Índice
36
Institucional
TORRE DE MONTREAL
68
08
42
Acotación
Cultural
LA HACIENDA CREATIVE Newsam Construction + MXMA Architecure & Design
NOTAS SOBRE EL SILENCIO
F22 FOTO SPACE
LAAB Architecture, Carlow Architecture & Design
Provencher_Roy
68
Escenarios
72
Autores
76
Dirección de Arte
BIANCA WILSON
Fernanda Antillón
10
En primer plano
FORO PARUNO CENTRAL DE MÚSICA
Quorum Acoustics EMMET Studio Interiorismo
14
46
En Boga
BALTHAZAR Rina Lovko
Luftwerk + Iker Gil
52
AUDITORIO RENACIMIENTO
Acotación
FENOMENOLOGÍA DEL ESPACIO… Viviana Barquero
Tejas El Águila
18
RESIDENCIAS PUERTA BAJÍO
54
22 26 30
CASA BS Elías Rizo Arquitectos
Interiorismo
A 2+3
58
SOHO LOFT
62
Diseñadora
64
Colección
66
Acotación
STUDIOLAV
Artífices
FERNANDA CANALES MÓNICA BÁRCENA Residencial
LIGHT FALLS FLOW Architecture with Magrits
Maxwell Arquitectura · Interiorismo
80
#PasemosPágina
PERSPECTIVAS DE GÉNERO EN LA ARQUITECTURA
Ezequiel Farca + Cristina Grappin
Legorreta + Legorreta
20
GEOMETRY OF LIGHT
MORGANE TSCHIEMBER
ANONY
LITURGIA DE LA LUZ
Amadís de Gaula
@arquitecturamaxwell
72
Directorio
ARQUITECTURA · INTERIORISMO
Director Editorial MAXWELL Arquitectura e Interiorismo José Miguel Méndez miguelp@grupomaxwell.com.mx Director Editorial MAXWELL Mario Preciado mariopreciado@grupomaxwell.com.mx Directora Ejecutiva Zulema Judith Araujo González zulemaaraujo@grupomaxwell.com.mx Director de Arte y Diseño Adrián Darío Vera Calderón dariovera@grupomaxwell.com.mx Coordinadora de Arte y Diseño Sofía Malacara Muciño diseno@grupomaxwell.com.mx Diseño Gráfico Luz Mariana Torres Moreno Analista Digital Fernanda Rodríguez Calderón fernandar@grupomaxwell.com.mx
Portada Edición 02 LIGHT FALLS
Asistente Editorial Liliana Núñez lilianan@grupomaxwell.com.mx
Fotografía Naaro
Ejecutivos De Cuenta Claudia Rode, Miriam Pérez M. Cuentas Especiales Ma. Esperanza González Romero Circulación Óscar Alcaraz Paz Administración Erika del Rocío Reyes Morales Finanzas Luis Gerardo Díaz López Presidente del Consejo Mario Alberto Martínez Muñoz direccion@grupomaxwell.com.mx Redacción Astrid Pimienta, Fernanda Antillón, Viviana Barquero, Amadís de Gaula, Moisés D. Hernández, Julieta de León, Paula Alcorta, Federico Díaz, Ricardo Dairen, Mateo Pazzi Fotografía Diego Torres, Valentino Funghi, Sergii Bozhko, Angus Gray, Marcos García, Rafael Gamo, Javier Lira, Jaime Navarro, Archdifusión, NAARO, Stéphane Brügger, Annie Fafard, Yevhenii Avramenko, Dlux Creative, Carpenters Workshop Gallery, Anony, Zach Hertzman, Renata Kaveh, Warren Causton, LAAB Architects, DCinematic, F22 Foto Space, Kate Joyce
Oficinas León Teléfono: (477) 214 3913
MAXWELL ARQUITECTURA E INTERIORISMO, Marzo 2020, publicación trimestral editada por Grupo Editorial Maxwell, S.A de C.V. Con domicilio en Blvd. Campestre 2150, 2do. Piso, espacios 12 y 13. Col. Lomas del Campestre, C.P. 37150. Tel.: (477) 2143913. León, Guanajuato. Contacto: contacto@grupomaxwell.com.mx. Impresión, Coloristas y Asociados, S.A. de C.V., con domicilio en Calzada de los Héroes 315, Col. Centro, León, Guanajuato. Teléfono: (477) 7166961. Grupo Editorial Maxwell, S.A. de C.V. no asume responsabilidad alguna por información y las fotografías proporcionadas por los anunciantes. Dicha información se asume como confiable de acuerdo a las fuentes de donde se obtiene. Se prohíbe la reproducción total o parcial de esta revista sin el permiso expreso de Grupo Editorial Maxwell, S.A. de C.V.
Carta Editorial
S ONID O & V ISIÓN ¿Ustedes no se preguntan en ocasiones qué es escuchar y qué es ver? No es quien escribe quien cuestiona, pero sí alguien que no logra dejar de pensar en ello. Es incluso en momentos lúcidos cuando consigo esbozar que si bien escuchar y ver son nociones distantes, su interdependencia es tal que en lugar de llevar esta epístola editorial a linderos de lo exuberante, decido aventurarme al territorio de algo más grande: la arquitectura. Todos nosotros estamos inscritos entre el ruido y el silencio, inmersos en los confines de la luz y de la oscuridad, habitando un espacio al que de inmediato se le otorga una codificación social, de la categoría que ustedes deseen indagar. Es frente a esta reflexión que gusto adherirme a la férrea interdependencia entre sonido y visiones [a la usanza de Bowie], cortejándose, influyéndose; tramando universos alternos o ataviándose de sugerentes alter egos, todo con el fin único de compenetrarnos en firme equidad. Las próximas páginas se valen de la arquitectura, el diseño y el arte para desentrañar este indicio de perspectiva audiolumínica. ¿Que son los espacios sino el abrazo a la reinvención de todo aspecto, de los sentidos que se experimentan en una constante espiral de creatividad? La principal característica de la luz a la que me ataño es aquella que hace perceptible el mundo que habitamos, la de albores que frente a su ausencia ponen en jaque la certeza de la realidad, exigiéndonos también entender su antónimo; en poca palabra, la que da carácter a la objetividad del espacio. De Le Corbusier aprendimos que la arquitectura puede ser entendida como el sabio y elegante juego de los volúmenes expuestos a la luz; del Duque Blanco, que un simple acorde puede revelar el carácter dramático de la sonoridad más inesperada. Incidiendo en absolutamente todo, el sonido y las visiones son la fuente donde yace el conocimiento que nos permite escrutar la realidad con sentido analítico, sin conformarnos con narrativas banales ni sintéticas. La adopción consciente del sonido y la luz es una idea sobre la que merece la pena reflexionar. Los días oscuros y de silencio no cesan, se alzan irremediables e irreflexivos; sin embargo, estoy convencido que entender esta dualidad nos robustece hacia la construcción de nuevos enfoques en el vasto alfabeto de nuestra realidad. Por ello detengámonos un poco para silenciarnos [tan solo un momento], sea para volver a la data del primer sentimiento frente a la obra de arte… o para sentir cómo una tonalidad violeta hace vibrar la materia, nos da vida.
JOSÉ MIGUEL MÉNDEZ Director Editorial
Acotación
NOTAS
SOBRE EL SILENCIO Texto: Fernanda Antillón Arquitecta cofundadora del estudio de arquitectura Casa Blanca Oficina | Fotografía: Valentino Funghi
A lo largo del tiempo el arte ha logrado plasmar con claridad el silencio. La particular aproximación con la que John Cage trabajaba sus composiciones, en específico la titulada 4’33’’, propone cuatro minutos y treinta y tres segundos de ausencia musical invitando a la audiencia a escuchar los sonidos de su alrededor y hacerse conscientes del momento, de lo que quizás nos incomoda, callando los pensamientos repetidos que nos alejan de la experiencia misma. Los cuadros de Vermeer son otro ejemplo de pausa e introspección, sumergidos en la belleza de lo cotidiano, lo que conocemos y nos es familiar, rostros inmersos en el murmullo de la actividad humana en contemplación, proyectados ante la luz en remembranza de un pasado atesorado, un presente pleno, o un futuro esperado. Escenas que proyectan un instante congelado en el tiempo, donde la luz es cómplice de la sublimación del momento y se proyecta en espacios que develan el refugio claro del espíritu humano, un semblante sincero; aquel que no pretende nada más que lo que es, un sentimiento aflorando en silencio.
El silencio permanente es imposible de alcanzar, es subjetivo, cada quien lo encuentra en situaciones y formas diversas, en sonidos diferentes. El silencio es una condición; una pausa, tan larga o corta como sea necesaria para encontrar la calma dentro del ruidoso tumulto del día a día.
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Arquitectura
Porque el silencio es efímero, un breve lapso que trasciende a pesar de ya no estar ahí, es la pauta que estructura y da forma a los símbolos y signos que nos constituyen (que llamamos lenguaje) y que construyen nuestra realidad. Es el espacio vacío que nos cobija y nos ayuda a resonar en aceptación con lo que nos rodea. El silencio jamás está ahí y sin embargo se puede acceder a él en todo momento. Una arquitectura está en silencio cuando se sabe postrar en su entorno respetando el paisaje que le rodea, cuando es incluyente a todos los elementos, la que no se olvida del hombre, sus rituales y costumbres, la arquitectura que siempre ha estado ahí, que se acepta como es, sin pretender ser algo más, la que permite que el sollozo sea cálido, íntimo y respetado. Donde prolifera una buena plática, aquella que se alterna por pausas y nos acerca a la conexión con uno mismo. La que permite, entre sus vanos y rincones, habite el sonido de una fuente, el canto de los pájaros, el lenguaje de la naturaleza, el silencio del hombre. El silencio nos comunica, es a través del vacío que viaja el sonido llevando el mensaje al otro, pero, ¿por qué nuestras ciudades están llenas de confusión y malentendido?, precarias en comunicación y ávidas de atención. Tal vez nos haga falta dejar de hacer para hacer espacio, lugares de encuentro donde el sonido se aclare y el diálogo suceda, escucharnos y detenernos en silencio.
“Una arquitectura está en silencio cuando (...) permite, entre sus vanos y rincones, habite el sonido de una fuente, el canto de los pájaros, el lenguaje de la naturaleza, el silencio del hombre.”
Edición 02
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En primer plano www.parunocentral.com www.quorum-acoustics.com @emmetinteriorismo
P A RUN O C E N T R A L DE M ÚS I C A
Apasionados por el arte e inspirados por la música, este fascinante foro es un espacio de encuentro, versatilidad y sonoridad única, el cual enaltece la oferta cultural y arquitectónica de toda una ciudad. Diseño: Paruno Central de Música · Ingeniería Acústica: Quorum Acoustics · Interiorismo: EMMET Studio Dirección General: Chicho Godínez · Gerente Tienda: Toño Godínez · Gerente Foro: Milton Pacheco Gerente Academia y Salas: Lalo Pastrana · Desarrollo y Vinculación: Pablo Suárez · Administración: Victoria Hurtado Central Service: Lupo Hernández · Floor Managers: Carlos Sanz, Charly Muñoz Líderes en Instrumentos: Carlos Sanz, Maurilio Margarethi, Pedro Olmos, Paul Tristán, Emi Caballero, Toño Godínez Jr. Académicos: Lalo Pastrana, Lupo Hernández, Alexandrina Borbolla, Óscar Hernández, Daniela Pecina, Raúl Robles, Mauro Agundiz Seguridad: Jorge Castillo, Fernando Vázquez, Rodrigo Lozano · Limpieza: Daniela Gaona Texto: José Miguel Méndez · Fotografía: Diego Torres · Ubicación: León, Guanajuato, México
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Arquitectura
Como artistas, amantes de las formas que de la arquitectura derivan, o entusiastas personajes que se nutren de música y encuentros sociales, relatar la visita a un espacio con objetivos acústicos y estéticos de tan atractiva talla no es tarea menor ni emoción que deba tomarse a la ligera. Bajo esta noción llegamos a Paruno Central de Música, un espacio flexible ubicado en la ciudad de León, Guanajuato, ideal para conciertos, conferencias, puestas en escena, talleres y todo horizonte creativo que al compositor apetezca. Con un diseño arquitectónico que navega entre lo clásico y lo industrial, uno de los principales acentos del foro es su sistema de sonido de clase mundial Meyer Sound, con el cual se garantiza una experiencia sonora y acústica inigualable, sin importar la ubicación del espectador en la sala. En conjunto con su isóptica perfecta, lo convierte en un espacio multifuncional y de vanguardia para cualquier tipo de evento.
Edición 02
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En primer plano
El foro es un escenario de dimensiones ajustables dirigido hacia un mezzanine y un área general. Su capacidad máxima es de 400 personas y presenta un doble telón, sistema de iluminación, audio, video, así como un cómodo mobiliario para todo tipo de eventos. El programa arquitectónico se completa con un lobby de recepción y cafetería, la tienda con gran variedad de instrumentos, zona de Central Service donde se reparan los mismos, cuatro salas que por la mañana funcionan de aulas académicas en materia musical y por la noches de áreas de ensayo, dos estancias con bar, así como estacionamiento con servicio de valet parking.
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Arquitectura
Cada área se conduce de manera dinámica hacia la otra, todas con un sugestivo remate visual, ya sea un rincón idóneo para tocar algún instrumento o un muro que presuma trazos que se impregnen en la memoria. La acústica en salas de ensayo se diseñó para adaptarse a un instrumento específico, considerando piano, batería, guitarra y bajo. Es admirable la concordancia que guardan las decisiones tomadas para conseguir una acústica óptima, sin que éstas resten en lo absoluto ganancia a las intenciones originales en cuanto al diseño y estética. Abierto en septiembre de 2019, la idea del foro surge con el sueño compartido de dos familias: por una parte los Suárez y la empresa Paruno Zapatos y, por otro, los Godínez con la tienda de instrumentos Central de Música. Esta complicidad de pasiones y visión empresarial dio como resultado un epicentro cultural en León de peso específico. Su expresividad formal, su materialidad y el equilibrio volumétrico entre luz y sonido, permitieron tejer una arquitectura que le convierte al instante en un referente icónico de inspiración y expresión de las artes.
Edición 02
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En primer plano www.trinitatephilharmonia.org www.quorum-acoustics.com
A U DI TOR I O R E N A C I M I E N TO Con un garbo arquitectónico que marca pauta en el Bajío, la Academia Renacimiento es referente de cómo extender medios educativos y artísticos con el arte como herramienta de transformación del entorno.
Diseño y Arquitectura: Tejas El Águila · Arquitecta a cargo: Sandra Padilla · Ingeniería Acústica: Quorum Acoustics Presidenta del Consejo Directivo: Graciela Orozco · Consejero Educativo y Artístico: Juan Carlos Gómez Director Educativo y Artístico: Enrique Rico · Asesor Educativo y Artístico: Ángel Gil-Ordóñez Asistente Educativa: Angélica Negrete · Gerente de Gestión y Producción: Karla Hidalgo Texto: Ricardo Dairen · Fotografía: Diego Torres · Ubicación: Santa Ana del Conde, Guanajuato, México
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Arquitectura
A pocos minutos de la ciudad de León, cerca de la histórica estación de ferrocarril La Trinidad, se erigió gracias al entusiasmo y amplia visión de un grupo de empresarios leoneses la Academia de Artes y Oficios Renacimiento, sede de la orquesta infantil y juvenil Trinitate Philharmonia, así como de la Orquesta Renacimiento. Es en este magnífico recinto donde más de 250 jóvenes provenientes de comunidades aledañas estudian música.
Edición 02
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En primer plano
El programa arquitectónico lo conforma en primera instancia un portentoso auditorio de estilo neoclásico. Con capacidad para 320 personas, palco para 19 espectadores, aforo para 80 músicos en escena y 80 más en el coro, su diseño y dimensiones aluden al discurso majestuoso del espacio construido. El escenario fue diseñado en colaboración con el director del Post-Classical Ensemble de la ciudad de Washington DC, Ángel Gil-Ordóñez. La ingeniería acústica estuvo a cargo del director y fundador de Quorum Acoustics, Daniel Ruvalcaba, quien realizó un extraordinario y exhaustivo diseño integral del sonido en sala, incluyendo el sistema de aire acondicionado, además de distribuir las butacas con base en estudios isópticos. De igual forma el diseño del plafón es una excepcional obra de arte, adaptándose para proveer de absorción acústica y permitir a su vez la inyección de aire. Al auditorio, que también alberga actividades de esparcimiento cultural como cine, danza, teatro, conferencias magistrales y simposios, se suman otras bellas instalaciones que mantienen armonía con la filosofía del programa como un elegante lobby de recepción, salas de edición, cafetería, camerinos, edificio de aulas de estudio, oficinas administrativas, taller de restauración, imponentes áreas verdes y estacionamiento para 150 vehículos.
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Arquitectura
La hermosa construcción se reviste de gala en un aparente tabique rojo recocido, elevándose a solemne altura. En interiores luce el piso de mármol, grandes ventanales de herrería y columnas de cantera cultivada. El sistema constructivo de techos inclinados se estructuró con perfiles ligeros de lámina de acero galvanizado, impermeable, térmico, reciclable y de práctica instalación. Mediante un juego de luces, estos materiales crean una experiencia estética logrando un engranaje de formas y texturas que contribuyen al mejoramiento de la acústica. Con el afán de incentivar por medio de las artes el desarrollo de niños de distintas comunidades, la Academia Renacimiento conforma una de las iniciativas más sólidas no solamente del Bajío, sino del país. Con el lema “lo que hoy aprendo, mañana lo enseño”, impreso en toda vista de su auditorio, aquí se vive a diario el compromiso real e integral de una generación ávida de crecimiento tanto en el aspecto de formación musical como humano.
Edición 02
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En primer plano
www.legorretalegorreta.com
R E S I DE N C I A S
P U E RT A B A J Í O De amplia visión cosmopolita, el complejo residencial ofrece arquitectura y diseño de clase mundial, además de una ubicación y amenidades únicas en la ciudad, alzándose como un gran Elite Mix Life Style en el Bajío.
Arquitectura, Interiorismo y Mobiliario: Legorreta + Legorreta · Dirección de Proyecto: Grupo México Plaza Texto: José Miguel Méndez · Renders: Cortesía Puerta Bajío · Ubicación: León, Guanajuato, México
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Arquitectura
Diseñado por la reconocida firma de arquitectos Legorreta + Legorreta, Puerta Bajío destaca como un novedoso desarrollo de usos mixtos donde convergen una serie de espacios que exaltan la confortabilidad, el sentido de hogar, el intercambio cultural, la identidad corporativa, el buen gusto por el arte, la gastronomía de primera línea y el esparcimiento en general; en pocas palabras, un estilo de vida Premium. Puerta Bajío se ubica al norte de la ciudad de León, Guanajuato, justo en la Zona Dorada. Integrado por 41 residencias distribuidas en nueve niveles y siete variables espaciales, el complejo se concibió para satisfacer las necesidades y los gustos más exigentes. Las residencias cuentan con pisos de madera e ingeniería de vanguardia, control de iluminación que se configura desde dispositivos móviles, cocinas italianas con cubiertas de mármol, equipadas con refrigerador, horno, microondas y estufa con extractor de aire; los baños portan cancelería de vidrio templado y acabados en mármol. Las residencias de Puerta Bajío enmarcan el lujo de vivir sin prisa, sin la necesidad de apegarse a la fusta del tiempo ni de prestar tanta mirada a relojes, dando paso al disfrute de compartirse en familia, con las amistades más cercanas y con uno mismo. Se trata de tener tiempo para contemplar la vida, de disfrutar lo conseguido, apreciar el momento y soñar a futuro inmediato. Puerta Bajío toma su nombre de la magnífica ubicación que ostenta, justo en la entrada a Guanajuato, empatándose junto a un símbolo que irradia presencia y personalidad.
Edición 02
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En primer plano
C ASA BS TAPALPA Esta residencia es muestra de cómo cohabitar en perfecta armonía con el medio ambiente, al insertarse sutil y funcionalmente en una loma con accidentes graduales, mientras domina la panorámica de una llanura y su lago.
www.eliasrizo.com Arquitectura: Elías Rizo Arquitectos · Arquitectos a cargo: Elías Rizo Suárez, Alejandro Rizo Suárez Interiorismo: Kárima Dipp · Texto: Federico Díaz · Fotografía: Marcos García · Ubicación: Tapalpa, Jalisco, México
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Arquitectura
La Casa BS se construyó sobre un terreno relativamente llano, que a diferencia del contexto común de Tapalpa, cubierto de bosques de pino, el paisaje en torno a la propiedad se compone de sugerentes tonalidades adornadas con parches de hierba alta y salpicada de piedras de gran tamaño. La primera impresión del edificio evidencia la preocupación primordial del proyecto: insertar una intervención poco intrusiva en el paisaje. En su fachada frontal, apostada al norte, la casa despliega un carácter sólido, presentando una secuencia de murallas de piedra que crean una franja de espacio transicional, flanqueado por una fila de árboles que a futuro ocultarán aún más la edificación a la vista del visitante. Del otro lado, la casa se abre en su fachada posterior hacia el sur para entablar un diálogo visual con el paisaje e inducir un alto confort climático en el interior. El programa se resuelve en dos grandes bloques separados por un corredor transversal que parte la casa justo por la mitad. El bloque poniente contiene las áreas públicas y conjunta la estancia, el comedor y la cocina en un amplio espacio común que a su vez comunica con una terraza y un cuarto de juegos. En el extremo de este bloque encontramos la cochera, la recámara de servicio, el cuarto de lavado y la despensa. Al otro lado del corredor central encontramos el bloque de los dormitorios, que desciende gradualmente en nivel conforme se deprime la topografía, sin perder el grado de privacidad visual sobre el terreno. Este bloque alberga tres recámaras y una recámara principal, que se desarticula del volumen general de la casa y deja un espacio abierto que incluye un estanque. La casa se incorpora en su entorno con discreción y presenta un carácter casi arqueológico junto a las rocas que se yerguen aisladas en el paisaje.
Edición 02
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Artífices
FERN A NDA
C A N ALES REPENSANDO EL ESPACIO
Texto: Astrid Pimienta Fotografías: Rafael Gamo, Javier Lira
www.fernandacanales.com
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Arquitectura
Fernanda Canales es una de las más potentes representantes de la arquitectura mexicana contemporánea. Su visión abarca no solo los espacios cotidianos, sino la construcción de ideales por medio de ellos, enfocándose tanto en la creación de proyectos específicos como en el estudio e investigación de los conceptos que definen los modos de vida y la manera en que se desarrollan las ciudades.
El potencial que existe al entender la arquitectura como soportes más flexibles, ambiguos, permite eliminar oposiciones y realizar propuestas que más que confrontar, reúnan.
Casa Bruma
Edición 02
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Artífices
La arquitecta reflexiona acerca de las relaciones e impactos que se producen por medio del espacio diseñado: “desde cómo nos sentamos hasta qué relación tenemos con la naturaleza”. Es decir, aborda con igual atención aspectos íntimos como la privacidad y la convivencia hasta aquellos que se extrovierten desde la arquitectura, como el impacto en el ambiente. Particularmente en México, Fernanda identifica una desconexión entre la práctica arquitectónica y estos grandes temas a partir de los cuales se deberían acompañar los procesos de proyección y construcción del espacio. Situaciones como la ineficiencia de la planeación o falta de visión integral a largo plazo dificultan la consolidación de una conciencia acerca del efecto de la suma de decisiones particulares dentro de un territorio común. De acuerdo a la reflexión que nos comparte: “cada proyecto representa la oportunidad de repensar cuál va a ser la relación entre las personas, y de estas con el entorno”, su interés crece en la búsqueda de eliminar la oposición entre lo público y lo privado, del interior con el exterior. Umbrales, patios y otras especies de espacios que se encuentran a medio camino entre el adentro y el afuera son parte de una experimentación en que la arquitectura se vuelve un lugar de encuentro, no de confrontación.
Vivienda Pertales
Casa Bruma
Casa Bruma es un ejercicio proyectual que expone de forma contundente sus ideales y preocupaciones al respecto de la arquitectura. La idea que genera el proyecto surge del cuestionamiento del programa habitual de una casa de campo e integrar soluciones alternativas de distribución y conexiones al mismo. La relación con el entorno se vuelve fundamental mediante el plan maestro trazado en suma con Claudia Rodríguez, a partir de un amplio estudio de las condiciones ambientales del sitio, las cuales terminan por definir la forma de la casa al considerar las pendientes para la privacidad de los espacios, así como la ubicación de los árboles para la orientación de los volúmenes.
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Arquitectura
Fernanda Canales se dedica además al estudio de fenómenos de habitabilidad y crecimiento urbano, acentuando en la escala de vivienda mediante libros como Vivienda colectiva en México, el derecho a la ciudad (Gustavo Gili, 2017) y el próximo a publicarse Estructuras compartidas; Espacios privados (Editorial Actar); así como la preparación de su siguiente participación en la Bienal de Venecia, enfocada en la pregunta ¿Cómo viviremos juntos?, la cual refleja ideas experimentales en torno a la vivienda.
Casa Terreno
Edición 02
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Artífices
MÓNIC A B Á RC E N A ULALIGHT Iluminación Artesanal Texto: Paula Alcorta Fotografías: Cortesía Archdifusión
Quetzal
www.ulalight.mx www.goldmansachs.com
Mónica Bárcena fue acreedora a la beca 10,000 Women Growth Fellowship de Goldman Sachs con Ulalight, empresa de diseño y fabricación de luminarias que revalora a México, su mano de obra, materiales y cultura.
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Diseño
Tina
Mandala
Mónica Bárcena Mastretta es la creadora de Ulalight, reconocida empresa mexicana que se especializa en el diseño y fabricación de luminarias decorativas que aportan belleza, calidez y personalidad a los espacios cotidianos. Desde sus inicios en 2005, Mónica colabora de cerca con artesanas de diversas comunidades, exaltando este tipo de complicidad en favor que ellas adquieran herramientas que les sirven para experimentar y generar piezas diferentes, además de obtener un mejor ingreso en el ejercicio de su oficio tradicional. A la fecha son 12 comunidades involucradas en el trabajo artesanal en diferentes regiones del país. Ulalight ha formado una red de alianzas con diseñadores de renombre, maestros artesanos y con la interacción creativa de despachos de especificación profesional, además de crear soluciones integrales de iluminación decorativa; “trajes de luz a la medida” para hoteles, restaurantes, oficinas, comercios y residencias. Su proceso de manufactura se centra en la técnica metalmecánica, con materiales como latón, hierro, cobre y níquel; además de trabajar fibras naturales, madera, mimbre, y actualmente con tres nuevos materiales: barro negro, atrapasueños y vidrio moldeado.
Edición 02
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Artífices
Prisma
Los ingresos que genera el trabajo de los artesanos marcan un efecto sustancial en la calidad de vida de las personas, pues beneficia a más de 500 familias que forman parte integral del proyecto Ulalight. Sus creaciones se pueden encontrar en hoteles como el St. Regis, Hyatt, JW Marriott, Thompson, y corporativos como Starbucks, Nissan, Ford, Bancomer, Cinépolis, Sports World, Liverpool y El Palacio de Hierro, entre otros. Halo
Por todo ello, el día 7 de noviembre de 2019, Mónica Bárcena Mastretta fue acreedora a la beca que otorga Goldman Sachs dentro de 10,000 Women Growth Fellowship, programa que apoya e impulsa a mujeres empresarias a través de mentorías presenciales en la ciudad de Nueva York, con el fin que generen vínculos estratégicos y económicos, promoviendo el crecimiento de sus proyectos y el fortalecimiento de sus comunidades. En cada emisión de esta beca son seleccionadas únicamente cuatro mujeres en todo el mundo, donde Mónica Bárcena orgullosamente es la primera mujer mexicana desde la existencia del programa en 2008.
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Diseño
Residencial
L IG H T FALLS
El efecto lumínico en cascada llevado en movimiento vertical al centro de esta casa expresa perfectamente el alma del proyecto, acentuando sus espacios y disolviendo las fronteras entre exterior e interior. www.flowarchitecture.co.uk www.magrits.com
Arquitectura: FLOW Architecture with Magrits · Equipo: Vincent Nowak, Annarita Papeschi (FLOW Architecture), Maria Grazia Savito (Magrits) Contratistas: London Basement, Michael Brady · Estructura: StructureMode · MEP: SGA Consulting Diseño de Iluminación: Mindseye · Consultoría Audiovisual: Openfield Technology · Planeación: ADL Planning Texto: José Miguel Méndez · Fotografía: NAARO · Ubicación: Kensington, Londres, Reino Unido
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Arquitectura
La firma británica FLOW Architecture with Magrits se dio a la magnífica labor de restaurar una casa victoriana adosada en una frondosa calle de Kensington, en Londres. La obra consistió en la completa demolición y reconstrucción de la vivienda existente, un recinto de cuatro pisos construido originalmente en 1851, en el que a su vez se intervino en la adición de un sótano y una extensión trasera de doble altura. Desafiando la forma tradicional de habitar viviendas históricas, el proyecto responde a las necesidades de una familia que demandaba una iluminación de mayor calidad dentro del edificio. La planificación derivó en conseguir maximizar el potencial de luz natural y la fluidez de los espacios habitables, apilados verticalmente, a fin de acomodar los requerimientos cotidianos en la vida de los usuarios, enfatizando incluso su creciente colección de arte.
Edición 02
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Residencial
Al ubicarse dentro del Área de Conservación de Abingdon, la casa está sujeta a una serie de restricciones que dictan que su fachada debía preservarse en gran medida. Por ende las adecuaciones se concentraron hacia el núcleo del edificio, donde la reorganización gira en torno a un nuevo patio interior que actúa como centro visual para las áreas comunes. Junto al patio, una serie de espacios de doble altura amplifican un seductor efecto de las vistas transversales, mientras que una escalera se abre completamente hacia la sección inferior de la casa guiándonos a las áreas de entretenimiento.
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Arquitectura
El papel clave del proyecto recae en la luz natural. Dos grandes tragaluces sin marco fueron colocados en la parte superior del patio para mejorar la permeabilidad del edificio, dando como resultado una cascada de abundante luz natural que inunda la vivienda, esculpiendo sus volúmenes y creando una serie de efectos fascinantes. Los métodos y materiales de construcción tradicionales se combinaron con soluciones innovadoras, resaltando la carpintería diseñada a medida y grabada con bellos diseños gráficos; a su vez, el tratamiento escultural del diseño ofrece espectaculares conexiones visuales dentro de la casa. Light Falls ostenta una fuerte conexión visual con el exterior, permitiendo al sol proyectar sus matices cambiantes en las paredes encaladas de la vivienda.
Edición 02
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Institucional
www.provencherroy.ca
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Arquitectura
TOR R E DE MON TRE A L
La firma arquitectónica Provencher_Roy son los autores en la renovación de la Torre de Montreal y el diseño interior de las nuevas oficinas de Grupo Desjardins, una de las instituciones financieras más grandes de Quebec. Arquitectura: Provencher_Roy · Cliente: Desjardins Gestion immobilière Texto: Ricardo Dairen · Fotografía: Stéphane Brügger · Ubicación: Montreal, Quebec, Canadá
Edición 02
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Institucional
Fue en el verano de 2018 que Grupo Desjardins decidió mudarse a la Torre de Montreal, alguna vez conocida como Torre Olímpica, para instalar lo que serían sus nuevas oficinas. Desocupada desde 1987, la torre cambió su vocación siguiendo la línea de diseño de la firma Provencher_Roy, donde fue precisamente Desjardins el primer inquilino del nuevo centro de negocios, ocupando siete de los doce pisos de este mítico recinto. Durante los trabajos de renovación iniciados en 2015, Provencher_Roy reemplazó la envolvente de hormigón prefabricado por una cortina/muro que ofreciera mayor transparencia, aumentando la presencia de luz natural y respetando a su vez la arquitectura original. Diseñada por el arquitecto Roger Taillibert, la torre original fue concebida para albergar federaciones deportivas, por lo que debió ser readaptada hacia una masiva actualización de estándares para expresar su nueva vocación corporativa.
38
Arquitectura
Ahora, los mil empleados de la institución financiera disfrutan de espacios modernos, colmados de luz natural. Además de garantizar un entorno de trabajo que fomenta la creatividad, la finalidad del proyecto era honrar y simbolizar el pasado histórico de la torre. El notable espacio que abarcan los siete pisos de este ícono arquitectónico de Quebec se ve ahora reforzado por un diseño adaptado a las formas orgánicas del estadio, ofreciendo a los empleados un entorno de trabajo estimulante y cooperativo, todavía imbuido del espíritu olímpico. La impresionante estructura de hormigón con sus tonos neutros y seductora geometría reclama sin duda alguna el protagonismo. Las amplias y luminosas habitaciones tienen ahora un piso grisáceo de mármol, mientras que las ventanas están libres de toda obstrucción para delinear un paseo arquitectónico de vista magnífica hacia el complejo y la ciudad. Los salones, áreas de entretenimiento, cafeterías y salas multifuncionales fueron diseñados específicamente para un cuerpo de empleados joven y clientela activa. Tanto el estilo aerodinámico como contemporáneo de su diseño interior genera un fuerte sentido de pertenencia, transformando el concepto de “lugar de trabajo” en un verdadero “espacio vital”.
Edición 02
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Institucional
La inauguración de las nuevas instalaciones de Grupo Desjardins tuvo lugar el verano de 2018. El proyecto revitalizó el orgullo de todos, provocando una ola de entusiasmo y curiosidad entre la población. Más que un lugar simbólico que alguna vez se dedicó a los Juegos Olímpicos, la Torre de Montreal simboliza actualmente una marca indeleble en la imaginación colectiva.
40
Arquitectura
Ediciรณn 02
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Cultural
LA H A CIE NDA
C R E AT I V E
Al dar nueva vida al edificio que hospeda al antiguo RCA Victor Studio, los arquitectos rinden homenaje a su pasado histórico mientras dinamizan un futuro vibrante dentro de este reconocido laboratorio de sonido. Arquitectura: Newsam Construction + MXMA Architecture & Design Responsables de Proyecto: Paul Schapira, Maxime Moreau Gerente General La Hacienda: Alexandre Beaulieu · Director Creativo La Hacienda: Brian D’Oliveira Texto: José Miguel Méndez · Fotografía: Annie Fafard · Ubicación: Montreal, Canadá
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Arquitectura
www.newsam.ca www.mxma.ca
Creado en 2007 y asentado en el distrito de St. Henri, en Montreal, La Hacienda es un estudio de sonido donde se desarrollan proyectos de televisión, publicidad, videojuegos, realidad virtual y demás disciplinas. El sitio solía ser de los edificios más relevantes en la industria de la música, reconocido en la década de 1940 por su singular ingeniería acústica, por lo que recuperar su esencia histórica era en sí un desafío formidable. Con más de 800 instrumentos que impulsan el proceso creativo y desarrollo de sus inquilinos, el estudio se diseñó para la correcta interacción del flujo de trabajo modular, asegurando que cada proyecto se suscite de manera rápida y colaborativa. Se trata de desarrollar un centro que estimule la creación e inculque un sentido de comunidad, refiriendo más a un lugar de conjunción creativa que a un estudio de música tradicional; en esencia, un espacio integrado donde pueden realizarse todas las etapas de producción de sonido.
Edición 02
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Cultural
El espíritu comunitario se establece desde el acceso mismo, donde un gran espacio de recepción da la bienvenida. Ya sean los instrumentos montados en la pared o los grandes ventanales, son motivos que transmiten el espíritu de conectar en cada huésped. El área de la cocina, con su gran isla, se diseñó para albergar eventos, mientras que a la Sala de Satélites se le denominó así por su papel histórico como ciudad de nacimiento del primer satélite de Canadá. En el área de gradas se suscitan reuniones tanto al aire libre como actuaciones musicales, y es bajo el entrepiso que se realiza la reparación de instrumentos en un área de taller abierta.
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Arquitectura
Para mantenerse dentro del presupuesto se conservaron algunos pisos existentes. Los paneles de aglomerado barnizado cubren gradas y escaleras, evocando la complejidad en la madera de los instrumentos. Se recuperaron a su vez antiguas puertas como una declaración de diseño. La forma, texturas y acabados de la sala de control se rehicieron por completo, mientras que en techos y sistemas de ventilación se instalaron resortes para absorber la vibración. En fin, el diseño integral ofrece rasgos del edificio histórico, como una ventana al pasado para gestar en el presente la invención de sonidos verdaderamente únicos.
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En boga
B A LT H A Z A R ¿Cómo salir avante de la compleja reconstrucción de un antiguo edificio que guarda un carácter monumental, desde un sótano, con soluciones no estándar y un presupuesto mínimo? Esto es Balthazar… bienvenidos al calabozo. www.rinalovko.com Arquitectura: Rina Lovko Texto: Julieta de León · Fotografía: Yevhenii Avramenko · Ubicación: Kiev, Ucrania
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Arquitectura
La ciudad es Kiev, el escenario un vetusto recinto que hospeda al famoso Mercado Bessarabka, reconocido como todo un monumento bajo protección patrimonial de la UNESCO. Es en este sitio donde la arquitecta y diseñadora Rina Lovko comanda un magnífico proyecto de rehabilitación de un sótano, tornándolo en punto en boga donde se convoca a personajes cautivantes bajo efectos de la música para compartir aquí sus frecuencias e historias. Con el lenguaje mutuo con la audiencia como estandarte, Lovko y su equipo de trabajo se dieron a la construcción del proyecto, transmitiendo la elegante singularidad que a su firma ya distingue. Desde el inicio de la obra se encontraron con severos retos que la misma demandaba, el primero fue la altura limitada del interior, por lo que se decidió cavar el Bessarabka para conseguir una altura considerable en arcos y techos. Vinieron más desafíos como rehabilitar la escalera del acceso principal que era corta y empinada, contra normativas de seguridad e incómoda para los clientes. Después, lo inclinado de la calle provocaba que el agua que fluye hacia el edifico le afectara seriamente, situación que se corrigió de inmediato. Aunado a esto, la bodega, la barra y la forma alargada del espacio generaban dificultades para suministrar aire fresco y expulsar dióxido de carbono, por lo que se restituyó toda la ventilación, ocultándola bajo el techo y redirigiendo su escape.
En boga
La puerta principal se restauró, dejando en ella un efecto envejecido. Ya dentro el salón es largo y estrecho, íntimo en gran medida. La sobria selección de mobiliario le da un toque de sutileza particular, de precisión inconfundible. El espectro lo reclama un color verde entre lo botella y lo olivado, maridando perfecto con el ladrillo y la madera. La iluminación es única, escenificando un crepúsculo cálido gracias también al diseño de lámparas bajo autoría de Vasily Grublyak. Para la decoración de las mesas se utilizó una chapa fina de líneas estilizadas a manera de nogal. La barra del bar se hizo de madera de barriles de vino viejos, complementando el área con el tradicional azulejo soviético “Kabanchik”. Rina Lovko considera que cada persona y lugar dictan las condiciones, y es la arquitectura el medio para poder leerlas. Solo un enfoque así permite obtener los resultados deseados. Balthazar es prueba fiel de ello: un espacio único en el que creadores y usuarios comparten el amor por la estética y la armonía.
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Arquitectura
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Arquitectura
E
L
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S
P A
C
I
O :
PARA ENCONTRAR EL ESPÍRITU DEL LUGAR
D
FENOMENOLOGÍA Acotación
Sirvan estas líneas para introducir el concepto genius loci, esencial para la cultura clásica contrario a los paradigmas del movimiento moderno, el cual propone que el diseño visto desde lo fenomenológico será más eficiente que solo visto desde lo funcionalista, asumiendo que el ser humano siente antes que razona.
Viviana Barquero Directora de la EAAD: Escuela de Arte, Arquitectura y Diseño, Campus León | Tecnológico de Monterrey Fotografía: Sergii Bozhko
Lo que se vive en el espacio no es poca cosa. Lo que se siente en él, aún menos. ¿De qué depende que un espacio sea amigable, confortable, a fin de cuentas, habitable? El espíritu del lugar, o genius loci como se le conoce en el lenguaje arquitectónico, es una creencia heredada de la cultura romana (del latín genius=genio; loci=lugar), que supone la ocupación de los espacios por dioses o espíritus a los que debemos propiciar. Aunque para algunas personas esto se asocia con el carácter sagrado de ciertos lugares, es común encontrar literatura que lo apropia al diseño conceptual de un espacio. Ha sido utilizado para describir aquellos aspectos únicos, distintivos y apreciados de un sitio determinado y en muchos casos se utiliza para encontrar la legitimidad de un concepto, evitando la sugerencia de un diseño homogéneo o tendencia específica. Christian Norberg-Shultz fue el primer arquitecto en asociar este concepto a la fenomenología del lugar, la cual se percibe como la diferenciación de los niveles de experiencia en los que se constituye el espacio. El espíritu del lugar describe una realidad que no puede basarse en un inventario de materiales ni formas contenidas; debe tener su propia legitimidad y significado. El lugar es entonces un fenómeno cualitativo total, que no puede reducirse a ninguna de sus propiedades ni relaciones espaciales, sin perder de vista su naturaleza concreta. En este sentido, hay varios elementos que han sido utilizados en diferentes épocas para propiciar fenómenos significativos que den sentido al lugar. La luz, por ejemplo, genera un punto de energía intenso, que ilumina y calienta, pero, además, una iluminación bien diseñada nos remonta a una vivencia placentera, haciéndonos recordar los sitios que consideramos “hogar”. La iluminación natural nos habla de autenticidad, de veracidad en el diseño. Nos evoca una esencia e interioridad específica; un panteísmo. También podemos hablar de la acústica de un espacio, los sonidos que provoca o que ahuyenta. Una acústica diseñada identifica una distinción local, la esencia de la narrativa que el autor del espacio pretende mostrar. La manera en que los sonidos se desarrollan en un determinado espacio fortalece el carácter mismo del lugar, así como la forma en que los diferentes sistemas trabajan para lograr un ágora perfecta. Estos dos elementos, esenciales en la arquitectura, permiten darle significado a la dimensión existencial del espacio, más allá de su funcionalidad, convirtiéndolo en un espacio icónico, en dónde se encuentre el espíritu del lugar –su genius loci.
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Interiorismo
A 2+3 Inspirados en su herencia mexicana y en la estrecha colaboración con artesanos locales, los arquitectos de esta residencia entregan una obra a la vez atemporal y universal, de confortabilidad presente en todo cuadrante. www.ezequielfarca.com Arquitectura: Ezequiel Farca + Cristina Grappin Interiorismo y Mobiliario: Ezequiel Farca, Cristina Grappin, Michelle Galante · Colaboración: Forma Arquitectos Texto: José Miguel Méndez · Fotografía: Jaime Navarro · Ubicación: Ciudad de México
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Diseño
Conformados en 1995, la firma Ezequiel Farca + Cristina Grappin es un estudio especializado en arquitectura, interiorismo y diseño de productos, centrado en la creación de espacios holísticos de buen portento. Para el concepto general de este departamento denominado A 2+3, el estudio ideó una arquitectura de interiores atemporal y flexible al mobiliario que pudiera cambiar a futuro. De igual forma, enfatizar en la colección de arte y disponer el debido lugar para cada pieza fue primordial dentro del proceso de diseño. Utilizar pocos materiales aplicados al minucioso detalle y ofrecer soluciones de diseño a la medida es rúbrica de EF+CG. El programa se divide en dos niveles: en el inferior se colocaron las áreas públicas y en el nivel superior todo el programa privado y de convivencia familiar. La colección de arte fue cuidadosamente emplazada de modo que cada pieza revelara su valor estético y se adhiera al concepto integral del departamento. El proyecto también incluyó la selección de mobiliario y el diseño de la carpintería para completar la experiencia.
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Interiorismo
La escalera fue concebida desde un inicio como objeto escultórico. Debido a la doble altura en que se aposenta debía ser ligera y transparente para facilitar la integración con el resto de la escena, por ello se construyó de un cristal templado de pulgada y media de espesor, sujetada con una estructura de acero. Debajo de ella se diseñó un espejo de agua, hecho del mismo mármol que el piso y con detalles de luz LED para enmarcarlo, creando una perspectiva diferente gracias a los reflejos de luz y sombra que se generan del objeto que flota por encima. El foco central del espacio social es una cava refrigerada que funciona además de muro divisorio entre áreas comunes. El desafío en ella era diseñarla sin manguetería que obstruyera la vista entre los espacios, destacando por su parte los herrajes especiales en cromo que se sujetan por una costilla de cristal estructurada en piso y losa, insinuando que las botellas flotan.
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Diseño
La experiencia en el diseño de una amplia gama de escalas y tipologías que ostenta la firma EF+CG permite un enfoque integral en cada proyecto que asumen, explorando simultáneamente las escalas y funciones que garanticen a los usuarios el goce de una experiencia espacial coherente, integrada y habitable sin esfuerzo.
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Interiorismo
S OH O LOF T
El éxito de esta obra radica en su lujosa apariencia contemporánea, la cual construye y exalta la buena memoria gracias a su carácter acogedor que satisface las necesidades de confort de sus habitantes.
www.studiolav.com Diseño: STUDIOLAV Texto: Julieta de León · Fotografía: Dlux Creative · Ubicación: Manhattan, Nueva York, EE.UU.
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Diseño
Como ciudadanos de esta gran esfera experimentamos el mundo entero como nuestro hogar. Honramos nuestra identidad, valoramos nuestra herencia y exploramos conexiones con nuevas culturas. Bajo esta idea de “coleccionistas de vivencias” es que pueden configurarse ambientes que reflejen la personalidad ecléctica de sus osados moradores. Es así como la firma STUDIOLAV, tras conocer a los dueños de este loft ubicado en Manhattan, Nueva York, se inspiraron de su vibrante personalidad para conceptualizar una memorable obra de interiorismo. Un requisito esencial era poder organizar eventos sociales con capacidad de recibir a una suma importante de personas simultáneamente. Por ello se puso énfasis en el diseño de las áreas sociales, sala principal y comedor, fomentando una cómoda interacción entre anfitriones e invitados. A su vez se incluyó una estación de trabajo informal para que los usuarios pudieran laborar tranquilamente desde casa, así como un rincón de estudio que protagoniza un cómodo sillón postrado sobre una exuberante alfombra, interactuando contra una cortina aterciopelada y una bella estantería.
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Interiorismo
En el perímetro del espacio principal se crearon áreas de conexión satelital: muebles pequeños cuidadosamente seleccionados que cimientan la velada y son acompañados por un mobiliario de iluminación que cobra a su vez un rol minimalista y escultural, siempre funcional, complementando el carácter ecléctico de este moderno espacio que se alza como modelo anhelado en la famosa ciudad metropolitana de Nueva York.
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Diseño
Las habitaciones y pasillos fueron decorados de una manera más neutral y discreta, en un intento de favorecer el descanso. En el área de cocina se instaló una isla, almacenamiento adicional y una serie de asientos para enriquecer el espacio. Todo aquí se mantuvo en un discreto tono blanco para alejar lo menos posible al usuario del resto del loft, sin perder de vista lo funcional del sitio que invita a disfrutar de algún alimento. El esquema de SoHo Loft, incluidos muebles, iluminación, acabados y colores, no solo complementa la interesante colección de obras de arte de los propietarios, sino que celebra su personalidad vibrante y extrovertida. Esta conexión entre lo existente y lo nuevo enaltece el equilibrio de un espacio cuidadosamente conservado, aún así extremadamente personal.
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Diseñadora
OPE N SP A CE de Morgane Tschiember Las esculturas de Tschiember no solo abordan las tres dimensiones, sino que honran al tiempo, al flujo, a la acción y al movimiento, expandiendo el lugar que ocupa cada pieza y cómo se relaciona con el entorno.
Cascade
Esculpir puede ser también una forma de investigar la relación entre los objetos y los lugares en que se emplazan, tratando siempre de conseguir que ambos se revelen y enfaticen su postura para que el espectador obtenga una experiencia estética más completa. Morgane Tschiember labra su trabajo escultórico de dos a tres dimensiones, explorando las transiciones y la íntima relación que se suscita entre ellas. Por ende sus piezas ostentan un colorido especial, con el fin de aprovechar toda la potencia del color a usanza de material original puro para moldear y, de esta manera, abrir una atractiva conexión entre pintura y escultura.
www.sayapark.com
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Diseño
Half Pipe
Trapeze
Tschiember se considera a sí misma como “clásica” en el sentido que trabaja en elementos fundamentales como la forma, el color y el material, compendios universales que recorren toda la historia del arte. Su obra también explora de manera personal e innovadora las nuevas posibilidades entre el pintar y el cincelar, revelando su interés en cómo cada pieza logra “irradiar” el significado de no solamente aquello que se ve, sino del por qué la realidad no puede residir en una sola interpretación.
Colección: Open Space Diseño: Morgane Tschiember Texto: Paula Alcorta Fotografía: Cortesía Carpenters Workshop Gallery
www.carpentersworkshopgallery.com
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Colección
A N ON Y Una colección que proporciona funcionalidad y ornamentación a todo espacio, de formas puras y una paleta de materiales neutros que permite a la luz hacer una declaración silenciosa donde sea que se ubique. Diseño: [Anony] Christian Lo & David Ryan Texto: Ricardo Dairen · Fotografías: Anony, Zach Hertzman, Renata Kaveh, Warren Causton
OHM
www.anony.ca
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Diseño
Con sede en Toronto, Anony es un estudio de diseño e iluminación conformado por Christian Lo y David Ryan, enfocados en la búsqueda de crear objetos de radiante impacto en cada uno de sus ciclos de vida. La capacidad de fabricación local y la vanguardia son fundamentales en su proceso de diseño, mientras que la honesta elección de materiales es algo que irradia calidad y les identifica. Sus dispositivos utilizan tecnología LED regulable y se pueden desmontar por completo para cambiar la fuente de luz, reemplazar una pieza o volver a instalarse.
Highwire
Glass 120
GLASS 120. Un candelabro sencillo tanto en nombre como en diseño. Se trata de un globo de vidrio de 120 mm de diámetro, grabado al ácido, que brinda un brillo cálido y uniforme. Su simplicidad permite que su aplicación sea versátil, funcionando como un colgante singular o como un atractivo arreglo agrupado en diverso número.
Phase
HIGHWIRE. Un acto de equilibrio gravitacional creado por la tensión entre dos puntos y un centro ponderado. La conjunción entre cables y luminaria traza ligeras formas en un espacio tridimensional, permitiendo al dispositivo enmarcarse en cualquier entorno. Se pueden agregar hasta cinco luminarias a una sola caída de potencia. OHM. Versión innovadora de una esfera convencional. El tono orbital de esta lámpara invita a la curiosidad e interacción. Cada esfera de cristal opal proyecta un cálido brillo ambiental que parece flotar en el espacio gracias a un delgado cable de suspensión. Ohm puede mostrarse como un colgante singular o como un clúster. PHASE. Candelabro de exquisito acto de equilibrio, cuya luz que emana es la interpretación de un círculo en tres formas: esfera, disco y semicírculo. Cada componente se hizo a mano y se pesó con precisión antes de unirlo al brazo. Phase oculta sus cables dentro de los brazos mientras mantiene estructuras de líneas paralelas perfectas.
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Acotación
L I T U RG I A
DE L A LUZ “Sea en el cosmos o en un cuarto oscuro, se hace la luz y el espacio respira, se hace la luz y explota la vida.”
Texto: Amadís de Gaula Realizador Audiovisual | Desfacedor de Entuertos Fotografía: Angus Gray
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Arte
Lo cierto es que la luz es un misterio, y tiene sentido su papel preponderante en las distintas manifestaciones religiosas y espirituales del mundo. La física nos dice que se compone de partículas carentes de masa (fotón), que interactúan con la materia: son absorbidas, emitidas, reflejadas y demás. Sin masa pero capaz de interactuar con el mundo material. De naturaleza dual e indefinida, bajo ciertas circunstancias se comporta como partícula y bajo otras como onda electromagnética. Percibimos solo una fracción de sus posibilidades, la que nuestros ojos pueden ver y nuestro cerebro procesar. La luz, en términos prácticos, es una entidad divina: hay un más allá, hay un misterio, impone un límite a nuestra comprensión lógica. La luz es la fuente de energía primaria, sin luz no hay vida posible como la conocemos. Todo empieza por la luz, un fotón que impacta hoy la hoja de un árbol fue creado hace millones de años en el núcleo del sol, y se materializa en nutrientes para la planta, que un día será consumida por uno u otro ser, quizás nosotros, y continuará el ciclo infinito de la energía por el cosmos. Estemos o no.
La luz es además la sustancia de la imaginación: nos hace ver. Soñamos por la actividad electromagnética en nuestros cerebros. Un pintor aplica pigmentos guiado por cómo la luz interactúa con ellos. Es luz lo que impacta un sensor o el filme de una cámara. Es luz lo que revela las imágenes, en papel o en pantalla. Es luz la que proyecta las historias que nos forman. La luz hincha el espacio que antes parecía reducido en las penumbras. La primera imagen que tenemos del universo, la radiación cósmica de microondas, es una instantánea del momento en que la luz por primera vez pudo brillar en el universo. El espacio se abrió y pudimos ver más allá, hacia el futuro: la luz da más. Sea en el cosmos o en un cuarto oscuro, se hace la luz y el espacio respira, se hace la luz y explota la vida. La luz es incluso evidencia del afecto: en una intimidad cálida, el calor es luz infrarroja que no vemos, pero vaya que sentimos...
La luz es la sustancia primaria, porque sí, sí somos polvo de estrellas, señor Sagan.
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Escenarios
f 2 2 F OT O S P A C E
www.laab.pro
Al entrar a esta galardonada galería de fotografía encontramos no solo exposiciones, libros, una boutique de cámaras y un café, sino el arte mismo de la foto vuelto espacio. Arquitectura: LAAB Architects, Carlow Architecture & Design Equipo de Diseño: Kevin Chau, Otto Ng, Phoebe Ng, Yin Lih Tham, CK Wong, Ricci Wong, Chloe Yau, Yip Chun Hang, Yazh Yip, Anderson Chan, Tin Chan, Zion Chan, Catherine Cheng, Jason Choi, Jesse Hao, Ming Ho, Daisy Lam, Kelvin Lam, Tat Lau, Venessa Mok, Janis Poon, Theodora Li, Stephanie Siu, Carolyn Tam, Ricki Tsoi, Donald Wu, Happy Yam Diseño de Cafe22: LAAB Architects + Studio Coming Soon, Studio818 · Branding y Señalética: Milkxhake Ingeniería Estructural de Escalera: BeFrank & Yasuhiro Kaneda Structure Contratistas: LAAB + AVT, Buddy Concept, Chi Keung Kee, Golden Smart, Linko, Profit Texto: Ricardo Dairen · Fotografía: LAAB Architects, DCinematic, F22 Foto Space · Ubicación: Wan Chai, Hong Kong
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Arte
Una reverencia escultórica a la fotografía, eso me representa esta obra. Desde la entrada misma se propone un recorrido filmográfico, toda vez que el equipo de diseño estudió el desarrollo de la cámara y se inspiró de elementos de diversas generaciones de lentes para esbozar la puerta. Gracias a la tecnología inteligente esta puerta cinética gira para crear una serie de espacios que se adaptan a diferentes programas, por ejemplo, transformar la entrada en una sala de espera para los recién llegados durante un seminario. Cuando la puerta de la cámara gira, la apertura superior también controla la cantidad de luz en el espacio.
Uno de los detalles más notables de f22 Foto Space es su escalera circular. Inspirada en la apertura de la cámara, esta estructura colgante juega con la luz, la sombra y la velocidad. Para crear un giro preciso, cada paso se construyó utilizando impresión 3D y fundición. Al igual que una cámara en manos del fotógrafo documenta el momento exacto, f22 desea también documentar su interacción con el tiempo y las personas. Bajo esta idea, la puerta y las escaleras fueron fabricadas con latón y pintadas en negro, para que el tiempo haga su trabajo y desgaste la pintura revelando el latón por debajo de ella.
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Bioarquitectura Escenarios
Las dos galerías del lugar fueron diseñadas en blanco y negro para formar un diálogo entre los dos pisos. Por su parte el Café 22 ofrece un lugar de encuentro para actividades culturales. Cuenta con espacio de exhibición para que fotógrafos en ciernes organicen su primera exposición, además de una mesa cuadrada donde los visitantes se reúnen y conversan en torno a la disciplina que les envuelve. f22 Foto Space ostenta ocho preseas internacionales de diseño, incluido el Premio Alemán de Diseño RED DOT, los Premios de la Región Internacional del Instituto Americano de Arquitectos y el Premio Diseño para Asia. La meticulosa artesanía de f22 también fue reconocida por el jurado del Premio FRAME 2019 y ganó el Premio a la Mejor Artesanía.
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Arte
Autores
www.biwils.com
Osaka Sunset No.1
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Arte
BI A NC A W ILSON
Mediante los testimonios del color y la abstracción Bianca Wilson se apropia de la dimensión particular e implícita en el detalle primario, logrando crear un mundo de fantasía y ensueño arquitectónico. Texto: Astrid Pimienta Fotografía: Cortesía Bianca Wilson
Bianca Wilson es una artista visual nacida en Australia quien decidió volcar su obra hacia las estructuras arquitectónicas que delinean el paisaje urbano de diversas ciudades y culturas. A partir de un proceso de observación altamente sensible a los patrones, la diversidad y la funcionalidad del carácter óseo propio de las construcciones citadinas, la obra de Wilson desnuda los detalles de la composición arquitectónica para traducirlos en delicadas geometrías que se llenan de una vida y color que aportan de inmediato notabilidad a su estilo.
Hileras de casas en serie, tejados con tinacos, escaleras, puertas, ventanas y demás elementos de lo cotidiano conforman nuevos horizontes urbanos mediante un cromatismo de disfrute, alegría y calidez. Si bien la configuración con el paisaje urbano en general nos resulta bastante familiar, la maravilla radica en la forma de observar y dotar de nuevos significados a aquellos ritmos y contrastes que de otra manera podrían pasar desapercibidos: espacios de la ciudad que siempre han estado ahí, que nos permiten dar un fantasioso vistazo a las vidas de aquellos que los habitan.
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Autores
Soho No.1
Al observar la arquitectura nos acercamos a la estética y cultura de un lugar, mientras que al atrever reinterpretar y transformar estas distinciones, la artista da un paso más allá en la búsqueda de un universo de nuevas posibilidades visuales e intelectuales mediante un proceso cuidadoso y lúdico entre la forma, el color y los patrones. Es una especie de juego mental seguir las perspectivas, corroborar las profundidades y apropiarse de las proporciones, intuyendo las emociones que se detonan a partir del uso de superficies y combinaciones cromáticas.
Tokyo View
Osaka Sunset No.2
Soho No.3
La obra de Banca Wilson no queda entonces en una mera abstracción formal sino que es una propuesta a la experimentación del espacio arquitectónico y el paisaje urbano como grandes estructuras, exaltando sus patrones rítmicos que contienen un gran potencial estético y ambiental. Cada pintura nos transporta a escenarios utópicos en que los edificios aparecen como personificaciones de una atmósfera de calma optimista, un mundo etéreo en espera de ser habitado por aquellos que se atrevan a alentar su imaginación.
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Dirección de Arte
G EO M E T R Y OF L IG H T Esta radiante intervención artística, creación de Luftwerk en colaboración con Iker Gil, iluminó tanto la Farnsworth House de Mies van der Rohe (Illinois), como el Pabellón Alemán de Mies y Lilly Reich (Barcelona). Dirección de Arte: Luftwerk + Iker Gil · Donación Principal: Chuck Thurow Proyecto: MAS Context, Farnsworth House, Fondo Nacional para la Preservación Histórica Apoyo Institucional: Wunderbar Together, Ministerio Federal de Relaciones Exteriores de Alemania, Instituto Goethe, Federación de Industrias Alemanas (BDI), Fundación Graham para Estudios Avanzados en Bellas Artes, Bosch Power Tools – North America · Donadores Adicionales: Paola Aguirre, Leslie Bodenstein, Will Forrest, Joanne Gross, Tom Lee, Ann Lui, Jason Pickleman, Craig Reschke, Tom Rossiter, Virtue Cider Texto: Mateo Pazzi · Fotografía: Kate Joyce · Ubicación: Farnsworth House - Plano, Illinois, EE.UU.
www.luftwerk.net www.mascontext.com
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Arte
Geometry of Light fue una instalación artística de luz y sonido en la icónica Farnsworth House, diseñada por el afamado arquitecto Mies van der Rohe. Terminada en 1951 y abierta al público en 2004, Farnsworth House era hogar los fines de semana de la doctora e investigadora oriunda de Chicago, Edith Farnsworth. Esta intervención inmersiva revela la historia olvidada del sitio y los restos del paisaje, exaltando las geometrías subyacentes que relacionan la casa de renombre mundial con la topografía del sitio y los otrora árboles que aquí habitaban.
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Dirección de Arte
Para acentuar las hermosas vetas arquitectónicas del recinto se optó por la iluminación láser, resaltando en líneas rojas nítidas la geometría de la casa y sus horizontes, orquestándose para trazar, resaltar y alterar la composición del sitio. En magnífica coreografía con la luz proyectada, un artefacto de sonido diseñado a la medida por Oriol Tarragó es parte integral de esta experiencia. Configurado en respuesta directa al sitio, este componente auditivo se vale de los matices sonoros del espacio para crear una lectura tonal. Juntos, estos elementos proporcionan una nueva interpretación de la Casa Farnsworth y su extraordinaria ubicación. Complementario a su versión en Farnsworth House, Geometry of Light se instaló también a principios de 2019 en el Pabellón Alemán de Barcelona diseñado por Mies van der Rohe y Lilly Reich, alzándose como una visión contemporánea para estos edificios modernistas que expanden su loable arquitectura e ilustre materialidad en sus estructuras. La instalación se presentó como parte del programa continuo de intervenciones artísticas de la Fundació Mies van der Rohe, que también se corresponde con el Festival LLUM BCN y el Festival de Santa Eulàlia.
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#PasemosPágina
PD E EG ÉRN E ROS PE NEL ACA RT I V A S QU I T EC T U R A Segundo Encuentro Lucía C. Pérez-Moreno [ed.] | ABADA Editores Madrid, España (2019)
Recomienda: Moisés D. Hernández Maestría en Diseño Arquitectónico Docente en Universidad De La Salle y Universidad de Guanajuato
En la actualidad, tanto hombres como mujeres hacemos uso de la ciudad de distintas maneras, gestando una percepción muy diversa sobre aspectos arquitectónicos y urbanos. Los espacios que habitamos cotidianamente no son de carácter neutro, sino que por lo general obedecen a una serie de intereses específicos que no consideran el bienestar y la calidad de vida de los ciudadanos como premisa principal para su concepción. Es indispensable por ende que los espacios que conforman las ciudades se conciban con la participación de hombres y mujeres en igualdad de condiciones. De no ser así, la planificación de las ciudades podría convertirse en el primer elemento de desigualdad que refuerce la imagen patriarcal de la estructura de poder, desarticulando por igual a las etnias, clases sociales y género de la sociedad construida. Para la planificación de las ciudades es claro que los espacios públicos se convierten en un componente esencial de la calidad de vida de las personas. Sin embargo, el diseño de estos espacios, en una sociedad patriarcal como la nuestra, prioriza los usos masculinos y olvida los usos de cuidado tradicionalmente atribuidos a las mujeres y por consiguiente los usos para la niñez, la tercera edad y para las personas con movilidad reducida. Es por esto que los espacios que componen las ciudades no deben realizarse en funciones de un ciudadano tipo, sino a través de considerar la existencia de diferentes intereses colectivos y la manera en que sean compatibles con el entorno.
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El presente libro entrega diversas reflexiones de voces autorizadas sobre cómo incorporar las perspectivas de género en la disciplina arquitectónica a través del enfoque de cuatro ámbitos de trabajo: las revisiones históricas, el espacio doméstico, el planeamiento urbano y la agenda propia. Para una sociedad como la nuestra, generar espacios de debate y de intercambio que motiven a la reflexión tal como el texto al que se hace referencia, deben convertirse en una prioridad para la planeación y construcción de ciudades integradas en integradoras desde una perspectiva de género; que no supone que deben de hacerse para mujeres, ni más femeninas, sino más habitable para mujeres y hombres por igual.