Lost & Found

Collection Edgard F. Grima Collection Veys-Verhaevert

Collection Edgard F. Grima Collection Veys-Verhaevert

Objet trouvé :

Bien perdu pa taire et trouv sans que celu se l’approprie

r son propriĂŠĂŠ par un tiers, i-ci cherche Ă r.

TEXTES

6 Passion collection Delphine Dumont 8 Deux collectionneurs Christophe Veys 12 Au service des objets trouvés Marjolaine Lévy 62 La vie des objets Edgard F. Grima

ARTISTES

20 David Bestué

46 Pratchaya Phinthong

22 Enric Farrés Duran

48 Stéphanie Saadé

28 Pierre Gerard

52 Ariel Schlesinger

32 Suchan Kinoshita

54 Luis Urculo

34 Emmanuelle Lainé

56 Chaim Van Luit

36 Pere Llobera

58 Pep Vidal

38 mountaincutters

60 Oriol Vilanova

40 Benoît Maire 42 Mathieu Mercier 44 Roman Ondak

Passion collection Delphine Dumont

Après un parcours de 20 ans dans la communication d’entreprise et les média en France, Delphine Dumont arrive à Bruxelles il y a 15 ans où elle crée une nouvelle agence de communication en même temps qu’elle supervise la restauration d’un hôtel de maître Art Nouveau, l’hôtel Ciamberlani. Amatrice d’art contemporain et particulièrement de photographie, qu’elle collectionne, elle crée l’évènement Photo Brussels Festival en 2015. Elle prend la direction du Hangar en juillet 2016 avec pour mission la création d’un centre d’art à part entière, qui aujourd’hui est entièrement dédié à la photographie. Depuis elle y consacre tout son temps. Elle est à la fois gestionnaire du lieu et co-commissaire des expositions qui y sont organisées.

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PASSION COLLECTION

Le marché de l’art compte trois acteurs principaux : l’artiste, le marchand (qu’il soit galeriste, vendeur ou même agent) et l’acheteur. Décorer, investir, spéculer ou céder à un coup de cœur … il y a autant de raisons d’acquérir une œuvre d’art que d’individus. Mais depuis quelques décennies, un profil d’acheteur joue un rôle essentiel dans l’écosystème de l’art, tout en gagnant de plus en plus en visibilité : le collectionneur engagé.

Passionné, il achète avant tout parce qu’il aime. Nouant des relations directes avec les artistes, il leur apporte un vrai soutien. Il s’inscrit dans un engagement altruiste. Au fil de ses rencontres et connaissances, le collectionneur d’aujourd’hui est également devenu un spécialiste, sollicité à l’occasion d’expositions. Il est à la fois amateur et expert, c’est toute l’ambiguïté (et la force) de son positionnement. Collectionneur, c’est presque un métier.

L’œuvre d’une vie ?

Cette exposition « Lost & Found », organisée au Hangar à l’initiative de Edgard F. Grima et Christophe Veys, en est la plus belle démonstration. Nous y retrouvons deux amateurs passionnés, qui ont, de manière à la fois réfléchie (il y a une ligne affirmée dans leur collection) et compulsive (des achats parfois « déraisonnables », comme ils aiment le dire), amassé un nombre d’objets d’art suffisamment important pour que l’on parle de collection. Ils ont, de par leur engagement, créé des liens étroits avec les artistes. Ils en deviennent les ambassadeurs les plus fervents et légitimes. À l’époque des Médicis, on parlait alors de mécènes. Collectionneurs et mécènes, quelle est la frontière ? Ceci est une autre question…

Place à la découverte de ces quelques pièces qu’Edgard et Christophe ont bien voulu nous confier. Observez-les bien, vous y découvrirez sans doute quelque chose d’eux-mêmes. Il paraît qu’une collection livre aussi le plus beau des autoportraits.

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Deux collectionneurs Christophe Veys

Christophe Veys est historien de l’art contemporain et enseigne cette discipline à ARTS²- Mons. Il initie la collection Veys- Verhaevert en 1993. Elle s’articule autour de concepts comme l’invisibilité, l’histoire de l’art, la transmission et le langage. Constituée, à ce jour, de près de 400 œuvres, elle est principalement conservée hors de l’espace domestique. La collection est prospective, internationale et ne se limite pas en matière de médium.

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DEUX COLLECTIONNEURS

Le collectionneur n’est pas qu’un être songeant à décorer les murs de sa demeure. Il n’est pas qu’une personne aux goûts raffinés. Il n’est pas non plus qu’un accumulateur compulsif. C’est une femme ou un homme engagé dans la construction d’un projet aux contours plus ou moins définis, au périmètre variable au gré des hasards et des rencontres. C’est surtout une personne qui accompagne la vie des artistes, s’engage à leurs côtés, conserve avec attention leurs productions. C’est un visage qui rassure dans la foule d’un vernissage, un compagnon de dialogue, un défenseur passionné du travail, une mémoire de la vie et des œuvres des artistes.

Au-delà des investisseurs et des suiveurs, une nouvelle génération de collectionneurs tend à émerger. Elle a bénéficié de l’énergie de figures tutélaires comme Herman Daled, Marcel Brient, Josée et Marc Gensollen et bien d’autres. Loin des figures de milliardaires, ils sont plus proches de Dorothy & Herbert Vogel que de François Pinault ou Ronald Lauder. Ils ont pour volonté d’être des passeurs et non pas uniquement des possesseurs d’œuvres. Ils développent une pensée à propos de leur collection, organisent des expositions, fondent des espaces, imaginent de nouvelles foires d’art contemporain, parlent avec une précision mêlée d’éclats de subjectivité des œuvres dont ils viennent de faire l’acquisition.

Ils ne craignent pas d’être différents. Ils sont réflexifs. Bâtisseurs d’un tout dont personne n’a l’idée de la fin, pas même eux. Ils partagent un désir commun : celui d’être dans le monde de l’art pour les artistes et leurs œuvres. Ils sont véritablement acteurs du monde de l’art et non plus simples consommateurs. Ainsi, ils se reconnaissent parfois au hasard d’un repas, d’une visite d’atelier ou à l’inauguration d’une foire. Ce qui fut notre cas à Edgard F. Grima et moi-même.

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DEUX COLLECTIONNEURS

Au fil de quelques échanges, nous nous sommes rendus compte que nos démarches étaient proches. Ainsi, nous partageons la particularité très libératrice de ne pas forcément vivre avec nos œuvres, nous pouvons donc acquérir des pièces sans nous préoccuper de la taille de nos murs. Le filtre du réel n’entrave pas nos rêves de collectionneurs (sauf, bien entendu, celui des moyens financiers). Nous échangeons régulièrement nos points de vue et certains artistes se retrouvent dans nos deux collections. L’idée de construire un projet d’exposition ensemble est donc apparue comme un prolongement naturel de ces dialogues. Au hasard d’une rencontre avec Delphine Dumont, directrice du Hangar, l’envie s’est merveilleusement concrétisée.

Nous avons conçu cette exposition en nous interrogeant sur les points communs de nos deux territoires de collection. Nous aurions pu évoquer notre goût pour des artistes narrateurs, celle pour une forme d’art conceptuel matinée d’affect ou encore cette passion pour la génération d’artistes espagnols nés autour des années 1980. Nous avons finalement opté pour l’idée de l’« objet trouvé » mettant en lumière un intérêt partagé pour les œuvres non spectaculaires loin des prouesses techniques. Paradoxalement, cette exposition dit beaucoup de nous mais ces dévoilements n’apparaîtront qu’en filigrane. Vous ne connaîtrez pas la couleur de nos rideaux, ni nos habitudes le week-end. En revanche, vous découvrirez des œuvres qui nous ont convaincus et, aussi, que notre vie aurait moins de saveur sans elles.

Le catalogue de cette exposition a été pensé comme un facilitateur d’accès à la complexité assumée des pièces. Dans un premier temps, Marjolaine Lévy, historienne de l’art, établit une relation entre les pratiques que nous collectionnons et quelques figures de l’histoire de la modernité. Dans un second temps, chacun des deux collectionneurs présente une petite notice

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DEUX COLLECTIONNEURS

explicative de la dizaine d’œuvres issues de leurs collections respectives.

Enfin, Edgard F. Grima précise les relations qui relient chacune des œuvres entre elles et trace les nombreux enjeux que posent les artistes convoqués.

Trois angles de vue permettant de dresser un panorama du paysage constitué par une vingtaine d’œuvres.

Ainsi, nous sommes deux collectionneurs dépositaires d’un trésor de sens, qui résume bien les enjeux communs de deux collections singulières.

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Au service des objets trouvés Marjolaine Lévy

Marjolaine Lévy est docteure en histoire de l’art de l’université Paris-Sorbonne (Paris IV) et professeure d’histoire l’art et du design graphique à l’École européenne supérieure d’art de Bretagne (Rennes).

Elle est l’auteure de nombreuses études consacrées à des artistes contemporains. Elle collabore régulièrement aux Cahiers du Musée national d’art moderne et à la revue Interwoven. Elle a récemment publié un ouvrage sur le revival moderniste, intitulé « Les Modernologues », édité au Mamco (Genève), ainsi que les textes de catalogues des expositions « Hétérotopies. Des avant-gardes dans l’art contemporain » (Musée d’art moderne et contemporain de Strasbourg), « Laëtitia Badaut Haussmann. La politesse de Wassermann » (Maison Alvar Aalto) et « Lettres à Marianne Brandt » (Galerie My Monkey, Nancy). Elle a récemment été la commissaire de l’exposition « Re-Corbusier » à la fondation Le Corbusier (Paris), ainsi que de l’exposition « 26 x Bauhaus » dans les instituts français d’Allemagne et a dirigé l’ouvrage « 20 ans d’art en France. Une histoire sinon rien », consacré à la scène artistique française des années 1990 à aujourd’hui, édité par Flammarion.

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AU SERVICE DES OBJETS TROUVÉS

La vie post-duchampienne du readymade a connu une importante péripétie au tout début des années 1960, à travers deux expositions : la première, « A Look at Recent Bay Area Art », au MoMA de San Francisco, en septembre 1960 ; et la seconde, « The Art of Assemblage », très fameuse, au MoMA de New York, en octobre 1961. Les deux célébraient la nouvelle fortune artistique d’objets de la vie quotidienne, parfois même de francs rebuts, que des artistes tels que Wallace Berman, Bruce Conner, Joseph Cornell, George Herms, Edward Kienholz ou Robert Rauschenberg avaient un jour choisi de glorifier, en les bricolant ou en les assemblant. Parmi la cinquantaine d’œuvres de l’exposition new-yorkaise, l’une d’elle, Repository (1961) de George Brecht, qui consiste en un meuble à compartiments, fait de quelques planches de bois, dans lequel cohabitent des objets de natures différentes — une balle de tennis, une ampoule, des brosses à dents ­— semble condenser la plupart des préoccupations des artistes présentés dans l’exposition « Lost & Found ». Les œuvres qui y sont exposées ont en effet l’objet trouvé comme dénominateur commun. La petite grille métallique contenue dans la boîte Central Park Carroussel, in Memoriam (1950) de Joseph Cornell, exposée dans « The Art of Assemblage », aurait pu être « sauvée » par Mathieu Mercier, qui fait du quadrillage le motif cardinal de Still untitled (2001), un Mondrian bricolé. La composition néo-plasticienne est faite ici de planches en piteux état, récupérées dans la rue, recouvertes d’un coup de peinture blanche et de quelques bouts d’adhésif. Le vocabulaire géométrique des avant-gardes historiques s’énonce dans l’idiome du rebut, pour proposer au regard une version trash de la grille mondrianesque. Cette tension entre l’objet trouvé, bricolé, et celui du Bel Art, trouve également à se manifester avec Casper Westrik (2017) de Pere Llobera. L’artiste, sans illusion, se fait bricoleur, non sans rappeler la figure du bricoleur telle qu’elle est pensée par Claude Lévi-Strauss dans La Pensée sauvage : celui qui élabore « des ensembles structurés, non pas directement avec des ensembles structurés, mais 1. Claude Lévi-Strauss, en utilisant des résidus et des débris d’événements1 ». Ici, l’événement La Pensée sauvage (1962), Paris, Pocket, collection n’est autre que la rencontre de l’artiste, lors d’un vernissage, avec « Agora », 1990, p. 36. un certain Casper Westrik, avec qui il entretiendra par la suite une correspondance. Llobera reçoit un jour, de son ami, une boîte contenant les

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AU SERVICE DES OBJETS TROUVÉS

débris d’un vase en porcelaine, de la colle et l’instruction de le restaurer.

Sous les mains de l’artiste bricoleur, le précieux vase ne retrouvera pas sa superbe originelle, mais laissera voir les stigmates de la destruction, un peu à l’image de son propriétaire, désormais interné dans un hôpital psychiatrique.

L’activité de prélèvement, de chinage ne se conjugue pas nécessairement à un savant bricolage. L’objet trouvé est parfois laissé tel quel, dans la tradition du readymade canonique. Jordi (2017) d’Enric Farrés Duran est une table trouvée dans les couloirs de la Escola Massana, école d’art de Barcelone où il a étudié et où il enseigne, sauvée et convertie en œuvre 2. Il est intéressant de d’art par l’artiste alors qu’elle était sur le point de terminer sa vie noter que les tables de Massana ont dans une décharge publique 2 . Elle conserve les taches de peinture lavuEscola passer de nombreux artistes, tels que Ignasi et autres marques de son passage dans l’atelier des étudiants. Alors Aballí, Jaume Plensa, et qu’elle servait de support aux objets d’art en cours de fabrication, David Bestué, présent l’exposition « Lost & c’est elle qui maintenant connaît les honneurs de l’exposition et du dans Found ». jugement esthétique, grâce au geste de Farrés Duran et de Jordi, le régisseur ayant fait basculer l’objet, pour la première fois, de l’horizontal à la verticale. Face à de telles reliques picturales de l’atelier, on se souvient des Tischmatten (1976-1997) de Dieter Roth, plateaux de carton ou de bois dont l’artiste recouvrait les tables et sur lesquels se déposaient les traces de son activité domestique, ou des Working Tables (2012) de Franck Scurti, tables de peintres du dimanche ramassées par l’artiste sur le trottoir, dont il a détouré en blanc l’ensemble des macules puis qu’il a accrochées au mur, ou encore d’Anticultural Positions (2010) de Paul Sietsema, film en noir et blanc donnant à voir des images des tables de travail de l’artiste, couvertes de marques et de taches. Ainsi, dépourvu de sa fonctionnalité d’origine, le bureau de Farrés Duran trouve-t-il désormais droit de cité sur le mur du white cube.

L’attention des artistes se porte parfois dans les recoins mêmes de l’atelier. Et les objets qu’il s’agit d’élever au rang d’œuvres ne sont pas bas qu’au figuré, ils le sont souvent littéralement. C’est le cas de Staubstelle (2005) de Suchan Kinoshita, qui ranime le souvenir des Élevages de poussière (1920) de Marcel

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AU SERVICE DES OBJETS TROUVÉS

Duchamp, photographiés par Man Ray, de Poussière de poussière (1977) de Robert Filliou et plus encore peut-être des Dirt Paintings (1953) de Robert Rauschenberg. Les petits détritus de l’atelier de Kinoshita ont échappé à l’aspirateur – promu lui-même readymade du nouveau (The New), en 1979, par Jeff Koons –, et vont se transformer, au fil des mois, en un volume de particules diverses, témoin de l’activité de l’artiste. Non loin de là, un significatif changement d’échelle s’opère. Avec Boule de métal (2015) de David Bestué, ce ne sont désormais plus les reliefs de l’atelier qui sont amassés mais des déchets provenant de la ville tout entière (débris de chantier, de lampadaires, de vélo, de poubelle …) qui se retrouvent pétrifiés dans une minuscule sphère de six centimètres de diamètre.

Diriger son regard vers le bas pour ramasser les surprises de l’asphalte, c’est aussi ce que fait Stéphanie Saadé avec A Necklace of Found Beads (2014-).

Au gré de ses baguenaudes dans les rues de Paris, de Beyrouth, d’Amsterdam ou de Mexico, Saadé collecte, accumule et collige des perles, de tailles et de couleurs différentes, misérables rejetons des sols urbains. L’artiste se fait flâneuse, chiffonnière, collectionneuse de billes de plastique, de verre ou de bois, proche du poète décrit par Walter Benjamin dans Le Livre des 3. Walter Benjamin, Paris, passages3 , qui déambule dans la ville en collectant et transformant les capitale du XIXe siècle.

Le Livre des passages, rebuts en rébus. Ce fétichisme du collectionneur offre à ces oubliés de trad. Jean Lacoste, Paris, l’histoire de l’art et de l’histoire tout court un nouveau destin, une exisÉditions du Cerf, 1989. tence esthétique et expositionnelle à laquelle ils n’étaient pas voués.

Suspendu au mur, resté ouvert, le collier de Saadé ne sera jamais porté, et ne sera bouclé que lorsque le nombre des précieux ornements aura atteint l’âge de l’artiste. Saadé poursuit sa quête à la recherche de la perle perdue, comme Chaim Van Luit qui, quant à lui, collecte des bagues. Arpentant les bois avec un détecteur de métaux, l’artiste ramasse des bagues colorées de pigeons, pour leur assurer une authentique promotion sculpturale, en les alignant sur un socle, dans un dégradé chromatique parfait (Lost and Found Pigeon Rings, 2018). Les cartes postales collectionnées par Oriol Vilanova auraient pu suivre le même trajet que l’un des volatiles de Van Luit. L’artiste alimente sans relâche sa collection de cartes postales, faite de spécimens

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AU SERVICE DES OBJETS RETROUVÉS

aux thématiques fort différentes, enrichie par des visites quotidiennes dans les marchés aux puces de Bruxelles. Ex Aequo (2012), une pièce composée de deux cartes, nous plonge dans l’histoire de l’Exposition universelle, officiellement Exposition internationale des « arts et des techniques appliqués à la vie moderne », ouverte à Paris en mai 1937. Une carte donne à voir le pavillon russe, réalisé par Boris Iofan, couronné de la monumentale sculpture L’Ouvrier et la Kolkhozienne de Vera Moukhina, icône du réalisme socialiste soviétique. L’autre image montre le pavillon allemand, conçu par Albert Speer, architecte en chef du régime nazi. La proximité des deux cartes postales joue sur la situation même des deux pavillons, qui se faisaient face dans les jardins du Trocadéro, comme la prémonition du conflit à venir et en même temps d’un accord sur le statut de l’art en tant qu’instrument de propagande. Les deux documents d’Ex Aequo dotent la banale image de carte postale d’un dramatique poids politique. À travers le prélèvement de fragments du réel, ces artistes inventent un monde, un petit monde dans le monde. Georges Didi-Huberman décrit Walter Benjamin comme « un chiffonnier de la mémoire »4 , en citant notam- 4. Georges DidiHuberman, Devant le ment un passage de Sens unique 5 où l’auteur parle des enfants qui temps, Paris, Minuit, « Critique », jouent souvent avec des objets déclassés, des rebuts, et construisent collection 2000, p. 99-110. des mondes, des récits, à partir de l’agencement de ces objets. Il est 5. Walter Benjamin, Sens tentant de reconnaître dans le travail de ces artistes chiffonniers cette unique [1928], trad. de par J. Lacoste, dimension de l’enfance et du jeu. « Les enfants se sentent irrésistible- l’allemand Paris, Les Lettres ment attirés par les déchets qui proviennent de la construction, du Nouvelles-Maurice Nadeau, 1978, p.150. travail ménager, ou du jardinage, de la couture ou de la menuiserie.

Ils reconnaissent dans les résidus le visage que l’univers des choses leur présente à eux seuls. Ils créent ainsi eux-mêmes leur monde de choses, petit monde dans le grand »6 . Ces lignes de Benjamin semblent magni6. Walter Benjamin, Sens fiquement s’appliquer à l’art de Kinoshita, de Bestué, de Saadé, ou unique [1928], trad. de par J. Lacoste, encore de Vilanova, à cette propension que ces artistes ont à réunir et l’allemand Paris, Les Lettres à conserver résidus et reliquats de toutes sortes, ainsi qu’à l’aptitude Nouvelles-Maurice Nadeau, 1978, p.151. de ces objets et formes à créer un univers singulier, bref à leur pouvoir toujours renouvelé et renouvelable de se transformer en œuvres d’art.

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AU SERVICE DES OBJETS RETROUVÉS

C’est aussi un geste enfantin qui fait naître Pocket Money of My Son (2007) de Roman Ondák. Il a dérobé les quelques pièces de monnaie qui remplissaient les poches de son fils pour les poser sur une petite tablette fixée au 7. Roman Ondák a découpé, dans sa mur de l’espace d’exposition, relique de la table de cuisine de l’artiste7. table de cuisine, autant Arraché à la réalité, l’insignifiant butin trouve ici une nouvelle valeur. de tablettes que lui permettait sa surface. Le L’anoblissement de l’objet familial est à nouveau pratiqué, mais de larcin du père à son fils singulière façon, par Golden Memories (2015-2018) de Stéphanie s’est donc renouvelé à plusieurs reprises pour Saadé. L’artiste a recouvert à la feuille d’or une photographie de son faire exister les autres éditions de Pocket enfance. Dans la mesure où cette image n’avait de sens que pour elle, Money of my Son. il est assez légitime que Saadé l’ait ainsi recouverte. Le souvenir de l’enfance restera à jamais dissimulé au public, mais en contrepartie celui-ci pourra percevoir son reflet sur la surface dorée.

Du Junk Mondrian à la banale photographie de famille dorée à la feuille, l’exposition « Lost & Found » donne à voir et à apprécier, grâce à l’experte quête des collectionneurs, la gamme complète des relations que l’art et l’objet trouvé ont su nouer de longue date.

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David Bestué, Enric Gerard, Suchan Kin Lainé, Pere Llobera, Benoît Maire, Mathi Ondak, Pratchaya P Saadé, Ariel Schlesi ChaimVan Luit, Pep 18

FarrĂŠs Duran, Pierre oshita, Emmanuelle mountaincutters, eu Mercier, Roman hinthong, StĂŠphanie nger, Luis Urculo, Vidal, Oriol Vilanova.

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COLLECTION VEYS-VERHAEVERT

David Bestué Bola de Hierro (limaduras de puente, via, pilar, estatua, coche, bicicleta, papelera, ancla, reja y farola, entre otros) - 2015

David Bestué sillonne les villes et en perçoit les spécificités architecturales autant que leur âme profonde. Pour lui, l’histoire, les coutumes, les traditions, la moindre de nos habitudes sont presque des matériaux au même titre que le bois, le fer ou le béton par exemple. Cette petite sphère est le fruit d’un lent compactage de matériaux parfaitement hétéroclites. Comme un résumé du bouillonnement urbain.

Poussières de pont, poutre, pilier, statue, voiture, bicyclette, poubelle, ancre, clôture, lampadaire, entre autres et résine 6 cm de diamètre Œuvre unique

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C O L L E C T I O N E D G A R D F. G R I M A

Enric Farrés Duran Jordi - 2017

Enric Farrés Duran a récupéré les tables de travail d’une prestigieuse école d’art de Barcelone et s’est contenté de les faire passer de l’horizontalité à la verticalité en leur conférant ainsi le statut d’œuvres d’art.

Artiste et professeur, il questionne ainsi la notion d’« authorship » à travers une démarche appropriationniste littérale mais aussi la nature profonde du geste créatif et artistique. Des dizaines d’élèves ont travaillé dur sur ces tables pour créer la meilleure œuvre possible et pourtant c’est ce qui a débordé, taché, troué… qui sera exposé et vendu comme une œuvre.

Est-ce le geste conscient et précis ou au contraire le non-décidé, le rebut qui donne sa valeur artistique à un objet ? Il questionne aussi, non sans humour, le regardeur qui ne peut s’empêcher de voir dans ces « débordements plastiques » des courants artistiques et d’autres œuvres d’art.

Techniques diverses sur bois 200 x 100 x 7 cm Œuvre unique

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COLLECTION VEYS-VERHAEVERT

Enric Farrés Duran 15 Figura (Tableaux 1456) - 2017

La pratique d’Enric Farrés Duran est malicieuse. Invité à réaliser deux expositions dans un laps de temps très court, il propose des formes similaires mais aux gestes très différents. Le premier espace, très vaste, revisite la pratique du ready-made en proposant l’exposition de plateaux ayant servi de tables dans une école d’art qu’il fait passer de l’horizontalité utilitaire à la verticalité d’un objet à contempler. Le second espace d’exposition, plus petit, reçoit un ensemble de fragments de tables dont les formats correspondent aux standards édictés au milieu du XVIIe siècle par l’Académie royale des Beaux-Arts. Portraits, paysages, marines sont autant de proportions normées par l’instance académique ici découpées arbitrairement pour produire des tableaux abstraits dans lesquels on se surprend à voir, ici, un fragment de Cy Twombly ou, là, une évocation des tracés d’Ellsworth Kelly.

Techniques diverses sur bois 65.2 x 54.6 x 1.5 cm Œuvre unique

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C O L L E C T I O N E D G A R D F. G R I M A

Enric Farrés Duran Fotolibro - 2019

C’est à Arles, à l’occasion de sa visite aux Rencontres de la photographie, qu’Enric Farrés Duran a trouvé cet objet. Fidèle à sa pratique mêlant coïncidence et ironie, c’est en ramenant un album photo sans photos d’un des plus grands festivals de photographie au monde qu’il entend nous parler d’image. Vidé de son contenu et fixé à l’horizontal, l’artéfact perd sa fonctionnalité et devient sculpture... ou simplement une image. C’est à la fois toutes les possibilités de représentations du monde... et aucune.

Et si finalement, il n’y avait vraiment rien à voir ?

Album photo 30 x 48 x 3 cm Œuvre unique

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C O L L E C T I O N E D G A R D F. G R I M A

Pierre Gerard Modifié - 2017

Toujours conçues à partir de matériaux de récupération souvent naturels, les intrigantes sculptures de Pierre Gerard ne s’expliquent pas. Les matériaux pauvres et familiers sont récoltés, réunis, assemblés dans un équilibre étrangement précaire mais stable. Ces réagencements habiles et modestes dégagent une poésie délicate et nous forcent à redécouvrir sensiblement ce qui nous était devenu quotidien.

Bois de cageot, cylindre en carton, verre 22,3 x 22,3 x 24,7 cm Œuvre unique

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COLLECTION VEYS-VERHAEVERT

Pierre Gerard Fontaine Plâtre - 2018

Rencontrer l’œuvre de Pierre Gerard est une expérience sensible comme peut l’être la lecture d’un poème. Il y a chez lui un mélange improbable de réel, de magie et d’un savoir-faire à l’apparence anodine. Il récolte, taille, découpe et assemble des fragments de nos vies. Souvent de petits riens que l’on oublie mais qu’il fait résonner. Les choses se répondent, rentrent en connexion ou en affrontement dans un étonnant équilibre. Chaque vitrine possède sa modalité propre de conception et de maintien des volumes qu’elle protège.

Bois, cylindre en carton, verre, plâtre, velcro, sparadrap 19,7 x 50,8 x 23,6 cm Œuvre unique

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COLLECTION VEYS-VERHAEVERT

Suchan Kinoshita Staubstelle - 2005

Suchan Kinoshita est née d’un père japonais et d’une mère allemande.

Cette singularité familiale, à cheval sur deux cultures, est probablement l’une des sources de la pluralité de sa pratique. Issue des arts de la scène, elle se joue de l’espace et du temps. Elle interroge nos rapports au temps : la fluidité, la lenteur sont ainsi des notions importantes dans son œuvre. Staubstelle est un titre générique que l’artiste utilise depuis les années 1990 pour différentes installations. Cet objet est issu de la présentation monographique que l’artiste avait proposée à ARCO Madrid en 2005. Ces conglomérats de poussières, sorte de boules de neige faites de microrésidus de réel ponctuaient de-ci de-là un environnement plus global.

Poussières 10 cm de diamètre Œuvre unique

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COLLECTION VEYS-VERHAEVERT

Emmanuelle Lainé Suspension volontaire de la crédulité, Scène 1 - 2019

Emmanuelle Lainé est une artiste dont les œuvres naissent des contextes dans lesquels elles voient le jour. Invitée à réaliser une exposition individuelle dans la tour panorama de la Friche de la Belle de mai à Marseille durant l’été 2019, elle y croise les objets du quotidien et des artéfacts rencontrés dans les réserves du MUCEM. L’art de Lainé est une immersion dans un espace où l’imprévisible côtoie le banal. Grâce aux outils numériques, les échelles sont bouleversées. L’objet au centre de la composition ne mesure en réalité que 30 cm de haut. Mais il semble être une sorte de statuaire de péplum. Le déclassement, la relégation ou, à l’opposé, la productivité, la muséification des objets sont quelques pistes d’entrées dans cet univers.

Tirage lambda sur dibond, caisse américaine, verre musée 100 x 134 cm Œuvre unique

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C O L L E C T I O N E D G A R D F. G R I M A

Pere Llobera Casper Westrik - 2017

Casper Westrik, œuvre éponyme, tient une place à part dans l’œuvre du peintre catalan Pere Llobera. Pendant un vernissage, l’artiste rencontre un personnage étrange, Casper Westrik, avec qui il entretiendra une correspondance décousue. Un jour, Pere reçoit une mystérieuse boîte contenant un vase cassé en mille morceaux avec un mot de Casper lui intimant d’en faire une œuvre. Démuni face à ce défi, Pere entreprend de reconstituer le vase avec de la colle, sans que le résultat soit probant.

Entre-temps, Casper s’est volatilisé. Après des mois de recherches, Pere retrouve sa trace dans une institution psychiatrique. Sans le savoir, Pere comprend que Casper lui avait demandé de faire son portrait, celui d’un homme brisé.

Porcelaine, colle et boîte en bois 20 x 15 x 15 cm Œuvre unique

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C O L L E C T I O N E D G A R D F. G R I M A

mountaincutters Objet incomplet (Anatomie d’un corps absent) - 2019

Le duo mountaincutters crée à partir des matériaux, des objets, des récits et des fantômes qu’ils trouvent sur les lieux qu’ils sont invités à investir.

Selon le principe romain des spolia, réutilisation d’un élément architectural existant comme matériau de construction d’un nouvel édifice, leurs sculptures sont des agrégats étranges cherchant leur point de bascule ou de rupture. Ici, une chaise d’enfant aux proportions idéales est simplement posée en équilibre précaire sur trois petites roues de verre, la quatrième étant légèrement décalée. Cette mise en tension évoque la présence fantomatique d’un corps, tout en convoquant des forces physiques toujours prêtes à vaciller, chanceler, échouer.

Chaise en bois, verre 35 x 35 x 63 cm Œuvre unique

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COLLECTION VEYS-VERHAEVERT

Benoît Maire Le fruit défendu - 2014

Benoît Maire navigue d’un médium à l’autre. Ses nombreuses lectures, souvent philosophiques, sont un terreau fertile pour ses créations : des peintures de nuages ou de savants assemblages aux secrets bien gardés.

Cette photographie a connu deux vies dans l’œuvre de l’artiste : elle fut d’abord un carton d’invitation pour une exposition, puis elle devint une photographie à part entière. On y voit un homme qui cueille des dés, symbole de la chance ; en somme un cueilleur de bonne fortune, comme l’est l’artiste qui sait ramasser les fruits du hasard.

Tirage lambda 16,5 x 22,5 cm Edition 1/12

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C O L L E C T I O N E D G A R D F. G R I M A

Mathieu Mercier Still Untitled - 2001

À travers le recyclage, Mathieu Mercier fait un bilan fin de siècle sur le concept de modernité développé par les avant-gardes. Dans le sillage de Duchamp et de Warhol, l’artiste approfondit sa réflexion sur la notion d’œuvre unique, de copie, d’original, d’édition, de reproductibilité, de pastiche. Il fait un clin d’œil ironique à une approche académique de la peinture du temps où les élèves copiaient leurs maîtres afin d’acquérir leurs compétences. En choisissant Mondrian, le peintre le plus utilisé et reproduit en merchandising, il fait également allusion à la dimension économique de l’art.

Collage sur bois peint 34,5 cm x 28,5 cm Œuvre unique

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COLLECTION VEYS-VERHAEVERT

Roman Ondak Pocket money of my son - 2007

La pratique de Roman Ondak puise fréquemment dans son quotidien, et ici plus particulièrement dans son rôle de père. La tablette est une découpe de sa table de cuisine. Il y dépose quelques pièces. Cette menue monnaie a été volée au fond des poches de son fils. Une inversion des rôles où le père profite des avoirs de son enfant. Un butin qui se transforme en œuvre par la volonté d’un père artiste raconteur d’histoires.

Tablette en bois, pièces de monnaie 30 x 21,5 x 2,5 cm Exemplaire 4/10

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COLLECTION VEYS-VERHAEVERT

Pratchaya Phinthong Spoon - 2019

Cette œuvre de Pratchaya Phinthong est produite dans une province du Laos. Elle s’inscrit en résonnance avec ces populations et le contexte dans lequel elles vivent. Ce pays fut l’un des plus bombardés au monde entre 1964 et 1973. Plus de 250 millions de tonnes de bombes à fragmentation furent larguées par l’armée américaine, dont environ 30% n’ont pas explosé. Les habitants du village de Napia transforment les bombes pour réaliser des cuillers qu’ils vendent aux touristes. Phinthong fond la cuiller et polit la masse afin de la transformer en miroir, qu’il vend en offrant une part des bénéfices aux populations locales.

Métal 53,4 g Œuvre unique d’une série ouverte

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C O L L E C T I O N E D G A R D F. G R I M A

Stéphanie Saadé A necklace of found beads - 2014-…

Depuis 2014, Stéphanie Saadé récupère des perles de pacotille trouvées sur les trottoirs de Paris, Beyrouth, Amsterdam, Mexico…

Les perles sont enfilées sur une chaîne en or présentée ouverte et qui ne sera refermée que le jour où le nombre de perles trouvées correspondra à l’âge de l’artiste à ce moment-là. L’artiste s’engage à envoyer au collectionneur chaque nouvelle perle trouvée. Course contre le temps soumise au plus pur hasard, la pièce questionne nos errances, nos différentes façons de percevoir le temps et l’objet comme vecteur de mémoire et créateur de lien.

Chaîne en or 18 carats, 25 perles trouvées Dimensions variables Œuvre unique

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C O L L E C T I O N E D G A R D F. G R I M A

Stéphanie Saadé Golden memories - 2015-2018

Une photographie d’enfance de l’artiste est recouverte d’or. Inaccessible, le souvenir du passé renvoie maintenant à la réflexion du présent.

La mémoire est sacrifiée puis transcendée par l’art. Le collectionneur devient le gardien de l’enfance de l’artiste.

Photo d’enfance, feuille d’or 24 carats 10 x 15 cm Œuvre unique

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C O L L E C T I O N E D G A R D F. G R I M A

Ariel Schlesinger The Kid M 25 - 2019

Une photo d’une fenêtre fracturée est encadrée avec le verre brisé photographié. La mise en abyme nous oblige à un changement de perspective dans notre travail de regardeur quelque peu brouillé par ce geste.

Le sujet de la pièce devient un élément structurel dans la forme de la pièce elle-même. Inspiré par une scène du film muet, The Kid, de Charlie Chaplin mettant en scène un vitrier casseur de vitres, Ariel Schlesinger questionne l’évidence du regard. Dans son travail, l’accident, le désastre, la catastrophe révèlent l’essence des objets et leur potentiel. Casser un objet équivaut à libérer ce qui se cache à l’intérieur.

Tirage photographique, bois et verre 54,5 x 34,2 cm Œuvre unique

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COLLECTION VEYS-VERHAEVERT

Luis Urculo Listado - 2018

Luis Urculo liste, classe, dresse des inventaires. Son univers, aux ramifications nombreuses, le fait se pencher sur des questions aussi variées que les motifs des pierres utilisées par de grands architectes ou l’aventure de la conquête spatiale. Il utilise des médium aussi différents que la sculpture, la vidéo, le texte ou le dessin. C’est un croisement de ces deux derniers qui est présenté ici. Un dessin liste un étrange inventaire à la Prévert. Pourtant, ces objets ont un point commun : ils ont tous été déposés ou oubliés par l’homme sur la Lune. L’artiste se réapproprie donc ce listing constitué au fil des voyages lunaires par la Nasa.

Encre sur papier 76 x 57 cm Œuvre unique

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C O L L E C T I O N E D G A R D F. G R I M A

Chaim Van Luit Lost and found pigeon rings - 2018

Chaim Van Luit est un arpenteur. Fasciné par ce qui est caché, il se balade dans les forêts, parfois sans en avoir le droit, avec un détecteur de métaux, et récolte des objets enfouis sous terre qui deviennent souvent la matière première de ses œuvres. Au fur et à mesure de ses pérégrinations, il a trouvé des bagues de pigeons voyageurs. Ces bagues signifient que le pigeon est mort d’une manière ou d’une autre puisque le message n’a pas atteint sa destination. Un message doit aller d’un émetteur à un récepteur mais, ici, tombé au milieu, son sens reste caché. L’arc de cercle devient comme le lien invisible entre l’émetteur et le récepteur. De ce dégradé multicolore joyeux formé par l’ensemble et de cet amoncellement morbide de reliques, une forte ironie se dégage. Comme le fabuleux échec de la communication humaine. Le monde aurait-il été un peu différent si ces messages étaient arrivés à leurs destinataires ?

Bagues de pigeons en métal et plastique sur présentoir 28 x 73 x 20 cm (présentoir inclus) Œuvre unique

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C O L L E C T I O N E D G A R D F. G R I M A

Pep Vidal Penultimate step (True Love forever) - 2017

Pep Vidal juxtapose deux blocs de Zerodur achetés sur eBay. Le Zerodur est un mélange de verre et de céramique qui permet d’avoir un plat parfait. Utilisé dans l’industrie et la recherche optique, il permet une précision ultime pour le travail au laser. Mais la parfaite planéité des surfaces ne laisse pas passer l’air et peut provoquer un effet d’aimantation. Ainsi, un danger plane sur cette pièce : si les deux blocs sont placés l’un devant l’autre et collés, ils s’aimantent. Légende ou réalité ? Faire l’expérience dénaturerait la pièce : ce ne serait plus deux éléments mais un seul. Entre science et poésie, Pep Vidal fait un écho platonicien à la notion de couple, de binarité, de gémellité et questionne la bonne distance entre les êtres.

Zerodur 2 x (6,5 cm x 5 cm) Œuvre unique

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COLLECTION VEYS-VERHAEVERT

Oriol Vilanova Ex aequo (Yo he visto lluvias grises correr hacia las olas) - 2012-2020

Oriol Vilanova est un collectionneur-artiste. Il choisit, amasse, trie. Parmi les objets qui retiennent son attention apparaissent les cartes postales.

Il les chine sur des marchés aux puces principalement. Il les choisit non pour leurs contenus mais bien pour les images qu’elles diffusent. Depuis la fin du XIXe siècle elles racontent le monde dans toutes ses dimensions : beauté des paysages, progrès techniques, mémoire d’évènements importants ou non… Ainsi, Ex æquo nous renvoie en 1937, à l’Exposition internationale de Paris. Les pavillons russe et allemand se font face. Ils rivalisent de prétentions totalitaires et furent déclarés meilleurs pavillons ex æquo. Au hasard de ses ballades, Oriol Vilanova recueille différentes cartes postales de ces deux pavillons. Chacune a vécu son existence, protégée ou malmenée des intempéries et autres ravages du temps.

Jusqu’ici, il a déjà pu réaliser une douzaine d’Ex æquo. Tous sont uniques : à la fois par la singularité des cartes retrouvées, mais aussi par le soustitre choisi, une phrase d’un poème de F. Garcia Lorca (assassiné un an plus tôt), qui contraste par l’espoir qu’elle exprime hors de cet affrontement. La pièce ici présentée a pour sous-titre : Yo he visto lluvias grises correr hacia las olas (« J’ai vu de grises pluies courir après les vagues »).

Cartes postales 37 x 47 cm Œuvre unique

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La vie des objets Edgard F. Grima

Scénariste et réalisateur, Edgard F. Grima acquiert sa première œuvre d’art en 2014. Depuis, il vit son activité dévorante de collectionneur à la fois comme un geste créatif, un jeu intellectuel et un engagement.

Ses choix témoignent d’un intérêt pour des artistes contemporains à la démarche souvent conceptuelle dont le geste est simple et radical. Le processus créatif, l’histoire de l’art, le langage et l’écriture sont les principales thématiques émergeant de l’ensemble.

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LA VIE DES OBJETS

Qu’est-ce qu’une collection si ce n’est une succession d’« objets trouvés » ?

L’artiste perd-il son œuvre lorsque le collectionneur la trouve ? Possède-t-on totalement les œuvres qu’on collectionne ? À travers une sélection d’œuvres issues de nos collections, Christophe Veys et moi-même, tentons d’ausculter la relation si particulière qui unit l’artiste et le collectionneur.

La figure du glaneur est une bonne définition du collectionneur. Il « tombe » sur des œuvres et ne peut s’empêcher, en suivant une logique qui lui est propre et qui le révèle à lui-même, d’en faire l’acquisition afin de les juxtaposer à d’autres dans l’espoir de trouver à cette accumulation un sens qu’il définit à l’avance ou qui en émergerait.

Mais certains artistes sont, eux aussi, des glaneurs, et créent à partir des matériaux et des objets qu’ils trouvent au gré de leurs errances. Qu’il s’agisse de Stéphanie Saadé auscultant l’asphalte des capitales, de Chaim Van Luit arpentant les forêts hollandaises, d’Ariel Schlesinger visitant les maisons abandonnées d’un continent à l’autre, de David Bestué sillonnant les rues de Barcelone ou d’Oriol Vilanova parcourant quotidiennement les marchés aux puces de Bruxelles, nous sommes face à des artistes pour qui le déplacement et la flânerie sont au cœur de la création.

Comme le constate Thierry Davila dans Marcher, créer1 , la figure de l’homme qui marche est plus que jamais une des définitions possibles de l’artiste contemporain. La mondialisation du marché de l’art le condamne au nomadisme, il crée en mouvement et agrège des bouts du vaste monde – devenu si petit – en faisant confiance au hasard créateur figuré par l’arbre à dés de Benoît Maire : plus de toiles, de pigments ou de glaise mais des perles de pacotille, des bagues de pigeons, des bris de verre ou des cartes postales…

1. Thierry Davila, Marcher, Créer : déplacements, flânerie, dérives dans l’art de la fin du XXe siècle (2002), Paris,Éditions du Regard.

Parfois, aussi, les artistes s’arrêtent de marcher. Le lieu d’exposition devient alors le point de départ de leur création. Emmanuelle Lainé déploie ses vastes installations en arrangeant de façon non hiérarchique objets trouvés,

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LA VIE DES OBJETS

articles ménagers, éléments personnels et œuvres d’art, et élabore ainsi des tableaux à la complexité visuelle saisissante. Le langage sculptural des mountaincutters naît, lui aussi, in situ. Ils incorporent ce qu’ils trouvent dans leur environnement immédiat et inventent une esthétique de chantier ou de laboratoire jusqu’à ce que l’œuvre et le lieu ne fassent plus qu’un. À l’heure où l’on parle de décroissance salutaire dans des sociétés saturées de biens de consommation, certains artistes s’engagent politiquement à ne pas surcharger notre planète de nouveaux objets. Si Luis Urculo nous parle de colonisation spatiale en dressant la liste des objets déjà abandonnés par l’homme sur la Lune, Pratchaya Phinthong rend hommage à la résilience d’un peuple à travers la résilience d’une matière qui fut, tour à tour, arme de destruction massive, petite cuiller nourricière puis œuvre d’art. Le Mondrian rafistolé de Mathieu Mercier tente ironiquement de trouver sa place entre les chefs-d’œuvre du pionnier de l’abstraction et leurs reproductions mercantiles. Pierre Gerard, lui, s’évertue à recycler les déchets du quotidien dans des détournements sculpturaux et poétiques. Ici, la modestie de la technique devient vision du monde. Le geste politique de l’artiste est prolongé par celui du collectionneur qui, en faisant l’acquisition – à rebours de toute démarche spéculative – de ces « pauvres objets », questionne les notions de valeur et d’utilité au cœur de nos systèmes économiques occidentaux.

Déchets, rebuts, débris... Comment un objet du quotidien acquiert le statut d’objet d’art par le seul geste de l’artiste ? Dans un atelier, les idées s’accumulent, tout comme la poussière que Suchan Kinoshita n’a qu’à laisser s’amonceler pour nous parler de l’artiste au travail. Il suffit à Enric Farrés Duran de faire passer une table d’étudiant ou un album photo de l’horizontalité fonctionnelle à la verticalité expositionnelle pour conférer une nouvelle aura à l’objet et interroger ainsi l’histoire de l’art. Même minimalisme d’intervention chez Pep Vidal, qui se contente de juxtaposer deux blocs de zerodur pour nous livrer une vertigineuse réflexion sur l’amour et chez Roman Ondak qui s’amuse à brouiller la frontière entre l’espace intime et l’espace muséal et nous dit, au passage, que créer, c’est forcément trahir un peu.

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LA VIE DES OBJETS

La collection s’envisage souvent comme un portrait. À travers le puzzle que forment les œuvres accumulées se dessine peu à peu le visage du collectionneur. « Qui es-tu ? » est la question que pose le portraitiste à son sujet lorsqu’il tente d’en capter l’essence. C’est pourtant en recollant maladroitement les bouts épars d’un vase cassé que le peintre catalan Pere Llobera a réalisé le plus troublant portrait. Presque à son insu, son passe-temps, entre deux tableaux, est devenu la tentative vaine de ragréer une personnalité brisée en mille morceaux.

La notion de perte et de don est au cœur de la relation artiste/collectionneur. L’artiste perd un objet en le donnant au collectionneur et ce n’est qu’en consentant à ce sacrifice que l’art devient un métier et non un hobby.

Ainsi, le protocole de certaines œuvres oblige l’artiste et le collectionneur à établir un lien au long cours : Stéphanie Saadé promet d’envoyer les prochaines perles qu’elle trouvera sur son chemin au collectionneur et Oriol Vilanova fait de même avec des cartes postales qui viendront compléter certaines de ses œuvres toujours « in progress ». Parfois, l’objet a une telle valeur symbolique pour l’artiste – les photos de famille de Stéphanie Saadé par exemple – qu’il doit s’en séparer pour le céder au collectionneur, qui devient ainsi le dépositaire d’un ready-made sensible. En lui donnant le statut d’œuvre d’art, l’artiste transcende le souvenir attenant à l’artéfact et lui confère ainsi une forme d’éternité.

Nous sommes deux collectionneurs ayant l’originalité de ne pas vivre avec leur collection. Ainsi, notre étrange activité consiste à acquérir des objets que nous ne voyons pas. En somme, nous les perdons à la minute où nous les trouvons ! Bâtir une exposition est donc pour nous une façon de « retrouver » ces objets perdus dans nos mémoires.

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Lost and found

Property lost by its owner and found by someone else without trying to appropriate it.

A passion for collecting Delphine Dumont

Après un parcours de 20 ans dans la communication d’entreprise et les média en France, Delphine Dumont arrive à Bruxelles il y a 15 ans où elle crée une nouvelle agence de communication en même temps qu’elle supervise la restauration d’un hôtel de maître Art Nouveau, l’hôtel Ciamberlani. Amatrice d’art contemporain et particulièrement de photographie, qu’elle collectionne, elle crée l’évènement Photo Brussels Festival en 2015. Elle prend la direction du Hangar en juillet 2016 avec pour mission la création d’un centre d’art à part entière, qui aujourd’hui est entièrement dédié à la photographie. Depuis elle y consacre tout son temps.

Elle est à la fois gestionnaire du lieu et co-commissaire des expositions qui y sont organisées.

There are three main players in the art market: the artist, the dealer (whether a gallery owner, seller or even agent) and the buyer. Decorate, invest, speculate or give in to an impulse... there are as many reasons to acquire a work of art as there are individuals. But in recent decades, a buyer profile has played an essential role in the art ecosystem, while gaining more and more visibility: the committed collector.

Passionate, he buys above all for love. Cultivating direct relationships with artists, he gives them real support. He is part of an altruistic commitment. Through his encounters and acquaintances, today’s collector has also become a specialist, solicited for exhibitions. He is both an amateur and an expert, which is the whole ambiguity (and

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strength) of his position. Collecting is almost a profession. The work of a lifetime?

Organized at the Hangar on the initiative of Edgard F. Grima and Christophe Veys, the “Lost & Found” exhibition is the finest demonstration of this: Two passionate amateurs who, in a way that is both purposeful (there is an assertive strain in their collection) and compulsive («unreasonable» purchases at times, as they like to say), have amassed a number of art objects large enough to be called a collection. Through their commitment, they have created close ties with the artists to become their most fervent and legitimate ambassadors.

In the age of the Medici, they were referred to as patrons. Where is the borderline between collectors and patrons? That is another question...

Time to discover these few works that Edgard and Christophe have kindly entrusted to us. Take a close look at them, and you will undoubtedly discover something in and of themselves. A collection is also said to convey the most beautiful self-portrait.

Two collectors Christophe Veys

Christophe Veys est historien de l’art contemporain et enseigne cette discipline à ARTS²- Mons. Il initie la collection Veys- Verhaevert en 1993. Elle s’articule autour de concepts comme l’invisibilité, l’histoire de l’art, la transmission et le langage. Constituée, à ce jour, de près

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de 400 œuvres, elle est principalement conservée hors de l’espace domestique. La collection est prospective, internationale et ne se limite pas en matière de médium.

A collector is not just someone who wants to decorate the walls of his home. He is not just a person with refined tastes. Nor is he just a compulsive hoarder. A collector is a man or a woman engaged in the construction of a project with more or less defined contours, with a scope that varies depending on chance and encounters. Above all, he or she is an essential part of the life of artists, a person who commits himself or herself at their side, carefully curating their output. A collector is a reassuring face in the crowd at an opening, a companion for dialogue, a passionate defender of the work, a memory of the life and works of the artists.

Beyond the investors and followers, a new generation of collectors is emerging. It has benefited from the energy of tutelary figures such as Herman Daled, Marcel Brient, Josée and Marc Gensollen and many others. Far from billionaires, they are closer to Dorothy & Herbert Vogel than to François Pinault or Ronald Lauder. They have the will to be ferrymen and not only owners of artworks. They develop a thought about their collection, organize exhibitions, found spaces, imagine new contemporary art fairs, speak with precision peppered with bursts of subjectivity about the works they have just acquired.

They are not afraid to be different. They are reflective. Builders of a whole of which nobody has the idea of the end, themselves included. They share one common desire: to be in the art world for the artists and their works. They are truly actors of the art world and not mere consumers. Thus, they sometimes recognize each other by chance during a meal, a visit to a studio or the inauguration of a fair. This was the case for Edgard F. Grima and myself.

After a few discussions, we realized that our approaches were close. For instance, we share the very liberating characteristic of not necessarily living with our works, so we can acquire works without having to worry about the size of our walls.

The filter of reality does not hinder our dreams as collectors (financial means aside, of course).

Moreover, we regularly exchange our points of view and some artists can be found in both our collections. The idea of mounting an exhibition together therefore seemed like a natural extension of these dialogues. A chance meeting with Delphine Dumont, the director of the Hangar, led to a marvellous fruition.

We conceived this exhibition by exploring what our two collecting realms had in common. We could have evoked our taste for narrative artists, for a conceptual art form with a dawning of emotion, or

the passion for the generation of Spanish artists born around the 1980s. We finally opted for the idea of the «found object», highlighting a shared interest in unspectacular works far from technical prowess. Paradoxically, this exhibition says a lot about us, but these insights will appear only as a watermark. You will not know the colour of our curtains, nor our habits on weekends. On the other hand, you will discover works that have convinced us and, also, that our life would have been more bland without them.

The catalogue of this exhibition has been thought as an access facilitator to the assumed complexity of the pieces. First, the art historian Marjolaine Lévy establishes a relationship between the practices we collect and some figures from the history of modernity. In a second step, each of the two collectors presents a short explanatory note on the ten or so works from their respective collections.

Finally, Edgard F. Grima specifies the relationships that link each of the works together and traces the many challenges posed by the artists invited to attend. Three vantage points afford a panoramic view of the landscape made up of some twenty works.

We are therefore two collectors, custodians of a treasure trove of meaning, which sums up well the common stakes of two singular collections.

At the service of found objects Marjolaine Lévy

Marjolaine Lévy holds a doctorate in art history from the University of Paris-Sorbonne (Paris IV) and is professor of art history and graphic design at the European School of Art in Brittany (Rennes). She is the author of numerous studies devoted to contemporary artists. She is a regular contributor to the Cahiers du Musée national d’art moderne and the periodical Interwoven. She recently published a book on the modernist revival, entitled Les Modernologues, through the MAMCO (Museum of Modern and Contemporary Art) (Geneva), as well as the texts of exhibition catalogues: «Hétéropies. Des avantgardes dans l’art contemporain» (Strasbourg Museum of Modern and Contemporary Art), «Laëtitia Badaut Haussmann. La politesse de Wassermann» (Maison Alvar Aalto) and «Lettres à Marianne Brandt» (My Monkey Gallery, Nancy). She recently curated the exhibition «Re-Corbusier» at the Le Corbusier Foundation (Paris), as well as the exhibition «26 x Bauhaus» at the French Institutes in Germany and edited a book entitled «20 ans d’art en France. Une histoire sinon rien» devoted to the French art scene from the 1990s to the present day, published

by Flammarion.

The post-Duchampian life of the readymade went through a major upsurge in the early 1960s with two exhibitions: the first, «A Look at Recent Bay Area Art» at the MoMA in San Francisco in September 1960; and the second, the very famous

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«The Art of Assemblage» at the MoMA in New York in October 1961. Both celebrated the new artistic fortunes of everyday objects, at times even scraps, that artists such as Wallace Berman, Bruce Conner, Joseph Cornell, George Herms, Edward Kienholz and Robert Rauschenberg had once chosen to glorify by tinkering with or assembling them. One of the fifty or so works in the New York exhibition, George Brecht’s Repository (1961), which consists of a compartmentalized piece of furniture made of a few planks of wood, in which objects of different kinds - a tennis ball, a light bulb, toothbrushes - cohabitate, seems to condense most of the concerns of the artists presented in «Lost & Found». The common denominator of the works exhibited here is the found object. The small metal grid contained in Joseph Cornell’s Central Park Carrousel, in Memoriam (1950), exhibited in «The Art of Assemblage», could have been «saved» by Mathieu Mercier, who makes the grid the cardinal motif of Still untitled (2001), a cobbled Mondrian.

The neo-plasticist composition here is made up of boards in a pitiable state, salvaged from the street, covered with a coat of white paint and a few scraps of adhesive. The geometric vocabulary of the historical avant-gardes is expressed in the idiom of scrap, to offer the viewer a trashy version of the Mondrianesque grid. This tension between the found object, which has been tinkered with, and that of Bel Art, is also evident in Pere Llobera’s Casper Westrik (2017). The artist, without illusion, becomes a tinkerer, reminiscent of the figure of the tinkerer as thought by Claude Lévi-Strauss in La Pensée sauvage [The Savage Mind]: the one who «builds up structured sets, not directly with other structured sets, but by using the remains and debris of events.”1 Here, the event is none other than the artist’s meeting, at a private viewing, with a certain Casper Westrik, with whom he would later correspond. One day, Llobera receives from his friend a box containing the debris of a porcelain vase, together with glue and instructions to restore it. The precious vase would not regain its superb original form under the hands of the tinkering artist, but would show the scars of destruction, a little like its owner, who was by then interned in a psychiatric hospital.

The activity of collecting and antiques hunting does not necessarily go hand in hand with skilful do-it-yourself. The found object is sometimes left as is, in the tradition of the canonical readymade.

Jordi (2017) by Enric Farrés Duran is a table found in the corridors of the Escola Massana, an art school in Barcelona where he studied and where he taught – a table saved and converted into a 1. Claude Lévi-Strauss, La Pensée sauvage (1962), Paris, Pocket, collection « Agora », 1990, p. 36.

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work of art by the artist when it was about to end its life in a public rubbish dump2 . It preserves the paint stains and other marks from his time in the students’ studio. Where it was once used as a support for the art objects being made, it is now itself an object honoured by being exhibited and with aesthetic judgement, thanks to the gesture of Farrés Duran and Jordi, the director who tilted the object for the first time from horizontal to vertical.

Such pictorial relics from the studio bring to mind Dieter Roth’s Tischmatten [Table mats] (19761997), cardboard or wooden plates the artist used to cover the tables and on which traces of his domestic activity were deposited, or Franck Scurti’s Working Tables (2012), Sunday painters’ tables picked up by the artist from the pavement, from which he has cut out all the white smudges and hung them on the wall, or Paul Sietsema’s Anticultural Positions (2010), a black and white film showing images of the artist’s work tables covered with marks and stains. Deprived of its original functionality, Farrés Duran’s office now finds its place on the wall of the white cube.

The artists’ attention is sometimes drawn to the very nooks and crannies of the studio. And the objects to be elevated to the rank of works of art are not low only in the figurative but also in the literal sense. A case in point is Staubstelle [Dust spot] (2005) by Suchan Kinoshita, which revives the memory of Marcel Duchamp’s Élevages de poussière [Dust breeding] (1920), photographed

by Man Ray, Robert Filliou’s Poussière de poussière [Dust of dust] (1977) and perhaps even more so Robert Rauschenberg’s Dirt Paintings (1953).

The small detritus from Kinoshita’s studio has escaped the vacuum cleaner – which is in turn was promoted as readymade of the new (The New), in 1979, by Jeff Koons - and would be transformed, over the months, into a volume of various particles, thereby bearing witness to the artist’s activity. Not far from there, a significant change of scale takes place. With David Bestué’s Boule de métal [Metal ball] (2015), it is no longer the reliefs from the studio that are collected, but waste from the entire city (building site debris, lamp posts, bicycles, rubbish bins, etc.) which are petrified in a tiny sphere six centimetres in diameter.

Stéphanie Saadé looks down to pick up surprises off the street with A Necklace of Found Beads (2014-). In the streets of Paris, Beirut, Amsterdam or Mexico City, Saadé collects, accumulates and collates beads of different sizes and colours, wretched offspring of urban soil. The artist becomes a stroller, a ragpicker, a collector of plastic, 2. It is interesting to note that the tables of the Escola Massana have seen many artists come and go, such as Ignasi Aballí, Jaume Plensa, and David Bestué, featured in “Lost & Found”.

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glass or wooden beads, close to the poet described by Walter Benjamin in The Book of Passages3 , who wanders through the city collecting and transforming scraps into puzzles. This collector’s fetishism offers these forgotten people in art history and history itself a new destiny, an aesthetic and exhibitionist existence to which they were not destined. Hanging on the wall, remaining open, Saadé’s necklace will never be worn, and will only be buckled when the number of precious ornaments has reached the age of the artist. Saadé continues her quest in search of the lost pearl, as does Chaim Van Luit, who collects rings. Scouring the woods with a metal detector, the artist collects colourful pigeon rings, to ensure an authentic sculptural promotion, aligning them on a base in perfect chromatic gradation (Lost and Found Pigeon Rings, 2018). The postcards collected by Oriol Vilanova could have followed the same path as one of Van Luit’s birds. The artist is constantly adding to his collection of postcards, made up of specimens with very different themes, enriched by daily visits to Brussels flea markets. Ex Aequo (2012), a piece composed of two cards, plunges us into the history of the Universal Exhibition, officially the “International Exhibition dedicated to Art and Technology in Modern Life” which opened in Paris in May 1937.

One map shows the Russian pavilion, designed by Boris Iofan, crowned by the monumental sculpture The Worker and Kolkhoz Woman by Vera Moukhina, an icon of Soviet socialist realism. The other image shows the German pavilion, designed by Albert Speer, chief architect of the Nazi regime. The proximity of the two postcards plays on the very location of the two pavilions, which faced each other in the Trocadero gardens, as a premonition of the coming conflict and at the same time of an agreement on the status of art as a propaganda tool.

The two documents in Ex Aequo endow the banal postcard image with dramatic political weight.

These artists invent by extracting fragments of reality - a small world within the world. Georges Didi-Huberman describes Walter Benjamin as «a ragman of memory»4 , quoting notably a passage from One-Way Street5 where the author talks about children who often play with discarded objects, scraps, and build worlds, stories, by arranging those objects. It is tempting to recognize this dimension of childhood and play in the work of

things within the greater one.”6 These lines of Benjamin’s seem to apply magnificently to the art of Kinoshita, Bestué, Saadé, or Vilanova, to the propensity that these artists have of bringing together and preserving residues and leftovers of all kinds, and to the ability of these objects and forms to create a singular world, in short to their ever renewed and renewable power to transform themselves into works of art.

A child-like gesture also gave birth to Pocket Money of My Son (2007) by Roman Ondák. He stole the few coins in his son’s pockets and placed them on a small shelf fixed to the wall of the exhibition space, a relic of the artist’s kitchen table.7 Wrested from reality, the paltry loot acquires new value here. The ennoblement of a family object is on show again, but in singular fashion, in Stéphanie Saadé’s Golden Memories (2015-2018). The artist covered one of her childhood photograph’s with gold leaf. Insofar as this image held meaning only for her, it is quite legitimate that Saadé gilt it. The childhood memory will be hidden forever from the public, who may nonetheless see their reflection on the gilt surface.

From Mondrian Junk to the banal family photograph gilded with gold leaf, the exhibition «Lost & Found» shows and appreciates, thanks to the expert quest of collectors, the full range of relationships that art and the found object have long been able to establish.

these ragmen. «Children are irresistibly drawn by the detritus generated by building, gardening housework, gardening, tailoring or carpentry. In waste products they recognize the fact that the world of things turns directly and solely to them.

Children thus produce their own small world of 3. Walter Benjamin, Paris, capitale du XIXe siècle. Le Livre des passages, translated by Jean Lacoste, Paris, Éditions du Cerf, 1989.

4. Georges Didi-Huberman, Devant le temps, Paris, Minuit, collection « Critique », 2000, p. 99-110.

5. Walter Benjamin, Sens unique [1928], trad. de l’allemand par J. Lacoste, Paris, Les Lettres Nouvelles-Maurice Nadeau, 1978, p.150.

6. Walter Benjamin, Sens unique [1928], trad. de l’allemand par J. Lacoste, Paris, Les Lettres Nouvelles-Maurice Nadeau, 1978, p.151.

7. Roman Ondák cut out as many shelves from the kitchen table as his surface area allowed. The petty theft from father to son was therefore repeated several times to bring other editions of Pocket Money of my Son into being.

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David Bestué p. 20

Metal ball (dust from bridges, beams, pillars, statues, cars, bicycles, rubbish bins, anchors, fences and street lamps, etc.) - 2015 Various metals 6 cm diameter Unique work Veys-Verhaevert Collection David Bestué travels through cities and takes in their architectural specific features as much as their deep soul. For him, history, customs, traditions, the slightest of our habits are materials almost as much as wood, iron or concrete for example. This small sphere is the result of a slow compacting of perfectly heterogeneous materials like a summary of the urban bubbling.

Enric Farrés Duran p. 22

Jordi - 2017 Various techniques on wood 200 x 100 x 7 cm Unique work Edgard F. Grima Collection Enric Farrés Duran recovered the worktables from a prestigious art school in Barcelona and simply changed the horizontal to vertical to confer the status of works of art on them. An artist and teacher, he thus questions the notion of «authorship» through a literal appropriationist approach, but also the profound nature of the creative and artistic gesture. Dozens of students have worked hard on these tables to create the best possible work and yet it is what has overflowed, stained, punctured... that will be exhibited and sold as a work of art. Is it the conscious and precise gesture or on the contrary the undecided, the waste that gives an object its artistic value? He also questions, not without humour, the beholder who cannot help but see in these «plastic excesses» artistic currents and other works of art. p. 24

15 Figura (Tables 1456) - 2017 Various techniques on wood 65.2 x 54.6 x 1.5 cm Unique work Veys-Verhaevert Collection Enric Farrés Duran’s practice is mischievous.

Invited to mount two exhibitions in a very short period of time, he proposes similar forms but with very different gestures. The first space, very vast, revisits the practice of the readymade by proposing an exhibition of worktops that served as tables in an art school, whereby he switches from

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their utilitarian horizontality to the verticality of an object to be contemplated. The second, smaller exhibition space plays host to a set of table fragments whose formats correspond to the standards laid down in the mid-seventeenth century by the Royal Academy of Fine Arts. Portraits, landscapes and seascapes are all proportions standardized by the academic body, here cut out arbitrarily to produce abstract paintings in which we are surprised to see a fragment of Cy Twombly here, or an evocation of Ellsworth Kelly’s tracings there. p. 26

Fotolibro - 2019 Photo Album 30 x 48 x 3 cm Unique work Edgard F. Grima Collection Enric Farrés Duran found this object in Arles during his visit to the Rencontres de la photographie.

Faithful to his practice of mixing coincidence with irony, he plans to get us to talk about images by bringing back a photo album without photos from one of the biggest photography festivals in the world. Emptied of its contents and fixed horizontally, the artefact loses its functionality and becomes a sculpture... or simply an image, while concurrently encompassing all the possibilities of representations of the world... and none at all.

What if there really is nothing to see in the end.

Pierre Gerard p. 28

Modified - 2017 Crate wood, cardboard cylinder, glass 22,3 x 22,3 x 24,7 cm Unique work Edgard F. Grima Collection Always made from recycled, often natural materials, Pierre Gerard’s intriguing sculptures cannot be explained. The poor and familiar materials are gathered, brought together and assembled in a strangely precarious but stable balance. These skilful and modest rearrangements exude a delicate poetry and force us to rediscover what had become our daily lives in a tangible manner. p. 30

Gypsum Fountain - 2018 Wood, cardboard cylinder, glass, plaster, Velcro, adhesive plaster 19.7 x 50.8 x 23.6 cm Unique work Veys-Verhaevert Collection Encountering the work of Pierre Gerard is as sensitive an experience as reading a poem can be. There

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is an unlikely blend of reality, magic and seemingly innocuous know-how in him. He collects, cuts, chops and assembles fragments from our lives often little things that we forget but that he makes resonate. Things respond to each other, connect or clash in an astonishing balance. Each showcase has its own way of designing and maintaining the volumes it protects.

Suchan Kinoshita p. 32

Staubstelle - 2005 Dust 10 cm diameter Unique work Veys-Verhaevert Collection Suchan Kinoshita was born to a Japanese father and a German mother. This family singularity which straddles two cultures is probably one of the sources of the plural nature of her work. Stemming from the performing arts, she plays with space and time. She questions our relationship to time: fluidity and slowness are thus important notions in her work. Staubstelle is a generic title that the artist has been using since the 1990s for various installations. This object comes from the monographic presentation that the artist proposed at ARCO Madrid in 2005. These conglomerates of dust, a kind of snowball made of real micro-residues, punctuated a more global environment here and there.

Emmanuelle Lainé p. 34

Voluntary suspension of credulity, Scene 1 - 2019 Lambda print on Dibond, American box, museum glass 100 x 134 cm Unique work Veys-Verhaevert Collection Emmanuelle Lainé is an artist whose works are born out of the contexts in which they are created. Invited to mount a solo exhibition in the panorama tower of the Friche de la Belle de Mai (a former tobacco factory) in Marseilles during the summer of 2019, she would look at everyday objects and artefacts found in the storerooms of the MUCEM (Museum of Civilizations of Europe and the Mediterranean). Lainé’s art is an immersion in a space where the unpredictable meets the banal. Thanks to digital tools, scales are overwhelmed. The object at the centre of the composition is actually only 30 cm high. But it seems to be a kind of peplum statuary. Decommissioning, relegation or, on the contrary, productivity, and the museumization of objects are some of the ways to enter this world.

Pere Llobera p. 36

Casper Westrik - 2017 Porcelain, glue and wood 20 x 15 x 15 cm Unique work Edgard F. Grima Collection Casper Westrik, the eponymous work, holds a special place in the work of the Catalan painter Pere Llobera. During a private viewing, the artist met a strange character, Casper Westrik, with whom he went on to have a piecemeal correspondence. One day, Pere received a mysterious box containing a vase broken into a thousand pieces with a note from Casper telling him to turn it into a work of art.

Daunted by this challenge, Pere tried to put the vase back together again with glue, but the result was inconclusive. In the meantime, Casper has vanished into thin air. After months of searching, Pere tracked him down in a psychiatric institution.

Pere now realized that, unbeknownst to him, Casper had asked him to paint his portrait, that of a broken man.

mountaincutters p. 38

Incomplete Object (Anatomy of an Absent Body) 2019 Wooden chair, glass 35 x 35 x 63 cm Unique work Edgard F. Grima Collection The mountaincutters duo creates works from the materials, objects, stories and ghosts they find in the places they are invited to enter. Pursuant to the Roman principle of spolia, the reuse of an existing architectural element as building material for a new building, their sculptures are strange aggregates in search of their tipping or breaking point.

Here, a child’s chair of ideal proportions is simply balanced precariously on three small glass wheels, the fourth being slightly offset. This tension evokes the ghostly presence of a body, while summoning physical forces that are always ready to waver, falter, and fail.

Benoît Maire p. 40

Forbidden Fruit - 2014 Lambda print 16.5 x 22.5 cm Edition 1/12 Veys-Verhaevert Collection Benoît Maire navigates from one medium to another. His extensive, often philosophical reading, is a

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fertile breeding ground for his creations: paintings of clouds or skilful assemblages with well-kept secrets. This photograph has had two lives in the artist’s work: it initially served as an invitation to an exhibition, and then became a photograph in its own right. It shows a man picking dice, a symbol of luck; in short, a picker of good fortune, as is the artist who knows how to pick the fruits of chance.

Mathieu Mercier p. 42

Still Untitled, interpretation of an avant-garde work on a board found in the street - 2001 Collage on painted wood 34.5 cm x 28.5 cm Unique work Edgard F. Grima Collection Through recycling, Mathieu Mercier makes a fin de siècle assessment of the concept of modernity developed by the avant-garde movements. Following in the footsteps of Duchamp and Warhol, the artist delves deeper into the notion of the unique work, the copy, the original, the edition, reproducibility, and pastiche. He gives an ironic nod to an academic approach to painting at a time when students copied their masters in order to acquire their skills. In choosing Mondrian, the most widely used and reproduced painter in merchandising, he also alludes to the economic dimension of art.

Roman Ondak p. 44

This work by Pratchaya Phinthong was produced in a province of Laos. It resonates with the people and the context in which they live. Laos was one of the most bombed countries in the world between 1964 and 1973. More than 250 million tons of cluster bombs were dropped by the US army, of which about 30% did not explode. The inhabitants of the village of Napia turn the bombs into spoons to sell to tourists. Phinthong melts the spoon and polishes the mass to turn it into a mirror. The work is then sold with a share of the profits going to the local people.

Stéphanie Saadé p. 48

A necklace of found beads - 2014-...

18 karat gold chain, 25 found beads Variable sizes Unique work Edgard F. Grima Collection Since 2014, Stéphanie Saadé has been recovering junk beads found on the pavements of Paris, Beirut, Amsterdam, Mexico City... The beads are strung on a gold chain that is presented open and will only be closed again on the day when the number of beads found corresponds to the age of the artist at that time. The artist has undertaken to send each new pearl found to the collector. A race against time subject to the purest chance, the piece questions our wanderings, our different ways of perceiving time and the object as a vector of memory and creator of a link. p. 50

Pocket money of my son - 2007 Coins 30 x 21.5 x 2.5 cm Edition 4/10 Veys-Verhaevert Collection

Golden memories, 2015-2018 Childhood photo, 24 carat gold leaf 10 x 15 cm Unique work Edgard F. Grima Collection

Roman Ondak’s practice frequently draws on his daily life, and more particularly on his role as a father. The tablet is a cut-out from his kitchen table, on which he has placed a few coins. This small change was pilfered from his son’s pockets.

A reversal of roles where the father takes advantage of his child’s assets. This loot is turned into a work of art by the will of a father who is an artist and a storyteller.

A childhood photograph of the artist is covered in gold. Inaccessible, the memory of the past now refers to the reflection of the present. Memory is sacrificed and then transcended by art. The collector becomes the guardian of the artist’s childhood.

Pratchaya Phinthong p. 46

Spoon - 2019 Metal 53.4 g Unique work of an open series Veys-Verhaevert Collection

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Ariel Schlesinger p. 52

The Kid M 25 - 2019 Photographic print, wood and glass 54.5 x 34.2 cm Unique work Edgard F. Grima Collection A photo of a broken window is framed with the photographed broken glass. The mise en abyme forces us to change perspective in our task as

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viewers, which is somewhat blurred by this gesture. The subject of the piece becomes a structural element in the shape of the piece itself. Inspired by a scene from Charlie Chaplin’s silent film, The Kid, featuring a glazier who breaks windows, Ariel Schlesinger questions the evidence of the gaze.

In his work, accident, disaster, and catastrophe reveal the essence of objects and their potential.

Breaking an object is equivalent to freeing what is hidden inside.

little different if these messages had reached their intended recipients?

Luis Urculo

Pep Vidal juxtaposes two blocks of Zerodur purchased on eBay. Zerodur is a mixture of glass and ceramics that can be used to produce a perfect dish. Used in industry and optical research, it allows for an ultimate precision in laser work. But the perfect flatness of the surfaces does not let air through and can cause a magnetizing effect. Thus, there is a danger hovering over the workpiece: if the two blocks are placed one in front of the other and glued together, they will magnetize each other.

Legend or fact? Doing the experiment would distort the room: it would no longer be two elements but only one. Between science and poetry, Pep Vidal creates a Platonic echo of the notion of the couple, binarity, and twinning and questions the right distance between beings.

p. 54

Listado - 2018 Ink on paper 76 x 57 cm Unique work Veys-Verhaevert Collection Luis Urculo lists, classifies, and draws up inventories. His world, with its many ramifications, makes him look into questions as varied as the patterns of the stones used by great architects or the adventure to conquer space. He uses mediums as different as sculpture, video, text or drawing. A cross of the latter two is presented here. A drawing lists a strange endless inventory. These objects have one thing in common nonetheless: they were all deposited or forgotten by man on the Moon. The artist thus re-appropriates this list constituted over the course of NASA lunar missions.

Chaim Van Luit p. 56

Lost and found pigeon rings - 2018 Metal and plastic pigeon rings on display 28 x 73 x 20 cm (display included) Unique work Edgard F. Grima Collection Chaim Van Luit is a surveyor. Fascinated by what is hidden, he wanders through forests, sometimes without having the right to do so, with a metal detector, and collects objects buried underground that often become the raw material for his works.

During his peregrinations, he came across rings of carrier pigeons. These rings mean that the pigeon has died in one way or another, since the message has not reached its destination. A message has to go from a sender to a receiver, but here, it has fallen in mid-journey, and its meaning remains hidden. The arc of a circle becomes like an invisible link between the sender and the receiver. A strong irony emerges from this joyful multicoloured gradation formed by the whole and from this morbid pile of relics -- like the fabulous failure of human communication. Would the world have been a

Pep Vidal p. 58

Penultimate step (True Love forever) - 2017 Zerodur 2 x (6.5 cm x 5 cm) Unique work Edgard F. Grima Collection

Oriol Vilanova p. 60

Ex aequo (Yo he visto lluvias grises correr hacia las olas) [I have seen grey showers move towards the waves] - 2012-2020 Postcards 37 x 47 cm Unique work Veys-Verhaevert Collection Oriol Vilanova is a collector-artist. He chooses, collects, and sorts. The objects that catch his attention include postcards. He searches them mainly at flea markets. He chooses them not for their contents but for the images they convey. Since the end of the 19th century, they have been narrating the world in all its dimensions: the beauty of landscapes, technical progress, memories of events, whether important or otherwise. Ex æquo thus takes us back to 1937, to the International Exhibition in Paris, where the Russian and German pavilions were facing each other. Rivals in totalitarian pretensions, they were declared the best pavilions ex æquo. Oriol Vilanova has collected various postcards of these two pavilions during his random hikes. Each one has lived its existence, protected or mistreated from inclement weather and other ravages of time. So far, he has already been able to hit on dozen of Ex aequo instances. All of them are unique: both by the singularity of the cards found,

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but also by the chosen subtitle, a phrase from a poem by F. Garcia Lorca (murdered a year earlier), which contrasts with the hope it expresses outside this confrontation. The specimen presented here is subtitled: Yo he visto lluvias grises correr hacia las olas.

The life of objects Edgard F. Grima

Scénariste et réalisateur, Edgard F. Grima acquiert sa première œuvre d’art en 2014. Depuis, il vit son activité dévorante de collectionneur à la fois comme un geste créatif, un jeu intellectuel et un engagement. Ses choix témoignent d’un intérêt pour des artistes contemporains à la démarche souvent conceptuelle dont le geste est simple et radical. Le processus créatif, l’histoire de l’art, le langage et l’écriture sont les principales thématiques émergeant de l’ensemble.

What is a collection if not a succession of «found objects»? Does the artist lose his work when the collector finds it? Do we own the works we collect?

Through a selection of works from our collections, Christophe Veys and I try to examine the very special relationship between the artist and the collector.

The figure of the gleaner is a good definition of the collector. He «falls» on works and, following a logic that is his own and that reveals him to himself, he cannot help but acquire them in order to juxtapose them with others in the hope of finding a meaning in this accumulation that he defines in advance or that would emerge from it.

But some artists are also gleaners and create from the materials and objects they find in their wanderings. Whether it be Stéphanie Saadé sounding the streets of capitals, Chaim Van Luit surveying the Dutch forests, Ariel Schlesinger visiting abandoned houses from one continent to another, David Bestué criss-crossing the streets of Barcelona or Oriol Vilanova browsing the flea markets of Brussels every day, we are faced with artists for whom movement and wandering are at the heart of creation.

As Thierry Davila notes in Marcher, créer [Walk, create]1 , the figure of a walking man is more than ever one of the possible definitions of the contemporary artist. The globalization of the art market has sentenced him to nomadism, so he creates in movement and aggregates bits of the vast world become so small, trusting in the creative chance represented by Benoît Maire’s dice tree: no more

1. Thierry Davila, Marcher, Créer : déplacements, flânerie, dérives dans l’art de la fin du XXe siècle (2002), Paris, Éditions du Regard.

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canvases, pigments or clay but junk beads, pigeon rings, broken glass or postcards...

Sometimes artists stop walking also. The exhibition space then becomes the starting point for their creation. Emmanuelle Lainé deploys her vast installations by arranging found objects, household items, personal elements and works of art in a non-hierarchical manner, thus creating paintings of striking visual complexity. The sculptural language of mountaincutters is also born in situ. They incorporate what they find in their immediate vicinity and invent a site or laboratory aesthetic until the work and the place become one.

At a time when there is talk of healthy decline in societies saturated with consumer goods, some artists are undertaking a political commitment not to overload our planet with new objects. Whereas Luis Urculo speaks to us about space colonization by listing the objects already left behind by man on the Moon, Pratchaya Phinthong pays tribute to the resilience of a people through the resilience of a material that was, in turn, a weapon of mass destruction, a little nourishing spoon and then a work of art. Mathieu Mercier’s Mondrian patchwork ironically attempts to find its place between the masterpieces of the pioneer of abstraction and their mercantile reproductions. For his part, Pierre Gerard strives to recycle waste into sculptural and poetic diversions every day. Here, the modesty of the technique becomes a vision of the world. The artist’s political gesture is extended by that of the collector who, by acquiring these «poor objects» with anything but a speculative approach in mind, questions the very notions of value and utility at the heart of our Western economic systems.

Waste, scrap, debris... How does an everyday object acquire the status of an art object through the artist’s gesture alone? In a studio, ideas accumulate, just like the dust that Suchan Kinoshita only has to let accumulate to tell us about the artist at work. All Enric Farrés Duran has to do is turn a student table or a photo album from its functional horizontality to exhibition verticality to confer a new aura on the object and thus question the history of art. The same minimalism of intervention is found in Pep Vidal, who is content to juxtapose two blocks of Zerodur to give us a vertiginous reflection on love, and in Roman Ondak, who has fun blurring the boundary between intimate space and museum space and tells us, in passing, that to create is necessarily to betray a little.

The collection is often seen as a portrait. The collector’s face emerges gradually through the puzzle

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formed by the accumulated works. «Who are you?» is the question that the portrait painter asks his subject when he tries to capture the essence of the sitter. The Catalan painter Pere Llobera created his most disturbing portrait by gluing the scattered pieces of a broken vase clumsily together. Almost unbeknownst to him, his hobby, between two paintings, has become a vain attempt to patch up a personality broken into a thousand pieces.

The notion of loss and gift is at the heart of the artist/collector relationship. The artist loses an object by giving it to the collector and it is only by making this sacrifice that art becomes a profession and not a hobby. The protocol of certain works thus obliges the artist and the collector to establish a long-lasting bond: Stéphanie Saadé promises to send the next beads she finds along her way to the collector and Oriol Vilanova does the same with postcards that will complete some of his works that are still «in progress». Sometimes, the object has such symbolic value for the artist - Stéphanie Saadé’s family photos, for example - that he or she has to part with it to give it to the collector, who thus becomes the custodian of a sensitive readymade object. By giving it the status of a work of art, the artist transcends the memory attached to the artefact, thereby conferring a form of eternity on the work.

We are two collectors with an original particularity of not living with their collection. Our strange activity accordingly consists of acquiring objects that we do not see. In short, we lose them the minute we find them! Building an exhibition is therefore a way for us to «find» those lost objects in our memories.

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Gevonden voorwerp

Voorwerp dat de eigenaar heeft verloren en dat door een derde is gevonden, die niet probeert om het zich toe te eigenen.

Passion collection Delphine Dumont

Après un parcours de 20 ans dans la communication d’entreprise et les média en France, Delphine Dumont arrive à Bruxelles il y a 15 ans où elle crée une nouvelle agence de communication en même temps qu’elle supervise la restauration d’un hôtel de maître Art Nouveau, l’hôtel Ciamberlani. Amatrice d’art contemporain et particulièrement de photographie, qu’elle collectionne, elle crée l’évènement Photo Brussels Festival en 2015. Elle prend la direction du Hangar en juillet 2016 avec pour mission la création d’un centre d’art à part entière, qui aujourd’hui est entièrement dédié à la photographie. Depuis elle y consacre tout son temps.

Elle est à la fois gestionnaire du lieu et co-commissaire des expositions qui y sont organisées.

Op de kunstmarkt zijn vooral drie spelers actief: de kunstenaar, de handelaar (bijvoorbeeld een galeriehouder, verkoper of zelfs artistiek agent) en de koper. Voor de inrichting van je interieur, om te investeren, te speculeren of wegens liefde op het eerste gezicht, … er zijn evenveel redenen om een kunstwerk in huis te halen als er mensen zijn. De laatste decennia komt vooral één kopersprofiel steeds meer op de voorgrond: de gepassioneerde verzamelaar.

Om te beginnen koopt hij vrijwel alleen wat hij zelf goed vindt. Hij probeert rechtstreeks contact te zoeken met de kunstenaar en steunt hem of haar waar hij kan. Zijn aanpak is altruïstisch. Naarmate de verzamelaar van vandaag meer kunstenaars ontmoet en meer kennis opdoet, wordt hij ook een specialist, die advies geeft bij tentoonstellingen.

Hij is tegelijk amateur en expert en aan die dubbel-

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zinnigheid ontleent hij zijn kracht. Verzamelen is bijna een beroep. De roeping van zijn leven?

Exact die attitude is kenmerkend voor deze tentoonstelling “Lost & Found”, die in Hangar plaatsvindt op initiatief van Edgard F. Grima en Christophe Veys. Beide gepassioneerde amateurs gingen zowel weloverwogen te werk (er loopt een duidelijke lijn door hun collectie) als impulsief (met “onredelijke” aankopen, zoals zij zelf graag zeggen). Zo brachten zij een voldoende aantal kunstvoorwerpen bij elkaar om van een verzameling te kunnen spreken. Door hun engagement knoopten zij nauwe banden aan met de kunstenaars. En dat leverde hen een terechte rol als enthousiaste ambassadeurs op.

In de tijd van de Medici heette zo iemand een mecenas. Waar loopt de grens verzamelaar mecenas? Dat is een andere vraag …

Maar laten wij nu enkele stukken verkennen die Edgard en Christophe ons hebben toevertrouwd.

Observeer ze goed, ongetwijfeld geven ze ook iets prijs over de verzamelaars. Wie zei ook alweer dat een verzameling het mooiste zelfportret oplevert?

Twee verzamelaars Christophe Veys Marjolaine Lévy holds a doctorate in art history from the University of Paris-Sorbonne (Paris IV) and is professor of art history and graphic design at the European School of Art in Brittany (Rennes). She is the author of numerous studies devoted to contemporary artists. She is a regular

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contributor to the Cahiers du Musée national d’art.

Modern and Contemporary Art) (Geneva), as well as the texts of exhibition catalogues.

Een verzamelaar is niet alleen maar iemand die erop uit is om zijn woning aan te kleden. Hij is niet alleen maar iemand met een verfijnde smaak. Hij heeft evenmin verzamelwoede. Het gaat veeleer om een vrouw of man die zich inzet voor een min of meer afgebakend project, dat nochtans door toeval of na ontmoetingen plots een andere richting kan uitgaan. Het is vooral iemand die het leven van de kunstenaars deelt, zich samen met hen engageert en hun productie aandachtig bewaart. Het is een vertrouwd gezicht in de massa bij een vernissage, een partner in menige dialoog, iemand die werken met passie verdedigt en een encyclopedische kennis heeft van het leven en de werken van kunstenaars.

Er treedt stilaan een nieuwe generatie verzamelaars op de voorgrond, naast de investeerders en volgers. Deze generatie put uit de energie van beschermengelen zoals Herman Daled, Marcel Brient, Josée en Marc Gensollen en zoveel anderen. In hun midden zoek je tevergeefs naar miljardairs en zij staan dichter bij Dorothy & Herbert Vogel dan bij François Pinault of Ronald Lauder. Zij willen niet alleen kunstwerken bezitten, maar ze vooral ook doorgeven. Zij denken na over hun verzameling, organiseren tentoonstellingen, creëen ruimte (letterlijk en figuurlijk), bedenken nieuwe, hedendaagse formaten voor de kunstbeurs en praten zowel heel gedetailleerd als enigszins subjectief over de werken die ze onlangs hebben verworven.

Anders zijn schrikt hen niet af. Reflectie krijgt voorrang. Zij bouwen aan een geheel waarvan niemand de uiteindelijke vorm kent, zijzelf evenmin. Hun gemeenschappelijk verlangen is gewoon om er te zijn voor de kunstenaars en hun werken.

Zij zijn echte spelers in de kunstwereld en niet alleen maar kunstconsumenten. Soms herkennen zij elkaar, toevallig, tijdens een maaltijd, bij een atelierbezoek of de opening van een beurs. Zo ging het in elk geval met Edgard F. Grima en mijzelf.

Tijdens enkele gesprekken merkten wij hoe wij vrijwel dezelfde aanpak hanteerden. Zo delen wij het specifieke en bevrijdende kenmerk dat wij niet tussen onze werken leven. Wij kunnen dus kunstwerken aankopen zonder ons af te vragen of ze wel passen op onze muren. De realiteit zet geen rem op onze droom als verzamelaars (tenzij, natuurlijk, de beschikbare financiële middelen).

Bovendien leggen wij onze standpunten regelmatig naast elkaar en bepaalde kunstenaars zitten in onze respectieve verzamelingen. Samen een tentoonstelling opzetten was bijgevolg een idee dat als vanzelf opborrelde uit onze gesprekken.

Na een toevallige ontmoeting met Delphine

Dumont, de directrice van Hangar, kreeg dit idee concreet gestalte.

Wat is de grondslag van deze tentoonstelling?

Wij hebben nagegaan wat onze twee collecties gemeenschappelijk hebben. De mogelijke antwoorden op deze vraag waren onze smaak voor kunstenaars die een verhaal vertellen, voor een conceptuele kunstvorm gekruist met aantrekking of onze gedeelde passie voor de generatie Spaanse kunstenaars die rond het jaar 1980 geboren zijn.

Maar het idee dat ons allebei het beste beviel was dat van het “gevonden voorwerp”, als illustratie van onze gedeelde belangstelling voor niet-spectaculaire werken, zonder technische hoogstandjes.

Misschien klinkt het paradoxaal dat deze tentoonstelling zoveel over ons vertelt, maar alleen voor wie goed tussen de regels door kan lezen. De kleur van onze overgordijnen en onze gewoonten tijdens het weekend zult u niet te weten komen.

Maar u zult werken ontdekken die ons hebben overtuigd en waarzonder ons leven minder smaak zou hebben.

De catalogus van deze tentoonstelling werd ontworpen om de toegang tot de aanzienlijke complexiteit van de stukken te vereenvoudigen. In het eerste deel wijst kunsthistorica Marjolaine Lévy op de relatie tussen de praktijken die wij verzamelen en enkele figuren uit de geschiedenis van de moderniteit. Het tweede deel geeft beide verzamelaars de kans om een korte uitleg te geven bij een tiental werken uit hun respectieve collecties.

Ten slotte geeft Edgard G. Grima meer uitleg bij de onderlinge relaties tussen de werken en de talrijke uitdagingen waarvoor de verzamelde kunstenaars ons stellen. Vanuit drie standpunten wordt een panorama geschetst van het twintigtal tentoongestelde werken.

Wij zijn bijgevolg twee verzamelaars-behoeders van een schat aan betekenissen, die de gemeenschappelijke uitdagingen van beide bijzondere verzamelingen goed samenvat.

In dienst van de readymades Marjolaine Lévy

Marjolaine Lévy studeerde af aan de Universiteit Paris-Sorbonne (Paris IV) als doctor in de kunstgeschiedenis. Zij is docente kunstgeschiedenis en graphic design aan de Ecole européenne supérieure d’art van Bretagne (Rennes). Zij wijdde talrijke studies aan hedendaagse kunstenaars. Zij werkt regelmatig samen met Cahiers du Musée national d’art moderne en met het tijdschrift Interwoven. Onlangs publiceerde zij een werk over de revival van het modernisme (Les Modernologues), uitgegeven bij Mamco (Genève). Zij schreef ook de teksten van de tentoonstellingscatalogi “Hétérotopies. Des avant-gardes dans l’art contemporain” (Musée d’art moderne et contemporain van Straatsburg), “Laëtitia Badaut Haussmann. La politesse de Was-

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sermann” (Maison Alvar Aalto) en “Lettres à Marianne Brandt” (Galerie My Monkey, Nancy). Zij was onlangs curator van de tentoonstelling “Re-Corbusier” in de Le Corbusier-stichting (Parijs) en van de tentoonstelling “26 x Bauhaus” in de Franse instituten in Duitsland. Zij leidde het werk “20 ans d’art en France. Une histoire sinon rien” over de Franse artistieke scène van de jaren 1990 tot nu, uitgegeven door Flammarion.

In het leven van de readymade na Marcel Duchamp was er een belangrijke ontwikkeling aan het begin van de jaren 1960. Er vonden toen twee tentoonstellingen plaats: de eerste was “A Look at Recent Bay Area Art”, in het MoMA van San Francisco in september 1960, en de tweede was de beroemde “The Art of Assemblage” in het MoMA van New York, in oktober 1961. Kunstenaars als Wallace Berman, Bruce Conner, Joseph Cornell, George Herms, Edward Kienholz en Robert Rauschenberg hadden plots besloten om voorwerpen uit het dagelijks leven, soms zelfs ronduit afval, een nieuw artistiek leven te schenken door ze op een voetstuk te zetten, ineen te knutselen of te assembleren. Eén van de zowat vijftig werken van de tentoonstelling in New York, meer bepaald Repository (1961) van George Brecht, lijkt een goede samenvatting van de meeste oogmerken van de kunstenaars die deelnemen aan de tentoonstelling “Lost & Found”. Het kunstwerk in kwestie bestaat uit een kast met vakken die met enkele planken in elkaar is getimmerd en waarin zeer uiteenlopende objecten naast elkaar liggen: een tennisbal, een lamp, tandenborstels, … De rode draad doorheen de tentoonstelling “Lost & Found’ is immers de readymade of “objet trouvé”.

Het metalen rastertje in de doos Central Park Carroussel, in Memoriam (1950) van Joseph Cornell, tentoongesteld in “The Art of Assemblage”, zou goed van pas zijn gekomen voor Mathieu Mercier, die van rasters het hoofdthema maakt in Still untitled (2001), een geknutselde Mondriaan. Deze compositie die aanleunt bij het neoplasticisme is opgebouwd uit armzalige, op straat opgeraapte planken, met een laagje witte verf erop en enkele stukjes kleefband. Het geometrische vocabularium van de historische avant-gardisten komt tot uiting in het idioom van het afval en spiegelt ons een trash-versie voor van het Mondriaanse denkschema. Deze spanning tussen het in elkaar geflanste object, de readymade enerzijds en de Schone Kunsten anderzijds, manifesteert zich ook in Casper Westrik (2017) van Pere Llobera. De kunstenaar laat alle illusies varen, wordt doe-hetzelver en verwijst naar de figuur van de knutselaar in de betekenis die Claude Lévi-Strauss eraan geeft in La Pensée sauvage : iemand die “gestructureerde gehelen samenstelt, niet rechtstreeks

met gestructureerde gehelen, maar met gebruik van overschotten en puin van gebeurtenissen”1 (vertaling). De gebeurtenis is hier gewoon de ontmoeting van de kunstenaar met een zekere Casper Westrik, tijdens een vernissage. Later voert hij een briefwisseling met hem. Llobera ontvangt op een dag van zijn vriend een doos met de scherven van een porseleinen vaas, lijm en instructies om ze te restaureren. De kunstenaar-knutselaar geeft de kostbare vaas niet haar oorspronkelijke glans weer, maar laat duidelijk de littekens van de vernietiging zien. Vrijwel hetzelfde overkwam de eigenaar van de vaas, die nu in een psychiatrische kliniek is opgenomen.

Het samplen en snuisteren gaat niet noodzakelijk samen met vernuftige doe-het-zelf technieken.

Het gevonden voorwerp wordt vaak in de toestand gelaten die het had toen het gevonden werd, in de traditie van de klassieke readymade. Jordi (2017) van Enric Farrès Duran is een tafel die gevonden werd in de gangen van de Escola Massana, de kunstschool van Barcelona, waar Enric zowel gestudeerd heeft als les gegeven. De kunstenaar redde ze net vóór ze haar leven zou eindigen op een openbare vuilnisbelt2 . Er zitten nog verfvlekken op en andere littekens die herinneren aan haar verblijf in het atelier van de studenten. Terwijl ze eerst als drager diende voor de kunstwerken die er werden gemaakt, valt haar nu de eer van een tentoonstelling te beurt en van een esthetische beoordeling, dankzij de ingreep van Farrés Duran en Jordi. De regisseur heeft het object voor het eerst van een horizontale in een verticale stand gekanteld. Dergelijke picturale relikwieën van het atelier doen denken aan Tischmaten (1976-1997) van Dieter Roth, kartonnen of houten bladen die de kunstenaar op tafels legde en die de sporen van zijn huishoudelijke activiteiten droegen, of aan de Working Tables (2012) van Frank Scurti, tafels van zondagsschilders die de kunstenaar op het trottoir had opgeraapt, waarop hij alle vlekken met wit omcirkelde en die hij dan aan de muur hing.

Dan is er ook nog Anticultural Positions (2010) van Paul Sietsema, een zwart-witfilm met beelden van de werktafels van de kunstenaar, bedekt met vlekken en andere markeringen. Ontdaan van zijn oorspronkelijke functionaliteit heeft het bureau van Farrès Duran nu de muur van de white cube ingepalmd.

De kunstenaars hebben soms veel aandacht voor de kleinste hoekjes van het atelier. En de objecten die zij tot kunstwerken verheffen zijn niet alleen maar figuurlijk laag bij de gronds, maar vaak ook letterlijk. Dat geldt voor Staubstelle (2005) van 1. Claude Lévi-Strauss, La Pensée sauvage (1962), Parijs, Pocket, collection « Agora », 1990, p. 36.

2. Interessant hierbij is dat aan de tafels van de Escola Massana heel wat kunstenaars hebben gewerkt, zoals Ignasi Aballi, Jaume Plensa en David Bestué, die zelf ook aanwezig is in de tentoonstelling “Lost & Found”.

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Suchan Kinoshita, die de herinnering oproept aan Elevages de poussière (1920) van Marcel Duchamp, gefotografeerd door Man Ray, of voor Poussière de poussière (1977) van Robert Filiou en misschien nog meer voor Dirt Paintings (1953) van Robert Rauschenberg. De kleine vuilresten van het atelier van Kinoshita zijn ontsnapt aan de stofzuiger - die ook al eens tot readymade van het nieuwe (The New) werd gekroond door Jeff Koons, in 1979 - en in de loop der maanden groeien ze aan tot een volume met diverse partikels, als getuigen van de activiteit van de kunstenares. Niet veel verder doet zich een aanzienlijke schaalverschuiving voor.

David Bestué verzamelt met Boule de métal (2015) niet de onooglijke resten van het atelier, maar afval uit de hele stad (afval van bouwterreinen, staanlampen, fietsen, vuilnisbakken, …) die hij samenbalt in een minuscuul bolletje met een diameter van zes centimeter.

Ook Stéphanie Saadé wendt de blik naar beneden om ontdekkingen te doen op het asfalt, met A Necklace of Found Beads (2014-). Tijdens haar omzwervingen in de straten van Parijs, Beiroet, Amsterdam of Mexico verzamelt Saadé parels van allerlei kleuren en afmetingen, bescheiden telgen van de stedelijke bodem die zij bundelt en bij elkaar brengt. De kunstenares flaneert en snuffelt, verzamelt bolletjes van plastic, glas of hout, in een poëtische geste die Walter Benjamin beschrijft in Das Passagen-Werk3 . De dichter loopt door de stad en verzamelt afval, waarmee hij rebussen maakt.

Dit fetisjisme van de verzamelaar schenkt deze vergeten voorwerpen van de kunstgeschiedenis en de geschiedenis in het algemeen een nieuwe bestemming, een esthetisch en expositioneel bestaan waarvoor het niet voorbestemd was. Het halssnoer van Saadé zal nooit worden gedragen: het hangt aan de muur, onafgewerkt, en het zal pas worden dichtgemaakt wanneer het aantal kostbare versierelen even talrijk is als de leeftijd van de kunstenares. Saadé blijft zoeken naar verloren parels, net zoals Chaim Van Luit, die ringen verzamelt. Deze kunstenaar doorkruist de bossen, gewapend met een metaaldetector. Hij raapt kleurrijke duivenringen op en bezorgt ze een authentieke sculpturale toekomst door ze op een sokkel te bevestigen, in een perfect kleurverloop (Lost and Found Pigeon Rings, 2018). De postkaarten die Orial Vilanova verzamelt, zouden hetzelfde traject kunnen volgen als een van de meer “vluchtige” objecten van Van Luit. De kunstenaar vult zijn collectie postkaarten de hele tijd aan, met kaarten die tot uiteenlopende thema’s behoren, door vrijwel dagelijks de vlooienmarkten van Brussel af te struinen. Ex Aequo (2012), een werk dat uit twee kaarten is samen3. Walter Benjamin, Paris, capitale du XIXe siècle. Le Livre des passages, vert. Jean Lacoste, Parijs, Éditions du Cerf, 1989.

gesteld, dompelt ons in de geschiedenis van de Wereldtentoonstelling - officieel de Internationale Tentoonstelling van kunsten en technieken toegepast op het moderne leven - in Parijs, in mei 1937.

Op één kaart zien we het Russische paviljoen van Boris Iofan, bekroond door de monumentale sculptuur De Arbeider en het vrouwelijke Kolchozlid van Vera Moukhina, een icoon van het socialistische realisme in de Sovjet-Unie. Het andere beeld toont het Duitse paviljoen, ontworpen door Albert Speer, de hoofdarchitect van het naziregime. Dat beide kaarten dichtbij elkaar liggen, is geen toeval. Ook beide paviljoenen waren recht tegenover elkaar opgetrokken in het Trocaderopark, als een voorbode van het conflict dat eraan kwam. Maar tegelijk bevestigden ze de opvatting dat kunst als propaganda-instrument kon dienen.

Door beide documenten van Ex Aequo naast elkaar te plaatsen, krijgen de banale beelden van de postkaarten een dramatisch politiek gewicht.

Door fragmenten uit de reële wereld te samplen creëren deze kunstenaars een kleine wereld in de wereld. Georges Didi-Huberman beschrijft Walter Benjamin als “een voddenraper van het geheugen”4 . Hij citeert onder andere een passage uit Einbahnstrasse5 , waarin de auteur het heeft over kinderen die vaak met afgedankte voorwerpen spelen, met afval, en die door de onderlinge opstelling van deze objecten een wereld ontwerpen en verhalen bedenken. Het is verleidelijk om een link te leggen tussen het werk van deze rondneuzende kunstenaars en de dimensie van kinderen en hun spel. “Kinderen voelen zich onweerstaanbaar aangetrokken tot afval, afkomstig van bouwactiviteiten, huishoudelijke karweien, tuinieren, naaien of houtbewerking. In deze residu’s ontwaren zij een wereld die voor alle anderen verborgen blijft.

Zij creëren als het ware hun eigen kleine wereld van de dingen, binnenin de grote wereld”6 . Deze regels van W. Benjamin lijken wonderwel van toe passing op de kunst van Kinoshita, Bestué, Saadé of Vilanova. Deze kunstenaars voelen immers de drang om allerlei residu’s en overblijfselen bijeen te brengen en te bewaren en ze hebben de capaciteit om met deze objecten en vormen een eigen universum te creëren. Kortom, ze beschikken over een zichzelf vernieuwende en vernieuwbare kracht om er kunstwerken van te maken.

Uit eenzelfde kinderlijk gebaar ontstond Pocket Money of My Son (2007) van Roman Ondák. Hij ontvreemdde enkele muntstukjes uit de zakken van zijn zoon, bevestigde ze op een plaat en stelt die tentoon tegen de muur, als een overblijfsel van 4. Georges Didi-Huberman, Devant le temps, Parijs, Minuit, coll.

“Critique”, 2000, p. 99-100.

5. Walter Benjamin, Sens unique (1928), vertaald uit het Duits door J. Lacoste, Parijs, Les Lettres Nouvelles-Maurice Nadeau, 1978, p. 150.

6. Walter Benjamin, Sens unique (1928), vertaald uit het Duits door J. Lacoste, Parijs, Les Lettres Nouvelles-Maurice Nadeau, 1978, p. 151.

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de keukentafel van de kunstenaar7. Door de schamele buit aan de realiteit te ontrukken, krijgt ze een nieuwe waarde. Ook Stéphanie Saadé veredelt vertrouwde voorwerpen op een hoogstpersoonlijke manier in Golden Memories (2015-2018). De kunstenares bekleedde een jeugdfoto van haar met bladgoud. In de mate waarin dit beeld slechts voor haar betekenis heeft, is het absoluut gerechtvaardigd dat zij het bedekt. Haar jeugdherinnering blijft voor altijd verborgen voor het publiek, maar dat kan wel de weerkaatsing ervan op het vergulde oppervlak waarnemen.

De tentoonstelling “Lost & Found” geeft ons de kans om het volledige gamma aan relaties tussen kunst en het gevonden voorwerp te bekijken en te beoordelen, dankzij de deskundige zoektocht van de verzamelaars, van Junk Mondrian tot een banale vergulde familiefoto. Waarbij wij niet uit het oog mogen verliezen dat die relaties tussen kunst en gevonden voorwerp al heel oud zijn.

7. Roman Ondák versneed zijn keukentafel tot zoveel mogelijk kleine plaatjes. Hij moest dus verscheidene keren gaan “lenen” bij zijn zoon om ook de andere edities van Pocket Money of my Son mogelijk te maken.

David Bestué p. 20

Metalen bol (partikels van een brug, draagbalk, pijler, standbeeld, auto, fiets, vuilnisbak, anker, afsluiting en staanlamp, onder andere), 2015 Diverse metalen 6 cm diameter Uniek werk Collectie Veys-Verhaevert David Bestué doorkruist de steden en neemt zowel hun architecturale kenmerken als hun diepste wezen in zich op. Voor hem zijn de geschiedenis, gewoonten, tradities en onze kleinste hebbelijkheden vrijwel even kostbare materialen als bijvoorbeeld hout, metaal of beton. Dit bolletje is het resultaat van de trage verdichting van perfect heterocliete materialen. De samenballing van het bruisende stadsleven.

Enric Farrés Duran p. 22

Jordi, 2017 Diverse technieken op hout 200 x 100 x 7 cm Uniek werk Collectie Edgard F. Grima Enric Farrés Duran recupereerde de werktafels van een prestigieuze kunstschool in Barcelona. Het

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volstond om ze van een horizontale in een verticale opstelling te veranderen om ze het statuut van kunstwerk te verlenen. Als kunstenaar die tegelijk leraar is, bekijkt hij kritisch zowel het begrip “authorship” als de fundamentele aard van creatieve en artistieke handelingen. Daarbij eigent hij zich dingen letterlijk toe. Tientallen leerlingen hebben op deze tafels hard gewerkt om een zo goed mogelijk werk te produceren. Toch worden nu de vlekken, inkervingen, sporen, … tentoongesteld en verkocht als werk. Gaat het om een weloverwogen, nauwgezette aanpak? Of eerder om de afwezigheid van beslissingen, terwijl wat afgewezen wordt een object juist artistieke waarde verleent? Er schuilt ook humor in de blik waarmee hij de toeschouwer monstert. Die is immers veroordeeld om in deze “plastische uitspattingen” artistieke stromingen en andere kunstwerken te ontwaren. p. 24

15 Figura (Schilderijen 1456), 2017 Diverse technieken op hout 65,2 x 54,6 x 1,5 cm Uniek werk Collectie Veys-Verhaevert Enric Farrés Duran gaat heel sluw te werk. Omdat hij op heel korte tijd twee tentoonstellingen moest houden, leverde hij gelijkaardige vormen af, die echter op een heel andere manier tot stand kwamen; In de eerste ruimte, die heel groot is, grijpt hij terug naar de readymade door platen tentoon te stellen die in een kunstschool als tafels hadden gediend en die hij van een nuttige, horizontale positie in de verticale stand van een te bewonderen object bracht. De tweede, kleinere tentoonstellingsruimte vulde hij met een reeks tafelfragmenten waarvan de afmetingen beantwoorden aan de normen die in het midden van de 17e eeuw werden uitgevaardigd door de Franse Académie royale des Beaux-Arts. De academische instanties bepaalden immers de ideale vormen van portretten, landschappen en zeegezichten. Hier werden ze willekeurig uitgesneden tot abstracte schilderijen waarin men soms een fragment van Cy Twombly meent te bespeuren, dan weer een verwijzing naar Ellsworth Kelly. p. 26

Fotolibro, 2019 Fotoalbum 30 x 48 x 3 cm Uniek werk Collectie Edgard F. Grima Enric Farrés Duran ontdekte dit object in Arles, toen hij een bezoek bracht aan de Rencontres de la photographie. Toeval en ironie ontbreken zelden in zijn aanpak. Ook hier zijn ze aanwezig: wie brengt er nu een fotoalbum zonder foto’s mee van één van de grootste fotografiefestivals ter wereld? Op

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die manier wil hij het over het beeld zelf hebben.

Het artefact is immers ontdaan van zijn inhoud en horizontaal bevestigd, verlies daardoor zijn functionaliteit en wordt plastisch beeld … of gewoon beeld. Als een symbool voor alle mogelijkheden om de wereld voor te stellen … of geen enkele mogelijkheid. Maar wat als er uiteindelijk helemaal niets te zien is?

Pierre Gerard p. 28

Gewijzigd, 2017 Kistjeshout, kartonnen cilinder, glas 22,3 x 22,3 x 24,7 cm Uniek werk Collectie Edgard F. Grima Pierre Gerard maakt altijd kunstwerken met recuperatiemateriaal, vaak van natuurlijke aard.

Zijn sculpturen zijn onverbiddelijk en moeilijk uit te leggen. Hij verzamelt, verenigt en assembleert de armzalige en vertrouwde materialen in een eigenaardig, precair maar niettemin stabiel evenwicht.

Uit zijn vernuftige en tegelijk bescheiden composities spreekt een delicate poëzie. Zij dwingen ons met onze gevoelens alles wat ons dagelijks omringt te herontdekken. p. 30

Gipsfontein, 2018 Hout, kartonnen cilinder, glas, gips, velcro, hechtpleister 19,7 x 50,8 x 23,6 cm Uniek werkCollectie Veys-Verhaevert Een ontmoeting met het werk van Pierre Gerard levert een even grote gevoelservaring op als het lezen van een gedicht. Kenmerken voor hem is een onwaarschijnlijke mengeling van reële en magische elementen en een ogenschijnlijk onbelangrijke knowhow. Hij verzamelt, versnijdt, ontleedt en assembleert fragmenten uit onze levens. Vaak niemendalletjes die je al lang bent vergeten, maar die hij weer klank geeft. De dingen reageren op elkaar, treden in verbinding of botsen in een verbluffend evenwicht. Elk uitstalraam heeft zijn eigen manier om volumes die het beschermt te ontwerpen en te behouden.

Suchan Kinoshita p. 32

Staubstelle, 2005 Stofjes 10 cm diameter Uniek werk Collectie Veys-Verhaevert Suchan Kinoshita heeft een Japanse vader en Duitse moeder. Deze dubbele culturele beïnvloe-

ding in haar gezin verklaart waarschijnlijk ten dele waarom haar praktijk zo divers is. Door haar oorspronkelijke ervaring met scenografische kunst weet zij de ruimte en tijd naar haar hand te zetten; Zij stelt onze verhoudingen met de tijd in vraag: fluïditeit en traagheid zijn belangrijke begrippen in haar werk. Staubstelle is een algemene benaming die de kunstenares al sinds de jaren 1990 gebruikt voor diverse installaties. Dit object is afkomstig van de monografische presentatie van de kunstenares in ARCO Madrid, in 2005. De samengebalde stofdeeltjes, een soort sneeuwballen die bestaan uit microresidu’s van het reële, legden hier en daar accenten in een meer globale omgeving.

Emmanuelle Lainé p. 34

Vrijwillige opschorting van de lichtgelovigheid Tafereel 1, 2019 Lambda-afdruk op dibond, Amerikaanse kist, museumglas 100 x 134 cm Uniek werk Collectie Veys-Verhaevert De werken van Emmanuelle Lainé ontstaan uit de context waarin ze gestalte krijgen. Toen de kunstenares het aanbod kreeg om in de zomer van 2019 een individuele tentoonstelling te houden in de panoramatoren van La Friche la Belle de Mai in Marseille, kruiste zij er dagelijkse voorwerpen en artefacten die zij had aangetroffen in de reserves van het MUCEM. Emmanuelle Lainé brengt ons met haar kunst in een ruimte waarin het onvoorspelbare en het banale samen voorkomen. Digitale tools zetten elk gevoel voor afmetingen op hun kop. In werkelijkheid is het object in het midden van de tentoonstelling slechts 30 cm hoog. Maar het lijkt een soort spektakelbeeldhouwkunst. Verscheidene paden geven toegang tot dit universum: declassering, degradatie, maar omgekeerd ook productiviteit en verheffing tot museumstatus van de objecten

Pere Llobera p. 36

Casper Westrik, 2017 Porselein, lijm en hout 20 x 15 x 15 cm Uniek werk Collectie Edgard F. Grima Casper Westrik, een werk dat zijn naam aan een persoon ontleent, neemt een aparte plaats in het werk van de Catalaanse schilder Pere Llobera in.

Tijdens een vernissage ontmoet de kunstenaar een vreemde figuur, Casper Westrik, met wie hij een onregelmatige briefwisseling onderhoudt. Op een dag ontvangt Pere een geheimzinnige doos

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met daarin een in duizend stukjes gebroken vaas.

Er zit een briefje bij van Casper, die hem vraagt om er een kunstwerk van te maken. Pere vat dit op als een uitdaging en gaat aan de slag met lijm om de vaas te restaureren, maar het resultaat oog niet echt overtuigend. Ondertussen lijkt Casper van de aardbodem verdwenen. Na een maandenlange zoektocht spoort Pere hem op in een psychiatrische instelling. Pere begrijpt nu dat Casper hem had gevraagd, zonder dat de kunstenaar dit besefte, om zijn portret te maken, de beeltenis van een gebroken man.

goed geluk” is als de kunstenaar die erin slaagt om binnen te rijven wat het toeval voor hem in de aanbieding heeft.

mountaincutters

Door middel van recyclage maakt Mathieu Mercier een fin-de-siècle balans op van het concept “moderniteit” dat door de avant-gardisten werd ontwikkeld. In het spoor van Duchamp en Warhol verdiept de kunstenaar zijn gedachten over wat een uniek werk, een kopie of een origineel precies zijn, hoe het zit met reproduceerbaarheid, het uitgeven en de pastiche. Hij knipoogt ironisch naar een academische aanpak van de schilderkunst, uit de tijd toen leerlingen hun meesters kopieerden om hun vaardigheden te verwerven. Door Mondriaan te kiezen, de schilder die in de merchandising het meeste gebruikt en gereproduceerd wordt, alludeert hij ook op de economische dimensie van de kunst.

p. 38

Onvolledig object (Anatomie van een afwezig lichaam), 2019 Houten stoel, glas 35 x 35 x 63 cm Uniek werk Collectie Edgard F. Grima Het duo mountaincutters gaat aan de slag met allerhande materialen, objecten, verhalen en spookgestalten die zij vinden op plekken waar ze voor onderzoek worden uitgenodigd. Volgens het Romeinse principe van de spolia, waarbij een bestaand architectuurelement wordt hergebruikt om een nieuw bouwwerk op te trekken, zijn hun sculpturen vreemde ophopingen op zoek naar een evenwichts- of breekpunt. Hier staat een kinderstoel met ideale afmetingen gewoonweg in fragiel evenwicht op drie kleine glazen wieltjes, terwijl het vierde op een iets grotere afstand staat. Deze spanningsopbouw suggereert de aanwezigheid van een spookgestalte en verwijst naar fysieke krachten die op elk ogenblik de constructie kunnen doen wankelen, wiebelen en mislukken.

Benoît Maire p. 40

Verboden vrucht, 2014 Lambda-afdruk 16,5 x 22,5 cm Editie 1/12 Collectie Veys-Verhaevert Benoît Maire hanteert diverse media. Zijn talrijke lezingen, vaak met filosofische inslag, bieden een goede voedingsbodem voor zijn creaties: schilderijen van wolken of vernuftige assemblages met goed bewaarde geheimen. Deze foto heeft een dubbel traject gevolgd in het werk van de kunstenaar: eerst diende hij als uitnodiging voor een tentoonstelling, vervolgens werd het een echte foto. Die toont een man die dobbelstenen plukt, een symbool van geluk. Deze plukker “op

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Mathieu Mercier p. 42

Still Untitled, interpretatie van een avant-gardistisch werk op een op straat gevonden plank, 2001 Collage op geschilderd hout 34,5 cm x 28,5 cm Uniek werk Collectie Edgard F. Grima

Roman Ondak p. 44

Pocket money of my son, 2007 Muntstukken 30 x 21,5 x 2,5 cm Exemplaar 4/10 Collectie Veys-Verhaevert Roman Ondak put vaak inspiratie uit zijn dagelijks leven. In dit geval komt zijn vaderrol op de voorgrond. Het onderliggende plaatje is uit zijn keukentafel gehaald. Hij heeft er enkele muntstukken op bevestigd. Die heeft hij dan weer uit de zakken van zijn zoon opgevist. Zo keert hij de rollen om: de vader profiteert van de bezittingen van zijn zoon.

Zijn buit evolueert tot een kunstwerk, omdat deze kunstenaar-vader graag verhalen vertelt.

Pratchaya Phinthong p. 46

Spoon, 2019 Metaal 53,4 g Uniek werk van een open reeks Collectie Veys-Verhaevert Pratchaya Phinthong produceerde dit werk in een provincie in Laos. Het weerspiegelt wat er leeft

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bij de plaatselijke bevolking en hoe deze mensen omgaan met de context waarin zij leven. Tussen 1964 en 1973 was Laos een van de meest gebombardeerde landen ter wereld. Het Amerikaanse leger bestookte het land met meer dan 250 miljoen ton fragmentatiebommen, waarvan 30% niet is ontploft. De inwoners van het dorp Napia maken van deze bommen lepels die ze aan de toeristen verkopen. Phinthong smelt de lepels en polijst de metaalmassa tot een spiegel, die hij verkoopt.

Een deel van de opbrengst komt ten goede aan de lokale bevolking.

Stéphanie Saadé p. 48

A necklace of found beads, 2014-...

18-karaats gouden ketting, 25 gevonden parels Variabele afmetingen Uniek werk Collectie Edgard F. Grima Stéphanie Saadé recupereert sinds 2014 nepparels die ze vindt op de trottoirs van Parijs, Beiroet, Amsterdam, Mexico, … Zij rijgt de parels aan een gouden ketting, die ze open presenteert. Ze zal de ketting pas sluiten wanneer het aantal gevonden parels overeenstemt met de leeftijd van de kunstenares op dat ogenblik. De kunstenares gaat de verbintenis aan om elke nieuwe gevonden parel naar de verzamelaar op te sturen. Dit heeft alles van een race tegen de tijd met louter het toeval als scheidsrechter. Daardoor laat het werk ons nadenken over onze zwerftochten, de manieren waarop wij de tijd ervaren en het voorwerp als drager van het geheugen en kracht die banden smeedt. p. 50

Golden memories, 2015-2018 Kinderfoto, 24-karaats bladgoud 10 x 15 cm Uniek werk Collectie Edgard F. Grima Een kinderfoto van de kunstenares, bedekt met goud. De ontoegankelijk geworden herinnering verplicht ons om na te denken over het heden. De herinnering wordt eerst opgeofferd en vervolgens gesublimeerd door de kunst. De verzamelaar krijgt zelf de hoede over de kinderjaren van de artieste.

Ariel Schlesinger p. 52

The Kid M 25, 2019 Fotografische afdruk, hout en glas 54,5 x 34,2 cm Uniek werk Collectie Edgard F. Grima Een foto van een gebroken venster is ingelijst met gefotografeerd gebroken glas. Dit effect als van

een “oneindige spiegelreeks” verplicht ons om als toeschouwer een ander standpunt in te nemen, want de methode is enigszins verwarrend. Het onderwerp van het werk wordt een structuurelement in de vorm van het werk zelf. Ariel Schlesinger haalde zijn inspiratie uit een scene van de stomme film The Kid van Charlie Chaplin. Daarin is een glazenmaker die ruiten breekt aan het werk.

De kunstenaar haalt de evidentie van het kijken onderuit. In zijn werk brengen ongevallen, rampen, katastrofes de essentie en het potentieel van objecten aan de oppervlakte. Een voorwerp stukmaken betekent dan dat je wat erin zit, bevrijdt.

Luis Urculo p. 54

Listado, 2018 Inkt op papier 76 x 57 cm Uniek werk Collectie Veys-Verhaevert Luis Urculo maakt lijstjes en inventarissen op en klasseert. Zijn wereld meandert, de vertakkingen zijn talrijk. Hij buigt zich over zeer uiteenlopende kwesties, zoals de patronen van de stenen die door grote architecten worden gebruikt of het ruimteavontuur. Hij hanteert bovendien heel diverse media: beeldhouwkunst, video, tekst en tekeningen. Hier presenteert hij een kruising van tekst en tekening. Een tekening somt een bizarre inventaris op, een beetje zoals bij Prévert. Toch hebben deze objecten wel degelijk een gemeenschappelijke noemer: de mens heeft ze ooit naar de maan gebracht of daar achtergelaten. De kunstenaar eigent zich bijgevolg deze lijst toe die tot stand kwam door de opeenvolgende maanreizen van de Nasa.

Chaim Van Luit p. 56

Lost and found pigeon rings, 2018 Metalen en plastic duivenringen op een display 28 x 73 x 20 cm (incl. display) Uniek werk Collectie Edgard F. Grima Chaim Van Luit is een landmeter. Wat verborgen is, fascineert hem. Hij doorkruist de bossen, soms zonder dat hij daarvoor de toestemming heeft, gewapend met een metaaldetector. De voorwerpen die hij zo opdelft, dienen vaak als grondstof voor zijn werken. Op zijn omzwervingen vond hij ringen van reisduiven. Elke gevonden ring betekent dat de duif op één of andere manier aan haar einde is gekomen, want de ring is niet op zijn bestemming geraakt. Een bericht moet van een verzender bij een ontvanger geraken, maar als er onderweg

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een kink in de kabel komt, blijft de inhoud van het bericht voor altijd verborgen. De cirkelboog doet dienst als de onzichtbare band tussen verzender en ontvanger. De tegenstelling tussen het vrolijke kleurverloop en de wat morbide opeenstapeling van overblijfselen werkt sterk ironisch. Eigenlijk zoals de dramatische mislukkingen in de menselijke communicatie. Zou de wereld er een beetje anders hebben uitgezien als deze boodschappen op hun bestemming waren aangekomen?

Pep Vidal p. 58

Penultimate step (True Love forever), 2017 Zerodur 2 x (6,5 cm x 5 cm) Uniek werk Collectie Edgard F. Grima Pep Vidal plaatst twee blokken Zerodur op elkaar die hij op eBay heeft gekocht. Zerodur is een mengsel van glas en keramiek dat een perfect egaal oppervlak mogelijk maakt. Het materiaal wordt in de industrie en bij optisch onderzoek gebruikt en het biedt de ultieme precisie bij het werken met een laser. Maar omdat dergelijke oppervlakken perfect glad zijn, sluiten ze luchtdicht op elkaar aan, waardoor een effect als bij twee magneten ontstaat. Aan dit kunstwerk kleeft dan ook een risico: als beide blokken in elkaars nabijheid komen en elkaar met hun vlakken raken, hechten ze aan elkaar zoals magneten. Is dit maar een legende of echt? Het experiment uitvoeren zou het kunstwerk ontaarden: het zou dan niet meer om twee elementen gaan, maar om één enkel. Pep Vidal beweegt zich tussen wetenschap en poëzie en roept Plato op wanneer hij de begrippen koppel, binariteit en tweeling-zijn opwerpt en zich afvraagt wat de juiste afstand tussen de wezens is.

Oriol Vilanova p. 60

Ex aequo (Yo he visto lluvias grises correr hacia las olas), 2012-2020 Postkaarten 37 x 47 cm Uniek werk Collectie Veys-Verhaevert Oriol Vilanova is een verzamelaar-kunstenaar. Hij selecteert, stapelt op elkaar, sorteert. Een van de voorwerpen die zijn aandacht opeisen, zijn postkaarten. Hij maakt ze voornamelijk buit op zijn tochten langs vlooienmarkten. Hij laat zijn keuze niet leiden door de inhoud ervan, maar door de beelden die erop staan. Sinds het einde van de 19e eeuw vertellen ze het verhaal van de wereld, in al

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zijn dimensies: schoonheid van de landschappen, technische vooruitgang, herinnering aan al dan niet belangrijke momenten, … Zo staat Ex aequo til bij 1937 en de Wereldtentoonstelling van Parijs.

De paviljoenen van Rusland en Duitsland lagen tegenover elkaar. Ze probeerden elkaar de loef af te steken met totalitaire grootspraak en ze werden ex aequo uitgeroepen tot de beste paviljoenen.

Op zijn wandelingen vindt Oriol Vilanova diverse postkaarten met beide paviljoenen. Elke kaart heeft de tand des tijds op een andere manier doorstaan, soms goed beschermd, soms blootgesteld aan weer en wind. Tot nu toe heeft hij een dozijn Ex aquo’s kunnen samenstellen. Ze zijn allemaal uniek, omdat de gevonden kaarten in kwestie zelf uniek zijn, maar ook door het gekozen bijschrift, een zin van een gedicht van F. Garcia Lorca (die een jaar eerder werd vermoord). Uit dit gedicht spreekt hoop, een sterk contrast met de botsing van totalitaire regimes. Het stuk dat hier getoond wordt, heeft als bijschrift: Yo he visto lluvias grises correr hacia las olas (“Ik zag grijze regen de golven achternazitten”).

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Het leven van de voorwerpen Edgard F. Grima

Scénariste et réalisateur, Edgard F. Grima acquiert sa première œuvre d’art en 2014. Depuis, il vit son activité dévorante de collectionneur à la fois comme un geste créatif, un jeu intellectuel et un engagement. Ses choix témoignent d’un intérêt pour des artistes contemporains à la démarche souvent conceptuelle dont le geste est simple et radical. Le processus créatif, l’histoire de l’art, le langage et l’écriture sont les principales thématiques émergeant de l’ensemble.

Wat is een collectie anders dan een opeenvolging van “gevonden voorwerpen”? Verliest de kunstenaar zijn werk wanneer de verzamelaar het vindt?

Kan iemand ooit volledig de werken bezitten die hij verzamelt? Aan de hand van een selectie werken uit onze respectieve collecties proberen Christophe Veys en ikzelf de bijzondere relatie tussen kunstenaar en verzamelaar op scherp te stellen.

Het beeld van iemand die na het oogsten de op het veld achtergebleven vruchten opraapt, past goed bij een verzamelaar. Hij “stuit” op kunstwerken en kan dan niet anders dan ze verwerven, volgens een persoonlijke logica die hem helpt om zichzelf beter te doorgronden. Hij doet dit om ze naast andere werken te plaatsen, in de hoop in deze opeenstapeling een betekenis te vinden die hij op voorhand heeft bepaald of die eruit zou voortvloeien.

Maar ook sommige kunstenaars zijn arenlezers. Zij creëren met behulp van materialen en objecten die ze vinden op hun zwerftochten. Flaneren en wandelen staan voor hen centraal in hun creatief proces. Denk aan Stephanie Saadé die het asfalt van de hoofdsteden afspeurt, Chaim Van Luit die de Nederlandse bossen uitkamt, Ariel Schlesinger op bezoek in verlaten woningen op diverse continenten, David Bestué die de straten van Barcelona doorkruist of Oriol Vilanova op dagelijkse zoektocht langs de vlooienmarkt van Brussel.

Zoals ook Thierry Davila vaststelt in Marcher, créer1 , is de figuur van de wandelende mens meer dan ooit één van de mogelijke definities van de hedendaagse kunstenaar. De mondialisering van de kunstmarkt dwingt hem tot een nomandenbestaan, hij creëert terwijl hij beweegt en voegt stukjes van de grote - en tegelijk zo klein geworden - wereld samen, waarbij hij vertrouwt op het creatieve toeval, dat ook de dobbelstenenboom van Benoît Maire uitdrukt: geen doeken, pigmenten of boetseerklei meer, maar nepparels, duivenringen, glasscherven of postkaarten …

Maar soms houden de kunstenaars ook halt. De tentoonstellingsruimte wordt dan het vertrekpunt van hun creatie. Emmanuelle Lainé stalt in haar ruim bemeten installaties op een niet-hiërar-

chische wijze gevonden voorwerpen, huishoudartikelen, persoonlijke elementen en kunstwerken uit. Zo stelt zij taferelen van een indrukwekkende visuele complexiteit samen. Ook de beeldentaal van de mountaincutters ontstaat in situ. Zij gaan aan de slag met wat zij in hun onmiddellijke omgeving vinden om de esthetiek van een bouwterrein of laboratorium te ontwikkelen, tot kunstwerk en plek tot één geheel versmelten.

Nu er in onze samenlevingen die barstenvol consumptiegoederen zitten een weldadige soberheidsbeweging op gang komt, maken bepaalde artiesten de politieke keuze om de planeet niet met nog meer objecten te belasten.

Luis Urculo verwijst naar de kolonisatie van de ruimte met een lijst van voorwerpen die de mens al op de maan heeft achtergelaten. Pratchaya Phinthong brengt hulde aan de veerkracht van een volk door te vergelijken met de herhaalde wedergeboorte van een materiaal, dat achtereenvolgens massavernietigingswapen, voedende lepel en kunstwerk wordt. De ineengeknutselde Mondriaan van Mathieu Mercier probeert op ironische wijze een plaats op te eisen tussen de meesterwerken van de pionier van de abstractie en de commerciële reproducties. Pierre Gerard doet dan weer zijn best om afval van het dagelijks leven te recycleren tot sculpturale en poëtische afleidingen. Bescheiden technieken leveren hier een visie op de wereld op. De politieke overwegingen van de kunstenaar worden overgenomen door de verzamelaar. Als hij de “arme objecten” koopt, tegen elke mogelijke speculatie in, dan plaatst hij vraagtekens bij de begrippen “waarde” en “nut” die centraal staan in onze westerse economische systemen.

Afval, schroot, scherven, … Hoe krijgt een voorwerp uit het dagelijks leven de status van kunstwerk door het loutere ingrijpen van de kunstenaar? In een atelier stapelen de ideeën zich op, zoals het stof van Suchan Kinoshita, gewoon door zich laagje na laagje af te zetten, ons veel zegt over de kunstenares aan het werk. Enric Farrés Duran moet niet meer doen dat de tafel van een student of een fotoalbum een andere richting te geven (van horizontaal en functioneel naar de verticaliteit van een tentoonstelling) om aan het object een nieuwe aura te verlenen en de kunstgeschiedenis op de helling te zetten. Bij Pep Vidal zien we dezelfde minimalistische ingrepen.

Hij hoeft alleen maar twee blokken Zerodur op elkaar te plaatsen om ons duizelingwekkende bedenkingen over de liefde te laten maken. Roman Ondak schept er plezier in om de grens tussen de intieme en museale ruimte te laten vervagen, met de extra boodschap dat creëren altijd een beetje verraden is.

1. Thierry Davila, Marcher, Créer : déplacements, flânerie, dérives dans l’art de la fin du XXe siècle (2002), Parijs, Éditions du Regard.

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Vaak wordt naar een collectie gekeken als naar een portret. Wie de puzzel van de verzamelde werken zorgvuldig legt, ziet stilaan het gezicht van de verzamelaar opdoemen. “Wie ben jij?” is de vraag die de portretschilder aan zijn onderwerp stelt wanneer hij de essentie van die persoon probeert vast te leggen. Maar door de stukjes van een gebroken vaas onhandig weer aan elkaar te lijmen heeft de Catalaanse schilder Pere Llobera een van de meest pijnlijke portretten tot stand gebracht. Bijna zonder dat hij het besefte, heeft hij in zijn vrije tijd, tussen twee schilderijen in, een tevergeefse poging ondernomen om een persoonlijkheid die in duizend stukjes was gebroken, weer heel te maken.

Verlies en gift zijn centrale begrippen in de relatie tussen kunstenaar en verzamelaar. De kunstenaar verliest een voorwerp door het aan de verzamelaar te geven en het is uitsluitend door die opoffering dat kunst ophoudt een hobby te zijn en een beroep wordt. Zo verplicht het protocol van bepaalde werken de kunstenaar en de verzamelaar ook om een band op lange termijn aan te gaan: Stéphanie Saadé doet de belofte om de volgende parels die ze op haar weg vindt aan de verzamelaar te bezorgen en Oriol Vilanova doet hetzelfde met postkaarten die bepaalde van zijn werken, die altijd “in progress” zijn, aan te vullen. Soms heeft het voorwerp zo’n grote symbolische waarde voor de kunstenaar - bijvoorbeeld de familiefoto’s van Stéphanie Saadé - dat hij er met moeite afstand van doet, waarbij de verzamelaar de behoeder van een delicate readymade wordt. Door aan de herinnering de status van een kunstwerk te geven, verleent de kunstenaar er tegelijk een soort eeuwigheidswaarde aan.

Wat ons als verzamelaars onderscheidt, is dat wij geen van beiden met onze verzameling samenwonen. Hoe wij te werk gaan, is een beetje bizar: voorwerpen verwerven die je daarna zelf niet meer ziet. Eigenlijk verliezen wij ze weer op het moment dat wij ze vinden! Een tentoonstelling houden is dus voor ons een manier om deze objecten, die uit onze herinnering verdwenen waren, terug te vinden.

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Nous tenons à remercier Bombon Projects - Barcelone (Joana Roda & Bernart Daviu), Ellen de Bruijne Projects – Amsterdam (Ellen de Bruijne), Espai Tactel – Valence/Barcelone (Ismael Chappaz & Juanma Menero), García Galería – Madrid (Joaquín García), GB Agency – Paris (Nathalie Boutin, Solène Guillier, Églantine Mercader), Grey Noise – Dubai (Umer Butt), LMNO – Bruxelles (Natacha Mottart), Meessen De Clercq – Bruxelles (Olivier Meessen, Jan De Clercq, Hélène Baucy), Nogueras Blanchard – Barcelone/Madrid (Martim Dias), Galerie Thomas Bernard - Cortex Athletico (Thomas Bernard), Galleria Massimo Minini (Viviana Bertanzetti) ainsi que Maximilien Catania, Cristina Garrido, Sophia Girabancas-Perez, Rosa Lleó, Gwenaëlle L’Hoste, Myriam Louyest, Claire Montel, Irène Varano et bien sûr tous les artistes présents dans l’exposition.

Équipe du Hangar Fondateur Rodolphe de Spoelberch Directrice Delphine Dumont Project manager Lise De Ganck Gabriela Torres Lost & Found Conception graphique Maximilien Catania Textes Delphine Dumont Edgard F. Grima Marjolaine Lévy Christophe Veys

Les notices des œuvres ont été rédigées par les collectionneurs.

Relecture et correction Claire Montel Traductions Bellis Traductions

Crédits photographiques : Roberto Ruiz (p.21 courtesy The Green Parrot et pp.22, 25 et 26 courtesy Nogueras Blanchard), Philippe De Gobert (p.28 courtesy LMNO, p.56 courtesy Meesen De Clerq et p.58 courtesy LMNO), Daphné Labbé (p.31 courtesy LMNO et p.33 courtesy Ellen de Bruijne Projects), Emmanuelle Lainé (p.35), Paloma Gonzàlez Doctor (p.36 courtesy Bombon Projects), mountaincutters (p.38), Benoît Maire (p.41 courtesy Galerie Thomas Bernard-Corthex Athletico), Mathieu Mercier (p.42), Roman Ondak (p.45 courtesy GB agency), Pratchaya Phintong (p.47 courtesy GB agency), Musthafa Aboobacker (p.48 courtesy Grey Noise), Stéphanie Saadé (p.50 courtesy Grey Noise), Andrea Giberti & Alberto Petro (p.52 courtesy Gallerie Massimo Minini), Madame Ipsum (p.55 courtesy Espai Tactel) et Oriol Vilanova (p.61).

Première de couverture : Stéphanie Saadé - Golden memories, photo d’enfance, feuille d’or 24 carats, 20152018.

Quatrième de couverture : David Bestué - Bola de Hierro (limaduras de puente, via, pilar, estatua, coche, bicicleta, papelera, ancla, reja y farola, entre otros), poussières de pont, poutre, pilier, statue, voiture, bicyclette, poubelle, ancre, clôture, lampadaire et résine, 2015.

Cet ouvrage ne peut être reproduit, même partiellement, par quelque moyen que ce soit sans l’autorisation écrite de l’éditeur et des auteurs.

© 2020 — Hangar Photo Art Center

Dépôt légal : Bibliothèque royale de Belgique 1e trimestre 2020 D/2020/14869/02 ISBN 978-2-9602519-1-3

David Bestué Enric Farrés Duran Pierre Gerard Suchan Kinoshita Emmanuelle Lainé Pere Llobera

mountaincutters Benoît Maire Mathieu Mercier Roman Ondak Pratchaya Phinthong Stéphanie Saadé

Œuvres issues de la collection Edgard F. Grima (Paris) et de la collection Veys-Verhaevert (Bruxelles).

Ariel Schlesinger Luis Urculo Chaim Van Luit Pep Vidal Oriol Vilanova