (Martínez, 1986 p. 128).
En esta pieza, el autor menciona uno de los mecanismos que se usaron y se siguen usando en Colombia, bajo otros nombres, para mitigar el poder del pueblo. Al darse cuenta de las manifestaciones de los estudiantes, el arzobispo, un personaje de la obra, se dirige al comandante de las fuerzas armadas con las siguientes palabras: «Siempre he creído que la democracia debería tener un sistema para controlar a los subversivos» (Martínez, 1986, p. 130). A lo cual, el comandante le responde: «Y lo tiene. Cuéntelos. Se levanta el estado de sitio y se da la apariencia de legalidad. Aparecen como conejos, los contamos, los clasificamos y después, al decretar de nuevo la alteración del orden público, como conejos los cazamos».
Martínez nació en 1934, en Medellín, y murió allí mismo en 2017. Amante del tango, el cine y la literatura, se dedicó al teatro y a la medicina con el deseo de poder conciliar ambas disciplinas. En palabras del mismo autor: «El dolor humano en el teatro y el dolor humano que sentía en mi profesión. En última instancia ambas oportunidades se me dirigían hacia la pregunta: ¿qué es lo que caracteriza la Condición Humana?» (Martínez, 2010, p.15). Martínez, como buen observador, comprendió los síntomas de Colombia, un país violento y fragmentado. Sus obras son el producto de un contexto que lo confronta, su puesta en relieve «compromete al hombre en su totalidad, es decir, estimula su área cognoscitiva, su área emocional, su área psicomotora y lo enfrenta con su medio social». (Martínez, 1994, p.13).
Foto tomada por Hervánquez, publicada en el periódico El Colombiano. 16 de junio de 1995.
El arzobispo, guardián de las costumbres y representante del poder divino en la tierra, continúa con las siguientes líneas: «Privilegios de la democracia representativa, gracias a Dios». El comandante, quien defiende el poder del Estado, replica: «Gracias al señor presidente, Excelencia». La obra posee las características de un agón, donde la situación conflicto gira alrededor de las peripecias de la madre, su dolor ante la pérdida de su hijo y su impotencia ante la ironía de un Estado y sus instituciones que no asumen responsabilidad.
Los roles son los personajes en la acción, que se amplifica en la situación dramática: la familia del estudiante, los burócratas, los miembros del Estado, los compañeros de trabajo de la madre, entre otros. La fábula, ordenación de los hechos, es causal; pone en relieve las intenciones de cada una de las instituciones a través de la acción dramática y las contradicciones.
El agón entre la justicia del pueblo y la del Estado se halla también en la obra La Guandoca, dirigida por Gilberto Martínez y en cuya representación estuvo Ramiro Tejada, quien dedicó a la obra la siguiente apreciación estética: «La relación de personajes, el entrecruzamiento de sus historias con el hecho real de la detención, el juego de distancias y espejos concéntricos escénicamente expuestos, dan al testimonio la carga dramática de verdad. No hay, en sentido estricto, una puesta en escena de un relato. Lo que se percibe es el relato mismo, el testimonio: teatro verdad, documentado, armonizado con el gesto sublime del dolor en los rostros de las actrices».
Teatro documento, teatro verdad: esas características que le otorga Tejada a la acción dramática podrían llevar a determinar, erróneamente, que el teatro de Martínez es naturalista, considerando que los hechos históricos se replican objetivamente. Sin embargo, el autor afirma que «la esencia de la disposición escénica no está en presentar actos, conductas y comportamientos gésticos, sino en representar (por qué no decir ahora re-teatralizar).
Las reales dramaturgias sociales no pueden ser el saco de falsas armonías, sino más bien relieve intenso de las contradicciones (…) el teatro es una realidad en sí misma y no duplica, refleja ni copia la realidad del público».
En efecto, el dramaturgo colombiano consideró el teatro como una realidad en sí misma, que se crea de forma caleidoscópica a partir de otras realidades vividas, siendo esto una característica del realismo, concepto que Martínez define como «aprehender los acontecimientos escénicos equivalente a lo que desea mi percepción crítica de los acontecimientos del mundo» en Apostillas: Memoria teatral (2012). Es preciso aclarar que se ha relacionado el realismo con un carácter de verosimilitud. El realismo en el teatro aprehende los objetos y los representa desde la subjetividad estética, en su relación profunda del sujeto cognoscente, la relación con el objeto y su contexto. Según Víctor Viviescas, la dramaturgia de Martínez «es una escritura que se confunde con la realidad, que se inserta en ella y que, sobre todo, la despoja de su supuesta objetividad y la denuncia como simulacro», convirtiendo el hecho teatral en simulacro de lo vivido que confronta los imaginarios sobre la condición humana en su dimensión social, política, privada y pública, a la vez que construye memoria emocional dialéctica de lo pensado y de lo que acontece. El maestro Martínez afirma en Apostillas que no le interesa un «teatro como vehículo de evasión, mero entretenimiento, o como si se tratara de una burbuja aislada de la realidad que la circunda» (Martínez, 2012, p. 220). En Martínez las heridas sociales se vuelven dramaturgias sociales. En Actos de habla y Puesta en relieve, un teatro político con influencias brechtianas, que en su libro Sobre Bertolt Brecht y mi trabajo teatral de puestas en relieve (2015), adaptando la canción del autor dramático, menciona lo siguiente: «Muestro lo que he visto, y he visto el destino de las ciudades, Medellín, [...] ser autores o testigos». Una de las influencias de Brecht en la dramaturgia de Martínez y, en general, a partir de la segunda mitad del siglo XX en el denominado Nuevo Teatro colombiano, es la relacionada con la puesta en escena, el gestus, el espectador y la visión del ser humano en el teatro. Según Martínez, «Brecht niega al hombre-divinidad, al hombre-esencia concluida, al hombre-idea preestablecida, y afirma al hombre como devenir en la confluencia de las presiones sociales»; de ahí la influencia del autor alemán sobre Martínez en el uso de los elementos
épicos y dialécticos con los cuales desarrolla la fábula del hecho teatral.
La dramaturgia del maestro Gilberto Martínez reúne en la escena su contexto social y cultural. Muestra de esto es su teatro, que está atravesado por lo político y en el cual desnuda la condición humana enfrentándonos a una reflexión del dolor, lo cotidiano, lo imaginado y lo inimaginable: un teatro del acontecer.
Les invitamos a visitar la Casa del Teatro de Medellín y la Biblioteca Gilberto Martínez, especializada en artes escénicas, y a ser parte de Átropos, conversatorio sobre el teatro griego.
*Licenciada en filosofía y fundadora de Átropos, conversatorio del teatro griego clásico, que se realiza en la Biblioteca Gilberto Martínez, de la Casa del Teatro de Medellín.
1 Este escrito amplía lo presentado en el Foro Anual de Filosofía Stoa, 2019: Memoria y olvido. El pasado y el presente en construcción. Homenaje a Ramiro Tejada, organizado por el Instituto de Cultura de El Carmen de Viboral (Antioquia).
2 En contraposición a la supremacía de la dramaturgia sobre el hecho teatral, Martínez propone una estética donde, con el texto, se haga un teatro alquímico en el que converjan estos tres niveles: activación fisiológica (visible y no visible. Por ejemplo: sudor, cambios hormonales); nivel expresivo (técnica) y activación subjetiva (representación y diégesis). Véase Sobre Bertolt Brecht y mi trabajo teatral de puestas en relieve (Artes y letras S.A.S., 2015, p. 180).
3 Para ampliar cada uno de estos elementos, diríjase al libro Teatro alquímico (Universidad de Antioquia, 2002), de Gilberto Martínez.
Referencias:
- Martínez, G. (1986). Teatro, teoría y práctica. Ed. Autores Antioqueños.
- Martínez, G. (1994). Teatrario. Secretaría de Educación y Cultura.
- Martínez, G. (2002). Teatro alquímico. Ed. Universidad de Antioquia.
- Martínez, G. (2012). Apostillas, memoria teatral. Fondo Editorial Universidad EAFIT.
- Martínez, G. (2015). Sobre Bertolt Brecht y mi trabajo teatral de puestas en relieve. Ed. Artes y Letras S.A.S.
- Castaño, D. (s.f.). Dramaturgia del acontecer: Un acercamiento al teatro de Gilberto Martínez. Grupo KNOKS - Instituto de Cultura El Carmen de Viboral - Antioquia.
NOTAS EN ESCENA
SE ABRE EL TELÓN DE LA
SALA DE TEATRO DE CANCHIMALOS
Ubicada diagonal a la estación Santa Lucía del Metro, allí en un segundo piso de fachada blanca con luces, está la sala de teatro Maestro Oscar Vahos Jiménez, la única sala de teatro de la comuna 12 de Medellín.
Este es el hogar de las artes escénicas de la zona 4 de la ciudad, donde se fomenta la creatividad y el talento local con presentaciones de artistas emergentes o que usualmente no tienen sede propia. Con esto, desde la Corporación Cultural Canchimalos, se ofrece una experiencia única tanto a artistas como al público, convirtiéndola en un lugar ideal para la presentación de obras de teatro, conciertos, encuentros locales, y otros eventos
culturales. La importancia de este espacio radica no solo en su capacidad para albergar espectáculos, sino también en su papel como catalizador de la vida cultural de la comuna y la ciudad.
En el marco de la Semana del Teatro, este espacio abrirá su telón con la obra La Familia Canchimalos (Una impro de Barrio) con el Colectivo Teatral de Canchimalos. ¿Qué tienen en común un barrio, una familia, los juegos de infancia y la impro? Ven y descúbrelo.
Viernes 21 de marzo de 2025
Hora: 7:00 p.m. Clle 47DD #88-24. Barrio Santa Lucía.
Gran estreno en La Fanfarria Amores
En tiempos de tanta violencia e incertidumbre es urgente hablar del amor y hallar el camino a la felicidad a la cual tenemos derecho todos los humanos.
Viernes 16 y 23 de marzo
Hora: 10:00 a.m.
Sábado 17 y 24 de marzo
Hora: 5:00 p.m.
La Fanfarria Teatro
Cra 84 # 42 C -54 - La América
¡CasaTeatro El Poblado celebra sus 12 años en abril!
Con motivo de la conmemoración de los doce años de CasaTeatro El Poblado, dos obras de repertorio de su grupo base Teatroescarlata, estarán en temporada.
Anatomía de la Melancolía
El ser humano moderno se convirtió en un ser débil y enfermo, susceptible de ser víctima de locura, depresión y angustia, lleva en su cuerpo toda clase de humores regidos por un misterioso planeta. La Melancolía podría ser causada por la dieta inapropiada, un equivocado temor a Dios, la naturaleza de nuestros padres, encantamientos, amor propio o desdichado.
Anatomía de la Melancolía es un banquete aderezado por tres movimientos intestinales y caracterizados por cuatro humores aristotélicos que padecen música, danza, pintura y teatro. Apta para mayores de 15 años.
Jueves 3, viernes 4, sábado 5, jueves 10, viernes 11 y sábado 12 de abril de 2025.
Hora: 8:00 p.m.
Boletas: $20.000 preventa marzo 2025. $25.000 precio full abril 2025.
Cra 47 B # 17 B SUR 30
Proust. Adoración perpetua
Pintura de errores que nos invita a buscar la «Verdad revelada a través del Arte», de la vida sensible de las cosas y sus infinitas variables en emociones tan complejas como la felicidad y el sufrimiento, sin olvidar el amor como signo embustero y también epifanía de verlo todo como la primera vez y respirar el todo como si fuese la última oportunidad.
Jueves 24, viernes 25 y sábado 26 de abril 2025.
Hora: 8:00 p.m.
Boletas: $20.000 preventa marzo 2025. $25.000 precio full abril 2025
Cra 47 B # 17 B SUR 30
en matacandelas...
¡Desde Piedecuesta!
Adriana Lizcano y Edson Velandia ¡Presentación en sociedad de nuevas canciones! Una noche de rasqa y resistencia en el emblemático Teatro Matacandelas, refugio de memorias y rebeldías, Adriana Lizcano y Edson Velandia traen un ritual sonoro donde las cuerdas de la guitarra rasgan los silencios cómplices y dan paso a los gritos de un pueblo que no se resigna. El escenario se convertirá en una asamblea itinerante, entrelazando rasqas campesinas con rock visceral, letras que destripan las costuras de un sistema podrido, mientras el público corea versos de Panfletos como himnos de dignidad.
Viernes 28 de marzo de 2025.
Hora: 10:00 p.m. / Valor: $70.000
Lugar: Cabaret El Cantadero Matacandelas Tipo de acomodación: De pie
Calle 47 # 43 - 47
Otra vez con otra voz Pablus Gallinazus en Matacandelas con Tita Pulido y Fred Danilo. «El nadaísmo se acaba todos los días entre las cuatro y las cinco de la madrugada». El Cabaret El Cantadero del Teatro Matacandelas se convierte en un escenario de resistencia, arte y celebración. Tres figuras imprescindibles tejen un encuentro único: Pablus Gallinazus, poeta de la rebeldía y profeta de la canción protesta; Tita Pulido, su cómplice creativa en escenarios de lucha; y Fred Danilo Palacio Villa, visionario de la cultura que convirtió el arte en territorio de libertad. ¡Acompáñanos en este canto colectivo donde lo imposible se hace canción!
Domingo 30 de marzo de 2025. Hora: 5:00 p.m. / Valor: $60.000
Lugar: Cabaret El Cantadero Matacandelas Calle 47 # 43 - 47
La esperanza entra en Escena
Cinco obras teatrales escrita por cinco autores integrantes del Centro de Creación e Investigación Dramatúrgica (CID-TPM), como resultado de su tercera fase de investigación fundamentadas en las tramas, conflictos, características y narrativas: La Virgen Rebelde, Cristina Restrepo R., Renata y las Agüelas del Atrato, Teresita Estrada F., Estallido, Nelson Matta C., Falsos Moros, Rodrigo Toro L. y Pies de Barro, Iván Zapata R.
Con las obras que conforman el núcleo central de la presente publicación, el CID-TPM lleva a la práctica hallazgos teóricos con el fin de transformarlos en productos estéticos para ser apreciados por la comunidad artística y el público en general, con la expectativa de producir a futuro, montajes escénicos basados en la Dramaturgia para la Construcción de Futuro. En esa línea de pensamiento, este libro será distribuido en las sedes artísticas, bibliotecas, instituciones educativas y demás entidades del ecosistema cultural local, nacional e internacional.
Miércoles 26 de marzo de 2025. Hora: 7:00 p.m. / Entrada Libre. Teatro Popular de Medellín Clle 48 #41-13
La Corporación Cultural VIVAPALABRA organizadora del festival local de cuenteros Medellín si cuenta y abre su convocatoria a los cuenteros de la ciudad.
Cada año nos encontramos con personas que creen en el poder trasformador de la palabra y nos animan a embarcarnos en esta aventura de realizar un festival, aparecen personas con ganas de contar sus historias, de compartir su visión del mundo y hasta su filosofía de vida y nos animan a reunirnos para contar con ustedes. Por esta razón los invitamos a inscribirse en la versión número 18 de nuestro festival en las diversas categorías: cuenteros aficionados, pensada en todos aquellos que les gusta contar una historia en su círculo de amigos y familia, personas sin, o con poca experiencia, pero con muchas ganas de contar una historia, conocidos como los «gomosos», que cada
año nos sorprenden gratamente; los cuenteros novatos para personas de 1 a 3 años de experiencia, los cuenteros profesionales de 4 años de experiencia en adelante, la categoría abuelos para personas mayores de 60 años o con nietos y la departamental para los cuenteros fuera del área metropolitana.
Queremos conocer sus historias, anécdotas y cuentos de la literatura y la tradición, en cada categoría elegiremos a tres cuenteros que clasificarán para participar en el festival Entre cuentos y flores que celebrará sus bodas de plata en agosto.
Más información: Whatsapp: 3136150109
Instagram: @vivapalabracuentos
Web: www.vivapalabra.com
Lanzamiento de libro en el TPM
Celebración Día Internacional del Teatro
Semana del Teatro
Programación en 20 salas de teatro. Circo . Magia . Pantomima . Teatro infantil . Exposiciones
Narratón de Cuentería . Gran Celebración Día Internacional del Teatro
Marzo 21 a 27 de 2025 - Medellín
Encuentro priorizado con recursos del programa de Planeación del Desarrollo Local y Presupuesto Participativo de Cultura.