La Ceramica Moderna e Antica -numero 323-324

ORGANO UFFICIALE AICC ASSOCIAZIONE ITALIANA CITTA’ DELLA CERAMICA

LA CERAMICA

MODERNA & ANTICA

ISSN 1123-816X TRIMESTRALE ANNO XLV N.323-324 GEN/GIU 2024 EURO 10,00

MODERN & ANCIENT CERAMICS

GIO PONTI AL MIC DI FAENZA Poste Italiane spa – Spedizione in A.P. – D.L 353/2003 (conv. in L. 26/02/2004 n.46 Art. 1 Comma 1) CNS/CBPA – Firenze

CERAMICA CASA FONDATA NEL ‘700 CECCHETTO

CERAMICA CECCHETTO s.r.l Impresa storica. Dal 1828, otto gener azioni di arte cer amica

Ceramica Cecchetto Srl Nove (VI) Italy | Tel. +39 0424 590015

w w w. c e r ami c a c e c c h e t to . i t

Festival Internazionale della Ceramica e Mostra Mercato International Ceramics Festival and Market-Fair

30, 31 agosto e 1 settembre 2024 August 30th, 31st and September 1st 2024

Faenza, Italy

Artw ork: K rast a

Ospiti: Paesi Baltici Estonia, Lettonia, Lituania

, La

Ker am ika

Guest: Baltic Countries Estonia, Latvia, Lithuania

tvia

Media Partner

LA CERAMICA

MODERNA E ANTICA

MODERN AND ANCIENT CERAMICS

Info: +39 0546 697311 | argilla@micfaenza.org | www.argilla-italia.it

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LA MODERNA CERAMICA & ANTICA LA COPERTINA

Gio Ponti Ceramiche/Ceramics 1922-1967 in mostra al MIC di Faenza fino al 13 ottobre

«Ciò che ci interessa e che ci ha interessato

per questa mostra è la curiosità di Gio Ponti, onnivora e insonne, che lo ha portato ad innovare potentemente soprattutto la ceramica degli anni Venti e Trenta.

Il suo segreto fu quello di non temere l’industria cercando allo stesso tempo di preservare l’artigianato artistico, coniugando serialità e manualità.»

Stefania Cretella, curatrice della mostra

ORGANO UFFICIALE AICC ASSOCIAZIONE ITALIANA CITTA’ DELLA CERAMICA

LA CERAMICA

MODERNA E ANTICA

ISSN 1123-816X TRIMESTRALE ANNO XLV N.323-324 GEN/GIU 2024 / EURO 10,00

MODERN AND ANCIENT CERAMICS

GIO PONTI AL MIC DI FAENZA Gio Ponti Vaso ornamentale – La Casa degli Efebi Società Ceramica Richard - Ginori 1924-1925 Altezza cm 78 Museo Ginori, Sesto Fiorentino Courtesy Museo Ginori

LA CERAMICA MODERNA & ANTICA

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EDITORIALE

È iniziata la nuova avventura della rivista La Ceramica

Moderna & Antica: la redazione è al lavoro per la prossima uscita, la prima da quando è stata acquisita da parte dell’Associazione Italiana Città della Ceramica-AiCC, con l’obiettivo di diventare l’organo ufficiale al servizio dell’intera comunità ceramica nazionale e internazionale.

Questa nuova fase ci permetterà di ampliare ulteriormente il nostro impatto e di servire al meglio la comunità ceramica, promuovendo la sua cultura e la sua bellezza a livello nazionale e internazionale, facendo tesoro del patrimonio creato nel tempo da La Ceramica Moderna & Antica, che ha rappresentato un luogo di incontro e di confronto nel quale per decenni si è alimentato il dibattito pubblico e culturale intorno al grande tema della ceramica. È importantissimo il ruolo del dibattito pubblico nella costruzione dell’immaginario collettivo, anche nella società digitale e tecnologica dove i social network sono una grande opportunità di comunicazione ma anche un ostacolo alla costruzione di pensieri lunghi: questa è la direzione che vogliamo mantenere con il nuovo corso della rivista, interpretando e dando voce al cambiamento, ma sempre raccontando storie, per informare e contribuire alla costruzione di un pensiero consapevole che sia alla base della produzione ceramica.

Massimo Isola Direttore responsabile

È con un misto di soddisfazione e orgoglio, ma anche di

emozione, che mi accingo a pubblicare il primo numero di questa nuova edizione de “La Ceramica Moderna e Antica”, rivista che ho visto nascere e a cui ho collaborato 45 anni fa in quel grande laboratorio di editoria specializzata per il settore ceramico che fu la Faenza Editrice.

Devo perciò ricordare Goffredo Gaeta che di questa rivista fu l’ideatore e Medardo Manara che ne fu il primo direttore editoriale.

Molto tempo è trascorso da allora e anche senza coinvolgere i progressi tecnologici, si può però affermare con certezza che il mondo dei ceramisti, laboratori artigianali o atelier di artisti che siano, è quanto mai vivo e presente sulla scena culturale e produttiva del nostro paese.

In questo XXI secolo che si avvia a compiere il suo primo quarto di vita, la grande novità è rappresentata dalla rete di rapporti che si è venuta a creare tra le diverse realtà di questo settore. Ne è una prova tangibile la nascita e il forte sviluppo dell’Associazione italiana Città della Ceramica-AiCC che ha permesso di mettere in contatto realtà tra loro distanti, non solo geograficamente, consentendo uno scambio di nozioni, informazioni, esperienze che rappresenta un motore inesauribile di evoluzione.

Prendo dunque in mano questa rivista, strumento di conoscenza e divulgazione delle attività delle città associate, ma non solo, consapevole dell’importanza che riveste, nel solco della linea editoriale che Giovanni Mirulla con la Emil Edizioni ha egregiamente perseguito per oltre un decennio. Come si può notare già da questo primo numero, abbiamo previsto una riprogettazione grafica, nuovi contenuti e una più marcata apertura verso esperienze estere, non solo europee, e contiamo sulla collaborazione degli operatori del settore per ricevere contributi sempre all’altezza delle aspettative di abbonati e lettori.

Daniele Bosi Direttore Editoriale

LA CERAMICA MODERNA & ANTICA

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COLOPHON Rivista internazionale per la ceramica ISSN 1123 – 816X Anno XLV n. 323-324 Gen/Giu 2024 Organo ufficiale AiCC Associazione italiana Città della Ceramica

Direttore responsabile Massimo Isola

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Direttore Editoriale Daniele Bosi

Comitato Scientifico Claudia Casali, Gilda Cefariello Grosso, Maria Concetta Cossa, Angelo Minisci, Vittorio Amedeo Sacco.

MUSEO DI SAVONA e ARTURO MARTINI

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FARE COMUNITÀ A CAVALLO DI UN TORNIO

Progetto grafico ISIA di Faenza, coordinato dal prof. Mauro Bubbico, docente di “Grafica Editoriale”.

Studenti del 1° Anno del Corso di Diploma Accademico di Secondo Livello in “Design della Comunicazione”: Filippo Bernabè, Paul Böse, Giuditta Cucchi, Etienne Dal Ben, Sofia Danieli, Giulia di Pinto, Stefano Fusaro, Chiara Guardenghi, Anna Lolli, Camilla Nonni, Margherita Sandelli.

Messa in pagina Giuditta Cucchi, Margherita Sandelli.

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Hanno collaborato a questo numero Sandra Baruzzi, Sandro Bassi, Irene Carlino, Massimiliano Cecconi, Mara De Fanti, Antonella Gulli, Mirta Morigi, Giuseppe Olmeti, Marco Maria Polloniato, Antonella Ravagli, Delia Russo.

BERTOZZI E CASONI

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ARTEFIERA

Editore, direzione, amministrazione POLARIS EDITORE s.r.l.s Corso Mazzini 67/A – 48018 Faenza (RA)

Direzione, Redazione, Amministrazione: Tel. +39 0546.061061 Email: laceramicadirezione@gmail.com Traduzioni in inglese: Henry Neuteboom

Pubblicità: Studio Tavalazzi Comunicazione Bagnacavallo (RA) info@studiotavalazzi.com Tel. 338.6071909

Stampa: Tipografia ABC Via di Capalle, 11 - 50041 Calenzano (FI)

È vietata la riproduzione anche parziale con qualsiasi sistema e su qualsiasi supporto, di testi, grafica e immagini senza l’autorizzazione scritta della direzione. Testi e immagini anche se non pubblicati, non si restituiscono.

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GIO PONTI

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IL RE E LA REGINA

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CARLO ZAULI

Le opinioni espresse negli articoli firmati esprimono il parere degli autori, che se ne assumono la piena responsabilità. © 2024 Polaris Editore s.r.l.s. Faenza (RA) Iscrizione al R.O.C.: in corso

Per cambio indirizzo informare almeno 30 giorni prima, tramite email.

Registrato presso il tribunale di Ravenna il 19-07-1979 al n. 670 del registro stampa.

Poste Italiane spa – Spedizione in A.P. – D.L 353/2003 (conv. in L. 26/02/2004 n.46 Art. 1 Comma 1) CNS/CBPA – Firenze

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PESARO 2024

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SOMMARIO

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KERAMOS

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CERAMIC BRUSSELS 2024

NOTIZIARIO

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CARLOS CARLÈ

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MUSEO GIANETTI

RECENSIONI

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ELOGIO DELLA FRAGILITÀ

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FOCUS GIAPPONE

FU-PING

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COLOGNI MAM

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PESARO 2024

La Natura della Cultura

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← IL VISUAL DI PESARO 2024, FIRMATO DA CRISTINA SPANÒ ↘ LA FONTANA DEI TRITONI IN PIAZZA DEL POPOLO

Un’occasione da non perdere per visitare la città marchigiana e la sua provincia di DANIELE BOSI La provincia di Pesaro ospita ben tre città italiane della ceramica: Pesaro stessa, Urbania e Fratte Rosa, ma in tutto il territorio la vocazione per questo artigianato ha radici antiche e una larga diffusione. Il riconoscimento di capitale italiana della cultura premia evidentemente una pluralità di fattori, non dimentichiamo il Rossini Opera Festival, per esempio o luoghi simbolo come il Palazzo Ducale di Urbino o il Monastero di Fonte Avellana o il Castello di Gradara, ma l’arte della ceramica rappresenta uno dei vanti per i quali Pesaro (con la sua provincia) è stata scelta quale testimone della cultura italiana.

Lungo tutto l’anno si susseguiranno manifestazioni ed eventi per ogni tipo di interesse e consultando il sito ufficiale pesaro2024.it si troverà sicuramente più di un motivo per una visita da queste parti.

Per capire meglio come fosse stata pensata e gestita l’organizzazione ho fatto una chiacchierata con Daniele Vimini, Assessore alla Bellezza del comune di Pesaro dal 2014, certo che questo sua qualifica sia stata più stimolante di quella, semplice e ovvia, di Assessore alla Cultura.

Come ci si sente a essere l’assessore alla cultura e alla bellezza di una città capitale italiana della cultura?

Bene, anche se è una grande responsabilità. È però una bella opportunità, perché abbiamo costruito un programma molto stimolante rispetto agli assi tradizionali della cultura, visti con una chiave contemporanea. Dobbiamo chiederci, a partire dai punti fermi che ogni comunità, ogni città, ogni regione ha nei confronti della cultura, quali sono i nuovi messaggi, le nuove modalità espressive, i nuovi modi di fare cultura, di produrre con questo trinomio, che abbiamo tenuto sempre come base, di arte, natura e tecnologia. Rifuggendo da progetti monotematici o monodirezionali, non troveremo quindi un progetto musica o

un progetto ceramica o un progetto archeologia o un progetto danza, ma abbiamo cercato di unire vari ambiti. In primo luogo per fondere i diversi tipi di pubblico e gli elementi di interesse e poi anche per creare nuove forme espressive. C’è quindi una sfida produttiva e, per contro, c’è anche un’opportunità unica di mettere un faro maggiore per una realtà di provincia come la nostra su quello che già esiste. È quindi evidente che la creatività, il patrimonio, e parliamo di musei, di ceramica e di altri ambiti, quest’anno hanno un’opportunità in più e ce l’hanno anche in rete perché, rimanendo per esempio solo al tema ceramico, abbiamo intensificato i rapporti con l’AiCC, abbiamo avuto la possibilità di ospitare il Gran Tour a Pesaro, Urbania sta organizzando il riassetto delle sale espositive dei musei nel Palazzo Ducale con la mostra per l’anniversario del Piccolpasso.

Anche Fratte Rosa è entrata nel progetto rilanciando il tema delle terrecotte che si lega anche agli altri progetti gastronomici di racconto della cultura a partire dal cibo. Abbiamo costruito un programma sui 50 comuni della provincia: ogni comune è capitale con Pesaro per una settimana e questo ci ha permesso di inserire, al di là di quella settimana, molti temi. Un comune può così organizzare una mostra di tre mesi che non avrebbe fatto in nessun caso.

Dunque avete dato molta importanza ai comuni della vostra provincia…

Sì, era necessario perché siamo tutti orfani di una imperfetta, o sbagliata, riforma che toglie alle province competenze sulla cultura e il turismo e le trasferisce alla regione senza ulteriori finanziamenti. Per molte realtà la regione è distante e, di regola, dovrebbe produrre leggi e non gestione.

Quindi sono importanti il ruolo e la responsabilità dei comuni capoluogo perché contribuiscono a riconnettere le reti dove tra l’altro le reti erano storicamente presenti. Sulla ceramica, infatti, siamo abituati a parlarci, a dialogare ma questo accade anche in tanti altri settori come gli spettacoli dal vivo o i progetti legati alla lettura, o alle reti delle biblioteche. Quindi c’è una forte necessità di riconnettersi, soprattutto in un territorio vario come il nostro

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dove c’è il tema della costa, della collina, della montagna.

L’unione di progetti tra aree omogenee era un’esigenza che io ho sempre avvertito. Inoltre il vantaggio che i comuni fossero 50, più o meno come le settimane dell’anno, ci ha agevolato. Tra l’altro ci fa piacere che anche Agrigento abbia preso lo spunto da questo, fino a Gorizia e Nova Gorica dove i comuni sono 25. È un elemento che permette di dare molta continuità alle azioni, anche nella complementarietà.

Questo è molto importante pensando ai flussi turistici: voi e altri comuni della provincia siete città di mare, ma avete un importante entroterra su cui convogliarli.

Certo, perché nessuno si accontenta di stare una settimana in una città: questo tra l’altro lo abbiamo sperimentato al contrario, quando, nel 2014, compimmo un’indagine di mercato sui turisti presenti in città in luglio e agosto. Pesaro ha un tasso di “affezione” molto alto, più del 50% sono persone che vengono tutti gli anni, fatto che rappresenta un punto di forza, ma può essere anche un limite. Con un migliaio di interviste fatte ai turisti di quel periodo, tra ospiti di alberghi, visitatori dei musei, bagnanti, molti di coloro che erano alla prima permanenza in città non consideravano più di tanto che Pesaro fosse una classica città di mare. Forse anche per i suoi legami con il settore manifatturiero, per esempio la Scavolini, ma molti in realtà la sceglievano perché offriva più opportunità di alloggio

e quindi era ideale come punto di partenza per le destinazioni d’arte, prevalentemente Urbino e Gradara. Alla stessa domanda fatta agli ospiti affezionati, di cui dicevamo prima, in città già per il secondo o il terzo anno, la risposta era invece che Pesaro stessa veniva scelta in quanto città d’arte. Questo per dire che c’è una predisposizione naturale a cercare realtà diverse, a scoprirle, a voler tornare perché si vuole scoprire dell’altro. In ogni caso la nostra sfida non è quante decine o centinaia di migliaia di turisti in più ci saranno quest’anno, ma quanto ci sarà a Pesaro e nella rete dei suoi comuni che è stata creata. Perché se uno pensa che Pesaro è piena e fuori c’è il deserto dopo si chiede “perché devo tornarci?”.

Quindi vi aspettate un turismo qualitativamente alto, con interessi culturali e non esclusivamente legato alle attività balneari.

In realtà non abbiamo nessun progetto turistico. I progetti pensati per la capitale della cultura sono essenzialmente pensati per la comunità. Il ragionamento è che se organizzo un programma turistico, per esempio una mostra degli Impressionisti, che nulla hanno a che fare con il nostro territorio, è un evento che può avere successo quest’anno, ma l’anno prossimo mi ritrovo a piedi… Invece abbiamo centinaia, anche migliaia, se li mettiamo tutti insieme, di percorsi che coinvolgono istituti scolastici, associazioni culturali, realtà vive del territorio. Dobbiamo considerare che una politica culturale

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9 ← LA BIOSFERA, IN PIAZZA DEL POPOLO, INSTALLAZIONE SCULTOREO-DIGITALE IDEATA PER NARRARE E CONDIVIDERE LA NATURA DELLA CULTURA ↘ LA SFERA DI GIÒ POMODORO IN PIAZZA DELLA LIBERTÀ

fatta con la tua comunità crea un tessuto per cui il viaggiatore vede una realtà viva e non una fiera del turismo. Aumenta poi la consapevolezza e ricostruisce anche quei legami nel territorio che magari si erano sfilacciati. Quello che io cercherei è una politica culturale che porti a una qualità che abbia il turismo come effetto indiretto. A quel punto trovi un’attenzione maggiore e un pubblico che è disposto a passare più giorni in un territorio più ampio rispetto alla sola città di Pesaro.

Con i mercati esteri come vi siete relazionati?

Abbiamo fatto una scelta. Essendo il mondo molto grande, abbiamo fatto un ragionamento che persegue sempre il tema della qualità. Ci siamo detti: dove è conosciuta soprattutto Pesaro per la sua manifestazione più importante, cioè il Rossini Opera Festival? Qui c’è un pubblico essenzialmente francese, addirittura più di quello italiano, tedesco, inglese, e un po’ spagnolo, statunitense e giapponese. Questi sono i paesi in cui abbiamo deciso di investire maggiormente nella promozione. A questi mercati abbiamo aggiunto una sfida, la Corea, perché è uno dei paesi emergenti e abbiamo già molti rapporti aperti tra musica, design e, non ultima, la ceramica.

Ci siamo mossi con gli Istituti di Cultura, i consolati, le ambasciate, come a Berlino dove si è tenuto un evento molto importante organizzato dall’Ambasciata con un piccolo recital del Rossini Opera Festival e una parte gastronomica che con Rossini si lega sempre bene.

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MOSTRE

GIO PONTI AL MIC DI FAENZA OLTRE DUECENTO OPERE DELL’INVENTORE DEL MADE IN ITALY DI SANDRO BASSI

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CENTRO PER LE AMBASCIATE D’ITALIA, SOCIETÀ CERAMICA RICHARD-GINORI, 1925-1927, MUSEO GINORI, SESTO FIORENTINO GIO PONTI, TOMMASO BUZZI, ITALO GRISELLI

Faenza salda il suo debito di riconoscenza con il grande architetto milanese famoso anche (e forse soprattutto) per la lunga, ricca, efficacissima attività di designer. Di ceramiche, certo, ma anche di vetri, mobili, tessuti, arredi.

Debito? Ad esser sinceri chi scrive non sa se sia più ciò che Ponti ha dato oppure ciò che ha preso, perché nella sua radiosa carriera Ponti è stato squisitamente “ladro” – sia detto nella più totale affettuosità ed inteso come un saccheggio artistico estremamente produttivo per tutti noi – ispirandosi all’arcaico, che conosceva benissimo, riconiugandolo in chiave contemporanea e guardando senza remore a tutti gli artisti del suo tempo, ma anche agli artigiani, da cui seppe trarre spunti, idee, stimoli.

Cominciando, perché no, dal fondo, (cioè da “Ponti e Faenza”, terz’ultima delle quindici sezioni in cui è articolata questa mostra), si vedono le numerose collaborazioni che Ponti ebbe con la città delle ceramiche, segnatamente con Pietro Melandri, di cui fu personalmente amico e che coinvolse fin dal 1936 in progetti d’allestimento di interni (con la Cariatide che compare alla VI Triennale di Milano di quell’anno), ma anche con i “cartapestai” Dal Monte, Enrico e Gaetano, e con Riccardo Gatti. Quest’ultimo mutuò da Ponti il segno grafico sintetico, asciutto, pulitissimo: prova parlante è il Piatto con scena agreste del 1930, tutto giocato sui chiaroscuri del bianco e nero impreziosito dall’oro. «Ma non dimentichiamo le altre ceramiche “pontiane” di Melandri, di nuovo a partire dal 1930 – precisa Claudia Casali, direttrice del Mic e che ha curato appunto questa sezione – come l’Annunciazione (in mostra, da collezione privata), o come le, di poco successive, Coppia di angeli in bicicletta (coll. priv.), Donna alla balaustra (Mic), Vaso sirena (Mic), o come il fantasiosissimo e modernissimo Vaso pavone del 1938 (Courtesy Ed Gallery di Piacenza). Tuttavia faccio notare soprattutto il meraviglioso Quasi un ritratto, del 1946, olio su compensato dello stesso

Ponti valorizzato da una cornice a doppia crinolina di Tano Dal Monte. Infine andrà ricordato il rapporto stretto che Ponti ebbe con Ballardini, fondatore e per quasi mezzo secolo direttore del Mic: Ballardini invitò Ponti nel 1928 per i corsi interuniversitari dedicati alla ceramica e per due volte consecutive, nel 1948 e ’49, a far parte della giuria del Concorso (“Premio Faenza”) e questo fu certamente foriero di una modernizzazione vista la sensibilità che Ponti aveva verso nuovi materiali – il grès ad esempio – e verso le nuove istanze artistiche che stavano spazzando via le retoriche e le monumentalità del trascorso Ventennio».

Un pittore mancato Sebbene sia, in generale parlando, molto “pericoloso” mescolare in un artista la biografia (fatti privati o talvolta privatissimi) con le opere, che restano l’unica vera eredità, bisognerà dire come Ponti sia stato un talento torrenziale ma tutt’altro che precoce: per nulla brillante negli studi scolastici, in gioventù voleva fare il pittore e solo su costrizione del padre si iscrisse, di malavoglia, nel 1913, al Politecnico di Milano; dovette interrompersi per la Grande Guerra, dove vide la disfatta di Caporetto e dove riportò un trauma psicologico così forte da indurlo, dopo, a cercare di recuperare febbrilmente il tempo perduto. Dal 1919, anno della laurea, fino al 1978, non si fermò più. Dopo aver visto da vicinissimo la morte si innamorò follemente della vita e non volle perdere più neanche un minuto. Appena laureato iniziò a frequentare la Richard Ginori di cui nel ’23, su invito del proprietario Augusto Richard, divenne direttore artistico. «Sono entrato nell’architettura per vie che ritenevo e ritenni per molto tempo provvisorie – scriverà lui stesso - e vi entrai sotto i segni che mi derivavano tanto da una ristretta cerchia di amicizie giovanili e scolastiche…, quanto dalla permanenza nel Veneto, durante la Guerra, che mi dimesticò con l’architettura palladiana».

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12 Faenza salda il suo debito di riconoscenza con il grande architetto milanese famoso anche (e forse soprattutto) per la lunga, ricca, efficacissima attività di designer. Di ceramiche, certo, ma anche di vetri, mobili, tessuti, arredi.

Debito? Ad esser sinceri chi scrive non sa se sia più ciò che Ponti ha dato oppure ciò che ha preso, perché nella sua radiosa carriera Ponti è stato squisitamente “ladro” – sia detto nella più totale affettuosità ed inteso come un saccheggio artistico estremamente produttivo per tutti noi – ispirandosi all’arcaico, che conosceva benissimo, riconiugandolo in chiave contemporanea e guardando senza remore a tutti gli artisti del suo tempo, ma anche agli artigiani, da cui seppe trarre spunti, idee, stimoli.

Cominciando, perché no, dal fondo, (cioè da “Ponti e Faenza”, terz’ultima delle quindici sezioni in cui è articolata questa mostra), si vedono le numerose collaborazioni che Ponti ebbe con la città delle ceramiche, segnatamente con Pietro Melandri, di cui fu personalmente amico e che coinvolse fin dal 1936 in progetti d’allestimento di interni (con la Cariatide che compare alla VI 02

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Triennale di Milano di quell’anno), ma anche con i “cartapestai” Dal Monte, Enrico e Gaetano, e con Riccardo Gatti. Quest’ultimo mutuò da Ponti il segno grafico sintetico, asciutto, pulitissimo: prova parlante è il Piatto con scena agreste del 1930, tutto giocato sui chiaroscuri del bianco e nero impreziosito dall’oro. «Ma non dimentichiamo le altre ceramiche “pontiane” di Melandri, di nuovo a partire dal 1930 – precisa Claudia Casali, direttrice del Mic e che ha curato appunto questa sezione – come l’Annunciazione (in mostra, da collezione privata), o come le, di poco successive, Coppia di angeli in bicicletta (coll. priv.), Donna alla balaustra (Mic), Vaso sirena (Mic), o come il fantasiosissimo e modernissimo Vaso pavone del 1938 (Courtesy Ed Gallery di Piacenza). Tuttavia faccio notare soprattutto il meraviglioso Quasi un ritratto, del 1946, olio su compensato dello stesso Ponti valorizzato da una cornice a doppia crinolina di Tano Dal Monte. Infine andrà ricordato il rapporto stretto che Ponti ebbe con Ballardini, fondatore e per quasi mezzo secolo direttore del Mic: Ballardini invitò Ponti nel 1928 per i corsi interuniversitari dedicati alla ceramica e per due volte consecutive, nel 1948 e ’49, a far parte della giuria del Concorso (“Premio Faenza”) e questo fu certamente foriero di una modernizzazione vista la sensibilità che Ponti aveva verso nuovi materiali – il grès ad esempio – e verso le nuove istanze artistiche che stavano spazzando via le retoriche e le monumentalità del trascorso Ventennio».

Un pittore mancato Sebbene sia, in generale parlando, molto “pericoloso” mescolare in un artista la biografia (fatti privati o talvolta privatissimi) con le opere, che restano l’unica vera eredità, bisognerà dire come Ponti sia stato un talento torrenziale ma tutt’altro che precoce: per nulla brillante negli studi scolastici, in gioventù

13 voleva fare il pittore e solo su costrizione del padre si iscrisse, di malavoglia, nel 1913, al Politecnico di Milano; dovette interrompersi per la Grande Guerra, dove vide la disfatta di Caporetto e dove riportò un trauma psicologico così forte da indurlo, dopo, a cercare di recuperare febbrilmente il tempo perduto. Dal 1919, anno della laurea, fino al 1978, non si fermò più. Dopo aver visto da vicinissimo la morte si innamorò follemente della vita e non volle perdere più neanche un minuto. Appena laureato iniziò a frequentare la Richard Ginori di cui nel ’23, su invito del proprietario Augusto Richard, divenne direttore artistico. «Sono entrato nell’architettura per vie che ritenevo e ritenni per molto tempo provvisorie – scriverà lui stesso - e vi entrai sotto i segni che mi derivavano tanto da una ristretta cerchia di amicizie giovanili e scolastiche…, quanto dalla permanenza nel Veneto, durante la Guerra, che mi dimesticò con l’architettura palladiana».

Classicità rivisitata in chiave contemporanea «Ciò che ci interessa e che ci ha interessato per questa mostra – spiega la curatrice Stefania Cretella – è la curiosità di Gio Ponti, onnivora e insonne, che lo ha portato ad innovare potentemente soprattutto la ceramica degli anni Venti e Trenta. Il suo segreto fu quello di non temere l’industria cercando allo stesso tempo di preservare l’artigianato artistico, coniugando serialità e manualità. Allo stesso modo, essendosi creato un bagaglio culturale notevole, seppe guardare indietro – all’antico, dall’arte etrusca fino a quella rinascimentale, che amò sempre – proiettandosi però in avanti, riproponendo modelli classici rivisitati in chiave moderna e studiando processi produttivi per oggetti 03

01 LEVRIERO CON TESTA RIVOLTA

ALL’INDIETRO GIO PONTI, GISELLI ITALO, 1930 MUSEO GINORI, SESTO FIORENTINO

02 IL MAESTRO DI DANZE

GIO PONTI, CIBAU GEMINIANO, 1930 MUSEO INTERNAZIONALE DELLE CERAMICHE IN FAENZA

03 VASO DELLE DONNE

E DELL’ARCHITETTURA GIO PONTI, 1924 MUSEO GINORI, SESTO FIORENTINO 04 COPPA “ALATO”

GIO PONTI, 1927 MUSEO GINORI, SESTO FIORENTINO

04

14 di arredo sempre di elevata qualità anche quando economicamente accessibili».

Esempio parlante sono Le mie donne, sensuali e raffinatissime, ispirate ai nudi di Pontormo e di Parmigianino – collo lungo, seni piccoli, occhi a mandorla, membra molto tornite – e inserite su architetture, su petali di fiori o addirittura sospese fra improbabili corde: un esempio è quello di Agata, piatto scelto dal Mic come logo per la mostra. «Sì, certo – ancora Cretella – ma direi che nel complesso Ponti guarda ai grandi maestri del Cinquecento, e aggiungerei Rosso Fiorentino, Benvenuto Cellini, l’Ammannati e il Primaticcio come per le architetture citerei gli evidenti richiami a Palladio e a Serlio, contemperandoli però con rimandi al Novecento, ad un Amedeo Modigliani ad esempio».

Gli archivi prestatori Le fonti dei prestiti sono lo stesso Mic, collezionisti privati ma soprattutto l’Archivio di famiglia e quello del Museo Ginori a Sesto Fiorentino. La responsabile di quest’ultimo, Oliva Ruccellai, curatrice del relativo saggio in catalogo, avverte come alcuni pezzi siano, di fatto, diventati unici: è il caso del monumenta-

le grande vaso “cinesizzante” (blu notte con inserti in bronzo dorato) realizzato nel 1925 per la Cassa di Risparmio delle Province Lombarde e di cui resta appunto solo la “prova” salvatasi nell’Archivio stesso, il coevo vaso con la Casa degli Efebi per l’Esposizione Internazionale di Parigi del ’25, oppure lo scenografico Centrotavola delle ambasciate d’Italia, in porcellana bianca e oro, per sua natura nato in serie, per tutte le ambasciate dell’epoca (1925-1927), ma preservatosi nella sua interezza (43 pezzi!) solo qui….

Eredità pontiane Non manca infine una sezione sulla promozione, da parte di Ponti, degli artisti da lui ammirati anche se magari lontani dal suo stile: Guido Gambone anzitutto, ma anche Andrea Parini, il bassanese Luigi Zortea, Carlo Alberto Rossi con due vasi a bucchero dei primi anni ’50, Guido Andlovitz, oppure l’amica-nemica Antonia Campi; discorso diverso, anche se rientrante in questo contesto, riguarda gli influssi pontiani su artisti contemporanei: Alessandro Mendini con i suoi coloratissimi e ironici vasi-urna, Ico Parisi ed Ettore Sottsass con il loro pulito rigore, Polloniato con due terraglie neo-settecentesche, Diego Cibelli con tre vasi ricchi di rimandi ad istanze sociali e infine tre soli “locali”: Andrea Salvatori con i suoi Ottomani in terraglia e vetro, Saura Vignoli con un vaso che cita esplicitamente quello a Prospettica del 1925 e infine Bertozzi&Casoni per la febbrile, ossessiva ricerca di perfezione tecnica unita al costante recupero della manualità.

← VASO AGATA GIO PONTI, 1925 COLLEZIONE RAFFAELLO PERNICI BEST CERAMICS

A cura di Stefania Cretella presso il Mic di Faenza fino al 13 ottobre. Tutti i giorni (salvo lunedì, chiuso) dalle 10 alle 19. Catalogo Cimorelli Ed. a cura di C. Casali e S. Cretella con contributi, oltre alle curatrici, di E. Dellapiana, M. Fochessati, F. Irace, S. Licitra, F. Mattio, O. Rucellai, V. Terraroli.

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GIO PONTI, THE QUEST FOR MODERNITY OVER TWO HUNDRED WORKS BY THE INVENTOR OF “MADE IN ITALY” AT THE MIC MUSEUM IN FAENZA SANDRO BASSI

Faenza pays its debt of gratitude to the Milanese architect, who fame is in part (and perhaps primarily) derived from his long, productive and highly efficient work as a designer. This included pieces in ceramics, of course, but also glassware, furniture, textiles and other furnishing units.

Debt? To be honest, it is difficult to say whether Ponti gave more than he took, because in his dazzling career he was an exquisitely elegant “thief” – a term applied with absolute affection, and in the sense of an artistic plundering that gave rise to results that were positive for everyone concerned – drawing inspiration from archaic culture, of which he had excellent knowledge, utilising it in a contemporary way, without hesitating to observe all the artists of his time, and likewise artisans, from whom he drew inspiration, ideas and suggestions.

Let’s start from the end (namely from “Ponti and Faenza,” the third from last of the exhibition’s 15 sections, and why not?)

This presents the many opportunities for collaboration that Ponti had with the city of ceramics, above all with his friend Pietro Melandri, working together on interior design projects from 1936 on (such as Cariatide which was exhibited at the 6th Milan Triennale that year), but also with the papier- mâché experts Enrico and Gaetano Dal Monte. He also worked with Riccardo Gatti, who adopted Ponti’s uncluttered, dry, very clean graphic motifs. A particularly effective example can be seen in Piatto con scena agreste (Plate with a rural scene) dated 1930, rendered entirely in shades from white to black, with gold decoration. “But we should not forget the other Ponti ceramics

by Melandri, also starting from 1930,” explains Claudia Casali, director of the MIC museum and curator of this section, “such as the Annunciazione (Annunciation, included in the exhibition, from a private collection), or the works made slightly later, Coppia di angeli in bicicletta (Pair of angels on bicycles, private collection), Donna alla balaustra (Woman at the Balustrade, MIC), Vaso sirena (Siren vase, MIC), or the highly imaginative, very modern Vaso pavone (Peacock vase) dating to 1938 (Courtesy Ed Gallery, Piacenza). However it is important to mention the superb Quasi un ritratto (Almost a portrait), 1946, oil on plywood, that Ponti himself embellished with a double crinoline frame by Tano Dal Monte. Lastly, we have to remember the close relationship between Ponti and Gaetano Ballardini, who founded the MIC museum and directed it for almost 50 years. Ballardini invited Ponti for the inter-university ceramics courses in 1928, and asked him to be a juror for the Competition (Premio Faenza, Faenza Prize) on two consecutive occasions, in 1948 and 1949. This without doubt indicated a prophetic quest for modernisation, considering Ponti’s sensitivity to new materials – such as stoneware – and to the new trends in art that were sweeping away the rhetorical, monumental characteristics of the previous two decades of Fascism.”

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Painterly ambitions While, generally speaking, for artists it is very “dangerous” to mix biographical aspects (private or highly confidential matters) with the works, which are their only real heritage, it is important to remember that Ponti, while a torrential talent, was in no way precocious. He showed no real brilliance at school; in his youthful years he wanted to be a painter, and he reluctantly enrolled at Milan Polytechnic University in 1913 only because compelled to do so by his father. He had to interrupt his studies due to the Great War, where he witnessed the defeat at Caporetto and suffered a massive psychological trauma that was so grave that, later, it induced him to feverishly make up for the time lost. From 1919, his graduation year, until 1978, he never stopped working. After having seen death close up, he fell madly in love with life and didn’t want to waste even a minute. As soon as he had graduated, he began working with the company Richard Ginori, where he became artistic director in 1923, on invitation by its owner Augusto Richard. “I joined the realms of architecture through paths that I believed, for a long time, were temporary,” he would write, “and l entered the profession under influences deriving both from a small circle of my youthful and school-day friendships … and from the time that I spent in the Veneto region, during the War, that introduced me to Palladian architecture.”

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16 ture I would highlight the obvious references to Palladio and Serlio, given contemporary expression through 20th century references, for example Amedeo Modigliani.”

The archives lending the works The sources of the works lent for the exhibition are the MIC museum, private collectors, in addition to, primarily, the family archive, and the Ginori Museum archive in Sesto Fiorentino. The director of the latter, Oliva Rucellai, who curated the respective essay in the catalogue, points out that some items have in fact become one-off pieces: examples include the large monumental vase in Chinese style (midnight blue with inserts in gilded bronze) made in 1925 for the bank Cassa di Risparmio delle Province Lombarde, of which the only example is the “test piece” conserved in the archive; another vase from the same year dedicated to the Casa degli Efebi (House of the Ephebes) for the 1925 Paris International Exhibition; or the scenic Centrotavola delle ambasciate d’Italia (Table centre decoration for Italian embassies) in white porcelain and gold, whose purpose led it to be a series-made product, for all the embassies at that time (1925-1927), but that has been conserved in its entirety (43 parts!) only here….

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Classicism reinterpreted in a contemporary key “What we find interesting, and particularly relevant for this exhibition,” explains its curator Stefania Cretella, “is Gio Ponti’s omnivorous and incessant curiosity, which led him to powerful innovation, above all in ceramics, during the 1920s and ‘30s.

His secret was having no fear of industry, while at the same time trying to preserve artistic craft skills, combining serial production and manual techniques. In the same way, as he had assembled his own considerable cultural heritage, he was able to look back – to the ancient world, from Etruscan art right through to the Renaissance, a period that he always loved – while projecting his area of interest forward, presenting classical models reinterpreted in a modern way and devising manufacturing processes for furnishing objects that were always of high quality, even when they were relatively low in price.”

Striking examples are offered by Le mie donne (My women), sensual and sophisticated, inspired by nudes by Pontormo and Parmigianino – long neck, small breasts, almond-shaped eyes, curvaceous limbs – shown within architectural compositions, on flower petals, or even suspended from improbable ropes: an example is Agata, a plate that the MIC museum chose as the exhibition logo. “Yes, of course,” continued Cretella, “but I would say that, all considered, Ponti observed the great 16th-century masters, to whom I would add Rosso Fiorentino, Benvenuto Cellini, Ammannati and Primaticcio, while as regards architec-

Ponti’s heritage There is also a section on Ponti’s promotion of artists that he admired, even those with a style very different from his own: primarily Guido Gambone, but also Andrea Parini, Luigi Zortea from Bassano, Carlo Alberto Rossi with two bucchero vases made in the early 1950s, Guido Andlovitz, or his friend and enemy Antonia Campi. A different question, though relevant to this aspect, comprises Ponti’s influence on contemporary artists: Alessandro Mendini with his iconic, brightly-coloured vaseurns, Ico Parisi and Ettore Sottsass with their clean, disciplined style, Polloniato with two neo-18th-century earthenware pieces, Diego Cibelli with three vases incorporating a wealth of references to social themes, and lastly three local artists: Andrea Salvatori with his Ottomani in earthenware and glass, Saura Vignoli with a vase that constitutes a clear reference to “a Prospettica” (to Perspective, 1925), and lastly Bertozzi&Casoni for their impassioned, obsessive quest for technical perfection along with a constant return to manual techniques.

Curated by Stefania Cretella at the Faenza MIC museum, until 13 October. Every day (except Monday, closed) from 10 a.m. to 7 p.m. Catalogue published by Cimorelli Ed. edited by C. Casali and S. Cretella with essays by the curators, and E. Dellapiana, M. Fochessati, F. Irace, S. Licitra, O. Rucellai and V. Terraroli.

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MANO FIORITA GIO PONTI, 1935 MUSEO GINORI, SESTO FIORENTINO

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CISTA TRIONFO DELL’AMORE GIO PONTI, LIBERO ANDREOTTI, 1928 MUSEO GINORI, SESTO FIORENTINO

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MOSTRE

Natura e artificio Bertozzi

&

Casoni

di SANDRO BASSI

La triplice mostra imolese di Bertozzi & Casoni – in tre diverse sedi comunali, cioè Museo San Domenico, Rocca Sforzesca e Palazzo Tozzoni, sotto l’unico titolo «Tranche de vie», a cura di Diego Galizzi – si è conclusa il 18 febbraio 2024 e tuttavia restano importanti lasciti. Il più importante, anche solo da un punto di vista patrimoniale, si dirà, è quello al Museo San Domenico con una prestigiosa donazione (formalizzata già un anno prima della mostra): ben sei pezzi, tra cui spicca per imponenza e grazia Scegli il paradiso, una Madonna che diresti di poetica rinascimentale se non fosse per lo sconcertante tosaerba che lei sta trascinando a recidere tulipani (a loro volta resi con una verosimiglianza spettacolare, indescrivibile a parole e che da qui in poi caratterizzerà tutta la loro produzione); l’opera è del 1997 e risulta anche paradigmatica di quel passaggio da una produzione giovanile – certo giocosa, divertita e divertente e anche nutrita di spunti surreali, non paragonabili però a quelli che verranno dopo – ad un’altra più matura, che in definitiva è quella esposta in Palazzo Tozzoni.

Quest’ultima ha rappresentato in maniera potentissima il messaggio del duo Bertozzi & Casoni nel Duemila con, da un lato, il virtuosismo tecnico portato all’estremo e dall’altro una serie di riflessioni sulla caducità delle cose terrene: dagli avanzi di pasti luculliani ai cestini di rifiuti, fino agli scheletri incombenti con tanto di falce.

Ribadendo che è assai difficile, in questo caso, esprimere con un mezzo – le parole – ciò che è squisitamente prodotto da altri mezzi – le mani – e che è fatto per recettori che in questo caso sono primariamente gli occhi (solo in un secondo tempo intervengono le orecchie ad ascoltare eventuali pedisseque spiegazioni di critici, giornalisti, ciceroni o guide turistiche e se ciò in teoria vale per qualsiasi oggetto d’arte, nondimeno qui la questione LA CERAMICA MODERNA & ANTICA

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STEFANO CASONI E GIAMPAOLO CASONI NEL LORO STUDIO / PH. LORENZO PALMIERI

si pone in modo più imperioso del solito), per Bertozzi & Casoni si è parlato di «mostruosa perizia iper-realistica», di «vero più vero del vero», di gioia quasi sadica nello stupire il riguardante, di eccesso di perfezionismo in quella resa dei dettagli che diventa una sorta di masturbazione fine a se stessa, finalizzata a procurar piacere anzitutto agli autori.

C’è del vero, probabilmente, in tutto ciò, ma dopo aver visto la gorilla vestita di tutto punto (come una dama dell’Ottocento) o il vassoio con cranio scarnificato in cui spunta un dente d’oro, fra tovaglioli di pizzo, dollari stropicciati, sbrodoli di caffè e uova rotte, con tanto di cicche di sigarette schiacciate lì sopra come si faceva nelle orge gastronomiche degli anni Ottanta, le idee si complicano ulteriormente. Non basta la pur vera – ma riduttiva – asserzione che il gioco sta nel fare tutto in ceramica in una mera sfida tecnologica: qui non può trattarsi di artigianato maniacale, di ossessiva gara con sé stessi, o appunto di onanismo fabbrile sublimato. Perché anzi, intravvedendo negli oggetti dei due imolesi (peraltro nativi rispettivamente di Borgo Tossignano e di Lugo e di formazione faentina) un misto di sapienza, coraggio, innovazione e poesia, il campo si sposta – al netto della soggettività di chi scrive e del labile discrimine fra le due categorie – dall’artigianato, sia pur altissimo, all’arte vera e propria. Se poi il loro messaggio alluda ad istanze anticonsumistiche, quindi di critica anzitutto sociale ed etica, o all’opposto di autocompiacimento beneaugurante (c’è chi – non chi scrive – vede nelle loro tavole imbandite un simbolo di convivialità vitalistica e tipicamente romagnola), questo sta a loro precisarlo; oppure sta alla sensibilità – come spesso succede in arte – di ciascuno di noi.

Infine due considerazioni. Non è la prima volta che i due si confrontano con contenitori storici e anzi di potente, ingom-

brante, annichilente altezza architettonica e/o artistica: lo hanno fatto a Palazzo Te a Mantova, alla meravigliosa Pinacoteca Civica di Ascoli Piceno o al Palazzo Ducale di Massa. Stavolta hanno fatto qualcosa di più, non solo dialogando con i contenitori, ma contestualizzando le loro opere nel contenuto esistente, mescolando ad esempio i loro oggetti con quelli della famiglia Tozzoni, in un crescendo di mimesi piacevolissimo.

Inoltre, Bertozzi e Casoni hanno ampiamente superato i pur stupefacenti vassoi del cinquecentista Bernard Palissy (riempiti di animali che, secondo una leggenda palesemente infondata, l’autore otteneva da calchi fatti dal vivo per «imprigionarne il guizzo vitale») perché nelle loro composizioni c’è la vita vera, certo, ma resa con un sapientissimo artificio, non con la sola imitazione della natura.

Sodalizio artistico formato da Giampaolo Bertozzi e Stefano Dal Monte Casoni, due scultori della ceramica italiana di fama internazionale capaci di coniugare tecnologie e materiali industriali con l’arte pittorica, privilegiando la ceramica per le prerogative del colore. La loro collaborazione è durata dal 1980, anno di fondazione della Bertozzi & Casoni con sede a Imola, al 2023, anno della morte di Casoni. Oggi il marchio continua a vivere nelle opere di Giampaolo Bertozzi.

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LA MORTE DELL’EROS alla Rocca Sforzesca di Imola un’opera inedita, installazione di grande impatto emotivo che in questi anni ha rappresentato uno dei progetti più 323-324/2024 lunghi e impegnativi del sodalizio artistico.

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IN NUCE al Museo San Domenico una mostra inedita che per la prima volta ha mostrato e raccontato i primi anni del percorso di Bertozzi e Casoni, dagli esordi degli anni Ottanta fino al fondamentale snodo della metà degli anni Novanta.

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21 BERTOZZI & CASONI 01 PALAULISTA, 2023,

CERAMICA POLICROMA

02 CESTINO DELLA

DISCORDIA, 2002 CERAMICA POLICROMA PH. NAZARIO SPADONI 03 PER MORANDI, 2020 (PART.) CERAMICA POLICROMA PH. NAZARIO SPADONI 04 CUCCIA BRILLO CON SET

TER INGLESE, 2018 CERAMICA POLICROMA PH. DARIA GALLI

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05 PINOCCHIO:

NON RICORDO, 2014, CERAMICA POLICROMA

06 CERVO: DOVE COME

QUANDO, 2014, CERAMICA POLICROMA

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SHOWS

NATURE AND ARTIFICE

BY BERTOZZI & CASONI

The triple exhibition by Bertozzi & Casoni – in three venues in Imola, Museo San Domenico, Rocca Sforzesca and Palazzo Tozzoni – was titled “Tranche de vie” (Slice of life) – and ran until 18 February 2024. It included the donation of six works, amongst which the imposing Scegli il paradiso (Choose a paradise, 1997), with a Madonna of Renaissance beauty pushing a lawnmower and cutting tulips. The pieces shown at Palazzo Tozzoni exemplified Bertozzi & Casoni’s message for the new millennium, the transience of earthly things, such as the leftovers of sumptuous meals, waste baskets, and menacing skeletons bearing scythes.

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Bertozzi & Casoni have been described in terms of “monstrous hyper-realistic skill” and an almost sadistic delight in surprising the observer, but the situation becomes more complicated when viewing, for example, the smartly-dressed gorilla, or the tray with a flayed skull displaying a gold tooth. Using clay to depict anything is not just a technical challenge: it shifts the focus from sophisticated crafts to real art. Bertozzi & Casoni’s compositions encompass true life, going much further than just the imitation of nature.

Sandro Bassi

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07 SERVIZIO DA TÈ PER DUE,

1990-91, MAIOLICA

08 GOGO, 1989,

MAIOLICA DIPINTA

09 PRANZO 2, RESISTENZA2 ,

2017 CERAMICA POLICROMA 10 CESTINO, 1991 MAIOLICA DIPINTA

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MUSEI MUSEI Con oltre 1000 pezzi, il Museo della Ceramica a Savona custodisce sei secoli di produzione. Inaugurato nel 2014, ha sede nell’antico Palazzo del Monte di Pietà, restaurato con cura dalla Fondazione De Mari. Poi c’è un grande museo diffuso….

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Le raccolte di ceramica a Savona SANDRO BASSI Il contenitore Prima uno sguardo alla sede, in pieno centro, nel Palazzo del Monte di Pietà. Residenza privata nel Medioevo, esso cominciò ad ospitare il Monte di Pietà nel 1479 per volere di papa Sisto IV che era savonese. Si tratta di uno dei “monti” più antichi d’Europa, preceduto solo da Ascoli Piceno (1458), Perugia (1462), Orvieto (1463), L’Aquila (1466), Viterbo (1471), Siena (1472) e Bologna (1473). Nell’ala quattrocentesca sono ancora conservati affreschi del ’500 attribuiti a Lorenzo Fasolo. Divenuta proprietaria nel 2008, la Fondazione De Mari di Savona ha scelto di adibire il palazzo a museo affidandone il restauro ad Armellino & Poggio Architetti Associati, Studio di Architettura Fallucca e

Architetto Marco Ricchebono. Il recupero ha previsto soluzioni architettoniche in grado di armonizzare le parti originarie con materiali contemporanei come vetro e acciaio. Con l’ideazione di passaggi verticali interni si è arrivati a realizzare un percorso espositivo lineare fra tutti e quattro i piani. Gli allestimenti sono stati studiati secondo moduli rapportati alla natura dei pezzi ceramici: ne è esempio la “macchina espositiva” dedicata alla donazione Boncompagni Ludovisi. Il collegamento con la limitrofa Pinacoteca Civica di Palazzo Galavotti rende possibili visite singole o integrate. Anche la facciata, ottocentesca, è stata valorizzata dal restauro e infine dotata di un efficace gioco di tende alle finestre che riproducono grandi immagini di piatti in maiolica.

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25 Un museo-laboratorio e, perché no, ristoratore Al suo interno il museo ospita, al primo piano, una vera e propria officina in cui “sporcarsi” le mani; c’è anche un forno ad alta temperatura adatto a grès e porcellane. C’è naturalmente un servizio interno che propone attività educative, ludiche, didattiche, rivolto ad un vasto pubblico che va dai bambini agli adulti comprendendo persone con disabilità, studenti e famiglie. E’ possibile sperimentare anche serigrafia, fotoceramica, fotografia e incisione in generale Ma dalla cura dell’anima si può anche passare a quella del palato, o se volete dai forni ai fornelli, con il ristorante Bino dello chef stellato Giuseppe Ricchebuono. Inaugurato nel 2020, dal 2022 è all’interno della Guida Michelin e propone cucina del territorio senza disdegnare quella di altri paesi. Inoltre, vengono ideati piatti abbinabili e abbinati alle iniziative del museo.

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MUSEO DELLA CERAMICA OPERE 02 MUSEO CERAMICA SAVONA SALA BARTOLOMEO GUIDO BONO PH: FULVIOROSSO 03 MUSEO CERAMICA SAVONA SPEZIERIA SAN PAOLO PH: FEDERICOFARCI 01

Il percorso espositivo Si parte dai cosiddetti “laggioni” quattro-cinquecenteschi. Si tratta di piastrelle ispirate agli azulejos ispano-moreschi e destinate a rivestire muri e pavimenti di abitazioni aristocratiche o di ricchi mercanti savonesi. Si passa poi ai nuovi decori – orientalizzante naturalistico, a tappezzeria, a risparmio – che si impongono nella produzione di fine ’500 per opera di savonesi ed albisolesi che guardano la porcellana cinese. Per il ’600-’700 c’è l’istoriato barocco con scene mitologiche, letterario-storiche o religiose, la collezione della farmacia dell’antico Ospedale (1666), le elegantissime maioliche di Bartolomeo Guidobono e infine il vezzoso rococò, cui succedono le lavorazioni francesi e inglesi, parallelamente all’affermarsi di una produzione popolare di stoviglie e vasellame, le terrecotte nere fino ad arrivare alle celebri gialle.

Per il ‘900 abbiamo le ceramiche d’arte e scultoree con le novità parigine portate da Manlio Trucco (anni ’20), le futuriste di Tullio e Torido Mazzotti (inclusi gli artisti milanesi, genovesi e torinesi da loro ospitati ad Albissola Marina) e infine i grandi internazionali a partire dagli anni ’50: da Lucio Fontana, Asger Jorn, Wilfredo Lam e Agenore Fabbri fino ad Ernesto Treccani, ma anche contemporanei come Alviani, Pistoletto, Raggi, Vitone... Dal 2022 il Museo è diretto coralmente da una squadra di professionisti sotto la guida di un’apposita Fondazione.

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27 Ancora a Savona….

Nel capoluogo di provincia troviamo la Fondazione Museo di Arte Contemporanea Milena Milani in memoria di Carlo Cardazzo. Una storia d’amore legò la savonese autrice de “La ragazza di nome Giulio” al protagonista di tanti scambi artistici internazionali del secondo dopoguerra e per vent’anni compagno della scrittrice e anche lei artista e collezionista. La fondazione è ospitata all’interno della Pinacoteca Civica e raccoglie appunto importanti lavori in ceramica della collezione privata di Milena Milani: fra gli altri, di Capogrossi, De Chirico, Dubuffet, Fontana, Magritte, Man Ray, Picasso e Twombly. Ma nella quattrocentesca Loggia del Castello Nuovo, all’interno del complesso monumentale del Priamàr di Savona, è aperto fin dal 1990 il Civico Museo Archeologico e della città di Savona; esso documenta i numerosi scavi effettuati in oltre sessant’anni dall’Istituto Internazionale Studi Liguri: reperti dall’età protostorica fino al XIX secolo, con mosaici, marmi, vetri e, naturalmente, moltissima ceramica, di importazione (testimonianza dell’intenso e millenario commercio marittimo in tutto il Mediterraneo) o di produzione locale.

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E nel territorio Ad Albissola Marina c’è il MuDA, museo diffuso Albissola, nato nel 2011, diretto dall’Università di Genova e comprendente diverse realtà storico-artistiche del territorio unite in un unico sistema museale: Art Hotel Garden; Balestrini Centro Cultura Arte Contemporanea Raccolta Agenore Fabbri; Casa Museo Jorn; Centro Esposizioni; Ceramiche San Giorgio; Fondazione Museo Giuseppe Bepi Mazzotti 1903; Fornace Alba Docilia; Ceramiche Mazzotti e Ceramiche G. Mazzotti 1903 e Lungomare degli Artisti (vedi per i dettagli museodiffusoalbisola.it).

Peraltro, tutta Albissola Marina è una galleria all’aperto di arte applicata all’architettura e allo spazio urbano, con sculture (A.Siri, L.Fontana, L.Leonardi, A.Ruga), pannelli ceramici (da Caldanzano a Carlè) e portali decorati (da De Salvo a Treccani).

Nelle piazzette e nei vicoli, ma anche salendo al Belvedere, si scorgono ovunque insegne, numeri civici e fregi decorativi in ceramica. Numerose le botteghe artigiane e artistiche, fra le quali lo spazio tiranno ci costringe a citare solo alcune che hanno assunto un riconosciuto rilievo storico: G. Mazzotti 1903, San Giorgio, Pierluca, Viglietti. Infine ad Albissola Superiore si segnala il Museo della Ceramica Manlio Trucco, il Giardino Museo Ernan e la Scuola Comunale di Ceramica.

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ARTURO MARTINI

a Savona

↙ L’ATTESA, 1927.

MAIOLICA DIPINTA, DIAM. BASE 21, H. 25,5.

MANIFATTURA FENICE ↘ IL SOGNO DELLA CONTADINA, 1927.

MAIOLICA DIPINTA, H.CM 26 X DIAM. 20.

MANIFATTURA FENICE

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SI TRATTA DI SEI TAPPETI PROGETTATI E DISEGNATI DA MARTINI CON TRE SOGGETTI – OFELIA, IL VEGLIONE E IL CIRCO – OGNUNO CON DUE DIVERSE VARIANTI

03 IL CIRCO EQUESTRE O I

SALTIMBANCHI, 1929-1930 TAPPETO IN LANA, CM 83 X 119 MANIFATTURA: MITA, GENOVA NERVI 04 IL VEGLIONE, 1929-1930 TAPPETO IN LANA, CM 83 X 113 MANIFATTURA: MITA, GENOVA NERVI 05 OFELIA, 1929-1930 TAPPETO IN LANA, CM 85 X 110 MANIFATTURA: MITA, GENOVA NERVI PH: JORGEFELIXDIAZURQUIZA

Fino al 15 luglio è possibile ammirare, al Museo della Ceramica e alla Pinacoteca Civica, «Arturo Martini. La trama dei sogni. Tessuti, ceramiche, dipinti», mostra dovuta al fortuito ritrovamento a Savona di ben sei opere tessili inedite (le prime, ma probabilmente anche le uniche) del grande artista trevigiano.

Martini si era occupato di arte tessile proprio durante il suo soggiorno a Vado Ligure dal 1920 al 1932 e attorno alla fine degli anni Venti deve aver concepito questi oggetti, poi realizzati dalla Mita (Manifattura italiana tappeti artistici) di Genova Nervi per l’appena nata azienda di arredamento Diana (Decorazioni Industrie artistiche Nuovi Arredamenti) dell’architetto Mario Labò. In mostra – grazie alla collaborazione con Wolfsoniana di Palazzo Ducale a Genova, con il Museo Bailo di Treviso e con il Museo del Paesaggio di Verbania – sono presenti anche i tre bozzetti esecutivi ed un quarto soggetto (Bagnanti) al momento ancora privo di corrispettivo tessile, assieme ad opere grafiche dedicate sempre alle figure de Il Circo e del Veglione; inoltre viene tratteggiato l’intero percorso di elaborazione delle opere, dal disegno su carta all’analisi tecnica dei materiali fino allo studio di annodatura del filo di lana. A latere, alcuni lavori plastici di Martini – ceramiche, terrecotte, gessi e bronzi – ed altri pittorici e grafici: dipinti, disegni, litografie e le curiose cheramografie. In totale 50 pezzi, allestiti nei due musei.

Attraverso testi, documenti e foto d’epoca viene approfondita anche la storia della Mita di Nervi, fondata nel ’26 da Mario Alberto Ponis, legata a figure del calibro di Fortunato Depero e Gio Ponti e capace per cinquant’anni di coniugare tradizione artigianale del tappeto fatto a mano con l’innovazione meccanica finalizzata alla produzione industriale di qualità.

Fino al 15 luglio con i seguenti orari: lunedì 9.30-13; venerdì e sabato 9.30-13 e 15.30-18.30; domenica 9.30-17. Catalogo Sagep

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Museum / The ceramics collections in Savona With over 1,000 exhibits, the Ceramics Museum in Savona preserves six centuries of pottery. Opened in 2014, it is housed in the historic Palazzo del Monte di Pietà, meticulously restored by Fondazione De Mari. In addition, there is an extensive widespread museum...

Sandro Bassi The building First, the location, in the city centre: Palazzo del Monte di Pietà. A private home in the Middle Ages, it became the location for the Monte di Pietà (an institutional pawnbroker run as a charity) in 1479, according to the wishes of Pope Sixtus IV who was from Savona. This was one of the oldest such institutions in Europe, following those of Ascoli Piceno (1458), Perugia (1462), Orvieto (1463), L’Aquila (1466), Viterbo (1471), Siena (1472) and Bologna (1473). In the 15th-century wing, there are frescoes dating back to the 16th century, attributed to Lorenzo Fasolo.

The foundation Fondazione De Mari, Savona, took ownership of the building in 2008, and decided to convert it into a museum, entrusting the restoration work to Armellino & Poggio Architetti Associati, Studio di Architettura Fallucca and the architect Marco Ricchebono. The architectural approach included the juxtaposition of contemporary materials such as glass and steel alongside the historic sections. By installing internal vertical connections, a linear exhibition sequence was created, linking all four floors. The layouts were devised according to modules reflecting the nature of the various ceramic items: an example is the display unit dedicated to the Boncompagni Ludovisi collection. The connection to the adjoining art gallery, Pinacoteca Civica di Palazzo Galavotti, facilitates both individual or combined visits.

The 19th-century façade was also enhanced by restoration work, with a striking series of curtains at the windows, featuring large images of majolica plates.

A museum-workshop, and a notable restaurant Inside, the museum has a true workshop in which to try the art of pottery: there is also a high-temperature kiln for stoneware and porcelain. A whole series of educational and enjoyable activities are offered, ideal for a wide range of people, children, adults, students and families, including differently-abled individuals. The techniques available include screen-printing, photoceramics, photography and engraving.

After nurturing the mind, you can delight your palate, moving from kilns to kitchen, at ristorante Bino featuring starred chef Giuseppe Ricchebuono. Opening in 2020, since 2022 it has been included in the Michelin Guide, and it offers local cuisine while also including culinary creations from other countries. Recipes that can be linked to the museum’s activities are also devised.

The exhibition sequence The itinerary begins with the so-called “laggioni” (ceramic wallcoverings) dating back to the 15th and 16th centuries, tiles inspired by Hispanic-Moor azulejos work, used for floors and walls in the houses of aristocrats or rich merchants in Savona.

These are followed by the new styles of decoration – naturalisticoriental, tapestry-based and low-cost solutions – that were made popular towards the late 16th century by families from Savona and Albisola who took inspiration from Chinese porcelain.

The 17th and 18th centuries saw the arrival of Baroque iconography, with mythological, literary-historic or religious subjects, as in the collection from the pharmacy that was part of the old Hospital (1666), the refined majolica by Bartolomeo Guidobono, and lastly the charming Rococò pieces, followed by French and English ware, along with the commercial success of tableware and pots, comprising black terracotta right through to the famous yellow pieces.

For the 20th century there are artistic and sculptural ceramics, with the Parisian innovations introduced by Manlio Trucco (1920s), the Futurist works by Tullio and Torido Mazzotti (along with the artists from Milan, Genoa and Turin that they hosted in Albissola Marina), and the great international exponents from the 1950s on: Lucio Fontana, Asger Jorn, Wilfredo Lam and Agenore Fabbri, right through to Ernesto Treccani, along with contemporary artists such as Alviani, Pistoletto, Raggi, Vitone and others.

Since 2022, the Museum has been directed by a team of professionals under the guidance of a specific Foundation.

Also in Savona….

The province’s principal city is home to the Fondazione Museo di Arte Contemporanea Milena Milani in memoria di Carlo Cardazzo (Milena Milani Contemporary Art Museum and Foundation in memory of Carlo Cardazzo). The Savona-born authoress of “La ragazza di nome Giulio” (A girl called Jules) was linked by love to the artist who played an important part in many artistic vicissitudes following the Second

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31 World War, and who for twenty years was the writer’s partner – she herself was also an artist and collector. The foundation is hosted within the Pinacoteca Civica (Civic Art Collection) and it comprises important ceramic works from Milena Milani’s personal collection, by artists including Capogrossi, De Chirico, Dubuffet, Fontana, Magritte, Man Ray, Picasso and Twombly.

In the 15th-century section Loggia del Castello Nuovo, part of the monumental Priamàr building in Savona, the Civico Museo Archeologico e della città di Savona (Civic Archaeological Museum and the Savona City Museum) was opened in 1990, documenting the many excavations performed across a period of over sixty years by the Istituto Internazionale Studi Liguri (International Institute of Ligurian Studies), with pieces from the protohistoric age through to the 19th century: mosaics, marble, glassware, and of course a lot of ceramics, both imported (reflecting the intense millennial trading activities in the entire Mediterranean area) or locally-made.

And in the area MuDA, the widespread museum founded in 2011 in Albissola Marina, is directed by the University of Genoa, and it comprises a number of historical and artistic institutions combined to form a single museum system: Art Hotel Garden; Balestrini Centro Cultura Arte Contemporanea Raccolta Agenore Fabbri; Casa Museo Jorn; Centro Esposizioni; Ceramiche San Giorgio; Fondazione Museo Giuseppe Bepi Mazzotti 1903; Fornace Alba Docilia; Ceramiche Mazzotti & Ceramiche G. Mazzotti 1903, and the Artists’ seafront promenade (for details, see museodiffusoalbisola.it).

In fact, the whole of Albissola Marina is an open-air art gallery in the city’s architectural structures and spaces, with sculptures (A. Siri, L. Fontana, L. Leonardi, A. Ruga), ceramic panels (from Caldanzano to Carlè) and decorative portals (from De Salvo to Treccani). In the squares and alleys, and on the climb up to the Belvedere, signs, house numbers and decorative friezes made in ceramic can be admired on all sides.

There are many crafts and artistic workshops, but here, for brevity, we can mention just a few of historic importance: G. Mazzotti 1903, San Giorgio, Pierluca, and Viglietti.

Lastly, in Albissola Superiore there are the Manlio Trucco Ceramic Museum, the Ernan Garden Museum and the Municipal Ceramic School.

Arturo Martini in Savona The exhibition “Arturo Martini. The weft of dreams. Textiles, ceramics, paintings,” can be seen at the Ceramics Museum and the Civic Museum. The show was made possible by the chance discovery of as many as six hitherto unseen textile works (Martini’s first, but probably also the only, textile art pieces) by the great artist from Treviso.

These six carpets were devised and designed by Martini with three subjects – Ophelia, The Wake and The Circus – each with two variants.

Martini worked on textiles during his stay in Vado Ligure from 1920 to 1932, and he must have devised these objects in the late 1920s.

They were subsequently made by Mita (Italian Factory of Artistic Carpets) in Genoa Nervi for the furnishing company Diana (an acronym for “New Industrial and Artistic Furnishing Decorations”) founded in those years by the architect Mario Labò.

The exhibition – organised in collaboration with Wolfsoniana at the Ducal Palace in Genoa, Bailo Museum in Treviso and the Landscape Museum in Verbania – also comprises the three definitive sketches and a fourth subject (Bathers) for which to date there is no textile version, and drawings of the figures featuring in The Circus and The Wake; in addition, the works’ entire development is traced, from drawings on paper to the technical analysis of the materials used, right through to the wool knotting technique utilised. The show also comprises some sculptures by Martini – pieces in ceramic, terracotta, plaster and bronze – along with other paintings and drawings, lithographs, and the unusual ceramographs. The show features a total of 50 exhibits in the two museums.

Texts, documents and period photographs provide a detailed portrayal of the company Mita (Italian Factory of Artistic Carpets) in Nervi, founded in 1926 by Mario Alberto Ponis, who enjoyed close ties to personalities such as Fortunato Depero and Gio Ponti, and who for fifty years combined the crafts tradition of hand-knotted carpets with the engineering innovations that led to high-quality industrial products.

Open until 15 July, Monday 9.30 a.m.-1.00 p.m.; Friday and Saturday 9.30 a.m.-1.00 p.m. and 3.30 p.m.-6.30 p.m.; Sunday 9.30 a.m.-5.00 p.m. Catalogue by Sagep

For further information, see: museodellaceramica.savona.it

MUSEO DELLA CERAMICA, OPERA

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32 PROFILI D’ARTISTA

Non mi oppongo alla materia, ma a questa mi adeguo, cercando di capirla, fondendola alla mia fantasia, plasmando forme che seguono una genesi, una vita… Invece di comprimere forzatamente cerco di cogliere le forme naturali invisibili che al suo interno si celano, che respirano e intendono venire in superficie.

(Carlo Zauli, 1987)

CARLO ZAULI _________________________________________ DI SANDRO BASSI _________________________________________

SCULTORE

CERAMISTA

I “profili d’artista” che questa testata intende proporre non potevano che iniziare da Carlo Zauli (Faenza, 1926–2002).

Per almeno tre ragioni: Zauli è colui che più di ogni altro, nel Novecento, ha riscattato la ceramica dalla sua presunta dimensione «minore» restituendole dignità come materiale anche e soprattutto scultoreo; è tra i fondatori, nel 1960, de «La Faenza», notissima fabbrica di piastrelle grazie alla quale egli poté concretizzare l’idea di rendere

DESIGNER

partecipe al suo pensiero estetico una fascia più ampia di pubblico; il suo museo faentino è stato ferito, violentato, devastato dall’alluvione del maggio 2023 in un modo così doloroso da suscitare la volontà — spontanea e anzi indifferibile — di farlo rinascere e rivivere, come e più di prima (pur ancora molto danneggiato nei sotterranei, ha riaperto il 27 gennaio scorso), e a questa volontà, nel nostro piccolo, vogliamo contribuire.

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33 Gli esordi Carlo Zauli entra con forza nella storia dell’arte del Novecento come ceramista-scultore. Emerge, nella Faenza dell’immediato dopoguerra, sulla scia di grandi maestri — Rambelli, Bucci, Biancini — da cui si staccherà ben presto per approdare a linguaggi contemporanei internazionali e per elaborarne poi uno completamente suo.

Per comprendere difficoltà e successi delle sue prime affermazioni bisogna considerare il clima dell’epoca, il clima della ricostruzione post-bellica e a cui concorrono diversi fattori: la ricerca del “nuovo” in tutti i sensi (soprattutto alternativo alle monumentalità e alle retoriche del trascorso regime), l’arrivo a Faenza di opere assolutamente dirompenti — valgano per tutte le cinque di Picasso, eseguite fra il ’49 ed il ’51, oggi al Mic — ed i febbrili scambi culturali prodotti dall’incrocio di persone di diverse provenienze.

Nella Faenza del dopoguerra sono arrivati il vietrese Guido Gambone (che da lì a poco approderà all’Informale), il ligure Tullio Mazzotti, il milanese Giò Ponti; poco più tardi — e ciò coinvolgerà direttamente il giovane Carlo Zauli, che farà della propria bottega, aperta nel ’50, un punto di incontro per costoro — giungeranno il francese Albert Diato, il marchigiano Nanni Valentini, l’argentino-milanese Lucio Fontana, il pugliese Pino Spagnulo, il greco Panos Tsolakos. Ognuno di loro ha una sua precisa volontà di ricerca: se quello più affascinante è Diato (tecnicamente aggiornatissimo, colto, irrequieto ma molto sensibile e desideroso di sperimentare nuovi materiali e di mediare fra tendenze moderne, arcaismi di gusto primitivo e delicati influssi orientali), è però proprio Zauli a raccoglierne per primo la lezione.

I Premi Faenza Nel ’53 Carlo Zauli vince il Premio Faenza con uno sconcertante vaso asimmetrico (allora si diceva “scentrato”) ornato da un fine rilievo su fondo turchese; la superficie non è liscia né regolare, ma tormentata da mille piccoli grumi, bolle, increspature.

Nel ’58 vince di nuovo, stavolta con un grande vaso, ovoidale ma irregolare, in grès a bocca strettissima che ricorda più un pesce-luna o una scultura arcaica. La forma, i decori ed il materiale sono un tributo alle potenti rotondità di Diato, ai suoi graffi e alle sue sperimentazioni su un materiale antico, nato in Oriente ma in Occidente non ancora riconosciuto in tutte le sue potenzialità artistiche. Si noti come nella giuria vi fossero persone, in primis Fausto Melotti, assai sensibili alle nuove istanze della scultura e all’indagine su materiali non “aulici”, non convenzionali, non soliti. Portando per la prima volta il grès su un podio d’onore, Zauli smentisce il primato della maiolica che a Faenza pareva incrollabile.

Da lì in poi proseguirà in una ricerca personalissima, volta a sondare tutti gli aspetti della scultura in ceramica: dal geometrismo delle forme tornite (vince nel ’62 il suo terzo Premio Faenza con una coppia di vasi di pulitissimo e solidissimo rigore) fino – ed è quasi l’opposto – alle rarefatte composizioni degli anni ’70 e ’80 dove Zauli si avvicina alla natura, lasciandosi suggestionare dalle forme più primordiali e più libere, quelle della sua terra: le grandi «arate», le bizzarre successioni di creste e solchi che ricordano il mare dei calanchi, le steli mosse dal vento, le sfere e i cubi che si liberano della loro gabbia per sgretolarsi o per assumere vere e proprie ali.

CARLO ZAULI PIATTO MATERICO, GRES E SMALTI, 1980 LA CERAMICA MODERNA & ANTICA

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34 Il percorso

Pur potendo distinguere varie fasi, con caratteri anche molto diversi fra loro, sarebbe riduttivo schematizzare in rigide caselle il percorso di Carlo Zauli.

Nella sua spasmodica ricerca di verità e di semplicità – che è in fondo la ricerca dell’anima dell’argilla, o dell’«amore profondo per un grumo di terra» come diceva lui stesso – si inseriscono anche i vasi sconvolti, i grandi pannelli a onde e le superfici a zolle dove l’unico imperativo sembra quello di tornare alla bellezza naturale.

Non è un caso che per i giapponesi – che lo hanno amato visceralmente – egli sia «maestro non dimenticabile, unico capace di trattare l’argilla come un grande corpo umano e di certificare così l’esistenza della materia simboleggiandone la vita e la morte».

A latere, o meglio in parallelo con la sua ricerca artistica in senso scultoreo, va citata quella in collaborazione con le industrie, in particolare con “La Faenza” a partire dal 1960 come “inventore” di nuove piastrelle. Inventore anche senza virgolette, avremmo potuto dire designer, perché questo apporto di Zauli fu un misto di sperimentazioni e appunto invenzioni, nuove proposte commerciali che investirono l’abitare, il vivere quotidiano e in una parola sola la società. Per dirla con il critico e storico dell’arte Andrea Emiliani, quella di Zauli fu una svolta duplice: da un lato «nuove tecnologie e nuovi materiali: un grès a monocottura dal decoro sempre molto raffinato, spesso “bianco su bianco” o “nero su nero” realizzato manualmente con pennello e mascherina in rame», dall’altro l’intenzione «di agire sullo spazio umano, di portare l’arte nella vita di tutti i giorni di ciascuno». Si tratta di semplici – si fa per dire – piastrelle da pavimenti, ma oggi queste testimonianze della «qualità moderna della coscienza artistica di Zauli (ancora Emiliani)» sono conservate al Victoria and Albert Museum di Londra – oltre che al Mic di Faenza e al suo museo ovviamente – tra i capolavori della ceramica di tutti i tempi.

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Per vedere Zauli In estrema sintesi, tre luoghi. In primis il museo a lui dedicato (che corrisponde alla bottega dove ha sempre lavorato), in via della Croce a Faenza, attualmente gestito tramite un’associazione culturale e di promozione sociale dai tre figli, Matteo, Monica e Laura, ma di fatto avviato dallo stesso Carlo che fin dagli esordì conservò una sorta di campionario sottraendolo alla vendita e preservandolo per un futuro che si è avverato appunto con l’inaugurazione nel maggio 2002. Ospita una collezione permanente, cronologicamente ordinata, dagli anni ’50 ai ’90, ed un laboratorio attivo. Va aggiunta la presenza di ambienti (stanza dei forni, della formatura, dei gessi, degli smalti e delle argille, ecc.) in grado di restituire l’atmosfera di una bottega ceramica d’epoca.

Divenuto oggi centro di riferimento per eventi legati alle arti contemporanee (anche con concerti, spettacoli di danza, conferenze), il Museo organizza laboratori e mostre che non sono semplici esposizioni di oggetti ma fasi finali di un percorso che vede ospitare, per lavorare e per creare, artisti «da fuori», esordienti o già noti.

Lo spazio è tiranno, ma basterà qui aggiungere che il catalogo del Museo Zauli (piccolo e agile, ma per il visitatore è meglio così e d’altronde ne esistono oltre venti assolutamente monumentali) rende conto anche delle dodici opere esposte al Mic (principalmente i tre Premi Faenza più una Ciotola, un Leone e una Stele, cui si aggiungono quattro pezzi nel settore del design e due piastrelle), da visitare subito dopo, e delle ben ventotto che compongono a Faenza una sorta di itinerario urbano, in parte entro spazi chiusi (arredi di istituti vari, da scuole, banche e chiese fino all’ospedale civile) e in parte di pubblica visibilità, all’aria aperta, fra giardini e monumenti.

Vedere con i propri occhi e toccare con le proprie mani (perché hanno anche una loro sensuale “tattilità”) le opere di Zauli, crediamo sia il miglior modo per apprezzare l’universo poetico di questo «figlio dell’argilla»: un universo di onde, creste, sfere strappate o screpolate, forme geometriche che si liberano o che lievitano, e che hanno una pelle vera, morbidamente liscia oppure increspata, come fa il latte prima di bollire o il vino nel fondo delle botti.

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CARLO ZAULI 01 VASO ARCAICO, MAIOLICA,

PREMIO FAENZA 1953

02 LA SEPPIA, 1970 03 RUOTA STRAPPATA, 1967-1968,

GRÈS

04 ARATA, 1967-1968, GRÈS 05 PIASTRELLA

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36 ARTISTS’ PROFILES

“I don’t fight with the material, but I adapt to it, trying to understand it, blending it with my imagination, shaping forms that follow a genesis, a life… Instead of deliberately compressing the material, I try to capture the invisible forms hidden inside, that breathe and wish to come to the surface…”

(Carlo Zauli, 1987)

CARLO ZAULI

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The “artists’ profiles” that this publication intends to present could only begin with Carlo Zauli (Faenza, 1926 – 2002), for at least three reasons. Zauli is the man who, more than anyone else in the 20th century, helped lift ceramics out of its presumed dimension as a “minor art,” restoring it its dignity in terms of a material that is primarily sculptural. He was one of the founders, in 1960, of “La Faenza,” the famous tile factory by means of which he was able to achieve his ambition of permitting a wider audience to enjoy his aesthetic concept. His museum in Faenza was gravely wounded, damaged and devastated by the May 2023 floods, in such a painful way that it gave rise to the spontaneous, urgent desire to restore it to new life, as it was, or even better (it reopened on 27 January 2024, though still with major damage in the basement spaces,), and we would like to make our own, albeit small, contribution to this aim.

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Beginnings Carlo Zauli burst onto the scene of 20th-century art history as a ceramist and sculptor. In post-war Faenza, he emerged in the wake of great masters – Rambelli, Bucci and Biancini – from whom he would break away very soon, embracing international contemporary languages, later developing a style that was his alone. To understand the difficulties and successes of his earliest achievements, it is important to remember the climate of the day, that of post-war reconstruction, in which various factors were involved: the quest for the “new” in every sense (above all, an alternative approach to the monumentality and rhetoric of the previous regime), the arrival of absolutely disruptive works in Faenza – the five pieces by Picasso, made between 1949 and 1951, now at the MIC

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37 Museum, are a good example – and the intense cultural interactions generated by people from various backgrounds. Post-war Faenza saw the arrival of Guido Gambone from Vietri (he would soon adopt the Informale style), Tullio Mazzotti from Liguria, and Gio Ponti from Milan. A little later – and this would directly involve the young Carlo Zauli, whose workshop, opened in 1950, became a meeting place for these individuals – other arrivals comprised Albert Diato from France, Nanni Valentini from the Marches region, the Argentinian-Milanese Lucio Fontana, Pino Spagnulo from Apulia, and the Greek Panos Tsolakos. All of them had their own specific research objectives: while the most interesting was Diato (technically advanced, refined, restless, but very sensitive and anxious to try new materials and reconcile modern trends, archaic accents of primitive taste and delicate oriental influence), it was Zauli who was the first to adopt these new lessons.

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CARLO ZAULI 01 FREMITO NATURALE, 1983 02 VASO SCONVOLTO, 1976 03 VASO, PREMIO FAENZA 1958 04 CUBO ALATO, 1976-1977

The Faenza Prizes In 1953 Carlo Zauli won the Faenza Prize with an astonishing asymmetric vase (at that time it was described as “off-centred”) decorated with delicate relief-work on a turquoise background.

Its surface was neither smooth nor regular, but tormented by thousands of tiny projections, bubbles and ripples. In 1958 he won again, this time with a large, irregularly ovoid vase made in stoneware, with a very narrow opening, recalling a moonfish or an archaic sculpture. The shape, decoration and material are a tribute to Diato’s powerfully curved and scratched surfaces, and his experiments using an ancient material, of Oriental origin, whose artistic potential had not yet been entirely recognised in the Western world. It is important to remember that the jury included individuals, first and foremost Fausto Melotti, who favoured new directions of sculpture and the exploration of unofficial, unconventional, unusual materials. For the first time, Zauli brought stoneware onto the winners’ podium, controverting the primacy of majolica which seemed unshakeable in Faenza. From then on, he continued with his own very personal quest, with the objective of exploring all aspects of ceramic sculpture: from the geometries of wheel-turned shapes (in 1962 he won his third Faenza Prize with a pair of vases featuring clean and solidly disciplined lines) to – virtually at the opposite end of the spectrum – the rarefied compositions of the 1970s and ‘80s in which Zauli approached nature, taking inspiration from the most primordial and freest shapes, those of his land: the large “arate” (ploughed surfaces), the bizarre series of crests and furrows recalling the marine-like forms of the “calanchi,” chalk crags and gorges, along with wind-blown stems, spherical and cuboid forms that break free of their cage to crumble or to take on true wings.

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The exurcus

While several phases can be seen, with characteristics that are often very different, it would be an over-simplification to schematise Carlo Zauli’s path into rigid categories.

In his oft-changing quest for truth and simplicity – which, all considered, is the search for the soul of clay, or a “deep love for a clod of earth,” as he often said – there are also the distorted vases, the large panels with waves, or the lumpy surfaces, in which the only imperative seems to be that of returning to the beauty of nature. It is no coincidence that the Japanese – who adore his work – consider him an “unforgettable master, uniquely skilled in treating clay as a vast human body and thus certifying the existence of the material, symbolising its life and death.”

In addition, or rather in parallel with his sculptural artistic quest, we cannot forget the work performed with manufacturing companies, above all “La Faenza” from 1960 on, “in-

venting” new tiles. He was truly an inventor, or perhaps we should say designer, because this aspect of Zauli’s work was a blend of experimentation and invention, new commercial ideas that involved life and routine activities, or, in a word, society. To quote the art critic and historian Andrea Emiliani, Zauli’s breakthrough had a dual aspect: on one hand, “new technology and new materials: a single-fire fireclay with exquisite decoration, often ‘white on white’ or ‘black on black’ created by hand using a brush and a copper stencil,” and on the other, the objective of “working on human space, bringing art into everyone’s daily life.” They are “simply” – something of an understatement – floor tiles, but today, these demonstrations of Zauli’s “modern form of artistic consciousness” (to quote Emiliani again), conserved at the Victoria and Albert Museum in London – in addition to the MIC in Faenza and his own museum, of course – are amongst the ceramic masterpieces of all time.

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39 Viewing Zauli

To summarise, there are three locations. Firstly, the museum dedicated to his oeuvre (in the workshop where he made all of his objects), in Via della Croce in Faenza, currently managed, through an association for culture and social promotion, by his three offspring, Matteo, Monica and Laura, though in actual fact it was launched by Carlo himself, who from the outset preserved a sort of sample collection by excluding some pieces from sale and preserving them for the future, a situation that became reality when the museum was inaugurated in May 2002. It comprises a chronologically-arranged permanent collection from the 1950s to the 1990s, and a workshop that is still operational. The various interiors (for kilns, moulding, plaster casts, glazes and clays, etc.) recreate the atmosphere of a historic ceramics workshop. The Museum, which has become a point of reference for events linked to contemporary art (including concerts, dance performances and conferences), organises workshops and exhibitions that are not just for the presentation of objects, but rather the final stages of a process in which artists from elsewhere, both new and established, are hosted so that they can work and create their pieces. Space is running out, but there is room to add that the catalogue of the Zauli Museum (small and handy, which is better for visitors, because there are another twenty absolutely monumental catalogues) includes documentation of the twelve works on show at the MIC museum, above all the three Faenza Prize works, plus Ciotola (bowl), Leone (lion) and Stele (standing stone slab), in addition to four design pieces and two tiles, and the 28 pieces that constitute a sort of urban itinerary in Faenza, some within interior spaces (part of the décor of institutions such as schools, banks, churches, and even the civic hospital), and some accessible to the public in open-air venues such as gardens and monuments.

Seeing Zauli’s works with your own eyes, and touching them with your hands (because they possess their own sensually “tactile” nature) is, in our opinion, the best way to appreciate this “child of clay’s” poetic universe: a world of waves, crests, torn or cracked spheres, geometrical shapes that break free or grow, and that have a true skin, soft and smooth, or delicately corrugated, like milk before it boils, or the wine at the bottom of barrels.

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05 VASI, PREMIO FAENZA 1962 06 BIANCO ESPLOSO, 1976

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IL RE E LA REGINA DEL MAESTRO NICOLÒ GIULIANO CONQUISTANO IL GRANDE PUBBLICO DELLA BORSA INTERNAZIONALE DEL TURISMO DI MILANO

Grande successo per la ceramica artistica siciliana alla Borsa con il suo colore splendido indubbiamente, con i suoi riflessi tra Internazionale del turismo di Milano. Tra i pezzi che hanno blu e verde, se pur luogo di grandi tragedie. Opere di bellezza riscontrato l’interesse e lo stupore dei visitatori meritando un estrema, che insistono su una tradizione tipicamente siciliana. riconosciuto successo vi sono certamente il Re e la Regina del A rendere uniche queste maioliche sono sicuramente gli smalti maestro Nicolò Giuliano, manufatti di pregio dalle dimen- setosi di notevole impatto visivo che le rendono veramente unisioni di 56 centimetri realizzati con la tecnica della maiolica a che. L’espressione del Re e della Regina sono riconducibili agli gran-fuoco, modellati e pitturati a mano che custodiscono una Arabi ed ai Normanni, dominatori della città di Monreale con il vera e propria originalità e unicità. Le opere siciliane uniche nel suo splendido Duomo patrimonio Unesco, il suo Chiostro Beloro genere, con le loro forme e i loro colori, sono state esposte nedettino che fanno parte del Complesso Abbaziale realizzato su dei supporti specchiati, che hanno attratto moltissimi visi- per volere del Re Normanno Guglielmo II, dove a valle del centatori che si sono soffermati per ammirare e fotografare questa tro storico sorge l’azienda del maestro Giuliano. Insieme a lui esposizione come in un vero e proprio museo, composto da al- sono impegnati il figlio Alessandro responsabile aziendale, sin cuni pezzi esclusivi provenienti da collezioni private e musei da piccolo legato all’azienda, con la sua passione e la sua costancivici che hanno rappresentato le città aderenti all’Associazio- te dedizione, insieme al fratello Daniele Giuliano esperto di cone Italiana Città della Ceramica che ha sede a Faenza, di cui fa lori e smalti, nonché creativo di numerosi prodotti di successo parte anche la città di Monreale in quanto ha ottenuto anni fa dell’azienda come il verde diamante, e non ultima la preziosa il riconoscimento da parte del Ministero per lo Sviluppo Eco- collaborazione di Elisabetta Giuliano cui è affidata l’immagine nomico. Il colore scelto per il viso del Re e della Regina non è e la comunicazione, contribuiscono con il padre Nicolò ad apririconducibile a nessuna razza, quindi a nessun popolo. Il Ma- re le porte dell’azienda al mondo globalizzato, legando il suo estro Giuliano, per la realizzazione di questi capolavori si è la- nome alla storia della ceramica internazionale. sciato ispirare dal mare di Lampedusa, di cui ne prende il nome, LA CERAMICA MODERNA & ANTICA

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NICOLÒ GIULIANO’S KING AND QUEEN ACCLAIMED AT THE BIT TOURISM TRADE FAIR IN MILAN Sicilian ceramics met with notable public acclaim at the BIT tourism trade fair in Milan, and in particular, the King and Queen by Nicolò Giuliano, prestigious, hand-modelled and hand-painted high-fire majolica pieces 56 centimetres high.

The colour used for the skin was inspired by the sea surrounding the island of Lampedusa with its blue-green tones, in works of great beauty referencing typically Sicilian traditions. The expressions of the King and Queen reveal links to the Arabs and Normans who ruled the city of Monreale, which belongs to the Italian Association of Cities of Ceramics, and which is famous for its splendid Cathedral and the Benedictine Cloister that is part of the abbey commissioned by the Norman king William II. Giuliano’s workshop is in fact at the centre of Monreale, where he works with his sons Alessandro and Daniele, the latter expert in colour and glazes, and creator of many of the company’s products such as the diamond-green colour. Elisabetta Giuliano works on image and communications, helping her father to open the company to today’s globalised world, linking the name Nicolò Giuliano to the history of international ceramics.

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ARTEFIERA IN CERAMICA di Antonella Ravagli

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DAVIDE BRAMANTE “VASI COMUNICANTI” TERRACOTTA BIANCA, SMALTI E CRISTALLINE COLORATE

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Non esaltante la presenza di opere in ceramica alla kermesse bolognese che quest’anno ha festeggiato i 50 anni di attività seppure non siano mancate le proposte di sicuro interesse.

Se da un lato Artefiera ha sempre più consolidato la propria identità a livello di mercato e di rappresentanza, sicuramente il panorama che ci offre è molto selezionato e si nota la mancanza di gallerie “minori”, ma che da anni hanno intrapreso e potenziato un percorso propositivo di ricerca e di innovazione.

Si è notata anche la scarsa presenza di gallerie straniere, come pure, fatta eccezione per la Sicilia, una scarsa rappresentanza di espositori provenienti dal centro e dal sud Italia.Tuttavia gli oltre 50.000 visitatori, i 170 espositori e un successo nelle vendite, confermato dagli stessi galleristi, non fanno che conclamare come, quella che è divenuta la Fiera dell’Arte più antica d’Italia, sia da considerare un evento da non perdere.

Ci sembra doveroso aprire con la Ceramica Mutina non solo perché partner sostenitore di Artefiera e perché, seppure produttore di ceramica industriale riesce a dialogare con design, arte contemporanea, editoria, ma soprattutto perché si mette in gioco nel contesto dell’evento per per portare un valore aggiunto. Quest’anno ha offerto il palcoscenico a Maurizio Cattelan per il progetto “Because” dove due opere si pongono in modo dialettico e contraddittorio col pubblico sullo sfondo di un ambiente quasi metafisico realizzato con supporti ceramici disegnati Michael Anastassiades.

Per quanto riguarda i grandi nomi dell’arte, non sono certo una sorpresa le opere in ceramica di Luigi Ontani proposte dalla Galleria L’Incontro anche se le “Babbucce orientali”, in ceramica policroma e oro zecchino vendute e acquistate a 33 mila euro caduna, seppure con firma autografa dell’artista su fotografia, ancora non mancano di destare una certa sorpresa tra i visitatori meno “scafati”. Lia Rumma che per altro quest’anno si è aggiudicata il Premio ANGAMC alla carriera, espone una scultura in ceramica di Vanessa Beecroft. L’opera si ricollega alla performance del 2022 tenutasi a Palazzo Abatellis a Palermo con l’eccezionale allestimento disegnato da Carlo Scarpa dove la Beecroft ha contribuito alla composizione del quadro con una serie di teste in ceramica, bronzo e cera realizzate dall’artista a partire dai modelli in creta e ispirate a modelli classici e rinascimenLA CERAMICA MODERNA & ANTICA

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tali. Bertozzi & Casoni, con in corso la grande retrospettiva su tre sedi presso i Musei Civici di Imola, a Bologna sono presentati dalla Galleria d’Arte Maggiore. Lo Studio Vigato con “Madonna delle lumache” di Vettor Pisani propone in tutta l’ambiguità tra sacro e profano una delle icone predilette da questo artista. Ancora, la Galleria Gaburro propone le “abominevoli”, ricchissime tavole imbandite a fine pasto di Daniel Spoerri, mentre sono contaminazione a tutto tondo per Claudio Costa rappresentato da C+N Gallery Canerpaneri.

Restando nei grandi nomi, questa volta della ceramica, non hanno bisogno di recensioni Luigi Mainolfi per Nicola Pedana, Santo Ficara e Roccatre; Leoncillo con Galleria Russo e Repetto Gallery; Spagnulo con ABC Arte; Lucio Fontana per Galleria Tonelli e Galleria Torbandena.

Tornando al presente, gli artisti che si esprimono con la ceramica quasi sempre non si limitano all’utilizzo di questo materiale e non disdegnano contaminazioni o linguaggi diversi. E’ il caso di Chiara Camoni, artista rappresentata da SpazioA che ad Artefiera è stata selezionata per entrare a far parte delle collezioni

del Mambo - Museo d’Arte Moderna di Bologna-, con un’opera di pittura, mentre il repertorio delle sue ceramiche è in mostra, fino al 21 luglio, nella personale che le è stata dedicata presso l’Hangar Bicocca di Milano. Premio di Spada Partners invece per Ruth Beraha presentata dalla Galleria NContemporary che con l’opera “Visionnaire”, presenta una serie di sculture in ceramica dipinte a mano a forma di occhio; l’opera crea una sorta di spiazzamento nell’osservatore osservatore che si trova contemporaneamente anche nella condizione di osservato. BABS Art Gallery che compare nella sezione Multipli è uno spazio che si occupa principalmente del gioiello d’artista e non disdegna il repertorio di materiali diversi; ecco allora la proposta di Davide Bramante che, famoso per le sue foto, con “Vasi comunicanti” si cimenta per la prima volta con la ceramica. L’eclettismo contraddistingue sempre più artisti, così è anche per Andrea Nisbet presentato da Biasutti & Biasutti coi suoi tipi vasi ingobbiati, perfettamente inglobati a tronchi di cedro o abete. La Galleria Monitor, propone una sintesi della mostra di Lucia Cantò “Atti certi per corpi fragili” presentata a Spoleto nel 2022, in cui l’unione di due vasi è il frutto di una lavoro collettivo in cui l’ar-

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CLAUDIO COSTA “ANALISI SU UN OGGETTO DI MONTEGHIRFO” FOTOGRAFIA, ARGILLA, CERA, TERRACOTTA SU TAVOLA

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LUCIO FONTANA “CONCETTO SPAZIALE” TERRACOTTA, BUCHI, GRAFFITI

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LUIGI MAINOLFI “VERDE TAB. A” TERRACOTTA

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SHAFEI XIA “UNA TORTA DOLCE PER LA TUA VITA DOLCE” CERAMICA DIPINTA E SMALTATA

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gilla diventa collante non solo per gli oggetti, ma anche per le persone coinvolte. Di Joana Escoval per la Galleria Vistamare, è in mostra ad Artefiera una grande scultura ottenuta con argille diverse provenienti dal suo luogo di origine, il Portogallo, che riassume la filosofia dell’artista incentrata a creare passaggi che lei definisce correnti di energia, tra visibile e invisibile anche in riferimento a strumenti rituali, da cui derivano suoni o che suggerisco luoghi di transizione. Ambra Castagnetti per Massimo Minini e Francesca Minini, già alla Biennale 2022, ha in mostra una delle sue tipiche opere tentacolari. Ceramica smaltata anche per Monica Stricker con la galleria P420, le cui sculture celano, ma non completamente, nella ricercatezza delle superfici, chiari riferimenti all’inguine maschile. La stessa galleria propone anche le ceramiche Shafei Xia, artista che nei rimandi ad antiche tradizioni introduce apertamente alla sfera di una del tutto naturale sessualità. La galleria P420 rappresenta anche Victor Fotso Nyie artista dalle origini camerunensi che deve però la sua formazione ceramica al territorio romagnolo dove ha collaborato con lo studio Bertozzi & Casoni, la Bottega Gatti e la personale presso il Museo Carlo Zauli; nel 2021 si è aggiudicato

il Premio “Artigiano del cuore 2021” della Fondazione Cologni.

Sprovieri Gallery di Londra espone le lampadine in porcellana di Mario Dellavedova che fanno parte del suo tipico repertorio di oggetti improbabili. Mentre le tipiche colature cerose-resinose di Guglielmo Maggini per lo spazio z2o Sara Zanin, trovano forma in eleganti forme di volatili debitrici della porcellana di Limoges. Infine, le ceramiche di Seminara paiono aver condizionato il lavoro fittile di Luigi Presicce per Galleria Rizzuto che denota una inquietante autoreferenzialità.

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13 ANDREA NISBET

“TRACCE DI CHINA” INGOBBIO SU CERAMICA E LEGNO

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Ceramics at Artefiera

by Antonella Ravagli

Some interesting ceramic works in the Bologna art show, which has reached its 50th anniversary.

With over 50,000 visitors and 170 exhibitors, Artefiera, the oldest art fair in Italy, is undoubtedly an important event. This brief selection of highlights begins with Maurizio Cattelan’s project “Because,” presented by the industrial ceramics manufacturer Ceramica Mutina. Other celebrated artists showing clay pieces included Luigi Ontani, Vanessa Beecroft, Bertozzi & Casoni, Vettor Pisani, Daniel Spoerri, Claudio Costa, Luigi Mainolfi, Leoncillo, Spagnulo, and Lucio Fontana. Contemporary names included Chiara Camoni, Ruth Beraha with “Visionnaire” – a series of hand-painted ceramic sculptures in the form of an eye – and Davide Bramante, famous for his photographs, who presented his first experience with ceramic. Eclecticism is hallmarking the work of more and more artists, such as Andrea Nisbet with vases perfectly joined to tree trunks, Joana Escoval, with a sculpture made using various clays from her native Portugal, a tentacular piece by Ambra Castagnetti, suggestive works by Monica Stricker and Shafei Xia, porcelain bulbs by Mario Dellavedova, the waxy-resinous pours by Guglielmo Maggini, birds in flight by Sara Zanin, and clay pieces by Luigi Presicce for Galleria Rizzuto.

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FARE COMUNITÀ A CAVALLO DI UN TORNIO

Dal 1° agosto all’1° settembre 2024 partendo da Palermo e attraversando lo stretto di Messina scopriremo nuove realtà della penisola; tappa finale Faenza in occasione di Argillà, Festival Internazionale della Ceramica.

ogni giorno una pratica di cura e rispetto dell’ambiente e degli esseri viventi, provando a immaginare una nuova bellezza.

Sono comunità attive, virtuose, gioiose, operose, visionarie, autosufficienti che coltivano, autoproducono, conservano, custodiscono, scambiano, che si sostengono a vicenda; che progettano in modo consapevole, spesso in permacultura [2], gli insediamenti agricoli abitativi in cui hanno scelto di vivere.

Dal mare alla montagna, da est a ovest dell’isola, passando dal centro, in tutte le realtà che abbiamo visitato si opera per arricchire la biodiversità del proprio habitat. Sono dei polmoni verdi nel deserto della monocoltura, sistemi circolari che aspirano all’equilibrio della foresta, sono il risultato di una progettazione dinamica in ascolto della natura basata sull’osservazione del territorio.

L’incontro con noi è uno scambio, a volte profondo, un partecipare con le mani dove i medium messi a disposizione, il tornio per ceramica e l’argilla, diventano strumenti per entrare in contatto con i contadini, gli agricoltori, i permacultori che ci ospitano e offrono i loro spazi, il loro tempo, condividendo pezzi di vita, pranzi frugali e larghi panorami.

Durante l’esperienza al tornio si crea sempre un clima di stupore ed entusiasmo, si ride molto, si realizzano oggetti utili e desiderati, ci si mette in gioco, misurandosi con qualcosa di nuovo, af-

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DI DELIA RUSSO E MASSIMILIANO CECCONI

L’idea del gentilgesto tornio tour nasce nel giugno 2020 dalla necessità di rimettere le relazioni umane e il rapporto con la natura al centro della nostra vita. In un momento di profonda crisi ambientale e relazionale ripartire dalle origini, dalla terra, ci sembrò, allora come adesso, la soluzione migliore. L’obiettivo era quello di provare a ricreare, avendo la terra come elemento comune, l’antica unione tra il fare artigiano e il mondo rurale, tra il mestiere del vasaio, che la plasma per trasformarla in ceramica e il contadino, che se ne prende cura attraverso il lavoro agricolo. Che fossero oggetti d’uso o statuette votive le ceramiche neolitiche appartenevano già a quella dimensione di società agricola e stanziale che si stava delineando circa 11.000 anni fa. Negli anni ’40 del Novecento questo legame, in Italia, era ancora molto forte. Jean Giono [1] descrive il lavoro contadino come artigianato e l’artigiano come parte del popolo contadino. Tuttavia, agli inizi del Novecento la bottega artigiana e la stessa agricoltura vissero trasformazioni radicali, nella direzione di un lavoro sempre più seriale e meccanizzato, l’artigiano e il contadino divennero operai specializzati.

La diffusione della plastica e dell’acciaio all’interno della società rurale, insieme allo stravolgimento avvenuto a seguito dell’introduzione delle monocolture, dei fertilizzanti e dei pesticidi di origine chimica, contribuirono a spezzare questo legame. Su queste premesse, guidati da madre natura, negli ultimi quattro anni abbiamo attraversato a cavallo di un tornio per ceramica una Sicilia sorprendente e poco conosciuta.

Abbiamo raccontato le storie e i progetti realizzati in natura da donne e uomini che, come noi, hanno scelto di seguire

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49 fidandosi per imparare e capire dove e come mettere le mani. Questa condizione dell’affidarsi ci accomuna.

In questi anni è stato necessario imparare a sviluppare un ascolto che va aldilà delle parole, una sensibilità per comprendere, con fiducia, l’anima di un luogo e di chi lo abita, per poter entrare a piccoli passi accogliendo, senza disturbare, le somiglianze e le diversità. L’emozione di pienezza che viviamo alla fine di ogni tappa del tour ci fa immaginare di avere tessuto, insieme a chi ci ha ospitato, una grande calda coperta solidale. Anche quest’anno rinnoveremo l’appuntamento del gentilgesto tornio tour.

I racconti delle tappe dei tour sono documentati in un diario di testo/immagini pubblicato su canali social fb/Ig: gentilgesto

[1] Jean Giono, Lettera ai contadini sulla povertà e la pace, ed. Ponte alle Grazie, Milano 1997.

[2] La Permacultura è un processo integrato di progettazione che da come risultato un ambiente sostenibile equilibrato ed estetico. cfr. www.permacultura.it

01 AZ. AGRICOLA CIALANDRIA PIETRAPERZIA 02 NINO MONTALBANO, PIZZO CANNITA 03 IL GIARDINO DELLE BELLE, BUTERA 04 NINO MONTALBANO, PIZZO CANNITA 05 COOP.AGRICOLA VALDIBELLA CAMPOREALE 06 U PICCIOLO CEFAL— (PA) INTERNO CASA TERRA CRUDA 07 GIORGIO RUTA AZ. AGRICOLA CIALANDRIA PIETRAPERZIA 08 GIUSEPPE BRUNO, NICOSIA 08

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Gentilgesto tornio tour è un’idea di Delia Russo e Massimiliano Cecconi creativi siculo-marchigiani fondatori, dal 2011, del marchio gentilgesto® un progetto di ecodesign in cui la ceramica e altri materiali vengono lavorati con processi, tecniche e finiture nel rispetto della natura; un contenitore di progettazione in cui la creatività diventa lo strumento per costruire azioni di ecologia sociale con l’obiettivo di fare comunità.

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Creating community around a potter's wheel

BY DELIA RUSSO AND MASSIMILIANO CECCONI

The Gentilgesto tour was devised in June 2020 to put the focus back onto human relations and nature.

In a period of deep environmental and social crisis, starting afresh from clay seemed to be the best solution, recreating the ancient bond between the potter who shapes clay, and the farmer who nurtures it through agriculture.

In the Neolithic age, ceramics were part of society’s agricultural dimension. So we set out to explore Sicily with a potter’s wheel for four years, discovering people dedicated to the environment, imagining a new form of beauty, creating green, circular systems inspired by the balance of the forest.

Meetings were moments of exchange and participation, developing contacts with the farmers who hosted us and offered us their time and space, sharing moments of life. This year, the Gentilgesto tour will run from 1 August to 1 September starting from Palermo.

The last stop will be Faenza during Argillà.

The Gentilgesto potter’s wheel tour is a concept by Delia Russo and Massimiliano Cecconi, an ecodesign project in which creativity becomes a tool for constructing actions of social ecology. For more information, search for gentilgesto on FB and IG.

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FOCUS GIAPPONE ceramica al museo IRENE CARLINO

01 CIOTOLE CON COPERCHIO,

1938

02 ORIBE FOOD CONTAINER,

1939 03 SHINO MIZU-SASHI,

1957 04 MUSEO TOMO TOKYO 05 MORIYAMA KANJIRO “KIRITSUGI”

2023

Un viaggio nel tempo e nello spazio in un paese dove la ceramica è arte.

A Kyoto, Il Kahitsukan Museum of contemporary Art, a due passi dalla centralissima Yanaka Jinja, dedica una imponente retrospettiva a Kitaōji Fusajirō (1883 - 1959) meglio conosciuto con il suo nome d’arte, Rosanjin. Erano i primi anni ‘50 quando una ceramica di Rosanjin in stile Oribe, dalla classica colorazione verde brillante “rokuyu”, veniva designata dal governo giapponese come importante proprietà culturale del Giappone. Oggi Rosanjin è una leggenda, il suo nome indubbiamente legato al movimento di Revival Momoyama quando a partire dagli anni ‘30 una manciata di eminenti ceramisti, tra cui Rosanjin, decideva di ridar luce a quei grandi stili di ceramica che proprio nel periodo Momoyama (1573-1615) erano maturati e avevano conosciuto il massimo splendore, per poi gradualmente scomparire con l’uscita di scena dei potenti signori della guerra legati alla Via del Tè, i veri “direttori” artistici di quel tempo. Se solo menzioni “Momoyama” a intenditori di ceramiche giapponesi vedrai i loro occhi illuminarsi inevitabilmente. Stiamo parlando infatti di Shino, Oribe, Bizen, Shigaraki solo per citarne alcuni. Eppure Rosanjin non era propriamente un vasaio, prima di tutto fu imprenditore, un prolifico produttore di ceramiche e, soprattutto un decoratore.

Il suo appetito per le tecniche della ceramica lo portò in stretto LA CERAMICA MODERNA & ANTICA

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52 contatto con molti maestri ceramisti dell’epoca, come Koyama Fujio e Kato Tokuro di Seto. Ebbe l’ardire di chiamare presso la sua fornace di Kita-Kamakura, Toyozo Arakawa (1894-1985), da cui apprese l’arte della smaltatura Shino, Toyo Kaneshige (18961967) di Bizen con cui costruì un forno che gli consentisse di catturare le colorazioni della cenere. Degli artigiani di Shigaraki utilizzò stampi e argille per produrre vasi nel suo stile. L’approccio che ne conseguì fu sempre singolare, la sua esperienza di restauratore e calligrafo informò il suo lavoro di ceramista, e la solida reputazione che aveva sviluppato come chef gourmet evidenziò nei suoi lavori una estrema comprensione del rapporto simbiotico tra la cucina e il recipiente su cui viene servita.

A Tajimi, Gifu, gli ampi spazi espositivi del Museum of Modern Ceramic Art, ben conosciuto all’estero per ospitare ogni due anni la rinomata Mino International Ceramic Competition, celebrano un grande talento del mondo della arte ceramica contemporanea giapponese, Mishima Kimiyo (Osaka, 1932-), con una mostra personale dal titolo Play Watch Create. 70 anni di espressione creativa, circa 100 opere esposte realizzate in ceramica, dai suoi primi lavori fino alle ultime recenti creazioni di quest’anno, che dimostrano come oggi, a più di 90 anni, l’energia creativa di

Mishima sia ancora alimentata da una grande curiosità. Mishima è nota per il suo lavoro innovativo su ceramica: negli anni ‘60 iniziò ad attirare l’attenzione per i suoi collage bidimensionali che applicavano ritagli di riviste e giornali sulla tela. Col tempo iniziò a realizzare le stesse pagine di giornale su superfici ceramiche. Un approccio umoristico nei confronti di una società inondata di informazioni e consumi di massa.

A Tokyo, infine, il Museo Tomo con la mostra Togei in the progressive form, rende omaggio alla Biennale Kikuchi, che quest’anno apre la decima edizione, e di cui si e’ voluta tracciare la traiettoria riproponendo i 9 vincitori delle passate edizioni ed introducendo, accanto a questi, i lavori più recenti di 25 giovani artisti, nati tra gli inizi degli anni ‘70 e la metà degli anni ‘80, che hanno nel tempo maturato punti di vista individuali riguardo ai materiali ceramici, tecniche e senso estetico, ma che avevano proprio alla Biennale Kikuchi mosso i primi passi.

Ancora a Tokyo, presso la Galleria Shibuya Korakuen, la mostra di un amico faentino, Mokichi Otsuka, che lo scorso novembre ci ha deliziati con una collezione inedita di tazze chawan concepite e realizzate a Faenza durante l’alluvione dello scorso maggio.

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06 ED.2004 SUZUKI TETSU 07 ED.2007 YAMAMOTO IZURU

“EMBRACE” 08 MOKICHI OTSUKA 09 NIISATO AKIO

“TRANSLUCENT TRANSFORMATION” 2023 10 MUSEUM OF MODERN CERAMIC ART, GIFU

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Al Museo Gianetti di Saronno MARA DE FANTI LA 7A EDIZIONE DI COFFEEBREAK.MUSEUM

55 ← AMBIENTI DI R. AGOSTINI ↘ NOSTALGIA DI UNA RADICE, A. VILLA

La settima edizione del concorso Coffeebreak.Museum cade nell’anno in cui iniziano i festeggiamenti per il trentennale dell’apertura del museo, con una novità importante: l’introduzione di un premio dedicato agli studenti delle Accademie di Belle Arti. In linea con il nostro modo di accostare, in dialogo costante, l’antico con il contemporaneo, sentiamo sempre di più una grande responsabilità nei confronti non solo della preservazione e diffusione del patrimonio sapientemente collezionato da Giuseppe Gianetti, ma anche di tutti gli artisti che ci hanno accompagnato in questi trent’anni e ai giovani che ancora stanno cercando la loro strada.

Il tema dominante tra le opere presentate dai 43 artisti partecipanti è la natura, percepita come maestra e materia di preservazione. Molti artisti hanno esplorato questo concetto attraverso forme biomorfe e astratte, giocando con la ripetizione e utilizzando colori naturali o minimi per enfatizzare i materiali grezzi come l’argilla. L’argilla modellata è spesso lasciata nei suoi colori originali, o sapientemente dipinta con colori che comunque evocano il mondo naturale. La narrazione gioca un ruolo fondamentale attraverso le opere figurative, spesso con citazioni autobiografiche.

Infine una piccola sezione sulla ceramica che definisco “d’architettura”, che rimanda alle costruzioni e al Genius loci dei vari territori, al rapporto con le proprie radici e tradizioni, alla relazione con lo spazio civile attorno. Anche in questo caso la materia è lasciata grezza, con pochi elementi coloristici, per lasciare che le forme si raccontino.

Un’attenzione speciale è dedicata alle opere di Arcangelo che, utilizzando la terra, esplora temi come la vita, la memoria e le origini umane. Le sue opere, sculture che spesso rappresentano case, agiscono come ponti tra lo spazio interiore ed esteriore.

Queste creazioni non solo rappresentano oggetti fisici ma diventano espressioni pittoriche di pensieri e culture.

Le opere di Arcangelo hanno una potenza espressiva tale che è difficile accostarle a qualunque altra cosa, eppure abbiamo voluto tentare un dialogo, con la collezione settecentesca della collezione Gianetti. In mezzo alle ceramiche che raccontano dello stare a tavola nel XVIII secolo, tempo lontano nelle abitudini e nei costumi per tutti noi, hanno la capacità di farci vedere questi pregiati contenitori con uno sguardo diverso, che raccoglie una funzione

e ne restituisce un pensiero. Le figure modellate, tra primigenie e naturalistiche si guardano, ammiccano ad un senso che va oltre la plastica, e ci riportano dei rituali, come il porgere e il condividere, che ancora oggi perpetuiamo, seppur con oggetti diversi.

La prima classificata Roberta Agostini attraverso l’argilla, percepisce ed esplora il legame con la natura, sottolineando come questo materiale, nella sua semplicità e fragilità, inviti a contemplare il vuoto. Le opere presentate sono ispirate alle metamorfosi naturali come il cadere delle foglie e le mute degli insetti, simboli di cambiamento e crescita. Attraverso tecniche di cottura l’argilla viene valorizzata, trasformandosi in porcellana, come nel caso delle seconde pelli di insetti, o impreziosita dalla cottura a terzo fuoco dell’oro come nel caso del nido di vespe.

Angelica Tulimiero, seconda classificata, esplora la presenza di forme e modelli ripetitivi, avventurandosi in una danza di forme ispirato alle strutture e trame della natura. Il suo processo creativo è laborioso e immaginifico, eppure i suoi lavori mantengono un legame solido con il mondo tangibile e con le particelle fondamentali che lo compongono, celebrando il linguaggio universale della natura sia nelle sue manifestazioni macroscopiche che microscopiche.

La terza classificata Anna Villa, esprime un profondo legame con la terra, creando opere che includono ali argentate, vertebre di terracotta, danzatori terrigni su carta di riso, e crani di argilla.

Il suo percorso artistico è costellato di esperienze variegate, tra cui la scultura pubblica, il design ceramico e la ceramica contemporanea. Attraverso le sue opere, Villa vuole rivelare la complessità e la ricchezza nascosta del Cosmo, evidenziando l’urgenza di trasformazione in risposta alle sfide del presente.

Per il premio giovani sono stati selezionati Elena Dall’Aglio, Giorgia La Pera, Allegra Mariotti, Giorgio Tosini, Angela Trebeschi.

Gli artisti selezionati per le menzioni speciali sono Matteo Bagolin, Elisabetta Casella, Elisabetta D’Arienzo, Maria Lamanna, Angelica Lucchetti, Arianna Pinna e Cinzia Ronchi.

Con questa edizione del concorso, il Museo della Ceramica G. Gianetti conferma il suo impegno verso la promozione dell’arte ceramica, offrendo una piattaforma per nuove voci artistiche e consolidando il dialogo fra tradizione e innovazione

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CERAMIC BRUSSELS 2024

una prima edizione che guarda già al 2025 di Marco Maria Polloniato

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La prima edizione di “Ceramic Brussels”, tenutasi al Tour&Taxis nella capitale belga il 25-28 gennaio 2024, ha debuttato quale nuovo evento internazionale specificatamente dedicato alle gallerie che si occupano di ceramica contemporanea.

Una produzione ideata dal duo franco-belga Gilles Parmentier (Belgio), direttore di “Art on Paper” e “Brussels Drawing Week”, assieme a Jean-Marc Dimanche (Francia), Commissario generale della Biennale “De Mains De Maitres Luxembourg”, alla quale hanno partecipato oltre 50 gallerie, principalmente dell’area belga e francese, ma con una buona rappresentanza internazionale, assieme ad istituzioni chiave ed enti promotori del settore. Il programma ha previsto numerose conferenze e momenti di scambio tematici sul mercato attuale e sul dialogo tra enti, fondazioni, collezionisti e artisti.

Ospite d’onore con una mostra speciale è stato l’artista Johan Creten, uno dei pionieri della ceramica contemporanea anche rispetto all’attuale revival del mezzo. A completare la proposta espositiva le installazioni dei selezionati tra gli oltre 200 candidati per il Premio 2024: Antoine Moulinard (Fr), Audrey Ballacchino (Fr), Damien Fragnon (Fr), Elsa Guillaume (Fr), François Bauer (Fr), Inup Park (Kr), Joke Raes (Be), Jonas Moënne (Fr), Ming-Miao Ko (Tw), Duo Vertigo: Nitsa Meletopoulos (Fr) & Victor Alarçon (Fr). A conquistare il Primo Premio della Giuria

il francese Damien Fragnon, mentre il Premio della Fondazione LAccolade – Institut de France è andato alla belga Joke Raes e infine il Premio offerto dal Centro della Vallonia Bruxelles/Parigi è stato vinto dal francese Antoine Moulinard. Sono molti i caratteri che emergono nelle opere selezionate per il premio: una visione figurativa e, in parte organica, veicolata attraverso forme comuni filtrate in chiave grottesca, fantasiosa e kitsch, una privilegiata tendenza all’installazione più che alla singola opera, un uso del colore che dilaga e in maniera scintillante si riappropria delle superfici pur mantenendosi lontano da qualsiasi intento decorativo tradizionale accanto a più pacate forme minimali o nell’accostamento per accumulazione e lieve differenza di elementi ripetuti.

Quelle stesse tendenze provenienti da artisti ancora giovani si potevano ritrovare girando per i due padiglioni in cui è stata organizzata questa prima edizione di Ceramic Brussels. Le gallerie presenti, sia quelle più note che quelle più giovani, si sono prodigate nel portare allestimenti interessanti. Un’apparente eterogeneità in cui ritrovare per lo più elementi figurativi, ma anche astratti e materici, richiami evidenti alle formule tradizionali dell’estremo Oriente o alla sintetica pulizia del design danese e scandinavo, echi di civiltà tribali omaggiate o trasfigurate in chiave pop e molto altro.

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57 L’annunciata seconda edizione, prevista per il 22-26 gennaio 2025 allarga ancora gli orizzonti con nuovi partner e un comitato scientifico, se possibile, ancora più internazionale del precedente: la francese Christine Germain-Donnat (Ministero della Cultura francese), Florence Reckinger Taddeï (Presidente degli Amici dei Musei d’Arte Storia di Lussemburgo), Ludovic Recchia (studioso, critico e direttore del Centro Internazionale Keramis, Belgio), Geertje Jacobs (Direttore del EKWC - Centro Europeo per la Ceramica, Olanda), Magdalena Gerber (artista, docente e Preside di CERCCO - Centro di Sperimentazione e Ricerca per la Ceramica Contemporanea dell’Università di Arte e Design di Ginevra) e Henri Jobbé Duval (Cofondatore della Fiac e presidente della Source Garouste Hermine).

La partecipazione di oltre 300 giovani artisti al Premio della Giuria lascia pensare che la nuova edizione porterà un nuovo contributo al mercato dell’arte ceramica contemporanea, specialmente dell’Europa centro-occidentale.

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01 PRIMO PREMIO

DAMEN FRAGNON

02 GALLERIA ATELER ECRU,

PERSONALE DI JOJO CORVAIA

03 GALLERIA CAPAZZA,

PERSONALE DI BERNARD DEJONGHE 04 SPAX PROJECTS, COLLETTIVA

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58 COLOGNI MAM Francesco Rossetti Molendini

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Dalla terra, l’arte e la passione per l’eccellenza «Il talento, l’autenticità, il legame con il territorio, la creatività rendono i grandi maestri artigiani dei veri e propri “Tesori Viventi”. Un patrimonio che va protetto, incentivato con amore e con impegno etico. Perché la bellezza, come l’oro e le gemme, va sempre ricercata e scoperta con metodo ed entusiasmo»: queste le parole di Franco Cologni, che proprio a Milano, sua amata città natale, ha deciso di istituire, ormai quasi trent’anni fa, la Fondazione che porta il suo nome. Un’istituzione non profit che opera sull’intero territorio nazionale, promuovendo una serie di iniziative culturali, scientifiche e divulgative per la tutela e diffusione dei mestieri d’arte.

L’artigianato artistico italiano costituisce un valore inestimabile

per il nostro Paese e da questa consapevolezza ha avuto origine ed è tuttora animata l’attività di questa istituzione non profit: preservare “quelle mani che valgono un tesoro” è fondamentale perché l’osmosi tra la cultura del fare e quella del pensare rappresenta una strada verso la felicità, professionale e non solo. L’artigiano, infatti, ha il potere di creare bellezza consapevolmente, e la felicità che ne deriva è proprio quella del poter trasformare ogni giorno la materia in forme nuove e straordinarie, grazie a un talento che si nutre di abilità e di amore per la bellezza fatta a regola d’arte.

Da un nutrito numero di giovani tirocinanti messi a bottega alle collane editoriali che mettono in luce la storia, le curiosità e le tec-

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niche del sapere artigiano, dalla mappatura sul territorio delle migliori botteghe Made in Italy alla promozione di azioni di mecenatismo concreto come premi, laboratori e convegni, la Fondazione Cologni si presenta al mondo con un biglietto da visita d’eccezione: il suo logo istituzionale, la Saliera di Benvenuto Cellini – che a buon diritto può essere celebrata come la summa del sapere artigiano di tutti i tempi – racconta una storia di perizia senza eguali. Stiamo parlando della famosa saliera creata per Francesco I di Francia dal grande orafo, alchimista e scultore fiorentino Benvenuto Cellini: questo suo ‘capo d’opera’ è emblematico della storia italiana legata alle arti applicate, frutto del genio e del talento di un artista-artigiano a tutto tondo. È il 2016 e l’Italia sta ancora lottando con una crescita modesta del PIL e con una difficile crisi economica: in questo contesto, Franco Cologni, con il compianto Gualtiero Marchesi, allora alla guida di ALMA-La scuola internazionale di cucina italiana, porta all’ideazione e alla creazione del titolo di MAM-Maestro d’Arte e Mestiere, un riconoscimento biennale indipendente, per valorizzare e portare all’attenzione del grande pubblico e dei media la straordinaria opera di alcuni dei più significativi protagonisti del nostro alto artigianato: affermati maestri che si sono distinti per particolari meriti professionali e per l’attività svolta in favore della trasmissione del sapere alle giovani generazioni, preservando un patrimonio d’arte, cultura e produttività senza eguali. Questa celebrazione dei “Tesori Viventi” italiani, che a fine 2024 vedrà il simbolico Libro d’Oro dell’Eccellenza artigiana arricchirsi di nuovi e interessanti nomi, viene supportata da importanti patrocini ministeriali e istituzionali, non da ultimo il prestigioso riconoscimento del Capo dello Stato Sergio Mattarella, che ha voluto onorare le passate edizioni dell’iniziativa con il conferimento della Medaglia del Presidente della Repubblica.

Dalla ceramica alla gioielleria al legno e arredo, dai metalli alla meccanica al mosaico, dalla pelletteria alla stampa d’arte al restauro, dalle professioni del teatro al tessile… fino ai mestieri del gusto e all’arte dell’ospitalità (sezione curata proprio dalla Scuola con sede a Colorno, in collaborazione con Rampello&Partners): ognuna di queste categorie è un comparto del sistema produttivo che innerva l’intero territorio nazionale, e che ci fa sentire eredi non indegni della lezione rinascimentale e del suo lascito culturale e umano senza eguali. E proprio la ceramica, che in Faenza trova un naturale giacimento artistico e culturale radicato nel tempo, è un materiale d’elezione che racconta l’identità stessa di questo territorio e dei suoi straordinari protagonisti. I grandi maestri della ceramica faentina ed emiliana sono stati fra i maggiori artefici riconosciuti dal Premio MAM nelle sue ormai cinque edizioni biennali, fra i molti altri che ne hanno costellato la carriera: tra loro nomi storici di maestri indiscussi e noti a livello internazionale, come Ivana e Saura Vignoli, Davide Servadei, Antonietta Mazzotti Emaldi, Piero Mazzotti e Androulla Ioannou, Mirta Morigi, Carlo Pastore ed Elisabetta Bovina. Tutti artisti autentici e virtuosi, con l’immensa passione per un mestiere che è diventato anche una missione di vita e un dono all’Italia, da trasmettere alle future generazioni con orgoglio.

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01 LA MEDAGLIA DEL 2022 02 I PREMIATI DELL’ANNO 2022

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mostra

ELOGIO DELLA FRAGILITÀ A cura di Sandra Baruzzi

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RENZO IGNE CAVALIERE CON CAVALLO E CASA 1999 SEMIGRÈS LA CERAMICA MODERNA & ANTICA

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ARTE CERAMICA Al Museo Civico Pier Alessandro Garda Ivrea (TO) 17 febbraio – 14 luglio 2024 Una mostra di rilievo internazionale, articolata in più sezioni, che vuole valorizzare le collezioni del museo per celebrare i primi dieci anni dalla riapertura dopo il riallestimento delle collezioni permanenti.

Dieci anni nei quali lo staff del museo, sostenuto dall’Amministrazione e dai contributi della Fondazione Guelpa e di altre Fondazioni ed Enti, si è impegnato a conservare e valorizzare il patrimonio delle collezioni e allestire mostre in grado di valorizzare i beni culturali del territorio, in particolare a divulgare la cultura olivettiana. Nel tempo ha tessuto relazioni con scuole programmando attività didattiche-laboratoriali e collaborazioni con Associazioni creando un circuito dinamico di cultura artistica storica e contemporanea.

La Direttrice, Dott.ssa Paola Mantovani, ideatrice e coordinatrice della Mostra Elogio della fragilità, con tutte le sue numerose sezioni ha cercato un nesso, un elemento trasversale alle collezioni permanenti che fosse in grado di offrire al pubblico elementi di novità.

Lo ha trovato nell’argilla, presente in tutte le collezioni, nelle sue infinite declinazioni di materiali, forme, colori, dalle svariate funzioni e differenti gusti estetici, una terra che trasla da un secolo all’altro per arrivare ai giorni nostri. La grande famiglia della ceramica è poi sempre composta da materiali “fragili”, in ogni parte del mondo e che in ogni fase di lavorazione, momenti d’utilizzo o di trasporto si può danneggiare. La fragilità, è il comune denominatore, di ogni prodotto o opera, può avvenire fin dalla modellazione o nella successiva fase di essiccamento; altro momento di lavorazione ad alto rischio è la cottura, bisogna impostare un’adeguata curva di salita e di discesa (o raffreddamento) della temperatura. All’apertura della camera di cottura le “sorprese” possono essere molte: rotture, crepe, cavilli. Le visioni culturali e questo vale sia per l’Occidente che per l’Oriente, sono bivalenti e opposte: da una parte si considera l’oggetto di scarto o difettoso, dall’altra si mette in evidenza la particolare condizione che lo rende unico, si proclama opera d’arte irripetibile e si riveste di valori simbolici. Il difetto viene considerato effetto, la rottura viene messa in evidenza e a volte valorizzata con lacca e polvere d’oro come per la tecnica del kintsugi, tecnica legata al pensiero della filosofia Zen, rendendo la fragilità un elemento di forza e perfezione, creando un nuova opera d’arte.

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ALFRED BROWN, RICHARD-GINORI SERVIZIO DA TÈ

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ALFRED BROWN, RICHARD-GINORI SERVIZIO DA CAFFÈ

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SANDRA BARUZZI SERVIZIO DA TÈ (COLLEZIONE “STELLARE“)

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GUGLIELMO MARTHYN SERVIZIO DA TÈ (COLLEZIONE “CORTO RAGGIO“) 2019

Nella collezione Guelpa-Croff sono presenti un servizio da tè e uno da caffè; il primo è composto da teiera, lattiera e zuccheriera sei piatti da dolci, sei tazzine e sei piattini, in porcellana fine e rivestita da campitura color beige chiara filettati da campitura color oro.

Il servizio da caffè è decorato da una semplice fascia azzurra.

Ambedue i servizi sono “Silvana” in porcellana Richard Ginori, vennero pubblicati nel 1933 sulla rivista “Domus”, diretta da Gio Ponti. Il Design di questo servizio è attribuito ad Alfred Brown (1891-1979).

Questi due servizi Silvana appartenevano ad ABDONE Croff e recano la marca aggiunta “NC” (“non commerciabile”), è probabile che siano stati acquistati o ricevuti in dono alla settima Triennale di Milano, del 1940, a cui i fratelli Croff hanno partecipato esponendo le proprie merci tessili.

Sono esposti poi importanti e completi servizi da tavola, ma anche oggetti isolati di grande pregio che, per l’occasione, sono stati studiati rivelando alcune novità.

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63 Nell’ultima sala sono esposte le opere rivolte ad un nuovo linguaggio espressivo quello della progettazione a computer che ha reso possibile anche nel mondo degli oggetti ceramici di creare volumi geometricamente elaborati con un’immensità di nuove forme, prima non concepibili in una produzione di prototipi, pezzi unici o di piccola/grande serie, soluzioni inedite grazie alle nuove tecnologie.

“Opere che, pur riconoscendosi chiaramente nella fabbricazione digitale, lasciano alle proprie spalle l’asettica e fredda genesi formale che solitamente ne caratterizza gli esiti per raggiungere rapidamente quell’aura poetica che il lavoro di entrambi gli artisti possiede.

Attraverso la regolare costruzione, strato su strato, della forma attraverso l’ugello meccanico della stampante che esegue inerte il disegno tridimensionale trasferito su una scheda di memoria, nascono ceramiche che affondano le proprie radici dentro morfologie naturali, a loro volta custodi di memorie, di suggestioni profonde, di emotività.

Nascono così ceramiche che vivono, in modo diverso, dello stesso afflato sentimentale che Baruzzi e Marthyn trasferiscono nelle altre loro opere. La natura, rievocata attraverso il mezzo plastico digitale, si presenta dunque ai nostri occhi in una nitida sintesi dai contorni curvi, a volte struggenti, che respira silenziosa tra le linee e le pieghe di un vaso, di una scultura, di un oggetto.”nota di Matteo Zauli estrapolata dal catalogo “ARTE DESIGN 3D CLAY “ 2020.

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64 Nel progettare la mostra i curatori hanno cercato, oltre a individuare un elemento di connessione, di rafforzare il contenuto, approfondendo alcuni significati di cui questo semplice elemento poteva essere portatore: la fragilità, la debolezza insita in questa materia che si rompe, frattura e scalfisce facilmente, ma anche all’opposto, la capacità di utilizzare una debolezza, una ferita per creare forza, bellezza e rinascita, come attraverso l’antica tecnica del kintsugi.

La mostra, oltre a esporre oggetti delle collezioni del Museo Garda, li valorizza mettendoli a confronto e creando relazioni con altre opere d’arte provenienti da importanti musei, fondazioni e collezioni private. Di grande rilievo anche le connessioni con il territorio, in particolare con la tradizione ceramica espressa dalla città di Castellamonte, riconosciuta eccellenza dall’AiCC (Associazione italiana Città della Ceramica), attraverso le creazioni di alcuni artisti del secondo Novecento, che permettono di comprendere le evoluzioni di questo materiale duttile e trasformabile, sino all’utilizzo della stampa 3D.

venturandosi tra l’infinità delle cromie possibili, alla ricerca di un’armonia che domina in tutte le sue sfumature. L’artista faentino si esprime per forze più che per forme, spesso giungendo anche all’azzeramento cromatico, mediante una ricerca di un colore assoluto: il famoso “Bianco Zauli”. Zauli stesso afferma “sono un uomo che ama un “grumo” di argilla e che vuole vitalizzarlo, dargli piano piano forma, più vita, esaltando e riordinando i suoi infiniti ritmi e le sue misteriose tensioni che in esso si nascondono… Le fratture mettono in relazione il pieno con il vuoto, una dimensione quest’ultima, come l’essenzialità delle forme, molto cara ai giapponesi che apprezzano la sua arte e ne hanno riconosciuto il ricerca di formule ceramiche estetiche nelle culture del Moderno”.

Nella collezione archeologica l’argilla si manifesta in forme e consistenze diverse: dalle semplici tegole per un tetto alle elaborate lucerne o anche agli oggetti di uso comune presenti sulle mense dei romani.

Nella collezione orientale la presenza di oggetti in ceramica è più numerosa e consistente.

I motivi presenti sulle ceramiche possono essere astratti o puramente ornamentali, rappresentano molto spesso elementi figurativi. Per certi versi l’oggetto stesso viene utilizzato come supporto pittorico o calligrafico, Lo sterminato repertorio iconografico del ceramista è condiviso con quello di numerose altre forme d’arte e può essere riassunto in alcune tematiche: figure umane o divine, paesaggi, fiori e piante reali e con richiamo simbolico, animali reali e fantastici, oggetti singoli o composti.

Nella sala espositiva delle opere di Chiara Lorenzetti, restauratrice e artista si ammirano le ceramiche restaurate attraverso la tecnica del kintusugi che rende possibile dare nuova vita e valore a oggetti altrimenti frantumati o crepati Il kintsugi, con la lacca e l’oro mette in evidenza la rottura senza nasconderla, desidera porgerci la capacità di accettare il cambiamento anche quando questo sia rovinosa caduta. Ogni cambiamento ci porta a un nuovo sé, diverso, unico e per questo prezioso.

Dopo aver dato visibilità ad alcune delle opere delle collezioni permanenti e presentato quelle realizzate con il kintusugi, il percorso espositivo prosegue con sale dedicate ad autorevoli nomi dell’Arte Ceramica contemporanea: Pompeo Pianezzola, Carlo Zauli, Alessio Tasca, Candido Fior e Nino Caruso, artisti che nelle seconda metà del Novecento, hanno rinnovato il pensiero ceramico, La curatrice degli artisti sopracitati, la Dott.ssa Alessia Porpiglia a catalogo scrive “Pianezzola, Zauli, Tasca, Fior e Caruso sono accomunati dal grande successo conseguito sia in Italia, soprattutto in alcuni territori legati storicamente alla tradizione ceramica, sia all’estero e in Estremo Oriente. Si distinguono da altri ceramisti per la considerazione dell’arte ceramica nella sua evoluzione contemporanea che ha conciliato la materia con una moderna esperienza estetica. Carlo Zauli, partendo da una assidua sperimentazione e da forme primarie, dona vita a opere che spaziano nel campo del design, della scultura, avLA CERAMICA MODERNA & ANTICA

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CHIARA LORENDETTI VASO CINESE IN GRES KINTSUGI TRADIZIONALE

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PIATTO DA PORTATA RETTANGOLARE TERRAGLIA INDUSTRIALE

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CHIARA LORENZETTI CIOTOLA GIAPPONESE IN GRES KINTSUGI TRADIZIONALE

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PIATTO CON DECORAZIONE FLOREALE PORCELLANA DIPINTA

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10 CARLO ZAULI

RUOTA STRAPPATA GRÈS SMALTATO

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CARLO ZAULI ORIGINE DI UNA STELE GRÈS SMALTATO

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“PAGINA ROSSA“ TERRACOTTA DIPINTA E INVETRIATA

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Pompeo Pianezzola si nutre dall’osservazione della Natura e sfida con le materie del ceramista terre, ossidi, colori e smalti le loro reazioni con la temperatura. Riveste le superfici con effetti tattili, increspature, tagli e segni pittorici, vista la sua formazione accademica in pittura, riuscendo ad ottenere risultati visivi di grande trasporto. Una ricerca grafica su lastre condotta in superficie con segni a volte delicatamente incisi, altri lasciati con una punta di pennello, tono su tono. Nell’immota fissità di un tempo sospeso, riesce a innescare e fissare grafismi senza tempo, illeggibili e per questo traducibili in creativi e fertili dialoghi immaginifici .

A seguire viene presentata una significativa raccolta di piccole opere di Candido Fior. La sua forma espressiva si dimostra estremamente originale. La sua osservazione e fonte d’ispirazione cade sulla natura e sugli animali che la abitano. Inizialmente sono tutte opere uniche poi crea delle piccole serie con stampi in gesso. Utilizza diverse terre: terracotta terraglia bianca e gres di differenti cromie che tratta con carta vetrata per evidenziare in ogni opera la forma e la texture della superficie per poi a conclusione cuocere in monocottura.

Visioni creative arcaiche, opere minute di raccolta e controllata bellezza.

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67 Il Museo P. G. Garda rafforza il legame con il territorio canavesano seguendo con naturalezza la via della ceramica che porta a Castellamonte. Città di antica tradizione, ampiamente documentata, socia fondatrice di AiCC (1999) che gli riconosce l’eccellenza. In questo anno l’Amministrazione presenterà la 63esima edizione della Mostra della Ceramica, annuale appuntamento di portata internazionale che come ospite vedrà artisti provenienti dalla Cina.

La scelta in rappresentanza di questa città è quella di esporre opere dell’artista Renzo Igne e della ricerca sviluppata con la stampa 3D di Sandra Baruzzi e Guglielmo Marthyn.

“Igne, nel corso della sua lunga attività artistica, ha realizzato oggetti d’uso di artigianato di qualità, pezzi unici o in piccola serie nonché opere d’arte, di arredo urbano ed architettonico, d’arte sacra e funeraria. Le sue opere ci colpiscono per gli aspetti dagli esiti di grande potenza espressiva che fonde immaginazione, creatività e sogno. Le forme e i segni lasciati su ogni sua creazione sono di gestualità sicura, non si coglie alcun ri pensamento e se errore c’è viene esaltato e valorizzato come effetto unico e di bellezza irripetibile. Ogni opera è trattata con sapienza tecnologica, ricoperta di un magma cromatico ricchissimo di ossidi, colori e smalti ceramici, frutto di anni di ricerca e sperimentazione di ricette sottoposte a variabili temperature”. (nota a catalogo a cura di Paola Mantovani e Sandra Baruzzi)

La mostra Elogio della fragilità è stata ideata e coordinata da Paola Mantovani e realizzata grazie allo studio e alla curatela importanti studiosi come Raffaella Ausenda e Marco Guglielminotti nonché di Alessia Porpiglia e Luca Diotto e dall’esperienza artistica di Sandra Baruzzi, Guglielmo Marthyn e Chiara Lorenzetti.

La mostra è stata realizzata con il contributo di Fondazione Guelpa e Fondazione CRT. Inaugurata sabato 17 febbraio ore 16,30, termina il 14 luglio 2024

13 CANDIDO FIOR

FRUTTO REFRATTARIO

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MOSCA TERRACOTTA E METALLO

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In praise of fragility Edited by Sandra Baruzzi

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69 The exhibition Elogio della fragilità, coordinated by Paola Mantovani, was produced with the assistance of important scholars such as Raffaella Ausenda, Marco Guglielminotti, Alessia Porpiglia and Luca Diotto, and the artistic experience of Sandra Baruzzi, Guglielmo Marthyn and Chiara Lorenzetti. The show, at Museo Civico Pier Alessandro Garda, Ivrea (Turin), celebrates the museum’s first decade after reopening, following the restructuring of the permanent collections. It was inaugurated on 17 February and it runs until 14 July. Searching for a feature shared by these different collections, Paola Mantovani found

it in clay, and in particular, its fragility at all the stages of a ceramic piece’s existence, from modelling, right through to drying and firing. There are different ways of considering a ceramic object that undergoes damage, from the negative value attributed to defective items, to the positive approach that deems such an object to be unique, with notable symbolic values. Fractures may even be highlighted using lacquer and gold dust, as in the kintsugi technique linked to Zen philosophy. In this way, fragility can become an element of strength and perfection, creating a new work of art.

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CARLOS CARLÉ FUOCO, MATERIA, FORMA

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(Oncativo - Argentina 1928 - Savona - Italia 2015).

01 CARLOS CARLÈ 02 PRESENTAZIONE CARLÈ 2024 03 OPERE, CARLOS CARLÈ

Nel territorio savonese la ceramica d’arte affermatasi da secoli, è stata, nel Novecento un fattore molto importante che ha attirato artisti di fama internazionale. Riconosciuta come patria della ceramica d’arte del Novecento, Albisola, grazie alle fondamentali esperienze di Arturo Martini e di Lucio Fontana e al manifestarsi del Secondo Futurismo, si è sempre più affermata come centro propulsore nel campo della ceramica e innovatore nel periodo del secondo dopo guerra, confermando un processo di definitiva rottura coi canoni tradizionali e rappresentando un’artistica rivoluzione feconda ed espressiva.

Ad Albisola sono convenute alcune delle maggiori personalità internazionali, da Jorn agli artisti del gruppo CoBra, a Gallizio, Manzoni, Lam, Scanavino, Capogrossi, Crippa, Fabbri, Elde.

A metà degli anni 60, anche l’argentino Carlos Carlé decise di stabilirsi ad Albisola. Il Maestro giunse con un grande bagaglio di conoscenze cosmopolite, maturate tramite contatti ed esperienze in diversi paesi del mondo.

Il suo primo approdo in Italia fu Vietri sul Mare, dove intraprese varie sperimentazioni nel campo del design, applicandosi alla realizzazione di forme funzionali. Ad Albisola diede vita ad una fondamentale evoluzione artistica. La materia divenne per lui un fattore importante con una sua precisa significazione progettuale. Su questo percorso evolutivo, Carlé si trovò a seguire alcune fondamentali tappe, permeando le sue sculture con richiami alla propria LA CERAMICA MODERNA & ANTICA

cultura di origine, fino ad assumere, a cavallo degli anni 80 e 90, le dimensioni monumentali dei Megaliti, dei Dolmen e delle Pietre Miliari, di cultura storica e origine primordiale. Un filone artistico che sarà centrale anche nella successiva ricerca artistica. Il Maestro aveva acquisito dimestichezza con il mondo della ceramica già in giovinezza, in Argentina, nella fabbrica di mattoni refrattari del padre, dove aveva avuto modo di sperimentare il comportamento delle argille cotte ad altissima temperatura, traendo sapienza e perizia nella manipolazione della terra nel prepararsi da solo l’elemento primario.

Diventa ceramista e scultore, ma la ceramica è per lui solo un mezzo e mai un fine, uno strumento che rifiutó sempre con decisione il facile risultato.

Enzo Biffi Gentili ha definito Carlos Carlé “un costruttore”, in quanto plasmava l’argilla, con la sovrapposizione della stessa, continuando nell’accrescimento dell’opera, attraverso uno sviluppo formativo, quasi organico, di stampo architettonico. Carlé esercitava un controllo sulla materia con geometrie primordiali, che si collocavano coi principi originari di una cosmogonia elementare: sfere, cerchi, quadrati, parallelepipedi. Le sue sculture rappresentano una costruzione tra dialettica, razionalità e caos, con lacerazioni, squarci sia all’interno che all’esterno delle opere, fino a risultare di una sostanza ruvida, corrosa, dalla quale la materia emerge con una forza eruttiva. Antoni Tapies è stato per Carlos Carlé un riconosciuto maestro ideale, un mentore, da cui ha tratto anche ispirazione. Le opere di Carlé sono cotte ad alta temperatura, a milletrecento gradi, e il risultato prodotto sul grés era quello di effetti rugginosi, sgretolamenti, che rimandavano alle corrosioni grandi muri del Maestro Tapies. La forza della materia, trasformata in grés durante la cottura, dona all’opera un arco cronologico destinato a superare la vita individuale dell’artista. Una visione universale della durata dell’opera al di là dell’esistenza del suo creatore. Carlé osservava la natura, il mondo la realtà prendendo spunto per gli sviluppi della sua arte. La mente e le sue mani di scultore si inserivano in questo circuito di tempo e natura, catturandone lo spirito e imprigionandolo nelle proprie creazioni. L’osservazione dei sassi, che il tempo ha levigato con l’acqua arrotondandoli e incidendoli mediante lo sfregamento, ha suggerito

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71 spazio espositivo dove artigianato d’eccellenza, storia e cultura si incontrano mescolandosi con il territorio e le tradizioni. Le mostre sono patrocinate dalla Regione Piemonte, dalla Provincia di Torino, dal Comune di Castellamonte Hanno scritto del suo lavoro tra i più importanti storici e critici d’arte contemporanea.

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a Carlé le opere “Cascotes”, come nella sua lingua madre vengono chiamati i sassi frammentati. La struttura stratificata di queste opere, i segni e i colori, raggiunti mediante la sovrapposizione di terre colorate e l’utilizzo di smalti fusi sulla superficie, hanno generato effetti, che suggeriscono una erosione spontanea dell’opera, in un processo naturale. Le esperienze di lavoro in Italia e all’estero e i soggiorni in Paesi come il Giappone hanno lasciato un segno indelebile sulle opere del Maestro Carlé.

L’equilibrio nel suo lavoro raggiunge la perfezione e la forma si rasserena, si addolcisce, si bilancia, con inserimenti di altri materiali come la pietra con la sua morbida cromia grigia, alternati a colori azzurri che mitigano le imponenti opere riportandole ad una concretezza terrena. Carlos Carlé ci ha lasciati nell’aprile del 2015, e la famiglia ha voluto portare avanti la sua arte con le seguenti mostre postume: Carlos Carlé “I codici della materia” Comune di Barge - Ex Officine Ferroviarie - Barge (CN) Dal 16 ottobre al 28 novembre 2021 Omaggio a Carlos Carlé nell’ambito della mostra “El borde de las voces” [Il bordo delle voci] Prospettive plurali nell’arte argentina contemporanea Casa Argentina, sede culturale dell’Ambasciata - Roma Dal 25 ottobre al 25 novembre 2021. In programma nella Rassegna di Kéramos2024, X edizione, la curatrice Antonella Gulli, artdirector della Galleria GULLIarte di Savona, ha voluto organizzare una retrospettiva

dedicata al Maestro Carlos Carlé, che si svilupperà in due mostre.

La prima nella FORNACE PAGLIERO 1814, Museo ceramico inserito nella rete museale della Regione Piemonte, dal 27 aprile al 15 settembre 2024, con un allestimento di circa 70 opere in grés ceramico, sculture, totem, bassorilievi e sfere, alcune delle quali inedite, di diversi periodi storici. Successivamente la mostra sarà trasferita a Savona in Galleria GULLiarte, dal 28 settembre al 24 novembre 2024.

La Fornace Pagliero si trova, a Castellamonte località Spineto, in una splendida posizione, a pochi chilometri da Castellamonte e da Cuorgnè, ai piedi della Valle Sacra e della sue montagne caratteristiche, la Quinzeina ed il Verzel. ll complesso della Fornace si trova dove è nata, a fine Settecento, la storica manifattura Pagliero Michele.

Qui, dopo un attento intervento di ristrutturazione conservativa a cura di Daniele Chechi, è stata riattivata la vecchia filiera della Fornace ridando vita produttiva alla storica industria ceramica; qui tra sale e gallerie di particolare interesse architettonico, si conserva la memoria storica della patria delle ceramiche di Castellamonte che, nonostante sia la più antica, è sopravvissuta praticamente intatta allo scorrere del tempo. Si configura quale luogo simbolico dell’arte ceramica e del lavoro, attraverso oggetti preziosi, tra i quali le attrezzature d’epoca, gli stampi autentici e le vecchie matrici. Tale scenario diventa lo

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Le opere del Maestro Carlos Carlé sono in collezioni private ed esposte Gallerie d’arte e in permanenza in Musei Internazionali.

ARGENTINA:- Museo Juan B. Castagnino, Rosario- Monumento a la Bandera, Padiglione Italiano, Rosario - Fundaciòn Lorenzutti, Buenos AiresMuseo Eduardo Sivori, Buenos Aires- Museo de Arte Ceramica Fernando Arranz, Buenos Aires GIAPPONE :- Saga Prefectural Art Museum, Saga- The Museum of Contemporary Ceramic Art, Shigaraki-The Museum of Modern Ceramic Art, Gifu STATI UNITI:- North Central Washington Museum, Wenatchee TAIWAN:- Taipei Fine Arts Museum, Taipei DANIMARCA :- Kunstindustrimuseet, Copenhagen FRANCIA:- Musée de Vallauris, Vallauris - Musée National de Céramique, SévresMusée des Arts Décoratifs, Paris- Abbaye Saint Germain, Auxerre GERMANIA :- Hetjens Museum, Dusseldorf- Glas und Keramikgalarie, Ludwig, Hemingen- Collezione Hans Thiermann, Hamburg- Keramion Museum for Contemporary Ceramic Art, Frechen SPAGNA:- Museu de Céramica, Barcelona SVEZIA:- Ystad Kommur, Ystad- Tomelilla Konstamling, Tomelilla- Kristiantad Konstamling, Kristiantad- Jonkoping Lans Landsting, Jonkoping SVIZZERA:- Musée Ariana, Géneve ITALIA:- Museo Internazionale delle Ceramiche, Faenza- Museo Mazzotti, Albissola Marina- Galleria Civica d’Arte Contemporanea, Suzzara- Fondazione Pagani, Castellanza- Museo della Ceramica, Assemini- Raccolta Internazionale di Ceramica d’Arte Contemporanea, Caltagirone- Museo della Ceramica, Santo Stefano di Camastra- Collezione Istituto Statale d’Arte “A. Frangipane”, Reggio Calabria- Museo della Ceramica, Palazzo Botton, Castellamonte- Museo Civico agli Eremitani, Padova- Museo a cielo aperto, Denice- MUDA, Albissola Marina

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KERAMOS RASSEGNA DI CERAMICA CONTEMPORANEA X edizione

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Il percorso di questa iniziativa, che si ripresenta puntuale anno dopo anno, é frutto dell’indiscussa passione per la ceramica che anima l’ideatrice della serie di questi eventi, Antonella Gulli, gallerista e, per molti decenni, collezionista. La ceramica, per il suo collocarsi tra artigianato e arte, é stata spesso relegata ad un ruolo minore, ma proprio il territorio ligure, che per secoli ha “praticato’’ questa arte con feconda tenacia nelle sue fornaci, ha dimostrato quanto e quante volte da un ambito artigianale siano scaturite esperienze artistiche di altissimo livello. Ma il fattore piú importante era quello di sviluppare gli eventi di kéramos in maniera che rivendicassero nel loro manifestarsi quel ruolo comprimario fra le arti, che alla ceramica compete.

La ricerca di un nome per il progetto si orientó verso un termine che suscitasse un’emozione istintiva e che avesse a che fare con l’arcaismo e il mistero del percorso storico della terra ed del fuoco: terracotta, ceramica, porcellana.

“Keramos”, antico vocabolo dal Greco, é parso il piú adatto.

Il resto é il percorso storico sviluppato in questi dieci anni di Kéramos, in primo luogo negli spazi della Galleria GULLIarte a Savona, con mostre collettive, personali, e nel tempo tramite collaborazioni con Musei, Eventi nazionali ed internazionali, Associazioni Culturali, gallerie e spazi pubblici, ma soprattutto con la collaborazione di Artisti, seguiti sempre nel loro lavoro, scelti e selezio-

01 GALLERIA GULLIARTE , SAVONA 02 GALLERIA GULLIARTE , SAVONA 03 BANNER KERAMOS

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73 nati per le emozioni che trasmettono con le loro opere, la maestria e la tecnica di esecuzione.

Riepilogare dieci anni di attività della galleria e della Rassegna Kéramos non é facile, in quanto riassume i gusti e gli intenti di chi ha gestito questi percorsi.

Ma anche perché dimostra la sua natura di un sistema aperto che - attraverso la scelta di artisti e opere da presentare in occasione della manifestazione annuale - si è dimostrata permeabile a proposte innovative incontrate via via nel tempo, e la selezione di artisti cosí diversi fra di loro ne è prova tangibile.

Le opere selezionate in Kéramos, sono affascinanti e visivamente significanti, e differiscono l’una dall’altra in maniera sostanziale oltre che per la tecnica per la loro varietá, ma tutte sono legate ed unite in questo percorso nell’argilla.

cessivamente la mostra sará trasferita a Savona nella Galleria GULLIarte, dal 28 settembre al 24 novembre 2024.

Nell’ambito del secondo Festival dela Maiolica, a Savona, nella Galleria GULLIarte e nel Chiostro attiguo della Chiesa di San Pietro, a Savona dal 11 Maggio al 30 giugno, s’inaugura “4 per 10Keramos” con la Mostra di: Sandro Lorenzini - Renza Sciutto- Marian Heyerdahl - Ole Lislerud.

Amici di lunga data che collaborano da sempre in progetti nazionali e internazionali, maturando esperienze in Cina, Giappone, America, Sudafrica ed in Europa. L’esposizione proseguirà a Faenza, in occasione di Argillà2024 - dal 30 agosto/1 settembre 2024 Nelle manifestazioni definite “off gallery’’ a Terzorio (IM), pittoresca localitá dell’entroterra del ponente ligure, si 02

nella Galleria GULLIarte, con opere in grés e bronzo che mostreranno il percorso creativo del Maestro, scomparso prematuramente nel 2022.

Uno dei più grandi scultori italiani ceramisti a livello internazionale (sue opere sono presenti in musei e collezioni pubbliche in Giappone, Cina, Corea del Sud, Svizzera, ecc.) e autore di grandi sculture in bronzo a cera persa, granito e marmo. Durante la sua carriera si é aggiudicato molti premi e riconoscimenti. In agosto dal 24 fino al 15 settembre 2024, in Kéramos off gallery 2024, sará presente presso la Fornace Pagliero 1814, di Castellamonte, evento collaterale nell’ambito della 63^Mostra della Ceramica di Castellamonte con una Personale dell’artista Laura Scappatura. Le opere esposte sono sculture in ceramica: donne, alberi, pesci, sono i protagonisti di un gioco di forme armoniche, serenamente narranti, secondo una ricerca espressiva inconfondibile, con la sapienza tecnica derivata dal pluridecennale percorso artistico di Laura Scappatura. È uno sguardo sullo stato dell’arte della ceramica contemporanea quello presentato da GULLIarte con diverse e possibili chiavi di lettura – storiche, cromatiche, formali, contenutistiche o altre ancora - tutti valori presenti nelle opere selezionate nella Rassegna Kéramos 2024 , espressioni vive di un materiale, l’argilla, tra i più versatili e proprio per questo, crediamo, tra i più vitali della storia dell’Uomo.

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Tutte ceramiche d’autore, che condividono ed evidenziano i valori culturali del territorio d’appartenenza.

Questo decennale appuntamento con la Ceramica d’arte contemporanea rappresenta un’altra sfida importante, che vede manifestazioni dal 27 aprile al 24 Novembre 2024.

Si apre la Rassegna Kéramos 2024, con una mostra fuori sede, a Castellamonte, ridente localitá del Canavese, di antica produzione ceramica, presso la Fornace Pagliero 1814, inserita nella rete museale della Regione Piemonte, con una retrospettiva dedicata al Maestro Carlos Carle “FUOCO, MATERIA , FORMA”. Un allestimento di circa 70 opere in grés ceramico, sculture, totem, bassorilievi e sfere, alcune delle quali inedite, di diversi periodi storici. Suc-

inaugura “10Kéramos”, presso T3 ArtGallery, in collaborazione con l’Associazione Paraxo, dal 18 maggio al 30 novembre 2024. Collettiva con: Domenico Asmone, Elysia Athanatos, Carlos Carlé, Jesus Castanon Loche, Terry Davies, Anita Hanch Hansen, Marian Heyerdahl, Stefano Innocenti, Adriano Leverone, Jackson Lee, Ole Liselrud, Sandro Lorenzini, Giorgio Moiso, Paolo Pastorino, Ylli Plaka, Antonio Quattrini, Renza Sciutto, Atsushi Shimada, Enrico Stropparo, Fabio Taramasco, Mr. Corto, Luca Pi Pellegrino. Nello stesso periodo sempre a Terzorio una serie di eventi collaterali di Buongiorno Ceramica! nel Centro Storico del borgo.

Con un doveroso omaggio ad Adriano Leverone, dal 6 luglio al 15 settembre 2024 si terrá un’’ esposizione a Savona

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Ritorno a Fu-ping Progetto Italia-Cina DI GIUSEPPE OLMETI

Allo scopo di consolidare le relazioni ed i progetti in cam- compiendo visite a Montelupo Fiorentino, Sesto Fiorentino, po ceramico tra Italia e Cina, si è svolta, nel mese di marzo Impruneta e Faenza. scorso, una importante missione da parte di una delega- Nel corso della missione sono state discusse e avviate nuove zione di AiCC – Associazione italiana Città della Ceramica, ipotesi di lavoro, ambiziose e di rilievo internazionale, quali: guidata dal vicepresidente vicario Paolo Masetti, sindaco di – l’adesione della Cina a “Buongiorno Ceramica”, “la festa Montelupo Fiorentino (FI) e Luca Rebellato, sindaco di Nove diffusa della Ceramica” organizzata in Italia ed altri paesi Eu(VI), coordinata dal direttore AiCC Giuseppe Olmeti e con la ropei da AiCC a partire dal 2015, se non addirittura la trasforpartecipazione di Tamara Ermini, vicepresidente di Firenze mazione dell’evento in una futura “Giornata Mondiale della Fiera e delegata CNA, Francesco Belligerante, coordinatore Ceramica”; di Mediterraneo Arte e Giovanni Mirulla, presidente ICMEA – la nascita di una “Associazione Cinese delle Città della Ce(International Ceramic Magazine Editors Association). ramica”, ipotesi fortemente discussa non solo con i rappreLa delegazione, accompagnata nel corso dei dieci giorni di sentati di Jingdezhen e Fuping, ma anche con i rappresenmissione dal senatore cinese Zhu “Giuseppe” Yuhuan in rap- tanti delle città e province di Foshan, Tangshan e Pindinshan. presentanza del Chinese People’s Association for Friendship Oltre agli incontri previsti e già organizzati con il Jingdezhen with Foreign Countries – CPAFFC, ha svolto un denso pro- City Expo e l’amministrazione Comunale di Jingdezhen, è gramma di incontri. stata organizzata, assieme alla Chinese People’s Association Un primo incontro – in data 18 marzo – ha avuto luogo nella for Friendship with Foreign Countries, una giornata intitolacittà di Fuping con i titolari del Fuping Pottery Art Village, as- ta “La ceramica come dialogo fra le culture”, la quale ha visieme ai quali si è concordata la ripartenza del “Progetto Ita- sto la partecipazione dei vertici istituzionali di diverse regioni lia-Cina” e la ripresa, entro il prossimo autunno, delle qualifi- della Cina ed alla quale ha partecipato, su delega dell’Ambacate residenze artistiche in Cina, iniziate nel 2019 e interrotte sciata Italiana a Pechino, il vice console Giorgio Daviddi: nel a causa dell’emergenza pandemica. corso della giornata, insieme al Console è stata discussa una Nelle giornate successive, nella città di Jingdezhen, vera “ca- proposta di AiCC di realizzare un progetto di respiro nazionapitale mondiale della porcellana”, oltre alla visita a decine di le – in occasione dell’anniversario della morte di Marco Polo aziende produttrici di porcellana, ai musei, agli antichi forni, (1324) e del gesuita di Caltagirone Nicolò Longobardo (1654) all’Università di studi ceramici, è stato firmato un accordo tra – che veda protagonista la ceramica come modalità di conoAiCC e la società pubblico-privata di sviluppo territoriale “Jin- scenza e diffusione di cultura ed amicizia fra i popoli. gdezheng Taobocheng City Expo”, per due nuove iniziative di I buoni rapporti sviluppati stanno inoltre maturando ulteriointerscambio tra Italia e Cina. ri occasioni di scambio: sabato 25 maggio, a Faenza è stato La Città di Jingdezhen ospiterà infatti workshop di formazio- sottoscritto un accordo di collaborazione tra l’AiCC e l’Assone condotti da maestri ceramisti italiani selezionati da AiCC, ciazione del Popolo Cinese per l’Amicizia con l’Estero che preindirizzati a gruppi di ceramisti, studenti e professionisti; il vede ulteriori visite di delegazioni, organizzazione di eventi primo di questi è stato portato a termine dal Maestro Elvio comuni, scambi culturali tra le città cinesi e italiane nell’ottica Sagnella di San Lorenzello durante la missione di marzo 2024. di uno sviluppo di entrambe le parti ed è programmato, per La seconda iniziativa consisterà in visite organizzate in Italia, il prossimo mese di giugno, la visita di una importante delepresso le Città socie AiCC, di gruppi di ceramisti cinesi: già a gazione di Jingdezhen che visiterà Montelupo Fiorentino e partire dalla primavera 2024 un primo gruppo di ceramisti ed Faenza. accompagnatori istituzionali, ha partecipato ad inizio maggio al MIDA – Mostra Internazionale dell’Artigianato di Firenze, LA CERAMICA MODERNA & ANTICA

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“Una missione straordinaria per la quantità e qualità di relazioni, confermate o avviate ex novo – ha commentato il capodelegazione Paolo Masetti, vicepresidente vicario AiCC e sindaco di Montelupo Fiorentino – ma soprattutto per il clima di fiducia ed amicizia che si è instaurato in ogni occasione. La Cina si conferma un paese davvero sorprendente, forte di una cultura millenaria e dell’altissimo livello economico e produttivo della ceramica artistica in contesti per noi sconvolgenti: una Città di 1 milione di abitanti è considerata “piccola”, un’università di studi ceramici con più di 20.000 studenti, è considerata normale, ma nonostante tali differenze è enorme l’apprezzamento per la ceramica artistica italiana così come l’amicizia nei confronti del nostro paese. Sulla scia del grande Marco Polo abbiamo creato una rete di relazioni che consentirà di strutturare ulteriori progetti per la valorizzazione e la condivisione dei nostri saperi. Certo non potremo farlo da soli, avremo necessariamente bisogno di supporto dai vari livelli istituzionali che non dovranno mancare se davvero teniamo tutti al futuro della nostra ceramica artistica”.

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RECENSIONI

a cura di Sandro Bassi

«Carlo Zoli. L’infinito volgere del tempo» (a cura di Greta Zuccali, 104 pagg., con foto a colori.

I Quaderni del Circolo degli Artisti.

Si tratta del catalogo dell’ultima mostra dello scultore faentino (7 marzo – 13 aprile 2024), nella prestigiosa sede fiorentina di Palazzo Guadagni Strozzi Sacrati ove a sua volta ha sede la Presidenza della Regione Toscana. Carlo Zoli (Bari, 1959) è discendente di quarta generazione di una dinastia di ceramisti faentini, affermatisi già ad inizio ’900 con il bisnonno di Carlo e resi famosi soprattutto con il nonno, Paolo, pittore nella bottega dei Fratelli Minardi. Carlo lavora con la ceramica ma anche con metalli, gessi, resine, foglia d’oro, bronzo, polistirene. Il suo universo poetico si alimenta dal mito e dall’immaginario favolistico, è fatto di cavalli, esili figure affusolate, nudi femminili e guerrieri. «Pur rappresentando visivamente un’iconografia che ci riconduce alla classicità – scrive in catalogo Jacopo Celona, direttore di Florence Biennale –, Zoli interpreta le profonde inquietudini del nostro presente. La grande abilità nel dar forma all’argilla coniugando al tempo stesso l’uso di smalti, metalli preziosi e resine cangianti, conferisce alle sue sculture un senso di continuo turbamento e trasformazione».

«Di arte e di mito è permeata l’opera di Carlo Zoli – aggiunge la curatrice della mostra Greta Zuccali – e per lui produrre è come una preghiera, un esercizio spirituale di autobilanciamento, al tempo stesso concreto e mistico, di forgiatura e introspezione, dove ogni elemento ricopre un ruolo fondamentale nella sinfonia della creazione».

~ ATHENA. Le presenze femminili alle Biennali/Triennali di Monza/ Milano 1923-1940 Anty Pansera, Mariateresa Chirico; Nomos Edizioni, Euro 29,90

ANTY PANSERA

MARIATERESA CHIRICO

ATH ENA ATHENA

Le presenze femminili alle Biennali/Triennali di Monza/Milano

1923-1940

Sulla scia del volume “Bauhaus al femminile”, Anty Pansera storica e critica del design, in quest’occasione in tandem con la ricercatrice e storica Mariateresa Chirico, propongono una nuova indagine volta a rivalutare il contributo delle donne nell’evoluzione del design, dell’artigianato, dell’arte e in generale del saper fare. Questo volume che scorre le presenze femminili alle Biennali/Triennali di Monza/Milano nell’arco che separa le Grandi Guerre, offre uno spaccato di come le artiere abbiano costituito una presenza importante negli eventi dedicati alle innovazioni nei campi del design e soprattutto dell’artigianato. Si tratta di figure che generalmente sono state del tutto o quasi dimenticate perché donne, nonostante il loro protagonismo nella conduzione di laboratori con opere conservate in importanti musei, la presenza in importanti manifestazioni artistiche italiane (Biennale di Venezia, Quadriennale di Roma) e l’affiancamento di personaggi quali Gio Ponti per l’ideazione e l’esecuzione di opere innovative anche su più ambiti. Zina Aita, Rachele (Lina) Arpesani, Clelia Bertetti, Irene Cova Vitalini, Maria Delago, Elena Diana, Marzia Fabbricotti, Giuseppina Goglia, Nella Guarnieri, Irene Kowaliska Wagner, Lina Poggi, Maria Pia Pozzi, Laura Ruschi, Lea Valsecchi, Adelina Zandrino Negri; sono i nomi di ceramiste che nonostante le difficoltà di quei momenti, hanno saputo crearsi un varco e lasciare una traccia del proprio lavoro, autrici che grazie alle pagine di questo volume potremo ricordare o riscoprire.

Prossimi incontri con le autrici: - Bergamo, Ordine degli Architetti, 10 settembre alle ore 18 -Milano, Sala Eventi via Pontaccio 8/10, 12 settembre ore 18 -Faenza; Isia e Ordine degli Architetti, 8 ottobre ore 17

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«Nanni Valentini Trasparenze» (a cura di Flaminio Gualdoni), 351 pagg. con foto a colori, Silvana Editoriale, Cinisello Balsamo, 2022, 39 euro.

1976 alla galleria Milano di Carla Pellegrini.

Nanni (Gian Battista) Valentini, orgoglioso erede di Martini e di Fontana, aveva vinto nel 1956, a soli ventiquattro anni, il suo primo “Premio Faenza” con un pannello in maiolica policroma irregolare, a decorazione graffita, tutto sommato picassiano. Soprattutto aveva vinto una seconda volta nel 1961 con una coppa in grès a fasce color sabbia, bianco e bruno, preludio ad una successiva produzione di ciotole dal sapore primitivo e arcano, di commovente purezza e povertà, ed una terza volta nel 1977 con quattro elementi plastici di dimensione crescente, sempre in grès ma con evidenti inclusi di aspetto e consistenza detritici (tutte le opere sono esposte al Mic di Faenza). Tornando al presente volume, esso accoglie i testi critici di Flaminio Gualdoni, Luca Bochicchio e Alberto Salvadori, oltre ad un ricordo della figlia Tiziana Valentini e ad una selezione di scritti dell’autore stesso, scritti che però sono tormentati, ermetici, a tratti duri, mai “divulgativi” e tuttavia sempre connotati da una dolente poesia.

~ Si tratta del catalogo della singolare mostra tenutasi alla Galleria di arte contemporanea di Genova nel 2022. Singolare perché tutti coloro che amano la ceramica conoscono Nanni Valentini (Sant’Angelo in Vado, PU, 1932 – Vimercate, MI, 1985), ma non tutti ne conoscono l’opera “pittorica”. Le virgolette sono quasi d’obbligo per un autore così, notoriamente fuori da qualsiasi schema: commerciale e carrieristico in primo luogo, ma anche di uso canonico dei materiali. Come in scultura, dove Valentini si caratterizza per le sue ceramiche “sporche”, slabbrate, grezze, capaci di denunciare la loro filiazione diretta dalla terra, così in pittura ci mostra sconcertanti realizzazioni a tecnica mista – delicatissime garze o tele di juta pigmentate, talvolta con inserti di metallo, carta, legno o anche terracotta – quasi sempre giocate su contrapposizioni di meravigliosi azzurri, più raramente bianchi o bruni, comunque tese a rendere il concetto di trasparenza (e non a caso portano sempre questo come titolo) perché concepite per farsi attraversare dalla luce grazie alla loro superficie non compatta, come diafane filigrane. In questo modo, anche grazie al fatto che Valentini espose queste garze appese nel vuoto, non sono più le condizioni esterne, con luci più o meno cangianti, a definire l’opera, ma l’opera stessa «ad imporre una sua presenza distinguibile, a generare un’atmosfera». Sono tutte degli anni Settanta, esposte per la prima volta nel

L’opera omnia di Carlo Zauli «Carlo Zauli. Catalogo generale» (a cura di Monica Zauli e del Museo Carlo Zauli, 294 pagg. con foto a col. e in b/n, Carta Bianca Faenza, 2023, 65 Euro).

Si tratta di una sorta di dettagliatissimo atlante che in teoria documenta l’intera

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opera del grande scultore faentino, dal 1942 alla fine degli anni ’80; in pratica il lavoro, per sua natura, non potrà mai dirsi davvero esauriente: basti dire che persino nel laboratorio di via della Croce, sede appunto del museo, dopo l’alluvione del maggio 2023 (dove l’acqua ha devastato i depositi sotterranei), sono venuti alla luce pezzi inediti. Il volume è monumentale e, come la catalogazione delle opere, realizzato con contributo della Regione Emilia Romagna ai sensi della legge regionale 18/2000.

Ad una iniziale biografia di Carlo Zauli (1926-2002) segue l’elenco delle opere in musei (pubblici e privati: complessivamente ben 51 in tutto il Mondo, dal Mic di Faenza, anzi, da istituti piccoli e magari curiosi come il “Remo Brindisi” di Lido di Spina, la Collezione Lercaro di Bologna o il “Dino Campana” di Marradi fino ai due di Tokyo, ai cinque di Kyoto e ai grandi del Nord-Europa) e quello delle mostre personali (incredibilmente 107, dalla prima “preistorica” nel 1952 al Circolo degli Artisti di Bologna fino alle due recentissime – 2022 e 2023 - a Milano). Si passa poi al catalogo vero e proprio, suddiviso in “tipologie produttive” ed ovviamente in ordine cronologico, dal piatto con il Portiere che para un gol (Zauli in gioventù fu un talentuoso calciatore), lavoro scolastico realizzato a 16 anni (1942) fino alla piastrella Emila Romagna inserita nel 1995 in una monografia a lui dedicata dalla Regione quando la malattia degenerativa che lo avrebbe condotto alla scomparsa l’aveva già aggredito. Le “tipologie” sono: vasi, piatti e ciotole; sculture; vasi sconvolti; gessi; opere in dialogo con l’architettura (suddivise in rilievi ed elementi architettonici e di arredo); multipli; design industriale (pavimenti e rivestimenti; disegni di progetto); dipinti; disegni; grafiche (incisioni, litografie e mixografie, queste ultime caratterizzate da delicati rilievi) e infine l’archivio personale, qui solamente presentato perché costituito da copiosissimo materiale “intimo” (documenti, taccuini, schizzi, foto, libri, appunti, quaderni di formule chimiche e molto altro) e consultabile solo presso il Museo. Oltre che dalle immagini di tutte le singole opere, il volume è scandito da notevoli foto d’epoca.

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NOTIZIARIO Inaugurazione nuova via della ceramica a Sciacca 01

Su iniziativa dell'Amministrazione comunale, la centralissima via Roma di Sciacca è stata interessata da un progetto di riqualificazione artistica. L'area pedonale, nel cuore del centro storico, dove si erge l'antico collegio dei Gesuiti sede del Palazzo Comunale, è stata arredata e abbellita con la collocazione di una ventina di giare, tutte opere realizzate da maestri ceramisti saccensi.

L'intervento di arredo urbano è stato inaugurato il 14 gennaio 2024 alla presenza delle autorità istituzionali e degli autori delle giare di ceramica artistica che nelle loro opere d'arte si sono ispirati alla storia, alle tradizioni, alle leggende, ai riti sacri, all'arte, ai personaggi, alle attrazioni, alle bellezze di Sciacca.

Nel corso dell'inaugurazione delle giare di ceramica in via Roma, sono state organizzate degustazioni di prodotti tipici locali e momenti di spettacolo e animazione con gli artisti di strada della compagnia Joculares.

Missione dell’AiCC in Portogallo 02

Importante missione per l’Associazione italiana Città della Ceramica AiCC, che nei giorni 19 e 20 gennaio, ha partecipato ad Aveiro, in Portogallo, all’assemblea del Gruppo Europeo Città della Ceramica AEuCC di cui è socio fondatore e portatore del maggior numero di città aderenti. L’AiCC

era rappresentata dal primo Vicepresidente vicario e sindaco di Montelupo Fiorentino Paolo Masetti e dal Vicepresidente emerito e sindaco di Santo Stefano di Camastra Francesco Re, oltre che dal direttore Giuseppe Olmeti presente anche nel ruolo di Segretario generale dell’AEuCC. Nel corso dell’ assemblea sono stati rinnovati gli organi principali, in particolare la Presidenza e le direzioni di area. Il gruppo europeo di cooperazione territoriale Città della Ceramica AEuCC è composto da sette associazioni di città della ceramica europee (Spagna, Italia, Francia, Romania, Portogallo, Germania, Repubblica Ceca), per un totale di oltre 150 città rappresentate.

Dopo il saluto di commiato del Presidente uscente spagnolo, assessore della città di Manises, Xavier Morant, l’assemblea ha nominato senza indugi e per acclamazione nuovo Presidente per il triennio 2024-2027 Felipe Capão, presidente dell’Associazione portoghese delle Città e Borghi della Ceramica (AptCVC) e Vicesindaco della città di Aveiro, l’importante centro della ceramica presso la quale si svolgevano i lavori e che si aggiunge al prestigioso elenco dei suoi predecessori, il francese Philippe Amy di Aubagne, l’italiano Stefano Collina di Faenza e, come detto, lo spagnolo Xavier Morant.

L’assemblea ha rinnovato gli incarichi tecnici riconfermando l’italiano Giuseppe Olmeti, come Segretario generale e lo spagnolo Oriol Calvo Direttore amministrativo, definendo infine gli indirizzi strategici per un importante rilancio di attività nei prossimi anni.

Durante il congresso, al segretario Olmeti è stato consegnato un riconoscimento come “padrino” per il lavoro svolto, fin dal 2015, di informazione e coinvolgimento delle Città portoghesi e per la formazione della AptCVC. Un risultato particolarmente importante è stato ottenuto dal sindaco di Santo Stefano di Camastra, Francesco Re, che ha avviato concreti contatti per la definizione di un gemellaggio fra le sei città siciliane riunite nella “Strada siciliana della Ceramica” e la Città di Aveiro, ma anche della singola città di Santo Stefano con una Città Ceramica delle Isole Azzorre. Le delegazioni delle sette nazioni componenti del gruppo hanno potuto inoltre visitare la biennale ceramica di Aveiro, uno dei principali concorsi europei della ceramica, il museo storico dell’azienda “Vista Alegre”, una delle maggiori aziende di ceramica artistica europea che con i propri 700 dipendenti e una fiorente produzione ed esportazione in tutto il mondo, rappresenta un fiore all’occhiello dell’economia portoghese e della ceramica europea ed incontrare nei propri atelier importanti artisti quali Sofia Beça.

LA CERAMICA MODERNA & ANTICA

Le ceramiche blu-bianche al Museo delle Civiltà Anatoliche di Ankara

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Il 18 maggio 2024, nell’ambito della Giornata dei Musei, il Museo delle Civiltà Anatoliche di Ankara ha presentato i pezzi unici in ceramica blu e bianca di 60 artisti ceramisti provenienti da Italia, Paesi Bassi e Turchia.

Questa mostra, che è un prolungamento della tradizione secolare di cooperazione interculturale, è uno degli eventi più inclusivi nel campo dell’arte ceramica. Il motto principale di questa mostra, che ha presentato l’arte contemporanea con un approccio nuovo unendola alla tradizione, può essere riassunto come “rispetto per il passato e presente per il futuro”. Questo significativo evento culturale e artistico, che conta numerosi soggetti interessati come l’Ambasciata dei Paesi Bassi, l’Ambasciata d’Italia e l’Università Hacettepe, non era limitato solo a una mostra, ma ha rappresentato una celebrazione dell’arte contemporanea con le presentazioni del Prof.

Filiz Yenişehirlioğlu dalla Turchia, dell’artista Mirta Morigi di Faenza, e dell’artista Pepijn Van Den Nieuwendijk di Delft, Paesi Bassi, che sono state moderate dal Prof. Candan Dizdar Terwiel.

Questo evento, che rappresenta un contributo significativo alle attività culturali del nostro Paese, era gestito dalla Galeri Art Gallery, che è una delle gallerie più importanti di Ankara, e con il grande contributo del Ministero della Cultura e Turismo della Repubblica di Turchia.

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01 SCORCIO DI VIA ROMA CON LE GIARE DEI CERAMISTI LOCALI. 02 L’INGRESSO AL MUSEO STORICO DELL’AZIENDA “VISTA ALEGRE” 03 LE ORGANIZZATRICI DELL’EVENTO CON IL CONSOLE ITALIANO GIORGIO MARRAPODI, MIRTA MORIGI DI FAENZA, GIOELA SUARDI E ALESSIA PELLICCIONI DI BERGAMO. 04 UN’IMMAGINE DELLA SCORSA EDIZIONE DELLE OPERE FINALISTE AL CONCORSO. 05 LA COPERTINA DEL VOLUME IN CUI VIENE RACCONTATO IL LAVORO DI RECUPERO DELLE OPERE SOMMERSE DALL’ALLUVIONE.

XXXI Concorso di Ceramica Contemporanea Mediterraneo 04

L’inaugurazione della mostra delle opere selezionate alla XXXI edizione del Concorso di Ceramica Contemporanea Mediterraneo, organizzato dal Comune di Grottaglie, si terrà il prossimo 13 luglio; nell’occasione saranno svelati i nomi dei vincitori dei tre premi previsti dal disciplinare di concorso.

Gli storici ambienti del Castello Episcopio, uno dei luoghi simbolo della città, tornerà ad ospitare opere provenienti da tutto il mondo.

Iniziato nel 1971 con l’ambizione, comune ad altre manifestazioni simili coeve, di cogliere la ricerca di artisti nel campo della ceramica, il concorso ha saputo distinguersi nel corso della sua storia per la vasta gamma di linguaggi che è oggi possibile cogliere nelle opere selezionate e premiate. Si tratta di nuclei di manufatti estremamente interessanti non solo sul piano artistico, ma anche sotto il profilo storico, poiché permettono di leggere le tendenze di epoche precise. Se gli anni Settanta hanno richiami alle “scuole” che dominavano il panorama italiano ed europeo, è con le edizioni degli anni Ottanta che si apre alla sperimentazione integrando elementi espositivi in luoghi chiave della città; questa particolare riflessione porta la firma dell’architetto Massimo Martini di Roma, cofondatore dello Studio GRAU e autore del volume “Grottaglie come altrove”.

In quegli anni la ceramica tornava ad essere esibita ed esposta nel noto Quartiere delle ceramiche, ovvero l’area produttiva che si insinua in una delle gravine su cui sorge la città. Durante gli anni Novanta il concorso

subisce un nuovo arresto, solo in parte mitigato da altre iniziative private che hanno tentato di rilanciare il nome di Grottaglie come luogo per manifestazioni e confronti con le altre produzioni italiane dell’epoca.

Tocca quindi attendere il nuovo millennio per vedere una nuova gestione di un concorso che, nel giro di vent’anni ha saputo uscire dai vincoli territoriali per tessere fruttuosi dialoghi con altre città della ceramica in Italia e all’estero. Negli ultimi dieci anni il concorso ha riassunto la specifica denominazione legata all’ambiente Mediterraneo, ma nel contempo ha saputo farsi interprete di un senso più ampio: il bacino Mediterraneo come luogo di scambio, valicandone oggi ampiamente i confini.

La crescita del concorso in termini numerici occorsa nelle ultime edizioni, che han visto crescere il numero di candidati fino agli oltre 200 della presente, si deve alla passione, alla professionalità ed alla continuità operativa da parte di un’amministrazione lungimirante che sul Concorso ha inteso investire ampliandone via via l’offerta, passando da uno a due e oggi a tre premi.

Oltre al Primo premio ed al Secondo premio “Mostra Personale” quest’anno è stato introdotto il premio “Residenza d’artista”, dedicato agli under 35 e sponsorizzato dalla Banca di Credito Cooperativo San Marzano di San Giuseppe. Un’opportunità unica per i giovani talenti, che potranno non solo esporre le proprie opere, ma anche immergersi completamente nell’atmosfera creativa di Grottaglie, con vitto, alloggio, materiali e supporto organizzativo.

L’amministrazione comunale, guidata dal Sindaco Ciro D’Alò, ha inteso qualificare in maniera più specifica anche la giuria confermando per la terza volta il curatore e storico dell’arte Marco Maria Polloniato e coinvolgendo professionisti di settore: dopo la presenza di Claudia Casali (MIC di Faenza) e Vasi Hirdo (editore di Ceramics Now) nella XXX edizione, quest’anno sono presenti in giuria Gaelle Cornut (Ceramic Art Andenne) e Daniele Bosi (Polaris Editore – direttore editoriale della rinnovata rivista “La Ceramica Moderna e Antica”).

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Il Museo Tramonti a un anno dall’alluvione del 2023 05

Il giorno 10 maggio presso la Sala dell’Anziania del Complesso monumentale del Brandale a Savona, è avvenuta la consegna del “Premio Resilienza 2024” al Museo Guerrino Tramonti di Faenza, conferito della Baia della Ceramica composta dai Comuni di Savona, Albissola Marina, Albisola Superiore e Celle Ligure, frutto di un lavoro svolto in sinergia con il Liceo artistico Arturo Martini di Savona.

Ha dichiarato l’architetto Nicoletta Negro, Assessore alle Politiche Comprensoriali della Cultura e del Turismo del Comune di Savona e Vicepresidente AiCC, Associazione Italiana Città della Ceramica: “Savona, in rappresentanza di tutta la Baia della Ceramica della Liguria, come segno di stima e di vicinanza alla Città di Faenza, ha scelto di premiare il coraggio, la determinazione e la forza della comunità, nel rimboccarsi le maniche e riaprire, sempre con il sorriso. Agli amici Milena e Marco Tramonti va il nostro abbraccio, per l’entusiasmo che, nonostante le avversità, hanno saputo esprimere. La loro storia che sia di grande insegnamento per tutti noi”.

Il 19 maggio nel giardino della casa museo Guerrino Tramonti a Faenza è stato offerto un aperitivo conviviale a celebrazione del premio ricevuto e di ringraziamento e riconoscenza a tutti i volontari che hanno reso possibile questa bella storia.

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Martina Liverani

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CERAMICA IN TAVOLA Quanti tipi di zuppiera esistono in Italia? Qual è la città delle caraffe? Come si sceglie e come si usa un servizio da tè in ceramica? Quali sono i decori tradizionali delle grandi manifatture storiche e quali invece le tendenze degli artisti contemporanei?

Soprattutto, dove si compra la migliore ceramica italiana per la tavola?

La ceramica è un’opera di artigianato e quindi migliaia di ore di abilità manuali, progettazioni, ricerca, intuito, esecuzione perfetta. È destinata a chi è capace di riconoscerne l’unicità, carpirne la bellezza assoluta e farne parte. Questo volume, che aiuta a conoscere, scoprire ed essere in grado di acquistare o ammirare la ceramica artigianale italiana al meglio, è un viaggio tra la storia delle forme e dei colori della ceramica artigianale nello spazio geografico delle città della ceramica italiane, dentro i musei e nelle botteghe. Un viaggio nella storia e nel futuro, per vedere come sono nati alcuni oggetti e come si sono evoluti nel tempo in un rapporto inscindibile con la cucina, la tavola e le abitudini.

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