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4 . DIC. 2018

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5 . ENE . 2019

CANVAS GALLERY

3050 Biscayne Blvd, Suite 101 Lobby Miami, FL 3


Fotografía: Rosario Fernández Esteve

De izquierda a derecha abajo, Héctor Rafael, Rosario Fernández Esteve, Edwin Mauras Modesti, Rafael Rivera Rosa, Antonio Cortés Rolón, Zuania Muñíz Meléndez, Abdías Méndez Robles, Eliel Pérez, Aaron Salabarrías Valle. Arriba, Romaguera, Laura Rodríguez Abreu, Alejandro Rodríguez y José Oscar Torres Pereyra.

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EDWIN MAURAS MODESTI RAFAEL RIVERA ROSA

PROYECTO DEDICADO A LOS MAESTROS:

AARON SALABARRÍAS VALLE ABDÍAS MÉNDEZ ROBLES ALEJANDRO RODRÍGUEZ ANTONIO CORTÉS ROLÓN ELIEL PÉREZ HÉCTOR RAFAEL JOSÉ OSCAR TORRES PEREYRA LAURA RODRÍGUEZ ABREU ROMAGUERA ROSARIO FERNÁNDEZ ESTEVE ZUANIA MUÑÍZ MELÉNDEZ


DEDICATORIA

DEDICATION

Los organizadores y artistas que participamos en la exposición PRESENCIA, dedicamos el proyecto a los Maestros-artistas Rafael Rivera Rosa y Edwin Maurás.

The artists that participate in the PRESENCE, dedicate the project to the “maestros” artists Rafael Rivera Rosa and Edwin Maurás.

Su sólida trayectoria en el arte, aportación creativa, producción, así como su dedicación a la educación y su humanismo, son las razones principales que nos motivaron a seleccionarlos para dedicarles el proyecto.

The works of Rafael Rivera Rosa and Edwin Mauras represent the pictorial quality that has been produced and continues to be produced in Puerto Rico. They have explored the pictorial media, they have studied and researched until they develop a style with which they have marked a time and a space. Their knowledge and experiences have been shared with new generations of artists. They are examples to follow, are MASTERS.

Las obras de Rafael Rivera Rosa y Edwin Mauras representan la calidad pictórica que se ha producido y se continua produciendo en Puerto Rico. Ellos han explorado los medios pictóricos, han estudiado e investigado hasta desarrollar un estilo, una factura con la que han marcado un tiempo y un espacio. Sus conocimientos y experiencias las han compartido a nuevas generaciones de artistas. Son ejemplos a seguir, son MAESTROS. Nos sentimos honrados de que ustedes hayan aceptado esta dedicatoria, y que nos acompañen con su obra y con su presencia. Rafa y Edwin, gracias por aceptar la dedicatoria y ser parte de nuestra PRESENCIA.

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We are honored that you have accepted this dedication, and that you accompany us with your work and your presence. Rafa and Edwin, thank you for accepting the dedication and being part of our PRESENCE.


MENSAJE DEL DIRECTOR DE CANVAS MIAMI GALLERY En mis viajes de negocio, y mis años de vivir en otros países, descubrí artistas locales con un talento excepcional, y una carrera exitosa. Poco a poco, fui coleccionando piezas únicas, interesantes, y simplemente impresionantes. Entonces, empecé a preguntarme: ¿Cómo puedo compartir toda la creatividad de estos artistas fuera de su local? ¿Cómo puedo ofrecerles la oportunidad de exponerse ante el mundo internacional del arte? Inicialmente traía piezas de los artistas a Miami, y las vendía en fiestas que frecuentaba con mi grupo de amigos. Entre mis sueños siempre tuvo tener abrir una galería y poder representar a estos artistas en Miami. Fast-Forward varios años después, en el 2017, tuve la oportunidad de ocupar un espacio en una esquina céntrica en la exclusiva zona de Miami Design District, Midtown y Wynwood. El huracán, María, acababa de azotar a mi isla, y fue ahí cuando pensé que tenía lo necesario para apoyar a algunos artistas. A pesar de haber tenido poco tiempo, seis semanas, para preparar todo antes de abrir la galería al público, pude contar con la ayuda de mi gran amiga y artista, Julia Rivera. Conectamos con artistas en Puerto Rico que pudiéramos apoyar y promover en el mercado internacional. El catorce de diciembre de 2017, abre sus puertas Canvas Miami Gallery. Destacamos a siete artistas puertorriqueños y varios de otros países que pertenecían a mi colección. Abriéndoles una ventana a: cientos de miles de coleccionistas, visitantes, turistas, y fanáticos del arte, que se reúnen en nuestra bella ciudad de Miami todos los días, y que también asisten a muchos eventos internacionales de arte que patrocinamos en Miami durante el año. PRESENCIA nace durante nuestra inauguración con la visita del Sr. Antonio Cortés Rolón, y posteriormente del Sr. Abdías Méndez Robles, con la intención de promover un grupo selecto de artistas puertorriqueños, presentes durante la época de las ferias de arte más asistidas y de importancia a nivel mundial. Gracias infinitas, especialmente a los artistas que participan y a los que dedicamos este proyecto con mucho amor. Gracias a Antonio, a Abdías y a Sylvia, y a todos los que nos están apoyando, auspiciando y coordinando PRESENCIA. ALFREDO LÓPEZ CASALDUC

MESSAGE FROM THE ART DIRECTOR OF CANVAS MIAMI GALLERY In my business trips, and my years of living and traveling abroad, I discovered local artists with exceptional talent, and a successful career. Little by little, I was collecting unique, interesting, and simply stunning pieces. Then, I began to ask myself: How can I share all the creativity of these artists outside their local area? How can I offer them the opportunity to expose themselves to the international art world? Initially, I brought artists’ pieces to Miami, and sold them at parties that I frequented with my group of friends. Among my dreams has always been to have a gallery and be able to represent these artists in Miami. “Fast-Forward” several years later, in 2017, I had the opportunity to occupy a space in a central corner in the exclusive area of ​​Miami Design District, Midtown and Wynwood. Hurricane Maria, had just hit my island, and that’s when I thought I had what it took to support some artists. Despite having little time, six weeks, to prepare everything before opening the gallery to the public, I was able to count on the help of my great friend and artist, Julia Rivera. We connected with artists in Puerto Rico that we could support and promote in the international market. On December 14, 2017, Canvas Miami Gallery opens its doors. Highlighting seven Puerto Rican artists and several from other countries in my own collection. Opening a window to the international world to: hundreds of thousands of collectors, visitors, tourists, and art fans - who meet in our beautiful city of Miami every day, and who also attend many international art events that we sponsor in Miami during the year. PRESENCIA was born during our inauguration with the visit of Mr. Antonio Cortés Rolón, and later Mr. Abdías Méndez Robles, with the intention of promoting a select group of Puerto Rican artists, present during the time of the most attended and important art fairs. Infinite thanks, especially to the artists who participate and to those whom we dedicate this project with a lot of love. Thanks to Antonio, Abdías, and Sylvia, and all those who are supporting us, sponsoring and coordinating PRESENCIA. ALFREDO LÓPEZ CASALDUC

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UNA VOZ COMUNICANDO SU EXISTENCIA

ONE VOICE COMMUNICATING IT’S EXISTENCE

PRESENCIA es un proyecto de 13 artistas que recoge una muestra de la excelente calidad de expresión y creación de los artistas puertorriqueños. El tiempo y los recursos que hemos puesto en el proyecto son una inversión para difundir las propuestas y el talento de artistas comprometidos con su profesión. Las obras que se presentan, son una opción refrescante dentro del periodo de mayor oferta de arte en Miami, el proyecto es un valor añadido a las ofertas presentadas este año en la semana de las ferias de arte, tanto para coleccionistas como para curadores y críticos, amantes del arte, directores de museos, profesores y estudiantes.

PRESENCE is a project that gathers 13 Puerto Rican artists of excellent quality of expression and creation. The time and resources we have put into the project are an investment to disseminate the proposals and talent of artists committed to their profession. The works presented are a refreshing option within the period of greatest art offer in Miami. This project is an added value to the offers presented this year in the week of art fairs for collectors, art lovers, curators, critics, galleries, museum directors, teachers and students.

Los artistas visuales en Puerto Rico han estado superando los retos mas significativos de las últimas décadas, en particular el impacto social y económico causado por el Huracán María. Los artistas visuales son un segmento de la diáspora, de los cuales no se habla en las noticias, ni se han mencionado o estudiado en las estadísticas de profesionales que emigran de Puerto Rico al continente. PRESENCIA es una voz comunicando la existencia de estos artistas, representando el alto nivel de expresión artística que Puerto Rico produce. A los artistas los une su taller, que ha sido el pasaporte a un refugio, a un espacio donde han podido crear, manifestar y producir sus obras de arte. El taller de cada artista permite fluir la energía que los mantiene activos, desintoxicados de un ambiente negativo. Usando como inspiración los retos de la crisis económica, el impacto de los elementos naturales y de las decisiones fiscales del país. Es el taller, dentro de todas sus definiciones, el pasaporte para entrar a un espacio anti inercia, y con la obra creada hacer PRESENCIA. El proyecto se lo hemos dedicado a los maestros artistas Rafael Rivera Rosa y Edwin Maurás. Como coorganizador, quiero reconocer el excelente trabajo y esfuerzo de los compañeros en este proyecto Antonio Cortés Rolón y Alfredo López Casalduc, director de Canvas Miami Gallery. Extiendo este reconocimiento y agradecimiento a la Sra. Silvia Medina, directora de Art Concept Alternative, curadora del proyecto, por su compromiso y profesionalismo. A los colegas artistas, gracias por aceptar la invitación y ser parte de este “junte” apoyando el proyecto. A los Maestros Rafael Rivera Rosa y Edwin Maurás por aceptar la dedicatoria del proyecto y acompañarnos. ABDÍAS MÉNDEZ ROBLES Artista Organizador

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Visual artists in Puerto Rico have been overcoming the most significant challenges of recent decades, particularly the social and economic impact caused by Hurricane Maria. The visual artists are a segment of the diaspora, which is not mentioned in the news, nor have they been mentioned or studied in the statistics of professionals who emigrate from Puerto Rico to the continent. PRESENCE is a voice communicating the existence of these artists that representing the high level of artistic expression that Puerto Rico produces. The artists are linked by their atelier, which has been the passport to a refuge, a space where they have been able to create, manifest and produce their works of art. The workshop of each artist allows to flow the energy that keeps them active, detoxified from a negative environment. Using as inspiration the challenges of the economic crisis, the impact of the natural elements and the fiscal decisions of the country. It is the workshop, within all its definitions, the passport to enter an anti-inertia space, and with the work created to make PRESENCE. We have dedicated the project to the master artists Rafael Rivera Rosa and Edwin Maurás. As a co-organizer, I want to recognized the excellent work and effort of the partners in this project Antonio Cortés Rolón and Alfredo López Casalduc, director of Canvas Miami Gallery. I extend this recognition and my thanks to Mrs. Silvia Medina, director of Art Concept Alternative, curator of the project, for her commitment and professionalism. To the artist colleagues, thank you for accepting the invitation and being part of this “join” supporting the project. To Masters Rafael Rivera Rosa and Edwin Maurás for accepting this tribute and accompanying us. ABDÍAS MÉNDEZ ROBLES Artist Organizer


PRESENCIA

PRESENCE

Con el pasar de los años en las artes, voy descubriendo un sinnúmero de situaciones que me permiten considerarme más que afortunado de conocer personas interesadas en comunicar inquietudes a través de las artes. Los nombres son lo de menos, lo importante son los hechos. Podemos estar de acuerdo o no, pero esos momentos de intercambio entre ideas, visiones o ciertas maneras de pensar sobre ¿qué es arte? no es asunto sencillo. Para sostener una teoría tenemos que ofrecerla más allá de duda razonable.

While the years go through in arts, I have discovered multiple situations that provide me with wisdom to understand how fortunate I am by interacting with people interested in communicating their questioning through art. Names are not the most important thing to tell now, facts are really important. We can or can’t agree, but those ideas interchanging moments, visions or way of thinking about what is art about, is not a simple or easy topic. In order to sustain a theory, we have to offer it over any reasonable doubt.

Buen asunto cuando vamos a escoger entre miles de artistas. La manera particular de cada uno de ellos trabajar. Son treceque se mantienen al margen de críticos o coleccionistas e independientes de las corrientes y manifiestos de moda. Partiendo de los abismos históricos de un arte puertorriqueño que poco a poco comienza a conocerse, “más allá de Puerto Rico”.

An important deal, when we have to choose among thousands of artists. The particular way they like to work. They are 13 whom keep themselves apart from the critics or independent collectors affected by the trends and today’s manifest. Starting from the historic abysms of a Puertorican art that just is starting to be known, “far from Puerto Rico”.

Hemos establecido unos criterios de selección en orden de tiempo y espacio no tradicionales sin sufrir amnesia histórica. Están los 13 más comprometidos con una estética contemporánea sostenible.

We have established some selection’s criteria related to the non-traditional time and space order without suffering historic amnesia. Here are the 13 most compromised artists in relation to the sustained contemporaneous static.

Dedicarle esta exposición a Edwin Mauras Modesti y a Rafael Rivera Rosa es uno de los mayores aciertos de la Muestra Colectiva. Trece escogidos representan el lado positivo de nuestra cultura a partir de los 60 con Rafael Rivera Rosa indiscutiblemente. Edwin Mauras Modesti marca los 70. Las etapas de los 80 hasta el momento Siglo XXI la establecen nuestros más jóvenes artistas.

To dedicate this exposition to Edwin Mauras Modesti and to Rafael Rivera Rosa is one of the biggest Muestra Colectiva’s (aciertos). These 13 selected artists represent undiscussable the positive side of our culture from the 60’s with Rafael Rivera Rosa. Edwin Mauras Modesti sign the 70’s. the 80’s to the 21 Century stages is established by our youth artists.

Agradezco la confianza demostrada por todos los artistas participantes y especialmente al amigo Abdías Méndez Robles. Somos muchos más los buenos, que buenos son, yo los conozco, ¡que junte señores! A los que se han unido; el escritor y ensayista de Santo Domingo, Dr. Miguel Ángel Fornerín, la curadora cubana, Silvia Medina y el director de la Canvas Gallery de Miami, Alfredo López Casalduc. Nos parece que estamos cruzando “más allá de Puerto Rico”. Somos responsables de abrir esas puertas del libro entre el pasado, presente y futuro. Nosotros creemos en nuestra cultura. ANTONIO CORTÉS ROLÓN Artista Organizador

Thanks for the shown confidence by all participant artists and specially to my friend, Abdías Méndez Robles. We the goods are a lot more, how Good they are, I know them, “que junte señores” (how good encounter). To those who are joining us; the writer and essayist from Dominican Republic, Dr. Miguel Ángel Fornerín; the Cuban curator, Silvia Medina and the Canvas Gallery’s director at Miami, Alfredo López Casalduc. It seems that we are crossing “far from Puerto Rico”. We are responsible for opening those doors of the past, present and future book. We believe in our culture. ANTONIO CORTÉS ROLÓN Artist Organizer

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EL ARTE COMO FIESTA Y UNA PRESENCIA CARIBEÑA

Al hermeneuta alemán Hans Georg Gadamer debemos el concepto de arte como fiesta. Elemento festivo que caracteriza el arte porque es él quien convoca. Ese primado esencial del arte que lo define y lo hace parte de los bienes simbólicos que se intercambian en una sociedad, constituyéndose como uno de los elementos de mayor valor y, posiblemente, el más difícil de valorar, es el que también en la filosofía de Heidegger sirve para instalar el ser. El arte es la única actividad que se parangona a la creación divina. Cuando esta cesó inició dejando al poeta (al artista) la posibilidad de instaurar lo nuevo en el mundo. Por un tiempo el arte fue, no sólo creación, sino representación de ideas y sentimientos que le venían de afuera. Hoy después de la ruptura de Miguel Ángel en el Renacimiento, la de Manet y Cézanne que inician la modernidad, y la de Marcel Duchamp, en sus objetos encontrados, o la de Picasso y Braque hasta llegar a Pollock y a Andy Warhol, el arte actual es el que se encuentra situado después de la muerte del arte. La primera idea aquí esbozada, de estas que apuradas recorren gran parte del terreno que ha dado mucho que exponer a la crítica de arte, nos podría llevar a decir: si ya ha muerto el arte, ¡Viva el arte! Asunto que de inmediato nos impone pensar en qué es el arte luego de la muerte del arte y cómo la muestra que nos ocupa dialoga con nosotros y con el pasado del arte que ha comenzado a tener otra vida. Ya tenemos bien sabido que la idea del fin del arte proviene de la filosofía de Hegel y que su muerte no era una muerte física, sino una metáfora de su renacimiento, en la medida en que el tiempo del arte no es el tiempo lineal, sino el tiempo circular y mítico. Por eso afirmaba Arthur Danto: “el fin del Arte no significa que no habrá más arte. Significa la clausura de una historia, no la terminación de una práctica” (Danto: 2000, 476). Al hablar de cese o fin, los estudiosos del arte lo asociaban a ciertas prácticas de arte, a los cambios en su representación, a cambios en la configuración artística, a temas y valores que aparecen, a su funcionalidad social. Estamos de alguna manera centrando los problemas teóricos del arte a su mundo y a sus contextos, es decir a lo que el arte es como como realidad pensada... res gogitans y como realidad física res extensa, para tomar estos términos de Descartes. En fin, lo que es arte es en sí mismo, para pensar en Kant, y lo que el arte es para nosotros que lo pensamos y lo que lo define por lo que no es, por su relacionarse en el mundo con otros seres o creaciones humanas. El fin del arte es visto como parte de lo que llamó Jean François Lyotard (1979) el fin de los grandes relatos legitimadores; el fin de periodos históricos en los que el arte se miraba como un elemento que tenía una función determinada en la sociedad y que está, de forma muy estrecha, relacionada con la historia, es decir con los tiempos del arte. Teniendo en cuenta la historicidad del arte, Danto postulará una teoría sobre la posthistoria. Relación interesante, pero que no resuelve la pregunta que nos hemos planteado, porque los discursos postmodernos como los de Danto parecen ser parte de un elemento circunstancial: el fin de la centuria pasada. La cuestión es arribar al puerto en que estemos conscientes de qué es el arte luego del fin del Arte, de su muerte o renacer. El arte puede ser definido de muchas maneras y hasta puede verse en el espejo de su relación con otras actividades y de lo que él no es. Sobre lo primero escribió Benedetto Croce en Estética o filosofia del’ arte e del linguaggio (1902) en la que define el ser del arte o de la poesía que es lo mismo. En el apartado titulado “Aesthetica in nuce”,

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ART AS A PARTY AND A CARIBBEAN PRESENCE It is to the German hermeneust, Hans Georg Gardener, that we owe the concept of art as a party. Festive element that characterizes art because it is he who calls. The essential primacy of art that defines it and makes it part of the symbolic goods that are exchanged in a society, constituting itself as one of the elements of greatest value and, possibly, the most difficult to value, is also that which in Heidegger’s philosophy serves to install the being. Art is the only activity that parallels the divine creation. When it ceased, it started leaving the poet (the artist) the possibility of establishing the new in the world. For a time art was, not only creation, but representation of ideas and feelings that came from outside. Today after the break of Michelangelo in the Renaissance, the one of Manet and Cézanne that initiated the modernity of Marcel Duchamp, in his found objects, or of Picasso and Braque up to Pollock and Andy Warhol, the present art is the one that is located after the death of art. The first idea here sketched, of those who scurry about on much of the ground that has given most of the exposure to art criticism to expose art criticism, could lead us to question: if art has already died, Long live art! Subject that immediately makes us think about us think about what art is after the death of art and how the exhibition that occupies us converses with us and with the past of art that has begun to have another life. We already know that the idea of the ​​ end of art comes from the philosophy of Hegel and that his death was not a physical death, but a metaphor of his rebirth, insofar as the time of art is not linear time, but the circular and mythical time. That is why Arthur Danto affirmed: “The end of Art does not mean that there will be no more art. It means the closure of a story, not the termination of a practice “(Danto: 2000, 476). When talking about cessation or end, art scholars associated it with certain art practices, changes in their representation, changes in the artistic configuration, themes and values ​​that appear, and their social functionality. We are in some way focusing the theoretical problems of art on its world and on its contexts, that is, on what art is as reality, as they cogitate and as an extended reality, to take these terms of Descartes. In this context, what art is in itself, thinking about think about Kant, and what art is for us who ponder it it and what defines it for what it is not, for its relation in the world with other beings or creations human The end of art is seen as part of what Jean François Lyotard (1979) called the end of the great legitimating stories; the end of historical periods in which art was seen as an element that had a specific function in society, and that is very closely related to history, in other words, to the times of art. Taking into account the historicity of art, Danto will postulate a theory about post-history. Interesting relationship, but that does not solve the question we have posed, because postmodern discourses like those of Danto seem to be part of a circumstantial element the end of the last century. The question is to arrive at the port where we are aware of what art is after the end of Art, of its death or rebirth. Art can be defined in many ways and can even be seen in the mirror of its relationship with other activities and what it is not. On the first Benedeto Croce wrote in Aesthetics or philosophy of ‘art e del linguaggio (1902) in which defines the being of art or poetry that is the same. In the section entitled “Aesthetica in nuce”, taken from the Encyclopaedia Britannica, the great Italian esthete says that art is not philosophy, it is not history, natural sciences, game


tomado de la Enciclopedia Británica, el gran esteta italiano dice que el arte no es filosofía, no es historia, ciencias naturales, juego de imaginaciones, sentimiento de lo inmediato, didáctica ni oratoria, como acciones prácticas, es decir, el arte no puede definirse por sus disciplinas relacionadas. Y pienso yo también mediante ellas, por contraste, el concepto arte no puede del todo definirse. Y en esto recuerdo el consejo de Pedro Mir cuando conversábamos sobre estética. El arte se define por sí mismo. Pero para definirlo por sí mismo hay que pensarlo como una actividad muy especial, como un ser superior a todas las actividades prácticas del hombre. Y noten que nos encontramos en tiempos distantes donde nadie hoy día dialogará con las definiciones de la Enciclopedia Británica. Son tiempos en los que el Arte perdió su función, se ha dicho que ya no habla el lenguaje de la comunidad. Y, ¿ahora en él habla el artista? León David en el diálogo filosófico  Diotima o de la originalidad (1995) hace una férrea defensa del arte clásico y del arte moderno, al criticar que ya en la obra de arte habla el artista y ha dejado de plasmar el gran arte. El arte para él es visto como la expresión de la idea, como expresión del concepto de belleza. Su posición es la de Platón o la de Plotino, en la que el artista era el que ponía en el cuadro la belleza, la perfección de lo bello que está dada, según Aristóteles, en que la obra de arte sea lo que no le falte ni le sobre nada. Y que cree en la mente educada artísticamente, un disfrute estético, que lo acerca a la estética moderna de Kant, elementos que son hoy día cuestionados en la medida en que esa conciencia artística no sería la que definiría el arte, sino que en su estado actual de arte autónomo (Gadamer, 1975). El arte debe ser definido por sí mismo, sin dejar definirse por las distintas relaciones o funciones que tiene con los demás saberes u objetos que existen en el mundo. En Verdad y método (2003), Gadamer, siempre claro en su posición estética y hermenéutica, dedica un espacio para estudiar la relación ontológica de la obra de arte. Y yo creo que, en ese punto inicial, si queremos que la filosofía que se encargó del arte de manera muy detenida a partir de Baumgarten y el descubrimiento de las ruinas de Pompeya por Winckelmann (Mir, 1991), nos ayude no solamente como la expresión del idealismo de Platón, aunque ella nos puede ayudar, a definir lo que el arte es porque así podemos llegar a pensar lo que el arte es actualmente, es decir, el arte en una etapa de su historia, en los tiempos que corren. Pero en sus celos, la filosofía nos puede decir lo que el arte es con relación a su apariencia, la copia, o lo que el arte es en sí mismo. Tomo por asentado lo que escribirá Hölderlin y que Heidegger retoma en el estudio sobre las botas de Van Gogh, que lo que verdaderamente permanece lo crean los poetas. En otras palabras, que es el artista el que crea y que sus creaciones son las que permanecen, la que trascienden su tiempo. De ahí que una de las condiciones del arte como creación es un sentido de transhistoriedad (como diría H. Meschonnic), que el arte es la creación humana que trasciende su propia historia (y su propia muerte). En cuanto a la creación, retomo aquí, y repito, que el arte es la instalación de lo nuevo en el mundo mediante la actividad estética de un sujeto que es el artista. Es él quien pone en el mundo lo nuevo. Lo instala y lo abre, es decir lo deja abierto (Opera aperta, 2003) para que el público, el fruidor, lector, receptor, el crítico, etc., pueda llegar a valorarlo y a buscar en él un sentido. El papel de lo nuevo en la sociedad no lo voy a explicitar aquí. Pero lo nuevo actualiza el ser. Sólo a partir de lo nuevo del ser se puede dar el asombro, porque es lo nuevo lo que hace que aparezca su otro; y

of imagination, feeling of the immediate, didactic or oratory, as actions practices, that is, art cannot be defined by its related disciplines. And I think also through them, by contrast, the concept of art cannot be completely defined. And in this I remember the advice of Pedro Mir when we talked about aesthetics. Art defines itself. But to define it by itself, one must think of it as a very special activity, as a being superior to all the practical activities of man. And notice that we are in distant times where no one today will converse with the definitions of the Encyclopedia Britannica. These are times in which Art lost its function. It has been said that it no longer speaks the language of the community. And, does the artist speak in it now? Leon David in the philosophical dialogue Diotima or of the originality (1995) makes a fierce defense of the classic art and of the modern art, when criticizing that already in the work of art the artist speaks and has stopped capturing the great art. Art for him is seen as the expression of the idea, as an expression of the concept of beauty. His position is that of Plato or that of Plotinus, in which the artist was the one who put beauty in the picture, the perfection of the beautiful that is given, according by Aristotle, in which the work of art is what is not lacking nor exceeding. And which develops in the artistically educated mind, an aesthetic enjoyment, that brings him closer to the modern aesthetic of Kant, elements that are today questioned to the extent that this artistic consciousness would not be the one that would define art, but in his state current autonomous art (Gadamer, 1975). Art must be defined by itself, without being defined by the different relationships or functions it has with other knowledge or objects that exist in the world. In Truth and Method (La Verdad y Método) (2003), Gadamer, always clear in his aesthetic and hermeneutical position, dedicates a space to study the ontological relation of the work of art. And I think that, at that initial point, if we want the philosophy that took care of art very carefully from Baumgarten and the discovery of the ruins of Pompeii by Winckelmann (Mir, 1991), help us not only as the expression of Plato’s idealism, although it can help us, to define what art is because we can thus come to think what art is currently, that is, art at a stage in its history, in the current times. But in its jealousy, philosophy can tell us what art is in relation to its appearance, the copy, or what art is in itself. I accepts as truthful what Hölderlin will write and what Heidegger takes up in the study of Van Gogh’s boots, that what really remains is created by poets. In other words, that it is the artist who creates and that his creations are those that remain, that transcend his time. Hence, one of the conditions of art as creation is a sense of transhistoricity (as H. Meschonnic would say), that art is the human creation that transcends its own history (and its own death). As for creation, I repeat, that art is the installation of the new in the world through the aesthetic activity of a subject who is the artist. It is he who puts the new in the world. He installs it and opens it, that is, he leaves it open (Opera aperta, 2003) so that the public, the reader, the receiver, the critic, etc., can come to value it and look for a meaning in it. I will not explain here the roll of the society. But the new updates the being. Only from the newness of the being can one be surprised, because it is the new that makes his other appear; and that is why the modern societies that were constituted by the new, which began with the change of the old, with the new order, with the new orb. Probably, it is this sense of novelty (Meschonnic, 1998) that

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es por eso por lo que las sociedades modernas que se constituyeron mediante lo nuevo, que se inició con el cambio de lo antiguo, con el nuevo orden, con el orbe novo. Posiblemente es ese sentido de novedad (Meschonnic, 1998) lo que nos da el fundamento de lo que hay como cosa que nos llega a sorprender, es decir, que es el artista que pone lo nuevo y es él quien vehiculiza que la sociedad pueda encontrar la diferencia, de lo contrario el reino de este mundo fuera el de la mismidad, sin que el hombre pudiera encontrar la verdadera heterogeneidad del ser, como se puede derivar de las lecturas de Antonio Machado en  Los complementarios  de Juan de Mairena (1936). En la medida en que el artista comunica y hace público el ser de lo nuevo, de la diferencia de lo otro que nos lleva a un pensamiento o a una meditación de lo que hay en el mundo, de lo que allí está puesto. Entonces el arte se piensa como un estar ahí. Cuando dejamos el concepto de arte y lo aplicamos a una de sus manifestaciones prácticas como las artes plásticas, debemos entender que el concepto se limita a una actividad que está fundada en lo visual. Como actividades prácticas del artista, al igual que el acto creativo de la literatura, o de la música, las artes plásticas deben ser definidas por lo que las funda: la imagen, como la música, el sonido. Vean que hablamos de imagen y no de color que es un elemento con el cual la imagen convive, se realza y se historiza. La imagen en el cuadro es una construcción (interesante es que en alemán construcción e imagen tienen una relación lingüística, según expresa Gadamer, Verdad y método,  182). Podríamos decir que la imagen en el cuadro ha sido sacada de la naturaleza, si recordamos que Kant ve el desarrollo del espíritu que concibiera Hegel como una realización de la naturaleza, entendemos que el arte se relaciona con ella. Si recordamos que, desde Aristóteles, pasando por Séneca hasta Kant y el fin de la modernidad la naturaleza es un paradigma según ha planteado Alain Touraine en  Crítica de la modernidad  (2000) lo que coloca en el cuadro o lo que el artista instala en el mundo es parte de esa naturaleza. De ahí que tomemos el concepto de mímesis de Aristóteles siguiendo a Paul Ricoeur en Temps et récit 1 (1983) que el arte mimético es una copia de la naturaleza, es decir una duplicación una otredad derivada de lo que existe. En esta visión unida a la expresión de la idea de Belleza, estaríamos en un puente que conectaría la estética clásica que está fundada en un neoplatonismo o centrada en la estética kantiana. El artista crearía objetos haciendo una mímesis de lo natural o del ideal de belleza. Pero ese no es el concepto que ha sido derivado en la actualidad. El cuadro no puede ser definido a través de la mímesis platónica, más bien a través de la mímesis de Aristóteles que potencia el ser a su devenir es decir a potencialidad (Ricoeur). La presencia de la belleza y la de un receptor fruidor, o más bien una conciencia estética, podrían ser puestas, por el momento, entre paréntesis. Lo que interesa no es cómo el objeto es percibido, sino qué es lo que hace que ese objeto sea construido. La construcción artística es entonces un ser que existe. Tanto se ha hablado de este ser que no tengo la menor duda de que el arte es (y lo que es puede ser muy diverso o plural, como dice Danto) sino que el arte es independiente de quien lo mira. El arte es superior a la copia, no sólo porque la copia agote su función, como dice Gadamer, sino porque ya lo nuevo que es lo que verdaderamente en él está inscrito en el mundo y el ser de la copia es darle abundancia a lo nuevo, pero ella, como bien explica Gadamer, remite siempre a su original. Sin embargo, el arte después de la muerte del arte no remite a ningún original ni a la naturaleza misma; por el contrario, con o sin la naturaleza, el arte logra su plena independencia. Tal vez ya nos encontramos sintetizando el desarrollo

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gives us the foundation of what there is as something that comes to surprise us, that is, it is the artist who puts the new and it is he who conveys that society can find the difference, otherwise the kingdom of this world was that of sameness, without man being able to find the true heterogeneity of being, as can be derived from the readings of Antonio Machado in “Los complementarios” de Juan de Mairena (1936). To the extent that the artist communicates and makes public the being of the new, of the difference of the other that leads us to a thought or to a meditation of what is in the world, of what is placed there. Then art is thought to be there. When we leave the concept of art and apply it to one of its practical manifestations such as the plastic arts, we must understand that the concept is limited to an activity that is based on the visual. As practical activities of the artist, like the creative act of literature, or of music, the plastic arts must be defined by what he originates them: the image, like music, sound. See that we speak of image and not of color that is an element with which the image coexists, is enhanced and historicized. The image in the painting is a construction (interesting is that in German, construction and image have a linguistic relationship, according to Gadamer, Truth and Method, 182). We could say that the image in the picture has been taken from nature, if we remember that Kant sees the development of the spirit that Hegel conceived as an embodiment of nature, we understand that art is related to it. If we remember that, from Aristotle, through Seneca to Kant and the end of modernity, nature is a paradigm according to Alain Touraine in Critique of Modernity (2000), what he places in the painting or what the artist installs in the world is part of that nature. Hence, we take Aristotle’s concept of mimesis by following Paul Ricoeur in Temps et récit 1 (1983) that mimetic art is a copy of nature, that is, a duplication of an otherness derived from what exists. In this vision united to the expression of the idea of ​​Beauty, we would be in a bridge that would connect the classical aesthetic that is founded in a Neoplatonism or centered in the Kantian aesthetic. The artist would create objects by mimesis of the natural or the ideal of beauty. But that is not the concept that has been derived today. The picture cannot be defined through Platonic mimesis, rather through the mimesis of Aristotle that empowers the being to its becoming, that is, to potentiality (Ricoeur). The presence of beauty and that of a fruiting recipient, or rather an aesthetic consciousness, could be placed, for the moment, in parentheses. What is interesting is not how the object is perceived, but what it is that makes that object constructed. The artistic construction is then a being that exists. So much has been spoken of this being that I have no doubt that art is (and what it can be very diverse or plural, as Danto says) but that art is independent of who looks at it. Art is superior to the copy, not only because the copy runs out of its function, as Gadamer says, but because the new thing that is truly which is what is really inscribed in him is inscribed in the world and the being of the copy is to give abundance to the new, but she, as Gadamer explains will, always refers to her original. However, art after the death of art does not refer to any original or to nature itself; On the contrary, with or without nature, art achieves its full independence. Perhaps we are already synthesizing the expected development of the Hegelian spirit in an object that, built by the artist, has its true independence, is autonomous. To define art by the viewer is to see it from one of its relationships, from the connections that art has in its world and with which it dialogues as an element of its epiphany. But let’s return to the


esperado del espíritu hegeliano en un objeto que, construido por el artista, tiene su verdadera independencia, es autónomo. Definir al arte por el espectador es verlo a partir de una de sus relaciones, de las conexiones que en su mundo tiene el arte y con la cual dialoga como elemento de su epifanía. Pero volvamos al concepto de arte y definición como actividad práctica del artista. El arte llamada plástica tiene un elemento esencial, ya que hablamos de que la imagen es el elemento fundamental; lo primero es la representación, toda imagen es una representación: la puesta en el mundo de un elemento que no está ahí, sino que se representa o se hace presente, es decir que se hace referir. La historia del arte es el relato de esa representación. La visión de mímesis de Platón (República, X, XXVIII y el Banquete) es también el punto de partida de esta conceptualización que nos permite construir un discurso sobre el arte. Lo que nos llega a aceptar la idea de la muerte del arte o de su fin es también el pensar la representación en su devenir histórico. Podríamos derivar varias ideas de la representación como imagen, imago, e introducir la idea de arte como magia. Pero nótese que se refiera a una expresión o una relación del arte con su tiempo, con su fundación. Prefiero señalar a seguidas que el arte no puede del todo separarse de la imagen y de la representación porque, según Aristóteles en Metafísica, es la mirada el sentido más destacado del hombre y las artes plásticas se dirigen a ese sentido. Como práctica que instala lo nuevo en el mundo, la historia del arte luego de su muerte es la relación entre la imagen y sus diferencias, o la presencia de la imagen en un espacio novedoso, la pintura ‘à plein air’, de Manet, o las distintas formas de la imagen en Picasso y Braque o las cajas de brillo o la lata de sopas Campbell es las obras de Warhol… Artistas Participantes La muestra que se presenta es el resultado de una escogencia rigurosa en la que participación de más de una decena de artistas de las hornadas de los años 60 a los 90 del siglo pasado y más contemporáneos. Cada uno con su propuesta. Hay artistas de una dilatada trayectoria [maestros muy apreciados, de los que algunos de los participantes han sido alumnos, como Edwin Maurás, y Rivera Rosa], con decenas de exposiciones hasta artistas más noveles que plantean un registro de experiencias en el mundo del arte y que sintetizan un diálogo muy fluido con el arte y su historia. Cabe destacar que la variedad de propuestas que aquí aparecen determinan un oficio de la expresión artística que pone en primer lugar, la educación dentro de distintas tradiciones, la conceptualización y prefiguración de piezas que presentan una experiencia y una conceptualización que muy bien demuestra las rutas del arte, desde su constitución definitiva como arte moderno, hasta el arte actual que no encuentra de forma determinada un nombre que lo encasille, porque es él el arte plural de nuestros tiempos. Los colores, las abstracciones y las formas dialogan en una multiplicidad de planteamientos estéticos que pueden ser leídos o reconfigurados por los espectadores de distintas maneras. Edwin Maurás Modesti.  Celebrante de este  vernissage, Maurás propone “una búsqueda intensa de nuevas composiciones, con nuevas atmósferas de lunas, soles y atardeceres e incluso nubarrones en un universo de transparencias, profundidades de color…”, en la que el ojo, en una actividad única e irremplazable, debe encontrar lo representado. Ya es de valer en esa poética un propósito artístico que sienta las bases de la verdad del arte: una búsqueda insaciable, un juego con la forma, la representación, la luz de color y la mirada del que ve. En definitiva, la búsqueda de lo inédito, de la instalación del ser que es

concept of art and definition as a practical activity of the artist. The so-called plastic art has a fundamental element, since we are talking about the image being the fundamental element; the first thing is representation, every image is a representation: the placing in the world of an element that is not there, but is represented or made present, that is, it is referred to. The history of art is the story of that representation. Plato’s vision of mimesis (Republic, X, XXVIII and the Banquet) is also the starting point of this conceptualization that allows us to build a discourse on art. What makes accept the idea of death its end is also to think about representation in its historical evolution. We could derive various ideas of representation as image, imago, and introduce the idea of art ​​ as magic. But notice that it refers to an expression or a relationship of art with its time, with its foundation. I prefer to point out that art can not completely separate itself from image and representation because, according to Aristotle in Metaphysics, the gaze is the most outstanding sense of man and the plastic arts are directed to that sense. As a practice that installs the new in the world, the history of art after its death is the relationship between the image and its differences, or the presence of the image in a new space, the painting ‘à plein air’, by Manet, or the different forms of the image in Picasso and Braque or the glitter boxes or the can of Campbell soups are the works of Warhol ... Participating Artists The exhibition that will be presented is the result of a rigorous selection in which more than a dozen artists participated in the batches from the 60s to the 90s of the last century and more contemporary. Each one with his proposal. There are artists of a long career [teachers very appreciated, of which some of the participants have been students, such as Edwin Maurás, and Rivera Rosa], with dozens of exhibitions to more novice artists who pose a record of experiences in the art world and that synthesize a very fluid dialogue with art and its history. Note that the variety of proposals that appear here determine a trade of artistic expression that puts first, education within different traditions, the conceptualization and prefiguration of pieces that show an experience and a conceptualization that very well demonstrates the routes of the art, from its definitive constitution as modern art, to current art that does not find in a certain way a name that encases it, because it is the plural art of our times. Colors, abstractions and forms dialogue in a multiplicity of aesthetic approaches that can be read or reconfigured by viewers in different ways. Edwin Maurás Modesti. Celebrant of this vernissage, Maurás proposes “an intense search for new compositions, with new atmospheres of moons, suns and sunsets and even dark clouds in a universe of transparencies, depths of color ...”, in which the eye, in a unique activity irreplaceable, you must find what is represented. It is already worth in that poetics an artistic purpose that lays the foundations of the truth of art: an insatiable search, a game with the form, the representation, the light of color and the look of the one who sees. In short, the search for the unpublished, the installation of the being that is art itself. He does not leave, however, doubts that the artist thinks about his experience and reconfigures it in a destiny that is not an island found, but its true Ithaca. For this reason, Maurás also returns to the island to think about his being here and his interest in thinking and reconfiguring it without forgetting that he is an artist of the universals. Rafael Rivera Rosa. Master of a long career, in the work of this Puerto Rican artist join the search and avatars of the art of his country;

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el arte mismo. No deja, sin embargo, dudas de que el artista piensa su experiencia y la reconfigura  en un destino que no es una isla encontrada, sino su verdadera Ítaca. Por eso, Maurás también vuelve a la isla a pensar su estar aquí y su interés de pensarla y reconfigurar sin olvidar que es un artista de los universales. Rafael Rivera Rosa. Maestro de una larga trayectoria, en la obra de este artista puertorriqueño se unen la búsqueda y los avatares del arte de su país; por un lado, los elementos formativos en la Isla y en Estados Unidos, que los hacen dialogar en distintas tradiciones, la grafía y el expresionismo de una cultura que se encuentra en movimiento y donde el artista tiene mucho que decir. Sus obras llenas de un colorido Caribe dialogan con seres mitológicos a veces minimalistas que provienen de su propia manera de pensar el arte en que las figuras, el color proponen un diálogo con lo esencial del arte. Es una representación, un viaje al centro de lo humano, pero sin definirlo, sin agotarlo, sino que lo deja en la poética de la imagen y en la presencia de los colores que remiten a la tierra de todos nosotros. Cortés Rolón, Antonio. Con una gran trayectoria en las artes plásticas, Antonio Cortés Rolón es un pintor de una gran variedad de temas, propuestas entre los cuales se encuentra la representación figurada de los inmigrantes, tema de actualidad que el autor trabaja desde una composición que llena todo el espacio visual del cuadro, creando manchas, líneas y circularidades que parecen hombres recién llegados, con un cierto aspecto de extrañamiento; la coloración puede ser muy diversa, pero se destacan los tonos claros, ciertas oscuridades y colores neutros, manchas, que abstraen y llevan a una subjetivación del hombre en otros espacios. La elaboración remite a la vida del desplazado que cobra hoy más importancia, porque los puertorriqueños han sido eso desde inicio del siglo XX eso y esa convicción los une y hermana a otros nacionales del Caribe. Fernández Esteve, Rosario. Por el manejo de la luz y la composición, los colores y el tratamiento de los modelos u objetos capturados, Rosario Fernández Esteve es una artista que usa el medio fotográfico, pero sus obras tienen un planteamiento de la imagen que sólo un ojo educado puede realizar. En su estética no deja de estar un tratamiento sublime que refiere a un gusto refinado, prueba de su artisticidad. En esta exposición presenta obras que nos dejan las huellas de María, la visita indispensable de la diosa de los vientos que todo lo convierte en pasajero, mas el arte es permanente. Con su lente Rosario capta la materia que queda como residuo o ruido de la labor del viento que era dios taíno. Como artista del lente, también ha presentado construcciones que remiten a una isla en su búsqueda nutricia, a su presente turístico que se semantiza con símbolos de la vida en un Puerto Rico post-desarrollista y en la espiral migratoria. Héctor Rafael.  Este artista nos presenta un manifiesto formal en el que se encuentran varias preocupaciones del arte desde el Renacimiento. El tema de la representación del cuerpo a lo que la posmodernidad ha agregado el curso sexuado. Los problemas de la construcción de la masculinidad y la heterogeneidad de las relaciones genéricas. En su prefiguración y lectura del texto pictórico, la representación del cuerpo en medio de lo biológico y la levitación en un mundo que no parece asentarlo, es una propuesta de redefinición de la corporeidad y una abstracción de las formas para “remitificar”, o liberar el cuerpo de las ideologías que lo han aprisionado. Méndez Robles, Abdías.  Es un artista de muy clara propuesta, proveniente de una experiencia artística reflexiva, Méndez Robles ha

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On the one hand, the formative elements on the Island and in the United States, which make them dialogue in different traditions, the graphic and expressionism of a culture that is in movement and where the artist has a lot to say. His works full of colorful Caribbean dialogue with mythological beings sometimes minimalist that come from his own way of thinking about art in which figures, color propose a dialogue with the essentials of art. It is a representation, a journey to the center of the human, but without defining it, without exhausting it, but leaving it in the poetics of the image and in the presence of the colors that refer to the land of all of us. Cortés Rolón, Antonio. With a great career in the plastic arts, Antonio Cortés Rolón is a painter of a great variety of themes, proposals among which is the figurative representation of immigrants, a current topic that the author works from a composition that fills the whole space visual of the painting, creating spots, lines and circularities that look like newcomers, with a certain aspect of estrangement; the coloration can be very diverse, but the highlights are clear tones, certain dark and neutral colors, spots, that abstract and lead to a subjectification of man in other spaces. The elaboration refers to the life of the displaced person that is becoming more important today, because Puerto Ricans have been that since the beginning of the 20th century, and that conviction unites them and sister to other Caribbean nationals. Fernández Esteve, Rosario. Through the use of light and composition, the colors and the treatment of the models or objects captured, Rosario Fernández Esteve is an artist who uses the photographic medium, but her works have an approach to the image that only an educated eye can make. In its aesthetic there is a sublime treatment that refers to a refined taste, proof of its artisticity. In this exhibition he presents works that leave the traces of Mary, the indispensable visit of the goddess of the winds that makes everything a passenger, but the art is permanent. With his lens, Rosario captures the remaining material as a residue or noise from the work of the wind that was the Taino god. As an artist of the lens, he has also presented constructions that refer to an island in its nutritional search, to its tourist present that is semantized with symbols of life in a postdevelopmentalist Puerto Rico and in the migratory spiral. Héctor Rafael. This artist presents a formal manifesto in which several concerns of art since the Renaissance. The theme of the representation of the body to what postmodernity has added the sexed course. The problems of the construction of masculinity and the heterogeneity of generic relationships. In its prefiguration and reading of the pictorial text, the representation of the body in the midst of the biological and levitation in a world that does not seem to settle it, is a proposal of redefining corporeity and an abstraction of the forms to “rewrite”, or release the body of the ideologies that have imprisoned him. Méndez Robles, Abdías. He is an artist of very clear proposal, coming from a reflective artistic experience, Méndez Robles has created his own style that is presented in the paintings as texts that pose an aesthetic in which the forms and lines converge in a very conceptual expressive discovery and that tries and manages to break with what art is as established practice to name a difference that appears as a novelty. The same author tells us when he affirms, in a critical reflection that it is also an introspection of his configurative practice: “Pretending to break the barriers of the limited within the infinite and penetrate both time and space”. A poetic statement that shows the coordinates of the current world where time and


creado un estilo propio que se presenta en los cuadros como textos que plantean una estética en que confluyen las formas y las líneas en un descubrimiento expresivo muy conceptual y que intenta y logra romper con lo que el arte es como práctica establecida para nombrar una diferencia que aparece como novedad. El mismo autor nos lo dice cuando afirma, en una reflexión crítica que es también, una introspección de su práctica configurativa: “Pretendiendo romper las barreras de lo limitado dentro de lo infinito y penetrar tanto en el tiempo como en el espacio”. Una declaración poética que muestra las coordenadas del mundo actual donde tiempo y espacio se agigantan a la vez que se acercan las cosas que nos parecían muy lejanas… Muñiz, Zuania. Trabaja una estética muy significativa. Mediante la fotografía y “un cierto arreglo” “entre cuerpo y naturaleza”, sus textos conforman un discurso visual, sígnico, en que los elementos naturales sobre los humanos parecen embellecer o, dicho de otra manera, convertir lo somático en algo maravilloso. Estos como “La trinitaria” o “El flamboyán” se destacan por la composición y un cierto realismo mágico en que las cosas del Caribe cobran un sentido inusitado. No son montajes sino nuevas realidades creadas frente al lente a partir de un concepto que se desarrolla. En “La reina de las flores”, la mujer Caribe ha hecho brotar un jardín; la expresión y el juego de los colores de la piel remiten a una imagen maravillosa, donde acaece la novedad, pero se confirma la tradición: la mulata con el madrás, ahora convertido en hermosas flores… Pérez, Eliel. Es un joven artista con una propuesta que se destaca en la media en que une la investigación a su dispositio y sintetiza varios saberes de su artisticidad. Mantiene un juego con el arte de vanguardia entre el impresionismo y la abstracción, los colores y la línea conforman su mundo lírico; por su contemporaneidad la obra de este joven artista está dirigida a la sensibilidad del espectador y muestra los caminos de un arte que se mueve en una búsqueda constante. Como arte puertorriqueño planta un estar en el mundo y una forma de pluralizar el arte hacia una sensibilidad caribe. Romaguera. Es un artista que tiene algo que decir, una realidad que deconstruir. El tema central configurado en sus cuadros es el de la isla; con la isla, con su arena, sabe el pintor elaborar una poética del decir. Mientras el ojo que mira puede ver que los colores caribeños quedan en una zona no muy explorada. Con los colores que la naturaleza aporta en la playa, nos da una fragmentación de la totalidad isleña: huellas, olas, azul verdoso como tonalidad, elementos de juego que remiten al ludismo que busca este espacio paradisíaco y quedan ahí como símbolo de la actualidad. Rodríguez, Alejandro. Alejandro Rodríguez nos trae una propuesta muy de este tiempo. El retrato, la Era digital y a comunicación. Pero en esto hay un planteamiento teórico, que refiere a la forma en que nos comunicamos, de qué manera somos sujetos y objetos de la comunicación. A la reificación de las cosas, Alejandro responde con una humanización expresiva. Un expresionismo que va más allá del simple mensaje. Lo que su propuesta parece decirnos es que hemos cambiado lo humano por las cosas, pero él la vuelve a restaurar. Sus retratos son el espejo de la expresión interior y lo que parece una cosa que está ahí se libera y nos deja entrar a lo humano, a la misma humanidad y sus problemas. El artista ha visualizado los sujetos digitales y los ha rescatado para una cotidianidad real. Rodríguez Abreu, Laura. Es una artista y diseñadora muy particular. En la fotografía trabaja el performance, en que el arte de la

space are growing while the things that seemed very far away approach us ... Muñiz, Zuania. It works a very significant aesthetic. Through photography and “a certain arrangement” “between body and nature”, his texts make up a visual, symbolic discourse in which the natural elements about humans seem to embellish or, to put it another way, turn the somatic into something wonderful. These, like “La Trinitaria” or “El Flamboyán” stand out because of the composition and a certain magical realism in which things in the Caribbean take on an unusual meaning. They are not assemblies but new realities created in front of the lens from a concept that develops. In “The Queen of Flowers”, the Caribbean woman has sprung a garden; the expression and play of the colors of the skin refer to a wonderful image, where the novelty occurs, but the tradition is confirmed: the mulatto with the madras, now converted into beautiful Pérez, Eliel. He is a young artist with a proposal that stands out in the average in which he links research to his dispositio and synthesizes several knowledge of his artisticity. He maintains a game with avant-garde art between impressionism and abstraction, colors and line make up his lyrical world; for his contemporaneity the work of this young artist is directed to the sensibility of the spectator and shows the paths of an art that moves in a constant search. As Puerto Rican art, he plants being in the world and a way of pluralizing art towards a Caribbean sensibility. Romaguera. He is an artist who has something to say, a reality to deconstruct. The central theme configured in his paintings is that of the island; With the island, with its sand, the painter knows how to elaborate a poetic of saying. While the eye that looks can see that the Caribbean colors are in a zone not very explored, with the colors that nature brings to the beach, it gives us a fragmentation of the island whole: footprints, waves, greenish blue as a tonality, elements of game that refer to the ludism that seeks this paradisiacal space, are there as a symbol of the present. Rodríguez, Alejandro. Alejandro Rodríguez brings us a proposal from this time. The portrait, the digital age and communication. But in this there is a theoretical approach, which refers to the way we communicate, how we are subjects and objects of communication. To the reification of things, Alejandro responds with an expressive humanization. An expressionism that goes beyond the simple message. What his proposal seems to tell us is that we have changed the human for things, but he returns to restore it. His portraits are the mirror of the inner expression and what seems to be a thing that is there is liberated and allows us to enter the human, the humanity itself and its problems. The artist has visualized the digital subjects and rescued them for a real everyday life. Rodríguez Abreu, Laura. She is a very particular artist and designer. In photography, performance works, in which the art of instantaneity is fixed in the different parts of the body. There is a symbolic construction and a balance between the different shapes and the presentation of the colors that tend to redefine the Caribbean aesthetic and look for a sublime expression that welcomes in its wonders the reader, who is the other who watches and enjoys it. Salabarrías Valle, Aaron. For his playful and effectively parodic poetics, Aaron Salabarrías Valle proposes a critique of everyday life that we live as a consumer society, as a society of hedonism and as

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instantaneidad queda fijado en las distintas partes del cuerpo. Hay una construcción simbólica y un equilibrio entre las distintas formas y la presentación de los colores que tienden a redefinir la estética del Caribe y buscar una expresión sublime que acoge en sus maravillas al lector, quien es el otro que la mira y disfruta.

a time lived without meaning. To configure his work, he does it by using different materials, sometimes from consumption; he recycles them in a new space and installs them in such a way that he creates an atmosphere in which the sublime plays with the ridiculous. It is a proposal of social games, of the sameness created by power.   

Salabarrías Valle, Aaron. Por su poética lúdica y eficazmente paródica, Aaron Salabarrías Valle propone una crítica a la cotidianidad que vivimos como sociedad de consumo, como sociedad del hedonismo y como un tiempo vivido sin sentido. Para configurar su obra, lo hace echando mano a distintos materiales, a veces provenientes del consumo; los recicla en un nuevo espacio y los instala de tal manera que crea una atmósfera en que lo sublime juega con lo ridículo. Es una propuesta de los juegos sociales, de la mismidad creada por el poder.

Torres Pereyra, José Oscar. Beyond the deconstruction that the author does through creative techniques and the break with the tradition of engraving and wood format, in multimedia syncretism, in an artistic proposal that shapes an artist who reflects and dialogues with the tradition of Puerto Rican art. Its parliament is convener to the extent that, from its work, a relationship of continuity and changes in the tradition of representing the aspirations of Puerto Ricans can be established. Its connection with cultural changes since the 1940s, not only because of the references to that marvelous period of island creativity, but also because of the characters that it brings to the present and those that, being of the present, transmute it into an already established sensibility for the Puerto Rican engraving, but within a space of novelty in which the tradition is revisited.

Torres Pereyra, José Oscar. Más allá de la desconstrucción que hace el autor a través de las técnicas creativas y la ruptura con la tradición del grabado y el formato de madera, en sincretismo multimedios, en propuesta artística que configura, se nota un artista que reflexiona y dialoga con la tradición del arte puertorriqueño. Su parlamento es convocante en la medida que, desde sus trabajos, se puede establecer una relación de continuidad y cambios en la tradición del representar las aspiraciones de los puertorriqueños. Su entronque con las reapropiaciones culturales desde la década del cuarenta, no sólo por las referencias a ese portentoso periodo de la creatividad insular, sino por los personajes que nos trae al presente y aquellos que, siendo del presente, lo transmuta en una sensibilidad ya establecida por el grabado puertorriqueño, pero dentro de un espacio de novedad en que la tradición queda revisitada.

MIGUEL ÁNGEL FORNERÍN, Ph. D.

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MIGUEL ÁNGEL FORNERÍN, Ph. D.


UN MOSAICO INTERACTIVO DE LA DIVERSIDAD CREATIVA DE PUERTO RICO

AN INTERACTIVE MOSAIC OF THE ISLAND’S CREATIVE DIVERSITY

La colectiva Presencia, Arte Contemporáneo de Puerto Rico– expuesta en la Galería Canvas Miami, situada en el corazón de esta impactante ciudad multicultural ­– reúne a trece prestigiosos artistas durante la semana de las ferias Miami Art Week 2018, y Art Basel Miami Beach 2018. Esta impactante exhibición proyecta un mosaico interactivo de la diversidad creativa insular. La singular vitalidad artística nos permite apreciar y reflexionar de forma panorámica sobre el paisaje socio–cultural actual de las artes visuales en la floreciente Isla del Encanto. Esta multifacética muestra, fraguada en una danza estética de pletórica belleza, constituye un puente cultural entre la península floridiana y la isla caribeña.

Presence, Contemporary Art of Puerto Rico – a group exhibition at Canvas Miami Gallery, located in the heart of this impactful multicultural city - brings together thirteen prestigious artists during Miami Art Week 2018, and Art Basel Miami Beach 2018.. This impressive exhibition projects an interactive mosaic of the island’s creative diversity. The unique artistic vitality allows visitors to appreciate and reflect on the panorama of the current socio-cultural landscape of the visual arts in this flourishing Isla del Encanto (Enchanted Island). This multifaceted show builds a cultural bridge between the Florida peninsula and the Caribbean Island; Forged in an aesthetic dance of tropical beauty between the two shores.

La exposición incluye las obras de maestros consagrados y referentes del arte latinamericano como Edwin Maurás y Rafael Rivera Rosa, cuyas obras realzan esta antológica y necesaria exposición. La muestra también presenta artistas de importante trayectoria en el escenario artístico puertorriqueño como Abdías Méndez Robles, Antonio Cortes Rolón, Romaguera, Héctor Rafael, José Torres Pereira y Aaron Salabarrías Valle; junto a creadores emergentes que sobresalen con gran fuerza en la palestra creativa y experimental de la Isla como Laura Rodríguez Abreu, Zuania Muñiz Meléndez, Eliel Pérez Colón, Rosario Fernández Esteve y Alejandro Rodríguez. Presencia, Arte Contemporáneo de Puerto Rico, presenta diversos lenguajes artísticos que se retroalimentan estéticamente entre sí. Cada uno sobresale con luz propia, cada artista impone su propio estilo. Apesar de las diferencias generacionales todos convergen y terminan en una armonía de notable belleza y riqueza artística, que ofrece un signo aglutinador a esta muestra. Las obras de Edwin Mauras Modesti se destacan por el empleo de un lenguaje geométrico abstracto, combinado con alegorías simbólicas que reflexionan sobre la condición humana en torno a su universo más inmediato; como son su amada tierra, la nostalgia, las inspiraciones y los cambios del paisaje, la magia de las sombras configuradas por el esplendor de la luz tropical, los avatares y sueños de su gente. Su creatividad está concebida en formatos grandes, con técnicas de acrílico, óleo y airbrush sobre lienzo donde se pueden apreciar confluencias con maestros del arte óptico geométrico latinoamericano como Carlos Cruz-Diez y Alejandro Otero. Los trabajos de Mauras Modesti están dotados con una sensibilidad humana altruista en constante búsqueda y experimentación; expresando sus ideas sintéticamente desde una poética universal. Las pinturas de Abdías Méndez Robles se configuran dentro de una dinámica metafísica y surreal, con reminiscencias del postmodernismo y el arte supremacista analítico; conjugando una retórica conceptual entre tiempo y espacio, realidad e imaginación, oportunidad y razón, censura y derecho, mascarada y verdad y la clave de la justicia. “Pregunta y escucha la respuesta, porque sin el derecho a la palabra y a la escucha, todo es ficción y violación injusta; así como lo limitado y lo infinito”, como sentienció Platón. Méndez Robles, con su arte, precisamente propone romper las barreras de lo finito, la manipulación y los tabúes de la sociedad y los intereses creados. Dialogando pictóricamente en un vuelo hacia la libertad de las posibilidades infinitas de la mente humana en la vida contemporánea global. Sus pinturas, realizadas en gran

The exhibition includes the works of established masters such as Edwin Mauras Modesti and Rafael Rivera Rosa - both leading Latin American artists - whose works highlight this anthological, crucial exhibition. The show also features artists with an important career in the Puerto Rican art scene such as Obías Méndez Robles, Antonio Cortes Rolón, Carlos Romaguera, Héctor Rafael, José Torres Pereira and Aaron Salabarrías Valle; along with emerging artists who stand out with great strength in the the island’s creative and experimental arena such as Laura Rodríguez Abreu, Zuania Muñiz Meléndez, Eliel Pérez Colon, Rosario Fernández Estevez and Luis Alejandro Rodríguez. Presence, Contemporary Art of Puerto Rico, presents diverse artistic languages ​​that aesthetically feed one other. Each one excelling with its own light, each artist imposing his own style; marking generational differences while all converging in a discordant harmony of remarkable beauty and artistic richness that impart an agglutinating sign to this versatile exhibition. The works of Edwin Mauras Modesti are highlighted by the use of an abstract geometric language combined with symbolic allegories that reflect on the human condition around their most immediate universe; your beloved land, the nostalgia, the inspirations and the changes of the landscape, the magic of the shadows shaped by the splendor of tropical light, the avatars and dreams of its people. His creativity is conceived in large formats, with techniques of acrylic, oil, and airbrush on canvas where one can see confluences with masters of Latin American geometric optical art such as Carlos Cruz-Diez and Alejandro Otero. The works of Mauras Modesti are endowed with an altruistic human sensibility in constant search and experimentation; expressing his ideas synthetically from a universal poetic vision. The paintings of Abdías Méndez Robles are configured within a metaphysical and surreal dynamic reminiscent of postmodernism and analytical supremacist art; conjugating a conceptual rhetoric between time and space, reality and imagination, opportunism and reason, censure and law, deception and truth, and the key to justice. “Ask and listen to the answer, because without the right to speak and listen everything is fiction and unjust violation; as well as the limited and the infinite“ ; stated the famous Plato. With his art, Méndez Robles proposes to break the barriers of the finite, manipulation, societal taboos, and vested interests; dialoguing pictorially in a flight towards the freedom of the infinite possibilities of the human mind in the panorama of global contemporary life. His paintings, made in large format in oil on canvas, have been created with their own language; which structures a system of aesthetic codes

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formato al óleo sobre lienzo, han sido creadas con un lenguaje propio; el cual estructura un sistema de códigos estéticos que desmitifican los discursos decadentes de la actualidad mediante una simbiosis abstracta entre líneas y curvas de colores, esferas y espacios virtuales y concretos – visibles e invisibles – donde conviven en armonía luces y sombras, tranquilidad y furia, laberintos y oquedades, divinidad y naturaleza y corazón y rito. Estos elementos fluyen y se reconquistan a sí mismos a la vez que revelan la sublime dimensión del ojo visionario la construye las obras. Por su parte, la artista Zuania Muñiz Meléndez, mediante su pinacoteca experimental fotográfica, nos hace viajar plácidamente a un tiempo retrospectivo de ida y vuelta fraguado en la gardenia humanista de la filosofía estética inglesa del siglo XIX, donde se acentuó el culto a la belleza humana, vestida de la poesía floral que emana de los misterios de la madre naturaleza. La seducción de las flores, la exuberante elegancia silvestre desde una mirada contemplativa, unida a la sensualidad interactiva entre el ser humano y la inspirativa flora, son elementos distintivos que construyen las obras de esta creadora. Zuania confecciona los arreglos florales que dan vida artística a cada una de sus obras; con gracia creativa que cataliza la magia que habita en los universos sensoriales del éxtasis de la belleza europea. A la vez que fusiona armónicamente el espíritu romántico de su gente y la floresta tropical tejida de una pasión que evoca el mestizaje de su isla caribeña. Aaron Salabarrías Valle es un artista polifacético que experimenta, nutre y orienta su obra sobre la cultura popular puertorriqueña desde una perspectiva universal. Emplea técnicas gráficas como la fotoserigrafía, impresiones digitales y combinaciones estéticas. Aaron construye sus instalaciones con influencias de la cultura pop, del Kitsch y con especial atención sobre los Ready Made inspirados una y antes de Marcel Duchamp y el genio de los “Combine”, el maestro Robert Rauschenberg. Sus trabajos incorporan materiales y objetos provenientes de la sociedad de consumo como el plástico y otros de difícil biodegradación. Su propuesta parte de una una reflexión sobre la vida cotidiana del presente. Salabarrías Valle proyecta sus obras con una mirada crítica, y se vale de un humor lleno de ironías para presentar los problemas actuales de los puertorriqueños en su isla. Sus trabajos captan y desnudan esta realidad– a veces un tanto absurda– como reflejo de lo que somos y nos caracteriza como sociedad. Las obras de Aaron provocan un diálogo interactivo entre “objetos vs sujetos”. El artista crea un escenario propicio para establecer su discurso artístico entre la obra y el espectador de forma diáfana. Además, concientiza la sociedad y a las estructuras del poder sobre la necesidad vital de preservar y mejorar el entorno natural, social y humano donde todos convivimos. Las fotografías de Laura M. Rodríguez Abreu son el reflejo crítico de su propia pinacoteca autobiográfica, mediante la cual ilustra las experiencias de su vida, del amor y los avatares en el camino de la existencia y la condición humana. En su manifiesto fotográfico conviven la pasión, la bondad, el vacío, la desesperación, el sentir, el dolor, el olvido y el existir disfrazados de soledad que se resumen en ultraje del alma en todas sus facetas. Sus fotografías viscerales y grotescas sobre la sexualidad vestida de dolor y de fragilidad desvelan la mirada interna del alma y la esencia de la ternura hacia el mundo exterior. Los trabajos de Laura, a modo de diario personal, constituyen una exploración, una aventura de esperanza que busca el final feliz de su propia identidad; como ser en el mundo a través de sus sentimientos, de lo que ve y percibe alrededor de un entorno

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that demystify today’s decadent discourses through an abstract symbiosis between lines and curves, colors, spheres, and virtual and concrete spaces - visible and invisible - where lights and shadows coexist in harmony, tranquility and fury, labyrinths and hollows, divinity, and nature and heart and rite; flowing and reconquering themselves and revealing the sublime dimension of the visionary eye that builds their works. The artist Zuania Muñiz Meléndez, through her experimental photographic gallery, beckons us to placidly travel to a retrospective back and forth timeframe set in the humanistic gardenia of nineteenth century English aesthetic philosophy, where the cult of human beauty germinated, dressed in the Floral poetry that emanates from Mother Nature’s mysteries. The seduction of the flowers, the exuberant wild elegance from a contemplative gaze - together with the interactive sensuality between the human being and the inspiring flora - are distinctive elements that build this creative’s works. Zuania makes the floral arrangements that give artistic life to each of her Works with creative grace that catalyzes the magic that inhabits the sensory universes of the ecstasy of European beauty; fused in harmony with the tropical charisma, the romantic spirit of its people, and the seductive forest woven with passion and native and mestizo wonders that typify her Caribbean Island. Aaron Salabarrías Valle, is a versatile artist who experiments, nurtures and guides his work on Puerto Rican popular culture from a universal perspective; using graphic techniques such as photoscreen printing, digital prints, and aesthetic combinations. Aaron builds hisWorks with influences from pop culture; from “Kitsch” and with special attention to “Ready Made” inspired by the great Marcel Duchamp and tmaster Robert Rauschenberg’s genius of the “Combine”. His works incorporate materials and objects from consumer society such as plastic and other chemical compounds; his proposal a thoughtful commentary on daily present life. Salabarrias Valle projects his works with a critical look, using a hybrid humor full of irony about the island’s daily isssues, occurrences and daily life. His works capture and strip away this – sometimes a bit absud - reality as a reflection of what we are and characterizes us as a society. Aaron’s works provoke an interactive dialogue between “objects vs. Subjects,” creating an appropriate scenario for establishing his artistic discourse between the work and the viewer in a diaphanous way; making the public, society, and power structures aware of the vital need to preserve and improve the natural, social, and human environment where we all live together. Laura M. Rodríguez Abreu photographs are a critical reflection of her own autobiographical gallery; through which she illustrates her life experiences of love and avatars in the path of existence and the human condition. In his photographic manifesto, passion, goodness, emptiness, despair, feelings, pain, forgetfulness, and existence disguised as solitude coexist; that is, the outrage of the soul in all its facets. Hes visceral and grotesque photographs of sexuality dressed in pain and fragility reveal the internal gaze of the soul and the essence of tenderness towards the outside world, and vice versa. Laura’s work – as a personal diary – is an exploration, an adventure of hope that seeks the happy ending of her own identity; of how to be in the world through your feelings, and what we see and perceive around our environment – the plethoric of loneliness, deceit, basic needs, and a melancholy deeply rooted in the bowels of desire, anguish, and sarcasm. Hes photographs are an open book, a dark and enchanted poetic, a search for love and happiness on the eve of the threshold of death; or maybe of life.


solitario de engaños y carencias y una melancolía arraigada en las entrañas de la antustia y el deseo. Sus fotografías son un libro abierto, una poética oscura y hechizada, una búsqueda del amor y la felicidad en víspera del umbral de la muerte; o quizás de la vida. La pintura expresionista abstracta de Rafael Rivera Rosa proyecta una gama de vivencias artísticas adquiridas durante el camino fértil de su prolífica y multifacética carrera en las artes visuales de Puerto Rico. Sus trabajos, elaborados con gran energía creativa, están poblados de poesía gestual, un sentido de libertad y reflexiones sobre su entorno social. Rivera Rosa concibe su arte con una poderosa liberación de energía y espiritualidad, lo que le permite seducir al espectador con la delicadeza poética de sus pinceladas y texturas. A la vez que recrea espacios enigmáticos con una atmosfera sublime de gran vitalidad estética. Rivera Rosa dota a sus creaciones con una estética paradigmática donde confluyen en una armonía discordante experimentaciones formales, la exuberante fiereza de sus colores tropicales y conceptos existenciales que aborda con gran sutileza y elegancia artística. Las obras de Rivera Rosa reflejan su pasión creadora, sus afinidades e ideas y su mirada reflexiva sobre su contexto y la dinámica del mundo. Su arte cataliza esencias de la naturaleza, invitándonos a tomar conciencia sobre aspectos cruciales del paisaje político-social que nos afectan a todos y a crear un mundo mejor. Su pintura es una llamada a la contemplación y el deleite. Antonio Cortes Rolón es un artista con una carrera profesional de más de cuatro décadas. Desde su primera etapa en Nueva York, sus obras abordan múltiples inspiraciones y reflexiones sobre temas cruciales de actualidad. Este versátil creador y esencialmente comprometido le ha dedicado unos treinta y cinco años al tema de la emigración y el éxodo, haciendo de este paradigma global un icono pop que define su trayectoria creativa más sobresaliente. Cortes Rolón propone con sus proyectos, un discurso interactivo porque hace partícipe al espectador sobre problemáticas sociopolítico-culturales, que afectan a todos, como son la separación familiar, el desarraigo de su propia gente y el éxodo en busca de mejores oportunidades de vida. Problemás que han sido constantes de su pueblo como de otros países. A lo anterior se agrega su experiencia como artista y ser humano. Antonio, en sus pinturas dramatiza y crea un escenario pictórico como la tragicomedia que es la vida misma. Los personajes protagónicos de sus composiciones no tienen rostros definidos. Específicamente en el área de los ojos que demuestran unas sombras enigmáticas que provienen de los sombreros galanes que portan sus figuras iconográficas. El artista realiza un uso sutil de colores simbólicos; dotando sus obras con un misticismo y folklor popular muy especial de goce, sigilio, placer y al mismo tiempo las miradas reflexivas del emigrante en movimiento, pausa y ritmo. Exterioriza sus sentimientos, sus carencias y sus emociones; ya sean como vía de escape en busca de sus raíces, o por el placer sublime de haber logrado sus metas, esperanzas y sueños. Por otra parte, José Torres Pereyra es un artista que proyecta un cambio radical sobre el uso asignado a la xilografía. Recrea y revaoloriza esta técnica tradicional de las artes visuales en un medio de expresión más dinámico y confluyente al romper con las limitaciones que presenta la técnica del grabado en madera. Fusionando la talla en madera con la pintura y el dibujo iconográfico como obra única para poder expresar su visión filosófica de la realidad de una forma más amplia y auténtica. Trastoca el artista el resultado original del proceso de impresión de la imagen para

Rafael Rivera Rosa’s abstract expressionist paintings project a range of artistic experiences acquired during the fertile path of his prolific and multifaceted career in the Puerto Rico visual arts. His works, crafted with great creative energy, are populated with gestural poetry, a sense of freedom, and reflections on his social environment; conceiving them with a powerful liberation of energy and spirituality, and seducing the spectator with the poetic freshness of their brushstrokes and powerful textures that recreate enigmatic spaces with a sublime atmosphere of great aesthetic vitality. Rivera Rosa endows his creations with a paradigmatic aesthetic where formal experimentations converge in a discordant harmony; the exuberant fierceness of his tropical colors and existential concepts he approaches with great subtlety and artistic elegance. Rivera Rosa’s works reflect his creative passion, his affinities and ideas and his reflective gaze on the world’s context dynamics. His art catalyzes nature’s essence, inviting us to become aware of crucial aspects of the socio-political landscape that affect us all as we strive to create a better world. His work is a call to contemplation and delight. Antonio Cortes Rolón is an artist with a brilliant 50-year career; his works - from his New York start to the present - approach multiple inspirations and reflections on crucial current issues but, this versatile and committed creator has essentially devoted some 35 years to the subject of emigration and exodus, making this global paradigm the pop icon that defines his most outstanding creative trajectory. With his projects, Cortes Rolón proposes an interactive discourse involving the viewer on socio-political-cultural issues that affect us all; such as family separation, the uprooting of their own people and the exodus in search of better life opportunities - which have been a constant reality for Puerto Rican people and those of many other countries - as well as his personal experience as a human being and an artist. Antonio paintings dramatize with a theatrical accent; creating a pictorial scene akin to the tragicomedy that is life itself, where the protagonists of his compositions do not have defined faces; specifically in the area of​​ the eyes that show enigmatic shadows created by the gallant hats worn by his iconographic figures. The artist uses subtle symbolic colors; endowing his works with a very special mysticism and popular folklore of enjoyment, secrecy, pleasure and, at the same time, the reflexive looks of pause, and rhythm, and the emigrant in movement. He externalizes their feelings, their shortcomings, and their emotions; feelings that come from the efforts of finding an escape route in search of their roots, or from the sublime pleasure of having achieved their goals, hopes and dreams. José Torres Pereyra is an artist who projects a radical change from the use assigned to woodcut; recreating and revaluing this traditional visual arts technique in a more dynamic and confluent means of creative expression by breaking with the limitations encountered in wood engraving techniques; fusing wood carving with painting and iconographic drawing as a unique work to express his philosophical vision of reality in a wider, more authentic manner; changing the original result of the process of printing the image to offer us as a final work the irreverent threedimensional wood carving. Torres Pereyra’s work is conceived from a singular vision and perspective -with references and confluences from history’s art geniuses such as the German master and engraver Alberto Duero. José’s work transcends and enriches the established procedures of traditional graphics, transforming his experimentation into a progressive mastery of contemporary woodcut.

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ofrecernos como obra final el tallado irreverente tridimensional en madera. La obra artística de Torres Pereyra está concebida desde una visión y una perspectiva singular -con referencias y confluencias sobre genios de la historia del arte como el maestro y grabador alemán Alberto Duero. Su trabajo trasciende y enriquece los procedimientos establecidos de la gráfica tradicional, convirtiendo su experimentación en un baluarte progresivo de la xilografía contemporánea. Héctor Rafael es un artista que en sus pinturas proyecta la fusión orgánica de géneros, provocando la comunión entre desnudos con una morfología abstracta hasta crear escenas sicológicas con una poderosa vitalidad estética. Dota su arte con una iconografía andrógina que rompe la mirada convencional de percibir la equidad humanista. Mezcla referencias anatómicas de seres libres que superan su fragmentación por medio de la transfiguración. Sus pinturas exóticas rompen el status quo de los esquemas tradicionales de masculinidad y feminidad, escenificando composiciones y figuraciones que convergen en formas abstractas. Héctor Rafael construye un circulo flotante que habitualmente aparece en las formas carnales que trasmutan en su presencia; proponiendo un diálogo recurrente entre lo terrenal y lo etéreo, lo carnal y lo espiritual entre el creador y su inspiración. Sus pinturas biomorficas, elaboradas con elegancia pictórica, reflejan la trayectoria estética de este singular pintor. Eliel Pérez Colon es un artista versátil que experimenta al combinar lo clásico con lo contemporáneo. Sus pinturas, realizadas en acrílico sobre lienzo, presentan un mosaico donde las armonías exóticas convergen con yuxtaposiciones estéticas que evocan el arte renacentista con los acentos iconoclastas de sus musas tropicales. Sus trabajos creativos de confluencias y parodias son inspirados por imágenes clásicas de la historia del arte y fusionados con la floreciente creatividad que emana de su tierra natal puertorriqueña. Eliel recrea un universo, lleno de metáforas poéticas, extraídas del folclor nativo, la sensualidad voluptuosa de las mujeres antillanas, la exuberante naturaleza, las tempestades, los cambios atmosféricos, los huracanes tropicales y todo el realismo mágico del Caribe, elementos recurrentes en las obras de este brillante artista. Romaguera es un artista que ha desarrollado durante toda su carrera profesional en Puerto Rico, con un arte basado en la fusión del conocimiento científico con la experimentación artística, el cual integra diversas técnicas de las artes visuales con las ciencias sociales y cibernéticas en búsqueda de recursos estéticos e imágenes sugestivas que fluctúen en armonía activa entre lo consciente y lo subconsciente. Romaguera construye sus trabajos usando un lenguaje simbólico-conceptual con reminiscencias del arte postmodernista interactivo, mediante estos recursos didácticos, seduce al espectador desde una mirada profunda, estableciendo un diálogo reflexivo a fondo entre la propuesta artística y el público. Alejandro Rodríguez es un artista conceptual que a través de sus retratos nos hace reflexionar a fondo sobre la condición humana, la manipulación y la pérdida de la esencia de los valores, de lo que debe ser “la real comunicación entre humanos” en la era digital actual. Sus obras desmitifican lo falso, lo aparente y lo real que subyacen en los medios comunicativos de la vida diaria contemporánea global. A través de una serie de retratos de diferentes personas, enfocadas en documentar lo mas auténticamente posible sus expresiones y emociones y como estas varían de sujeto en sujeto, su obra comienza a tratar directamente al sujeto retratado, en el justo momento en

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Héctor Rafael is an artist wh, in his paintings, projects the organic fusion of genres, provoking the communion between nudes with an abstract morphology that render psychological scenes with a powerful aesthetic vitality; endowing his art with an androgynous iconography that breaks the conventional gaze of perceived humanist equity and mixing anatomical references of free beings that overcome their fragmentation by way of their transfiguration. His exotic paintings break the status quo of traditional masculinity and femininity schemes, staging compositions and figurations that converge in abstract forms. Héctor Rafael constructs a floating circle that usually appears in the carnal forms that transmute in his presence; proposing a recurrent dialogue between the earthly and the ethereal and the carnal and the spiritual between the creator and his inspiration. His biomorphic paintings, elaborated with pictorial elegance, reflect the aesthetic trajectory of this singular painter; born in Santiago de Compostela, but grown and culturally set in the enhanchanted island (Isla del Encanto). Eliel Pérez Colón is a versatile artist who experiments by combining the classic with the contemporary; his paintings, rendered in acrylic on canvas, present a mosaic where the exotic harmonies converge with aesthetic juxtapositions that evoke Renaissance art with iconoclastic accents of his tropical muses. His creative works of confluences and parodies are inspired by classic images of the history of art, and fused with the flourishing creativity that emanates from his Puerto Rican homeland. Eliel re-creates a universe, infused with poetic metaphors extracted from native folklore, the voluptuous sensuality of Antillean women, exuberant nature, storms, atmospheric changes, tropical hurricanes, and all the magical realism of the Caribbean - all recurring elements in this brilliant artist’s works. Romaguera is an artist whose career evolved in Puerto Rico, with an art based on scientific knowledge fused with artistic experimentation that integrates various visual arts techniqueswith social sciences and cybernetics in search of aesthetic resources and suggestive images that fluctuate in between the conscious and the subconscious in active harmony. Romaguera constructs his works using a symbolic-conceptual language reminiscent of interactive postmodernist art; with these didactic resources, the artistseduces the viewer from a deep perspective, establishing an in-depth reflective dialogue between the artistic proposal and the public. Alejandro Rodríguez is a conceptual artist who, through his portraits, makes us think deeply about the human condition, the manipulation and loss of the essence of values, and what “real communication between humans” should be in the era current digital. His works demystify the false, the apparent, and the real that underlie the communicative media of global contemporary daily life. Through a series of portraits focused on documenting as authentically as possible people’s expressions, emotions, and how they vary from subject to subject, his work begins to directly deal with the subject portrayed at the right moment where irony is presented to feel discomfort in front of something to which we are regularly accustomed: a portrait. The difference is based on the fact that the individuals portrayed have no control or certainty of the result. His portraits strip the receivers, capturing them with critical reflection. The result is somewhat contractarian, when the advances that connect us digitally separate us from each other when we must love each other. Proof of this dichotomy is choosing to chat through a telephone application over interacting face to face.


que se presenta la ironía de sentir incomodidad frente algo a lo cual regularmente estamos acostumbrados: un retrato. La diferencia radica basada en que los individuos retratados no tienen control ni certeza del resultado. Sus retratos desnudan a los receptores, capturándolos con una reflexión crítica. El resultado un tanto contraáctorio, cuando los avances que nos conectan digitalmente nos separan a los unos de los otros cuando debemos de amarnos los unos a los otros. Prueba de esta dicotomía es el elegir charlar a través de una aplicación telefónica por encima de interactuar frente a frente. Rosario Fernández Esteve es una artista que mediante su arte fotográfico recrea el paisaje de su tierra natal. Combina con elementos de la moda y el retrato elaborados de una forma muy singular donde convergen los temas socio-culturales, la flora y la fauna puertorriqueña; todo ello concebido con un halo poético y reflexivo. Sus fotografías establecen un diálogo cognitivo sobre temas cruciales como la sociedad, el papel de la mujer y la igualdad de derechos, la naturaleza y la familia. Sus fotografíasespecíficamente la serie de retratos-se nutren de la cultura pop, el fotoperiodismo y las pasarelas; todo ello imbricado en el contexto del paisaje exótico de la Isla del Encanto.

Rosario Fernández Esteve is an artist who, through her photographic art, recreates the landscape of her native land; combining elements of fashion and portraiture, and elaborated in a very unique way where the socio-cultural themes, flora, and fauna of Puerto Rico converge; all conceived with a poetic and reflective halo. Her photographs establish a cognitive dialogue on crucial issues such as society, the role of women and equal rights, nature, and family. His photographs-specifically his portraits series -are nourished by pop culture, photojournalism, and the catwalks; all of it imbricated in the context of the insular and exotic landscape of the enchanted island (Isla del Encanto). Silvia Medina Curator

Silvia Medina Curadora

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1. Aaron Salabarrías Valle, 2. Abdías Méndez Robles, 3. Alejandro Rodríguez, 4. Antonio Cortés Rolón, 5. Edwin Maurás Modesti, 6. Eliel Pérez, 7. Héctor Rafael, 8. José Oscar Torres Pereyra, 9. Laura Rodríguez Abreu, 10. Rafael Rivera Rosa, 11. Romaguera, 12. Rosario Fernández Esteve y 13. Zuania Muñíz Fotografía: Rosario Fernández Esteve

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ARTISTAS PARTICIPANTES

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AARON SALABARRÍAS VALLE 24

San Juan, Puerto Rico, 1964

San Juan, Puerto Rico, 1964

Artista plástico y diseñador gráfico. Cursó estudios en la Escuela de Artes Plásticas de Puerto Rico, en donde obtuvo el grado de Bachillerato en Grabado en el año 1990. Posteriormente, en el año 1997, culminó una Maestría en Pintura del Pratt Institute, Nueva York. Entre las distinciones que ha obtenido se encuentra ser merecedor de tres becas de “Subvención Básica para las Artes” del Instituto de Cultura Puertorriqueña en los años 2001, 1999 y 1994, además de recibir la beca del “Fondo Nacional para el Financiamiento del Quehacer Cultural” otorgada por la misma institución en los años 1996, 1994 y 1993. Ha participado en varias exhibiciones individuales y colectivas en Puerto Rico y en el extranjero así como en museos, bienales y reconocidas ferias de arte contemporáneas.

Visual Artist and Graphic Designer. He studied at the School of Plastic Arts of Puerto Rico, where he obtained a Bachelor’s Degree in Engraving in 1990. Later, in 1997, he completed a Master’s Degree in Painting from the Pratt Institute, New York. Among the distinctions he has obtained is being awarded three scholarships of “Basic Grant for the Arts” of the Institute of Puerto Rican Culture in 2001, 1999 and 1994, in addition to receiving the scholarship of the “National Fund for the Financing of Cultural Affairs “Granted by the same institution in the years 1996, 1994 and 1993. He has participated in several individual and collective exhibitions in Puerto Rico and abroad as well as in museums, biennials and recognized contemporary art fairs.

Su obra se caracteriza por su continua referencia a nuestra cultura popular y religiosa y el empleo de técnicas gráficas como la fotoserigrafía. Sus instalaciones, tienen un carácter “kitsch” y reflejan la influencia del “ready made”, utilizando materiales provenientes del plástico y de compuestos químicos. La propuesta del artista es un comentario sobre la vida cotidiana que corresponde a su tiempo y espacio. Es un híbrido de humor e ironía que emplea situaciones que ocurren a nuestro alrededor y que a veces pasan desapercibidas; éstas son reflejo de lo que somos y a su vez nos identifican como sociedad. Los objetos que son característicos de este tiempo, los saca de su contexto y los presenta con un uso diferente al que fueron creados; éstos son transformados cuando los coloca frente al espectador y los convierte en objetos sublimes creando así situaciones adversas en el diálogo entre los objetos y el sujeto. Flores, piscinas, salvavidas, cerditos de plásticos colocados con la intensión de rescatar ese juicio o instinto primigenio de jugar, un juego de niños / un juego de adultos.

His work is characterized by its continuous reference to our popular and religious culture and the use of graphic techniques such as photo-printing. Its facilities have a “kitsch” character and reflect the influence of “ready made”, using materials from plastic and chemical compounds. The artist’s proposal is a commentary on the daily life that corresponds to his time and space. It is a hybrid of humor and irony that uses situations that happen around us and that sometimes go unnoticed; these are a reflection of what we are and in turn identify us as a society. The objects that are characteristic of this time, take them out of their context and present them with a different use to the ones they were created; these are transformed when placed in front of the viewer and converted into sublime objects, thus creating adverse situations in the dialogue between the objects and the subject. Flowers, swimming pools, life preservers, plastic piglets placed with the intention of rescuing that judgment or primal instinct to play, a children’s game / a game of adults.


sin título 1. 2018. Instalación. Canvas, acrílico, grafito, carbón, ceramica, madera. 84” x 45” x 9” sin título 2. 2018. Canvas, acrílico, grafito, ceramica, madera. 61” x 35” x 12” sin título 3. 2018. Canvas, acrílico, grafito, ceramica, madera. 60” x 24” x 7”

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ABDÍAS MÉNDEZ ROBLES 26

Santurce, Puerto Rico, 1959

Santurce, Puerto Rico, 1959

Artista plástico. Con una preparación multidisciplinaria, cuenta con un Master en Arte (MA) de la Universitat de Barcelona, un bachillerato en Arte (BA) en Pintura (Magna Cum Laude) de la Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico. Con una Maestría en Administración de Empresas (MBA), un bachillerato en Finanzas y Economía (BS) y un Doctorado en Naturopatía (ND). Tiene más de 90 exposiciones locales e intencionales, individuales y colectivas en museos, galerías y ferias, entre ellas en el Instituto de Cultura de Puerto Rico, FIART Republica Dominicana, Estados Unidos y Europa. Entre los reconocimientos: Premio Anual de The Abud Family Fundation for the Art en New Jersey; Resolución del Senado de Puerto Rico, número 1383, donde lo felicita y reconoce como exponente de las Bellas Artes; Premios AICA de Puerto Rico, mención de honor. Se han publicado varios ensayos críticos favorables sobre su obra, por los críticos Dr. José A. Pérez Ruíz, Abil Peralta, Dra. Hiromi Shiba, Dra. María Elba Torres, Dra. Beatriz Santiago Ibarra, Lic. Antonio Molina, Profa. Haydee Venegas entre otros. A publicado varios ensayos críticos e investigaciones.

Artist with a multidisciplinary preparation, he has a Master’s degree in Art (MA) from the University of Barcelona, ​​ a bachelor’s degree in Art (BA) in Painting (Magna Cum Laude) from the School of Plastic Arts and Design of Puerto Rico. Also has a Master’s Degree in Business Administration (MBA), a bachelor’s degree in Finance and Economics (BS) and a Doctorate in Naturopathy (ND). He has more than 90 local and intentional exhibitions, individual and collective in museums, galleries and fairs, among them in the Institute of Culture of Puerto Rico, FIART Dominican Republic, United States and Europe. Among the recognitions: The Abud Family Foundation Annual Award for the Art in New Jersey; Resolution of the Senate of Puerto Rico, number 1383, where he congratulates and recognizes him as an exponent of the Fine Arts; AICA Awards of Puerto Rico, honorable mention. Several favorable critical essays have been published about his work by critics Dr. José A. Pérez Ruiz, Abil Peralta, Dr. Hiromi Shiba, Dr. Maria Elba Torres, Dr. Beatriz Santiago Ibarra, Lic. Antonio Molina, Prof. Haydee Venegas among others. He has published several critical essays and investigations.

Miembro de varias organizaciones:

Member of several organizations:

Presidente de la Junta de Directores de la Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico

President of the Board of Directors of the School of Plastic Arts and Design of Puerto Rico.

Presidente de la Asociación de Críticos de Artes de Puerto Rico (AICA-PR).

President of the Arts Critics Association of Puerto Rico (AICA-PR).

Presidente de la Asociación Puertorriqueña de Artistas Plásticos (APAP/AIAP|UNESCO)

President of the Puerto Rican Association of Plastic Artists (APAP / AIAP | UNESCO).

En su obra pretende romper las barreras de lo finito (las limitaciones) y penetrar en el infinito, conjugando el tiempo y el espacio, energía y materia, pensamiento y cuerpo. Habla de la vida y sus posibilidades, reta la razón y la percepción, procurando dar libertad a las posibilidades. Con un estilo muy propio, ha creado sus códigos para plasmar su discurso. Se fundamenta en el surrealismo y el arte metafísico, en una abstracción compartida con figuras geométricas. Su plano pictórico es de un color monocromático estridente, creando una simbiosis entre la abstracción, las líneas y las curvas de colores complementarios que interrumpen la monocromía. Esferas y espacios definidos e inferidos, donde fluyen luces y sombras, penetrando el plano y creando espacios y dimensiones subrepticias.

In his work he aims to break the barriers of the finite (limitations) and penetrate into the infinite, conjugating time and space, energy and matter, thought and body. He talks about life and its possibilities, challenges reason and perception, trying to give freedom to possibilities. With his own style, he has created his own codes to translate his speech. It is based on surrealism and metaphysical art, in an abstraction shared with geometric figures. His pictorial plane is in a strident monochromatic color, creating a symbiosis between abstraction, lines and curves of complementary colors that interrupt the monochrome. Spheres and defined and inferred space, are where flowing light and shadow, penetrating the plane and creating spaces and surreptitious dimensions.


Sentir las dos direcciones, díptico. 2018. Óleo/lienzo. 60” x 96” Dentro del ojo. 2018. Óleo/lienzo. 48”x 48” Tristeza, después de… 2018. Óleo/lienzo. 48” x 48”

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Ponce, Puerto Rico, 1985

Ponce, Puerto Rico, 1985

Artista plástico y Diseñador gráfico. En el 2003 comienza estudios en el Miami International University of Art and Design. El año siguiente regresa a la isla e ingresa a la Escuela de Artes Plásticas de Puerto Rico donde culmina sus estudios con un bachillerato en Imagen y Diseño en el 2009. Siendo estudiante de La Escuela de Artes Plásticas, obtiene una beca para un viaje estudiantil a la feria de arte ARCO en Madrid. Recientemente obtuvo el primer premio otorgado por la Fundación Nacional para la Cultura Popular como “Mejor Diseño de Carátula” con la producción discográfica del cantautor puertorriqueño y nominado al Grammy Juan Pablo Díaz titulada “Fase Dos”.

Visual Artist and Graphic Designer. In 2003, started his art studies at Miami International University of Art and Design. Next year he returned to the island and got admitted to “Escuela de Artes Plásticas de Puerto Rico” where he earned his Graphic Design Bachelor Degree in 2009. As a student at “Escuela de Artes Plásticas de Puerto Rico” Alejandro won a student scholarship to visit the “ARCO” Art Fair in Madrid, Spain. In 2017, the artist was awarded with the first place “Best Album Cover” by “Fundación Nacional para la Cultura Popular” with the musical production “Fase Dos” from the singer, songwriter and Grammy Nominee Juan Pablo Díaz.

ALEJANDRO RODRÍGUEZ

Una de las características más notables en la obra de Alejandro Rodríguez es la textura de su trazo puesto que se vale sólo de la espátula para ejecutar. Su obra se alimenta principalmente de la cotidianidad y los cambios sociales. En su más reciente obra el artista presenta una serie de retratos que reflexionan de modo nostálgico sobre cómo los seres humanos interactúan hoy dentro de un mundo saturado por los avances tecnológicos. La tecnología permite al usuario manipular su proyección. El artista propone confrontar al modelo sin filtros mayores a su percepción y presentarlo tal cual lo percibe y no como el modelo quisiera ser percibido.

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One of Alejandro Rodíguez work trademarks is his textured strokes due to the use of the spatula as his main and only instrument. His work is mainly inspired by social changes and the everydayness. On his most recent work the artist presented a series of portraits that reflected in a nostalgic point of view how humans interacts between each other in a highly saturated technologic era. Technology advancements allows users to manipulate the way they reflect themselves. Alejandro intents to confront the subjects without major filters. This way he exposes the subject as it is perceived and not as the subject wants to be presented.


#psyche. 2018. Pintura. 30” x 30” #mehhh. 2017. Pintura. 20” x 20” #estosejodio. 2017. Pintura. 20” x 20“

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ANTONIO CORTÉS ROLÓN 30

Cidra, Puerto Rico, 1951

Cidra, Puerto Rico, 1951

A la corta edad de 6 años, Antonio comienza a demostrar su interés por la artes, inspirado por los numerosos paisajes montañosos que lo circundan. Ya en la adolescencia, se instruye en la pintura paisajista con el pintor estadounidense Henry Morgan, y en el arte moderno con el artista puertorriqueño Edwin Maurás. Comienza sus estudios en pedagogía con concentración en artes en la Universidad Interamericana de San Germán, Puerto Rico, de donde obtiene su grado de bachillerato en el año 1978. Con el propósito de continuar su desarrollo artístico, viaja a Nueva York en donde obtiene su grado de maestría en Bellas Artes de la Universidad de Nueva York en el año 1985. Eventualmente, finaliza sus estudios a nivel de doctorado en Museología en la Universidad de Sevilla, España, en el año 2005, e Historiografía en el Centro de Estudios Avanzados de Puerto Rico y el Caribe en el año 2006.

When he was 6, start showing his interest on arts. Inspired on his city mountains views. On his teen years, he is instructed in the landscape paint with the United States artist Henry Morgan, and in the modern art with the Puerto Rican artist Edwin Maurás. Start his studies on Pedagogy with a major in arts at the Interamerican University located on San German, Puerto Rico, from where he gets the Bachelor Degree on 1978. In accordance to his interest to continue developing as artist, he travels to New York where he obtains the Master Degree on Great Arts at the University of New York on 1985. Eventually, end his studies with a Doctor Degree in Museology at the Sevilla University on Spain, on 2005, and Historiography in the Puerto Rico and Caribbean Advanced Studies Center on 2006.

Cortés Rolón ha realizado más de una decena de exposiciones individuales y un mayor número de exposiciones colectivas en distintas ciudades del arte como: París, Santo Domingo, San Juan, Nueva York y Miami. A través de su carrera artística, Antonio Cortés ha demostrado ser un maestro, desde sus inicios en la pintura paisajista y el retrato, hasta llegar a la figuración, con lo que obtiene reconocimiento internacional con la serie “Emigrantes”. Actualmente, con su propuesta “Un actor en Casa Blanca – Imagen y Política”, Antonio Cortés hace incursión en el movimiento realista Pop Kitsch, con una pintura en donde se destaca una imagen monocromática que explora las relaciones entre la política, celebridades y la cultura popular. Con una gran trayectoria en las artes plásticas, Antonio Cortés Rolón es un pintor de una gran variedad de temas, propuestas entre los cuales se encuentra la representación figurada de los emigrantes, tema de actualidad que el autor trabaja desde una composición que llena todo el espacio visual del cuadro, creando manchas, líneas y circularidades. Sus sujetos parecen hombres recién llegados, con un cierto aspecto de extrañamiento; la coloración puede ser muy diversa, pero se destacan los tonos claros, ciertas oscuridades y sus tonos grises, que abstraen y llevan a una subjetivación del hombre en otros espacios. La elaboración remite a la vida del desplazado que cobra hoy más importancia, porque los puertorriqueños han,desde inicio del siglo XX vivido la errancia que los une y hermana a otros nacionales del Caribe.

Cortés Rolón has performed more than a dozen of individual expositions and a greater number of collective expositions in different cities such as: Paris, Santo Domingo, San Juan, Nueva York y Miami. Throughout his artist career, Antonio Cortés has showed to be a teacher, from his beginnings on landscape paint and on the portrait, until achieving the figuration, until obtaining international acknowledgement with the “Emigrants” series. At the present time, with his proposal “An actor at the White House - Image and Politics”, Antonio Cortés get into the realist movement Pop Kitsch, with a paint where a monochromatic image is exposed and explore the relation between politics, celebrities and the popular culture. With a great trajectory in the plastic arts, Antonio Cortés Rolón is a great variety of topic kind of painter, proposals among you can find the figurate representation of the emigrants, an actual topic that the author work from a composition that fill the entire portrait space, creating darks, lines and circularities. Its subjects look like men just arriving, and with some strange aspect; the collaboration can be very diverse, but clear tones are enforced, some obscurities and its gray tones, that abstract and collocate the human subjectivation on other spaces. The elaboration evoque the displaced life that is very important on today’s reality, because Puerto Ricans have, from the beginning of the XX Century lived the errancy that joined and relate to other people from the Caribbean.


Caribbeans Emigrants. 2017. Acrílico/tela. 36” x 36” Emigrants. 2012. Acrílico/tela. 30” x 40” Emigrantes en su tinta. 1987. Tinta/papel. 22” x 30”

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EDWIN MAURÁS MODESTI 32

Puerto Rico, 1948

Puerto Rico, 1948

Estudia en la Universidad de Puerto Rico, Recinto de Río Piedras, donde en 1970 obtiene un BA en Humanidades con concentración en dibujo, pintura y escultura. Mas adelante hacia el 1976 obtiene una maestría de la Universidad de Nueva York, NYU, con una concentración en pintura, escultura y educación del arte. Desde la postrimería de la década de los sesenta, 1968, comienza a exponer sus pinturas profesionalmente obteniendo premios en dibujo y pintura en prestigiosos certámenes de la isla, como Ateneo Puertorriqueño, IBEC Realty, United Federal Savings Bank, UNESCO entre otros. Durante los últimos dos años, 201718, ha recibido premios y reconocimientos internacionales como en la Bienal de Peschiera Del Garda en Verona, Italia, Premio Francisco Goya en la Bienal de Barcelona en el Museo Europeo de Arte Moderno, España, el prestigioso Premio Leonardo Da Vinci, en Florencia, Italia, Premio Raffaelo en Bologna, Italia, entre otros.

He studied at the University of Puerto Rico, Rio Piedras Campus, where in 1970 he obtained a BA in Humanities with concentration in drawing, painting and sculpture. Later on in 1976 he obtained a master’s degree from the University of New York, NYU, with a concentration in painting, sculpture and art education. Since the end of the sixties, 1968, he began to exhibit his paintings professionally obtaining prizes in drawing and painting in prestigious contests of the island, such as Ateneo Puertorriqueño, IBEC Realty, United Federal Savings Bank, UNESCO among others. During the last two years, 2017-18, he has received international awards and recognitions such as at the Peschiera Del Garda Biennial in Verona, Italy, Francisco Goya Award at the Barcelona Biennale at the European Museum of Modern Art, Spain, the prestigious Prize Leonardo Da Vinci, in Florence, Italy, Raffaelo Award in Bologna, Italy, among others.

Durante los últimos dos años mis ideas, sentimientos y toda mi creatividad los he dirigido a una búsqueda intensa de nuevas composiciones, con nuevas atmósferas de lunas, soles, amaneceres y atardeceres e incluso nubarrones en un universo de transparencias y profundidades de color que ni el lente fotográfico puede interpretar, pero la sensibilidad del ojo humano sí. Elementos en los cuales derramo todos mis conocimientos y experiencias adquiridas durante cincuenta años en que he trabajado mi pintura profesionalmente. En ocasiones me han parecidos estos años infinitos, pero al sentarme a mirar a través de la ventana del pasado, me parece que fue ayer, convirtiéndose en un tiempo completamente finito. El enfoque en el cual estoy trabajando mi obra hoy día, es desde una perspectiva universal... Es mi realidad, es mi propia perspectiva de las cosas, es... Mi Universo. Un micro, el cual se compone de mi comunidad inmediata, en el Barrio Quebrada Grande de Trujillo Alto, dentro de un macro, que es mi Patria, Puerto Rico, el cual está suspendido adentro de un espacio en el universo, aunque en ocasiones se convierte en uno caótico... ES MI PATRIA! Por eso le canto a mi Universo, a mi Barrio de Quebrada Grande y a mi Patria Puerto Rico.

During the last two years my ideas, feelings and all my creativity have led to an intense search for new compositions, with new atmospheres of moons, suns, sunrises and sunsets and even clouds in a universe of transparencies and depths of color that neither the Photographic lens can interpret, but the sensitivity of the human eye itself. Elements in which I spill all my knowledge and experiences acquired during fifty years in which I have worked my painting professionally. Sometimes these infinite years have seemed similar to me, but as I sit looking through the window of the past, it seems to me that it was yesterday, becoming a completely finite time. The focus on which I am working my work today, is from a universal perspective... It is my reality, it is my own perspective of things, it is... My Universe. A micro, which is made up of my immediate community, in the Quebrada Grande neighborhood of Trujillo Alto, within a macro, which is my homeland, Puerto Rico, which is suspended inside a space in the universe, although it is sometimes turns into a chaotic one... IT’S MY COUNTRY! That’s why I sing to my Universe, to my Barrio de Quebrada Grande and to my Homeland Puerto Rico.


Un nuevo amanecer con luna creciente con neblina y nubarrón... 2017. Acrílico/canvas. 44” X 44” My Universe and Some Planets. 2018. Acrílico/canvas. 50” X 49” The Twins. 2015. Acrílico/canvas. 64”x 64”

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ELIEL PÉREZ 34

Puerto Rico, 1980

Puerto Rico, 1980

Artista plástico. Cursó estudios en la Universidad Interamericana de Puerto Rico, donde obtuvo el grado de Bachillerato en Administración de Empresas en el año 2003. En paralelo obtuvo una beca sobre la técnica de pintura con el artista plástico José Tony Pérez durante 10 años. Entre las distinciones que ha obtenido se encuentra ser merecedor del Premio Internacional “Tributo a Tiziano” en Venecia, Italia del ano presente. Ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas en Puerto Rico e Internacionalmente en museos, en el Centro Cultural Mizrahi AC Mejico, la Bienal de Florencia, reconocidas ferias de arte contemporáneo como: Feria de Arte de Málaga, España; Spectrum Indian Wells; Art Palm Beach; Art Santa Fe; Art Festival Mejico, entros otras exposiciones. Ademas, ha recibido varios premios como: Mejor revista del artista del año Premio de la revista LeMode, el artista seleccionado representar a Puerto Rico en Europa, España, el Caribe y los Estados Unidos y galardonar con el Premio Internacional de las Naciones Tributo un Tiziano. Su obra se caracteriza por su creatividad en la fragmentación pictórica de la obra de arte que puede integrar en una PINTURA, INSTALACIÓN y / o ARTE SOBRE TEXTILES. Esto muestra al gran artista joven de Puerto Rico y su compromiso con la sostenibilidad del arte en este nuevo mercado en esta tierra nuestra. El artista Eliel Pérez Colón es un artista abstracto impresionista, que nos deleita con una fusión abstracta contemporánea. Como artista, se esfuerza por expresar el mundo que ve sobre un lienzo o papel para motivar, inspira y estimula a otras mentes humanas al mundo como a otros medios como el acrílico, pintura al óleo sobre lienzo / papel y uso de nuevos medios al igual que el PVC. El haber estado expuesto a muchos maestros de arte le ha creado su propia inspiración y libertad de arte. Los colores primarios fuertes son su base preferida, por lo que el receptor distingue fácilmente las fusiones de contraste y color, lo que le permite crear una paleta de colores atrevida y única. Los colores son solo el punto de partida que combinan con una espátula y pinceles para formar grandes trazas, líneas oscuras, figuras geométricas y figuras grandes.

Plastic artist. He studied at the Interamerican University of Puerto Rico, where he obtained a Bachelor’s Degree in Business Administration in 2003. In parallel he obtained a teaching on painting including techniques with the artist Jose Tony Perez for 10 years. Among the distinctions he has obtained is being awarded the International Prize “Tribute to Titian” in Venice, Italy of the present year. He has participated in several individual and collective exhibitions in Puerto Rico and Internationally as well as in museums, in the Cultural Center Mizrahi AC Mejico, the Bienale in Florence, renowned contemporary art fairs such as: Art Fair Malaga, Spain; Spectrum Indian Wells; Art Palm Beach; Art Santa Fe; Art Festival Mexico, other exhibitions. In addition, he has received several awards such as: Best Artist of the Year Award LeMode Magazine Award, the artist selected to represent Puerto Rico in Europe, Spain, the Caribbean and the United States and to receive the International Tribute Nations Award to Titian. His work is characterized by its creativity in the pictorial fragmentation of the work of art that could be integrated into a PAINTING, INSTALLATION and / or ART ON TEXTILES. This shows the great young artist of Puerto Rico and his commitment to the sustainability of art in this new market in this land of ours. The artist Eliel Pérez Colón is an abstract impressionist artist, who delights us with a contemporary abstract fusion. As an artist, he strives to express the world he sees on a canvas or paper to motivate, inspire and stimulate other human minds to see the world as he sees it in different media such as acrylic, oil painting on canvas / paper and use of new ones means just like PVC. Having been exposed to many art teachers allowed him to create his own inspiration and freedom of art. The strong primary colors are the preferred base, so the receiver easily distinguishes contrast and color mergers, which allows me to create a daring and unique color palette. The colors are just the starting point that combines using a spatula and brushes to form large traces, dark lines, geometric figures and large figures.


New Horizon. 2018. Acrílico/canvas. 49” x 70.5” Hope-Full Renovation. 2018. Acrílico/canvas. 49” x 71” Resilient Awakening. 2018. Acrílico/canvas. 30” x 40”

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Santiago Compostela, España, 1973.

Santiago Compostela, Spain, 1973.

Artista plástico. Cursó estudios en Syracuse University, en donde obtuvo el grado de Bachillerato en Artes Plásticas con Concentración en Pintura y posteriormente culminó una Maestría en Educación de Bellas Artes en la Universidad del Turabo. En el 2007 participó en la Bienal de Arte Contemporáneo de Florencia en Fortezza da Basso en Florencia, Italia y en el 2008 su obra fue parte de la Exposición Internacional de Pintura Instants en el Palacio Dolmabahce en Estambul, Turquía. Su pintura Nirvana fue incluida en la Muestra Nacional de Artes de Puerto Rico en el Museo Casa Blanca en el 2015. En años recientes, la obra pictórica de Héctor Rafael ha sido parte de la Feria Internacional de Arte y Arquitectura Borders (2016) y Surfaces (2018) en el Palazzo Ca’Zanardi en Venecia, Italia. En marzo del 2018 su pintura Dual fue vendida en la subasta silente en beneficio a Elton John Aids Foundation en Beverly Hills, Los Angeles, California. El artista ha tenido diez exposiciones individuales en galerías de arte y museos de gran prestigio en Puerto Rico entre ellas sus más reciente: Biomórfico (2016) en el Museo de las Américas en el Viejo San Juan y Ser (2017) en Galería Cidreña. Su obra es parte de importantes colecciones públicas y privadas incluyendo Museo de Arte de Caguas y Museo de Arte Francisco Oller.

Visual Artist. Héctor Rafael graduated with a Bachelor of Fine Arts from the College of Visual and Performing Arts at Syracuse University and a Master of Art Education from Universidad del Turabo. In 2007 he participated in Florence Biennale of Contemporary Art at Fortezza da Basso in Florence, Italy and in 2008 his work was part of Instants International Painting Exhibition at Dolmabahce Palace Museum in Istanbul, Turkey. His painting Nirvana was included at Muestra Nacional de Artes de Puerto Rico at Museo Casa Blanca in 2015. In recent years, Héctor Rafael’s artwork has been part of the International Art and Architecture Festivals Borders (2016) and Surfaces (2018) at Palazzo Ca’Zanardi in Venice, Italy. In March 2018 his painting Dual was sold at Elton John Aids Foundation Silent Benefit Auction in Beverly Hills, Los Angeles, California. The artist has had ten solo exhibitions in prestigious art galleries and museums in Puerto Rico including his most recent: Biomórfico (2016) at Museo de las Américas in Old San Juan and Ser (2017) at Galería Cidreña. His work is part of important public and private collections including Museo de Arte de Caguas and Museo de Arte Francisco Oller.

HÉCTOR RAFAEL

Héctor Rafael pinta homenajes a la equidad y a la humanidad en donde mezcla referencias anatómicas de seres que superan su fragmentación por medio de la transfiguración. En sus imágenes la fusión de géneros provoca la comunión de los desnudos con abstracciones hasta crear escenas sicológicas en donde la calidad andrógina de las formas rompe con los esquemas tradicionales de masculinidad y feminidad. Un círculo flotante habitualmente acompaña las formas carnales que transmutan en su presencia; enfatizando el dialogismo constante que existe en su obra pictórica entre lo terrenal y lo etéreo, lo carnal y lo espiritual, entre el artista y su inspiración.

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Héctor Rafael’s paintings function as an homage to equity and humanity. The artist merges anatomical references of beings that overcome their fragmentation through their transfiguration. In his images the fusion of genders creates psychological scenes where the androgynous quality of the forms breaks with the traditional concepts of masculinity and femininity. A floating circle accompanies the carnal forms that transmute in its presence; emphasizing the constant dialogue that exists in his paintings between earthly and ethereal, carnal and spiritual, the artist and his inspiration.


Simulacro de una transmutación colectiva. 2010. Óleo/canvas. 48” x 48” Acróbatas. 2014. Óleo/canvas. 60” x 48” Nirvana. 2014. Óleo/canvas. 60” x 48”

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JOSÉ OSCAR TORRES PEREYRA 38

San Juan, Puerto Rico, 1967

San Juan, Puerto Rico, 1967

Artista gráfico. Cursó estudios en la Escuela de Artes Plásticas del Instituto de Cultura Puertorriqueña donde obtuvo su bachillerato (Magna cum laude) en Artes Gráficas en el año 1995. A través de su carrera artística, José Oscar Torres ha presentado su trabajo en numerosas exhibiciones individuales y colectivas, ferias de arte, museos y bienales, tanto en Puerto Rico como en plataformas internacionales. Entre estas presentaciones se destacan exhibiciones en el Rockefeller Center, Museo de las Américas, la Trienal de Chammallier y su participación en la Bienal de Arte Contemporáneo de Florencia 2015, donde fue galardonado con el premio “Magnus Laurentius”. Su trabajo gráfico, denominado por el artista como xilografía contemporánea, representa el desarrollo y progresión de la manera de visualizar las artes gráficas.

Graphic artist. He studied in the Escuela de Artes Plásticas del Instituto de Cultura Puertorriqueña where he obtained a bachelor degree (Magna cum laude) in graphic arts in 1995. Thru his artistic career, José Torres has presented his art work in numerous solo and group exhibitions, art fairs, museums and biennials, in Puerto Rico as well as in international platforms. From this presentations, standout exhibitions in the Rockefeller Center, Las Américas Museum, Triennial of Chammallier and his participation in the Florence Biennial of Contemporary Art 2015, where he was awarded with the “Magnus Laurentius” award. His graphic work, denominated by the artist as contemporary xylography, represents the development and progression of the manner to visualize the graphic arts.

La propuesta artística de José Torres refleja un cambio radical al uso original asignado a la xilografía. Como componente esencial de su desarrollo artístico, este sintió la necesidad de romper con las limitaciones que presenta el grabado en madera para poder expresar su visión de la realidad de una forma más auténtica. De esta manera, su obra trastoca la finalidad original del proceso de impresión de la imagen y ofrece como producto final el tallado en madera como obra única. Torres Pereyra incorpora en su trabajo técnicas nuevas de tallar la madera que rayan en cinetismo y que le permiten realizar imágenes en las que el dibujo, la pintura y el grabado se funden directamente en la plancha. El trabajo de José Oscar Torres Pereyra es una obra plástica, qué por su singularidad, trasciende los parámetros de la gráfica tradicional.

The artistic proposal of José Torres reflects a radical change to the use originally assigned to xylography. As an important component of his artistic development, he felt the need to break with the wood carving limitations to be able to express his vision of reality in a more authentic way. In this manner, his art work disrupts the original process of impression of the image, offering the final product of wood carving as a unique piece of art. Torres Pereyra incorporates new wood carving techniques that verge in sinetism and allows executing images where drawing, painting and engraving merge directly in the original wood plate. The work of José Oscar Torres Pereyra is a work of fine art, that for its singularity, transverses the traditional graphic boundaries.


Icaro atado de manos. 2015 Constructive Wood Carving on Mahogany / Acrylic Paint / Oil Ink. 24” x 39.5” Orquideas 5 (Boceto). 2018 Wood Carving on Mahogany / Acrylic Paint / Oil Ink. 16” x 29.25” Orquideas 6. 2018 Constructive Wood Carving on Mahogany / Wood Rods / Acrylic Paint / Oil Ink. 24.75” x 40.5”

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Arecibo, Puerto Rico, 1978

Arecibo, Puerto Rico, 1978

Artista, fotógrafa, escritora y diseñadora de interiores. Su amor por la fotografía ha estado siempre con ella. Comenzó sus estudios en la Liga de Arte de San Juan durante su adolescencia, donde tomó cursos de fotografía básica y avanzada. Continuó sus estudios en la Universidad de Puerto Rico Recinto de Río Piedras, completó un bachillerato en Artes Plásticas concentrándose en fotografía y escultura. Es su amor al arte lo que la lleva a culminó sus maestrías en Caribbean University en Historia del Arte y Museología. De ahí procede a iniciar un año de grado doctoral en el Centro de Estudios Avanzados de Puerto Rico y el Caribe.

Laura M. Rodríguez Abreu is an Artist, Photographer, writer and interior designer. You can’t separate one from the others. Her love for photography has always been with her. She started her photographic formation during her adolescent years at Liga de Arte de San Juan, taking basic and advance photography. Proceeds her formal studies at the University of Puerto Rico, Rio Piedras campus; completing her bachelor’s degree in Fine Arts concentration in Photography and Sculpture.

Su pasión por la armonía y el color la llevan además a cursar estudios y licenciarse como diseñadora de interiores de San Juan School of Interior Design.

LAURA RODRÍGUEZ ABREU

Durante estos años, participa en exposiciones de arte, presentando su trabajo fotográfico en Caribbean University, y en exhibiciones privadas.

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Her passion for harmony and color takes her to continue studies and license as an Interior Designer from San Juan School of Interior Design. Following her call, she gets her master degrees in Art History and Museology from Caribbean University. From there she completes a doctoral year in the Center for Advanced Studies of Puerto Rico and the Caribbean.

En la publicación de su libro se persibe la influencia de la fotografía en sus escritos. Presenta su libro de prosa lírica “Días para Contar” en la librería Libros AC y en la Universidad de Puerto Rico recinto de Arecibo, en ésta última junto a sus fotografías.

During those years, she participated in collective exhibitions, including a student’s exhibition at Caribbean University, private exhibitions and on the presentation of her book “Dias para Contar” at University of Puerto Rico, Arecibo campus in which you could see her photographic influence in her writings.

Trabaja constantemente, usa sus dotes de diseñadora en las clases de Historia del Arte y Apreciación al Arte en la Universidad de Puerto Rico en Carolina, donde es profesora.

Her work is always present, using it in her design projects and influencing her classes as art professor at University of Puerto Rico, Carolina campus.

En su obra siempre está presente el discurso autobiográfico. Por lo que no se puede separar su persona de su arte. La artista se encuentra en una búsqueda de su sujetividad y la construcción de una identidad personal. De ahí su representación y simbolización de una mujer frágil y a la vez fuerte que es una mezcla de dolor y ternura. Sus trabajos, en los que se puede apreaciar la reiteración del sentimiento de angustia y melancolía, no deja de estar marcado por el sarcasmo.

You can see her photographic mind in her works, because it is mostly autobiographic. You can’t separate her job from her art. It’s one. Is a search of her inner self and its mysteries. Her works shows a “being”, both fragile and strong; a child and a woman far beyond her chronological age. Her art is full of anguish and melancholy, but mark with sarcasm.

Una mujer así, que no se deja vencer por la realidad. Ha creado su empresas de diseño y se proyecta como mujer del presente y del futuro.

We can see all of this in her photographic art, likewise in all her work. A sensitive and visceral woman in her art work, but strong enough to be founder of her own interior design company. A woman of TODAY and of TOMORROW.


Siempre la amante, nunca la novia. 2016. Fotografia digital/canvas. 24” x 30” El pensador. 2018. Fotografia digital/canvas. 27 3/4” x 36” Sin título. 2015. Fotografia digital/canvas. 27 3/4” x 36”

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RAFAEL RIVERA ROSA 42

Comerío, Puerto Rico, 1942

Comerío, Puerto Rico, 1942

Artista plástico. Estudió con Domingo García y Lorenzo Homar(1959-1964). Completó su Bachillerato en Artes Plásticas en la Universidad de Puerto Rico y su Maestría en Artes Plásticas en Pratt Institute en Nueva York y en el 1990 comenzó a enseñar en la Universidad de Puerto Rico y en la Escuela de Artes Plásticas de Puerto Rico. Desde el 1995 es el Artista Residente de la Colección de Arte Contemporánea de la Cooperativa de Seguros Múltiples de Puerto Rico. Ha tenido treintitrés exposiciones individuales y ha participado en más de trescientas exposiciones colectivas locales e internacionales. En el 2017 presentó una exposición retrospectiva de cincuentiseis años de trabajo ininterrumpido haciendo arte. Ha logrado un sitial importante en la historia del arte puertorriqueño por ser un artista prolífico y multifacético.

Plastic Artist. Studied with Domingo García and Lorenzo Homar (1959-1964). He completed his BFA at the University of Puerto Rico and his MFA at Pratt Institute in New York and in 1990 he began to teach at the University of Puerto Rico and the Puerto Rico School of Plastic Arts of Puerto Rico. Since 1995 he has been artist-in-residence of the Cooperativa de Seguros Múltiples de Puerto Rico’s Contemporary Art Collection. He has held thirty-three individual exhibitions and participated in more than three hundred local and international collective shows. In 2017 he presented a retrospective exhibition of fifty-six years of uninterrupted artwork. After working mainly on a series of large-scale abstract expressionist paintings, he has also been revisiting his earlier narrative and figurative styles in a series of paintings on a smaller scale. He has earned a seat of honor in the history of Puerto Rican painters by being one of the most prolific and multifaceted creators in the Puerto Rican art scene.

Su pintura expresionista refleja gran energía y poder, proyectándose con un gran sentido de libertad y lirismo. La atmósfera de las obras viene tanto de su paleta como de la percepción de su entorno. Sus imágenes son sutiles acumulaciones de color que flotan y fluyen sobre el lienzo. En cada una de estas pinturas se desata una fuerte liberación de energía que evocan a través de sus elementos, experiencias visuales y enigmáticas. Sus obras son sin duda declaraciones de urgencia especial cuando aborda el tema de la naturaleza y sus infinitas y variadas expresiones. Las ha pintado desde la distancia investigando su potencial contemplativo y las ha pintado desde sus vísceras donde se evidencian las más sublimes manifestaciones de sus partes. La fuerza de sus brochazos, la fieresa con que las manchas de colores se interlazan entre espacios y atmósferas invitan al espectador a viajar cada cual por sus mundos existenciales. Pintar es una actividad que a este artista le gusta enfrentar sin expectativas específicas. Prefiere iniciar sus obras sin prefiguración alguna, como quien toma una guagua sin conocer su destino. Lo hace tan solo añorando descubrir a tráves de su ejecución nuevas y provocativas experiencias plásticas y conceptuales.

His expressionist work reflects great energy and power, in a manifestation of a deep sense of freedom and lyricism. The atmosphere he creates comes not only from his palette but from his perception of his surroundings. His images are subtle accumulations of color that glide and float on the canvas. In each one of his paintings a strong energy is released that evokes through the elements, visual and enigmatic experiences. In his paintings we see a special urgency to address the issue of nature and its infinite manifestations. The artist has painted from a distance, investigating its contemplative potential and he has painted from its viscera, where the most sublime demonstrations arise from its parts. The strength of his brushstrokes, the ferocity with which colors weave together between spaces and atmospheres that invite the spectator to travel through their own existential world. Painting is an activity that this artist confronts without any specific expectation. He prefers to initiate his work spontaneously, like getting on a bus without knowing where it will take him. He does this longing to discover through its realization new and provocative plastic and conceptual experiences.


Costa brava II. 2016. Acrílico/canvas. 57.25” x 54.25” Movimiento telúrico. 2010. Acrílico/canvas. 48” x 48” Memorias de un pescador. 2015. Acrílico/cavas. 54” x 54”

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ROMAGUERA 44

Santiago de Compostela, España, 1957

Santiago de Compostela, España, 1957

Romaguera nació en una familia próspera puertorriqueña. Rubén Bras, su primer maestro de arte desde el 1977 reconoció su talento y le introdujo a los principios de la pintura. Desde el 1981 continuó su educación formal y se unió a La Liga de Arte en San Juan donde permaneció bajo la tutela de reconocidos artistas como Juan Ramón Velázquez, Betsy Padín, Raúl Zayas, Piero Rosati y Domingo García, director de la Galería Latinoamericana donde surgió el Grupo X. También trabajó con otros renombrados profesionales como Rafael Tufiño, Carmelo Sobrino, Edgardo Ribeiro y Antonio Navia, los que influenciaron grandemente su trabajo y contribuyeron a su compleja técnica y estilo estático. Los últimos treinta años Romaguera ha desarrollado un estilo propio basado en arte y conocimiento científico integrando distintas técnicas plásticas en busca de imágenes sugestivas que fluctúan entre lo consciente y lo subconsciente. Romaguera tiene una larga trayectoria artística como pintor que se demuestra en más de veinte exposiciones individuales y colectivas en Puerto Rico y Estados Unidos. Presenta una propuesta en la que usa los colores de la naturaleza caribeña para crear a partir de una configuración puntillista, textos expresivos que apelan a la problemática de la Isla. Como otros miembros de esta colectiva, Romaguera no se aparta de la reaalidad y crea una nueva realidad que dan cuenta de su periplo formativo, de su propio estilo. Integra a los textos trazos caligráficos que lo acercan a la generación de artistas de los cincuenta y setenta en Puerto Rico; es un artista que tiene algo que decir, una realidad que des-construir. El tema central configurado en sus cuadros es el de la isla. Con su arena, sabe el pintor elaborar una poética del decir. Mientras el ojo que mira puede ver que los colores caribeños quedan en una zona poco explorada. Con los colores que la naturaleza aporta a la playa, nos da una fragmentación de la totalidad isleña: huellas, olas, azul verdoso como tonalidad, elementos de juego que remiten al ludismo que busca este espacio paradisíaco, y que quedan ahí como símbolo de actualidad. Más, el artista quiere llamar la atención y deja inscrita su idea sobre el tiempo. La reconfiguración del mundo que ve y reelabora al concebir una nueva subjetividad, desde un neopuntillismo.

Romaguera was born to a prosperous Puerto Rican family. His first art teacher from 1972 to 1977, Ruben Bras, on seeing his promising talent taught him the principles of painting. In 1981 Romaguera continued his formal education in painting by joining the “Liga de Arte“ in San Juan, Puerto Rico, where he kept experimenting with watercolor, ink, acrylic, oil and engraving. He became part of art scene in San Juan while being tutored by renowned artists like, Juan Ramón Velázquez, Betsy Padín, Raúl Zayas, Piero Rosati and Domingo Garcia, director of “Galería Latinoamericana“ where “Grupo X“ was born. He also worked with professionals’ artists Rafael Tufiño, Carmelo Sobrino, Edgardo Ribeiro and Antonio Navia, all of whom had a great influence in his work, while contributing in his complex technique and static style. For the last 30 years Romaguera has developed a unique style based on art, color and scientific knowledge – integrating different plastic techniques in search of suggestive images that fluctuate between consciousness and sub- consciousness. Romaguera’s extensive career as painter can be admired in more than 20 individual and collective exhibits in Puerto Rico and the United States. His technique starts with colors in Nature and through pointillism and texts, expresses present and appeals to the Island’s problems and situations. Like other members in this collective exhibit, Romaguera creates a new reality while keeping faithful to reality, thus creating a new reality that includes his artistic experiences through his personal authenticity. By integrating forms to his calligraphy, he appears to be close to a generation of artists in Puerto Rico from the fifties to the seventies. He is an artist with something to say and a reality to be deconstructed. The Island is always the central theme to his work. Through his sand-like use the artist knows how to offer us the poetry of expression. While the seeing eyes can see Caribbean colors in an unexplored zone. Using the colors in the beaches he gives a peep into the Island: footsteps, waves, blue-green tones are some of the elements that play into the diversity searched into this paradisiac space and remain as symbols of current reality, But the artist wants us to be aware of his ideas about time; his reinterpretation of the world he sees as he elaborates a new subjective from the concept of neopointillism.


Familia/Family. 2018. Óleo/lienzo. 142” x 57” Hazard. 2018. Óleo/lienzo. 142” x 57” 23. 2018. Óleo/lienzo. 142” x 57”

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ROSARIO FERNÁNDEZ ESTEVE 46

Santurce, Puerto Rico 1973

Santurce, Puerto Rico 1973

Artista/fotógrafa. Estudió Arte Fotográfico en Syracuse University y se ha convertido en una veterana de la fotografía editorial y comercial, mejor conocida por sus retratos. Temprano en su carrera, Rosario fue invitada para ser parte de las “FotoDivas”, un grupo exclusivo de mujeres puertorriqueñas fotoperiodistas y en el 2000 gana el primer premio en fotoperiodismo que otorga el Instituto de Cultura Puertorriqueña. Desde entonces ha ganado un sin numero de premios y reconocimientos de la Asociación de Fotoperiodistas de PR, el Overseas Press Club y el Senado de Puerto Rico, como también exponer su trabajo en exposiciones individuales y colectivas en Puerto Rico y ferias internacionales como Photo Miami, Photo LA, Art Americas, CIRCA y La Biennal Internacional de Fotografía de PR. Ahora mismo su trabajo se encuentra en colecciones privadas localmente y afuera de la isla. En el 2013 fue comisionada por el Senado de PR como curadora de una exhibición Retrospectiva fotográfica de uno de los artistas maestros mas importantes del siglo XX en PR. En el 2017, reveló un nuevo trabajo comisionado por el legendario Hotel San Juan para la renovación de sus habitaciones y su trabajo personal se pueden apreciar en las paredes del lobby.

Artist/photographer. Studied Art Photography at Syracuse University and has become a veteran of editorial and commercial photography, best known for her portraiture. Early on in her career, Rosario was invited to join “Foto Divas”, the highly exclusive group of Puerto Rican women photojournalists and in 2000, she won first prize in photojournalism from the Instituto de Cultura Puertorriqueña. Since then she has won numerous accolades and awards from the Puerto Rico Association of Photojournalists, Overseas Press Club and the Senate of Puerto Rico, as well as having solo shows and being involved in scores of group shows in Puerto Rico and international art fairs such as Photo Miami, Photo LA, Art Americas, CIRCA and Puerto Rico’s International Photography Biennials. Currently her artwork is in numerous private collections locally and abroad. In 2013 she was commissioned by the Senate of Puerto Rico, as curator of a Photographic Retrospective Exhibit of one of the most important local artists of the 20th century in Puerto Rico. In 2017, she revealed her new artwork commissioned by the legendary The San Juan Hotel for their renovated rooms and her personal artwork on display in the lobby walls.

En su arte fotográfico, ella junta elementos de su paisaje, estilo de moda y retrato en hermosas y a veces imágenes complejas tocando temas sociales, culturales como tan bien la flora y fauna de la isla de Puerto Rico. Su énfasis es crear una escena donde el espectador tiene que mirar mas allá de lo que piensa que es obvio, jugando con el tema através del uso de ambiente, color, luz y las texturas en ves de enfocarse solo en la cara, por ende creando una conexión más profunda. La fotografía es el medio que eligió, no necesariamente para documentar o de construir un momento en el tiempo, si no para crear una conexión más profunda a través de un diálogo cognitivo donde se formó una auténtica relación entre el artista, el tema y el público. En su propuesta comenta, que aunque muy personal, existe una cierta ambigüedad en lo que el espectador no sólo puede reflejar a través de su experiencia, pero también se identifican individualmente mediante su propia interpretación, haciendo el trabajo accesible a muchos más, pero con una conexión oculta. Haciendo retratos todos los días en el campo comercial y fotoperiodístico, confía en la expresión de los ojos y la cara para llevar a cabo sus personalidades, pero es sólo una ilusión de lo que ellos quieren que usted vea y sólo un fragmento de lo que realmente son, por lo tanto la conexión queda incompleta con una expresión vacante.

In her art photography she brings together elements from her fashion and portrait style into beautiful and sometimes more complex imagery touching social, cultural themes as well as the flora and fauna of the island of Puerto Rico. Her emphasis is on creating a scenewhere the viewer has to look beyond what we think is the obvious, playing with a theme through the use of environment, ambient, color, light and textures instead of focusing only on face thus creating a deeper connection. Photography is the medium that he chose, not necessarily to document or build a moment in time, but to create a deeper connection through a cognitive dialogue where an authentic relationship was formed between the artist, the subject and the audience. In his proposal comments, that although very personal, there is a certain ambiguity in what the viewer can not only reflect through their experience, but they are also identified individually through their own interpretation, making the work accessible to many more but with a connection hidden Doing portraits every day in the commercial and photojournalistic field, trust the expression of the eyes and face to carry out their personalities, but it is only an illusion of what they want you to see and only a fragment of what really are, therefore the connection is incomplete with a vacant expression.


Dual Matter. 2018. Impresión digital por sublimación de tinta. 46” x 60”. Ed. 1 /5 María. 2018. Impresión digital por sublimación de tinta. 40” x 40”. Ed. 1 /5 Piled UP. 2018. Impresión digital por sublimación de tinta. 41” x 55”. Ed. 1 /5

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ZUANIA MUÑÍZ MELÉNDEZ 48

San Juan, Puerto Rico, 1985

San Juan, Puerto Rico, 1985

Realiza su expresión artística en el medio fotográfico. Obtuvo su bachillerato en Bellas Artes con concentración en fotografía en la Universidad de Puerto Rico, Recinto de Río Piedras. Ha participado de exhibiciones colectivas en Puerto Rico, en Estados Unidos y en Italia. Su trabajo a sido publicado en revistas de arte en Gran Bretaña. En 2016 fue galardonada con Mención Honorífica por el International Photography Awards dentro de las categorías de Retrato y Bellas Artes.

An artist who creates her work through the photography medium. Earned her Bachelor’s degree in Fine Arts, Photography at the University of Puerto Rico, Rio Piedras Campus. She has participated in collective exhibitions in Puerto Rico, USA, and Italy. Her work has been published in art magazines in the UK. In 2016 her work received honorable mention by the International Photography Awards in the Portrait and Fine Art categories.

Su trabajo tiene como base la filosofía del movimiento esteticista de mediados del siglo XIX en Inglaterra, en donde se procuraba el culto a la belleza, la incorporación de elementos florales y la sensualidad. Dentro de este marco procura el resaltar la efimeridad de la naturaleza y su belleza, como la importancia de la interacción entre el ser humano y la flora a través del ocio y la contemplación. Para lograrlo, la artista crea un diálogo íntimo entre flores y seres humanos, basando su selección del modelo a partir del artículo determinado del nombre de cada flor, que en el lenguaje español tiene dos variantes: el o la. De esta forma no solo logra representar la relación entre ambos, si no que también mantiene un ritmo constante a través de todas sus piezas. La importancia de la técnica fotográfica, la iluminación, el cuidado del detalle, la precisión y la confección manual de los arreglos florales son lo que le permite celebrar la relación simbiótica entre flora y humanidad tan típica del trópico.

He work is based on the philosophy of the aesthetic movement of the mid- nineteenth century in England, where the cult of beauty, the incorporation of floral elements and sensuality was sought. Within this framework she aims to highlight nature’s beauty and ephemerality, as well as the importance of the relation between human beings and flora through leisure and contemplation. To achieve this, she creates an intimate dialogue between flowers and human beings basing the selection of the models on the definite article of each flower’s name, which in Spanish is gendered: el (male) or la (female). This methodology allows her to represent this relationship and also to have a constant rhythm through out her work. The importance of the photographic technique, the illumination, the care for detail, the precision, and the manual confection of the floral arrangements allows her to celebrate the symbiotic relationship between flora and humanity so common on the Tropics.


La lluvia de orquídeas. 2018. Photography: Digital and color. No digital photomontage, all flowers are real, manually arranged, and placed in situ. Size: Print option and size varies. Minimum size : 24” H x 36” W. 1/5 Limited Edition. El tulipán africano. 2016. Photography: Digital and color. No digital photomontage, all flowers are real, manually arranged, and placed in situ. Awarded Honorable Mention in Fine Art-portraits by the International Photography Awards 2016 Size: 36” H x 24” W. 2/5 Limited Edition La cruz de marta. 2018.Photography: Digital and color. No digital photomontage, all flowers are real, manually arranged, and placed in situ. 36” H x 24” W. 1/5 Limited Edition

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Dedicatoria | Dedication Rafael Rivera Rosa Edwin Mauras Modesti Director de Canvas Gallery | Director of Canvas Gallery Alfredo López Casalduc Curadora | Curator Silvia Medina Ensayo | Essay Dr. Miguel Ángel Fornerín Diseño de catálogo | Catalog Design Aaron Salabarrías Valle Edición de video y diseño de logo| Video editing and logo design Alejandro Rodríguez Fotografía | Photography Rosario Fernández Esteve Fotos de obras | Artwork Photographs Zuania Muñiz Meléndez

CRÉDITOS | CREDITS

Organizadores | Organizers Antonio Cortés Rolón Abdías Méndez Robles

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Traducción | Translation Abones Copy, Inc. Profesora Elixia Avillan León Publicidad | Advertising Catalog– Art Pulse / Art Distric Música | Music Negroni’s Trio / Latin Jazz Fotografía de grupo en: | Group photography in: Museo de Arte de Puerto Rico Santurce, Puerto Rico Museo de las Américas San Juan, Puerto Rico

Galería | Gallery Canvas Gallery, Miami, FL 3050 Biscayne Blvd, Suite 101 Lobby Miami, FL, USA 33137 Tel. (786) 584-6975


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PRESENCIA Miami  
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