Galería Nora Fisch @ arteBA | Stand C9

MAYO 24–27. 2018 Sección Principal | Stand C9

AMADEO AZAR

ELBA BAIRON

ALBERTO GOLDENSTEIN

FERNANDA LAGUNA

LUX LINDNER

ROSANA SCHOIJETT

Cabinet GNV Group: ADRIANA BUSTOS Fundación Banco Ciudad: SILVIA GURFEIN

OBRAS SELECCIONADAS

ALBERTO GOLDENSTEIN Alberto Goldenstein (N. 1951) es una de las figuras fundamentales de la fotografía contemporánea en Argentina. Su novedosa aproximación al medio, la plasticidad de su uso del color y su forma de capturar lo cotidiano, los paisajes urbanos circundantes y las personas, convierten a su cámara en la extensión de su subjetividad.

En la década de los noventa, fue una figura central en la escena artística que surgió en Buenos Aires en torno al Centro Cultural Rojas (El Rojas), un momento clave en el desarrollo de arte local, basado en lo espontáneo, lo emocional, la belleza y la riqueza que se encuentran en la cultura de todos los días. Un período del arte argentino que ahora se revaloriza y se investiga desde la historia del arte con una serie de exhibiciones en instituciones como la Fundación Fortabat y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires donde Goldenstein tiene una muestra retrospectiva que se puede ver hasta el 27 de mayo.

En arteBA, se presentan una serie especial y única: las 12 impresiones analógicas originales (copias únicas directo de negativo) de su emblemática serie Mar del Plata, realizadas durante los años 2000-2001, un retrato de una ciudad, y a través de esta de un pais, siendo Mar del Plata la sede de sus utopias, que aparecen condensadas en la lente y la mirada única de Goldenstein.

ALBERTO GOLDENSTEIN. Sin título, de la serie Mar del Plata,2001 C-print, 27 x 35,5 cm, c/u Edición de 1, única copia directa del negativo.

Otras 5 ediciones digitales disponibles

ALBERTO GOLDENSTEIN. Sin título, de la serie Mar del Plata,2001 C-print, 27 x 35,5 cm, c/u Edición de 1, única copia directa del negativo.

Otras 5 ediciones digitales disponibles

ALBERTO GOLDENSTEIN. Sin título, de la serie Mar del Plata,2001 C-print, 27 x 35,5 cm, c/u Edición de 1, única copia directa del negativo.

Otras 5 ediciones digitales disponibles

ELBA BAIRON Nació en La Paz, Bolivia en 1947 y reside en Buenos Aires desde 1967. Es una de las grandes escultoras de Argentina. En los años 80 comenzó a exhibir su obra y a colaborar con figuras del teatro underground creando elementos escenográficos. A partir de los 90 realiza relieves, esculturas y piezas de volumen. La obra de Bairon se caracteriza por la sutileza y precisión, como escribió Sofía Dourron, curadora de su muestra individual en el Museo de Arte Moderno en 2017, su obra existe en un tiempo detenido, congelado en el preciso instante cuando alcanza el equilibrio perfecto entre tensión y serenidad.

Jugando con las tradiciones de la escultura clásica y modernista, son obras que resisten el lenguaje, llaman al silencio.

Bairon ha desarrollado un procedimiento particular para construir sus esculturas, utilizando una mezcla de pasta de papel, polvo de mármol y estuco que aplica en capas sucesivas y va lijando hasta obtener la forma exacta. La obra es el resultado de este proceso, en donde las formas que remiten a la escultura clásica europea aparecen en estado de disolución, como si se estuvieran fundiendo y desapareciendo o, por el contrario, emergiendo.

Bairon ha tenido muestras individuales en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA, 2013), en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA, 2017). En 2012 recibió el Gran Premio Nuevos Soportes e Instalaciones del Salón Nacional y el Primer Premio Federico Klemm a las Artes Visuales. Su obra esta representada en las colecciones del Fondo Nacional de las Artes, Museo Nacional de Bellas Artes, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), Museo de Ate Contemporáneo de Rosario; Museo de Bahía Blanca; Museo de Arte Moderno (MAMBA) y en numerosas colecciones particulares. En 2018 participará en la Bienal de San Pablo, Brasil.

ELBA BAIRON. Sin tĂ­tulo Pasta de papel, polvo de marmol, estuco, 160 x 100 x 40 cm. EdiciĂłn 1/1. 2017.

Exhibida en la muestra individual de Elba Bairon en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Octubre 2017

ELBA BAIRON. Sin título (Abstractas) Vista de instalación

ELBA BAIRON. Sin título (abstracta n°3) Pasta de papel y estuco, 57 x 6,5 x 21,5 cm. Edición 1/3. 2016

ELBA BAIRON. Sin título (abstracta n°3) Pasta de papel y estuco, 25 x 75 x 18 cm. Edición 1/3. 2014

FERNANDA LAGUNA Fernanda Laguna (n. Hurlingham, 1972) descripta como “...indudablemente una de las artistas visuales más interesantes de las Américas” (Artforum, diciembre 2012) y como “quizás la artista que en su generación ocupa con mayor fuerza el lugar de mito” (Otra Parte #28, Buenos Aires), es una de los artistas más influyente de su generación por su práctica multidisciplinaria que se centra en el lo visual pero incluye la literatura y la gestión cultural. En 2001 co-fundó Belleza y Felicidad, un espacio de exhibición y de encuentro que marcó un antes y después en el desarrollo del arte en Buenos Aires.

Luego trasladó Belleza y Felicidad a Villa Fiorito, un barrio precario en las afueras de Buenos Aires, donde hace más de una década viene desarrollando un programa de educación por el arte para los jóvenes de la zona y un centro de activismo feminista a través de proyectos artísticos.

Su obra está cruzada por varios temas recurrentes: el deseo, lo lúdico, la irracionalidad; cuestiones de género; la revalorización de lo artesanal, de materiales e iconografías de la vida cotidiana argentina, del gesto casual, femenino y espontáneo y al mismo tiempo el interés en tradiciones de la pintura clásica, como la abstracción geométrica o la pintura metafísica.

En el 2017 obras de Laguna fueron exhibidas en Los Angeles County Museum of Art en el contexto de Pacific Standard Time LA/LA. En 2018 participará de la bienal Site Santa Fé, USA y su obra será incluida en la siguiente edición de Take me, I'm Yours curado por Hans Ulrich Obrist en Villa Medici, Roma. También tendrá su primera muestra individual en una galería de Londres.

En arteBA Fernanda hará una instalación de obras recientes. Estas incluyen nuevas obras de la serie Formas abstractas parecidas a algo, caracterizada por formas negras ubicadas contra extensos horizontes metafísicos que actúan como personas (fuman, lloran, se enamoran) y por los tajos y recortes en la tela, que nos recuerdan que el universo de lo real siempre atraviesa la obra. También la artista presenta una serie de nuevas pinturas en formato deliberadamente pequeño, auto-referenciales y con gran intensidad emocional, y algunas obras realizadas a comienzos de los 2000, en la época de belleza y felicidad.

Obras de Fernanda Laguna se encuentran en las colecciones del Museo Guggenheim, New York; Los Angeles County Museum of Art (LACMA); Centro de Arte Museo reina Sofía (a través de donación de l colección Patricia Phelps de Cisneros, New York); CA2M, Madrid; The Related Group, Miami; Fundación Banco Supervielle, Buenos Aires; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA); Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) y numerosas colecciones privadas.

FERNANDA LAGUNA. Adios Díptico. Acrílico sobre tela calada, 59 x 107 cm. 2018

FERNANDA LAGUNA Escribime pronto AcrĂ­lico sobre tela y collage 53 x 31 cm 2017

FERNANDA LAGUNA En mi cabeza AcrĂ­lico sobre tela y collage 68 x 37 cm 2018

FERNANDA LAGUNA Llorar mucho AcrĂ­lico sobre tela y collage 70 x 29 cm 2018

AMADEO AZAR

(N. 1974) Azar explora el legado de los lenguajes visuales del modernismo —la abstracción, el constructivismo, la arquitectura y el diseño modernista— en tanto éstos encarnaron una visión idealista y esperanzada del futuro. Investigar las formas que surgieron en el siglo XX, y cómo se articularon en Latinoamérica, es su manera de mirar cómo el pasado miraba el futuro para entender el presente. En el mundo de Azar, entre la utopía y la distopía está el juego y el humor. Su elección de la acuarela o el óleo trabajado como si fuera acuarela no es casual, dadas las connotaciones de vulnerabilidad y fugacidad asociada a su transparencia.

Su obra encuentra en las colecciones de Deutsche Bank, New York; Cleveland Clinic Art Program, Cincinatti; The Related Group, Miami; Banco Supervielle, Buenos Aires y en prestigiosas colecciones privadas. Ha sido exhibida internacionalmente, incluyendo en el Drawing Center y Queens Museum, Nueva York; MACRO, Rosario; Trienal Coup de Ville en Bélgica; MAMBA y C. C. Recoleta, Buenos Aires y en galerías en México D.F., Panamá, Rio de Janeiro, Madrid, y Miami. Actualmente participa en la muestra "Latinoamérica: volver al futuro", curada por Federico Baeza.

AMADEO AZAR Serie Volca. 2017-2018 Acuarela sobre papel y collage. 56 x 48 cm c/u.

AMADEO AZAR. La página, Las voces. 2018 Díptico, Óleo sobre papel, 140 x 200 cm.

AMADEO AZAR. La pรกgina, Knob 3 2018 Cerรกmica esmaltada, รณleo sobre papel, acuarela sobre papel, soporte metal, 160 x 16 x 25 cm

LUX LINDNER Lux Lindner (N. 1965) es una figura emblemática de la escena artística de Buenos Aires de las últimas dos décadas. Su producción visual gira en torno al dibujo: dibujo técnico, dibujos animados, cómics. Aún en sus pinturas y videos, la impronta del dibujo sigue presente. Lindner es un erudito especializado en la historia social, la literatura y la música de la Argentina, todas sus obras, aun bajo el disfraz de crípticas o surrealistas, están fuertemente codificadas con referencias a situaciones políticas, sociales, culturales y personales, su mirada tiene humor pero también intensidad y franqueza emocional.

En el 2013, el MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires) adquirió más de 120 de sus dibujos desarrollados entre 1989 y 2013. Lindner también ha curado exhibiciones, entre ellas Lo contrario de la magia en MALBA, y ha escrito y actuado en performances y obras de teatro. Su obra ha sido exhibida extensamente, en MALBA, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), en la 13 Bienal de Estambul, entre muchas otras instituciones

LUX LINDNER. Amerikorps, 2018 Tinta sobre papel. 35 x 50 cm.

LUX LINDNER Provida Prodolar Tinta sobre papel 50 x 35 cm 2018

ROSANA SCHOIJETT (N. 1969) Fotógrafa, ha realizado numerosos proyectos basados en la toma fotográfica directa que han sido exhibidos, publicados y han recibido distinciones. Sin embargo en años recientes ha cambiado su abordaje al medio, reivindicando una materialidad diferente para la fotografía, alejada de lo digital. Schoijett encuentra libros de fotografía vintage, de los años 60 o 70, con su impresión cuidadosa sobre papel aterciopelado. Utilizando varias copias del mismo libro, recorta sus páginas laboriosamente y arma collages cosidos a mano que le proveen un particular efecto tridimensional. Cada collage pasa a formar parte luego de polípticos articulados, que permiten observar el reverso de cada página y exponer el proceso. Los temas habituales de los libros eran el paisaje o la historia del arte, en las construcciones de Schoijett se transforman en naturalezas fantásticas que enaltecen al libro como fetiche del mundo analógico.

Schoijett participó en la Beca Kuitca 2003-2005, ha expuesto en el el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), Museo Nacional de Bellas Artes, el Premio Braque 2015, el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), el Centro Cutural Montbeliard, Francia, Winazvod Centre for Contemporary Arts, Moscú, Centro Fotográfico Manuel Alvarez Bravo, México, entre otros. Ha recibido el Primer Premio del Fondo Nacional de las Artes, entre otros reconocimientos.

ROSANA SCHOIJETT. Collage #108 (Los continentes, Seix Barral, 1965).

Retablo, polĂ­ptico, collage, papel, hilo, bisagras. 33 x 83 cm. 2018.

ROSANA SCHOIJETT. Collage #109 (Los continentes, Seix Barral, 1965).

Retablo, polĂ­ptico, collage, papel, hilo, bisagras. 33 x 83 cm. 2018.

CABINET: ADRIANA BUSTOS

La Máquina de Visión La Maquina de Visión es un concepto de lectura, de visión, que intenta encontrar puntos de vista para relocalizar un horizonte o detectar referencias de lectura del difuso panorama de la realidad contemporánea. En este sentido este proyecto incluye líneas investigativas de mis trabajos previos: "Antropología de la Mula" y "Recursos" (en referencia a las rutas coloniales, al tráfico de drogas, a los recursos humanos y naturales), "Positivismo-mágico" ( que investiga la imposición de un modelo científico europeo, blanco y patriarcal) , "Quién dice qué a quién" (es un ensayo sobre el endopolizaje, el autocontrol individual en lugar del control social y la construcción de cuerpos compatibles con el imperio)" El retorno de lo reprimido" (versa sobre el trafico de esclavos yla biologización de la desigualdad).

Formalmente consiste en dos tipos de displays que conforman una instalación con acuarelas, dibujos y fotografías.

Adriana Bustos

SILVIA GURFEIN

Teoría de la pintura estrellada Fundación Banco Ciudad

(…) A través de métodos poéticos que no reniegan de su base científica, pero que se ubican en un umbral diferente, Gurfein examina la pintura hasta penetrar en sus entrañas. La disecciona, la deshace, la re-ensambla, la volatiliza para luego registrar sus estados y reunirlos en los dispositivos que toman cuerpo en los Sudarios, Vapores, Huellas y Barros. Memorias de la pintura, vestigios de vidas anteriores, marcas de un cuerpo desintegrado.

Jimena Ferreiro curadora

GalerĂ­a Nora Fisch | Avenida CĂłrdoba 5222, Buenos Aires, Argentina | (+54.911) 6235.2030 | contact@norafisch.com | www.norafisch.com