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N° 78 AOUT/SEPTEMBRE 2017 WWW.LOFFICIEL.COM

ENCORE UN PEU D’ÉTÉ IRÈNE CATTANEO CHINA FORBES ALAN GEAAM

KINGA RAJZAK EN MANTEAU ET CHAPEAU MIU MIU.

KELLY HALABI

NOUVEAUX TUBES LES GROUPES LIBANAIS CARTONNENT


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ANTELIAS


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L’OFFICIEL

SOMMAIRE

40

NEWS

L’édito — page 48

Le “Knot Clutch” de Bottega Veneta — page 64

Tendances — page 66

La fille en rouge — page 72

La femme « qu’il faut» — page 92

Les néons de la REI±NE — page 98

Et si c’était de l’art ? — page 76

Onde à une pharaonne — page 88

Une étincelle — page 90

Gros plan sur Porquerolles — page 104

Monaco en technicolor — page 110

Le monde dans le regard de Monsieur Dior — page 116

Poudre de perlimpinpin — page 120

La lotion essence de rose de Dior Prestige — page 126

Tabbah, l’atelier du rêve — page 128

Les « Serpenti Incantati » de Bvlgari — page 132

Blanc de blanc — page 134

Haubans et diamants — page 136

La ville m’appartient — page 138

Arrière-saison — page 156

Nocturne — page 168

Le design libanais plus beau, plus haut — page 186

Elle défie la gravité — page 190

Bonbon mais pas praline — page 194

PHOTOS DR

page 50


L’OFFICIEL

SOMMAIRE

42

La possibilité d’un paradis — page 196

Objectif humanité — page 202

Néo-Babylone — page 208

Beirut Art Fair sous le signe de l’arabité — page 212

Le bruit du silence — page 216

Les pépites libanaises de la rentrée — page 220

Un trait de Pink dans le Martini — page 224

Alan Geaam, de la guerre aux étoiles — page 226

Matcha Mania — page 230

Secret de glace — page 232

Le grand tour — page 234

Luxe, calme, et sérénité — page 244

L’hôtel aux couleurs de l’Estérel — page 248

Archiviera — page 252

Jours tranquilles à Bkerzay — page 256

ADRESSES page 282

6 bouts du monde — page 266

Le paradis du Criquing — page 280

Do you « To Do » ? — page 284

PHOTOS DR

D’Ouzai à Ouzville en un coup de pinceau — page 262


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N °   7 8 — A Ô U T- S E P T E M B R E 2 017

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L AUR A HOMSI, JOSÉPHINE VOY EU X , M A R I A L ATI, M A R IE A BOU K H A LED, M Y R I A M R A M A DA N, NICOLE V.H A MOUCHE , PHILIPPINE DE CLER MON T-TONNER R E , SA BY L GHOUSSOUB STYLISME

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53 DOTS DA R EL KOTOB


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ÉDITO

ENCORE UN PEU D’ÉTÉ Juillet à son pic, et aout qui s’annonce en affolant le thermomètre, on en vient à vouloir s’endormir et se réveiller en hiver… On commence déjà à se lasser des soirées trop arrosées et de leur boumboum engourdissant. Il serait plus intéressant de tirer meilleur parti de cette saison parfois infernale. Enfiler cette petite robe à fleurs et ces sandales, cette marinière et ces vraies espadrilles à semelles de corde qui ne durent qu’une saison, ce bikini pour lequel on s’est sculpté avec beaucoup d’efforts et de volonté un corps de rêve. Oser ces couleurs joyeuses dont l’hiver est avare, afficher les mélanges les plus improbables, les lunettes les plus démentes, les colliers les plus kitsch, le sac le plus arty. Et prendre le large, et se remplir les yeux de tous les bleus. Tout passera trop vite et bientôt tomberont au pied des arbres les premières feuilles mortes. La bonne nouvelle c’est que les touristes en hordes vont en même temps, eux aussi, rentrer chez eux. Il nous restera ces lieux confidentiels, ces places chargées d’histoire, ces églises et musées presque secrets, ces paysages sereins, ces maisons, comme la Villa Santo Sospir dont Cocteau a tatoué les murs, refermées sur une poésie et des audaces d’un autre temps. L’été est saison de beauté et d’inspiration. Achevons de faire le plein d’images. Récréation et re-création font avancer le monde.

Fifi Abou Dib

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NEWS

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YVES PAR ANTHONY

« J’adore l’approche subversive de Monsieur Saint Laurent par rapport au vêtement, son romantisme noir légèrement teinté de perversité. J’ai voulu cette collection comme une relecture, une fantaisie radicale de son héritage. » C’est ainsi qu’Anthony Vaccarello, le directeur artistique de Saint Laurent, se confie sur l’esprit qui a dominé les créations automne hiver de la plus rebelle et sensuelle des griffes parisiennes. Une féminité tout en tensions et paradoxes, avec des épaules droites et structurées, des blousons de cuir ajourés au laser enrichis d’ornements contrastés, la nonchalance du denim qu’Yves Saint Laurent aurait aimé inventer, accompagnés de bottes molles pour le jour. Le soir est réinterprété en velours noir intense et mat, allure mystérieuse accentuée avec un zeste d’indécence par des broderies de cristaux bruts. Saint Laurent, Rue Fakhry Bay, Beirut Souks, Centre-Ville, Beyrouth, +961 1 99 11 11 ext. 562 Saint Laurent, Aïshti by the Sea, Antelias, Ground Floor, +961 4 717 716 ext. 212

Dans la famille Buccellati, Andrea et Lucrezia forment le tandem pèrefille le plus créatif de l’histoire de la haute joaillerie. En mars 2015, ils lançaient à New York une petite série limitée de bijoux artistiques accompagnée d’une exposition de chefs-d’œuvre de l’impressionnisme et du postimpressionnisme dont elle s’inspire. Bouillonnement des flots chez Winslow Homer, toile d’araignée chez Mikhail Larinov, tempête chez Monet, fleurs chez Bonnard, ou Chute de Phaëton chez Odilon Redon, les détails sont réalisés avec autant de savoir-faire que de poésie et déclinés en éléments de parures. Spécialistes des entrelacs de dentelle, de la gravure et du ciselage des métaux précieux, les ateliers Buccellati ont restitué à merveille dans ces pièces uniques les effets de mouvement et de lumière empruntés à ces toiles de maîtres. On aime particulièrement les boucles d’oreilles et la bague en forme d’aile illustrant la Chute de Phaëton et dont on trouve encore un exemplaire à la boutique Buccellati, Aïshti by the Sea. Buccellati, Aïshti by the Sea, Antelias, Ground floor, +961 4 717 716 ext. 353

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TRANSFORMATIONS

Loewe a décidément retrouvé ses couleurs en déployant comme jamais son savoir-faire maroquinier originel. Le tout nouveau sac « Hammock » en est une preuve éblouissante. Loewe travaille et plie le cuir comme d’autres le papier. Ce nouvel accessoire s’adapte à tous les usages, se faisant tout petit une fois ses rabats rentrés pour offrir un espace XXL quand on les déploie. Tel un hamac ou un modeste sac filet, il se balance langoureusement sur ses anses et recrée ce geste nonchalant des stars du glamour quand elles se sentent observées. On peut aussi le porter en bandoulière. Loewe, 71 Rue El-Moutrane Street, Centre-Ville, Beyrouth, GF, +961 1 99 11 11 ext. 104 Loewe, Aïshti by the Sea, Antelias, GF, +961 4 717 716 Ext. 209

Pucci, 109 Rue Allenby, Centre-Ville, Beyrouth +961 1 99 11 11 ext. 579 Pucci, Aïshti by the Sea, Antelias, L2, +961 4 71 77 16 ext. 241

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BIKINI BAR

Le soleil était éclatant, la mer miroitante et la musique endiablée. Le 6 juillet, à Aïshti By The Sea, la griffe Emilio Pucci installait son célèbre Bikini Bar itinérant après une première au Festival de Cannes. Des mannequins en bikini Emilio Pucci ont inauguré la piscine à débordement du spa Urban Retreat qui surplombe la Méditerranée. Deux cabines colorées au design exclusif servaient de présentoirs à une édition limitée de bikinis triangles déclinés en plusieurs imprimés iconiques, y compris Ranuncoli, Lance et Labirinto, ainsi qu’en imprimés d’archives Gazelle, Parasol et Libellula. La figure mythologique de la sirène qu’affectionnait particulièrement le marquis Emilio Pucci, fondateur de la marque, sert d’icône au concept du Bikini Bar. La collection spéciale de bikinis Emilio Pucci est encore disponible pour une période limitée dans les boutiques Emilio Pucci du centre-ville de Beyrouth et Aïshti by the Sea, ainsi qu’en ligne sur le site emiliopucci.com.


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NEWS

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Chloé, Rue Fakhry Bay, Beirut Souks, Centre-Ville, Beyrouth, +961 1 99 11 11 ext. 580 Chloé, Aïshti by the Sea, Antelias, GF, +961 4 717 716 Ext. 215

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AU PAYS DES MERVEILLES

Comme on tomberait dans un trou en suivant un lapin, comme on verrait surgir à l’envers des miroirs et de la réalité un monde parallèle tout d’optimisme psychédélique, Chloé annonce pour cet hiver une collection tout en couleurs, textures et mouvements joyeux. Une palette pastel où dominent la menthe et le lilas. Des couleurs terre lumineuses et saturées, entre tabac, ocre et rouge écarlate. A la gaité des coloris s’ajoutent des coupes douces, des épaules tout en rondeur, des pantalons fluides et des textures moelleuses rehaussées de soie, d’organza et de dentelle raffinée. Lavallières et manches évasées s’accommodent avec des accessoires délicieusement désuets tels que des souliers salomé ou mary-jane et la nouvelle collection de sacs Pixie à anse bracelet.


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LE JEU DU VOYAGE

Gucci n’a pas seulement le talent de créer des accessoires tellement extrêmes qu’ils en deviennent cultes. C’est aussi une histoire qui commence à Florence, à la fin du XIXe siècle dans l’art maroquinier et survit en s’adaptant avec talent et souplesse à toutes les difficultés, y compris les pénuries des deux Guerres mondiales. C’est aussi une géographie et des lieux magiques à travers le monde, marqués du double « G » du logo de la marque. Comme il n’y a pas de culte sans adeptes, le directeur artistique de Gucci, Alessandro Michele, nous invite à travers l’application Gucci Places à découvrir ces lieux spécifiques à la marque, notamment Chatsworth, dans le Derbyshire, en Angleterre où se tient l’exposition de vêtements et souvenirs « House Style » dirigée par Hamish Bowles, rédacteur de Vogue US. Chaque découverte est récompensée par un badge. Collectionnez-les tous ! Gucci, 141 Rue El-Moutrane, Centre-Ville, Beyrouth, +961 1 99 11 11 ext. 200 Gucci, Aïshti by the Sea, Ground Floor, Antelias, +961 4 717 716 ext. 207

COURSE POURSUITE À LONDRES

Jimmy Choo, Rue Fakhry Bey, Beirut Souks, Centre-Ville, Beyrouth, +961 1 99 11 11 ext. 595 Jimmy Choo, Aïshti by the Sea, Antelias, L2, +961 4 71 77 16 ext. 123

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Romantisme et rébellion sont les moteurs de ce jeu de chats et de souris organisé par Jimmy Choo dans les rues de Londres entre des hommes et des femmes chaussés des créations automne hiver 2017 de la maison maroquinière. Pour sa nouvelle campagne, le chausseur de luxe a voulu ainsi mettre en valeur le tempérament qui sous-tend son esthétique, à la fois confiant, sexy, joueur et glamour. L’architecture londonienne sert de toile de fond à ce court métrage onirique où la puissance structurelle des bâtiments reflète l’harmonie et la solidité des créations de la maison.


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NEWS

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DOMINANTES MAIS PROTECTRICES

Avec les « T-Plucks », ces derbies montées sur plateformes de bois, Stella McCartney a décidément inventé quelque chose en faveur de l’autonomisation des femmes. Depuis une poignée d’années, elles donnent aux « petites » qui travaillent et qui sont soumises à des contraintes d’agilité que ne permet pas la courbe des hauts talons, ces centimètres qui vous placent à hauteur d’homme. Le modèle « Elyse » réinterprété sur semelles de mousse offre cet été une légèreté voluptueuse. Blanches, soulignées de lignes dynamiques, elles sont entièrement réalisées, selon l’engagement de la créatrice pour la protection des animaux, avec des matériaux d’origine végétale excluant toute cruauté envers les bêtes. Stella McCartney, Rue Fakhry Bey, Beirut Souks, Centre-Ville, Beirut, +961 1 99 11 11 ext. 575 Stella McCartney, Aishti by the Sea, Antelias, L2, +961 4 71 77 16 ext. 250

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ANATOMIE D’UN SAC

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LE “KNOT CLUTCH” DE BOTTEGA VENETA Élégante et fonctionnelle, cette minaudière qui se transforme en sac reprend tous les codes d’excellence de la maison florentine.

Héritage et tradition Présenté lors de la collection automnehiver 2017, le “Knot Clutch” est le nouveau sac imaginé par le directeur artistique Tomas Maier, qui a intégré le motif intrecciato, élément signature de Bottega Veneta, au fermoir métallique Knot. Ce modèle a été conçu comme une évolution naturelle de l’emblématique minaudière, lancée lorsque Tomas Maier a repris les rênes de la maison en 2001.

LÉA

TRICHTER-PARIENTE

Versatilité et originalité Une bandoulière en chaîne et cuir réglable et amovible a été ajoutée. Le clutch se porte donc au choix en pochette ou à l’épaule. Décliné dans trois coloris de crocodile (Nero, Boudoir et Artichoke), il existe également en versions Nero Intreccio Knit, Dark Calvados et en doré Intreccio Knitted. Savoir-faire et design innovant. La valeur de ce sac fabriqué par des artisans

experts réside dans sa conception sobre et intemporelle, et dans l’extraordinaire qualité du cuir. Les commandes spéciales sont entièrement fabriquées dans l’atelier de la maison à Montebello Vicentino, tandis que le reste de la production est réalisé près de Vicence, en Vénétie. “Knot Clutch” en croco Artichoke, Bottega Veneta. www.bottegaveneta.com

PHOTOS DR

PAR


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AÏSHTI BY THE SEA, AÏSHTI DOWNTOWN, AÏSHTI VERDUN


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TENDANCES

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Altuzarra MSGM

Jimmy Choo

Brandon Maxwell

RETOUR VERS LE FUTUR

L'ÈRE SPATIALE EST DE RETOUR SUR LES PODIUMS. ENTRE SCIENCE FICTION ET VOYAGE POUR LA LUNE, PRÊTE POUR LE DECOLAGE ? RÉALISATION PIERRE MOUSSALLEM & SOPHIE NAHAS

Valentino

Gucci

Miu Miu

Gucci

Saint Laurent Bottega Veneta

Jimmy Choo

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Saint Laurent


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TENDANCES

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miu miu

Altuzarra

Oscar De La Renta

Gianvito Rossi

Hermès

LADY IN RED LE ROUGE VIF ET SENSUEL EST LA CO U LEU R IN CO NTO U RN A B LE CET HIVER, C'EST DECIDÉ VOUS NE PASSEREZ PAS INAPERÇUE .

Jason Wu

RÉALISATION PIERRE MOUSSALLEM & SOPHIE NAHAS

Cushnie Et Ochs

Dolce & Gabbana

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Marni

Dolce & Gabbana

Aquazzura

Gucci

miu miu


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TENDANCES

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Gucci

Prada

Alexander Wang

Fendi

Hermès

SOFT LEATHER UNE VALEUR SÛRE À ARBORER FIÈREMENT CET HIVER, LE CUIR OFFRE PLUS QUE JAMAIS UNE SILHOUETTE D'UN CHIC INTEMPOREL. RÉALISATION PIERRE MOUSSALLEM & SOPHIE NAHAS

Balenciaga

Valentino

Chloé

Helmut Lang

Saint Laurent Balenciaga

Saint Laurent

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Gucci


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TENDANCES

70

Dolce & Gabbana Alaïa

Monse

Altuzarra

MARQUER LA TAILLE

Brunello Cucinelli

UNE TOUCHE DE FEMINISME ENVAHIT NOS GARDE-ROBES, SCULPTE NOS SILHOUETTES ET NOUS RETAILLE LA TAILLE. RÉALISATION PIERRE MOUSSALLEM & SOPHIE NAHAS

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Gucci Marni

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Alexander McQueen

Theory

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Prada


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FOCUS

72

LA FILLE EN ROUGE ON N’AVAIT PAS VRAIMENT VU VENIR. MÊME PANTONE QUI ANNONÇAIT POUR CETTE ANNÉE UNE DÉFERLANTE VERT « GREENERY » N’A PAS PRÉVU LA GRANDE VAGUE ROUGE QUI A ENVAHI LES RUES LORS DES SEMAINES DE LA MODE AUTOMNE HIVER 2017-18. ET JAMAIS ROUGE N’A ÉTÉ AUSSI FRANC.

De toutes les couleurs du spectre, le rouge est sans conteste la plus audacieuse. On n’ouvre pas son vestiaire le matin en se disant « tiens, je vais mettre ce petit haut, cette robe, cette jupe ou même ce T-shirt rouge ». Il faut encore pouvoir le faire, être d’humeur, avoir une intention. Le rouge fait de vous un point focal, attire spontanément les regards, vous transforme en repère, voire en proie, dans n’importe quel cadre ou architecture. S’habiller en rouge c’est aussi être prêt à une stimulation nerveuse de tous les instants. La preuve, peu d’entre nous peuvent dormir dans des draps rouges ou même en chemise de nuit ou pyjama rouge. Cette sacrée couleur, couleur sacrée, a un effet irritant, et pas que sur les taureaux. Les grands créateurs de mode ont toujours introduit au moins un modèle rouge dans leurs collections. Il en faut toujours dans une garde-robe, en prévision de ces jours où justement, on n’a pas envie de passer inaperçue. Le rouge Valentino est reconnaissable au premier regard, de même que le rouge Dior, sans parler des semelles Louboutin. A l’arrivée à Paris du couple présidentiel américain, la veille du 14 juillet, Melania Trump est apparue à la sortie de l’avion dans un tailleur Dior, d’inspiration Bar, rouge explosif. A côté d’elle, plus tard, Brigitte Macron, en blanc, faisait pâle figure. Indéniablement, le rouge domine. Pour séduire, ravir, fasciner, magnétiser, il n’y a pas photo : pour ceux qui ne vous connaissent pas, vous êtes « la fille (ou

F . A . D .

la femme) en rouge », et la fille en rouge évoque la vie en rose. Car oui, le rouge est sensuel, éternellement associé à la passion. Il a du tempérament, et il l’a parfois mauvais. Cette année, lasse de se rebeller en noir comme elle le fait depuis des décennies, la rue s’exprime en vermillon, sang-de-bœuf ou coquelicot. Récupéré par l’extrémisme, le fanatisme, l’islamisme et le terrorisme, le noir ne le fait plus. La couleur terreur laisse place à la couleur colère. Elles ne partagent plus le même territoire, ne cohabitent plus. Fini le « Rouge et le Noir », ce sera désormais l’un ou l’autre et c’est un signe des temps. Le rouge est la couleur d’une nouvelle étape dans l’autonomisation des femmes. Celles-ci reprennent leur destin en main vers un autre niveau, non pas féministe au sens rébarbatif du concept, mais tout en puissante féminité. Elles ne réclament plus l’égalité des genres, elles imposent l’équité, et la justice se rend en rouge. Cet hiver, entre une cape en velours rouge et or d’Alberta Ferretti, une petite robe en velours incarnat de Chloé ajourée d’un grand cœur à la poitrine, un grand manteau de castor vermillon à rubans imaginé par Dolce&Gabbana, un manteau cintré fraise écrasée ou une robe transparente à porter sur des cuissardes par Fendi ou une autre de Prada, volantée et texturée dans l’esprit des années 50, le rouge nous en fait voir de toutes les couleurs.

PHOTOS DR

P A R


Adam Selman

Alberta Ferretti

ChloĂŠ

Dolce & Gabbana

Fendi

Jason Wu

Jenny Packham

Oscar de la renta

Proenza Schouler


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ACCESSOIRES

ET SI C’ÉTAIT DE L’ART ? Des sacs, des souliers, des sacs, des souliers, nos manifestes, nos calicots, notre différence, nos accessoires obsessionnels. On se damnerait pour ces beautés à glisser à nos pieds, à nos bras, qui nous transforment en icônes vivantes.

PHOTOGRAPHIE RAYA FARHAT STYLISME ET RÉALISATION JOSÉE NAKHLÉ, SOPHIE SAFI

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Bague, CHLOÉ. Sandales, DOLCE & GABBANA. Pochette, DIANE VON FURSTENBERG.


Sac, GUCCI. Pantalon, DIANE VON FURSTENBERG. Sneakers, STELLA McCARTNEY.


Sac et pantalon, VALENTINO. Chaussures, CÉLINE.


Sac, PR ADA. Bottines, DIOR.


Sac et mules, MIU MIU.


Sac, CÉLINE. Mules, PR ADA.


Sautoir “Mon jeu” en ors rose et blanc, VHERNIER CHEZ SYLVIE SALIBA.

Pantalon et chaussures, PR ADA. Sac, RED VALENTINO.


Sac, NANCY GONZALEZ. Sandales, DOLCE & GABBANA.


Sac, CHLOÉ.


LEBANON 2 2 5 F o c h S t . , D o w n t o w n B e i r u t , Te l . + 9 6 1 1 9 9 1 1 1 1 E x t . 4 8 0 A ï s h t i B y t h e S e a , A n t e l i a s , Te l . + 9 6 1 4 4 1 7 7 1 6 E x t . 2 3 4


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ZOOM

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Amarna, Djed Clutch Limited Edition

AHMAD SABRY ET DAKI MAROUF, DEUX NOMS QUI FUSIONNENT EN UN SEUL : SABRY MAROUF, POUR SIGNER DES ACCESSOIRES INSOLITES ET D’UNE FASCINANTE RIGUEUR. CE N’EST PAS PAR HASARD QUE LES « A » DE LEUR LOGO FORMENT UN DELTA. P A R

F . A . D .

PHOTOS DR

ODE À UNE PHARAONNE


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Amarna, Scarab Male

Amarna, TUT Handbag

Ce tandem originaire d’Egypte est composé de deux lauréats du London College of Fashion. Par la suite, Sabry a passé un MA en artisanat de la mode et Marouf a décidé de se spécialiser, toujours dans la mode, en entreprenariat et innovation. Une manière de se partager les tâches, une fois définie leur vision commune. Avant de créer leur marque de sacs et accessoires en 2012, sous leurs deux patronymes, ces deux garçons déterminés ont passé deux ans à travailler avec les artisans du Caire, dans le passage historique de Khan el-Khalili. Cordonniers, dinandiers, graveurs, orfèvres, ébénistes leur ont révélé leur savoir-faire. Avec leurs récits et leur parler chantant, ils ont favorisé le développement d’une passion mais aussi d’un goût pour les histoires poétiques et inédites. Au bout de cette expérience et de cette immersion, Sabry Marouf gagnait son caractère unique. Le tandem s’installe à Londres en 2015. En 2016, la marque est déjà invitée par le British Fashion Council à présenter ses produits lors de la semaine de la mode londonienne à la prestigieuse Somerset House. Un peu plus tard, Sabry Marouf est sélectionnée par Vogue Italia parmi les meilleurs designers émergents de l’année et retenue pour défiler à la Milan Fashion Week. Un certain idéal féminin Derrière cette ascension fulgurante, il y a une appartenance et une forte identité égyptienne que l’on déchiffre d’emblée dans les deux deltas formant les « A » du logo. Mais rien de littéral dans cette revendication. Les créations proposées sont évolutives, organiques, poétiques, flexibles. Si elles intègrent le symbolisme et

le savoir-faire ancestral de l’Egypte pharaonique, elles sont aussi le produit des technologies de pointe. Une esthétique singulière qui reflète le mode de fonctionnement de ce duo surdoué dont l’imaginaire est guidé par une muse en laquelle s’incarne toute femme en attente d’un éveil, d’un départ, d’une révolution, d’un changement qui lui permettrait de prendre en main son destin en toute liberté. Antiquité et abstraction La nouvelle collection de sacs conçue par Sabry Marouf pour l’été 2018 se présente comme une série de sculptures abstraites enrobées de cuir espagnol, équipées d’anses en acajou et de fermoirs plaqués or. Baptisée « Amarna », elle s’inspire des volumes inédits créés par Thoutmès, sculpteur officiel du pharaon Akhenaton en 1350 av JC, auquel est attribué par ailleurs le célèbre buste en calcaire peint de Néfertiti exposé au Neues Museum de Berlin. Amarna est un site de Haute Egypte où se déploient les reliques de la cité fantôme d’Akhetaton, désertée après la mort d’Akhenaton et jamais plus habitée. L’art de Thoutmès se distingue par une désobéissance aux dogmes de l’époque et une ouverture à des formes totalement différentes et désinhibées, à la croisée du réalisme et de l’abstraction, inexistantes dans les œuvres connues de l’Egypte antique. Lisses et sensuels, énigmatiques et minimalistes, les sacs Amarna évoquent des visages et des bustes effacés par les sables dont ne demeure que l’essence et le mystère soulignés de belles matières. www.sabrymarouf.com


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PHOTOMATON

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UNE ÉTINCELLE Pas besoin de manifeste. Dorée à merveille, la peau se suffit à ellemême. On peut se contenter d’un coquillage, d’un tatouage, d’un délicieux frémissement qui fait une vague sur le duvet tout blond de soleil. On peut y ajouter un petit accent, une étincelle qui relève de son éclat tout le reste. R É A L I S AT I O N

JOSÉE

NAKHLÉ

PHOTOGRAPHIE

R AYA

FA R H AT

De gauche à droite de haut en bas: Boucles d'oreilles, RALPH MASRI. Bracelet, Mouawad. Collier, ROUHANA. Collier, BVLGARI. Collier, BUCCELLATI. Boucles d'oreilles, CARTIER. Bague, AURELIE BIDERMANN chez Sylvie Saliba. Bracelet, David Yurman. Collier, GEORGE HAKIM.


Aïshti By the Sea Antelias Aïshti Downtown Beirut

04 717 716 ext 248 01 991 111 ext 130


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STYLE

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LA FEMME « QU’IL FAUT » D’ABORD IL Y A CE LOGO SUPERBEMENT CALLIGRAPHIÉ EN TÊTE D’ORYX. ENSUITE CETTE ESTHÉTIQUE ANDROGYNE, CES MULTIPLES CONTRASTES, CES ÉTIQUETTES DÉCALÉES QUI ANNONCENT UNE IDENTITÉ EN PLEINE EXPLOSION, MAIS À LA MANIÈRE D’UN FEU D’ARTIFICE. LA CRÉATRICE SAOUDIENNE ARWA AL BANAWI EST UNE BELLE PIONNIÈRE. A

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PHOTOS SAEED KHALIFA, MODELED BY FARNOUSH

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Derrière cette nouvelle marque de prêt-à-porter féminin fondée dans la très conservatrice Djeddah, se cache une jeune femme qui a passé une grande partie de son enfance en Suisse. Ses nombreux voyages ont développé en elle une passion pour la mode après un départ radicalement opposé dans le domaine des investissements bancaires. Mais c’est peut-être aussi grâce à ce parcours qu’elle fait le constat d’un créneau manquant dans le marché de la mode : d’une ligne adaptée à la femme qui travaille, mais avec une allure contemporaine. Ce sera « The suitable woman », la femme « Qu’il faut », un « power dressing » un rien provocateur réalisée dès 2015, après un passage par le London College of Fashion de Dubaï. Hayatha La ligne automne hiver 2017 d’Arwa Al Banawi s’intitule « Hayatha » (« sa vie » en arabe). En amont de chaque collection, la créatrice imagine une histoire. Ici, elle dissèque les différents aspects d’une femme qui conquiert sa liberté et son rôle au sein de la société saoudienne où force et féminité ne vont pas ensemble. « Je veux que ma collection amène les femmes à penser qu’elles ont le droit de diriger et que c’est une bonne chose », souligne Al Banawi. Ses nouvelles créations se déclinent dans une palette de couleurs franches, presque industrielles : rouge cerise, bleu cobalt, blanc optique. Mais cette dureté est affinée par des motifs f loraux délicats dont l’objectif est de montrer qu’autorité et persévérance n’excluent pas la sensibilité. Une collection de

chemises à manches courtes ou longues assorties de messages, sert de fil conducteur. On y lit « The suitable woman », la femme qu’il faut, bien sûr, mais aussi un jeu de mot sur « suit », le costume ou l’uniforme que la femme est en droit d’endosser. Ailleurs, des mots calligraphiés en arabe indiquent : « J’ai étudié en Amérique » et reflètent la formation multiculturelle et la diversité que les jeunes femmes arabes reçoivent à l’étranger. Une autre manière de justifier une attitude décalée par rapport à la tradition ? Glamour subtil On trouvera aussi, pèle mêle, une veste de smoking rouge sang à grands revers ou un blazer blanc et lamé or prêts à quitter le bureau à une heure tardive pour enchaîner avec un dîner de travail. Des ensembles pyjama, des pantalons cigarette assortis de longs pagnes de couleurs contrastées, des robes chemises fluides à longueur de cheville, des bombers fleuris, l’originalité de tuniques à manche unique à nouer au dessus d’une robe longue, des robes peignoir ou des robes courtes en textures souples, souvent duelles, mi blanches ou pleine couleur, mi dorées, les bandes de couleurs électriques, les coupes androgynes, franchement carrées, on est en pleine réinterprétation, à travers une grille authentiquement arabe, de ces années 80 où la mode exprimait la conquête féminine de territoires professionnels réservés. Mais qui dit arabe dit forcément glamour, et c’est cette note traitée avec subtilité par Arwa Al Banawi que l’on retient d’une collection toute en rigueur et vigueur. www.arwaalbanawi.com


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PHOTOS TONY ELIEH


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LE MONDE DE...

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LES NÉONS DE LA REINE « CERTAINS PRÉNOMS SONT SI BEAUX » CHANTE THOMAS FERSEN, À PROPOS D’IRÈNE. IRÈNE CATTANEO A DÉPLACÉ LE « I » DU SIEN. SON LOGO SE LIT « REINE » AVEC UN PETIT SIGNE _+ AU MILIEU. SON ROYAUME EST DÉLICIEUSEMENT POP ET SES SUJETS DOUCEMENT FRAPPÉS. LES SACS PSYCHÉDÉLIQUES QU’ELLE INVENTE S’ALLUMENT ET CLIGNOTENT À LA DEMANDE POUR ENCHANTER LA NUIT. P

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Au départ, Irène Cattaneo se destine au marketing et passe une licence en économie et gestion à Bocconi, Milan. Mais c’est à Central Saint Martins, à Londres, qu’elle découvre sa vocation créative en passant un mastère en gestion de design. Ses études la déplacent de ville en ville à travers l’Europe et lui permettent de baigner dans un environnement dynamique et cosmopolite. Sa formation en marketing lui ouvre les portes de l’univers du luxe. Elle se retrouve en charge du marketing numérique et de l’achat de Louis Vuitton, à travers Belstaff à Milan, Londres et New York. C’est dans ces deux métropoles qu’elle vit désormais, grand écart transatlantique auquel sa nature flexible est parfaitement adaptée. Ce qui ne l’empêche pas de poursuivre ses pérégrinations à travers le monde, toujours en quête d’images, d’émotions et de nouvelles inspirations. Magie de la lumière C’est à Tokyo qu’Irène Cattaneo reçoit, si l’on peut dire, une illumination. Dans cette ville à la pointe des tendances, elle constate l’attraction que représente la lumière dans tous les domaines de la création, la mode, le design et surtout l’art contemporain qui a de plus en plus recours au néon. Elle a alors l’idée d’introduire ce matériau intangible dans une ligne de sacs, accessoire préféré des femmes. Elle met au point des circuits qui émettent de la lumière à travers de petit panneaux électroluminescents insérés dans des sacs, ce qui leur permet de briller ou de clignoter sur commande. Tout ce qui brille n’est pas or, mais c’est parfois mieux, et en tous cas plus amusant. Il ne reste plus qu’à lancer ce produit magique. C’est ainsi qu’en 2016 nait « Reine », la marque d’Irène. Sa ligne de sacs, baptisée Lumyx, fait aussitôt fureur. Psychedelia Le premier thème qui vient à l’esprit de la créatrice est le modernisme et le rétro-futurisme des années 60 et 70, décennies

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où l’avenir se rêvait en fusées, OVNI et planètes mystérieuses, mais qui furent également marquées par de nouveaux courants musicaux alimentés par le LSD et les champignons hallucinogènes. Cette période qui a connu un tournant et de grands changements dans le monde créatif l’inspire par dessus tout. Trois modèles Lumyx aux noms évocateurs célèbrent les motifs iconiques de l’époque : Pink Flamingo, Spaced Out et Magic Mushroom. Exotisme onirique « Quand je pénètre dans une serre et que j’y vois des plantes venues de contrées exotiques, je me sens dans un rêve », écrivait à peu près le Douanier Rousseau. Cette collection célèbre un exotisme naïf inspiré d’un récent safari d’Irène en Afrique et d’un « road trip » qu’elle a effectué en Amérique centrale. L’exotisme est avant tout pour la créatrice cette musique dont les mélodies, les rythmes et les instrumentations évoquent l’atmosphère particulière des terres et cultures lointaines. Elle décline sa vision en cinq modèles de sacs : Pink Elephantastic, Pineapple Express, Tropical Storm, Feather Dance et She’s My Tiger. Une nouvelle collection en préparation aura pour thème les signes du zodiac et la position des étoiles sur la carte du ciel. On suit Irène, on ne la lâche plus. Films cultes: J’adore les films où la frontière entre l’irréel et le réel est brouillée. Ce sentiment que l’on a lorsque l’on se réveille d’un sommeil agité et que l’on ne parvient plus à discerner le monde réel du monde rêvé. Mon préféré dans cette catégorie est «The Game » avec Michael Douglas et Sean Penn, 1997. Musique, chanteurs, musiciens préférés : Je ne peux pas imaginer ma vie sans musique. J’aime écouter


beaucoup de genres différents. Pete Doherty est mon préféré pour les textes, véritable poète des temps modernes - David August pour la musique. Séries addictives : Je ne suis pas fan des séries. Je voyage beaucoup et quand je suis dans une ville je préfère diner avec des amis. Si j’ai envie de regarder un film, j’aime le rite du cinéma. Artiste visuel préféré : Olaffur Eliasson, pour ses jeux des couleurs, lumière et matériaux. Un réalisateur : Wes Anderson - de loin mon préféré pour la scénographie, les personnages, la musique et l’intrigue. Toujours une surprise. Un acteur ou une actrice: Flexible et magnétique, inégalée : Meryl Streep – une femme que je respecte et admire aussi hors écran. Avec qui aimeriez-vous réaliser une collaboration ? James Turell. C’est son travail sur lumière et l’espace qui m’a inspiré le lancement de ma marque et m’a donné l’idée de capturer l’intangibilité de la lumière et de la placer dans l’accessoire féminin par excellence qu’est le sac. Ce serait un honneur de collaborer avec lui. Un ou une créatrice de mode : Paco Rabanne dans les 60s et 70s. Ses collections « Space age » sont une grande inspiration. Vacances idéales : Celles qui sont spontanées, dans un pays inconnu, avec une personne que j’aime et sans destination spécifique. Contre le stress : Danser – le seul moment où j’arrête de penser ! Allergique : Au mensonge. Sensible : A la fin des choses – j ai une relation très particulière à la notion de finitude. Je suis une personne très nostalgique. Spécialité culinaire : Je préfère les spécialités des autres aux miennes : pizza à la truffe et le matcha mochi glacé sont mes préférées depuis toujours. Plus beau compliment reçu : celui qui vous est adressé d’un simple regard, sans besoin des mots. C’est le compliment le plus honnête et le plus absolu. Qu’est-ce que vous fait peur ? Le potentiel non réalisé. Votre livre de chevet : Les Petits poèmes en prose de Baudelaire, une vraie expérience sensorielle qui couvre tous les thèmes qui me touchent: l’amour, le voyage, la solitude, la créativité, la passion et le temps qui passe. Un héros ou une héroïne: Barbarella, la reine de la galaxie ! Je rêve de ses aventures dans son monde cosmique et surtout de m’habiller comme elle ...


Un lieu : Le Japon, pays tellement riche à la fois en traditions et en innovations. Une culture qui a un sens aigu du détail tout en étant minimaliste. Cet esthétisme dans la soustraction m’a inspiré dans la création de ma marque et de mes collections. Une rue : Bowery Street à New York, où j’ai vécu longtemps et où j’ai beaucoup de souvenirs. Je m’y sens vraiment chez moi. Un bijou : Ma maman. Un restaurant, pub , hôtel: L’exotique MO à Bankok , premier Mandarin hôtel depuis 1876 ... Il donne sur le fleuve Chao Praya. C’est une expérience inoubliable qui réveille tous les sens. S’y ajoute le charme du passé. Dans dix ans ? Réalisée et accomplie mais toujours à la recherche de quelque chose de nouveau et de différent pour exprimer ma créativité en laissant libre cours à ma curiosité REI±NE est disponible chez Aïshti


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ZOË LE BER

GROS PLAN SUR PORQUEROLLES Née dans le Var, la réalisatrice de fictions et de documentaires cherche la discrétion en se réfugiant sur ce rocher paradisiaque au large de la presqu’île de Giens. Des lieux qu’elle fréquente depuis sa prime jeunesse. PAR KAREN ROUACH

PHOTOGRAPHIE JEAN-VINCENT SIMONET

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Robe combinaison en jersey de coton imprimé, MIU MIU. Chapeau vintage. Page de gauche : robe courte ceinturée en crêpe de Chine, MIU MIU.


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i vous cherchez Zoë Le Ber, il se pourrait bien que vous la trouviez tout simplement en train de marcher, quelque part sur Porquerolles, l’une des îles d’Or avec le Levant et Port-Cros. Hors saison, bien sûr, car la jeune réalisatrice fuit le monde et ses apparitions publiques se font rares. L’île recèle quelques adresses au charme suranné et au luxe discret. Quand elle n’est pas au Domaine de l’Île, où son père “fait du vin”, Zoë aime à aller dîner en fin de soirée au Mas du Langoustier. “Je suis attirée par les lieux désuets et hors du temps. Je n’ai rien contre la modernité, mais je trouve cela rassurant de revenir dans un endroit que l’on connaît bien. Ici, je déconnecte, c’est comme une cure d’un monde trop rapide.” Sur la place du village, lieu de rendez-vous des îliens, elle rit encore de ce jour où son père a acheté en cachette tout le stock de magazines Lui au kiosque à journaux, de peur que les gens du coin n’y voient sa fille dénudée, photographiée pour l’occasion dans son appartement à Paris par Olivier Zahm. Née en face, à Hyères – faute d’hôpital sur l’île – de parents parisiens, elle passera toutes ses vacances à Porquerolles. “Cette île est mon berceau. Grâce à elle, j’ai un rapport très fort à la nature et je pense que cela se ressent dans mon travail.” Elle grandit également en Bretagne, puis à Marseille, et pose finalement ses bagages à Paris à 18 ans, pour étudier le droit et les sciences politiques à la Sorbonne puis suivre des cours d’art dramatique au Conservatoire. Ce jour-là, elle vient juste de rentrer de Birmanie où elle a tourné son dernier court-métrage, et s’adonne à l’écriture de son premier long, la suite de son documentaire Transit, qui partait à la rencontre des migrants sur l’île de Kos. À une trentaine de minutes en bateau – Zoë a le pied marin – nous arrivons au Parc national de Port-Cros, créé par André Malraux, un lieu encore plus sauvage, avec le même but d’échapper au temps. À l’hôtel Le Manoir, elle commande avec évidence un jus d’ananas. “J’ai tourné ici récemment. C’était très difficile d’écrire et de réaliser un projet qui ne soit pas cliché et qui respecte l’endroit.” Il faut dire que la barre est haute : à Porquerolles, Jean-Luc Godard a tourné Pierrot le fou, tandis que Georges Simenon y a écrit un grand nombre de ses romans. Mais la région a l’air de porter chance aux artistes…

Manteau en laine, velours et jacquard, robe longue en coton, Kenzo.

À PORQUEROLLES, JEAN-LUC GODARD A TOURNÉ “PIERROT LE FOU”, TANDIS QUE GEORGES SIMENON Y A ÉCRIT UN GRAND NOMBRE DE SES ROMANS


SES BONNES ADRESSES

Le Domaine de l’Île, vignoble Le Ber, Porquerolles. Le restaurant La Plage d’Argent, chemin de la Plage-d’Argent, Porquerolles. Bar Le Côté port, rue de la Douane, Porquerolles. Le glacier Coco Frio, 5-7, rue de la Ferme, Porquerolles. Boutique des Isles, 5, rue du Phare, Porquerolles. L’hôtel Le Mas du Langoustier, Porquerolles. L’hôtel-restaurant Au Porquerollais, 7, place d’Armes, Porquerolles. L’hôtel-restaurant Villa Saint-Anne, 24, place d’Armes, Porquerolles.

Hôtel Le Manoir, route du Barrage, Port-Cros. L’Hostellerie Provençale, Port-Cros. L’Aquascope de PortCros, pour découvrir la faune et la flore sous-marines. Restaurant La Sauvageonne, route de Bonne-Terrasse, Ramatuelle. Le musée de l’Annonciade, place Georges-Grammont, Saint-Tropez. Les sandales tropéziennes Rondini, 18, rue Georges-Clemenceau, Saint-Tropez. Les vins du Château Barbeyrolles, Gassin.

Robe en jersey de coton imprimé, Miu Miu. Chapeau et chaussures personnelles.


Stylisme : Rémi Meunier Coiffure et maquillage : Charlotte Dubreuil Assistant stylisme : Damèse Savidan

PHOTOS BENOÎT LINERO

Manteau en laine, velours et jacquard, robe longue en coton, KENZO.


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“Sur le pointu de mon père, avec mon frère Arthur, Naima et Ahmed. On a grandi ensemble.”

ZOË LE BER EN 5 DATES

1988 : naissance à Hyères. 2006 : s’installe à Paris 2010 : premier courtmétrage, Ascension. 2015 : premier documentaire, Transit. 2016 : réalisation de With Yuri à New York.

“J’ai toujours aimé me laisser porter sur un bateau en me cramponnant à la proue. On a l’impression d’être mi-poisson mi-oiseau.”

www.zoe-leber.com

Photos DR

“À Porquerolles, quand on est enfant, on vit souvent nu, avec un bandana pour se protéger du soleil.”

“J’ai toujours été un peu rêveuse, au point que l’on croit parfois que je tire la gueule.” “Depuis toute petite, je suis passionnée par la photographie. Je fais principalement de l’argentique qui reste, selon moi, le meilleur processus chimico/magique de captation du monde.”


JULIETTE DOL

MONACO EN TECHNICOLOR Jeune, elle a baigné dans le milieu artistique monégasque avant de se consacrer à l’équitation. Aujourd’hui, exilée à Paris, elle revient volontiers à Monte-Carlo où, entourée de ses amis, elle peaufine ses rôles de comédienne à suivre tout en écrivant des scénarios. PAR KAREN ROUACH

PHOTOGRAPHIE JEAN-VINCENT SIMONET


Photos DR

Blouson en nylon et col en vison, MIU MIU. T-shirt personnel. Pantalon en crêpe de laine et soie mélangée, FENDI. Page de gauche : Bracelet en métal et résine, CHANEL. Lunettes de soleil personnelles.


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-shirt nonchalamment rentré dans son jean taille haute et Vans dix ans d’âge aux pieds, Juliette Dol n’est pas exactement l’idée que l’on pourrait se faire de la Monégasque. Pourtant, elle est sur le Rocher comme à la maison : le prince Albert II l’appelle “Juju”, elle ne sort que très rarement sans son amie d’enfance Charlotte Casiraghi et fait partie du décor dans les meilleurs spots de la principauté. Fille du danseur et chorégraphe Jean-Christophe Maillot, directeur des Ballets de Monte-Carlo, elle a grandi entre Nice et Monaco dans un environnement artistique, duquel elle tire tous ses souvenirs. “Un soir, ils jouaient Roméo et Juliette sur la terrasse de l’Opéra quand, d’un coup, on a entendu ‘Allumeeeer le feu’ : Johnny Halliday était en concert en même temps. Mon père est devenu fou !” À quelques mètres, la boutique des Ballets – lieu historique tenu par un ancien danseur – l’accueille à bras ouverts. Elle y achète toutes ses tenues de yoga et y fait le plein de joggings à chaque passage. Pas du genre à traîner ses escarpins au restaurant le Louis XV, Juliette nous emmène plutôt au Zinc, un petit PMU tenu par un ami, où elle commande un pastis, sa boisson préférée, avant de poser avec Alban, ex-acteur porno de l’époque Brigitte Lahaie devenu mascotte du quartier… Quand elle n’est pas aux Perles de Monte-Carlo, un restaurant de fruits de mer du quartier de Fontvieille, “typique et sans touristes, où l’on mange des huîtres 100 % monégasques”, on la retrouve au Tip Top, connu pour son croque-monsieur, “le meilleur remède contre la gueule de bois”. Juliette apprécie les extrêmes. Quand elle plonge, c’est toute vêtue de Chanel dans la piscine du Monte-Carlo Beach ou bien complètement nue dans la mer, jusqu’à ce que la police lui demande de se rhabiller. Avec Charlotte, elles aiment également à passer voir les nouveautés de MercedehShoes, un magasin de chaussures et accessoires kitsch et plutôt hors de prix. “La dernière fois, Maurice, mon chien, a même essayé un sac à dos.” Petite, Juliette se rêvait cavalière professionnelle. À 15 ans, elle part pratiquer l’équitation dans une écurie en Allemagne pendant un an, avant de se diriger vers une école de théâtre, et donc vers Paris. À Saint-Germain, où elle habite désormais, elle n’est plus la “fille de” ni “la meilleure amie de”, mais simplement Juliette Dol (le nom de sa mère), comédienne à suivre. “Je suis

Blouson zippé en tweed, CHANEL. Marinière en coton, BURBERRY. Jean en denim de coton, LEVI’S. Casquette personnelle.

venue à Paris pour me détacher de tout ça, repartir à zéro. C’est la meilleure chose qui pouvait m’arriver et d’ailleurs, maintenant, j’adore revenir dans le Sud.” Elle commence sa carrière avec un rôle dans une série télévisée pour ado, La vie est à nous, puis réalise des documentaires et spots publicitaires avec le collectif Swoon Productions, avant de partir tourner neuf mois en Bulgarie pour la série de Canal+ Section zéro. On la retrouve cette année dans le rôle principal de la série Yes I Do (à voir en streaming sur Studio+). Son été, elle le passera certainement sans le Sud, à écrire son premier scénario : “Je vous prépare une surprise…”

QUAND ELLE PLONGE, C’EST TOUTE VÊTUE DE CHANEL DANS LA PISCINE DU MONTECARLO BEACH OU BIEN COMPLÈTEMENT NUE DANS LA MER


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SES BONNES ADRESSES À MONACO

Le restaurant les Perles de Monte-Carlo, quai Jean-Charles-Rey.

Le magasin de chaussures Mercedeh-Shoes, 17, av. des Spélugues.

Le restaurant Mozza, 11, rue du Portier.

L’Hôtel Metropole, 4, av. de la Madone.

Le restaurant Quai des Artistes, 4, quai Antoine-Ier.

L’Opéra de Monte-Carlo, place du Casino.

Le bar Le Zinc, place d’Armes.

Les Thermes marins de Monte-Carlo, 2, av. de Monte-Carlo.

Le bar Stars ’N’ Bars, 6, quai Antoine-Ier.

La Roseraie Princesse Grace, av. des Papalins.

Le bistrot Tip Top, 11, av. des Spélugues.

The Monaco Open Air Cinéma, av. de la Quarantaine.

Le club Le Twiga, 35, bd Louis-II. Le magasin de vêtements K11 Concept Store, 25, av. de la Costa.

Le restaurant La Vigie, av. Princesse-Grace, à Roquebrune-Cap-Martin.


Pantalon en velours, ERMANNO SCERVINO. Stylisme : Rémi Meunier Coiffure et maquillage : Charlotte Dubreuil Assistant stylisme : Damèse Savidan


Juliette Dol au championnat de France d’équitation de 2003, avec son cheval Lucky-Lao.

JULIETTE DOL EN 5 DATES

1986 : naissance à Tours. 2001 : championne de France d’équitation. 2008 : rôle dans le court-métrage de Karl Lagerfeld Paris-Moscou pour Chanel. 2013 : rôle dans le court-métrage Ivresse de Guillaume Canet. 2017 : rôle principal dans la série Yes I Do.

Sur une plage de la Côte d’Azur.

Instagram : @juliettedol

Juliette à 3 ans.

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Lors d’un concours international de danse à Grasse.

Avec son père Jean-Christophe Maillot, à Monaco en 1986, lors de sa première création pour les Ballets de Monte-Carlo.


UNE COLLECTION COMPLÈTE DOIT S’ADRESSER À TOUS LES TYPES DE FEMMES, DANS TOUS LES PAYS » LIT-ON DANS L’AUTOBIOGRAPHIE DE CHRISTIAN DIOR, « CHRISTIAN DIOR ET MOI ». VOILÀ QUI OUVRAIT DÉJÀ GRAND L’HORIZON À MARIA GRAZIA CHIURI, LA DIRECTRICE ARTISTIQUE DE LA MAISON, À LA VEILLE DE DESSINER LA COLLECTION HAUTE COUTURE AUTOMNE HIVER 2018 . P A R

F. A . D .

PHOTOS ETHAN JAMES GREEN

LE MONDE DANS LE REGARD DE MONSIEUR DIOR


HAUTE COUTURE

Tous les types de femmes, dans tous les pays ». Il était déjà très ambitieux de s’imposer une telle consigne. Mais à cela s’est ajoutée la découverte dans les archives Dior d’une gravure d’ Albert Decaris datant de 1953 qui représente une carte des cinq continents et sur laquelle est indiquée l’expansion de la marque à travers le monde. Pour couronner le tout, Christian Dior célèbre cette année son soixante-dixième anniversaire, et la rétrospective consacrée à la maison est d’une majesté qui fait à elle seule événement. Pour Maria Grazia Chiuri, le défi est de taille. Elle le résout en s’alignant avec autant d’humilité que de créativité sur le vocabulaire artistique et la vision du fondateur. Dépasser les frontières Partir de l’atlas, ses lignes sinueuses, ses océans, ses déserts, ses jungles, ses sommets, ses plaines, ses terres habitées ou inhabitées. Découvrir le monde pour se découvrir soi-même, voilà qui sert de leitmotiv à la directrice artistique de la marque dont l’aura n’a pas fini d’incarner le meilleur de la France et de son art de vivre. Voyager, c’est ressentir une émotion, grandir, évoluer. Maria Grazia Chiuri est elle-même confrontée à cette nouvelle vie qu’impose un déplacement durable dans l’espace et les cultures. Dans son cas, quitter Rome pour Paris, et même explorer l’héritage Dior, c’est déjà se confronter avec un au-delà de soi. Turbulente comme les premières exploratrices qui étaient capables de dépasser les frontières géographiques et mentales, elle est attirée par ces héroïnes et leur manière

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d’utiliser les éléments de la garde-robe masculine en les mélangeant à des pièces ethniques. Ces tissus d’homme, transformés grâce à la sensibilité de la créatrice et aux nouvelles technologies en surface chatoyantes, en clair-obscur, s’invitent sur les vestes, les manteaux, les chemisiers, les combinaisons, qui ressemblent à de petits blousons d’aviateurs et s’ouvrent en jupes culottes plissées. Tandis que le feutre masculin de Steven Jones, modiste de Dior depuis vingt ans, s’inspire de celui d’exploratrices telles que Freya Stark. Entre la terre et la voute céleste Le parcours de ce retour aux origines devient, pour Maria Grazia Chiuri une topographie des émotions : les couleurs, les fleurs ou les jeux de tarot brodés deviennent eux-mêmes comme des atlas sur des capes et des robes de soirées en tulle et en soie grises poudrées de rose, ou dans les couleurs nocturnes du velours. Cette féerie, renvoyant à une cartographie imaginaire qui invente et renverse notre point de vue, nous rappelle les tableaux de ces intérieurs tapissés d’atlas muraux et de mappemondes. Ils nous racontent la puissance de l’errance littéraire au féminin, pétrie d’explorations culturelles et stylistiques. Pietro Ruffo, artiste avec lequel Maria Grazia Chiuri partage un lien créatif, a imaginé pour le décor du défilé une voûte céleste et une représentation de la terre peuplée d’animaux stylisés, tracées d’un geste poétique.

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Caramel Calf and Multitone Needlepunch Barcelona Bag, 2017

loewe.com Aïshti by the Sea, Antelias


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BEAUTE

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POUDRES DE PERLIMPINPIN LAQUELLE DE NOUS NE S’EST PAS FAUFILÉE DANS LE BOUDOIR MATERNEL ? LAQUELLE NE S’EST PAS POUDRÉ LE NEZ EN CACHETTE, NE S’EST PAS ASPERGÉE DE PARFUMS DIVERS, SCHLINGUANT LA COCOTTE ET PRENANT L’AIR DE RIEN ? LAQUELLE N’A PAS CONFONDU FARD ET PHARE, SE PEIGNANT LES PAUPIÈRES DE COULEURS CRIARDES ET CLIGNOTANTES POUR FINIR BARBOUILLÉE, ADORABLE MARTYRE SUR L’AUTEL DE LA BEAUTÉ DÉVASTÉE ? C’EST LE MOMENT DE RECOMMENCER. EN MIEUX. PAR F.A.D

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COLLAGE SOPHIE SAFI


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BEAUTE

Vernis à lèvres, YVES SAINT LAURENT.

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BEAUTE

Poudre Bronzante "Sunrise", GIORGIO ARMANI.

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BEAUTE

Palette des essentiels maquillage teint & regard "Midnight in Paris", LANCÔME.

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BEAUTE

Eau de parfum "Sky di Gioia", GIORGIO ARMANI.

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nancygonzalez.com

Aïshti, Downtown Beirut 01.99 11 11

Aïshti by the Sea, Antelias 04. 71 77 16


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ANATOMIE D’UN HIT BEAUTÉ

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LA LOTION ESSENCE DE ROSE DE DIOR PRESTIGE La maison parisienne innove avec un nouveau soin de jour, prélude indispensable d’un rituel de beauté qui rend sa vitalité à la peau.

Origines Au cœur de sa formule ultrafraîche et sensorielle, on trouve la désormais célèbre rose de Granville – une fleur sauvage vivace découverte près de la demeure normande de Christian Dior, véritable pièce maîtresse de l’enseigne. Forte d’un actif au pouvoir de régénération considérable, ce précieux végétal s’épanouit aujourd’hui dans les jardins Dior, écrin d’exception niché au cœur de la vallée de la Loire, où huit cents rosiers sont cultivés biologiquement sans engrais chimique.

MÉLANIE

MENDELEWITSCH

Texture Une lotion légère et soyeuse, rencontre au sommet entre l’essence et la texture lactée. Dotées de puissants actifs nourrissants, ses cellules de rose de Granville protègent des agressions externes et de la pollution tout au long de la journée, optimisent les effets antivieillissement des soins appliqués juste après, et donnent un coup de boost à la circulation intercellulaire, pour un effet “coup d’éclat” immédiat. Un duo extra-performant Grâce à La Lotion Essence de Rose, Dior Prestige

renoue avec les fondamentaux d’une routine beauté simplifiée et réduite à deux essentiels complémentaires : une lotion hydratante et multifonctions, qui vient renforcer l’effet du soin qui s’ensuit, duo élégant au packaging doré minimaliste qu’on se plaît à exposer. Selon son type de peau, on l’associe à La Crème Texture Essentielle ou La Crème Texture Légère, idéales pour la belle saison. La Lotion Essence de Rose de Dior Prestige, 150 ml. www.dior.com

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PAR


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BIJOUX

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TABBAH, L’ATELIER DU RÊVE CINQ GÉNÉRATIONS ET L’AVENTURE CONTINUE. FONDÉE EN 1862 PAR JOSEPH TABBAH, FILS DE SÉRIGRAPHE RECONVERTI DANS LA JOAILLERIE, LA MAISON TABBAH EST ÉTABLIE À BEYROUTH DEPUIS 1945. FORTE D’UN SAVOIR-FAIRE TRANSMIS D’ARTISAN À ARTISAN, LA GRIFFE JOAILLIÈRE S’ENORGUEILLIT D’UNE RÉPUTATION MONDIALE ET D’UNE PÉRENNITÉ EXCEPTIONNELLE SUR LE MARCHÉ DU MOYEN-ORIENT. A

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Salon privé de vente de la Maison Tabbah.

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Rue Allenby, au centre-ville de Beyrouth, l’enseigne ne passe pas inaperçue. Dans ce quartier élégant, à un jet de pierre de son lieu d’origine dans le vieux souk de Bab Idriss, la joaillerie Tabbah a retrouvé sa place et reconstitué son décor presque à l’identique si ce n’était en plus grand, plus beau, plus lumineux, plus contemporain. Annoncé par une enfilade de vitrines encadrées d’arabesques signature, le vaste espace rythmé de bois clair, ouvert en 2014, invite dans ses murs raffinement et tradition. Dans les lambris s’ouvrent des alcôves vitrées où flamboient en alternance les créations de Nabil Tabbah et celles de son fils, Nagib Tabbah, porteur du nom du fondateur de cette grande institution familiale telle qu’elle se présente aujourd’hui. Occupant une belle partie de la joaillerie, un salon privé, retiré derrière une porte coulissante, accueille des rencontres qui feront date dans la vie de tout client ou cliente venus commander un objet précieux personnalisé. Ici prennent forme, entre ébauches, affinement de l’idée, ajustements et conversations feutrées, entre champagne et macarons, ces bijoux exclusifs où se matérialise une passion, une émotion, une victoire, un instant d’infini. Une dynastie de graveurs C’est au XIXe siècle, dans la ville de Zahlé qui domine la Békaa, carrefour stratégique sur la route de la soie, que la famille Tabbah fonde son activité initiale. Ici s’arrêtent les convois de soie brute en route vers l’hinterland où la marchandise est livrée de ville en ville, jusqu’au cœur de l’Europe et aux confins de l’Asie. Les Tabbah, comme leur nom l’indique en arabe, sont imprimeurs textiles. Cela signifie qu’ils gravent eux-mêmes leurs tampons et signent de leur empreinte le chatoiement digne de ce précieux tissus que célèbre la littérature romantique. Dès 1862, cependant, la mécanisation commence à submerger les métiers artisanaux. Les commandes s’étiolent et les Tabbah doivent se reconvertir. De graveur à orfèvre, il n’y a qu’un

pas. C’est l’aïeul Joseph Tabbah qui prendra l’initiative de le franchir, en véritable maître du ciselage et des complications calligraphiques. Très vite, son art du filigrane s’applique au bijou, et c’est ainsi que la dynastie trouve sa vocation définitive dans l’art de la joaillerie. Un bracelet Art-Déco datant de 1925, en platine et diamants, témoigne de ce brillant savoir-faire. L’âge d’or, avec Nagib Tabbah Sr. Nouvellement indépendant, le jeune Etat libanais fait de sa capitale, Beyrouth, le point de mire de la Méditerranée orientale. Avec sa passion de la liberté, sa culture à la croisée de l’Orient et de l’Occident, son raffinement gastronomique, sa joie de vivre et son sens de la fête jamais démentis, la ville rayonne. Touristes et investisseurs affluent, annonçant précocement les Trente glorieuses à venir. Nagib Tabbah, petit-fils de Joseph, établit à Bab Idriss, dans le quartier marchand traditionnel à une encablure du port, une joaillerie au décor luxueux doublée d’un atelier où s’affairent plus de 50 artisans. L’ADN s’affirme et les cartouches gravés par les sérigraphes servent encore de référence aux ciseleurs et orfèvres de la Maison. La délicatesse des bijoux Tabbah n’a d’égal que leur complexité. L’enseigne est célébrée dans toute la région et fidélise la clientèle la plus prestigieuse. Plus qu’une signature, Tabbah est un symbole de raffinement, de glamour et surtout de rigueur et de fiabilité. Parmi les créations de cette époque figure une épée et un baudrier sertis de pierres précieuses, offerts en 1957 par le roi d’Arabie saoudite Abdul Aziz al Saoud au Président Eisenhower. Ce présent exceptionnel fait partie de l’exposition permanente du Washington Museum. Maître du maillage et spécialiste de la chaîne alvéolée, Nagib Tabbah ne recule devant aucune complication technique. Son sens avant-gardiste du marketing le pousse, en 1962, à accueillir en visite privée un groupe de Miss européennes qui seront photographiées portant ses créations. En 1970, dans la foulée


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Collier, “Galaxy of Light”.

Nabil Tabbah, Monaco, la passion des gemmes, et l’expansion internationale La guerre civile surprend le Liban en 1975. En 1976, le centreville de Beyrouth est entièrement détruit. Nagib Tabbah ne baisse pas les bras et relocalise son atelier dans une région relativement épargnée. Le travail se poursuit dans des conditions difficiles. Son fils Nabil, issu de la quatrième génération, décide de partir avec sa famille pour Monaco en quête d’une expansion internationale. Le moment est venu pour Tabbah de sortir de ses murs et se rapprocher de sa clientèle étrangère. Grand lapidaire, Nabil Tabbah est précédé de sa réputation. En 1978, il ouvre une boutique à Monte Carlo. Deux ans plus tard, la griffe est lauréate du Grand Prix Triomphe de l’Excellence européenne qui récompense savoir-faire et qualité. C’est le sculpteur César, président de la cérémonie, qui remet le trophée à Nabil Tabbah. Passionné de pierres précieuses, ce dernier se distingue déjà parmi les acquéreurs mondiaux des gemmes les plus rares. Il aura l’occasion d’acheter et de sertir des pierres historiques telles que, parmi d’autres, les diamants « Zale Light of Peace », « Red Cross », « Blue Lily », «Jonker » et « Ashberg ». Dans cet élan,

il lance la ligne« Béret », collection minimaliste et modulable, facile à porter, inspirée de la mer et du pompon porte-bonheur des marins. Celle-ci est suivie d’une série de montres exclusives baptisée « Saga ». Une nouvelle enseigne Tabbah s’ouvre au pied de l’Hôtel de Paris. Le marché des années 90 est avide de bijoux rares. Ceux de Tabbah, comme en témoigne Christie’s, font partie des plus recherchés. Fasciné par cet univers privilégié, par le secret des ateliers et cette ascension à laquelle il assiste depuis son enfance, Nagib Tabbah junior, fils de Nabil, est impatient de jouer son rôle. Nagib Tabbah Jr, nouvelles collections et retour aux sources Le Liban renaît à peine de ses cendres quand, en 1993, décède Nagib Tabbah. Son fils, Nabil, décide de renforcer la présence de la Maison dans son pays d’origine après vingt ans d’expérience en Europe. Au seuil de l’âge adulte, Nagib Tabbah Jr, qui porte le nom de son grand-père, est prêt à rejoindre la cordée. Il passe plusieurs mois à New York, au Gemmological Institute of America pour y affiner sa connaissance du métier. Il a vu les techniques évoluer, l’atelier bénéficier de machines de plus en plus performantes, créer des méthodes de plus en plus efficaces. Il sait que rien ne remplace la main, la sensibilité ni le savoirfaire d’un artisan, et que l’équipe restée sur place est l’âme de la Maison. Tandis que son père préside la confection sur-mesure et donne libre cours à sa passion des pierres, Nagib Tabbah Jr fonde la « Designer collection ». Celle-ci s’inscrit dans un

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d’une dynamique locale et régionale de quête d’identité et de retour aux sources, il lance sa collection « phénicienne », première ligne conceptuelle de la Maison. Les stars continuent à affluer vers l’enseigne qui les polarise. Ginger Rogers laisse un petit mot admiratif.


créneau plus jeune et fidélise une clientèle appelée à rejoindre les rangs des collectionneurs du futur. A la veille de fêter son 150e anniversaire, en 2015, et le 30e anniversaire de la création du « Béret », Tabbah a déjà de nombreux fleurons à sa couronne dont le moindre n’est pas le collier inspiré de la mer et des embruns offert par SAS Albert de Monaco à son épouse la princesse Charlene. A l’ouverture de son nouvel espace de la rue Allenby, la Maison s’enorgueillit d’une somptueuse collection de bijoux de créateur conçue par Nabil Tabbah, ornée de pierres de couleurs et célébrant le « Jardin d’Eden ». Parallèlement à ces créations exclusives, de nombreuses lignes au design épuré, imaginées par Nagib Tabbah Jr, notamment la collection Copacabana, bracelets en cuir exotique à motifs précieux interchangeables, font fureur. Fort de ce succès, le jeune joaillier se lance dans des créations plus complexes, telles que les « Daisy Love », marguerites articulées serties de diamants qui ne sont pas sans rappeler, tout-à -fait fortuitement, un modèle créé par son grand-père. Une boutique dédiée au « Béret » s’ouvre en 2016 dans le complexe de luxe et d’art contemporain Aïshti by the Sea, au nord de Beyrouth. Au « saint des saints » Les baguettes magiques n’existent pas. Il faut du temps à la magie pour se faire, et ce temps ne s’écoule vraiment qu’au sein des ateliers. Dans la zone du port de Beyrouth où se situait l’ancienne

d’Or.of Light”. Collier,Livre “Galaxy Collier, “Galaxy of Light”.

Quarantaine, il faut suivre les flèches « Métiers d’art ». Elles vous conduisent à un bâtiment industriel étrangement enveloppé de silence. Ici travaillent en permanence près de 90 artisans, entre façonnage, taille, sertissage, moulage et polissage au fil. Certains chefs d’atelier ont été recrutés par le grand-père de Nagib Tabbah en qualité d’apprentis, à peine adolescents. Ils sont de véritables maillons de transmission de ce savoir-faire familial de plus de 150 ans. Dans le tourbillon des meules, les diamants baguettes sont retaillés en courbes, plateau et culasse compris, pour venir se poser autour du chaton arrondi d’une bague. L’articulation d’un collier nécessite plusieurs essayages pour s’adapter avec douceur et fluidité à la ligne d’un cou, à la saillie d’une clavicule. De même pour les boucles d’oreilles, également travaillées sur des moulages pour épouser un lobe à la perfection. Les pièces coulées en petites séries côtoient les pièces exclusives forgées et gravées et bénéficient des mêmes soins délicats. Nagib Tabbah Jr confie porter lui-même certaines bagues, avant leur livraison, pour s’assurer de leur qualité de confort. L’aisance fait partie des exigences de la Maison. Aucune aspérité n’est admise, tout doit glisser, se faire caresse, se laisser oublier, resplendir sans peser. La magie n’est pas ailleurs que dans cet impératif de qualité auquel s’engagent des hommes et des femmes qui répètent les mêmes gestes avec une patience et une fascination de méditants, vérifient et recommencent, héritiers d’une tradition d’excellence qu’ils contribuent à transmettre.

Pierres historiques de la Maison Tabbah.


LES « SERPENTI INCANTATI » DE BVLGARI

Véritable charmeuse de serpents, la maison Bulgari ne cesse de réinventer cette créature aussi réelle que légendaire. Porte-bonheur, symbole de vie et de sensualité, le serpent s’enroule cette fois en tourbillons précieux d’or, de rubis et de diamants autour du cadran d’une montre, la « Serpenti Incantati ». PAR F.A.D.

Montre “Serpenti Incantati”, 30 mm, en or rose avec diamants (1.38 ct), rubellites (2.08 ct), snow–set pavé avec diamants (0.26 ct), bracelet en satin marron avec boucle en or rose avec diamants (0.33 ct). BVLGARI.,140 Rue Al Moutran, Beirut.

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Le serpent glisse voluptueusement autour du poignet et entoure le cadran, posant nonchalamment sa tête à 6 :00 dans l’axe de sa queue qui pointe midi ou minuit, selon l’humeur. La montre Serpenti Incantati se décline en six interprétations de haute horlogerie. Ce garde temps précieux et raffiné témoigne de la haute technicité des maîtres artisans de Bulgari. La finesse et la qualité du sertissage, la manière dont les pierres sont ajustées et assemblées sont tout aussi remarquables que la souplesse du bracelet. Reflet de la flexibilité et du sens du mouvement propres à Bulgari, celui-ci se prête spontanément à toutes les contorsions.

Les nouvelles montres joaillières Serpenti Incantati sont réalisées en plusieurs versions dont le modèle pavé et le Skeleton tourbillon à mécanisme transparent, serti de rubellite sur or rose avec, au choix, un bracelet en satin ou un bracelet bijou. Une autre variante de cette version est proposée en or blanc serti de diamants avec le même choix de bracelets. Le cadran est de 30mm pour la Skeleton tourbillon, avec un mouvement mécanique doté d’une réserve de 64h et une étanchéité à 30m. Chaque version est réalisée en série limitée, à 50 pièces pour l’or rose et 30 pièces pour l’or blanc.


L’OFFICIEL

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SI PRÉCIEUX 134

Bague “Band Ring” en deux ors gravés et diamants, Buccellati.

Bague “Serpenti Seduttori” en or blanc et pavé de diamants (0.79 ct), Bvlgari.

Bague “Diamonds Ledger” en or blanc et diamants, Cartier.

BLANC DE BLANC

Bague “Chaîne d’ancre Punk” en or blanc et diamants, Hermès.

RÉALISATION EMILY MINCHELLA, STÉPHANIE MISSIRIAN

Bague en or gris, laque et diamants, collection “Blossom”, Louis Vuitton.

Bague “Pave Pinky” en or blanc et diamants, David Yurman.

Bague “Phoenix” en or blanc et diamants, Tabbah.

Bague en or blanc sertie de diamants, Mouawad.

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De l’or, quelques diamants, de nombreuses possibilités. Toutes merveilleuses.


CABIRIA, CHARITY, CHASTITY A FILM BY NATASHA LYONNE

Cabiria, Charity, Chastity follows Chastity, on a surreal journey through a parallel plane, as she realizes that in order to face her future, she must first reconcile her Vaudevillian past. NOW SHOWING AT KENZO.COM/CHASTITY

KENZO FILM SERIES #5

AÏSHTI BY THE SEA, ANTELIAS FAKHRY BEY STREET, BEIRUT SOUKS, DOWNTOWN BEIRUT


HAUBANS ET DIAMANTS

PAR

HERVÉ

DEWINTRE

Collier “Endless Knot” en or blanc serti d’un diamant taille rond, 2 diamants taille poire, 2 637 diamants taille rond et 106 diamants taille rose, collection “Flying Cloud”, Chanel.

PHOTOS CHANEL, COLLECTION PRIVÉE

LES ATELIERS DE HAUTE JOAILLERIE CHANEL ONT COMPOSÉ AVEC “FLYING CLOUD” UNE COLLECTION VIRTUOSE ET SOLAIRE, DÉDIÉE AUX HEURES HEUREUSES PASSÉES PAR LA CÉLÈBRE COUTURIÈRE SUR LE YACHT DU DUC DE WESTMINSTER. ATTENTION, CHEF-D’ŒUVRE.


L’OFFICIEL

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a haute joaillerie se porte bien, merci. C’est même aujourd’hui l’un des principaux relais de croissance pour les grands groupes de luxe, prêts à acheter à prix d’or les rares maisons de joaillerie encore indépendantes. La vogue de ce secteur s’explique, dans une certaine mesure, par la valeur d’investissement des pièces proposées : les prix faramineux auxquels s’envolent les joyaux vintage dévoilés lors des ventes aux enchères publiques le prouvent. Mais ce facteur n’explique pas tout. Une pièce de haute joaillerie est aussi l’exaltation d’un artisanat fragile, d’un art de vivre précieux, l’évocation d’un patrimoine et d’une histoire : des valeurs auxquelles les clientes en quête de sens sont plus que jamais sensibles. Ces critères sont réunis dans la haute joaillerie Chanel qui, il faut bien le reconnaître, a le sens de l’Histoire. Chacune des pièces imaginées et ciselées par les ateliers de la maison française réfracte non seulement les rencontres qui façonnèrent le destin de Gabrielle Chanel, mais aussi les lieux qui exaltèrent son imaginaire. Ces lieux sont pour la plupart bien connus désormais. Les historiens, hagiographes et autres chroniqueurs ont clairement identifié les décors qui fournirent au talent de la célèbre modiste-couturière l’essence de ses créations à venir : on pense notamment, dans le Limousin, à l’abbaye d’Aubazine, qui fut le froid sanctuaire dans lequel la jeune Gabrielle vécut de 12 à 18 ans, après avoir été confiée par son père aux bons soins des religieuses de la congrégation du Saint Cœur de Marie. Qui doute un seul instant que cette austère bâtisse romane, avec ses vitraux en grisaille et son armoire liturgique ne fut le socle mental sur lequel la créatrice développa les bases de sa grammaire stylistique ? Oui, l’épure de Coco Chanel était fondamentalement une émanation des attributs particuliers à l’ordre cistercien. On pense, dans le même ordre d’idées, aux lieux de villégiatures : Venise, Deauville, la côte basque, dont la nature douce et enveloppante finit

JOAILLERIE

de constituer le caractère de Chanel pour lui donner une tonalité singulière, tout en contraste, à mi-chemin entre la rigueur granitique du diocèse corrézien et la simplicité libre des étendues

Gabrielle Chanel sur le pont du Flying Cloud, en 1926.

UNE PIÈCE DE HAUTE JOAILLERIE EST AUSSI L’EXALTATION D’UN ART DE VIVRE PRÉCIEUX marines. Moins décortiqué que les lieux précédents par les hagiographes de Coco, le Flying Cloud fut quant à lui le fécond et joyeux cadre de vie au sein duquel s’égrenèrent les heures les plus heureuses de la créatrice. Le Flying Cloud était un quatre-mâts à la coque noire et au pont de bois

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blanc. Ce yacht appartenait à Hugh Grosvenor, second duc de Westminster, personnalité éminente de l’aristocratie anglaise, dont la famille remontait, dit-on, à Guillaume le Conquérant – son héritier direct est aujourd’hui le plus beau parti du royaume. Coco et le duc s’étaient rencontrés à une soirée organisée à Monte-Carlo et furent amants durant dix ans. “Bendor” (c’était le surnom du duc) était extravagant dans ses démonstrations d’affection. On raconte qu’il offrit à Gabrielle une caisse de légumes au cœur de laquelle étincelait une énorme émeraude dissimulée entre carottes et navets. Ce qui est certain, c’est que le généreux duc offrit à sa ténébreuse amante un parc immense situé à RoquebruneCap-Martin. Sur ce parc s’éleva plus tard la célèbre villa La  Pausa. En somme, ce yacht incarnait dans un espace restreint, où tout se réduisait à l ’essentiel, la quintessence des moments solaires de Gabrielle Chanel. On comprend ce qui a attiré ici les ateliers de haute joaillerie de la maison : les formes parfaites aux fonctions éprouvées, le graphisme volubile du vestiaire marin, les éclats de soleil sur les cuivres polis. Avec la nouvelle collection dédiée au Flying Cloud, ils ont interprété cette iconographie balnéaire avec une allégresse d’autant plus plaisante qu’elle recèle des trésors de savoir-faire dissimulés avec tact. Une maestria confondante attestée par la rotondité espiègle de bouées en or blanc, lapis-lazulis et perles de culture, par la symbolique enjouée d’ancres d’amarrage en or blanc constellé de perles et de saphirs ; ici et là, des bandes alternées de saphirs au bleu intense, de boutons gourmands d’or jaune ou blanc, de cordages noués d’or serti de diamants rappellent le vestiaire d’été, la vareuse des marins, le galon des uniformes. C’est chic, joyeux, moderne : un travail d’orfèvrerie d’autant plus virtuose qu’il laisse de côté les effets de manches ostentatoires et statutaires pour se concentrer sur la légèreté, la plénitude et la lumière.


LA VILLE M’APPARTIENT Tu me suis ? Je traverse les murs, les parcs, les rideaux de fer, l’asphalte, le ciel, le bleu, le jaune, le rouge, la rue, la rouille, le verre, la brique, le fer. La ville est mon univers, ma boule de glace, ma terre d’enfance, mon tourbillon d’la vie. En elle je retrouve mes couleurs, mon tempo, mon intelligence de l’espace.

PHOTOGRAPHIE CONRADO VELIZ STYLISME CARRIE WEIDNER RÉALISATION MÉLANIE DAGHER DIRECTION ARTISTIQUE JOSÉE NAKHLÉ


Manteau avec col en fausse fourrure, chapeau et bottes, MIU MIU.


Cardigan, jupe, chapeau et sandales, PR ADA. Collier “Cuore”, BVLGARI.


Veste, jupe et col roulé, BOTTEGA VENETA. Lunettes de soleil, ILLESTEVA.


Robe, PR ADA. Bottes, MIU MIU. Collier “Cuore”, BVLGARI.


Manteau, sac et bottes, SONIA RYKIEL. Col roulé, BOTTEGA VENETA.


Manteau, veste, pantalon et col roulé, MARYAM NASSIR ZADEH. Chaussures, ROGER VIVIER.


Tunique, pantalon et bottes, CÉLINE. Boucles d’oreilles “Amulette”, CARTIER


Manteau, MIU MIU. Col roulé, jupe et bottines, SALVATORE FERR AGAMO.


Casting Director Mitch Macken at MM Casting Model Kinga Rajzak at IMG Models Makeup Sae-Ryun at DeFacto Hair Takuya Sugawara at WSM Production Assistant Tala Lima Photo Assistant Marcel Vocino Styling Assistant Emily Benziger Ailin Seijanova

Manteau, ceinture-corset, ALEXANDER McQUEEN. Bottes, SONIA RYKIEL.


ARRIÈRE -SAISON PHOTOGRAPHIE JULIETTE CASSIDY STYLISME VANESSA BELLUGEON


Manteau en pied-depoule avec franges en cuir et fourrure de renard, jupe en satin et plumes, bottes en patchwork de python et cuir, PR ADA.


Chemise en laine avec broderies, pantalon court en soie imprimée, bandeau en laine et Lurex, sac ceinture “GG Marmont” en cuir matelassé et métal, leggings en Lurex, GUCCI. Sandales à nœud en satin, cuir de veau et cristaux, LOEWE.


Doudoune en Nylon, MONCLER. Jupe en satin, PR ADA. Collier en mĂŠtal et strass, CHANEL. Chaussures en tissu technique, DIOR.


Veste en fourrure et maille, ETRO.


Top à manches longues en velours, jupe trapèze à volants en cuir vernis métallisé, SAINT LAURENT PAR ANTHONY VACCARELLO.


Caban en tweed et mohair, combinaison en denim, collier en métal et strass, mitaines en cuir d’agneau, sac à chaînes de métal, bottes pailletées en cuir de veau, CHANEL.


Cape et col roulĂŠ en cachemire, pantalon de cavalerie en polyamide, chaussures en cuir et karung, BOTTEGA VENETA.


Veste en jacquard et mouton, jupe en cuir, bottes en cuir et Nylon, LOUISÂ VUITTON.


Veste et jupe en vinyle et fausse fourrure, MARNI.


Blouson en Nylon et col en vison, robe en crêpe de Chine, boucles d’oreilles en strass, sandales en satin et strass, MIU MIU.


Robe en mousseline de soie, VALENTINO. Modèle : CATE UNDERWOOD chez IMG. Coiffure et maquillage : LOUISE GARNIER. assistante photo : MIA DABROWSKI. assistant stylisme : DAMÈSE SAVIDAN


NOCTURNE Vendredi soir c’est Discotek au Garten. Ne cherchez pas à comprendre, c’est le jargon de Beyrouth. Il n’y a qu’à se laisser entraîner. Dans le parfum iodé de la mer alourdi de fuel, dans la touffeur de l’été et ses nuits électriques, devenir luciole, phalène, mante religieuse, plante carnivore. Faire durer la sensualité de l’instant.

PHOTOGRAPHIE MOHAMAD ABDOUNI STYLISME LARA ARBID RÉALISATION MÉLANIE DAGHER DIRECTION ARTISTIQUE JOSÉE NAKHLÉ LIEU DISCOTEK - THE GARTEN


Veste et bagues, DIOR. Chemise, GUCCI. Collier et boucles d’oreilles, MIU MIU.


Page de gauche: Top, DIANE VON FURSTENBERG. Pantalon et sacs, VALENTINO. Chaussures, GUCCI. Boucles d’oreilles, ALEXANDER McQUEEN. Bagues, DIOR. Page de droite: Robe, LA DOUBLEJ.


Page de gauche: Chemise, GUCCI. Collier et boucles d’oreilles, MIU MIU. Page de droite: Pantalon et chaussettes, MIU MIU. Chaussures, PR ADA.


Veste et pantalon, ALEXANDER McQUEEN. Top, BALENCIAGA. Chaussures, PR ADA. Foulard, HERMÈS. Boucles d’oreilles, OSCAR DE LA RENTA. Bagues, DIOR.


Pantalon, EMILIO PUCCI. Foulard porté en top, HERMÈS. Foulard, PR ADA.


Robe, CHLOÉ. Boucles d’oreilles, OSCAR DE LA RENTA.


Veste, MIU MIU. Robe, DION LEE. Sac, NANCY GONZALEZ. Bracelet, HERMÈS.


Top, DIOR. Chemise, GUCCI. Pantalon, CÉLINE.


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L’OFFICIEL

DESIGN

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LE DESIGN LIBANAIS PLUS BEAU, PLUS HAUT DE PLUS EN PLUS DYNAMIQUE ET AMBITIEUSE, LA SCÈNE LIBANAISE DU DESIGN MONTRE SES CAPACITÉS DEPUIS PLUSIEURS SAISONS À TRAVERS DIVERS ÉVÉNEMENTS ANNUELS. LA BEIRUT DESIGN FAIR, INITIÉE PAR LES FONDATEURS DE LA BEIRUT ART FAIR, DONNE SA PREMIÈRE ÉDITION EN SEPTEMBRE EN OFFRANT AUX CRÉATEURS UNE PLATEFORME EXIGEANTE ET DE HAUT NIVEAU. A

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Carla Baz, Hay Bench

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PHOTOS COURTESY OF JOY MARDINI GALLERY

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L’OFFICIEL

DESIGN

Fondée par Guillaume Taslé D’Héliand avec Hala Moubarak, la Beirut Design Fair qui se tiendra au Biel, du 20 au 24 septembre 2017 se présente comme un salon mitoyen de la Beirut Art Fair qui a lieu sur le même site, aux mêmes dates. Doté d’un comité de sélection éclectique, cet événement bénéficiera d’une scénographie conçue par le célèbre Studio Adrien Gardère qui signe les muséographies les plus en vue du moment, et d’un espace convivial baptisé « le Banquet », qui réunira les invités autour d’une table d’hôte dessinée par YEW Studio, taillée dans un bois vieux de 50.000 ans, pour des débats et des dégustations de gastronomie libanaise préparées par le chef Maroun Chédid. De nouvelles dimensions pour le design libanais Selon Guillaume Taslé D’Héliand, l’objectif de ce salon est de contribuer à faire en sorte que le Liban soit reconnu comme une plaque tournante de la créativité dans la vaste région qui l’entoure. La Beirut Design Fair a l'ambition de devenir un grand rendezvous annuel de découvertes, de rencontres et d’opportunités pour les amateurs de design et tous les professionnels opérant en Europe, aux Etats-Unis, au Moyen-Orient, dans les pays du Golfe et en Asie. « L’offre régionale a besoin d’une vitrine internationale », souligne le fondateur du salon, et celle-ci doit obéir à des critères de qualité et de sélectivités pour être plus visible. « La demande, aussi experte soit-elle, a toujours besoin de repères, d’éclairages, de points de comparaison, et d’être confortée. C’est la première mission d’un salon, et c’est l’esprit qui nous anime », ajoute-t-il, affirmant que sur les bords du bassin méditerranéen, « l’Italie s’impose naturellement, mais le seul autre pays remarquable est le Liban. (…) Si vous voulez passer par la grande porte, c’est là qu’il faut aller : au carrefour du Mashreq, de l’Europe et de l’Afrique du Nord. » Taslé d’Héliand

David Nicolas, Loulou - Rocking Chair

Charles Kalpakian, Grande Applique

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DESIGN

mise aussi sur « le phénomène sans équivalent de la diaspora libanaise : (…) un réseau capillaire de 14 millions de paires d’yeux et d’oreilles dans le monde. » Un comité trié sur le volet Principal atout de ce salon, mis à part ses participants, un comité de sélection qui représente « une plateforme de rencontres et de talents, où l’exigence croise la générosité, où il est question de diversité dans un esprit cosmopolite. » Et de fait, la sélection des exposants de la Beirut Design Fair, ainsi que celle du lauréat du Beirut Design Award qui viendra récompenser la créativité et l’innovation, se feront sur les conseils d’un groupe de spécialistes internationaux comprenant : -Aline Asmar d’Amman, architecte, architecte d’intérieur et directrice artistique, fondatrice de la plateforme « Culture in Architecture » à Beyrouth et à Paris. Parmi ses réalisations les plus récentes on compte la direction artistique de la rénovation de l’Hôtel de Crillon à Paris. - India Mahdavi, architecte d’intérieur et designer, l’une des signatures incontournables de la création contemporaine internationale. Ses objets font partie des icônes de l’art décoratif contemporain. Son univers cosmopolite, solaire et généreux est

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influencé par le cinéma, l’art et le design. - Marc Baroud, designer, directeur du département design de l’Académie libanaise des Beaux-arts (ALBA). Ce créateur dont les réalisations flirtent sans cesse entre contextuel et conceptuel est basé entre Beyrouth et Paris. - Marianne Brabant, du département moderne et contemporain du musée des Arts décoratifs de Paris. Historienne de l’art, elle participe actuellement à un projet d’exposition aux Arts décoratifs de Paris dédié » à la scène créative libanaise. - Mathias Ohrel, chasseur de têtes et recruteur de talents pour les secteurs à forte valeur ajoutée créative tels que la mode, le luxe, la distribution, le design, l’architecture, les médias, le digital et la culture. Il a l’œil ouvert en permanence sur les talents confirmés et émergents. Ainsi dotée, la Beirut Design Fair est promise, dès sa première édition, à une entrée fracassante dans la cour des grands, à savoir la scène créative internationale. Une initiative qui contribuera sans aucun doute à renforcer la qualité et l’exigence du design libanais tout en redonnant des couleurs aux métiers artisanaux et au savoir-faire local. Beirut Design Fair, 20-24 Septembre, BIEL, Centre-ville, Beyrouth.

YEW Studio, 1305

PHOTOS DR

YEW Studio, 2008


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ART

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ELLE DÉFIE LA GRAVITÉ

PHOTOS DR

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ART

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À PEINE DIPLÔMÉE DE L’ANTENNE PARISIENNE DE PARSONS, KELLY HALABI A DÉJÀ DONNÉ EN UN AN QUATRE EXPOSITIONS À TRAVERS L’EUROPE. FIGURE ÉMERGEANTE DE LA SCÈNE ARTISTIQUE CONTEMPORAINE INTERNATIONALE À SEULEMENT 25 ANS, ELLE SE PRÉPARE À PARTICIPER À TROIS NOUVEAUX SHOWS D’ICI À L’AUTOMNE DONT UN À LA BEIRUT ART FAIR. P A R

J O S É P H I N E

Impossible de deviner l’âge de Kelly Halabi à la vue de ses peintures et sculptures. Née en 1991 à Paris, la jeune francolibanaise réalise un travail d’une incroyable maturité. Ses créations, exposées cette année en Grande-Bretagne, en France, en Suisse et en Allemagne, lui ont permis de se faire remarquer par les plus grands noms de la scène artistique contemporaine – comme les célèbres collectionneurs Gabriele et Ricardo Braglia de la fondation suisse éponyme ou encore par le célèbre artiste albanais Helidon Xhixha. « Les œuvres de Kelly Halabi renouvellent notre conception de l’art. Elles semblent refuser les paradigmes même du modernisme et du conceptualisme comme si elles sortaient d’un territoire d’expression humaine plus large, qui précède et transcende le travail de l’art en tant que tel », a commenté le philosophe et critique d’art Brad Tabas. Depuis octobre 2016, elle a été invitée à présenter ses créations tour à tour au concept store Aimo Room de Lugano, à la galerie londonienne 10 Hanover Street Mayfair ainsi qu’aux foires d’art contemporain internationales de Londres et de Cologne. De sa série de bouquets de fleurs créés à partir de métal, ferrailles, câbles et plastique à sa collection de sculptures en bronze et en aluminium intitulée « Keepsake-Anamnesia » en passant par ses œuvres en marbre, Kelly Halabi dévoile une riche palette d’approches et d’expérimentation de la matière. Son parcours qui démarre sur les chapeaux de roues semble promis à une fulgurante ascension.

V O Y E U X

Le bonhomme allumette Il faut dire que la jeune femme n’a rien d’une novice. Elle qui a grandi entre Paris, Lugano et le Liban natal de ses parents, a toujours baigné dans une ambiance artistique. Entre une mère et un père, « très arty dans leur manière de penser et adeptes des travaux manuels », et une tante qui lui faisait arpenter dès son plus jeune âge les galeries des musées, Kelly Halabi a été, très tôt, sensibilisée à la peinture, la sculpture et la gravure. Ses premiers souvenirs de son intérêt pour le dessin remontent à ses trois ans. « C’est une histoire assez rigolote, raconte-t-elle. J’étais à la maternelle et la maitresse nous avait demandé de faire un bonhomme allumette tout simple mais moi, je ne me suis pas contentée de tracer des bâtons, j’ai ajouté des couleurs, amplifié les formes et le résultat était assez abstrait. Surprise, la maitresse avait convoqué ma mère pour lui dire que je devais avoir des problèmes psychologiques. Mais mes parents ne se sont pas du tout inquiétés - au contraire, ils étaient fiers et ont trouvé que mon tableau était le plus joli de la classe! ». L’anecdote est amusante en ce que Kelly Halabi, une vingtaine d’année plus tard, a conservé la même approche spontanée dans son travail. Elle confie en effet qu’elle crée au contact de la matière. « En général, je n’ai pas de protocole précis, dit-elle. Je joue avec les différents matériaux. Je les assemble, les fais fusionner en défiant le principe de gravité. C’est à ce moment-là que je comprends ce que je peux en obtenir. Mais ce sont la texture et la fusion des


matières qui m’enthousiasment le plus. J’ai expérimenté avec du plastique, de la mosaïque, du plexi, du béton, du marbre ou encore du bronze et, à partir de là, mes idées ont émergé ».

La recette semble pour le moment fonctionner pour Kelly Halabi. La jeune femme qui ambitionne, un jour, d’exposer dans un musée ou de créer des œuvres monumentales et publiques – « pour partager (sa) vision avec le plus grand nombre », présentera ses dernières créations à Milan, à Pietra Centra et à Beyrouth d’ici au mois de novembre prochain. Cela portera à sept le nombre de ses expositions en seulement un an – un chiffre impressionnant pour une artiste débutante. www.kellyhalabi.com

PHOTOS DR

Faire du léger avec du lourd Kelly Halabi a déjà travaillé sur de nombreuses thématiques : la mémoire, l’eau, la verticalité ou encore la liberté. Tous les sujets abordés, bien que variés, se lisent à travers un même spectre, empreint de dualité – à mi-chemin entre la construction et la déconstruction, le lourd et le léger, le brutalisme et l’élégance. La jeune artiste semble puiser son inspiration de ses racines libanaises. Elle dresse le même tableau de son rapport au pays du Cèdre et de son expression artistique. « Le Liban est un tout petit pays où se créent tous les mélanges. Il est d’une richesse unique. C’est le pays de tous les contrastes entre stigmates de la guerre et constructions modernes, entre très riches et très pauvres, la mer et la montagne. Je retrouve ce dualisme dans mon travail, à travers lequel je traite des cicatrices, des choses à surmonter en confrontant les matières, souligne-t-elle. J’aime défier leur nature, créer quelque chose de lourd qui a l’air léger et vice-versa. J’aime aller à l’inverse de ce qui est attendu. »


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INSTALLATION

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BONBON MAIS PAS PRALINE C’EST L’HISTOIRE DE DEUX VOISINS CRÉATIFS QUI ONT FINI PAR METTRE EN COMMUN LEURS UNIVERS PERSONNELS. A L’OCCASION DE LA BEIRUT DESIGN WEEK, ILS PRÉSENTAIENT AU PRINTEMPS DERNIER DEUX PROJETS PHOTOGRAPHIQUES METTANT EN SCÈNE DES ROBES ÉVOLUANT DANS DES ARCHITECTURES ABANDONNÉES OU EN TRANSITION. M Y R I A M

Mira Hayek est créatrice de mode. Au-dessus de son atelier, à Saïfi, travaille Karim Nader, architecte. A force de se croiser, ces deux-là ont développé un intérêt croissant pour leurs arts respectifs. Les relations de voisinage ont finalement abouti à des projets communs, fort remarqués à l’événement Design annuel de Beyrouth, au printemps 2017. Confiserie vaporeuse dans une usine à sucre Sugar lane est une usine à sucre à l’abandon, sur le périphérique maritime qui dessert le nord de Beyrouth. En attendant de lui trouver une nouvelle vocation, son propriétaire adore ouvrir ce lieu brutaliste à des projets artistiques. C’est ainsi que voit le jour « La femme bonbon @Sugar Lane », une belle collaboration entre deux artistes et un espace insolite. Mira Hayek est une jeune styliste pétillante et d’une gaîté contagieuse. La créatrice a fait ses débuts dans l’incubateur Starch en 2011. Depuis, sa marque éponyme a fait du chemin et son style s’est confirmé, tout en silhouettes fluides, couleurs vives et motifs géométriques. Cet équilibre parfait entre couleur et bonne humeur trouve son apogée dans une collection décalée, « La femme bonbon », où dominent les roses, les confettis psychédéliques et les volants. Pour lancer cette nouvelle ligne et la mettre en valeur, il fallait un contexte qui lui soit radicalement opposé. C’est ici qu’intervient l’architecte. Karim Nader suggère sa vision et ce lieu désaffecté et met en scène les robes de Mira à

R A M A D A N

Sugar Lane dans une vidéo rélaisée par Nina Najjar où les robes, le mouvement et l’espace se répondent pour créer une atmosphère à la fois dense et lyrique. Woman in red dans l’immeuble de l’Union Riches du succès de cette première expérience commune, les « voisins » récidivent, prêts pour un nouveau projet où coïncident l’architecture et le vêtement, la géométrie et la vie. L’immeuble de l’Union, situé à proximité du jardin des Arts et Métiers à Beyrouth, est un bâtiment cossu des années 50, véritable point de repère pour les habitants de la ville. Karim Nader reçoit une proposition de le rénover. Une aubaine pour le jeune architecte qui décide d’explorer la bâtisse une dernière fois, d’en ressentir l’atmosphère, imaginer ses vies passées avant d’intervenir sur son avenir. Mira répond présente, et un troisième voisin se porte volontaire : Marcel Rached, photographe. La styliste réalise à la demande de l’architecte une robe rouge inspirée des années 50. « On trouve souvent dans les perspectives d’architecture une femme en rouge. Le rouge serait graphiquement très reconnaissable par rapport a la palette neutre des couleurs de l’immeuble », souligne Karim Nader. Tel un révélateur, la robe rouge dont les croisillons reprennent certains détails architecturaux de l’époque dévoile en tourbillonnant devant la caméra de Marcel les perspectives oubliées, les angles ignorés du bâtiment. Il est clair que le tandem ne s’arrêtera pas là.

PHOTOS LA FEMME BONBON A SUGAR LANE, MIRAHAYEK SS17 COLLECTION, CONCEPT DE MIRA HAYEK & KARIM NADER, DIRIGÉ PAR NINA NAJJAR.

P A R


L’OFFICIEL

DESIGN

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LA POSSIBILITÉ D’UN PARADIS « JE SUIS UNE ARTISTE TRIPOLITAINE », CLAME HAUT ET FORT SAHAR MINKARA. CETTE ARCHITECTE D’INTÉRIEUR ET CRÉATRICE D’OBJETS ET MEUBLES A EN EFFET GRANDI DANS LES QUARTIERS DE LA CAPITALE DU NORD LIBANAIS. MARQUÉE PAR LA VILLE, ELLE Y DÉPOSE À SON TOUR SON EMPREINTE. P A R

M Y R I A M

R A M A D A N

PHOTOS DR

Bahri Bay, Tripoli.


Miramar Hotel, Tripoli.

Issue d’une grande famille tripolitaine, Sahar Minakara a passé son enfance à jouer dans la fascinante architecture moderniste et inachevée de la Foire de Tripoli, dite « Foire Internationale Rachid Karamé ». Conçue dans les années 60 du siècle dernier par Oscar Niemeyer, sa construction a été interrompue par la guerre. L’esthétique particulière de cet immense espace fantôme laisse en Sahar Minkara une trace indélébile. Elle ne cessera de l’inspirer. Derrière ce grand sourire, cette attitude confiante et détendue, cette énergie débordante et contagieuse, il y a une femme déterminée qui a roulé sa bosse entre le Liban et l’Australie avant de revenir dans son pays natal, résolue à y apporter sa contribution pour faire bouger les lignes et les mentalités. En Australie, elle avait commencé sa carrière en dessinant des chambres d’enfants. Au Liban, elle entreprend de grands projets, à commencer par la transformation de l’iconique complexe balnéaire tripolitain Miramar en boutique hôtel. Amour-haine et inspiration Minkara ne peut nier l’influence de Tripoli sur sa manière d’être autant que sa vision de créatrice. Mini-guerres, bouleversements permanents n’ont pas manqué de transformer son environnement. Elle affirme que Tripoli est ce genre de ville qui inspire à ses habitants, elle comprise, des sentiments mitigés : on l’aime et

on la déteste ; on admire son histoire et on veut la moderniser. Toutes ces émotions sont visibles dans le travail de l’architecte. Soucieuse du respect de l’environnement dans tout ce qu’elle entreprend, elle ajoute cependant à ses plans sa touche rebelle. Parmi les matériaux recyclables qu’elle s’efforce d’introduire dans tous ses projets, c’est le liège qui a sa préférence. A Tripoli, cette anticonformiste mobilise tout un petit monde d’artisans, menuisiers, ferronniers et autres dont elle intègre le savoir-faire dans ses créations, contribuant ainsi à redonner des couleurs aux traditions ancestrales. Il était une fois un paradis… Forte du succès de son intervention sur le Miramar, Sahar Minkara enchaîne avec la conception du Seathru Rooftop de l’hôtel Palma, toujours à Tripoli. Elle crée aussi son propre café alternatif, Ahwak, tout en matériaux recyclables. Lors de l’événement The Art of Dining organisé par Architectural Digest, elle choisit pour thème Tripoli, sans surprise, et propose un projet intitulé « Lost Paradise ». Diversité et parfum de fleurs d’oranger caractérisaient la ville avant que les vicissitudes des guerres et autres événements destructeurs n’en modifient le caractère heureux. L’architecte les restitue à travers un jeu de symboles et prouve ainsi que les paradis peuvent être retrouvés. « Gardez un œil sur Gemmayzé ». Ce n’est pas un avertissement mais presque. Il s’agit du nouveau projet de Sahar Minkara qui doit bientôt voir le jour.


Marina Del Sol, Anfeh.

Palma, Tripoli.

Una Pizza, Tripoli.


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PHOTO

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OBJECTIF HUMANITÉ YUMNA AL ARASHI RACONTE L’HUMANITÉ À TRAVERS SES CLICHÉS. DU DÉSERT DU YÉMEN AUX PLAGES DE LA JAMAÏQUE EN PASSANT PAR LES VIEUX HAMMAMS DU LIBAN, SES PHOTOS ABORDENT LA VIE DANS SA SIMPLICITÉ ET CAPTURENT LA DIFFÉRENCE POUR MIEUX MONTRER LES SIMILITUDES. P A R

Série Shedding Skin.

M A R I A

L A T I


Shedding Skin série.

Yumna a grandi aux Etats-Unis. Sa mère est Egyptienne et son père Yéménite. Très jeune sa double culture américaine et arabe aiguise sa curiosité du monde qui l’entoure et dès son adolescence elle prend l’habitude de documenter ce qui la fascine en prenant des photos. Elle passe souvent ses vacances au Yémen et à chaque retour aux Etats Unis, ses amis lui posent de nombreuses questions sur le quotidien de son pays, le climat, le mode de vie et la culture. L’idée de son premier reportage de photojournalisme émerge alors, et elle décide de faire connaître ce pays, la splendeur de ses paysages, les façades artistiques de ses demeures traditionnelles et la simplicité de la vie de tous les jours. Au visage de la guerre, elle oppose les sourires et la générosité des habitants. Des visages qui nous ressemblent et desquels on se sent soudain plus proches. Dans ce paysage yéménite que l’artiste qualifie d’extra-terrestre pour décrire les plages de sable blanc, les plaines infinies et les dragonniers, ces arbres étranges en forme de parapluie, à la sève rouge, que l’on ne trouve presque nulle part ailleurs, l’artiste capture l’humanité, les ressemblances qui nous lient au delà des clivages culturels. Aux Emirats Arabes Unis, elle part à la rencontre des travailleurs immigrés, elle se rend dans leurs logements loin des centres villes clinquants, pour dénoncer cette forme d’esclavage moderne. La photographe se lie d’amitié avec ces hommes venus offrir un avenir meilleur à leurs familles restées dans leurs pays, et passe cinq années à effectuer des allers retours dans les campements où ils habitent afin de mieux comprendre leur quotidien, avant de réaliser la série « I am Not a Machine ».

L’extinction d’une culture ancestrale La jeune femme qui a choisit d’étudier les sciences politiques, en particulier le Moyen-Orient, plutôt que la photographie, effectue des recherches profondes avant d’aborder un sujet. Financée par The Arab Fund for Arts and Culture et International Women’s Media Foundation, elle travaille actuellement sur un documentaire sur la dernière génération de femme aux visages tatoués en Afrique du Nord qui sera publié à la fin de l’année. Ce projet met en lumière l’extinction d’une culture ancestrale et l’émergence de l’islamisation et du capitalisme dans cette région. Pour sa plus récente série parue en juin 2017, Shedding Skin, la jeune femme recrée des scènes de peintures orientalistes d’artistes nord africains, turcs ou moyen-orientaux. Les femmes dénudées posent dans l’atmosphère rassurante d’un hammam, un lieu dont la fonction reste, depuis des siècles, celle de se détendre et prendre soin de son corps, où les femmes peuvent se sentir en confiance et où la proximité n’est pas perçue comme une agression. Yumna offre cet espace de détente à la femme arabe et à toutes les femmes qui trop souvent sont jugées sur leur physique, à qui l’on impose des diktats d’apparence corporelle et de choix vestimentaires et où, confrontées à une époque qui remet en questions les traditions, elles doivent encore se battre pour leurs propres choix. Les photos de Yumna Al Arashi capturent la beauté de la nature et des constructions qui nous entourent, des moments de la vie quotidienne et la simplicité complexe du corps pour mieux montrer la nature humaine, ses erreurs qui se répètent mais aussi ses grandes réalisations. http://www.yumnaaa.com/ Instagram// yumnaaa


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PROFIL

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NÉOBABYLONE INVENTÉ PAR L’ARTISTE SOPHIA AL MARIA AFIN DE DÉCRIRE LES RÊVES PROMÉTHÉENS D’ETATS COMME LE QATAR (ACTUELLEMENT EN CRISE) OU LES EMIRATS ARABES UNIS, LE CONCEPT DE GOLF FUTURISM EST VITE DEVENU LE LABEL D’UNE GÉNÉRATION ENTIÈRE D’ARTISTES ISSUS DE CETTE RÉGION DU MONDE, À L’INSTAR DU COLLECTIF GCC OU DU COMPOSITEUR FATIMA AL QADIRI. EN CONCLUSION DE SA PREMIÈRE EXPOSITION PERSONNELLE AU WHITNEY MUSEUM INTITULÉE “BLACK FRIDAY”, L’OFFICIEL S’EST ASSIS AVEC SOPHIA AL MARIA AFIN DE SE PENCHER SUR LES AMBITIONS BABYLONIENNES DES MALLS QATARIENS ET DE LA PORTÉE POLITIQUE DE LA SCIENCE-FICTION.

PIERRE-ALEXANDRE MATEOS et CHARLES TEYSSOU : Pour l’édition 2016 du Marathon de Hans Ulrich Obrist à la Serpentine Gallery, vous avez proposé le thème du “miracle”. Qu’est-ce qui vous a inspiré cette idée ? SOPHIA AL MARIA : Au cours d’un petit-déjeuner avec Hans Ulrich Obrist qui, comme vous le savez, est un homme très matinal, nous avons évoqué Eric Hobsbawm, l’auteur de L’Age des extrêmes et de L’Ere des révolutions. Je me suis demandé comment Hobsbawm, s’il avait vécu plus longtemps, aurait baptisé notre début de XXIe siècle. Peut-être “l’âge des miracles” ? La préparation du marathon continuait mais ils n’avaient toujours pas trouvé de thème. Je suis fatiguée des théories qui essaient d’investiguer le futur ou, pour parler avec

les mots de William Gibson, je ressens une Future Fatigue. J’ai donc proposé l’idée de miracle. Notre avenir immédiat étant plutôt sombre, il m’a semblé qu’un miracle nous ferait le plus grand bien. Vous avez inauguré en juillet dernier une exposition personnelle au Whitney Museum de New York, “Black Friday”, dans laquelle vous vous intéressez à l’expérience quasi psychédélique que procurent les centres commerciaux dans certains pays du Golfe. Le Black Friday (vendredi noir) est une sorte de fête religieuse non officielle aux Etats-Unis. Le consumérisme est à mes yeux la religion la plus évangélique qui soit, aucune autre croyance n’ayant bénéficié d’une diffusion aussi planétaire. La

vidéo qui donne son titre à l’exposition, produite par Anna Lena Films, a été tournée en cinq nuits dans une galerie marchande de Doha. Elle part du principe que le centre commercial est une sorte de structure religieuse, mais aussi un espace d’addiction – il ne s’agit pas d’une drogue que l’on ingère, mais d’une drogue que l’on pénètre. On éprouve le même sentiment de transcendance qu’en observant le dôme d’une mosquée ou les vitraux d’une cathédrale – sauf que la sensation reste très fugitive et que la descente est atroce quand on repart. “Black Friday” traite de ce phénomène, auquel moi-même je n’échappe pas. Le deuxième volet de mon, exposition au Whitney est une installation de 113 vidéos, piochées sur Internet et rassemblées sous le titre The Litany. Ces bribes éparses

PHOTOS COURTESY OF THE ARTIST AND THE THIRD LINE, DUBAI.

PAR PIERRE-ALEXANDRE MATEOS ET CHARLES TEYSSOU


L’esthétique de la galerie marchande n’est pas la même aux Etats-Unis que dans les pays du Golfe. L’architecte Rem Koolhaas a mis en lumière la dimension décadente de ce modèle en Amérique du Nord ; au Qatar et dans les Emirats arabes unis, en revanche, les galeries marchandes représentent une oasis architecturale et culturelle. Certains y voient une structure coloniale, mais ce n’est pas mon cas. Aujourd’hui, en Amérique, tout le monde ou presque fait ses courses sur Internet ; dans les pays du Golfe, les galeries marchandes offrent un abri dans un climat aride – en ce sens, elles deviennent aussi un espace social. Mais je ressens aussi la même chose dans la banlieue de Londres, par exemple dans les centres commerciaux de Shepherd’s Bush ou de Westfield, tout droit sortis de l’imagination d’un J. G. Ballard. Les passages couverts de Paris sont bien évidemment les ancêtres de ce système. Selon vous, la galerie marchande dans les pays du Golfe met en scène des conditions de vie futuristes. Y entrer, c’est effectuer un voyage dans le temps. J’ai deux choses à dire à ce sujet. D’abord, je me sens toujours prise au piège dans une galerie marchande. J’y éprouve toujours un sentiment d’oppression. La route de l’avenir fait une fourche, et l’une des deux voies offertes est très dystopique – c’est celle que tout le monde préfère imaginer. Car l’utopie, soyons francs, est plutôt ennuyeuse. Ensuite, pour ce qui est du voyage dans le temps, je vous renvoie au concept qui a inspiré la vidéo Black Friday : le “transfert de Gruen”. Victor Gruen (concepteur du centre Gefinor à Beytouth) était un architecte autrichien qui a imaginé le tout premier centre commercial. De manière parfaitement volontaire, il a conçu l’espace dans l’intention explicite de désorienter le visiteur  : pas de fenêtres, température contrôlée, lumière artificielle –  tout cela afin d’éviter que l’on se sente trop prisonnier du lieu. Le transfert de Gruen, c’est un phénomène physiologique dont les symp-

tômes se manifestent quand on se promène dans un centre commercial : allure ralentie, mâchoire relâchée, léger vertige. Résultat : le client achète de manière plus impulsive. A cet égard, il s’agit donc bien d’un voyage dans le temps puisqu’on se trouve suspendu dans un espace-temps artificiel – une sorte d’état second, mais très ennuyeux. Dans Black Friday, mais aussi dans nombre de vos œuvres antérieures, on perçoit un profond intérêt pour la science-fiction. D’après ce que nous avons pu lire, vous vous intéressez notamment à ce genre littéraire tel qu’il est pratiqué dans les pays arabes. Votre pratique renvoie-t-elle à certains auteurs en particulier ? Un auteur contemporain m’a particulièrement influencée, il s’agit de Hassan Blasim, un Irakien qui vit aujourd’hui en Finlande. Ses récits ne relèvent peut-être pas à proprement parler de la science-fiction, mais plutôt du genre fantastique –  ils font une grande place à l’effroi et à l’étrange. Son livre intitulé Le Corps exposé, notamment, a exercé une grande influence sur mon travail. Il rappelle La Foire aux atrocités de J. G. Ballard, qui a également beaucoup compté pour moi. A part ces deux auteurs, je place Octavia Butler au-dessus de tout. On trouve plus d’idées dans un seul de ses livres que dans la bibliographie complète d’Arthur C. Clark. Non seulement Butler est la seule écrivaine noire des années 1970 dans le domaine de la science-fiction, mais elle est une femme  : sa vision de l’avenir est donc par nature très différente. Dans La Parabole du semeur, par exemple, elle raconte l’histoire d’une fille douée d’hyperempathie : elle peut partager ses émotions avec la créature vivante de son choix. Il est assez merveilleux de présenter ce don comme quelque chose qui vous donne du pouvoir. Elle a également écrit de très belles pages sur la sexualité extraterrestre. Vous sentez-vous proche des stratégies mises en œuvre par l’afro-futurisme, qui consistent à faire de la science-fiction un instrument politique en construisant et en projetant de nouvelles identités ? Ma toute première vidéo, Sci-Fi Wahabi, renvoie au dieu-soleil égyptien Amon Ra. Et c’est un documentaire afro-futuriste de John Akomfrah, The Last Angel of History, qui m’a donné envie de faire des films. Vous avez eu ce projet avorté, Beretta, qui devait être un film de rape and revenge suivant Suad, une héroïne muette lancée dans une folie meurtrière contre les

hommes qui l’ont harcelée. Ce film était aussi inspiré de Ms. 45 d’Abel Ferrara. J’ai vu récemment Belladonna of Sadness, réalisée en 1973 par Eiichi Yamamoto, un film d’animation assez incroyable où il est question de viol et de vengeance. Je ne saurais trop le recommander. En fait, le cinéma contemporain m’inspire beaucoup. Je crois qu’on assiste actuellement à une sorte de renaissance du cinéma arabe. Je pense par exemple au film de Tamer El Said qu’on a pu découvrir à la Berlinale, In the Last Days of the City, qui dégage une impression étrangement apocalyptique. Ou encore à un film de Naji Abu Nowar, Theeb, qui me touche particulièrement parce qu’il s’agit d’un western dont le personnage est un enfant bédouin. Voilà quelque chose que j’ai toujours rêvé de faire avec mon père : il adore les westerns, et il vient d’une famille de Bédouins originaire de la région orientale de l’Arabie saoudite. Quels sont vos prochains projets ? Dans le contexte de la Biennale de l’image en mouvement, qui a ouvert à Genève le 9 novembre dernier, je présente une pièce intitulée The Limerent Object. Cette vidéo a été tournée à Paris avec une équipe française et un performeur prodigieux, François Chaignaud. On y assiste à un échange téléphonique, une sorte de conversation érotique à travers l’espace et le temps, entre le premier extraterrestre qui a fécondé la Terre et le dernier humain encore vivant, mais qui va bientôt mourir. C’est une sorte de film d’horreur où il est question d’évolution de l’humanité, de sexualité et de panspermie. Sophia Al Maria est représentée par la galerie The Third Line, Dubaï.

À VOIR

Biennale de l’image en mouvement, jusqu’au 29 janvier 2017, Genève. LEXIQUE Future Fatigue : popularisé par l’écrivain William Gibson, ce concept renvoie au désenchantement voire à l’ennui qu’éprouvent les auteurs de science-fiction, mais aussi les générations actuelles, à l’égard du futur comme lieu de fantasme technologique. Afro-futurisme : ce terme fut initialement utilisé pour qualifier la musique “cosmique” du compositeur de jazz Sun Ra dans les années 1960-70. Il est depuis devenu un véhicule d’émancipation à la fois politique et esthétique de l’identité noire, par la réappropriation des récits de science-fiction.

PHOTOS COURTESY OF THE ARTIST AND THE THIRD LINE, DUBAI.

sont les déchets de notre culture mondialisée. Chaque vidéo était présentée sur une tablette électronique usagée. J’ai collaboré sur ce projet avec un professeur de l’université de New York, Pierre Depaz, et avec Léo Parmentier pour le montage. L’installation est un peu comme ce monstre horrible, le Cthulhu, qui serait gisant sur un tas de sable et d’éclats de verre. Ou peut-être un terrible accident au cours duquel 113 personnes auraient laissé tomber leur appareil électronique avant de disparaître.


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4 Double-page précédente, Sophia Al Maria sur le stand de la galerie The Third Line, Frieze London 2016. 1. Sophia Al Maria, Between Distant Bodies, 2013, installation vidéo, vue de Frieze 2013. 2. Sophia Al Maria, Black Friday, 2016, vidéo numérique, couleur, son, 16.36 min, Whitney Museum of American Art, vue d’installation. 3. Sophia Al Maria, Between Distant Bodies, 2013, installation vidéo sur deux écrans. 4. Sophia Al Maria, capture d’écran de Black Friday, 2016, vidéo numérique, couleur, son, 16.36 min.


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BEIRUT ART FAIR SOUS LE SIGNE DE L’ARABITÉ LA FOIRE ARTISTIQUE CONTEMPORAINE DE BEYROUTH REVIENT EN SEPTEMBRE 2017 AVEC, PARMI SES COMMISSAIRES, LA GALERISTE LONDONIENNE ROSE ISSA. « OUROUBA », LE THÈME CENTRAL QU’ELLE A CHOISI POUR CETTE ÉDITION, NOUS PARLE D’ARABITÉ. D’ART HABITÉ ? ROSE ISSA EXPLIQUE SON CHEMINEMENT. PAR

NICOLE

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HAMOUCHE

KRJST Studio, Recollection III, 2016, Mohair, lin, rafia, acrilyque, 330 x 220 cm, crédit photo Jonathan F. Kugel, Royaume-Uni


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Serge Najjar, “Turning my Back on Light”, 2016, Ombres Angulaires, 2016, impression Inkjet sur “Ultrasmooth Fine Art Paper” 87.5 x 70 cm, Edition de 5 + 2 AP, avec la permission de la Galerie Tanit et de l’artiste, Lebanon

Si la Beirut Art Fair fait partie des grands rendez-vous régionaux de l’art, elle se distingue surtout par la place qu’elle fait aux talents émergeants du monde arabe et par son positionnement comme plateforme culturelle. Une plateforme de «découverte, de redécouverte et de liberté d’expression» comme l’a précisé Laure d’Hauteville, fondatrice et directrice de cette foire qui souligne par ailleurs que la sélection de la BAF est particulière au Liban, à ce regard libanais, différent du regard occidental ou proprement arabe. «Le Liban est un pays qui peut aller au delà de la censure, même à l’échelle de l’Europe » avance-t-elle. « Comment trouver la beauté dans la laideur ? » La palme de cette édition de la BAF reviendra sans doute à l’exposition « Ourouba, The Eye of Lebanon » dirigée par Rose Issa - spécialiste en art contemporain du Moyen-Orient - dans le prolongement d’ Arabicity et d’Arabicity II, organisées par elle respectivement en 2010 à Liverpool et en 2011 au Beirut Exhibition Center. A travers Ourouba, la commissaire se penche sur les préoccupations conceptuelles, esthétiques, sociopolitiques, y compris émotionnelles, du monde arabe aujourd’hui. Qu’est ce qu’être arabe aujourd’hui ? Interroge Rose Issa. Cette grande dame aux cheveux blancs, au regard clair, doux et vivant, un somptueux collier de nacre rose autour du cou, précise avoir toujours travaillé avec des artistes vivants et être guidée dans son choix par la beauté et la pertinence tout simplement. «Quelque chose qui vous touche vous parle ce n’est pas rien» dit-elle. Rose Issa nous rappelle à l’essentiel : «Je veux voir la beauté de la vie, le plaisir » dit-elle. «Comment trouver la beauté dans la laideur ? Comment trouver de l’ordre dans le chaos ? Plus délicat encore : comment se voit-on ?».

La commissaire londonienne a choisi de se concentrer, pour cette exposition, sur l’art des dix dernières années dans le monde arabe. Dix années, selon ses mots, de « violence et d’humiliation ». « Il y a une urgence à dire certaines choses dans cette partie du monde, une urgence à réorganiser cette fragmentation que l’on nous impose ; l’urgence de la survie », poursuit-elle. C’est celle-ci que Rose Issa veut mettre en avant. «Le monde entier veut imposer la laideur à notre nation, à cette partie du monde, la face noire du monde arabe » dit-elle, se référant aux medias d’Orient et d’Occident. « Moi, j aime la beauté ; je veux la découvrir ici et partager ce plaisir avec le reste du monde. Je veux promouvoir ce que j’aime. J’ai confiance dans les choses qui me touchent, qui font bouger quelque chose en moi». Avec trente cinq ans de métier au compteur, Rose Issa peut se fier à son instinct, à « l’intelligence de son œil» pour reprendre son expression… Et nous ne pouvons qu’attendre le choix intelligent de cet œil, celui d’une femme de cœur, mi-iranienne, mi-libanaise, ayant sillonné le globe, contemplé et admiré toutes sortes d’œuvres entre cinéma, poésie, calligraphie, arts visuels et autres, et commissionné des expositions sur le Moyen Orient pour les plus grandes institutions muséales tels que Tate Modern, Barbican Art Center ou Victoria and Albert Museum. Le présent et la mémoire «Tant de gens n’ont plus rien à dire» déplore Rose Issa. Le choix des œuvres de l’exposition Ourouba émane des enjeux de survie, physique, morale et intellectuelle dans le monde arabe, et du désir de lutter contre l’ignorance de part et d’autre du monde. Pour cela, Rose Issa a choisi de produire les artistes qui rendent


Xavi Muñoz, “The garden”, 2015, Installation de 15 pièces de verre, éléments naturels et paillettes d’or, avec la permission de L&B contemporary art gallery, Éspagne

Mahmoud Obaidi, “Farewell Kiss”, 2012, médias mixtes sur toile, 113x113x15 cm, avec la permission de Ramzi & Saeda Dalloul Art Foundation

hommage à la vie, à la résilience, à la beauté. Elle cite pour exemples Ayman Baalbacki, Taghrid Darghouth, Marwan Sahmarani, Abdel Rahman Katanani qui vit encore dans les camps palestiniens au Liban. Les œuvres sélectionnées aborderont les thématiques du présent, de la mémoire, de la destruction et la reconstruction, du conflit, et questionneront les enjeux individuels, nationaux et régionaux : « pourquoi faisons-nous ce que nous faisons et acceptons-nous que cela soit fait ? Comment résister aux clichés, à l’injustice, aux doubles standards, à l’opportunisme et, parfois même, aux sollicitations ? »

David Begbie, “Nudai”, 2009, Composition de deux figures féminines, maillage en acier noir peint en noir, 92 x 55 x 18 cm, avec la permission de ContinuArtUK, Royaume-Uni

Interroger pour avancer Rose Issa aime les questions. Poser une question c’est peutêtre déjà cheminer… La vie et la mort sont si proches l’une de l’autre, rappelle Rose Issa qui revient sur cette finitude dont la conscience, rendue plus aigue dans cette partie du monde, nous pousse à vouloir créer avec fureur avant de partir. Cette activiste à sa manière l’a compris depuis longtemps : depuis 1982 où, installée à Paris, elle initiait un festival de cinéma intitulé Occupation et Résilience, pour manifester contre l’occupation israélienne du Liban. En 1986, elle prenait en charge la Kufa Gallery à Londres, devenue le lieu de rassemblement et de promotion de nombreux artistes arabes de tous horizons. La commissaire de Ourouba est assurément une des personnalités qui ont contribué à diffuser l’art contemporain moyen oriental, sachant que depuis l’attentat de New York en 2011 la curiosité de l’Occident pour le monde arabe a décuplé, récompensée par les œuvres d’artistes comme Mona Hatoum ou Guiraguossian. « Dommage qu’il faille des guerres et des conflits pour susciter l’intérêt », déplore Rose Issa comme pour elle-même.


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LE BRUIT DU SILENCE JUSQU’AU 5 AOUT, LA GALERIE TANIT BEYROUTH DONNE À VOIR UNE EXPOSITION COLLECTIVE, « FROM SOUND TO SILENCE », QUI INTERROGE LE PASSAGE DE LA MUSIQUE AU SILENCE. COMME TOUTE PERCEPTION, LE SON ÉBRANLE LA MÉMOIRE ET FAIT AFFLEURER DES IMAGES ET DES SENSATIONS ENFOUIES. CES SOUVENIRS SONT PARFOIS COLLECTIFS. P

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Adel Abidin, Three Love Songs, 2010.


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Roy Samaha & Omar Fakhoury, Incarnation Of A Bird From An Oil Painting, 2013.

Plus d’une dizaine d’artistes libanais et régionaux sont mis à contribution par la Galerie Tanit pour explorer le retour du refoulé induit par le son, au milieu du silence. Entre peinture, photographie et installation, Adel Abidin, Chant Avedissian, Cynthia Zaven, Fouad el Khoury, Haig Aivazian, Lamia Ziadé, Mohssin Haraki, Randa Mirza, le tandem Roy Samaha/Omar Fakhoury, Shirin Abu Shaqra et Ziad Antar proposent chacun sa lecture du thème. Adel Abidin Né à Bagdad en 1973, cet artiste formé en Finlande et couronné de plusieurs prix donne à voir une série d’images manipulées dans le but de créer des juxtapositions de sens, du plus trivial au plus extrême. Son installation est constituée de vidéos représentant des atmosphères propres au jazz, à la lounge et à la pop dans lesquelles une chanteuse typiquement occidentale chante, sans les comprendre, des chansons arabes, gestuelle à l’appui. Chant Avedissian Né en Egypte en 1951, cet artiste arménien a grandi immergé dans la culture égyptienne ce qui l’a incité par la suite à s’intéresser particulièrement aux arts traditionnels et aux matériaux locaux de ce pays. Avec pour médiums de prédilection la photographie et la sérigraphie, il parcourt le monde, repère les icônes populaires de chaque pays et en reproduit le portrait. Cynthia Zaven Compositrice, pianiste et artiste basée à Beyrouth, Cynthia Zaven a démonté un piano pour en recréer un instrument dont

les touches percutent au hasard des clous, des vis, des morceaux de bois, du caoutchouc ou du papier. Ainsi atomisés et disséqués, l’instrument et son mécanisme se transforment en un espace formel d’expérimentation et de dislocation du son. Fouad el-Khoury Diplômé en architecture à Londres, en 1979, el-Khoury se met en tête de photographier le quotidien d’un Liban en guerre. Il se retrouve même à documenter l’invasion israélienne de 1982 et de fil en aiguille, en rejoignant diverses agences de presse, devient photographe professionnel, se spécialisant dans les scènes de la vie urbaine et séjournant même à Gaza et dans les Territoires occupés. Ses photos pour cette exposition montrent des salles de cinéma désertes et des portraits naïfs de stars affichés dans des lieux publics. Haig Aivazian Né à Beyrouth en 1980, cet artiste arménien est doublé d’un commissaire d’art et d’un écrivain. Entre performance, vidéo, dessin, installation et sculpture, il illustre les récits historiques et la relation entre l’idéologie et la vie, ainsi que la montée des nationalismes suite à la chute de l’Empire ottoman. Sa sculpture intitulée « Bridge » prend pour point de départ un « oud » traditionnel, le baglama, qu’il dépouille, étire et orne de formes et de matériaux propres aux Arméniens dont il illustre ainsi la douloureuse histoire. Lamia Ziadé Née à Beyrouth, cette artiste a commencé sa carrière en tant


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Randa Mirza, Remaking The City, 2011.

Mohssin Harraki Cet artiste marocain explore de puissants thèmes sociaux et politiques, mais aussi les questions de transmission du pouvoir, d’idéologies nationalistes et d’écriture entre illustration, vidéo, installation, photographie et performances. Son œuvre présentée à la galerie Tanit s’inspire des quatrains d’Omar Khayyâm chantés par Oum Koulthoum. Il s’agit d’un livre de verre où l’on voit la partition transcrite en transparence suivre une spirale ascendante. Randa Mirza (La Mirza) Photographe, vidéaste et VJ, Randa Mirza signe sous le pseudonyme « La Mirza » une œuvre visuelle couronnée de plusieurs prix internationaux. Son œuvre présentée à la galerie Tanit est une vidéo performance enregistrée sur le vif sur la musique de Munma (Jawad Nawfal). Il s’agit d’un travail sur Beyrouth destiné à reconnecter la ville avec ses lieux iconiques abandonnés. Roy Samaha et Omar Fakhoury Après une formation en cinéma, Roy Samaha a commencé à exposer ses vidéos en 2003. Son travail est axé sur son histoire personnelle, le deuil et la mémoire des objets. Omar Fakhoury quant à lui est un peintre qui explore par ailleurs l’installation vidéo et l’art public. Ensemble, les deux artistes ont créé une vidéo qui retrace un épisode d’une légende urbaine relaté par

un professeur lors d’une conférence à l’AUB en 1970. Il s’agit de la relation entre le mage Dahesh et la belle sœur du président de la République Bechara el-Khoury, l’artiste et poète Marie Chiha Haddad. Internée, celle-ci dessine un oiseau auquel le mage donne vie et qu’il enferme dans une cage, laissant sa place vide sur la toile. Shirin Abu Shaqra Diplômée avec les honneurs du Studio Fresnoy, cette artiste passe également un mastère en histoire et un DEA en sciences politiques. L’histoire pour la mémoire collective, la musique pour son côté dionysiaque, l’animation pour la distance qu’elle permet, servent son questionnement sur l’exil, le démembrement, l’amour et la parenté. Son installation dans le cadre de cette exposition consiste en films de quelques fractions de seconde répétés en boucle et illustrant la musique filmée de la grande époque de la chanson populaire arabe. Ziad Antar Cet artiste multidisciplinaire, originellement ingénieur agronome, dont certaines œuvres ont été acquises par le Centre Pompidou et le British Museum, s’exprime essentiellement à travers le film et la photographie. Dans sa vidéo exposée à la galerie Tanit, on voit un plan fixe de mains qui jouent sur un piano. Les cordes du piano sont bloquées, il est muet, on n’entend sur les touches que le bruit des doigts qui jouent la Marche turque de Mozart. Une manière détournée d’interroger les conflits sans revenir à l’éternelle question libanaise, puisque la Marche turque célèbre l’élite de l’infanterie turque à un moment où l’Autriche vient de soustraire la Hongrie à l’Empire ottoman. Une marche militaire sans marche et sans militaires. Tout un art de l’ « understatement » et de l’ironie douce-amère. Galerie Tanit, rue d’Arménie, East Village, Beyrouth, www. galerietanit.com

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qu’illustratrice textile, ainsi que de couvertures de disques et d’affiches de films. En 2003, elle s’investit dans un projet de toiles érotiques pop art. Elle participe à de nombreuses expositions collectives dans les foires et musées les plus prestigieux du monde parallèlement à plusieurs expositions en solo. Sous le thème « From Sound to Silence » elle présente des illustrations extraites de son ouvrage sur l’histoire de la pop arabe, « Ô nuit, Ô mes yeux » (2014).


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LES PÉPITES LIBANAISES DE LA RENTRÉE PORTÉE AU PINACLE PAR MASHROU LEILA, INITIÉE PAR ZEID HAMDAN, DISSÉQUÉE ET RECOMPOSÉE PAR DES GROUPES COMME LUMI ET POSTCARDS, LA MUSIQUE POPULAIRE CONTEMPORAINE LIBANAISE ABORDE DES THÈMES UNIVERSELS AVEC UNE IDENTITÉ AFFIRMÉE. LES SORTIES RÉCENTES OU IMMINENTES DE CES GROUPES TALENTUEUX TÉMOIGNENT DE LEUR MATURITÉ ET PROMETTENT À LA SCÈNE LOCALE UN AVENIR DE PLUS EN PLUS BRILLANT. MARIE

Lumi se méfie de la nuit L’excentrique duo electro / krautrock formé de Marc Codsi et Mayaline Hage revient en force avec un nouvel album, The Night Was A Liar. Livré presque dix ans après le précédent, cet album tant attendu propose 8 titres d’au moins 6 minutes chacun, de quoi réjouir les fans. Entre la musique house (“Raised in Fire”) et l’électro des années 80 (“Spring”), chaque chanson évolue de manière libre et organique et on se retrouve vite en immersion totale. Des synthétiseurs en abondance, du passé et du futur, se marient sur des beats électroniques expérimentaux pour créer un effet hypnotique. La voix inflexible et enivrante de Hage rappelle celle de Nancy Sinatra, dans sa détermination et son énergie, notamment sur le superbe “My Love” (sur leur compte Youtube). Un album très intense et stimulant.

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MUSIQUE

« Chargez ! » Mashrou Leila sort un single La chanson n’est autre que “Roman”, un titre souvent joué par le groupe en concert depuis déjà un an, connu des fans. « Roman » parle de trahison et d’hypocrisie mais surtout de détermination. Un cri de guerre précède le refrain: “Chargez! Chargez! Chargez! Chargez!” clamé par le chanteur Hamed Sinno de sa voix chaude et puissante, sur laquelle il superpose un surprenant falsetto dans la deuxième partie de la chanson. Le refrain est biblique: “Les vers sculptent mon corps et la terre me berce, comment as-tu pu me vendre aux Romains? Les vers sculptent mon corps et la terre me berce, comment t’ai-je perdu face aux Romains?”. Le clip met en scène des femmes orientales de tous horizons, telles qu’elles sont habituellement représentées dans les medias occidentaux, mais sans aucune passivité. Les yeux pleins de colère, elles sont groupées autour de la fabuleuse danseuse Dorine Aguilar, portant le voile, qui les guide sur son cheval blanc vers la révolution. La réalisatrice, Jessy Mousallem, explique que la

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vidéo est engagée contre la victimisation et l’infantilisation de la femme musulmane et orientale dans les medias occidentaux. Il s’agit de sensibiliser à la cause du féminisme intersectionnel, un féminisme qui prend en compte les différences entre les femmes, y compris leurs convictions religieuses ou autres, plutôt que d’être réservé uniquement aux femmes blanches correspondant à certains critères. Sur la vidéo, les membres du groupe n’apparaissent que très brièvement, Sinno à l’arrière d’un vieux pick-up au milieu de ces femmes orientales, en marche vers la révolution. Moussallem explique avoir mis l’emphase sur les femmes, les hommes étant relégués au second plan dans cette revendication féminine. Mashrou Leila, qui a été banni de Jordanie deux fois de suite après la sortie de l’album Ibn El Leil, reste malgré tout sur sa position de défenseur actif de la communauté arabe et musulmane auprès du public occidental, réaffirmant cette volonté dans une déclaration Facebook récente. Une chanson nécessaire.


Dans l’océan de Zeid Hamdan Zeid Hamdan, le pionnier de la scène underground libanaise lance un nouvel EP, “Mouhit” (Océan). Dans cet album nostalgico-comique, Hamdan de sa voix douce et envoutante soigne la violence par l’autodérision. Une grande diversité de styles se mélange sur cet opus. Sur “flot”, Hamdan expérimente les trésors rythmiques de l’arabe libanais sur un funk dansant, ponctué de bruitages insolites. Sur “Mekdas w Abel” il déploie un electro-reggae doux-amer. “Mouhit”, la chanson la plus électro de l’album, fait l’effet d’un voyage, un road trip en technicolor à travers les petits bonheurs de la vie libanaise. Enfin “Oulouleleh” sur laquelle Hamdan est rejoint par le chanteur Mohamed Abdallah (du groupe “El Moraba3”), part sur de la soul orientale déchirante, pour basculer dans un rock vibrant, tout cela enrobé d’harmonies vocales planantes et colorées. Un bonheur d’album, d’une grande originalité.

et du ukulele, pour aller plutôt vers la dream pop et le rock alternatif. L’album parle de ce par quoi passent les membres du groupe, dans le milieu de leur vingtaine, un peu perdus entre découvertes et désillusions.” Sur cet album, la guitare est plutôt électrique et la batterie, acoustique, comme on peut le constater sur les titres “Bright Lights” et “Flying Saucers”. A quelques exceptions près, comme sur le très doux “Wide Awake”. La voix aérienne et onirique de Sabra, d’une sensibilité extrême, donne la chair de poule, Un album prometteur que nous attendons avec impatience.

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Une surprise Postcards attendue cet automne Le groupe indie libanais formé en 2012 avait déjà sorti deux EP (Ndlr: Extended Play) Lakehouse (2013) et What Lies So Still (2015) qui avaient rencontré un vif succès et offert au groupe plusieurs tournées à travers le monde. Cette fois-ci ils se sont lancés dans la création d’un album en bonne et due forme, au titre encore inconnu. Julia Sabra, chanteuse et guitariste du groupe, nous a confié que “les EP ont permis à Postcards d’expérimenter et de trouver leur son. Sur le nouvel album, le groupe construit sur ces découvertes. Il s’éloigne de la folk


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MUSIQUE

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UN TRAIT DE PINK DANS LE MARTINI LE 19 JUILLET, PINK MARTINI ENFLAMMAIT LA SCÈNE DE BEITEDDINE. RENCONTRE AVEC CHINA FORBES, L’ÉGÉRIE FÉMININE DU GROUPE AMÉRICAIN, QUELQUES JOURS AVANT L’ARRIVÉE DES MUSICIENS À BEYROUTH. L’ANCIENNE DIPLÔMÉE EN ARTS GRAPHIQUES DE HARVARD, ACTRICE ET CHANTEUSE LYRIQUE, RÉPOND À NOS QUESTIONS. D E

C LE R M O N T-T O N N E R R E

PHOTOS CHRIS HORNBECKER

P H I LI P P I N E


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Pink Martini est un groupe à l’ADN cosmopolite. Cela fait déjà un point commun avec le Liban. Connaissiez-vous ce pays ? Nous étions déjà venus deux fois et je garde un souvenir merveilleux de ce pays. Nous avons mangé une nourriture délicieuse, visité de magnifiques mosquées et rencontré des fans adorables. Cette fois-ci, j’espère pouvoir rendre visite à quelques amis libanais pour qu’ils me fassent découvrir le vrai Beyrouth ! J’ai toujours su qu’il y avait quelque-chose de sympathique entre Pink Martini et le Liban. Nous avons toujours cherché à rassembler les gens de différents milieux et cultures. Notre groupe comprend des artistes d’horizons musicaux variés. Tous ensemble nous réalisons ce mélange incroyable de sons qu’est Pink Martini et il se trouve que c’est précisément aussi une des particularités du Liban. Nous sommes certains que la connexion avec le public sera fantastique à Beiteddine. Que ressentez-vous lorsque vous chantez en arabe ? Chanter en arabe est un vrai défi car il y a tellement d’accents différents. J’ai appris la chanson « Bukra w’ baado » avec un coach égyptien et « Al Bint al Shalabiya » avec un Libanais, le fabuleux Ikram Goldman qui interprète ce titre sur notre nouvel album. J’espère pouvoir être comprise et réussir à faire passer les émotions que contient cette chanson. Chanter en arabe suscite un sentiment assez sexy, ce qui aide ! Y a-t-il un univers musical que vous n’avez pas encore exploré ? Je voudrais découvrir le Maroc et rêve de visiter Copenhague. Il y a dans ces deux pays un design et une esthétique que j’adore. Je voudrais explorer l’architecture et les marchés, les carrelages et les meubles… Musicalement, j’ai toujours envie d’aller en Amérique du Sud et en particulier au Brésil. Votre passion pour la mode est légendaire, à quand remonte-t-elle ? Depuis toute petite, j’ai toujours été obsédée par la mode et la beauté. Ma mère laissait en permanence trainer un Vogue ou un Harper’s Bazaar à la maison, et j’ai appris à me maquiller grâce aux pages de ces magazines. Je dessinais des femmes aux tenues fabuleuses, aux coiffures insolites, et rêvais de pouvoir un jour confectionner moi-même des vêtements. Enfant, j’aimais les marques Esprit, Naf Naf, Morgane le Fay, Canal Jeans et Fiorucci,

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Charivari, Norma Kamali, Marc Jacobs pour la collection grunge qu’il a réalisée chez Perry Ellis. Un jour, j’ai eu la chance de porter Nina Ricci, Lanvin par Alber Elbaz, Carolina Herrera, et tous les magnifiques stylistes que je trouve à Chicago à la boutique « Ikram », notamment le couturier libanais Rabih Kayrouz. Sur quels projets travaillez-vous actuellement ? Il paraît qu’on pourrait vous voir bientôt au théâtre ? En parallèle des tournées avec Pink Martini pour notre prochain album « Je Dis Oui », j’ai été très occupée à écrire les chansons de mon prochain album en solo. Je travaille aussi à une comédie musicale, un rêve de toujours. J’ai fait mes débuts au théâtre et j’ai toujours pensé que je remontrai un jour sur les planches. J’ai aussi exploré l’opéra et souhaiterais faire un album d’arias de Puccini à Verdi en passant par d’autres grands compositeurs. Enfin, « The Polka King » le prochain film de ma sœur (NDLR: la cinéaste Maya Forbes) avec Jack Black, va bientôt sortir et j’y tiens un tout petit rôle. Beaucoup de choses à venir donc. Vous êtes une artiste engagée. Qu’est ce qui vous révolte le plus dans la vie ? Le racisme, la pauvreté et l’extrémisme sous toutes ses formes. Les gens ont encore besoin d’apprendre à accepter leurs différences, à les célébrer au lieu de chercher à les anéantir. Continuer à chanter dans plusieurs langues, embrasser plusieurs cultures, révéler leur beauté est pour moi une manière de sensibiliser à tout cela. Après la naissance de votre fils vous avez opéré un certain retrait de la scène. Avez-vous aujourd’hui trouvé votre équilibre? Combiner mon amour de la vie de famille et celui des concerts a bien sûr constitué un défi. Voyager est un bonheur. J’adore l’aventure des tournées et rencontrer des fans à travers le monde. Je voudrais ne jamais m’arrêter de chanter et d’écrire des chansons. J’adore aussi être à la maison avec mon fils, mon petit ami et mes amis à Portland. Je nourris toujours le rêve de pouvoir me trouver dans plusieurs endroits en même temps. J’ai un emploi du temps plutôt chargé maintenant, et faire en sorte que tout continue de rouler n’est pas de tout repos. J’essaie de ne pas oublier de souffler ! Le fait de chanter aide vraiment beaucoup à ce niveau.


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ALAN GEAAM, DE LA GUERRE AUX ÉTOILES «AH BON, T’ES FOOD CRITIC MAINTENANT» A RÉAGI MA COPINE LORSQUE JE LUI AI ANNONCÉ MON INTENTION D’ÉCRIRE SUR UN RESTAURANT GASTRONOMIQUE. JE LAISSE DONC LES INSPECTEURS MICHELIN JUGER DE LA CUISINE D’ALAN GEAAM. APRÈS LEUR PASSAGE DANS SON NOUVEAU RESTAURANT, ILS ONT TWEETÉ : «SA VIE RESSEMBLE À UN ROMAN, SA CUISINE EST UN PONT ENTRE DEUX CULTURES... QU’ELLE EST ÉMOUVANTE LA TABLE D’ALAN GEAAM À PARIS 16». S A B Y L

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PHOTOS ALBAN COUTURIER

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GASTRONOMIE

Tout aussi émouvante est la vie d’Alan Geaam. Né au Libéria en 1975, il quitte ce pays avec ses parents pour Tripoli, au nord du Liban, après le coup d’état de Samuel Doe. Il n’a que cinq ans. Sa mère est originaire de Mina, son père de Denniyeh. Une grande partie de sa famille s’est exilée aux Etats-Unis et en Australie, mais lui finit par grandir sous les bombes. Le Liban connaît une guerre civile meurtrière et Alan n’a qu’un rêve : voyager à Paris et apprendre la gastronomie française. La présentation, le détail, la mise en place, tout le fascine dans ces plats qui ressemblent à «des tableaux, des œuvres d’art». Marmites et sac à dos Sa mère lui a transmis la passion de la cuisine. Matinale, elle préparait à déjeuner et dîner tous les jours et sa table était ouverte à tous. «C’était ça, sa vie. Faire plaisir aux gens, les rendre heureux. Elle m’a toujours impressionné à donner tellement sans rien attendre en retour.» Accroché à ses jupes, Alan grattait le fond des casseroles et goûtait à tout ce qu’elle mijotait. Feuilles de vignes farcies, Chich Taouk, Moghrabieh, tout y passait. Son père tenait une épicerie. Les temps étaient durs. Il attendait avec lui devant la boulangerie, à quatre heures du matin, pour acheter le pain qu’ils revendraient deux fois son prix quelques heures plus tard. «À l’époque, je détestais ça. Mes parents avaient beau m’expliquer : «c’est la guerre, on doit le faire pour survivre», je les regardais et pleurais. En grandissant, j’ai bien sûr compris et beaucoup appris de cette période.»

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À ses 18 ans, il quitte le pays juste avec un sac à dos. Ses parents le regardent partir, impuissants. «Tu sais comment on est à cet âge» me dit-il. D’abord Prague, puis Milan et enfin Paris. Fier et ambitieux, il ne connaissait personne mais croyait en sa bonne étoile. Après quelques nuits à dormir sur le Champ-de-Mars, il rencontre sur le terrain de basket-ball un jeune Algérien qui lui propose du travail sur un chantier. Car Alan est sportif. La cuisine et le sport sont pour lui les deux faces d’une même médaille. Jamais l’un sans l’autre. «J’ai toujours lié le sport et la cuisine. Je boxe deux, trois fois par semaine. De la boxe anglaise. J’ai beaucoup de personnel, de responsabilités. Pour gérer ça au calme et le mieux possible, j’ai besoin de me défouler dans une salle». La leçon de Mike Tyson Quelques mois à peindre des murs et des façades lui suffisent pour rencontrer un Libanais qui l’emploie dans son restaurant. Nuit et jour, il travaille. En journée, les chantiers et le soir, la plonge. Sérieux, il se retrouve au fourneau. Mais il n’est pas venu à Paris pour rester dans le giron de sa communauté. Il est là pour réaliser son rêve d’enfance : cuisiner français. Entre les Algériens et les Egyptiens sur les chantiers puis les Libanais au restaurant, l’arabe lui a toujours suffi depuis son arrivée. Parfois quelques mots d’anglais ici ou là. Cela lui jouera des tours lors de son entrée dans la cuisine du


Étoiles à l’horizon S’ensuit une succession de projets plus ou moins heureux, mais en ce mois de juillet 2017, Alan est propriétaire de Nicolas Flamel, sous l’enseigne Alan Geaam, son premier établissement de haute gastronomie où je suis attablé face à lui. «J’aimerais devenir le premier chef libanais étoilé. Peut-être l’année prochaine...» me confie t-il. Autodidacte, Alan sert «une cuisine française avec quelques clins d’œil au Liban ou au voyage». Les années ont passé, les complexes aussi et aujourd’hui, ses origines, il les revendique. Assis à côté de moi, son fils Enzo, franco-libanais, adore passer ses étés au Liban et rêve d’être chef. Son dessert préféré dans le restaurant de son père? «La texture de fraise gariguette, poivre blanc de Penja ou plutôt non, la figue noire, chocolat Alpaco, jallab.» En fait, il les aime tous. Comme moi. Alan Geaam, 19 Rue Lauriston, 75016 Paris.

PHOTOS ALBAN COUTURIER

Totem - aujourd’hui Café de l’Homme. Après trois semaines d’essai, le chef lui dit : «T’es souriant, bosseur, sympathique mais il y a un problème de communication. Je ne peux pas te garder.» Alan demande une dernière chance. «Avec de la persévérance et de l’endurance, on peut obtenir ce qu’on veut» a dit un jour Mike Tyson, un des boxeurs qu’il admire. Deux qualités qu’Alan possède. Un livre de cuisine dans une main et de langue française dans l’autre, il fait ses preuves et devient chef. Le Zango, Le Mauzac, Le Square, Ma Bourgogne, les cuisines des restaurants se succèdent jusqu’à l’ouverture de son premier établissement en 2007. Il rachète Nicolas Flamel avec des emprunts à gauche, à droite et de l’argent mis de côté. Les débuts sont difficiles, il se retrouve à travailler du lundi au jeudi à Saint-Tropez en tant que chef et le reste de la semaine à Paris dans son bistrot.


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SAVEURS

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MATCHA MANIA UNE AMERTUME SUBTILE ET UNE POINTE DE DOUCEUR, LE MATCHA, THÉ VERT EN POUDRE, PARFUME DÉSORMAIS CAKES, BRIOCHES, MILKSHAKES, MACARONS, GLACES OU CHOCOLAT.

Umami Matcha Café, 22 rue Béranger, Paris 3e

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Lady M, 41 East 78th St, New York

Blue House Tea, Rue Gouraud, Beyrouth

Sucré ou salé? Ni l’un ni l’autre, le matcha est « umami », complexe et subtil. Au thé souvent amer, le matcha oppose son gout savoureux, doux et onctueux. En effet cette sensation de moelleux que l’on découvre lorsque l’on goute un thé ou un financier au matcha pour la première fois peut surprendre. Cette saveur indéfinissable se dit en japonais « umami », et se distingue des goûts plus évidents, le sucré, l’acide, l’amer ou le salé. C’est son effet surprenant sur les papilles qui fait l’attrait du thé Matcha qui sort du cercle de ses initiés pour devenir un ingrédient de choix dans de multiples préparation de boissons, desserts, mais aussi de plats salés. Le thé matcha se distingue des autres thés par sa texture particulière : une poudre fine. Cette poudre est obtenue après broyage des feuilles à l’aide de meules en pierre. A l’inverse des autres thés, le matcha n’est pas infusé. Les feuilles de thé broyées sont absorbées à la dégustation. Pour préparer le matcha, la poudre est d’abord dosée, puis mélangée à l’eau chaude dans un bol à thé, un Chawan, à l’aide d’un fouet en bambou, le Chasen, pour obtenir un mélange lisse. La préparation du thé en poudre remonte a plus de huit cents ans en Chine, mais c’est au Japon qu’elle prend ses marques avec la création des premières règles du rituel Chanoyu (eau chaude du thé), la cérémonie du thé japonaise décrite par Murata Jukō, plus tard codifiée par Sen no Rikyū au XVIe siècle. La beauté des gestes et des objets reflète une quête de beauté intérieure. Traverser une porte basse en signe d’humilité, se laver les mains pour la purification, et s’agenouiller par respect sur un tatami pour boire le thé, ces gestes rythmés par respect pour l’harmonie et la tranquillité garantissent une transmission de valeurs. Depuis le XIXe siècle, les feuilles de thé destinées au matcha sont cultivées à l’ombre, puis dépliées pour le séchage, ce qui leur donne leur goût particulier, à la fois riche, doux et raffiné. Les restaurateurs et bars à thé branchés, tout comme les industriels s’en sont emparés et déclinent le matcha dans leurs recettes : On trouve désormais du Kit-Kat parfum matcha, du Merry Cream au thé vert matcha et des centaines d’autres déclinaisons. Riche en caféine et catéchine, le matcha possède des vertus énergisantes et anti-oxydantes. Son goût délicat, ses bienfaits et l’esprit qu’il évoque entre exotisme, zen et traditions ancestrales en font un ingrédient de choix.

CARNET D’ADRESSES Umami Matcha Café Ouvert il y a un peu plus d’un an le Umami Matcha Café sert des spécialités venues du Japon dans un esprit coffee shop new yorkais au cœur de Paris. Au choix, formule brunch avec pancakes ou croissant au matcha et granola au Yuzu, gaspacho de courge à l’huile de sésame et miso rouge ou tiramisu au matcha. (22, rue Béranger, Paris 3e) Lady M Avec ses confections aussi jolies qu’exquises, inspirées de pâtisseries traditionnelles du Japon, Lady M est le pionnier du mille-crêpe. Touristes et locaux accourent dans les boutiques au design épuré de New York, Singapour ou Hong Kong pour le savourer au matcha, chocolat, fruit de la passion ou Earl Grey. (41 East 78th St, New York) Blue House Tea Pause boisson et pâtisserie, formule brunch ou afternoon tea, le Blue House Tea propose de s’échapper du brouhaha de la ville dans un jardin niché au cœur de Gemmayzé, pour déguster sandwiches « Victoria », scones à la confiture ou pyramides « Kyoto » au matcha tout en sirotant son thé. (Rue Gouraud, Beyrouth) Toraya Depuis le XVIe siècle, la maison Toraya confectionne des pâtisseries traditionnelles japonaises comme des œuvres d’art. La boutique salon de thé parisienne de ce grand classique voit le jour en 1980 pour faire découvrir les wagashi, pâtisseries délicates à base de farine de riz, de blé, d’agar-agar et d’azuki, et autres spécialités à déguster accompagnées d’un thé vert (10, rue Saint-Florentin, Paris 1er) Oslo Au menu du glacier fondé en 1997 par Nayla Audi, qui n’hésite pas à tenter des parfums originaux de glaces ou sorbets, se glisse la glace parfum thé vert matcha, ainsi que des gâteaux : angel cake, pound cake, tartes et cookies au matcha. (Rue de Madrid-Mar Mikhaël ou avenue Koraytem-Verdun, Beyrouth) Awan Tea Comptoir de thé, Awan introduit à Beyrouth un espace pour les passionnés et propose des découvertes venues d’Inde, de Chine, d’Afrique ou du Japon avec aussi à la carte des spécialités libanaises de thés parfumés et de mélanges inédits. (Avenue Chafic Wazzan, District du Port, Beyrouth)


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SAVEURS

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SECRET DE GLACE LES DAOUK, LEUR NOM EST PARTOUT DANS BEYROUTH TANT LEUR HISTOIRE EST LIÉE À CELLE DE LA VILLE. BEIT DAOUK, RUE DAOUK, IMMEUBLE DAOUK…IL RESTAIT À DÉCOUVRIR LA GLACE DAOUK, OU PLUTÔT « BOUZET JEDDO », CRÉÉE PAR TAMARA DAOUK EN HOMMAGE À SON GRAND-PÈRE, ANIS. M Y R I A M

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PHOTOS CHAFIC ARISS

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SAVEURS

Anis Daouk, avocat débonnaire et grand amateur de desserts, consacrait son temps libre à confectionner de la glace selon des recettes et un idéal dont lui seul avait le secret. Parti il y a six ans, il n’avait jamais voulu faire commerce de sa passion, mais il offrait volontiers le produit de ses savoureuses expériences à ses proches, ses nombreux amis, et finalement tout le voisinage. Même les réparateurs qui passaient à son domicile, rue Bliss, pour divers travaux, repartaient chargés de ce dessert exclusif dont l’ingrédient de base était une solide dose d’amour. La bonne nouvelle c’est qu’Anis Daouk avait un fervent marmiton : sa petitefille Tamara qui, avec la complicité de son propre père, a décidé de perpétuer cette tradition familiale en élargissant le cercle des dégustateurs et des initiés. C’est ainsi qu’a été créé «Bouzet Jeddo» (la glace de papy), une petite boutique nichée rue Bliss, au pied de l’immeuble familial. Avec sa devanture encadrée de violet, de vert et de jaune dans l’esprit «Notting Hill», impossible ni de la rater ni de résister à la tentation de s’y arrêter. La petite-fille de « jeddo » Tamara Daouk a grandi en France. Juste après le bac, elle suit une formation en pâtisserie professionnelle à l’Ecole Ritz Escoffier à Paris, de quoi faire sourire d’aise son grand-père. Mais elle prend quand même le chemin de l’université. Dans la foulée d’une première licence en littérature, civilisation et linguistique anglaise à la Sorbonne, elle poursuit à Londres une formation en gestion d’évènements. Elle travaille ensuite à Dubaï dans l’événementiel : un an dans un théâtre, et une autre année avec Jumeirah Group. En 2015 elle décide de rentrer à Beyrouth et de

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renouer avec sa passion pour la pâtisserie. Son premier élan est de créer une marque de gâteaux maison, Sweetamis. Mais constatant la saturation du marché dans ce domaine, elle prend son courage à deux mains, dépasse l’émotion et le tabou lié à la glace d’Anis, et se lance avec la complicité de son père dans la perpétuation de la tradition familiale. Comme un ultime hommage, comme la prolongation d’un rite et la cristallisation d’un souvenir, elle accroche l’enseigne « Bouzet Jeddo » à l’endroit même où Anis répandait du bonheur en petits bacs gelés et colorés. Un privilège qui oblige Aînée des petits-enfants d’Anis, Tamara Daouk a eu le privilège de devenir en grandissant l’ « apprenti-glacier » de son grandpère. Comme Anis, on ne la verra jamais mettre dans ses glaces des ingrédients autres que naturels, ni préservatifs, ni crème, ni œufs. La jeune entrepreneure qui prépare elle-même la base des parfums achète ses produits, en bonne gardienne du secret, chez les fournisseurs de son grand-père. La gamme artisanale de sorbets et glaces « Bouzet Jeddo » décline des parfums phares: chocolat-orange, praline, lait-mastika, chocolat-menthe et sorbets aux fruits de saison, mures, abricots, framboises selon arrivage. Tamara ne s’est pas contentée de perfectionner les glaces de son grand-père. Elle a conçu la présentation de ses produits. Flattant l’art d’offrir à la libanaise, elle a conçu des verrines individuelles présentées en coffrets de dégustation de douze, seize, ou vingt boules. Une expérience réjouissante qui attend les Beyrouthins rue Bliss toute l’année, et les vacanciers à Fakra au mois d’août.


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SAGA

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LE GRAND TOUR Les éditions teNeues publient ce beau livre qui rend magnifiquement hommage au monde du voyage et au tourisme tels qu’ils se sont développés depuis plus de deux siècles. Au fil des pages, on traverse les époques avec pour fil conducteur le moyen de transport qui les révolutionne : de la calèche au Simplon-Orient-Express, des transatlantiques de la White star line ou de la Cunard à la première Ford T, du malheureux dirigeable Hindenburg au rutilant Constellation de Lockheed, jusqu’au supersonique Concorde… C’est l’histoire de l’avènement de moyens de locomotion extraordinaires qui accompagnent, qui aiguillonnent aussi, la haute société dans un art de vivre, de découvrir, de profiter des richesses qu’offre le monde de plus en plus accessible, et pendant longtemps, à mesure que les distances et le temps se réduisaient, le confort et le luxe grandissaient… C’est avec une réjouissante nostalgie que l’on revoit Marlène Dietrich assise sur ses bagages en partance pour les États-Unis sur le Bremen en 1932, Chaplin et Paulette Goddard, épousée en Chine dans le plus grand secret, sur le pont du President Coolidge en 1936, Jackie Kennedy en anorak rouge faire de la luge à Gstaad en 1966, ou encore Grace Kelly faisant cap sur Monaco pour épouser le prince Rainier en 1956… le livre retrace enfin la naissance des palaces et resorts légendaires, la construction des gares et aéroports signés des grands noms de l’architecture et des arts, sans oublier les lieux et routes mythiques qui drainent une iconographie réveillant en tout voyageur un même et éternel appel.

“L’âge d’or du voyage”, texte de Stefan Bitterle, éditions teNeues. sortie en avril 2017. www.teneues.com

PHOTO BETTMANN ARCHIVE/GETTY IMAGES.

PAR JEANNE PROPECK


Le Disneyland d’Anaheim, en Californie, existe depuis 1955. Walt et Lillian Disney au volant d’une voiturette rétro, 1966.


PHOTO ARCHIVE PHOTOS/GETTY IMAGES.

En Combi Volkswagen, cap sur la chaîne Teton, dans les Rocheuses, Wyoming, 1965.


Cabine d’un prototype de L-1011 TriStar de Lockheed, 1968. Prévu pour 400 passagers, le gros-porteur est l’ultime tentative du constructeur aéronautique pour se convertir à l’aviation civile.


PHOTO ROLLS PRESS/POPPERFOTO/GETTY IMAGES.


Jour d’affluence à Daytona Beach, en Floride, 1957.


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ÉVASION

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LUXE, CALME ET SÉRÉNITÉ AU SEIN DE NOS SOCIÉTÉS MONDIALISÉES ET HYPER-CONNECTÉES, ON ASSISTE À L’ÉMERGENCE DU SLOW TRAVEL, DES VOYAGES PLUS LENTS, PLUS ÉCOLOGIQUES ET PLUS SOLIDAIRES. UN VIRAGE QUI SÉDUIT DÉSORMAIS LA CLIENTÈLE DES PALACES.

Gotland, une île perdue entre la Suède et les pays baltes. Sur sa côte est, un paysage post-apocalyptique où trônent bâtiments désaffectés et monts lunaires d’une ancienne exploitation de calcaire. À quelques mètres, des maisons en bois comme construites par les survivants d’une attaque de zombies et des lotissements industriels reconvertis où les grandes verrières laissent deviner des rangées de tables en bois et de bancs recouverts de peaux de bêtes. Bienvenue au Fabriken Furillen, l’un des hôtels les plus convoités du moment. Le photographe Johan Hellström a construit lui-même, en dix ans, ce refuge où le luxe est celui du silence absolu. “J’étais fatigué de cette surconsommation”, explique-t-il, “je voulais que les clients se lèvent avec la lumière et les sons de la nature et non les bruits générés par les inventions humaines.” Personnel presque inexistant, cuisine ultra-minimaliste à base d’ingrédients de la ferme de l’hôtel, chambres isolées sans électricité ni eau courante, la description a de quoi faire fuir les amateurs de cinq étoiles. Il n’en est rien. Avec des prix entre 250 et 520 € la nuit, l’hôtel affiche déjà presque complet. “Je pense que le vrai luxe, dans le futur, sera celui de se reconnecter avec la nature mais surtout avec ses propres sens”, conclut-il. Loin de la foule déchaînée Les vacances comme nouveau contrepoint à nos modes de vie ultra-rapides, ultraconnectés et surtout ultra-planifiés, voilà le propos du slow travel, mouvement né dans les années 2000 et démocratisé depuis

E U G É N I E

par des hôtels prêts à nous forcer à lâcher prise. Quand certains prônent la digital detox en bannissant portable et connexion wifi, d’autres poussent plus loin encore. À Comporta, station balnéaire portugaise prisée par le gotha mode, l’architecte Manuel Aires Mateus a converti des cabanes de pêcheurs au milieu des marais en huttes quasi monastiques ; certaines ont des douches en plein air et des salons les pieds dans le sable. À la disposition des locataires, des chevaux, des canoës et des vélos. Le client type du Cabanas no Rio ? Celui prêt à débourser de 200 à 700 € pour une nuit au milieu de nulle part – on est loin du jeune altermondialiste et de ses yourtes à toilettes sèches dans le Larzac. “Une grande partie de ces clients avaient l’habitude de fréquenter de grands hôtels, mais ils ne sont plus dupes de ce qu’on leur vend, que ce soit des mers turquoise qui se révèlent polluées, ou dans l’assiette, des produits qui ne sont en fait pas locaux du tout”, analyse Vincent Grégoire, responsable du pôle luxe et art de vivre chez Nelly Rodi. “Certains sont aussi lassés des paysages de carte postale, ils veulent se confronter à une nature plus brute, plus primaire, où l’empreinte de l’homme et peu ou pas présente.” Summum du luxe, le Null Stern, en Suisse, établissement construit dans un abri antiatomique et qui a installé, l’année dernière, une chambre sans murs, sans toit et sans salle de bains, seule à 1 800 mètres d’altitude. En guise de room-service, des majordomes en gants blancs pour accueillir les hôtes et un petit déjeuner servi par un des habitants du village voisin. Le but ? Vivre avec les cycles

A D DA

naturels, ses beautés brutes et les petits désagréments que l’homme s’est toujours appliqué à combattre : les températures qui baissent pendant la nuit, le vent, le soleil qui tape le matin, les insectes qui s’invitent sous les draps… Dans des resorts ultra-luxueux, comme le sublime Pura Vida, au Costa Rica, les clients ont la possibilité d’échanger leur suite tout confort contre une tente (presque) rudimentaire située à quelques centaines de mètres. Même esprit au Loisaba, où les huttes privées sur pilotis, perdues dans une réserve naturelle kenyane, disposent toutes de chambres ouvertes ou d’un lit supplémentaire sur la terrasse, pour dormir à la belle étoile. En harmonie avec la nature Autre nouveau phénomène, le “glamping”, qui permet de découvrir une région reculée en s’épargnant la corvée des excursions organisées. Au Japon, face au mont Fuji, s’est ouvert l’Hoshinoya Fuji qui remplace les habituelles tentes par des cabines futuristes, confie à ses clients un sac à dos avec nécessaire de survie pour aller dormir à la belle étoile et leur donne la possibilité de faire eux-mêmes leur barbecue en pleine nature. “C’est aussi le résultat d’une peur croissante de la catastrophe écologique”, reprend Vincent Grégoire. “On voyage avec en tête l’idée qu’on ne reverra peut-être plus jamais ces paysages.” Évidemment durable, le glamping cherche aussi à réduire au minimum l’empreinte humaine sur l’environnement. Dans la vallée de l’Algarve, au Portugal, le camp de surf

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Le Pura Vida, au Costa Rica.

REPORTAGE

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“SE CONFRONTER À UNE NATURE PLUS BRUTE, PLUS PRIMAIRE, OÙ L’EMPREINTE DE L’HOMME ET PEU OU PAS PRÉSENTE” Vincent Grégoire, chez Nelly Rodi

De gauche à droite : Shash Dine en Arizona. Au pied du mont Fuji, une excursion du Hoshinoya Fuji. Le van de la famille Harteau, dans la Serranía de Hornocal en Argentine. Fabriken Furillen en Suède. Loisaba eu Kenya. Tipy Valley au Portugal.

instagrammer contre une oisiveté totale et une découverte approfondie de la culture de l’île, rendue possible par des durées de séjours de plus en plus longues. Pour Vincent Grégoire, “on ne veut plus vivre dans un ghetto déconnecté de la réalité, où tout est fait pour amuser les touristes. On veut désormais s’immerger, vivre comme les locaux”. Plus frappant encore, l’avènement du slow travel comme nouveau mode de vie. Là où certains continuent de passer l’année entre jets privés et cinq étoiles, d’autres lâchent leur confort bourgeois pour parcourir le monde en famille et en caravane. C’est le cas de la famille Harteau, des Californiens pur jus lancés sur les routes depuis 2012. “Ce qui ne devait être qu’un road-trip d’un an à travers les États-Unis s’est transformé en projet de vie”, explique Emily Harteau. “Après cinq mois de voyage en van, nous

avons décidé de ralentir le rythme et d’arrêter de tout planifier, nous voulions nous ouvrir à l’inconnu.” Depuis, leur blog et leur compte Instagram Our Open Road sont alimentés, quand leur connexion le permet, de clichés racontant leurs aventures à travers le monde, des plaines du Pérou aux montagnes de Nouvelle-Zélande, qu’ils parcourent avec leurs deux petites filles. “Mais au-delà des lieux que nous visitons, le plus bel aspect de ce voyage est les rencontres que nous pouvons faire”, reprend Emily. Tourisme participatif Se reconnecter avec l’autre et s’initier à des cultures étrangères tout en s’impliquant dans des activités locales, c’est aussi le propos du slow travel, qui prône une immersion dans le pays de destination, l’appropriation culturelle caricaturale en

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Tipi Valley se compose de quelques tentes à partager ou à privatiser et d’une salle de bains commune en plein air fonctionnant à l’énergie solaire, où l’utilisation de l’eau est strictement limitée. Au-delà de l’expérience spectaculaire proposée par ces endroits loin de tout, le succès de ces nouveaux hôtels est la manifestation d’un phénomène plus global, l’émergence d’une nouvelle conscience écologique. C’est aussi la tentation d’un retour à un mode de vie plus primitif, à un essentiel que la plupart des membres des sociétés mondialisées n’ont jamais connu. En témoigne l’engouement récent pour l’île grecque d’Hydra, où les voitures sont interdites et le nombre de touristes limité. On y circule à pied ou à dos d’âne, troquant la visite effrénée des sites archéologiques et la recherche permanente du spot à


moins. “Parfois les gens ont été choqués par la situation sociale, écologique ou politique d’un pays. Ils ressentent le besoin de s’impliquer personnellement, par opposition à l’obsession du collectif qui caractérise nos sociétés”, analyse Vincent Grégoire, “se reconnecter avec la nature, c’est aussi se reconnecter avec la sienne.” Récemment lancé, le site Les Nouvelles Terres propose des voyages immersifs à la carte, avec un hébergement chez l’habitant ou en éco-lodge. Plus que la recherche d’une expérience différente, l’avenir du slow travel se trouverait aussi dans un tourisme participatif. Au Shash Dine, campement éco-responsable installé dans une réserve Navajo en Arizona, on prône une immersion en douceur dans la culture locale, dans un objectif de sensibilisation à la cause amérindienne. Des organismes

français comme Double Sens ou Terres d’Aventure proposent des séjours solidaires où, contre une participation financière importante mais justifiée, les clients transforment leurs vacances en missions humanitaires ou éco-volontaires. Même les cinq étoiles s’y mettent. Implanté dans les pourtant très controversées Maldives, le Four Seasons at Landaa Giraavaru propose à ses clients de s’impliquer dans la restauration de la barrière de corail et la préservation des espèces marines en participant à des plongées aux côtés du biologiste Guy Stevens. Certains analystes parlent de “voyage transformationnel”, dont les adeptes, souvent des populations jeunes, urbaines et ultra-connectées, rechercheraient plus une augmentation de leurs capacités qu’un réel besoin de contribution. Un simple ego trip le slow

travel ? “Peu importe la motivation de chaque individu, conclut Emily Harteau, “nous espérons que chacun puisse se secouer comme il le peut, et ose agir pour ne pas vivre hanté par un perpétuel ‘et si…’” Fabriken Furillen : www.furillen.com Cabanas no Rio : www.cabanasnorio.com Null Stern : www.null-stern-hotel.ch Pura Vida : www. puravidaspa.com Loisaba : www.elewanacollection.com Hoshinoyafuji : www.hoshinoyafuji.com Tipi Valley  : www.surfalgarve.com Shash Dine  : www.shashdine.com Four Seasons at Landaa Giraavaru : www.fourseasons.com L’ I n s t a g r a m d’Emily Harteau : @ouropenroad Les agences : www.lesnouvellesterres.fr, www.doublesens.fr, www.terdav.com


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L’HÔTEL AUX COULEURS DE L’ESTÉREL Peut-on encore créer un refuge élégant sur la Côte d’Azur ? Oui, et mieux que ça : on peut ouvrir Les Roches Rouges, nouvel éden conçu par le duo d’architecte Festen. Une relecture contemporaine de la nonchalance.

Photo Benoît Linero PHOTOS C. PETILLON, DR

PAR EUGÉNIE ADDA


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De gauche à droite, une des nombreuses vues sur la mer, le restaurant gastronomique La Terrasse, deux des chambres, des poissons pêchés localement et un espace de vie.

PHOTOS BENOÎT LINERO

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a Riviera d’Alain Delon n’est plus. Dans les stations de la Côte d’Azur, la tendance est aux terrasses en plastique, aux rues commerçantes bondées et aux langoustines surgelées servies dans un restau de plage qui, pour avoir réussi à rentrer cinquante transats sur ses dix mètres carrés de sable, commet l’affront de s’appeler “plage privée”. C’est à vous en faire oublier les beautés calmes de la Méditerranée, l’ocre brut de sa côte, le chant des cigales qui malgré tout persiste. Pas si vite, un nouvel arrivant fraîchement installé à Saint-Raphaël pourrait bien redonner à la Riviera cette nonchalance solaire qu’on aime tant.

on rentre plus épuisé encore. On pourrait vivre aux Roches Rouges toute l’année et n’en sortir que pour une randonnée dans le parc naturel de l’Esterel ou une virée sur l’île d’Or. On pourrait y passer sa vie pieds nus, à lire sur la grande terrasse blanche, à jouer à la pétanque et au pingpong, à assister aux séances de cinéma privées et aux expositions organisées sur place, ou même à n’y rien faire du tout, enfoncé dans un fauteuil “Butterfly” face à l’azur. Le jardin, reflet de l’intimidante

La nature, le souvenir, la joie L’hôtel Les Roches Rouges pouvait-il mieux tomber ? Alors que l’on s’apprêtait à sacrifier dix degrés pour filer doux dans le bassin d’Arcachon, voilà que l’équipe des Hôtels d’en Haut, déjà bien décidée à faire entrer le cinq étoiles dans la postmodernité avec ses chalets boutique à Val Thorens, Courchevel et Megève, signe son premier hôtel balnéaire. Et rien ici n’insulte l’œil du voyageur averti qui, souvent, au premier détail maladroit, à l’infime touche de ringardise du décorateur, hausse les épaules et se dit : “Encore raté.” Et si l’exigeant peut encore chercher longtemps, c’est que cette “compagnie d’hôtels” fondée en 2011 veut retrouver les fondements premiers du voyage : la nature, le souvenir et la joie. Vaste programme, certes, mais qui semble avoir été légèrement oublié dans la course à la sophistication des années 1990. Cet hôtel anti-bling, bâtiment d’influence moderniste comme posé au pied du massif de l’Estérel, juste en face de l’île d’Or, compte cinquante chambres et suites où le blanc pur et le bois blond s’accordent dans un style entre élégance fifties et dépouillement wabi-sabi cher à Axel Vervoordt, avec un rien de décontraction baléariste. Un mix de références à la fois érudites et directes, orchestré par le duo d’architectes Festen, que l’on connaissait déjà pour le très couru hôtel Pigalle. Comme à leur habitude, ils ont peuplé les intérieurs d’objets chinés, de table books et de repros bien choisies, pour recréer une version actuelle de la maison de vacances. Et inutile de vous battre pour échanger votre vue parking contre une vue mer, toutes les chambres font face à la Méditerranée. Pas d’embrouille, on vous dit.

PASSER SA VIE PIEDS

Farniente éclairé Le message est clair : nous faire renouer avec les vacances à la mer, pas celles dont

ON POURRAIT Y

NUS, À LIRE SUR LA GRANDE TERRASSE BLANCHE, À JOUER À LA PÉTANQUE ET AU PING-PONG, À ASSISTER AUX SÉANCES DE CINÉMA PRIVÉES ET AUX EXPOSITIONS ORGANISÉES SUR PLACE, OU MÊME À N’Y RIEN FAIRE DU TOUT, ENFONCÉ DANS UN FAUTEUIL “BUTTERFLY”

VTT, équitation et marches dominicales guidées dans la forêt, mais aussi une piscine d’eau de mer qui semble se confondre avec les immensités turquoise et un bassin de nage directement taillé dans la roche. Le spa, investi par la marque pionnière de la bio-écologie Esthederm, a pensé ses soins pour les journées sous le soleil, proposant des rituels préparateurs, réparateurs et prolongateurs de bronzage. Boire et manger On vous connaît, vous et votre Instagram, toujours à la recherche du bar de plage parfait avec tables en bois et guirlandes lumineuses pour vous prendre en photo de dos, un cocktail à la main, face au coucher du soleil. Les Hôtels d’en Haut vous ont compris et ont doté Les Roches Rouges de trois bars installés entre la terrasse, la piscine et la plage. On s’y arrête, selon l’heure, pour boire un jus frais ou un cocktail à base de spiritueux français et d’ingrédients locavores. Plus chic encore, un salon de lecture extérieur aux grands canapés blancs, dont la déco néo-gypset pourrait inspirer les meilleurs spots d’Ibiza. Et la cuisine ? Locavore elle aussi, chapeautée par le jeune chef José Bailly. Il s’est inspiré de l’ouvrage de René Jouveau, La Cuisine provençale de tradition populaire, pour opérer un retour aux sources tout en ignorant ouvertement l’obsession de l’époque pour le “classique revisité”. La sophistication réside ici uniquement dans la sélection minutieuse des produits : les poissons sont issus de la pêche responsable, les viandes des élevages locaux, les fruits et légumes des producteurs voisins. On sert sans en faire des tonnes le pouprihoun e tóuteno (petit poulpe, calmars, criste marine) le lou mourre de gat (petits artichauts violets, œuf, barigoule) ou l’agnèu, un agneau au romarin et ail des ours, le tout arrosé de vins naturels ou en biodynamie. Pour plus de simplicité encore, on descend au restau de plage et on commande des tapas provençales à partager sur les tables en bois, un verre à la main, devant le coucher du soleil. Et pour Instagram ? On verra ça demain.

Les Roches Rouges, 90, bd de la 36e-Division-du-Texas, Saint-Raphaël. nature de l’Estérel au pied duquel l’hôtel www.hotellesrochesrouges.com fait volontairement profil bas, baigne tout l’endroit du parfum si particulier des figuiers marins, des agapanthes et des immortelles. Au voyageur agité sont proposés plongées, séances de yoga, cours de cuisine locale,


ARCHIVIERA PALACES FASTUEUX, DEMEURES PRIVÉES AU LUXE DISCRET OU FONDATIONS CONSACRÉES À L’ART, LA CÔTE D’AZUR REGORGE DE TRÉSORS ARCHITECTURAUX. TOUR D’HORIZON EN HUIT ÉTAPES OUVERTES À LA VISITE. P A R

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PHOTOS LOUIS-PHILIPPE BREYDEL, OLIVIER AMSELLEM

ongtemps, la Riviera ne s’est envisagée que les mois en “r”. Les bienheureux y prenaient alors leurs quartiers d’hiver avec force domesticité, pour y humer le bon air marin, sans jamais – toutefois – songer à se baigner. Trop vulgaire. Puis, avril sonné, redoutant la survenue de températures “sénégaliennes”, les troupes se remettaient en ordre de marche vers de septentrionales destinations. Tout ce beau monde avait été précédé – dès le milieu du xvIIIe siècle – par les membres de la couronne d’Angleterre qui, délaissant un temps les villes thermales pionnières telle Bath puis les stations maritimes comme Brighton, offraient par leur présence à Hyères, Nice et les environs un patronage de choix. À ce premier tourisme d’ordre médical, égayé cependant par l’édification de casinos, succède peu à peu une dimension purement mondaine. Car en cette deuxième moitié du xIxe  siècle, l’essor des voies ferrées rend les stations balnéaires plus faciles d’accès, en premier lieu celles de la côte normande. Au grand dam d’aucuns. Alphonse Karr, directeur du Figaro, choisit ainsi d’abandonner sa villégiature d’Étretat, désormais trop accessible depuis Paris et ses wagons de vacanciers, pour prendre la route du Sud, où il s’établit à Saint-Raphaël, dans le Var, en compagnie de distingués visiteurs britanniques et russes. L’opium des gens sains Mais dès 1864, le chemin de fer atteint Nice. Il ne faut plus, comme par le passé, compter quatre jours de transport exténuant pour gagner le Sud au départ de la capitale. À ces avancées techniques s’ajoute la création, en 1887, par le poète Stéphen Liégeard d’une formule au succès durable pour désigner ce bord de mer méridional : la Côte d’Azur. Pour autant, le soleil n’est toujours pas considéré comme “fréquentable” par la high society : afficher une carnation diaphane constitue pour les femmes d’un certain rang un pilier indémontable… jusqu’à l’arrivée des gens de lettres, inventeurs de la Méditerranée en été. En 1921, lors d’un séjour à Carqueiranne avec Raymond Radiguet, Cocteau qualifie le soleil d’“opium des gens sains”. Un an plus tard, Cole Porter loue une villa à Antibes où il reçoit les Murphy, un jeune couple d’Américains, collaborateurs à la réalisation de décors pour les Ballets russes. Installé à l’hôtel du Cap, le duo parvient à convaincre le

propriétaire de laisser son établissement ouvert l’été, à rebours des pratiques de l’époque. La révolution est en marche ! Le jeune couple entraînant dans son sillage une foule d’amis et de relations rich and famous, ou sur le point de le devenir : Man Ray, Ernest Hemingway, Gertrude Stein, John Dos Passos… Picasso, lui, est venu en compagnie de sa mère et dessine sans relâche des portraits de la gracieuse Mrs Murphy, laquelle aurait chaviré quelque temps dans les bras de l’ombrageux Catalan. La mode pyjama défile sans retenue sur la promenade des Anglais niçoise, quand les parasols rayés deviennent légion sur les plages… face à des autochtones stupéfaits. C’est qu’aristocrates joueurs et valétudinaires en rémission ont cédé le pas à un aréopage de belles et brillantes figures internationales, pour lesquelles rien n’est jamais too much. En 1924, les Fitzgerald entrent dans la danse, débutant leur virée par Hyères dans l’espoir d’y débusquer Edith Wharton, établie dans un ancien couvent. Mais la romancière, suivant la migration old school, a pris la direction du Nord dès les premières chaleurs. Il n’empêche, la présence active de ces

“UNE MAISON INFINIMENT PRATIQUE ET SIMPLE, OÙ CHAQUE CHOSE SERAIT COMBINÉE DU SEUL POINT DE VUE DE L’UTILITÉ” Charles de Noailles

Ci-dessus, la villa Noailles, le chef-d’œuvre de Mallet-Stevens à Hyères. Page de gauche, le Palais Bulles de Pierre Cardin, sur les hauteurs de Cannes.


MARCHAND D’ART ET GALERISTE PARISIEN – SONGE À OUVRIR UNE FONDATION PRIVÉE DESTINÉE À MONTRER LES ARTISTES QU’AVEC SON ÉPOUSE, MARGUERITE, ILS N’ONT CESSÉ DURANT DES DÉCENNIES DE DÉCOUVRIR ET DE SOUTENIR

Ci-dessus, la Fondation Maeght à Saint-Paulde-Vence. Page de droite, une installation de Claudia Comte, 128 Squares and Their Demonstration (2015), au Domaine du Muy.

personnalités contribue à forger l’image d’un terroir des avant-gardes. Durant cet âge d’or, les désirs créatifs d’une clientèle fortunée renouent avec les us et coutumes des grands commanditaires du passé. Au mitan des années 1920, MarieLaure et Charles de Noailles font édifier à Hyères une villa dessinée par Robert Mallet-Stevens. Leur projet ? “Une maison infiniment pratique et simple, où chaque chose serait combinée du seul point de vue de l’utilité.” Vœu de sobriété bouleversée, toutefois, par les aménagements successifs opérés par les propriétaires – annexe, piscine, gymnase, terrain de squash… – a contrario des recommandations de l’architecte. Qu’importe, le couple d’esthètes y accueille Man Ray pour le tournage des Mystères du château de Dé, Buñuel y pense L’Âge d’or, Cocteau, Bérard, Giacometti ou Brancusi y mûrissent leurs réflexions. Cette aspiration à la beauté créative perdure à la Villa Noailles depuis qu’elle accueille de nombreuses expositions et le Festival international de mode et de photographie d’Hyères. Les villas signées Sérieux incubateur des imaginaires que cette Riviera : Somerset Maugham est au cap Ferrat, Chanel à Roquebrune, Colette à Saint-Tropez, Aldous Huxley se trouve à Sanary où il compose Le Meilleur des mondes, le milliardaire Frank Jay Gould vient d’“inventer” Juan-les-Pins… L’après-guerre amorce un regain de désir créatif… À Saint-Jean-Cap-Ferrat, Francine Weisweiller – belle-sœur de Jacqueline de Rothschild – a acquis la villa Santo Sospir, qu’elle ouvre à ses amis. À l’occasion du tournage des Enfants terribles (1949), Cocteau, par l’entremise d’une des actrices (Nicole de Rothschild), fait la connaissance de la maîtresse des lieux. Immédiat coup de foudre amical. Lors d’un séjour, Cocteau s’enquiert auprès de son hôtesse de la possibilité de réaliser un dessin au fusain au-dessus de la cheminée. “L’oisiveté me fatigue”, plaide-t-il : permission accordée. Peu à peu, l’enchantement de Madame face au résultat incite le futur académicien à recouvrir la totalité des murs immaculés de dessins au fusain rehaussés de couleurs. La villa “tatouée” était née… Murs, plafonds et deux mosaïques témoignent de l’hyperactivité du réalisateur de La Belle et la Bête. En voisins, Francis Poulenc, Greta Garbo, Marlene Dietrich, Jean Marais, Pablo et Jacqueline Picasso découvrent la patte du maître. Dans les années 1950, Picasso fera l’acquisition de la villa La Californie,

bâtie en 1920 sur les hauteurs de Cannes. Mais en 1961, une nouvelle construction obstruant la vue sur la mer, il quitte la villa pour Mougins. Légataire en 1980 de la demeure, et d’une lourde histoire familiale, sa petite-fille Marina Picasso entreprend tout d’abord de gommer toute trace de la présence de son grand-père en la renommant Pavillon de Flore, avant de la mettre sur le marché en 2015. À quelques encablures de là, Saint-Paul-deVence, Aimé Maeght – marchand d’art et galeriste parisien – songe à ouvrir une fondation privée destinée à montrer les artistes qu’avec son épouse, Marguerite, ils n’ont cessé durant des décennies de découvrir et de soutenir. En juillet 1964 est inauguré un bâtiment inédit, inscrit sans fausse note aucune dans la nature, sur une architecture de Josep Lluís Sert, ami de Joan Miró. Évoluant auprès des artistes – Francis Picabia, Salvador Dalí, Jean Arp… –, Sert travaille étroitement auprès du Corbusier, dont il admire la modernité et le sens esthétique. Un jardin de sculptures (Pol Bury, Alexandre Calder, Raoul Ubac…), un bassin orné de mosaïques de Georges Braque, une cour centrale habitée d’œuvres de Giacometti et plus de 150 expositions après, la magie du lieu opère toujours avec la même vivacité. La période post-hippie plantera quelques fleurons épars, dont le plus éloquent est le Palais Bulles à Théoule-sur-Mer. Dessiné par Antti Lovag pour l’entrepreneur Pierre Bernard, il est édifié de 1975 à 1989. Auto-déclaré “habitologue”, l’architecte hongrois se passionne pour les maisons “bulles”. Sa première réalisation, la Maison Gaudet, à Tourrettes-sur-Loup, émergeait de terre en 1968, l’année même de la sortie de 2001 L’Odyssée de l’espace. Condensé du style des années 1970, le Palais Bulles, composé d’une myriade de sphères, convoque les matériaux alors en vogue (plastiques, mousses) autour de formes circulaires évoquant l’imagier de la conquête spatiale. Acquis en 1992 par Pierre Cardin, il entre alors dans la légende des nuits aussi belles que les jours… Fêtes où le tout mode et showbiz se retrouve à l’envi, notamment autour du théâtre à ciel ouvert ajouté par Cardin. Si aujourd’hui le Palais n’est plus demeure privée mais lieu de réceptions et d’événements, son classement au patrimoine des monuments historiques devrait lui épargner toute incurie. Extension du domaine de l’art Depuis son acmé, la fièvre entreprenarioarchitecturale azuréenne connaîtraitelle une baisse de régime ? Pas si l’on en croit certaines initiatives orchestrées

PHOTOS CLAUDE GERMAIN/ARCHIVES FONDATION MAEGHT, J.C. LETT/DOMAINE DU MUY

AIMÉ MAEGHT –


à l’intérieur des terres. La preuve par quatre… La Fondation Bernar-Venet, ouverte en 2014 par le plus américain des artistes français. Établi à New York dès le début des années 1960, il côtoie toute la scène des conceptuels et minimalistes, avec laquelle il se lie. Au fil des années, il constitue une collection d’envergure (Donald Judd, Richard Serra, Sol LeWitt, François Morellet, Robert Morris, Carl Andre…). Enfant du pays de Provence, le sculpteur acquiert en 1989 au Muy un moulin xvIIIe siècle sis près d’un barrage naturel. À partir de 2014, il ouvre un parc de sculptures contemporaines présentant ses propres œuvres et des œuvres de sa collection, s’amplifiant régulièrement (chapelle réalisée par Frank Stella et, à l’été 2017, pièces de Richard Long, Gottfried Honegger et Anselm Kiefer). Dispositif auquel s’ajoute chaque été une exposition. Non loin, le Domaine du Muy a fait l’objet d’un vaste projet mené par Jean-Gabriel Mitterrand. Le galeriste parisien y possède une villa récente de style provençal confiée aux bons soins d’India Mahdavi et autour de laquelle s’épanouit un jardin conçu par Louis Benech. Alentour de cet espace privé, un vaste parc accueille des œuvres d’art moderne et contemporain. Une

promenade de santé de deux kilomètres où s’égrènent une trentaine d’œuvres changeant au gré des expositions (John Armleder, Carlos Cruz-Diez, Mounir Fatmi, Antony Gormley, Carsten Höller, Xavier Veilhan…). Du côté d’Aix-en-Provence, le Château La Coste – propriété viticole établie sur un domaine de 200 hectares – a été acquis par Patrick McKillen, un entrepreneur irlandais issu du monde de l’hôtellerie. Son projet ? Essaimer des œuvres d’art contemporain – principalement de commande – et des pièces d’architecture sur un parcours entre bois, collines, vignes et champs d’oliviers. Le maître des lieux offrant à chacune des personnalités sollicitées le choix du lieu d’implantation de la réalisation. Ainsi, de la cuverie de Jean Nouvel au pavillon de musique de Frank Gehry, en passant par le centre d’art de Tadao Andō, le centre d’expositions temporaires par Jean-Michel Wilmotte ou le tout récent pavillon de photographie signé Renzo Piano, c’est un passionnant hommage aux lignes qui devrait se poursuivre avec un pavillon de dessins de Richard Rogers, un chai à barriques de Jean Nouvel et un auditorium d’Oscar Niemeyer. Clin d’œil à l’histoire, deux maisons latérales signées Jean Prouvé,

datant de 1945, ont été restaurées et remontées à proximité du potager pour abriter des collections de livres. Le travail de commande à des artistes comme révélateur d’architecture ? Le château de Fabrègues, bâti au xvIIe siècle, n’était que quasi-ruines lorsque l’architecte d’intérieur Pierre Yovanovitch en fait l’acquisition en 2009. Près de cinq ans de travaux assidus lui redonnent lustre et prestance. Désireux d’intégrer la création contemporaine, il a confié à l’artiste Claire Tabouret la réalisation d’une fresque dans la chapelle attenante à l’édifice. Désir de partage ? Le lieu sera exceptionnellement ouvert à la visite (sur rendez-vous) à partir de son inauguration, le 1er juillet, jusqu’en septembre. Villa Noailles à Hyères, www.villanoailleshyeres.com. Villa Santo Sospir à SaintJean-Cap-Ferrat, www.villasantosospir.fr. Fondation Maeght à Saint-Paul-de-Vence, www.fondation-maeght.com. Palais Bulles à Théoule-sur-Mer, www.palaisbulles.com. Fondation Bernar-Venet au Muy, www. venetfoundation.org. Domaine du Muy au Muy, www.domainedumuy.com. Château La Coste au Puy-Sainte-Réparade, www. chateau-la-coste.com. Château de Fabrègues à Aups, chapelle@chateaudefabregues.com.


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CELA FAIT QUELQUES ANNÉES QUE LE TOURISME INTERNE A LE VENT EN POUPE AU LIBAN. ON CONNAISSAIT LES B&B, LES AUBERGES DE MONTAGNE, LES TABLES D’HÔTE, LES MAISONS D’HÔTE, MAIS LE VILLAGE D’HÔTE ? LE CONCEPT, DÉVELOPPÉ PAR L’ARCHITECTE RAMZI SALMAN AU CŒUR DU CHOUF RECÈLE MILLE BIENFAITS. SON INVENTEUR NOUS EN PARLE. P

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JOURS TRANQUILLES À BKERZAY


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Quelle est l’histoire de Bkerzay ? Ce village était-il habité avant votre projet ? Ou abandonné ? Ou créé de toutes pièces ? Bien que lorsque vous y mettez les pieds, vous avez l’impression que ce village existe depuis toujours, ce hameau de Bkerzay est né en …2017 dans un écrin de toute beauté où faune et flore ont été religieusement préservées. Le Chouf reste une des plus belles régions du Liban par son abondante végétation méditerranéenne et par l’originalité de sa population: c’est principalement le foyer des druzes et des maronites, deux communautés qui furent les piliers historiques du Mont Liban où elles s’étaient installées depuis le Moyen Âge. Le plus grand village druze au cœur du Chouf est Baakline dont le nom signifie littéralement: Maison des Sages. C’est l’ancienne capitale des Emirs Maan, dont l’Emir Fakhreddine le Grand qui y est né. Juste avant d’atteindre Baakline on passe par Deir Dourit, petit village maronite aux terrains agricoles de toute beauté. Bkerzay est à cheval entre Baakline et Deir Dourit. C’est une zone boisée de 200,000m2 avec une partie en plateau qui, elle, était sans arbres. C’est sur ce plateau que nous avons bâti ce village et notre plus grande fierté est d’avoir réussi à préserver tous les arbres du secteur. Le nom de Bkerzay vient de Bkerzein. En fait, la forêt de Baakline et le domaine de Bkerzay abritent des pins sauvages, ou pins d’Alep. Le nom qu’on donne à leurs pommes de pin est « Kouz » ou aussi « Kerz ». Et ces pommes de pin poussent par deux. Le couple de « Kerz » se dit « Bkerzein », ce qui veut littéralement dire « deux pommes de pin ». Avec l’érosion de la langue, le « n » de Bkerzein s’est perdu. La région a gardé son nom de « Bkerzay » à la phonétique musicale. Etes-vous originaire de ce village ou de cette région ? Quels sont vos souvenirs d’enfance ou d’adolescence les plus marquants qui y sont rattachés ? Comment vous est venu l’idée de créer ou recréer ce village ? Quelle était votre intention au départ ? J’ai passé les étés de mon enfance à Baakline, dans la maison de mon grand-père maternel et j’ai été très imprégné par cette nature, ses senteurs et la beauté du village libanais. Plus tard quand j’ai étudié l’architecture à l’Université américaine, j’ai appris et découvert les secrets de l’architecture vernaculaire libanaise grâce à un grand maître qui s’appelle Friedrich Ragette, et qui a documenté et établi une analyse extensive de cette architecture. Lors de l’acquisition du terrain, en 2008, quand j’ai commencé à construire ma maison, les Cheikhs druzes, les agriculteurs et les artisans ruraux ont pris l’habitude de débarquer chez moi. Ils me racontaient les histoires de leur région. Pour moi qui arrivais fatigué de la ville, ces récits étaient devenus, au fil des semaines, une thérapie. C’est alors que j’ai compris que pour préserver le Chouf et la montagne Libanaise, il fallait protéger l’authenticité de leurs habitants, promouvoir leurs talents et les valoriser. En entamant la construction de ma maison de famille, j’ai découvert avec émerveillement un savoir-faire inégalable chez les artisans ruraux. L’idée de préserver ce savoir-faire ancestral, la volonté d’arrêter la migration économique de ces villageois vers la ville, l’envie de redonner aux jeunes ruraux l’espoir d’un avenir meilleur, tout cela m’a incité à réfléchir à un projet de préservation. C’est ainsi qu’est né le projet de Bkerzay…


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Quelles sont les traditions artisanales spécifiques à Bkerzay ? En quoi consistait précisément la production artisanale avant votre intervention et qu’y avez-vous changé ? La poterie de Bkerzay a réellement vu le jour lorsque Maha Nasrallah, mon amie de classe d’architecture à l’Université américaine de Beyrouth, m’a présenté un jeune maître potier égyptien, Ahmad Deif. Pour subsister, ce jeune homme talentueux travaillait comme ouvrier dans la ferme de volailles que possédait la famille de Maha dans la Bekaa. A l’instigation de Maha, elle-même potière, j’ai décidé de prendre à ma charge les papiers de séjour d’ Ahmad et de lui offrir l’opportunité de démarrer un atelier de poterie à Bkerzay. Bientôt Nada Zeineh, créatrice de bijoux et potière, a rejoint l’équipe de poterie. Nada est l’épouse d’un ami architecte, Youssef Haidar, qui m’a aidé à produire le plan directeur du projet dès sa genèse. Sur sa lancée, l’atelier de poterie de Bkerzay a contribué à réveiller un patrimoine endormi de savoir-faire artisanal, en imposant son renouvellement. Le village de Jisr El Kadi qui se trouve à quelques minutes de Bkerzay était un village de potiers dont le dernier atelier vient de fermer ses portes. Pour accompagner cette évolution, à travers ses différentes interactions, Bkerzay a su créer les conditions du rapprochement entre le savoir-faire des artisans et la créativité des artistes. L’approche s’est révélée payante. Aujourd’hui, les poteries de Bkerzay sont très appréciées car elles ciblent mieux les attentes des clients en étant à la fois artisanales et contemporaines.

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Que pouvez-vous dire sur le projet en soi, au niveau de l’architecture et des structures d’habitation, des espaces de convivialité ? Quel style, quelles innovations, quel résultat depuis la création de ce « séjour » ? Architecte de formation, une phrase lue au détour d’un livre m’a marqué: « l’architecture reste le témoin incorruptible de l’histoire ». Profondément amoureux du Liban et de son histoire, j’ai voulu recréer à Bkerzay l’architecture vernaculaire libanaise dans son authenticité et montrer à quel point elle peut être belle et réelle. Après avoir élaboré le plan directeur de Bkerzay avec Youssef Haidar, j’ai fait appel à Maha Nasrallah, elle aussi une grande amoureuse du Liban, de sa nature et de l’architecture régionale, doublée d’une militante et d’une spécialiste de projets écologiques. Maha et moi avons ainsi collaboré pour concevoir l’architecture de Bkerzay. Je voulais une architecture très simple, sans superflu. A Bkerzay, on est allé à l’essentiel. Ce qui fait qu’il y a une osmose parfaite avec la nature qui entoure l’endroit. Nous avons ainsi conçu un village dont les constructions ont une identité propre, à la fois contemporaine et fortement dérivée des architectures méditerranéennes et libanaises. Les espaces sont généreux, les murs épais, les plafonds hauts et les fenêtres et autres ouvertures encadrent les merveilleux éléments de la nature libanaise dans un grand confort rustique. L’architecture de Bkerzay est ainsi sculptée dans la nature pour épouser harmonieusement le terrain qui l’entoure. Les fenêtres


A quoi s’attendre quand on envisage un week-end à Bkerzay? En quoi cette villégiature est-elle différente, qu’offre-t-elle en termes de loisirs et de détente ? Quelqu’un a écrit que « le bonheur est à Bkerzay ». J’ai la faiblesse de croire que ce n’est pas exagéré. Ce village d’artisanat et bientôt d’art qui occupe seulement 15% du domaine de Bkerzay offre un hébergement de 34 chambres dans un cadre méditerranéen enchanteur ; une restauration gastronomique et variée, et une place de village pittoresque qui nous fait revire le Liban tel qu’on l’aime. On peut y découvrir une variété de possibilités de

détente : un hammam à l’ancienne, un sauna, une piscine dans la pinède, des chemins de randonnée dans une nature peuplée d’une faune d’écureuils et d’oiseaux. On peut aussi y apprendre à faire de la poterie ou à fabriquer des herbiers. A une époque où l’uniformisation envahit les coins les plus reculés de la terre, Bkerzay veut échapper à la globalisation et développer la particularité de l’expérience et la singularité du lieu. Tout en restant éclectiques, les prix sont étudiés de manière à être accessibles au plus grand nombre et éviter une discrimination sociale. Bkerzay sera pour le visiteur un séjour authentique et unique. Un havre de paix pour les citadins, un retour à la terre, à l’essentiel et à la douceur de vivre levantine. Prévoyez-vous d’autres projets dans le même esprit au Liban ou ailleurs ? J’ai toujours pensé qu’il faut agir au lieu de parler. C’est seulement dans l’action qu’on peut sauver notre pays. Ca commence par des actions individuelles comme celle-ci qui devront par la suite se solidariser pour créer une force salvatrice qui sera notre seul espoir de redresser notre pays. Bkerzay, Rue Deir Dourit Kfarhim, Baakline Chouf

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sont percées dans les murs en fonction du point de vue qu’elles offrent sur l’extérieur. Aucun arbre n’a été coupé, donnant ainsi toujours à la nature priorité sur la construction. On peut ainsi découvrir un arbre entouré par les murs d’une maison. L’essence de l’architecture vernaculaire libanaise réside dans l’expression même des éléments architecturaux dénués de décoration « appliquée ». L’esthétique est ainsi produite par la présence d’un escalier extérieur, d’une tonnelle, d’une voûte ou par la disposition des bâtiments au hasard des contraintes du site immédiat.


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D’OUZAI À OUZVILLE EN UN COUP DE PINCEAU OUZVILLE EST UN PARI AMBITIEUX QUE S’EST LANCÉ AYAD NASSER EN 2016, AU LENDEMAIN DE LA CRISE DES DÉCHETS. FACE À L’INERTIE DES SERVICES PUBLICS, L’ENTREPRENEUR, DOUBLÉ D’UN ACTIVISTE, S’EST FIXÉ POUR OBJECTIF D’UNIFIER À TRAVERS LE STREET ART L’ESPACE URBAIN DE LA BANLIEUE DÉFAVORISÉE D’OUZAI. J O S É P H I N E

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Situé à un jet de pierre de l’aéroport international Rafic Hariri, le littoral de la banlieue de Beyrouth ne ressemble plus à ce qu’il était il y a seulement un an. Des pans de couleur, du rouge, du vert, de l’orange ou du bleu l’illuminent désormais. De loin, cette zone défavorisée prend des allures d’œuvre d’art contemporaine, à mi-chemin entre la peinture baroque et une fresque de streetart. A l’initiative d’Ayad Nasser, directeur et fondateur de la société immobilière Loft Investments, des artistes connus, venus des quatre coins du monde, ont contribué à la réhabilitation des façades de ce bidonville envahi de squatteurs et de réfugiés depuis la guerre civile libanaise (1975-1990). Une transformation heureuse « Le changement est radical », confirme le photographe d’AlAkhbar Haytham al-Moussawi, 35 ans, qui a réalisé en 2015, soit juste avant la rénovation, une série de clichés sur cette banlieue du sud-ouest de Beyrouth, réputée dans les années 30 pour ses plages et ses chalets avant de se transformer en un lieu oublié de misère et de surpeuplement. « J’avais choisi à l’époque de travailler sur ce bidonville pour mettre un coup de projecteur sur les très mauvaises conditions dans lesquelles vivent des milliers de personnes », explique le photographe. La majorité des habitants d’Ouzai s’y sont installés dans les années 80 pour fuir les bombardements et l’invasion israélienne de 1982. Les logis, construits sur le tas, illégalement, y sont vétustes. Les photographies d’Haytham al-Moussawi dévoilent des branchements électriques hasardeux, des chemins de terre recouverts de déchets ainsi que des maisons parfois sans fenêtres et avec pour toiture, de simples plaques de tôle. « Le projet d’Ayad Nasser est une bonne initiative, estime le

photographe d’Al-Akhbar. Il est parfait pour cette zone, les gens là-bas lui en sont reconnaissants et contribuent aux travaux autant qu’ils le peuvent ». La solution par l’art Ayad Nasser a vécu les premières années de sa vie à Ouzai avant de partir à dix-sept ans à Monaco à la rencontre de sa mère partie douze ans auparavant. Il finira ses études en France avant d’y enchainer les petits boulots et se confronter à l’adversité. « J’ai réalisé à ce moment-là qu’on était toujours seul dans la vie et qu’il ne fallait rien attendre des autres », commente l’entrepreneur franco-libanais. De retour au Liban, dans les années 90, il travaille d’arrache-pied pour subvenir à ses besoins et ceux de sa famille avant de créer sa société Loft Investments, en 2003. Le succès est au rendez-vous : en moins de dix ans, il s’occupera de plus de 380 projets immobiliers jusqu’au jour où, « dégouté par la frime et un mode de vie très tape-à-l’œil », il décide de « s’occuper de son pays ». « Je me sens responsable, mon histoire est similaire à celle du Liban, explique l’entrepreneur. Comme moi, il est orphelin. Il a été abandonné par son gouvernement et son peuple. Personne ne lui donne de quoi se redresser ». Le déclic, Ayad Nasser l’aura lors de la crise des déchets de juillet 2015. « C’était nos poubelles qui étaient dans nos rues mais personne ne s’en souciait, regrettet-il. J’ai tout de suite voulu répondre à cette situation par l’art ». Comme un musée à ciel ouvert Ayad Nasser fait alors appel à ses relations pour faire venir au Liban, sur la base du volontariat, des artistes du monde entier pour donner une visibilité au scandale des poubelles, entassées


Embellir mais aussi unir En l’espace de quelques mois, les plus grandes figures internationales du graff s’y bousculent – de l’artiste afro-américain Retna au Brésilien Ethos en passant par l’Espagnol Demsky, la Française Camille Adra ou encore les Libanais Ashekman, Jad el-Khoury et Tania Saleh. Les habitants du bidonville ont eux aussi participé à l’initiative en peignant les façades des logements et en nettoyant les plages de la zone côtière. « L’objectif est relativement simple, résume Ayad Nasser. Il s’agit non seulement d’embellir le pays mais également d’unir les habitants autour d’une cause commune ». A ce jour, 140 façades d’immeubles ont été repeintes et 30 œuvres d’art sont disséminées à travers le quartier. Le projet continue et a vocation à s’étendre. Pour cela, Nasser en appelle aujourd’hui à la générosité de chacun. Il espère que d’autres hommes d’affaires libanais suivront son exemple et compte prochainement lancer une campagne de dons participatifs. Critiqué par certains pour l’inefficacité, l’illégalité ou encore l’opportunisme de son projet, Ayad Nasser n’en a que faire. « Il faut arrêter de blâmer systématiquement quand une initiative est bonne, balaie-t-il. Le plus important reste de transmettre cet amour du pays aux générations à venir pour qu’à leur tour, ils en prennent soin et contribuent, demain, à en améliorer le visage ».

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dans les rues et sous les ponts du pays. L’absence d’investisseurs pousse l’entrepreneur à soutenir lui-même le projet. A ce jour, il a dépensé un demi-million de dollars, dont 120 000 pour Ouzville. « Je ne veux pas collectionner les tableaux chez moi, je veux qu’ils soient dehors pour que tout le monde puisse les apprécier. Je souhaite embellir le quartier. Cela fait des années que les gens regardent Ouzai comme un bidonville. Il est temps que les choses changent ». Entre le jour où Ayad Nasser lance son projet et le moment où il est livré, la crise des déchets a trouvé une issue provisoire. L’entrepreneur a donc choisi de recentrer ses efforts sur la rénovation urbaine de la banlieue sud-ouest de Beyrouth.


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DERNIÈRES FRONTIÈRES

6 BOUTS DE MONDE Des pays qui n’existent pas (encore) ou qui n’existeront (peut-être) bientôt plus, des territoires oubliés, des îles isolées, des régions annexées, fondues, ombrées… Nous avons recensé quelques coins du globe méconnus, dont les seuls noms invitent à un voyage hors des routes et places balisés, et qui ravivent notre géographie émotionnelle. Pourquoi ces endroits ? Parce qu’ils sont loin des autres, et tout ce qui est loin des autres est désirable. PAR JEANNE PROPECK

1 L’ABKHAZIE Quoi ? Une région dissidente de la Géorgie depuis 1992, soutenue par la Russie mais non reconnue internationalement. Où ? Dans le nord de la Géorgie, bordée par la Russie et la mer Noire. Capitale ? Soukhoumi. Population ? 240 000 habitants. Pour qui ? Les nostalgiques postsoviétiques et aspirants contrebandiers. Le long des plages bordées de palmiers, de mandariniers et d’eucalyptus, des complexes hôteliers, des sanatoriums gouvernementaux et des restaurants ont rendu l’âme depuis longtemps. Pitsunda, Gagra, ces cités balnéaires huppées de l’élégante Riviera abkhaze qui attiraient autrefois les privilégiés du régime de Moscou – Staline et Khrouchtchev y avaient leurs datchas – ne sont plus que l’ombre d’elles-mêmes. Cependant, depuis quelques années, un souffle de vie circule à nouveau dans ces lieux de villégiature grâce aux financements russes. Certaines rues sont en train d’être refaites, des enseignes d’hôtels, cafés et restaurants retrouvent des couleurs. À la belle saison, les Russes reviennent profiter d’un Caucase plus accueillant pour eux que le Daghestan ou la Tchétchénie. Comment y aller ? Le plus simple (si l’on peut dire) est en train via la Russie (Moscou/Soukhoumi en deux jours) avec un visa double entrée. Toutes les infos, conditions et tarifs sont sur le site du ministère des Affaires étrangères de la République d’Abkhazie, mfaapsny.org

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PHOTO JULIEN PEBREL/M.Y.O.P.


LES MERGUI

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Quoi ? Un archipel virginal longtemps fermé aux étrangers où vivent, notamment, les Moken, un des derniers peuples nomades de la mer. Un paradis dont l’accès est encore très réglementé. Où ? Dans la mer d’Andaman, au sud de la Birmanie. Capitale ? Kawthaung est la ville, sur le continent, la plus proche. Population ? 173 320 habitants. Pour qui ? Marins, plongeurs, ethnologues, défricheurs ayant en commun la vertu de savoir garder un secret. Car cet éden pourrait vite devenir le nouvel eldorado du tourisme sud-asiatique tant ses atouts sont nombreux. Une nature préservée, des fonds sous-marins incroyables, et cette impression qu’il reste encore sur cette planète


PHOTO THOMAS GOISQUE

quelques perles à découvrir. Ainsi que des ethnies résistant au temps qui passe, tel ce peuple sage et doux, les Moken, nomadisant sur leurs bateaux en bois, ne pêchant qu’à la lance et au harpon. Leur connaissance de la mer leur a permis de survivre au tsunami de 2004, mais l’ouverture du pays, depuis la chute de la junte militaire en 2011, finira sans doute par avoir raison de ces trois mille âmes bien vulnérables. Commenty aller ? Burma Boating propose des croisières dans l'archipel des Mergui. Possibilité de louer des cabines ou des navires, avec ou sans équipage. Catamaran, ketch classique, goélette à voiles auriques ou même motor-yacht d’expédition. Infos sur burmaboating.com


Quoi ? Un archipel français au sud de l’océan Indien. Surnom : îles de la Désolation. Où ? À peu près à égale distance de l’Afrique, de l’Australie et de l’Antarctique, c’est-à-dire dans un isolement extrême, au milieu du plus fourbe des océans, selon le connaisseur Olivier de Kersauzon. La première terre habitée, La Réunion, est à six jours de bateau. Capitale ? Port-aux-Français. Population ? Environ 120 résidents. Pas d’habitant permanent. Pour qui ? Les aventuriers option scientifique que le climat océanique froid, la forte houle et les 40e rugissants ne rebutent pas. L’activité principale de ce laboratoire à ciel ouvert étant la recherche, les passionnés de géologie,

PHOTO HÉLÈNE DAVID/PICTURETANK.COM

LES KERGUELEN

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volcanologie, océanographie, zoologie, géomagnétisme, ichtyologie, sismologie, pétrologie, botanique, etc. trouveront là leur paradis terrestre. Les autres choisiront Bréhat. Comment y aller ? En s’inscrivant à une rotation sur le Marion Dufresne II, navire ravitailleur des Terres australes et antarctiques françaises (TAAF). À la fois cargo, pétrolier, porte-hélicoptère et navire de recherche, il peut accueillir quelques passagers à son bord, en cabines doubles ou individuelles (selon dispo). Environ quatre rotations annuelles, sous réserves de conditions climatiques favorables. Infos et tarifs sur taaf.fr


LES KIRIBATI

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Quoi ? Un archipel océanien, anciennement appelé îles Gilbert, menacé de submersion d’ici 2050. Où ? Au raz de l’eau, au milieu du Pacifique. Capitale ? Tarawa-Sud. Population ? 103 500 habitants. Pour qui ? Les climato-sceptiques. Si les barrages contre le Pacifique servaient à quelque chose, Marguerite Donnadieu ne serait pas devenue Marguerite Duras. Pourtant, ici, on continue de planter des palétuviers et d’entasser des petits sacs de ciment pour tenter d’empêcher le déluge moderne qu’on nous prédit. Quand la lune est pleine et qu’il y a du vent, l’eau entre dans les maisons. Alors ? Deux solutions : construire des îles artificielles ou partir. Le gouvernement a d’ores et déjà


PHOTO JUSTIN MCMANUS/THE AGE/FAIRFAX MEDIA/GETTY IMAGES

acheté des terres aux îles Fidji et lancé un programme d’émigration. Mais les scientifiques divergent : pour certains géomorphologues, ces atolls coralliens sauront structurellement maintenir leur équilibre avec la mer et s’élèveront en même temps que son niveau. Et plutôt que déraciner la population, ils préconisent de la répartir plus harmonieusement sur l’ensemble des îles “hautes” du pays – ce qui suppose d’aménager ces mêmes îles –, au lieu de continuer à surpeupler la basse capitale Tarawa. Comment y aller ? En passant par les Fidji. La compagnie Fidji Airways dessert Tarawa-Sud deux fois par semaine, les lundi et jeudi. fijiairways.com


CHILOÉ

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PHOTO JOHN ELK ILL/ALAMY STOCK PHOTO

Quoi ? Une île côtière d’Amérique du Sud. Où ? Dans l’archipel du même nom, au sud du Chili, dans la région des grands lacs de Patagonie, entre cordillère et océan Pacifique. Capitale ? Castro. Population ? 155 000 habitants. Pour qui ? Les routards, les routiers, les “post-rupture conventionnelle”, bref, tous ceux qui ont besoin d’un break de l’autre côté des soucis. Avec ses maisons sur pilotis multicolores (palafitos), ses nombreuses églises en tuiles de bois classées à l’Unesco – mélange de culture jésuite et de traditions indigènes –, sa forêt valdivienne, sa faune endémique et ses brumes océanes,


ce bout du monde est un éden pluvieux, authentique, bienfaisant. L’île est aussi le terminus de la route panaméricaine (partant d’Alaska). L’endroit idéal pour se poser, contempler le chemin parcouru, faire le point. Puis reprendre la route, again. Comment y aller ? Ferries réguliers entre le continent et Chiloé. Une demi-heure de traversée. Pas  de liaisons aériennes. Voyageurs du Monde propose un itinéraire de 16 jours dans la région des lacs et glaciers chiliens avec un arrêt à Chiloé. Infos sur voyageursdumonde.fr


PAPOUASIE OCCIDENTALE

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PHOTO FRANÇOIS GUÉNET/DIVERGENCE

Quoi ? Un ensemble de territoires difficiles d’accès et peuplés de populations papoues, annexé par l’Indonésie en 1963. Anciennement Irian Jaya. Où ? À l’extrême Ouest de l’île de Nouvelle-Guinée. Capitale ? Jayapura. Population ? Environ 1 800 000 habitants. Pour qui ? Les jusqu’au-boutistes. Dans l’antédiluvienne vallée de Baliem, plus qu’au bout du monde, c’est au commencement des temps que vous aurez l’impression d’être. Découverte en 1938 par les Hollandais, elle abrite encore des ethnies de chasseurs-cueilleurs au mode de vie primitif (Dani, Asmat, Korowai, etc.). Uniquement accessible par avion – et avec quelques jours de marche supplémentaires –, cette région de forêt pluviale abrite des villages de bois et de chaume où il n’est pas rare de croiser des hommes arborant dent de cochon dans le nez


et étui pénien, et des femmes aux vêtements fabriqués à partir de fibres naturelles tressées et de feuilles séchées. La région, papoue depuis des millénaires, réclame son indépendance depuis le départ des Hollandais dans les années 60. Mais l’Indonésie ne veut rien entendre. Si le territoire n’était pas gavé d’or, de cuivre, de nickel, de pétrole, de gaz, sans parler de la forêt, on la leur aurait sans doute cédé leur liberté à ces “citoyens de seconde zone”. Mais avec tant de richesses que se partagent les grandes compagnies étrangères… Un lever de drapeau papou ? Quinze ans de prison. Mais rien ne vous empêche de lever le poing avec eux, assis autour du foyer. Comment y aller ? Le voyagiste Asia propose la destination Nouvelle-Guinée occidentale en voyage sur mesure. Toutes les infos sur asia.fr


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CORRESPONDANCE

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DO YOU « TO DO » ? L A U R A

Lors d’une conférence sur les thématiques digitales dans un palace parisien, un ponte américain a asséné à son audience avec force moulinets des bras que le moteur de recherche Google détenait la science infuse. Il expliquait que retracer les recherches d’une personne permettrait de dresser son portrait avec une exactitude troublante, sinon glaçante. Pour lui, cela correspondait en quelque sorte à un « Dis moi ce que tu Google, je te dirai qui tu es ». Il est vrai que rassembler l’ensemble des recherches d’un individu et leur historique correspond à une sorte de mise à nu face à ses questionnements. Toutes les choses qui nous taraudent mais que l’on n’ose pas forcément demander à quelqu’un « en vrai ». Le champ des possibles est large, des requêtes les plus triviales (comment cuire des aubergines ?) aux plus profondes (comment définir le féminisme ?) Je pense que cet expert a raison dans le sens où ces listes de recherches racontent une histoire sur la personne qui les a lancées. En fait, tout type de listes en dit long sur celui / celle qui les a établies. Le parallèle est évident avec les « to do lists » dont je suis d’ailleurs une utilisatrice compulsive. Je griffonne d’innombrables listes de choses à faire, à voir, à découvrir. J’ai l’impression que consigner des éléments par écrit permet de « poser » les choses. Parfois je note même une tâche déjà complétée juste pour le plaisir de la biffer. Au delà des listes à logique d’efficacité, il y a celles des rêves ou encore des choses pour lesquelles on est reconnaissants. Rien que pour apprendre à mieux les apprécier. Il y a les listes bilans des 31 décembre qui retracent les moments forts ou foireux d’une année et permettent de mesurer le chemin parcouru (ou pas). Il y a les listes « nouveau départ » des 1e septembre ou 1e janvier où l’on se fixe des objectifs bien trop ambitieux. Des résolutions qui seront allègrement zappées dans les 2h47minutes suivantes mais que l’on continue à adorer prendre.

H O M S I

Voici un méli-mélo de plusieurs listes compilées : - S’inscrire à la séance de sport du lundi matin (Et tous les lundis du reste de ma vie ?) - Écrire ma chronique pour l’Officiel avant le 15 du mois. - Apprendre à aimer le ski. En fait, aimer le ski tout court. (L’auto-conviction peut faire des miracles). - Organiser quelques jours à Lisbonne et Porto (en septembre ?). Bourlinguer quelques mois en Amérique du Sud (à ranger dans la catégorie fantasmes). Découvrir le Japon (à la floraison des sakura). Passer 6 mois à New York (pour prendre le pouls de la ville, comme une vrai citadine). - Ne pas oublier de souhaiter un joyeux anniversaire à K. - Envoyer un SMS d’excuses à K. pour avoir oublié de lui souhaiter joyeux anniversaire. - Commencer le yoga et la méditation (Sur ma To-Do depuis 2011. Mais l’espoir fait vivre. Gwyneth Paltrow, j’arrive !) - Rester stoïque et ne pas craquer face aux achats inutiles des soldes (Rappel: Ne surtout pas regarder les portants des nouvelles collections) - Acheter des pâtes pour la fin du mois (Pour compenser l’achat de bottes dorées en pleine canicule de juillet alors que je suis fauchée.) - Sortir tôt du bureau. Au moins avant 19h30. En profiter pour aller boire des verres en terrasse, rentrer à pied.) - Télécharger les podcasts « How I Built This » retraçant le parcours de personnes ayant brillamment réussi pour m’en inspirer. - Apprécier le fait d’avoir des amis qui répondent présent à toute heure de la journée, de quelque côté de l’Atlantique qu’ils se trouvent. (Même pour des bêtises. Surtout pour des bêtises). - Arrêter de dépasser la deadline d’envoi de ma chronique à l’Officiel. Trop de listes tuent la liste ! Il serait peut-être temps d’arrêter d’en faire pour prendre du recul, non ? Mais, sinon, je peux déjà ajouter ça à ma liste « Résolutions” pour commencer ! Et sinon, vous, vous notez quoi sur vos listes ?

PHOTO DR

P A R


L'Officiel-Levant, August/September Issue 78  
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