MariaStacks N°03/2020 by M A R I A S T A C K S

NÂ° 3

Mai/Jun 2020

8 Seiten

THE ES WHITE ShTreRIP Die Ja

1997 bis 2011

THAO NGUYEN MIT IHREM BISHER BESTEN ALBUM FEIERT DIE INDIE-FUNK BAND THAO & THE GET DOWN STAY DOWN DAS COMING OUT IHRER FRONTFRAU.

EDITORIAL

Mit ihrem bisher besten Album feiert die Indie Funk Band Thao & The Get Down Stay Down das Coming Out Ihrer Frontfrau. Thao & the Get Down Stay Down haben in den vier Jahren seit der letzten Veröffentlichung nichts von Ihrer kreativen Kraft verloren. Das fünfte Album der Indie-Band aus San Francisco, ist eine wunderbar exzentrische Sammlung von Off-Kilter-Pop-Rock, die verschiedene östliche und westliche Einflüsse zu einem unverwechselbaren Sound verschmilzt. "Temple" ist dabei das persönlichste Album von Thao & the Get Down Stay Down geworden. Die Songwriterin Thao Nguyen erzählt darin von ihrem Familienleben, ihrer Sexualität und anderen Themen, die sie wie gewohnt in einer Wolke aus Zweideutigkeiten und skurriler Musik liebevoll für uns verpackt. ab Seite 48

INHALT

I N DI E RO C K

IN DIE RO CK

KATIE VON SCHLEICHER CONSUMMATION Seite 64

HAYLEY WILLIAMS PETALS FOR ARMOR Seite 24

Kritiken

Mit ihrem bislang besten Album feiert die Indie-Funk Band das Coming Out Ihrer Frontfrau Thao Nguyen.

6 8 10 12 14 16 18 20 22 24 26 28 30 32 34 36 38 40 42 44 46 48 50 52 54

Tom Misch & Yussef Dayes – What Kinda Music Trivium – What The Dead Men Say Other Lives – For Their Love Damien Jurado – What’s New, Tomboy? Happyness – Floatr Austra – HiRUDiN Diet Cig – Do You Wonder About Me? Boston Manor – GLUE Ghostpoet – I Grow Tired But I Dare not Fall Asleep Hayley Williams – Petals For Armor Alina Baraz – It Was Divine Kehlani – It Was Good Until It Wasn’t I Break Horses – Warnings Mark Lanegan – Straight Songs Of Sorrow Bishop Nehru – Nehruvia: My Disregarded Thoughts Eve Owen – Don’t Let The Ink Dry ALMA – Have U Seen Her? Jess Williamson – Sorceress Charli XCX – how i’m feeling now Moby – All Visible Objects The Magnetic Fields – Quickies Thao & the Get Down Stay Down – Temple Nick Hakim – Will This Make Me Good The Dears – Lovers Rock Yung Lean – Starz

SY N T H P OP

EX PE R IM E NTAL

DEERHOOF FUTURE TEENAGE CAVE ARTISTS Seite 82

EMILIE NICOLAS LET HER BREATHE Seite 128

E LE C T RON IC

ARCA KiCK i Seite 140

56 58 60 62 64 66 68 82 84 86 88 90 92 94 96 98 100 102 106 108 110 112 114 116

The 1975 – Notes on a Conditional Form Badly Drawn Boy – Banana Skin Shoes Duñe x Crayon – Hundred Fifty Roses Steve Earle & the Dukes – Ghost Of West Verginia Katie von Schleicher – Consummation Carly Rae Jepsen – Dedicated Side B Retirement Party – Runaway Dog Deerhoof – Future Teenage Cave Artists Lady Gaga – Chromatica Sébastien Tellier – Domesticated Nicole Atkins – Italian Ice 2nd Grade – Hit to Hit Jaime Wyatt – Neon Cross Muzz – Muzz Run The Jewels – RTJ4 Buscabulla – Regresa Freddie Gibbs & The Alchemist – Alfredo Sports Team – Deep Down Happy104 Brigid Mae Power – Head Above The Water Hinds – The Prettiest Curse Naeem – Startisha No Age – Goons Be Gone Norah Jones – Pick Me Up Off the Floor GoGo Penguin – GoGo Penguin

118 120 122 124 126 128 130 132 134 136 140 142

Larkin Poe – Self Made Man Orlando Weeks – A Quickening Noveller – Arrow Bob Dylan – Rough And Rowdy Ways Jessie Ware – What’s Your Pleasure? Emilie Nicolas – Let Her Breathe Chloe x Halle – Ungodly Hour Baauer – PLANET’S MAD Black Eyed Peas – Translation John Legend – Bigger Love138 Arca – KiCk i Bananagun – The True Story Of Bananagun

Special « The White Stripes » 70 72 74 76 78 79 80

The White Stripes: die Jahre 1997 - 2011 The White Stripes (1999) De Stijl (2000) White Blood Cells (2001) Elephant (2003) Get Behind Me Satan (2005) Icky Thump (2007)

n diesen für den britischen Jazz fast beispiellosen Zeiten haben sich zwei seiner wichtigsten Protagonisten – Tom Misch und Yussef Dayes – zusammengetan, um „What Kinda Music“ aufzunehmen. Sie bringen all ihre kombinierten Talente in „What Kinda Music“ ein: Misch’s sanfte, aber lebendige Interpretation von modernem Soul und R&B, während Schlagzeuger Dayes seine Koteletts zerhackt und die Platte manchmal so klingt, als hätte Idris Muhammad seinen Jazz-Funk / Soul bis 2020 geschleppt. Er nimmt dazu Hip-Hop- und Electronica-Elemente aus den Regalen und nickt dabei Thundercat und Flying Lotus zu. In den besten Momenten handelt es sich hier um ein brillantes Album. „Nightrider“ zeigt uns seinen düsteren Blick in die schmutzige Nacht mit Freddie Gibbs, sowohl atmosphärisch als auch funky – bis Gibbs die Show mit seinen Reimen (und seiner Persönlichkeit) stiehlt. In ähnlicher Weise ist „Sensational“ genau das, ein brillantes Instrumental-Workout mit Psycho-Funk voller wolkiger Wah-Wah-Gitarren und ordentlich Schwung. Als Paar arbeiten Dayes und Misch das Beste aus sich heraus. Wo „Geography“ fast zu sauber war, ist

„What Kinda Music“ von Dayes’ Rhythmen mit Tiefe und Dunkelheit getrübt, die wiederum von Misch’s pechvollendeten Gesängen kompensiert werden. Dies gilt insbesondere für „Tidal Wave“, wo Dayes’ Trommelwirbel einen Kontrapunkt zu Misch’s geschichteten Gesängen bilden. Der gegenseitige Respekt zwischen den beiden ist greifbar: Von Misch’s bewundernden Texten in „Nightrider“ („Mr. Dayes with the break of the drums/It’s icy cold”) bis zum engen Zusammenspiel zwischen den separaten Schlagzeug- und Gitarrenimprovisationen in „Kyiv“. Das Album trägt beide Unterschriften. Das sich „What Kinda Music“ auch dem kollaborativen Charakter der Jazzszene in Südlondon verpflichtet fühlt, zeigt die Anwesenheit der Saxophonistin Kaidi Akinnibi und des früheren Kollegen von Dayes, dem Bassisten Rocco Palladino, in Beiträgen zu „Storm Before the Calm“ und „Lift Off “. Das Zusammenspiel der drei verschiedenen Musiker auf jedem Track fühlt sich eng koordiniert an, ohne dass für jeden Spieler unterschiedliche Abschnitte erforderlich sind. An anderer Stelle ist „What Kinda Music“ eingängig, ohne unaufrichtig oder leer zu wirken. „I Did It For You“ ist nur ein wiederholter Refrain, aber

Misch’s geflüsterter Gesang wirkt wehmütig über ein vielschichtiges Gitarrenriff und Dayes’ summender Drumline. Misch’s Gesänge kehren nochmals später im Album zurück und sorgen für ein atemberaubendes und herausragendes „Last 100“. Die Klavierakkorde erhellen die Stimmung, während eine kratzige, aber weiche Gesangslinie mit durchgehend gepfefferter Gitarre nach unten gleitet. Am Ende wird das Album in „Storm Before The Calm“ mit bittersüßer Nostalgie abrundet. Dayes und Misch bieten nicht nur eine verführerische Verbindung von Virtuosität und Pop, das Album scheint auch das beste aktuelle Beispiel für Brian Eno’s Theorie zu sein, dass Gemeinschaft und Zusammenarbeit erforderlich sind, um etwas Unglaubliches zu entfachen, anstatt der Arbeit einer einzelnen begabten Person. 7/10 JAZZ

Trivium

What The Dead Men Say Trivium waren immer eine Ebene über der Metal-Norm. Sie haben immer wieder gezeigt, dass sie Melodie und Manie miteinander verbinden können und sie haben es nie besser gemacht, als bei „What The Dead Men Say“. Nach einer 15-jährigen Karriere voller Hits und Flops, auf einige ihrer besten Alben folgten einige ihrer schlechtesten – aber durch die Singles sah „What the Dead Men Say“ wieder sehr vielversprechend aus. Und die Fans werden erleichtert aufatmen, wenn sie das gesamte Album hören. Die energiegeladenen Songs zeigen eine Band, die sich an dem Punkt wohl fühlt, den sie in ihrer Entwicklung erreicht haben. In diesen 10 Tracks sind neue und alte Sounds enthalten, aber was ein solides Trivium-Album ausmacht, ist die wahrgenommene Leichtigkeit, mit der die Gruppe das Material präsentiert. Es hört sich nicht so an, als würden sie wirklich versuchen, etwas zu tun – sie tun nur das, was sie tun. Ihr neuntes Studioalbum ist eine klassische Mischung aus Megadeth und Stone Sour, die die komplexen Harmonien des ersteren mit der Intensität und Melodie des letzteren kombiniert. Wir können dies am besten auf „Catastrophist“, „Bleed Into Me“ und „The Defiant“ hören. Alle sind vielschichtig und bieten Momente sowohl schöner Intimität als auch lodernder Wut. Für die meisten Bands wäre es katastrophal, diese Gegenüberstellung zu versuchen, aber hier klingt es großartig und nahtlos. „Catastrophist“ beginnt fast radiofreundlich mit einem hakigen Refrain, bevor es auf halbem Weg den Gang wechselt, um sich in eine Mischung aus brüllendem Gesang, zwei Gitarren-Leads und spiralförmigen Death Metal-Riffs zu verwandeln, die von Bent’s dreifachem Drumming angetrieben werden.

„Among the Shadows and the Stones“ geht den umgekehrten Weg und entwickelt sich zu einer kakophonen, dunklen, verheerenden Hymne, die mit ihren schreienden, schnellen Trommeln und bedrohlichen, sich ständig ändernden Riffs an verschiedene Stücke aus „In Waves“ von 2011 erinnert – aber dann abrupt wechselt, um singende und läutende Gitarren sauber zu waschen, bevor wir über einen ruckeligen Übergang zurück ins Chaos gestoßen werden. Ein Großteil Ihrer Arbeit ist auf die Art und Weise zurückzuführen, wie Matt Heafy seinen Gesang von sensibel bis wild variiert, sowie die Art und Weise, wie er und Corey Beaulieu ihre Gitarrenparts miteinander verflechten, was an Prime Helloween erinnert. Trivium haben damit ein neues Niveau erreicht. 7/10

DEATH METAL

s ist sehr lange her, dass Other Lives Ihr letztes Album „Rituals“ im Jahr 2015 veröffentlicht haben. Vieles hat sich geändert, aber was gleich geblieben ist, ist die Verwendung großer anschwellender Sounds und der allumfassende Orchester-Pop auf ihrem neuesten Album „For Their Love“. Die beste Kunst entsteht in unseren Köpfen und versetzt uns an andere Orte und zu einer anderen Zeit. Das gilt für Filme, Fotografien, Gemälde und natürlich für Musik. Other Lives haben immer versucht, genau das zu tun. Bei dieser ersten Veröffentlichung der Band aus Oklahoma schaffen sie es im Allgemeinen. Nach einem Blick auf die Credits wissen wir, dass dies keine gewöhnliche Singer / Songwriting-Band ist. Selten verwendete Instrumente wie Röhrenglocken, Pauken, Bassklarinette, Baritonsaxophon, Vibraphon und Harmonium, sowie Kammersaiten und Hörner sind bis

zur üblichen Gitarren- / Bass- / Keyboard-Besetzung vielversprechend und liefern letztendlich filmisch, verträumt, üppig und oft hypnotischen Indie-Folk-Rock. Das Trio, bestehend aus Jesse Tabish (Klavier, Gitarre, Gesang), Jonathon Mooney (Klavier, Violine, Gitarre, Percussion, Trompete) und Josh Onstott (Bass, Keyboard, Percussion, Gitarre und Gesang) hat das neue Album selbst aufgenommen und verwendete Tabish’s Haus in den Oregon Mountains als Hintergrund und Inspiration. Themen wie Eskapismus, Liebe und Verlust werden um riesige unterstützende Klänge herum gesungen. In Zusammenarbeit mit Schlagzeuger Dany Reich und Kim Tabish überlagert die Gruppe bei jeder Melodie Sounds und Instrumente. Der Ausdruck „dramatisch“ passt zu jedem der neuen Tracks, die sich an verschiedenen Stellen und in verschiedenen Phasen während der gesamten Aufnahme aufbauten. Der Opener „Sounds of Violence“ ist langsam und be-

drohlich, während „Nites Out“ mit einem Strudel von Streichern und Cembalos beginnt, die einen erschütternden Wahnsinn auslösen und nervös in eine Panikattacke übergehen. Das klagende „Dead Language“ mit der hohen und einsamen Mundharmonika und dem flatternden Klavier filtert die Breitbildsicht der Gruppe eher durch ein Porträtobjektiv, behält jedoch die klassizistische Kinostimmung des Vorgängers aus den 60er Jahren bei. Trotz ihrer Einhaltung aktueller Einstellungen und Versuche, einige der Studio-Schikanen früherer Ausflüge zurückzurufen, ist „For Their Love“ noch immer beinahe alarmierend reich verziert – einige davon haben möglicherweise mit dem allgegenwärtigen Kathedralen-artigen Hall zu tun – aber ähnlich wie bei dem herausragenden (und aufwändigen) „Rituals“ gibt es wirklich nie einen langweiligen Moment. 7/10

ALTERNATIVE ROCK

Damien Jurado

What’s New, Tomboy? Damien Jurado benennt seine Songs sehr gerne nach Menschen. Auf seinem neuen Album „What’s New, Tomboy?“ enthalten mehr als die Hälfte der Songs einen Namen im Titel. Dies ist nicht von Natur aus gut oder schlecht, aber es ist eine passende Zusammenfassung von Jurado’s Tendenz, eine gewisse Direktheit zu bevorzugen. Obwohl das neue Album weiterhin Jurado’s Fähigkeit zeigt, wehmütige und gefällige Folksongs zu basteln, scheint es, als würde er sich nach 25 Jahren

seiner Karriere langsam auf seinen Lorbeeren ausruhen. Es ist zugleich eine Art Zwischenspiel zu den Vorgängern „The Horizon Just Laughed“ und „In the Shape of the Storm“ und Damien Jurado’s dritte Eigenproduktion in Folge nach 20 Jahren Zusammenarbeit mit externer Hilfe. Während 2019 „In the Shape of the Storm“ die Dinge auf ein Minimum reduzierte und nur die Stimme und die Akustikgitarre des Sängers und Songwriters, sowie die zusätzliche Gitarre von Josh

Gordon enthielt, konkretisiert „What’s New, Tomboy?“ die Dinge mit Orgel, leichtem Schlagzeug und – was am auffälligsten ist – Bassgitarre von Gordon. Jurado hält die Ausführung jedoch auf seinem zweiten Album für Mama Bird Recording Co. zurückhaltend und intim. Beginnend mit dem bescheidenen, vom Land geprägten „Birds Tricked Into The Trees“ durchquert er Country Rock, Spare Folk und sanfte Psychedelia in zehn Liedern, von denen mehr als die Hälfte aus Charakterskizzen bestehen. Ein solcher Track ist „Ochoa“, eine Hommage an seinen guten Freund und häufigen Mitarbeiter Richard Swift, der 2018 verstorben ist. Mit auf Akustikgitarre und Bass abgespeckten Instrumenten beginnt der Song mit den Zeilen „You’d weigh the day/Falling fast asleep/I’d watch the sky turn in your eyes to blue.“ Typisch für Jurado’s eindrucksvollen, stark poetischen lyrischen Stil, aber auch ausgesprochen persönlich wird die Schärfe des Songs durch feine Gitarrentechnik und eine brüchig klingende Stimme verstärkt. „Fool Maria“ beginnt mit einer sanft gezupf-

ten Gitarre und einer warmen Melodie, doch am Ende der vierminütigen Laufzeit ist der Song nicht mehr gewachsen, als was wir in den ersten Sekunden gehört haben. Im Allgemeinen ist Folk von Natur aus einfach, aber das Hauptproblem bei „What’s New, Tomboy?“ ist, dass es nicht viele interessante Ideen bietet, um diesen unkomplizierten Ansatz auszugleichen. Nichts auf auf dem Album klingt schlecht, aber mit einem Mangel an konsequenter Entwicklung und erkennbaren Songstrukturen folgt Song nach Song, bis wir feststellen, dass wir das Ende erreicht haben. Seine produktive Natur ist immer noch beeindruckend, aber um es gelinde auszudrücken, ist es schwer, sich nicht zu fragen, ob er mal etwas anderes ausprobieren sollte. Denn jetzt, im Jahr 2020, liegt “What’s New, Tomboy?“ klanglich irgendwo zwischen seinen beiden vorherigen Alben und bietet nicht viel Neues oder Aufregendes. 6/10 COUNTRY

Happyness Floatr

Seit ihrem letzten Album, dem 2016 erschienenen Album „Write It“, haben die Londoner Lo-Fi-Slacker von Happyness ein Mitglied (Gründungsmitglied Benji Compson) entlassen und miterlebt, wie sich Ash Kenazi neben Jonny Allan vom Support-Spieler zur wilden Drag-Queen-Co-Frontperson entwickelt hat. Das Duo hat nun die dritte Platte „Floatr“ als Buchstütze für “the best and worst years of our lives” beschrieben. Und als Buchstütze mag dieses neue Album tatsächlich taugen. Aber auch nur für Bücher mit leichtem Inhalt. Denn wenn der häufig verwendete Begriff „Indie-Rock“ ein Kreis war, der zuvor um das in London ansässige Duo Happyness gezogen wurde, dann sieht das neue Album sie unverfroren an seinen Rändern tanzen. Während Vergleiche mit den Alt-Rock-Heiligen Pavement wohl immer noch im Überfluss vorhanden sind, haben Happyness einen langen Weg von ihrem selbstveröffentlichten Debüt „Weird Little Birthday“ zurückgelegt. Der Titeltrack gibt den Ton für eine Erkundung der Selbstfindung an und lässt Hypothesen aufkommen: “Maybe it’d be much better to be irreversibly changing endlessly”. Als Genre mit einem eigenen Sinn für Coolness haben Happyness ihren lockeren Rock-Sound übernommen und beschreiten im Zehn-Track-Angebot altbekannte Pfade. Die Stimmung beginnt mit einer sanft schwankenden akustischen Nummer, die an das Lo-Fi ihrer ersten Platte erinnert, und führt zu einem orchestralen Aufbau aus minimalistischer Klaviertasten und spiralförmiger Elektronik.

Die Songs schimmern im Allgemeinen mit wackeligen Pop-Elementen aus den 90ern. Es ist eine Gänseblümchenkette milder Nostalgie aus glückseligen Gitarren, gedämpften Gesängen und kaleidoskopischen Texten. „Vegetable“, geschrieben inmitten der Trennung, ist ein Popsong, der lyrische Verweise auf Chumbawamba’s „Tubthumping“, RuPaul’s „Drag Race“ und Scientology enthält. Der Titeltrack beschäftigt sich unterdessen mit dem Kampf, mit sich selbst Frieden zu finden. Auch wenn es nicht viel interessantes zu entdecken gibt, so bleiben die vielfältigen Arrangements des Albums im Gedächtnis hängen, aber auch die beständige, seufzende Stimmung verleihen „Floatr“ in seltenen Momenten zusätzlich eine meditative und zurückhaltende filmische Qualität. 5/10

INDIE ROCK

Austra

HiRUDiN Katie Stelmanis zeichnet auf Austra’s ergreifendem vierten Album „HiRUDiN“ eine zutiefst persönliche Reise der Entwicklung, der Wunderlichkeiten und der giftigen Beziehungen nach. „HiRUDiN“ wurde nach dem von Blutegeln freigesetzten Antikoagulans benannt und untersucht in geeigneter Weise die parasitäre Natur der Toxizität und die Heilung, die es hervorrufen kann. Der zweite Titel „All I Wanted“ gibt den Ton für das Album an. Die kraftvollen Texte lesen sich wie ein verärgerter Dialog über einen besiegten Liebhaber. Wütend und bombastisch ruft Stelmanis aus: „it doesn’t matter if you’re sorry ‚cause I’m leaving tomorrow. All I wanted was your love,“ seufzt sie und fängt den genauen Moment ein, in dem sich die Liebe ergibt und die Verachtung hereinströmt. Es ist schwer, Katie Stelmanis zu verstehen. Es ist auch schwer, ihre sinnliche, elektro-beeinflusste, klassische Stimmung nicht zu mögen. Auf ihrem sich ständig weiterentwickelnden Karriereweg erlebte sie eine Achterbahnfahrt zwischen Genre und Stil, von dunkel und launisch über tanzbaren Synth-Pop bis hin zu beruhigendem New Age und wieder zurück. „HiRUDiN“ setzt diesen Trend fort. Und während sich das Album entfaltet, verebben und fließen die Tracks mit verschiedenen musikalischen Ideen und unkonventionellen Absichten, in denen Austra eine abwechslungsreiche Musiklandschaft erkundet.

Aber es ist Stelmanis’ Opernstimme, die im Mittelpunkt steht und den Aufnahmen eine vertiefte Breite verleiht. Ihre mehrschichtige Stimme gleitet wie ein sanft schimmernder Geist zwischen den künstlichen Kulissen und klassischen Motiven. In Verbindung mit optimistisch synthetisierten Arpeggios und mitreißenden Beats sind die Ergebnisse geradezu atemberaubend. Das eröffnende Stück „Anywayz“ – zusammen mit „I Am Not Waiting“ und der großartigen Single „Risk It“ – sind eingängige, kunstvolle Popsongs, die sowohl emotional als auch erhebend makellos zwischen Sorge und Hoffnung schwanken. Es gibt jedoch ein paar Probleme bei „HiRUDiN“. Ein paar der langsameren Songs sind gute Ideen, die sich aber nur zu großartigen Entwürfen entwickeln. Sie sind oft mit gotischem Melodramen überhäuft und klingen gut, während wir Ihnen zuhören, aber man wird nicht zu dem Wunsch gelangen, diese bei einer Wiederholung erneut abzuspielen. Insgesamt ist „HiRUDiN“ eine gewinnbringende Kombination aus Vertrautem und Besonderem und ist für Anhänger von ekstatischem Pop-Rock mit verführerischem Gesang und Rhythmen einen Besuch wert. 7/10 POP

Diet Cig

Do You Wonder About Me? Es dauerte bei den meisten sicherlich weniger als einen einzigen Durchlauf, bis die Kombination aus sauberen und knackigen Gitarren, klapperndem Schlagzeug und Alex Luciano’s konfessionellem, süß-saurem Gesang aus dem Debütalbum überzeugte. Es war eine rosarote Rückkehr in die Zeit der Sommerferien, als man noch zur Schule ging. Nach drei Jahren kehren Diet Cig nun also mit Ihrem zweiten Album „Do You Wonder About Me?“ zurück. Zum Glück klingt das New Yorker Duo wie gewohnt. Das Ergebnis sind zehn Tracks, die jedem sofort bekannt erscheinen, der zuvor Zeit mit dem Material der Band verbracht hat. Was bald offensichtlich wird, ist, wie viel Diet Cig gereift sind. Nicht nur als Musiker, sondern auch als Menschen. Wenn ihre erste Platte auf Akzeptanz beruhte und wusste, dass es in Ordnung ist, der zu sein, der man ist, so gräbt „Do You Wonder About Me?“ tiefer als das und zeigt sich interessiert daran, nicht nur zu verstehen, wer man ist, sondern auch warum man so ist und die damit verbundenen negativen Eigenschaften zu akzeptieren. Die vielleicht bewundernswerteste Qualität des Albums ist die Art und Weise, wie Ihre Musik den tief sitzenden Ethos radikaler Selbstakzeptanz widerspiegelt. Luciano’s Texte sind wie üblich fast fehlerhaft, lustig, furchtlos und roh – eher kathartisch unbewacht als sorgfältig kuratiert – und integriert diese mehr denn je in den typisch geradlinigen Pop Rock aus neuen, feineren Texturen.

Während der Vorlauf des Albums mit „Thriving“, „Who Are You?“ und „Night Terrors“ fest in Diet Cig’s gewohnter Formel eingebettet wurden, lassen Songs wie „Priority Mail“, „Worth the Wait“ und „Night Terrors (Reprise)“ darauf schließen, dass die Band mit ein paar neuen Farben aus Ihrer Palette experimentiert. Der Schritt nach vorne spiegelt sich auch in der raffinierteren Produktion wider, die den natürlichen Sound des Duos in etwas lauteres und expansiveres verwandelt. Dazu zählen elektronische Spielereien und angenehme Piano-Linien. Manchmal, wie bei „Staring Into the Sun“, kann Luciano’s Stimme auf Bowman’s treibenden Trommeln und einer hinter ihr anschwellender Tonfolge schweben und den Sound der Band weit über die Grenzen ihrer DIY-Anfänge hinaus treiben. Aber zu oft unterstreicht die gesteigerte Produktion leider die mangelnde Tiefe des Albums. Das bereits angesprochene „Priority Mail“ deutet auf eine tiefsitzende Angst hin, endet jedoch nach 53 Sekunden vor einer sinnvollen Erforschung eines solch geladenen Themas. In ähnlicher Weise wären „Makeout Interlude“ und „Night Terrors (Reprise)“ interessante Ansätze auf einer Doppel-LP, aber auf einem Album mit zehn Songs, das weniger als 30 Minuten lang ist, fühlen sie sich wie unentwickelte Fetzen an, Platzhalter für etwas, das möglicherweise vollständiger gewesen wäre. Wenn sich das Debüt von Diet Cig wie eine Rückkehr in unsere Teenagerjahre anfühlt, dann ist „Do You Wonder About Me?“ ein ebenso unsicherer, aber irgendwie selbstbewussterer Zwanziger. 6/10

INDIE ROCK

Im Jahr 2018 ließ das britische Quintett Boston Manor sein zweites Album „Welcome to the Neighborhood“ auf uns los und debütierte mit einem dunkleren Sound und einer dunkleren Ästhetik. Sie haben ihren Crossover-Weg mit „GLUE“ fortgesetzt und klingen nun mehr nach alternativem Rock der 90er als nach Pop-Punk. Boston Manor entstanden 2013 als Teil der aufstrebenden britischen Pop-Punk-Szene. Ihr Debüt 2016 „Be Nothing“ festigte sie als eine der besten Bands in dieser Szene, aber es war ihre zweite Platte, die einen Wendepunkt markierte. Weitaus experimenteller als zuvor, mischte die Band Elemente aus R&B, HipHop, Post Hardcore und Industrial Rock, um eine vielschichtige Platte zu kreieren, die durch ihre launische Atmosphäre miteinander verbunden ist. Den Auftakt macht die erste Single „Everything Is Ordinary“, eine wilde Explosion purer Punk-Energie, die als Leitbild des Albums dient. Es ist ein störanfälliger und energiegeladener Track, der dröhnende Synthesizer mit knusprigen Gitarren und verschwommenen Drums kombiniert, um einen Sound zu erzeugen, der anders ist als alles, was Boston Manor zuvor produziert haben. Die Gruppe hat uns also in diesem Moment darüber informiert, dass Ihr Regelbuch so eben aus dem Fenster geworfen wurde. Es wird auch schnell klar, dass „GLUE“ nicht nur ein Album ist, sondern eine kritische Auseinandersetzung mit der modernen Welt. Eine der Methoden, mit denen Cox gesellschaftliche Probleme angeht, ist das Erzählen von Geschichten, die den Hörer direkt in die Perspektiven der Beteiligten versetzt. Das ominöse „On A High Ledge“ unterscheidet unerschütterlich die giftige Männlichkeit und die Folgen,

Boston Manor GLUE

die auftreten können, wenn Jungen beigebracht wird, was es bedeutet, ein Mann zu sein. “Father, I think I’m different / I don’t like playing with the other boys”, singt Cox als Erzähler des Liedes und fasst die Art und Weise zusammen, in der Erwartungen an junge Männer das Selbstbild negativ beeinflussen können. Das unheimliche Instrumental des Songs beginnt auf minimalistische Weise mit nur einem Synthesizer und stotternden Hi-Hats. Es fügt nach und nach Ebenen hinzu, bevor es in einem lauten Crescendo gipfelt. Das scharende Getöse von „1’s & 0’s“ vergleicht derweil die Kluft zwischen der jüngeren und älteren Generation Großbritanniens mit einer missbräuchlichen Beziehung. (“What would you do to me if I opened my mouth?”). „GLUE“ erreicht seinen Höhepunkt mit dem Song „Monolith“. Die aufgestaute Frustration, die sich während des gesamten Albums aufgebaut hat, endet mit einem leidenschaftlichen, “Hey you, fuck you too/ I’ll do what I want when I want to”. Das Lied wurde von der Band als Mittelfinger für die Menschen beschrieben, die die Welt zu einem schlechteren Ort machen, und zugleich ist es eine Art Weckruf, der die Menschen dazu inspirieren soll, Stellung zu beziehen. Durch die Kanalisierung ihrer Frustration in ihr Handwerk haben Boston Manor nicht nur ihr bisher bestes Album gemacht, sondern auch der unzufriedenen Jugend der modernen Gesellschaft eine Stimme verliehen, zu einer Zeit, in der dies dringend benötigt wird. 8/10

ALTERNATIVE ROCK

Ghostpoet hat sich schon immer wie ein Lockdown-Künstler angehört, der mit Problemen der sozialen Isolation zu kämpfen hat. Es ist schwer, sich viele Indie-Künstler vorzustellen, die einen hartnäckigeren und eigenwilligeren musikalischen Weg eingeschlagen haben als der 37-jährige Londoner Obaro Ejimiwe. Sein fünftes Album als Ghostpoet mit dem Titel „I Grow Tired But I Dare not Fall Asleep“ ist voller seltsamer, brütender Schlafzimmer-Soundtracks, die Elemente von Elektronik, Trip Hop, Post Punk und Alternative Rock mischen. Ghostpoet fügt gesprochene Texte hinzu, die in einer beunruhigenden und müde resignierten Monotonie geliefert werden. Es ist Musik, die nach Angst und Unruhe stinkt und die uns in einer sensiblen Gesinnung auf die Nerven geht, aber dennoch eine seltsame, jenseitige Schönheit ausstrahlt. Es ist das rasselnde Geräusch im Nervenzusammenbruch eines anderen. „I Grow Tired But Dare Not Fall Asleep“ zeigt, wie Ghostpoet nicht vor dringenden Problemen zurückschreckt – er geht sie direkt an. Wie immer tut er dies mit Brillanz und genrewidrigen Klängen. In dem eröffnenden Stück „Breaking Cover“ sendet Ghostpoet gemischte Botschaften – “I am alive, I am alive, I am alive / I want to die” – die Texte enthüllen tiefe, widersprüchliche Gefühle. Er folgt mit noch mehr Verwirrung: “I need a break. I need a break. You need a break. We need a break. They need a break. It’s all on top. There’s too much noise”. Bei sechs Minuten und 30 Sekunden ist keine Zeit für einen Flirt mit der Musik. Vielmehr ist dieser erste Titel eine Einladung, sich voll und ganz in den brütenden, intensiven Sound des Albums zu vertiefen. Die erste Single „Concrete Pony“ ist wiederkäuend, angefangen mit Entstellung und Zerteilung der modernen Gesellschaft, während „Black Dog Got Silver Eyes“ stolpernde Beats liefert und „Humana Second Hand“ zutiefst introspektiv auf den Hörer wirkt. “Once again, the happy pills ain’t doing shit,” fragt Ghostpoet, “What becomes of me?”, bevor er einen geflüsterten Vers mit

abschreckender Wirkung spricht. Die Originalität von Ghostpoet wurde seit seinem Debüt 2011, „Peanut Butter Blues & Melancholy Jam“, mit zwei Mercury-Nominierungen gewürdigt. Sein neues Album basiert auf einem schönen, flüssigen Bassspiel, das einen silbernen Faden durch die strukturierte Mischung aus unzusammenhängenden elektronischen Geräuschen, zersplitterten Gitarren und gespenstischen Ambiente bietet. Ghostpoet hat damit ein weiteres fantastisches, authentisches Werk geschaffen, dass Gemeinschaft, Verbindung und Zusammengehörigkeit neu definiert. 8/10

ELECTRONIC - ABSTRACT

Ghostpoet

I Grow Tired But I Dare not Fall Asleep

Hayley Williams Petals For Armor

Das kunstvolle und zutiefst persönliche Solo-Debüt von Hayley Williams folgt Berichten zufolge einer Phase tiefer Selbstreflexion. Die langjährige Paramore-Sängerin feierte zusammen mit Ihrer Band bahnbrechende Chart-Erfolge durch das selbstbetitelte Album von 2013 und „After Laughter“ aus dem Jahr 2017. Sie musste aber auch drei Besetzungswechsel hinnehmen, die sie jedes Mal kurz vor die endgültige Auflösung brachten. In diesen Jahren heiratete Williams auch, ließ sich scheiden und sah, wie sich ihre geliebte Großmutter einer lebensbedrohlichen Operation unterziehen musste. Williams ließ sich schließlich mit Familie und Freunden in ihrer Heimatstadt außerhalb von Nashville nieder. Sie bringt all diese Erfahrungen in „Petals for Armor“ ein und gräbt sich mit poetischer Intensität in die Depression und Selbstzweifel, die ihren Erfolg oft trübten. Zu Williams gehört der Paramore-Gitarrist Taylor York, der auch das Ruder als Produzent übernimmt. York ist ein erfinderischer Instrumentalist und Songwriter, der Williams Arbeit mit der gleichen einfühlsamen Kreativität verbindet, wie er es schon bei Paramore unter Beweis stellen konnte. Mit an Bord sind auch der Paramore-Tourbassist Joey Howard (der mindestens die Hälfte der Co-Writing-Credits teilt), der Schlagzeuger Aaron Steele (Ghost Beach, Fences, Ximena Sarinana) und der Cellist / Geiger Benjamin Kaufman. Zusammen haben sie eine Reihe von intimen und stimmungsvollen Songs geschaffen, die Williams’ aufrichtige Texte (sie spielt zudem Gitarre und Keyboard) mit kunstvollen Post-Rock-Arrangements und eindrucksvollen Schnörkeln kombinieren.

Williams zeigt uns zudem progressiven Barock-Pop im Stil von Künstlern wie Kate Bush, Tori Amos und Imogen Heap. Songs wie die eröffnenden „Simmer“ und „Leave It Alone“ haben eine narkotische traumwandlerische Energie, die von bedrohlichen Bass-Rhythmen und eisigen Saitenakzenten unterbrochen wird. Sie zeigen auch Williams’ kontinuierliches Wachstum als Sängerin. Ihre resonante Stimme wird in einer Minute zu einem gedämpften Geräusch und in der nächsten zu einem schwebenden, wohlschmeckenden Hoffnungsschimmer. Während viele dieser Songs eine geformte Präzision an den Tag legen, sind sie stets mit einer offenen Emotionalität ausgeglichen. Auf dem tanzenden, lateinamerikanischen „Dead Horse“ beschreibt Williams eine ungesunde Beziehung und singt: „Every morning I wake up/From a dream of you/Holding me underwater/Is that a dream or a memory?/Held my breath for a decade/Dyed my hair blue to match my lips/Cool of me to try/Pretty cool I’m still alive.“ Sie verbindet Synthesizer mit robusten Backbeats auf Tracks wie „Creepin“ und angespannte Texte mit zurückhaltenden Melodien auf „Leave It Alone“. Ihr Gesang ist so agil wie immer und schneidet nicht nur sauber durch verschiedene Oktaven, sondern auch durch verschiedene Stile, von sanften Indie-Pop-Harmonien bis zu wütenden Rufen bei „Watch Me While I Bloom“. Mehr als jedes andere Bandmitglied ist Hayley Williams das Herz von Paramore – nicht nur für ihre denkwürdigen Auftritte als Sängerin, sondern auch als einziges Mitglied, das auf allen fünf ihrer Alben zu hören ist. Die verschiedenen Schwerpunkte Ihrer eigenen Songs klingen so, als würden sie weniger als Ausrufe vieler dienen, sondern mehr als persönliche Gedanken und Geständnisse an einen engen Freund oder Liebhaber. Das Ergebnis ist ein aufrichtiges Solo-Debüt, ein solides Album voller Reibung und Ehrlichkeit. 9/10

INDIE ROCK

Alina Baraz

It Was Divine Die verführerische Künstlerin Alina Baraz aus Los Angeles, die 2015 aus der Peripherie von R&B hervorging, begann während dieser Zeit, die Grundlagen ihrer Karriere zu schaffen und arbeitete mit dem dänischen Elektronikproduzenten Galimatias an dem gemeinsamen Projekt „Urban Flora“ zusammen. Die Sängerin veröffentlichte 2018 „The Color Of You“, das ihre zierlichen Gesänge und introspektiven Texte weiter verfeinerte. Mit bisher über einer Milliarde Streams scheint Alina Baraz nun bereit für ihre Nahaufnahme in Form von „It Was Divine“ zu sein. Baraz legt die Messlatte sofort hoch und beugt sich an einen Ort der Vertrautheit, an dem sie ihre Wertschätzung für die Liebe im Opener des Albums „My Whole Life“ offenlegt. Die verträumte, entspannte Platte wird von einer Leidenschaft angetrieben, die schwer zu ignorieren ist. Donnernde Trommelschläge weisen den Weg, während der Hörer in einen Trancezustand versetzt wird, der sich im Verlauf des Fortschreitens von „It Was Divine“ noch verstärken wird. “I’m not asking for too much,” singt Baraz auf „To Me“, “I’m asking the wrong motherfucker”. Neun Tracks später, zeigt damit „To Me“ immer noch einen erfrischenden Eindruck von ihrer Fähigkeit, den Stil und den Ton jedes Songs zu ändern und auf Zehenspitzen durch verschiedene Genres zu gehen. Natürlich wäre dieses Album ohne den Auftritt des gefragten und langjährigen Mitarbeiters Khalid, der in „Off The Grid“ zu hören ist, nicht vollständig. Beide Künstler spielen in der Harmonie der Stimmen des anderen und heben ihre musikalische Chemie perfekt hervor. Die Verbindung von Baraz’ mit Honig überzogener Stimme und Khalid’s vielseitigem Bariton bringt erfüllende Energie in diesen Song. Ein Duettprojekt der beiden wäre zwar nicht sehr unwahrscheinlich, aber ein großer Genuss.

Am Ende des Tages haben wir nur uns selbst. Baraz begreift die Tatsache, dass sie sich bei „Who Got Me“ an die erste Stelle setzen muss. Unter Berücksichtigung der notwendigen Selbstreflexion passen die schlaffen klimpernden Gitarren gut zur aufschlussreichen Natur des Songs. Mit dem Beatwechsel nach zwei Minuten dreht sie den dissonanten Teil um, mit viel Vertrauen, dass sie jemanden finden wird, der sie festhält. Wenn sich Baraz weiter in den Pop-Mainstream hinein bewegt, besteht kein Zweifel daran, dass die Amerikanerin kurz vor dem Durchbruch steht. „It Was Divine“ ist nicht makellos, aber nahezu perfekt. Wir hören einen beständigen Fluss gut produzierter Tracks, eine Reise in die Flitterwochen, zu Liebesstreitigkeiten und eine Prise akustischer Balladen. 7/10

R&B - HIP HOP - POP

Kehlani

It Was Good Until It Wasnâ&#x20AC;&#x2122;t

Die aus Oakland stammende R&B-Sängerin hat stilistisch gesehen immer einen einzigartigen Raum innerhalb der urbanen Musiklandschaft eingenommen: Sie verschmolz die neo-traditionalistischen Ansätze von Künstlerinnen wie Musiq Soulchild mit den berauschenden Hip-Hop-Intonationen von Sängern wie Mariah Carey. Nach dem erstaunlich klaren Mixtape „While We Wait“ von 2019 bietet uns Kehlani’s jüngstes Projekt eine Vision von unvermeidlichem Herzschmerz vor einem strahlenden Hintergrund aus sommerlichem R&B der 90er Jahre und dunstigem zeitgenössischen Hip-Hop. “Damn right, we take turns bein’ grown / I get real accountable when I’m alone.” So lautet der erste Vers des Album-Openers „Toxic“, eine Selbstanerkennung menschlicher Unvollkommenheit sowie eine Art Leitfaden für den Rest des Albums. Eine Ode an Kehlani’s enge Beziehung zum Compton-Rapper YG, dessen intime Konzentration auf frühere „kisses and hugs“ die Kenntnis des öffentlichen Spektakels um ihre vielbeachtete Beziehung widerlegt – ein Geist, der auf dem Kernstück des Albums „Everybody’s Business“ festgehalten und uns mit den Gerüchten um Ihr persönliches Liebesleben konfrontiert: “I hear every word they talk / Try not to care at all / I know it’s frontin’, don’t know me from nothin’”. Die herausragenden Songs sind diejenigen, auf denen sie davon spricht, sich von Situationen der Unsicherheit zu befreien, indem sie Wege des Übergangs zu sich selbst anbietet. Die Tracks „Can You Blame Me“ mit Lucky Daye und „Open (Passionate)“ erfordern unsere Aufmerksamkeit. In vielerlei Hinsicht öffnet das Album unseren Geist, um zu hinterfragen, welche Etikette erforderlich ist, um aus einer Beziehung herauszukommen, von der man selbst nicht profitiert. Ihre Stimme trägt eine Art Schmerz, der für viele erkennbar ist, und Songs wie „Change Your Life“ mit Jhene Aiko fassen starke Gründe zusammen, warum dieses Album ihr bisher solidestes Projekt ist. “Baby, let me change your life, you wanna see (everything), that you can be anything you want (anything)”. 8/10 R&B

I Break Horses Warnings

Maria Lindén kehrt mit ihrem dritten Album „Warnings“ zurück und zeigt, dass ihre Musik während der sechsjährigen Pause des Projekts nichts von ihrer gebieterischen Kunst verloren hat. Lindén hat wieder ein Werk geschaffen, das von transzendenter Schönheit anschwillt und den Mythos zerstört, dass elektronische Musik standardmäßig kalt und unpersönlich ist. Wie bei ihrer vorherigen Platte besitzt „Warnings“ die weitreichende Größe und Vision von Sigur Rós, die emotionale Tiefe und die eiszeitliche Anmut der Cocteau Twins und die introspektive Trostlosigkeit von Anna Von Hausswolff. So ansprechend die einzelnen Veröffentlichungen auch waren, „Warnings“ ist viel befriedigender, wenn es als Gesamtwerk erlebt wird, fast wie ein Filmsoundtrack. Das unterstreichen zweifelsohne am Besten die beiden Songs „Baby You Have Travelled For Miles Without Love In Your Eyes“ und „Death Engine“. Die Früchte von Lindén’s Arbeit mögen hart erkämpft worden sein, aber sie sind dafür umso süßer. „Warnings“ ist eine reichhaltige Platte, die sich an den frühen Electrogaze-Sound der Band und den Crystal Synth-Pop ihrer zweiten Platte „Chiaroscuro“ aus dem Jahr 2014 anlehnt. Das dritte Album bringt das Experiment und das Drama auf Trab. Die neuen Songs sind durch die Spannung und Freisetzung des Titels gekennzeichnet und offenbaren Ihre Geschichten in Songs wie „Turn“, in dem Lindén erkennt, dass ein Liebhaber emotional nicht das selbe fühlt, bis hin zur tragischen Entscheidung eines jungen Menschen, sein Leben zu beenden („Death Engine“). Das beruhigende „I Live At Night“ beschreibt eine Depression, die einen an die dunklen Stunden gebunden hält.

Wie bei der lebhaften Krautrock-Nummer „Neon Lights“ greift der Song das Konzept von Dunkel und Licht auf. Ein träger Drum-Machine-Beat schleppt die hallende Akustik, den wiegenden Bass und die muffigen Piano-Noten über die Texte, in denen Lindén zugibt: “I live at night / ‘Cause I’m afraid of the day”. Lindén scheint die verletzlichste zu sein, die sie jemals war, als wären wir auf einen vergessenen Tagebucheintrag gestoßen. Das herausragende „The Prophet“, das an industriellen Trip-Hop-Beats und bedrohlichen Synthesizern hängt, berührt ebenso das Zusammenspiel von Schatten und Licht. Trotz all seiner Pluspunkte weist „Warnings“ einige Fehltritte auf, vor allem in seinen zahlreichen feldähnlichen Interludes („larm“, „denlillapaseavlycka“ und „absolutamollpunkten“) und dem kratzenden „Depression Tourist“. Ansonsten ist „Warnings“ jedoch eine brütende, schöne Betrachtung auf die Fehler des Lebens. 7/10

SYNTH POP

ie es sich für eine weitgehend autobiografische Sammlung von Liedern gehört, die über ein ganzes Leben zurückblicken, bewegt sich die Musik von Mark Lanegan auf dem neuen Album „Straight Songs Of Sorrow“ durch die Vielfalt der Genres, mit denen Lanegan experimentiert hat. Manchmal geht er zurück zum unkomplizierten Singer-Songwriting seines 1994er Klassikers „Whiskey For The Holy Ghost“. Siehe zum Beispiel die süße, reflektierende Ballade „Apples From A Tree“, in der Akustikgitarren von Lamb of God-Gitarrist Mark Morton ausgewählt werden. An anderer Stelle nickt Lanegan in Richtung seiner elektronischen Arbeit. Das eröffnende Stück „I Wouldn’t Want To Say“ enthält einen Organelle-Computersynth und die Zeile: „Swinging from Death… to Revival“, eine offensichtliche Anspielung auf „Revival“, die erste Single von Lanegan aus dem unterschätzten 2007er Album „It’s Not How Far You Fall, It’s The Way You Land“, eine Zusammenarbeit mit dem englisch-amerikanischen Produktionsduo Soulsavers. Manchmal verwickeln sich Erinnerungen und Mythen. Das nachtdunkle „Ballad of a Dying Rover“ mit John Paul Jones von Led Zeppelin erinnert an Lead Belly’s „Where Did You Sleep Last Night?“. Cobain und Lanegan nahmen den Song einst zusammen auf und Lanegan präsentierte letztlich diesen Song in seinem ersten Soloalbum „The Winding Sheet“. Das dritte Lied auf dem Album ist „This Game of Love“, das von einem unwiderstehlichen Zusammenspiel zwischen Lanegan’s Stimme mit der seiner Frau Shelley Brien angetrieben wird. Das Duett entspricht dem lyrischen Inhalt des Liedes, der Dichotomien von Himmel und Hölle sowie Zusammengehörigkeit und Einsamkeit. Nach diesen drei Liedern bleibt „Straight Songs of Sorrow“ jedoch erheblich stehen. Keine der folgenden fünf oder sechs Nummern entspricht Lanegan’s gewohnten Qualitäten im Songwriting. „Stockholm City Blues“ ist der Ort, an dem die Energie des Albums aber wieder zunimmt. Die musikalische Komposition des Songs entwickelt auf subtile Weise zusätzliche Ebenen, während die Texte die Art und Weise ausdrücken, wie ein Süchtiger die Zeit in Erwartung des nächsten Fixes erlebt. Zusammenfassend enthält „Straight Songs of Sorrow“ eine exzellente halbe Stunde Musik innerhalb seiner einstündigen Laufzeit. Das Leben mag das „study of dying“ sein, wie Lanegan in Queens of the Stone Age’s „Song for the Dead“ sang, aber der Schlüssel ist herauszufinden, „how to do it right“. Lanegan lebt und kämpft hier mit dem Tod – seine Musik als Ventil dienend. 6/10 ROCK

Bishop Nehru

Nehruvia: My Disregarded Thoughts Mit 16 Jahren veröffentlichte der begabte Bishop Nehru sein erstes Mixtape „Nehruvia“, mit Hilfe der Produzenten DJ Premier, Madlib und MF DOOM. Es war ein verdammt guter Coup für einen frühreifen, aber praktisch unbekannten Rapper im Teenageralter. Aber dieser besondere Teenager konnte rappen. Das Mixtape kennzeichnete Nehru als einen aus, der alle Voraussetzungen hatte, um das heilige Feuer des HipHop an der Ostküste über Jahre hinweg heftig und hell brennen zu lassen. Er würde sein Geschenk mit einer produktiven Arbeitsrate in Einklang bringen und von da an jedes Jahr ein Projekt veröffentlichen. Es gab gelegentlich Fehltritte – bei der selbst produzierten „Magic: 19“ funktionierte der Richtungswechsel nicht, mit klobigen Beats, die einfach nicht stark genug waren – aber zum größten Teil zeigte der New Yorker Rapper ein wachsendes Selbstvertrauen, sowohl als Künstler wie auch als Produzent. Jetzt, zehn Jahre später, fühlt sich Bishop Nehru endlich „in an artistically comfortable place to create“, den er seit der 8. Klasse im Kopf hatte. Aber wie es leider mit den meisten Wunderkindern verläuft, so ist zwar auch Nehru nicht ohne Qualitäten – als Teenager klang er überzeugend, als er klassische New Yorker Sounds der 90er Jahre umarmte. Aber spätestens das gemeinsame Album „NehruvianDOOM“ von 2014, war eine weitere Enttäuschung und der Rapper hat seitdem Mühe, den frühen Hype zu rechtfertigen. Jetzt haben wir „My Disregarded Thoughts“, sein bislang ehrgeizigstes Album, das jedoch größtenteils von fehlgeleiteten Experimenten und abgedroschenen Momenten verwüstet wurde. Einige Momente erregen jedoch die Aufmerksamkeit:

„Little Suzy (Be Okay)“ folgt den Nöten eines jungen obdachlosen Mädchens, das stark auf 2Pac’s „Brendas Got a Baby“ zeigt. Die raffinierte Boom-Bap-Produktion von „Too Lost“, die vom legendären DJ Premier serviert wird, ist ein herrlicher Rückblick in Nehru’s frühen Retro-Revivalismus. Und DOOM taucht ebenso auf, um das Projekt mit einem üppigen Jazz-Sample auf „Meathead“ zu segnen. Aber zu oft wandert Nehru durch die falschen Schallkorridore. Das trommelfreie, Saxophon-beladene „WhyDoesTheNightSkyTalk2Me“ ist ein Spülwasser-riechender Kendrick Lamar-Verschnitt. Die herausragenden Tracks sind „Colder“, „In My Zone“, „EMPEROR“ und „Never Slow“, aber die unorganisierte Tracklist und die schwankende Klanglandschaft sorgen letztlich für den bleibenden Eindruck der LP. Eine Mischung aus Ideen (oder Gedanken) scheint das Konzept des Albums zu sein, doch diese Verschmelzung lässt keine denkwürdige Veröffentlichung zu. 6/10

HIP HOP

ve Owen’s Debütalbum „Don’t Let The Ink Dry“ wurde von Aaron Dessner von The National produziert und beinhaltet 12 Songs, die rohe Emotionen mit grenzenloser Fantasie verbinden. Es sind aber Owen’s faszinierende Gesänge, die im Mittelpunkt stehen, mit einer orchestralen Kulisse geschmückt, die die oft herzzerreißenden und berührenden Texte perfekt begleitet. Sanfte Melodien schlängeln sich während der gesamten Dauer durch das Album und verbinden sich oft mit elektronischen Experimenten, weichem Klavier und beruhigenden Streichern. Während Owen die Stimme sein mag, verleihen eine Reihe von Musikern ihrem Talent während des gesamten Album die benötigte Strahlkraft. Darunter zählen unter anderem der Multiinstrumentalist Rob Moose (der Streicharrangements für Bon Iver erstellt hat) und der Pianist Thomas Bartlett (St. Vincent, Father John Misty). Owen’s Album beschäftigt sich mit Themen wie Angst, unerwiderte Liebe und Entfremdung und ist ein intimer Blick auf das Leben der 20-Jährigen durch einen Teppich an Emotionen, die in volkstümlich-elektronische Melodien verwoben sind. „Don’t Let The Ink Dry“ wurde über drei Jahre aufgenommen und ist eine Ode an die Jugend samt all ihrer Komplexität. Mit energetischen Rhythmen und bittersüßen Harmonien aufgereiht, kommt Owen in diesen 40 Minuten als So-

lokünstlerin perfekt zur Geltung. „Bluebird“ sprudelt zusammen mit einer hektisch ausgewählten akustischen und rollenden Snare, die genau auf der richtigen Seite des Chaos haften bleibt, während Owen visuelle Beschreibungen ihrer Befürchtungen bietet – „A bluebird swept down to me, it used scars for hooks“. Die auf Klavier basierende Ballade „She Says“ erinnert an Edith Piaf, wenn Owen sich damit abfindet, von jemandem enttäuscht zu werden, in den sie ihre Hoffnung und ihr Vertrauen investiert hat. Es ist ein erstaunlich reifes Stück Songwriting für jemanden, der kaum die Tage als Teenager hinter sich gelassen hat. „For Redemption“ ist ein echtes Highlight. Owen’s Stimme bewegt sich zwischen einem schwülen Gesang und einem dringenden Falsett, das eine interessante und schmerzhaft schöne Klangpalette erzeugt. Obwohl es musikalisch Elemente gibt, die an Dessner’s Tagesjob erinnern – wie die rhythmische Elektronik von „Lover Not Today“, die direkt auf eine der beiden vorherigen Platten seiner Band passen könnte – haben wir zu keinem Zeitpunkt das Gefühl, dass das Gewicht der Assoziation über Owen’s eigener Arbeit steht. Tatsächlich gibt es nur zwei Elemente, die für diese Zusammenarbeit wichtig sind: erstens öffnet es ihre Musik für ein breiteres Publikum und zweitens ist daraus ein Debütalbum entstanden, dass erstaunlich gut ist. 7/10

INDIE POP

ma-Sofia Miettinen wurde als Finnland’s nächste große Pop-Hoffnung bezeichnet. Die 23-jährige Künstlerin, die 2013 in der TV-Talentshow Idols berühmt wurde, hat sich aber seitdem größeren Dingen zugewandt und umfangreiche Kontakte geknüpft, dazu zählen auch Co-Songwritings für Ariana Grande und Miley Cyrus. Für Ihr Debütalbum „Have You Seen Her?“ hat ALMA einige ihrer bestens Songs gemacht, egal ob sie ihren Partygirl-Status in „Nightmare“, „Bad News Baby“ und „Worst Behaviour“ annimmt, sich mit falschen Freunden in „LA Money“ befasst, oder der neue Ruhm sie in „King Of The Castle“ ermüdet. Zuvor versteckte sie sich wie bei „Chasing Highs“ mehr hinter einem formelhaften, tropischen Pop-House, das Love Island mit banalen Texten über Dancefloor-Romantik vertonen konnte. „Have U Seen Her?“ erforscht stattdessen eine dunklere Stimmung und ist vollgepackt mit unwiderstehlichen Pop-Hooks, Trap-Beats, gruseligen Synthesizern und melodischen R&B-Jam-Songs – und das alles mit zutiefst persönlichen Geschichten im Kern. In „Worst Behaviour“ mit dem schwedischen Pop-Kraftpaket Tove Lo, legt ALMA Dinge offen auf den Tisch: “I don’t really care what you think of me… You don’t need to judge how I blow off steam”. Ihre hedonistische Haltung spiegelt sich darin wider, dass sie Breakbeats und Partyrufe einfach überspringt: “If you wanna go – then go hard”. Die Entscheidung, das Album amüsant, aber auch aufrichtig zu gestalten, war eine kluge Entscheidung, und die bewundernswerte Eigenschaft von Ehrlichkeit verdient definitiv Lob. Ein weiteres Highlight des Albums ist der Abschluss. „Final Fantasy“ spielt sich wie ein bittersüßes Schlaflied ab – komplett mit E-Gitarren und Texten wie “you’ve got a pretty heart, a pretty face, don’t waste it on me”. Der Track wird mit ziemlicher Sicherheit noch lange nach seinem Ende in unseren Ohren klingeln – aus den besten Gründen. „Have U Seen Her?“ ist insgesamt ein beeindruckendes erstes Album und Alma’s Verständnis für Pop-Algorithmen ist beneidenswert. Ihre Zukunft in diesem Genre sieht sicherlich so strahlend aus wie ihre Haare es tun. 8/10

POP - R&B

Hast du jemals eine Stimme gehört, die so fesselnd ist, dass sie deine Aufmerksamkeit sofort erregt? Eine Stimme, die so beruhigend ist, dass du jeden Text eines Songs spüren kannst? Eine Stimme, die so verlockend ist, dass du mehr hören möchtest? Es folgt der vierte Auftritt von Jess Williamson. Ihre neue Platte „Sorceress“ wurde in Los Angeles geschrieben, in Brooklyn aufgenommen und auf einer Ranch in ihrer Heimat Texas fertiggestellt. Sie umfasst die reiche Kultur und die bestimmenden Klänge dieser Gebiete. Der eröffnende Track „Smoke“ beginnt mit einer einsamen Akustikgitarre, die von Williamson’s größtes Instrument – ihre Stimme – begleitet wird. Es folgen harmonisierte Chorstimmen, die sich dem Ende des Tracks nähern und irgendwo zwischen unheimlich schön und kraftvoll beruhigend gipfeln. Williamson steigt wirklich in die Höhe, wenn sich ihre bewegenden Gesänge mit den lebendigen Bildern verbinden, die durch Ihre Texte in wunderschönen Gemälden festgehalten werden. “Oh to be as the birds are / unburdened by loneliness / oh to be a shining star / so far away with no regret,” surrt die Sängerin reumütig während „As the Birds Are“ und ruft Gefühle des Bedauerns und der Sehnsucht hervor, sich aus den Fesseln vergangener Fehler zu befreien. An manchen Stellen fühlen sich einige Songs aber so an, als würden sie zu einer Masse verschmelzen, was leicht ablenkt. Die Stärke des ersten Teil des Albums, sowie herausragende Momente, wie es der Titeltrack, „Rosaries at the Border“ und „Gulf of Mexico“ darbieten, sorgen jedoch dafür, dass das Gesamterlebnis beim Anhören der Platte eine angenehme Erfahrung bleibt. Der oben erwähnte Titeltrack ist eine von Herzen kommende Sicht auf Beziehungsprobleme, der von schimmerndem Vogelgezwitscher und anderen verschiedenen Wildtieren zart unterstützt wird – begleitet durch Williamson’s eindringlicher Stimme: „May I remind you no ones keeping score…but I’m not trying to tame a lion, I want to be caressed“. Wir erleben am Ende jede Emotion mit der Sängerin. Wir fühlen Liebe, wir teilen Herzschmerz, wir begegnen Traurigkeit und wir finden unsere innere Stärke. Wenn die letzten Noten des abschließenden Titels erklingen, könnte man sagen, dass „Sorceress“ eine musikalische Reise ist, aber es ist eine Reise, die sich lohnt. 7/10 COUNTRY

Jess Williamson Sorceress

Charli XCX

how i’m feeling now Nachdem Charli XCX mit ihrem Livestream-Programm der letzten Wochen so etwas wie die ungekrönte Königin der Coronavirus-Wohnzimmer-Auftritte geworden ist, geht die Britin nun konsequent den nächsten Schritt – und erschafft ein Album, das komplett in heimischer Selbstisolation geschrieben, aufgenommen und veröffentlicht wurde. Wenn ein Popstar einzigartig ausgestattet ist, um in schwierigen Zeiten kreativ zu sein, dann ist es Charli XCX. Wie ihr stetiger Strom an Singles, EPs, Mixtapes, Alben und Kollaborationen bestätigt, ist es ihr natürlicher Seienszustand, produktiv zu sein. Sie ist auch über ihre Social-Media-Plattformen bemerkenswert mit ihren Fans und anderen Künstlern verbunden und hat diese Version des Ruhms aus den 2020er Jahren genutzt, um Fans in ihren kreativen Prozess einzuladen. Und so ist auch die Musik von Charli XCX am besten, wenn sie so klingt, als würde sie rücksichtslos aus den Tiefen des Internets hervor stürmen, synthetische Ausbrüche durcheinander gebrachter Emotionen. Ihr viertes Album ist so aufregend und sofort einnehmend, dass Charli uns in Echtzeit auf ihre emotionale Achterbahnfahrt mitnimmt. „how i’m feeling now“ lässt uns in all die Gefühle eintauchen, die entstehen, wenn wir auf absehbare Zeit in unserem Haus eingesperrt sind. “I just want to feel in different ways / every single night kind of feels the same,” beklagt sie sich im dunklen, elektro-infundierten Opener „Pink Diamond“, einen Track, der mit seinem pulsierenden Beat und einem impulsiven Schaudern den Wunsch widerspiegelt, “to go hard“. Als nächstes hören wir die Single „forever“, eine sprudelnde melodische Nummer, über “I’ll love you forever / even when we’re not together”. Auf dem clubtauglichen „Anthems“ spricht sie etwas nur allzu bekanntes aus: “wake up late, eat some cereal / try my best to be physical, lose myself in a TV show / staring out to oblivion / all my friends are invisible / twenty-four seven, miss ‘em all”.

Im funkelnden Kaugummi-Pop von „Detonate“, einer Sprachnotiz, befasst sie sich mit ihren Selbstzweifeln, die nach einer Telefontherapiesitzung aufgezeichnet wurden. “I think it’s a tough journey to be on, whilst you’re around a lot of people, I feel like I’m learning that about myself, and I don’t fully really understand it yet, it hurts here, it hurts here.” Es ist vielleicht nicht die richtige Fortsetzung früherer Veröffentlichungen, aber „how i’m feeling now“ verleiht den Songs durch die Rohheit und Unmittelbarkeit einen ganz eigenen Reiz. Es ist mehr als nur ein interessantes Social-Media-Experiment oder eine Möglichkeit, Langeweile in Quarantäne tot zu schlagen. Es ist eine künstlerische Herausforderung, die den allerbesten Teilen der Musik von XCX entspricht. 8/10 POP

Moby’s Blütezeit endete in den 1990er Jahren. 1999 wurde sein Album „Play“, das amerikanische Wurzeln und Clubbeats zu einer Dinnerparty-freundlichen Tanzmusik kombinierte, in Großbritannien sechsmal mit Platin ausgezeichnet. Den Zeitgeist an beiden Enden eines Jahrzehnts festzuhalten ist keine leichte Aufgabe und mit 54 Jahren scheint Moby mehr darauf bedacht zu sein, über seinen Erfolg nachzudenken als ihn zu wiederholen. „All Visible Objects“ ist Moby’s 17. Album und fühlt sich sicherlich nicht nach musikalischer Relevanz an. Die erste Hälfte tanzt zwischen fieberhaftem House, benommener Electronica, Rave, Techno und Dub, die zweite Hälfte besteht aus Ambient- und leicht gedämpften Stücken, die aus Klavier und einem Synth-Aufwasch bestehen. Der übergeordnete Eindruck beider Modi ist Nostalgie, nicht zuletzt wegen der erhebenden, utopischen Eigenschaften der Tanzmusik. Während mangelnde Subtilität, von Led Zeppelin bis Skrillex, nicht unbedingt ein musikalisches Verbrechen ist, hat Moby’s aktueller Output einen unangenehmen EDM-Gigantismus, der einem Steroid ähnelt und wie eine Kreuzung aus Faithless und Martin Garrix aussieht. Es gibt Ausnahmen – die erste Single „Power is Taken“ ist ein überlauter, bedrohlicher HardHouse-Banger mit Gesang von Dead Peledy’s Schlagzeuger DH Peligro – aber meistens, ob begleitet von der Gospel-artigen Lungenkraft von Sänger Apollo Jane oder die grandiosen Trance-Synthesizer von „Forever“ – bleiben die Ergebnisse eher bombastisch als überzeugend. Moby’s letzte drei Alben sind alle in seiner Wut und Trauer über das, was sein Land – und die Welt – durchmacht, verankert. „All Visible Objects“ scheint der bewusste Versuch zu sein, sich davon zu entfernen und Neuland zu erkunden – in diesem Fall ein gigantisches, stadiongroßes und schallendes Update von dem, was er Ende der neunziger Jahre getan hat – aber es erweist sich als Fehltritt. Da er jedoch den gesamten Erlös des Albums an verschiedene Wohltätigkeitsorganisationen spendet, können wir ihm nur ein bisschen Glück mit dieser Veröffentlichung wünschen. 6/10

ELECTRONIC - AMBIENT

Moby

All Visible Objects

as erste Album der Magnetic Field’s seit 2017, „50 Song Memoir“, verfolgt genau das Gegenteil: „Quickies“ ist ein vielseitiges Projekt von Zigarrenschachtelinstrumenten und Synthesizern über 28 skurrile Schlaflieder, die nicht länger als zweieinhalb Minuten dauern. „Quickies“ ist ein lyrisch unverfrorenes Gedichtbuch aus der Gesäßtasche eines Minnesängers. Stephen Merritt und seine Band hätten dies nicht besser planen können. Als hätten sie es bereits gewusst, dass eine globale Pandemie die Welt erobern und alle in soziale Isolation versetzen und sich auf eine immer deprimierendere neue Normalität vorbereiten würden. The Magnetic Fields präsentieren uns zusammenhängende Themen und damit absolut genau das Magnetic Fields-Album, das die Welt gerade braucht: etwas Ablenkendes, Unbeschwertes und – Gott segne sie – ein bisschen Banalität. Es ist herrlich. Leider ist dieses Album zu kurz (man wünscht sich, dass viele der Songs länger gehen würden) und gleichzeitig fühlt es sich zu lang an (es dauert eine Stunde). Stephen Merritt und seine vielen Mitstreiter haben aber dennoch ein abwechslungsreiches und höchst unterhaltsames Album gemacht, das sich wie ein Gedichtband liest und wie der Soundtrack zu einem besonders lustigen (in Erinnerung bereits verblassten) Sommer klingt. Die besten Songs sind „The Biggest Tits in History“ (gesungen von Shirley Simms), „You’ve Got a Friend in Beelzebub“ (gesungen von Claudia Gonson) und „I Wish I Had Fangs and a Tail“ (gesungen von Merritt). Letztlich sind die meisten Songs recht einfach in der Produktion und ermöglichen eine Auswahl an Sounds, die der lyrischen Vielfalt der Magnetic Fields entsprechen. 6/10

POP - ROCK

hao & the Get Down Stay Down haben eine beständige Fähigkeit gezeigt, ihren Sound von Album zu Album weiterzuentwickeln und „Temple“ beweist, dass dies auch hier intakt bleibt. Vorbei ist (beinahe gänzlich) der Hip-Hop-Sound, der 2016 in „A Man Alive“ eine herausragende Rolle spielte. Ebenfalls zurückgenommen ist der klobige instrumentale Eklektizismus, der die Band bei früheren Veröffentlichungen charakterisierte, wobei „Temple“ sich von volkstümlichen Banjo-Sounds abwendet. Vielfalt ist das Gewürz des Lebens, und Nguyen liefert sie in ihren Songs weiterhin. Auf ihrem fünften Studioalbum besteigt die Sängerin Thao Nguyen aus San Francisco und ihre Band einen reduzierten Rock-Sound. Wir hören im Verlauf der elf neuen Songs eine wunderbar exzentrische Sammlung von Off-Kilter-Pop-Rock, die verschiedene östliche und westliche

Einflüsse zu einem unverwechselbaren Sound verschmilzt. Nach dem exzellenten „A Man Alive“ ist die Band immer noch in Topform und liefert skurrile Musik, die frisch und eingängig ist, aber nicht so eigenwillig, um die Zugänglichkeit zu verlieren. „Temple“ ist zugleich das persönlichste Album von Thao & the Get Down Stay Down. Thao Nguyen erzählt von ihrem Familienleben, ihrer Sexualität und anderen Themen, die sie normalerweise in einer Wolke aus Zweideutigkeiten behandelt. Der Titeltrack eröffnet das Album mit einer Hommage an Nguyen’s Mutter, eine vietnamesische Flüchtling, indem sie die Freiheit besingt, für die so viele gekämpft und für die so viele gestorben sind. “I lost my city in the light of day; thick smoke, helicopter blades,” singt Nguyen mit ihrer krächzenden Stimme und nimmt die Perspektive ihrer Mutter ein, die zu ihr singt. Das Lied kontrastiert einen Dancehall-Beat und Pop-Synthesizer mit einem Twangy-Gitarren-Lick, ge-

nauso wie es Kriegsbilder mit Worten der Hoffnung und Ermutigung kontrastiert. “We found freedom; what will you do now? Bury the burden, baby, make us proud,” singt sie. Interessanterweise fühlt sich die Musik auf „Temple“ aufgrund der Zusammenstellung oder des Zufalls oft wie eine Verteidigung an, die Thao’s emotionale Ehrlichkeit umgibt. Während sie Wände niederreißt, die uns zu Ihr führen, errichten die gezackten Gitarren und die stetige Trommelarbeit eine Art Schild um das offene Visier. Während „A Man Alive“ den verletzten, sogar tragischen Ton oft mit einigen der eingängigsten Arbeiten der Band bis heute ausgleichen konnte, könnte man „Temple“ sogar fast als Wüstenrock bezeichnen. Dies ist zum Teil dem Einfluss des vietnamesischen Rocks der 60er und 70er Jahre zu verdanken – sicherlich einer kulturellen Zeit der Musik, die seit langem von Hörern weltweit weiter erforscht wird – wobei Thao der Musik und der Stimme der Ge-

neration ihrer Mutter eine längst überfällige globale Plattform bietet. Trotzdem entdecken Thao & the Get Down Stay Down gelegentlich einige ihrer inspiriertesten Momente, wenn sie ihre Formel aufgeben. Der vorletzte Track „Ive Got Something“ bietet eine der transzendentesten Erfahrungen des Albums über ein entferntes, gedämpftes Riff und die schiere Kraft von Thao’s klagendem Gesang. Der Titel des Albums ist kein Fehler: Ein Tempel steht schließlich für den Mittelpunkt, als zentraler Treffpunkt in jeder Gesellschaft, als Ort, an den viele nicht nur ihre Hoffnungen und Überzeugungen, sondern auch ihr inneres Selbst teilen. Es ist ein Ort, an dem wir nach Verständnis suchen, nach Zugehörigkeit. Umgekehrt führen genau diese Orte oft zu einem Urteil, zu einem prosaischen Begriff festgeschriebener Normen. In ihrem Tempel scheint sich Thao abwechselnd gefangen und zu Hause zu fühlen. 8/10

INDIE ROCK

Nick Hakim

Will This Make Me Good Nachdem Nick Hakim für sein Debütalbum „Green Twins“ großes Lob erhalten hat, ist er mit dem zweiten Album „Will This Make Me Good“ zurück, das brillante Momente zeigt und das Talent des in Brooklyn lebenden Künstlers im Song-Arrangement in den Vordergrund rückt. Die größten Highlights des Albums wechseln zwischen den beiden Kernklängen von Dream Pop und gefühlvollen R&B mit einem Hauch von Indie-Rock und Elektronik. „QADIR“ ist Hakim’s verstorbenem Freund Qadir Imhotep West gewidmet und eine Erinnerung daran, sich bei seinen Lieben zu melden und diese nicht zu vernachlässigen. Die zweite Single „CRUMPY“ ist ein leuchtendes Beispiel für Hakim’s außergewöhnliches Songwriting und thematisiert den Umzug von seiner Heimatstadt Washington D.C. nach Brooklyn. Auf „Vincent Tyler“ überarbeitet er eine zarte Soul-Melodie, die erstmals 2018 veröffentlicht wurde, zu einer unheimlichen, niederfrequenten R&B Nummer. Obwohl die Originalversion von „Vincent Tyler“ ein „einfacheres Hören“ sein mag, ist diese neue Version möglicherweise gewagter und lohnender. In dem Lied sehen wir eine Gruppe von Menschen in

eine Gasse, nachdem sie Schüsse gehört hatten, und dort letztlich eine Leiche finden (angeblich inspiriert durch die Ermordung eines Vincent Tyler in Hakim’s Heimatstadt Washington D.C. im Jahr 2007). Hakim erzählt diese Geschichte in unkomplizierten Zügen, aber sein vielschichtiger Gesang übt eine wahnsinnige Faszination aus. „All These Instruments“ ist eine zarte Folk-Soul-Andacht, die Hakim gemeinsam mit seinem Bruder Danny geschrieben hat, während uns das bereits erwähnte „Crumpy“ in eine zeitgenössische, lockere Indie-Rock-Form eintauchen lässt. Leider schieben viele der Songs Hakim’s Gesänge beiseite, was ein wenig weh tut – da Hakim’s Stimme wirklich viel zu bieten hat. So sind seine Gesänge in der Mischung nicht besonders präsent, stattdessen lässt er die Instrumentierung und Soundeffekte sprechen und so neigen im Vergleich einige Tracks dazu, den Fokus zu verlieren, wie das geschäftig klingende „WTMMG“. Auch wenn die Magie seines Debüts fehlen mag, so zeigt das zweite Album, dass er immer noch voller Ideenreichtum und Potenzial steckt. 7/10 R&B

ines der tiefsten Geheimnisse im Indie-Rock von The Dears ist die Beziehung zwischen Murray Lightburn und Natalia Yanchak. Lightburn ist der Gründer, Songwriter, Gitarrist und Sänger der Gruppe, während Yanchak ihre Keyboarderin ist. Sie arbeiten seit 1998 zusammen und sind seit 2005 verheiratet. Die Langlebigkeit lässt darauf schließen, dass sie eine einigermaßen glückliche und funktionale Beziehung haben. Doch selbst die flüchtigste Untersuchung der Musik von The Dears macht deutlich, dass Lightburn die Romantik äußerst düster und die Welt um ihn herum betrachtet. Existiert diese musikalische Finsternis nur in Lightburn’s Kopf oder sind seine Lieder ein Mittel der Paartherapie, das ihn und Yanchak zusammenhält? Die Wahrheit liegt in jedermanns Vermutung, aber „Lovers Rock“ ist selbst nach ihren eigenen pessimistischen Maßstäben ein langweiliges Album geworden. Obwohl in The Dears zwei kreative Kräfte stecken, gibt es hier kaum einen überspringenden Funken. Beide singen vollkommen leblos, bestenfalls tot – und die Instrumentierung ist ebenso spannend. Opener „Heart of a Animal“ gibt uns eine Sekunde Hoffnung, wenn die knusprigen Gitarren und Drums in einen elektrisierenden Schwung eintauchen, um dann zu Lightburn’s halbherzigen Gesang und dem schrecklichen Falsett im Chor zurückzukehren. Die hintere Hälfte des Songs fungiert als Trauermarsch in Richtung eines letzten Refrains und ist in fünf Minuten

vorbei. Das folgende „I Know What You’re Thinking And It’s Awful“ hat einen noch schwierigeren Refrain – und dies ist irgendwie erst der zweite Song auf dem Album. Sehr selten findet dieses Album einen Moment der Aufregung. Und wenn es einen gefunden hat, müssen wir diesen genießen, weil wir für eine ganze Weile keine weiteren bekommen werden. „The Worst in Us“ bringt mit seinen geräumigen Gitarren und der abgehackten Drum-Programmierung ein bisschen Feuer mit, aber es verblüfft auch mit einer wirklich überraschenden Verschiebung in der Mitte des Songs, die den faszinierendsten Abschnitt des Albums abschließt. Es ist auch ein Lied, das die Beziehungsdynamik mit größerer Dringlichkeit untersucht. Die zweite Hälfte driftet mit Unsicherheit durch den Raum, als ob sie entschieden hätten, dass Hall ein solider Ersatz für einen Song ist, der tatsächlich konstruiert und bearbeitet wurde. Je mehr sich dieses Album abnutzt, desto mehr fühlt es sich wie eine Welt fern von der Band an, die einst mit diesem charmanten und lebendigen Album von 2003 Aufmerksamkeit erregte. „Lovers Rock“ bietet Momente, die diejenigen befriedigen werden, die bisher bei der Band geblieben sind, aber es fühlt sich letztendlich so an, als würde den Dears nun endgültig das Benzin ausgehen. 5/10

INDIE ROCK

Yung Lean Starz

Schweden kann über eine reiche Geschichte an populärer Musik von Hit-Produzenten und Songwritern wie Max Martin und Shellback, sowie auf Künstlerinnen wie Icona Pop und Tove Lo blicken. Aber sie sind nicht für ihren Rap bekannt – und hier kommt Yung Lean ins Spiel. Als einer der bekanntesten englischsprachigen Rapper Europas, meidet er den britischen grobkörnigen, schmutzigen Stil für einen eigenen psychedelischeren und emotionaleren Sound, der zwischen dem späten, großartigen Lil Peep und Lil Uzi Vert zu finden ist. Zugleich ist Jonatan Leandoer Håstad ein Rätsel. Er scheint schon immer da gewesen zu sein, aber jedes Mal, wenn er eine neue Veröffentlichung als Yung Lean herausbringt, ist es, als würden wir zum ersten Mal von ihm hören. Sein viertes Album „Starz“ enthält 16 Titel, von denen nur einer mehr als vier Minuten lang ist. Die Songs sind größtenteils mit hinreißenden Beats ausgestattet, während Lean über die Welt spricht, singt und rappt, die ihn nicht versteht. Das größte Highlight des Albums ist „Boylife in EU“, das sich durch seinen scharfen Fokus und die großartigen Beats auszeichnet und sich auf die Zeilen „Don’t you want to see the real me?“ und „You’re by my side but are you really with me?“ fokussiert. Es ist süß, traurig und aufgeräumt- wie alle anderen möchte Lean trotz des Ruhms nur, dass jemand mit ihm chillt, herumblödelt, mit ihm durch die Straßen spaziert. Trotz der flotten Geschwindigkeit leidet „Starz“ immer wieder unter Blähungen. Songs wie „Iceheart“, „Dance in the Dark“ und „My Agenda“ hätten von der Titelliste gestrichen werden können. So wirkt leider auch dieses Album insgesamt zu aufgeblasen und Lean verpasst erneut die Gelegenheit, es zusammenhängender und angenehmer zu gestalten. 6/10

HIP HOP

atty Healy, der Frontmann und Haupttexter von The 1975, ist möglicherweise der führende Rockstar von Gen Y: ein 31-Jähriger, der vom Ruhm ebenso angewidert ist wie von ihm begeistert, ein ehemaliger Drogenabhängiger, der immer noch Liebeslieder über Heroin schreibt, ein Musiker, der sich mit seinem Laptop wohler fühlt als mit seiner Gitarre, ein Künstler, der in einem übergroßen Parka und Tüllrock genauso auf der Bühne auftauchen kann, wie ohne Hemd und Röhrenjeans. „Notes on a Conditional Form“ ist die neue weitläufige 22-Track-Veröffentlichung der Band, ist als Teil Zwei in ihrem laufenden, langwierigen und lang verzögerten Projekt „Music for Cars“ und als Fortsetzung ihrer 2018er LP „A Brief Inquiry Into Online Relationships“ gedacht. Dieses Album, produziert von Healy und Schlagzeuger George Daniel, ist ihre bisher prägnanteste Arbeit. Obwohl die Einflüsse weitreichende Wege einschlagen, von Brit Pop bis Rap, sind die Themen – sowohl die überwältigenden politischen Umwälzungen unserer gegenwärtigen Ära als auch die Ängste der politisch bewussten Jugend – geschickt miteinander verwoben. Matty Healy ist auch ein Mann der Widersprüche. Wenn man zwei seiner jüngsten Interviews ließt, wird man wahrscheinlich feststellen, dass er mit sich selbst nicht im Reinen ist. Für seine Fans ist der Frontmann von 1975 dagegen eine schamanische Figur, die keine Angst hat, ihre eigene Meinung kund zu tun.

Für andere ist er ein glatter Pseudo-Intellektueller, der aus einer Seifenblase spricht, die aus Privilegien und Narzissmus geschnitzt wurde. Wie auch immer die eigene Einstellung zu Healy sein mag, sein Rock’n’Roll-Charisma und sein Ohr für großartige Pop-Melodien haben seiner Band geholfen, ein gutes und zwei großartige Alben zu produzieren, mehrere Preise zu gewinnen und eine Reihe ausverkaufter Tourneen zu spielen. Und auch dieses neue Album bietet einige musikalische Highlights, wie das zarte Liebeslied „Playing On My Mind“, das Hip Hop-infundierte „Nothing Revealed / Nothing Denied“ oder das Nine Inch Nails-artige „People“. Aber dazwischen verlieren sich The 1975 immer wieder in unwichtigen instrumentalen Zwischenspielen und viel Füllstoff. Während des vierten Albums von 1975 gibt es Momente der Brillanz, mit grenzenlosem Spielraum und vorausschauendem Ethos, die beweisen, warum die Band derzeit eine der größten der Welt ist. Hätten sie die Kakophonie der Ideen ein wenig mehr gefiltert, hätte „Notes on a Conditional Form“ ein moderner Klassiker werden können. So ist es einfach nur Musik für die No-Filter-Generation mit all den guten und schlechten Folgen. 6/10

POP - ROCK

Badly Drawn Boy Banana Skin Shoes

Es ist zehn Jahre her, seit Badly Drawn Boy ein Album veröffentlicht hat. Damon Gough wurde für seine Genialität gefeiert, als das Debüt „The Hour of the Bewilderbeast“ im Jahr 2000 erschien und den Mercury Prize gewann. Für einen Songwriter mit skurriler Individualität und Multi-instrumentalen Fähigkeiten wurden daraufhin große Dinge erwartet, aber die hat er nie wirklich erfüllt. Sein eigensinniger Weg umfasste Soundtracks, überstrapazierten Oddball-Pop und abgespeckten, verwüsteten Folk, bevor er sich für ein ganzes Jahrzehnt frei nahm. Es ist eine Freude zu berichten, dass sein längst überfälliges Comeback mit dem Namen „Banana Skin Shoes“ ein wahrer Genuss ist und wahrscheinlich das Beste, was er seit seinem Debüt gemacht hat. „It’s time to break this plaster cast and leave your past behind,“ singt Damon Gough auf „Banana Skin Shoes“. Das ist keine leichte Aufgabe, besonders für einen Künstler, der seit einem Jahrzehnt kein Album mehr gemacht hat. Doch auf seinem achten Album schafft es Gough, weiterzumachen, indem er viele verschiedene, für ihn neue Sounds ausprobiert und denen vergibt, die in der Vergangenheit Fehler gemacht haben – insbesondere sich selbst.

Es ist länger als zehn Jahre her, seit er so selbstbewusst geklungen hat. Nicht zufällig beginnt er „Banana Skin Shoes“ mit seinen kühnsten Absichten. Der Titeltrack mit seinen auffälligen Keyboards und funky BrassHits schüttelt das Zögern ab, das einen Großteil seiner Arbeit vor der langen Pause beschattete, und lässt uns damit sofort wissen, dass dies eine neue Ära ist. An anderer Stelle taucht das Album in introspektivere und ernüchterndere Gewässer ein. „Is This a Dream?“ ist dringend, funkelnd und berührt sofort. Ebenso ist „I’m Not Sure What It Is“ rhythmisch, hypnotisch und ziemlich überzeugend, mit einem enormen Kontrast zwischen den reflektierenden Versen und dem lebhaft ermutigenden Refrain. Das leise gesprochene „I Just Wanna Wish You Happiness“ schimmert vor Hoffnung und Entspannung, während „Note to Self “ himmlisch, vage und fesselnd konfessionell daher kommt. „Never Change“ ist trotz seiner etwas auf der Nase liegenden und amateurhaften Texte eine wunderschöne Klavierballade mit seltenen symphonischen Einflüssen. Das Ende ist das leicht tropische Outro „I’ll Do My Best“, bei dem wir uns erhöht und getröstet fühlen. Es hat lange gedauert, aber mit 50 Jahren fängt der skizzenhafte Sänger und Songwriter tatsächlich an, seine grundlegenden Gefühle und Strukturen einprägsam und geschmeidig vorzutragen. Er wandelt zwischen erhebendem Übermaß und auffälliger Offenheit, ohne jemals sein spielerisch facettenreiches und einfallsreiches Bindegewebe zu verlieren. 8/10

POP - ROCK

Duñe x Crayon

Hundred Fifty Roses Das Debüt des Pariser Duos um die Produzenten Duñe und Crayon bietet glanzvolle Elektronik, verankert in einer kühlen Sinnlichkeit und verbindet eine lässige Eleganz, die komplexe lyrische Themen und träge, sorgfältig zusammengestellte Rhythmen miteinander verbindet. Die in dunstige, hauchdünne atmosphärischen Arrangements gehüllte elektronische Musik macht es zu einem unverwechselbaren Genre. Tracks wie das herausragende „Invisible“ treiben auf subtilen, schlurfenden Hip-Hop-Rhythmen und sirupartigen Basslinien dahin, wobei die sanfte Jazzgitarre dem Song eine entspannte Lebensfreude verleiht. Mit zwei EP-Veröffentlichungen in den letzten vier Jahren, hat die von Duñe und Crayon konzeptionell kühne und stilistisch geschmeidige Zusammenarbeit zu einem feinen R&B-Pop geführt. Bevor das Duo 2014 als frisch getraute Labelkollegen bei Roche Musique eine Partnerschaft eingingen, schärften sie Ihre Talente als eigenständige Künstler. Crayon’s Zeit mit Kitsuné führte zu gemeinsamen Kollaborationen mit Größen wie Simian Mobile Disco, Phoenix und Yuksek, während Duñe sich im Bereich der Live-Performance hervorgetan hatte. Beide waren in unterschiedlichem Maße erfolgreich, aber auf „Hundred Fifty Roses“ findet das Duo zu einem weitaus einheitlicheren und disziplinierteren künstlerischen Ansatz. Rapper Ichon verleiht „Pointless“ einen dampfenden Gesang und schmilzt in einer zweisprachigen Symmetrie neben schleichenden Klaviertasten und schiefen Gitarrentexturen. Es sind Zeilen, die auf die automatischen Effekte des Online-Lebens abgestimmt sind: “I’m checking your timeline / Wasting time / Reading those empty lines”. Höhepunkte wie die schlummernde Hitzewelle von „Slowdriving“ zeigen die Fähigkeit des Duos, bei Bedarf durch und durch eindringliche Stimmungsmusik zu konstruieren. Lossapardo’s Gastbeitrag zu letzterem sowie Instrumentals an anderer Stelle tragen ebenfalls dazu bei, einen schwelenden Geist hervorzurufen. Das Album endet mit dem transzendenten „Ten Years“ und schließt eine wunderschön detaillierte und höchst unverwechselbare Sammlung von Songs ab.

8/10

R&B - SOUL

ür Steve Earle waren die letzten Jahre sehr produktiv. „Ghosts of West Virginia“ ist sein fünftes Album seit 2015. Es ist auch eines seiner stärksten, das in einer Karriere mit über 20 Veröffentlichungen viel sagt. Wie der Titel bereits andeutet, betreffen diese Kompositionen die Menschen in West Virginia, insbesondere die Bergleute. Earle nahm sich dieser Aufgabe an, um sich und seinen liberaleren Fans zu zeigen, dass er sich mit den Themen, Lebensstilen und Anliegen von Menschen verbinden kann, die signifikant andere politische Ansichten haben als seine eigenen. Er spricht eloquent in ihren Stimmen und zu ihren Kämpfen. Es ist eine dunkle, grobkörnige Aufnahme, bei der Earle den Unterschied zwischen rohem Bluegrass, Folk (die zarte, melancholische Ballade „Time Is Never“) und Gospel aufteilt. Earle’s zunehmend zerlumpter Gesang – er krächzt durch das abschließende „The Mine“ – vermittelt den Ärger, die Hoffnungslosigkeit und den Stolz des sterbenden Bergmann-Protagonisten im packenden „Black Lung“. Darauf singt er: “Black lung never gets better/Every breath a little bit harder to draw…but I reckon I’m a’ lie here and die of black lung.” Wenn Dukes-Mitglied Eleanor Whitmore den Gesang im traurigen “If I Could See Your Face Again” übernimmt, singt sie aus der Sicht einer Frau, deren Ehemann in den Minen gestorben ist. Wenn Earle’s Ziel es war zu beweisen, dass er mit der Notlage der Arbeiter in West Virginia sympathisieren kann, ist ihm dies gelungen. Obwohl dieses Album nur 29 Minuten lang ist, erklingt es sowohl mit mutiger Kraft als auch mit echtem Mitgefühl für die Minenarbeiter, die hart arbeiten, wenig verdienen und jung sterben. Zu hören sind alle Songs übrigens als Mono-Audio (Earle leidet an einem Hörverlust, der ihn daran hindert, Stereoklang zu hören). Der Umstand trägt insgesamt zur düsteren Stimmung bei. Es ist eine straffe und intensive Sammlung von Songs, die einmal mehr zeigen, dass Steve Earle einer der faszinierendsten, ungeschminktesten, provokativsten und talentiertesten Singer / Songwriter Amerikas ist. 8/10

BLUEGRASS - COUNTRY

Katie von Schleicher, eine in Brooklyn lebende Musikerin, die auch in der Americana-Band Wilder Maker spielt, hat sich für Ihr zweites Album „Consummation“ lose von einer alternativen Lesart von Alfred Hitchcock’s psychologischem Mevvvisterwerk Vertigo inspiriert lassen und versucht, die ruhigen und oft unbemerkten Kämpfe zu bewältigen, die mit dem Gefühl verbunden sind, in einer romantischen Beziehung unsichtbar zu sein. Es ist eines ihrer bislang stärksten

Songwritings, ergänzt durch virtuose Arrangements, die wiederum von elektronischen Beats und verzerrten Gitarren-Spielen überlagert werden. Von Schleicher verstärkt ihr Spiel als Sängerin auf „Consummation“. Die atemlose Kraft und der ehrgeizige Schwung ihrer Texte und ihre mehrfach überspielten Harmonien lassen darauf schließen, dass Kate Bush so hätte klingen können, wenn sie eine in den 1990er Jahren geborene Brooklyn-Indie-Rockerin gewesen wäre. Von Schlei-

Katie von Schleicher Consummation

cher konzentriert sich auch auf persönliche Themen und bewandert hierbei die feine Linie zwischen Liebe und Missbrauch. Dieses Album klingt weniger nach einem Dokument der Depression als nach einer Analyse der Gesellschaft, die Angst erzeugt und sich letztlich in einer Depressionen wiederfindet. Wenn das anmaßend klingt, so ist das in der Realität nicht der Fall. Von Schleicher hat uns wieder einmal einen Blick in sich selbst geboten, und diese Songs sind genauso

überzeugend, intelligent und nachvollziehbar wie die Vier-Spur-Kassettengerät-Aufnahmen von „Bleaksploitation“ aus dem Jahr 2015 und „Shitty Hits“ von 2017. Die Vollendung mit „Consummation“ ist ein mutiger Schritt nach vorne und eine Bestätigung dafür, dass Katie von Schleicher viel zu bieten hat und für sicherlich lange Zeit zufriedenstellende Musik aufnehmen wird. 7/10

INDIE ROCK

Carly Rae Jepsen Dedicated Side B Was auch immer die Erinnerungen eines Hörers an Carly Rae Jepsen’s Musik ausmachen, sie sind immer mit ganz bestimmten Zeiten, Orten und Menschen verbunden. Mit „Dedicated: Side B“ bringt Jepsen diese klangliche Nostalgie in neue Tiefen des Begehrens und wirft uns zurück in den Sommer vor COVID-19 mit grenzenloser Zuneigung, Freundschaft und körperlicher Berührung. Die Platte ist nur insofern für all diejenigen empfehlenswert, denen der übliche Sommerurlaub entzogen wurde und Lieder darüber hören können, was hätte sein können, anstatt was sein könnte. Trotzdem bewegt sich das neue Album von Carly Rae Jepsen ziemlich schnell auf dieser Zeitachse – was bedeutet, dass bis zu dem Zeitpunkt, an dem selbst der einsamste Fan zugehört hat, eher eine Welle von Erinnerungen als ein Schmerz übrig bleibt. Höhepunkte wie das druckvolle „Fake Mona Lisa“ und die Hymne „Solo“ haben ordentlich Gewicht und gleichen sich zu etwas Robustem und Wohlfühlendem aus. So sehr „Dedicated Side B“ ein göttliches Testament für Dance-Pop ist, schwingt Jepsen immer noch ein Pendel der Nostalgie von purem Genuss zu aktiver Sehnsucht in Bezug auf die Produktion hin und her. Der Superstar-Produzent Jack Antonoff, dessen Anwesenheit bei den Songs unbestreitbar ist, findet auf der Platte festen Boden, obwohl er nur zweimal im Abspann erscheint. Andere Produktionsleistungen, die Jepsen’s häufigen Mitarbeitern wie James Flannigan und John Hill zuzuschreiben sind, steigen ebenso hoch und entsprechen der hohen Messlatte, die das nahtlose Album der Sängerin 2019 gesetzt hat. „Dedicated Side B“ arbeitet ebenso überzeugend als eigenständiges Album und festigt Jepsen als eine der beständigsten Perfektionisten der Popmusik. Es ist schwer vorherzusagen, wohin sie danach gehen wird – es fühlt sich an, als hätte sie den von den 80ern beeinflussten Pop erobert, dabei neue Einflüsse aufgenommen und mit neuen Sounds experimentiert, um ihr Oeuvre gewinnbringend zu erweitern.

7/10 POP

Retirement Party Runaway Dog

Die Fortsetzung des Debüts des Chicagoer Trios von 2018 verbringt die meiste Zeit damit, über Dinge nachzudenken, die verschwunden sind – Familie, Freunde, Leidenschaften – entsprechend ist dies alles andere als eine feierliche Angelegenheit. Angetrieben vom donnernden Rhythmus des Bassisten Eddy Rodriguez dreht sich „Runaway Dog“ jedoch mit spürbarer Energie um und beginnt mit der Titelanalogie der Sängerin und Gitarristin Avery Springer über den Versuch, ihre Kreativität zurückzugewinnen. „Compensation“ erweitert das mit einer großen, eingängigen Melodie über die Fallen und Fallstricke im Musikgeschäft, während versucht wird, sich selbst treu zu bleiben. In diesen beiden Songs steht die Band an der Spitze ihres Könnens. Sie sind nicht unbedingt repräsentativ für „Runaway Dog“ als Ganzes, aber sie sind ein großartiges Beispiel dafür, was Retirement Party am besten können. Dies ist ein riesiges Album, in Sound, Ehrgeiz und Anstrengung. „Runaway Dog“ verfolgt einen atmosphärischeren und hymnischeren Sound als das Debüt und stürzt sich nicht auf einen Ansturm sofortiger Hooks. Dies könnte ein Ergebnis des kollaborativeren Prozesses der Platte sein, bei dem Schlagzeuger James

Ringness und Bassist / Gitarrist Eddy Rodriguez von Anfang an Input liefern, anstatt einfach nur Springer’s vollständig konzipierten Songs beizuwohnen. Gleichzeitig wirkt dadurch alles ein wenig geduldiger und gelegentlich führt es dazu, dass man auch sich selbst in Geduld üben muss. Bei „Fire Blanket“, das mit verzerrten Power-Akkorden beginnt, die von Schlagzeugstößen unterbrochen werden, dauert es fast 30 Sekunden, bis Springer mit dem Singen beginnt. Für eine Band, deren größte Singles sich zuvor durch Ihre Stimmen in den ersten ein oder zwei Takten ausgezeichnet haben, ist dies ein deutliches Zeichen der Zurückhaltung. „Runaway Dog“ ist laut, lustig und nachdenklich. Es mag nicht die Stärke des Songwritings haben, Menschenmengen dazu zu bringen, jede Zeile aus der hintersten Reihe mitzusingen, aber die Band sollte dieses Publikum dennoch zufrieden stellen können. Retirement Party haben ihr volles Potenzial sicherlich noch nicht ausgeschöpft, doch gefällt besonders die hochwertige Handwerkskunst und die spürbaren Ambitionen der Band, mehr zu wollen. 7/10

ALTERNATIVE ROCK

ixpunkt war Detroit, Motor und Rock City von wo aus Jack White (Gitarre, Gesang) und Meg White (Schlagzeug, Percussion) ihren Blues-verseuchten stripped-down Rock in die Weltgeschichte tragen sollten. Gründungsjahr war vermutlich im Juli 1997. Davor spielte Jack in der drei Mann Band Two Part Resin. Doch stiegen nach und nach die beiden Mitglieder Dominic Suchyta und Brian Mouldon aus, so das Jack kurzentschlossen Meg ans Schlagzeug holte. Die beiden waren schließlich so gut, dass sie bereits einen Monat danach Ihren ersten Auftritt im Gold Dollar (Detroit), einen Club für Newcomer, hatten. Es folgten weitere Auftritte in diversen Clubs, so dass Jack seine beiden Bands (2 Star Tabernacle, The Go), für die White Stripes verließ. In der Zeit kam auch die Idee mit den Farben Rot, Weiß und Schwarz. Die auf der Kleidung, den Instrumenten und auf diversen Plakaten zu finden war. 1998 brachte die Band auf dem Independent Label Italy Records ihre ersten beiden Singles raus. 2000 wechselten Sie zum Label Sympathy For The Record Industry, bei dem Ihre ersten beiden Alben „The White Stripes“ und „De Stijl“ (angelehnt an eine Niederländische Kunstrichtung) heraus. Kurz darauf hatten sie einen Gig im 100 Club in London, an dem mehr als 100 Leute kamen – so viel wie seit Oasis 1994 nicht mehr. Trotz den Erfolgen auf Bühnen und durch Ihre beiden Alben, kam nie der richtige Berühmtheitsgrad auf. Das änderte sich auch nicht nach der Tour mit Pavement und Sleater Kinney. Erst im Zuge der Hype Welle um Retro Bands im Jahre 2002, wurde Ihr drittes Album „White Blood Cells“ samt Ihnen auch international bekannt. Allerdings musste es erst noch auf CD erscheinen - was Ihnen schließlich mit über einer Million verkaufter Platten weltweit gelang. Davor gab es von den White Stripes alles ausschließlich auf Vinyl. Highlights darauf sind „Hotel Yorba“, dass besonders live für gute Stimmung sorgte, und „Fell In Love With A Girl“. Insgesamt unterlag es ein wenig den Erwartungshaltungen vieler Fans, da es ein eher ruhigeres und mit verhältnismäßig wenig Überraschungen auftrumpfendes Album wurde. Zwei Jahre später erschien das wohl beste Album der White Stripes: „Elephant“, dass nun auch den Rest der Welt erobern konnte. Die Zahlen

sprechen für sich: Weltweit wurde das Album 6 Million Mal verkauft. Des Weiteren folgten die Auszeichnungen Best Alternative Album und Best Rock Song für „Seven Nation Army“. Dazu kamen die Platzierungen in den Charts: Platz 1 in der UK und Platz 6 der Billboard Album Charts in der USA. Aber auch der Song mit dem langen Titel „I Just don´t Know What To Do With Myself “ reihte sich nahtlos in die zahlreichen Tophits des Albums mit ein. In dem dazugehörigen Musikvideo tanzt übrigens Kate Moss volle 2:46 Minuten an der Stange. Nach diesem sehr erfolgreichen Jahr der White Stripes folgte ein Kurzauftritt in dem Kinofilm „Coffe And Cigarettes“ und die Live DVD Veröffentlichung „Under Blackpool Lights“. Im Juni 2005 folgte dann bereits das nächste Album mit dem Titel „Get Behind Me Satan“. Aufgenommen wurde es in Jack White‘s eigenen Third Man Studios in Detroit. Danach widmet sich er erstmal seiner neuen Zweitband mit den Namen The Raconteurs. Sehr bekannt wurde hier die erste Single „Steady, As She Goes“. Und daraus folgte im Jahr 2006 das erste Album „Broken Boy Soldiers“ der Raconteurs. Anfang 2017 folgten erste Gerüchte, es würde ein neues Album der White Stripes mit dem Namen „Icky Thump“ geben. Die Spannung war dementsprechend hoch, als knapp zwei Wochen vor Album Release die gleichnamige erste Single „Icky Thump“ erschien. Das Motto lautete Back to the Roots. Am 11. September 2007 gaben die White Stripes die Bekanntgabe, alle achtzehn, noch anstehenden Tourtermine abzusagen. Grund waren die immer stärker werdenden Angststörungen von Meg. Die Band wurde von Ende 2007 bis Anfang 2011 auf Eis gelegt. Während der Unterbrechung gründete Jack eine Gruppe namens The Dead Weather (mit sich selbst, Jack Lawrence, Dean Fertita und Alison Mosshart), obwohl er darauf bestand, dass The White Stripes seine oberste Priorität bleiben sollte. Am 20. Februar 2009 traten die White Stripes live in der letzten Folge von Late Night mit Conan O'Brien auf, wo sie eine alternative Version von "We Going to Be Friends" aufführten. Dies erwies sich als ihre letzte Live-Performance als Band. Ein Konzertfilm, „Under Great White Northern Lights“, wurde am 18. September 2009 auf dem Toronto International Film Festival uraufgeführt. Der Film dokumentiert die Tournee der Band im Sommer 2007 durch Kanada und enthält Live-Konzerte und Aufnahmen abseits der Bühne. Am 2. Februar 2011 gab das Duo bekannt, dass die Aufnahmen und Aufführungen von und mit den White Stripes offiziell eingestellt wurden. Die Ankündigung bestritt ausdrücklich jegliche künstlerischen Unterschiede oder gesundheitlichen Probleme. „… a myriad of reasons ... mostly to preserve what is beautiful and special about the band"

SPE

CIAL

erüchten zufolge bestehen die White Stripes seit 1997. Aus mündlichen Überlieferungen hatten Sie Ihren ersten Auftritt im Golden Dollar in Detroit und weiterhin behaupten die Beiden Geschwister zu sein. Zeitungen dagegen veröffentlichten erst vor kurzem Dokumente wie Scheidungspapiere belegen sollen, das die beiden vielmehr ein geschiedenes Ehepaar sind. Dafür spricht der Altersunterschied von gerade mal sieben Monaten. Da auf diesem Gebiet bereits jetzt eine Vielzahl an ungeklärten Mythen emporsteigen die dem Ruf der White Stripes meilenweit vorauseilen, konzentrieren wir uns lieber auf die Tatsachen: Jack und Meg White kommen aus Detroit, sie lieben Beide die Musik und setzen damit neue Maßstäbe in Sachen Rock, Punk, Indie, Blues und Folk. Die Stimme ist einzigartig, der Sound klingt monumental, die Drums mächtig und zugleich verspielt, die subtilen Riffs hinterlassen einen unverwechselbaren Eindruck und lassen den Plattenspieler zu Hause garantiert für sehr sehr lange Zeit nicht mehr zur Ruhe kommen. Das gilt für Beide, bereits nach den ersten Takten zu "Jimmy The Exploder" stößt uns unweigerlich zwischen den Lippen ein kräftiges „Hell Yeah!“ heraus. So druckvoll wurde das Schlagzeug schon lange nicht mehr missbraucht, die Gitarren heulen vor Schmerzen während die Riffs mit überdrehter Laut-

stärke nach Luft ringen – Doch vergeblich, all die verzweifelten Hilferufe nützen nichts. Die Herzfrequenz befindet sich über vierzig Minuten am Maximum und verfolgt nur diese eine Theorie: „Keep It Simple“. Meg spielt dabei im positiven Sinn wie ein kleines verspieltes Mädchen und das beherrscht sie eindeutig am Besten. „When we started, our objective was to be as simple as possible“ und befolgen daher auch strikt die Vorgaben: „It’s three chords and three verses, and we accent threes together all through that. It was a number I always thought of as perfect, or our attempt at being perfect. Like on a traffic light, you couldn’t just have a red and a green. I work on sculptures too, and I always use three colors.“ – Ein weiterer Trick die Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen. Neben den verrückten Nummern "Stop Breaking News", "Cannon", "Astro", "Broken Bricks" und "Slicker Drips", verstecken sich auch immer wieder Mal ruhige Heimweh-Blues-Stücke, die dem Gleichgewicht der siebzehn Tracks sehr zu Gute kommen. Staub, aufwirbelnder Dreck und tagelange Heiserkeit bleiben dennoch unvermeidbar. Detroit ist eine Geister-Stadt, aber wie Iggy Pop mal so schön über diese Stadt sagte: „In Detroit you’re one in a hundred; in New York or LA, you’re one in a million.“ Vertraut klingen auch die White Stripes und so bleibt nur noch zu hoffen, dass dieses Duo noch lange weiter bestehen wird - ganz egal ob als Bruder und Schwester oder als Ex-Frau und Ex-Mann.

achdem die Farben rot, weiß, schwarz in hellem Glanz erstrahlen und trotz Ihres Rufes als Garage Rock Band, haben sich die White Stripes mit Ihrer zweiten Platte noch einen Schritt weiter gewagt. Eine beeindruckende Vielfalt erwartet uns auf "De Stijl" und fühlt sich wie ein Kaugummi an, der zwischen der ersten und der vielleicht bald dritten Platte klebt. „De Stijl“ ist niederländisch und bedeutet schlicht „the style“. Doch so einfach die Definition Ihres Albumtitels, so umfangreich gestaltet sich die Aufklärung Ihres erfrischenden Blues- und Classic Rock, aufgeteilt in dreizehn künstlerische Stücke mit der Neigung zu Balladen, eindrucksvollen Klaviereinlagen und hemmungslosem Krach. Die White Stripes lassen Ihre Muskeln spielen, unterstreichen Ihre Ambitionen als Band und stampfen die Konkurrenz mal eben in Grund und Boden. Dabei gehen Sie jedoch keineswegs ungestüm vor, vielmehr locken Sie den Zuhörer mit "You´re Pretty Good Looking (For A Girl)" und handzahmen Melodien tief in knochenharte Riffs, die gleich darauf mit "Hello Operator" folgen werden. Der Song enthält eine musikalische Illustration; das Drum-Solo klingt als würde eine Uhr ticken, während das gleichzeitig für den Operator das Zeichen einer erfolgreichen Mission war. Doch das nur am Rande. Viel wichtiger sind die neuen Stile, die Hommage an Bluessänger Willi Mc Tell und den niederländischen Künstler Gerrit Rietveld, sowie dass Theater-, Klavierbetonte Balladen wie "Apple Blossom" und ein Cover von Son House´s "Death Letter" so gut auf einer Platte zusammen passen können wie sonst auf keiner anderen. Jack White´s dezente Produktion und seine vielseitigen Einlagen mit der Gitarre lassen Songs wie "Sister, Do You Know My Name?" sowie der

beharrliche Rocker "Little Bird" und "Why Can´t You Be Nicer To Me?" erst so richtig zur Entfaltung kommen. Der Vollständigkeit halber bieten uns die White Stripes auch noch eine Hau-alles-kurzund-klein Nummer mit "Let´s Build A Home" an. Hier darf wirklich jeder sinnfrei die Birne gegen die Wände krachen lassen bis alles in Schutt und Asche liegt. Jack und Meg White übertreffen sich mit "De Stijl " ein weiteres Mal, es ist das Einfache, das Schlichte in den Songs was uns so begeistert. Die White Stripes perfektionieren Ihr großartiges Debütalbum und bleiben mit Ihren beiden Farben Weiß und Rot auch weiterhin unverwechselbar. So bleibt am Ende nur noch zu sagen: Hell Yeah, Hot Freaks!

ack und Meg White aus Detroit kommen zu uns erneut über ihre Einflüsse: Im vergangenen Jahr hat „De Stijl“ Rietveld’s Designprinzipien auf die Verpackung des Albums gezeichnet und ihre Musik zeigt eine Widmung, die darauf hindeutet, dass die McTell-Referenzen zum neuen Album „White Blood Cells“ nicht leichter genommen werden. Zugleich eröffnet es mit einem wahrlich dicken Blues-Riff und enthüllt die Einflüsse eines Megastores, vom Country-Blues aus der Vorkriegszeit über Pop-Songschreiberhandwerk aus dem Goldenen Zeitalter bis hin zu radikalen Überarbeitungen von Captain Beefheart. Am wichtigsten ist aber, dass die Musik zusammengemischt wie Rock’n’Roll klingt. Meg hinter den Trommeln und Jack, der jedes andere Instrument besetzt, aber hauptsächlich an der E-Gitarre festhält – können die White Stripes eine gottlose Menge an Geräuschen erzeugen, und sie eröffnen „White Blood Cells“, indem sie genau das tun. Wer nicht von den Fuzzbox-Riffs von „Dead Leaves And The Dirty Ground“ überzeugt ist, sollte es immer noch schwer haben, dem freudigen „Hotel Yorba“ zu widerstehen, ein Hinweis auf die künftige stilistische Vielfalt. Jack White hat nachweislich Einwände gegen die postmoderne Haltung vieler Indie-Rock-Blues-Revivalisten erhoben, eine Falle, die seine Band sowohl musikalisch als auch textlich vermeidet. An letzterer Front bleiben The White Stripes am anderen Ende der Haltung, indem sie sich mit Herzschmerz und Verletzlichkeit befassen. Jack und Meg White beschwören den Heiligen Geist und leiten ihn durch 16 perfekt prägnante Sehnsuchtslieder, mit schmutziger, verzerrter

E-Gitarre, die auf maximale Verstärkung eingestellt ist. Sie innovieren keinen Rock; sie verkörpern es. Es ist nicht zu leugnen, dass die White Stripes in die Grenzen des Garage Rock fallen. Ihre Musik ist einfach, reduziert und heult den Blues. Aber trotz der Einfachheit gibt es hier etwas, das so viel tiefer geht. Jack White’s verstümmelte Gitarre schreit wie ein tollwütiger Fuchs, dessen Schwanz in tausend feine Streifen massakriert wurde. Meg White’s Spiel am Schlagzeug ist so heftig, dass man sie sich als eine Art unglaublichen Hulk vorstellen kann, obwohl sie auf Fotos wie das prototypische Indie-Girl erscheint. „The Same Boy You’ve Always Known“ ist ein weiterer Höhepunkt. Für eine Ballade rockt es härter als die Hardrocker der meisten Bands, aber es schmerzt in seiner emotionalen Wirkung. Jack White wiederholt bestimmte Schlüsselzeilen und spannt seine Stimme an, um Sinn und Gefühl zu vermitteln. Das Lied endet unverbindlich und schrecklich traurig mit: „If there’s anything good ab-

out me/ I’m the only one who knows.“ Am Ende des Albums sitzt Jack schließlich alleine am Klavier. Obwohl seine Botschaft vage ist, gibt es Implikationen von Religion und Verlust: „You thought you heard a sound/ There’s no one else around/ 300 people out in West Virginia/ Have no idea of all these thoughts that lie within you/ But now… now… now, now, now, NOW!“ Was jetzt? Es ist die schwebende Resonanz des Augenblicks, die Intensität des Gefühls, die diesen Worten Bedeutung verleiht. „White Blood Cells“ weicht nicht weit von der Formel früherer White Stripes Aufzeichnungen ab. Alle Songs sind angespannt, spärlich und gezackt. Aber hier haben sie sich endlich zu eigen gemacht, wo Jack und Meg White sich endlich nicht nur mit dem von ihnen gewählten Weg wohl fühlen, sondern auch präzise in der Lage sind, das tiefste Gefühl in einem einzigen Satz zu verewigen.

ielleicht war „White Blood Cells“ eine Reaktion auf die Berühmtheit, die die White Stripes bis zu dieser Veröffentlichung erlangt hatten, aber paradoxerweise machten sie aus Meg und Jack White vollwertige Rockstars, die Ihre Alben über eine halbe Million Mal verkaufen konnten. Trotz der Ambivalenz der White Stripes scheint ihnen der Ruhm dennoch zu passen: Sie werden mit zunehmender Aufmerksamkeit, die ihnen geschenkt wird, nur noch erfolgreicher. Das neue Album „Elephant“ fängt diesen Widerspruch innerhalb der Stripes und ihrer Musik ein; Es ist das erste Album, das sie für ein großes Label aufgenommen haben, und es klingt noch wütender, paranoider und atemberaubender als sein Vorgänger. Das Album ist dunkler und komplizierter als „White Blood Cells“ und bietet nichts, was so unmittelbar ansprechend oder süß klingt wie „Fell in Love With a Girl“ oder „We Going to Be Friends“, aber es ist konsequenter und untersucht Desillusionierung und Ablehnung mit einem messerscharfen Fokus. Die Hymne der White Stripes auf Lebenszeit ist das atemberaubende „Seven Nation Army“, das von Meg White’s explosionsartig minimalem Trommeln angetrieben wird. Und natürlich auch „The Hardest Button to Button“, in dem Jack White knurrt: „Now we’re a family!“ – eine der besten und schrägsten Drohungen seit Black Francis höhnte, „It’s educational!“

– Es sind die scharfsinnigsten Blues-Punk-Nummern in der Karriere der White Stripes. Dazwischen hören wir einen Track, der so leise ist, dass er kaum greifbar erscheint. „You’ve Got Her In Your Pocket“ fängt den Schmerz einer Beziehung ein, die kurz davor ist, schief zu gehen. Es folgt das siebenminütige „Ball And Biscuit“, ein Bad aus sexueller Prahlerei, das Wort „biscuit“ mit nie zuvor in Betracht gezogenen Vorstellungen erweitert, Jack’s erstes aufgenommenes Gitarrensolo enthält und den gemeinsten Blues anbietet, der seit den Tagen von Jimmy Page und Robert Plant aus England kommt – wo die Detroiter „Elephant“ auf jahrzehntealten Geräten aufgenommen haben. Die Stripes überzeugen in beiden Songs gleichermaßen, was für ein erstaunliches Talent spricht und auch der Rest des Albums mit jedem Track erneut bestätigen kann. Bevor das Album endet, wird ein Selbsthilfevortrag über ein Eichhörnchen zu einem großartigen Stück Rock’n’Roll. Die Schlussminuten drehen sich um einen liebenswerten Witz eines Songs namens „It’s True That We Love One Another“, in dem Jack mit Gaststar Holly Golightly flirtet, die um eine Tasse Tee bittet. Es ist eine letzte Überraschung auf einem Album, das voll davon ist und Belohnungen bietet, lange nachdem die Überraschungen bereits vorbei sind.

itte Juni ist es also wieder Zeit für die White Stripes, nachdem rießen Erfolg von "Elephant" standen die Erwartungen gen Himmel, was wohl definitiv schief gelaufen wäre, wenn Meg und Jack es versucht hätten, etwas ähnliches zu wiederholen. Das dachten sich auch die Beiden und schlugen deshalb gleich einen anderen Weg ein. Das angeblich in zwei Wochen produzierte "Get Behind Me Satan" wurde in Jack White's eigenen Third Man Studios in Detroit aufgenommen. Als erstes wurde dort die E- Gitarre in den Hintergrund geschoben und durch eine akustische Gitarre ersetzt, sowie ein Klavier und Xylophone, die ebenfalls Ihre Einsätze haben werden. In einem Song ist sogar ein Marimbaphon vertreten (Definition: Ein Schlaginstrument, ähnlich dem Xylophon mit einem bis zu 5 2/3 Oktaven großen Tonumfang), das man in "The Nurse" zu hören bekommt. Es ist eine Platte, wo viele Fans erstmal enttäuscht aufschrien, entsprach es doch nicht den Vorstellungen einer ordentlichen Stripes Platte, sondern hatte viel mehr Ähnlichkeiten mit einer kleinen Mini- Oper. Doch war es den White Stripes nach außen hin erstmal ziemlich egal was Ihre Fans davon hielten. Meinte doch Jack in einem Interview mal: „Wir müssen keine Erwartungen erfüllen, wir wollen Beharrlichkeit schaffen“. 35 Songs wurden es schließlich, 13 Songs kamen aufs Album. Inklusive mit dem fast schon genauso hohem Bekanntheitsgrad erlangten "My Doorbell". Nicht verwunderlich, da es sofort nach dem ersten mal Durchspielen der Platte im Gedächtnis hängen bleibt. Aber auch die anderen 12 Tracks wissen zu gefallen. So ist zum Beispiel im "Blue Orchid" Video Jack's White Ehefrau Karen Elson zu sehen, die sich am 1. Juni 2005 in Brasilien das Ja- Wort gegeben haben. Einen Kurzschluss Song findet sich zu guter Letzt dennoch mit "Red Rain". Harmlos und ungefährlich beginnt die Triangel, dazu sanfte hawaianische Gitarrenklänge lassen einen das falsche über einen Song denken, der plötzlich mit aggressiven Gitarrenriffs diese gerade aufkeimende Stimmung derart verhöhnt, dass es schon wieder unheimlich ist. Die White Stripes Gemeinde kann aufatmen, es fehlt zwar Jack's Verrücktheit, die bei den ersten vier Alben noch zu hören war, aber es ist trotzdem noch alles im grünen Bereich – immer noch der White Stripes Standard. Auch weil " Get Behind Me Satan" eine Platte ist, auf die jedermann sehnsüchtig gewartet hat.

ie Spannung hatte sich in den letzten Wochen zunehmend gesteigert und war dementsprechend hoch, als knapp zwei Wochen vor Album Release die Single "Icky Thump" hierzulande erschien. So zeigten die White Stripes dort bereits mit was man nicht mehr rechnen braucht: Einem weiteren sehr klavierbestimmenden Album á la "Get Behind Me Satan". Stattdessen lautete hier das Motto Back to the Roots. Dieser Eindruck bleibt zum Glück vieler Fans auch bei der Album Veröffentlichung erhalten. "Icky Thump" - Albumtitel, Opener und Titeltrack - leitet das ca. 48 minütiger Meisterwerk ein. Los geht es mit einer verzerrten Orgel am Anfang zu "Icky Thump". Darauf folgen viele weitere verzerrte Momente mit dem Synthesizer, dominierendes Schlagzeug von Meg und insgesamt gesehen einen schweren Einstieg in das Album beim ersten mal Hören. "You Don´t Know What Love Is (You Just Do As You´re Told)" dagegen besticht durch einen Orgel und Gitarren Mix – verpackt in einem Country Song. Weiter geht es mit "300 M.P.H Torrential Outpour Blues" , wie der Name schon vermuten lässt: es handelt es sich hierbei um die erste Blues Nummer auf dem Album. Nett anzuhören aber keines der Highlights der Platte. Der kommt mit Song Nummer "Conquest" , einem Cover des Patti Page Hits aus frühen Tagen. Mit dem Unterschied, dass die Neuauflage des Songs mehr an Speed Metal erinnert, irren Gesangseinlagen – mal laut mal geflüstert und einem kleinen aber sehr sich in den Mittelpunkt drängenden Trompetensolo. Laut Jack White kam das alles aus nur einer einzigen Trompete und wurde nicht mit dem Computer nachbearbeitet, auf alle Fälle sehr hörenswert. Danach folgt ein ziemlich starker Kontrast zu "Conquest". Ein in die Richtung 70er Hardrock Song im Midtempo Bereich. Ebenso wie "300. M.P.H Torrential Outpour Blues" ein netter Song, der aber nicht für aufsehen sorgen wird. Die nächsten beiden Songs hingegen ergänzen sich auf einer Linie und könnte man nicht skippen, so täte es einem gar nicht auffallen. Zeichnen sich beide durch den durchgehenden Einsatz des Dudelsacks aus, so sieht das beim geordneten Verlauf der Songs schon anders aus. Der erste "Prickly Thorn, But Sweetly Worn" besitzt Ihn noch, beim zweiten "St. Andrew" wird es dagegen sehr abgefahren. Da wird einfach die Stimme von Meg mal schneller abgespielt als aufgenommen, dazu kommen zwei Drumbeats. Eines wurde analog zu Gitarre und Dudelsack aufgenommen, das andere ebenfalls, aber dort wurde er bei den Aufnahmen mal gedrosselt und dann wieder angezogen. Zum Glück einiger ist er mit 1.47 Minuten ein sehr kurzer Song und wohl auch besser so. Der nächste "Little Cream Soda" ist ähnlich verrückt, aber im Stile der früheren White Stripes. Refrainlos, dafür wieder mal mit einen der unglaublichen Gitarreneinlagen von Jack White. Der Song geht an diesen Stellen so manchen stark an das Nervenkostüm, so viel ist sicher. "Rag and Bone" erinnert an "Let´s Build A Home" vom "De Stijl" Album, schnelles, fast durchgehendes Schlagzeug von Meg wie man es am liebsten hört. Neu dagegen wird vielen der, ja, fast rappartige Einsatz von Jack White sein, der gegen Ende hin richtig aufdreht. Danach folgen mit "I´m Slowly Turning into You" und "A Martyr For My Love For You" wieder eine etwas zurückhaltende und ein in Richtung Ballade gehender Song, natürlich mit der tatkräftiger Unterstützung von Meg's Drumbeats. Und wenn man dachte, das muss es gewesen sein, kommen die White Stripes und belehren uns eines Besseren. Und zwar in Form von "Catch Hell Blues" , einem wahnwitzigen Song in Achterbahnform. Langsam und gleichmäßig steigert sich das Tempo gegen Anfang, wird immer schneller, treibender und entleert sich in Jack's grandiosen, schreienden Gitarrensolos. Nichts für schwache Nerven. Wem der erste Teil des Songs

noch nicht genug war, der darf sich auf eine weitere Höllenfahrt freuen, bevor man fertig mit den Nerven aber glücklich am Ziel ankommt. Die nächste Fahrt dürfte allerdings nicht lange auf sich warten. Umso besser das der Schlusssong des Albums wieder eine ruhige Nummer ist. "Effect und Cause" ist wieder ein typischer Country Song der live aufgenommen wurde. Insgesamt besticht das Album durch die bisher meisten Gitarre n so-

los von Jack White was der Qualität von "Icky Thump" aber keinerlei Minderung einbringt. Ganz im Gegenteil, es ist Ihnen zu Ihrem Zehnjährigen Bestehen wieder gelungen, eine fast perfekte Platte einzuspielen die sich auf jeden Fall ganz oben der Hitliste White Stripes Alben einreihen wird. -----

Deerhoof

Future Teenage Cave Artists Deerhoof aus San Franciscos sind seit einem Vierteljahrhundert eine der beständigsten und interessantesten Bands der alternativen US-Szene. Sie verbinden Garage Rock mit dem Experimentalismus und den zuckerhaltigen Melodien der Vintage-Psychedelia und haben dazu eine sehr markante Sängerin in Form von Satomi Matsuzaki. Deerhoof ’s letztes Album „Mountain Moves“ aus dem Jahr 2017 war eines ihrer poliertesten und zugänglichsten und enthielt eine Reihe vergleichsweise unkomplizierter Power-Pop-Songs, die mit einer Reihe von Gästen aufgenommen wurden, darunter Jenn Wasner von Wye Oak und Lætitia Sadier von Stereolab. Bei „Future Teenage Cave Artists“ sind sie zu ihrer Kernaufstellung zurückgekehrt und haben Ihre altbekannte Fremdartigkeit gewählt, um eine unruhige, energiegeladene Platte zu produzieren, die sich ständig in Stimmung und Tempo ändert. Ihre Tracks bestehen aus vielen verschiedenen Fragmenten, die willkürlich zusammengesetzt wirken und nicht dem Weg herkömmlicher Strukturen folgen. Wie bei vielen anderen Alben von Deerhoof, kann es sich zunächst wie ein entmutigendes und undurchdringliches Durcheinander anfühlen. Allmählich und durch längeres Eintauchen in ihre Klangwelt, macht alles einen schönen Sinn. Sicher, es ist nie leicht zuzuhören, aber der Wahnsinn hat Methode.

Es wäre natürlich auch kein Deerhoof Album, wenn es nicht eine Flut von unerwarteten Riffs, quietschende Störungen und Rückkoppelungen auf den meisten Tracks, sowie ein paar verrückte lyrische Exkursionen gäbe. “Why would you shoot my Bambis?”, fragt Matsuzaki in „New Orphan Asylum For Spirited Deerchildren“, bevor sie sich auf eine Reise dramatischer stilistischer Umwege durch aggressiven Psycho-Rock und Jazz-Minimalismus begibt. “What did my Bambis do to you?”. Das Album endet mit „I Call On Thee“, ein instrumentales melancholisches Klavierstück, das sowohl beruhigt als auch verfolgend wirkt. Für einen Moment klingt es so, als würde das Album mit einem dissonanten Akkord enden, bevor es sich bei der endgültigen Verabschiedung unerwartet auflöst und sich dem Frieden ergibt. 8/10

EXPERIMENTAL - INDIE ROCK

Lady Gaga Chromatica

“This is my dance floor I fought for,” singt Lady Gaga auf „Free Woman“ aus ihrem sechsten Album „Chromatica“. Nach dem Erfolg von Bradley Cooper’s „A Star Is Born“ hätte die Sängerin, die zur Schauspielerin wurde, in jede Richtung gehen können, die sie wollte – zumindest musikalisch. Aber nachdem sie den Dance Pop, der sie berühmt gemacht hat, durch Roots-inspirierten Pop-Rock ersetzt hat – und vorübergehend auf die ausgefallenen Kostüme verzichtete – zeigt Gaga hier nur ein oberflächliches Verständnis Ihrer Musik, die sie auf „Chromatica“ zum Ausdruck bringen möchte. Es ist die leichte vegane Kost zu Dua Lipa’s „Future Nostalgia“ und Jessie Ware’s bevorstehendes „What’s Your Pleasure“ und macht Gaga’s weiß-knöchelige Nachbildungen des House-Pop der 90er Jahre zu einer stark vereinfachten Angelegenheit. Selbstzweifel und Selbstsabotage sind wiederkehrende Themen in den Texten von Gaga’s sechstem Studioalbum, das selbst unter einer Identitätskrise leidet. „Chromatica“ ist eine unverhohlene Tanzplatte und beginnt mit einem orchestralen Auftakt, enthält ein kurzes Instrumental zur Hälfte und endet mit einer weiteren musikalischen Pause („Chromatica III“, ein unerwartetes Highlight, das an eine Partitur von Hans Zimmer erinnert), die vor einem Finale aus drei herausragenden Tracks eingebaut wurde. Das Ergebnis ist manchmal hektisch und unzusammenhängend, das heißt aber nicht, dass „Chromatica“ nicht erfolgreich ist. Ein Großteil des Albums, das viel vom Pop der 80er und frühen 90er Jahre übernimmt, ist Electro-Dance-Funk vom Feinsten.

Das unwiderstehlich eingängige „Plastic Doll“ und die erste Single „Stupid Love“ verschmelzen das Beste aus Gaga’s früheren Veröffentlichungen zu Wohlfühl-Disco-Tracks mit genau der richtigen Menge an Schmerz und Gewicht. „Chromatica“ nutzt bekannte Houseund Elektronikproduzenten wie Axwell, Madeon, BloodPop und Skrillex, aber die Produktion behindert manchmal Gaga’s Songwriting. Glücklicherweise stehen die Texte im Mittelpunkt von „Fun Tonight“ und dem vorletzten Track „1000 Doves“. Aber Gaga verliert sich immer wieder in der Produktion, wie beispielsweise in Tracks wie dem Album-Opener „Alice“, der schläfrig wirkt, da er sich auf einen generischen Dancefloor-Beat der 90er Jahre stützt. Insgesamt liegt der Hauptfehler von „Chromatica“ jedoch in seiner Unentschlossenheit. Lady Gaga hat eine Reihe großartiger Ideen zu diesem Thema, aber das Problem ist, dass sie nicht weiß, wie diese als geschlossene Einheit funktionieren sollen. Die Tracks haben viele erleuchtende Eigenschaften, aber es ist meistens ein Patchwork-Job – ein Ergebnis, bei dem wir bestimmte Aspekte eines Songs genießen können, anstatt das Stück in seiner Gesamtheit zu genießen. Die symphonischen Tracks brechen die brüchigen Stellen weiter auf und fühlen sich willkürlich und völlig unnötig an, obwohl sie großartig klingen. Und das ist das größte Defizite hier: Alles wird professionell ausgeführt, alles klingt großartig und es wird offensichtlich von Leuten geschrieben, die wissen, was sie tun, aber der Platte fehlt eine konsequente Vision, damit alles zusammenhängend funktioniert. 6/10

DANCE POP

ebastien Tellier zeigt uns auf seinem Album „Domesticated“ seine neu entdeckte familiäre Zufriedenheit, die sein Talent für verwirrende Erwartungen festigt, aber es fehlt ihm an Tiefe und seinem üblichen Va-Va-Voom. Der Einfluss von Häuslichkeit und einem festen Familienleben auf die Kreativität ist ein bekanntes Thema, das in der Kunst mehrfach untersucht wurde. Cyril Connollys „pram in the hall“ -Zitat verkörpert die Prämisse, dass ein Künstler freigeistig, locker und ungebunden sein muss, um gute Arbeit zu leisten. Der Pariser Komponist, Sänger und Multiinstrumentalist Sebastien Tellier hat sich in die Routinen und Rhythmen des Familienlebens mit seiner Frau und seinen Kindern eingelassen und das musikalische Ergebnis daraus ist ein elektronisches Pop-Konfekt, dessen nüchterne Überlegungen zu neuen Manifestationen der Zufriedenheit und der Zähmung seiner früheren Eigensinnigkeit der pikanten, in den 80er Jahren verschuldeten Synth-Slithering-Electronica-Ästhetik führen. Sébastien, der fast zwanzig Jahre nach seinem Debüt „L’incroyable Vérité“ ein Veteran der avantgardistischen französischen Popszene ist, lässt sich von seinem neuen Zustand zu dem treffend betitelten „Domesticated“ inspirieren. Während acht Tracks sinniert er auf typisch ungewöhnliche Weise über die Details des Alltags. An manchen Stellen gibt es einige seiner melodischsten Momente überhaupt. Das eröffnende Stück „A Ballet“ ist ein typisches Beispiel dafür, wie man dunstigen Gesang über einen Trap-Beat legt. Es gibt auch Raum für Experimente, wie der laute Zusammenbruch in der Mitte von „Domestic Tasks“, während „Hazy Feelings“ eine brodelnde, ungewöhnliche Energie enthält. Es ist alles angenehm, fühlt sich aber unwesentlich und – manchmal – veraltet an, nicht zuletzt, weil viele Tracks mit niedrigerem Tempo gefährlich nahe daran sind, wie Chillwave zu klingen. Letztlich bestehen die neuen Songs aus manch brillanten Ideen, die jedoch von Trägheit verzehrt werden. 5/10 POP

Nicole Atkins Italian Ice

Das neueste Album von Nicole Atkins wurde im hoch angesehenen Muscle Shoals Sound Studio aufgenommen. „Italian Ice“ enthält zudem musikalische Begleitung von Britt Daniel von Spoon, John Paul White der Civil Wars, den Bad Seeds, Dap-Kings, der legendären Muscle Shoals Rhythm Section und mehr. Genre-Hopping ist ebenfalls ein Feature auf diesem Album und die Einflüsse reichen von Soul bis Roy Orbison. Apropos Seele, Nicole Atkins’ Stimme ist reichlich damit gefüllt. Es ist das unmittelbare Gefühl, das uns trifft, wenn wir kopfüber in die weitläufige Landschaft des ersten Tracks dieses musikalisch bewegenden Albums eintauchen. „Am Gold“ verbindet die kehlige Lebensfreude eines Aretha Franklin-Tracks mit dem Gefühl eines typischen Morcheeba-Albums. Nicole beschreibt Ihr neues Album als “an acid trip through my record collection”. Besser könnte man es nicht ausdrücken. Dies ist der Klang des perfekten Sommers, der an wunderschönen einsamen Stränden verbracht wird. Die Wellen schwappen über unsere Zehen und die Sonne streichelt unsere Haut. Dieses Album ist einfach göttlich und wenn Nicole’s Stimme erklingt, fühlt es sich an, wie das Kopfüber eintauchen in das kühle, klare Nass. Die erste Single „Domino“ ist das Hauptstück und zentrale Betonung auf den Rhythmus von „Italian Ice“. Ebenso taucht „Mind Eraser“ Atkins in ein Technicolor-Planschbecken ein, das sich in Hall wälzt und mit Retro-Fuzz-Akzenten verziert wurde. Die Sängerin kehrt auch zu ihren 60er-Wurzeln zurück, um schöne, mitreißende Melodien zu komponieren, wie etwa „St. Dymphna“ (die Patronin der psychisch Kranken), das schaumige „Forever“ und die süße Ballade „Captain“. Während Atkins hier ähnlich stark agiert, kehrt sie für die Ausgewogenheit des Albums weitgehend zu ihrem Folk und vom Country geprägten Standbein zurück.

Die Wichtigkeit dieses Nebenschritts aus ihrer Komfortzone ist jedoch, dass Atkins dies mit Gelassenheit tut, genauso solide und selbstbewusst wie auf jede ihrer früheren Alben. Während Atkins eine auffällige, gefühlvolle Stimme anbietet, die zu ihren Wurzeln passt, zeigen diese Tracks, dass sie sich auf ihren Sinn für Rhythmus und Melodie zu jeder Zeit verlassen kann. Im gesamten bezieht sich Atkins auf Ihr zu Hause, verlässt es und möchte es nie verlassen, kehrt dorthin zurück und möchte nie wieder dorthin zurückkehren. Atkins hat sich kurz vor ihrem letzten Ausflug mit persönlichen Themen befasst und den aufregenden, aber bittersüßen Niedergang und das Wiederaufleben ihrer Heimatstadt verarbeitet. Sie strahlt den Komfort auf „Italian Ice“ aus, sich musikalisch auszudehnen, um all ihre Interessen und Einflüsse, alle Gefühle der Orientierungslosigkeit und Sehnsucht zu mischen und nebeneinander leben zu lassen. Es ist ein sehr vielseitiges Album, aber bleibt einer nostalgischen Musikalität treu, die sich selbst nicht allzu ernst nimmt. „Italian Ice“ zwinkert ein wenig, lächelt schelmisch und verleiht diesem wundervollen Album damit eine zusätzliche Ebene des Charmes. 9/10

COUNTRY - FOLK

ine milde Sommerluft hängt schwer über „Hit To Hit“ von 2nd Grade. Geschrieben im Garten von Bandleader Peter Gills in Philadelphia, enthält es in seinen 24 unabweisbaren Tracks die verschwommenen Erinnerungen an Nächte, in denen die Sonne nie untergegangen ist. Die Platte teilt die gleiche stilistische Geschicklichkeit von Guided By Voices und mischt einen Cocktail aus klassischem Rockabilly, Surf Jam von der Westküste und lockerem Indie-Pop. In den bleichgewaschenen Gitarren von „Over and Over“ befinden sich Elemente von The Lemonheads, während die verblassten Umrisse von The Beach Boys auch nie weit von der Oberfläche entfernt liegen. „Fun, fun, fun“ sangen The Beach Boys 1964 bei nur einem von mehreren Hits, die den sorglosen Party-Lifestyle der Teenager dokumentierten, die den kalifornischen Mythos lebten. 56 Jahre später deutet „Hit to Hit“ darauf hin, dass Peter Gills’ Philosophie nicht viel anders aussieht. Bei 24 Songs in nur 41 Minuten gehen die Songs so schnell wie sie kommen – Gills Philosophie ist, dass die moderne Welt eine Million Dinge präsentiert, die um die Aufmerksamkeit der Menschen konkurrieren. Aber trotz der Kürze fühlen sich die Songs in keiner Weise wegwerfbar an, sind vielmehr voller aufregender und erfinderischer Ideen. „Boys in Heat“ ist melodisch brillant, „W2“ ist mit stacheligen Slapdash-Gitarren vollgestopft und die effizienten Strukturen von „Sucking the Thumb“ und das Lo-FiGefühl von „Jazz Chorus“ sind während Ihrer einen Minute definitiv faszinierend. Der Titel „Hit To Hit“ ist ein Witz über die halsbrecherische Geschwindigkeit und Eingängigkeit dieser Songs, aber er könnte auch als Vorschlag verstanden werden, die Schläge des Lebens zu nehmen und sich damit nie zu lange in einer Emotion zu suhlen. Diese Songs bieten Einblicke in viele verschiedene Gefühle, von Frustration über Wehmut bis hin zu grenzenloser Freude. „Hit to Hit“ ist kein großes Album und zielt nicht darauf ab, eine Erklärung abzugeben. Es ist ein perfekt geschnittenes Stück wohlschmeckender Musik, das in Miniaturfragmenten von einfacher Schönheit und schmuckloser Emotion wiedergegeben wird. 8/10

INDIE POP

hr neues Album „Neon Cross“ beginnt mit einer üppigen, stattlichen Klavierballade namens „Sweet Mess“. Noch mehr als an den hoffnungslosen Texten oder dem sanften Klavier bleibt man an ihrer Stimme hängen – einem rauchigen, einzigartigen Instrument. Es ist eine Stimme, die aus der dunkelsten Ecke einer Bar widerhallt, von jemandem mit einer unruhigen Vergangenheit und einer langen, traurigen Geschichte. Jaime Wyatt wuchs im ländlichen Washington auf und reiste als Teenager nach Kalifornien, um in die Musikindustrie einzusteigen. Stattdessen befand sie sich in der persönlichen und beruflichen Hölle. Sie wandte sich harten Drogen zu und wurde mit 21 Jahren verhaftet, weil sie ihren Heroinhändler ausgeraubt hatte. Nachdem sie acht Monate im Gefängnis verbracht und clean wurde, brach ihre Ehe zusammen. Nach dem Tod ihres Vaters und einiger ihrer engsten Freunde fiel sie in eine tiefe Depression. Einige dieser Erlebnisse, die von einem versoffenen, prahlerischen Outlaw-Land aufgezeichnet wurden, fanden ihren Weg in das erste Album „Felony Blues“, eine knappe Einführung mit sieben Liedern, die Jaime Wyatt als eine der aufregendsten und geschicktesten Geschichtenerzählerinnen des Genres bestätigte. Aber „Sweet Mess“ ist ihr erstes Lied, das eine Dunkelheit suggeriert, aus der sie nicht entkommen kann. Es ist wunderschön, einhüllend und total trostlos. Es ist auch ein Ausreißer. „Neon Cross“ ist größtenteils eine weitere triumphale Aufzeichnung, die zeigt, wie Wyatt diese Situationen überwunden hat. „Neon Cross“ wurde von Shooter Jennings produziert, von Mark Rains aufgenommen und gemischt und von Pete Lyman gemastert. Zusätzliche Songwriting-Credits gehen an Austin Jenkins, Travis Stephens, Chris Masterson, Eleanor Whitmore, Dax Riggs und Matthew Sweeney. Weitere Musiker sind Jennings (Klavier, Synthesizer, Gitarren, Hintergrundgesang), Neal Casal (Gitarre, Mundharmonika, Wurlitzer), John Schreffler Jr. (Pedal Steel, Gitarre, Hintergrundgesang), Ted Russell Kamp (Bass), Jamie Douglass (Schlagzeug), Brian Whelan (Bass, Klavier) und Aubrey Richmond (Geige). Die Liste ist lang und dennoch wird zu jeder Zeit die Vielseitigkeit von Wyatt’s wunderschöner und ausdrucksstarker Stimme hervorgehoben. Fans von Outlaw Country, Honky Tonk und Country-Rock werden von „Neon Cross“ begeistert sein. Es ist ein verdammt gutes Album von einer verdammt guten Künstlerin, die mit Sicherheit noch hohe Wellen schlagen wird. 7/10 COUNTRY

aul Banks (Interpol, Julian Plenti, Banks + Steelz), Schlagzeuger Matt Barrick (Jonathan Fire*Eater, The Walkmen) und Produzent und Multiinstrumentalist Josh Kaufman (Bonny Light Horseman, The National, The War on Drugs) haben sich zusammen geschlossen und mit „Muzz“ nun Ihr selbst betiteltes Debütalbum veröffentlicht. Die Mitglieder von Muzz haben sich allesamt nichts mehr zu beweisen und wie in der Vergangenheit schon oft bei sogenannten Supergruppen erlebt, enttäuschten daraufhin die gemeinsam aufgenommenen Songs meist durch Mangel an Kreativität und Leidenschaft. Bei „Muzz“ erleben wir dieses enttäuschende Gefühl glücklicherweise nicht. Der brütende, gezackte Indie-Rock von Interpol und die Grobheit von The Walkmen wurden zurückgestellt und durch einen warmen und verschwommenen Rock mit schwindelerregenden Orchestrierungen und einem angenehmen Klangwirbel ersetzt. Der unverwechselbare, heisere Bariton von Banks bleibt jedoch erhalten und klingt polierter als je zuvor. Muzz haben sicherlich ein Talent dafür, klassische Klänge mit einer postmodernen Dynamik zu zaubern. Die surreale Qualität der Arrangements der Songs entzückt, wenn wir uns durch eine abwechslungsreiche Rocklandschaft mit erhabenen Melodien bewegen.

Einige der 12 Tracks des Albums wirken jedoch eher wie konzeptionelle musikalische Ideen mit cleveren Arrangements, verspielten Hörnern und einer angenehmen Kakophonie aus bunten Instrumenten und weniger wie vollständig ausgearbeitete Songs. Kürzere Songs – wie das eröffnende „Bad Feeling“, „Chubby Checker“ und das wunderbar elegante „Red Western Sky“ – spielen dagegen einen einzigen Rhythmus ab oder enden zu früh, sobald diese an Fahrt gewinnen. Letztlich und angesichts der unverwechselbaren Stimme von Banks bleibt es unmöglich, dass dieses Material nicht zumindest ein wenig wie Interpol klingt. Zugleich glänzt Banks einmal mehr mit seinem Händchen für betörende und impressionistische Bilder. Wenn es ein unabwendbares Thema gibt, beschreibt Banks es als “meditations on mental health and the quest for happiness.”. Dies zeigt sich in dem besten Song der Gruppe, „Evergreen“, mit seinem samtigen Rhythmus und den kryptischen Hinweisen auf ein unbenanntes Medikament, das das eigene Leben übernimmt. Egal ob Muzz eine dauerhafte Band oder eine einmalige Abwechslung ist, dies bleibt ein vielversprechendes Debüt von drei alten Freunden, die instinktiv die Talente des anderen verstehen. 7/10

INDIE ROCK

Run The Jewels RTJ4

Angesichts der historischen Unruhen, die die Vereinigten Staaten seit dem Mord an George Floyd durch die Polizei erfasst haben, könnte die Versuchung bestehen, das vierte Album „RTJ4“ – die neueste und beste Zusammenarbeit zwischen Rapper Killer Mike und Rapper-Produzent El-P – als überraschend vorausschauend zu bezeichnen. Das Album ist das erste Projekt, das dieses ungerade Hip-Hop-Duo in der Trump-Ära aufgenommen hat. Es enthält mehrere Hinweise auf Polizeibrutalität sowie rassistische und wirtschaftliche Ungerechtigkeit und wurde in der Zeit veröffentlicht, als Killer Mike mehrere gewählte Politiker mit seinen ehrlichen, aufgeschlossenen Worten der gerechten Wut auf einer Pressekonferenz in Atlanta beschämt hatte. Aber ehrlich gesagt gibt es keinen Grund, warum sich jemand hätte wundern müssen: Beide Männer sagten unseren gegenwärtigen Zustand des gesellschaftlichen Zerfalls voraus, lange bevor sie sich zusammenschlossen.

Auf „RTJ4“ liefern die beiden ihren Agit-Rap-Gospel mit dem spritzigen Feuer einer Band, die gerade ihr Debüt veröffentlicht hat. Als sie sich 2013 zum ersten Mal für Run the Jewels trafen, wirkten die Beiden wie ein seltsames Paar. Aber die donnernde Stimme von Rapper Killer Mike aus Atlanta und der Avant-HipHop-Rapper-Produzent El-P aus Brooklyn haben sich in einem großartigen Buddy-Cop-Film wie zwei unberechenbare Partner entwickelt, wobei Mike’s linke Politik ein perfekter Kontrapunkt zu El-P’s Sprengstoff-lastigen Beats und dystopischer Paranoia ist, die sich letztlich auf drei exzellenten Platten niederschlägt. Inzwischen ist El-P weiterhin ein gefragter Produzent und Remixer für Künstler wie Beck und Lorde, und Mike hat sich zu einer wichtigen Stimme in der linken Politik entwickelt. Seine Äußerungen nach George Floyd’s Ermordung durch die Polizei hatten ein leidenschaftlicheres, wohlüberlegteres und moralischeres Gewicht, als die überwiegende Mehrheit dessen, was

wir von professionellen Experten oder Politikern gehört haben. “You so numb you watch the cops choke out a man like me/Until my voice goes from a shriek to whisper—‘I  can’t  breathe’/And you sit  there in the house on couch and watch it on TV,” rappt Killer Mike auf „walking in the snow“. Der Text handelt von Eric Garner. Jetzt geht es auch um George Floyd. Dass diese beiden ungerechten Morde unter tragisch, unheimlich ähnlichen Umständen stattfanden und im Abstand von fast sechs Jahren, unterstreicht nur den endlosen Strom rassistischer Gewalt in Amerika. Der Zustand erhöhter Wut, den solche Gewalt hervorruft, ist unhaltbar und ätzend. Doch Liebe braucht Wut, um

Hass zu bekämpfen. RTJ gehen immer noch auf die Straße, um gegen eine tyrannische herrschende Klasse und rassistische Polizeigewalt zu kämpfen. Aber nach dem anstrengenden Prozess in „Run the Jewels 3“, ein vitriolisches Album im Wettlauf gegen den Weltuntergang, haben sie sich hier zu einem überschaubaren Grad an gerechter Empörung entwickelt. Um das Gleichgewicht aufrechtzuerhalten, sind die Pointen nun weniger jugendlich und es gibt eine merkliche Abnahme der Schwanzwitze. Das vierte Album ist eine bemerkenswerte Leistung für zwei Männer, die zum Zeitpunkt ihrer ersten Zusammenarbeit 40 Jahre alt waren. 9/10

HIP HOP

Buscabulla Regresa

Wie viele Puertoricaner verließen auch Raquel Berrios und Luis Alfredo Del Valle von Buscabulla die Insel und machten New York zu ihrem Zuhause, auch um nach Möglichkeiten zu suchen, die ihnen sonst nicht zur Verfügung standen. Und sie sind nicht allein. Im Großraum New York gibt es mehr Puertoricaner als in der Hauptstadt San Juan. Aber für alles, was New York zu bieten hat, was Puerto Rico nicht bietet, gibt es Teile davon, die nicht nach Norden gebracht werden können. Sei es der weiße Sand der Strände, die Geräusche des Dschungels, oder die lokalen jahrhundertealten Traditionen. Berrios und Del Valle zogen getrennt nach New York City, um ihre Träume zu verwirklichen, trafen sich bei einer Party, gründeten eine Band (der Name ist puertoricanischer Slang für „Unruhestifter“) und gründeten eine Familie. Aber während sie ihren Alltag in der Stadt lebten, verließ ihr Geist Puerto Rico nie und die ersten beiden Buscabulla-EPs waren von tiefer Sehnsucht und existenziellen Verschiebungen geprägt. „Frío est duele“ („diese Kälte tut weh“) sang Berrios auf „Frío“. Nachdem ihnen ein Plattenvertrag angeboten wurde, verließen sie New York sechs Monate, nachdem der Hurrikan Maria ihr Haus zerstört hatte. Als Tausende von Puertoricaner von der verwüsteten Insel in die USA flohen, gingen Berrios und Del Valle in die entgegengesetzte Richtung, packten ihre Sachen zusammen und zogen mit der Familie im Schlepptau zurück. „Regresa“ ist die Geschichte dieser Rückkehr. Aber das Haus, in das sie zurückkehrten, war weder das, das sie verlassen hatten, noch waren es dieselben Leute, die einst aus kreativen Gründen nach Norden geflüchtet waren. Viele ihrer nahen Familienmitglieder und Freunde waren gegangen oder gestorben, stattdessen hatten kapitalistische Geier sich niedergelassen, um nach „wirtschaftlichen Möglichkeiten“ zu suchen. Die Songs, die sie in ihrem Heimstudio in Aguadilla, einer Küstenstadt auf der Westseite der Insel, geschrieben und aufgenommen haben, waren fröhlich, aber melancholisch. „Regresa“ behält ihren tropischen

Synth-Pop bei, aber während ihre ersten Platten frech daherkamen und sich über den Latino-Machismo lustig machen, untersucht dieses Album tiefere Fragen des Lebens und der Identität. In „Regresa“ herrscht aufrichtige Verzweiflung, aber auch Raum für Hoffnung. Die Rückkehr in ihre Heimat und die Wiederverbindung mit diesen Gemeinschaften bringt Lebendigkeit und Funken lodernder Freude. Ein flotter Funk-Groove schlängelt sich auf „NTE“ dahin, während „Nydia“ – dem puertoricanischen Helden Nydia Caro gewidmet – in farbgetränkten Klanglandschaften die gedämpften Rhythmen von Toro Y Moi würdigt. „El Aprieto“ bietet ein Hin und Her zwischen widersprüchlichen Denkweisen und findet schließlich Trost in der Mitte: “It’s starting to squeeze and this thing is turning dark/But keep still, cause little by little we’ll get out of here”. Aber es sind die Beiträge der berühmten 71-jährigen puertoricanischen Schauspielerin und Sängerin Nydia Caro, die das Album davon abhalten, in die Dunkelheit zu geraten und markieren den Wechsel von Angst zu Akzeptanz: “Light comes after the greatest darkness/You can’t see the stars if you don’t have a dark night/Let the darkness be your impulse towards Light,” murmelt Caro. Das Puerto Rico von Buscabulla ist möglicherweise ein verlorenes Paradies, eine von einer Apokalypse zerstörte Oase. Aber von dem Moment an, als sie zurückkamen, haben sie die Stücke aufgehoben und wieder aufgebaut. ihr Zuhause, ihre Gemeinschaft und sich selbst. Durch Experimente haben Buscabulla einen Sound geschaffen, der ganz ihrem eigenen entspricht. Man wird vielleicht die Texte auf „Regresa“ nicht alle verstehen, aber man wird die Bedeutung dahinter spüren. 7/10

SYNTH POP

100

Freddie Gibbs & The Alchemist Alfredo

Erst letztes Jahr erhielten wir „Bandana“, die zweite Zusammenarbeit zwischen Gibbs und Madlib, bei der er sich der dunklen Seite seiner Person stellte. Weniger als ein Jahr später überreicht uns Freddie Gibbs eine Überraschungsveröffentlichung in Form von „Alfredo“. Das Album ist eine weitere Zusammenarbeit zwischen ihm und The Alchemist nach der Veröffentlichung von „Fetti“ aus dem Jahr 2018. „Alfredo“ ist der Beweis – wenn überhaupt noch mehr Beweise benötigt werden – dass Gibbs seine Hand auf nahezu jede musikalische Partnerschaft gewinnbringend legen kann. Ob es nun an der offensichtlichen Leidenschaft und Präsenz im Zentrum seiner Musik liegt oder einfach an seiner Fähigkeit, Projekte auszuwählen die für ihn funktionieren, Gibbs kann sich jetzt eines Erfolgsmusters rühmen, das nur wenige erreichen können, und viele beneiden. In großen Zügen ist „Alfredo“ ein Album, das sich durch eine obsessive Pflicht gegenüber der Vergangenheit des HipHop auszeichnet, verbunden mit einem intensiven Bedürfnis nach Innovation. Das eröffnende „1985“ ist ein Beispiel dafür. Es behält die Art des Retro-modernen Sampling und der Produktion bei, die wir von einem Gibbs-Track erwarten können, während er Prominente wie Joe Exotic oder Pesci namentlich auswählt. Offensichtlich hat er seinen Sinn für das Absurde nicht vergessen. Zum Beispiel hat Gibbs es immer geschafft, die dunkleren Erfahrungen schwarzer Menschen in Amerika einzufangen und auch „Alfredo“ lehnt sich daran an. Die Erklärung zu Beginn von Scottie Beam von “Yeah, the revolution is the genocide / Look, your execution will be televised” schien noch nie so prophetisch wie jetzt.

Es ist auch eine Platte, die sich auf die einzigartige Symbiose zwischen Künstler und Produzent, zwischen dem Rapper aus Gary, Indiana und dem langjährigen Freund The Alchemist stützt. „Alfredo“ zeichnet sich in jeder Hinsicht aus, eine Platte, die den Durst nach frischer Innovation mit einer fast beispiellosen Liebe zur HipHop- und Rap Musik verbindet. Und da sich letztlich keiner von Beiden mit der Aussicht zufrieden geben will, dass dies ihre letzte Zusammenarbeit ist, dürfte „Alfredo“ wahrscheinlich nur ein Vorgeschmack darauf sein, was sie gemeinsam noch alles erreichen können. 9/10

HIP HOP

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ei Rockmusik geht es darum, mit ganz bestimmten Affekten zu spielen, egal wie wir uns drehen. Die sechsköpfige Band Sports Team hat bereits einen überzeugenden Frontmann in Form von Alex Rice, dessen aufgeräumtes Aussehen und schreiender Sprechgesang eine moderne Umgestaltung von David Johansen und Eddie Argos ist. Hinter Rice und dem Glam-meets-Proto-PunkAnsatz seiner Bandkollegen steckt eine gewisse Haltung, aber alles macht Spaß. Ihr Debüt-Studioalbum „Deep Down Happy“ bietet gegenüber den IDLES und Shame ein alternatives Manifest, das sich direkt auf ihre Erfahrungen während ihres Studiums an der Universität von Cambridge bezieht. Vielleicht ist es nicht so aufregend, wie gegen das System vorgehen zu wollen, aber die Band versteht ihr Publikum: gelangweilte Vorstadtkinder, die etwas zu sagen haben, aber ihre Gefühle nicht richtig artikulieren können. Rice’s Worte fallen triumphierend gegeneinander – klingende Akkordfolgen beim Eröffnungstrack „Lander“, die über seine vergeblichen Karrierechancen nachdenken, während er in seinem örtlichen Stadtgarten spazieren geht. Er ist scharfsinnig und nicht übermäßig wortreich oder ironisch in seinen Dialogen. „I’ve been sleeping in Thumblands/ I only listen to old bands/ I pray the CD don’t skip.“ Wie wir es von jedem jungen Kunststudenten erwarten würden, ist seine Anmaßung zart und nachvollziehbar – besonders wenn er mit seinen Bildern hyperspezifisch wird – unterstützt von einer Band, die mit großer musikalischer Vielseitigkeit spielt. Die Band ist sehr geschickt darin, diese Langeweile und die Angst der Studenten mit dringenden, treibenden Melodien in Einklang zu bringen. Die Single „Camel Crew“ bricht zeitgenössische „Be nice“ -Konventionen und zielt auf Bands ab, die Mode gegenüber der Musik bevorzugen: “This avant-garde is still the same/ Go to Goldsmiths and they dye their fringes/ Just to know they’ve made it only/ When they sign the rights to Sony.” Letztlich kann man Rice und seinen Kumpel Rob Knaggs entweder charmant oder irritierend finden, und die Freude liegt in dem Tribalismus, der dem Ansatz der Band innewohnt. Nach dem Anhören von „Deep Down Happy“ haben wir absolut keinen Zweifel daran, wogegen die Sechser rebellieren – wofür sie stehen und was sie tatsächlich genießen. Letzteres könnte auf Album zwei etwas mehr Sendezeit bekommen. Aber genau diese unverhohlene Geradlinigkeit und die Weigerung, sich zu verbiegen, stehen dem Sport Teams in diesem Rock’n’Roll-Geschäft ziemlich gut. 7/10

INDIE ROCK

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ie früheren Veröffentlichungen von Brigid Mae Power wurden fast ausschließlich von ihrer Heimat bestimmt. Diese leise und doch hochfliegende Stimme, die in Galway geboren und aufgewachsen ist, sorgte dafür, dass diese Songs unbestreitbar keltische Stimmung ausstrahlten. „Head Above The Water“ verändert die Dinge massiv. Es wäre leicht, diesen offensichtlichen musikalischen Umbruch mit dem Umzug von Power’s Familie von Galway nach London gleichzusetzen, aber tatsächlich ist es eine andere Stadt, die dazu beigetragen hat, den Wandel in Gang zu bringen. Die breitere Musikpalette wurde im Glasgow’s The Green Door aufgenommen, einem analogen Studio (mit Alasdair Roberts als Co-Produzent neben Brigid und Broderick). Country, Jazz und sanfte Psychedelic ergänzen jetzt den typischen Sound von Power mit den Geistern von Fairport und Pentangle, die so manche Songs begleiten. Das eröffnende Stück „On A City Night“ ist nickender Country (“City lights/Or country skies at night/Which do you prefer/He said to me with a smile/And eyes so pure”) und erinnert an die schwindelerregende Lebensfreude einiger der leichteren Momente von Bob Dylan und The Band’s „The Basement Tapes“. Was von früheren Alben übrig bleibt, ist die schlichte Schönheit von Power’s Stimme, die Teil einer Riege ist, zu der Anne Briggs, Linda Perhacs und Beth Orton gehören. Es ist eine warme, komfortable Kost für schwierige Zeiten, aber wenn man die arkanen Klavierballaden der früheren Veröffentlichungen von Power im

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Auge behält, ist diese hier von einer täuschenden Sanftheit umgeben. Die Texte verschmelzen poetisch und prosaisch, erzählen von vergangenen Gesprächen, erinnern an Orte, Reisen, kleine Momente, bis das Ganze ein steigendes Gewicht annimmt. Melodien zeichnen sich durch eine bisher wenig gesehene Direktheit aus, behalten aber irgendwie ihre Zartheit bei. Es ähnelt der Transformation, die ihre Texte zuvor durchlaufen haben und diese Entwicklung setzt sich hier fort. Die Dinge haben sich geändert, aber zum Besseren? In dem Wunsch, zusammenzuarbeiten und zu kommunizieren, wurde ein Teil dieses frühen experimentellen Improvisationsgefühls etwas abgeschwächt und das ist eine Schande. Wir sehnen uns nach dem hypnotischen Aufschwung, wie in „It’s Clearing Now“, oder nach der verträumten Schönheit des Titeltracks ihres vorherigen Albums. Dies ist jedoch nur ein Nebenprodukt der Tatsache, dass Power in nur drei Alben bereits so viel versucht hat und jetzt offensichtlich so wenig Angst hat. Wohin geht sie als nächstes? Der Kopf ist über dem Wasser. Die Reise geht weiter. POP

7/10

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ie spanische Garage-Rock-Gruppe Hinds baute ihre ersten beiden Alben auf Harmonien und engen melodischen Strukturen, die an die Strokes oder Black Lips erinnerten. Auf Ihrem dritten Album „The Prettiest Curse“ wenden sich Hinds dem Pop zu. In der Praxis bedeutet dies ein erweitertes Arsenal an Instrumenten und ein reduziertes Gefühl für musikalische Identität. „The Prettiest Curse“ ist glänzender als der von „I Don’t Run“ aus dem Jahr 2018, stellenweise mit höherer Wiedergabetreue und mit Synthesizern bestreut. Im besten Fall kann das Album auf Hinds bisherigem Ansatz aufbauen. Aber es ist weniger konsistent als ihre letzten beiden Alben und man wird möglicherweise das Gefühl nicht los, dass hier eine außerordentlich effiziente Maschine für ein schlankeres Modell verwendet wurde. Die erste Single „Riding Solo“ signalisiert die neuen Ambitionen der Band mit einem stampfenden Schlagzeug in Arena-Größe und pfeifenden Synths. Der Chor nimmt den üblichen Singalong der Band und multipliziert den Hintergrundgesang, um das Gefühl einer Live-Performance zu vermitteln. Es ist sehr eingängig, gelungen und es klingt größer als alles, was die Band zuvor aufgenommen hat. Die weiteren Lieder mögen Aufregung bieten, teilen aber einen ruhigen Kern, der an das Verhalten der Hufwiederkäuer erinnert. Hirsche scheinen zahm zu sein, bis man zu nahe kommt. Hinds ist ein anderer Name für weib-

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liche Hirsche. Wie das Tier hat auch die Herangehensweise von Hinds an die Musik etwas sanft Stürmisches. Die Probleme mit dem Album entspringen weniger dem, was fehlt, als dem, was vorhanden ist – die Songs klingen einfach zu beschäftigt. Die Band arbeitete mit dem Produzenten Jenn Decilveo (Albert Hammond Jr., Bat for Lashes’ Natasha Khan) zusammen und ob es ihre Entscheidung war oder die eines anderen, der fertige Mix ist unübersichtlicher als nötig. Bei „Waiting for You“ zeigt sich wieder diese verstärkende Wirkung auf den Hintergrundgesang und diesmal verschleiert sie die Chemie zwischen Cosials und Co-Frontfrau Ana Perrote, deren hin und her Gesang das Beste ist, was die Band zu bieten hat. Trotzdem gibt es hier viel wertvolles Material.

„Boy“ ist laut, hartnäckig und lustig. Es bietet eine ideale Synthese aus den ersten beiden Alben und dem jetzigen. Die spanischen Texte sind eine weitere willkommene Abwechslung, die zum ersten Mal in ihrer Musik auftauchen, beginnend mit dem pochenden Opener „Good Bad Times“. Das Vorhandensein der Muttersprache der Band hat etwas Ermutigendes. Während sich manches oft gezwungen anfühlt, wie von einem seelenlosen Plattenlabel-Manager gefordert, sprechen die Spanierinnen hier von ihrem wachsenden Komfort, neue Dinge auszuprobieren. Sie haben diesmal vielleicht ihren Sound leicht verwässert, aber zumindest kämpfen sie zu ihren eigenen Bedingungen. 7/10

INDIE POP

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Naeem

Startisha Naeem’s Debüt basiert auf liberativem Selbstausdruck, hochmütigem R&B und sengender experimenteller Ausgeglichenheit. „Startisha“ ist allerdings keine Album, dass aus dem Nichts auf dem Radar auftaucht, sondern das akribische Ergebnis eines reisenden Künstlers, der seit 2005 unter dem Deckmantel von Spank Rock operiert und in den letzten Jahren neben Bon Iver und The Avalanches tourte. Naeem war nie leicht zu bestimmen und weigerte sich von Anfang an, strengen Erwartungen und Konventionen zu entsprechen. „You And I“ ist ein Lied, das im letzten halben Jahrhundert wie eine Menge anderer Dinge geklungen hat, aber es hat sich nie so angehört wie die Version, die hier aufgenommen wurde, um Naeem’s neues Album zu eröffnen. Neben „Simulation“, einer berauschenden, facettenreichen Ode an den Groundhog Day-Existentialismus mit Justin Vernon und dem großen Helden der Soul-Musik, Swamp Dogg – beginnt das Album mit einer aufregenden Absicht. Der Rapper aus Baltimore hat seinen früheren Spank Rock-Spitznamen nach der Gegenreaktion zu seinem letzten von Boys Noize produzierten Album „Everything Is Boring“ und „Everyone Is A Fucking Liar“ fallen lassen und die Partymusik damit fast umgebracht. Die Wiederaufnahme seines Geburtsnamens fühlt sich wie ein Neuanfang und eine Lizenz zum erneuten Erkunden an.

Für Naeem war es wichtig, einen kreativen Prozess anzustoßen, der Freiheit und neue Ideen ermöglicht. Die Produzenten Sam Green und Grace Goods verbinden geschickt Naeem’s Hip-Hop-Geschicklichkeit mit eleganten, kultivierten Instrumentalklängen – alle mit minimaler Anleitung des Künstlers selbst und zusammen mit Francis and the Lights, Ryan Olson (GAYNGS, Poliça) und Velvet Negroni. Amanda Blank und Micah James begleiten Naeem bei „Woo Woo Woo“, einer organisch zusammengestellten Nummer, die zwischen Elektronik und Hip-Hop schwankt. Ein Querschnitt von Stilen zeigt dieses Gefühl der Hingabe – Hip-Hop, Rap und elektronische Kollisionen. Naeem definiert die Konturen seines eigenen Sounds mit strenger Wirtschaftlichkeit und Zweckmäßigkeit. Parallel zu seinem facettenreichen Einfühlungsvermögen wendet Naeem eine poetische Sichtweise an, die elementar in die Fasern des Albums eingebettet ist und die Angst der Gesellschaft, sowie die Erfahrung seiner eigenen Sexualität in der viszeralen Dualität einschließt. Die Wiederholung von Vernon’s charakteristischen treibenden Klavierschlägen führt zu einer drückenden Atmosphäre und einer Dynamik, die eine Flut abwechselnder Töne einleitet, die niemals nachlassen. Durch „Startisha“ ermöglicht Naeem uns, an einen Ort voller emotionaler Intelligenz zu gelangen, indem er ein Album erstellt, das festhält, wo er in seinem persönlichen und beruflichen Leben steht. Die Fähigkeit des Albums, Genres zu mischen, führt zu einer einzigartigen und verführerischen Klangpalette und zu einem offenen Gedankenaustausch. 8/10

ELECTRONIC - HIP HOP

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No Age

Goons Be Gone Wenn der Gitarrist Randy Randall und der Schlagzeuger / Sänger Dean Spunt die perfekte Mischung aus verschwommener Ambient-Abstraktion und spartanischem Songwriting finden, ergibt sich im Allgemeinen das faszinierendste Material von No Age. Nachdem sie etwa ein Jahrzehnt damit verbracht hatten, ihren Sound auf die Spitze des ausgefransten Pop und undurchdringlichen Lärms zu bringen, kehrten sie mit dem Album „Snares Like a Haircut“ aus dem Jahr 2018 zu den Wurzeln ihres Sounds zurück, indem sie einige ihrer sorgfältig konstruierten Songs mit Wellen traumhafter atmosphärischer Samples vermengten. Die Platte fühlte sich wie eine Verfeinerung ihres einstigen euphorischen Hardcore und eine Abwahl einiger ihrer extremeren Streifzüge in die künstlerische Verrücktheit an. Das fünfte Album „Goons Be Gone“ setzt die Entwicklung fort, die bei „Snares Like a Haircut“ begann, aber diesmal ziehen Randall und Spunt klarere Grenzen zwischen ihren verschiedenen Ansätzen. Relativ sparsame Songs wie „Feeler“, „Sandalwood“ und „War Dance“ kommen verdammt energisch daher. Der Gesang ist klar und unberührt, während sich ein zurückhaltendes Schlagzeug und mehrspurige Gitarrenriffs gegenseitig anregen und das Adrenalin in den roten Bereich treiben. „Turned to String“ rollt mit monotonen Trommeln und einem minimalen Akkordwechsel dahin, bis es in schnelle und hypnotische Wiederholungen abtaucht. „Goons Be Gone“ ist eher unkompliziert, vom hellen, energiegeladenen „War Dance“ bis zu den treibenden Rhythmen von „Head Sport Full Face“. Die Aufzeichnung ist roh und schmucklos, aber es gibt nicht so viel experimentelle Dringlichkeit wie bei früheren Bemühungen.

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Selbst mit dem Lo-Fi-Ambient-Zwischenspiel „Toe in the Water“ fühlt sich „Goons Be Gone“ eher wie eine lustige Rock-Platte an als wie ein Manifest über verträumten Art-Punk. Dieses Album wird nicht als das Beste von No Age gelten, aber es profitiert von seiner Direktheit. Randall und Spunt tummeln an den Grenzen des Punks und eine Veröffentlichung von No Age bringt immer Vorfreude mit sich, wohin sie als nächstes gehen könnten. Dass sie an und für sich eine leidenschaftlichere und freigeistigere Seite ihrer selbst erforschen, ist hier der überraschende Schritt. Egal, ob das Album uns zurück in die frühen Anti-Establishment-Tage des Punks führt, oder einfach nur für gute Unterhaltung steht, „Goons Be Gone“ macht seinen Job gut. 7/10

INDIE ROCK

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anchmal sind die Reste genauso gut und vielleicht sogar besser als das Hauptgericht, aus dem sie stammen. Auf diesem Konzept basiert Norah Jones’ erstes Album seit vier Jahren. Die Songs entspringen größtenteils Skizzen, die für Jones’ vorherige Veröffentlichung „Daylight Again“ aus dem Jahr 2016 erstellt wurden. Sie sollten nie ein Projekt umfassen, aber als Jones ihre Demos hörte, fand sie, dass es sich lohnt, sie erneut zu erforschen, mit Unterstützung aufzunehmen und herauszugeben. Es war ein kluger Schachzug. Der erste Eindruck dieser elf Tracks ist, dass es sich um ein weiteres angenehmes, ziemlich normales Norah Jones-Set handelt. Die gedämpften klaviergetriebenen Melodien finden den einzigartigen Raum, den sie zwischen Jazz, Pop, Blues, Country und Gospel geschaffen hat, ohne explizit wie eines dieser Genres zu klingen. Ihre plüschige, sofort erkennbare, wohlklingende Stimme trägt die geschmeidigen Melodien und erweitert diese durch subtile, aber effektive Hörner, Violine, Streicharrangements und Hintergrundgesänge. „Pick Me Up Off the Floor“ ist fest in der Jazz-Folk-Pop-Visitenkarte von Jones verwurzelt. Ein Teil des Zusammenhalts mag darauf zurückzuführen sein, dass ein guter Teil des Albums von ihrem Schlagzeuger Brian Blade gestützt wird, aber auch die Zusammenarbeit mit Jeff Tweedy ist fest in den Grundstrukturen der Songs verankert. Das Gleiche gilt für „Pick Me Up Off The Floor“ im Allgemeinen. Es gibt Akzente und Schnörkel, die die Melodien auszeichnen – „Flame Twin“ wird von Gitarren und Orgelabstrichen aufgeladen – „To Live“ zieren gedämpfte Hörner direkt aus dem Big Easy. Aber als eine Sammlung von Liedern betrachtet, betont sie wie schlau und elegant Jones eine Pop-Sensibilität mit einer Jazz-Ausführung synthetisiert, eine Fusion, die beruhigend ist und sich dennoch auf ihre eigenwilligen Wendungen verlässt. Diese Mischung aus Wärme und Erfindung ist das, was „Pick Me Up Off The Floor“ so reizvoll macht: Die Form mag vertraut erscheinen, aber die Konstruktion der Songs und der Erfindungsreichtum der Aufführung halten diese auch nach dem ersten Hören frisch und überraschend. 8/10

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BLUES - COUNTRY

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GoGo Penguin GoGo Penguin

Das aus Manchester stammende experimentelle Trio GoGo Penguin war in den letzten zehn Jahren einer der beständigsten Instrumental-Acts in Großbritannien. Die Band besteht aus dem Pianisten Chris Illingworth, dem Bassisten Nick Blacka und dem Schlagzeuger Rob Turner und vereint Elemente der modernen Klassik, der Elektronik und des Jazz, ohne jemals zu einem Genre zu verschmelzen. Das wichtigste Element ist die virtuose Musikalität aller drei Mitglieder. Während das zweite Album von GoGo Penguin aufgrund seiner Nominierung für den Mercury-Preis nach wie vor das bekannteste ist, war ihr letztes Werk „A Humdrum Star“ aus dem Jahr 2018 wohl das beste. Sorgfältig strukturiert, selbstbestimmt und grenzüberschreitend, ohne jemals in vorsätzliche Verrücktheit abzusteigen, war es zugänglich und melodisch, aber mit genug Überraschungen versehen, um die Band aus dem Hintergrund oberflächlicher Dinnerpartys fernzuhalten.

Es ist daher eine Enttäuschung, dass ihre neue, selbstbetitelte Veröffentlichung nicht ganz diese hohe Messlatte beibehalten kann. Die gleichen Zutaten sind immer noch vorhanden – die von Steve Reich und Erik Satie beeinflussten Klaviermotive von Illingworth, der pulsierende Kontrabass von Blacka und die komplizierten Percussion-Muster von Turner – aber während sie sich immer noch einer einfachen Schublade widersetzen, scheitern die Tracks hier irgendwie. Es mag an der Dynamik der einzelnen Songs liegen, die leider zu oft zu ähnlich ausfallen. Einige andere Stücke auf dem selbstbenannten Debüt werden so oft angetrieben, bis die Umdrehungen fließend werden und ein Gefühl der Dringlichkeit entsteht, dass insbesondere Tracks wie „Signal in the Noise“ untermauern. Illingworth’s Klavierlinien zwischen Kontrabass und dem schnellen Knacken der Drum-Fills, gleiten hier durch mühelose Tempowechsel. Bei zukünftigen Live-Auftritten wird das Publikum insbesondere bei den Uptempo-Songs auf Ihre Kosten kommen, aber ein vielfältigerer und – wie man vermuten kann – konventionellerer Ansatz könnte vor uns liegen. 6/10 JAZZ

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ie Multiinstrumentalistinnen und Schwestern Rebecca und Megan Lovell präsentieren uns auf elf neuen Songs erneut ihre Musikalität und verwurzeln ihren Sound fest im Southern Rock’n’Roll. Larkin Poe versetzt das vierte Studioalbum „Self Made Man“ in Gospel und Blues und erfindet musikalische Traditionen neu. Der Quasi-Titeltrack „She’s A Self Made Man“ ist ebenso klassisch wie hart. Die aufrührerischen Gitarrenriffs sind schwer, donnernd und rufen die Energie der Rock-Ära der 1970er Jahre hervor. Der wilde Angriff der Eröffnungshymne auf die Unabhängigkeit mit ihren Led Zeppelin-ähnlichen Akkorden lässt uns sofort wissen, dass ihre Mission eine ernste ist. Megan’s Hintergrundgesang entlastet jedoch das schwere Gewicht und zieht Ihre Harmonien sanft durch den Rock’n’Roll. Dieses neue Album zeigt sich auch von ihren epischen Weltreisen und den großen Bühnen als Vorgruppe für die Rock’n’Roll-Legende Bob Seger inspiriert. Ihr südländisches Erbe setzt sich jedoch kraftvoll durch, wie es bei früheren Aufnahmen der Fall war. Wie der eröffnende Track sind dieser und die meisten Songs mit Singalong-Chorus-Spots gefüllt, die das Publikum bei Live-Shows mitsingen lassen (wann immer wir darauf zurückkommen). Die unerbittliche Welle setzt sich mit dem evangelischen „Holy Ghost Fire“ und „Keep Diggin“ fort. „Back Down South“, eine feurige Hommage an den Southern Rock, zeigt den GastBlues-Rocker Tyler Bryant an der Gitarre. (Er war auch auf dem letzten Album zu Gast). Am Ende des Tages haben die Lovell Schwestern eine weitere starke, zukunftsorientierte Platte aufgenommen, die weiterhin eine allgemeine Entwicklung im Sound und Stil von Larkin Poe zeigt und eine würdige Fortsetzung ihrer früheren Alben bietet. 7/10

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SOUTHERN ROCK

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Orlando Weeks A Quickening

Als eine der bekanntesten und wichtigsten Stimmen im Bereich des Indie Rock seit Beginn des Jahrhunderts kann man sich nicht vorstellen, wie ein Solo-Album von Orlando Weeks aussehen würde. Zum Glück nutzt er diese Gelegenheit, um vergangene Erfolge nicht noch einmal zu erleben und stattdessen an einen anderen (aber nicht ganz so weit entfernten) Ort zu gelangen, an dem neue Klänge entdeckt und gehört werden können. Es gibt jedoch einige bemerkenswerte Ähnlichkeiten zwischen „A Quickening“ und dem 2012er Album „Given To The Wild“ der Maccabees, die nicht nur nach einer üppigen Verschmelzung von Dingen klingen, die wir zuvor gehört haben, sondern wir sehen Weeks auch seinen ganz eigenen persönlichen Weg beschreiten. Vielleicht überraschend für manche bietet „A Quickening“ keine herausragende Single. Dies führt zu Vergleichen mit dem letzten Album der Arctic Monkeys, aber was dieses Album tatsächlich auszeichnet, ist eine wunderschöne Sammlung von Liedern, die die Geschichte über Liebe, Vorfreude, Besorgnis und manchmal sogar Hilflosigkeit erzählen, die einen werdenden Vater begleiten. Die Verantwortlichkeiten, die Emotionen, die Sorgen, die in seiner Gegenwart ins Spiel kommen. Weeks’ beruhigende Stimme lehnt sich in wirbelnde Instrumentencollagen. Klavier, Blechbläser, Schlagzeug und Holzbläser tanzen und schmelzen auf 11 Tracks, die Umgebungsgeräusche und zarte Weisheit bieten.

Es ist gehaltvolle Nachtmusik für Erwachsene, ohne ein Kind zu wecken, das gerade eingeschlafen ist. „Milk Breath“ zerlegt diesen besorgten Eifer, ein Kind auf der Welt willkommen zu heißen. Weeks kündigt an: “You’re a beginner / I’m a beginner too”, während Trompeten auf den Gletschern der Tracks tanzen und bevor Weeks’ Stimme in ein Crescendo übergeht. Als „Blood Sugar“ hereinkommt, ist die Rede davon, die ersten Schreie zu hören. Die Pracht des Lebens, eingebettet in begrenzte Klänge, die so viel Bedeutung bekommen. „Safe In Sound“ ist ein Track, der scheinbar immer im Galopp ist. Es gibt eine postalische Gesangsmelodie, die die Wurzeln des Tracks untermauert. Textlich nimmt es die oben erwähnte passive Position des Vaters ein, nur die Kraft der Mutter und die Schönheit eines Neugeborenen zu bewundern. “And I picture you with flowers / Sleeping on a name / I would wait forever / To hear that sound you’ll make.” Eine fröhliche Runde von Geräuschen wächst und wächst, bis ein Gipfel erreicht ist. Von dort aus haben wir einen herrlichen Blick auf die flackernde Elektronik von Bonnie Prince Billy, die an eine helle Gitarrenlinie angrenzt und uns den passenden Geschmack für das Ende des Tracks liefert. Weeks zeigt uns die Skizze eines sich ständig verändernden Lebens und einer sich verändernden Liebe. Mit jedem Hören finden wir etwas, was wir beim letzten Mal nicht gehört haben. „A Quickening“ ist das eigene Freudenbündel, das wir immer wieder lieben können – ganz ohne Windelwechsel. 8/10

INDIE ROCK

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Noveller Arrow

Das neue Album „Arrow“ von Noveller ist sehr ruhig und nachdenklich. Töne scheinen sich zu kräuseln und nach außen zu hallen, während anhaltende Töne die Tonhöhe im Hintergrund ändern. „Zeaxanthin“ ist ein perfektes Beispiel dafür, denn was sich wie ein entferntes Sonar anhört, entsteht aus der Dunkelheit über die mehr als acht Minuten des Tracks. „Pattern Recognition“ beginnt mit einer klaren, wiederholten Phrase, obwohl diese bald von Nebel umgeben ist, bevor sie vollständig verschwindet. „Thorns“ ist wahrscheinlich die verträumteste Katharsis des Albums. Sie beginnt besorgniserregend, bevor sie Scherben der Harmonien in den Mix schaufelt, die nach und nach die Musik überlagern und eine fast unbewusste Ruhe der ersten Minuten des Tracks beinahe auslöschen. Die Arbeit der Gitarristin und Filmemacherin Sarah Lipstate als Noveller entwickelte sich im Laufe der Jahre von der langsam schmelzenden Ambient Musik ihrer ersten Alben zu immer komplexeren Instrumentals, die sich mit der Absicht und dem Subtext von Filmsoundtracks bewegten. Im Laufe dieser Entwicklung entwickelte sich Lipstate’s stark bearbeitete Solo-Gitarre zu einer eigenen Stimme, die die Zusammenarbeit mit Iggy Pop und Lee Ranaldo intensivierte und auf ihrem 2017er Album „A Pink Sunset for No One“ neue kompositorische Höhen erreichte. „Arrow“ setzt den erweiterten Kompositionsansatz der Platte fort und rückt Lipstate’s filmische Klänge in den Mittelpunkt. „Arrow“ ist eine kunstvolle, aggressive, abgehackte, dunstige nächtliche Mischung aus Ambient-Musik, Noise Rock und Art Rock. Das Album suggeriert Entdeckungen, offene Räume, das Gefühl einer ruhigen Gewissheit, die bei wiederholtem Hören erneut auftreten. Lipstate hat uns mit „Arrow“ eine Aufzeichnung unserer Träume gegeben, die oft so unerklärlich wie amorph oder verstörend sein können. 7/10

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ELECTRONIC - AMBIENT

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Bob Dylan

Rough And Rowdy Ways Es kann argumentiert werden, dass Bob Dylan’s Rückkehr zu erfrischender Form eines der wenigen positiven Ergebnisse für die Musik ist, die aus dieser Pandemie hervorgehen. Der mit dem Nobelpreis ausgezeichnete Barde ist gezwungen, seine unendliche Tour zu verkürzen und hat sich zusammengerissen, um sein erstes Album mit Originalmaterial seit acht Jahren aufzunehmen und zu veröffentlichen. Beginnend mit dem Epos „Murder Most Foul“ – seine bisher übelste und blutigste Tragödie. „Murder Most Foul“ nimmt die gesamte zweite CD ein und dauert 17 Minuten. Es wird keine Sekunde oder kein Wort verschwendet. Es wurde bereits zu einer Ikone, zu einem moderner Klassiker, als es seinen Kopf verlassen hatte. Die Texte, die die gesamte aufgezeichnete Geschichte der Populärkultur abzudecken scheinen, seit Dylan sie 1963 selbst betreten hat, sind in ihrem unverhohlenen Entsetzen herzzerreißend, wobei Dylan über die Nachlässigkeit der Menschheit und die Unbeständigkeit der Zeit nachdenkt. Es ist eine Oper, die die Essenz der Winde des Wandels einfängt. „Mother of Muses“ ist eine wunderschöne Gesangballade. Dylan’s Stimme ist ernst und aufrichtig und erinnert erfreulicherweise an einen Sonnenaufgang mitten im Frühling. Wenn er beiläufig über Elvis und Martin Luther King singt, ist es, als würde er über alte Freunde sprechen, von denen er wünscht, Sie hätten Gelegenheit gehabt, sich zu treffen. “I’ve Made Up My Mind to Give Myself to You” nimmt einen Großteil des gleichen Raums ein – eine unheimlich emotionale Huldigung an eine Liebhaberin, an Gott, um sich selbst zu lieben. Gebürstete Trommeln, eine gedämpfte Begleitung der Stimme und läutende Gitarren – Dylan zaubert die Version von sich selbst, die David Lynch so geliebt hat, der sparsame und magische Prediger, der eher durch Plattitüden und Widmungen als durch Drohungen und Warnungen auffällt. Es erinnert an die herzlichen Festlichkeiten seiner Gospel-Jahre und an die gedämpfte Stärke seiner letzten Alben.

„Black Rider“ ist ein Lagerfeuer, eine wilde Grenzgeschichte, die mitten in der Nacht wie eine schaurige Anekdote erzählt wird, während „Key West (Philosoph Pirate)“ ein bedrohliches und verhängnisvolles Gefühl der Vorahnung mit sich bringt, das es einladend und doch völlig desorientiert klingen lässt. Dylan ist berühmt dafür, alles seinen freien Lauf zu lassen, aber die schiere Breite des kulturellen und historischen Umfangs, den er auf „Rough And Rowdy Ways“ ausübt, muss dies sicherlich zu seinem Ulysses machen. “The individual pieces are just part of a whole”, sagte Dylan kürzlich der New York Times. Als solches ist es eine Vision, auf die DeLillo, Picasso oder Eliot stolz sein würden. Es wäre in der Tat dumm anzunehmen, dass „Rough And Rowdy Ways“ Dylan’s letztes Wort ist. Es ist das Werk eines Mannes, der in Sprache und Philosophie verliebt ist und mit 79 Jahren noch immer den Zeitgeist mit unfehlbarer Präzision in sich trägt. Er ist kein falscher Prophet, der ist ein Künstler, er nicht zurück schaut. 9/10

ROCK - POP

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om Pariser Chic von „Ooh La La“ bis zur Anziehungskraft von „Adore You“, die sich wie ein Pantha Du Prince-Track anfühlt und in sinnliche R&B-Melodien gehüllt ist, ist die Klanglandschaft dieses Albums ein Workout für die Sinne. „What’s Your Pleasure?“ ist das vierte Album von Jessie Ware und obwohl es auf einer völlig anderen Tanzfläche lebt, erinnert es an Lady Gaga’s „Chromatica“, die sie nach einigen kreativen Aussetzern wieder in den Eurodance zurückversetzte, der einst Ihren Namen formte. In ihrer frühen Ästhetik fand Gaga einen sicheren Ort, um ihren zuvor verborgenen Schmerz zu erforschen, obwohl Kritiker fragten, ob er zu ihrem ansonsten immer vorwärtsgerichteten Projekt überhaupt passen würde. Ware hat kein so starres Erscheinungsbild und schlüpft daher gebieterisch zurück in die Plüsch-Post-Disco-Ära. Scheinbar befreit von kommerziellen Erwartungen, ist der einzig wichtige Punkt, hier eine gute Zeit zu erleben. „Read My Lips“ ist ein knisternder Knaller, der gar nicht anders kann, als nach Spaß zu klingen. Sicher, es mag oft in eine lange Stimmung übergehen, all die schimmernden 80er-Jahre-Synthesizer und Funk-Bässe, halb geflüsterte, anhaltende Gesänge und das Versprechen der kommenden Nacht, aber es ist trotzdem eine Stimmung. Letzter Titel „Remember Where You Are“ springt in die Musikgeschichte der Stadt zurück, mit samtigem Disco-Gospel, goldenen Gesangsharmonien und knisternden Instrumenten, während die Fantasie verblasst. “Why don’t you take me home?” Es ist eine ergreifende letzte Note. Die Komfortzone hat einen schlechten Ruf. Kein Künstler möchte als kreativ selbstgefällig oder nicht wettbewerbsfähig angesehen werden, ein Zustand, der für Frauen viel akuter ist, wie Taylor Swift einmal bemerkte: “Reinvent yourself but only in a way that we find to be equally comforting and a challenge for you.” Es ist noch schlimmer für ältere Musikerinnen, von denen erwartet wird, dass sie beweisen, dass sie immer noch so ehrgeizig sind wie ihre jüngeren Kollegen. Diese Dynamik spielt sich in Jessie Ware’s Karriere lebhaft ab. Ware hat sich und uns auch deshalb die Frage gestellt, ob die Menschen “want to hear about struggling mothers”. Pop sollte Platz für solche Themen schaffen, obwohl dies angesichts der Verwirrung der Branche darüber, was mit älteren Künstlerinnen zu tun ist, wohl noch lange ungeklärt bleiben wird. 7/10

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EURO DANCE - POP

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it „Let Her Breathe“ folgt das dritte Studioalbum der norwegischen Songwriterin. Mit ihrem Debüt „Like I´m A Warrior“ aus dem Jahr 2014 und „Tranquille Emilie“ von 2018, war die Vorfreude auf dieses aktuelle Album hoch. Und so liefert Emilie Nicolas, ohne einen Takt auszulassen, eine weitere beeindruckende Sammlung von Songs, die in mehrfacher Hinsicht erfolgreich erscheinen. „Let Her Breathe“ wurde Ende 2019 und Anfang 2020 in einem Nachtclub in Oslo aufgenommen und erzählt Geschichten über Liebe, Angst, Zwei-

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fel und schwankt zwischen wildem Selbstvertrauen und erdrückender Unsicherheit. Sie bringt zutiefst persönliche Geschichten zusammen, in denen Nicolas sich auf ihre Fehler konzentriert, mit Akzeptanz kämpft und einfache Antworten auf komplexe Fragen ergründet. Unter Berufung auf die skandinavische Kollegin Robyn und die Afro-Fusion-Künstlerin Burna Boy als Einflüsse für dieses Album, ist die Verschmelzung dieser beat- und basslastigen Sounds ein Genuss. Es gibt Momente, die unverschämt explizit sind, wie wir es von Nicolas erwartet haben, beispielsweise auf „If I Call“ und „Teddybear“, gepaart mit Mo-

menten emotionaler Intensität, auf Tracks wie „Tsunami“ und „No Humans“. Es sind sanftere, melodischere Momente, wobei das reduzierte „Open“ die stärkste Verbindung zu Nicolas’ früherer Arbeit darstellt. Das melancholische „Oh Love“ fängt ein Hauptthema dieses Albums ein, nämlich die Turbulenzen, die zwischen Hochstimmung und Verzweiflung entstehen, wenn Nicolas “from sky to hell without no sense” singt. Die Tracks sind so sequenziert, dass sie ineinander laufen, wobei komplementäre Stimmungen und Stile nebeneinander platziert werden, um die Wirkung von Nicolas’ Vision zu verstärken. Während sie ihre neuen

Einflüsse erfolgreich integriert, behält sie das Gefühl für ihre eigene Individualität. Dies ist eine herzzerreißende und ziemlich eisige Platte, die für die Traurigkeit im Sommer gemacht wurde – und das bisher bestes Album von Emilie Nicolas. 8/10

ELECTRONIC - SYNTH POP

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Chloe x Halle Ungodly Hour

Chloe und Halle Bailey waren kaum Teenager, als ihr YouTube-Cover von Beyonce’s „Pretty Hurts“ zu einem viralen Hit wurde und die Aufmerksamkeit des Pop-Superstars auf sich zog. Beyonce nahm sie bei ihrem Parkwood-Label unter Vertrag, präsentierte Chloe und Halle auf Ihrem Album „Lemonade“ und auch als Vorgruppe durften Chloe und Halle nicht fehlen. Inzwischen, sind die beiden Anfang zwanzig und eine eigenständige musikalische Kraft. Ihr zweites Album ist ein facettenreicher R&B-Genuss, voller glitzernder Gesänge, scharfen Rhythmen und einer klar definierten Selbstbestimmung. Wo ihr Debüt „The Kids Are Alright“ auf subtile Weise mit Themen der Entdeckung des Erwachsenwerdens in Songs wie „Fake“, „Baptize“ und „Grown“ spielte – bewegt sich „Ungodly Hour“ sicher in entschieden erwachsenes Gebiet, oft mit auffallend spezifischen Begriffen. “I’m gonna make no apologies/If you lose a life that’s not on me,” want sie vor einem möglicherweise nicht guten Mann in „Tipsy“, während „Busy Boy“ durch eine byzantinische Matrix romantischer Intrigen navigiert: “It’s nine o’clock/I get a text sayin’, ‘Are you up?’/ ‘Bout 9:15/My girl said she got the same message, same thing/A few days, yeah, we’re cool/Then you disappear like I’m a fool/You told me that you with your family/ My girl saw you with someone, leavin’ the party.” Es ist die Art von Erfolg, von der die meisten aufstrebenden jungen Künstler nur träumen können – obwohl Ruhm, wie sich herausstellt, keine sichere Sache ist: Die meisten Singles der Geschwister haben es bisher

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nicht geschafft, in die Top 100 einzusteigen. „Ungodly Hour“ scheint das wohl nicht zu ändern, aber es ist zweifellos anspruchsvoll: gestapelt mit der Art sauberer Harmonien und sanft synkopierten R&B, die sich bescheiden an unsere Ohren anschleichen. Chloe und Halle grübeln über den Druck ihres neu gefundenen Ruhms: “Holdin’ my breath ‘til my face turns blue / Head under water / Breathe deeply, they said / I need a weekend again”. Im Widerspruch zum ansonsten schnellen Sound der Platte spricht dieser Moment der Verletzlichkeit für die Stärke des Duos in seiner Zweisamkeit – ein Thema, das auf dem Titeltrack des Albums am deutlichsten zum Ausdruck kommt: “When you decide to love yourself / When you decide you need someone / When you don’t have to think about it / Love me at the ungodly hour”. Das Lied fungiert sowohl als schwüle Einladung als auch als gestärktes Selbstbekenntnis und ist ein klarer Aufruf Ihrer Talente, die in „Ungodly Hour“ mit voller und unerbittlicher Kraft durchschlagen. 8/10 R&B

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Baauer

PLANET’S MAD

Künstler wie Skrillex, Knife Party und Baauer näherten sich zu Beginn des letzten Jahrzehnts dem Dubstep wie eine Fahrt durch einen Themenpark an: widerlich, knallig und voller Farben. Bis 2015 war die Fahrt vorbei. Der maximalistische Dubstep wurde durch die ausgefeilte Raffinesse von The Chainsmokers ersetzt und Skrillex packte seine Koffer und ging hinter die Regler von Ed Sheeran, The Weeknd und Lady Gaga. Wenn es jedoch eine Person gibt, die diese Ära mit Anmut überlebt hat, dann ist es Baauer. Seine Reise im letzten Jahrzehnt begann mit einer der ersten wirklich viralen Singles der Streaming-Ära – „Harlem Shake“, die Videos von Gruppen von Menschen enthielt, die auf anfallsartige Weise zu seinem Track tanzten. Es gab keinen wirklichen Weg, diesen zufällig entstandenen Erfolg zu wiederholen, aber er versuchte es mit seinem 2016er Album „AA“, auf dem mit Leuten wie Pusha-T, Future, G-Dragon, M.I.A. und anderen eine bombastischen Sammlung an Songs hervorgingen. Er ist oft ziemlich leise in Bezug auf die Veröffentlichungen zwischen den Alben, aber jetzt ist er mit „PLANET’S MAD“ zurück und es ist nichts Ruhiges daran zu finden. Es ist ein wenig seltsam, wenn eine so laute Platte mit Live-Musik im Stillstand herauskommt. Wenn es jedoch ein Album gäbe, das so klingt, als wäre ein großer Rave auf einem Feld, dann ist es „PLANET’S MAD“. Die maximalistische Produktion mit dröhnenden Drums, schleifenden Synthesizern,

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Gitarren und Echo-FX macht dies perfekt, um sich von verschiedenen Sofas, Betten und Wänden zu werfen. Es genießt oft Momente des puren Chaos, wie im schweren und großen Techno zu „HOT 44“ oder die Tribal Drums auf „YEHOO“, die zu den Bildern des dazugehörigen Albumfilms passen, in dem ein außerirdischer Planet auf die Erde kommt und unseren übernimmt. Es ist eine chaotische Fusion, aber der Soundtrack passte genau zu dem, was hier passiert. Energetische Samples sind durchgehend großzügig gewebt und wurden neben den riesigen Beats auf eine Art und Weise positioniert, die oft an den Hip-Hop-favorisierten Big Beat der 90er Jahre der alten Schule erinnert. Es ist eine Mischung, die manchmal hervorragend zusammenkommt, aber anderswo ist es schwer, diese überhaupt wahrzunehmen, als würden wir eine potenziell umfassendere künstlerische Vision verpassen, die aus unbekannten Gründen reduziert wurde. Indem letztlich Ideen aus dem Dubstep aufgegriffen und erweitert wurden, hat eine der Ikonen dieser halb geliebten, halb verspotteten Ära eine Art Zeitkapsel erschaffen. Es ist auch eine absolute Tour de Force eines äußerst talentierten Produzenten, der immer stärker wird. 7/10

ELECTRONIC - DUBSTEP

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Black Eyed Peas Translation

Auf dem neuem Album der Black Eyed Peas bieten die Rapper will.i.am, apl.de.ap und Taboo eine Mischung aus Hip Hop, Pop, Dance, Reggaeton und Trap – mit Beiträgen unter anderem von Shakira, Tyga, Nicky Jam, Becky G und French Montana – um nur ein paar wenige zu nennen. Es ist erschöpfend dahingehend, dass 10 Jahre vergangen sind, seit Fergie mit den Black Eyed Peas Ihre größten Erfolge erzielt hat. Die prahlerische Gesangspräsenz, die dazu beitrug, Black Eyed Peas in den Pop / EDM-Markt zu katapultieren – wirkte sich ebenso negativ in den folgenden Jahren auf die eigene Karriere von Fergie aus, die ohne Gründungsmitglied, Songwriter und Produzent will.i.am spätestens mit dem zweiten Album zu einer zweitklassigen Gesangskonkurrentin wurde. Aber das ist nicht Fergie’s Geschichte und in gewisser Weise war es auch zu Beginn nicht die Ihrige. Sie tauchte in das Leben des Rap-Trios ein und profitierte von der erfinderischen Strategie, die einst diese Band umhüllte. Das Trio wollte aber auch nicht ohne weiblichen Gesangspart weitermachen und besorgte sich mit J. Rey Soul eine brandneue Sängerin. Beginnend mit dem letzten Album, wurde sie jedoch nicht zum Vollmitglied ernannt. Aus diesem Casting-Namen ging allerdings eine weibliche Präsenz hervor, die eine zusätzliche Färbung im Regenbogen der Black Eyed Peas hinzufügen konnte. Es ist ein Prisma, das auf dem brandneuen Album „Translation“ viele zusätzliche Töne und Aromen als erwartet aufweist. Als einer der vielen optimistischen Tracks auf diesem Album ist „Ritmo“ das am meisten gestreamte Lied und meistgesehene Video der Black Eyed Peas. Der Song wurde im Oktober 2019 als erste Single für den Soundtrack des Films Bad Boys For Life veröffentlicht und zeigt den kolumbianischen Sänger J Balvin am Mikrophon. „Ritmo“ vermischt „Rhythm of the Night“ von Corona und verwandelt den 80er-Jahre-Tanzklassiker in einen futuristischen Reggaeton. „Feel The Beat“ ist eine der diesjährigen Sommerhymnen und eröffnet mit einem Sample von Lisa Lisa & Cult Jam’s

„Can You Feel The Beat“. Die Black Eyed Peas arbeiten hier mit dem kolumbianischen Singer-Songwriter Maluma zusammen, der seinen Gesang sanft über eine aufregende, rhythmische Basslinie legt, während diese in den nächsten Track „Mamacita“ übergeht. In „Girl Like Me“ kehrt Shakira zurück und leiht dem Song Ihre Stimme. Ein Highlight dieses Albums. Getragen von einer Reihe lateinamerikanischer Percussions, folgen lyrische Verweise auf Shakira’s „Hips Don’t Lie“: „So they tell me you’re looking for a girl like me“. Das neue Album markiert einen Wendepunkt in der Karriere der Black Eyed Peas. Sie hatten seit 2011 keinen Erfolg mehr, aber 2019 konnte „Ritmo“ (Bad Boys for Life) sie wieder an die Spitze katapultieren. Für „Translation“ haben die Black Eyed Peas den Sound übernommen, der derzeit die Latin-Charts dominiert und Reggaeton, Trap, Hip-Hop und Dance vermischt. 10 der 15 Titel des Albums enthalten Features und oft bedeutet dies, dass ein Künstler dabei seine Identität verliert. Auf „Translation“ ist das über weite Strecken nicht der Fall und erhält den eigenen Sound der Gruppe, ohne diesen zu überwältigen. Wenn man letztlich Kritik üben möchte, dann gibt es nicht viel zu bemängeln, da es die beste Arbeit seit „Elephunk“ aus dem Jahr 2003 ist. Nur gelegentlich fehlt der natürliche Ausdruck der Liebe zum Latino-Multikulturalismus, da Songs wie „I Woke Up“, „Get Loose Now“ und „Todo Bueno“ – obwohl eingängig und knallig – sehr gezwungen und auf den Markt zugeschnitten klingen. 7/10

DANCE - HIP HOP - EDM

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John Legend Bigger Love

Nachdem die Black Eyed Peas mit einer Fülle an Gästen Ihr neues Studioalbum dieser Tage veröffentlicht haben, versucht auch John Legend sein Glück in dieser Richtung und lud für sein neues Album „Bigger Love“ unter anderem Jhené Aiko, Camper, Gary Clark Jr., Koffee und Rapsody ein. Mit „Darkness and Light“ aus dem Jahr 2016 schien John Legend bereit zu sein, die dornige Seite der Liebe anzupacken. Er wandte sich von den sirupartigen, hochzeitsfertigen Liebesliedern ab, die seine Karriere definiert haben, und ging die Romantik als eine Kraft an, mit der man verhandeln sollte. Die Ergebnisse dieser Platte fehlen jedoch in seinem siebten Album „Bigger Love“. Wenn überhaupt, hat Legend’s Trostlosigkeit zu einer Überkompensation von verliebten Andachten geführt. Da können auch seine zahlreichen Gäste nur wenig zur Verbesserung beitragen. John Legend’s musikalische Tragweite ist zweifelsohne ein Beweis für sein großes Talent, aber sein Anspruch darauf, alles zu tun, bedeutet, dass seiner Arbeit manchmal ein gewisser kultureller Einfluss fehlt. Kurz gesagt, das neue Album „Bigger Love“ wird das nicht ändern, aber es hat sicherlich so manch überzeugenden Moment. Dominiert von diesem samtigen Tenor, ist es eine Platte, die John Legend’s Persönlichkeit in den Vordergrund rückt und in besagten Momenten für ein unglaublich freches und seelenvoll funkelndes Hörerlebnis sorgt. „Ooh Laa“ beginnt mit diesen wunderschönen Doo-Wop-Bewegungen, während das nächste Lied „Actions“ sich in die entgegengesetzte Richtung dreht und dasselbe David Axelrod-Sample verwendet, das „Still D.R.E.“ im letzten Jahrhundert angetrieben hat – jedoch auf eine etwas ruhigere, zweifellos sicherere Weise. Es ist dieser Widerspruch, der „Bigger Love“ oft zu einer frustrierenden Erfahrung macht. Wenn die Tracks auf Nummer sicher gehen, ist John Legend in vollem Gange und zeigt seine unbestreitbare Vielseitigkeit – aber es kann auch so aussehen, als würde es nur dem eigenen Alibi dienen und der Breite wegen

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größer klingen, als es eigentlich der Fall ist. Es überrascht nicht, dass für eine von Liebe dominierten Platte die Höhepunkte von „Bigger Love“ einige fantastisch gut ausgewählte weibliche Merkmale beinhalten. Koffee’s Aufbrausen im Chill-Dancehal von „Don’t Walk Away“ zeigt, dass Legend immer noch für einen Platz am Pop-Tisch berechtigt ist, während Rapsody’s stattliche Herangehensweise an „Remember Us“ den Klassizismus von John Legend’s Stimme perfekt ausgleicht. Das Ironische ist, dass er weiß, dass ein 16-Track-Album mit Liebesliedern für seine Frau zu viel ist: “She don’t want it. She don’t need it“. 6/10

POP - R&B

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Arca

KiCk i Fast ausschließlich auf Spanisch gesungen, ist das neue Album von Arca sowohl ein Exorzismus als auch eine Begrüßung Ihrer Geister. Alejandra Ghersi hat ihren Wunsch deutlich gemacht, so viele Dinge wie möglich gleichzeitig zu sehen, Freude an jeder Ebene der Existenz zu finden und „KiCk i“ ist der Klang der Menge des Lebens, ein Soundtrack zum Auflösen der Barrieren, die uns einst definiert haben. Um die Menge zu beschreiben, die dieses Album enthält, benutzt sie ihre gesanglichen Fertigkeiten. Die Gesänge auf „KiCk i“ sind entweder hart oder ätherisch, die Synthesizer klingen wie aus den Wolken geschnitten und Ghersis markantes klirrendes Schlagzeug erinnert an Rüstungen, aber auch an die Risse darin. Die gummiartigen, rasselnden Beats von „Rip the Slit“ könnten nicht weiter vom anmutigem und schwerelosem Electro-Pop von „Time“ oder den gespenstischen, Arca-ähnlichen Tönen von „Calor“ entfernt liegen. Doch die Extreme an Stärke, Verletzlichkeit, Aggression und Faszination vereinen sich in einer Harmonie, die jeden Teil ihrer Musik zum Leuchten bringt. Auf „Mequetrefe“ behauptet sich eine zarte Melodie, wenn ein Reggaeton-Beat gigantische Ausmaße erreicht und Ghersi einen abfälligen spanischen Begriff als Schlagwort für die revolutionäre Art der Männlichkeit zurückerobert. Sie geht noch weiter auf dem polternden „Riququi“, wo sie verschiedene Sprachen und Stile zerschmettert und sie als etwas Neues auferstehen lässt. Bei ihren frühen Veröffentlichungen war Arca anonym, dargestellt durch die groben und schönen Avatare von Jesse Kanda, deren Mixtapes manchmal nur durch Symbole benannt wurden. Es war eine dramatische Wandlung, als Arca auf Ihrem dritten selbstbetitelten Album zu singen begann.

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Auf „KiCk i“ ist ihre Stimme klar und gemeinsam mit diesem atemberaubenden Albumcover – ist sie wirklich im Zentrum Ihrer kreativen Schaffenskunst angekommen. Wie bei FKA Twigs ist es inspirierend zu sehen, wie sich eine Künstlerin, die das letzte Jahrzehnt begonnen hat, sich durch ihren Außenseiterstatus definiert und sich zwischen mehreren Mysterien versteckt hielt, nun so stolz präsentiert. Der Eröffnungssong „Nonbinary“ ist eine brandneue Richtung, ein Rap mit Maschinengewehrschüssen und schwerwiegenden Prahlereien. “Bitch, I’m special, you can’t tell me otherwise / That’d be a lie / Who do you think I am? / It’s not who do you think you’re dealing with, no / ‘Cause you’re not „dealing with” / There’s no deal”. Ihr neues Album macht durchweg Spaß, daher ist die Tatsache, dass es sich immer noch wie ein Anti-Höhepunkt anfühlt, nur ein Beweis für Arca’s Geschichte der Tapferkeit und Originalität. Arca hat sich ein seltenes Björk-Feature auf ihrer Platte verdient, aber „Afterwards“ wäre ein ebenso unauffälliger Song auf einem Björk-Album gewesen. So wirkt dieser Song leider einfach nur frustrierend. Schade. Für Ablenkung davon sorgen allerdings die meisten anderen sehr überzeugende Songs hier, die uns mehr über die Frau erzählen, die so kühn auf dem Cover des Albums steht. 8/10 ELECTRONIC

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ananagun ist eine lebhafte fünfköpfige Combo, deren Arrangements mit den Klängen von Vintage Tropicália, Afrobeat, Garage Rock und Sunshine Pop verwoben sind. Der Opener „Bang Go The Bongos“ ist der Himmel Brasiliens, „The Master“ ist ein ultra-cooles Freakbeat-Monster, „Freak Machine“ verbindet Funkadelic-Beats mit ätherischen Harmonien und „Out Of Reach“ ist das Versprechen eines bevorstehenden Morgens, Retro, aber auch zeitlos, gleitet es durch verschiedene Genres, durch verschiedene Generationen, um etwas unumstößlich Lebensbejahendes zu formen. „The True Story of Bananagun“ ist mehr als nur ihr Debütalbum. Es ist eine Einführung in das erste Projekt der Gruppe, als komplette fünfköpfige Band zu schreiben und aufzunehmen. Ihre Songs entwickeln sich mit einer jazzigen Instrumentalstruktur, die sich in einer dringenden Lebendigkeit bewegt und über die 11 Tracks nie nachlässt – mit Ausnahme von „Bird Up!“ – einem 90-Sekunden-Zwischenspiel aus exotischen Vogelstimmen und Bongo-Beats, die als Zwischenspiel für die zweite Hälfte der Platte dienen. Ein Großteil des Klangs und der Ästhetik hinter „The True Story of Bananagun“ scheint nicht mehr zeitgemäß zu sein. Es ist wie ein verlorenes Album aus den 60er oder 70er Jahren, das aus einer Zeitkapsel ausgegraben wurde, oder aus einer umfangreichen Vinylsammlung, die auf dem staubigen Dachboden eines älteren Hippies darauf wartet entdeckt zu werden. Aber es ist auch dieses Gefühl unverschämter Freude und überschwänglichen Glücks, das Bananagun so wichtig macht. Nehmen wir „She Now“ mit seinem klirrenden Psychopop voller George Harrison-Soli aus der Revolver-Ära, oder der flötengetriebene Barock auf „Perfect Stranger“. Nehmen wir auch das straffe, drahtige Gitarrenriff während „Mushroom Bomb“, das gegen einen seltenen Ausbruch lyrischer Paranoia spielt und in exquisite Popmelodien gebettet wurde. Angesichts ihrer Inspirationen ist es keine Überraschung, dass Bananagun einen großen Schwerpunkt auf Rhythmus und Percussion legen. Die Komplexität des Songwritings reicht von kreisförmigen Jam-Songs bis zu nuancierterem melodischem Pop. Wie so viele psychisch inspirierte Bands des 21. Jahrhunderts lehnen sich Bananagun sehr stark an ihre Liebe zu einer ganz bestimmten Ära an. Aber sie haben dennoch eine überaus lustige Platte kreiert, die mit viel Liebe und handwerklichem Geschick in all seiner funkigen, jazzigen, aufgeregten Pracht unbedingt gehört werden sollte. 9/10

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INDIE ROCK - AFRO BEAT

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est. 09 www.mariastacks.de

VORSCHAU

DIE GESCHICHTE VON

Ausgabe 04/2020

MariaStacks N°03/2020

Articles inside

John Legend – Bigger Love138

Black Eyed Peas – Translation

Baauer – PLANET’S MAD

Chloe x Halle – Ungodly Hour

Bob Dylan – Rough And Rowdy Ways

Emilie Nicolas – Let Her Breathe

Jessie Ware – What’s Your Pleasure?

Noveller – Arrow

Orlando Weeks – A Quickening

GoGo Penguin – GoGo Penguin

Larkin Poe – Self Made Man

Norah Jones – Pick Me Up Off the Floor

Hinds – The Prettiest Curse

No Age – Goons Be Gone

Naeem – Startisha

Sports Team – Deep Down Happy104

Buscabulla – Regresa

Brigid Mae Power – Head Above The Water

Freddie Gibbs & The Alchemist – Alfredo

Run The Jewels – RTJ4

Muzz – Muzz

Jaime Wyatt – Neon Cross

Nicole Atkins – Italian Ice

Lady Gaga – Chromatica

2nd Grade – Hit to Hit

Sébastien Tellier – Domesticated

Icky Thump (2007

Deerhoof – Future Teenage Cave Artists

White Blood Cells (2001

Get Behind Me Satan (2005

Elephant (2003

De Stijl (2000

The White Stripes (1999

Katie von Schleicher – Consummation

Duñe x Crayon – Hundred Fifty Roses

The 1975 – Notes on a Conditional Form

Carly Rae Jepsen – Dedicated Side B

Steve Earle & the Dukes – Ghost Of West Verginia

Retirement Party – Runaway Dog

Badly Drawn Boy – Banana Skin Shoes

The White Stripes: die Jahre 1997 - 2011