Un bon début

Marc Angeli Marc Buchy Detanico & Lain Yvan Derwéduwé Catharina van Eetvelde Cristina Garrido Marianne Mispelaëre Rokko Miyoshi Yuki Okumura Wilfredo Prieto Sandra Przyczynski Pep Vidal

UN BON DÉBUT COMMISSARIAT DE CHRISTOPHE VEYS

UN BON DÉBUT Marc Angeli Marc Buchy Detanico & Lain Yvan Derwéduwé Catharina van Eetvelde Cristina Garrido Marianne Mispelaëre Rokko Miyoshi Yuki Okumura Wilfredo Prieto Sandra Przyczynski Pep Vidal COMMISSARIAT DE CHRISTOPHE VEYS

galerie.artsaucarre 4a rue des Sœurs Noires, 7000 Mons 20.9 au 9.11.2019

UN BON DÉBUT

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En voilà un titre pour le lancement d’une galerie d’expositions implantée dans une école supérieure des arts ! Et pourtant n’est-ce pas en partie un espoir largement partagé ? Celui d’étudiants désireux de réaliser des choses hors norme, d’apprendre, de comprendre, de remettre en jeu des certitudes. Le bon début, c’est aussi une phrase un rien mesquine, une pirouette langagière qui peut blesser. Tâchons d’en retenir la partie positive.

Les œuvres rassemblées dans cette exposition ont pour fil conducteur la question de l’origine. Les artistes s’y interrogent sur le moment de basculement entre le rien et quelque chose, entre l’ignorance et le savoir, entre la maladresse et le geste précis.

CHRISTOPHE VE YS

L’exposition « Un bon début » qui inaugure la programmation de la galerie d’ARTS2 a été l’occasion pour les étudiant.e.s du Master en design et scénographie d’exposition (Masdex) de mettre en pratique leurs acquis techniques, aussi bien sur le plan de l’accrochage des œuvres que de la médiation et de se confronter aux exigences d’une exposition à taille réelle, ainsi qu’au regard du public.

Aussi, ce catalogue n’aurait pu voir le jour sans leurs précieuses contributions en tant qu’auteur et autrices des textes portant sur les artistes présentés dans l’exposition.

Avec ténacité, les étudiant.e.s ont su mener à bien cette délicate mission consistant à trouver le ton et les mots justes pour parler des œuvres sans les enfermer dans un discours univoque.

Nous les félicitons pour leurs efforts et espérons que vous prendrez plaisir également à découvrir leurs interprétations, parfois personnelles et certainement subjectives, de ce que peut signifier l’amorce d’une démarche artistique, quelle qu’elle soit, dans toute la richesse de ses potentialités.

L’ÉQUIPE MASDEX

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Detanico & Lain 1973 & 1974 - BR

Angela Detanico et Rafael Lain sont tous deux nés au Brésil. La première est née en 1973 et a suivi des études de sémiologie, alors que le second est né 1974 et a poursuivi des études de graphiste. Après avoir créé une agence de design graphique au Brésil, ils ont décidé de passer une année en résidence au pavillon du Palais de Tokyo à Paris, où ils vivent et travaillent depuis.

Le langage est au centre de leur travail à quatre mains. Qu’ils utilisent des outils numériques ou de simples objets du quotidien, leur travail allie toujours les mots et la délicatesse.

Ils inventent régulièrement des polices de caractères. Par exemple, Helvetica concentrated créée en 2004, où ils mesurèrent la quantité d’encre nécessaire à la création de chaque lettre de l’alphabet et les représentèrent sous la forme de cercles de diamètre correspondant à cette quantité. Leur police Cubica figure des fragments de cubes qui permettent de traduire des poèmes de Gertrude Stein dans les couleurs et les formats des tableaux de sa collection.

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La pièce présente dans l’exposition est issue de leur série Pilha. Le principe de cette police tient à un cryptage alphabetico-numérique (A=1, B=2, …). Chaque lettre est incarnée par l’usage d’un même matériau, ici, des briques.

Si l’on décompte les briques verticalement en égrainant son alphabet, l’on décrypte la phrase (un espace vide de la dimension d’une brique indique le passage d’un mot à un autre) : « Avant tout ». Le lien entre les matériaux et le sens de la phrase s’établit très naturellement. Bâtir, c’est superposer.

CV

Pilha (Avant tout), 2003 Briques 182 x 132 cm

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Still, 2017 Vases, fleurs Dimensions variables

Distance, 2017 Impression jet d’encre sur papier 40 x 45 cm

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Musica Viva (07.09.1968), 2017 Impression jet d’encre sur papier 128 x 90,5 cm

Pilha (Ordinaire), 2016 Céramique 100 x 70,3 cm

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Pep Vidal 1980 - ES

Pep Vidal vit et travaille à Barcelone où il est né en 1980. Son parcours académique est particulier puisqu’il est détenteur d’un Master en sciences mathématiques et d’un doctorat en physique. Nombre des préoccupations artistiques de l’artiste se retrouvent dans sa thèse.

On y rencontre des questionnements sur l’infiniment grand et l’infiniment petit, l’absence de surface parfaitement plane, … autant de sujets issus des sciences exactes qu’il glisse vers l’espace de l’art.

Le travail de Pep Vidal prend des formes diverses, de l’installation performative à la sculpture en passant par la pratique du dessin.

Il trace et retrace des signes, entre dans la matière, souligne les micro-vibrations, interroge la capacité de précision. Il développe des projets un peu fous comme celui de traquer un nuage du moment de sa naissance à sa mort.

L’œuvre présentée dans l’exposition est issue d’une série intitulée « Blooming system ». Chacun des 266 petits carrés de papier de 8 cm de côtés possède un centre vide. De celui-ci, partent de fines flèches tracées au feutre. Certains dessins sont pourvus de très nombreuses flèches alors que d’autres en comptent fort peu. Certains se dispersent en serpentins alors que d’autres se fragmentent. Chaque dessin incarne la naissance d’un système. L’artiste renvoie régulièrement à une illustration humoristique pour expliquer sa manière de percevoir le monde.

Elle figure, d’une part, un paysage où l’on voit un lapin mangeant une carotte ; et d’autre part, le même dessin est traduit par différentes formules mathématiques. Le scientifique voit des systèmes partout. Invité pour être le premier artiste présenté par la galerie Bruxelloise LMNO, il se dit en plaisantant qu’il était donc à l’origine d’un nouveau système. Chaque petit carré est donc une représentation imaginaire d’un système ayant son énergie propre.

CV

Blooming system #266, 2018 Encre sur papier 160 x 192 cm

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Hug, 2017 Encre sur papier 107 x 147 cm

Hug, 2017 Encre sur papier 107 x 147 cm

Hug, 2017 Encre sur papier 107 x 147 cm

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Yuki Okumura 1978 - JP

Yuki Okumura est un artiste japonais né à Aomori en 1978. Il vit et travaille actuellement à Bruxelles et à Maastricht. Il a principalement étudié à Tokyo, à l’Université nationale des Beaux-arts et de la musique. L’artiste a été présenté dans plusieurs expositions collectives, et sa première monographie « Pieces » a eu lieu en 2000, à la galerie du Queensland College of Art de Bisbane. Entre 2000 et 2019, son travail a beaucoup voyagé et bénéficié de plusieurs expositions personnelles, à New-York, Dublin, Helsinki et Maastricht. Aujourd’hui, on trouve ses œuvres dans les collections du Musée d’Art Contemporain de Tokyo, du Musée d’Art de Mori et du M HKA à Anvers.

Yuki Okumura est un artiste conceptuel dont les œuvres traitent de sujets profondément personnels. Sa pratique est très influencée par ses origines japonaises, mais aussi par l’histoire de l’art qu’il aime revisiter. Nombre de ses productions sont apparentées aux œuvres et à la vie d’autres artistes comme On Kawara ou Roman Ondak, desquels il s’inspire des concepts ou protocoles. Dans « Welcome back Gordon Matta-Clark », une œuvre vidéo de 2017, Yuki Okumura se glisse dans la peau du personnage principal : Gordon Matta-Clark. Ce dernier a vécu la perte de son frère jumeau, qui s’est suicidé. Cette histoire fait écho à celle de Yuki Okumura dont le frère s’est également ôté la vie.

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L’œuvre montrée dans l’exposition s’intitule « Anatomy Fiction ». Il s’agit d’une œuvre protocolaire se matérialisant grâce aux dessins d’enfants et à leurs traces photographiques réalisées lors d’un workshop. La première version « d’Anatomy Fiction » a été réalisée en 2008 au Fuchu Art Museum de Tokyo ; et, depuis, l’œuvre a été réactivée plus de vingt fois à travers le monde. Lors d’ateliers destinés aux enfants de quatre à sept ans, l’artiste les invite à s’interroger sur leur représentation du corps, le but étant qu’ils se dessinent de l’intérieur, tels qu’ils s’imaginent, libérés des conventions de l’anatomie et de la réalité. Cette œuvre questionne également le visible et l’invisible, sujets importants dans le travail de Yuki Okumura. Le corps, très présent dans « Anatomy Fiction », est cher à l’artiste et est primordial dans sa pratique. Pour la monstration de l’œuvre, les dessins des enfants sont exposés, comme c’est le cas ici. Les photos qui témoignent du processus sont envoyées à l’artiste pour être archivées, devenant ainsi une partie de l’œuvre en soi. Chaque workshop est documenté visible sur son site officiel.

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Anatomy Fiction, 2012 Pastels, feutres sur papier 16 x (84 ,1x 59,4 cm)

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146, 147 – 76, 77 (Sonsbeek71, 1971), 2017 Encre pigmentaire sur film polyuréthane montée sur plexiglass 29,7x 40,7 cm

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Away from the Light of Greenwich : A Close Encounter with On Kawana, 2016 Installation audio Dimensions variables

Welcome Back, Gordon Matta-Clark, 2017 Installation vidéo haute définition 47 minutes 55 secondes

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Marc Buchy 1988 - FR

Né en 1988 à Metz en France, Marc Buchy vit et travaille actuellement à Bruxelles. Diplômé de l’Institut Supérieur des arts de Saint-Luc à Tournai, il a poursuivi sa formation en master à Sint-Lukas, suivie d’une année de post-master à l’Institut des Hautes Études en Arts Plastiques de New York (IHEAP), de 2015 à 2016.

Marc Buchy développe une œuvre essentiellement protocolaire et performative, s’orientant vers des questionnements portant sur les notions d’apprentissage, de connaissance et de transmission. L’œuvre Ka Kualmaku en est d’ailleurs une illustration. Dans ce projet, Marc Buchy décide d’apprendre une langue du sud de la Colombie appelée namtrik, menacée par la globalisation. À l’issue de ce projet de 3 mois pendant lesquels l’artiste a appris les fondements de cette langue parlée par vingt mille âmes, ce dernier donne un cours aux visiteurs de l’exposition où la pièce est montrée. Ce travail prend aussi la forme d’un livre de grammaire français-namtrik, ainsi que d’un caractère typographique représentant une lettre qui n’existe que dans cette langue.

Un autre travail de Marc Buchy portant sur la question de l’apprentissage s’intitule « Instruction ». Dans cette œuvre, l’artiste s’engage à ne pas apprendre à danser ou à étudier l’astronomie, deux activités qu’il aime pratiquer spontanément, en toute liberté. Ce travail est exposé sous la forme de deux certificats stipulant les clauses du contrat.

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L’œuvre présente dans la galerie d’Arts2 est nommée « o (Sciences Exactes) - Vincent ».

Marc Buchy a collaboré avec une enseignante d’une classe de CM1, où les élèves apprennent à tracer un cercle à l’aide d’un compas. Il a récupéré une série de dessins réalisés par un même enfant. Cette série de cinq dessins témoigne de la notion d’essai, d’erreur mais aussi du progrès de l’élève dans l’apprentissage de l’usage de cet outil. L’œuvre est présentée sur un support mural reprenant la forme et l’angle du pupitre d’un écolier. Cette œuvre s’inscrit dans une performance durant laquelle l’artiste cherche à tracer un cercle parfait à main levée, à travers une infinité d’essais. L’artiste, au delà de la forme visuelle que peut prendre l’œuvre, s’intéresse à la répétition d’un mouvement et aux perspectives infinies inhérentes à ce geste simple, mais pourtant impossible. La forme finale exposée de cette pièce est très variée, allant d’un dessin sur feuille de papier au cercle dessiné à la craie à même le mur. Chaque exposition de l’œuvre permet une nouvelle opportunité de reproduire et de réactiver le geste.

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o (Sciences Exactes) - Vincent, 2017 Crayon sur feuille et tablettes Dimensions variables

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O (Sciences Exactes) - Vincent, 2017 Crayon sur feuille et tablettes Dimensions variables

Instruction, 2015 Protocoles, certificats, impressions et cadres

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Ka Kualmaku, 2019 Protocole / performance.

Feuille de papier, police de caractères, boucle sonore et vidÊo Dimensions variables

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Catharina van Eetvelde 1967 - BE

Catharina van Eetvelde est une artiste belge vivant et travaillant à Paris. Le dessin constitue depuis toujours le fondement de son travail et de son mode de pensée. Elle explore avec insistance le potentiel expressif et l’économie sobre de la ligne, dans des compositions qui maintiennent les deux aspects dans une tension telle que ses dessins semblent parfois prendre vie sur le papier.

Elle oppose son art, un système chaotique imprévisible et incontrôlable, à l’autorité scientifique supposée intouchable. L’univers de l’artiste est donc constitué d’éléments relevant de la science, mais dans une version fictionnelle, nourrie de son imaginaire. Elle développe un travail à la minutie précieuse qui se pose tout à la fois sur papier ou sur écran (lorsqu’il s’agit d’animations). Sa fascination pour le dessin et la langue crée un rapport particulier au récit et une construction de la narration à travers le dessin. Considérant que le temps et le mouvement jouent incontestablement un rôle important dans ses œuvres sur papier, l’artiste allie également l’animation à son travail, ce qui lui permet d’incorporer des transformations temporelles et physiques, des compositions et décompositions ou des accidents heureux, d’une façon que seule permet l’image en mouvement.

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L’œuvre présentée dans cette exposition fait partie de la série « Whether water is held responsible » (2006), dont le titre peut se traduire par « Si l’eau est tenue responsable ». Il figure une sorte de découpe de cellule, accompagnée de quatre formes quasi identiques. La première semble protégée par un bandage, alors que les autres représentent des incubateurs, dont le dernier renfermerait un petit personnage composé exclusivement d’eau. Cette œuvre est la première d’un ensemble composé de neuf pièces, qui semble interroger, au travers de cette fiction, un univers biologique, comme en une petite histoire animée. Ici, l’œil et l’esprit assemblent des formes abstraites, organiques et mécaniques, des coupes transversales de cellules, des outils mystérieux et des créatures imaginaires pour créer une narration propre à cette œuvre.

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Wheter water is held responsible, 2006

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Z08, 2018 Huile sur toile de lin 30,2 x 26,2 cm

END SO 1, 2018 Huile sur papier 149,5 x 119,3 x 5,3 cm

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ilk.egg.erg.the weak force_charm to truth to strange, 2014 Mix media

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Wilfredo Prieto 1978 - CU

Wilfredo Prieto, héritier de l’art conceptuel et grande figure de l’art contemporain en Amérique Centrale, est un artiste cubain vivant et travaillant à La Havane et à New York. Développant une approche multidisciplinaire, il emploie une gamme de matériaux stratégiquement restreinte dans le but de privilégier le message, avec un sens de l’humour aiguisé.

Ses œuvres sont le plus souvent en volume mais trouvent systématiquement leur origine dans le dessin, où l’on peut percevoir sa méthode. Il s’intéresse beaucoup au processus de création, ce moment de la transformation d’une idée en un concept final et de sa transmission. Pour cet artiste, le crayon est un outil de base, un moyen simple de communication, qui nous ouvre toutes sortes de possibilités. Ses œuvres, qui naissent du papier et s’ancrent ensuite dans le paysage, sont imaginées à partir d’objets courants et de scénarios ordinaires. Ces formes, tirées d’expériences quotidiennes au caractère universel, sont des métaphores réduites à leur essence.

En 2001, Wilfredo Prieto réalise Apolitical, une installation qui donne à voir 45 drapeaux de pays reconnus par les Nations Unies, avec une particularité : ces drapeaux sont en nuances de gris, dépouillés de leurs couleurs. Ces versions uniformisées sont considérées par l’artiste comme « apolitiques ». Bien que la question du politique soit sous-entendue dans plusieurs de ses œuvres, elle est rarement abordée aussi frontalement que dans celle-ci.

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L’œuvre présentée dans cette exposition est un croquis (Untitled, 2015). Sur celui-ci, on peut observer que l’artiste a griffonné deux colonnes de mots et de figures : l’une liée à la douleur à gauche, et l’autre liée à la beauté à droite. Il oppose le sexe à la mort et va ensuite lister des éléments pour essayer d’établir des croisements. Ce dessin est particulièrement représentatif de sa façon de travailler : binaire et basée sur des oppositions. Cette pièce donne à voir la mécanique de son travail, son origine.

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Sans titre, 2015 Encre sur papier 22,5 x 28,5 x 3 cm

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Grease, soap and banana, 2011 Graisse, savon et peau de banane +/- 25 cm

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Apolitical, 2001 Drapeaux en ĂŠchelle de gris Dimensions variables

Apolitical, 2001 Drapeaux en ĂŠchelle de gris Dimensions variables

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Cristina Garrido 1986 - ES

Cristina Garrido est une artiste d’origine espagnole née en 1986, qui vit et travaille à Madrid.

Titulaire d’un diplôme des beaux-arts et d’une maîtrise en art de l’Université Complutense de Madrid, elle a réalisé ses études entre la capitale espagnole et le Royaume-Uni. L’artiste fut présente dans diverses expositions collectives entre 2010 et 2019, de Lisbonne à Kassel en passant par São Paulo, Bruxelles, Marseille, Munich ou Vienne. Sa première exposition personnelle intitulée « The Capitalist Fonction of the Ragpicker » a eu lieu en 2014, à la galerie L21 à Madrid. Aujourd’hui, ses œuvres sont visibles dans plusieurs collections publiques, notamment dans celles du British Museum de Londres, de la Fondation Montemadrid, du Centre d’art Dos De Mayo, de la Bibliothèque d’art et d’archéologie de Genève, ainsi que dans la collection Frederic de Goldschmidt à Bruxelles.

Cristina Garrido est une artiste dont les gestes sont très spécifiques, parfois répétitifs et dont les productions peuvent prendre diverses formes, comme l’installation ou la vidéo. Son travail se caractérise par une analyse critique du monde de l’art. Pour étudier ce système complexe de légitimation économique et intellectuelle, l’artiste endosse les différents rôles du processus de construction d’une exposition : curateurs, critiques, collectionneurs, institutions, centres d’art, galeries, médiateurs et gestionnaires de la culture. « Aerial photography does not » (de 2016 à 2018) est une installation d’images photographiques présentée comme une exposition collective d’art contemporain.

Celles-ci figurent des vues aériennes publiées par des commissaires sur leurs comptes Instagram, partageant ainsi leurs déplacements d’un évènement artistique à un autre. Par cette appropriation, Cristina Garrido souligne 40

le rôle du commissaire d’exposition en tant que producteur d’images et cherche à inverser les rôles de pouvoir établis entre l’artiste et le commissaire. En s’intéressant notamment à l’étude de l’exposition et à la pratique curatoriale, différentes notions vont alors être questionnées, par exemple, l’originalité, la dimension créative d’un photographe d’exposition ou l’influence de la nationalité d’un artiste sur sa visibilité mondiale. « The Capitalist Fonction of the Ragpicker » mettra en œuvre cette critique du monde de l’art puisque l’artiste s’inspire de ses récentes recherches sur l’émergence et le renforcement des foires en tant que nouvelles institutions artistiques. L’artiste s’intéresse à la métamorphose de la valeur commerciale et utilitaire de certains objets et espaces, aux valeurs culturelles attribuées à ceux-ci ainsi qu’à leur présence dans l’art. Elle observe les différents facteurs qui provoquent des transformations perceptuelles à l’intérieur et à l’extérieur du monde de l’art. « To whom it may concern » est une œuvre de 2014, vendue sous forme de protocole. Ses dimensions sont variables puisqu’elle doit être directement peinte in-situ et donc s’adapter au mur qui lui est destiné. Son origine provient d’une lettre de recommandation qu’elle a reçue de son employeur, au terme de son contrat, lorsqu’elle travaillait comme vendeuse dans une boutique de luxe. Même si cette lettre est positive, pour Cristina Garrido il s’agit d’une situation un peu absurde… En quoi cette lettre va-t-elle l’aider dans son désir de devenir artiste ? Et comment ses qualités de vendeuse peuvent contribuer à sa réussite artistique ?

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To whom it may concern, 2014 Peinture murale Dimensions variables

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Veil of Invisibility, 2013 Peinture acrylique sur carte de musĂŠe Dimensions variables

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Aerial photography does not create space but registers surfaces, 2018 Impressions sur diffĂŠrents types de supports Dimensions variables

#JWIITMTESDSA? (Just what it is that makes today’s exhibitions so different, so appealing ?), 2017 Objets Dimensions variables

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Sandra Przyczynski 1974 - FR

Sandra Przyczynski est une artiste française.

Formée à la Cambre, elle vit et travaille à Bruxelles. Son œuvre trouve le plus souvent son origine dans l’écriture et le langage avec pour ligne de conduite, presque comme mantra, ces trois assertions : « parce que je ne suis pas peintre ... », « parce que je ne suis pas photographe ... », « parce que je ne suis pas écrivain ... ».

Cette « ingénieure de vie » développe une approche sensible, avec un interêt particulier pour les mots, sur des thématiques telles que l’absence, la disparition, l’entre-deux. Elle privilégie l’acte, sa mise en scène ainsi que sa portée poétique. Formée à la sculpture, c’est pourtant l’écriture et la peinture qui occupent une place centrale dans sa art. La pratique qu’elle cultive actuellement - toujours dans une optique de recherche qui alimente l’œuvre - s’axe beaucoup sur la notion de travail (tripalium), de labeur ainsi que sur le geste inutile, tout en faisant passer quelque chose de poétique. Dans une quête perpétuelle de sens, Sandra Przyczynski adopte une manière de vivre élaborée, mettant en place des mécanismes et développant des savoir-faire.

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Les deux œuvres présentes dans l’exposition, « Figurations - Fig 1 & Fig 3 » (2019), inaugure une nouvelle recherche ayant pour origine l’idée de « l’amorce du feu ». Fig 1 traduit en braille l’ensemble de l’alphabet et des signes typographiques dans différents types de papiers de verre. Cette sensation du doigt passant et repassant sur ce matériaux rugueux va user l’empreinte, amener une plus grande sensibilité au bout du doigt et va rendre le langage réellement « sensible ». « Fig 3 » donne à voir un vide en son centre, un espace brûlé qui contenait anciennement un texte (un fragment de celui-ci étant toujours visible). La feuille portait en réalité en son centre le titre du projet composé en braille avec des pastilles découpées dans des grattoirs de boîtes d’allumettes.

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Figurations, Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29,7 cm

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* une action miroir ** deux actions miroir

Fig. 02b

Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29,7 cm

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Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29,7 cm

Fig. 02a

Fig. 02a

Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29,7 cm

Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29,7 cm

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Rokko Miyoshi 1975 - BE/JP

Rokko Miyoshi naît au Maroc en 1978. Il grandit au Japon où il étudie l’histoire de l’art asiatique, ainsi que le business et l’économie. Il poursuit ensuite son cursus aux États-Unis où il entreprend des études artistiques, avant de s’installer en Europe, à Amsterdam puis à Bruxelles, afin de parfaire son apprentissage à la Luca School of Arts.

Il travaille différents médiums, à savoir la sculpture, la photographie, la vidéo et le dessin.

Le travail de Rokko Miyoshi s’articule autour de l’idée d’utiliser des objets et des matériaux glanés, afin d’en concevoir des œuvres.

Il s’inscrit en ce sens dans une volonté d’effacement, cherchant à faire disparaître l’artiste pour mieux laisser l’œuvre exister. La dimension hasardeuse de ses trouvailles, fruits de ses collectes, constitue un aspect important de sa vision artistique. Il s’impose ainsi une démarche de création protocolaire, à la croisée entre l’esprit de hasard des Surréalistes et l’objet tout fait, le ready-made, cher à Marcel Duchamp.

L’œuvre présentée dans l’exposition s’intitule « Malleable Keystones » et a été produite entre 2012 et 2019. Elle est constituée de cinquante maillets de bois, formant un cercle parfaitement rond déposé à même le sol, qui symbolise la notion d’infini. Les maillets sont le fruit d’une collecte de l’artiste dans différents marchés aux puces. En utilisant ces maillets, des outils de labeur, il cherche à remettre en cause le concept même de travail, qui peut se révéler être un obstacle aliénant autant qu’une forme d’émancipation. Les maillets forment une sorte de barrière circulaire, qui n’est pas sans rappeler l’image de la chaîne de montage, un univers par ailleurs familier à l’artiste. La question de l’obstacle traverse beaucoup sa pratique artistique, dans toutes ses acceptions politiques, sociologiques ou psychologiques.

Une référence est également faite au mythe de Sisyphe, condamné à pousser un rocher indéfiniment, donc à ne jamais s’arrêter de travailler, comme une métaphore du fonctionnement de la société et de son moto « produire plus pour vendre plus ».

La taille de l’œuvre est variable selon le lieu où elle est exposée, révélateur de l’intérêt que porte l’artiste à la mise en espace de son travail. Il développe ainsi une pratique liée au hasard, adaptant ses œuvres à leur environnement.

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Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29,7 cm

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Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29.7 cm

Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29.7 cm

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Casa - série 1, 2018 Plâtre, hauteur +/- 15 cm Casa - série 1, 2018 Plâtre, hauteur +/- 15 cm

Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29.7 cm

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Yvan Derwéduwé 1972 - BE

Yvan Derwéduwé, né en 1972, vit et travaille à Gentbrugge. La pratique d’Yvan Derwéduwé est pluridisciplinaire. L’artiste développe une conception hybride de son travail, utilisant l’un ou l’autre medium en fonction de ce qu’il cherche à exprimer.

Ses études de peinture à Sint-Lucas à Gand lui apportent une maîtrise technique, mais il délaisse ensuite totalement cette pratique, préférant s’essayer à d’autres moyens d’expression, allant de l’installation à la sculpture.

Souvent, son travail trouve ses sources dans notre environnement quotidien. L’artiste aime à investir la ville et ses espaces, faisant interagir son travail avec différents univers.

Pour un projet au Parc de la Citadelle de Gand en 2003, il utilise la vidéo afin de filmer en caméra en cachée les activités de la communauté homosexuelle de la ville, projet qu’il revisite plus tard sous forme d’installation au centre d’art contemporain Netwerk à Aalst, à travers divers éléments, tels que des toilettes, un jeu-vidéo et un néon tremblotant. La vidéo a, pour sa part, fait l’objet de plaintes, avant d’être censurée.

La pièce présentée dans l’exposition s’intitule « Puppies Series » et a été produite en 2019, marquant le retour de l’artiste à la pratique de la peinture. Il s’agit d’une série de six toiles de divers formats, représentant le motif d’un chiot figurant sur du papier toilette. L’artiste a choisi de s’intéresser aux morceaux présentant des erreurs de production, faisant apparaître des tâches ou des irrégularités, malgré le contrôle de qualité. Les chiots renvoient à l’image du puppy, soit le fait d’arborer un masque de chien lors d’activités sexuelles, phénomène qui peut se rencontrer au sein de la communauté homosexuelle. Afin de créer un contraste entre la reproduction du papier toilette et le fond des toiles, l’artiste choisit d’ajouter des couleurs à caractère symbolique : l’orange du mur de ses sanitaires, ainsi que des tâches de couleur dorée, renvoyant à un autre type de pratique sexuelle, la « golden shower ». L’ensemble des six toiles reflétant en ce sens un contraste entre l’innocence du chiot et un ensemble de pratiques sexuelles, questionnant la notion d’intimité et du tabou.

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Une de ses œuvres monumentales n’est autre que sa maison personnelle, pensée et dessinée par lui-même et son ami Tom Callebaut dans la banlieue de Gand. L’artiste, aussi collectionneur, y a construit un espace dédié à l’art, à mi-chemin entre l’atelier, l’espace d’exposition et le lieu de vie, revenant ainsi à des questionnements liés à l’intimité.

Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29.7 cm

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Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29.7 cm

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Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29.7 cm

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Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29.7 cm

Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29.7 cm

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Marianne Mispelaëre 1988 - FR

Marianne Mispelaëre est une artiste contemporaine française, née en 1988 et originaire de l’Isère.

Elle travaille et vit actuellement à Aubervilliers près de Paris. Entre 2006 et 2012, l’artiste étudie d’abord à l’école de l’image d’Epinal et ensuite à l’école des Arts décoratifs de Strasbourg.

Sa première exposition collective a eu lieu en 2009 à Nancy et, en dix ans, elle a été présentée dans près de cinquante expositions à travers le monde. 2011 est l’année de sa première exposition personnelle, « Un livre éclate », co-signée avec Guillaume Barborini, visible à la Galerie du Théâtre Gérard Philippe de Frouard. On trouve plusieurs de ses œuvres dans les collections des FRAC de Lorraine, de Rouen-Normandie et d’Alsace, ainsi qu’à l’Artothèque d’Héricourt et de Strasbourg.

Marianne Mispelaëre pratique principalement le dessin, qu’elle décline sous diverses formes, notamment murales et performatives en s’éloignant le plus possible du dessin traditionnel sur papier. Elle accorde une attention particulière au geste qui, pour elle, rejoint étroitement l’écriture, la menant ainsi à se questionner sur le travail de la typographie : « Comment l’écriture peut-elle orienter notre vision du monde ? ». Ses interrogations portent surtout sur les fondements du dessin, la trace et les outils du dessinateur.

L’artiste aimant travailler des matières simples, des outils usuels et accessibles à tous, comme c’est le cas ici avec la gomme de « Palimpseste (stratégie d’évasion) ». Marianne Mispelaëre conçoit également la vidéo et l’image photographique comme partie intégrante de son processus de dessin. La dimension politique du language, les relations sociales, les systèmes de communication et les processus d’invisibilité tiennent une place essentielle au sein de sa pratique. Les mots sont considérés au-delà de leurs signifiés dans le travail de l’artiste, comme les témoins d’une histoire. Consciemment ou inconsciemment, le 56

corps et son épuisement apparaissent souvent dans le processus de ses œuvres ou lors de ses performances. « Palimpseste (stratégie d’évasion) » (2017) fait partie des réflexions de l’artiste sur l’invisibilité, prouvant qu’un geste d’effacement peut révéler une image et donner corps à une œuvre. La lecture de celle-ci ne se fait généralement pas naturellement de haut en bas mais bien en sens inverse, générant souvent l’incompréhension du spectateur. On pourrait effectivement se questionner sur le côté un peu absurde du geste, qui est de gommer un mur vide. L’idée initiale ayant inspirée cette œuvre est celle des prisonniers creusant à la petite cuillère un hypothétique tunnel pour s’évader de leur cellule… La gomme ne permet pas de creuser très loin mais de se créer un horizon et de s’évader d’une toute autre manière. Le protocole demande la délimitation d’un espace sur un mur blanc, dont les dimensions et la forme doivent avoir ceux d’un tableau, d’une fenêtre ou d’un écran de cinéma ; en tout cas, « d’une forme vecteur d’au-delà », d’après Marianne Mispelaëre.

L’acquéreur de la pièce est donc libre de choisir l’intensité à laquelle il veut s’évader. L’œuvre, manifeste un déplacement hypothétique, une volonté d’évasion, non pas physique mais plutôt imaginaire. Lors de la matérialisation de l’œuvre et afin de laisser apparaître cet horizon, il convient de gommer l’intérieur de la forme choisie avec une gomme de couleur bleue. Cette teinte étant celle des grandes étendues, du ciel et de la mer et par extension celle de l’évasion, il est important de s’y tenir.

DL

Palimpseste (Stratégie d’évasion), 2017 Surface gommée et résidus de gomme bleue, dimensions variables

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Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29.7 cm

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Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29.7 cm

Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29.7 cm

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Marc Angeli 1954 - BE

L’œuvre de Marc Angeli se fond avec la nature.

Né à Bruxelles en 1954, il étudie à l’Académie royale des Beaux-Arts de Liège et effectue nombre de voyages à travers l’Europe, qui aiguisent sa sensibilité. Son travail fait l’objet de nombreuses expositions en Europe et il exerce entre 2000 et 2014 comme professeur de peinture à l’Académie royale des BeauxArts de Liège. L’artiste est particulièrement connu pour ses monochromes, qu’il décline en maintes versions, variant l’épaisseur et les formats (la plupart du temps petits). Toutefois, ils conservent souvent une même forme anguleuse, bien qu’irrégulière. Chaque monochrome est le fruit d’une histoire personnelle et intime, qui définira l’utilisation de l’un de ses supports de prédilection, à savoir le bois ou la pierre.

Il cherche à tisser un lien avec le naturel, en utilisant des éléments organiques, végétaux et minéraux purs, qu’il mêle souvent à des pigments. Selon les périodes, il utilise du miel, de la cire d’abeille, de l’huile d’olive, du pollen, du lait ou encore du sang, qui interviendront dans la composition physique de la couleur.

Son travail questionne le temps : l’artiste passe parfois plusieurs années sur une même pièce, la ponçant à l’infini jusqu’à obtenir la surface souhaitée. Par la suite, certaines pièces évoluent d’elles-même, se modifiant avec le temps en fonction des matériaux.

Les sept tableaux de divers formats et couleurs sont montrés en série dans l’exposition, mais conservent néanmoins leur autonomie.

Le bois de l’un des monochromes exposés a été trempé dans du vin. L’artiste mêle ensuite le vin aux liants et autres pigments, d’où l’apparition d’une couleur rouge particulièrement sombre.

L’artiste travaille de manière intuitive, aimant à se laisser surprendre lui-même par les matériaux qu’il utilise. Les autres monochromes de la série sont peints, sans ajouts organiques.

Pourtant, qu’est-ce qui les différencie les uns des autres ? L’intérêt de Marc Angeli semble se trouver dans le processus même de la création, plutôt que dans le résultat final, la démarche de l’artiste se rapprochant en ce sens de celle d’une quête intérieure.

AD

Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29.7 cm

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Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29.7 cm

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Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29.7 cm

Fig 1 & Fig 3b, 2019 Papier, grattoir d’allumettes 21 x 29.7 cm

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Les dates antérieures à l’année 2010 ne sont pas abordées dans les curriculum vitæ ci-dessous.

Catherina Van Eetvelde EXPOSITIONS PERSONNELLES 2017

ILK, Museum Folkwang, Essen, Allemagne.

ILK, Galerie Greta Meert, Bruxelles.

2016

ILK, Kunstmuseum Basel, Bâle, Suisse.

ERG, Iselp, Bruxelles.

2014 Whether(Weather) van Eetvelde Sautour, Lidewij Edelkoort, Paris, France.

Whether(Weather) van Eetvelde Sautour, Galerie Greta Meert, Bruxelles.

2013

Noise, Slice, Erg, Cruise, Rochester Art Center, Rochester, États-Unis.

Glutamic Acid, FRAC Picardie, Amiens, France.

2012

YIA, Galerie Anne Barrault, Paris, France.

Projectscreen, Oklahoma City Museum of Art, Oklahoma, États-Unis.

2010

Erg, Galerie Greta Meert, Bruxelles.

Erg, Galerie Conrads, Dusseldorf, Allemagne.

Erg, Galerie Anne Barrault, Paris, France.

EXPOSITIONS COLLECTIVES 2017

Les Lauréats du prix de la Fondation Florence et Daniel Guerlain, Centre Pompidou, Paris, France.

Morning Land, Galerie Tanit, Munich, Allemagne.

2016 Drawing is Thinking, Thinking is Moving, CIAP, Hasselt.

L’espace de la feuille, Galerie Tanit, Beyrouth, Liban.

SoundScape Park, Art Basel Miami, Miami, Etats-Unis.

2015

Bricologie. La souris et le perroquet, Villa Arson, Nice, France.

Fabriquer le dessin, Frac Haute-Normandie, Rouen, France.

IN/VISIBLE, Ikob, Eupen.

Earth Matters, Artipelag, Stockholm, Suède.

2014

Van Eetvelde Sautour - Whether(Weather), Lidewij Edelkoort, Paris, France.

Van Eetvelde Sautour - Whether(Weather), Galerie Greta Meert, Bruxelles.

Donation Florence et Daniel Guerlain, Centre Pompidou, Paris, France.

2013

Rochester Art Center, Rochester, Etats-Unis.

Code noir. 30 ans de shopping, FRAC Haute-Normandie, Rouen, France.

2012

Accrochage X, Galerie Greta Meert, Bruxelles.

Pop-Up, MUDAC, Lausanne, Suisse.

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Pearls of the North, Palais d’Iéna, Paris, France.

2011 Towards a Republic of Dreams, Œuvres des collections des cinq FRAC du Grand Est, FRAC Alsace, Strasbourg, France.

Fayçal Baghriche, Catharina van Eetvelde, Aurélien Mole, Guillaume Pinard, Galerie Anne Barrault, Paris, France.

Collection, The Royal Museum of Fine Arts, Bruxelles.

Mappamundi, Berardo Collection Museum, Lisbonne, Portugal.

Hors Pistes Festival, Centre Pompidou, Paris, France.

Elles@pompidou, artistes femmes dans les collections du Musée National Moderne, Centre Pompidou,

Paris, France.

Le Carillon de Big Ben, CREDAC, Ivry-sur-Seine, France.

2010

Créateurs & Créateurs, Château Musée Annecy, Annecy, France.

Collection 3, Fondation pour l’Art Contemporain Claudine et Jean-Marc Salomon, Annecy, France.

La main numérique, National museum of Taipei, Taipei, Taiwan.

Fondation Nationale des Arts Graphiques et Plastiques, Nogent-sur-Marne, France.

Salon du dessin, Daniel et Florence Guerlain Foundation, Palais de la Bourse, Paris, France.

Collection Florence et Daniel Guerlain, Musée des Beaux-Arts de Besançon, Besançon, France.

Automatic Cities, Museum of Contemporary Art, San Diego, Etats-Unis.

Cristina Garrido EXPOSITIONS PERSONNELLES 2018

Aerial photography does not create space but registers surfaces, FdG Projects, Bruxelles.

An Art of Microseconds, 3+1 Arte Contemporânea, Lisbonne, Portugal.

A Dominant Mode of Art Production, Galería CURRO, Guadalajara, Mexique.

2017

Boothworks, The Goma, Madrid, Espagne.

Unfair Show, BARIL, Cluj-Napoca, Roumanie.

#ANISSE. A New International Style Stardard Exhibition, CITY GALLERY des Kunstverein, Wolfsburg, Allemagne.

2016

Un acuerdo tácito, Casa Maauad, Mexico City, Mexique.

After/ Depois/ Según, Salón, Madrid, Espagne.

2015 They are these or they may be others (memes)/ 6PM Your Local Time Europe, L21 Gallery, Palma de Mallorque, Espagne.

Just what is it that makes today’s exhibitions so different, so appealing?, Espacio KB, Bogotá, Colombie.

They are these or they may be others, 3+1 Arte Contemporânea, Lisbonne, Portugal.

2014

The Capitalist Function of the Ragpicker. L21 Gallery, Madrid, Espagne.

For Immediate Release. L21 Gallery, Palma de Majorque, Espagne.

EXPOSITIONS COLLECTIVES 2019

Re-Imagining Futures, On Curating Project Space, Zürich, Suisse.

Un Bon Début, Galerie Artsaucarré, Bruxelles.

Doble Filo: Geografías y Palabras (HispaFEST 2019), Coral Gables Museum, Floride, États-Unis.

Recorda el foc d´agost. Fabra i Coats, Centre d’Art Contemporani de Barcelona, Barcelone, Espagne.

Camera Lucida, Das Weisse Haus, Vienne, Autriche.

Itinerarios XXV, Centro Botín, Santander, Espagne.

Un grano de arena en el espacio, Bienal de Cuenca, Cuenca, Équateur.

The World Exists To Be Put on a Postcard: Artists’ postcards from 1960 to Now, The British Museum, Londres, Royaume-Uni. 2018

Querer parecer noche, Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles, Espagne.

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SCAN Festival Internacional de Fotografía - Talent Latent, Tarragona, Espagne.

Dialogue de l´ombre double, Centro de Arte Alcobendas, Alcobendas, Espagne.

Norma, Maison Pelgrims, Bruxelles.

IN QUOTES, Gerald Moore Gallery, Londres, Royaume-Uni.

Intervention, Centro de Exposiciones Subte, Montevideo, Uruguay.

The Way You Read A Book Is Different To How I Tell You A Story, Jahn und Jahn, Munich, Allemagne.

Wishes, LMNO, Bruxelles.

2017

The Sleeping Procession, CASS Sculpture Foundation, West Sussex, Royaume-Uni.

A show to more voices, Plataforma Revólver, Lisbonne, Portugal.

Monstruos y fósiles. Bienal Fotonoviembre 2017, Centro de Fotografía, Tenerife, Espagne.

Private Choices, Centrale for Contemporary Art, Bruxelles.

A Thousand Roaring Beasts: Display Devices for a Critical Modernity, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Seville, Espagne.

Media Art Festival Arad 2017, Cinema ARTA, Arad, Roumanie.

IN QUOTES, East Gallery NUA, Norwich, Royaume-Uni.

Art of the Postcard, Handel Street Projects, Londres, Royaume-Uni.

Contemporary Art Museum of Estonia, Contemporary Art Museum of Estonia (EKKM), Tallinn, Estonie.

Disrupt, Rodríguez Gallery, Poznan, Pologne.

Espacios Intermedios, Cruce Arte y Pensamiento Contemporáneo, Madrid, Espagne.

Microinjertos (bypass), Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma, Palma de Mallorque, Espagne.

24/7. Conectados, CentroCentro, Madrid, Espagne.

2016

#INSTITUT/ Part 1, l´ISELP - institut supérieur pour l’étude du langage plastique, Bruxelles.

Breves episodios en la colección de la Fundación María José Jove, Fundación Luis Soane, A Coruña, Espagne.

Historia irracional de un conjunto de medida nula, Centro de Desarrollo de las Artes Visuales, La Havane, Cuba.

Un lugar y el tiempo, Espacio Odeón, Bogotá, Colombie.

Artista X Artista (III), Carlos Garaicoa Studio, La Havane, Cuba.

2015

Collaborators 4, ROAMING ROOM, Londres, Royaume-Uni.

Worlds in Contradiction - Areas of Globalisation, Taxispalais Kunsthalle Tirol, Innsbruck, Autriche.

Generación 2015, La Casa Encendida, Madrid, Espagne.

Princípio Tautológico, HANGAR Centro de Investigação Artística, Lisbonne, Portugal.

Les yeux mi-clos, Josza Gallery, Bruxelles.

Otros relatos, La Conservera, Murcia, Espagne.

Wish You Were Here?, MAC Birmingham, Birmingham, Royaume-Uni.

2014

Els agricultors, Sant Andreu Contemporani, Barcelone, Espagne.

Frestas - Trienal de Artes, SESC Sorocaba, São Paulo, Brésil.

Partir do Erro, Galeria PILAR, São Paulo, Brésil.

La Vietnamita, OTR Espacio de Arte, Madrid, Espagne.

Objects in the mirror are closer than they appear, Lugar a Dudas, Cali, Colombie.

The Postcard is a Public Work of Art, X Marks the Bökship, Londres, Royaume-Uni.

2013

The Beginning of Something, Mieke van Schaijk Gallery, Den Bosch, Pays-Bas.

Appropriation Beyond the Object, Banner Repeater, Londres, Royaume-Uni.

Impossibility vs. Self-Censorship, Matadero Madrid, Madrid, Espagne.

Hacer en lo cotidiano, Sala de Arte Joven, Madrid, Espagne.

Zine Spaces, Matadero Madrid, Madrid, Espagne.

INSTANTÁNEAS, Laboratorio de Arte Joven, Murcia, Espagne.

Postcard Narratives. Jeremy Cooper & invited artists, ROOM Artspace, Londres, Royaume-Uni.

The Word Transformed, Carlos Garaicoa Open Studio 8.0, Madrid, Espagne.

2012

ICEBERG, Matadero Madrid, Madrid, Espagne.

The Artists Postcard Show. Spike Island, Bristol, Royaume-Uni. 67

Àmbits d’Intrusió, Centre Cívic Can Felipa, Barcelone, Espagne.

2011

Minor Revisions, Tenderpixel Gallery, Londres, Royaume-Uni.

Moving Image South, HMVCurzon, Londres, Royaume-Uni.

2010

BOSCH YOUNG TALENT SHOW/ BYTS, Akv st Joost, Den Bosch, Pays-Bas.

Detanico & Lain EXPOSITIONS PERSONNELLES 2019

Meteorologica, Espaço Cultural Porto Seguro, São Paulo, Brésil.

2018

Archipel, Musée de l’Abbaye Sainte-Croix, Les Sables d’Olonne, France.

SESTRUTURA, Galeria Vera Cortês, Lisbonne, Portugal.

2017

Oceans, Galerie LMNO, Bruxelles.

27 Rue de Fleurus, Galerie Vermelho, Sao Paulo, Brésil.

AO MESMO TEMPO, Ambassade du Brésil à Tokyo, Tokyo, Japon.

2016

Letter pieces (on the revolutions), Galerie Martine Aboucaya, Paris, France.

Cascada de Silencio, Proyecto Paralel, Mexico, Mexique.

12 13 14 15, LMNO, Bruxelles.

2015

Sobre o Céu, Galeria Vera Cortês, Lisbonne, Portugal.

Una línea mil palabras, Casas Riegner, Bogotá, Colombie.

2014

Comme des gouttes de pluie sur la lune, Galerie Martine Aboucaya, Paris, France.

2013

Amplitude, Museu Coleção Berardo, Lisbonne, Portugal.

Alfabeto Infinito, Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre, Brésil.

Weightless Days, Kyoto Art Center, Kyoto, Japon.

2012

Rio corrente, Galeria Vermelho, São Paulo, Brésil.

Le jardin des heures, Les arts au mur, Pessac, France.

Two Voices, Galerie Martine Aboucaya, Paris, France.

2011

Lessico, Blindarte Contemporanea, Naples, Italie.

Formas de dizer, Galeria Vera Cortês, Lisbonne, Portugal.

Sobre Cor, Galeria Vermelho, São Paulo, Brésil.

2010

179 Canal Façade with Univers, 179 Canal, New York, États-Unis.

Detanico y Lain, Galería Moro, Santiago, Chili.

Horizon Vague, Galerie Martine Aboucaya, Paris, France.

Léxico, Galeria Vermelho, São Paulo, Brésil.

2009

Wind Spelling, Galerie Martine Aboucaya, Paris, France.

Espaços de tempo, Galeria Vermelho, São Paulo, Brésil.

EXPOSITIONS COLLECTIVES 2020

Centro Parraga, Región de Murcia, Espagne.

2019

De leur Temps, Fondation Lambert, Avignon, France.

ARCO/Madrid Stand LMNO, Madrid, Espagne.

We need to talk about painting, Galerie LMNO, Bruxelles.

Correspondance autour de Jacques Roubaud, Galerie Martine Aboucaya, Paris, France.

2018

Medio Aqua, Base sous-marine de Bordeaux, Bordeaux, France.

Multitudinous Seas, Fondation Hippocrène, Paris, France.

Miradas cruzadas entre diseño y arte contemporáneo, MAC, DRIFT, La Corogne, Espagne.

Ready Made in Brasil, SESI, Itapetininga, Brésil.

68

Wishes, Galerie LMNO, Bruxelles.

2017

Private Choice. 11 collections bruxelloises d’art contemporain, Centrale for contemporary art, Bruxelles.

Manipulate the World, Moderna Museet, Stockholm, Suède.

Flatland / Abstractions Narratives #2, Mudam, Luxembourg.

Ready made in Brasil, Centro Cultural Fiesp, Sao Paulo, Brésil.

Nuit Blanche Kyoto, Kyoto, Japon.

Viva Villa! festival, Cité Internationale des Arts, Paris, France.

Art Brussels 2017 Stand LMNO, Bruxelles.

2016

Nouvelles Vagues, Carré d’Art, Musée d’art contemporain Nîmes, Nîmes, France.

Fireflies in the night take wing, Stavros Niarchos Foundation Cultura Center, Athènes, Grèce.

Lupa: Ensaios Audiovisuais, Museu de Artes e Ofícios, Belo Horizonte, Brésil.

Os muitos e o um, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brésil.

Quelques manuscrits trouvés dans une cervelle, Galerie Martine Aboucaya, Paris, France.

One minute in art, OMIA, Paris, France.

Crosswords, Hangar, Lisbonne, Portugal.

2015

Phenomenon (1), Anafi, Grèce.

Nuit Blanche THUOS/HTRON: the New Coordinates of America for Nuit Blanche, Toronto, Canada.

Anozero: Bienal de Arte Contemporânea de Coimbra, Coimbra, Portugal.

Writing Diffraction, La Virreina/Centre de la imatge, Barcelone, Espagne.

As The Earth Spins Beneath The Stars, Leal Rios Foundation, Lisbonne, Portugal.

Nouvelle exposition, Le Silo Marines, France.

Project 35 Volume 2, Garage, Museum of Contemporary Art, Moscou, Russie.

Engagements Collectionner - Partager, Musée Saint-Croix, Poitiers, France.

Fins i tot un paisatge tranquil..., Centro Cívic Can Felipa Barcelona, Barcelone, Espagne.

Le Monde Selon..., Frac Franche-Comté, Besançon, France.

OBJECTSFOODROOMS, Proyecto Paralelo, Mexico, Mexique.

Conversations sur l’invisible, Galerie Martine Aboucaya, Paris, France.

Outdoors 2015, Cité de la Céramique Sèvres, Sèvres, France.

Festival O.V.N.I., Hôtel Windsor, Nice, France.

El buen caligrama, The Goma, Madrid, Espagne.

Les motifs du savoir, Main d’œuvres, Saint-Ouen, France.

2014 Arts Cruzamentos: Contemporary Art in Brazil, Wexner Center for the Columbus, États-Unis.

PER/FORM, CA2M Museum, Madrid, Espagne.

Há escolas que são gaiolas e há escolas que são asas, MAR-Museu de Arte do Rio, Rio de Janeiro, Brésil.

Cidade gráfica, Itaú Cultural Cidade gráfica, São Paulo, Brésil.

Imagine Brazil, MAC Lyon, Lyon, France.

Everytime you turn a page, it dies, a little, United Artists for Yvon Lambert, Paris, France.

Afetividades Eletivas, Centro Cultural Minas Tênis Clube, Belo Horizonte, Brésil.

2013

Reinventando o Mundo, Museu Vale, Vitória, Brésil.

Kocham i nienawidze Ligie Clark, Zachta-National Gallery of Art Warsaw, Varsovie, Pologne.

Palácio das Artes Escavar o Futuro, Belo Horizonte, Brésil.

Tomie Ohtake-Correspondências, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brésil.

Tomie Ohtake-Correspondências, Centro Cultural Correios, Rio de Janeiro, Brésil.

A stone left unturned, Galerie Yvon Lambert, Paris, France.

Secret Codes, Galeria Luiza Strina, São Paulo, Brésil.

4 Extranjero, Galería Distrito, Madrid, Espagne.

Taratantara, Galerie Martine Aboucaya, Paris, France.

Sssh! Del silencio un lenguaje, Galería Nuble, Santander, Espagne.

Collection Joseph Kouli, Main d’œuvres, Saint-Ouen, France.

69

2012

The Spiral and the Square Exercises in Translatability, Kunstmuseum, Trondheim, Norvège.

The Spiral and the Square Exercises in Translatability, SKMU Sørlandets Kunstmuseum, Kristiansand, Norvège.

Explorateurs, Musée de l’Abbaye Sainte-Croix , Les Sables d’Olonne, France.

This & There, Fondation d’entreprise Ricard, Paris, France.

In Other Words/Blackmarket of Translation, NGBK/Kunstraum Kreuzberg, Berlin, Allemagne.

This is Brazil ! 1990-2012, Palexco, La Corogne, Espagne.

Cneai Promenadologues #1, Chatou, France.

Le ciel bientôt sera trop court, Galerie Martine Aboucaya, Paris, France.

Más allá de la xilografía, Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Santiago, Chili.

Tourne-toi, Galerie Martine Aboucaya, Paris, France.

À Rebours, Théâtre National de Chaillot, Paris, France.

Traits contemporains, École des Beaux-arts de Saint-Omer, Saint-Omer, France.

experiência/acontecimento, SESC Santo André Instante, Santo André, Brésil.

Le chat est dans la forêt, L’Atelier, Ivry-sur-Seine, France.

Repeat to fade, Galeria Mendes Wood, São Paulo, Brésil.

2011

Harboring Tone and Place, CCS Bard Hessel Museum of Art, Annandale-on-Hudson, États-Unis.

Mappamundi, Museu Cole ção Berardo, Lisbonne, Portugal.

The Spiral and the Square Exercises in Translatability, Bonniers Konsthall, Stockholm, Suède.

C’est l’amour à la plage, Musée Régional d’Art Contemporain Languedoc-Roussillon Sérignan, France.

Telefone Sem Fio: The Word-Things of Augusto de Campos Revisited, The Elizabeth Foundation for the Arts New York, Etats-Unis.

La Fabrique Sonore, Domaine Pommery, Reims, France.

8éme Bienal do Mercosul Ensaios de Geopoética, Porto Alegre, Brésil.

GSM-Geo Sound Map, Le Grand Café, Saint-Nazaire, France.

MAM-Museu de Arte Moderna de São Paulo Um outro lugar, São Paulo, Brésil.

Mr. Memory, Galerie Martine Aboucaya, Paris, France.

Instante: experiência/acontecimento, SESC Campinas Campinas, Brésil.

Contra a parede, Galeria Vermelho, São Paulo, Brésil.

2010 Living under the same roof, CCS Bard Hessel Museum of Art, Annandale-on-Hudson, Etats-Unis.

Paisagem incompleta, Centro Cultural Usiminas, Ipatinga, Brésil.

Epílogo, Museo de Arte de Zapopan, Zapopan, Mexique.

Drawing time/Le temps du dessin, Galeries Poirel, Nancy, France.

Les élixirs de Panacée, Palais Bénédictine, Fécamp, France.

Le temps des manifestes, Espace de l’Art Concret, Mouans-Sartoux, France.

Ponto de Equilíbrio, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brésil.

De frente al Sol, Galerie Martin Janda, Vienne, Autriche.

Vous êtes ici ?, Musée des Beaux-arts de Dunkerque, Dunkerque, France.

Arte e novas espacialidades, Oi Futuro Belo Horizonte, Belo Horizonte, Brésil.

Sustentabilidade: e eu com isso?, Bienal Brasileira de Design 2010, Curitiba, Brésil.

Narcissa, Galerie Martine Aboucaya, Paris, France.

2 de Copas, Galeria Vera Cortês, Lisbonne, Portugal.

Café au lit, Plateforme Roven, Paris, France.

Undefined borders for unlimited perceptions, Blindarte Contemporanea, Naples, Italie.

2009

Décima, Bienal de la Havana, La Havane, Cuba.

Los Impoliticos, PAN Palazzo delle Arti Napoli, Naples, Italie.

Collector Collecting, Gallery 32, Londres, Royaume-Uni.

Volume V-I think I remember, Temple Bar Gallery, Dublin, Irlande.

A sombra da Historia/Os contextos que veñen, Centro Galego de Arte Contemporánea, Saint-Jacques-deCompostelle, Espagne.

Mash Up, Artspace, Auckland, Nouvelle-Zélande.

70

Glad to invite you, Mostra d’oltremare, Naples, Italie.

169A2, 28 rue du Château d’eau, Paris, France.

Windspelling, Galerie Martine Aboucaya, Paris, France.

PH Neutro, Galeria Vermelho, São Paulo, Brésil.

Marc Angeli EXPOSITIONS PERSONNELLES 2018

Marc Angeli, Huize St.Bonaventura, Gand.

Marc Angeli - Domenico D’Oora, Theca gallery, Milan, Italie.

2017

Paintings, Yoko Uhoda Gallery, Knokke.

2015

Hein Elferink Gallery, Staphorst, Pays-Bas.

2016

Marc Angeli, Jean-Georges Massart, Lissewege.

Marc Angeli « malerei - painting », Sebastian Fath Contemporary Art, Mannheim, Allemagne.

Colore, Labs Gallery, Bologne, Italie.

2012

Peintures, Andres Van Hove Gallery, Anvers.

2011

Monochrome werken, Gent Galleria ArteSilva, Milan, Italie.

2010

Galerie Schlassgoart, Esch sur Alzette, Luxembourg.

2009

Peintures-installation Placard à Balais, Liège.

EXPOSITIONS COLLECTIVES 2018

Caos Colore - Biennale d’arte d’Alessandria, Palazzo del Monferrato, Italie.

Schwarz- Black, Sebastian Fath contemporary, Mannheim, Allemagne.

Feux Liquides, Galerie Triangle Bleu, Stavelot.

Palestine Experience, Space Gallery, Liège.

What a beautiful window, Yoko Uhoda Gallery, Liège.

Art Verona # backtoitaly, Labs Gallery, Bologne, Italie.

Monocrime Too, Yoko Uhoda Gallery, Knokke.

Weiss, Sebastian Fath Contemporary, Mannheim, Allemagne.

2017

Morotti Arte Contemporanea, Spazio Temporaneo, Milan, Italie.

Terre fertile, Galerie Triangle Bleu, Stavelot.

Inner Nature 2.Silence. Light, Kasteelstraat 1 Pavillon contemporary art Watou, Watou.

J’avais 15 ans, Centre Culturel Marchin, Marchin.

Harvest, Theca Gallery, Milan, Italie.

Carte Blanche à Françoise Safin, Centre d’art contemporain La Châtaigneraie, Yvoz-Ramet, France.

Résurgences, Espace 251 Nord, Liège.

2016

VERBORGENES-BESTANDSPROBE III, MPK Museum PfalzGalerie, Kaiserslautern, Allemagne.

Available For Reference, Yoko Uhoda Gallery, Liège.

2015

Les mains libres, E2n, Liège.

(Re)View, Cutuur Centrum, Hasselt.

Luxembourg Art Week, avec Le Triangle Bleu, Stavelot.

2014

Eight Belgian Artists, Hein Elferink Gallery, Staphorst, Pays-Bas.

Material-Collector’s Choice Only, Kunstraum Alexander Bürkel, Freiburg, Allemagne.

2013

Das kleine Format, Sebastian Fath Contemporary, Mannheimer Kunstverein, Mannheim, Allemagne.

Austragungsort/II 1998-2012, Verein für Aktuelle Kunst/Ruhrgebiert, Oberhausen, Allemagne.

2012

40 jahre-40 werke, Sebastian Fath Contemporary, Mannheim, Allemagne.

71

Installation « for the palestinian people », Hosh El Atem, Birzeit, Palestine.

2011

Peintures, Galerie Triangle Bleu, Stavelot.

Malerei #011, Ungegenständlich Heute, Kunstraum Alexander Bürkle, Freiburg, Allemagne.

2010

Hommage aan de monochromie, Culturel Centrum Hasselt, Hasselt.

Konkrete Idole, nonfigurative kunst & sculptures africaines, Museum Liner, Appenzell, Suisse.

2009

Angeli, Van Severen, Boulanger, Ransonnet ... Galerie Triangle Bleu, Stavelot.

Astrazione, Nuovi Episodi, Galleria Bianconi, Milan, Italie.

Pep Vidal EXPOSITIONS PERSONNELLES 2019

Atelijer Kozari, Laboratorij za oivljavanje Pep Vidal: Pi / , MSU, Contemporary Art Center, Zagreb, Croatie.

2018

ARCO, stand LMNO, section Prime (avec VOID), Madrid, Espagne.

From nothing to void, del hueco al vacío, Centro de Cultura Antiguo Instituto Gijón, Espagne.

2017

Who wants to be an impatient gardener?, ADN Galeria, Barcelone, Espagne.

Who wants to be an impatient gardener?, Abrons Art Centre, New York, Etats-Unis.

Correspondencias de Ultramar, Museo de Arte Contemporáneo del Zulia MACZUL, Zulia, Venezuela.

{1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, ...}, Museu Nacional d’Art de Catalunya MNAC, Barcelone, Espagne.

Flat, flatness almost flat really flat, LMNO, Bruxelles.

Art on Paper/BOZAR, Systems beyond Systems, Stand LMNO, Bruxelles.

Waiting to be interrupted, Barcelona Gallery Week-end, Barcelone, Espagne.

From nothing to void, adnplatform Sant Cugat del Vallès, Espagne.

2016

How Green Was My Valley, Rodriguez Gallery, Varsovie, Pologne.

Chantal ! Pina!, L21, Palma de Majorque, Îles des Baléares, Espagne.

Jardín Botánico. Halfhouse, Barcelone, Espagne.

Systems beyond systems, Art on Paper, Stand LMNO, Bruxelles.

2015

Trees, Treelines and Global Patterns, ADN Gallery, Barcelone, Espagne.

As a Whole, Rolando Anselmi Gallery, Berlin, Allemagne.

f (t) = f (t-t0), Capella de Sant Roc, Valls, Catalogne.

2014

Art-O-Rama, stand ADN, Marseille, France.

The Limits of control, L21 Gallery, Madrid, Espagne.

2013

Y asi sucesivamente, el salón, Madrid, Espagne.

{ } Pep Vidal, Espai Cub La Capella, Barcelone, Espagne.

EXPOSITIONS COLLECTIVES 2019

Art Brussels, stand LMNO section Discovery (avec Nicolas Floc’h), Bruxelles.

Measures, Fundation Cerezales, Leon, Espagne.

Un grano de arena en el espacio, Casa Bienal de Cuenca, Equateur.

Arco, Stand ADN, Madrid, Espagne.

We need to talk about paintings, LMNO, Bruxelles.

2018

A Forest, ISELP, Bruxelles.

Itinerarios XXIV, Centro Botín, Santander, Espagne.

Wishes, LMNO, Bruxelles.

ARCO, stand ADN Galeria, Madrid, Espagne.

ARCO, stand LMNO, Madrid, Espagne.

Beehave, Fundació Miró, Barcelone, Espagne.

72

Beehave, Kunsthaus, Basel Land, Bâle, Suisse.

Ambras, LLS Paleis, Anvers.

Measurements, Société, Bruxelles.

2017

4,543 milliards, la question de la matière, CAPC musée d’art contemporain, Bordeaux, France.

Private Choice 11 collections bruxelloises d’art contemporain, La Centrale for contemporary Art, Bruxelles.

ARCO/Madrid, stand L21 Gallery, Madrid, Espagne.

El día de mañana, Foundation Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.

2016

Lenguaje, L21 Gallery, Palma de Majorque, Espagne.

ARCO/Madrid, stand L21 Gallery, Madrid, Espagne.

2015

How to Do Things with Documents, Fundació Antoni Tapies, Barcelone, Espagne.

Hablo, Sabiendo que no se trata de eso, CaixaForum, Barcelone, Espagne.

VII Bienal de Jafre, Jafre, Espagne.

Generaciones 2015, La Casa Encendida, Madrid, Espagne.

Generaciones 2015, Plataforma Revólver, Transboavista Art Edifício, Lisbonne, Portugal.

Passe/Impasse, Blueproject Fondation, Barcelone, Espagne.

Por Venir, Casa Velazquez, Madrid, Espagne.

ARCO/Madrid, stand L21 Gallery, Madrid, Espagne.

La Buena Estrella, Otr Espacio de Arte, Madrid, Espagne.

Factotum, Fundación Antoni Tàpies, Barcelone, Espagne.

Premi d’Arts Visuals Miquel Casablancas Fabra i Coats, Contemporary Art Center, Barcelone, Espagne.

VII ème Biennale de Jafre, Espagne.

Sandra Przyczynski EXPOSITIONS PERSONNELLES 2009

Abris, Galerie Olivari-Veys, Bruxelles.

Scales of the universe, Galerie Jean Roch DARD, Paris, France.

EXPOSITIONS COLLECTIVES 2011

La cabane au bout du jardin, Bastogne, Luxembourg.

2009

La cabane au bout du jardin, Bastogne, Luxembourg.

Participation à Art Brussels.

Yuki Okumura EXPOSITIONS INDIVIDUELLES 2019

The Man Who, An Ephemeral Archive, Keio University Art Center, Tokyo, Japon.

Na, Jointed Tree Gallery, Tokyo, Japon.

29,771 days – 2,094,943 steps, LA MAISON DE RENDEZ-VOUS, Bruxelles.

ART-O-RAMA, Marseille, France.

2018

Na(me/am), Convent, Gand.

2017

Welcome Back, Gordon Matta-Clark, statements, Tokyo, Japon.

Yuki Okumura, MISAKO & ROSEN, Tokyo, Japon.

2016

Hisachika Takahashi by Yuki Okumura, Le Forum, Tokyo, Japon.

73

Na, Kyoto City University of Arts Art Gallery, Kyoto, Japon.

2015

Measuring Roman Ondak, MISAKO & ROSEN, Tokyo, Japon.

2013

Across Our Horizons, HEDAH, Maastricht, Pays-Bas.

Jun Yang: A Short Lecture on Forgetting and Remembering, Vita Kuben, Norrlandsoperan, Umea, Suède.

2012

Zenbei’s Eyeballs (Telescope ver.), Aichi Prefectural Museum of Art, Aichi, Japon.

Noriko Kobayashi: Interpreter’s Notes, Foyer Gallery, Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo, Japon.

Synchronized Sneezing - Basel, dock, Bâle, Suisse.

Anatomie-Fiktion, Anatomy Museum of the University of Basel, Bâle, Suisse.

2011 Jun Yang: A Short Lecture on Forgetting and Remembering, Artspace 1, Tokyo University of the Arts, Tokyo, Japon.

Turning a chimney into a periscope, project room sasao, Akita, Japon.

2010

Anatomy Fiction - rakugo version, MISAKO & ROSEN, Tokyo, Japon.

Fantastinen matka / Fantastic voyage, Gallery Augusta, Suomenlinna, Helsinki, Finlande.

Yuki Okumura with kids: Fictional Anatomy [aomori ver.], Aomori Contemporary Art Centre Gallery B,

Aomori, Japon.

EXPOSITIONS COLLECTIVES 2019

Hisachika Takahashi and Yuki Okumura, MISAKO & ROSENJune, Bâle, Suisse.

Pleased to meet you. New Acquisitions in recent years, Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo, Japon.

Un Bon Début, commissariat : Christophe Veys, Galerie Artsaucarré, Mons.

Food Show 3, 3A Gallery, New York, Etats-Unis.

Beyond the reasons, Komagome SOKO, Tokyo, Japon.

Bijutsu Joron, Community Center Fujieda Shimin Kaikan, Shizuoka, Japon.

Miru, Art Kageyama, Shizuoka, Japon.

Ja, Nine, Booth 24, Art Rotterdam, Pays-Bas.

2018

Beatrice Balcou x Yuki Okumura: Double Suicide at kumagusuku, KYOTO ART HOSTEL kumagusuku, Kyoto, Japon.

Viva Villa, Villa Mediterranée, Marseille, France.

State of Statelessness, L’iselp, Bruxelles.

Re: Romantic Conceptualism: When you were here before, Couldn’t look you in the eye, New South Greenland Biennale.

HARSH ASTRAL - The Radiants 2, Green Tea Gallery at Galerie Francesca Pia, Zurich / Halle fur Kunst, Luneburg, Allemagne.

The Knowledge and Beliefs of the World, Komagome Soko, Tokyo, Japon.

2017

Constellations, Exhibition Laboratory, Academy of Fine Arts, Helsinki, Finlande.

Oomingmak, Capital, San Francisco, Etats-Unis.

2016

Leaves Without Routes, Nanmoncho 323, Taipei Botanical Garden, Taipei, Taïwan.

Hisachika Takahashi by Yuki Okumura, Ginza Maison Hermes Le Forum, Tokyo, Japon.

Cool Invitations 3, XYZ Collective, Tokyo, Japon.

Group Chofu 2016, Gallery Mirume, Tokyo, Japon.

2015

Un-Scene III, WIELS Contemporary Art Centre, Bruxelles.

Hisachika Takahashi Annotated by Yuki Okumura: Memory of Past and Future Memory,

Annet Gelink Gallery, Amsterdam, Pays-Bas.

Yuki Okumura - Monika Stricker, Japanisches Kulturinstitut Koln, Cologne, Allemagne.

Apartment Chofu, Tokong Dalam Besar Utara, Tokyo, Japon.

The Vision of Contemporary Art 2015, The Ueno Royal Museum, Tokyo, Japon.

RECALL #2/re-curate: VOCALIZE, The Ueno Royal Museum, Tokyo, Japon.

Villa Toronto, Union Station, Toronto, Canada.

2014

Translation Theme Park, Galleri 21, Malmö, Suède.

Shuzo Azuchi Gulliver & Yuki Okumura: Shi, Etablissement d’en face projects, Bruxelles.

74

2013

Roppongi Crossing 2013: OUT OF DOUBT, Mori Art Museum, Tokyo, Japon.

Antigravity, Toyota Municipal Museum of Art, Aichi, Japon.

MONIKA STRICKER, CAB, Bruxelles.

Identities in the World, Tokyo Wonder Site Shibuya, Tokyo, Japon.

Transmissions, AIRPLANE, Brooklyn, États-Unis.

From Japonism to Zen: Paul Klee and the Far East, Zentrum Paul Klee, Bern, Suisse.

Sounan, Chateau 2F, Tokyo, Japon.

2012

MOT Annual 2012: Making Situations, Editing Landscapes, Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo, Japon.

Iram Ghufran & Yuki Okumura: We are, we are..., The Guild, Mumbai, Inde.

RECALL #1/re-curate: Making Homelesses, Editing Sequences, Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo, Japon.

Dance on a Thin Line, Daegu Art Factory, Daegu, Japon.

PARADE : Invisibles in Japanese Media Arts from «Night Parade of one hundred Demons» to «IS Parade », ArtisTree, Hong Kong.

HI RATA ARAKAWA OKUMURA TANAKA, Raster, Varsovie, Pologne.

Iram Ghufran / Miatta Kawinzi / Sylvie Laplante / Yuki Okumura, iaab Projectraum «Basement,» Bâle, Suisse.

The Swiss Experience, Forum Schloss Platz, Aarau, Suisse.

The Vision of Contemporary Art 2012, The Ueno Royal Museum, Tokyo, Japon.

Memento Chofu, Tokong Dalam Besar, Tokyo, Japon.

Daikanyama Art Street, Hillside Forum, Tokyo, Japon.

2011 Invisibleness is Visibleness: International Contemporary Art Collection of a Salaryman - Daisuke Miyatsu, Museum of Contemporary Art Taipei, Taipei, Taiwan.

It is not an art center, HAPPA, Tokyo, Japon.

2010

Ties Over Time: Japanese Artists and America, Residence of the U.S. Ambassador to Japan, Tokyo, Japon.

Robots and the Arts: Visual Images in the 20th Century Japan, Aomori Museum of Art, Aomori / Shizuoka Prefectural Museum of Art, Shizuoka /Iwami Art Museum, Shimane, Japon.

Morning Glory, Former Sakamoto Elementary School, Tokyo, Japon.

For against disaster, Move Machiya Mini Gallery, Tokyo, Japon.

2009

Love Love Show, Aomori Museum of Art, Aomori, Japon.

Secret Life : Yuki Okumura / Chiang Chung-lun, Galerie Grand Siecle, Taipei, Taiwan.

Inside Outline : Yuki Okumura / Motohiro Tomii, Kabegiwa, Tokyo, Japon.

Non-Everyday: Hidden Force Fields, Hong-Gah Museum, Taipei, Taiwan.

Touch the World, Borderless Art Museum NO-MA, Shiga, Japon.

Stripe, Dots, and Skulls in Assorted Shapes, Colors and Sizes, Soka Art Center, Taiwan.

« Now that I’m by myself », she says, « I’m not by myself, which is good », DiverseWorks, Houston, Etats-Unis.

Japan Video Window, Duplex Gallery, Sarajevo, Bosnie.

Geba-Geba Summer Show - Geba-Geba 4 Weeks, MISAKO & ROSEN, Tokyo, Japon.

Goodbye Ino Clinic Open House, Ino Clinic, Tokyo, Japon.

Yvan Derwéduwé EXPOSITIONS INDIVIDUELLES 2019

The Hermit Crab & the Gastropod, Tatjana Pieters, Floraliënhal, Gand.

Un Bon Début, Galerie Artsaucarré, Mons.

2013

Prélude Pathétique, Universiteitsbibliotheek KU Leuven, Louvain.

2012

HET KUNSTWERK een gebruiksaanwijzing, Universiteit Gent, Technicum UGent, Gand.

2010

PPP (Public Private Paintings), Muzee, Ostende.

Coup De Ville, WARP, Saint-Nicolas.

75

RSVP , Aspex Gallery & Netwerk Aalst, Portsmouth, Royaume-Uni.

b-1010.be, Emmanuel Lambion, Bruxelles, Belgique.

Matchbox, Kunstwerkt, Wiels, Bruxelles.

2009

Netherworld - Cruising Netwerk, Netwerk, Alost.

Netherworld - Cruising Netwerk, Netwerk, Paul Lagring, Alost.

IF YOU FEEL SOMETHING, SAY SOMETHING, Be-Part, Waregem.

Marc Buchy EXPOSITIONS INDIVIDUELLES 2019

Tenir à l’œil, BPS22, Charleroi.

2018

On a bien accroché, Maison Grégoire, Bruxelles.

2017

Soleil Plein, Edmund Felson Gallery, Berlin, Allemagne.

2016

Space out, Fondation Moonens, Bruxelles.

2014

Précipitation, La Confection Idéale, Tourcoing, France.

EXPOSITIONS COLLECTIVES 2019

Conditionnel présent, Frac Grand Large, Dunkerque, France.

Un Bon Début, Galerie Artsaucarré, Mons.

Babel, ISELP, Bruxelles.

Encountered Error, Société, Bruxelles.

Embed, Katsuney, France.

Geographico, Teatro Garibladi, Palerme, Italie.

Cette Question Qui Vous Brûle Les Lèvres, CAN, Neuchatel, Suisse.

Rosa rosa rosae rosae, SB34 The Pool, Bruxelles.

2018

À l’œil, Molière Project, Bruxelles.

Hotel Cosmos, In Extenso, Clermont Ferrand, France.

Measurements, Société, Bruxelles.

The Collection for the Poor Collectors, Material, Zurich, Suisse.

Earth & Sky, Société, Bruxelles.

Poor Collectors, Sperling, Munich, Allemagne.

26.01.2018 until 05.05.2018, Catherine Bastide Projects, Marseille, France.

Tension A, Bloom Penthouse, Bruxelles.

Times to reflect on, Josza Gallery, Bruxelles.

2017

Private Choices, La Centrale, Bruxelles.

The Others Art Fair, Greylight Projects Booth, Turin, Italie.

Into thin air, Galerija SC, Zagreb, Croatie.

Montvalent Montvalent Festival, Montvalent, France.

POLDER, Glassbox, Paris, France.

Unoticed Art, Platforms Independent Art Fair, Athènes, Grèce.

Triennale de la Jeune Création, Les Rotondes, Luxembourg.

In&Out, Greylight Projects Brussels, Bruxelles.

2016

Radieuse, Fondation Frédéric de Goldschmidt, Bruxelles.

Paperworks, Antena, Chicago, Etats-Unis.

Le geste de l’admoniteur, ArchiRAAR, Bruxelles.

Bushwick Book Club, Superfine, New-York, États-Unis.

76

2015

Stan, Marc & Brut, Hidden, Bruxelles.

A Room Full of Teeth, Regina Rex, New York, Etats-Unis.

Summer Chaud, Keitelman Gallery, Bruxelles.

A sky full of silent suns, Annexes du chateau de Bourlingster, Luxembourg.

2014

Phosphène, Maison d’Odile Repolt & Francois Huet, Bruxelles.

La nuit de l’Instant, Marseille, France.

Frames2014, Glasgow, Royaume-Uni.

Traverse Vidéo Festival, Toulouse, France.

Vidéo/bar, Rennes, France.

2013 Un point à la même distance de tous les points, Journées Européenes du Patrimoine, Stand de Tir National, Tourcoing, France.

Poppositions Off-Fair, Brass, Bruxelles.

Free is Free, Point FMR, Paris, France.

Keep Me Posted !, Morgenstern Foundation, Berlin, Allemagne.

Beyond the Dutch Mountain Video, Schunck, Heerlen, Pays-Bas.

2012

Les Absents, Espace My.Monkey, Nancy, France.

Mash-My-Bits-Up, Freeze Festival, Leeuwarden, Pays-Bas.

Stoff / Stockholm Fringe Festival, Stockholm, Suède.

Copenhagen Photo Festival, Copenhague, Danemark.

Supermarket Independant Art Fair / Greylight Projects Booth, Stockholm, Suède.

Representing Abstraction, Sint Lukas Galerie, Bruxelles.

Nachtlicht, Greylight projects, Hoensbroek, Pays-Bas.

2011

22h46/04h43, Walking exhibition, our city of Brussels, Bruxelles.

Sincerely, how am I talking?, Sint Lukas Galerie, Bruxelles.

G8 & G20 Youth Summits, Paris, France.

( Some Space Left ), Garage L’Olivier, Bruxelles.

A Salon, Garage L’Olivier, Bruxelles.

2010

Meeting Istanbul, ITU, Istanbul, Turquie.

Rokko Miyoshi EXPOSITIONS COLLECTIVES 2019

De la lenteur et de la mesure, Maison Grégoire, Bruxelles.

Un Bon Début, Galerie Artsaucarré, Mons.

Défragmentation, 1,61, Bruxelles.

Inward out, Archiraar Gallery, Bruxelles.

2018

Where widowed objects meet orphaned ideas, CIAP, Hasselt.

Measurements, Société, Bruxelles.

5.0V LI-ION, TAC, Eindhoven, Pays-Bas.

Tension A – Formes Minimales, Penthouse AR, Bruxelles.

Times to reflect on, Jozsa Gallery, Bruxelles.

Notus, Athènes, Grèce

2017

Dalonaz II, Royal, Bruxelles.

Remainders, Netwerk, Alost.

Reviewing Authorship, LUCA, Bruxelles.

Friche Group Show, Bruxelles.

2016

Friche Group Show, Bruxelles.

77

Harlan Levey Projects Art ‘n’ Bloom, Bruxelles.

2015

Performative drawings, BOZAR, Bruxelles.

2013

Installation, B gallery, Bruxelles.

Marianne Mispelaëre EXPOSITIONS PERSONNELLES 2019

Sounds Make Worlds, Art Encounters Foundation, Timisoara, Roumanie.

2018

On vit qu’il n’y avait plus rien à voir, Grand prix du Salon de Montrouge, Palais de Tokyo, Paris, France.

Double Trouble, vitrine du FRAC Ile-de-France, Paris, France.

2017

Echolalia, Galerie Martine Aboucaya, Paris, France.

2016

Between Two Fires, Schauraum, Nürtingen, Allemagne.

2015

You know what I don’t tell, Gedok e.V, Stuttgart, Allemagne.

2011

Un livre éclate, Galerie du théâtre G. Philipe. Frouard, France.

EXPOSITIONS COLLECTIVES 2019

Occupations, Galerie Salle Principale, Paris, France.

Ré-flexions. Autour des nouvelles acquisitions, FRAC Alsace, Sélestat, France.

De leur temps, Fondation Lambert, Avignon, France.

BABEL, ISELP, Bruxelles, Belgique.

Messages Silencieux, Maison de la région, Strasbourg, France

Un Bon Début, Galerie Artsaucarré, Mons.

De la lenteur et de la mesure, Maison Grégoire, Bruxelles.

Some of us, Kunstwerk Carlshütte, Büdelsdorf, Allemagne.

Une partie de campagne, Château d’Esquelbecq, France.

2018

Ô Boulot !, Maif Social Club, Paris, France.

Curator’s choice, Galerie Springer, Berlin, Allemagne.

Last Cry, Salon du Salon, Marseille, France.

Curator Exquis, Greylight Projects, Bruxelles.

Le corps parlant, Institut Français, Brazzaville, Congo.

Paralèlle, regional 19. CEAAC, Strasbourg, France.

Chut... Écoutez, ça a déjà commencé, Eac les Roches, Chambon-sur-Lignon, France.

1968 / 2018, Des métamorphoses à l’œuvre, La Terrasse, Nanterre, France.

Une Aventure à plusieurs dimensions, Galerie du Haut Pavé, Paris, France.

Biennale de la jeune création européenne 2017 - 2019, Danemark, Lettonie, Roumanie.

2017

Récits / Écrits, Galerie mfc-michèle didier, Paris, France.

Invitation without exhibition, Galerie Martine Aboucaya, Paris, France.

Jet Lag / Out of sync. Triennale Jeune Création, Luxembourg, Luxembourg.

Biennale de la jeune création européenne 2017 - 2019, Montrouge, France.

62ème Salon de Montrouge, Montrouge, France.

Acte I - Pourparlers et autres manipulations, DOC, Paris, France.

Paper Tigers Collection & Co, Syndicat Potentiel, Strasbourg, France.

2016

Horizon (2016), Le Magasin des Horizons - CNAC, Grenoble, France.

Textes, Images, Récits, CDLA - Centre Des Livres d’Artistes, St-Yrieix-la Perche, France. Histoire de formes, Les Tanneries - CNAC, Amilly, France.

2015

Kunstpreis Robert Schuman, Stadtmuseum Simonstift, Trèves, Allemagne.

78

Il faut qu’il se passe quelque chose, organisée par Le Magasin — CNAC, Grenoble, France.

Les cimes des arbres, peut-être, Galerie Iconoscope, Montpellier, France.

La mécanique des gestes, Galerie du théâtre de Privas, France.

Bande Passante, Bazaar compatible program #92, Shanghaï, Chine.

2012

Formes brèves, autres, FRAC Lorraine, Metz, France.

Eine zierde für den verein, Regionale 13. projektraum m54, Bâle, Suisse.

Zeichnen, Zeichnen, toujours, toujours, toujours, Regionale 13. Kunsthalle, Mulhouse, France.

L’amour du risque, FRAC Alsace, Sélestat, France.

2011

Übersetzen, Atelier Wilhelmstrasse, Stuttgart, Allemagne.

La part manquante, Galerie M. Journiac, Paris, France.

Séance tenante, FRAC Alsace, Sélestat, France.

Wilfredo Prieto EXPOSITIONS PERSONNELLES 2019

Chinese Whispers, Messen de clerq Gallery, Bruxelles.

Chiudere un occhio, Fondazione Morra Greco, Naples, Italie.

2018

Houses without people, people without houses, Annet Gelink Gallery, Amsterdam, Pays-Bas.

Thank you, gracias, NoguerasBlanchard, Madrid, Espagne.

Dans la rue Saint-Gilles, Fondation Brownstone, Paris, France.

2017

En la mente de Dios, NoguerasBlanchard, Madrid, Espagne.

Papas, piedras, Mendes Wood DM, Sao Paulo, Brésil.

Swan bones. Massimo Minini, Brescia, Italie.

2016

Setouchi Triennale Ibukijima Community Area, Setouchi, Japon.

No se puede hacer una revolución con guantes de seda, Kurimanzutto, Mexico City, Mexique.

Substance, Bank Vault Gallery, Hong Kong, Chine.

2015

Loophole, Annet Gelink Gallery, Amsterdam, Pays-Bas.

Ping Pong Grid, Museo Nacional de Bellas Artes, La Havane, Cuba.

System Error, Museo de Arte Contemporaneo del Zulia, Maracaibo, Venezuela.

2014

The View of the Garden of Helene Hollandt, Kunstverein Braunschweig, Allemagne.

Speaking Badly about Stones, S.M.A.K., Gand.

Wood in Trees, Center for Contemporary Art, Tel Aviv, Israël.

2013

A coffee made by Di, Nogueras Blanchard, Madrid, Espagne.

An illuminated rock, an unilluminated rock, NoguerasBlanchard, Barcelone, Espagne.

2012 Leaving something to chance, Sala de Arte Público Siqueiros, Mexico City, Mexique. Balancing the Curve, HangarBicocca, Milan, Italie.

Sad Circus, 11th Havana Biennial, Calzada y J, La Havane, Cuba.

2011

The Emperor’s new clothes, Annet Gelink Gallery, Amsterdam, Pays-Bas.

Wilfredo Prieto, Constructivist and deconstructivist meadow as viewed from a home sofa with your feet on the table, Spirito Due, Complesso Monumentalle Santo Spirito in Sassia, Rome, Italie.

Wilfredo Prieto, Pradera constructivista y deconstructivista vista desde el sofá de la casa con los pies sobre la mesa, ARTIUM, Vitoria-Gasteiz, Espagne.

Wilfredo Prieto: Kran, Kunstverein Arnsberg, Allemagne.

Tied up to the table leg, Centro de Arte 2 de Mayo (CA2M), Móstoles, Espagne.

Left/Right, MARCO Museo de Arte Contemporánea de Vigo, Vigo, Espagne.

Landscape with the fall of Icarus, Kunsthalle Lissabon, Lisbonne, Portugal.

2010

Black, matt, dry, NoguerasBlanchard, Barcelone, Espagne.

2009

I am making Art, Wilfredo Prieto & Ignacio Uriarte, Taka Ishii Gallery, Kyoto/Tokyo, Japon.

79

EXPOSITIONS COLLECTIVES 2019

Un Bon Début, Galerie Artsaucarré, Mons.

Caixa Preta, Pivô, Sao Paulo, Brésil.

Landlord Colors : On Art, Economy, and Materiality, Cranbrook Art Museum, Michigan, États-Unis.

CODA Paper Art, CODA Museum, Apeldoorn, Pays-Bas.

Poradores de sentido: Arte contemporáneo de la Colecció Patricia Phelps de Cisneros, Museo Amparo, Mexico, Mexique.

Ética y Estética, Museo de Ciencias, La Havane, Cuba.

Presque Rien, Galerie Geukens de Vil, Anvers.

Vrsaje infinito, XIII Bienale de La Havana, La Havane, Cuba.

2018

Other Walks, Other Lines, San Jose Museum of Art, San Jose, États-Unis.

Trust, Les Brasseurs Art Contemporain, Liège.

2017

Adiós Utopía, Walker Art Museum, Minneapolis, États-Unis.

Vida Quieta, CDAV, La Havane, Cuba.

Contemporary Perspectives since 1989, Museum Ludwig Forum, Aachen, Allemagne.

No siempre que estuvimos / estuvimos, Casa Museo Lope de Vega, Madrid, Espagne.

Pabellón Cubano, Bienal de Venecia, Venise, Italie.

South-South: Let me begin again. Goodman Gallery, Le Cap, Afrique du Sud.

2016

After Breton, De Nederlandsche Bank, Amsterdam, Pays-Bas.

Galería Acacia y Servando, La Havane, Cuba.

Setouchi Triennale 2016 Ibukijima Community Area, Setouchi, Japon.

CUBA. TATUARE LA STORIA, PAC, Milan, Italie.

Under the Same Sun: Art from Latin America Today, South London Gallery, Londres, Royaume-Uni.

Gestos mínims d’incidència màxima, ParadaZero, Barcelone, Espagne.

WATCHDOG-LAPDOG-PLAYDOG, NoguerasBlanchard, Barcelone, Espagne. Transhumance, CAB Art Center, Bruxelles.

Nano-, Centro de Desarrollo de las Artes Visuales, La Havane, Cuba.

Mistaken Impressions, Root Division Gallery, San Francisco, États-Unis.

WHITE CUBE... LITERALLY, Gallery Isabelle van den Eynde, Dubai, Émirats Arabes Unis.

2015 Daniel Buren, Sol Lewitt, Wilfredo Prieto, Charles Ray, Pamela Rosenkranz, Joe Zorrilla. Hannah Hoffman Gallery, Los Angeles, Etats-Unis.

A.N.T.H.R.O.P.O.C.E.N.E., Meessen De Clercq Gallery, Bruxelles.

WAR II. Mostyn, Mostyn, Royaume-Uni.

After Bretton. De Nederlandsche Bank, Amsterdam, Pays-Bas.

Imperceptibly and Slowly Opening, Sector 2337, Chicago, États-Unis.

Another Part of the New World, Moscow Museum of Modern Art, Moscou, Russie.

The Metabolic Age. MALBA, Buenos Aires, Argentine.

The Lulennial: A Slight Gestuary, Lulu, Mexico City, Mexique.

Ocho mesas: entre el instante y el gesto pictórico, La Tallera, Cuernavaca, Mexique.

Catch 22, Y-Gallery, New York, États-Unis.

Unplace, virtual exhibition, Fundação Calouste Gulbenkian, Lisbonne, Portugal.

Back to the Future, Annet Gelink Gallery, Amsterdam, Pays-bas.

Itinerarios XXI. Fundación Botín, Santander, Espagne.

2014

Food Now, Organic devices of applied linguistics, June First Gallery, Berlin, Allemagne.

Open Corner. Listado poético de una colección, Biblioteca Central de Cantabria, Santander, Espagne.

Small, Frutta, Rome, Italie.

Collective Collection, BBB centre d’art, Toulouse, France.

NuitBlanche, Toronto, Canada.

Art Festival Watou, Watou.

80

Some artists’ artists, Marian Goodman Gallery, New York, Etats-Unis.

A Story. Art, architecture and design from 1980 until now, Pompidou, Paris, France.

Double sens, Centre d’Art la Panera, Lleida, Espagne.

Under the Same Sun: Art from Latin America Today, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, États-Unis.

Chapter III. Manifesto. Art today, facing the doubts, Fabra i Coats Centre d’Art Contemporani, Barcelona, Espagne.

Permission to be Global. Prácticas Globales, Museum of Fine Arts Boston, Boston, Etats-Unis.

SLAPSTICK! The Art of Comedy, LENTOS Kunstmuseum, Linz, Autriche.

About sculpture #1, Rolando Anselmi, Berlin, Allemagne.

Para quebrar los muros. Un proyecto de intervención, Museo Nacional de Bellas Artes, La Havane, Cuba.

2013

Permission to be Global. Latin American Art, CIFO Art Space, Miami, État-Unis.

Spanish Lessons (a Project by Gabriel Orozco), Marian Goodman, New York, États-Unis.

Dilated Biography: Contemporary Cuban Narratives, School of the Museum of Fine Arts, Boston, États-Unis.

Gracia Divina. El humor como estrategia artística, Sala Gasco, Santiago de Chile, Chili.

Mixed Message Media, Gladstone Gallery, New York, États-Unis.

Emergency Pavilion: Rebuilding Utopia, Collateral Event of the 55th International Art Exhibition–La Biennale di Venezia, Venise, Italie.

The Right to the City, SMBA–Stedelijk Museum Amsterdam, Amsterdam, Pays-Bas. Jetztzeit (el tiempo del ahora) + La espalda del ángel, Centre d’art la Panera, Lleida, Espagne.

Nessun Oggetto e’Innocente, Frac Corse, France.

Opinione Latina, Francesca Minini, Milan, Italie.

Open spaces l secret places, MdM Museum der Moderne Salzburg Mönchsberg, Vienne, Autriche.

Objects in Mirror are closer than they appear, Galería Isabel Hurley, Málaga, Espagne.

For my eyes only, VJP Collection, UGM Maribor Art Gallery, Maribor, Slovénie.

2012

Detective, Galerie Andreas Huber, Vienne, Autriche.

When Attitudes Became Form Become Attitudes, CCA Wattis Institute for Contemporary Art, San Francisco, États-Unis.

Objects in Mirror are closer than they appear, Asnova Architects, Utrecht, Pays-Bas.

Primer acto: Inauguración, Museo Tamayo, Mexico City, Mexique.

Now Here is also Nowhere, Henry Art Gallery, Seattle, Etats-Unis.

Salvajes. Digesting Europe Piece by Piece, Traneudstillingen, Hellerup, Danemark

Hacer el fracaso, Casa Encendida, Madrid, Espagne.

Keeping up Appearances, Nassauischer Kunstverein (NKV), Wiesbaden, Allemagne.

2011

Collection V. CA2M Fund Selection, CA2M, Madrid, Espagne.

About:blank, Kunsthalle Münster, Münster, Allemagne.

Los impolíticos, Espacio de Arte Contemporáneo, Montevideo, Uruguay.

Copa América: Videoarte latino-americana contemporanea, Paço das Artes, Sao Paulo, Brésil.

Cities and Things That Matter, Lombard Fried Projects, New York, États-Unis.

Bananas is my Business: The South American Way, Carmen Miranda Museum, Rio de Janeiro, Brésil.

Untitled,12th Istanbul Biennial, Istanbul, Turquie.

Commercial Break, Garage Projects, 54th Venice Biennale, Venise, Italie.

Future Generation- Art Prize @ Venice, Palazzo Papadopoli, Venise, Italie.

Terrible Beauty: Art, Crisis, Change & The Office of Non-Compliance, Dublin. Contemporary 2011, Dublin, Irelande.

A Museum That is Not, Times Museum, Guangzhou, Chine.

Coup d’éclat, Focus of Résonance-Lyon Biennale, Fort du Bruissin, Centre of Contemporary Art Francheville, Lyon, France.

Barely there, Museum of Contemporary Art Detroit (MOCAD), Detroit, États-Unis.

Our Magic Hour. Yokohama Triennale 2011, Yokohama, Japon.

Crisisss. América Latina, arte y confrontación 1919-2010, Palacio de Bellas

Artes, Mexico City, Mexique.

In-Between, XIth Bienal Internacional de Cuenca, Cuenca, Espagne.

81

2010

Hide and Seek, Museum of Contemporary Art, Chicago, États-Unis.

Law of the Jungle, Lehmann Maupin, New York, États-Unis.

Nuit Blanche, Place du Trocadéro, Paris, France.

During Office Hours, VGF, Berlin, Allemagne.

De frente al sol, Galerie Martin Janda, Vienne, Autriche.

Future Generation Art Prize, Pinchuk Art Center, Kiev, Ukraine.

There is always a cup of sea to sail in, 29th Sao Paulo Biennale, Sao Paulo, Brésil. Beyond Entropy, 12th Venice Architecture Biennale, Venise, Italie.

Panamericana, Kurimanzutto, Mexico City, Mexique.

I’m Not Here. An Exhibition Without Francis Alÿs, De Appel Boys’ School, Amsterdam, Pays-Bas.

Before Everything, CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles, Madrid, Espagne.

Exhibition, Exhibition, Castello di Rivoli, Turin, Italie.

Electrified 02, Hacking Public Space, S.M.A.K., Gand.

Cosas que sólo un artista puede hacer, MARCO, Vigo, Espagne.

Cosas que sólo un artista puede hacer, MEIAC, Badajoz, Espagne.

Pra Começo de Século, O Museu de Arte Contemporânea (MAC) do Centro Dragão do Mar de Arte e Cultura, Fortaleza, Brésil.

GALLERY, GALERIE, GALLERIA, Norma Mangione Gallery, Turin, Italie.

2009

Los Impolíticos, Palazzo delle Arti, Naples, Italie.

Ordinary Revolutions, Museum Morsbroich, Leverkusen, Allemagne.

Jafre Biennial, Girona, Espagne.

Thessaloniki Biennial, Grèce

Stowaways, CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco, Etats-Unis.

Directions, A Palazzo Gallery, Brescia, Italie.

A la vuelta de la esquina, Casa Encendida, Madrid, Espagne.

Lisson presents 4, Lisson Gallery, Londres, Royaume-Uni.

Hypocrisy: The Sitespecificity of Morality, National Museum of Art, Architecture and Design, Oslo, Norvège.

Biennale Cuvée, Linz, Autriche.

Broken thorn, sweet blackberry, Sikkema Jenkins & CO, New York, États-Unis.

10th Havana Biennial, La Havane, Cuba.

82

Merci À l’ensemble des artistes qui ont permis la mise sur pied de cette exposition inaugurale.

L’exposition n’aurait pas été possible sans l’aide précieuse de Sophie Ferro, Gwénaëlle L’Hoste et Jonathan Puits.

L’œuvre de Cristina Garrido a été matérialisée par Aurore Boualem.

L’œuvre de Marianne Mispelaëre a gagné en visibilité grâce à la patience de Mercedes Daems, Ariane Defrain, Sacha di Filippantonio, Daphné Labbé, Aurore Lebutte, Sengül Özdemir.

Monsieur Plinguier (directeur de l’école communale des Arquebusiers - Mons) a accepté la mise place du workshop de Yuki Okumura. Qu’il en soit ici remercié, de même que Madame Nathalie qui nous a ouvert la porte de sa si charmante classe.

Le graphisme a été orchestré de main de maître par Maximilien Catania.

Que les galeries LMNO (Bruxelles), Greta Meert (Bruxelles), Nogueras Blanchard (Barcelone / Madrid) et particulièrement Martim Dias soient remerciées.

Les photographies de l’exposition ont étés réalisées par les étudiants du MASDEX dans le cadre d’un workshop orchestré par Rino Noviello.

Les textes de présentation de chaque artiste ont été écrit par les étudiants de MASDEX dans le cadre du cours de Septembre Tiberghien.

L’ensemble des corrections grammaticales et orthographiques a bénéficié de l’aide précieuse d’Alexandre De Craim.

Que Philippe Ernotte (directeur du domaine Arts visuels d’ARTS²) soit salué pour son initiative.

Crédits photographiques : Alice Montesi Rino Noviello Emmanuel Selva Alice Montesi Rino Noviello Emmanuel Selva Alice Montesi Rino Noviello Emmanuel Selva Alice Montesi Rino Noviello Emmanuel Selva Alice Montesi Rino Noviello Emmanuel Selva

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Conception graphique et mise en page

Maximilien Catania Commissaire de l’exposition

Christophe Veys Textes AD DL AL SD

Ariane Defrain Daphné Labbé Aurore Lebutte Sacha Di Filippantonio

Avec le soutien de :

Éditeur responsable : Philippe Ernotte, ARTS2, 4a rue des Sœurs Noires, 7000 Mons.

artsaucarre.be facebook.com/galerie.artsaucarre

Marc Angeli Marc Buchy Detanico & Lain Yvan Derwéduwé Catharina van Eetvelde Cristina Garrido Marianne Mispelaëre Rokko Miyoshi Yuki Okumura Wilfredo Prieto Sandra Przyczynski Pep Vidal

60 - 63 28 - 31 16 - 19 52 - 55 32 - 35 40 - 43 56 - 59 48 - 51 24 - 27 36 - 39 44 - 47 20- 23