II Bienal del libro contemporáneo

CORPORACIÓN UNIVERSITARIA MINUTO DE DIOS Presidente P. Diego Jaramillo Cuartas, cj Rector General P. Harold Castilla Devoz, cjm Vicerrectora General Académica Dra. Stéphanie Lavaux Rector Sede Principal Dr. Jefferson Arias Gómez Vicerrector Académico Sede Principal Nelson Bedoya Directora General de Investigaciones Julio Mario Rodriguez Director de Investigaciones Bogotá Presencial Benjamín Barón Velandia Directora General de Publicaciones Rocío del Pilar Montoya Coordinadores de Publicaciones Sede Principal Jonathan Alexander Mora Christian Vega

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BOGOTÁ Dirección Gustavo Ortiz Serrano Curaduria Sebastián Jiménez Cortés Museografia Equipo MAC Producción y Montaje Equipo MAC Educación Tatiana Quevedo Equipo de intérpretes MAC Gestión Administrativa Andrea Guarín

II BIENAL DE LIBRO CONTEMPORÁNEO SALIDAS DE EMERGENCIA

Salidas de emergencia es elaborar un proyecto que evoque posibilidades y nos aleje de un clientelismo intelectual: repetir enunciados "prêt-àporter", solucionar sin construir, sin dialogar, sin tomar el tiempo ni adentrarse en realidades diversas y divergentes, sería un ejercicio muy vano.

La búsqueda debe implicar la fuerza de procesos invertidos, tiempo dedicado a la construcción de la propuesta atravesando errores y aciertos.

Salidas de emergencia, desde lo plural, describe no soluciones, sino más bien diálogos de realidades diferentes. No puede haber construcción si solo tenemos ladrillos, no puede haber diálogo si todo es monolítico, parejo, unilateral. Imaginar las salidas no puede disociarse de ese adentro, de donde intentamos salir, de eso que es y está, sobre todo de aquello que nos obliga a buscar una salida de ese lugar en donde nos encontramos, que es nuestro lugar actual. Es preguntarnos si queremos salir de todo, quemarlo todo, descomponer todo, acabar todo, desmembrarlo todo, o si más bien se trata de un esfuerzo para salvar, resguardar, para sanar la fiebre que nos aqueja.

Salidas en plural querrá decir "o todo o nada": salvar los muebles, o salvar la casa, pero finalmente ¿salir no sería otra cosa que ir a ver? Invocar el desplazamiento como alternativa, para ir a ver, para verse desde otro punto en otro punto, escribir desde otra novedad, volviéndonos otros porque escribimos sobre lo ya vivido y por lo tanto somos otros. Salir de emergencia es buscar en las fuerzas de lo inmediato proporcionar un necesario cambio, una nueva y quizás única oportunidad, en un mundo donde se impone cada vez más la certitud del necesario cuestionamiento de nuestra sobrevivencia como especie, como especies, como humanidad y como planeta, donde la vida se encuentra en entredicho para las nuevas generaciones. La armonía que es el resultado de consensos pareciera ni ser prioridad ni estar a la orden del día para los seres humanos.

Lo vivo se encuentra desplazado a ciertos intereses y deja de ser la razón principal. Recordamos la obra Consideraciones sobre el gobierno en Polonia de Jean-Jacques Rousseau donde considera que “la paz no es la inercia que conduce al reposo letárgico”.

Hablar, pensar, reflexionar sobre la paz en este nuevo milenio, en este joven siglo, se hace aún hoy necesario. Nuestra sociedad no deja de tratar de imaginarla y buscarla. Con este enunciado intentamos evocar eso que significa para cada uno lograr el equilibrio, lograr la paz, porque la paz se construye en conjunto, es un entre todos pero empieza en el cada uno. El arte como hecho humano ofrece una visión, un imaginario, desea participar en este diálogo tan importante desde sus territorios. Nuevamente cabe destacar el mismo ensayo de Rousseau donde nos indica que “la paz se opone a la guerra más no al conflicto”. Salidas de emergencia a través del libro busca reunir artistas, para proponer un esbozo de lo que puede ser la armonía, la construcción del vivir juntos, del vivir bien. Es un momento de lectura, de lectura a través de la creación artística, de sus miradas, de su cosmovisión. No hay aquí una solución cierta pero en todo caso hay un encuentro entre países, entre personas, que nos grita con alegría que el juntos es posible, que encontrarnos es un festejo, y aquí Salidas de emergencia festeja lo vivo, lo humano, lo nuestro.

Texto de Franklin Arellano

ALEXANDRE BARRÉ (Francia) Alexandre Barré, nacido en Niort (79) Francia, en 1991 (30 años) Facebook : https://www.facebook.com/alexandre.barre.39 instagram : @erraberdnaxela Formación : EESAB Rennes, graduado de un DNSEP con felicitaciones del jurado en 2015; de un Master Investigaciones en Artes plásticas, en París 1 Panthéon Sorbonne en 2016.Proyectos recientes : edición chez in.éditions de « 60 CLOCK DRAWINGS », edición chez Lendroit Ediciones de « Replacement Artwork » Reflexión artístico : Si pocas formas o técnicas se revelan mayoritarias en el proceso artístico de Alexandre Barré, es sobre todo para dejar espacio para hacer emerger esta escurridiza cosa - dudosamente figurativa - que se llama «tiempo». Atentar contra los horarios, calendarios y otros compromisos colectivos le permite abrir un espacio de incomodidad, pesadez, sensibilidad, sigilo, en el que es posible contemplar de otro modo el conjunto rítmico de de nuestras vidas coordinadas. Por ejemplo, el hecho de que ninguno de sus trabajos haya indicado explícitamente una fecha en las leyendas que los abordan o que su sitio web se rija por horarios efectivos de apertura - resistiendo así al hecho de que todo contenido en internet se presenta sin moderación e inducido recíprocamente un comportamiento receptivo arrítmico - enmarca el conjunto de sus propuestas formales y los condiciona en una actitud de visibilidad particular. Su práctica prefiere la frustración y el retraso. En el mejor de los casos, hacer que una cita fallida sea satisfactoria.

El libro : replacement artwork A5 : 21x14,8 cm : con el fin de aliviar a cualquier artista, comisario de exposición, coleccionista se, directora de centro de arte, de la desafortunada perspectiva de una obra que no sería demostrable - rota, perdida, robada, olvidada, Inacabada, ...- el cartel replacement artwork se despliega para servir de forro a la obra que, por una razón u otra, no podrá ser expuesta. Contiene una fotografía de él.

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ARIÉ BENSABAT (Francia) Biografía : nacido en 1993 en París. @arié.m.bens “A finales de los años 90, descubrí el trabajo del dibujo leyendo mis primeros mangas. Akira Toriyama (autor de Dragon Ball) y Masashi Kishimoto (autor de Naruto) son los primeros artistas que admiro. Al mismo tiempo, miro las animaciones de Hayao Miyazaki y de Takahata Isao (estudio Ghibli). Desde entonces, Japón se convierte en una fuente inagotable de sueños. En 2003, descubro el genio visual de Katsuhiro Otomo en su obra Akira. En 2015 ingresé en la ENSBA ese mismo año en el taller del pintor Dominique Gauthier. En su contacto descubrí al compositor Ryuichi Sakamoto. Afirmo mi práctica dando un lugar importante a la narración y a la música. En 2019 obtengo mi intercambio en la Geidai de Tokio. Formo parte del estudio de Kyoshi Furukawa (jefe del departamento Intermedia-Arte de la Geidai, profesor emérito y teórico del concepto de «sonificación»). Después de obtener mi DNAP («Es un nombre bonito») despego hacia Tokio. Es durante mi estancia que realizo mi primera película de animación musical «De la cendre», presentada en una exposición colectiva en la Ask gallery de Ginza. Hoy mi práctica está marcada por la influencia del manga de la animación y de la espiritualidad japonesa”.

El libro : Ceniza Impresión plotter tres formatos A2. Dos ediciones compuestas de tres pósteres, los pósteres están provistos de código QR que conducen a un dibujos animados de los que proceden los carteles.

Película de animación realizada en 2019 para la exposición «the Sixth Cognition» en Tokio.

Esta pieza se inspira en las imágenes budistas de los «cinco elementos». Existe en el Shingon ( sensibilidad budista japonesa secreta, cuya práctica se asemeja a de la magia. ) un sistema de asociación sinestésica. Este sistema se utiliza en las prácticas de meditaciones cuyo objetivo principal es encontrar la paz interior Este sistema teje vínculos entre los cinco elementos, los gestos de la mano ( Mudras ), sonidos, colores y formas. Ceniza ofrece explorar los efectos de estas combinaciones. Para realizar esta animación, he desarrollado un software que asocia una imagen con una nota de música.

La música que he compuesto, a su vez, hace la caricatura mientras se desarrolla.

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MAUD BIGINI (FRANCIA) Nacida en 1980, en Colombes, Francia.

Vive y trabaja entre Francia y America del Sur. Diplomada en Artes plásticas en la Universidad Paris 8 y en Arte y mediaciones terapéuticas en la Universidad Paris 7. Enfoca sus investigaciones en la relación del individuo y del espacio habitado para cuestionar las relaciones espacio publico/espacio privado, colectivo/individual.

Trabaja el medio fotográfico como la herramienta privilegiada de un vinculo humano y de la comunicación Libro : las flores del malo, libro intervenido, 19x12cm, 2022, Francia “Estar en paz es simplemente ser sincero con los demás y sobre todo con uno mismo.

“Las flores del mal” de Beaudelaire es una colección de poemas que habla de la vida, de lo cotidiano, de los sentimientos con exactitud, sin tabúes. Este autor ha tenido la fuerza de desnudarse y compartir sus dudas, sufrimientos, alegrías y paisajes...

Sus palabras llevarán aquí mis rasgos y colores y es el reflejo de lo que me parece esencial en la vida: «la honestidad» ante nuestros errores y nuestras dudas.

Buena lectura”

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TIMOTHÉE CHALAZONITIS, (FRANCIA) Biografía Timothée Chalazonitis nació en 1989 en París. Estudió Historia del Arte y Arqueología, y despues se graduó en la École nationale supérieure des Arts Décoratifs de París y en las Beaux-Arts de París (con honores).

Actualmente se está formando como grabador en piedra a través del Prix du Perfectionnement aux Métiers d'Arts. El año anterior participó en el programa Post-Master del programa Offshore orquestado por Paul Devautour.

Es el ganador del Premio Pierre Gautier-Delaye (Cité des Arts), en 2017. Ha participado en exposiciones colectivas en el 104, el Louvre, la Fundación Ricard, el Centro Georges Pompidou, el Espacio Voltaire, la Villa Belleville y las Bellas Artes de París, en la galería Dohyang Lee, en La Panacée, en Mons, entonces capital europea de la cultura, en la Cité Internationale des Arts, en el Château de l'Emperi, en la galería Graff, en la Fundación Hippocrène (Villa Mallet-Stevens), en el Programa de compatibilidad del Bazar de Shanghái, en Venezuela, Bogota, etc.

Le interesan las huellas dejadas por el hombre y su deseo de mantener en la memoria historias y recuerdos. Su práctica está a menudo ligada a la letra, al acto de escribir más precisamente, como una necesidad de dialogar con un espacio, una arquitectura y la gente del pueblo.

Libro : La dimensión oculta de Ed. T. Hall, yeso, grafito, dimensiones variables.

Esta obra in situ propone una recalificación del muro transformándolo en un espacio de lectura colectiva. El libro, La Dimensión Oculta de Ed. T. Hall, está dispuesto página a página, pegado al borde para crear una piel, una epidermis en la pared. Se vuelve frágil, viva, reaccionando al paso de los espectadores. El muro en el que se escribió la pieza será demolido para construir un nuevo edificio. El antropólogo habla de los espacios vitales necesarios en las diferentes culturas. La situación futura de este muro se hace eco del libro de Ed. T. Hall.

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DAMIEN DION (Francia) Biografia : Damien Dion, artista francés nacido en 1985, El trabajo artístico de Damien Dion se basa principalmente en un juego polisémico entre la realidad, el lenguaje y la ficción. Su práctica proteica se compone de gestos discretos, performances, protocolos, imágenes, sonidos, intervenciones in situ, textos, ediciones, instalaciones y objetos. Le interesa la brecha entre el presente y lo ausente, el gesto y su restitución, el arte y sus contextos de inscripción. Se formó en la Escuela Superior de Arte y Diseño de Orleans (Francia), donde obtuvo un máster en diseño gráfico en 2011, y luego en la Escuela de Artes de la Sorbona (París 1 Panthéon-Sorbonne), donde obtuvo un doctorado en artes y ciencias del arte en 2019, con una tesis titulada Récits, fictions, descriptions: l'ekphrasis comme pratique artistique (Narraciones, ficciones, descripciones: la écfrasis como práctica artística), bajo la supervisión de Christophe Viart. Vive y trabaja en Saint-Denis (norte de París, Francia) Instagram : @diondamien Libro : Sin esfuerzo sin objeto.

Libro de artista de 130 páginas. En 2021 se publicó una primera edición en francés titulada Pas d'effort pas d'objet. La presente edición en español data de 2022.

"Sin esfuerzo, sin objeto" es una cita del filósofo Johann Gottlieb Fichte. Esta frase, especialmente significativa en el arte en lo que se refiere a la cuestión de esforzarse (o no) por producir un objeto (o no), es objeto de 64 variaciones de puntuación. La repetición secuencial, página tras página, de esta fórmula única, que puede leerse a su vez como una declaración, una afirmación, un manifiesto, una interrogación, una enumeración, una exclamación, una palabra de orden, una meditación o incluso una vacilación, está sometida a un agotamiento combinatorio de la puntuación que genera un desorden semántico. Variaciones de puntuación, variaciones de tono, variaciones de significado... tantas variaciones que hacen de la expresión "sin esfuerzo sin objeto" el objeto de un juego polisémico indecidible.

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LUDOVIC LALLIAT + CONSTANCE DE RAUCOURT (Francia) Biografía : Ludovic Lalliat nació en 1993 en Paris. Vive y trabaja en Paris. Obtuvo un diploma de Beaux-arts de Paris en octubre del 2021 dentro del taller de Joann Sfar. Sus dibujos están profundamente impregnados de narración que revela de forma mas o menos críptica según el medio que utiliza (dibujos de formato grande, historietas, ilustraciones). Se focaliza particularmente en las reacciones del publico frente a estas imágenes enigmáticas y fueras de contexto. La gran parte de sus dibujos son automáticos. Comienzan a partir de líneas hechas con los ojos cerrados. Su producción artística alterna entre periodos de escritura, de dibujo de observación y de producción de grandes formatos en tinta china. Ultimamente, se interesa a las estructuras narrativas de las historietas y trabaja varias de sus compilaciones Constance de Raucourt es una artista francesa que vive y trabaja en Paris. Obtuvo un diploma del Beaux Arts de Paris en julio del 2021. Su trabajo es multidisciplinario : videos, instalaciones, esculturas, dibujos y collages, son algunos de los medios presentes en su practica artística. Desde hace ya varios años, trabaja a partir de imagines que junta y que usa como soporte de creación. Constance de Raucourt transforma las imágenes y se las apropia. Guarda estas imágenes en cuadernos, recreando una suerte de libro con un orden escogido. Utiliza este conjunto de imágenes como una colección. 2022 Libro : Dialogos impresión láser, parte posterior cuadrada pegada, cubierta original: lona y tinta china, 5 impresiones firmadas y numeradas, 53x14cm (abierto), 26,5x14cm (cerrado), 2022 El libro Diálogos es el resultado de una colaboración entre los artistas Ludovic Lalliat y Constance de Raucourt. Fue iniciada por la serie de pinturas : Paz y arboles hechas por Ludovic Lalliat y expuestas en la galería 12:00 (Doce cero cero) en Bogota dentro del marco de la exposición Apuntes de nuevas propuestas franco-colombianas, 2021. La edición cuenta las tensiones y relaciones de interdependencia que forman parte del proceso creativo de los artistas, entre lo pictórico y lo gráfico. Esta en una lucha entre dos elementos de la imagen: lo solido y lo blando, lo seco y lo liquido. Los textos proponen una interpretación sobre el curso de estas acciones. El duo de artistas intentan responderse y de establecer un dialogo entre sus respectivas practicas. Las imágenes a la izquierda fueron hechas por Ludovico Lalliat y las de la derecha por Constance de Raucourt.

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LAURE MATHIEU (Francia) Biografía : Nacida en 1991 en París. Vive y trabaja entre París y la Isla Saint Denis, en la frontera de la escritura y la actuación. Insta : @lauremathieuhanen site : https://inplano.xyz/#lauremathieu Laure Mathieu es actualmente máster de creación literaria en París 8. Fundó el artist-run-space in.Plano y el colectivo Paradio. Su trabajo ha sido objeto de una exposición personal en el Centro de Arte Contemporáneo Passerelle de Brest. También ha participado recientemente en varios festivales de performance (en particular en la Fundación Ricard, SETU en Elliant, en el Jardín C, Nantes, Les Ecritures Bougées, Circunferencias en Château-Gontier, NCP x Do Disturb en el Palacio de Tokio) y en diferentes exposiciones colectivas (a in.Plano,The others Art Fair en Turín, ... ).Ella se graduó de un DNSEP en la EESAB sitio de Rennes, obtenido con las felicitaciones del jurado en 2015.

Reflexión artística : El trabajo performativo de Laure Mathieu combina textos, vídeos y esculturas. Se articula en torno a encuestas lingüísticas que ponen de relieve las estrategias de aparición y construcción del pensamiento y del habla. Escritos y leídos en solitario o en dúo, sus relatos filosóficos que tratan de la conciencia, la subjetividad, el poder de la ficción y su relación con lo real inducen una experiencia social de la lectura entre el artista y los espectadores. Publicó su primer libro, La cama más grande del mundo en Ediciones Extensibles en 2021.

3) El libro : LA VIDA DE LAS MANOS (A3) La vida de las manos es una edición realizada en el marco de Date(s), una exposición publicada, pensada durante la crisis pandémica en 2021. Se trata de un texto de tendencia erótica sobre la cuestión de lo palpable, del tacto, impreso en un formato ligeramente más estrecho que un A3, y cubierto con una tinta fototérmica roja que desaparece a partir de un calor de 27 º C. Por lo tanto, es revelado por el calor del dedo del lector, haciendo una experiencia de lo íntimo, de lo invisible.

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DAVID MOLINA MOLINA (Venezuela) Biografía : David Molina-Molina, 1990. Mérida, Edo. Mérida, Venezuela. Ingresa en 2010 en la Facultad de Arte de la Universidad de los Andes y egresa como Licenciado en Artes Visuales en 2016. Desde 2014 participa en exposiciones colectivas a nivel nacional e internacional. Paralelo a sus estudios en 2015 ingresa a los talleres de producción de la Facultad de Arquitectura y Diseño Industrial de la Universidad de los Andes donde se especializa en cerámica escultórica, tecnología de los esmaltes y tecnología de los materiales. En 2014 recibió el primer premio del salón Blanco y Negro del Centro Bellas Artes Ateneo de Maracaibo y el 3er Premio del Salón Jóvenes artistas Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (MACZUL) en 2018. Participó en 2018 con su proyecto Paisajes Afectivos en la Residencia Artística de La Macolla Brote Creativo en La Pastora, Distrito Capital, Caracas y en 2020 en la Residencia TerraGráfica “Terra de un mar/Magdalena Fernández”. Actualmente vive y trabaja en Caracas. Venezuela.

Reflexión artístico Mi inquietud se suscita fundamentalmente en relación con la naturaleza; considero que no vivo en un espacio homogéneo, estático y vacío, sino en el interior de un conjunto de formas y fenómenos relacionados entre sí, en ese suelo que nos sostiene hay una unidad integradora que condensa morfologías y nos permite determinar cómo percibimos y experimentamos el mundo, esta conexión entre la percepción y el espacio físico es el paisaje. Reflexiono sobre las cualidades que adquiere un paisaje al ser delimitado y sometido por el ojo humano así como también sobre su fisonomía y las relaciones de orden que estas articulan. Mis proyectos tienen un especial interés en reinterpretar las formas de la naturaleza para construir ideas y contenedores que condensen el gesto y la sensibilidad de las formas que tanto busco cuando veo y siento un paisaje. La expresión material es coincidente en mi lenguaje plástico, la escultura como principal medio expresivo me permite resumir las conexiones entre naturaleza y ser humano para reconstruir el entorno físico captando el gesto y esencia a través de formas que conquistan la realidad sensible.

El libro PROP-2 DÚO, Libro negro (2019) y Libro blanco (2021), 63 collages en papel, plástico y cartulina sobre, papel y cartulina negra., 15 cm x 18 cm x 2 cm / 15 cm x 16 cm x 1,5 cm, Mérida 2019 / Caracas 2021 Pareja de libros que retratan dos momentos de mi vida. El Libro negro fue hecho durante el periodo de apagones en Venezuela, la oscuridad tomó al paisaje y las formas sinuosas brotan de ella, por otra parte el Libro blanco fue hecho durante pandemia como método para transformar el confinamiento en ideas claras. Ambos trabajos son una estrategia para convertir las viscisitudes en arte y así encontrar la paz en el oficio.

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LUCIE PLANTY (Francia) Biografía : Lucie Planty es una artista plástica francesa, profesora de historia y de práctica de las imágenes en el superior, cofundadora del rtista-run space in.plano. Se graduó de Bellas Artes de París en 2016 con las felicitaciones del jurado. Ha participado en numerosas exposiciones en diversas instituciones francesas, así como en Italia (2018), Bélgica (2017; 2019), Ecuador (2016), China (2015) y la República Checa (2014). Entre otras, fue galardonada con el ‘premio de las fundaciones Albéric Rocheron’ en la exposición Felicita 17, del premio ‘Folie Digital’ en Jeune Création, está nominada al ‘Gran Premio del Instituto Cultural Bernard Magrez’ en Burdeos y al ‘Premio AMMA por el arte contemporáneo’ en el Bastille Design Center.

Reflexión artística : Lucie Planty constituye una obra multimedia a partir de colecciones de imágenes, procedentes de Internet, de archivos, de periódicos, de libros – estas imágenes hablan de historia, del saber humano y del arte. A partir de estos fondos iconográficos, cuestiona nuestras representaciones y nuestra relación con el tiempo, sistemáticamente desde el punto de vista de la desaparición. Esta desaparición interviene en el objeto: degradación del soporte, borrado de información, erosión digital – y en el tema: la arqueología, la expoliación de obras en 39-45, las destrucciones de Daesh, imágenes de historia privadas de contexto.

El libro : Borders Seen from the sky Dos ediciones, formato cerrado 39x22cm (1&2): formato abierto 39x500cm (1); 39x310cm (2): impresión láser sobre papel, aluminio cepillado, encuadernación Leporello, ejemplares únicos, 2022 Estas dos ediciones proponen dos fotogramas largos reconstruidos a partir de vistas travelling filmadas en avión sobre fronteras – no se especifican, podrían ser cualesquiera fronteras terrestres. Estas imágenes que parecen dibujos fueron tomadas en dos fuertes nubarrones, estas fronteras vistas desde el cielo son imposibles de discernir, evocan una especie de alboroto indescifrable. Esta edición propone responder al tema de la paz desde el punto de vista de la frontera: el desafío diplomático, político o económico de un límite entre dos estados se disipa detrás de las nubes, la separación se hace ilegible, quizás irrisoria. El libro, de una longitud importante (5 metros) que sigue el recorrido sinuoso de un límite, invita a una lectura poética y sensible sobre esta cuestión de los conflictos y de la paz que encuentra en este lugar su punto de tensión más fuerte.

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JOSIANE SAINT-MARTIN (Francia) Biografía : Nacida en 1952 en Houilles, Yvelines, Francia.

Vive en el Oise desde hace veinte años, Francia.e Estudió en la escuela de enfermería del hospital Necker niños enfermos en París.

Siempre le apasionaron el dibujo y la pintura, pero se tomó el tiempo de descubrirlos a la edad de 35 años. Josiane trabaja la acuarela, el acrílico y el grabado que la acompañan en la composición de sus libros.

Ella es directora de la galería de Arte 3060, Bazancourt, Oise.

Libro: 141 Grabado sobre lino, renalon, tinta e impreso sobre papel arcos, gofrado para ciertas obras, 15 obras, 21x29,7cm (cerrado), 2022 Libro constituido de dibujo de retratos de hombres heridos en la estación de 1914-1918 en Francia. Se les llamaba las bocas rotas. Este libro es un trabajo de memoria para no olvidar a aquellos hombres que han perdido sus rostros, que es la libertad.

«La paz es la ausencia de guerra. Es una virtud, un estado de ánimo, una voluntad de benevolencia, de confianza , de justicia»

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DIEGO SABOGAL (Colombia) Biografía : Diego Sabogal Bejarano nació en Bogotá-Colombia en 1984, actualmente vive y trabaja en Bogotá. Inicio sus estudios en artes Visuales en el 2002 en la Universidad Javeriana. Egresado del pregrado en Bellas Artes de la universidad Jorge Tadeo Lozano en 2010. Interesado en la producción de imágenes y la experimentación con los métodos de reproducción.

Los temas en los que reflexiona son las relaciones interpersonales, los ecosistemas, la memoria , la arquitectura y la psiquiatra.

La base de la mayoría de sus proyectos es el dibujo, Aun que para dar forma a sus diferentes reflexiones utilizo medios como instalación y video proyección. Actualmente el producto final de sus proyectos son las publicaciones especialmente de tipo fanzine. Otras publicaciones juegan con la encuadernación y el libro como objeto. Algunos otros proyectos son simplemente exploraciones graficas.

Entre sus exposiciones importantes se encuentran “Como desaparecer completamente” Centro Cultural Británico. Lima-Peru. El Truco es mantener la respiración”.

Séptimo Salón de Arte Joven Club el Nogal. Galería Club el Nogal. Bogotá-Colombia. “Diego sabogal Art” Festival Internacional de Comic y Dibujo Entreviñetas Mercado de artistas y editores emergentes edición latinoamericana Bogotá-Colombia. Publicaciones de Diego sabogal Feria Internacional del Libro (Filbo 2019) Pabellón Diseño Grafico y Comic, Colombia. Proyectos individuales se encuentran Hemisferio en Espacio Odeón. Taquipsiquia Espacio 101.

El libro : Dicotomías/Paz Dichotomiex/Paz Impresión índigo sobre papel, 13x10cm, 2022, Colombia El 20 se abril de 1949 se celebró el primer Congreso Mundial por La Paz. Presidido por un notable científico francés. Esto después de la Segunda Guerra Mundial . Para este congreso el artista Español Pablo Picasso ilustra la imagen del encuentro, la imagen es una paloma. A partir de este momento Picasso realiza dibujos de diferentes palomas que eventualmente ilustrarían otros congresos. La Paloma le avisa a Moisés que el diluvio ha terminado . La paloma es padre e hijo conformando una poderosa triangulación mística . Podemos ver así que la paloma como un animal que aparece después de un momento tormentoso y se vuelve un símbolo de que la tranquilidad está llegando. Para mi esta tranquilidad se traduce en Paz Interior. En mayo del 2016 perdí completamente mi propia paz interior y de ese momento quedan los dibujos que realice. Pájaros, plantas ,aviones que me emanaban tranquilidad. Estos elementos que con el tiempo he podido organizar y finalmente salen a la luz después de varios años de espera. La espera es importante y necesaria. Finalmente La Paz interior volvió a mi con un trabajo constante de dibujo y pintura. Es así como este libro se presenta como una dicotomía , dos Estados emocionales , dos idiomas , dos naciones, dos momentos , dos tiempos . Recordando que La Paz es un estado mutuo.

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ENTRETIERRAS (France) Casa de Edicion francesa Artycult La misión editorial de Artycult,: institución creada en Francia en 2003, se ha centrado en el desarrollo de publicaciones bilingües castellano/francés ofreciendo a los lectores registros de proyectos artísticos interdisciplinarios, catálogos de exposición, investigaciones, poesía, reflexiones... siempre fundamentados en experiencias de encuentros entre actores y pensamientos del continente europeo y latinoamericano.

Autores: Franklin Arellano (1976, Venezuela) Franklin Arellano es un investigador y curador franco venezolano. Ha realizado proyectos curatoriales y exposiciones y participó en jornadas de investigación y ciclos de conferencias en Francia, España, Venezuela, Colombia, Uruguay y China. En sus propuestas, el arte es campo de investigación que permite al individuo cuestionar sus acciones, su relación con el entorno y el otro demostrando un interés muy particular para valorizar la diversidad cultural.

Julia Nanda Bejarano López, nacida en 1991, en Bogotá-Colombia es artista, compositora e investigadora. Maestra en Artes Visuales de la Pontificia Universidad Javeriana y diplomada en Escenografía para teatro, televisión y exhibición comercial de la misma universidad. Ha participado en eventos artísticos y musicales en Colombia, México, Bolivia, Estados Unidos, Francia, Italia y España.

La obra Entretierras fue presentada por primera vez en la exposición colectiva Atractores Extraños curada por Ricardo Toledo Castellanos en LA Galería, parte de ArtBo Fin de Semana. (Bogotá, Colombia - Julio 2020).

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El libro : Observaciones de Franklin Arellano alrededor de la atarraya y la obra Entretierras de Julia Nanda Bejarano López.

Ediciones Artycult, 20x13 cm, 78 p., 2021

Presentación del libro Esta es la historia de un encuentro como de mil encuentros: una estadía en la ciudad de Bogotá del investigador Franklin Arellano permitió un acercamiento entre él y la artista Julia Nanda Bejarano, dándose la voluntad de colaborar en un proyecto común. Nace el compromiso de entablar un dialogo y dar a conocer las inspiraciones, los orígenes, objetivos y sueños que componen las obras.

Una pieza deviene el centro de interés, la instalación Entretierras, donde trasparecen muchas de las preocupaciones propias de la artista Julia Nanda Bejarano y donde se reflejan las interrogaciones de Franklin Arellano. En esta obra, la artista Julia Nanda Bejarano recurre al medio sonoro y a la red de pesca tradicional que se suele denominar “atarraya”. Una obra de encuentros: entre materialidad e impacto visual ocupando el espacio, inmaterialidad del sonido emitido por altoparlantes; entre raíces históricas e impulso hacía el futuro, tradición y modernidad; entre interrogantes sensibles y preocupaciones terrenales.

La investigación de Franklin Arellano y sus conversaciones con la artista Julia Nanda Bejarano ofrecen en este libro una nueva amplitud a la obra, permitiendo que el lector descubra raíces y ramificaciones de la creación, sin pretensión de explicitar el proceso artístico pero sí con el afán de compartir lo que significa experimentar y apreciar una obra de arte.

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DAVID CASTRO Y DANIELA MESA B (Colombia) Biografía David Leonardo Castro Chaparro, diseñador e ilustrador graduado de la Universidad Escuela de artes y letras, ha complementado sus estudios como impresor técnico en offset, serigrafía y pre prensista del Servicio Nacional de Aprendizaje. Desarrolla varios proyectos alrededor de la creación y diseño de ediciones en formatos análogos para bandas de música independientes tanto nacionales como internacionales, actualmente trabaja en su proyecto independiente Taller Colmillo donde realiza trabajos como diseño, edición e impresión en Risografía.

Daniela María Mesa Barco, Diseñadora e ilustradora graduada con honores de la Universidad Piloto de Colombia, ha trabajado junto a importantes agencias editoriales, su trabajo se ha centrado en el desarrollo de proyectos editoriales independientes y la gestión de proyectos culturales con su proyecto Taller Colmillo con el que lleva trabajando desde el año 2013. Junto a Taller Colmillo ha logrado participar en ediciones de ferias de libros en Bogotá, Manizales, Medellín y otros festivales internacionales en Italia, Perú, España y México.

El libro : FLUIR Encuadernación grapas metálicas Portadas durex 180 gramos, Papel interior bond 115 gramos, Impresión Risografía a 4 tintas,32 páginas, 19 x 13 cm (cerrado), 2022, Colombia Fluir es un fotolibro resultante de una serie de viajes realizados dentro de Colombia por carretera a poblaciones que para la cotidianidad citadina puede que no sean muy relevantes pero para la línea del tiempo de sus habitantes, estos territorios conservan una serie de historias, relatos y vivencias de personas que caminan por estos lugares y los conservan como espacios muy valiosos para la construcción de memoria colectiva y narraciones de sucesos ocurridos tanto positivos como negativos. Estas fotografías son una muestra de la belleza sublime de estos lugares en conjunto con sus pobladores.

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CÉSAR PADILLA BELTRÁN (COLOMBIA) Biografia César Padilla Beltrán, Bogotá 1959: Estudios en Pintura, Escuela de Artes de Bogotá 1981-1985; Maestro en Artes Plásticas Universidad El Bosque 2010; Asesor Técnico en Serigrafía Taller Arte Dos Gráfico 1982-1986. Socio en Serigrafía, Taller Giangrandi 1993-1997.

Docencia: Dibujo Pintura y Grabado, Programa Artes Pláticas Universidad El Bosque, 2001/ 2004-2016; Electivas en Grabado 20162020 y Electivas Teóricas Departamento de Humanidades U E Bosque, 2016-2022. U Pontificia Javeriana, Artes Visuales, Taller de Serigrafía, 2004-2005. La última exposición individual 2019 “Coleccionar y resistir”, Mayo, Galería Club El Nogal Bogotá. La última exposición colectiva “Cosas de casa”, Marzo, Estudio 74, Colectivo de grabadores, Bogotá. Ha publicado 3 libros sobre su trabajo artístico y 7 Libros Arte, el último, “Entre tanto”, en linóleo y MDF, estampado en prensa vertical y cocido a mano en papel Fabriano vergatona. También tiene 4 esculturas instaladas en Bogotá, la última “Pensador” escultura en bronce, 5 metros alto x 2.60 metros de ancho x 35 cm de fondo. Invitado a “AMALGAMA GRÁFICA INTERNACIONAL CONTEMPORÁNEA VI AMÉRICA”, con un grabado a tres colores, 2022.

Libro : Entre tanto Libro arte Grabado, 26 x 25 x 1,5 cm, 2022 Entre tanto” Es un proyecto que nace en la pandemia hasta hoy, el cual responde a la necesidad de pensarnos en la cotidianidad, comprobar que la compañía existe, el vernos y escucharnos compartiendo los silencios del día, el otro como uno. Al transitar el taller, volver y reacomodar, apartar y ver esas matrices que han sido realizadas en diferentes tiempos, la línea une los personajes, humanos en acciones habituales, reconociendo quienes son, creciendo para generar los cambios necesarios. Con los textos es una larga tarea; que ya traía, de revisar, releer y seleccionar para conseguir esas frases que compartan, que transmitan lo justo y que acompañen al espectador y dejar en ellos la inquietud sobre el tiempo en que viven.

La tarea de armar el libro-arte es dispendiosa, al seleccionar el material; papeles, imágenes y textos es preciso encontrar la tipografía adecuada y la forma de presentación, así se busca crear los ritmos para el público, articular de una manera fluida el peregrinar por cada hoja“ del Libro-Arte “Entre Tanto”. Hay que hacer que el espectador tenga una “escultura portable”. Lo siguiente es la realización de esos objetivos para tener hoy en sus manos este proyecto artístico.

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ANGÉLICA CHAVARRO (COLOMBIA) Libro : Reparación remedio Plegable, Técnica Mixta, 31 x 25 x 10, 2021-2022 Colombia Con el uso de la palabra y el tejido como vínculos conceptuales y recursos expresivos en la obra, se presenta una interpretación plástica del concepto “conflicto”. El propósito es compartir una especie de recorrido o mapa entendiendo la palabra como elemento protagónico dentro del conflicto. La palabra está vinculada a los pensamientos y por consiguiente a las emociones que posteriormente se materializan en acciones, formando una red, trama o malla relacional que hace posible la vida. Desde la palabra, oral o escrita, se tejen las relaciones y se posibilita la comprensión frente a una situación individual o social, la palabra permite escalar la situación del conflicto a una experiencia de aprendizaje. Este libro no pretende empezar o terminar con su condición material sino expandirse hacia esferas de reflexión sensibles, compartiendo la combinación de distintos lenguajes y formas de comunicar evidenciando que el conflicto es un enredo y basta con respirar, observar y desenredarnos para tender una comunicación respetuosa, clara y consciente que permita conciliar las diferencias.

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VANESSA NIETO (COLOMBIA) Libro : “I Desire You Would Remember the Ladies” , Libro de artista, Tela, impresión fotográfica digital y tipográfica sobre papel Kozo. Encuadernación manual a cuatro agujas. 18.5 cm x 19 cm x 4.5 cm, Edición de 10 ejemplares, 2017, Colombia Este libro de artista contiene memorias y registros fotográficos de la instalación in-situ Deseo que recuerde a las damas, realizada por Vanessa Nieto Romero, y documentada por Cesar Faustino y Savannah Barkley. Estas imágenes resuenan con fragmentos del poema La señora Kessler, de Antologías de Spoon River, escrito por el poeta estadounidense Edgar Lee Masters, en 1916. Durante el otoño de 2016, esta instalación hizo parte de la exhibición Fort Adams: Drawing Parallels, Listening for Echoes (Fort Adams: Trazando Paralelos, Escuchando Ecos) ; producto de una colaboración entre el parque estatal de Fort Adams y la Escuela de Diseño de Rhode Island (RISD) en Newport, Estados Unidos. La instalación se compuso de tres piezas escultóricas y una acción performática, con las cuales se investigó en torno a la importante, pero subvalorada labor de las mujeres lavanderas de fuertes militares, primordialmente, durante el siglo XIX en Estados Unidos.

En este cuerpo de trabajo, atendí a preguntas con relación a la presencia femenina en los cuarteles de los oficiales en Fort Adams (un fuerte militar de suma importancia en la historia de Estados Unidos).Exploré la materialidad y carácter efímero del jabón y la tela, contrastado con la fuerza y labor emprendida por las lavanderas para sostener a sus familias.

Poemas, peticiones, y nombres de lavanderas son impresos en ladrillos de jabón, placas y piezas textiles para resucitar la presencia de la mujer y responder a la carencia de reconocimiento de su labor en registros militares.

El título del proyecto surge de una carta escrita en marzo 31 de 1776 por Abigail Adams, esposa de John Adams. segundo presidente estadounidense ,y a nombre de quien se erige este fuerte militar. En la carta, Abigail le pide recordar a las mujeres de la nación en tiempos de guerra. Creditos imagenes: Rhode Island School of Design, Special Collections.

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Laura Camila Ramos (Colombia) Libro : Fanzine Furioza X vol.1, Fanzine impresión, 20x16ccm, 2021, Colombia Furioza X es una investigación-creación sobre las relaciones entre el fanzine, el punk y el feminismo, en la indagación teórica aborda la reunión de mujeres alrededor de las prácticas editoriales independientes y la auto publicación, recopila experiencias de mujeres en la escena punk de Colombia, Latinoamérica y España .

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ANDRÉS FRIX BUSTAMANTE (COLOMBIA) Conversaciones malévolas de dos moscos en leche, fanzine experimental, técnica mixta variables, dimensiones variables, dimensiones variables, 2013-2022, Colombia Es un proyecto de edición, publicación, exposición y creación audiovisual que se propone articular una serie de actividades de reflexión estética y social, se trata entonces de un ejercicio de práctica artística donde las nociones de colaboración y reflexión crítica sobre la cotidianeidad configuran el cuerpo de la investigación.

Se piensa en múltiples redes de la experiencia, un sinfín de relaciones que van conformando aquello que da sentido; una necesidad de re-pensar el propio lugar de producción en base a los deseos y experiencias diarias, la rutinaria presencia de ciertas notas de diferencia tales como lo joven, lo local, la discusión erigida desde las problemáticas del entorno, identidad. Se concibe el zine como un espacio participativo de inclusión y respeto, resultado de ese ejercicio y teniendo de fondo procesos anteriores como el proyecto Frente al otro: dibujos en el posconflicto, una invitación en la que como artista participe pensando el zine como alternativa a una nueva visión de entender nuestro entorno.

A través de la yuxtaposición, el montaje, el bricolaje, la fotocopia; se establece cada proyecto a partir de una combinación siempre cambiante de los elementos, creando un entramado con encuentros, grietas y colisiones inesperadas, abraza el conflicto a través de la fricción de los diferentes fragmentos, una fricción que juega con repeticiones arbitrarias, rupturas y contrastes. A través de estos dibujos y palabras, testigos de lo que sucede cuando nos sentamos frente al otro. La muestra incluye una línea de hechos de paz, en la que se registran datos concretos de paz en la historia de Colombia, desde la Guerra de los Mil Días hasta los diálogos de hoy en La Habana.

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Mateo Pérez Correa (COLOMBIA) Libro : El Salto, Libro arte fotografía, 20x24cm, 2020, Colombia El proyecto del fotolibro "El Salto" se sitúa en el contexto particular de la fotografía de paisaje y reúne una serie de fotografías del Salto del Tequendama en las inmediaciones de Bogotá (Colombia) que evidencian puntos de tensión evidente: El Salto del Tequendama visto como un paisaje majestuoso, que atrae la mirada de todos los turistas, ícono histórico de la nación. Pero también, El Salto como vertedero de la incontrolada contaminación del río Bogotá y como paisaje fatal donde los suicidas buscan aliviar sus penas. Dichas motivaciones artísticas comienzan a abordar cuestiones del control y configuración del paisaje, de su representación a través de la historia y la manera en que se establecen relaciones entre el hombre y el espacio que habita. Lo mencionado anteriormente es evocado por el uso de los insertos a manera de diálogos con el pasado histórico por medio de imágenes y textos.

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MALEVO EDITORES; JUAN ALONSO & DAVID COTÉS (COLOMBIA) Libro : Noctuorio. Antología de pesadillas, Revista cómic, 16x24, 2022, Colombia En el 2021 Malevo Editores decidió llamar a una docena de artistas para que, entre cobijas y malos sueños, invocaran y evocaran imágenes de pesadilla.

Este llamado les proponía la creación de un cómic dentro de una completa libertad creativa en cuanto a sus figuras y narrativas en las que las viñetas y los personajes partieran de la gramática onírica de la mala noche.

Para lograr este objetivo se estableció un número de páginas y se seleccionó un color azul que se derramara a través de las hojas en un silencio absoluto.

Fue así como grandes dibujantes e historietistas se sumergieron en lo más profundo de su subconsciente para crear un mundo anacrónico, oscuro y siniestro que, más que narrar un sueño personal, pudiese transmitir esa sensación de miedo y locura del soñante cuando se ve obligado a atravesar los inmensos lagos de su propia oscuridad.

El resultado es Noctuorio. Antología de pesadillas, el segundo libro de la editorial independiente Malevo Editores que tiene como propósito la concepción, edición y publicación de obras que transitan ese punto fronterizo en el que se divide y se une la literatura con las artes plásticas y visuales.

En las páginas de Noctuorio, los lectores encontrarán una narrativa donde las pesadillas se entrelazan y vinculan a través de imágenes, situaciones, encuentros y desencuentros de seres desprevenidos, multitudes que piden socorro y escenarios de espeluznante ficción en ineludible encuentro con la pesadilla misma.

Por último, se incluye un epílogo que da cuenta del rostro de estos 12 creadores, de su información en la World Wide Web y del boceto del cual partieron sus cómics, los cuales le ofrecen al lector una idea de ese gérmen primigenio del proceso creativo en el mundo de la ilustración.

El libro cuenta con un prólogo de Oscar Pantoja, considerado el padre de la novela gráfica en Colombia.

Los artistas que participaron de Noctuorio son: David Cleves Guarnizo / Pilarbarvar / Manuela Guzmán / Felipe Camargo Rojas / Esteban Millán Pinzón / Gusanillo / Anez Flórez Corpus / X tian / Gonzalo García Gaitán / Ricardo Muñoz Izquierdo / Andrés Mauricio Rojas Rojas / Felipe Barragán y Sylvana Castro

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EDITORIAL AMAPOLA CARTONERA (COLOMBIA) Carlos Baena & Nohra Bohórquez Libro Carlos Baena Echeverry : Fragmento del periódico volveremos, Pintura acrílica sobre periódico, linóleo, tipografía móvil de metal, 56 x 60 cm, 2021, Colombia Para el desarrollo de esta propuesta plástica tomo como soporte periódicos colombianos publicados durante el período más incidente de la pandemia del Covid-19, marzo del 2020 a enero del 2021. Durante este tiempo la emergencia sanitaria se ha medido por tres categorías de alarma: amarilla, naranja y roja y los titulares y contenidos editoriales e informativos han rondado en torno a las consecuencias sociales, políticas, económicas, anímicas que ha producido esta pandemia en la sociedad colombiana y del mundo, de igual manera, ha sido profusa la información sobre las reacciones de los gobiernos en la contención de los efectos devastadores en el entramado social.

Con estas premisas abordo la serie Alertas, revisando en primera instancia el contenido de los periódicos seleccionados para destacar algunos titulares significativos de la situación presentada, los cuales disecciono con la forma de una plantilla de tapabocas, para pasar a cubrir con pintura acrílica y tintas las páginas, dejando más o menos evidencia de su contenido en un gesto tomado del palimpsesto.

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Libro Nohra Bohórquez : Doce instantes detenidos, Libro arte técnica mixta, 12X16 cm, 2020, Colombia DOCE INSTANTES DETENIDOS, es una propuesta que inicie en el 2020, una colección del encuentro del arte con la literatura, son textos poéticos, bellos mensajes esperanzadores para estos tiempos de incertidumbre que genera la pandemia, llenos de luminosidad con un lenguaje sencillo, en donde la imagen y el texto se complementan, realizando un fino tejido y así el arte se hace palabra y la palabra se hace arte. Inspirado en los pequeños detalles que se contemplan en el transcurrir de la vida, cautivados en las páginas de los libros, para liberar emociones y sensaciones que generan la contemplación de las pequeñas cosas. Es una invitación a conmoverse y dejarse impregnar el alma de las emociones que producen los pequeños detalles, que se hacen grandes ,cuando quedan impregnados en lo más profundo del ser; dejarse sorprender cada mes con la magia, al abrir cada libro y dedicar un tiempo a disfrutar la infinidad de posibilidades que nos permite experimentar la exploración de los libros a través de su creación minuciosa que permite disfrutar en la intimidad; imaginar ,generando recuerdos y sensaciones dormidas en el interior.

Logrando un diálogo entre todas las artes: las artes plásticas, la literatura, la música y la danzas a través de la imagen y la palabra; es un proyecto creativo en se ha permitido desarrollar todo el proceso desde la creación de los textos, las ilustraciones, el diseño, la tipografía la portada, los bocetos, la maqueta, el ensamblaje, la encuadernación, el separador y el empaque es realizado por el autor.

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COLECTIVO PENSAMIENTO ARTE CREACIÓN (COLOMBIA) Zaily del Pilar García Gutierrez , Sergio Nieto Uribe, Sebastián Jiménez Cortés, Alejandra Herrero Hernández Libro : Siluetas de infancias un álbum de ensueños, Libro arte técnica mixta, variables, 2022, Colombia Esta obra es una creación colectiva resultado de una investigación que vincula a las infancias, a docentes, líderes sociales y familias, quienes reflexionan sobre el lugar del pensamiento filosófico en la educación para el desarrollo de ciudadanía creativa y la construcción de paz a partir de la perspectiva interna de la persona (ethos creativo), donde las infancias se proyectan a partir de autorretratos.

Este libro-arte reflexiona cómo las partes del ser configuran a un individuo, relacionando las partes y el todo de las infancias.

Este libro-arte es una invitación a errar, perderse, interactuar e intervenir las distintas historias de infancias entrelazadas con el vivir en paz. Se presenta como un libro provocador y atrevido, que invita al lector a encontrar diferentes maneras de abrirlo o cerrarlo, para transcender del propio acto de lectura lineal que decodifica el signo, a la experiencia de su lectura como un acontecimiento interpretativo, creativo, imaginativo y propositivo. Este libro-arte irrumpe en la relación tradicional entre el libro y el lector, en tanto brinda la posibilidad de manipularlo de múltiples formas, un abrir y cerrar de hojas azaroso y divergente, que, entre prueba y error, el errar no tiene lugar, sino más bien se da cabida al asombro y a lo inesperado como el propio acto de caminar imaginativamente por las historias que emergen sobre las infancias en relación con la paz. Se busca convocar al lector a superar el binomio clásico ente autor-lector, en su papel de receptor de la historia, para retarse a, intervenirla, repensarla, accionarla y modificarla, y así seguir construyendo relatos que ayuden a transformar las relaciones entre infancias y paz.

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JANNETH VARGAS & RICARDO PRADO AMAYA,

(COLOMBIA)

Libro : Impermanencias, arte litografía y fotolitografía, 20,5X 30X 3,5cm, 2019 – 2021, Colombia "Impermanencias" es una obra que fusiona diferentes corrientes artísticas como la gráfica (litografía y fotolitografía), la fotografía, el dibujo y la poesía. Es una obra que busca recuperar y difundir la importancia de la producción de libros de artista como apuesta plástica y sensible, abriendo camino a las producciones independientes que no dependen de los tirajes de editoriales comerciales. A nivel conceptual la obra reflexiona sobre la impermanencia y los cambios cíclicos de cada ser humano desde la introspección en el mundo interno personal, es una invitación a aceptar el flujo constante que nos transforma y nos diluye en cada paso que damos, pues todo lo creemos que es sólido e inamovible es efímero y pasajero. De igual manera el proyecto reivindica la técnica de la litografía, como una vertiente del grabado, que si bien puede considerarse como la base más importante, sobre la cual se establecieron métodos y procedimientos modernos respecto al arte gráfico y el arte plástico, hoy día en Colombia es un oficio que se imparte cada vez menos en instituciones universitarias y son muy pocos los talleres independientes que siguen realizando obras en este campo de acción, lo que lo convierte en un oficio que paulatinamente se ha ido extinguiendo en el país.

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SANTIAGO CÁRDENAS (COLOMBIA) Biografía : Artista bogotano. Aunque vivió gran parte de su juventud en Estados Unidos, la carrera artística de Cárdenas ha tenido lugar en Colombia. Su labor se ha repartido entre la creación y la docencia, pues ha estado vinculado como profesor a la Universidad Nacional y a la Universidad de los Andes.

Además de los premios y exposiciones en el país, las obras de Cárdenas han sido parte de exposiciones internacionales en instituciones tan importantes como el Museo de Arte Moderno de Nueva York y la galería Hayward de Londres.

Pintor y dibujante nacido en Bogotá, en 1937. Santiago Cárdenas Arroyo estudió en la Rhode Island School of Design, en Providence, y obtuvo el Master en Bellas Artes en la Universidad de Yale, en New Haven (Connecticut). Regresó a Colombia en 1966 y se vinculó como profesor a las Universidades de los Andes y Nacional. En 1976 ganó el primer premio en Pintura del XXVI Salón Nacional de Artes Visuales, con el óleo La corbata. Cárdenas ha pintado y dibujado muchas cosas que corresponden al mundo actual y que han sido tratadas de muchas maneras por los más variados contemporáneos.

Características de su obra : Pronto el artista se vuelve un pintor cuya técnica la crítica empezó a describir como aquella que se enfoca en que un cuadro, en su conjunto o en algún detalle, esté pintado con la intención de producir un efecto de realidad exacta que engañe al espectador. Las cosas se ven tan reales que la gente se equivoca y trata de asirlas. Cárdenas pinta entonces persianas, cajas de cartón cerradas y aplanadas, telas y tableros, muchos tableros.

A base de trabajo preciosista, Cárdenas desarrolla una obra del más espléndido refinamiento visual. A diferencia de los tableros reales, sus lienzos pintados al óleo no son superficies apagadas, sino que tienen una atmósfera particular, en la que todo tiene importancia, por la presencia de una luz rasante que realza cada centímetro, cada mancha y cada toque gráfico del tablero pintado.

Desde mediados de los ochenta, su producción empieza a cambiar. Sobre los tableros aparecen figuras femeninas dibujadas como si alguien hubiera hecho al azar los bosquejos de unos desnudos. De este momento son una serie de dibujos matissianos tan sueltos y ondulados, como rápidos y abstraídos. Poco después, Cárdenas presenta un conjunto de cuadros bastante alejado de sus trabajos de los años precedentes, en el que el común denominador es una revisión de algunas de las tendencias más características de la pintura modernista, en especial del cubismo y del expresionismo. Más recientemente combina superficies que recuerdan las de sus tableros, con máculas y grafismos, y con objetos muy realistas, entre los que abundan los vasos con flores.

Esta biografía fue tomada de la Gran Enciclopedia de Colombia del Círculo de Lectores, tomado de biografías.

Libro : soledad del viejo amigo, Libro de 4 serigrafías y 8 paginas # 1 , 83 de 100, 61x41x1cm, Libro arte, 1982, Colombia

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ALLINA TRIXI (COLOMBIA) Libro : Espacio cuerpo y materia, Libro de 5 paginas, 32x20x4 cm, 2011, Colombia El objeto de arte libro “Espacio, cuerpo y materia”, explora el concepto de escultura de superficie que propone como un sub-género de la Escultura mediante la articulación de los problemas especiales del site con un modo de escribir la experiencia de la casa en el libro. Es así como las huellas y las trazas de la vida cotidiana con las que se dibuja su casa se inscriben en estas superficies para mostrarse como los espacios de un libro/casa; ha considerado protagonizar una forma de narrativa escultórica escribiendo y transformando la superficie de cada página. En este libro objeto arte se convierte en un documento de la memoria de los modos de habitar la casa. Recuerdos del paso del tiempo, de la cotidianeidad, la casa que se puede convertir en un espacio vacío, desprotegido y abandonado.

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Organiza

Museo de arte Contemporáneo de Bogotá Carrera 74 N° 82ª – 81 / Tel: (57) 2916520 – Ext: 6160 www.mac.org.co Bogotá Colombia