Ni cobarde ni imprudente DENTRO/FUERA de Guadalupe Gil Villa Comisaria Laura García Ortega

Dosier Discursos expositivos y difusión del arte Curso 2018/2019

#Ni cobarde ni imprudente DENTRO/FUERA

Artista:Guadalupe Gil Villa Comisaria:Laura García Ortega

#nicobardeniimprudente

DENTRO FUERA

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25 de enero

Artista:Guadalupe Gil Villa Comisaria:Laura GarcĂ­a Ortega

Índice: Ficha técnica del proyecto

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DENTRO/FUERA 8 Artista referente: Eva Hesse

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Ni cobarde ni imprudente

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Nota bibiográfica de la artista

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Ficha técnica del proyecto Titulo de la exposición: Ni cobarde ni imprudente Titulo de la obra: DENTRO/FUERA Artista: Guadalupe Gil Villa Comisariado: Laura García Ortega Lugar: Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla Fecha de inauguración: 25 de enero de 2019 12:00 - 14:00 h Dirección: C/ Laraña,3 41003 Sevilla Proyecto co-producido por la asignatura de Discursos Expositivos y Difusión del arte #nicobardeniimprudente

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DENTRO/FUERA TÉCNICA: ESCULTURA SOPORTE: Fragmento de torso elaborado con vendas de escayola, policromado con acrílico, más revestimiento de algodón en su parte interna con clavos de acero.

DIMENSIONES: Escala humana, Base 40 x 40 cm FECHA: Diciembre 2018 ANÁLISIS DE LA OBRA: DENTRO/FUERA se trata de una estructura en la que se toma como molde el cuerpo de la propia artista. Localizado en la zona izquierda del torso, seno, cintura y vientre, parte de una forma sugerente de la figura femenina. Su aspecto exterior está compuesto de líneas y planos con formas geométricas asimétricas de colores saturados y llamativos como el rojo, el azul, el amarillo, el verde y el negro, que envuelven la escultura a modo de mosaico que contrasta con la línea orgánica que dibuja el torso. Además, se añade a la composición unos pequeños y delgados clavos de acero, que atraviesan la obra, asomando punzantes y sinuosos hacía el exterior, de forma no muy apreciables, pero que al acercarse, impiden tocar la pieza.

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A primera vista, la parte externa de la figura provoca una sensación que chirría por lo llamativo del color y las formas calculadas pero también resulta cómica, como si hiciera relación a una pieza arlequinesca, teatral y ficticia.

Sin embargo, rápidamente nuestros ojos nos dirigen a otro punto de interés, donde ya lo potencialmente llamativo pasa a un segundo plano, y destacamos otros detalles más sutiles que evidencian el fuerte contraste de la pieza, entre lo geométrico, burlón y rígido del exterior con la porción abundante de una masa esponjosa de color blanco, reluciente, que recubre el interior de suave algodón, que nace de dentro hacia fuera en forma de cascada o melena que brota a borbotones de manera desorganizada y libre,

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que cuelga de la estructura, redibujando las formas orgánicas del torso.

A nivel simbólico, la cáscara que conforma la parte exterior de la escultura, pretende hablar de la armadura que todos construimos para esconder nuestras emociones y nuestra forma de ser, la más vulnerable. La coraza que representa el ego y el escudo que utilizamos para defendernos de los agentes externos, es como una muralla infranqueable que no queremos que destruyan ni conquisten ni manejen. La estructura está revestida de formas geométricas haciendo alusión a lo racional y al orden. Es especialmente curioso, el cómo la obra trata. continuamente, una dualidad y un juego de metáforas aplicadas al hecho de visualizar formas geométricas a un objeto de apariencia orgánica, que además ha sido construido tomando como molde el propio cuerpo de la artista y cómo cuando vemos la pieza, nos atrae y nos atrapa en un todo, porque la vista va de lo estridente a lo sutil, a lo tosco, a las fotografías, al color... y nos envuelve en un viaje por la historia que cuenta y el significado de los materiales. También el uso del color, ayuda a esta primera llamada de atención, en función de hacer ver la apariencia, aquello que ponemos de escaparate para que nos vean. Por tanto, lo que primero reconocemos que destaca es lo superficial, la ficción o la artificialidad de los colores llamativos, para redirigir la atención de la realidad. Una realidad que esta por dentro, y es mas neutra, más natural, mas pastel, más salvaje y, en definitiva, más clara pero, se ve más tarde.

Por otro lado, los clavos que atraviesan la carcasa desde el interior hacía fuera, simbolizan las heridas que se producen en nuestro cuerpo cuando no sacamos las emociones y nos cerramos en vida. Los clavos que atraviesan las paredes de esa carcasa y que cuelgan imágenes de deseos y sentimientos que llenan de significado nuestro interior. Por otro lado, esta estructura también puede verse como un corsé, ya que aparentemente crea una silueta estilizada y firme desde fuera, pero es incomoda y aprisiona por dentro. Además, como si de un vestido de arlequín se tratase hace alusión a las máscaras primitivas y a lo teatral que puede llegar a ser la vida.

En cuanto, al interior, está revestido de algodón haciendo alusión a lo vulnerable y a aquello que nos hace seres y que nosotros mismos delimitamos y encarcelamos. Una abundante masa con connotaciones a lo curativo, lo infantil y lo sincero, que fluye pura, sin contaminarse de lo exterior; no sangra, no duele, solo se desliza suavemente y no necesita de estridencias ni rigidez; y aunque la coraza siga ahí, alimentado al ego, está abierta para que fluya todo lo demás. La idea esta ligada a la opresión de lo femenino y de la mujer, de la consideración negativa que tiene todo aquello que se vincula a ello como lo emocional, lo frágil, lo vulnerable, lo instintivo, lo dulce, lo sanador, lo de DENTRO, en contraposición con una sociedad que fomenta lo ególatra, lo superficial, lo racional por encima de todo, las tallas, las etiquetas, lo violento, lo rígido, lo patriarcal, la apariencia formal y, en definitiva, lo de FUERA.

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La artista ha querido hablar desde su propia experiencia vital, desde la idea de sanación que proporciona el equilibrio entre el interior y el exterior que ha trabajado paralelamente y de forma manual en su obra, como un estado de catarsis. Tras pasar por una grave enfermedad, como es el cáncer de ovarios, se produce una transformación en la vida de la artista, afectando a distintos aspectos personales, que han permitido romper con la realidad que vivía, para dejar libre la expresividad y la creatividad en su día a día. Es por todo esto, por lo que la obra se ha elaborado con su propio cuerpo, a modo de molde, con vendas de escayola que aun siendo frías han mimado y cubierto las heridas. Además no pasa desapercibida la memoria que acompaña a la obra con un fondo de fotografías en blanco y negro que ella misma se hizo mientras estaba enferma, donde quería liberar esas emociones y conflictos internos con los que tuvo que combatir para sanar, que tuvo en cuenta desde el principio y le han servido como materia prima para la creación de su obra.

Como referente más importante, ha tenido en cuenta la obra Accesión III de la artista alemana Eva Hesse, con la que se ha sentido identificada en varios aspectos. Ya que Eva Hesse consiguió transcender a lo minimalista, lo racional, lo inexpresivo dentro de su contexto histórico; y por otro lado, Guadalupe Gil pretende también con su obra, trasgredir la imagen de la apariencia, lo robotizado, la pérdida de la identidad que queda sumergida con la imagen virtual, como por ejemplo, nuestro perfil en las redes sociales. Además, ambas tienen en común tanto el interés por dar aceptación a lo femenino, como por la relación a la enfermedad que marcaron la vida de ambas, y que posiblemente, en palabras de la artista Guadalupe Gil: ‘ nos haga ir más allá de lo establecido; más allá de lo convencional, más allá de lo de FUERA, y quizás más allá de lo de DENTRO’.

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Artista referente: Eva Hesse Eva Hesse nació en Hamburgo el 11 de enero de 1936 y muere en Nueva York el 29 de mayo de 1970 a causa de un tumor cerebral. Fue una artista estadounidense nacida en Alemania. Sus comienzos están relacionados con el expresionismo abstracto y con ello se interesa por la pintura abstracta. Aunque fue más conocida por su trabajo pionero en materiales como el látex, la fibra de vidrio y el plástico en sus esculturas que desarrolló en la década de los 60. Su obra se incluye en el postminimalismo porque se opone de otra manera al minimalismo, ya que esta corriente, que dominaba la producción de arte en este momento, recalca la rigidez de las formas, la simplicidad, el orden, las composiciones modulares y la ausencia de la expresividad en contraposición al expresionismo abstracto, cargado de más libertad emocional. Precisamente Hesse, transciende al Minimalismo, por lo que encajaba más en el postminimalismo y el arte povera y llena sus obras de expresividad en su proceso creativo, ya que descarga sus conflictos internos y dota de expresividad a sus obras como si de un autorretrato se tratasen. Concretamente en su obra, Accesión, habla de esa búsqueda del equilibrio entre lo externo y lo interno. Contrasta materiales y da formas orgánicas a estructuras geométricas, algo que llamaba la atención en ese momento donde no existía ese interés.

Acession se trata de un cubo de fibra de vidrio de 80x80x80 cm. A través de los orificios en las caras del cubo, traspasan unos puntiagudos filamentos de plástico, que aportan una textura suave en el interior, en contraposición con la textura exterior, más seria y rígida. El color austero y opaco de la materia metálica solo deja entrever la luz a través de los filamentos transparentes de plástico, llenado el espacio interior. Su escala invita a meterse dentro y su aspecto suave incita tocarlo.

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Es por ello que Hesse utiliza en esta obra la forma geométrica del cubo, influenciada por estas corrientes. El cubo está compuesto por una de las figuras geométricas más simples, el cuadrado, que se encuentra en gran parte de las corrientes artísticas vanguardistas. Empleado por los Cubis-

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tas, Futuristas, Malevich que lo utilizó como la abstracción geométrica del Suprematismo, Mondrian con el Neoplasticismo, etc. En definitiva, esta forma se vio en las creaciones artísticas de los años 60 y 70 como una reacción lógica en contra del expresionismo abstracto, que el minimalismo aplica con la forma geométrica, para dar cabida a la claridad y a la simplicidad lógica y rechazar este tipo de expresividad. Hesse utiliza este contexto minimalista, pero rompe y transciende, generando una nueva tendencia, dotando a su obra de una sugerente expresividad emotiva. Accesión III forma parte de una serie, que la artista enumeró como (Accesión I,II,III y IV) La carrera artística de Hesse, aunque solo duró una década, debido a su trágica muerte, es considerada de una importancia decisiva para la historia del Arte. Charles Saatchi, el coleccionista británico dijo: “Eva Hesse, de no haber muerto tan joven, sería una de las grandes artistas del siglo.’’

La obra de Hesse nos lleva a la reflexión sobre las influencias de la vida del artista en su proceso creativo y nos invita a meternos en el mundo interno de Hesse.

Con todo esto Guadalupe Gil ha traducido la obra de Eva Hesse a la suya propia. Esta traducción y comparación de las dos obras que presentan esa similitud de forma de trabajar y resolver los conflictos internos es hermosa de ver porque la obra de Hesse solo duró una década y Guadalupe Gil cuenta su porpia experiencia pero también con su obra es una forma de homenajear a su artista de referencia que le ha ayudado en su camino para contar lo que quería. Tratando el contrapunto que existe entre lo que vemos y lo que sentimos, entre lo que pensamos y lo que expresamos

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Ni cobarde ni imprudente La exposición consistia en un trabajo colectivo entre los alumnos de 4º del Grado de Bellas Artes y los profesores de la asignatura de Discursos Expositivos y Difusión del Arte, para hacer una exposición libre en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla que tuviera lugar el día 25 de enero durante todo un día lectivo. Para ello, los alumnos de 4º debían comisariar la obra de un artista, ya fuera dentro o fuera de la facultad.

Finalmente, logró ser un éxito, ya que gracias a la difusión en redes sociales como Instagram, junto con el hastag #nicobardeniimprudente, vino mucha gente a ver lo que habiamos organizado dentro de nuestra facultad que para eso es nuestra y crea artista cada año. Hubo obras desde los sótanos menos 2 hasta la 4ª planta, repartidos en ambos edificios de la Facultad.

En concreto, mi artista comisariada y yo dispusimos que sería en el patio al lado de las escaleras que van para la cafetería y tendría el código QR que redirigiera a la cartela virtual de Instagram, y además unas pequeñas cartelas que contaran tanto el análisis de la obra como el de referencia.

DENTRO/FUERA tuvo el interés que esperábamos tanto dentro como fuera de la Facultad (valga la redundancia). Y la gente, que pasaba por al lado, se paró a mirarla y a leer las cartelas.

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Nota bibiográfica de la artista

Guadalupe Gil Villa nació en Riotinto (Huelva) y desde muy pequeña sintió gran interés por las artes. En un principio, quiso ser bailarina, estuvo un par de años recibiendo clases de ballet, y le encantaba dibujar y pintar. En la EGB utilizó por primera vez el carboncillo y el óleo, a un nivel muy básico, pero que le llenaba. Sin embargo, a los 23 años aprobó las oposiciones de Policía Local. Y aunque siempre sintió que no era su lugar, estuvo trabajando en ello aun sintiendo la fuerte necesidad de crear.

Empezó a orientarse en el arte a raíz del cáncer, como algo que estaba latente en su interior desde qué era niña. Estudió en la Escuela de Arte de Sevilla, técnico superior de fotografía, sin llegar a terminar, y lleva dos años en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla.

En palabras de la artista, gracias a su enfermedad pudo lidad su sueño, y en ello está y prueba de ello es su TRO/FUERA donde ha traducido todas sus emociones y cado hacia el exterior con gran fortaleza, la cual denota

hacer reaobra DENlas ha saque tiene.

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Nota bibiográfica de la comisaria

Nací en Córdoba en 1997. Con 8 años mis padres me apuntaron a unas clases particulares de pintura y dibujo, impulsados por los consejos de mi profesora de prescolar que veía algo en mis dibujos ya que siempre tuve un especial interés por el color y era algo con lo que veía que verdaderamente disfrutaba y liberaba mi imaginación.

Quizas todo el interés sobre el arte viene de la necesidad personal que siempre he buscado para expresame, analizarme y comunicarme con mi entorno. No siempre lo he tenido claro, ya que me interesaban otras cosas como la biología y en 4º de la ESO tiré por la rama científica, pero al pasar por un momento difícil, en el que además llevaba un par de años sin dar clases de pintura, sentí que mi camino era ingresar en la Escuela de Arte ‘’Mateo Inurria’’ en Córdoba porque sentía algo muy fuerte cuando caminaba por allí y hacer el Bachillerato de Artes Plásticas, Diseño e Imagen me dio una buena base. Así que en 2015 me matriculé en el Grado de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla, que actualmente, me encuentro terminando.

En este último curso, he vivido la experiencia de ser comisaria por primera vez, con mucha ilusión, y he conocido a una artista que trabaja los sentimientos como yo, lo de dentro, lo de fuera, la huella, lo terapéutico y me he enamorado de su trabajo y de su vitalidad.

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