Maxwell Jalisco Edi. 67

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CONTENIDO ARTE&CULTURA

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08 INCÓGNITA

57 INTERIORISMO

10 CINE

60 ARQUITECTURA

Mario Molina

Recomendaciones MAXWELL

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- BE29: Galería 19C Blackwood Studio

12 MÚSICA

Mau y Ricky

14 LIBROS

Hecha en México

ENTORNO

BUENVIVIR

16 HISTORIA DE ÉXITO

63 LEJANÍAS

Hotel SheratonBuganvilias Resort & Convention Center

Banff, Canadá

66 CERCANÍAS Riviera Nayarit

18 CREADORES Jacobo Sin A

68 VINOS

Sutil Tonic

20 PERSONALIDAD

70 GOURMET

Dr. Alberto Marrón

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22 LA ENTREVISTA Fundación HACE

24 ESPECIAL

ARTISTAS PLASTICOS

Fauna

72 PUNTO FINAL Imberg Salvatierra

TENDENCIAS 38 PORTADA

Lewis Hamilton

44 MODA

My dear Pennsylvania

50 AUTOS

Ferrari SF90 Spider

52 CAPRICHOS EXCLUSIVOS

50

Pater Noster

56 GADGETS

Tecnología sin Límites

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FEBRERO - MARZO 2021 | AÑO 12 | NÚMERO 67 Directora Ejecutiva • Zulema Judith Araujo González zulemaaraujo@grupomaxwell.com.mx Director Editorial • Mario Preciado mariopreciado@grupomaxwell.com.mx Asistente Editorial • Liliana Núñez lilianan@grupomaxwell.com.mx Arte y Diseño • Adrián Darío Vera Calderón dariovera@grupomaxwell.com.mx Coordinadora de Arte y Diseño • Sofía Malacara Muciño sofmmucino@gmail.com Coordinador Web y Community Manager Fernanda Rodríguez Calderón fernandar@grupomaxwell.com.mx Fotografía • Diego Torres, Emmanuelle Elías López, Gerardo Fabre “El Biut”, Susana García.

En Portada: Lewis Hamilton

Fotografía: Cortesía Tommy Hilfiger Dirección Comercial • Noé Peña Dirección Plaza • Ana Magro Coordinadora Editorial • Mayumy Salinas

Cuentas Especiales • Ma. Esperanza González Romero Ejecutiva de Cuenta • Claudia Rode. Circulación • Óscar Alcaraz Paz Administración • Erika del Rocío Reyes Morales Finanzas • Luis Gerardo Díaz López Presidente del Consejo • Mario Alberto Martínez Muñoz direccion@grupomaxwell.com.mx Colaboradores Guillermo López González, José Emmanuelle Elías López, Gerardo Fabre “El Biut”, José Miguel Pazzi, Libier Constantini, Mariana Pacheco. Agradecimientos Alejandro Godoy, Ana Karla Corpi, Ana Tinoco, Andrés Rigoberto Calderón Ruiz, Angélica Ramírez, Antonio Marino, Daniela Tovar Sánchez, Daniel Herranz, Fernando M. Díaz, Gerardo Gatica, Jesica Aidee Solís Barriga, Jorge Maceo, Juan José Álvarez Brunel, Karla Minerva Morales Méndez, Liliana Azpeitia Arizmendi, Lilián Gutiérrez, Mau Montaner, Milliet González, Norma Patricia Castillo Hinojosa, Paola Palazón, Ricky Montaner.

Marcas colaboradora Ediciones Marea, OVC Riviera Nayarit, SECTUR Guanajuato, Tommy Hilfiger.

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Publicaciones Grupo Editorial MAXWELL en: León Querétaro Jalisco - Riviera Nayarit Morelia

MAXWELL, publicación mensual editada por Grupo Editorial Maxwell, S.A de C.V. Con domicilio en Blvd. Campestre 2150 2do. Piso, espacios 12 y 13. Col. Lomas del Campestre, C.P. 37150. Tel.: (477) 2143913. León, Guanajuato. Contacto: contacto@grupomaxwell.com. mx. Impresión, Coloristas y Asociados, S.A. de C.V., con domicilio en Calzada de los Héroes 315, Col. Centro, León, Guanajuato. Teléfono: (477) 7166961. Grupo Editorial Maxwell, S.A. de C.V., no asume responsabilidad alguna por información y las fotografías proporcionadas por los anunciantes. Dicha información se asume como confiable de acuerdo a las fuentes de donde se obtiene. Se prohíbe la reproducción total o parcial de esta revista sin el permiso expreso de Grupo Editorial Maxwell, S.A. de C.V.

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CARTA EDITORIAL

LEYENDA VIVIENTE Siempre es bueno llegar al punto de conocer más acerca de nuestras celebridades de portada, traspasar lo que es completamente público y descubrir detalles que afianzan la idea que ya se tenía, en este caso de Lewis Hamilton. Este líder moderno con pasaporte inglés, ha destacado sí en el automovilismo, siendo el laureado piloto de Fórmula 1 del que todo mundo está hablando, pero también nos ha dejado ver a cuentagotas sus demás talentos, como su visión propia e inclusiva de la moda y sus virtudes al componer y cantar. Lo anterior es una buena señal que atisbamos como la antesala de lo mucho que aún tiene por ofrecer. Gracias a Tommy Hilfiger, marca con la que ha desarrollado ya varias colecciones, esta vez te lo presentamos en portada. En este número, te mostramos la Historia de Éxito del Hotel Sheraton Buganvilias Resort & Convention Center (Puerto Vallarta), el cual a través del tiempo diversificó atinadamente su propuesta en alojamiento; y, tras cumplir recientemente su aniversario 40, fue objeto de una renovación completa. En Creadores, conocerás al fundador y creador de la firma mexicana de moda Jacobo Sin A, Carlos Jacobo, cuyo trabajo se resume en una interpretación minimalista de la cultura mexicana; en el texto te hablamos acerca de su más reciente colección. Además, podrás descubrir en qué consiste la Fundación HACE, cuyo trabajo se centra en informar acerca de la condición del espectro autista y el Asperger. Te platicamos acerca de dos de sus principales proyectos. Finalmente, tampoco te pierdas nuestros Especial de Aristas Plásticos, en esta ocasión te presentamos a Cecilia Andonaegui, Israel Zzepda, José Parra, Juan Piedra, Luciano R. Peredo y Shuta Ruelas. Gracias por seguirnos acompañando con tu preferencia. ¡Esperamos con gusto que disfrutes esta edición!

Mario Preciado Director Editorial @mariopreciado_

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ARTE&CULTURA INCÓGNITA • CINE • MÚSICA • LIBROS Xoco es un personaje, introvertido e imaginativo, creado originalmente para el cuento (y después película) ‘Xoco, el niño al que le encantaba estar aburrido’, que ahora, convertido en una lámpara, es también un ente capaz de habitar el mismo espacio de quien lo posea.

Pieza perteneciente a la colección debut de Ediciones Marea, plataforma mexicana de arte contemporáneo con producción y venta de obras de artistas reconocidos y cuya misión es volver accesibles piezas de enorme valor artístico.

edicionesmarea.com

‘Xoco se convirtió en un fantasma’. Autor: Mario García Torres Material: Bronce, foco LED y tela de algodón. Medidas: 25 x 10 x 6 cm


ARTE&CULTURA | INCÓGNITA

RESPUESTAS: 1.- Ocho. 2.- Portugués. 3.- 1981. 4.- Calzada de los Muertos. 5.- Rusia. 6-. Páncreas. 7.- Marte. 8.- Theo, su hermano. 9.- Adriano IV. 10.- 70%.

Por: Emmanuelle Elías (IG: @emmanuelle_elias) | Ilustración: Willy (IG: @willyimage)

MARIO MOLINA 1943-2020

Mario Molina fue un ingeniero químico que, junto a Paul J. Crutzen y Frank Sherwood Rowland, recibió el premio Nobel de Química, convirtiéndose en el primer mexicano en obtener dicha distinción. Fue hijo de Roberto Félix Molina y Leonor Henríquez, estudió Ingeniería Química en 1960 y cinco años más tarde, después de su graduación, continuó con sus estudios en Alemania. En 1968 ingresó al programa de doctorado en Fisicoquímica de la Universidad de Berkeley, obteniéndolo en 1972. Fue miembro del consejo de Asesores de Ciencia y Tecnología del presidente Barack Obama. Fue presidente de honor de la Asociación de Mares de México, dedicada a la conservación de estos. También, presidió el Centro Mario Molina para Estudios Estratégicos sobre Energía y Medio Ambiente. Su trabajo y perseverancia en pro de dar solución a problemáticas del planeta, lo hizo acreedor al Nobel, sobre todo por ser pionero en establecer la relación entre el agujero de ozono y los compuestos de cloro y bromuro en la estratósfera. Murió el 7 de octubre de 2020 en su natal Ciudad de México.

CULTURA GENERAL 1.

¿Cuántos tentáculos tiene un calamar?

2.

¿Cuál es el idioma oficial de Brasil?

3.

¿En qué año murió Bob Marley?

4.

¿Cómo se llama la calzada ubicada en Teotihuacán?

5.

¿De dónde fue originario el compositor, pianista y director de orquesta Serguéi Rajmáninov?

6.

¿Qué órgano del cuerpo es el encargado de producir la insulina?

7.

¿Quién es el dios romano de la guerra?

Martin Lutero fue el primero en decorar un árbol de Navidad, le colocó velas en representación de las estrellas.

8.

¿Quién fue el mecenas de Vincent van Gogh?

9.

¿Cuál fue el papa que se murió al asfixiarse con una mosca?

La letra de la canción de Navidad ‘Noche de paz’ se le atribuye al padre austriaco Joseph Mohr.

10. ¿Qué porcentaje de la Tierra está cubierto de agua?

DATOS CURIOSOS

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ARTE&CULTURA • CINE Redacción MAXWELL | Fotografías: Cortesía

Pinocho

Madre sólo hay dos

Dirección: Matteo Garrone.

Dirección: Fernando Sariñana, Kenya Marquez, Sebastián Sariñana, y Carlos González Sariñana.

¿Estás listo para revivir recuerdos? Prepárate para ver en el cine ‘Pinocho’, es la adaptación de la famosa historia basada en el libro homónimo de Carlo Collodi, que narra las aventuras de una marioneta de madera que cobra vida de manera inesperada. Como cualquier niño, Pinocho siente curiosidad por todo lo que hay a su alrededor y es fácilmente influenciable, por lo que cae de una desgracia en otra, mientras es engañado, secuestrado y perseguido por bandidos en un mundo fantástico de una Italia rural y atemporal. Pinocho es en todo momento aconsejado por el Hada, su fiel amiga; mientras su padre, Geppetto (Roberto Benigni), lo busca con desesperación.

Ludwika Paleta y Paulina Goto regresan a la pantalla; esta vez, con la producción de Netflix ‘Madre sólo hay dos’, serie de drama y comedia creada y escrita por Carolina Rivera y Fernando Sariñana. En ella, las vidas de dos mujeres completamente diferentes se entrelazan cuando descubren que sus bebés fueron intercambiados accidentalmente al nacer. Luego de compartir una sala de parto y creer que nunca se volverían a ver, ambas descubrirán que cada una recibió a la bebé de la otra, teniendo que volver a cruzarse a pesar de la mala primera impresión que tuvieron entre sí. La música de la serie fue compuesta por Ximena Sariñana, Dan Zlotnik y Camilo Froideval.

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ARTE&CULTURA • MÚSICA Por: Mario Preciado (IG:@mariopreciado_) | Fotografía: Cortesía

Mau y Ricky

‘Rifresh’: la apuesta más atrevida del dúo de hermanos.

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n el género urbano y pop latino, quienes dictan hoy lo más novedoso y quienes incluso esparcen su talento componiendo para otros artistas, son Mau y Ricky, los cantautores que cuentan con un derroche de temas pegajosos y letras desenfadadas. Con su nuevo álbum ‘Rifresh’, exploran sus límites creativos y nos entregan su verdadero ADN, desde lo musical hasta una propuesta visual desafiante que se puede ver en sus videoclips frescos y audaces. ¿Qué hace diferente a este álbum? Ricky: “Nos metimos cuatro meses a una casa de estudio donde apagamos todo tipo de distracción o influencia que pudiera llegar a afectar el proceso creativo, y es un disco donde yo creo que se está renovando el sonido que veníamos haciendo mi hermano y yo (…) No se parece a nada. Nosotros hacemos la música que quisiéramos escuchar en nuestros playlists (…)”. Se han dado la oportunidad de hacer videoclips más creativos, ¿cómo se involucran en el proceso? Mau: “Lo que hemos logrado con Stillz (director de sus videoclips) es algo único y, en general, siento que este disco está lleno de videos donde nos hemos sentido retados artísticamente a hacer algo que no estábamos acostumbrados a hacer antes (…) Yo, con este disco y con los tres videos que han salido hasta ahora (‘Papás’, ‘La grosera’ y ‘Ouch’) he descubierto lo mucho que disfruto actuar (…)”. ¿Qué fue lo mejor que vivieron en este año? Mau: “El 2020 ha sido un refresh –como el disco–, lo ha sido para todos los humanos, porque nos ha permitido poner pausa y tener una perspectiva de lo que es realmente importante. Esto nos ha dado el chance de darnos cuenta que a lo que le dedicábamos tiempo, no es realmente lo importante (...) sino la familia y poder alcanzar la vida de la gente e impactar de una manera positiva”.

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Ricky: “Personal y espiritualmente, ha sido un año de muchísimo crecimiento, me comprometí y eso podría decir que es lo mejor que me ha pasado en este 2020, poder conseguir a una mujer que me acompañe y que sea cómo la había estado buscando por tantos años. Y, musicalmente, haber encontrado la respuesta de qué tanto podemos hacer en la música; y, en este caso, no cedimos en nada e hicimos el álbum que siempre habíamos soñado (…)”.

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ARTE&CULTURA • LIBROS Por: Mario Preciado (IG:@mariopreciado_) | Fotografía: Cortesía

Hecha en México La historia contemporánea de la moda nacional.

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i piensas en la industria de la moda mexicana, ¿vienen a tu mente nombres de marcas o diseñadores?, ¿algún hecho coyuntural? De todo lo que se puede decir acerca de la historia de la moda en nuestro país, Daniel Herranz y Paola Palazón tomaron el periodo que comprendió de 1999 a 2019 para reseñarlo en un libro que les publicó Planeta. Platicamos con ellos al respecto durante la más reciente edición de la Feria Nacional del Libro de León. ¿Por qué contar la historia de la moda mexicana? Daniel: “Es una historia contada pero no escrita, en el sentido de que hay muchos artículos alrededor de la moda en México en revistas, pero un compendio como tal de los hechos que han pasado en la moda en México –más allá de libros como el de Gustavo Prado o el de Ramón Valdiosera– no existía. Y el libro en realidad tiene una historia linda porque fue una casualidad de la vida, una oportunidad que se presentó y que decidimos tomar (…) Fue una aventura gigantesca, fue perseguir información y buscar a gente que ahora ya ni siquiera hace cosas relacionadas con moda, fue revivir muchas de sus historias. Por ejemplo, con los fundadores de Fashion Week o enterarnos de curiosidades como el año en que se dio de alta la carrera de Creación de Moda en México frente a la SEP, quién hizo los programas y cómo fueron avanzando”. ¿Por qué ese periodo? “Se fue dando. Teníamos un primer diagrama y nos dimos cuenta de que era demasiado amplio (…) Fueron las raíces de lo que hoy

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¡Lee la entrevista completa!

conocemos como la moda en México. A principios de los noventa no había una plataforma que juntara a los diseñadores para que presentaran sus colecciones, la gente tenía una percepción de la moda muy diferente, la veían a través de Televisa, de las alfombras rojas y de actrices como Verónica Castro. No se conocía tanto el trabajo de los diseñadores y eso comenzó a cambiar”. Los autores Paola es periodista y catedrática con estudios en leyes y moda, es fundadora del Colectivo Diseño Mexicano, de donde surgió la idea de crear el libro; asimismo, es colaboradora de The Washington Post. Por su parte, Daniel es periodista, estilista de moda, productor y director creativo. Cuenta con más de 10 años de carrera y, desde 2015, colabora como creativo con Coloürs para Mercedes-Benz Fashion Week Mexico City.

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ENTORNO

HISTORIA DE ÉXITO • CREADORES • PERSONALIDAD • L A ENTREVISTA

Hotel Sheraton Buganvilias Resort & Convention Center 40 años de éxito

Texto: Mayumy Salinas I Fotografía: Cortesía

Consolidado como uno de los mejores hoteles del destino turístico jalisciense.


HISTORIA DE ÉXITO - SUCCESS STORY

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o que comenzó como un sueño donde empresarios mexicanos tuvieron la oportunidad de invertir en el desarrollo económico y turístico de México, a la fecha se convirtió en un ícono representativo durante el desarrollo de Puerto Vallarta. Así es como nació Sheraton Buganvilias. Fue en Marzo de 1979 cuando el Sr. Abelardo Garciarce Ramírez y sus socios colocaron la primera piedra de la propiedad, y no fue hasta el 8 de diciembre de 1980 que fue inaugurado oficialmente por el entonces presidente de la República, José López Portillo. En 1988, la familia Garciarce amplió su negocio e ingresaron al formato de tiempo compartido, creando adjunto a Sheraton Buganvilias el Buganvilias Vacation Club. El 40 aniversario del hotel se vio acompañado de diversas remodelaciones al mismo, como la renovación completa del total de habitaciones, centros de consumo, áreas comunes y demás espacios; todo el trabajo en conjunto habla de un nuevo y renovado producto turístico, y es una muestra de la completa confianza en Puerto Vallarta y la industria.

It was in March 1979 when Mr. Abelardo Garciarce Ramírez and his partners laid the first stone on the property, and it was not until December 8, 1980 that it was officially inaugurated by the then President of Mexico, José López Portillo. In 1988, the Garciarce family expanded their business to incorporate the timeshare format, creating the Buganvilias Vacation Club to complement Sheraton Buganvilias. The 40th anniversary of the hotel saw various renovations, including the complete refurbishment of all its rooms, restaurants, common areas and other spaces. Altogether, the work speaks of a new and refreshed touristic product and is a clear sign of complete confidence in Puerto Vallarta and the industry. During the last 10 years, the General Director of the hotel and President of the Puerto Vallarta Hotel Association, Lic. Álvaro Garciarce Monraz, has promoted innovative and visionary projects. Visitor satisfaction is the result of unique experiences, the quality of the service, sustainability programs, the restaurants and more; all of which have been subject to the constant innovations that the management has championed in order to maintain a highly competitive product in the destination.

Durante los últimos diez años el Lic. Álvaro Garciarce Monraz, director general del hotel y el presidente de la Asociación de Hoteles de Puerto Vallarta, ha impulsado proyectos innovadores y visionarios. La satisfacción de los visitantes se manifiesta en experiencias únicas.

@sheratonpvr @sheratonvallarta.com.mx www.sheratonvallartaallinclusive.com

La calidad del servicio, los programas de sustentabilidad, los centros de consumo, y demás, han sido parte de las innovaciones constantes que ha marcado la Dirección General para mantener un producto altamente competitivo en el destino.

What began as a dream when Mexican entrepreneurs took the opportunity to invest in the economic and touristic development of Mexico, today remains as an iconic representation of Puerto Vallarta’s development; this was how Sheraton Buganvilias was born.

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Clearly established as one of the best hotels in the Jalisco tourist destination.


ENTORNO Texto: Mayumy Salinas I Fotografía: Manuel Castillo (retrato) / Christian Cardiel ( colección Jacobo Sin A).

Jacobo Sin A

Muestra un México culturalmente orgulloso. El diseñador es considerado como una promesa de la de moda en nuestro país. Considered the Promise of Mexican Fashion.

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CREADORES - CREATORS

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undador y director creativo de la firma mexicana Jacobo Sin A, Carlos Jacobo es un diseñador de moda originario de Zacoalco de Torres, Jalisco. Inició este proyecto creativo en la universidad, creando pequeñas colecciones que después fueron más demandantes, lo que lo llevó a extender y comercializar su marca dentro de la República Mexicana, donde actualmente cuenta con cuatro puntos de venta. “Jacobo Sin A surge de la necesidad de mostrar un México culturalmente orgulloso. Siempre quise mostrar un México minimalista y un país rico en inspiración y cultura”, declara. Cada una de las colecciones creadas por el diseñador mexicano, tales como ‘Verdemar’ y ‘Doliente’, han tenido un punto interesante tanto en su vida personal como profesional. “Al diseñar, pienso en la forma minimalista que puede representar a México. Creo que mis piezas están empapadas de mí país, pero con una inspiración muy sutil, para que las personas que las usen se vean bien, ya sea que se encuentren dentro o fuera de México”, agrega. Este año 2021, Jacobo Sin A nuevamente forma parte de Intermoda −una de las plataformas más importantes de la industria− en donde presentó su nueva colección primavera-verano: ‘Malquerida’. Para crearla, se inspiró en las serpientes coralillo que podemos encontrar en todo el norte del país, siendo los colores rojo, amarillo y negro los protagonistas de esta colección; además, incluyó textiles como el chantú de seda, el satín, el poliéster, la organza y el lino. “Considero que uno de los puntos que caracteriza a Jacobo Sin A es que siempre muestro un México rico en inspiración, en cada colección podemos ver un México visto de distintas formas”.

Founder and creative director of the Mexican fashion brand, Jacobo Sin A, Carlos Jacobo is a fashion designer originally from Zacoalco de Torres, Jalisco. He started this creative project while still at university, creating small collections that later became more demanding, which led him to extend and market his brand throughout Mexico where he currently has four commercial outlets. “Jacobo Sin A was inspired by the need to show a Mexico that we can be proud of culturally. I always wanted to show a minimalist Mexico, a country rich in inspiration and culture,” commented the designer. “I think about how Mexico can be represented in a minimalist way. I think that each of my pieces is steeped in the essence of Mexico but with an inspiration so subtle that it looks good when worn both by people in Mexico and abroad.” Each of the collections created by the Mexican designer, such as “Verdemar” and “Doliente”, have represented an interesting point in both his personal and professional life. This year, 2021, Jacobo Sin A is once again part of Intermoda, one of the most important events in the fashion industry, where he will present his new collection “Malquerida” spring - summer 2021. It is inspired by the coral snakes that can be found in the north of the country with red, yellow and black colors playing a central role in his collection. It also showcases textiles such as chantu made from 100% silk, polyester satin, organza and linen. “I believe that one of the main features that characterizes Jacobo Sin A is that we always show a Mexico rich in inspiration; in each collection Mexico can be seen in different ways”

@jacobo.sin.a @jacobosina

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“Mi mayor aspiración es representar a México en el extranjero con una firma minimalista que hable de un México distinto y culturalmente orgulloso”.


ENTORNO Texto: Mayumy Salinas I Fotografía: Cortesía

Dr. Alberto Marrón Vocación y profesión

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PERSONALIDAD - PERSONALITY

Su mayor gratificación es encontrar personas a las cuales poder ayudar. His greatest satisfaction comes from finding people he can help.

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riginario de Morelia, Michoacán, Alberto Marrón es médico general con especialidad en Cirugía Ortopédica. Decidió dedicarse al sector salud gracias a su gusto por ayudar a las personas, para que logren reintegrarse a su vida normal, específicamente cuando su limitante es una lesión o padecimientos del sistema musculoesquelético. La elección de su especialidad médica se debe a que él considera que la ortopedia es muy objetiva y en general también muy resolutiva, ya que con un buen diagnóstico normalmente se puede resolver de manera efectiva la gran mayoría de los padecimientos musculoesqueléticos. “Disfruto mucho cuando estoy en quirófano; para mí la cirugía es el momento máximo en el cual cada paciente demuestra su plena confianza en mí”, nos dice. Actualmente, el Dr. Marrón funge como director médico de Vallarta Medical Center, donde sus funciones incluyen: supervisar de los protocolos médicos y de enfermería, vigilar la calidad en el servicio médico, participar en la elaboración de proyectos y planes de crecimiento y, sobre todo, buscar siempre el bienestar de la comunidad. El Dr. Marrón nos comparte que el mayor reto al que se enfrenta en su profesión es llenar las expectativas de sus pacientes, por lo que procura siempre cumplir con sus necesidades médicas y resolver los problemas que los llevaron a buscar su ayuda. “Es de suma importancia tener una comunicación abierta y precisa sobre cada procedimiento”. Sobre la actual contingencia de salud, el Dr. Marrón nos cuenta que es algo que nunca había presenciado en sus años ejerciendo la medicina. Es algo que ha implicado la pérdida de muchas vidas y empleos, lo que conlleva a un incremento de problemas sociales.

Originally from Morelia, Michoacán, Alberto Marrón is a general practitioner specializing in orthopedic surgery. His decision to dedicate himself to the health sector was inspired by his love of helping people to reintegrate into “normal” life, particularly those cases where limitations are caused by an injury or from musculoskeletal conditions. The reason for choosing this specialty comes from the fact that he considers orthopedics to be very objective and, generally speaking, very decisive. With a good diagnosis, the vast majority of musculoskeletal disorders can usually be resolved effectively: “I really enjoy being in the operating room; for me, surgery is the highlight of my job, when a patient shows their full trust in me.” Currently, Dr. Marrón serves as the Medical Director of Vallarta Medical Center, where his functions include supervising the hospital’s medical and nursing protocols, monitoring the quality of medical attention, contributing to the development of projects and plans for growth, and, above all, looking for ways to ensure the welfare of the community at large. According to Dr. Marrón, the greatest challenge he faces in his profession is to meet the expectations of his patients. Therefore, he always strives to meet their medical needs and solve the problems that brought the patient to him. “It is very important to communicate openly and precisely about each procedure.” Regarding the current health contingency, Dr. Marrón tells us that it is something he has never witnessed before in all his years practicing medicine; it is something that has brought about the loss of many lives and jobs, which also leads to an increase in social problems.

@vallartamedicalcenter

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ENTORNO Texto: Mayumy Salinas I Fotografía: Cortesía

Fundación HACE Autismo y convivencia

Durante sus 12 años de operación, han contado con un gran equipo de médicos especialistas a disposición de las necesidades de las familias.

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LA ENTREVISTA - THE INTERVIEW

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onstituida en mayo de 2008, Fundación HACE surge a partir de la gran necesidad de informar acerca de la condición del espectro autista y el Asperger. Motivada por sensibilizar los estigmas y diagnósticos erróneos que surgen entorno a esta condición, la fundación busca brindar orientación y capacitación a las familias de personas con autismo, así como también la creación de redes de apoyo y contención para las mismas. Blanca Arriaga, directora general de la fundación, nos comparte que una de las principales labores de HACE es empoderar a las familias. A raíz de esto surgió el programa Fames, el cual dio inicio en septiembre de 2009. Durante 10 años ininterrumpidos, se han llevado a cabo conferencias magnas apoyadas en expertos, abarcando un total de 90 ponencias con la participación de neurólogos, médicos terapeutas, psiquiatras y pedagogos; a su vez, contando con la colaboración del DIF Guadalajara y teniendo replicas en otros estados del país. Otro de los proyectos creados por la fundación es “Labora”, el cual tiene como objetivo fomentar la inclusión e independencia de personas adultas con autismo; creando espacios de trabajo adecuados a través de actividades que son amigables con el medio ambiente. A la fecha se han reutilizado y reciclado más de 5000 botellas de vidrio convirtiéndolas en productos de Labora. Asimismo, la fundación realizó convenio con la organización Autism Speaks para traer a Guadalajara el programa “ilumina de azul”, que consiste en iluminar de azul los edificios emblemáticos de la ciudad, para visualizar y generar conciencia de esta condición.

Established in May 2008, Fundación HACE is a response to the need for greater awareness and understanding about the autistic spectrum and Asperger syndrome. Motivated to raise awareness of the stigmas and misdiagnoses that characterize this condition, the foundation seeks to provide guidance and training for families with autistic members as well as to create a support network for them. Blanca Arriaga, General Director of the foundation explains that one of HACE’s main tasks is to empower families. This goal inspired the “Fames” program, which began in September 2009 and has continued uninterrupted for 10 years. Since its launch, the foundation has held large-scale conferences featuring numerous experts and over 90 lectures including the participation of neurologists, medical therapists, psychiatrists and pedagogues, while at the same time working alongside the DIF Guadalajara and replicating the program in other states throughout Mexico. Another project championed by the foundation is “Labora,” which aims to promote the inclusion and independence of adults with autism by creating suitable workspaces through activities that are also environmentally friendly. To date, more than 5000 glass bottles have been reused and recycled, turning them into Labora products. Likewise, the foundation made an agreement with the Autism Speaks organization to take the “ilumina de azul” [illuminate in blue] program to Guadalajara. This program consists of illuminating the city’s most iconic buildings in blue to visually raise awareness of this condition. @fundacionhace @fundacion.hace www.fundacionhace.org

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With 12 years in operation and still going, a great team of medical specialist are available to meet the needs of families.


CECILIA ANDONAEGUI

ESPECIAL

ARTISTAS

PLÁSTICOS JUAN PIEDRA

LUCIANO R. PEREDO


SHUTA RUELAS

ISRAEL ZZEPDA

JOSÉ PARRA


ENTORNO Texto: Mayumy Salinas | Fotografía: Cortesía

Cecilia Andonaegui Arte, obra y sentimientos

Su técnica es figurativa, tendiendo a abstraer la figura humana, rica en texturas, de bello colorido y armonía.

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Recientemente, la artista comenzó a incursionar en una nueva forma de arte como lo es la escultura; un concepto por el cual se siente atraída, gracias al formato 3D en el que se crean este tipo de obras y lo que le brinda la oportunidad de plasmar la manera en la que una pieza cobra vida. “De eso se trata la escultura; un elemento inerte puede adquirir fuerza”.

Con una carrera profesional en Diseño de Modas en Jannette Klein y experiencia en pintura clásica y diversas técnicas, Andonaegui tuvo la oportunidad de experimentar y encontrar su propio estilo dentro de la industria del arte, a lo que ahora se dedica formalmente desde hace cinco años. “Desde pequeña el color, las formas y el arte estuvieron presentes”.

De una manera creativa y expresiva, construye su arte a partir de materiales tales como pintura acrílica y óleo, haciendo de su obra un trabajo mixto; y ahora, en su nueva faceta de arte como lo es la escultura, requiere de las propiedades del acero inoxidable. Gracias a una variedad de colores, texturas, formas y técnicas, logra cautivar al espectador con cada uno de sus trabajos, haciendo alusión a su concepto de arte que se basa en los sentimientos y emociones.

Su trabajo se inspira en artistas como Matisse, André Derain, Maurice Vlaminck, Edvard Munch, Gustave Klimt, Berthe Morisot, Renoir y ToulouseLautrec. Andonaegui define “arte” como la representación de los sentimientos y emociones que los artistas plasman, ya sea en la pintura, la escultura, la literatura, la música, la danza, la arquitectura y el cine. “Las representaciones del arte han ido cambiando a lo largo del tiempo, se han ido transformando al igual que la sociedad”.

La artista nos compartió cuán agradecida se encuentra con todas las personas que a lo largo de su carrera han creído en ella y su talento, ya que se han convertido en una gran plataforma para dar a conocer su obras. Así mismo, nos compartió que el pintar es una satisfacción constante y su taller se convierte en el escenario perfecto para crear su arte. “En mi taller plasmo lo que veo en las personas y la naturaleza, es el lugar más importante donde puedo dejar fluir la inspiración”.

asada en los movimientos culturales del postimpresionismo, expresionismo y el fauvismo, Cecilia Andonaegui es una artista originaria de la Ciudad de México que crea arte con el propósito de captar los sentimientos que el personaje manifiesta; además, busca que sus espectadores no necesiten una explicación para poder apreciar sus obras y éste mismo sea capaz de reconocer las emociones y sentimientos plasmados.

Cecilia Andonaegui Arte @andonaeguiarte www.andonaeguiarte.com

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ESPECIAL ARTISTAS PLÁSTICOS

“Yo pinto lo que siento, no lo que veo literal; observo mi propia conciencia y mis estados de ánimo”.

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ENTORNO Texto: Mayumy Salinas | Fotografía: Cortesía

Luciano R. Peredo Obra, expresión y muerte

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“El arte es un síntoma de que estamos o estuvimos vivos”.

nspirándose en la vida, la supervivencia y en lo que llamamos “animal”; Luciano R. Peredo es un artista nacido en Guadalajara ( Jalisco), él incursionó de manera formal en la industria del arte a partir de conocer al artista Roberto Hernández “El Tan”, quien después de ver su propuesta artística, le enseñó a trabajar con óleo, además lo invitó a participar en diversas exposiciones y concursos que lo llevaron a adentrarse en el medio de las artes visuales.

de ser o no evidente, pero que gracias a ésta es posible observarlo. Sus obras son principalmente creadas a partir de pintura al óleo y en menor medida hace uso de grafito, carbón, acuarela, medios digitales y, ocasionalmente, la escultura. “‘Arte’ es la manifestación de la subjetividad de lo que nos convierte en sujetos de nosotros mismos. Para mí no existe la vida sin el arte, porque es también la manera de vincular el momento personal con el exterior”.

Luciano R. disfruta de la libertad, puesto que el arte al tratarse de un medio con el que accedemos a los componentes subjetivos, le da mucho valor a las posibilidades que permiten el contacto con elementos no intervenidos o que tienen pocas limitantes de parte de las reglas físicas. “Considero que, al tratarse de un mundo personal, podemos lograr realidades alternas absolutamente propias”. El artista considera a nivel personal que el darle vida a cada una de sus obras es abordar problemáticas particulares con símbolos propios de él; es decir, su obra tiene una función de autoanálisis que trata de elementos profundamente propios, pero que a su vez son permeados por la realidad en la que se encuentra envuelto. Su obra es creada bajo la inspiración de la existencia misma, pues es lo que mueve la creación antes y durante la producción, además de la luz, la materia, la carne y la sangre. Luciano R. considera que el crear arte es trabajar con la subjetividad en el estado más puro posible, se trata de tomar elementos que nos constituyen y poderlos procesar, encontrando una serie de códigos, signos y símbolos con los que se abordan todo tipo de experiencias; es buscar darle espacio a la realidad personal. “Busco transmitir la experiencia vital a través de constantes referencias a la muerte, basándome en una permanente pulsión de vida como móvil del análisis y del entendimiento de lo que se oculta en la memoria y que nos hace actuar o no en distintas situaciones”. La presencia constante de animales como protagonistas de un cuento son un distintivo del trabajo del joven artista, su obra es una especie de bestiario donde la fauna, principalmente local, es la condensación de lo que habita en su historia personal, que pue-

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@lucianorperedo


ESPECIAL ARTISTAS PLÁSTICOS

“Intento hablar de mi percepción sobre la manera en la que buscamos respuestas y a la vez sobrevivimos tanto en lo real como en lo personal”.

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ENTORNO Texto: Mayumy Salinas | Fotografía: Cortesía

Juan Piedra De la idea a la creación

El artista recrea lo real, específicamente eso que toca los sentidos.

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“En las artes encuentro un lugar muy cómodo y fascinante que me lleva a ver las cosas con más claridad y también con más esperanza”.

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ontando con nueve exposiciones individuales, y más de 40 colectivas de las cuales destacan cuatro en España y una en Roma, Juan Piedra es un artista Jalisciense, quien descubrió las artes de manera formal durante el bachillerato, ya que fue aquí donde tuvo la oportunidad de conocer diversas disciplinas: la cerámica, el modelado en barro y la pintura. “Me di cuenta de que el arte podía ser un oficio y que había muchas personas que se dedicaban a esto”, declara. El artista cursó Artes Plásticas en la Casa de la Cultura Colomos, en donde se formó al lado de grandes maestros y tuvo como mentor a José Murguía; a la par de esto realizó la Licenciatura en Psicología y, después de unos años, se formó como Licenciado en Artes Visuales para la Expresión Plástica por la Universidad de Guadalajara (UdeG).

los que nos llevan a realizar una interpretación de lo que ocurre. Al procesar toda esa información uno genera pensamientos, razonamientos; y de ahí surgen ideas, cuestionamientos”. Juan Piedra ha desarrollado de manera natural temas que se concentran en los afectos humanos, sentimientos y emociones que pueden situarnos en el pasado, en la añoranza de aquello que ya no es, pero que indudablemente ha marcado la vida. “El arte va de una manifestación y concepción humana que busca comunicar estéticamente a través de distintos recursos. Quizá también sea aquello que nos define como humanos y, por supuesto, es un oficio y la posibilidad de crecer en todos los sentidos”.

Juan Piedra busca comunicar a través de sus obras, sensibilizar sobre aquello que considera importante acerca de un tema que puede ser social o simplemente personal. Crea su arte a través de recursos técnicos como el óleo, el acrílico y la acuarela, y de manera esporádica hace uso de materiales como la grana cochinilla, temple o piroxilina, por mencionar algunas.

Gracias a su gran potencial, su trabajo pictórico ha sido expuesto en diversas galerías tanto nacionales como internacionales, en las que se destacan: Museo Nacional del Tequila, Museo Casa López Portillo, Museo PALCCO, Galería Juan Soriano de SCJ, el Museo del Bicentenario en Dolores Hidalgo, San Luis Potosí, Coahuila, Chiapas y Ciudad de México; así como en la Galería IL Laboratorio en Roma, ARTERIA en la ciudad de Monzón (España), y en el Primer Salón Ítaca Internacional en Barcelona.

Acerca de las artes, el artista las conceptualiza como subjetividad pura, ya que considera que quienes se dedican al arte, lo hacen a través de una interpretación propia de lo que viven como realidad. “En el entorno encontramos muchos estímu-

@juanpiedraarte @juanpiedrag

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ENTORNO Texto: Mayumy Salinas | Fotografía: Cortesía

Shuta Ruelas Naturaleza, pasión y diálogo

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Su pintura se deriva de una experiencia concreta, un momento o alguna situación de interés.

aracterizando su trabajo en la representación naturalista de la forma, Ma. de Jesús Ruelas Ramírez “Shuta Ruelas”, es una artista originaria de Jalisco, que crea cada una de sus obras a través de una búsqueda constante que le permita encontrar nuevas ideas, pensamientos, medios y diálogos, donde el resultado será siempre distinto. “Busco crear un diálogo, no de convencer a nadie porque el arte no se trata de eso, sino simplemente está ahí, nos impone su realidad”. Desde muy temprana edad, Shuta Ruelas tuvo una inclinación en las artes plásticas; como el dibujo, la pintura y la escultura, lo que la llevó a estudiar Artes Visuales Para la Expresión Plástica en la Universidad de Guadalajara (UdeG). Gracias a su talento dentro del mundo de las artes, la artista cuenta con más de 25 selecciones en Bienales Nacionales y diversas Menciones Honorificas entre las que destacan: El encuentro Nacional de Arte Joven 2018, 2019 y 2020, en Aguascalientes; selección en la XII Bienal Joaquín Clausell, Campeche 2017; en la Bienal Nacional de Pintura Julio Castillo, Querétaro 2020; por contar algunas.

El trabajo de esta prometedora artista se ve inspirado por la naturaleza y los paisajes, temas recurrentes en su obra; esto surge a partir de los recuerdos que refleja en su pintura. Su arte parte de la realidad pero también de la transformación: usa líneas y formas yuxtapuestas que se convierten en caracteres de un lenguaje simbólico que van modificando la forma natural del espacio. Gracias a su talento y visión artística, actualmente la obra de Shuta Ruelas pertenece a distinguidas colecciones: Colección Permanente The National Museum of Mexican Art in Chicago, Colección Becarios del CECA, Acervo Cabañas, Colección Fundación Black Coffe Gallery, Colección MINART (Museo Internacional de Arte), Colección UNAM Chicago, Colección Rodín S.A. de C.V., por mencionar algunas.

Se encuentra influenciada por la representación naturalista de las formas, desde la representación de la naturaleza y una serie de ideas sobre la relación de nosotros con ésta y los procesos que intervienen en su transformación, como la tecnología y aspectos relacionados con la sociedad: la política, la cultura y la violencia. El arte de Ruelas es creado bajo distintas áreas artísticas, como lo son la pintura, el dibujo y la fotografía. Su técnica se basa en la exploración de diversos materiales como medio, soporte, o herramienta; esto como parte de una búsqueda personal del lenguaje pictórico. Asimismo, crea su arte con materiales variados: óleo, acrílico, pintura en esmalte, carboncillo y tinta china; según lo requiera la obra. “El proceso de crear arte es lo que más disfruto”, nos dice.

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@ruelasshuta


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“El arte es un medio de expresión que nos sensibiliza como humanidad; podemos percibirlo, sentirlo, distinguirlo e incluso puede salvarnos”.

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ENTORNO Texto: Mayumy Salinas | Fotografía: Cortesía

Israel Zzepda @israelzzepda

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Israel Zzepda Espíritu artístico

“Arte” es materializar visualmente, con la capacidad técnica y creativa, el universo del espíritu.

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srael Zzepda es un artista plástico jalisciense que desde temprana edad, y de manera autodidacta, tuvo sus inicios en el mundo del arte a través del dibujo, lo que más tarde lo llevaría a ingresar al taller de pintura del maestro Pedro Eufraca, para finalmente obtener sus estudios profesionales en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Guadalajara . Es a partir de técnicas tales como el acrílico y el óleo que el artista crea su arte, disfrutando del poder de hacer visible lo que no existe y poder comunicar con ello algo que inspire y motive a quien se identifica con la obra. “Busco transmitir el poder de encontrar, cada quien dentro de sí, lo que existe más allá de lo concebido racionalmente como realidad”. Las temáticas libres que procuran el alma e intelecto humano antes que la mera decoración, así como una técnica depurada, es como Israel Zzepda ve caracterizado su trabajo; la creatividad y apertura del artista para realizar sus obras provienen de su inspiración, basada en todo cuanto reflexiona al interior, de todo cuanto ve, experimenta, disfruta y descubre con cada uno de sus sentidos. A lo largo de su carrera como artista, Zzepda ha sido merecedor de diversos reconocimientos y premiaciones: en el año 2020 fue nominado al premio Queen Victoria Commemorative Medal; en 2019 ganó el tercer lugar en la XIII Bienal de Pintura Joaquín Clausell, Campeche; en 2018 fue galardonado con el Worlwide Quality Award XXI Century, Ciudad de México; en 2017 recibió la Ciudadanía Honoraria por Mérito Artístico, Solarussa, Italia; por mencionar algunas. Asimismo, ha participado en importantes exposiciones tanto individuales como colectivas, en las que podemos destacar: 2020 Colectivo Internacional Barcelona, Centro Cultural Montjuic; 2019 Miami River Art Fair; 2019 Feria Internacional de Arte Latinoamericano, México; 2018 Jorge Méndez Gallery, Estados Unidos; 2009 Diálogos Internos; Amrros Gallery, Rusia; además, desde el año 2004, expone permanentemente en Galería Dante de Puerto Vallarta.

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Acerca de su trabajo artístico, otros expertos en la crítica del arte han dicho: “En la obra de Israel Zzepda se percibe una dinámica de varios rastros, orígenes e influencias, conformadas por imágenes metafóricas que se funden y traslapan impetuosamente como un acto incesante de la perfección (…) Diestro en dibujo, concepto y técnica, Zzepda varía su propuesta figurativa en las rutas del encuentro ontológico. Su obra destaca un vasto y creativo imaginario, así como contenidos simbólicos de la cultura humana que procura la confronta reflexión”.

“El arte es todo aquello que puede ser creado desde la honestidad del espíritu y alimentar con ello el espíritu de los demás”.

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ENTORNO Texto: Mayumy Salinas | Fotografía: Danniel Carrillo (retrato) / Miguel Gómez Curiel (obra)

José Parra Creación, pintura y legado

La pintura abre un diálogo continuo con su propio pasado, pero también con su presente.

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osé Parra es un artista jalisciense. Desde temprana edad se vio influenciado en el mundo del arte gracias a su padre (Parrech), quien es pintor y por casi tres décadas se dedicó a la producción de arte sacro virreinal, actividad que sigue en el legado familiar por su tío Agustín Parra; lo que marcó la búsqueda estilística propia del artista. “En el taller de mi padre se reproducían tanto obras de los grandes maestros de la pintura como piezas nuevas, sobre todo un tipo de pintura que se solía llamar ‘Alacena’”.

El trabajo artístico de José Parra se caracteriza gracias a las atmósferas cálidas, el uso de veladuras, la riqueza de accesorios en los personajes, así como vehículos y artefactos inspirados en un ejercicio de imaginación en la que la tecnología habría avanzado en una dirección distinta a partir del siglo XVIII, generando de esta manera entornos atemporales en los que se desarrollan escenas epicuristas que crean sutiles puentes con nuestra contemporaneidad.

La carrera del artista tuvo sus inicios formalmente en Antiguos de Parrech, donde con el tiempo empezó a jugar con elementos que ya comenzaba a conocer mejor, creando entornos surrealistas a partir de la talavera, fruta y demás elementos propios de las alacenas; fue así que después de ganar un premio en Jalisco Arte Joven, pudo llevar a cabo su primer exhibición individual titulada ‘¿Qué pasa con la fruta mientras duermes?’ en el centro cultural Chapalita y, posteriormente, en Ajijic. Fue en Puerto Vallarta donde comenzó a laborar con Galería Pacífico, y después en el Centro Cultural Pueblo Real, en donde le fue posible montar un taller de pintura abierto al público. Posteriormente, José Parra tuvo la gran oportunidad de estudiar en el Art Students League, en la ciudad de Nueva York, donde conocería a Neil Zukerman de la Galería CFM, a quien el artista considera un gran mentor en el arte y su inspiración; para, años después, llevar a cabo las Marquesadas en Guadadalajara −fiestas en trajes de época− los últimos sábados de octubre. Acerca de su concepto de arte, José Parra nos comparte que todo comienza con un detonante, un eureka, un Big Bang, después todo se va asentando: las ideas van tomando forma y en ocasiones colisionan creando nuevas, mientras que otras desaparecen. “Resulta sumamente complicado tratar de definir algo tan subjetivo y aparentemente cambiante en cuanto a sus valores. Consciente de toda futura posibilidad, en éstos momentos creo que ‘arte’ es la creación humana que a través de la destreza, sensibilidad e inteligencia, tiene como objetivo principal, más no único, la experiencia estética”.

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@estudiojoseparra


ESPECIAL ARTISTAS PLÁSTICOS

“Una pintura es una oportunidad de comunicar, es finalmente un lenguaje y, como tal, puede albergar narrativa, filosofía, poesía o simplemente la musicalidad del color y su composición; el goce del medio por el medio”.

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E n e l p a s a d o m es d e n o v i e m b r e, H a m i l to n l o g r ó imponerse en el Gran Premio de Tu r q u í a ; l o g r a n d o m a te m á t i c a m e n te conseguir su séptimo título de Fórmula 1.

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TENDENCIAS

LEWIS P O R TA D A • M O D A • A U T O S • C A P R I C H O S • G A D G E T S

TEMPLE DE HIERRO A s t u c i a y d e st r eza , e s a s s o n a l g u n a s d e l a s c a r a c te r í s t i c a s d e e s ta l e y e n d a v i v i e n te d e l a s p i s ta s . Redacción MAXWELL | Fotografía: Cortesía Tommy Hilfiger

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tevenage es el nombre de la pequeña ciudad ubicada al norte de Inglaterra que vio nacer a la leyenda del automovilismo Lewis Hamilton el 7 de enero de 1985. Pero sin duda, Hamilton volvió a nacer el día que ingresó a la Fórmula 1, en 2012 con la escudería McLaren, inicialmente. Posee siete títulos mundiales en la afamada competencia (al igual que el alemán Michael Schumacher), pero ha sido también fuera de las pistas donde ha conseguido grandes hazañas. Entre otras cosas, se interesa por el diseño de ropa, por defender la lucha contra el racismo, la ecología, lleva una dieta vegana, canta, compone y sabe tocar el piano. Lewis Hamilton es un líder inefable de nuestra era, un hombre de récords. Para comprobar lo anterior, basta con hacer mención de sus logros más recientes. El piloto británico destronó, no hace mucho, a Schumacher; estableciendo nuevos récords de número de podios (163) y de carreras de F1 ganadas (94). Es un hombre del que dicen: “Parece todo excepto piloto de carreras”. Suele llamar la atención con sus vistosas joyas y sus tatuajes. Fue el padre de Lewis quien lo inició en el mundo automotor; para ser más precisos, en el karting, adentrándose a las competencias en 1993. Siempre tuvo el apoyo de su padre, quien lo condicionó a practicar este deporte siempre y cuando siguiera con sus estudios. Aunque a principios de 2010, una disputa entre ambos provocó que su papá dejara de ser su manager a petición del deportista. Durante su adolescencia, Hamilton fue descubierto por McLaren y lo lanzaron a F1 en 2007, siendo subcampeón ese año y conquistando un año después, a los 23 de edad, su primer título mundial. Con lo anterior, se volvió el piloto más joven en lograr un título de Fórmula 1; en la actualidad, esa distinción la tiene Sebastian Vettel, quien lo consiguió en 2010. A partir de 2013, el británico se unió a las filas de Mercedes. Desde entonces, ha conseguido victorias prácticamente de manera consecutiva: 2014, 2015, 2017, 2018, 2019 y 2020; a excepción de 2016, año que lo ganó Nico Rosberg, su compañero en Mercedes.

MÁS ALLÁ DE LAS PISTAS Lo cierto es que en los circuitos lo ha conseguido todo; quizá por eso, fuera de ellos, ha sobresalido al abatir otros retos. Desde 2018 colabora con Tommy Hilfiger, una alianza que ha afianzado su gusto por la moda y su espíritu creativo. La de este año, es la quinta colección que el deportista ha lanzado de la mano del titán norteamericano de la moda; en cada uno de los diseños ha quedado de manifiesto su interés por rebasar límites y capturar su estilo personal. Con la intención de arriesgarse e ir a la vanguardia, la colección TommyXLewis explora una idea de género a la que pocos están acostumbrados. Todos los diseños se hicieron sin pensar en cuerpos masculinos o femeninos, lo cual pretender impulsar el statement de que cada quien se exprese como prefiera. Con todo lo que rodea a los afamados pilotos como Lewis Hamilton, es que Fórmula 1 sigue acrecentando su audiencia. Él en especial ha causado cuestionamientos y críticas por su forma de vida, su gusto por la moda, su activismo y por dedicarse también a la música; en 2018 hizo una colaboración con Christina Aguilera, apareciendo de manera secreta con su voz en la canción ‘Pipe’; sin embargo, hasta este año reveló que se trataba de él. Pero todos esos cuestionamientos y críticas se resumen a ideas prejuiciosas que lo pretenden opacar. Lewis Hamilton es un hombre que no se mantiene quieto, cumple con las características de un líder moderno que no repara en hacer lo que le plazca.

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“Nuestra nueva colección #TommyXLewis encarna todo lo que representamos, desde la auténtica autoexpresión hasta la inclusión y la sostenibilidad”.



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PORTADA - ON THE COVER

In collaboration with Tommy Hilfiger, the new Lewis Hamilton collection conveys his distinctive aesthetic: a daring offering of casual wear with an urban twist. Stevenage is the name of the small town in the north of England that gave birth to motorsport legend, Lewis Hamilton on January 7, 1985. However, there is no doubt that the day Hamilton entered Formula 1, initially with the McLaren team, in 2012 marked the day of his rebirth. Though he holds seven world titles in the famed competition (as does German racing driver, Michael Schumacher), he has achieved great feats off the tracks too. Among other pursuits, he is interested in clothing design, fighting racism and ecology, while he follows a vegan diet, sings and composes, and knows how to play the piano. Lewis Hamilton is an ineffable leader of our age, a record breaker. His most recent achievements are enough to prove his record-breaker status. Not so long ago, the British driver took the throne from Schumacher, setting new records for number of podium finishes (163) and F1 wins (94). People say, “he doesn’t look anything like a racing driver,” as he draws attention for his glitzy jewelry and tattoos.

En colaboración con Tommy Hilfiger, la nueva colección de Lewis Hamilton transmite su estética distintiva; una atrevida serie de prendas de ropa informal con un toque urbano.

It was Hamilton’s father who set him on his path in the world of motorsports; to be more precise, he entered competitions in karting in 1993. He always had the support of his father, who allowed him to practice the sport as long as he continued with his studies. Nevertheless, in early 2010, a dispute between the two caused Hamilton’s father to stop being his manager at the request of the sportsman. During his adolescence, Hamilton was discovered by McLaren who launched him into F1 in 2007 when he came in runner-up. A year later, he won his first world title at just 23 years of age, which made him the youngest driver to win a Formula 1 title. Today, that record is held by Sebastian Vettel, who won the title in 2010. In 2013, the Briton joined the ranks of Mercedes. Since then, he has achieved victories almost consecutively: 2014, 2015, 2017, 2018, 2019 and 2020; with the exception of 2016, the year Nico Rosberg, his teammate at Mercedes, won it.

BEYOND THE CIRCUITS The truth is that on the racetrack he has achieved everything; perhaps that is why he has also excelled in meeting the challenges he sets himself off the circuits. Since 2018, he has been collaborating with Tommy Hilfiger, an alliance that has strengthened his taste for fashion and his creative spirit. This year sees the sportsman’s fifth collection to be launched by the North American fashion titan. His interest in exceeding limits and capturing his personal style is clear in each of his designs. With the intention of taking risks and moving towards the avant-garde, the TommyXLewis collection explores an idea of gender few are accustomed to. All the designs were made without thinking about male or female bodies, which is intended to promote the statement that everyone expresses themselves as they prefer. With all that surrounds famous drivers like Lewis Hamilton, Formula 1’s audience base continues to grow. In particular, he has attracted questions about and criticism of his way of life, his taste for fashion, his activism and for dedicating himself to music. In 2018, he made a collaboration with Christina Aguilera, with his voice secretly featuring in the song ‘Pipe’; though, only this year did he reveal it was him. However, all the questions and criticism are prejudicial ideas that attempt to overshadow who he is. Lewis Hamilton is a man who does not stand still; he has all the characteristics of a modern leader who doesn’t refrain from doing exactly what he pleases

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MY DEAR

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MODA

TORY BURCH Y EL REGRESO A SUS ORÍGENES. Redacción MAXWELL (con información de la marca) | Fotografía: Cortesía

Para su colección primavera-verano 2021, la diseñadora norteamericana se inspiró en aquello que conformó su entorno cuando era niña: retomó la estética de su escuela primaria Quaker, las comunidades holandesas de condados cercanos y la granja de su familia en Valley Forge. Todas esas texturas y materiales fueron plasmados en la colección; piezas simples y creativas con siluetas relajadas para las mujeres que se mueven en un mundo de vibrantes cambios culturales. Predominan los colores neutros, marfiles y tonos tierra, así como acentos en verde, azul y amarillo suave. Asimismo, podemos ver texturas y detalles inspirados en la Pennsylvania rural, tales como los flecos, el macramé, el encaje y la filigrana, ésta última presente en blusas de cuellos removibles y algunos accesorios.


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TENDENCIAS • ANA SWEET Texto: Ana Sweet | Fotografía: Especiales.

¿Qué quieres ser?

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Construye tu legado

s muy común enfocarnos en lo que queremos tener, lo que queremos cambiar en otros y en nuestras circunstancias, pero todo eso parte de un principio. Ese principio es lo que eres tú. Me he puesto a pensar en esta pregunta: ¿qué queremos ser? Me gustaría animarte a que lo meditemos; no me refiero a ser doctor, ingeniero o mecánico, me refiero a ser una solución y no un problema, un puente en lugar de un muro, una puerta en lugar de una pared. Te invito a que no compliques la pregunta buscando cómo alcanzar el mundo entero. Te animo a que empieces con la influencia que ya tienes hoy en tu hogar, tu empleo, tus relaciones. ¿Te has puesto a analizar el efecto de tu presencia? Tu presencia es la mayor inversión que puedes hacer. Es muy importante analizar sus efectos. Un papá es muy necesario en casa, su presencia es irreemplazable, pero sus efectos no siempre son positivos porque no anticipa su impacto. Ser papá no es suficiente, debe estudiar los efectos que quiere producir en su ambiente. Debe ser un papá que remueva temores, infunda aliento, magnifique virtudes, cree momentos de alegría. ¿Qué quieres ser? Pues ya soy papá, pero ¿qué produce lo que eres en otros?

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Una mujer puede decir que quiere ser esposa; muy bien, entonces estudiemos los efectos de su presencia: una esposa puede causar un infierno o traer el cielo a la tierra. Ella debe analizar qué produce su presencia en la vida de su esposo, sería hermoso que ella incremente su autoestima con sus palabras, lo satisfaga con sus caricias y prepare un ambiente de paz a su alrededor. Eso no sucede sólo por “ser”, sino por anticipar los efectos de su presencia y construir basándose a lo que quiere producir en otros. Estudia los sentimientos que produces, ese es tu producto de vida; estudia el efecto de tus palabras y tú presencia, ese es tu fruto; estudia cómo serás recordado, ese es tu impacto; estudia el semblante en los que amas, y eso que reflejan eres tú. Te animo a que construyas bien.

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TENDENCIAS Por: Emmanuelle Elías (IG: @emmanuelle_elias) | Fotografía: Especiales

FERRARI SF90 SPIDER

Acelera de 0 a 100 km/h en sólo 2.5 segundos.

Toda la emoción y velocidad que deseas.

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eamos directos, tiene mil caballos de fuerza y una aceleración de 0 a 100 km/h en sólo 2.5 segundos, sin omitir que alcanza una velocidad máxima de 340 km/h; pero eso, por difícil que parezca, no es lo más divertido y emocionante que acaba de arrojar Ferrari al mundo, también es lo más bello –sobre cuatro neumáticos– que pueden ver nuestros ojos rodar en el asfalto. La marca italiana del Cavallino Rampante acaba de presentar su nuevo superdeportivo, el Ferrari SF90 Spider, el primer automóvil híbrido con techo rígido

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plegable de la marca de Maranello. Este bólido es la evolución del SF90 Stradale, pero le tumbaron el techo y lo volvieron más hermoso; no sólo son sus líneas que recorren la carrocería lo que enamora, sino desde luego, también el interior. Y eso es lo que realmente fascina de este espectacular deportivo. Además, pesa 1,670 kilos y lo mueve un motor turbo V8 que desarrolla 780 HP que, combinado con tres motores eléctricos (uno delantero y dos en el eje trasero), logra los asombrosos mil caballos que lo catapultan al pisar el acelerador.

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AUTOS

A pesar de tener varios controles, el volante eManettino se caracteriza por su diseño exquisito y sutil que hace jugo con el interior.

Con caja de cambios automática secuencial de 8 velocidades y los modos eDrive, Hybrid, Performance y Quality, obtienes toda la emoción que te puede ofrecer este Ferrari. Sin olvidar el nuevo eSSC (control electrónico de deslizamiento lateral) que se encarga de distribuir la fuerza de los motores eléctricos a las ruedas para obtener la tracción óptima para su conducción. Asimismo, los ingenieros de este superdeportivo sabían que el corazón del auto es algo que todo mundo quiere admirar, por lo cual conservaron el cristal que cubre el motor de combustión para que, así como a una obra de arte, lo puedas contemplar cuando estés cerca de él.

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El techo rígido retráctil que se abre o cierra en tan sólo 14 segundos; incluso con el auto en movimiento, se acopla al cerrarse de una manera casi imperceptible a la carrocería y cubre un interior exquisito y minimalista. Su volante eManettino, a pesar de estar lleno de controles, no parece volante de Fórmula 1 y se integra de una manera elegante y a juego con el interior. Finalmente, si quieres ser uno de los envidiados dueños de una de estas piezas artísticas, deberás desembolsar 473 mil euros y tener un poco de paciencia, pues los modelos comenzarán a producirse en el año 2021.

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TENDENCIAS · CAPRICHOS EXCLUSIVOS Por: Liliana Núñez | Fotografía: Cortesía

PATER NOSTER

Confín de lujo exquisito y fascinantes anécdotas.

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os seres humanos compartimos una atracción natural por el agua; tal vez, esa es la razón de que las playas se posicionen entre los destinos favoritos de los turistas. Si lo que buscas es aislarte del mundo, el faro Pater Noster es para ti; se ubica en la pequeña y remota isla Hamneskär, en la costa oeste de Suecia. Las tempestuosas aguas que rodean la isla han sido temidas durante siglos, y los marineros solían leer el ‘Padre Nuestro’ (‘Pater Noster’ en latín) cuando sus barcos se acercaban a los peligrosos arrecifes del lugar. El faro fue construido en 1868 y recibió el nombre de Pater Noster como tributo a las oraciones de los mari-

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neros. Allí se edificó una casa para el farero, su familia y el personal. Durante casi 110 años, generaciones de fareros convivieron con sus familias en este entorno extremo, cuidando el faro, rescatando a los náufragos y creando una pequeña y aislada sociedad. Pater Noster fue reinventado y convertido en un maravilloso hotel boutique gracias a un equipo visionario de empresarios, hoteleros, restauradores, diseñadores, marineros profesionales suecos y al galardonado estudio de diseño Stylt. Cuenta con nueve habitaciones. Al hospedarte en el hotel, podrás disfrutar de un restaurante que sirve mariscos frescos, un bar y un café al aire libre que ofrece pasteles y pan recién horneados.

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TENDENCIAS · CAPRICHOS EXCLUSIVOS Por: Liliana Núñez | Fotografía: Cortesía

Los interiores, de inspiración marina, cuentan con paredes y techos con paneles de madera y muebles rústicos que rinden homenaje a la fascinante historia del hotel. Se utilizaron papel tapiz personalizado e impresiones artísticas en toda la propiedad. Para acceder a la isla tendrás que tomar una embarcación semirrígida o un helicóptero desde la isla de Marstrand o Gotemburgo. Con tarifas a partir de los 560 dólares por noche, Pater Noster ofrece a sus huéspedes experiencias genuinas con un fuerte patrimonio cultural, como la pesca en alta mar, escribir una novela, navegar, clases de cocina sueca, kayak, buceo o meditación en el mismo faro legendario.

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Lo que encuentras en un faro Casi todas las historias generales de los faros comienzan con Alejandría o antes, desde las almenas de los celtas, pasando por la Torre de Hércules y los primeros faros medievales en Francia, Inglaterra, Italia, España y China. Los mayas construían monumentos que iluminaban por dentro para señalar dónde era riesgoso o posible desembarcar. Los celtas encendían fogatas para enviar mensajes a lo largo de la costa. Por todo lo anterior, visitar un faro es garantía de descubrir fascinantes leyendas de siglos pasados. Pater Noster no es la excepción, serás testigo de la Historia.

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TENDENCIAS · GADGETS Por: Emmanuelle Elías (IG: @emmanuelle_elias) | Fotografía: Especiales

Macbook Pro 2020

TECNOLOGÍA SIN LÍMITES Soluciones para la vida.

Tras años de colaboración con Intel, Apple decidió fabricar sus propios procesadores, optimizando sus equipos, ya que su fabricación será completamente a la medida, con una mejoría en la duración de la batería y buscando la excelencia en el procesamiento. La nueva Macbook Pro cuenta con el nuevo chip M1; velocidad y rendimiento serán simplemente impresionantes. El precio inicial es de $34,499.

Pictar Work-From-Home Kit Después de pasar meses haciendo video conferencias, sabes lo importante que es tener una buena iluminación y un buen ángulo. Con este kit conseguirás videos con un look profesional por solo 140 dólares. Consta de una lente gran angular de 18mm, una lámpara LED ajustable en la temperatura de la luz, y un práctico y funcional trípode Splat 3N1 con cinco patas flexibles recubiertas de silicona.

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HOME

INTERIORISMO • ARQUITECTURA

Nombre oficial: BE29 Cliente: Gallery 19C Diseño: Arshia Architects Dirección de Proyecto: William Hallisky Dirección de Diseño: Arshia Mahmoodi AIA Equipo de Diseño: Stefan Von Hallberg, Fang Cui Ingeniería Estructural: Bold Engineer & Associates, Inc / Jun Tae Park Iluminación: Beleza Lighting Design / Le Nguyen Ubicación: Beverly Hills, California, EEUU arshia.net

BE29: GALERÍA 19C

Santuario moderno del arte, una yuxtaposición de estilos e inspiraciones. Texto: José Miguel Pazzi | Fotografía: Monika Sedziute


HOME Texto: José Miguel Pazzi | Fotografía: Monika Sedziute

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l apelativo 19C para esta galería de renombre internacional anuncia que su vocación se centra exclusivamente en obras del siglo XIX, exaltando el vasto carácter de uno de los centenarios más diversos de la historia del arte. Sus fundadores, Eric Weider y Polly Sartori, representan una combinación inusual de experiencia y pasión por la escena artística de dicha época. Juntos aportan una increíble profundidad de conocimiento y dedicación en la gestión de la galería, ubicada en Beverly Hills, California, persuadiendo con clara elocuencia a los apasionados coleccionistas a través de un discurso que honra la calidad, variedad y diversidad de las obras del siglo XIX.

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Junto a ellos se dio una magnífica complicidad con la firma Arshia Architects, concibiendo la representación de una sección transversal de la historia al frente del arte como medio pictórico, para denominar también al espacio bajo el código interno BE29. Alineando el proyecto bajo una evidente noción de cambio de paradigma y la perfecta mixtura entre lo clásico y lo moderno, el concepto de la galería se materializó con el interés de crear un fondo para amplificar la presencia y apariencia de la obra de arte histórica. Con ello, el diseño de la galería es una composición equilibrada de tres ambientes: el artefacto histórico (pinturas), el caparazón contemporáneo (edificio existente) y el manto futuro (nuevas mejoras).

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INTERIORISMO

La galería, a cargo de la firma angelina Arshia Architects, resultó ganadora del XXVIII Concurso Anual de Diseño Will Ching que celebra la originalidad y excelencia en el diseño comercial.

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Con ello se remarca una época que no estuvo atada por el advenimiento de los nuevos medios, entre ellos el cine y la televisión, presentando a los espectadores viajes en tiempos y espacios posibles. De la misma manera en que los movimientos impresionistas y expresionistas marcaron un alejamiento radical de las técnicas realistas, este espacio evoca a su vez una originalidad con el realismo social como eje rector. Al tiempo que llama la atención sobre el arte, la Galería 19C perdura creando una estética austera y mínima al ofrecer un entorno materialmente incorpóreo.

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HOME · ARQUITECTURA Texto: José Miguel Pazzi | Fotografía: Raphaël Thibodeau

Blackwood Studio Apetecible entorno creativo

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lackwood Studio es resultado de una historia que inició hace varios años con el encuentro de Steven Spazuk, artista visual cuyo género emerge del fuego, y los creativos de la firma arquitectónica Atelier BOOM-TOWN. Spazuk deseaba liberarse de las limitaciones de espacio de su estrecho estudio instalado en el ático de su casa en Léry, a orillas del lago Saint-Louis, en Montreal. Bajo esta idea, la firma diseñó una primera versión del proyecto, instalado en el patio trasero de la residencia del artista, decisión tomada a partir de la prohibición municipal de construir “estudios artísticos” en edificios accesorios. Una vez allí, las limitaciones del sitio pronto hicieron que los costos subieran en espiral, lo que obligó a la búsqueda

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de un nuevo sitio que involucrara casa y un estudio. El destino sería Blackwood Street, una inmensa zona boscosa en los límites de la frontera con Estados Unidos que encantó a primer contacto al artista. Esta vez, la oportunidad de hacer realidad el proyecto con el que Steven soñó adicionaba componentes estructurales de la casa directo al estudio. El presupuesto seguía siendo modesto, la forma simple, pero el contexto permitió la creación de un espacio bien integrado tanto con los edificios existentes como con el entorno natural. El lugar está esencialmente dedicado a la creación y disposición de un área de oficinas, donde predomina el acento acristalado del espacio que permite una conexión íntima con el magnífico exterior, así como los contrastes entre el blanco y el negro que anegan el lugar.

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HOME · ARQUITECTURA Texto: José Miguel Pazzi | Fotografía: Raphaël Thibodeau

La premisa misma del proyecto derivó en una bella infrecuencia: un artista visual que pinta con fuego compra una casa en Blackwood Street y construye su estudio ataviado de madera quemada.

La posición de las aberturas se diseñó para permitir que la luz natural ilumine juiciosamente el estudio y que el artista se relacione con la naturaleza. Dado que el fuego marca el pulso del método de trabajo de Steven Spazuk, se requirió un revestimiento de madera quemada para cubrir el volumen principal de su taller. Finalmente, una larga claraboya blanca corta una rendija, como un lazo de flecha, en la fachada suroeste, captando con absoluta cadencia y moderación el sol que le visita por la tarde.

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Diseño: Arquitectura: Atelier BOOM-TOWN Artista Propietario: Steven Spazuk Revestimiento: Arbres & Bois Ubicación: Montreal, Canadá boom-town.ca spazuk.com


BUENVIVIR LEJANÍAS • CERCANÍAS • VINOS • GOURMET

Banff, Canadá Un respiro de tranquilidad y paisajes majestuosos. Texto y fotografía: Gerardo Fabre “El Biut” (IG: @lebiutiful)


BUENVIVIR Texto y fotografía: Gerardo Fabre “El Biut” (IG: @lebiutiful)

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continuación, conocerás uno de los destinos más maravillosos y atractivos de Canadá, nos referimos al Parque Nacional Banff, ubicado en el estado de Alberta. Está situado entre las ciudades de Vancouver y Calgary. Es un destino que se debe recorrer en auto, por cuenta propia, sin presiones de tiempo por parte de algún tour. Calgary es la ciudad más cercana a Banff y a la cual puedes llegar en avión. Este parque nacional es el más antiguo de Canadá, situado entre montañas rocosas, lagos multicolor, glaciares, ríos, cascadas y pueblos pintorescos. Cualquier época del año es formidable para visitar este lugar al oeste de Canadá, durante el verano puedes practicar senderismo, incluyendo las orillas de los lagos. Durante el nevado invierno, algunos lugares permanecen cerrados para evitar accidentes, pero lo que sí es seguro es que podrás practicar patinaje en los lagos congelados. Durante la primavera y el otoño puedes llegar a encontrarte un poco de todo en cuestión de clima; desde días soleados, algunos lluviosos e incluso tormentas invernales repentinas y prematuras.

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LEJANÍAS

Al menos quédate tres días para que disfrutes con tiempo los lugares más bonitos de Banff y su parque nacional. El pueblo de Banff es el pueblito más grande y popular de la región; allí podrás pernoctar y es el punto de partida ideal para visitar los lugares más maravillosos del parque. En Banff hay una gran variedad de restaurantes, tiendas de productos para esquiar, souvenirs, chocolates y las famosas palomitas de sabores. A unos cuantos metros del Centro se encuentra la estación de góndolas para subir a la montaña Sulphur, con vistas al pueblo, montañas y lagos. Si tu itinerario lo permite, visita las Cascadas del Bow, ubicadas en el río que lleva el mismo nombre. Otro atractivo turístico son las peculiares formaciones rocosas (hoodoos), donde puedes hacer recorridos a pie. Pero sin duda uno de los lugares más visitados en el Parque Nacional de Banff es el Lago Louise, cualquier época del año es espectacular; durante el verano, puedes pasear en kayak y en invierno patinar sobre el hielo congelado. Allí se encuentra uno de los hoteles más famosos de Canadá, el Fairmont Château. Si tienes tiempo de más, te recomiendo hacer una caminata hasta llegar a lo alto de la montaña, con vistas hacia el lago y el glaciar. Por otro lado, el Cañón Johnston es un atractivo más del parque, podrás hacer caminata hacia las cascadas; aunque se trata de un camino sinuoso, toma tus precauciones. Si dispones de más días, te recomiendo visitar los parques nacionales de Jasper y Yoho, que se encuentran relativamente cerca de Banff, en otra ocasión te platicaré acerca de estos lugares de ensueño en el oeste canadiense. Sí o sí deberías incluir en tu bucket list este destino de paisajes que te quitan el aliento, una experiencia inolvidable que te hará llevarte a Banff en el corazón.

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BUENVIVIR Por: Fernanda Rodríguez (@ferrodriguezcal) | Fotografía: Cortesía.

Riviera Nayarit

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Reconecta con tus sentidos

espués de los retos que hemos enfrentado este año, todos necesitamos hacer una pausa, tomar un descanso y escapar a un lugar en el que reconectemos con sensaciones vitales y con nosotros mismos. La Riviera Nayarit está lista para ser ese oasis. La magia de este destino radica en la positividad de sus rincones, en los colores que supone la combinación de sus playas y calles, y en una atmósfera bohemia y fresca que te hace sentir libre. Compuesta por varias localidades, Riviera Nayarit ofrece una interminable lista de actividades, restaurantes y hoteles, listos para brindarte una experiencia de conexión total con los sentidos.

ble, tu primera parada debe ser en el restaurante del Hotel Cielo Rojo, en el pequeño pueblo de San Pancho; un espacio dedicado a compartir un estilo de vida natural, local y ecológico. Sus desayunos son una constante combinación de ingredientes de la región, sanos y sustentables. Pero, si quieres platillos tradicionales con un twist, el restaurante Las Palmas ubicado a la orilla del mar y a cargo del chef Sergio Romo, ofrece como especialidad deliciosos aguachiles con ingredientes como jamaica, tamarindo, coco y más combinaciones inesperadas que incorporan tradición e innovación.

PARA EL GUSTO

Si prefieres platillos tradicionales de la costa, en Sayulita –otro pueblo con mucho por ofrecer en materia gastronómica– encontrarás el restaurante Don Pedros, que además de estar a la orilla del mar, tiene una oferta de mariscos única.

Conectar con este sentido recae en probar los mejores sabores de la región. Si lo tuyo es la comida orgánica y saluda-

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CERCANÍAS

PARA EL OLFATO Sayulita Wine Shop comprende un espacio dedicado a la degustación y venta de más de 200 etiquetas de vino, 170 de ellas mexicanas. Con una selección sumamente cuidada a cargo del sommelier Isaías Gonzáles y del chef Calixto Gattás, en esta vinoteca boutique recibirás atención personalizada para catar nuevos vinos. Además, encontrarás variedad de tequilas y mezcales, pero también de otros productos menos conocidos como el sotol y la raicilla (un destilado típico de la región). De ésta última, no te quedes sin probar la de la marca Estancia, así como el destilado de pulque; asimismo, el mezcal cenizo Lágrimas de Dolores y el licor de agave Xila, los favoritos de la casa. PARA EL TACTO, LA VISTA Y EL OÍDO. Sobra decir que en Riviera Nayarit hay playas para todos los gustos. En Sayulita, encontrarás las adecuadas para aprender deportes acuáticos como surf y paddle board, ya que siendo uno de los destinos favoritos de los deportistas que los practican, existe una gran oferta de escuelas especializadas. Si prefieres pasar tardes tranquilas disfrutando de los mejores atardeceres, quédate en San Pancho, donde disfrutarás un ambiente más relajado. Y, si lo tuyo es la exclusividad, Punta Mita es el sitio perfecto, ya que alberga los hoteles más lujosos de la zona y cuenta con sitios muy reservados como Islas Marietas, uno de los secretos mejor guardados de la zona.

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BUENVIVIR · VINOS Texto y fotografía: Cortesía de la marca

Sutil Tonic

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Celebra a la vida con Mayorazgo Cristalino.

as fiestas en casa nunca terminan, por eso en esta ocasión te invitamos a celebrar cualquier motivo (el estar vivos, por ejemplo), con un cóctel (‘Sutil tonic’) ideado por Daniel Carrillo, brand ambassador del portafolio premium de La Madrileña; chef y bartender. Un drink fácil de preparar que resalta las notas herbales del agave. Para crearlo, qué mejor que emplear Mayorazgo Cristalino, la nueva etiqueta de Tequila Mayorazgo, la cual se une a su familia de los ya bien conocidos tequila plata y reposado. Tequila Mayorazgo Cristalino es un tequila 100% de agave azul de Los Altos ( Jalisco) con un elegante color cristalino, resultado de seis meses de reposo en barricas de roble blanco americano; y notas de agave, limón, vainilla y frutos secos. Un tequila ideal para tomar sólo o en coctelería.

INGREDIENTES 1 ½ oz de tequila Mayorazgo Cristalino. Top de agua quina. Limón amarillo. Granos de pimienta rosa. Una rama de tomillo fresco como garniture.

PREPARACIÓN Perfuma con un twist de limón amarillo un vaso old fashioned con hielo. Vierte una onza y media de tequila Mayorazgo Cristalino y revuelve hasta enfriar. Una vez frío, vierte un top de agua quina, añade granos de pimienta al gusto y decora con una rama de tomillo fresco como garnitura. Evita el exceso.

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UN CÓCTEL (‘SUTIL TONIC’) IDEADO POR DANIEL CARRILLO



BUENVIVIR · GOURMET Redacción MAXWELL (con información de SEST Baja California) | Fotografía: Cortesía

FAUNA

Los sabores que Ensenada tiene para ti.

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n pleno corazón del Valle de Guadalupe, existe un restaurante que te invita a descubrir la gastronomía de Baja California, una apuesta apasionante de los chefs David Castro Hussong y Maribel Aldaco Silva, que este 2020 cobró frutos tras dos años de esfuerzos desde su apertura. Ambos recibirán en diciembre el premio Miele One To Watch Award, que entrega Latin America’s 50 Best Restaurants a los mejores restaurantes emergentes. Latin America’s 50 Best Restaurants, uno de los rankings gastronómicos más importantes del continente, reconoce a David y Maribel por su proyecto de gastronomía de vanguardia; un concepto culinario dentro del complejo Bruma (conformado por una vinícola, olivares, hotel y villas) y que asombra positivamente por su menú degustación experimental, creado con ingredientes de temporada locales, tonalidades, texturas y emplatados desafiantes que se modifican a diario, empleando maderas, velas, telas y los colores propios del mediterráneo y de los campos de vides de Baja California. El premio Miele One To Watch Award surgió en 2013 y busca distinguir a los restaurantes con un menú consistente, que son auténticos en ingredientes y experiencia. Así que en tu próximo viaje a Ensenada, deberás descubrir Fauna, punto imperdible para entender la gastronomía de la frontera bajacaliforniana, sus sabores, aromas y colores.

Del menú: Callo con puré de berenjena, sopes de pato, tetelas, brócoli en salsa, lubina tatemada.

@faunarestaurante

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BUENVIVIR • GUÍA GOURMET


PUNTO FINAL · IMBERG SALVATIERRA Texto: Mayumy Salinas I Fotografía: Cortesía

Imberg Salvatierra Conferencista y coach master

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on un currículum de más de 1500 eventos (entre cursos, talleres, seminarios y conferencias), más de 600 restaurantes capacitados y asesorados, así como empresas de todo tipo, y un libro en puerta, Imberg Salvatierra es asesor en desarrollo personal y corporativo originario de Puerto Vallarta, quien desde temprana edad ha sido un fanático del crecimiento personal, pero fue hasta los 26 años que decidió comenzar una carrera como orador inspiracional, convirtiéndose en alumno del mundialmente conocido Miguel Ángel Cornejo. “Busco seguir viviendo mi sueño, mi pasión, mi llamado, dejar y construir un legado para futuras generaciones, ayudar a los emprendedores con sus proyectos, empresas y empoderarlos como líderes; por supuesto, dejar un mundo mejor de lo que yo lo encontré”. @imberg.salvatierra

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Acerca del coaching corporativo, Imberg considera que lo más importante es tomar la empresa desde donde se encuentra y llevarla a donde quieren llegar los empresarios o donde está la visión, entendiendo lo siguiente: la labor de un coach es cubrir el espacio o el hueco que existe de donde está a donde quiere llegar la persona o la empresa, esto implica corregir procesos, capacitar al personal y más. Cada una de sus conferencias es creada con el objetivo de hacerle ver a cada participante que su vida puede cambiar, si él o ella deciden cambiar primero; hacerles ver que un problema no se puede resolver en el mismo nivel de pensamiento en el que fue creado. “En mi vida esto ha significado, y demandado, crecer como ser humano, crecer como líder, vivir los valores que promovemos, cuidar la imagen, cuidar la marca, ser producto del producto”.

Imberg Salvatierra

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Imberg Salvatierra