Revista Maxwell Arq Edi. 03

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Índice

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Acotación

RESPIRAR UN MUNDO NUEVO

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STUDIO LOFT

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Acotación

Yerce Architecture & ZAAS

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Víctor Hermosillo

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En primer plano

EL MAYORAZGO QDI

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Residencial

Román Esqueda

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Diseñador

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Interiorismo

CASA CANTO Studio 91

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ZACATEPETL RESIDENCIAL

EL DISEÑO HOY Y MAÑANA

Pabellón de Arquitectura

Acotación

LA IMPORTANCIA DE CREAR ARTE EN TIEMPOS DE PANDEMIA Alberto Pazzi

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Escenarios

FAB CINEMA X+Living

GISBERT PÖPPLER

BERLINER ZIMMER Gisbert Pöppler

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THE IMPERFECT RESIDENCE

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Aurora Arquitectos

NCDA

26

SCANDIZZO HOUSE

LARGO DO CARMO

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Colección

FEATHR

FEATHR and Magnus Gjoen

Kennon+

56

Autores

60

Dirección de Arte

LAURENT MINGUET

IT’S A LIVING Ricardo González

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#PasemosPágina

NO HAY MEJOR LUGAR QUE ESTE MUNDO Celina Padilla

Maxwell Arquitectura · Interiorismo

@arquitecturamaxwell



Directorio

ARQUITECTURA · INTERIORISMO

Director Editorial MAXWELL Arquitectura e Interiorismo José Miguel Méndez miguelp@grupomaxwell.com.mx Director Editorial MAXWELL Mario Preciado mariopreciado@grupomaxwell.com.mx Directora Ejecutiva Zulema Judith Araujo González zulemaaraujo@grupomaxwell.com.mx Director de Arte y Diseño Adrián Darío Vera Calderón dariovera@grupomaxwell.com.mx Coordinadora de Arte y Diseño Sofía Malacara Muciño diseno@grupomaxwell.com.mx Analista Digital Fernanda Rodríguez Calderón fernandar@grupomaxwell.com.mx Asistente Editorial Liliana Núñez lilianan@grupomaxwell.com.mx

Portada Edición 03 Scandizzo House Fotografía Derek Swalwell

Ejecutivos De Cuenta Claudia Rode, Miriam Pérez M. Cuentas Especiales Ma. Esperanza González Romero Circulación Óscar Alcaraz Paz Administración Erika del Rocío Reyes Morales Finanzas Luis Gerardo Díaz López Presidente del Consejo Mario Alberto Martínez Muñoz direccion@grupomaxwell.com.mx Redacción Astrid Pimienta, Víctor Hermosillo, Román Esqueda, Alberto Pazzi, Celina Padilla, Brenda Garay, Catherine Shaw, Julieta de León, Paula Alcorta, Ricardo Dairen, Mateo Pazzi Fotografía Diego Torres, Jaime Navarro, Víctor Hermosillo, Román Esqueda, Alberto Pazzi, LGM Studio, Harold De Puymorin, Derek Swalwell, Yerce Art Photography, Emin Emrah Yerce, Ragnar Schmuck, Wolfgang Stahr, Andreas Meichsner, do mal o menos, Magnus Gjoen, Andreas von Einseidel, Alamy, Shao Feng

Oficinas León Teléfono: (477) 214 3912

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Arquitectura

MAXWELL ARQUITECTURA E INTERIORISMO 2020, publicación trimestral editada por Grupo Editorial Maxwell, S.A de C.V. Con domicilio en Blvd. Campestre 2150, 2do. Piso, espacios 12 y 13. Col. Lomas del Campestre, C.P. 37150. Tel.: (477) 2143913. León, Guanajuato. Contacto: contacto@grupomaxwell.com.mx. Impresión, Coloristas y Asociados, S.A. de C.V., con domicilio en Calzada de los Héroes 315, Col. Centro, León, Guanajuato. Teléfono: (477) 7166961. Grupo Editorial Maxwell, S.A. de C.V. no asume responsabilidad alguna por información y las fotografías proporcionadas por los anunciantes. Dicha información se asume como confiable de acuerdo a las fuentes de donde se obtiene. Se prohíbe la reproducción total o parcial de esta revista sin el permiso expreso de Grupo Editorial Maxwell, S.A. de C.V.


Carta Editorial

UN PLANETA POR SALVAR [Cómo definir la experiencia de nuestros límites] Todo cambió y nos pidieron… y nos recomendaron… y nos confinaron… y nos hicieron volver a nosotros cubriéndonos sin más las bocas. El 2020 será el año en que de un brutal golpe debimos reeducarnos para percibir nuestra morada más allá de la idea de un refugio codificado. Ahora la trama inédita entre el interior y el exterior será inagotable fuente en la que debemos aventurarnos a explorar, diseñar y adecuar al máximo nuestra relación conductual con el espacio. Por doquier escucho ráfagas de predicciones sobre cómo las interrelaciones personales, las áreas públicas, los diseños e incluso la representación artística evolucionarán para siempre. La cuarentena actual amaga con disciplinarnos para la inmovilidad, para recluirnos y poblar las plataformas digitales de avatares conquistándolo todo, reformulando la percepción de tiempo y espacio. La advertida pandemia nos alcanzó, transformó con su llegada a casi todos los sectores no solo de manera temporal, sino bajo un mote de “nueva normalidad”. La arquitectura, el urbanismo y el diseño de interiores no fueron inmunes al paso del virus. La necesidad de permanecer en casa nos permite reevaluar las falencias del espacio personal y si este resulta adecuado para morarle largos periodos. Llegaron propuestas inmediatas como las microunidades, espacios multifuncionales para realizar home office, cuasi rutas peatonales y ciclistas, además de todo tipo de espacios que socorran la distancia social; nada que alguna pieza cinematográfica o literaria no avistara sobre este “futuro distópico”. El ex director de The Guardian, Alan Rusbridger, en su columna Amid our fear, we’re rediscovering utopian hopes of a connected world, refiere: “Si este es el peor momento, también es el mejor. En nuestra ansiedad, estamos obteniendo profundas reservas de fuerza de los demás. En nuestro aislamiento, estamos redescubriendo la comunidad. En nuestra confusión, estamos repensando en quién confiamos. En nuestra fragmentación, estamos redescubriendo el valor de las instituciones. Cada uno elige su propia narrativa o metáfora.” Si efectivamente hemos entrado en una era de pandemias, insto a rediseñarnos en sentido íntegro. Estamos ante un hito en la historia quizá de la magnitud de la reestructura económica que conllevó al neoliberalismo. Los espacios vacíos de a poco vuelven a poblarse clamando normalidad sin importar la nueva conjetura que ella representa. Las próximas páginas entregan proyectos y voces que se alzan como modelo contemporáneo y funcional; yo solamente deseo que tomemos el afuera desde dentro. La conexión humana puede salvar nuestra cordura. Concluyo con la advertencia del arquitecto Rami el Samahy: “Renunciar a la urbanidad y la densidad es la solución incorrecta; después de todo, todavía tenemos un planeta por salvar”.

JOSÉ MIGUEL MÉNDEZ Director Editorial Edición 03

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www.victorhermosillo.mx

Acotación

RESPIRAR UN MUNDO NUEVO “…Es urgente hacer algo, y no sabemos qué…” - Ensayo sobre la lucidez, José Saramago 8

Arquitectura


Texto e Ilustración: Víctor Hermosillo Diseñador | Director del Museo de las Identidades Leonesas (MIL)

Con la cantidad de datos disponibles y la maquinaria de monitoreo e información que tienen a su disposición, resultaría sumamente inocente pensar que los gobiernos a nivel mundial nunca pudieron acaso vislumbrar que más temprano que tarde, ocurriría una pandemia de las dimensiones por todo el mundo ya advertidas. Lo cierto es que muchos sistemas colapsaron en relación a su capacidad de respuesta. No se trata este de un panfleto acusatorio. En ningún momento se está infiriendo que el caos en el que hoy estamos inmersos haya sido premeditado, es preciso advertir que la historia nos demuestra que esta novel pandemia no será la primera ni la última con la que tengamos que lidiar en el futuro. Lo cierto es que, la irrupción del SARS-CoV-2 ya ha tenido repercusiones graves en la vida pública de los países provocando un abrupto freno en las dinámicas sociales, el orden económico, e incluso político de miles de ciudades en todo el mundo, incluyendo virajes y maniobras inesperadas en el tablero geopolítico internacional. Los signos de los tiempos (que no necesariamente apocalípticos) apuntan a que, como cuerpo social, nos encontramos inmersos en un túnel oscuro, al cual ingresamos desde hace tiempo atrás, muy probablemente sin darnos cuenta. Si bien las señales de que el capitalismo liberal agoniza son claras, también es cierto que aún no se acaba de configurar una nueva construcción social de la realidad y ante ello, la angustia se incrementa y, con ello, la incertidumbre nos asfixia. Hemos experimentado jornadas no fáciles de franca desorientación a nivel colectivo. Resulta muy complejo predecir con exactitud lo que se viene en un futuro inmediato, más allá de las posibles crisis económicas y financieras, más preocupantes serían en todo caso las crisis humanas y la instauración de nuevas pautas que regulen la convivencia social (¿podremos nuevamente saludarnos de mano?) ¿Cuáles son las consecuencias a futuro de lo que está pasando hoy? ¿Quién(es) las configurarán y bajo qué argumentos lo harán? ¿Tendremos que aceptar irremediablemente desde lo individual y lo colectivo, la normalización de un estado de emergencia como modelo de vida? ¿Aprovecharán la situación los regímenes autocráticos para restringir gradualmente las libertades civiles y el derecho a la privacidad de los ciudadanos? Todas las crisis conllevan un cierto grado de oportunidad y esta no es la excepción. De hecho, vivimos un momento insólito: es probablemente la única ocasión en la historia en donde de manera sincrónica, miles de millones de seres humanos de manera obligatoria, se encuentran en condiciones de encierro doméstico a lo largo y ancho del planeta, pero más allá de eso, se encuentran en un territorio que probablemente nunca antes habían explorado: su espacio interior. … y, desde ahí, surge la oportunidad para repasar y medianamente repensar la existencia junto a sus muchas formas en las que ha sido vivida, de evaluar los andamiajes oxidados de nuestra sociedad. Es una valiosa oportunidad para reflexionar no necesariamente sobre una “nueva normalidad” impuesta desde la retórica oficialista de los esquemas de control gubernamental, sino sobre las muchas posibilidades de realidad, que como ciudadanos libres y soberanos tenemos derecho a imaginar y construir, de manera que se ajusten a nuestros valores, creencias, actitudes y posturas ante la vida. Es el tiempo no para correr ni apresurarse a abrir la puerta y volver a lo caduco y disfuncional. Ahora que contamos con pausas para respirar, es momento tal vez, de respirar un tiempo nuevo.

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En primer plano

EL MAYORAZGO Bajo el sello arquitectónico de QDI, El Mayorazgo Residencial es un exitoso proyecto con nuevas ubicaciones y terrenos. Diseño y Arquitectura: QDI · Texto: Brenda Garay · Fotografía: Cortesía QDI · Ubicación: León, Guanajuato, México

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Arquitectura


www.qdi.com.mx www.elmayorazgoleon.mx

La desarrolladora inmobiliaria guanajuatense QDI se distingue por contar con más de 18 años desarrollando significativos y prestigiosos proyectos en donde el diseño estético y la funcionalidad se optimizan meticulosamente para el corto y el largo plazo, integrando en cada obra el mayor valor agregado posible. Bajo filosofía en su nombre, Quality Desarrollos Inmobiliarios, aquí se tiene muy claro que la mejor manera de ser una empresa próspera es tener clientes satisfechos, por lo que su objetivo inquebrantable es edificar inmuebles de máxima calidad.

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En primer plano

Diseñado por Humberto Artigas, renombrado arquitecto de estilo mexicano contemporáneo, El Mayorazgo Residencial es uno de los fraccionamientos del amplio portafolio de QDI que mayor relevancia cobra. Con su imponente torreón de acceso, el cual mide 27 metros de altura y dota de gran personalidad al desarrollo, los habitantes darán cuenta tras cruzarlo de las extensas áreas verdes que circundan al residencial tanto en el bulevar principal como en cada privada. El proyecto se suma a los desarrollos más icónicos de León, también bajo la construcción de QDI, como son Las Quintas Residencial, Punta del Este, Lomas Punta del Este y Mayorca Residencial. Fraccionado en 15 exclusivas privadas, El Mayorazgo ha entregado al día de hoy 2,535 terrenos en tiempo y forma, los cuales ostentan una plusvalía del 152.63%. Actualmente se encuentran en fase de venta de la privada número 14, llamada Mayorazgo Santo Domingo. Cada privada se encuentra equipada con salón de usos múltiples, generosas áreas verdes, barda perimetral con malla electrificada, estacionamiento para visitantes y un módulo de acceso controlado, equipado con cámaras de circuito cerrado de TV y plumas de control.

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Arquitectura


Con más de 18 años de experiencia desarrollando proyectos inmobiliarios de alta calidad, en QDI se busca crear valor permanente para sus clientes, proveedores, empleados y la comunidad en donde se desempeñan. Su puntual cumplimiento en tiempos y formas genera una gran confianza para cerrar tanto operaciones como duraderas relaciones. Con El Mayorazgo se enfocan en cuidar cada detalle en el diseño y construcción, con los más altos estándares de calidad y los materiales que dan el toque único a sus desarrollos.

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Residencial

CASA CANTO La firma Studio 91 replantea con absoluta gracia los conceptos de diseño arquitectónico e interiorismo a través de este proyecto residencial que presume frescura, personalidad, elegancia y total atención en cada detalle.

www.studio91.mx

Diseño: Studio 91 · Arquitecto a cargo: Jaime Bucay · Equipo de Diseño: Pamela Soto, Óscar Hernández, Daniela Sánchez, Andrea González, Juan Cárdenas, Grace Bucay, Angelli Moreno Ingeniería: Alonso Rojas · Paisajismo: Aldaba Jardines Texto: Astrid Pimienta · Fotografía: LGM Studio · Ubicación: Bosque Real, Estado de México

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Arquitectura


De traza lujosa y contemporánea, Casa Canto se aposta sobre un área de 7,000 metros cuadrados colmados de vida y serenidad. La residencia se configuró para que su mayor virtud se argumentara en la fuerte conexión que mantiene con sus espacios al aire libre, así como en el punto focal que se le otorga a una zona hundida que presenta una placentera hoguera. La casa ostenta experimentación en términos de diseño, pero es la visión y experiencia del arquitecto a cargo lo que dota al espacio de una ambientación contemporánea. Iniciando con el jardín, el programa arquitectónico incluye un pozo que incita a memorables conversaciones, convirtiéndose en una estancia en desnivel con fogata. Diferentes texturas componen este jardín, el cual espera la pátina del tiempo y el crecimiento de nueva vegetación. La celosía entredeja ver el talud del terreno, creando un efecto visual que pareciera duplicar la dimensión del jardín.

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Residencial

El programa habitacional continúa en una planta baja formada por un núcleo central de madera negra y un jardín perimetral que se diluye con la topografía. Al interior, una envolvente de madera de encino negra y detalles en latón son el elemento principal que reviste los muros, oculta puertas de baños y se convierte en un interesante librero. En una sola planta se colocó un gran salón que integra sala, comedor y cocina; posteriormente se ubicaron del otro extremo las tres recámaras con baño completo que incluye el departamento.

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Arquitectura


Cabe resaltar el máximo detalle en cada elemento, tal como vemos en las cabeceras de los dormitorios que funcionan a su vez como puertas y realzan el carácter decorativo del espacio. La integración de materiales como maderas, pieles, acero y cristal dan un toque atemporal, mientras que el mobiliario se incorpora de manera natural y orgánica con el resto de la casa. La fachada se levantó con cristal e invita a apreciar el maravilloso jardín, donde el tezontle de su piso crea una ruptura con la madera de encino en interioriores, brindando una estética sobria que cede protagonismo a la vegetación del entorno. Con Casa Canto, el arquitecto Jaime Bucay explora su creatividad y da vida a un proyecto que combina su curiosidad e investigación por la intervención de materiales naturales, y cómo éstos pueden llegar a ser funcionales en la vivienda sin perder la esencia del diseño.

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Residencial www.pabellondearquitectura.com

ZACATEPETL RESIDENCIAL El proyecto consiste en un conjunto de tres casas inteligentes ubicadas al sur de la Ciudad de México, diseñadas para elevarse como un ícono no solo arquitectónico sino también sustentable y tecnológico. Arquitectura, Ingeniería y Paisajismo: Pabellón de Arquitectura Arquitectos a cargo: Sebastián Navarro, Héctor Fuentes, Álvaro Rodríguez, Álvaro Navarro, Rolando Fuentes, Gabriel Meléndez · Equipo de Diseño: Monserrat Martínez, Selene Guerra, Israel Hernández Texto: Ricardo Dairen · Fotografía: Jaime Navarro · Ubicación: Pedregal, Ciudad de México

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Arquitectura


El diseño formal de Zacatepetl Residencial nace de la geometría del terreno y la cercanía con la gran reserva natural de Ciudad Universitaria, en torno a la cual se plantearon las vistas principales. El proyecto busca aminorar las inclemencias de un complicado ambiente económico/ecológico que reina en la Ciudad de México, valiéndose de un diseño integral de amplios espacios de estilo moderno y minimalista que cumplen a su vez con la noción de lujo y confort. En cuanto a funcionalidad resalta el esquema de medios niveles y plataformas a diferentes alturas que separa los espacios públicos de los privados, conectándolos por

medio de puentes y escaleras para aprovechar al máximo el espacio disponible y adaptarse a la geometría irregular del terreno. De igual forma se propusieron jardines internos siguiendo la idea de una arquitectura “orgánica” propia de la zona del Pedregal. En materia de sustentabilidad se planteó una estrategia que combina sistemas pasivos con sistemas activos. Para proveer de mayor iluminación y ventilación natural posible se colocaron grandes ventanales y tragaluces a lo largo de la casa, así como un gran atrio en donde por efecto chimenea el calor sube y enfría naturalmente las distintas áreas, manteniendo una temperatura confortable durante todo el año.

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Residencial En área de azoteas se capta el agua de lluvia la cual es tratada con filtros de la más alta tecnología, almacenándola para su reúso tanto en riego como en WCs. Se instalaron paneles y calentadores solares en cada vivienda para contribuir al ahorro de gas. Todo este sistema de ahorro y optimización de recursos se monitorea en tiempo real por un innovador sistema de domótica desarrollado específicamente para este proyecto.

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Arquitectura


Los sistemas de Zacatepetl Residencial se conectan a toda la casa, controlando el estado y gasto de los recursos en tiempo real. Planteando una completa practicidad y comodidad a la vivienda, mientras se concientiza al usuario acerca del gasto energĂŠtico y la importancia del ahorro de recursos, este significativo proyecto optimiza en conjunto con las implementaciones activas y las pasivas hasta un 65% de los recursos. De esta manera el tĂŠrmino de Casas Inteligentes no refiere solo a un apelativo sino a una imperativa tendencia residencial.

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Residencial

THE IMPERFECT RESIDENCE

www.ncda.biz

Arquitectura e Interiorismo: NC Design & Architecture Ltd (NCDA) Diseñador Líder: Nelson Chow · Equipo de Diseño: Viktorija Valiulyte, Rain Ho, John Liu Texto: Catherine Shaw · Fotografía: Harold De Puymorin · Ubicación: Hong Kong

La Residencia Imperfecta propone un concepto que funciona en dos niveles: un diseño visualmente ordenado, más la integración del todo como parte de la arquitectura y no como objetos dispersos. Su configuración se basa en la antigua filosofía japonesa del Wabi Sabi, la cual abarca la belleza que es imperfecta, impermanente e incompleta. Esta actitud se encuentra en el lenguaje de diseño que NCDA tradujo en una estética contemporánea al combinar geometrías audaces con materiales en su estado natural. La residencia se divide en tres áreas, aceptando esta belleza de imperfección e inacabada apariencia.

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Arquitectura

El Jardín Escultórico. Un vestíbulo con forma de capullo se reviste con tablones de madera oscura, creando un espacio tranquilo que conduce a una estancia inspirada en un jardín de esculturas. Fragmentos geométricos de mármol y metal oxidado se integran en el piso de madera y en muros, mientras que paneles plegables que honran a las pantallas Shoji encierran la habitación y ocultan las unidades de almacenamiento, dejando el punto focal al elemento escultórico. Pizarras de mármol recorren la longitud de la habitación, ocultando un bello gabinete y funcionando como elevador que conduce al dormitorio.


Cuando a Nelson Chow se le pidió que diseñara la nueva casa de sus amigos de toda la vida en Hong Kong, le externaron solo tres condiciones: belleza, funcionalidad y debía envejecer bien… el resto es imperfección.

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Residencial

El Santuario. Inspirado en el genkan japonés tradicional, el acceso al dormitorio nos separa del mundo exterior y produce una profunda transición psicológica. Una gran ventana llena la habitación con luz natural, agregando suavidad en las paredes para resaltar un conjunto armonioso de geometrías y materiales. Las mesas laterales y los colgantes son bloques de mármol, mientras los tubos de cuero se apilan para formar el marco de la cama, que mira hacia la ventana donde hay un juego de sombras siempre cambiante a medida que el día se convierte en noche.

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Arquitectura


El Altar. Al final del pasaje elevado que bordea el dormitorio hay una puerta oculta que conduce al vestidor. Los elevadores son de yeso suave, cepillado a mano, que alivia los pies descalzos y evoca serenidad. El vestidor se fusiona con el baño proporcionando un ambiente fluido e ininterrumpido. Al otro lado, continuando con el espíritu de funcionalidad y belleza, una escultura de mármol sostiene un lavabo de bronce, un tocador y una bañera. El ritual inicia al posarse sobre el podio de mármol y subiendo al lavabo o hundiéndose en la generosa bañera.

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Residencial

SCANDIZZO HOUSE

Pete Kennon explora en esta obra la relación entre arquitectura, memoria e identidad, inspirado en el ameno carácter de sus propietarios, Joey y Jane Scandizzo, diseñando un hogar ideal para una joven familia.

www.kennon.com.au Arquitectura e Interiorismo: Kennon+ [Pete Kennon] · Construcción: Duobuilt Texto: Julieta De León · Fotografía: Derek Swalwell · Photoshoot Styling: Room on Fire · Ubicación: Melbourne, Australia

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Arquitectura


El diseño de este proyecto representa un hito en la vida de la familia Scandizzo, al reconocer en sus trazos el pasado compartido mientras se construye en absoluta armonía un gesto hacia el futuro. Se trata de un lugar que, como hogar de infancia de los tres hijos de la familia, tendrá un significado especial en ellos a medida que crezcan. Para Pete Kennon, artífice de la obra, es de particular interés esta calidad única de arquitectura por la cual una forma física cobra mayor relevancia a través de las conexiones emocionales y las experiencias que escenifica.

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Residencial

Estimulado por la conexión con su propia casa de infancia en la zona rural de Victoria, en Australia, Kennon se enfocó en las nociones de cómo navegamos por los lugares a través de nuestros sentidos, la relación entre el cuerpo humano y el entorno construido, así como por la manera en que percibimos la arquitectura como un objeto físico. Al explorar los conceptos de hogar y memoria, el arquitecto se confiesa cautivado por cómo los efectos físicos y psicológicos de los espacios juegan un papel fundamental sobre nosotros, especialmente en la edad temprana.

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Arquitectura


Con sus arquetípicas formas a dos aguas y la materialidad del hormigón colado in situ, la Casa Scandizzo genera una sensación de resistencia y estabilidad que se complementa a la perfección con la hermosa fachada victoriana original. La elección del material responde a la forma en que se pretende sentir el edificio, por tanto, el uso del concreto tiene gran significado no solamente por contribuir con una calidad robusta, sino que en su crudeza y la naturaleza orgánica de su materialidad logra transmitir pesadez y ligereza al mismo tiempo.

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Residencial

Las limitaciones del sitio, la compleja ingeniería de la estructura de concreto y el compromiso compartido entre arquitectos y clientes para lograr un nivel de acabado excepcionalmente alto, trascendieron en una estrecha colaboración con el constructor para conseguir que el detalle en el diseño se sintiera en todas partes, con cada elemento ejecutado con precisión. La Casa Scandizzo es sobre todo una obra empática de arquitectura, un portento de sensibilidad a la relación entre identidad y diseño, una respuesta a la identidad de la familia para la que fue diseñada, la cual continuará haciéndose más significativa y resonante con el paso del tiempo.

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Arquitectura



Residencial

www.egemenyerce.com www.za-as.com

studio

loft En tiempos donde el uso eficiente y creativo del espacio es una necesidad primaria, esta obra supera el desafío de cumplir una triple función en el mismo sitio, alzándose como un ejemplo de portento arquitectónico. Arquitectura y Diseño: Yerce Architecture & ZAAS Equipo de diseño: Ayça Taylan, Nail Egemen Yerce · Contratista: Nano İnşaat – Hilmi Aydın Niğdeli Texto: José Miguel Méndez · Fotografía: Yerce Art Photography, Emin Emrah Yerce · Ubicación: İzmir, Turquía

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Arquitectura


Studio Loft es gran ejemplo de cómo transformar un edificio existente de cinco pisos en un dúplex multifuncional, diseñado para fungir no solamente bajo vocación residencial, sino como estudio fotográfico y galería de arte. Ubicado en un vecindario densamente poblado de Izmir, en Turquía, el propietario de este loft es un famoso fotógrafo que deseaba algo más que un lugar para vivir y trabajar. Fue así que se unió con los arquitectos de Yerce Architecture & ZAAS para el diseño y creación de su nuevo refugio creativo. Al llegar a Studio Loft uno entra directo al estudio fotográfico y al espacio de exhibición. En ese mismo nivel, un baño de visitas con un techo abovedado no solo resuelve el problema de la restricción de altura, sino que su material reflectante da la sensación de estar dentro en un espacio futurista. La escalera escultórica diseñada sin barandal resalta el dinamismo y ritmo de circulación dentro del espacio. Mientras la planta baja se diseñó para satisfacer las necesidades de un estudio fotográfico y un espacio de exhibición, el piso superior alberga las áreas de oficina, cocina, habitaciones y un espacio con una acogedora chimenea para beneplácito de los usuarios.

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Residencial

El piso superior también se pensó como un set adicional para sesiones de fotos, debido a que uno de los objetivos del proyecto es maximizar el espacio para la creación fotográfica, otorgando a los talentos locales un lugar alternativo de exhibición en el centro de la ciudad, donde las galerías de arte son bastante escasas. Esa fue la directriz de los arquitectos, abordar el desafío para buscar respuestas al cómo podría el espacio inicialmente construido como un apartamento típico y estándar, transformarse en un área multifuncional que sirve a diferentes formas de vida manteniendo la permeabilidad dentro de estas funciones.

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Arquitectura


Studio Loft puede verse como un proyecto continuo, toda vez que se transformó en patio el terreno abierto frente al apartamento utilizado anteriormente como estacionamiento. El material de pavimentación de la planta baja se extiende para cubrir el patio y las aceras, integrando todo el espacio. Las puertas corredizas de vidrio de la fachada contribuyen a la fusión del interior con el espacio urbano en favor de las exhibiciones aquí programadas. Es por todo ello que Studio Loft se materializa como una nueva tipología de vivienda urbana y espacio de trabajo con la función adicional de ser un lugar de exhibición

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Acotación

EL DISEÑO HOY Y MAÑANA

El diseño del futuro se asumirá como la actividad propia de lo humano otorgándosele una importancia radical; asumirá su papel transformador y será la posibilidad de un nuevo paso en la evolución del mundo.

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Diseño


Texto y Fotografía: Dr. Román Esqueda Atayde Mercadólogo y Docente | Especialista en Semiótica, Neurociencias Cognitivas y Retórica

El diseño tiene un devenir sumamente interesante en la historia de la humanidad. Si bien su inicio como disciplina “formal” suele ubicarse en un momento posterior a la Revolución Industrial, suponiendo que un aspecto esencial de esta labor era la reproducción mecánica, la ampliación del concepto hacia diversos ámbitos de la actividad humana nos hace repensar esta historia hasta los orígenes de la humanidad, mucho más allá de dicho momento. Todo hallazgo histórico de restos de homínidos de épocas prehistóricas viene acompañado de “objetos” creados, cosas que dictan que esos restos son propiamente humanos. La invención de objetos diseñados por una inteligencia capaz de ello es la marca de la presencia humana. Así, el diseño y lo humano se entremezclan de manera esencial. Es posible que lo propiamente humano de nuestra especie sea la transformación de las cosas del mundo y del mundo mismo a través de esa actividad que podemos llamar diseño. Estas transformaciones del mundo “natural” en un mundo humano serían previas al lenguaje hablado. Podríamos definir por tanto a la especie humana como aquella especie que diseña. Estas transformaciones de la naturaleza no serían sino la naturaleza misma de la especie. La contraposición Naturaleza vs Artificio (diseño) es una distinción falsa y superficial. La naturaleza misma generó al ser transformador que diseña. Así podemos descubrir a otras especies que “diseñan”, que no se quedaron fijas en un momento de su aparición como especie sino que su propia evolución las llevo a rediseñar sus capacidades, sus sentidos, sus formas de manifestarse en el entorno y de vincularse con él. El ser humano comparte por ende la capacidad de diseñar con diversas especies: mamíferos, aves, insectos, transformadores de sus entornos y de si mismos. El ser humano, y en tanto tal “el diseñador”, se ha transformado evolutivamente transformando su entorno y viceversa. No se trata de una relación unidireccional sino ecológica. Cada cambio del entorno o de nuestra relación con él a su vez nos cambia. No somos seres independientes del entorno, somos el entorno mismo. La humanidad fue cobrando conciencia de esta capacidad transformadora a la que llamamos diseño. Diseñamos herramientas, formas de contactarnos y operar con el mundo. No somos seres esenciales sino seres en evolución permanente. El diseño es el medio por el cual resurgimos de nosotros mismos. Esta conciencia tiene su expresión negativa en el cambio climático. Como especie hemos creado un potencial de autodestrucción del todo, tomando incluso conciencia de nuestros actos de autodestrucción de lo que somos, mundo. La posible destrucción del mundo es nuestra autodestrucción. Esto nos sitúa en una nueva conciencia de nuestra capacidad de diseño. No rediseñar nuestro mundo, nuestras actividades en toda sus dimensiones, nuestras formas de vida, nuestros sistemas económicos, nuestra forma de desplazarnos o de alimentarnos, sería el diseño de nuestra destrucción. Así el diseño tiene un futuro radical. Las dicotomías Cultura vs Naturaleza, y tantas otras, se difuminan. Somos un todo con todo lo existente y éste ha sido diseñado por nosotros aunque nuestro diseño toma conciencia de si mismo ante la posibilidad de la catástrofe. El futuro del diseño, a pesar de las oposiciones surgidas de las formas de vida tradicionales y autodestructivas que hoy se expresan como la negación de la responsabilidad de nuestro diseño, puede ser nuestra única posibilidad de un cambio positivo. El diseño rompe entonces con las limitaciones que le impuso la tradición, aquellas que lo situaban al servicio de la industria y de ciertas formas de producción.

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Diseñador

GISBERT PÖPPLER Con una pasión por la excelencia y el bello arte del diseño, este arquitecto berlinés innova soluciones que equilibran la tradición con la modernidad. Texto: Paula Alcorta · Fotografía: Ragnar Schmuck

Ambassador

El proceso de Gisbert Pöppler comienza con el diálogo y la observación, obteniendo una comprensión profunda de los deseos y objetivos del cliente. Al hacer las preguntas correctas y observar cómo el usuario se apropia del mueble y los entornos en su vida diaria, el resultado combina soluciones holísticamente funcionales con arte sofisticado. A continuación presentamos algunos de sus muebles más distintivos: Twin www.gisbertpoeppler.com

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Diseño


Lavastone Dining

Gisbert Pöppler estudió arquitectura en California College of Arts and Crafts, San Francisco; y en la Technische Universität, en Berlín, graduándose en 1996 con un Diplom Ingenieur. Para 1999 fundó junto a la arquitecta Ilona Prinz una firma para diseñar entornos corporativos que contribuyeran al dinámico paisaje de Berlín. Se independizó desde el año 2004 para trabajar en su estudio de arquitectura integral, ofreciendo soluciones de diseño de interiores, mobiliario y accesorios personalizados, iluminación o conceptos de color; para el sector corporativo y residencial, de restaurantes, hoteles, locales comerciales y showrooms.

Cherry Table

Belenius + La Luna

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Interiorismo

BERLINER

ZIMMER Gisbert Pöppler combina un profundo conocimiento de arquitectura y diseño de interiores con una comprensión integral del espacio, el color, la luz y los accesorios, gestando toda una experiencia ambiental. www.gisbertpoeppler.com Diseño: Gisbert Pöppler Texto: Julieta de León · Fotografía: Wolfgang Stahr, Andreas Meichsner · Ubicación: Berlín, Alemania

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Diseño


Cuando se trata de renovar edificios históricos, el arquitecto berlinés Gisbert Pöppler despliega un magistral talento para equilibrar la tradición con la modernidad, uniendo pasado y presente de manera conceptual y eficaz. Su astuto enfoque se ejemplifica en Berliner Zimmer, apartamento que renovó en el barrio de Charlottenburg en Berlín, el cual acentúa elegantemente el patrimonio arquitectónico del edificio mientras porta el garbo de una delicadeza contemporánea.

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Interiorismo

La residencia es una obra de intrincadas intervenciones cuya discreta sofisticación exalta la pasión por el fino arte del diseño, reflejando el gusto y la sensibilidad de los propietarios, una pareja germano-israelí. El apelativo de Berliner Zimmer refiere a una característica común en los apartamentos berlineses de los siglos XIX y XX: una gran sala que conecta el edificio frontal con un ala lateral en la parte posterior, usada por lo general como estancia. A pesar de su tamaño, estas habitaciones tienen solo una pequeña ventana, lo que no era buen augurio para los residentes. La solución de Pöppler fue agrandar la abertura que conecta el Berliner Zimmer con el comedor adyacente, aprovechando toda luz diurna disponible desde el frente del apartamento. Los propietarios solicitaron también incluir una gran alfombra colorida que les cautivó, lo que influyó en la decoración de la habitación, incluida la elección de una tonalidad rojo-naranja en muros que sería factor decisivo para la selección de obras de arte de la extensa colección de los dueños. Complementada con tonos azules y beige, sumando el brillante detalle provisto por piezas de vidrio y metal, así como texturas suaves cortesía de sillones exuberantes, la espaciosa habitación es a su vez vibrante como confortante, invitando a los huéspedes a relajarse en un ambiente de opulencia moderada.

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Diseño


Ediciรณn 03

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Interiorismo

El apartamento está pleno de sutiles adecuaciones cuyo ingenio radica en su carácter imperceptible, a pesar de la radical reconfiguración a la que se sometió. Esta idea se hace evidente en la reubicación del baño principal en un antiguo dormitorio. El espacio se siente más como galería de arte que como baño, donde el punto focal es la alfombra circular de seda, diseñada por el mismo Pöppler en colaboración con Tai Ping Carpets. Denominada Alfombra Midas, y dando testimonio de la astucia creativa e influencia artística del arquitecto, su diseño hace referencia a la colección Otoño 2014 de PRADA Men, inspirada en el vestuario de la película Las amargas lágrimas de Petra von Kant, de Fassbinder; basada a su vez en la pintura Midas ante Baco, de Nicolas Poussin.

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Diseño



Interiorismo

www.aurora.com.pt

LARGO DO CARMO De lenguaje contemporáneo e intencionalmente distante, el diseño arquitectónico de Largo do Carmo ostenta un evidente respeto y valor a su pasado, adaptando de manera sutil el espacio a una vivienda unifamiliar. Arquitectura: Aurora Arquitectos · Equipo: Sérgio Antunes, Sofia Reis Couto, Ivo Lapa, Pedro França, Bruno Pereira, Tânia Sousa, Rui Baltazar, Dora Jerbic, Carolina Rocha, Anna Cavenago · Supervisión de Obra: Gestão de Obras · Ingeniería: Engiprior, ECWS, Prodetail · Construcción: R.C.U Mobiliario: A Linha da Vizinha · Cerámica: Caro · Texto: Julieta De León · Fotografía: do mal o menos · Ubicación: Lisboa, Portugal

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Diseño


Este apartamento forma parte de un edificio que ocupa todo el límite sur de Largo do Carmo, en Lisboa. Siguiendo los principios de la arquitectura pombalina, tiene la particularidad de incorporar un pequeño palacio en los pisos inferiores y apartamentos de lujo en los pisos superiores. A pesar de las diferentes ocupaciones en los últimos dos siglos, su interior mantiene una gran calidad espacial, constructiva y decorativa. El diseño mantiene la lógica de circulación, con dos ejes principales formados por los corredores y conexiones directas entre compartimentos. Las demoliciones son mínimas y es fascinante la manera en que se asumen sus “cicatrices”. Las puertas fueron pintadas a semejanza de fósiles mientras los nuevos elementos se diseñaron para no competir con los más antiguos. Existe también un trabajo de rehabilitación casi invisible pero exigente, el cual utiliza y respeta las técnicas constructivas originales además de los complejos caminos secretos utilizados para la climatización, las aguas residuales y la ventilación. Todas estas estrategias tienen la intención de reunir los deseos del programa y la lectura de la organización espacial original, funcionando a su vez como un proceso de documentación, que algún día permitirá que todo vuelva a su estado original. Fundado en 2010 por Sofia Couto y Sérgio Antunes, el estudio Aurora Arquitectos desarrolla proyectos de gran variedad de escalas, desde edificios residenciales hasta grandes instalaciones culturales. Su enfoque se dirige hacia la reacción al sitio, al qué hacer con el espacio y al respeto a los elementos de la construcción existente, a veces cargando siglos de antigüedad.

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Colección

www.feathr.com

FEATHR Una impresionante colección de tapizados incorporan la belleza, y el poder de las obras de arte de Magnus Gjoen al diseño de interiores.

Diseño: FEATHR and Magnus Gjoen Texto: Ricardo Dairen Fotografías: Magnus Gjoen, Andreas von Einseidel, Alamy

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Diseño


El colectivo de diseño FEATHR reviste al mundo con más arte y menos decoración, colaborando con artistas contemporáneos para hacer del wallpaper verdaderas piezas de arte. Su última colaboración es Magnus Gjoen, artista noruego que fusiona un enfoque artístico con una estética callejera y pop. Junto a FEATHR, Gjoen creó una colección de tapizados que ofrecen un giro moderno de las antiguas obras maestras.

A Beautiful Thing is Never Perfect. Gjoen utiliza el método barroco de representar el ciclo de la vida entrelazando flores vibrantes con toques de descomposición. El diseño a rayas maximalista presenta rosas, mariposas y caracoles entrelazados alrededor de cráneos floreados escondidos entre la maleza. Flower Bomb. Aportando un toque de humor negro a la formalidad propia del estilo georgiano, este diseño mezcla una bomba estilizada con motivos clásicos, recordándole al espectador que los extremos de la existencia humana como el amor y odio, guerra y paz, luz y oscuridad, a menudo van de la mano. No Use Crying for Roses When Forests are Burning. Inspirado en el Arts & Craft y en los frescos venecianos rococó, este tapiz utiliza rayas tonificadas para crear una estructura formal a partir de una exuberante mezcla de flores pintadas al óleo, aportando intensidad y drama a una habitación. You Don’t Find Light by Avoiding the Darkness. El motivo central lo toman dos Dobermann Pinscher, alertas uno frente al otro, unidos por una cadena y una llave. Las flores pintadas al óleo suavizan sus perfiles, mientras que la estructura lineal del diseño aporta continuidad y moderación a su equilibrado poder.

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Acotación

LA IMPORTANCIA DE CREAR ARTE EN TIEMPOS DE PANDEMIA “Uno debe crear sus símbolos y entregarse a su oficio con absoluta devoción y determinación sin importar las circunstancias”

www.albertopazzi.com

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Arte


Texto y Collage: Alberto Pazzi Artista Plástico

Hace ocho años alguien me dio un consejo mientras limpiaba el bar a altas horas de la madrugada. Era quizás el punto más sombrío de mi vida en Nueva York, etapa en la que aprendí mucho al trabajar largas jornadas limpiando baños y cargando cubetas de hielo en las entrañas de ese lugar. En una de esas pláticas que siempre se extendían hasta el amanecer, uno de mis colegas inmigrantes me dijo: “no dejes que nada te detenga”. Puede parecer una frase ordinaria y debo admitir que en ese entonces no tuvo mucho impacto en mí. Solo quería terminar mi turno e irme a descansar. Con el pasar del tiempo esa línea se convirtió en una voz firme y testaruda dentro de mí, en algo fundamental, sobre todo durante esta cuarentena. Ir a una escuela de arte nunca fue una opción real para mí. Lo razonable era inclinarse por alguna carrera más aplicable e inmediata. Personalmente no encontré lo que buscaba en los pasillos de la escuela de diseño, en ese color tedioso como el de un folder que tenían las paredes y los restiradores; en esa placa que rezaba que “la inspiración llega pero te tiene que encontrar trabajando” justo después de esos escalones que eran la antesala a unas aulas que no destacaban por nada especial. Fue así que comprendí que la inspiración o la motivación por crear arte no es una entidad que desciende sobre ti desde la bóveda celeste como una paloma en llamas… es un motor que se enciende desde tu interior y debes saber echarlo a andar. Ahora esta pandemia me toma en Nueva York, ciudad que todo me lo enseñó. Decidí comenzar una serie de collages usando solamente recortes de papel y cartón que encontré en mi casa, por lo que me vi obligado a escarbar entre libros y viejos objetos de valor sentimental. Encontré correo, boletos de conciertos, calcomanías, cartas de amor y un montón de postales que junté con el pasar de los años. Hoy este ejercicio resulta en veinte obras que me han traído tremenda satisfacción y regocijo, siendo una práctica redituable pues gracias al apoyo de los seguidores he solventado los gastos de todo un mes; eso, en una ciudad tan cara y en una crisis económica sin precedentes, refleja que la gente nunca dejará de consumir arte. Solo el tiempo decide cuál es el valor artístico que se le da a una obra. Para ser franco, veo que es una delgada línea la que determina si una pieza es considerada una obra de arte o un sobrevalorado pedazo de basura. Eso depende del observador, y cada individuo tiene una percepción distinta de la belleza. Lo que me queda claro es que uno como artista no debe dejar de trabajar. Uno debe crear sus símbolos y entregarse a su oficio con absoluta devoción y determinación sin importar las circunstancias. Por más turbulenta que sea la marea que nos rodeé, el artista debe encontrar una especie de isla en sí mismo(a). Un artista debe saber apreciar el sufrimiento, debe saber estar solo. Del sufrimiento proviene el mejor trabajo y el sufrir trae consigo transformación. Uno no debe dejar que nada lo detenga. Hoy más que nunca la necesidad de reinventarse no es propia ni exclusiva del artista, sino de la humanidad en general. Haciendo frente a la contingencia he dejado de pensar en mí como un desempleado más o como una víctima de cualquier sistema que por opresor se atreviera a obstruir mi desarrollo. He dejado de pensar en excusas. Que la idea de convertirnos en artistas de tiempo completo no nos asuste, que no suene como una idea romántica e imposible, sino como un estilo inherente de vida.

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Escenarios

www.xl-muse.com

FAB CINEMA

La sala cinematográfica, esa suerte de sanctasanctórum donde se gesta la conexión entre el público y el séptimo arte. Diseño: X+Living · Jefe de Diseño: Li Xiang · Dirección de Proyecto: Ren Lijiao, Wu Feng Texto: José Miguel Méndez · Fotografía: Shao Feng · Ubicación: Xi’an, China

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Arte


El director cinematográfico Ang Lee alguna vez dijo: “Creo que los directores somos como conductores, sentimos algo y después lo transmitimos al público a través de nosotros mismos, estimulando sus emociones, imaginación y pensamiento”. La línea de diseño de FAB Cinema cumple con esta misma visión, ahora a cargo de su director espacial, Li Xiang, CEO de la firma X+Living, quien traslada escenas e historias a la vista del público al convertir la sala cinematográfica en un auténtico contenedor de emociones. Muchos de los teatros tradicionales prestan más atención a la taquilla y a la mera visualización en la pantalla, mientras carecen de creatividad en el diseño de su experiencia espacial. Con FAB Cinema, X+Living propone una atmósfera, memorable y tangible, que conecta al público con el mundo del cine al que desean ingresar, donde en lugar de esperar aburridamente, entrarán en un estado de participación activa a través de la movilización por el terreno decorado.

Sala 1

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Escenarios

Sala 4

En términos de diseño y estética, el proyecto se aleja de la tradición y utiliza la narrativa espacial para encadenar una símil de escena de rodaje. La sala principal del cine presenta “efectos visuales” únicos para cada audiencia. Tanto el latente color negro y dorado que bañan la sala, como el corredor de semblante rosa, atraen a la audiencia hacia el vórtice dramático, acentuando el misterio de la película que está por revelarse. La taquilla alude a una caja de herramientas decorada con aletas dorsales de tiburón, rodeándose de grandes lámparas inspiradas en la cinefotografía que generan una fuerte experiencia inmersiva. Más allá, una mesa de billar, sofás, camas y bañeras color rojo complementan la elegante composición; mientras que en el bar, con sus sillas que asemejan a las clásicas de director, las personas pueden disfrutar de una atmósfera relajante muy diferente a la vida cotidiana.

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Arte


Sala 2

Sala 3

Sala 4

FAB Cinema se divide en cuatro salas temáticas. La Sala I simula un estudio de estilo europeo, con estanterías clásicas además de asientos negros y rojos que rebosan su herencia aristocrática. La Sala II pareciera salida de la mente de un artista grotesco, con una pared de estilo holandés que utiliza colores francos e imágenes geométricas que expresan la pureza en el espíritu del diseño. La Sala III exhibe elegantes arcos de corte clásico que brindan un sentido de orden, mientras asientos en blanco y negro embellecen el tranquilo espacio. Finalmente, la Sala IV se transforma en una calle futurista de facha surreal, con un neón brillante que muestra la vitalidad de la ciudad y colores enérgicos que transmiten el estridente carácter de la moda.

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Autores www.laurentminguet.com

LAURENT MINGUET Texto: Mateo Pazzi Fotografía: Cortesía Laurent Minguet

Soho NY

La continuidad de los paisajes urbanos recreados en la obra de Laurent Minguet bajo decreto del pincel no son solo la ilusión de una transparencia natural y sugestiva, sino una invitación a viajar con total libertad. Laurent Minguet nació en 1969 en Toulouse, Francia, donde actualmente vive y trabaja. Aficionado al acrílico sobre lienzo aprendió de manera autodidacta el arte del pincel hasta perfeccionar sus habilidades en el estilo hiperrealista. Su generación estuvo influenciada por la turbulenta década de 1980, marcada por el creciente capitalismo global, el rebose de los medios de comunicación y las significativas discrepancias en la distribución de la riqueza, flanqueados a su vez por ese distintivo e inigualable sentido de la música y la moda de entonces.

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Arte


Procedente del mundo industrial, el también renombrado diseñador decidió dedicarse a una carrera como artista visual en el año 1998, inspirado por sus primeros grandes viajes donde se descubrió fascinado por los paisajes que pronuncian en voz alta la idea de hiperurbanización. Se volvió en él una cierta adicción visitar las megaciudades en busca del mejor ángulo fotográfico de los lugares icónicos en ellas. De regreso en su estudio Minguet dibujará primero a bolígrafo alzado estas imágenes, de manera metódica, antes de refinarlas con pintura y una maestría que resulta notable gracias al equilibrio de sus contrastes.

Dark Side of Tokyo Edición 03

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Autores

Los sustratos que utiliza en su obra bien pueden ser nogal, cerezo o roble, maderas valiosas cuidadosamente seleccionadas para que su veteado aleatorio fortalezca la dinámica de una unidad altamente detallada. Su línea, precisa y crítica, congela por un instante la agitación y la densidad arquitectónica de su composición gráfica, para dar paso a una ruptura comandada por la desfachatez de un acrílico monocromático que se opone a la precisión fotorrealista de la pintura, revelando así la fuerza de sus diferentes interpretaciones. Se trata de un gesto supremo propio del arte callejero, igualmente violento y deshonroso que consciente y reflexivo.

On the Road LA

Go to Karaoke

Lost in Vegas

Bay Bridge SF 58

Arte


Brooklyn Bridge NY

Reconocemos en su obra atisbos de Londres, Nueva York, San Francisco, Tokio, Berlín o Los Ángeles; las vemos estupefactas gracias a la línea agraciada del artista. Como acto final, Minguet vuelve al bolígrafo para deleitarnos nuevamente, para dibujar sobre el color [desparramado] un aspecto edificado que nos oculta. Como si la pintura dejara asomar al dibujo, dándole un frente, fanfarroneando sin pena sobre una posible transparencia del color. La obra artística de Laurent Minguet es atractiva desde lejos, es brillante, intrigante y fotogénica; y nosotros al acercarnos no nos resta más que descubrir la impresionante calidad técnica de su línea, increíblemente detallada.

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Dirección de Arte

RICARDO GONZÁLEZ

IT´S A LIVING Texto: Mateo Pazzi · Fotografía: Cortesía Ricardo González

Repeat after me “I AM FREE”. Mucho tiempo creí que para referirme al Lettering desde su concepción artística debía primero saber abrir ese férreo candado que relegaba la tipografía a terrenos de la mera funcionalidad en el ámbito del diseño. Eso fue hasta verme frente a un mural en el barrio de Williamsburg NY y una frase que decía “Meet Me Here”, por lo que decidí seguir su mandato hasta encontrarme con su autor en esta entrevista.

It’s a Living no es solo una declaración, es una filosofía de vida para Ricardo González, diseñador y artista gráfico que salió de Durango, México, y actualmente reside en Brooklyn NY. El trazo de su monolínea se reconoce fácilmente en murales a gran escala por todo el mundo, en trabajos comerciales para marcas como Apple, Nike, Google, VH1 y Coca Cola, o por una calcomanía suya que descubres pegada en la calle.

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Dirección de Arte

Es el inicio de su historia lo significativo, al reconocer desde muy joven los elementos y situaciones que ocurrían a su alrededor: desde encontrar cartas en letra cursiva en casa de su abuela, hasta saber dialogar con el aerosol, el Street Culture, el Skateboarding y el espacio urbano. Ricardo no imaginaba ser artista. A los 18 años dejó Durango para estudiar Diseño Gráfico en Canadá. Muchos fueron los días lentos y desafiantes. Tras cinco años regresó a México donde comenzó a comprar marcadores, canvas y se empeñó en hacer letras, recordando su etapa de grafiti, aprovechando la corriente trendy que el lettering representaba hacia el 2011. De ahí todo tomó forma. Recibió un mail incitándole a tomar un curso de Typeface Design en Nueva York, en la reconocida escuela de Cooper Union. Aplicó y fue seleccionado. Se trataba de un curso de postgrado de dos meses, intensivo y condensado. Por esa experiencia una agencia de publicidad se interesó en él como freelancer. Ricardo debía tomar una decisión ante la apretada situación. Se quedó.

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Las letras sin concepto son solo rotulismo. “Una palabra es una imagen” refiere, y una imagen puede cuestionar nuestra vida diaria y producir toda una gama de interpretaciones. La ambigüedad en sus mensajes tipográficos, cortos y contundentes, crean un diálogo entre el espectador y la obra de arte. Su trabajo tiene magníficas capas, tanto de pintura como de significado, relatando una belleza explicada y ordenada que nos ayuda a comprender la creatividad, visión y destreza que Ricardo despliega para hacer de la tipografía una de las más apasionantes, al tiempo que desconocida, de las artes. La presente contingencia le permite reflexionar sobre “tener la fortuna de poderse aburrir”. En su estudio se da tiempo de jugar con variaciones en líneas, tamaños, grosores y equilibrios, en favor de la evolución de su estilo con el que ha recorrido el mundo pintando muros, diversificándose entre conferencias, exhibiciones, encuentros e intervenciones. La transculturalidad es también parte de su obra. El año pasado no dejó de volar por todo el orbe, de México a Moscú a Ucrania a Shangai a Sydney a Japón y de vuelta a Nueva York. It’s a Living es artista gráfico, libre, multidisciplinario y posiblemente sin límites más allá de las dimensiones del espacio a ser pintado… después de todo, se trata de una forma de vida.

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#PasemosPágina

NO HAY MEJOR LUGAR QUE ESTE MUNDO THE ONE-STRAW REVOLUTION: An introduction to natural farming Masanobu Fukuoka New York Review Books Nueva York, EE.UU. (2009) Publicado originalmente: Emmaus, Pa.; Rodale Press (1978)

Recomienda: Celina Padilla Vázquez Productora y Gestora Cultural | www.celinapadilla.com

Hay experiencias que nos transforman. Me pasa a veces en el teatro, en los libros y ahora también en el jardín. Así fue leer The One Straw Revolution (La revolución de una brizna de paja) de Masanobu Fukuoka. Mudar nuestra forma de vida y consumo es urgente e imperativo. La marea de información que hoy nos demuestra el camino soberbio y degenerativo que hemos elegido para vivir y explotar nuestro hábitat, debería ser suficiente para replantearnos todo de forma colectiva. De la noche a la mañana nuestro proceder puede ser otro. Hay personas que lo logran individualmente -como Fukuoka- y también lo demuestra la pandemia que vivimos hoy. Desde que hago compost se gestó mi propia revolución. Ya entendía que el antropocentrismo no es la forma de habitar. Somos uno. Coexistimos. Los mayas dicen “In lak’ech, Hala ken”, es decir “yo soy tú, como tú eres yo”, pero no solo ante los otros humanos sino ante animales, plantas, ríos, rocas, estrellas... lo comprendía, pero hoy que estoy cerca de la tierra, lo siento francamente. Fukuoka en un momento de su vida modificó todo. Siguiendo su intuición demostró práctica y científicamente que la agricultura natural (sin máquinas, químicos y sin

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fertilizantes preparados) es posible y aún regenerativa. Habla de técnicas pero profundiza más en su filosofía. Me hizo ver claramente la ilusión que tenemos cuando creemos que sabemos: “La ironía es que la ciencia nos ha servido para demostrar el poco conocimiento que tiene la humanidad”. Eso, lejos de preocuparme, me alivia. Estamos bien cuando entendemos que nuestra armonía está en la naturaleza. Somos la naturaleza. “Producir los alimentos antinaturalmente degrada la tierra y enferma al ser humano”. “Comida y medicina no son dos cosas distintas”, precisa. “Hemos complicado tanto la existencia que no hay tiempo para la poesía y eso nos empobrece de verdad”, explica cuando propone simplificar. Nacemos y nos desarrollamos en sistemas, en sociedades con reglas y costumbres. Es menester cuestionarnos si queremos adoptar esos caminos. Sin ídolos ni doctrinas, abiertos a otras formas con la libertad intrínseca que tenemos de vivir, pensar y sentir. El mismo autor propone a sus lectores no seguirle ciegamente. Fukuoka murió en 2008. Vivió la primera y segunda guerra mundial desde Japón y en el último siglo en el que el humano ha degenerado la tierra más que en toda su historia. Aún escribe una carta a sus lectores que comienza así: “No hay mejor lugar que este mundo…”