Luuk Magazine | September issue

REBIRTH

In copertina un’opera di Camilla Falsini.

L’artista e illustratrice nota per i suoi murales e libri illustrati lavora e vive a Roma.

On the cover a work by Camilla Falsini.

The artist and illustrator, known for her murales and illustrated books, works and lives in Rome.

48 30 10 16 20 22 28 4

THE GEM PALACE Ildo Damiano

50

SKINCARE ROUTINE Laura Taccani

BEAUTIFUL MILANO Maria Vittoria Pozzi

CINEMA LOVES FASHION Daniela Fedi

ENCOUNTERS OF THE THIRD KIND

Martina D’Amelio

JEWELRY COUP DE FOUDRE

32

FRENCH SOUL

52

34

INSTA TREND Beatrice Trinci

54

CREATIVE EXPRESSION

LA VIE EN ROUGE

56

DUBAI

36

Michela Proietti

Maria Vittoria Pozzi

BEAUTY COUP DE FOUDRE

Laura Taccani

Carla Diamanti

DUVET

Luca Antonio Dondi

THE ANIMAL CLOCK FACE Martina D’Amelio

40

BEAUTY ALERT

64

LIFE IN A BUBBLE

46

ONE FOR ALL

70

MOUNTAIN ESCAPE

Barbara Micheletto Spadini

Annalisa Betti

Virginia Francesca Grassi

Carla Diamanti

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Redazione Via Novara, 216 20153 Milano Tel. +39 02 49464819 segreteria@luukmagazine.com www.luukmagazine.com Fondatore e direttore editoriale Luca Micheletto Direttore responsabile Emanuela Beretta Coordinamento editoriale Virginia Francesca Grassi Direttore creativo Ildo Damiano Progetto grafico Nicole Sancassani Caporedattore moda Martina D’Amelio Caporedattore Beauty & Lifestyle Barbara Micheletto Spadini Hanno collaborato Annalisa Betti, Alessandra Cesana, Carla Diamanti, Luca Antonio Dondi, Daniela Fedi, Giorgia Giuliano, Umberta Gnutti Beretta, Clarissa Monti, Maria Vittoria Pozzi, Michela Proietti, Alessandro Isidoro Re, Laura Taccani, Beatrice Trinci Numero chiuso in redazione il 6/09/2019

72 74 80

6

ON AIR

Clarissa Monti

88

A DAY IN VENICE

Barbara Micheletto Spadini

WILLY RIZZO Alessandra Cesana

90

SUSHI ART

A TALK WITH EDOARDO MONTI

92

BRITAIN

Umberta Gnutti Beretta

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FUTURE ON THE ROAD

84

MODERN WUNDERKAMMER

Alessandro Isidoro Re

Beatrice Trinci

Ildo Damiano

Giorgia Giuliano

96

PINK FOOD EMPOWERMENT

98

FOOD

Virginia Francesca Grassi

Virginia Francesca Grassi

Luuk Magazine è una testata giornalistica, iscrizione registro stampa N. 68 del 7 febbraio 2017 - Tribunale di Milano Pubblicità adv@luukmagazine.com Traduzioni Kosmos srl Tipografia Rotolito S.p.A. Via Sondrio, 3 20096 Pioltello (MI) Tel. +39 02 92195302 Proprietario ed Editore Luuk Group srl Via Guido d’Arezzo, 8 20145 Milano P. Iva 09168940964 La riproduzione intera o parziale dei testi, disegni e fotografie è vietata: diritti riservati in tutto il mondo.

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ARTICOLI DI MODA DI LUSSO PRE-OWNED AUTENTICATI, VENDUTI DALLA NOSTRA COMMUNITY

A new path

«Imparare è come remare controcorrente: appena smetti, torni indietro». Recita così un antico detto cinese che ho sempre apprezzato e che non ha mai smesso di accompagnarmi nella vita. Quando poi ho cominciato la mia avventura in Luuk, ormai quasi dieci anni fa, non mi ha stupito ritrovare questa visione anche all’interno della redazione, che si traduce quotidianamente in un modo di affrontare le cose con passione, umiltà e un pizzico di (sana) follia che oggi ci porta ancora una volta avanti, remando strenuamente.

Noi non ci stanchiamo di andare controcorrente e, del resto, sapete quanto ci piacciano i nuovi progetti e le grandi sfide: se così non fosse, del resto, da piccola finestra sul web dedicata alla moda non saremmo mai diventati la testata indipendente che siamo oggi.

Ecco perché abbiamo deciso di rinnovarci ancora: abbandonato il tabloid, siamo passati al formato magazine per dare più spazio ai contenuti, che sono sempre tanti e ogni volta, a malincuore, dovevamo sacrificare.

Così abbiamo risolto il problema nel mondo più semplice: ampliando la nostra foliazione! Non solo: abbiamo scelto una carta più ricercata, una grafica più accattivante e accolto nuove firme nella nostra grande famiglia. Ovviamente senza dimenticare l’energia e lo spirito che da sempre ci contraddistingue.

E allora eccoci pronti: in questo nuovo numero troverete – tra gli altri – il visionario connubio tra cinema e fashion, un incontro extraterrestre con lo stile per celebrare il cinquantenario dell’allunaggio, ma anche una tendenza come quella del duvet; e poi le novità beauty più irresistibili e unconventional, gli itinerari inediti per scoprire Dubai, tutta la magia dei bubble hotel dispersi negli angoli più suggestivi del pianeta, due chiacchiere con le più promettenti Chef del Belpaese, e molto altro ancora...

«Learning is like rowing upstream: the moment you stop, you go backwards». So goes an old Chinese saying I’ve always liked, and which has accompanied me throughout my life. And when I began my adventure at Luuk, ten years ago now, it came as no surprise to find this same vision here, where every day’s events are tackled with passion, humility and a pinch of (healthy) madness! This is what allows us to row strenuously ahead.

We never tire of rowing upstream, and you know how much we enjoy new projects and big challenges: if we didn’t, we’d never have evolved from a little window on the web dedicated to fashion into the independent publication we are today.

This is why we’ve decided to move on once again, abandoning the tabloid format in favour of paperback, to make more room for the invariably lengthy content we were continually forced – with a heavy heart - to restrict. So we solved the problem in the simplest way possible: with more pages! And we’ve chosen a more attractive paper and more appealing graphics, as well as welcoming new contributors to the Luuk family. Without, of course, forgetting the energy and the spirit that have always been our hallmark.

So we’re good to go, and in this new issue you’ll find – amongst other features – the visionary combination of cinema and fashion, an extra-terrestrial encounter with style to celebrate the 50th anniversary of the moon landing, as well as the duvet trend; and then there’s all the most irresistible, unconventional new beauty releases, original itineraries to explore Dubai, all the magic of the bubble hotels scattered around the most delightful locations on the planet, a chat with Italy’s most promising female chefs, and much more…

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CINEMA LOVES FASHION Daniela Fedi

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Previous page: Gucci Photo Credits. Top left, Silvia venturini and LucaGuadagnino. On the page right fendi man Spring/Summer 2020.

The latest case regards Fendi, which in June presented an unforgettable men’s collection for spring-summer 2020, exclusively in collaboration with Luca Guadagnino. The acclaimed director of Call me by your name did not simply direct the show, but was impeccable in performing the role of guest artist entrusted to him by Silvia Venturini Fendi. The film-maker and the designer shared the entire project, starting from the theme that inspired it: gardening as a means of salvation from what a famous 1970s Italian TV commercial described as “the stresses and strains of modern life”. It was Guadagnino, on the set of Suspiria, who digitally designed the series of overlapping, multicoloured lines then used by Fendi as a base for both the prints and accessories in the collection.

He also created the pattern entitled “Botanics for Fendi”, which has everything it takes to become a classic. He then took on the artistic direction of the show, monitored the casting and asked the Japanese composer Ryuichi Sakamoto for a reworking of the tracks on BTTB (Back To The Basics) to use as the soundtrack for the show. This is a perfect example of the harmony of passion and the senses that teams fashion with cinema, something that goes back a long way.

Another example is Giorgio Armani. As well as creating a legend by famously dressing Richard Gere in American Gigolo, and the marvellous costumes he created for The Untouchables and for Christian Bale in The Dark Knight, he has a long-standing friendship with Martin Scorsese, for whom he was executive producer of the documentary My Voyage to Italy. As if this were not enough, Italy’s most famous designer also created Armani/Laboratorio, a free, intensive training programme for students interested in cinematography. And there’s even a cinema in the Armani Silos in Milan; in the frank style he’s known for, Armani says: “I don’t know what I’d do without the cinema. I certainly wouldn’t be either the stylist or the man I am”.

This view is shared by Miuccia Prada, and Prada/Miu Miu has collaborated with the world’s top directors on numerous prestigious projects. The first dates back to 2005, when Ridley Scott and his daughter Jordan shot the short film Thunder Perfect Mind in Berlin for the launch of the new Prada fragrance; this was followed by Bar Luce inside the Fondazione Prada, created with Wes Anderson, and the Miu Miu Women’s Tales, fantastic short films offering a series of reflections on the female universe.

Equally splendid are the links between Gucci and the cinema (the most recent with Yorgos Lanthimos), but after all, we’re talking about the brand that really relaunched the idea of power to the imagination. There’s nothing able to make us dream, cry, laugh – and above all imagine - quite like a film.

L’ultimo caso in ordine di tempo riguarda Fendi, che lo scorso giugno ha presentato un’indimenticabile collezione uomo per la primavera-estate 2020 in collaborazione esclusiva con Luca Guadagnino. L’acclamato regista di Call me by your name e di tanti altri magici film non si è limitato a curare la regia dello show nei giardini di Villa Reale a Milano – per la cronaca, è stato semplicemente meraviglioso –, ma ha svolto nel migliore dei modi possibili il ruolo di guest artist affidatogli da Silvia Venturini Fendi.

Il cineasta e la designer hanno infatti condiviso l’intero progetto, a cominciare dall’ispirazione: il gardening come àncora di salvezza contro quello che in un celebre Carosello degli anni ’70 veniva chiamato “Il logorio della vita moderna”. Lui ha disegnato digitalmente sul set di Suspiria la serie di linee multicolori sovrapposte che lei ha utilizzato come punto di partenza tanto delle stampe quanto degli accessori. In più ha creato un motivo intitolato Botanics for Fendi che ha tutte le carte in regola per diventare un grande classico. Poi si è occupato della direzione artistica dello show e ha seguito il casting, oltre a chiedere al compositore giapponese Ryuichi Sakamoto (indimenticabile interprete con David Bowie del film di Nagisa Oshima Furyo, Merry Christmass Mr. Lawrence) una rielaborazione dei brani di BTTB (Back To The Basics) come colonna sonora della sfilata. Insomma, una perfetta corrispondenza di amorosi sensi tra moda e cinema che, nel caso specifico, ha una lunga storia alle spalle. La prima collaborazione tra Fendi e Guadagnino risale infatti al 2005, quando Silvia commissionò a Luca il corto intitolato The First Sun per la presentazione della collezione uomo primavera-estate 2006. Poi lei è stata produttore associato di due film del regista, Io Sono L’Amore (2009) e Suspiria (2018), mentre lui è il produttore di Born To Be Murdered, diretto da Ferdinando Cito Filomarino e con colonna sonora composta da Ryuichi Sakamoto. Vale la pena di ricordare che Fendi ha sempre avuto un occhio di riguardo per la Settima Arte. Maria Teresa Venturini Fendi, sorella di Silvia, ricorda benissimo le visite di Silvana Mangano e Luchino Visconti in atelier per mettere a punto l’impeccabile guardaroba della diva sul set di Gruppo di famiglia in un interno. E non per niente il meraviglioso cappotto doppiato in zibellino che la Mangano sfoggia nelle prime scene del film è stato uno dei pezzi più belli e interessanti della scenografica sfilata couture del 4 luglio scorso a Roma.

Il punto è proprio qui: le grandi firme della moda non si limitano a vestire i film ma collaborano a diversi livelli con registi e attori di fama mondiale. È il caso per esempio di Giorgio Armani che, oltre ad aver creato il mito di Richard Gere con la celebre scena della vestizione in American Gigolo e ad aver firmato gli abiti dei protagonisti de Gli Intoccabili e di Christian Bale ne Il cavaliere oscuro, vanta un’amicizia di lunga data con Martin Scorsese, per cui è stato produttore esecutivo del documentario Il mio viaggio in Italia, che il regista ha girato come omaggio al cinema italiano dagli anni ’40 ai ’60. A sua volta, nel 1990 Scorsese ha dedicato allo stilista un documentario intitolato Made in Milan, mentre Re Giorgio sostiene la World Cinema Foundation che il regista di Taxi Driver ha fortemente voluto per preservare e restaurare film provenienti da tutto il mondo. Come se non bastasse, il più famoso dei nostri designer ha creato Armani/ Laboratorio, un percorso di formazione intensivo e gratuito dedicato ai talenti più promettenti della cinematografia. Infine, c’è una sala cinema all’interno dell’Armani Silos di Milano e lui, con la franchezza che gli è propria, dice spesso: «Non so cosa farei senza il cinema, di sicuro non sarei né lo stilista né l’uomo che sono».

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La pensa così anche Miuccia Prada, che definisce la Settima Arte come «Un linguaggio naturale capace di coinvolgere sfere eterogenee come la vista e il suono, creando così un’interazione diretta e immediata con le persone oltre la moda». Non si contano infatti le prestigiose collaborazioni tra Prada/Miu Miu e i migliori registi del mondo. Si comincia dal 2005 quando Ridley Scott e sua figlia Jordan hanno girato a Berlino Thunder Perfect Mind, il corto per il lancio del nuovo profumo Prada. Due anni dopo è stata la volta di Trembled Blossom, un capolavoro d’animazione diretto da James Lima, che nel modo più sperimentale possibile ha coinvolto la creazione della collezione donna primavera-estate 2008, il design dei tessuti, l’allestimento della sala sfilata, il wallpaper per specifici ambienti e i set fotografici.

Poi è arrivato First Spring con l’artista cinese Yang Fudong e innumerevoli altre prestigiose collaborazioni con geni del calibro di Roman Polansky. La grande Signora del made in Italy ha addirittura ideato con Wes Anderson il Bar Luce all’interno della Fondazione Prada, il cui cinema ha una programma d’essai a cinque stelle. Per Miu Miu ci sono invece i cosiddetti Women’s Tales, fantastici corti d’autrice per riflettere sulla complessità del mondo femminile.

Un lavoro di primissimo ordine, insomma, davanti al quale impallidiscono i grandi marchi francesi come Louis Vuitton, che pure ha fatto cose mirabolanti, oltre ad aprire Étoile, una vera e propria sala cinematografica all’interno del negozio di Roma. In seguito a questa scelta interessante, dal 2009 per due edizioni la griffe ha organizzato i Journey Awards, chiamando i registi emergenti a realizzare cortometraggi a tema; poi, dal 2012 al 2015, ha collaborato con il Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma. Last but not least, c’è stata la presenza di Xavier Dolan all’ultima sfilata uomo del brand, che fa ben sperare in una cooperazione tra il regista e Virgil Abloh, attuale re del cosiddetto streetwear di lusso.

Formidabili anche i legami tra Gucci e il cinema (l’ultimo in ordine di tempo con Yorgos Lanthimos), ma in fondo stiamo parlando del brand che ha veramente rilanciato l’idea dell’immaginazione al potere. Niente ci fa sognare, piangere, ridere e soprattutto immaginare più di un film.

Non per nulla Marcel Rochas negli anni ’30 aveva aperto un laboratorio per testare la resa dei tessuti sotto i riflettori e le sue collaborazioni con Hollywood furono così intense che divenne l’amante di Mae West, legame interrotto solo dal matrimonio del designer che alla sposa pensò bene di regalare una boccetta di profumo disegnata appositamente. Il flacone di Femme ancora oggi conserva le curve sinuose della diva che agli uomini diceva: «Hai una pistola lì o sei solo contento di rivedermi?».

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Top left Thunder Perfect Mind by Prada 2005.

On the left Étoile, cinema room Louis Vuitton shop in Rome.

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Iris

Van

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Alexandre Vauthier

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Rick Owens

Gucci

Manish Arora

Alexander McQueen Moncler - Simone Rocha

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ENCOUNTERS OF THE

THIRD KIND Martina D’Amelio

20 luglio 1969. Sono passati 50 anni da quando il piccolo passo di un solo uomo si è trasformato in un grande salto per l’umanità. Anche nel campo, spaziale, della moda: la scoperta di Neil Armstrong ha colpito in primis i sarti della Space Age. Da Pierre Cardin con la sua primavera-estate 1964 al ritmo di pvc a Courrèges con la Cosmocorps unisex del 1968, “inventata per una vita che non esiste ancora – il mondo di domani”. E poi Paco Rabanne, che nello stesso anno veste Barbarella nell’omonimo film e lancia il miniabito in maglia metallica, uno dei primi simboli dell’empowerment femminile.

Visionari? Chiamiamoli pure precursori. I loro omaggi alla NASA sono più palesi di quelli dei designer contemporanei.

Il cammino iniziato da quel piccolo passo di un solo uomo continua. Ma è il salto quello che conta. Quello fatto, per primo, da Alexander McQueen, che nel 1999 sposta il radar dall’esploratore alla scoperta. E sebbene sulla Luna non siano state rilevate tracce di esseri viventi, la passerella autunno-inverno 1999/2000 di Givenchy si popola di donne che sembrano provenire da un’altra galassia. Strizzate in calotte di plastica e ricoperte di circuiti a led luminosi, con il caschetto alla Tron (1982) e gli occhi infossati dei rapitori di Close Encounters of the Third Kind (1977), il capolavoro di Steven Spielberg. Alter ego virtuali, eppure così terreni.

In quel momento storico, la collezione dello stilista britannico agisce secondo fantascienza: offre una concreta evasione dal reale e rivela attraverso il catwalk una diffusa ansia culturale. L’entusiasmo infantile del “cono gelato” di Barry svanisce per lasciare spazio a crateri più difficili da digerire. Come potrebbe essere l’umanità mille anni nel futuro a partire da oggi? Se l’hooligan della moda fornisce per primo un’isolata – e per questo indimenticabile – interpretazione, a seguirlo sono i designer del nuovo millennio.

Sembra ieri – ed effettivamente lo è – che Alessandro Michele apre le porte della sua sala operatoria a creature umanoidi, accompagnate dalle proprie teste mozzate e da piccoli draghi ispirati alle creature di Tale of Tales di Matteo Garrone (2015).

Ma i più attenti non si sono lasciati trasportare dalla deriva fantasy; piuttosto, hanno rivisto nella sfilata l’opera di Donna Haraway, A Cyborg Manifesto (1984), testo fondamentale della teoria post-umanista, che propone un completo rifiuto dei binari stabiliti e getta la nozione d’identità in subbuglio.

Il risultato? Il Gucci cyborg: una creatura biologicamente

indefinita con un’identità ibrida, simbolo di progresso (fanta) scientifico. Post-umano, dunque? Quel che è certo, è che agli extraterrestri il logo GG dona. Come le pennellate di vernice arancione, blu, verde e fucsia delle replicanti di Jackie Kennedy e Marilyn Monroe che popolano la sfilata autunno-inverno 2018/2019 di Moschino. Creature provenienti da un altro pianeta? La CIA nutre ancora qualche dubbio; ma quel che è certo è che l’Alien Nation di Jeremy Scott concede all’androide una dignità storica, grazie al suo fascino retro futuristico.

Che si trasforma in grim and glamorous nello spettacolo inscenato alla Paris Fashion Week da Rick Owens. La collezione autunno-inverno 2019/2020 pullula di alieni con tanto di orecchie appuntite, nasi protesici, lenti a contatto nere e corna. Il modello replicato dalle truccatrici Diane Kendal e Sad Salvia, leader nel campo della modificazione cosmetica, è nientemeno che il David Bowie di Diamond Dogs (1974). Che poi, a ben vedere, anche il Roy di Close Encounters of the Third Kind rimane scottato per metà faccia dopo l’incontro con gli ufo, citando Ziggy Stardust.

E se Manish Arora porta in passerella per l’autunno-inverno 2019/2020 normal people che di ordinario hanno solo la faccia di metallo alla Mad Max: Fury Road (2015), c’è anche chi in questo Pentamerone si focalizza sul succo della questione. O forse sarebbe meglio dire il gusto. È il caso di Iris van Herpen che, con Shift Souls, presentata durante l’ultima settimana dell’alta moda di Parigi, ci proietta in un futuro che possiamo quasi toccare con mano.

Tech couture: non abiti che rivestono, ma abiti che completano e cambiano il corpo, combinando con tecnologie futuristiche produzioni artigianali, in nome di una nuova era. Acciaio e seta, polvere di ferro e resina, che hanno suscitato l’interesse persino del CERN e del MIT. In passerella eleganti cibridi, organismi ibridi cellulari uomo-animale, a metà tra chimere mitologiche e astrologiche. Che sembrano uscite da Harmonia Macrocosmica, l’atlante stellare illustrato del cartografo seicentesco Andreas Cellarius. 18 opere tra ingegneria e moda che si pongono come concrete evoluzioni della forma umana. Sarà un caso che la

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20 July 1969. It’s 50 years now since one small step for one man became one giant leap for mankind. The first to be struck by Neil Armstrong’s discovery were the tailors of the Space Age in the Sixties, from Pierre Cardin to Courrèges and Paco Rabanne. Visionaries? They were trailblazers. Their tributes to NASA were more evident than those of contemporary designers. The journey that began with that one step by one man continues, but it’s the leap that counts. The first to make that leap was Alexander McQueen: The Givenchy 1999/2000 Fall-Winter collection was replete with aliens from another galaxy, their clothing covered with LED lights and with the sunken eyes of the kidnappers in Steven Spielberg’s Close Encounters of the Third Kind (1977). Virtual yet earthly alter egos. At that point in history, the collection was indicative of a widespread cultural angst: what might humankind be like in 1000 years? The hooligan of the fashion world may have been the first and at the time only one to offer an unforgettable interpretation, but he was followed by the designers of the new millennium. Alessandro Michele brings humanoid creatures onto the catwalk, inspired by Donna Haraway’s A Cyborg Manifesto (1984). The result? Cyborg by Gucci: a hybrid creature, a symbol of the progress of science (fiction). Post-human? Well, the GG logo certainly looks good on the extra-terrestrials.

Like the brushstrokes of paint on the replicants of Jackie Kennedy and Marilyn Monroe featured in the Moschino Fall-Winter 2018/2019 fashion show. Jeremy Scott offers a historical dignity to the android, which turns grim and glamorous in the Fall-Winter 2019/2020 show by Rick Owens, overrun with aliens bearing a resemblance to David Bowie. And while Manish Arora’s Fall-Winter 2019/2020 catwalk features normal people with a metal face à la Mad Max: Fury Road (2015), Iris van Herpen’s Shift Souls collection takes us into the realm of tech couture: clothes that don’t dress, but complete and alter the body of elegant cybrids, combining futuristic technologies with artisan production methods. It may not be a coincidence that the young Dutch stylist was a pupil of Alexander McQueen.

giovane stilista olandese è stata allieva di Alexander McQueen?

Ad avallare le cosmiche elucubrazioni dei designer ci pensano gli scienziati di Breakthrough Listen, il progetto di caccia agli alieni del valore di 100 milioni di dollari lanciato da luminari del calibro di Stephen Hawking, che affermano di aver completato la ricerca “più completa e sensibile” mai eseguita prima in questo campo. Il centro di ricerca SETI di Berkeley pare aver individuato alcune tecnosignature nell’universo, segnali che potrebbero indicare l’uso di trasmettitori o dispositivi di propulsione su altri mondi oltre la Terra, forse costruiti da altre civiltà. Ed è pronta a diramare i dati raccolti, stando al The Independent.

Nel frattempo, Fecal Matter – il brand nonché profilo Instagram dalla ripugnante bellezza extraterreste con oltre 160mila followers guidato da Hannah Rose Dalton e Steven Raj Bhaskaran – visita gli uffici di Vogue e compare come guest-star nel video di A$AP Rocky e FKA Twigs. Popolare, come il prezzo dei suoi stivali di pelle da 10 mila dollari. E no, non parliamo di vitello.

Perché creature extraterrestri oggi più che mai invadono la passerella (e non solo)? La fantascienza predice il futuro della società. Che poi è lo stesso dei nostri armadi. Nulla è più mutabile e mutuabile di un corpo alieno. Ci stiamo precipitando verso un avvenire fantascientifico molto reale, distante anni luce dalle teorie complottistiche dello sbarco sulla Luna. E ormai ci siamo abituati all’idea che partecipare a una sfilata non è più solo una prerogativa umana. Dal catwalk al frontrow, dalla modella al fashion avatar. Miquela, Noonoouri, Shudu, Imma: It Girl virtuali create appositamente per veicolare messaggi reali.

Nuovi, emblemi di femminilità androgina in cui tutti possono rispecchiarsi, perfetti nella loro “umanizzata” imperfezione. Se Miquela ha le lentiggini, l’asiatica Noonoouri ha occhi troppo grandi, mentre Shudu è la prima top avatar di colore, e Imma ha il caschetto rosa e la ricrescita. Ed è questo, in fondo, quello che le rende davvero appetibili per i marchi di moda: più di qualsiasi influencer in carne e ossa, le Avatar It Girl possono veicolare con precisione non solo collezioni, ma anche idee.

Prada, Dior, Balmain l’hanno già capito, scritturandole per le loro campagne e rendendole protagoniste dei loro account IG. E probabilmente sarebbero piaciute anche ai padri della Space Age. Invasione extraterrestre? Semmai, allineamento astrale: il virtual fashion soddisfa gli interessi dei consumatori, sempre più social, sempre più connessi, sempre più staccati dalla realtà. Ed ecco che torna l’insegnamento di Close Encounters of the Third Kind, che poi è lo stesso di Giulio Cesare: se non puoi batterli, unisciti a loro.

The designer’s cosmic elucubrations are backed by the scientists of the Breakthrough Listen project, who claim to have completed the “most complete and sensitive” research ever to be carried out on aliens, and are ready to publish the data they’ve collected. In the meantime, Fecal Matter – the Instagram profile and brand with a repulsive, extra-terrestrial beauty – pays a visit to the offices of Vogue. Why are alien creatures invading the catwalk (and not only the catwalk) today more than ever before? Science fiction predicts the future of society, and thus the content of our wardrobes. There’s nothing more changeable – or loanable – than an alien body, and taking part in a fashion show is no longer a human prerogative: from the catwalk to the front row, from models to fashion avatars. Miquela, Noonoouri, Shudu, Imma: androgynous, virtual It Girls created to transmit the real messages of Prada, Dior and Balmain, amongst others. An alien invasion? More like an astral alignment: virtual fashion satisfies the interests of consumers, who are increasingly distant from reality and closer to social media.

And here we come back to the lesson taught both by Close Encounters of the Third Kind and by Julius Caesar: if you can’t beat them, join them.

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Byblos

Comme Des Garรงons

Balmain

Maison Margiela

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Coup de foudre

Sky-to-wear. Dalle prime luci del mattino all’azzurro terso del meriggio, fino ai bagliori del crepuscolo e all’oscurità della notte. Mikado Flamenco Sky di Tamara Comolli racconta tutte le sfumature del cielo. Gocce preziose in tre differenti varietà di topazio, incastonate su un bracciale in oro rosa da indossare in ogni momento della giornata. Color story sky. Le pietre accuratamente selezionate e l’armonia cromatica lo rendono unico. Effortless luxury.

Come godersi un’alba o un tramonto in solitudine.

Sky-to-wear. From the first light of dawn to the clear blue of noon, through to the glowing lights of dusk and the darkness of the night, Mikado Flamenco Sky by Tamara Comolli represents every nuance of the skies. Precious drops in three different varieties of topaz, set into a rose gold bracelet to be worn at any time of day. Color story sky. The carefully selected stones and the harmony of the colours makes this a unique piece. Effortless luxury. Like savouring a sunrise or sunset all alone.

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Nel 1877, con lo stesso spirito audace e avanguardista di Madame Clicquot, la Maison si contraddistinse apponendo un’etichetta gialla sulle proprie bottiglie. #LIVECLICQUOT

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Borsa oversize Keepall XL Puffer in pelle di agnello matelassĂŠ con motivo Monogram.

Oversized Keepall XL Puffer bag in lambskin puffer with Monogram signature. Louis Vuitton 22

D U V E T Luca Antonio Dondi

Poche cose sono piacevoli quanto rimanere sotto le coperte durante una fredda giornata autunnale. È per questo che la moda escogita imbottiture glamour dal tocco soft. Capi e accessori cozy che riscaldano l’anima e il guardaroba.

Few things are as lovely as staying under the duvet on a cold day of autumn.

That’s why fashion comes up with glamorous paddings with a soft touch. Cozy garments and accessories which heat up the soul and the closet.

Décolleté a punta quadrata in nappa Dream trapuntata.

Square toe pumps in quilted nappa Dream. Bottega Veneta

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Cappotto corto a vestaglia imbottito in satin di nylon.

Short padded wrap coat in nylon satin. Balenciaga

Cintura imbottita in pelle di agnello con fibbia ovale argentata.

Quilted lambskin belt with silver-tone oval buckle.

Acne Studios

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Borsa Glam Slam in morbida pelle di vitello imbottita.

Glam Slam bag in soft padded calf leather. Maison Margiela 26

Cappello chapka imbottito con ricamo logo frontale.

Quilted chapka hat with frontal logo embroidery .

Chanel

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THE ANIMAL CLOCK FACE Martina D’Amelio

Top left ROLEX, model Datejust 31 in gold and diamonds. CARTIER, Joueuse Panthère model in gold and diamonds. BLANCPAIN, model Villeret Damasquinee Serpente 18k pink gold. PATEK PHILIPPE, model Calatrava platinum. VACHERON CONSTANTIN, model Les cabinotiers Tigre maestosa rose gold. CHOPARD, Animal World collection in gold and diamonds.

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©2019 Marriott International, Inc. All Rights Reserved. The Luxury Collection and their logos are the trademarks of Marriott International, Inc., or its affiliates.

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THE

GEM

PALACE Ildo Damiano

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A step into the centuries-old Gem Palace in Jaipur is a magical experience. Fine wood display cases contain treasures that defy imagination, in a vastly varied mosaic of different periods, styles and techniques. It’s here that the most prestigious precious stones are turned into timeless jewels; at the Gem Palace, the creative process is followed through from the mining of the raw materials to the sale of the finished product. Emeralds, diamonds and sapphires were the most popular stones with the Maharajas, who came here to order unique pieces of jewellery for official ceremonies and weddings.

The history of this jewellery house dates to the 16th century, when, during the Mughal empire, recognition came for the talents of these extraordinary craftsmen, able to create unimaginably astounding jewellery and precious objects. Appointed court jewellers to the Jaipur royal family by the Maharaja Sawai Jai Singh II, the Gem palace subsequently received high honours from the British Crown. Today it’s the new generation, represented by Samir and Shalini, who are carrying forward the glittering international success of this 100% Indian enterprise, which during its history has made its way into the world’s most famous museums, as well as shops from Istanbul to New York.

Many famous customers have fallen in love with these fabulous designs, from Jackie Kennedy to Lady Diana, who came here with her husband Prince Charles.

Also enchanted by these sparkling creations was Angelina Jolie, who paid a visit to the Palace as just another tourist: noblesse oblige.

Entrare nello storico The Gem Palace di Jaipur è un esperienza che ha della magia. Teche in prezioso legno custodiscono tesori inimmaginabili, in un mosaico di epoche, stili e tecniche tra le più disparate. È qui che le pietre più prestigiose vengono trasformate in gioielli senza tempo, perché il processo creativo al Gem Palace è seguito dall’estrazione delle materie prime fino alla commercializzazione del prodotto. Smeraldi, diamanti e zaffiri sono le pietre più usate è amate dai Maharaja, che qui ordinavano pezzi unici per cerimonie ufficiali e matrimoni. La storia del casa orafa affonda le sue radici infatti al XVI secolo quando, durante l’impero Mughal, vennero riconosciute le doti di questi incredibili artigiani, capaci di realizzare gioielli stupefacenti e oggetti preziosi al di là di ogni immaginazione. Nominati produttori di corte dal Maharaja Sawai Jai Singh II della famiglia reale di Jaipur ricevono in seguito gli alti onori dalla Corona britannica. Oggi è la nuova generazione rappresentata da Samir e Shalini a far conoscere nel mondo l’universo scintillante di questa eccellenza tutta indiana, approdata attraverso la storia nei più famosi musei del mondo e in vendita anche a Istanbul e a New York .

Molte le clienti celebri che si sono innamorati di queste meraviglie, da Jackie Kennedy a Lady Diana, che qui si è fatta accompagnare dal marito Carlo. Ipnotizzata dalle luccicanti creazioni anche l’attrice Angelina Jolie che, a sorpresa, è entrata a Palazzo come una semplice turista. Noblesse oblige.

Photo credits: The Gem Palace

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French Soul A talk with Gherardo Felloni Michela Proietti

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Da piccolo sognava di fare l’architetto e forse Gherardo Felloni, direttore creativo di Roger Vivier, non ha cambiato del tutto idea. Le sue creazioni, che stanno rivoluzionando lo stile della Maison francese di nascita ma italiana d’adozione, sono delle piccole costruzioni, in cui i singoli elementi rimangono in perfetto equilibrio. Argentate, in vinile nero, rosse, con le borchie, in satin verde, addirittura con un tacco gomma futurista o con la fibbia laterale in Swarovski: le running disegnate dallo stilista toscano, classe 1980, sono nate con un intento avanguardista e per regalare, come ha scritto Forbes, «una seconda giovinezza al marchio».

«Quando sono stato chiamato a lavorare per Vivier volevo dare il mio valore aggiunto, ma senza alterare il dna del brand», racconta Felloni al Teatro Gerolamo, dove insieme a Diego e Andrea Della Valle, oggi proprietari del marchio creato nel 1954 da Monsieur Roger Henri Vivier, ha accolto gli amici del marchio in una cena-spettacolo curata nei minimi dettagli dallo stesso stilista per presentare la collezione autunno-inverno 2019/2020. Quando la famiglia Della Valle lo ha chiamato per succedere a Bruno Frisoni, aveva alle spalle già esperienze importanti. Dopo la formazione da Miu Miu, a capo del settore calzature e degli accessori, nel 2009 Gherardo Felloni arriva da Dior, nell’era Raf Simons, che lo contamina con la sua esigenza di contemporaneità. Da Simons impara a guardare sempre avanti; dal maestro precedente John Galliano aveva già immagazzinato il concetto di storytelling. La storia che sceglie di raccontare quando arriva da Roger Vivier è quella del casual: una sfida a dir poco controcorrente per un marchio a cui i libri di moda fanno risalire l’invenzione del tacco a spillo.

«La sneaker è stata la mia sfida: ho pensato alle donne di oggi, sempre in movimento, e al loro bisogno di essere comode». Da questa intuizione sono nate scarpe già iconiche, come le Viv’ Skate, ispirate all’extreme sport del skateboarding degli anni ‘70 e ai suoi ideali di libertà e di movimento. Ma questo non significa rinunciare all’eleganza in senso stretto o al piacere di vestirsi per la sera. «La nostra sneaker si indossa con gli abiti da sera: in Asia ho visto chi si sposa con le running e per questo ne abbiamo fatta una con gli Swarovski».

La contemporaneità si è trasferita anche nelle borse, classiche, ma con un tocco ribelle, come la Beau – «A prima vista sembra avere un’attitudine borghese, poi cambia in base a come si indossa», continua il designer. A sorpresa il riferimento del nuovo mondo giovane di Roger Vivier continuano ad essere donne iconiche, come Inès de la Fressange, «ambasciatrice perfetta del marchio», e persino Susan Sarandon, protagonista della nuova campagna.

«Lanceremo il remake del film Io la conoscevo bene con Susan, AnnaSophia Robb e il cane star di Instagram Tunameltsmyheart», spiega Felloni, che non si è proprio voluto far mancare nulla: nella prossime collezione trasferirà anche un’altra sua passione, quella per i gioielli. Non solo fibbie di Swarovski applicate alle sneakers, ma anche una piccola capsule di bracciali e fermagli per capelli che debutteranno in autunno nelle boutique.

As a boy, he dreamt of being an architect, and perhaps Gherardo Felloni, creative director at Roger Vivier, hasn’t moved so far away from his original idea. His creations, which are revolutionising the style of the maison – French by birth, but Italian by adoption – are like little constructions, in which the individual elements remain perfectly balanced.

Silver-coloured, in black vinyl, red, with studs, in green satin and even with a futuristic rubber heel or a Swarovski buckle at the side: the running shoes designed by the Tuscan stylist are conceived with an avant-garde intent, and – to quote Forbes – to give “a second youth to the brand”.

The story Felloni chose to tell when he started at Roger Vivier focused on casual footwear: an unconventional challenge, to say the least, since this is the brand the fashion annals tell us invented the stiletto heel. “The sneaker was my personal challenge: I thought about today’s women, always on the go, and their need for comfort”. From this intuition came shoes that have now become an icon, such as the Viv’ Skate, inspired by the extreme sport of skateboarding in the Seventies, and its ideals of freedom and movement. But this doesn’t mean giving up on elegance as such, or the pleasure of dressing up for an evening out. “Our sneakers can be worn with evening dress: in Asia I’ve seen brides in running shoes, and this is why we designed a pair with Swarovski crystals”.

Surprisingly, the women the new, younger customers of Roger Vivier look to for inspiration remain icons such as Inès de la Fressange and Susan Sarandon, the faces of the new advertising campaign: “We’ll be launching the remake of the film I knew her well with Susan, AnnaSophia Robb and the canine Instagram star Tunameltsmyheart”.

There’s no stopping Felloni, and in the forthcoming collection he’ll be bringing another of his passions: jewellery. There won’t only be Swarovski buckles on the sneakers, but also a small capsule collection of bracelets and hair clips, which will be making their début in the boutiques in autumn.

Credits: Roger Vivier

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TREND Beatrice Trinci

THE BATHROOM SERIES Trionfa la bellezza senza trucco e senza inganno. Soffici nuvole di stoffa total white avvolgono e seducono l’Olimpo delle star, innescando a suon di scatti glam amletici dubbi di stile: sarà l’accappatoio la fashion uniform del futuro?

The triumph of beauty with no make-up and no filter. Fluffy clouds of pure white envelop and seduce the Olympus of the stars, and the click of the shutter taking glam shots raises the agonizing question: could the bathrobe be the fashion uniform of the future?

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#ladygaga

#kendalljenner

#naomicampbell

#adele #victoriabeckham

#bellahadid #kaiagerger

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LA VIE EN ROUGE Maria Vittoria Pozzi

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How many imperfections are concealed beneath a fine layer of lipstick? We don’t all have sensual lips or a flawless smile, yet even a simple act of vanity like a touch of colour can fix everything. This is not sentimental nonsense: it’s no coincidence that during the Second World War, Winston Churchill rationed everything, even food, but not cosmetics, so that women could don their favourite lipstick and preserve their self-esteem.

This is a message also launched in very different times, by Gucci’s Alessandro Michele, who says that “Lipstick is the most beautiful object in a woman’s handbag. It’s the most playful, because it takes us back to the crayons we used at school. It smells good, and evokes the smiles of the Hollywood divas”. This is what’s inspired the three types of lipsticks that recall films and iconic names from Hollywood’s golden age, presented and illustrated with a style as fragmented and eye-catching as its fashion, shaped by absolute freedom and distant from limitations and convention.

An ideal resource to reveal our character and make us feel good, lipstick - and how we use it - sends out all sorts of social messages. Ever heard of the lipstick index? The term was first coined in 2001, by Leonard Lauder, who had observed that during moments of major economic crisis, red lipstick sales went through the roof.

Lipsticks also contain formulas to treat and enhance the lips, because as pigments become purer and smarter, lipsticks increasingly interact with the mucosae of the lips, making them softer and fuller.

Top colour performance and comfort with the new Pure Color Desire Rouge Excess lipsticks by Estée Lauder, which enhance the curves of the lips and fill them out. A few figures to explain them better: 25% pure pigments, 20 shades and 2 finishes – Creme (creamy satin) and Chrome (creamy pearl shine), all with a floral/ fruity fragrance.

Research has often focused on futuristic, sensorial formulas, such as those of Le Phyto Rouge by Sisley, available in 20 shades that are divided into 4 colour groups. Enriched with camellia and jojoba oils, it also contains microspheres that trap water, so it maintains moisture. And there’s more: the hi-tech, ultra-soft, smooth texture brings a new sensation with every movement of the lips.

This powerful care concept is complemented by fabulous fragrances: violet and damask rose are just two of those used. Floral notes are ever-present, especially chez Lancôme, which has dedicated a tribute collection to the maison’s hallmark rose, comprising lip glosses, lip pencils and nail varnishes, notably L’Absolu Gloss, with 14 shades and three different finishes: matte and velvety, creamy and silky and glossy and glittering. Rich texture, perfect hold and full colours also for Rossetto Unico by Collistar, the star feature of the 100% Italian beauty kit that for its new autumn-winter collection dedicated to Milan has added three new shades to its range: rosa malva (mauve pink), rosso (red) and mattone metal (metal brick), the basics for keeping up with autumn trends.

-A gold-coloured, multi-faceted case and a nourishing formula with a high percentage of pigments for Pure Color Desire Rouge Excess Lipstick by Estée Lauder: 20 shades with two finishes, creamy satin and creamy pearl shine.

-With a violet fragrance and a nostalgic, vintage pack, the Gucci Make-up range of lipsticks by Alessandro Michele comprises 36 shades of Rouge à Lèvres Satin, 18 of Rouge à Lèvres Voile and 3 of Baume à Lèvres, all inspired by Hollywood’s greatest divas.

-The art of the rose is performed by Lancôme with the L’Absolu Roses collection, the latest innovations in which are for the lips, with the 14 shades of L’Absolu Gloss: a transparent pack, precision applicator and 3 special gloss effects: sheer, cream and matte.

-Rossetto Unico by Collistar adds three new colours to its range: a shade of pink, red and brick.

-Full, moisturised lips for 8 hours non-stop, with sensorial textures and colour that remains bright and vibrant, in 20 shades: Le Phyto Rouge by Sisley Paris.

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Non ci si fa caso, ma quante imperfezioni nasconde un velo di rossetto? Non tutte hanno labbra sensuali, dal disegno preciso e dal punto di vermiglio rosso-rosato. E nemmeno un sorriso impeccabile che lascia intravedere denti bianchissimi, perfetti, allineati. Eppure, anche un gesto banalmente vanitoso e rassicurante come quello di stendere un po’ di colore può rimettere tutto al suo posto. Buonumore compreso.

Non è certo per dire: sapevate che durante la Seconda Guerra Mondiale Wiston Churchill razionò tutto, persino il cibo, ma non i cosmetici? Ogni giorno, nonostante il conflitto, donne e ragazze potevano usare il loro lipstick preferito e non perdere in autostima. Un messaggio che, in un’epoca molto diversa, ha voluto lanciare anche Alessandro Michele per Gucci: «Il rossetto è l’oggetto più bello nella borsa di una donna. E il più ludico perché ricorda i pastelli che usavamo a scuola. Sa di buono e ci porta ai sorrisi delle dive di Hollywood». Da qui l’ispirazione per 3 tipologie di rouges che rimandano a film e a nomi iconici dell’età d’oro di Hollywood, raccontate attraverso un’estetica scompaginata e accattivante – esattamente come la sua moda, fatta di libertà assoluta e lontana da vincoli e convenzioni. «Questa campagna è un affresco dove l’imperfezione è umana, quindi bellissima – aggiunge il direttore creativo della Maison fiorentina – Gli scatti di Martin Parr sono forti, arrivano come proiettili e sono inclusivi perché raccontano tanti stili di make-up».

Strumento ideale per mostrare la propria personalità e per farci sentire meglio, il rossetto diventa segnale anche di importanti messaggi sociali. Mai sentito parlare di lipstick index? A coniare per primo il termine fu, nel 2001, Leonard Lauder: si era notato infatti che nei grandi momenti di crisi economica, le vendite dei rossetti rossi salivano alle stelle. Segnale che un prodotto apparentemente così insignificante è in realtà un vero tiramisù dell’umore; del resto costa poco e porta ineguagliabili benefici.

Insomma, il rossetto, soprattutto rosso, è una cosa seria: aggiunge dinamismo e buonumore, ed è un inconfutabile simbolo di sexytudine e personalità.

Lo ripeteva Audrey Hepburn: «Ogni donna ha la sua tonalità di rosso». E se nell’antichità – parliamo di Assiri ed Egizi – era segnale di buona salute, le suffragette lo usarono come icona di protesta e di riconoscimento per rivendicare i loro diritti di voto.

Ma rossetto oggi significa anche formule trattanti e perfezionanti perché, mentre contempla pigmenti sempre più puri e intelligenti, interagisce con le mucose labiali rendendole più morbide e piene. Qualche esempio? La ricerca si è spesso concentrata sulle formulazioni, sempre più avveniristiche e sensoriali, come quelle di Le Phyto Rouge di Sisley Paris, declinato in 20 colori suddivisi in 4 famiglie cromatiche. Arricchito di olio di camelia e di jojoba, contiene anche microsfere che catturano l’acqua, mantenendo un buon livello di idratazione. È hi-tech anche la texture, ultra-fondente e la cui sensorialità si riattiva a ogni movimento delle labbra. Resa cromatica e comfort al top anche con i nuovi Pure Color Desire Rouge Excess di Estée Lauder che esaltano le curve labiali e donano carnosità. Solo qualche numero per conoscerli meglio: il 25% di pigmenti puri, 20 tonalità per 2 finish – Creme (ricco e satinato) e Chrome (lucido e perlato) – tutti connotati da una fragranza floreale-fruttata.

Certo, perché a un concetto di care potenziato si aggiungono profumazioni gradevolissime: stendere il rossetto diventa così un’esperienza totalizzante.

Violetta e rosa damascata sono solo alcune fra le fragranze più utilizzate.

Lancôme, per esempio, ha dedicato alla rosa, suo fiore simbolo, una collezione tributo composta di gloss, matite labbra e smalti, dove brilla L’Absolu Gloss – 14 nuance per tre finish differenti: matte e vellutato, cremoso e setoso, glossy e scintillante. Un fiore e un colore, quello della femminilità, della gioia e del divertissement. Texture ricca, tenuta perfetta e cromie piene anche per Rossetto Unico di Collistar, pezzo forte del beauty-kit tutto italiano che, in occasione della nuova collezione autunno-inverno dedicata a Milano aggiunge alla sua palette 3 nuove tonalità: rosa malva, rosso e mattone metal, le basiche per allinearsi ai trend autunnali.

Astuccio dorato e sfaccettato e formula nutriente e con un alto tasso di pigmenti per Pure Color Desire Rouge Excess Lipstick di Estée Lauder: 20 nuance per due effetti cremoso-satinato e lucidoperlato.

Profumo di violetta e pack nostalgico vintage, la linea di rossetti Gucci Make-up by Alessandro Michele comprende 36 nuances di Rouge à Lèvres Satin, 18 di Rouge à Lèvres Voile e 3 sfumature di Baume à Lèvres. Si ispirano all’immaginario delle grandi dive di Hollywood.

L’arte del rosa, succede da

Lancôme con la collezione

L’Absolu Roses, la cui ultima innovazione è rivolta alle labbra con le 14 nuance di L’Absolu Gloss: pack trasparente, applicatore ad alta precisione e 3 effetti speciali gloss scintillanteo, satinato e vellutato.

Rossetto Unico di Collistar amplia la gamma di colori aggiungendo tre nuove cromie: un rosa, un rosso e un mattone.

Labbra idratate e piene per 8 ore nostop, colore sempre brillante/vibrante e texture sensoriale per i 20 colori di Le Phyto Rouge di Sisley Paris.

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Al e Beauty rt Barbara Micheletto Spadini

Tra i nuovi codici della bellezza, il nero diventa un protagonista assoluto. Di stile ma anche di sostanza.

Interpretando la tecnologia piĂš avanzata, lo troviamo nelle formule; vestendo i pack, lo ammiriamo nella sua eleganza senza tempo. Da non colore si traduce in accordo perfetto per la stagione in arrivo.

Among the new codes of beauty, black takes on the key role in terms of both style and substance. Interpreting the most advanced technology, we find it in the formulas, while its timeless elegance also graces the packaging.

The non-colour becomes the perfect ally for the coming season.

Diorshow New Look di Dior, dalla formula trattamento in siero Lash Multiplier™, agisce come un moltiplicatore di volume, ciglia dopo ciglia.

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Diorshow New Look by Dior, with its Lash Multiplier™ serum treatment formula, multiplies volume lash by lash.

Black Sea® Complexion Correcting Mousse Foundation di Edward Bess è un fondotinta innovativo dalla texture di una mousse montata ad aria che si posa senza peso sulla pelle creando una tela perfetta e completamente opaca.

Black Sea® Complexion Correcting Mousse Foundation by Edward Bess is an innovative foundation with the texture of a fluffy, frothy mousse that rests weightlessly on the skin, creating a 41 perfect, completely matte base.

Rouge Coco Gloss Laque Noire della collezione Noir et Blanc di Chanel è un nero ciliegia profondo che conferisce alle labbra una lucentezza ricca e intensa.

Rouge Coco Gloss Laque Noire from Chanel’s Noir et Blanc collection is a deep black cherry shade that brings a rich, intense glow to the lips.

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Le soin noir di Givenchy amplia la sua gamma con Crème Légère, una cremagel dalla texture nera e dalla sensorialità haute couture il cui ingrediente chiave rimane la leggendaria linfa nera di alga vitale.

A new addition to Givenchy’s Le Soin Noir range is Crème Légère, a cream-gel with a black texture and a haute-couture sensoriality, the key ingredient of which remains the legendary Vital Black 43 Algae Sap.

Optim-Eyes Patch di Filorga è un patch dalla tripla azione anti-fatica che, con un’applicazione express di 15 minuti, aumenta il tasso di idratazione e agisce su rughe, occhiaie e borse.

Optim-Eyes Patch by Filorga performs a triple anti-fatigue action, with a 15-minute express application that boosts moisturising and goes to work on wrinkles, dark circles and bags 44 under the eyes.

Sorriso bianco e splendente, ma non senza rinunciare allo stile! Amarelli Licorice di Marvis è una pasta dentifricia che fonde le note aromatiche della liquirizia a una fresca base di menta.

A sparkling white smile, with an eye on style!

Amarelli Liquorice by Marvis is a toothpaste that blends the aromatic notes of liquorice with a fresh, minty base.

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Credits: Sony Pictures

ONE FOR ALL Annalisa Betti

Una serie tv che è diventata culto, più tre film, con un filo conduttore: donne stupende, ma soprattutto toste. Che ci possono insegnare qualcosa.

A TV series that became a cult, plus three films, all with the same central feature: gorgeous, but above all gutsy, women. Women with something to teach us.

Se avete più di quarant’anni, avete fatto in tempo a guardare da bambine la serie originale. Se siete Millennials, vivete nel suo mito e impazzirete per il film attualmente al cinema, che è talmente fashion da ricordare molto da vicino Carrie e compagnia bella in Sex and the City. Non solo: uno degli angeli è Kristen Stewart, un altro è Elizabeth Banks e nel cast c’è Naomi Scott, appena scesa dal tappeto volante.

Noi che eravamo bambine negli anni ’80 siamo cresciute con un modello femminile meraviglioso: il fatto che le Charlie’s Angels fossero delle bellezze da togliere il fiato non aveva tanto peso quanto il loro essere in gamba, con una capacità straordinaria di cavarsela anche nelle situazioni più disperate.

Certo, personalmente ho avuto l’hair goal di trovare un parrucchiere che mi facesse la piega come Kelly. Lei era il mio vero idolo: castana come me, non facevo di certo fatica a sognare di essere come lei, da grande.

Mi piaceva da matti anche l’idea che non fosse poi così necessario essere bionda per fare l’attrice.

Oggi le cose sono un po’ cambiate nella squadra degli angeli, come è giusto che sia, perché c’è stata un’evoluzione naturale e doverosa, di pari passo coi tempi e con le mode. Il nuovo film ha ingredienti presi in prestito da James Bond e da Sex and the City, le ragazze sono il merging perfetto tra Barbie e un ninja, e ogni tanto si muovono come Neo in Matrix. Ma, nonostante tutto, riescono a farci credere che ci sia un fondamento di verità in quello che vediamo, se non altro nel gioco di squadra, nella complicità, nel dimostrare che siano sempre “tutte per una e una per tutte”, come sempre dovrebbe essere – ma non sempre è – tra donne.

Dal mio punto di vista, cioè quello di una quarantenne beauty editor fuori dal coro, la Bellezza vera è questa. Ora siamo nel mondo reale, nella vita vera, non su un set. Non serve poi a molto avere un bel faccino, il make-up di tendenza e un corpo sano, se poi dentro non sei tanto quanto. Proviamo anche noi a tirare fuori le nostre qualità interiori, a far vedere quanto siamo toste, cominciando noi stesse a crederci davvero e a ignorare chiunque voglia convincerci del contrario.

Magari non saremo mai esattamente come le Charlie’s Angels. Magari non avremo mai i capelli favolosi come quelli di Kelly o il fisico asciutto e scattante come Jill. Ma noi siamo vere e soprattutto – e sarà stupendo – possiamo essere la versione migliore di noi stesse.

If you’re over 40, you may well have watched the original TV series as a little girl.

If you’re a millennial, you’ll have grown up with the legend, and you’ll adore the film showing in cinemas right now, such a fashion icon that it’s closely reminiscent of Carrie and co. in Sex and the City. But there’s more: one of the angels is Kristen Stewart, another is Elizabeth Banks, and the cast also includes Naomi Scott, fresh from Aladdin’s magic carpet.

Those of us who were little girls in the Eighties grew up with fabulous female role models: the fact that Charlie’s Angels were so incredibly hot was less important than how smart they were, than their extraordinary capacity to get out of even the most desperate situations.

There have been a few changes to the Angels’ team since then, as is only to be expected; a natural evolution was necessary to keep pace with the times and with fashion. The new film has ingredients borrowed from James Bond and from Sex and the City, the girls are a perfect blend of a Barbie and a ninja, occasionally moving like Neo in The Matrix. Despite all this, however, they manage to convince us that what we’re seeing is fundamentally believable, at least as regards the teamwork, the complicity, the demonstration of “all for one and one for all” that should – but doesn’t – always exist among women.

From my point of view – a somewhat unconventional 40-something beauty editor – this is Beauty. Today we’re in the real world, living real lives; we’re not on a set.

So let’s try to bring out our own inner qualities. Let’s show them we’ve got guts; let’s start believing in ourselves first of all, and let’s stop anyone from trying to convince us not to.

We might never be quite like Charlie’s Angels. We might never have Kelly’s fabulous hair, or Jill’s slim, athletic figure. But we’re real women, and the amazing thing is that we can aspire to be the very best version of ourselves.

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Skincare Routine Laura Taccani

Booster di energia supplementari. I trattamenti skincare intensivi sono un po’ come dei powerbank a cui collegare il telefono quando la batteria scende troppo. Capita spesso che la pelle ne abbia bisogno, perché sottoposta a periodi di stress particolarmente intenso, o perché i meccanismi di difesa e di rinnovo sono compromessi, e gli effetti si fanno sentire e soprattutto vedere: nel colorito spento, nella perdita di tono, nella minor compattezza della grana, nell’accentuazione delle linee d’espressione. Dietro ai segnali visibili, ma concorrendo a tutti, aumentano poi fortemente lo stress ossidativo e gli stati infiammatori.

«L’estate rappresenta un momento critico per il confort della pelle – spiega la dottoressa Maria Rosa Gaviglio, dermatologa a Milano e Pavia – perché l’intensa esposizione ai raggi solari, al vento, al sale o al cloro determina un accumulo di radicali che richiede un intervento di soccorso particolare. I trattamenti ad azione d’urto si rivelano allora particolarmente utili, perché si tratta di prodotti con una concentrazione di attivi maggiore, che vanno ad ampliare la routine». Può trattarsi di sieri, maschere, lozioni preparatorie: quel che conta, avverte la dottoressa Gaviglio, è che non venga mai meno l’educazione alla cura quotidiana completa. «Un trattamento intensivo è utile proprio perché rappresenta un surplus di attenzioni e non deve essere inteso come una sostituzione di altri passaggi. Poi, a seconda delle esigenze personali, si può decidere di utilizzarlo per periodi limitati, per dare una sferzata di energia all’epidermide, oppure in modo più continuativo. Si può anche scegliere, per esempio in preparazione della stagione invernale, di amplificarne l’effetto con protocolli da cabina».

Che di questo tipo di prodotti at home si senta sempre più bisogno lo dimostra l’offerta costantemente in aumento da parte delle case cosmetiche. Puntano a contrastare l’infiammazione cellulare sia Prevage AntiAging +, l’Intensive Repair Daily Serum di casa Arden, sia il nuovo Advanced Night 48

Intensive skincare treatments are rather like the powerbanks we plug our phones into when the battery level drops too low. Our skin often requires these treatments because it’s been subjected to particularly intense periods of stress, or because its defence and renewal mechanisms are suffering for various reasons, and the effects can be felt and above all, are visible. “In this sense, summer is a critical period for the skin’s comfort”, explains Doctor Maria Rosa Gaviglio, “because intense exposure to the sun’s rays, wind and salty air causes a build-up of free radicals, and this requires a particular rescue action. In these cases, shock treatments are particularly useful, because these products have a higher concentration of active ingredients that give a boost to the skincare routine”. They can take the form of a serum, mask, or preparatory lotion: what’s essential is learning about a thorough daily skincare routine.

The need for products of this type to use at home is certainly increasingly widely felt, as is evident from the constantly growing offer from cosmetic companies. Among those designed to combat cell inflammation are Prevage AntiAging + and Intensive Repair Daily Serum by Arden, and the new Advanced Night Repair Intense Reset Concentrate

by Estée Lauder, which prompts a response from the skin thanks to its patented ingredients, acting as a “reset button” on the damage accumulated. Aimed at supporting the skin’s metabolic energy is the 3.0 version of the longestablished Regenerating Serum by La Mer, enriched with a new Regenerating Ferment and an extra dose of the cult elixir Miracle Broth. Meanwhile, the new arrival for the autumn chez Clarins is Crème Lumière Multi-Intensive: dedicated to the over-50s, it smooths and restores density to the skin thanks to a potent mix of plant extracts. Seven prebiotic and probiotic fractions form the heart of Advanced Génifique serum by Lancôme, which goes to work on the Microbiota, i.e. the beneficial bacteria that live on the surface of our skin and preserve its balance. Intensive aid is also provided by Nuxe with its night recovery oil balm Crème Prodigieuse Boost, Clinique with Smart Clinical MD – a multi-dimension treatment that restores definition to the volumes of the face - and Collistar with its Magnifica Plus range, comprising products to fill out and regenerate both the face and the eye area. Finally, for the delicate area around the eyes, La Prairie has created Skin Caviar Eye Lift, a serum that goes to work on the whole area, including the eyebrows, smoothing and illuminating it. This is what’s meant by bringing a twinkle to a woman’s eye.

Repair Intense Reset Concentrate di Estée Lauder, che sollecita la risposta della pelle grazie a ingredienti brevettati, agendo appunto come un tasto “reset” sui danni accumulati.

Sul sostegno all’energia metabolica della pelle punta poi la versione 3.0 dello storico Regenerating Serum di La Mer, arricchito di un nuovo fermento metabolico e di una dose extra dell’elisir di culto, Miracle Broth. Intanto in casa Clarins con l’autunno arriva Crème Lumière Multi-Intensive: un soin dedicato alla pelle over 50, levigata e ridensificata grazie a un potente mix di estratti vegetali. Sette frazioni di pre e pro-biotici sono nel cuore del siero Advanced Génifique di Lancôme, che agisce sul microbioma, ossia l’insieme dei batteri benefici che vivono sulla nostra superficie cutanea e ne garantiscono l’equilibrio. Al soccorso intensivo pensano anche Nuxe, con il balsamo olio da notte Crème Prodigieuse Boost, Clinique con Smart Clinical MD – trattamento multidimensionale che promette di ridefinire i volumi del viso – e la linea Magnifica Plus di Collistar, rimpolpante e rigenerante sia nel prodotto viso che nel contorno occhi. Per restare alla delicata zona degli occhi, infine, La Prairie ha creato Skin Caviar Eye Lift, un siero che agisce su tutta l’area, sopracciglia comprese, rendendola distesa e illuminata. Quando si dice che a una donna brillano gli occhi.

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Beautiful Milano Maria Vittoria Pozzi

Milano seduce: senza dietrologie e senza scomodare argomentazioni antropologiche, una volta scoperta, fa stare bene. È l’incrocio di tante città in una e con un’identità subito riconoscibile. Perché ha dalla sua un vantaggio geopolitico indiscutibile: è al centro dell’Europa, ed è quindi naturale per il capoluogo lombardo essere da sempre cosmopolita, inclusiva e pronta a mettersi in discussione. Dopo il banco di prova di Expo 2015, ha colto al volo l’opportunità di cambiare e di allinearsi alle grandi metropoli, confermandosi punto di riferimento della finanza, della moda, del design, della comunicazione, della creatività in generale, e per di più di un sentire molto personale. Senza dimenticare le previsioni di un futuro prossimo ancor più roseo che si chiama, insieme a Cortina, Olimpiadi 2026.

Non deve stupire dunque se Collistar chiami Milano la sua nuova collezione make-up autunno-inverno 2019/2020: un tributo alla città a cui deve molto, dove 30 anni fa tutto ha avuto inizio. A festeggiarla insieme al beauty brand italiano, un’illustratrice eclettica e poliedrica come Lucia Emanuela Curzi – già firma su Vogue, Sunday Times, Harper’s Bazar, giusto per far nomi – che ci accompagna alla scoperta della città lungo un viaggio immaginario a bordo di uno degli iconici tram gialli milanesi.

Step beauty irrinunciabile prima di intraprendere un tour che celebra la bellezza, creare punti luce su viso e décolleté con i tre Illuminanti Liquidi Effetto Glow, dal finish perlato e disponibili in 3 nuance iconiche: bianca, rosa o bronzo perla.

Milan charms the visitor. Without delving deep into any anthropological issues and dissecting the reasons why, the fact is that once people discover it, they love it. Expo 2015 put the city to the test, and it immediately grasped the opportunity to change and to come into line with other big cities, confirming its status as a point of reference for finance, fashion, design, communication and creativity in general, as well as its very welcoming feel.

So it should come as no surprise that Collistar has chosen Milano as the name for its new 2019/2020 Fall-Winter collection: a tribute to the city it owes so much to, and where it all began 30 years ago. Celebrating it along with the Italian beauty brand is the eclectic, multi-talented illustrator Lucia Emanuela Curzi, whose contributions have appeared in Vogue, Sunday Times and Harper’s Bazar, to name but a few, and who will be accompanying us on a trip to explore the city, on an imaginary journey aboard one of Milan’s iconic yellow trams.

A beauty must before heading off on a tour in celebration of beauty is to create a glow for the face and décolleté area with the three Liquid Highlighters with Glow Effect, with a pearl finish and available in three iconic nuances: bianca (white), rosa (pink) or bronzo perla (pearl bronze.

First stop: Arco della Pace. Here you can try the Perfumed Highlighting Powder with Glow Effect for Body and Hair: while it looks like a vintage bottle of perfume, it’s actually a feather-light pink powder that gives off a rose fragrance as it highlights the complexion thanks to the texture formed by oleographic particles. Second stop: Piazza del Duomo. The palm trees you might not expect to find here are the inspiration for the Multi-Effect Animalier Palette, the symbol of the collection, featuring products with pearl, satin and matte finishes. Third stop: Bosco Verticale. Another side to Milan: a city in continuous evolution, with audacious architectures such as this project by Stefano Boeri the whole world is talking about. Here there are two must-haves for your eyes: the Eyelash Primer, an authentic gem of technology with keratin and linden extract, and the Unico Volume Mascara, designed to boost volume and strength. Fourth stop: Vicolo dei Lavandai, on the Naviglio Grande, another little corner of the history of what the great Giorgio Strehler called El Nost Milan. It’s represented by the brushstrokes in olive green, burgundy and blue, the three shades of the Wet & Dry Eyeshadow. Fifth stop: the Cinque Vie crossroads, between Via del Bollo and Santa Maria Fulcorina. An exclusive perimeter marked off by the three shades of the Unico Lipstick with its silky texture and lasting hold: rosa malva (mauve), rosso metallico (metallic red) and mattone metallico (metallic brick). Sixth stop: Villa Invernizzi and the marvellous flamingos that live there and have inspired the three mirror-effect Oil Nail Polishes in the shades rosa malva (mauve), rosso lacca (lacquer red) and borgogna (burgundy). It’s definitely not the end of the line, but it’s the last beauty touch in the make-up collection.

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TERZA FERMATA: il Bosco Verticale.

L’altra faccia di una Milano che cresce con audaci architetture come questa di Stefano Boeri che fa parlare tutto il mondo. Qui due must have per lo sguardo: il Primer Ciglia, autentico gioiello tecnologico con estratto di tiglio e cheratina, e il Mascara Volume Unico, pensato per enfatizzare con volume e forza.

PRIMA FERMATA: Arco della Pace.

Qui si può provare la Polvere Illuminante Profumata Effetto Glow Corpo e Capelli: ha l’aspetto di un parfum d’antan, ma in realtà è una poudre rosa, leggera, impalpabile che, mentre regala luce grazie alla sua texture di particelle oleografiche, diffonde sentori di rosa.

SESTA FERMATA: Villa Invernizzi e i meravigliosi fenicotteri che la abitano. Sono loro l’ispirazione per i tre Smalti agli Oli effetto specchio nelle nuance rosa malva, rosso lacca e borgogna. Di certo non è il capolinea, ma l’ultimo tocco beauty della collezione make-up.

SECONDA FERMATA: Piazza del Duomo.

Alle inaspettate palme è dedicata la Palette Multi-Effetto Animalier, simbolo della collezione e caratterizzata da prodotti dai finish satinati, perlati e opachi.

QUINTA FERMATA: le Cinque Vie, fra via del Bollo e Santa Maria Fulcorina.

Un perimetro esclusivo delineato dai tre colori rosa malva, rosso metallico e mattone metallico di Rossetto Unico, dalla texture setosa e dalla tenuta perfetta.

QUARTA FERMATA: il Vicolo dei Lavandai.

Sul Naviglio, un altro pezzo storico, per usare le parole del grande Giorgio Strehler de El Nost Milan. Lo raccontano, a pennellate, le tre sfumature verde oliva, borgogna e blu dell’Ombretto Wet & Dry.

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Coup de foudre Idôle di Lancôme è un floreale muschiato composto da una partenza di pera e bergamotto e da un mix di rosa in tutte le sue infinite varianti: essenza, acqua e assoluta. A corollario: gelsomino, note di cedro e di muschio.

Zendaya Coleman attrice, cantante, carismatica fashionista e nuovo volto di Idôle ci ha dichiarato: “Sono orgogliosa di rappresentare questa fragranza fresca, lieve e che sa di pulito. Lancôme non è solo un brand di cosmetici, è avanguardia, portavoce delle donne e di un certo impegno sociale.”

Idôle by Lancôme is a musky floral fragrance with a pear and bergamot base and a mix of rose in all its endless variants: essence, water and absolute.

Accompanied by jasmine and essence of patchouli, cedar and moss.

Zendaya Coleman, actress, singer, charismatic fashionista and the new face of Idôle told us: “I’m proud to represent this fresh, light fragrance, with a clean scent. Lancôme is more than just a cosmetics brand: it’s on the cutting edge, a mouthpiece for women and with a measure of social engagement.”

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SUPREMALAB.COM

MILANO: ANNA RAVAZZOLI

CORTINA D’AMPEZZO: MARINOTTI 53

CREATIVE EXPRESSION Laura Taccani

Il nome della Maison di profumeria artistica che ha creato è un tributo al nonno Vilhelm, che ha affascinato la sua infanzia e indirizzato le sue scelte adulte in fatto di eleganza e creatività. Parliamo di Jan Ahlgren, fondatore di Vilhelm Parfumerie.

The name of the artistic fragrance house he created is a tribute to his grandfather Vilhelm, who fascinated him as a child and who guided his choices as an adult in terms of elegance and creativity.

Quando Jan parla della sua storia familiare trasmette un’idea di appartenenza che non è mai soltanto attaccamento alle radici ma anche, contemporaneamente, apertura cosmopolita. Proprio perché nell’identità del suo marchio si riflette lo stesso atteggiamento open mind che ha respirato fin da piccolo.

Padre svedese e madre americana, Ahlgren ha vissuto a Parigi e New York, e lavorato come modello e come creatore di borse in pelle custom made, prima di approdare – proprio grazie alla volontà di rendere unica sotto ogni aspetto la pelle dei suoi prodotti – al mondo della profumeria di prestigio. Oggi la sua Maison ha un portfolio di fragranze d’impronta classica e contemporanea insieme: tanto nella costruzione olfattiva, che anche nell’impianto classico ha sempre un twist di accordi in grado di sorprendere, quanto nel packaging giallo e nero dal forte impatto visivo. L’ispirazione naturalmente è all’altezza dell’immaginario di eleganza che ci si aspetta da un prodotto di questo genere, e ancora una volta classicità e “spirito rock” convivono perfettamente. Ava Gardner, Federico Fellini, Greta Garbo e David Bowie sono solo alcune del-

le personalità a cui ha guardato Ahlgren per creare altrettante fragranze. In altri casi nel background c’è una situazione particolare, come la Mosca anni ’80, che sottende alla nuova Darling Nikki: un cuore di zafferano, fiore di loto nero e semi di carota, avvolto da mandarino, cassis, pepe, accordo di pelle nera, fava tonka e legni bruciati. È lo stesso Jan Ahlgren a raccontarci qualcosa di più: «La struttura di base di un profumo per me resta molto tradizionale, nel senso che se per esempio voglio creare un fruttato utilizzo gli accordi Chypre.

Poi però esagero con le note di testa fino a quando non riesco a ottenere un effetto speciale. È la stessa filosofia che seguo nel vestire: posso indossare un abito su misura a tre pezzi, con scarpe eleganti, per poi però abbinare una camicia non stirata o qualcosa che spezzi completamente la tradizione – insomma, un accenno di contemporaneità.

Va in quella direzione anche la mia ricerca per il futuro, sto sperimentando molto: da un lato lavoro sulla struttura della fragranza e sulle materie prime, dall’altra è inedita anche la fonte d’ispirazione.

Sto componendo un’eau de parfum insieme a un direttore d’orchestra, per trovare le note musicali che possano corrispondere a quelle olfattive». With

a Swedish father and an American mother, Jan Ahlgren lived in Paris and New York and worked both as a model and a designer of customised leather handbags before moving into the world of high-end fragrances. Today Vilhelm Parfumerie has a portfolio of fragrances that are classic yet contemporary, in terms of both the olfactory structure and the visually striking yellow and black packaging. The inspiration is of course consistent with the elegant image you’d expect from a product of this nature, and once again, here we find a perfect blend of classic appeal and rock spirit: Ava Gardner, Federico Fellini, Greta Garbo and David Bowie are just some of the personalities Ahlgren has drawn upon to create his fragrances. In other cases, the background to the perfume is provided by a particular situation, such as 1980s Moscow, the inspiration for the new Darling Nikki, composed of heart notes of saffron, black lotus flowers and carrot seeds, complemented by mandarin, cassis and pepper and an accord of black leather, tonka beans and burnt wood.

Jan Ahlgren tells us more: “For me, the basic structure of a perfume remains very traditional, in the sense that for example, I might want to create a fruity fragrance, using Chypre accords.

But then I take the head notes to the extreme until I obtain a special effect. This is the same philosophy I apply to how I dress.

I might wear a bespoke three-piece suit, with elegant shoes, but I might team it with an unironed shirt, or something that breaks up the traditional look and adds a contemporary touch. This is the direction my research is headed in once again for 2019. I’m experimenting with both the structure of the fragrance and the raw materials, as well as the inspiration, composing an eau de parfum along with an orchestra conductor, to find the musical notes that correspond with the olfactory ones”.

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In the photo Jan Ahlgren with the Darling Nikki fragrance.

Credits: Vilhelm Parfumerie

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DUBAI

Carla Diamanti

Le vele di vetro e acciaio che svettano sul lungomare amatissimo dal jet set internazionale sono ormai diventate un’icona. Ma Dubai vive anche oltre lo skyline pied dans l’eau e supera il consueto cliché di destinazione affacciata sul mare cristallino a due passi dal deserto più totale. Qui, dove le matite di architetti di fama mondiale hanno disegnato un mito, le esperienze da vivere si moltiplicano e consacrano Dubai una destinazione high tech e una delle mete più ambite del turismo internazionale. Oltre che l’esempio più brillante di come un piccolo villaggio di pescatori possa pianificare il proprio futuro e trasformarsi in un universo cosmopolita celebre in tutto il mondo.

The tall sails in glass and steel that grace the seafront beloved of the international jet set have become an icon. But there’s more to Dubai than this impressive skyline pied dans l’eau and the cliché of a destination sandwiched between the emptiness of the desert and the crystal-clear waters of the sea. Here, where the world’s most famous architects have designed a legend, there are a host of experiences on offer that have earned Dubai a solid reputation as both a high-tech location and one of the most popular international tourist destinations; and indeed as the most magnificent example of how a fishing village can take its future into its own hands and become one of the most renowned, most cosmopolitan milieus in the world.

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Se in passato il commercio faceva rima con i dhow che trasportavano perle e spezie e che ancora solcano il mare, oggi la brillante operazione di porto franco si traduce in un caleidoscopio di offerte imprescindibili per qualunque viaggiatore.

The Dubai experience starts with shopping. Where trade was once carried out with the dhow that transported pearls and spices, and that can still be seen sailing the crystal-clear waters of the sea, today the brilliant free port operation guarantees an impressive array of offers no traveller can afford to miss.

Il Dubai Mall è la sintesi più straordinaria dello shopping a 360 gradi: 1200 negozi, 150 ristoranti, un parco divertimenti, una pista di pattinaggio, una cascata artificiale e un acquario con zoo sottomarino.

Se non bastasse, appena fuori del centro commerciale c’è la Dubai Fountain, la più grande fontana danzante del mondo, con zampilli altissimi che si muovono con la musica e raggiungono i 150 metri d’altezza. Per vederli in azione bisogna passare nel primo pomeriggio o, meglio ancora, dal tramonto fino alle 23, ogni mezz’ora.

Oltre la fontana, lo skyline sfida il cielo con Burj Khalifa, una scheggia proiettata verso l’alto per 828 metri. La vista più bella sulla città è quella dalla terrazza panoramica del 124esimo piano, che insieme all’esclusivo At The Top Sky Lounge (al 148esimo) è una delle attrazioni più spettacolari al mondo. Per ammirarne la silhouette, il posto giusto è l’hotel Palace Downtown, magari regalandosi una Tea Experience in versione traditional o Arabian. Il tè non sarà più lo stesso dopo averla provata: bevande e pasticcini sono serviti con vassoi e stoviglie che sembrano usciti da Le mille e una notte.

Lo scatto imperdibile si fa al Dubai Frame: una cornice gigantesca che racchiude una vista mozzafiato. Premiata come una delle più straordinarie strutture architettoniche, la cornice più grande del mondo ospita un museo che, con tecnologie all’avanguardia, racconta l’evoluzione del piccolo villaggio di pescatori diventato uno dei luoghi più iconici del pianeta. In alto, a 150 metri di altezza, nasconde invece un percorso da cui godere delle meraviglie dello skyline urbano (aperta 58 dalle 9 alle 20.30, con ingressi consentiti ogni mezz’ora).

The most extraordinary example of the shopping experience the city offers is the Dubai Mall: 1200 shops, 150 restaurants, an amusement park, a skating rink, an artificial waterfall and an aquarium with an underwater zoo. And as if all this weren’t enough, just outside the mall is the Dubai Fountain, the world’s largest dancing water feature.

Beyond the fountain, the skyline shoots towards the clouds with the dizzyingly high, 828-metre Burj Khalifa Tower, offering the most beautiful view over the city from the panoramic terrace on the 124th floor, which, together with the exclusive At The Top Sky Lounge (on the 148th floor), makes the tower one of the world’s most spectacular attractions. The best place to admire the silhouette of the building is the Palace Downtown hotel, where you might like to treat yourself to a traditional or Arabian Tea Experience.

Tea will never taste the same again afterwards.

For a holiday snap not to be missed, the Dubai Frame is the place. This extraordinary, award-winning architectural structure is the largest frame in the world, hosting a museum equipped with cutting-edge technologies that tells the story of how this little fishing village evolved into one of the most iconic locations on the planet. Inside the top of the 150-metre-high structure is a walkway from which you can admire the spectacular skyline of the city.

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Per inseguire il gioco di prospettive e di visuali, per ricomporre il puzzle di questo luogo dove le tessere del presente combaciano perfettamente con quelle del passato, per scoprire le atmosfere che profumano di spezie e luccicano come i gioielli d’oro intarsiato nelle vetrine del suq, bisogna spingersi dentro la prospettiva, avvicinarla ed entrare nel cuore di Dubai. Lungo il Creek, nel quartiere storico di Al Fahidi, le torri del vento costruite su strutture intrecciate con legno di sandalo e di palma sono le testimoni della creatività e della quotidianità della popolazione locale molto prima che la geopolitica disegnasse gli Emirati.

Una di queste, magnificamente restaurata come tutte le dimore del quartiere, ospita il Centro per la Comprensione Culturale dello Sceicco Mohammed, aperto una decina di anni fa per aiutare i visitatori a comprendere gli usi e la cultura emiratina attraverso attività, visite guidate (anche di moschee) e corsi di arabo. Comodamente seduti fra cuscini e tappeti beduini è anche possibile assaggiare alcuni piatti locali e chiacchierare con la gente del posto, pronta a rispondere a ogni domanda.

Vicinissima, la Heritage House n. 13 vale la visita perché accoglie la Al Serkal Foundation che mette in mostra le diverse forme di arte locale realizzate da artisti e designer emergenti. Libri, oggetti, cucina e moda che strizzano l’occhio al patrimonio archeologico e ambientale con un gusto talmente raffinato da farne un piccolo gioiello imperdibile. Pochi passi e Dubai ritrova la sua passione per la magia e il sogno nel Museum of Illusions, un autentico viaggio nell’incredibile, fra sensazioni perfettamente simulate grazie alla tecnologia e talmente forti da sembrare reali.

Alle spalle delle spiagge di Jumeirah, la serata comincia a La Perle, lo spettacolo permanente firmato da Franco Dragone, direttore artistico che ha reinventato il live entertainment e che ha progettato gli show più sensazionali di Las Vegas. Meglio prenotare per tempo e arrivare almeno un’ora prima: è una delle esperienze più singolari e richieste della città. Oltre il mondo e la palma che dall’alto si disegnano sulle acque, la piccola Bluewaters Island è un’altra meraviglia moderna al largo della Marina di Dubai, che ospita tra gli altri il ristorante Alici, dove frutti di mare e cucina mediterranea vengono serviti di fronte a un panorama eccezionale.

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In order to follow this flow of perspective effects and views, to recompose the pieces of this setting in which the elements of the present slot in seamlessly with those of the past, and to explore the atmospheres fragrant with spices and sparkling like the inlaid gold jewellery on display in the souk, it’s necessary to make your way inside the perspective, approach it and enter the very heart of Dubai. Along the Creek, in the historical Al Fahidi neighbourhood, the wind towers – built on structures featuring intertwined sandalwood and palm wood – bear witness to the creativity and the everyday lives of the population since long before geopolitical developments shaped the Emirates. One of these towers, magnificently restored like all the dwellings in the area, houses the Sheikh Mohammed Centre for Cultural Understanding, opened some ten years ago to help visitors understand Emirati customs and culture, with a series of activities, guided tours (including visits to mosques) and Arabic language courses.

Close by the Centre, Heritage House no. 13 is well worth a visit, because it is home to the Al Serkal Foundation, a showcase for the various forms of local art created by up-and-coming artists and designers. Just a short walk away, Dubai’s passion for magic and dreams is evident once more in the Museum of Illusions, which offers an incredible journey through sensations simulated to perfection thanks to technology, and so striking as to seem absolutely real.

Behind the beaches of Jumeirah, evenings in Dubai start off at La Perle, the permanent extravaganza performance by Franco Dragone, the artistic director who has reinvented live entertainment and designed the most sensational shows in Las Vegas. This is one of the most popular, original experiences the city has to offer. In addition to the islands that form the palm tree shape on the water visible from above, the little Bluewaters Island is another modern marvel off the coast, opposite the Marina of Dubai, which offers a tribute to fine Italian cooking at the Alici restaurant.

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Il deserto ha le sfumature arancioni delle dune che si scalano con le jeep vintage degli anni ‘50. Furono proprio questi i veicoli a motore che per primi attraversarono il deserto sulle orme dei dromedari: oggi, diventati un simbolo del passato, vengono utilizzati per le escursioni fuori città, per scoprire l’affascinante ecosistema in compagnia di una guida naturalistica. Fra branchi di orici arabi e voli di falconi, le jeep d’epoca fanno sosta nella Riserva naturale del deserto di Dubai e nei boschetti di alberi nascosti fra le dune. Il profumo del caffè, simbolo dell’accoglienza, saluta l’arrivo in un autentico accampamento beduino, dove il patrimonio tradizionale si scopre imparando a fare il pane o le decorazioni con l’henné. Di sera, la cena è servita sotto le stelle e accompagnata da musiche e danze tradizionali.

Questo luogo è un gioco di prospettive che si moltiplica, dilatando tempo e spazio. Bastano pochi chilometri perché il passato diventi futuro, perché le tradizioni si trasformino in tecnologia, perché l’acqua lasci il posto alla sabbia e magari diventi una foresta tropicale. Sogno e realtà si rincorrono, si alternano, si sovrappongono. Mentre Dubai punta a nuovi orizzonti e sembra non finire mai, accompagnandomi dal finestrino del mio volo Emirates che mi riporta verso casa.

The desert is coloured with the shades of orange of the dunes that can be driven up in the vintage 1950s jeeps selected by Platinum Heritage. These were the first motor vehicles to cross the desert following the trail of the dromedaries: today they’ve become a symbol of the past and are used for trips out of the city, offering visitors the chance to explore the fascinating desert ecosystem, accompanied by a nature guide.

This place offers an array of shifting perspectives, in which time and space expand. In just a matter of kilometres, the past evolves into the future, traditions turn into technology and the water gives way to the sand, perhaps even a tropical forest. Dreams and reality alternate, change places, overlap with one another, while Dubai stretches out towards seemingly never-ending horizons, as it accompanies me from the window of my Emirates flight back home.

HOTELS Zabeel House Una collezione di hotel made in Dubai progettati all’insegna del design e molto user friendly. Ogni struttura è perfettamente inserita nel quartiere che la circonda e che invita a scoprire.

A collection of very user-friendly designer Dubai hotels, each one perfectly integrated into the neighbourhood, offering an invitation to explore it.

La Ville Hotel & Suites City Walk Cinque stelle del gruppo Autograph Collection, è un’icona del City Walk, lo spazio urbano progettato dai migliori designer al mondo. Camere e appartamenti con ogni confort e un rooftop bar da cui si gode una vista spettacolare su Burj Khalifa e sullo skyline di Dubai.

This five-star Autograph Collection hotel is an icon of the City Walk, the urban development shaped by the world’s finest designers. Rooms and apartments featuring a full range of facilities, as well as a rooftop bar offering spectacular views of the Burj Khalifa Tower and the Dubai skyline.

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Life in a bubble Virginia Francesca Grassi

- It’s said that when someone is watching the stars it’s as if they were trying to find their own dimension lost in the universe – Salvador Dalì

MALDIVE: Finolhu Beach Bubble Tent Ci si sente dei moderni Robinson Crusoe in questa stupefacente bolla tropicale sospesa su una lingua di sabbia bianca e il blu dell’Oceano Indiano. Dei naufraghi piuttosto fortunati, certo, dal momento che questa bubble tropicale si trova su una delle spiagge più incantevoli delle Maldive e all’interno è estremamente lussuosa: i pavimenti in legno, l’arredamento tutto su misura, il letto a baldacchino, la doccia con tanto di vista sull’acqua, senza contare la possibilità di affondare i piedi nel borotalco di sabbia facendo appena un passo fuori dalla porta – sono solo alcuni dei dettagli capaci di rendere un soggiorno qui davvero indimenticabile.

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You’ll feel like a modern-day Robinson Crusoe in this amazing tropical bubble suspended above a strip of white sand and the blue of the Indian Ocean. It’ll be a pleasure to wash up here though, since this bubble is to be found on one of the most delightful beaches in the Maldives, and is extremely luxurious inside: wooden floors, made-to-measure furniture throughout, a four-poster bed, shower with an ocean view…all this plus the chance to sink your toes into sand that feels like talcum powder the moment you step out the door. These are just some of the details designed to make your stay truly unforgettable.

Photo credits: Finolhu Baa Atoll Maldives

Islanda: The 5 Million Star Hotel Perfette per i backpakers più avventurosi, le cinque Buubble a Skálholt, vicino al fiume Hvítá e alle sue cascate, sono assolutamente spettacolari: certo l’interno è piuttosto minimal (un letto matrimoniale, un comodino, una lampada e morbide copertine), ma le pareti completamente trasparenti permettono un’immersione a 360° nella natura incontaminata dell’isola.

Ci si deve accontentare di cucina e bagno in comune, in compenso addormentarsi tra foreste innevate, le meraviglie del firmamento e – per i più fortunati – la veduta da fiaba dell’aurora boreale ripagherà di ogni sforzo.

Photo credits: The 5 Million Star Hotel

Perfect for the most adventurous of backpackers, Buubble Tours has five igloos in Skálholt, near the Hvítá river and its waterfalls – and they’re truly spectacular.

The interiors are quite sparsely furnished (a double bed, a bedside table, a lamp and soft blankets), but the walls are completely transparent, offering a 360° view of the island’s unspoilt nature. The kitchen and bathroom are shared, but it’s a sacrifice worth making for the chance to fall asleep surrounded by snow-covered forests, with the starry sky above you and – if you’re lucky – a fairytale view of the northern lights.

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Bolivia: Kachi Lodge Sei casupole dall’aria aliena si nascondo ad oltre 3 mila metri sull’Altopiano Boliviano. Il paesaggio è quello incontaminato e surreale del Salar di Uyuni, ai piedi del vulcano Tunupa, la più grande distesa salata al mondo. Si tratta delle lussuose cupole geodetiche di Amazing Escapes: alimentate da pannelli solari e a contenuto impatto ambientale, all’interno sono dotate di ogni comfort, compresa una spettacolare vetrata – in alto e ai lati – che permette di godersi appieno il panorama. Il plus? La partnership con il pluripremiato ristorante Gustu di La Paz, che arricchisce il soggiorno con un’esperienza da veri gourmand.

Photo credits: Amazing Escapes

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Six little dwellings that look like something out of a science fiction movie, hidden away up at over 3000 metres, on the Bolivian Altiplano, in the surreal, unspoilt landscape of Salar de Uyuni, the largest salt flat in the world, at the foot of the Tunupa volcano. These are the luxurious geodesic domes of Amazing Escapes: powered by solar panels, and with reduced environmental impact, inside they are equipped with a full range of comforts, including spectacular windows at the top and sides that allow you to enjoy the view to the full. And what’s more, a partnership with the award-winning Gustu restaurant in La Paz adds a true gourmet experience to your stay.

Giordania: Bubble Luxotel Petra La quintessenza del glamping: a Wadi Musa, a due passi dalle meraviglie archeologiche di Petra, questo raffinato villaggio di venti bubble-house offre un soggiorno di pure magia. Di notte sembra di essere catapultati nell’universo stellato, mentre di giorno sono le montagne e il deserto ad avvolgerci con scenari infuocati. Ogni unità si compone di due diverse bolle in parte trasparenti – entrambe piuttosto spaziose e pensate per coccolare i viaggiatori: l’arredamento è moderno e rilassante, c’è l’aria condizionata e non manca una veranda privata, con tanto di sdraio e vasca idromassaggio per godersi al meglio il tramonto.

The very essence of glamping: in Wadi Musa, close by the architectural marvels of Petra, this sophisticated group of twenty bubble houses makes for a truly magical stay.

At night, you’ll feel as if you’ve been catapulted into the star-strewn universe, while during the day, guests will be enchanted by the fiery landscapes of the mountains and the desert. Each unit is composed of two separate, partially transparent bubbles, both of them quite spacious and designed to spoil travellers with their modern, relaxing furnishings, air conditioning and private veranda equipped with a sun lounger and whirlpool tub from which to enjoy the very best sunsets.

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Canada: Dômes Charlevoix L’ecoturismo si fa più raffinato che mai in Québec: i tre cottage di questo lussuoso ecoresort sulle montagne di Petite-Rivière-SaintFrançois sono stati progettati dallo studio Bourgeois/Lechasseur Architects per ridurre al mimo l’impatto ambientale, ma al contempo garantire un’esperienza di alto livello a contatto con la natura selvaggia. Ogni bubble-house ha il pavimento riscaldato e si sviluppa su due piani: ci sono una zona living con stufa, la cucina, il bagno e due camere da letto; all’esterno è invece dotata di un patio in legno con vasca idromassaggio.

Il tutto circondati dai colori spettacolari della foresta, con vista mozzafiato sul fiume San Lorenzo. Into the wild sì, ma con stile.

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Eco-tourism at its most sophisticated in Quebec: the three cottages of this luxury eco-resort in the mountains of Petite-Rivière-Saint-François were designed by Bourgeois/Lechasseur Architects to reduce environmental impact to a minimum, while guaranteeing a top-quality experience in contact with unspoilt nature. Each bubble house has underfloor heating, and is built on two floors: there’s a living room with a stove, kitchen, bathroom and two bedrooms, and on the outside, each house has a wooden patio with a whirlpool tub. All of them are surrounded by the spectacular colours of the forest, with breath-taking views over the Saint Lawrence river. Into the wild, but in style.

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Posizione. Immerso in un bosco di larici e abeti, il lodge domina una vallata aperta sulle Dolomiti, che si stagliano di fronte alle grandi vetrate delle camere. Questo luogo incredibile si trova a 1200 metri di altitudine, sull’altopiano del Renon ma si raggiunge facilmente da Bolzano.

Struttura. Progettato dai proprietari Andreas e Klaus Sanoner con l’architetto Hugo Demetz e lo studio G22 Projetcs, il lodge è un inno alla bio-edilizia. Abete rosso, larice e rovere: il legno, non trattato, parla del luogo e si sposa con il vetro che accoglie bosco e montagne portandole in ogni ambiente della struttura. Sul laghetto naturale si affacciano alcuni dei 20 chalet, tutti, dotati di sauna e caminetto. Accanto al corpo centrale, due complessi accolgono le 20 junior suite, ciascuna con una biosauna privata.

Personale. Uno dei fiori all’occhiello del mondo Adler è il servizio, sempre attento, cordiale ma discreto, disponibile e sorridente. Al Ritten, uno staff di 40 persone assicura il ritmo del soggiorno: dal ricevimento all’housekeeping, dal personale del centro benessere a quello del ristorante e della cucina.

Servizi. Camere e spazi comuni sono pensati per una vacanza green all’insegna del benessere. Il programma di attività nello spazio fitness con vista Dolomiti e le proposte outdoor (estive e invernali), tra cui la meditazione nel bosco, completano il total relax degli ospiti. Nella Spa, gli Adler Lodge Signature Treatment con ingredienti naturali e la piscina con acqua calda salata sono pensati per armonizzare corpo e spirito.

Nel bosco, l’area con biosauna e spazio benessere è un vero angolo di paradiso. A tavola, la firma dello Chef Hans Pignater si declina in piatti che interpretano in chiave creativa le tradizioni del territorio. Nella consueta formula “all inclusive” che comprende una ricca colazione a buffet, merenda pomeridiana, cena gourmet, nonché una vasta selezione di bevande e vini durante tutto il giorno, sapori e colori si accordano armoniosamente: ogni portata è un piacere per gli occhi e per le papille.

Il giudizio. Cinque stelle di categoria e una standing ovation tutta per-

sonale. Questo rifugio esclusivo a mezz’ora dalle vetrine e dalla cultura di Bolzano è il buen retiro ideale dove staccare la spina anche per pochi giorni. La certezza dell’accoglienza Adler, lo stile informale e cordiale sono un must che garantisce una vacanza all’insegna del confort e del lusso discreto.

Position. Absolutely first-class. Surrounded by larch and fir wood, the lodge looks over a valley that opens out onto the Dolomites, the silhouette of which stands out opposite the large windows of the rooms. This incredible place sits at an altitude of 1,200 metres, on the Renon plateau, but is easy to reach from Bolzano.

Structure. Designed by the owners Andreas and Klaus Sanoner with the architect Hugo Demetz and G22 Projects, the lodge is emblematic of bio-building at its finest best. The untreated spruce, larch and oak wood typical of the local area teams with the glass that allows the woodland and mountains to make their way into the building, pervading it throughout. Looking onto the small natural lake are some of the 20 chalets, equipped with a sauna and a hearth. Next to the main building, there are two complexes that host the 20 junior suites, each with their own private bio-sauna.

Staff. One of the elements Adler properties are proudest of is the service, with staff that are always attentive: friendly yet discreet, always smiling and ready to help. At the Ritten, a staff of 40 guarantees impeccable service throughout your stay.

Facilities. The rooms and common areas are designed for a green holiday, focused

on wellness. The activity programme in the fitness area, with views of the Dolomites and plenty of outdoor options in both summer and winter – including meditation in the woods – guarantees guests as relaxing a stay as possible. In the spa, the ADLER Lodge Signature Treatments, featuring natural ingredients, and the warm water of the pool are designed to bring harmony to body and spirit; and in the woods, the bio-sauna and relaxation areas offer a little slice of heaven. In the restaurant, chef Hans Pignater prepares dishes that bring a creative twist to local culinary tradition.

Overall score. Five stars in its category, and a standing ovation from me personally. This exclusive Lodge just half an hour away from the shops and culture of Bolzano really is an ideal buen retiro, the perfect hideaway even for just a few days.

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Carla Diamanti

La famiglia Sanoner ha fatto ancora centro. Ai consueti ingredienti che gli ospiti degli Adler Spa Resorts & Lodges conoscono bene – servizio, gastronomia, benessere, design, cura per il dettaglio, rispetto per la natura – ha aggiunto un panorama spettacolare che attraversa gli spazi e diventa parte degli arredi. Così è nato l’Adler Lodge Ritten, un esclusivo rifugio green immerso nella foresta con un servizio di lusso very unconventional.

The Sanoner family has hit the target once again.

To the usual features Adler Spa Resorts & Lodges guests are already familiar with – service, quality food, wellness, design, attention to detail, respect for nature – this time they’ve added a spectacular view that makes its way into the buildings and becomes part of the furnishings. The ADLER Lodge RITTEN is an exclusive green hideaway nestled among woodland with a highly unconventional luxury service.

“

Da più di 14 anni, la mia costante ricerca della perfezione nei minimi dettagli ha come unico desiderio stupirvi.

Reaz, Restaurant Supervisor

I nostri Artigiani vi aspettano #BeachcomberExperience #Mauritius www.beachcomber.com

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ON AIR Clarissa Monti

Cosa ci fa un mostro sacro dell’architettura nipponica come Kengo Kuma a 10 mila metri d’altitudine? E per di più in compagnia di un pool d’eccezione come quello dello studio britannico Acumen?

What is Kengo Kuma doing with the architecture firm Acumen at an altitude of 10,000 metres?

La creatività visionaria di Kuma non ha bisogno di presentazioni: la sua filosofia progettuale indirizzata alla sperimentazione, all’utilizzo di materiali alternativi come bambù e ceramica in base alla loro “capacità emotiva”, alla valorizzazione della luce come elemento stesso di creazione, oltre al suo legame con tradizioni e valori del Paese del Sol Levante, hanno fatto scuola.

Oggi, dopo aver dato vita a progetti conosciuti in tutto il mondo – dalla Great (Bamboo) Wall House di Beijing al museo del design V&A Dundee in Scozia, fino all’headquarter nipponico del colosso LVMH, giusto per fare qualche esempio – Kuma si allea con il celebre studio di architettura londinese per un viaggio ad alta quota che ha ridisegnato completamente l’esperienza di volo firmata ANA. Per la compagnia aerea giapponese hanno infatti firmato in tandem il completo restyling di dodici Boeing 777-300ER dedicati alla rotta Tokyo – Londra.

The star architect’s visionary creativity needs no introduction: his design philosophy, focused on experimentation, the use of alternative materials and making the most of the light – as well as his profound bond with his native Japan – have led the way for his colleagues.

Today, Kuma has teamed up with the renowned London architecture firm for a high-altitude effort that has completely redesigned the ANA flight experience. Together, they have carried out the restyling of twelve Boeing 777-300ER aircraft for the Tokyo – London route.

This marriage of style and substance teams the Japanese hospitality tradition with Western design principles. The star feature of the project is the new First Class Suite, which takes its inspiration from the luxury style of Japanese hotels, with dark wood finishes, movable panels and sliding doors for a modular approach to space and to guarantee maximum privacy, as well as the first 4K personal monitor in the world to be installed on a commercial airliner.

As Kuma explains, “The design process is just as much about what we decided to include as what we decided to omit”.

Un sodalizio di stile e di sostanza, il loro, capace di sposare la tradizione dell’ospitalità giapponese ai principi del design occidentale. Fiore all’occhiello del progetto e introdotta da quella che ricorda un’elegante reception, la nuova First Class: THE Suite si ispira al lusso dei più blasonati hotel giapponesi, tra rifiniture in legno scuro, pannelli mobili e porte scorrevoli per modulare gli spazi e garantire la massima privacy, nonché uno schermo panoramico da 43 pollici – il primo monitor personale 4K del mondo installato su un aereo commerciale di linea. Del resto, con le parole dello stesso Kuma, «Nel design il processo creativo riguarda tanto quello che si decide di includere, quanto quello che si decidere di omettere».

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2020 COSMOPROF BOLOGNA, QUARTIERE FIERISTICO

12 - 15 MARZO

13 - 16 MARZO

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Con la partecipazione di

cosmoprof.com

Organizzato da BolognaFiere Cosmoprof S.p.a.

Milano T +39 02 796 420 F +39 02 795 036 info@cosmoprof.it

In collaborazione con

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WILLY

RIZZO Alessandra Cesana

Back to 70s design

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In questa pagina, Willy Rizzo e Donna Mitchell, 1973. Nella pagina accanto tavolo da caffè quadrato.

Photo courtesy Willy Rizzo Studio.

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Fine anni Sessanta. Nella Roma che ancora oggi sogniamo, quella dei party sulle terrazze, della nascita del jet set, di Anita Ekberg nella Fontana di Trevi, ecco un turista sui generis: è Willy Rizzo, affermato fotografo della vita mondana per il Paris Match, amico di Marilyn, Coco, Audrey, Yves e altre personalità che riconosciamo senza la necessità di aggiungere il cognome. Sono anni magici, frizzanti, creativi e libertini, segnati dall’impulso di sovvertire le regole e rincorrere il divertimento, un periodo di rinascita dopo il conflitto mondiale. Sono gli anni de La Dolce Vita e Rizzo ne incarna i principi, vive gli influssi e, contemporaneamente, influenza il gusto. Merito di un’attitudine e di una sensibilità coltivate dietro all’obiettivo della fotocamera, che presto andrà ad abbracciare anche il mondo dell’arredamento. È proprio a Roma che, quasi per caso, l’artista avvia la sua carriera da designer, quando nel 1966 acquista un piccolo appartamento con vista su Piazza di Spagna, per il quale è lui stesso a disegnare gli interni. A dare inizio alla sua attività è la fitta rete di conoscenze nell’alta società maturate durante gli anni.

Tra i suoi primi clienti si annoverano Brigitte Bardot, Salvador Dali, Rodolfo Parisi e Otto Preminger. Così, nel 1968, incomincia la vera e propria produzione aprendo una fabbrica a Tivoli ed esportando in tutto il mondo le sue creazioni sontuose, esagerate e altamente artigianali.

The Rome we still dream of today, towards the end of the 1960s, was home to a peculiar type of tourist: Willy Rizzo, an acclaimed photographer of society life for Paris Match. These were vibrant, magical years, creative and libertine, marked by an impulse to turn rules on their head and the pursuit of entertainment; a period of rebirth following the Second World War. Rizzo was carried along on the wave of the dolce vita, and at the same time, influenced society’s tastes, thanks to the sensitivity he cultivated behind the camera lens.

In 1966, he purchased a small apartment looking onto Piazza di Spagna, for which he designed the interiors himself. His business was able to take off thanks to the broad network of acquaintances he had built up in high society over the years, and his first customers included Brigitte Bardot, Salvador Dali, Rodolfo Parisi and Otto Preminger. Thus, in 1968, he began producing his own furnishings, opening a factory in Tivoli from which he exported his creations worldwide.

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Dall’alto. Tony Curtis, Kirk Douglas e WR. Coco Chanel, Parigi 1956. Audrey Hepburn e WR, 1966. Ritratto di WR. Yves Saint Laurent e Pierre Cardin, Parigi 1955.

Salvador Dalì, Parigi 1950. Elsa Martinelli, Alexandre Onassis, Odile Rubirosa e WR, 1973. Nella pagina accanto interno progettato da WR. Photo courtesy Willy Rizzo Studio.

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In questa pagina, interno con arredi disegnati da Willy Rizzo. Nella pagina accanto poltrona con profili in metallo.

78 Photo courtesy Willy Rizzo Studio.

«Prima c’erano i mobili in stile

svedese, ma non mi piacevano. È per questo che ho iniziato a disegnarli

»

Influenzato dalla semplicità formale di Le Corbusier e Mies van der Rohe, Rizzo crea arredi che si ergono come massicce sculture nello spazio, definendolo e caratterizzandolo.

Mentre in quegli anni Ettore Sottsass inizia a sperimentare le possibilità dei polimeri e del colore, creando un design pop, il fotografo-designer utilizza solo materiali pregiati creando oggetti emblema del lusso.

Ottone, acciaio, legno, travertino, cristallo e pellami danno vita a volumi che riescono ad essere contemporaneamente semplici ma imponenti, come fossero architetture domestiche. I suoi progetti nascono in risposta a determinate esigenze e osservazioni, come avrebbero voluto i padri razionalisti. Questa attitudine ha permesso a Rizzo di creare arredi funzionali, come tavolini da salotto con vassoio incassato, divani con telecomando per accendere o spegnere la luce e mobili musicali, che ci appaiono come «modernariato futurista» perfettamente in linea con la celebre Monsanto House of the Future (Disneyland, 1957), ma anche con il gusto odierno.

Una personalità poliedrica, insomma, con una grande sensibilità in grado di creare tendenze destinate a ricomparire. E, infatti, che ne è di Willy Rizzo oggi? Scomparso nel 2013, apparentemente dimenticato dal mondo del design, sta vivendo una nuova giovinezza in quel di Los Angeles, rispolverato come nome vintage da non farsi sfuggire. E a breve arriverà di certo anche in Italia e nel vecchio continente. Rizzo era nel posto giusto al momento giusto, tutto quello che doveva fare era guardare, creare, vivere. E tornare.

Influenced by the formal simplicity of Le Corbusier and Mies van der Rohe, Rizzo created furnishings that appear as solid sculptures within a space, bringing definition and character to it. While in those years Sottsass was starting to experiment with the opportunities offered by polymers, the photographer and designer used only prestigious materials such as brass, steel, wood, travertine, crystal and leather, creating objects emblematic of luxury and shaping simple yet striking architectures for the home. In response to specific requirements, Rizzo created sitting room coffee tables with set-in trays, sofas equipped with remote control devices to switch lights on and off, and musical furniture.

He was a decidedly multi-talented individual, acutely sensitive and with an ability to create trends destined to recur. So what can we say about Willy Rizzo today?

Following his death in 2013, he seemed to have been forgotten within the world of design, yet his creations are back in the limelight now in Los Angeles, where his vintage name has been fished back out of the hat as one to be reckoned with, one inevitably destined to reach Italy and Europe. Rizzo found himself in the right place at the right time: all he had to do was observe, create and seize the moment.

In senso orario. Lampada a sospensione in ottone.

Tavolo rotondo laccato screziato con ottone lucido. Sedia con struttura in acciaio inox. Photo courtesy Willy Rizzo Studio.

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EDOARDO MONTI

A TALK WITH

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Umberta Gnutti Beretta

Ho conosciuto Edoardo Monti un anno fa, invitata da un giovane artista che stava terminando un periodo di residenza a Palazzo Monti, a Brescia. Mi ha colpita subito, tanto il luogo quanto il padrone di casa, che ha saputo trasformare l’antica residenza di famiglia in un progetto artistico dall’energia creativa incredibile.

Dopo una brillante carriera all’estero, hai deciso di seguire la tua passione per l’arte e tornare a Brescia, trasformando Palazzo Monti in una residenza per artisti. Che cosa ti ha spinto a un cambiamento di vita così radicale?

Ho lavorato per tre anni a Londra e poi per cinque a New York, occupandomi di moda e di comunicazione digitale. È un mondo che, per quanto affascinante e ricco di opportunità, non soddisfaceva a pieno i miei interessi, da sempre legati alle Arti. Collezionando da quando ho 14 anni ed entrando poi in contatto con il mondo dell’arte in Inghilterra e negli Stati Uniti, ho costantemente alimentato le mie passioni e sono finalmente arrivato a un punto dove sentivo di dover fare qualcosa di più. Ho lanciato il progetto di Palazzo Monti mentre ero ancora a New York, permettendo al programma di avviarsi pienamente prima di decidere di lasciare la mia carriera e tornare in Italia per gestire il progetto a tempo pieno. Credo di aver trovato il coraggio per prendere questa decisione nei moltissimi feedback positivi che ho ricevuto sin dai primi artisti in residenza. Solo allora ho capito il vero potenziale di uno spazio cosi interessante.

Come scegli gli artisti da invitare a Palazzo Monti?

Gli artisti vengono scelti da un Consiglio internazionale, con membri che vivono a New York, Londra, Seoul e in Italia. Un processo democratico di selezione, basato prima su una risposta emotiva ai lavori degli artisti e poi su una ricerca sul loro potenziale e sui risultati già ottenuti, permette di poterci focalizzare sui talenti più promettenti.

Passo la maggior parte del mio tempo viaggiando alla ricerca di nuovi artisti, per fiere e musei, scuole e studi, ma quando sono a Brescia anche io risiedo a Palazzo Monti e questo mi permette di vivere in prima persona l’esperienza che gli artisti vivono qui come ospiti.

Palazzo Monti è un luogo magico e molto conviviale, dove si respira un’aria “di casa”.

Quanto è importante per te distaccarti dall’idea più tradizionale di museo?

Palazzo Monti è e sempre sarà “casa” per me. È con questo atteggiamento che il progetto di ospitare artisti, così come ho tante volte ospitato amici a casa, ha fatto partire una macchina cosi grande che da residenza si è organicamente evoluta in una collezione permanente e spazio espositivo temporaneo.

L’accesso rimarrà sempre gratuito, e l’obiettivo è quello di ruotare in continuazione le opere della mia collezione privata e quelle frutto della residenza, per dare un equo spazio espositivo a tutti gli artisti e per permettere allo stesso tempo ai visitatori di godere ogni volta di opere e installazioni sempre diverse.

Ho conosciuto Palazzo Monti grazie a un bravissimo artista italiano, Francesco de Prezzo, ma poi ho incontrato principalmente artisti stranieri. Perché questa scelta?

La mia vita all’estero, la composizione eterogenea del nostro Consiglio e l’uso di Instagram come principale metodo di comunicazione, ha reso Palazzo Monti un progetto internazionale sin dai primi mesi. Riceviamo richieste sia da artisti italiani che stranieri, e volendo trattare tutti allo stesso modo portiamo avanti la selezione in base a criteri che esulano la nazionalità di ciascuno. A oggi, su 120 artisti, abbiamo ospitato circa 15 italiani, tra cui Francesca Longhini che, come De Prezzo, vive e lavora a Brescia.

Come vedi il futuro di Palazzo Monti in futuro?

Avendo da poco completato la registrazione come Associazione Culturale, il prossimo obiettivo è quello di iniziare una campagna di sensibilizzazione per la raccolta di fondi pubblici e privati, per poter non solo mandare avanti il progetto negli anni futuri, ma anche migliorare i servizi a disposizione degli artisti in residenza. Rimarremo sempre e principalmente una Residenza per Artisti, continuando però a dedicare energie agli spazi espositivi no-profit e all’esposizione della collezione permanente, che cresce in parallelo a quella di Palazzo Monti tramite acquisizioni di cui mi occupo personalmente.

Cosa sogni per gli artisti che sono passati dalla residenza?

Prima di tutto che abbiano avuto un’esperienza positiva con Brescia, con gli altri artisti e con il palazzo stesso. Non tutti sono abituati alla vita in un edificio di 800 anni che, per quanto sia attrezzato con tutti i comfort moderni, richiede tuttavia una capacità di adattamento che non tutti riescono sempre a comprendere. In secondo luogo, che la produzione realizzata in residenza li soddisfi, e che tramite il nostro supporto possa trovare una nuova casa tramite acquisizioni di collezionisti o essere esposta in altre gallerie e musei.

Hai già avuto due vite. Ne sogni una terza o ti fermi volentieri qui?

Conoscendomi, penso proprio che non mi fermerò mai e non escludo affatto di poter avere una terza vita. O forse sette, come i gatti, chissà…

Photo credits: Palazzo Monti I met Edoardo Monti a year ago, when I was invited by a young artist who was finishing a period of residence at Palazzo Monti, in Brescia. I was immediately struck both by the place and the host, who has succeeded in turning the long-established family residence into an art project with an incredible creative energy.

After a brilliant career abroad, you decided to follow your passion for art and return to Brescia, turning Palazzo Monti into a residence for artists. What prompted such a radical life-changing decision?

I worked for three years in London, followed by five in New York, dealing with fashion and digital communication. Fascinating and replete with opportunity though this world was, it didn’t entirely satisfy my interests, which have always been linked to the Arts. I launched the Palazzo Monti project while I was still in New York, and this allowed me to get the programme up and running before making the decision to leave my career and return to Italy to manage the project full time.

How do you choose the artists to invite to Palazzo Monti?

The artists are chosen by an international Council, with members living in New York, London, Seoul and Italy. The democratic selection process - based first of all on an emotional response to the artists’ work and subsequently on research into their potential and the results they have already obtained – allows us to focus on the most promising talents.

Palazzo Monti is a magical, very convivial place, with a “homely” atmosphere. How important is it for you to get away from the more traditional idea of a museum?

Palazzo Monti is, and always will be, “home” to me. Entry will always be free. And the aim is to continually rotate the works from my private collection with those created thanks to the residence programme, so as to distribute the exhibition space fairly among all the artists and at the same time allow visitors to enjoy different works and installations every time.

It was a highly talented Italian artist, Francesco de Prezzo, who introduced me to Palazzo Monti, but I’ve met mainly foreign artists here. What’s behind this choice?

Because of my life abroad, the varied composition of our Council and the use of Instagram as the main method of communication, Palazzo Monti has been an international project since the early days. So far, of the 120 artists on the programme, we’ve hosted about 15 Italians, including Francesca Longhini, who, like De Prezzo, lives and works in Brescia.

How do you see Palazzo Monti in the future?

Now that we’ve just completed registration as a Cultural Association, our next objective is to start an awareness-raising campaign to raise public and private funds, to allow us not only to continue with the project in the future, but also to improve the services we are able to offer the artists in residence.

What do you dream of for the artists you’ve hosted?

First of all, I hope they have had a positive experience with Brescia, with the other artists, and with Palazzo Monti itself. Not everyone is used to living in an 800-year-old building: however well equipped it is with a range of modern facilities, it still requires an ability to adapt that some people can find difficult to understand.

You’ve lived two lives already. Are you dreaming of a third, or are you quite happy to settle with this one?

81 Knowing me, I’m pretty sure I’ll never settle down, so I certainly wouldn’t rule out a third life. Or maybe I’ll have nine lives, like a cat. Who knows?

FUTURE ON THE ROAD

Alessandro Isidoro Re

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Ci siamo abituati a un immaginario futuristico più efficiente e comodo piuttosto che bello e piacevole. Come mai? Semplicemente perché non abbiamo mai pensato che l’avvenire potesse piacerci. In questo senso, l’automotive ha molto da insegnare.

Le macchine elettriche, per esempio, hanno ancora alcune lacune: troppo poco autonome e con pochie aree di ricarica a disposizione nell’agglomerato urbano. C’è però un terzo dilemma molto importante – sono silenziose, troppo silenziose. Questo crea un problema di sicurezza non banale nella progettazione delle nuove vetture, perché pedoni, ciclisti, motociclisti e tutti gli attori che popolano l’ecosistema cittadino hanno bisogno di sentire arrivare un veicolo...

Dunque, la decisione: secondo una nuova direttiva dell’Unione Europea, entro il 2021 tutte le auto elettriche dovranno farsi sentire.

Si tratta, in pratica, di dare voce a una materia altrimenti afona, per virtù di troppa perfezione tecnologica.

Ma quali rumori artificiali creare? E come?

BMW ci ha riflettuto a lungo e per risolvere il problema ha scelto di dare – letteralmente – le chiavi in mano al celebre compositore Hans Zimmer, autore di numerose colonne sonore tra cui Il Re Leone, Batman: The Dark Knight e Rush. Zimmer si è messo all’opera, lavorando all’ultimissimo prototipo, Vision M NEXT, e alcuni leaks sonori sono già finiti online: colpisce innanzitutto l’eleganza e la magnificenza del suono di accensione del motore. E non c’è da sorprendersi, considerata la solennità delle armonie del Maestro tedesco. Lavorando di concerto con l’ingegnere acustico e sound designer Renzo Vitale, Zimmer ha forgiato una libreria musicale per ogni minimo dettaglio e azione dell’automobile. «Progettiamo

suoni che celebrano la bellezza e la complessità dei nostri veicoli e che sono in grado di generare forti emozioni», ha sottolineato l’ingegnere italiano di BMW. Quello della casa automobilistica bavarese è uno dei primi esperimenti di questo tipo nel campo auto motive, ma siamo sicuri che detterà la linea sul nuovo fronte della progettazione futura? Il design delle nostre macchine – di tutte le macchine che ci aiutano a vivere meglio – sarà sempre più legato anche al concetto di estetica, di piacevolezza - oltre che, ça va sans dire, di efficienza. Siamo esseri simbolici, necessitiamo di bellezza. Stiamo entrando nella nuova era della bella tecnologia, dell’Umanesimo 4.0, perché ne abbiamo i mezzi e le necessità; e ci stiamo entrando non più con sbuffi, stantuffi e rombi di tuono – ma con orchestre sinuose, lampi elettrici e tappeti strumentali che faranno da colonna sonora alle nostre cavalcate silenziose. È un futuro che forse non ci aspettavamo. Ma il Futuro, in realtà, è proprio ciò che creiamo; non ciò che ci accade.

Electric cars still have some shortcomings: travelling distances remain too short, with few charging stations available in cities, and they’re quiet. Too quiet, and this is a safety issue, because pedestrians, cyclists and bikers “need” to hear a car coming.

So a decision has been reached: by 2021, according to a new European Union directive, all electric cars will need to be heard.

BMW has thought this over, and has chosen to – literally – hand the keys over to the famous composer Hans Zimmer, the author of numerous film scores, including The Lion King, Batman: The Dark Knight and Rush.

Zimmer got down to work on the very latest prototype, Vision M NEXT. A few details have already been leaked online, and what’s particularly striking is the magnificent sound of the engine switching on. This should come as no surprise, however, considering the solemn harmonies the German composer is renowned for. Working with the sound engineer and sound designer Renzo Vitale, Zimmer has created a musical library for each action of the vehicle. This experiment by the car manufacturer from Bavaria is one of the first of its kind, but we’re sure it will lead the way for others.

The design of our cars will be increasingly linked to a concept of style; vehicles will have to look good, as well as - ça va sans dire – be efficient. We’re symbolic beings: we need beauty. We’re entering a new era that teams technology with beauty, because we have the need for it and the means to create it; and we’re making our entrance with graceful orchestras, electric lights and instrumental layers that will provide the soundtrack for our silent journeys.

This may not be the future we expected. But the Future is something we create, not something that happens to us.

Photo credits: BMW Group83

MODERN WUNDERKAMMER Beatrice Trinci

«Non sono un maniaco del controllo», racconta Wesley Wales Anderson, in arte solo Wes. Eppure, è difficile credergli: basta un’occhiata a un solo frame delle sue celebri pellicole – da Grand Budapest Hotel a The Royal Tenenbaums – per essere catapultati in un mondo magico, dove simmetrie immaginifiche, atmosfere sospese e paesaggi deliziosamente colorati di tonalità pastello fanno da sfondo a racconti incredibili e personaggi eccentrici che oscillano senza sosta tra

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noia, humor, sogno e follia.

Una visionaria – per non dire pignola – meticolosità, con cui il cineasta di Houston potrà anche non immedesimarsi, ma che senz’altro ha conquistato gli innumerevoli fan che lo amano: un immaginario estetico che lo ha reso celebre e immediatamente riconoscibile. E che ora va ad animare gli spazi meneghini di Fondazione Prada, dove il suo universo ironico, surreale ed eccentrico, si trasforma in un percorso espositivo che fino al 13

gennaio 2020 ci accompagnerà in un viaggio estemporaneo.

Non una retrospettiva, né tantomeno un excursus visivo dedicato alla Settima Arte, ma una vera e propria Wunderkammer che dà il benvenuto al visitatore a bordo di un’allegorica macchina del tempo con cui esplorare luoghi ed epoche ormai lontani.

Ideata e curata da Wes Anderson e Juman Malouf, illustratrice, designer, scrittrice, nonché moglie del regista, Il Sarcofago di Spitzmaus e altri

On the left page Wes Anderson and Juman Malouf.

Above: view of the exhibition “Spitzmaus Mummy in a Coffin and other treasures” Kunsthistorisches Museum. Detail Room 4.

Son of the shaggy man, Petrus Gonsalvus.

Germany, c.1580 Painting 100 x 86.5 cm Emerald on gilded copper plinth Colobia / Titolo, 1596 Emerald, wax for wires, gilded copper 21 x 15.5 x 21 On the side, above: Isabella d’Este Peter Paul Rubens (Siegen 1577-1640 Antwerp) c.

1600/1601 Painting on canvas 101.8 x 81 cm Photo credits: Fondazione Prada

tesori fa un tuffo profondo nei vasti archivi del Kunsthistorisches e del Naturhistorisches Museum di Vienna, dando vita alla preziosa esposizione che riunisce all’interno della celebre realtà milanese 537 opere d’arte e antichità, tra cui strumenti musicali, gioielli, sculture propiziatorie, quadri, armature e uova di emù. Naturalia et mirabilia che vedono il proprio apice nel protagonista indiscusso della mostra, una scatola di legno egiziana che contiene la mummia di un toporagno del IV secolo a.C. Un percorso inclusivo che guarda al passato, rendendo omaggio alla centenaria tradizione delle “stanze delle meraviglie” che, sin dal Medioevo, passando per la grandiosità barocca del Seicento e il rinnovato amore per le curiosità scientifiche proprio dell’Illuminismo settecentesco, accoglievano tesori inestimabili al solo scopo di stupire e incantare gli spettatori. Wes Anderson ha voluto reinterpretare questa nobile arte, trasformando le sale della Fondazione in uno scrigno, un cabinet des curiosités tanto stupefacente quanto totalmente andersoniano.

L’exhibition è costituita da precisi gruppi di opere: ecco gli oggetti di colore verde, le miniature, gli strumenti di

misurazione del tempo, le scatole in legno, i ritratti di bambini e di nobili, soggetti naturali, quali meteoriti e animali presentati come reperti scientifici o rappresentazioni artistiche.

Così, sfidando i canoni tradizionali delle istituzioni museali, proponendo nuove relazioni tra gli spazi, le opere e il pubblico, Spitzmaus Mummy in a Coffin and other Treasures si pone come una riflessione sul mondo del collezionismo e su come i collezionisti custodiscano, espongano e vivano i loro capolavori.

Una liaison umana e professionale che riconferma il solido rapporto tra il pluripremiato regista e la famiglia Prada. Prima nelle vesti di direttore per molteplici spot pubblicitari, come per Prada Candy con Léa Seydoux intrappolata in un onirico triangolo amoroso, o l’annoiato postino sognatore in The Postman, co-protagonista della borsa Galleria. Poi progettista del Bar Luce, il locale dall’allure ricercatamente vintage che tra palette pastello, rifiniture in ottone e pareti perlinate «sarebbe uno splendido set cinematografico, ma anche un ottimo posto dove scrivere un film». E ora anche curatore d’arte per Miuccia.

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“I’m not a control freak”, says Wesley Wales Anderson, better known simply as Wes. Yet all it takes is a glance at a single frame from one of his famous movies – from “Grand Budapest Hotel” to “The Royal Tenenbaums” – to carry us off into a magical world, where fantastic symmetries and landscapes delightfully coloured in delicate pastels offer a backdrop for eccentric characters, constantly walking a tightrope strung between dream and folly.

A meticulously visionary approach, with which the Houston moviemaker may not necessarily identify, but which has undoubtedly won him a huge number of fans aficionados. The Prada Foundation in Milan will now be turning Wes Anderson’s tongue-in-cheek, surreal universe into an exhibition set to run until 13 January 2020: a Wunderkammer ready to welcome visitors aboard an allegorical time machine for a chance to explore far-off lands and distant times.

Curated by Wes Anderson and his wife, illustrator and writer Juman Malouf, “Il Sarcofago di Spitzmaus e altri tesori” (Spitzmaus Mummy in a Coffin and Other Treasures) delves into the huge archives of the Kunsthistorisches and Naturhistorisches

Museums in Vienna, to bring 537 artworks to the famous Milan venue, including musical instruments, jewellery, sculptures, paintings, armour and emu eggs. The jewel in the crown of these naturalia et mirabilia, and the undisputed star attraction of the exhibition, is a wooden box from Egypt containing the mummy of a shrew dating to the 4th century BC. This inclusive exhibition route takes a look at the past, paying tribute to the centuries-old tradition of the “cabinet of curiosities”, taking the form of a treasure chest ready to welcome gems of inestimable value: green-coloured objects, miniatures, measuring instruments, wooden boxes, portraits of children and nobles, and natural subjects, presented both as scientific exhibits and artistic representations, designed to give rise to a reflection on the world of collecting and how collectors guard and enjoy their treasures.

This personal and professional liaison once again confirms the solid relationship between the Prada family and Wes Anderson, who in addition to directing many commercials for the fashion house, including “Prada Candy” and “The Postman”, and designing Bar Luce, is now also an art curator for Miuccia.

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Paolo Lorenzoni, Direttore Generale di The Gritti Palace, a Luxury Collection Hotel, ci invita a condividere una giornata nella “sua” Venezia, in un percorso appagante di luce, sapori e pura esclusività.

Paolo Lorenzoni, General Manager of The Gritti Palace, a Luxury Collection Hotel, invites us to share a day in “his” Venice: a satisfying, superbly exclusive sequence of light and flavours

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ENICE

Barbara Micheletto Spadini

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Down

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Una camminata veloce per vedere sorgere il sole dalle Zattere e seguirlo crescere sopra Punta Della Dogana, attraversando il ponte dell’Accademia, è un rito imperdibile per iniziare al meglio la giornata.

A brisk walk to see the sun come up from the Zattere promenade and watch it continue to rise above Punta Della Dogana, crossing the Accademia bridge, is a ritual that gets the day off to a great start.

Green time

Executive

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È motivo di grande orgoglio sposare un progetto che promuove la sostenibilità e la stagionalità dei prodotti del territorio lagunare coltivando le castraure (i germogli dei carciofi) nell’orto privato di Nori Vaccari sull’isola di Mazzorbetto. Da non perdere, la degustazione di questo presidio Slow Food al centro del menù creato da Daniele Turco, Chef del Ristorante Club del Doge.

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It’s a matter of great pride to support a project that promotes sustainable, seasonal produce from the lagoon area, by growing castraure (baby artichokes) in the private vegetable garden of Nori Vaccari, on the island of Mazzorbetto. Don’t miss the chance to taste this Slow Food presidium, the key ingredient in the menu created by Daniele Turco, Executive Chef of the Club del Doge Restaurant.

Otium

Un privilegio che appaga i sensi: noleggiare una piccola imbarcazione e navigare negli stretti canali non accessibili ai motoscafi per scoprire gli scorci unici che solo questa meravigliosa città sa offrire.

Hiring a little boat and sailing along the narrow canals not accessible to the motorboats, exploring unique corners of this marvellous city, is a privilege sure to assuage the senses.

Dusk

Irrinunciabile: passeggiare al tramonto sulle Fondamenta della Misericordia con il sole tiepido sul viso, fermandosi in uno dei numerosi bacari per un ottimo spritz o un prosecco con cicchetti, specialmente in primavera o in inverno, quando la zona è poco frequentata.

A ritual not to be missed is a stroll at dusk along the Fondamenta della Misericordia, the warm sun on your face, stopping off at one of the numerous bacari for a delicious Spritz or Prosecco with snacks, especially in the spring or winter when the area is less busy.

Dining time

Assaporare la cucina dell’antica tradizione lagunare del XVI secolo rivisitata in chiave non convenzionale da Daniele Turco, Executive Chef del Club Del Doge, all’interno di The Gritti Palace, è un’experience imperdibile per i palati più raffinati.

Savour some traditional 16th-century cuisine of the lagoon, given an unconventional twist

by Daniele Turco, Executive Chef of the Club Del Doge Restaurant in The Gritti Hotel: an experience no sophisticated palate should forego.

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Photo credits: The Gritti Palace

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Photo credits Yujia Hu

SUSHI ART Ildo Damiano

Non è una novità che il mondo del fashion sia da sempre permeabile a contaminazioni di ogni tipo, capaci di influenzare campi come quelli dell’arte, del design, del food. Gli esempi da fare sono pressoché infiniti, ma basti pensare a uno stilista come Paul Poiret che nel secolo scorso organizzava cene a tema con pietanze di colori e forme uniche. Oggi più che mai, grazie alla globalizzazione, il cibo è protagonista di sperimentazione artistiche inaspettate e inedite. A Milano vive un artista cinese che ha fatto del sushi la materia prima per esprimere la sua creatività fashion: Yujia Hu è un’autentica istituzione nella sushi art e il suo profilo Instagram #theonigiriart è uno dei più seguiti.

Ecco che cosa ci ha raccontato.

Fashion has always been open to cross-influences of all kinds, able to impact fields such as art, design and food. This is nothing new, and the examples are virtually endless. Just to mention one, during the last century, stylists such as Paul Poiret used to organise themed dinner parties, featuring dishes with unique colours and shapes. Today, thanks to globalisation, food plays a bigger role than ever in original and unexpected artistic experimentations. A Chinese artist living in Milan has adopted sushi as his material of choice to express his fashion creativity: Yujia Hu is an institution in sushi art, and his Instagram profile #theonigiriart has one of the highest numbers of followers. Here’s what he told us.

Come ha iniziato a realizzare opere in riso fashion?

Sono nato in un piccolo paesino della Cina, YuHu, e a 8 anni sono arrivato in Italia. A Milano ho fatto tutte le scuole, ho frequentato il liceo artistico Boccioni e a 18 ho iniziato a lavorare nel ristorante di famiglia, dove ho imparato l’arte del sushi. Nella capitale della moda italiana non si può rimanere immuni allo sfavillante mondo del fashion, ed è così che è cominciata la mia avventura creativa. In più la mia ragazza lavora nella moda ed è da lei che vedo molti dei capi e degli accessori firmati da cui prendo ispirazione.

Dove ha appreso la tecnica?

Ho un’esperienza di dieci anni come sushi chef. La tecnica precisa per realizzare i miei lavori l’ho affinata con il tempo e con la pratica da autodidatta: mi esercito molto e sperimento molto.

Realizzare i ritratti di stilisti come Alessandro Michele o Karl Lagerfeld è frutto innanzitutto di una scelta molto attenta della materia prima, e poi del mio estro creativo.

Dunque, il food può esprimere la creatività della moda?

Certamente, il cibo come la moda ha una parte estetica molto importante – anche l’occhio vuole la sua parte, no? Uno chef come uno stilista deve sod-

disfare in prima battuta la vista, poi vengono tutti gli altri sensi. La mia idea è stata quella di portare la mia visione nella food art, enfatizzandone l’aspetto fashion.

Qual è il soggetto che l’ha appassionata di più realizzare?

Sono molto legato a quadri come L’Urlo di Munch o Il bacio di Klimt perché sono opere che nemmeno io all’inizio pensavo di riuscire a realizzare. Il risultato finale mi ha quasi stupito, e ogni volta che li guardo mi emoziono!

Il sogno nel cassetto?

Più che un sogno ho un obbiettivo: voglio far appezzare i miei lavori a più persone possibili.

How did you start creating fashion works using rice?

I was born in a little village in China, YuHu, but I did all my schooling in Milan, where I started working in my family’s restaurant and learned the art of sushi. Milan is Italy’s fashion capital, and it’s impossible to remain immune to the world of fashion here. This is how my creative adventure began.

Where did you learn the technique?

I have ten years’ experience as a sushi chef. The precise technique for creating my works is something I’ve fine-tuned over the years, and with practice: I’m self-taught. I practise and experiment a lot.

Portraits of stylists such as Alessandro Michele or Karl Lagerfeld are the result, above all, of a very careful choice of the materials, teamed with my creative talent and imagination.

So can the creativity of fashion be expressed with food?

Definitely. Like fashion, food has an aesthetic component that’s very important. Just like a stylist, a chef first has to ensure his creation is visually appealing. All the other senses come after that. My idea was to bring my vision into food art, emphasising the fashion aspect.

Which subject gave you the greatest thrill to recreate?

I’m very attached to paintings such as The Scream by Munch, or The Kiss by Klimt, because they’re works I myself didn’t believe I could create to begin. I was almost taken aback by the end result, and I’m moved every time I look at them!

Your secret wish?

I have an aspiration rather than a wish: to have my works admired by as 91 many people as possible.

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Giorgia Giuliano

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Non ha forma tonda ma è la Bretagna la perla della Francia, ed è meglio attraversarla piuttosto che farne una collana. È collocata a nord-ovest, indecisa tra mari e climi: a sud l’Oceano Atlantico che la rende mite, a nord il Canale della Manica con le maree più sensazionali d’Europa – arrivano fino ai 14 metri nella baia di Mont Saint-Michel e sono preziose come madreperla, perché, delle ostriche della Bretagna, ne parla tutto il mondo. Le piatte sono le più pregiate: ci sono la Bèlon dalla carne bianca e la Marenne, “green” e polposa per via di un’alga al suo interno. Ridurre per esaltare: si gustano con pane, burro, champagne o vino bianco fermo. Sulle loro carni basterà qualche goccia di limone.

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Photo credits: Aux Pesked Š Olivier Marie

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Il primo appuntamento con il mollusco di Bretagna è a Cancale, cittadina incastonata in una baia a forma di conchiglia, proprio di fronte a Mont Saint Michel. Imperdibile le Marché Aux Huitres: bancarelle e baracchini fanno delle ostriche uno street food d’eccellenza, una passeggiata afrodisiaca senza però scordare un buon bicchiere di sidro. In città, La Ferme Marine organizza un tour nel parco delle ostriche da ammirare nelle vasche quando c’è bassa marea.

E a seguire? Mangiare a: il ristorante Côté Mer, un riuscitissimo azzardo sul mare, con una bella veranda e con gli iconici piatti di pescato fresco. Tonno rosso, ratatouille esotiche e le ostriche di Cancale da mangiare senza filtri o con lo zafferano. Il ristorante ha un design pacato a contrasto con quella pausa di gusto che è un’adrenalina di sapori.

A pochi chilometri c’è Saint-Coulomb, dove ha sede La Famille Boutrais, eccellenza nel panorama dell’ostricultura per qualità e savoir faire: rende i suoi allevamenti tappe da esplorare attraverso visite guidate e degustazioni d’eccezione.

L’itinerario prosegue con Saint Malo, meta corsara dove concedersi una (breve) pausa dalle ostriche di Bretagna; l’alternativa è una crêpe croccante presso Crêperie La Marie Cécile: le cialde ambrate racchiudono un ripieno dolce o salato tra uova, verdure fresche e creme dense.

Saint Malo combacia geograficamente con Saint Brieuc, la città più stellata della Bretagna che, come Cancale, si distingue per le ostriche che, al palato, sembrano quasi le gemelle di una nocciola.

Il ristorante da provare: Aux Pesked, un lusso gastronomico che porta a galla tutto il meglio che c’è sott’acqua. In cucina, lo Chef Mathieu Aumont, una stella Michelin.

L’itinerario bretone ha un doppio lieto fine: basterà rotolare verso sud – e per la precisione verso la selvaggia penisola di Quiberon – per gli incontri di gusto con la Belle e la Spéciale de Quiberon, le due sole varietà di ostriche allevate in mare aperto.

Ristorante Côté Mer, Route de la Corniche, 4 rue Ernest Lamort, Cancale La Famille Boutrais, 21 rue de la Mare, Saint-Coulomb Creperia La Marie Cécile, 6 Place du Canada, Saint-Malo Ristorante Aux Pesked, 59 Rue du Légué, Saint-Brieuc

Brittany summed up in five stages, starting with a tasty trip to Cancale, the coastal town where you’re guaranteed to find the finest oysters, as you wander through the stalls that enliven the streets. Looking onto Mont Saint Michel, Cancale offers guided tours that give visitors the chance to learn all about around the world of oysters and understand more about these molluscs with a hazelnut-like flavour that can be enjoyed with bread, salted butter, champagne or cider. Just a few kilometres from Cancale is the cheery corsair city of Saint Malo: with its delightful scenery and crisp culinary delights, Saint Malo is the place to enjoy a different specialty: the sweet and savoury crêpes at Crêperie La Marie Cécile. Located between the two Breton towns is Saint-Coulomb, famous for the top-quality oyster farm La Famille Boutrais. And if gourmet food is your passion, Saint-Brieuc boasts the finest restaurants in the region: top of this star-studded list is Aux Pesked, kingdom of the tenacious, talented chef Mathieu Aumont. Brittany is a land as generous as it is beautiful, home to the only two rare varieties of oyster farmed in the open sea: Belle and Spéciale de Quiberon. This voyage of discovery through north-western France also seems to include a treasure hunt: the last stop marked on the map is Quiberon, in the wildest, most unspoilt area of Brittany.

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In un mondo quasi interamente al maschile come quello dell’alta ristorazione, le stelle brillano ancor di più se sono quelle di Chef donne. Da qualche anno Veuve Clicquot ha deciso di dar loro voce attraverso un network virtuoso capace di far rete intorno alle eccellenze femminili nei templi del gusto più blasonati del Belpaese. È l’Atelier des Grandes Dames, nato per valorizzare il talento e il coraggio nell’imprenditoria in rosa e ispirato alla mitica fondatrice della Maison de Champagne, l’intrepida Barbe-Nicole Ponsardin. Proprio lei che, rimasta vedova a 27 anni, nel 1805 si ritrova a condurre l’azienda di famiglia, trasformandola sotto la sua guida nell’impero delle bollicine che noi tutti conosciamo. Una capitana d’industria ante litteram, insomma, la cui figura a oltre due secoli di distanza rimane più attuale che mai.

Oggi sono 19 le Chef coinvolte nel progetto: voci, storie, vissuti e filosofie in cucina completamente diverse tra loro, ma tutte accumunate da quei valori di intraprendenza e passione che fanno volare alto l’empowerment femminile, anche in un ambiente competitivo come quello dei grandi premi e delle bibbie (rosse) della cucina. Abbiamo chiacchierato con tre di loro, vincitrici del Premio Michelin Chef Donna by Veuve Clicquot, viaggiando dalle altezze delle Dolomiti del Laite, il ristorante di Fabrizia Meroi, alle bellezze sfaccettate della Calabria di Caterina Ceraudo, Chef del Dattilo, fino ai paesaggi sapidi di Salina, in Sicilia, dove abbiamo incontrato Martina Caruso, anima del Signum.

In an almost exclusively male environment such as the world of haute cuisine, stars shine even brighter if they’re earned by a female chef. A few years ago, Veuve Clicquot decided to give them a voice, creating a virtuoso network of the most outstanding female food professionals in the most prestigious, renowned gourmet eateries in the Belpaese. The Atelier des Grandes Dames was established to highlight and encourage the talent and courage of female entrepreneurship, inspired by the legendary founder of the Maison de Champagne, the intrepid Barbe-Nicole Ponsardin.

Today there are 19 chefs engaged in the project, which features widely differing voices, stories, experiences and cooking philosophies that allow female empowerment to fly high. We had a chat to three of them, winners of the Premio Michelin Chef Donna by Veuve Clicquot, travelling from the heights of Fabrizia Meroi’s Laite restaurant in the Dolomites down to the multi-faceted beauty of Calabria to meet Caterina Ceraudo, chef of the Dattilo, and across to the delicious landscapes of Sicily, where we spoke to Martina Caruso, the heart and soul of Signum.

pink (food) empowerment Virginia Francesca Grassi

Fabrizia in tre ingredienti e altrettanti aggettivi.

Equilibrata come il connubio di acidità e dolcezza espresso nell’agrume. Dinamica come il pomodoro che può essere utilizzato in svariate preparazioni. E poi identitaria come il sapore del levistico, ingrediente riconoscibilissimo in qualunque ricetta.

Qual è il piatto che più ti rappresenta?

Non credo possa essercene uno solo: ciascun piatto, come ciascun individuo, è caratterizzato da diverse sfaccettature in base alla personalità, quindi risulta difficile idealizzarne un’unica visione.

Essere Chef, essere donna: qual è il valore aggiunto?

Questa bilateralità offre diversi spunti di riflessione. Essere donna per me rappresenta anche l’essere moglie e madre, e la convivenza tra vita privata e lavoro non è sempre facile. Ma vedere il mondo da diverse angolazioni vuol dire anche più stimoli e più idee, che poi si tramutano in gusti da esprimere nella mia cucina.

Quali insegnamenti trarre dall’esempio della Vedova Clicquot?

Senz’altro l’importanza dell’essere determinati, la passione come motore per raggiungere i propri obiettivi e soprattutto il saper affrontare giorno dopo giorno il susseguirsi degli eventi.

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FABRIZIA MEROI – LAITE (SAPPADA, BELLUNO) PREMIO MICHELIN CHEF DONNA 2018

BY VEUVE CLICQUOT Fabrizia, described in three ingredients and three adjectives: Balanced, like the combination of acidity and sweetness found in citrus fruit. Dynamic, like the tomato, which can be used in a variety of recipes. Distinctive, like the flavour of the lovage that’s so easily perceptible in her recipes.

What’s the dish that represents you best?

I don’t think there can only be one: every dish – like every individual – is marked by different aspects, based on personality, so it’s difficult to idealise one as representing a single vision.

What added value does being a woman bring to being a Chef?

These twin aspects offer a number of points for reflection. For me, being a woman also means being a wife and mother, and balancing private life with work isn’t always easy. However, being able to see things from different angles is also more stimulating, and offers more ideas, which can then be turned into flavours to create in my kitchen.

What can be learned from the Widow Clicquot?

For sure, the importance of determination, passion as a driver to reach your goals, and above all, the ability to tackle the events that unfold every day.

CATERINA CERAUDO – DATTILO (STRONGOLI, CROTONE) PREMIO MICHELIN CHEF DONNA 2017

BY VEUVE CLICQUOT

Caterina in tre ingredienti e altrettanti aggettivi.

Essenziale come il sale, paziente come il vino, coraggiosa come il peperoncino.

Qual è il piatto che più ti rappresenta?

In questo momento è patata e peperoni: perché è autentico, un piatto che rappresenta il passato e il futuro della mia Calabria.

Essere Chef, essere donna: qual è il valore aggiunto?

La mia vita da donna è la mia vita da Chef, sono io sempre, a tutto tondo e in ogni sfaccettatura possibile.

Quali insegnamenti trarre dall’esempio della Vedova Clicquot?

Oggi è importante abbattere i limiti. Anzi, è importante non vedere limiti in nessuna professione. Madame Barbe-Nicole Ponsardin è stata coraggiosa, intraprendente, curiosa e altruista: tutto quello che secondo me è fondamentale essere per una donna.

Caterina, described in three ingredients and three adjectives: Essential, like salt. Patient, like wine. Bold, like chilli pepper.

What’s the dish that represents you best?

Right now, potatoes with peppers: because it’s a genuine dish that represents the past and future of my native Calabria.

What added value does being a woman bring to being a Chef?

My life as a woman is my life as a chef: it’s always me, in everything I do, and from every angle possible.

What can be learned from the Widow Clicquot?

Today it’s important to break down barriers – it’s important not to see barriers, in any profession. Madame Barbe-Nicole Ponsardin was courageous, enterprising, curious and altruistic: all those qualities I believe are essential for a woman.

MARTINA CARUSO – SIGNUM (SALINA, EOLIE) PREMIO MICHELIN CHEF DONNA 2019

BY VEUVE CLICQUOT

Martina in tre ingredienti e altrettanti aggettivi.

Acida come il limone, buona come il pomodoro, calorosa come il peperoncino.

Qual è il piatto che più ti rappresenta?

Lo sgombro alla brace con zuppa di olive, capperi canditi e finocchietto di mare, perché racchiude il Mediterraneo con vari contrasti di sapore e diverse temperature.

Essere Chef, essere donna: qual è il valore aggiunto?

Vivo molto bene la mia femminilità, anche nella mia professione. È vero che questo è un mondo a prevalenza maschile, ma sono sempre di più le donne che sanno farsi valere nell’alta ristorazione. Potrei definire la mia cucina femminile, ma probabilmente è proprio perché è mia, perché sono io, la mia storia, la mia famiglia, la mia magica isola e quello che sarò.

Quali insegnamenti trarre dall’esempio della Vedova Clicquot?

Madame Barbe-Nicole Ponsardin è stata una grande donna e credo che il suo insegnamento più prezioso possa essere la determinazione e la capacità di non farsi abbattere da nulla e da nessuno.

Martina, described in three ingredients and three adjectives: Sharp, like lemon. Pleasant, like tomatoes. Warm, like chilli pepper.

What’s the dish that represents you best?

Char-grilled mackerel with a soup of olives, candied capers and sea fennel, because it encompasses the Mediterranean with its various contrasts of flavour and different temperatures.

What added value does being a woman bring to being a Chef?

I’m very much at ease with my femininity, also in my profession. It’s true that this is a predominantly male world, but the number of women carving out a place in haute cuisine is growing. I could describe my approach to cooking as feminine, but that’s probably because it’s mine, because it’s me, it’s my history, my family, my magical island, and what I’m to become.

What can be learned from the Widow Clicquot?

Madame Barbe-Nicole Ponsardin was a great woman, and I believe the most valuable thing to be learned from her is determination, the ability not to let anything or anyone bring her down.

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Pici al lampredotto, cavolo nero, pecorino e rigatino croccante Virginia Francesca Grassi

Ingredienti (ricetta per 4 persone): Per i pici: 300 gr di farina 00 50 gr di farina di semola rimacinata 80 gr d’acqua

Ingredients (for 4):

Per la salsa al lampredotto: For the pici: 500 gr di lampredotto 300 g 00 finely ground flour 2 coste di sedano 50 g remilled semolina flour 2 carote 80 g water 1 cipolla dorata For the lampredotto sauce: 2 spicchi d’aglio 500 g lampredotto Olio evo q.b.

2 sticks of celery Mezzo bicchiere di vino bianco 2 carrots 300 gr di pomodoro pelato (senza semi) 1 golden onion Un mazzetto aromatico con timo, 2 cloves of garlic maggiorana, salvia, santoreggia Extra virgin olive oil as required Sale e pepe Cubebe q.b.

Half a glass of white wine 300 ml di brodo di pollo 300 g peeled tomatoes (seedless) Bouquet garni with thyme, marjoram, Per guarnire: sage and savory Pecorino di Pienza a scaglie Salt and Cubeb pepper to taste Mezzo cavolo nero 300 ml chicken stock 100 gr di rigatino toscano Olio evo q.b.

To garnish: Un pizzico di peperoncino Slivers of Pecorino di Pienza cheese Uno spicchio d’aglio Half a head of Tuscan kale 100 g rigatino Tuscan-style bacon Extra virgin olive oil as required A pinch of chilli pepper 1 clove of garlic

“Un’esperienza sinestetica che porta l’Italia intera nel piatto, con le sue incredibili materie prime e i suoi piccoli produttori”, è questa la cucina firmata Fabrizio Borraccino, da gennaio 2019 guida e anima di tutta l’offerta gastronomica del Four Seasons Hotel di Milano. Nelle sue sapienti mani oggi ci sono il ristorante La Veranda, il lounge bar Il Foyer, il Giardino e ovviamente la parte catering: una ristorazione di altissimo livello che valorizza l’autenticità del gusto italiano facendo tesoro delle eccellenze dello stivale tutto.

L’Executive Chef ha voluto regalarci una ricetta che porta la Toscana nel piatto: un omaggio che parla di emozione e bellezza al primo morso.

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“A multi-sensory experience that combines the whole of Italy into a single dish, a celebration of the country’s incredible ingredients and small farmers”: this is the culinary philosophy of Fabrizio Borraccino, in charge of the gourmet menus of the La Veranda restaurant, Il Foyer lounge bar and the Garden in the Four Seasons Hotel in Milan, as well as the hotel’s catering service.

This exclusive recipe from the Executive Chef brings a touch of Tuscany to the table, with a splendid tribute to the region’s cuisine that awakens emotions from the first bite.

Procedimento

Si comincia dalla pasta. Mescolare insieme i due tipi di farina, aggiungere l’acqua e impastare finché non si otterrà un composto liscio e omogeneo. Formare dunque una palla e coprirla con della pellicola trasparente: va fatta riposare in frigorifero per un paio di ore.

Trascorso il tempo necessario, stendere l’impasto con l’aiuto di un mattarello e ricavare delle strisce lunghe circa 20 centimetri.

Rullare tra le mani ciascuna striscia fino a formare uno spaghetto lungo: ecco pronto il picio. Passando al condimento, tagliare a brunoise il sedano, le carote e la cipolla; far rosolare in una pentola capiente con olio d’oliva e aglio. Unire il pepe schiacciato, il lampredotto tagliato a pezzettoni e far andare a fiamma media per circa 5 minuti; salare a piacere e bagnare con il vino bianco. Una volta sfumato, aggiungere il brodo di pollo, i pelati tagliati a metà, il mazzetto aromatico e far andare a fuoco lento per circa due ore.

Quando il lampredotto sarà cotto e la salsa pronta, filtrare il succo dei pomodori con un colino. Passare circa un terzo del lampredotto al passaverdure e unirlo al pomodoro filtrato; poi far ridurre il composto di circa la metà. Nel frattempo, va preparata la guarnizione. Tagliare il rigatino a fette sottili e farlo diventare croccante in forno. Tagliare due o tre scaglie di pecorino di Pienza per ciascun piatto. Sfogliare il cavolo nero, lavarlo e bollirlo per 5 minuti in acqua salata; spadellarlo con poco olio, aglio e peperoncino.

A questo punto far cuocere i pici in acqua salata, scolarli e saltarli in padella con il condimento: il sugo, il lampredotto a pezzi, il cavolo nero e qualche fogliolina di maggiorana.

Completare il piatto con le scaglie di pecorino ed il rigatino croccante.

Method:

For the pasta: mix together the two types of flour, add the water and mix to a smooth, even dough. Cover the dough with transparent plastic wrap and leave it in the fridge for two hours.

Roll out the dough with a rolling pin and cut it into strips of about 20 cm long, and roll the strips to form the pici, similar to spaghetti.

For the sauce: finely dice the celery, carrot and onion and brown in a pan with olive oil and garlic. Add the crushed pepper, the roughly chopped lampredotto and cook over a medium heat for about 5 minutes; add salt to taste and pour in the white wine. Add the chicken stock, the peeled tomatoes (cut in half) and the bouquet garni and cook over a low heat for about two hours.

When ready, filter the juice of the tomatoes through a sieve. Put about a third of the lampredotto through the vegetable mill and add it to the filtered tomato, then reduce the mix down to about a half.

To garnish, cut the rigatino into thin slices and crisp it up in the oven. Cut two or three slivers of pecorino di Pienza for each serving.

Remove the outer leaves of the kale, wash it and boil it in salted water for 5 minutes; toss in the pan with a little oil, garlic and chilli pepper.

Now cook the pici in salted water, drain and toss in the pan with the sauce, the pieces of lampredotto, the kale and a few leaves of marjoram. Top with slivers of pecorino and crisp rigatino.

Photo credits: Four Seasons Hotel Milano

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