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141 Director: Gustavo A. Ortiz ~ Investigación: Carlos E. Pérez ~ Bogotá, Octubre de 2009

“PÓRFIDOS”

HUGO ZAPATA

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scultor interesado en las relaciones particulares que se generan a partir de los procesos específicos aplicables en la transformación de los materiales no renovables de la naturaleza. La piedra, el mineral, la tierra, la vegetación, todos estos agentes pasan por el corte y la disección estética en orden de una nueva individualización o un nuevo agrupamiento. Se le ve transformando las rocas y las enormes lajas, segmenta geométricamente para así descubrir los complicados matices y variadas texturas que el paso del tiempo ha tatuado en los litos prehistóricos. En aprovechado uso de la tecnología degusta el trabajo físico con algunos metales, con preferencia por el hierro que combina con el vidrio. Con gran destreza diseña recorridos paisajísticos, dibujados con sinuosos caminos formados por grupos de árboles que demarcan grandes zonas agrestes y acuíferas, enormes marcas pintadas atrapan extensas áreas agrestes así como conjuntos líticos emergen del oleaje del mar en un sensual juego con las mareas. “Pienso que mi trabajo sólo es posible por la convivencia permanente con los seres y elementos que conforman mi entorno, cada sonido, cada presencia, cada material que me permite interactuar, comulgar con algo que puede transformarse y materializarse en un asunto nuevo, con memoria y energías propias.

Las huellas, los signos, los códigos sin descifrar, son talvez los elementos que más motivan mi actitud indagadora e interrogante, orientada a construír esas cosas aparentemente materiales pero realmente inexistentes, como entes precisos y solucionados que se presentan difusos, brumosos, no aprensibles, sin verdades, a pesar de que su peso sin forma y carácter los ubique en la realidad. Considero que esa es la verdad que los anima, que los hace permanentes y vitales. “Pórfidos” es el título de la obra instalada en la plaza de banderas y que consiste en la alineación hacia la salida del sol de 16 piezas de corte vertical en piedra basáltica sobre un muro de cemento. Basándose en las relaciones del hombre con la propia naturaleza, se resaltan los vestigios del pasado que como su título sugiere prepondera la permanencia milenaria del paisaje y sus improntas trascendentes.

El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: l Jaramillo,

Beatriz. Territorios de geometrías en Colombia, folleto Galería Garcés Velásquez, Bogotá 1993. l Reyes, Elizabeth. Zapata, escultor del paisaje. Artículo suplemento Dominical del Tiempo, 7 de Marzo 2007.

a Tebaida, Quindío 1945. Durante los años 1963-66 estudia artes plásticas en la Universidad de Antioquia. Se gradúa como arquitecto en la Universidad Nacional de Medellín en donde además colabora como profesor fundador de la carrera de Artes Plásticas. Desde 1975 interviene en diversas exposiciones colectivas e individuales que lo han llevado a ser registrado como uno de los escultores más reconocidos del país. Tiene en su récord expositivo participaciones tales como: “los novísimos colombianos en Carácas, Venezuela” (1977), época en la que se perfila como un artista valioso para ser invitado a una muestra importante. En 1990 realiza la exposición “Colombia en Francia” junto al también escultor Fernando Peláez, a la par hace el montaje de “Apropiación del paisaje” en el Museo de la Universidad Nacional de Bogotá. Muchas de sus obras han sido ubicadas en el espacio público, se destacan los “Pórticos” en la vía hacia el aeropuerto José María Córdova de la ciudad de Medellín y “Pirámides de Indias” en la ciudad de Cartagena. En 1989 obtiene el Primer Premio en el XXXII Salón Nacional de Artistas Colombianos en Cartagena y el Premio Escultura en el concurso Riogrande II de las Empresas Públicas de Medellín.

FICHA TÉCNICA PÓRFIDOS Hugo Zapata Basalto Dim. Variables 2009 C-135


142 Director: Gustavo A. Ortiz ~ Investigación: Carlos E. Pérez ~ Bogotá, 2009

“TUERCAS DE ESPIRAL”

JIM AMARAL

alifornia, 1933. Se radica en Colombia hacia el año 1957. Realiza estudios intermedios en la Universidad de Stanford, en donde se gradúa como Bachiller en Artes en 1954. En el año de 1955 viaja a Bloonfields Hills (Michigan) en donde realiza un postgrado en la Academia de Artes Cranbook. Vienen en su vida un sin número de viajes que lo llevan por diferentes regiones y países entre los que se encuentran los Estados Unidos, Colombia y Europa. Es cuando empieza a acumular su enorme record de exposiciones en galerías, museos y salas culturales de pueblos y ciudades, con un periplo que arranca en la Vorpal Gallery de San Francisco en la que expone con una serie de dibujos como su primera individual. El Museo de Bellas Artes de Carácas realiza una muestra del artista junto con la obra de su esposa, la también artista reconocida Olga de Amaral en 1966. En 1976 realiza una itinerante por las ciudades de Estocolmo, Milán, Venecia, Bruselas, París y finalmente en Bogotá. En los años 90s se reduce su espacio expositivo que se centra especialmente en Los Estados Unidos, México, Argentina y Colombia. En 2004 la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República de Colombia realiza una r e t r o s p e c t i v a t i t u l a d a “Transfiguraciones” . Para el 2009 realiza la donación de su obra “tuercas de espiral”, la cual se halla instalada en la plaza de Banderas del barrio Minuto de Dios.

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o se puede crear una nueva realidad, todo tiene sus raíces que vienen del pasado, es bastante ingenuo pensar que uno va a hacer algo nuevo” aseveración que hace el artista al ser interrogado acerca de su trabajo, al que él mismo considera bastante exótico y devenido de su afición por la ópera, muy influenciado por el psicoanálisis freudiano y las frecuentes lecturas de Samuel Beckett. En la actualidad, Amaral muestra una especial predilección hacia la escultura, dentro de la cual se desenvuelve a través de la construcción predilecta de cabezas y torsos. Ha desarrollado un par de series que ha titulado una “Yelmos” y la otra “Poetas”. También se halla como eje creativo en su obra el tema de la maternidad con el cual intenta reinterpretar el hecho del existir humano, indaga y busca en las fuentes más originales relacionadas con la concepción humana. No obstante su creatividad analítica, su obra más connotada viaja por los escabrosos caminos de los asuntos de lo erótico, más, con gran sutileza y con un reconocido humor satírico juega al “voyeur” de la vida moderna que, como un observador frío y mordaz despliega en sus obras toda esa carga de líbido, dentro un marco gráfico anecdótico. Son diferentes las etapas productivas de Amaral. La más reciente dedicada a las

esculturas en bronce, figuras oníricas. En comparación con sus dibujos, éstas tienen una menor connotación erótica, pero apela de todas formas a un manejo del cuerpo con alegorías sensuales y la contextualización de algunas formas que en definitiva predican un acercamiento a las sensaciones producidas por la manipulación corporal . “La sola visión de Jim Amaral hace cundir el pánico en ciertos sectores de la ciudad de Bogotá. Las observaciones del artista no respetan ninguna regla, su cáustico humor desuella a más de una vaca sagrada de pelaje corto en su lustroso cuero” palabras del crítico de arte Edward Shaw, William Ospina, otro experto en el arte declara, “La primera impresión que causan sus criaturas de bronce es la de formar parte de un carnaval disparatado”. La obra “Tuercas de espiral” perteneciente al gran grupo de figuras de su última serie escultórica , las cuales aluden precisamente a esas visiones tridimensionales de corte surrealista, desarrolladas con un manejo técnico consistente y alta sensibilidad estética. El trabajo del cuerpo respecto a lo formal es algo desproporcionado pero contiene un gran gesto de belleza.

El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: l Molano,

Rafael. Artículo Jim y Olga. Revista Dinners No. 285. Dic. 1993. l Ospina, William. Folleto “Apariciones persistentes” Galería El Museo, Bogotá, 1994.

FICHA TÉCNICA TUERCAS DE ESPIRAL Jim Amaral Fundición en bronce 100 x 40 x 50 2001 C-133


143 Director: Gustavo A. Ortiz ~ Investigación: Juan David Quintero ~ Bogotá, Marzo 3 de 2010

“SEMBRAR MIRADAS” CÉSAR PADILLA

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n el trabajo artístico de César Padilla se puede apreciar el interés por el dibujo, la escultura y el grabado. Con una producción artística de casi 25 años, sus obras expresan sensualidad y viveza al momento de verlas y entrar en contacto con ellas. Los paisajes son un reflejo de la sabia simplicidad campesina y de allí nace su profunda serie de ruanas y sombreros, personajes convertidos en panorama natural. "La calma y el sosiego de sus figuras completas, pesadas y su infatigable caminar, nos hablan de angustias, de carencias, de frescura y de paz interior." ( Beltrán 2007: p. 12) La simplicidad se convierte en un herramienta que irá de la mano en la obra de autor, por lo tanto es la búsqueda por descifrar la vida, manejando un lenguaje artístico muy particular que se puede analizar detalladamente en su extensa producción "Padilla nunca ha sido un artista del realismo. Aunque muchas veces sus figuras son personajes del pueblo y los escenarios son generalmente prosaicos, el motivo tratado está presidido por la calidad del dibujo y por la intención evidente de transmitir una profunda soledad, abandono y miseria, esas lamentables condiciones que no faltan en la historia del hombre" (Beltrán 2007: p. 7)

El trabajo escultórico en bronce, metal y madera de César Padilla expresa una dualidad entre lo femenino y masculino, un complemento que el hombre busca a lo largo de la vida. Las esculturas representan siluetas humanas en movimiento, especialmente las realizadas en bronce. El contraste del vacío recupera la forma, el reflejo que busca al otro y ese otro que se percibe, son el resultado de uno solo que convive. La obra Sembrar Miradas esta compuesta por dos laminas de hierro que dan la forma de un árbol, dos siluetas humanas (hombre y mujer) hacen de tronco del árbol. Las formas silueteadas de la pareja se encuentran en un intercambio sugerente de miradas, un dialogo que rompe la distancia entre los dos paneles férreos y es penetrada por la transparencia del vació. En ella también podemos encontrar una simbología relacionada al árbol, la cual nos puede mostrar una clara represtación de la vida en la tierra, y de cómo el hombre es sembrador de esperanza. Además se puede destacar el contexto religioso en el que se puede desenvolver este símbolo (árbol de la vida), también como árbol del bien y del mal, símbolo de desafió a Dios en el paraíso del génesis. Ya si Padilla quiere mostrar en su escultura un mensaje religioso, mítico o de otra índole, sea de forma directa o no, la escultura "sembrar miradas" deja una reflexión escondida que cada uno de los espectadores tiene que descifrar y analizar de forma individual.

El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: l Beltrán Padilla,

César. Miradas Internas. Opciones Graficas Editores. Bogotá. 2007. l Espacio Escultórico. Catalogo Plaza de Banderas Minuto de Dios. 2008 www.colarte.com l l Forma y Color Colombia 1995. Editor Eduardo Bastidas Peña

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n 1959 nace en Bogotá Cesar Padilla Beltrán. Realiza sus estudios en la Escuela de Arte Plástica, hoy conocida como ASAB, entre 1981-1985. Además realiza estudios en serigrafía y grabado en el Taller Arte Dos Gráficos y Taller Giangrandi en la ciudad de Bogotá. También participa en diferentes cátedras internacionales realizadas por la Biblioteca Luis Ángel Arango de Bogotá. Fue el cofundador del Taller de Grabado Yorubaland, con el artista Helio Salcedo, en Bogotá 1992-1997 y director del taller Giangrandi. Funda su propio taller de serigrafía y grabado en Bogotá en 1998. Igualmente se desempeña como catedrático de dibujo y grabado en la universidad El Bosque en el 2001. Ganador de premios como el "Salón de Agosto 2006", en el Museo de Arte Contemporáneo, primer premio con la obra "Atisbos", categoría tridimensional. Y I Salón Internacional de Formato Mínimo, en la galería Clepsidra en mayo de 1989 en la ciudad de Bogotá. Su ultimo trabajo fue la edición del libro "Miradas Internas" en donde se puede apreciar gran parte de su trabajo artístico.

FICHA TÉCNICA SEMBRAR MIRADAS César Padilla Lamina de hierro 300 x 130 x 60 cm 2009 C-136


145 Director: Gustavo A. Ortiz ~ Investigación: Juan David Quintero ~ Bogotá, Abril 13 de 2010

“PINTURA”

GUSTAVO ZALAMEA

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a obra de Gustavo Zalamea representa lo real en un marco imaginario. En su extensa carrera artística, la realidad se encarga de crear otro mundo completo y autosuficiente, el artista inventa su estructura a partir de una visión compleja y múltiple. Lo abstracto y lo figurativo son un equilibrio en su proceso creativo. En palabras del artista: "siempre hay un diálogo entre esos elementos claramente reconocibles y su compleja composición, en un territorio de límites donde se encuentra mucha tensión, mucha vitalidad y mucha riqueza". Las pretensiones y los resultados por parte del artista, plasman todo un derroche de creatividad, en donde se puede sacar a flote visiones particulares, independientes y bastante agresivas, de un entorno cargado de poesía. Eso nos lleva a pensar que las escuelas artísticas o los estilos predispuestos por la academia, no son seguidos rigurosamente por el maestro Zalamea; pero sin llegar a mal interpretar el trabajo profesional de Gustavo Zalamea, mas bien es un camino que se abre a la investigación artística propia de el. La arquitectura es una fuente de indagación que se ve reflejado en su trabajo pictórico. Un ejemplo es la geometría la cual es una base muy importante de la arquitectura y que es muy bien

empleada por el maestro Zalamea en sus obras. Las figuras y los volúmenes dan cuenta de un dibujante, y todos esos personajes relacionados bajo la intención de quien se interesa por las manifestaciones humanas y la creación de espacios urbanos. Pintura es una obra que se crea a partir de otra. En otras palabras es la creación indirecta del artista. Un recipiente de aluminio donde se mezcla una variada gama de colores, pero donde predomina el verde y amarillo son la muestra creativa del artista, y en donde se quiere mostrar la simpleza del arte, pero a la vez es mucho mas complejo entender una obra como lo es Pintura. El espectador puede comenzar debatiéndola por sus colores o por la simplicidad que a primera vista expresa la obra. Pero si queda claro que la intención del artista es cuestionar, y la obra es un claro ejemplo donde el análisis teórico y practico del arte se puede aplicar. El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: l Zalamea,

Gustavo. Arte en Emergencia. Instituto Distrital de Cultura y Turismo. Bogotá, 2000. l Zalamea, Gustavo. Torres de Babel y Otras Mínimas Huellas Luminosas. Galería Diners. Bogotá, 1998. l Zalamea, Gustavo. Grandes Éxitos de la Decoración. Galería Diners. Bogotá, 2003. l Useche, Ovalle, Juan Carlos. Gustavo Zalamea En: Revista Diners Año XXX No. 290, Mayo de 1994. Pág. 74-75.

uenos Aires, Argentina 1951 y estudio Arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia (1969-1971). Además curso estudios en Antropología y Diseño en la Universidad de Concepción en Chile (1971-1973). A partir de 1971, Gustavo Zalamea ha realizado cuarenta y cinco exposiciones individuales y participado en noventa exposiciones colectivas en Colombia y en el exterior. Para 1994 gana el concurso de méritos 125 años, convocado por la Universidad Nacional, e ingresa como catedrático a la Facultad de Artes. En la Universidad Nacional ha contribuido a producir las exposiciones Arte para Bogotá 1995; Intervenciones en el Museo, 1997; Fragilidad,1998; Emergencia, 1998; Tránsito, 2000; Portátil, 2002; DACR, 2005 (catálogos asociados, Museo de Arte U.N.). Entre su gran numero de reconocimiento figuran: Primer Premio en el XXX Salón de Artistas Colombianos, 1986; Premio Simón Bolívar (por su trabajo de diseño en el diario la Prensa de Bogotá), 1989; Premio Nacional de Diseño Gráfico (por el logotipo del Museo Nacional de Colombia), 1993. Obtiene una Medalla en la V bienal americana de artes gráficas, Museo La Tertulia, Cali, 1986. Beca Colcultura para el Proyecto Bogotá, 1994. Es nominado al Premio Luis Caballero (segunda versión, 1999 - 2000). Gana el premio de ensayo del Instituto Distrital de Cultura y Turismo con su escrito de divulgación Arte en Emergencia, 1999.

FICHA TÉCNICA PINTURA Gustavo Zalamea óleo, molde de aluminio 16 x 13 cm 2006 D-043


146 Director: Gustavo A. Ortiz ~ Investigación: Juan David Quintero ~ Bogotá, Abril 20 de 2010

“RISCOS”, Serie atmósferas andinas NIRMA ZÁRATE

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a apertura del Taller 4 Rojo que fue fundado por Nirma Zárate y Diego Arango, marca una pauta en el arte colombiano, ya que se escogían de manera asociada temas sociales o hechos trascendentales que, de alguna manera, tenían un impacto en las estructuras socio-culturales y políticas del país, también se incluyo temáticas internacionales como la guerra de Vietnam. La serie de serigrafías tituladas Agresión del Imperialismo relatan visualmente una cronología de lo que fue la guerra de Vietnam, a modo critico. Nirma Zárate es una artista con un trabajo exquisito bastante significativo. Los resultados de su obra se fueron dando por medio de su espíritu experimental, cada vez mas arriesgado, y la profundidad conceptual que ha respaldado todas sus realizaciones. El papel como herramienta se convierte en un elemento tridimensional, grueso y resistente con el cual ella elaboro relieves, collages y al que le incorpora algodón, fique y mimbre, mostrando como resultado su producción artística. En palabras de Nirma: "Considero que el papel es una especie de fieltro conformado por fibras vegetales prensadas, el cual se puede obtener en diferentes calibres y emplearse de múltiples maneras. El papel se ha tenido siempre como un material modesto; en el arte es el soporte o superficie para dibujar, pintar o estampar una imagen."

En la obra Riscos, serie atmósferas andinas se puede apreciar claramente el trabajo y la investigación que la artista realizo con el papel. La transformación que le da luego de mojarlo y detallar la obra es el resultado de todo un proceso investigativo y experimental que se puede apreciar en la obra. Además el color verde incluido en la obra va con el contexto que se quiere exponer o se pretende (el paisaje andino), toda esta majestuosidad andina se puede relacionar directamente con el trabajo de Nirma Zárate, ya que ella por medio de su trabajo con el papel muestra todo un detalle de lo que se podría apreciar de la atmósfera andina como ella lo denomina. En general su obra tiene relación y coherencia, se aprecia claramente lo natural seguido de lo social, dos categorías que de cierto modo van de la mando si las ubicamos en un solo contexto. Vale la pena explorar el trabajo artístico de Nirma, ya que nos cuestionara y nos dejara bastantes reflexiones acerca de la sociedad colombiana y su entorno. El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: l www.colarte.com

l http://www.banrep.gov.co/blaavirtual/obrames/zarat

e.htm l Varios, La Contemporaneidad en Colombia, 40 años

del MAC,pag 193 Uniminuto, 2006

irma Zárate nació en Bogotá en noviembre de 1936; realizo sus estudios de pintura en la escuela de Bellas Artes de la Universidad de los Andes (1956-1959), donde tuvo como profesor a Antonio Roda. Además adelanto estudios sobre Serigrafía, Colografía y Elaboración manual de papel en Londres y Nueva York. Su obra evidencia una marcada preocupación y compromiso por los temas sociales y políticos con un lenguaje directamente heredado de la corriente pop. Participo en un gran numero de exposiciones como: Alquimia de papel en la Galería Acosta Valencia, en Bogotá (1984), Huellas en papel hecho a mano en el Museo de Arte Moderno de Bogotá (1986), Fibras, La Francia, centro de Arte de Medellín (1989), Atmósferas Andinas, Museo Bolivariano Quinta de San Pedro Alejandrino en Santa Marta (1992). También logra una distinción en 1971 con el premio en el XX Salón Nacional de Artistas en Bogotá En 1972 Nirma Zárate funda junto con su esposo, Diego Arango, El Taller 4 Rojo que se convertirá en el mejor ejemplo de arte político de los años 70. El taller se concentró en generar bocetos, litografías, serigrafías, foto serigrafías y fotograbados que pretendían divulgar sus puntos ideológicos. La artista muere en 1999 en la ciudad de Bogotá.

FICHA TÉCNICA Riscos, Serie Atmósferas Andinas Nirma Zárate Papel Hecho a Mano 87 x 170 cm 1991 B-323


147 Director: Gustavo A. Ortiz ~ Investigación: Juan David Quintero ~ Bogotá, Abril 27 de 2010

“JUGADORES DE CARTAS”

JUAN ANTONIO RODA

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a gran experiencia que tuvo el maestro Roda en el arte se pudo apreciar claramente en sus dibujos, retratos, autorretratos, pinturas y grabados. Todas estas manifestaciones artísticas que genero, marcaron una pauta en el arte de la segunda mitad del siglo XX en Colombia. Un ejemplo es la serie Retrato de un Desconocido que esta compuesta de 12 estampas donde el manejo de los diversos procedimientos para grabar en metal se entremezclan magistralmente, acuñando siempre una imagen masculina central que se metamorfosea y oscila entre el realismo crítico y la alegoría metafísica. En palabras del artista la creación, "es la única aventura que realmente, me apasiona: es la única gran aventura que hay. Esa incertidumbre cada día frente al trabajo, que la inspiración importa, que el estado de ánimo también, que la tomada de trago del día anterior afecte, que el encuentro excepcional y grato con alguien también puede convertirse en un factor... Es lo único que he tenido claro en la vida: la aventura de la creación". Las palabras del maestro Roda son contundentes al momento de manifestar su creatividad, el resultado se puede ver claramente en todo su proceso artístico. Los autorretratos que realizo a lo largo de su carrera son trabajos que merecen toda la atención del espectador, la razón es la calidad del dibujo, uno de ellos es Autorretrato 1982, donde se puede apreciar el profesionalismo y la técnica que emplea para reflejar su figura humana, el realismo que se expresa en sus cuadros son las expresiones anímicas de su ser,

los resultados plasmados en el lienzo nos dicen el carácter y sentir de Juan Antonio Roda. Jugadores de Poker es una obra que utiliza la técnica del dibujo, una vez más el artista plasma todo su talento para mostrar como es la atmósfera en los centros nocturnos de juego. El ambiente que nos brinda la obra es sin duda alguna puro expresionismo alemán de principios del siglo XX. La obra también abre el camino al detalle y a las tonalidades negras, blancas y agrisadas que dan vida a esta escena cotidiana de un centro nocturno donde se mezcla el humo del cigarrillo y los tragos. Vale la pena conocer la obra del maestro Juan Antonio Roda, ya que el mismo se encargo de pintar hasta sus últimos días y mantener el óleo sobre lienzo vigente. En palabras de el: "Lo único que yo hago es pintar, aunque anuncien que la pintura se va acabar". Por ultimo esta frase plante todo un debate en el mundo de la pintura y lo deja abierto a la reflexión académica y personal de los demás artistas. El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: l Roda, Antonio

Juan. Grabados 1971-1985. Museo de Arte Universidad Nacional. Junio-Agosto 1988. l Museo de Arte Moderno La Tertulia 1956-1986. CaliColombia. l Roda 1996. Pinturas. Galería Garcés Velásquez. l Roda. Pinturas. Publicación Seguros Bolívar. 1988. l Borda Cobo. J. G. “Roda; un barroco subversivo”. Publicación Seguros Bolívar. 1976. l Panesso, Fausto. Roda: ¿se acabara la pintura? En: Revista Diners N. 300. Bogotá Colombia, marzo de 1995.

uan Antonio Roda nació en Valencia España en el año de 1921 y murió en Bogotá el 29 de mayo del 2003. Lo podemos considerar un pintor colomboespañol. Curso estudios en la Escuela de Artes y Oficios y en La Escuela Massana de Barcelona entre 1942-1945. Para 1945 realiza su primera exposición colectiva en el Salón de Artistas Jóvenes de Barcelona España, y obtiene el primer premio. Así el artista comienza una larga carrera como pintor con una serie de exposiciones individuales como colectivas en diferentes lugares del mundo. Se instala en Colombia en el año de 1955, y se vincula a la vida cultural y social del país con una serie de trabajos que abordan una temática muy variada. En 1959 se vincula como profesor de dibujo en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional de Colombia, y en 1963 representa a Colombia en la Bienal de Sao Paulo. En 1970 adquiere la nacionalidad colombiana. Juan Antonio Roda es uno de los grandes maestros de la pintora colombiana de finales del siglo XX. Sus obras abordan una cantidad de tendencias y expresiones características, que retoman aspectos de las corrientes vanguardistas de principios de siglo, como el expresionismo y el arte abstracto.

FICHA TÉCNICA JUGADORES DE POKER Juan Antonio Roda Dibujo a tinta y aguada 70 x 90 cm. 1970 B-261


148 Director: Gustavo A. Ortiz ~ Investigación: Juan David Quintero ~ Bogotá, Mayo 4 de 2010

“NUESTRA SEÑORA DE LAS CASCADAS”

EDGAR SILVA

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l trabajo pictórico del maestro Edgar Silva tuvo gran importancia en la década de los años sesenta, cuando comienza a irrumpir en el ámbito del paisaje. "Realizando una producción importante en la que, como entonces lo advirtieron Marta Traba y Germán Rubiano, se elaboraba un paisaje peculiar que no tenía nada que ver con la tradición existente." Esta característica propia del maestro Silva se puede apreciar en sus obras artísticas como: De la Serie de los Ríos y De la Serie Amazonas donde muestran trazos amplios y con colores llamativos dando predominio al rojo y azul, que dan forma a un imaginario que termina siendo real. En otras palabras se plasman los ríos en el lienzo, al estilo propio del artista. Otros dibujos se enfocan en la utilización de una línea continua que a través de su recorrido sobre el lienzo da contornos a las formas con las que se va armando un paisaje que parece articularse a través de montañas y profundos valles que siguen la anatomía del cuerpo humano, características que se conservaron hasta su más reciente producción. Partiendo de su creación artística, técnica y desarrollo de la obra, cabe destacar los trazos que dan forma a un paisaje poco común, un paisaje que no es el convencional que se puede ver en el impresionismo. Son paisajes que están formados por trazos largos de colores vivos como el amarillo, rojo y blanco. También hay referencia a bodegones sintéticos, palabras en

caligrafía que, a manera de cintas flexibles se instalan en un espacio aparentemente profundo. La obra Nuestra Señora de las Cascadas, parte de un titulo bastante religioso, un titulo que a primera vista se espera apreciar la madre sagrada, la Virgen María, pero no es ajena a eso, si hay la presencia maternal en el lienzo. Se puede ver como se generan varios nacimientos que están vinculados con el agua, la vida, y un elemento bastante importante de la naturaleza. El ocaso presenta un preludio de lo que puede ser el acontecimiento venidero. La producción artística de Edgar Silva da la pauta en los escenarios naturales de la pintura, nos muestra la naturaleza desde otros imaginarios y pone a reflexionar al receptor del arte. "En el año 2000 fallece este artista cuyo gran compromiso siempre fue el color, su material favorito el acrílico, con estos dos elementos serpenteo los cambios con un lenguaje cercano a lo espacial plasmado al estilo moderno". El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: www.colarte.com l www.lablaa.org/blaavirtual/todaslasartes/dibujo/dib l ujo35.htm l MAC, La obra de la semana 21 “Y será verdad que mi

atardecer es mi aurora” l Edgar Silva, Mirada retrospectiva. Catálogo Museo de

Arte UN- Bogotá- 2001-2002

caña, Norte de Santander 1944; muere en el 2000. Fue estudiante de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional, donde luego se desempeño como profesor de dibujo y p i n t u r a . Re a l i z o v a r i a s exposiciones individuales como colectivas, las cuales se pueden destacar: Sala Gregorio Vásquez, Biblioteca Nacional, Bogotá. 1971, Bienal de Arte Coltejer, Medellín 1970, IV Salón de Artistas, Museo de Arte Contemporáneo, Minuto de Dios, Bogotá y XXIII Salón de Artistas Nacionales, entre muchas mas. En el campo de la docencia fue muy importante su aporte, principalmente en el departamento de bellas artes de la Universidad Nacional en Bogotá en donde fue coordinador del ciclo básico de artes plásticas. En la Universidad Piloto de Colombia se destaco como docente.

FICHA TÉCNICA NUESTRA SEÑORA DE LAS CASCADAS Edgar Silva Acrílico sobre lienzo 273 x 122 cm A-168


149 Director: Gustavo A. Ortiz ~ Investigación: Juan David Quintero ~ Bogotá, Mayo 11 de 2010

“SUPERFICIES MÁGICAS”

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n la obra del maestro Armando Villegas se puede apreciar todo un lenguaje simbólico y precolombino. Una de las razones se puede rastrear en su infancia en Perú. Sus primeros años de vida son rodeados por tradiciones populares, paisajes y un contexto histórico peruano bastante rico que el maestro Villegas dibujara en sus cuadros en los años venideros. Imágenes de animales como el toro que desde épocas antiguas ha generado toda una serie de significados y simbolismos (fecundidad, dominio, sagrado) se pueden ver reflejado en la obra del maestro. Vientos de agosto de 1994, es un ejemplo de lo dicho. En esta obra se puede ver claramente la imagen del toro, acompañado de otros animales con una expresión de mansedumbre y alegría. Por lo tanto, las "Sugerencias de la vida vegetal, formas de animales, fisionomías humanas surgen vagamente sin que se lleven a ningún nivel de lo literal, ya que el artista prefiere siempre la forma ambigua, que sugiere mucho sin identificar nada." (Caballero 1975: p198) El maestro Armando Villegas, en su primera instancia en Colombia se dedica a trabajar la técnica abstracta, y luego pasa a lo figurativo. Con estas dos técnicas trabajadas durante varios años, se logra recopilar una gran riqueza

de su trabajo como pintor. Además cultiva un informalismo pictórico, el cual recopila todas las tendencias gestuales y abstractas, que a principios de los noventa van hacer expuestas en diferentes exposiciones. Un ejemplo de esas obras son los oleos y collages sobre cartón que realiza para 1986. La obra superficies mágicas del año 2005, muestra una técnica totalmente abstracta, en donde se puede ver una serie de colores mas agudos y vibrantes, y la inclusión de elementos fuertemente determinados. A primera vista sobresale la bandera de Colombia que se encuentra camuflada en una circunferencia azul que esta en la cabecera del cuadro. Al mismo tiempo en la parta inferior del cuadro se presenta una serie de círculos y formas geométricas en tonalidades mas vivas que luego van a ser incluidas en un fondo negro con morado. La intención del artista con la obra superficies mágicas es mostrar una faceta totalmente abstracta que es retomada después de venir de un trabajo completamente figurativo. Lógicamente sin dejar a un lado todo el proceso simbólico y mítico que el maestro Villegas realizo a lo largo de su carrera como pintor. El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: l Villegas Armando. Homenaje. Villegas Editores,

Bogotá, 2008. l Villegas Armando. “Iconografía Fantástica”. Galer��a El

Callejón. Bogotá, 1975. l www.colarte.com www.armandovillegas.com l l Obra de la semana # 79 “La huella del hombre”. Catalogo MAC.

ARMANDO VILLEGAS

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l pintor colombo-peruano Armando Villegas nació en 1926 en la provincia peruana de Pomabamba, que es una de las veinte que conforman la Región Ancash. En 1950 recibe de la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú el titulo de profesor de dibujo y pintura. Al año siguiente es becado y viaja a Colombia, para ingresar en 1952 a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Colombia hacer una especialización en pintura mural con el pintor Ignacio Gómez Jaramillo y desde entonces radicarse en Colombia. Mientras terminaba sus estudios en pintura mural, brinda su colaboración a la Galería de Arte El Callejón de Bogotá, donde se vincula con personalidades del arte, política y demás gremios intelectuales y culturales del país. En esa misma galería en 1954 presentó su primera muestra individual profesional, la cual fue inaugurada por Gabriel García Márquez, quien premonitoriamente dijera en su discurso: "Tengo la satisfactoria impresión, de estar asistiendo al principio de una obra pictórica asombrosa". Las palabras de Gabriel García Márquez fueron acertadas, ya que el maestro Villegas con su basta producción artística, fue premiado en múltiples eventos nacionales e internacionales. También se destaca la participación en muchas exposiciones personales como colectivas.

FICHA TÉCNICA SUPERFICIES MÁGICAS Armado Villegas Mixta hojilla de oro sobre tabla 150 x 100 cm 2005 A-211


150 Director: Gustavo A. Ortiz ~ Investigación: Juan David Quintero ~ Bogotá, Mayo 18 de 2010

“EL ÁNGEL LAUREL BICÉFALO VIAJA EN SU NAVE ESPACIAL”

ÁNGEL LOOCHKART

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Yo pinto para ser libre, es decir para no estar solo, para compartir mi respiración mi huella dactilar, mi taquicardia... Y para continuar pegado a mi sombra". Con estas palabras el maestro Ángel Loochkartt nos brinda un primer acercamiento a su obra. Despierta un interés bastante personal como pasional por su trabajo, también refleja el respeto que tiene hacia la pintura, y por lo tanto lo expresa en su trabajo pictórico. El expresionismo es la técnica por excelencia del maestro Loochkartt. El expresionismo es una concepción del mundo y cobija innumerables tendencias. "El desencanto y la sexualidad son los temas recurrentes en la obra de los expresionistas alemanes Otto Dix, Jorge Gras y Max Beckman y en la de los vieneses Oscar Kokoshka y Egon Schielle" (Guinard 2003: p. 31), esto no es ajeno a la obra del maestro Loochkartt, en ella podemos encontrar un sin fin de historias nocturnas Farah el travesti Óleo alla prima sobre lienzo 1998, eróticas Eros en el valle de Samacá Óleo alla prima sobre lienzo, naturales Laguna de Tota Óleo alla prima sobre lienzo y tradicionales con la serie de los Congos. Esta ultima es el resultado de diez años de investigación, inspiradas en la orgiástica y mágica fiesta del Carnaval de Barranquilla, y además mezcla sus vivencias desde la niñez. Todas las categorías empleadas en su trabajo son una manifestación hacia la sociedad, un grito de protesta pictórico. En conclusión la obra nace de su irrefrenable necesidad de expresión, que él ha convertido en testimonio de sus vivencias. Pero además su arte es una fiesta, porque el goce y el

placer que propone su frenética temática también son las armas de su propio trabajo. El ángel laurel bicéfalo viaja en su nave espacial, es una obra del 2005, este trabajo en Óleo sobre lienzo muestra de forma iconográfica un ángel con dos cabezas (bicéfalo) acostado sobre lo que parece una calabaza, se puede apreciar un zoomorfismo con las dos cabezas de la obra. Las alas extendidas a lo lardo del lienzo las cuales se pueden interpretar como imponencia sobre su nave, en este caso la calabaza, como símbolo pagano y mágico. La obra muestra toda una mezcla de ideas metafóricas que tienen relación directa con los colores empleados en ella. Las formas expresionistas del maestro Ángel Loochkartt, abstractas y figurativa, "cuando son pintadas alla prima, se caracterizan por las deformaciones con pinceladas rápidas y sueltas que captan, sin bocetación ni premeditación alguna y con una gran potencia expresiva, una emoción, un movimiento, una mirada o un gesto." ( Guinard 2003: p. 31) El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información l Guinard, Fernando. El Espíritu Creador. UDCA 20 años. 2003 l Galería Fábula. Loochkartt: Tiempo y temas de su obra pictórica. Muestra antológica. 2000. l Universidad Nacional de Colombia. Loochkartt: Momentos de trabajo – veinte años. 1981. http://angelloochkartt.blogspot.com/ l l http://www.museoarteeroticoamericano.com/loochk arttangel.html

arranquilla, 19 de mayo de 1933. Se desempeño como d i b u j a n t e , grabador y pintor de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad del Atlántico. Además curso estudios en el exterior en la Academia Di Belle Arti, Academia Di San Giacomo en Roma, también en East Los Ángeles Collar, en los Estados Unidos. En Colombia se desempeño como director y profesor de la Escuela de pintura de la Universidad del Atlántico, Universidad Nacional de Colombia y la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá. El maestro Loochkart presento su trabajo en numerosas exposiciones colectivas como individuales en un contexto nacional e internacional; podemos destacar algunas de ellas como: Bienal de Venecia 1958, Instituto de Cultura Hispánica, en Madrid, España 1961, Salón de Agosto, Museo de Arte Contemporáneo MAC, Bogotá 1975, La Plástica Colombiana del siglo XX en La Habana, Cuba 1977, "Cien años de Arte Colombiano", MAM, Bogotá, Río de Janeiro, Roma, Barranquilla, Expone en la muestra inaugural del Museo de Arte Erótico Americano (MaReA) 2000. En el trabajo expositivo del maestro Ángel Loochkart también se destaca el murales de la Casa del Dr. Elberto González Rubio, Barranquilla y Pinta en el Museo de los Niños de Bogotá el mural Los juegos de antaño 2003. Toda esta riqueza artista del maestro Loochkart es un aporte bastante significativo a la construcción histórica de la pintura en Colombia en el siglo XX, y no cabe duda que es un referente en el arte expresionista en Colombia.

FICHA TÉCNICA EL ÁNGEL LAUREL BICÉFALO VIAJA EN SU NAVE ESPACIAL Ángel Loochkartt Óleo sobre lienzo 195 x 104 2005 A-216


151 Director: Gustavo A. Ortiz ~ Investigación: Juan David Quintero ~ Bogotá, Mayo 25 de 2010

“LAS BODAS DE CAMACHO”

A

los 50 años, el maestro Augusto Rivera se convirtió en uno de los mejores pintores de Colombia. Luego de estudiar incansablemente las actitudes que debía asumir en una Colombia que se mostraba en capacidad de competir artísticamente con las naciones de Europa y Latinoamérica. El artista caucano en compañía de otros artistas colombianos, se encargaron de impulsar el expresionismo abstracto en territorio colombiano. Un movimiento que se formo en Norte América en los años 40, y luego se difundió por todo el mundo. Este movimiento se considera genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto. "La clave en la obra de Augusto Rivera se halla en su caracterizada libertad formal y espontaneidad cromática. Poco comprometido con las luchas sociales de la época, la temática en su trabajo tuvo un leve acento político." (Pérez 2005). Se define como un pintor no comprometido políticamente, aunque abiertamente partidario de que se luche por un cambio social. La obra Las bodas de camacho muestra una tonalidad a escala baja, no es gratuito el lienzo, en el se puede apreciar y analizar gran parte de la vida del maestro Rivera, con un método psicoanalítico se lograría un acercamiento a este gran pintor del expresionismo abstracto. "Es importante que Augusto Rivera haya logrado crear esa atmósfera gracias a la rica entonación y a la opulencia de la materia en una

órbita sin roce ni contacto alguno con la de Obregón. Los elementos no se integran por desvanecimientos y fusiones de unos en otros ni por los contrapuntos románticos de luz y de sombra de la obra obregoniana: formas desgarradas se alojan virilmente en la superficie. La magia queda apresada en el plano, nunca nace de increíbles rupturas espaciales." ( Traba 1984: Pág. 150) La producción artística del maestro Augusto Rivera, es un documento pictórico e histórico que nos muestra lo que fue la historia del expresionismo abstracto. De maestros como el y Wiedemann, Juan Antonio Roda y Armando Villegas, se puede partir para una construcción de la historia de la pintura abstracta en Colombia. El misticismo y la simbología hacen parte de esta técnica pictórica, que a primera vista es bastante compleja de entender

El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información l Traba, Marta. Mirar en Bogotá. Biblioteca Básica Colombiana. 1984. l Museo de Arte Contemporáneo. La obra de la semana 47, SEGUNDO LLANTO DE FRANCISCA QUINTERO. 2005 l Varios. La Contemporaneidad en Colombia, 40 años del MAC, p.165- 2006.

AUGUSTO RIVERA

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ació en Bolívar, Cauca el 22 de octubre de 1922, y falleció en la ciudad de Bogotá el 18 de agosto de 1982. El pintor y muralista Augusto Rivera fue parte del primer grupo de pintores expresionistas de Colombia al lado de Guillermo Wiedemann, Juan Antonio Roda y Armando Villegas. Desde 1948 hasta 1954 estudia bellas artes en Santiago de Chile y Viña del Mar, con el maestro Rocko Thatias. Además incursiona en la producción cinematográfica y realiza nueve exposiciones en Chile y Argentina. Regresa a Colombia en 1955. Para 1964 participa en el IV Salón Nacional de Pintura I, en el cual se hace acreedor al Primer Premio con su obra "Paisaje y Carroña". Augusto Rivera perteneció a la vanguardia del arte en Colombia. En su pintura se ha mostrado como un afortunado cultivador del arte abstracto y sobre todo de la técnica de los monotipos.

FICHA TÉCNICA LAS BODAS DE CAMACHO Augusto Rivera Óleo sobre lienzo 118 x 172 1964 A-145


Obra de la semana 141 a 151