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8-11 REGARDS

12 How much?

1 13 4 Li LIHONG

14 AGENDA

16 YOUNG ART

25 JEROME BOCUSE

26 Paris vs New-York

1 27 4 CÉCILE CASAGRANDE

28-29 CHRISTIAN TÊTEDOIE

30-32 KYUNG SOO KIM

PORTRAIT

som -maire

ART WEB NEWS

RENCONTRE

ADS

TALENT

42-43 MIGUEL CHEVALIER

44-45 LIU BOLIN

46-47 GAO BROTHERS

48-51 Andy Goldsworthy

68-69 Valentin Van der Meulen

70-71 GALERIE CAROLINE VACHET

72-73 JEN STARK

74-75 RUDY RICCIOTTI

88 VUE ART PARIS

89 PIERRE ORSSAUD

90 JEAN-NOËL PERRIN

92 MAXIME LHERMET

PORTRAIT

TALENT

84-86 COLLECTIONNEUR FROMENT

TALENT

EXPOS

DÉCOUVERTE

PORTRAIT

TALENT

PORTRAIT

PORTRAIT

GALERIE

PORTRAIT

PORTRAIT

PORTRAIT

RENCONTRE

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AsV 18-21

22-23 Aurelie Petrel

1 24 4 Angelo Musco

34 DINA GOLDSTEIN

35 LAURENT FACHARD

36 CHARLES MATTON

52-57 HERVÉ DI ROSA

58-61 PHILIPPE PASQUA

Docks Art Fair 2011

Foire internationale d’art contemporain de Lyon

Photo

PHOTO

FOIRE

Photo

PORTRAIT

PORTRAIT

PORTRAIT

76-77 PIERRE PAULIN

78-79 THE DALI MUSEUM

EXCEPTION

ARCHITECTURE

Exception

62-63 CYRIL OLANIER TALENT

80 Frank Lloyd Wright

38-39 ANISH KAPOOR

MAGIQUE MONUMENTA

64 EBOY

TALENT

81 ROCK’HOUSE SURPRISE

40-41 MARC DESGRANDCHAMPS PORTRAIT

65 L’ART DE LA MARQUE FOCUS

82 JIELDÉ CULTE

66-67 Andrei Molodkin TALENT

83 PIERRE CHAREAU CULTE

CULTE

93 94 CHRISTOPHE MANDALLAZ ERNEST PIGNON-ERNEST PORTRAIT

PORTRAIT

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96 STEPHANE THIDET TALENT

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08.07.2011 16:35:27s ART’S ViCE© ARTBOOK CONTEMPORAiN 26 rue Malheserbes 69006 Lyon ARTSViCE© éDiTé pAr les EDiTiONs ART’SViCE© DiffUSé à COURCHEVEL, GENEVA, MEGèVE, annecy, LyON, st tropez, cannes, nice, st remy de provence... CONTACT PUBLICATION contact@artsvice.com hervelyon@yahoo.fr conception / direction artistique pour Art’sVice : bylip@free.fr & mike@my-mike.com

LES ÉDITIONS arts vice© NE SONT PAS RESPONSABLES DES DOCUMENTS QUI LUI SONT SPONTANEMENT ADRESSES. TOUTES LES PHOTOS DE CE MAGAZINE SONT “DROITS RESERVES”. LA REDACTION N’EST PAS RESPONSABLE DES DOCUMENTS QUI LUI SONT SPONTANEMENT ADRESSES Art’s Vice © Copyright 2010 - Tous droits réservés Toutes les images photos diffusées sur Art’sVice appartiennent à leurs auteurs respectifs

NUMErO iSSN & accreditation ojd presses gratuite : EN COURS iMprESSiON

Imprimerie CHIRAT 42 540 ST JUST LA PENDUE N° 201107.0085

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éditorial Une édition limitée de prestige, peinture, sculpture, photographie, architecture, événements et rencontres ... Art’s Vice est avant tout le magazine de l’art de vivre. Il est destiné à un public exigeant, curieux et ouvert sur le monde. il présente chaque trimestre “L’art” dans tous ses états, une sélection exclusive d’artistes internationaux, les dernières tendances du marché de l’art, un agenda des événements majeurs dans les principales capitales européennes. Une invitation à se glisser dans l’univers d’artistes émergents ou confirmés, à partager l’émotion du raffinement et de l’élégance. Un ensemble de valeurs liées au patrimoine artistique, aux savoir-faire, à la créativité, à l’innovation ; des valeurs d’art qui constituent le meilleur atout et succès aux partenaires de notre ”ArtBook”. Art’s Vice est exclusivement diffusé dans un réseau européen. Une sélection de grands hôtels et restaurants gastromoniques, boutiques de luxe, joailleries, horlogeries, golfs, spas, galleries d’arts, cabinets d’affaires… L’assurance d’une vision sélective et l’objectif de combler un public ciblé d’amateurs d’arts.

A prestigious limited edition presenting painting, sculpture, photography, architecture, events, meetings ... Art’s Vice is above all the “art of living magazine” and is intended for an open and curious public. It presents each quarter “Art”in all its forms, an exclusive selection of international artists, the latest market trends in the art, a calendar of major events in major European capitals. An invitation to step into the universe of emerging or established artists, and to share the emotion of refinement and elegance. A set of values related to artistic heritage, know-how, creativity and innovation : values of art that are the best strength and success for our “Artbook” partners. Art’s Vice is exclusively distributed in a European network. A selection of fine hotels and gastronomic restaurants, luxury boutiques, jewelers, watchmakers, golf courses, spas, art galleries, business offices ... The insurance of a selective vision and the desire to satisfy a targeted audience of art lovers. ` [Enjoy!] The “Art’s Vice Team”

AsV L’art c’est ce qui rend la vie plus intéressante que l’art. Art is what makes life more interesting than art.

Pour un accès direct aux sites des l’artistes et nos partenaires. 1. Téléchargez l’application pour votre smart phone, iphone ... 2. Photographiez le code ci contre. 3. Vous êtes redirigé sur le site choisi pouvez consulter les informations.

R.Filliou

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Art’s Vice © Copyright 2010 - Tous droits réservés

Couverture : Philippe Pasqua (né en 1965), Vanité, 2007. photo courtesy Pierre Bergé & associés

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conception : l.perrindomecq@free.fr 0 648 213 493


Sous les Etoiles

Or gris Diamants & ebene

Or rose Tourmaline bicolore

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www.guilhem-joaillier.com

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© photo.stefan kubler

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© photo.sistan sndorfi

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Stefan Kübler

Anonyme

Itsvan Sandorfi

« OUVREZ LES YEUX» « OPEN YOUR EYES»

« DÉPLACEMENT DE TEMPS» « MOVING WITH THE TIMES»

« une rencontre du réalisme et du surréalisme » « A meeting of realism and surrealism »

«Grâce à ses collages et peintures, Stefan Kübler , 1968, démontre dans une esthétique qui utilise la déconstruction du motif, comment l’image peut éloigner le spectateur et le séduire en même temps. Son travail est un défi pour la production de l’œuvre en jouant avec les conditions d’accès à l’information et les différents modes de cognition. Kubler peint largement et finement à l’acrylique sur une plaque de verre en superposant plusieurs couches de peinture. Il enlève la couche de peinture sèche et il monte sur une toile, l’inversion du sens de la lecture. En inversant littéralement la couche de peinture, il joue avec le mode de perception classique du travail. Il surprend ses propres yeux, en condamnant la porte chimérique à la subjectivité d’origine, l’image primitive, l’œil créatif. « - (Voir plus à l’) Hamish Morrison Galerie . «With his collages and paintings, Stefan Kübler, 1968, shows in an aesthetic that uses the deconstruction of reason, how the image can distance the viewer and seduce at the same time. His work is a challenge for the production of the work by playing with the

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conditions of access to information and the different modes of cognition. Kübler paintings widely and thinly in acrylic on a glass plate by superimposing several layers of paint. It removes the paint dry and he went on a canvas, reversing the direction of reading. Literally reversing the paint, he plays with the method of collecting classic work. He surprises his own eyes, condemning the door to subjectivity chimeric origin, the original image, the creative eye. «- (See more at) Hamish Morrison Gallery. 1

« Déplacement dans le temps » , c’est ainsi que cette œuvre a été intitulée, la dernière semaine de sa réalisation, par un artiste anonyme qui a transformé les soldats russes de l’armée rouge en super-héros, à la base un monument soviétique de l’armée à Sofia, Bulgarie. Les vêtements du monuments ont été parfaitement modifiés par l’artiste, pour laisser apparaître notamment, dans une scène de combat entre ‘’superhéros’’, le Père Noël et Ronald Mc Donald. «Moving with the times» is how this work of street art has been called the last week by an anonymous artist who has transformed the Russian Red Army soldiers in the superheroes at the base of a monument to Soviet Army Sofia, Bulgaria. The clothes of the monument have been well characterized, we can see Santa and Ronald McDonald appeared in the last mission of superheroes.

Né en 1948 à Budapest, Hongrie vit à paris dès l’âge de 10 ans Ecole des Beaux-Arts et Ecole des Arts Décoratifs Décédé en 2007 Born in 1948 in Budapest, Hungary living in Paris at the age of 10 years School of Fine Arts and the School of Decorative Arts Died in 2007 2

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© photo.yulia gorodinski

© photo. catherine nelson

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Yulia Gorodinski Catherine Nelson « AUTO-PORTRAITS » « SELF-PORTRAITS»

« FUTURES MEMORIES»

Proposant une ambiance et une lumière à l’esthétique très réussie, un petit coup de projecteur sur les excellents travaux de la jeune créative photographe Yulia Gorodinski, originaire de Tel Aviv en Israël, à travers cette excellente série de photos dans laquelle elle s’est mise en scène. Intitulée « Self-Portraits »

Véritables odes contemporaines à la Nature, les photographies de Catherine Nelson subliment les éléments vitaux qui y sont mis en scène sous la forme de sphères gravitant en toute sérénité.

Offering a warm and a light to the aesthetic very successful, a small spotlight on the excellent work of young creative photographer Yulia Gorodinski, a native of Tel Aviv in Israel, through this excellent series of photos in which it s’ is staged. Entitled «Self-Portraits» 6

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Poésie visuelle, photographie de nature et techniques numériques sont intrinsèquement liées pour donner forme à ces paysages transcendants. Tant attirants que mystérieux, ces mondes qu’elle imagine et qu’elle appelle « Créations » sont purs et dépourvus ou presque, de la marque de l’Homme comme pour laisser place à celle d’une force supérieure : s’il y avait un paradis, oui , c’est sans doute comme cela qu’il serait… Des champs de fleurs, un étang recouvert de nénuphars au printemps, une nuée d’oiseaux sont des éléments bien réels composant ces mondes sublimes, imaginaires et surréalistes en l’existence desquels nous voudrions croire. Tels des mirages, ces sphères ont une résonance à la fois élémentaire et spirituelle produisant un étrange effet d’apaisement et de bien-être. À l’heure cruciale où l’humanité prend conscience de la fragilité de son environnement, les travaux de Catherine Nelson

nous rappellent subtilement une vérité plus profonde encore… Diplômée de l’Université de Chelsea College of Art & Design de Londres en 1992 et du College of Fine Arts de Sidney en 1996, Catherine Nelson débute sa carrière dans le cinéma en réalisant des effets visuels pour de grandes productions telles que Moulin Rouge, Harry Potter et le Prisonnier d’Azkaban… À partir de 2008, elle décide de se consacrer à un travail personnel, exprimant sa créativité à travers la photographie et l’art numérique. Sa série « Création » est récompensée en 2010 par la « Royal Bank of Scotland Emerging Artist Award », lui offrant une exposition à l’Australian Centre for Photography début 2010. Real contemporary odes to nature, the photographs of Catherine Nelson sublimate the vital elements that are staged in the form of revolving spheres with confidence. Visual poetry, nature photography and digital techniques are intrinsically linked to shape the landscape transcendent. As attractive as mysterious, the worlds she imagines and calls « Creations » are pure and free, or substantially, of manprint,

in order to give way to a higher force : if there was a paradise, yes, it’s probably how it would be ... fields of flowers, a pond covered with water lilies in the spring, a flock of birds are very real elements making up these beautiful worlds, imaginary and surreal in the existence which we would like to believe. Like mirages, these spheres have a resonance in both elementary and producing a strange effect spiritual healing and wellbeing. At crucial where humanity becomes aware of the fragility of its environment, the work of Catherine Nelson subtly remind us of a deeper truth again ... Graduated of the University of Chelsea College of Art & Design in London in 1992 and the College of Fine Arts in Sydney in 1996, Catherine Nelson began her career in film industry by major productions such as Moulin Rouge, Harry Potter and the Prisoner of Azkaban ... From 2008, she decided to concentrate on personal work, expressing her creativity through photography and digital art. Her series «Creation» was rewarded in 2010 by the «Royal Bank of Scotland Emerging Artist Award», offering an exhibition at the Australian Centre for Photography in early 2010. 11 12 13 14

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© photo. dan flavin

© photo. urs fisher

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© photo. charles Ray

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Charles Ray Boy with frog, 2009 Cette sculpture en polyuréthane acrylique et acier inoxydable a été commandée par François Pinault à l’artiste américain Charles Ray (2009) pour figurer à la pointe de la Douane. Elle est située à l’entrée du grand canal devant le bâtiment historique aménagé par la Fondation Pinault (Punta della Dogana), elle est gardée par des vigiles toute la journée, lorsque le bâtiment est fermé, elle est recouverte d’une vitrine amovible !

Boy with frog, 2009 This sculpture acrylic polyurethane and stainless steel was commissioned by François Pinault to the American artist Charles Ray (2009) to appear at the forefront of Customs. It is located at the entrance of the Grand Canal to the historic building built by the Fondation Pinault (Punta della Dogana), it is guarded by security guards all day, when the building is closed, it is covered with a removable window!

La New Beetle 2007 Apparaissant en plastique, comme si elle était faite en utilisant des moules. La lumière douce et très particulière de la galerie se reflète sur les formes de la sculpture, la rendant lisse, brillante et accueillante, malgré le choix typique de Ray d’un sujet quelque peu repoussant.

THE NEW BEETLE, 2007 Appear plastic, as if made using molds. The soft and very particular light of the gallery reflects off of their form, rendering them smooth, shiny and inviting, despite Ray’s typical choice of provocative and somewhat repulsive subject matter. 1

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Dan Flavin

Urs Fischer

Monument for V. Tatlin 1966 Dan Flavin - Light : Les fonctions de sculptures lumineuses de Dan Flavin dans cette exposition sont à la fois artistiques et utilitaires. Œuvres d’art dans leur propre droit, les sculptures apportent la seule source d’éclairage utile à la performance. Il serait difficile de manquer l’évidence de l’hommage que Flavin rend à l’architecture et la technologie. Cette sculpture, pour la plupart des New-Yorkais, évoque les bâtiments leur ville, en particulier ceux du début du 20e siècle (l’Empire State Building, par exemple), construits seulement 50 ans après le pont de Brooklyn. Monument for V. Tatlin 1966 Dan Flavin – Light: The functions of Dan Flavin’s light sculptures in this exhibition are both artistic and utilitarian. Works of art in their own right, the sculptures are utilitarian in that they provide the sole source of illumination for the performance.It would be hard to miss the significance of Flavin’s tribute to architecture and technology.  This sculpture, to most New Yorkers, would evoke thoughts of the city’s buildings, particularly those of the early 20th century (The Empire State Building, e.g.), built only 50 years after the Brooklyn Bridge. 

UNTITLED, Marguerite de Ponty 2009. Médiums mixtes. Il y a quelque chose à dire sur un artiste qui ne se prend pas trop au sérieux, dont l’approche fantaisiste de son art peut briller et résonne dans ceux qui savent peu sur ses travaux précédents, en les reliant à la pièce autant que le patron adepte.

(texte amomentonly.blogspot.com) (text amomentonly.blogspot.com) 3

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Untitled, (Standing) 2010 Paraffin wax mixture, pigment, steel, wick © Urs Fischer Photo: Stefan Altenburger Courtesy of the artist. L’artiste Suisse Fischer a le don de transformer le quotidien et le réel en poésie. «Untitled», Marguerite de Ponty 2009. Mixed mediums. There’s something to be said about an artist who doesn’t take himself too seriously, whose whimsical approach to his art can shine forth and resonate in those who know little about his previous work, connecting them to the piece as much as the adept patron. Untitled, (Standing) 2010 Paraffin wax mixture, pigment, steel, wick © Urs Fischer Photo: Stefan Altenburger Courtesy of the artist. Swiss artist Urs Fischer has a way of alchemically transforming the mundane in to the poetic. 4

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© photo. Christie’s

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© photo. axia xiaowan

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Xia Xiaowan

Wim Delvoye

L’artiste chinois Xia Xiaowan transforme ces tableaux en sculptures 3D grâce à de multiples couches de verre teinté et des crayons colorés. Des versions de son travail qui varie selon l’axe de perspective du panneau de verre : ses peintures apparaissent de manière holographique.

Artiste majeur de la scène artistique belge, Wim Delvoye est essentiellement connu pour “Cloaca“, une installation qui, lorsqu’elle est alimentée, recrée le processus de la digestion. Ses cochons, tatoués de personnages de Walt Disney, d’un Monsieur Propre ou des sigles Vuitton, témoignent également du cynisme de ses créations. Dans la veine du surréalisme et de Marcel Duchamp, celles-ci s’imposent alors comme des avatars contemporains de l’artiste savant de la Renaissance. Très éclectiques, elles fusionnent la tradition artisanale flamande, l’histoire de l’art et l’industrie. Véritable artiste ethnique, Delvoye s’empare aussi des codes visuels populaires ou des objets de masse pour questionner les clichés liés à la Belgique. Exposée au musée d’Art contemporain de Lyon en 2003, au MAMCO de Genève en 2005 ou au Kaohslung Museum of Fine Arts de Kaojslung à Taïwan, son oeuvre se rit des codes de la société libérale et mêle l’obscène et l’impur aux notions d’hygiène et de religion. C’est cette hybridité, alliée à une dimension critique, qui fait la force de ces installations postmodernes.

The Chinese artist Xia Xiaowan turns these paintings into sculptures 3D with multiple layers of colored glass and colored pencils. Versions of his work, which varies along the axis of perspective of the panel of glass: his paintings appear so holographic. 6

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© photo. angelo musco

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Amedeo Modigliani Major artist of the Belgian art scene, Wim Delvoye is best known for ‘Cloaca’, an installation which, when energized, recreates the process of digestion. His pigs, tattooed with Walt Disney characters, a Mr. Clean or acronyms Vuitton, also reflected the cynicism of his creations. In the vein of Surrealism and Marcel Duchamp, they needed so as avatars of the artist contemporary scholar of the Renaissance. Very eclectic, they merge the Flemish tradition of craftsmanship, history of art and industry. Ethnic true artist, also takes Delvoye popular video codes or mass objects to question the stereotypes associated with Belgium. Exhibited at the Museum of Contemporary Art of Lyon in 2003, MAMCO Geneva in 2005 or Kaohslung Museum of Fine Arts Kaojslung Taiwan, laughs at his work codes of liberal society and mixes the obscene and impure to notions of health and religion. It is this hybridity, combined with a critical dimension, which is the strength of these postmodern installations.

Une rare sculpture d’Amedeo Modigliani, une « Tête » féminine en pierre calcaire, a été adjugée 43,185 millions d’euros chez Christie’s à Paris. Il s’agit d’un record mondial pour cet artiste alors que la maison d’enchères l’avait estimée de façon très prudente entre 4 et 6 millions d’euros. La bataille d’enchères a duré près d’un quart d’heure.Lorsque les enchères ont dépassé les 25 millions d’euros, quatre acheteurs étaient encore en lice. Cette « Tête » de 65 centimètres, sculptée vers 1910-1912, a « une présence, une qualité, une élégance » toute particulière, a souligné M. de Ricqlès le président de Christie’s France. Source: AFP A rare sculpture by Amedeo Modigliani, a “Head” Womenin limestone, was awarded EUR 43.185 million at Christie’s in Paris. This is a world record for the artist while the auction house had estimated very conservatively between 4 and 6 million. The bidding war has lasted nearly a quarter of an hour. When the auction has exceeded 25 million, four buyers were still in contention. This “head” of 65 inches, carved circa 19101912, has “a presence, quality, elegance” special, “said the chairman of Ricqles of Christie’s France. Source: AFP 12

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15 000

euros 8-12

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ANDY WARHOL Autoportraits 1964, acrylique et sérigraphie sur toile. 101,6x81,3 cm. Vente Christie’s.

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how much ?

38,4 M$

LAURENT PERBOS Calydon 2010, pièce unique + un exemplaire d’artiste, structure métallique, Sandows, javelots, dimensions variables. VIP Art Galerie.

9 500

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adjugé

8-12 ERNEST PIGNON-ERNEST Étude pour Angèle de Foligno 2009, technique sur papier (68x50 cm) Galerie Lelong.

adjugé

64,5 M$ 8-12

QI BAISHI peinture à l’encre, acquis pour 64,5M$ à Pékin chez Guardian.

5

M$

4 000 euros 8-12 MARY McCARTNEY Kate Moss 2004, 10 exemplaires (50x40 cm) Galerie de l’Instant.

38 000

euros

8-12 ÉTIENNE VIARD Construction 2009, corten. (200x110 cm). Galerie Berthet-Aittouarès.

16 000

euros

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8-12

ZENG FANZHI Léopard acquis à près de 5M$ par un collectionneur européen, chez Christie’s.

HIPPOLYTE HENTGEN Wonderland II 2010, peinture sur bois, maison en plastique, sacs de sable et brique (300x300x150 cm). Galerie Semiose.

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LI LIHONG - PORTRAIT

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Li Lihong

Vigor China ©photo artlaborgallery.com

« brand porcelain » Né dans la province du Jiangxi en 1974, à la fois artiste et professeur de porcelaine chinoise à l’Université Fudan, vivant et enseignant à Songjiang Xincheng à la périphérie sud-ouest de Shanghai. Fabriquées et peintes dans la pure tradition chinoise, ses porcelaines empruntent les formes de symboles connus du monde occidental, pour mettre clairement en évidence l’influence de ce dernier. Cependant, le processus fastidieux de la fabrication et le détail des émaux viennent s’opposer à la simplicité « grossière » de ces emblèmes : un contraste qui exprime une volonté de la chine moderne de conserver sa maîtrise célèbre de ces arts minutieux et ardus, face à la marée de telles influences extérieures. Le nombre limité de ces œuvres, en raison du long travail nécessaire à leur réalisation et dont une seule survivra sur dix, crée l’art de la rareté et la valeur dans un monde de production massive et de culture consommable.

Apple China Ceramic 48 x 42 x 38 cm ©photo artlaborgallery.com

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Born in Jiangxi Province in 1974, both artist and teacher of Chinese porcelain at Fudan University, living and teaching in Songjiang Xincheng the southwestern outskirts of Shanghai. Manufactured and painted in the traditional Chinese porcelain borrow their forms of known symbols of the Western world, to demonstrate clearly the influence of the latter. However, the tedious process of manufacture and the details of the enamels are easy to oppose the «coarse» of these emblems: one that expresses a contrast of modern China will maintain its control of these famous art careful and difficult in the face the tide of such external influences. The limited number of these works, because of long work necessary to achieve them and only one in ten survive, art creates the scarcity and value in a world of mass production and consumable culture.

McDonald’s China, 2005 Ceramic 48 x 38 x 14 cm ©photo artlaborgallery.com

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AGENDA

NANTES Safari sans frontières

>> jusqu’au 4 septembre Les animaux comme motif de l’art contemporain serve ici de métaphore à nos destins d’hommes avec ce qu’il recèle de plus primal. « Safari » quai Ferdinand Favre, 44000 NANTES www.lelieuunique.com

SÈTE

Ramette, l’homme aux situations renversantes >> 8 juillet/2 octobre On l’a vu défié toutes les gravités du monde sur un balcon horizontal dans le port de Hong Kong, humain branchage, les ouvres de Ramette vibrent avec notre inconscient. Centre Régional d’art contemporain, Languedoc-Roussillon, 26 quai Aspirant Herber, 34200 SETE - www.CRAC.languedocroussillon.fr

CLERMONTFERRAND Tursic Emille, un duo plein d’allant permanent >> jusqu’au 19 septembre

FRAC Auvergne, 6 rue du Téraille, 63000 CLERMONT-FERRAND - www. CRAC.languedocroussillon.fr

AJACCIO

Peintures florentines s’invitent en Corse

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>> 30 juin / 4 octobre La peinture florentine largement inspirée de la littérature divine comédie de Dante, Décameron de Boccace la Jérusalem délivrée du Tasse.

Palais Feche, Musée des Beaux-Arts, 50 rue du Cardinal Feche, 20000 AJACCIO - www.muséefeche.com

AVIGNON

Twombly, photographe. Collection Lambert.

>> 30 octobre Ce monstre de la peinture américaine exilé depuis toujours en Italie.

Musée d’Art Contemporain, 5 rue Violette, 84000 AVIGNON

CACHAN Jacques Monory

>> jusqu’au 3 juillet Figuration narrative L’Orangerie, 15 rue Galliéni, 94230 CACHAN

PARIS

Les histoires extraordinaires de Diana Thorney Croft

>> jusqu’au 9 septembre

Centre Culturel Canadien, 4 rue Constantine, 75007 PARIS

PARIS

Delhi, Bombay

>> jusqu’au 19 septembre Confrontation des visions d’artistes français et indiens à la croissance exponentielle.

Centre Pompidou, Piaza Georges Pompidou, 75003 PARIS

PARIS

PARIS

Mitch Epstein, American Power >> 24 juillet

PARIS

Galerie Lelong

Fondation Henri CartierBresson, 2 Impasse le bouis, 75014 PARIS

>> jusqu’au 9 juillet KLEIN, KOUNELLIS, Feu contre Feu

PARIS

Galerie Lelong, 13 rue de Terran, 75008 PARISS

Halleux & Fifax >> 10 juillet

Galerie Arielle Sibony, 24 place des Vosges, 75003 PARIS

PARIS

PARIS

Galerie RX

>> 16 juillet Françoise PETROVITCH, Rose Référence,

Véronique BOUDIER, Mimé-

Galerie RX, 6 avenue Delcassé, 75008 PARIS

tisme du Mimosa

PARIS

Galerie Christophe Gaillard, 12 rue de Thorigny, 75003 PARIS

>> 30 octobre Zaha HADID

>> jusqu’au 30 juillet

PARIS

L’esthétique du Cabinet de Curiosités

>> jusqu’au 23 juillet

Galerie Da –End, 17 rue Guennegaud, 75006 PARIS

PARIS

Sudarshan Shetty >> jusqu’au 23 jullet Artiste phare de la scène indienne

Institut du Monde Arabe

Institut du Monde Arabe, 1 rue des Fossés SaintBernard, 75005 PARIS

PARIS

Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris

>> jusqu’au 4 septembre Marc DESGRANDCHAMPS, Grand format aux figures insaisissables

Galerie Daniel Templon, 30 rue Beaubourg, 75003 PARIS

Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, 11 avenue du Président Wilson, 75016 PARIS -www.mam. paris.fr

PARIS

PARIS

Claude Leveque, Hymne à la Joie >> 20 août

Galerie des Galerie, 40 boulevard Haussman, 75009 PARIS

Ville fertile fantasmes de nature

PARIS

Cité d Patrimoine et de ’Architecture, 1 place du Trocadéro, 75016 PARIS www.Citechaillot.fr

New-York 80

>> jusqu’au 24 juillet

mont, 38 avenue Matignon, 75008 PARIS

Graphiti >> 20 août Futura 2000 topsic, Keith HARING, JeanMichel BASQUIAT Galerie Jérôme de Noire-

May Winnipeg >> 25 septembre

Maison Rouge, 10 boulevard de la Bastille, 75012 PARIS.

PARIS

Voitures de rêve, chef d’œuvres de la collection Ralph Lauren

>> jusqu’au XXXXXX Musée des Arts Décoratifs, 107 rue de Rivoli, 75001 PARIS.

PARIS

Charlotte PERRIAND

>> 18 septembre De la photographie aux dessins.

Petit Palais, avenue Winston Churchill, 75008 PARIS

VERSAILLES

Bernard VENET >> 1er septembre

Château de Versailles, place d’armes, 78000 VERSAILLES

MARSEILLE

Aix en Provence, Musée Granet,

>> 2 octobre Collection Planque, l’exemple de Cézanne. Aix en Provence, Musée Granet, Place Saint-Jean de Malte, 13090 MARSEILLE

ALEX

Paul REBEYROL >> 6 novembre

Fondation Salomon, 191 route du Château, 74290 ALEX

ARLES

Charlotte CHARBONNEL >> 18 septembre

Musée Réattu, 10 rue du Grand Prieuré, 13200 ARLES

Beaux de Provence

Un peu partout dans la ville, Armand s’installe aux Beaux de Provence >> jusqu’au 16 octobre

L’ISLE SUR LA SORGUE

>> 2 octobre Centre d’art Campredon, 20 rue d eu Docteur Tallet, 84800 L’ISLE SUR LA SORGUE

Los Angeles

Market is Born, de BASQUIAT à BANSKY, l’art de sues infiltre les musées.

>> 8 août La plus grande exposition jamais réalisée autour du Street Art.

Art in the Street, MOCA, 152 North Central Avenue

Bilbao

Abstraction picturale 1949-1969

>> janvier 2012

Bilbao, Musée Guggenheim, Avenida Aban Doi Barra 2

LOS ANGELES Tim BURTON

>> 31 octobre

Los Angeles, Lacma, 5905 Wil Shire boulevard

NEW YORK Vishnu Hinduisme >> 2 octobre

New York, Brooklin Museum, 200 Eastern Parkway

VENISE

Pier Paolo CALZOLARI >>30 octobre

Venise, Ca’Pessaro, Senta Croce 2076

VENISE

Palazzo Grassi Le monde vous appartient >>31 octobre

Hervé DI ROSA, Détours du Monde 1998/2001 AsV


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www.jaeger-lecoultre.com

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young art

Aakash Nihalani

Formes minimalistes, jeux de perspectives et couleurs fluorescentes donneront vie à ses créations qui envahissent les murs et les plafonds comme le ferait une araignée en tissant sa toile avec justesse et symétrie… Un artiste à découvrir sur aakashnihalani.com Minimalist forms, perspectives and sets of fluorescent colors give life to his creations invading the walls and ceilings as would a spider weaving its web with accuracy and symmetry ... An artist to discover aakashnihalani.com

Birdy Brain de K Nar

Mathilde Perrin

By victor Jacquard

Depuis 89, le graffeur K NAR sillonne la ville de Lyon et ses alentours à la recherche des surfaces proposant l’impact visuel le plus fort possible. Très vite remarqué du public, il est aujourd’hui un élément moteur de l’art urbain Lyonnais. Les canards, facilement reconnaissables, sont l’emblème du graffeur. Dans un style Fat et Ultra-coloré ils occupent la ville et redonnent vie a des espaces souvent oubliés des urbanistes tel que le périphérique Lyonnais qui reste son plus grand terrain de jeux. Since 89, the street artist KNAR (play on words meaning « duck ») walks trough Lyon and its surroundings, looking for visible surfaces. He quickly attract attention and is from now on an elementary artist of Lyon urban art. In a fat and up-colored style, his emblematic ducks are occupying the town and breathing new life into neglected areas, such as Lyon ring road, his favorite playground. www.facebook.com/pages/Birdy-brain/

Regarder et fixer, début de parcours, dans la mode, le monde actuel, et commencer à mettre en forme de nouvelles histoires. Un canon G11, à la main, Mathilde Perrin, images après images construit son book d’impressions, à suivre... Watch and fix early career in fashion, today’s world, and begin to form new stories. G11 gun, the hand, Mathilde Perrin, image after image built his book of impressions, to be continued ... mathildeperrin.blogspot.com

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DOCK ART FAIR 2011 - FOIRE

3e Edition

de Docks Art Fair Foire internationale d’art contemporain de Lyon

3RD edition of Docks Art Fair the international contemporary art fair in Lyon Créée en 2007 par les galeristes Olivier et Patricia Houg, Docks Art Fair est la seule foire biennale consacrée à des solos shows d’artistes contemporains. Ce parti pris monographique est doublé d’une approche artistique unique, dans un environnement accessible et convivial. Founded in 2007 by the gallery owners Patricia and Olivier Houg, Docks Art Fair is the only biennial exhibition dedicated to solo shows by contemporary artists. This monographic bias is lined with a unique artistic approach in an accessible and friendly area.

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CIC Lyonnaise de Banque, banque du groupe CMCIC, est très ancré dans le grand quart sud-est de la France avec 450 agences qui accompagnent les particuliers, les professionnels et les entreprises. CIC Lyonnaise de Banque est mécène historique de plusieurs grandes institutions régionales : mécène fondateur de l’Opéra National de Lyon, partenaire du Musée des Beaux Arts ou encore du Festival d’art lyrique d’Aix-en-Provence. CIC Lyonnaise de Banque s’engage également dans la promotion d’autres formes d’art, et notamment l’art contemporain. Le soutien à DocksArtFair™ 2011 vise tout autant à promouvoir le talent de créateurs de notre temps, qu’à contribuer à une initiative régionale de grande qualité, jouant un rôle grandissant dans l’activité culturelle de la région Rhône-Alpes. Cet engagement témoigne de l’implication de CIC Lyonnaise de Banque dans la vie locale de ses régions, dans une logique de partage et d’excellence. CIC Lyonnaise de Banque, which is part of CMCIC Group, has a strong presence in south-east France with 450 branches providing a wide range of services to personal, professional and corporate customers. CIC Lyonnaise de Banque is the historical sponsor of several large regional institutions: founding patron of the Opéra National de Lyon (Lyon National Opera), partner of the Musée des Beaux Arts (Museum of Fine Arts) and also of the Festival d’art lyrique d’Aix en Provence (Aix en Provence Opera Festival). CIC Lyonnaise de Banque is also committed to promoting other forms of art, notably modern art. The support for DocksArtFair™ 2011 aims both at promoting the talent of today’s designers and contributing to a high quality regional initiative, thereby playing a growing role in the cultural activity of the Rhône-Alpes region. This commitment demonstrates the involvement of CIC Lyonnaise de Banque in the local life of its regions, emphasising sharing and excellence.

Informations pratiques Journées professionnelles les mardi 13 et mercredi 14 septembre de 12h à 19h Vernissage le mercredi 14 septembre de 19h à 22h Ouverture public jeudi et vendredi de 15h à 19h et samedi et dimanche de 12h à 19h Docks Art Fair se situe sur les docks, à 100m de la Sucrière 45 quai Rambaud - 69002 Lyon Accès : Tram T1 arrêt Montrochet // Navette Presqu’île 91 Arrêt Sucrière

practical Information Professional days on Tuesday 13 and Wednesday, September 14 from 12h to 19h Opening Wednesday, September 14 from 19h to 22h Public opening Thursday and Friday from 15h to 19h and Saturday and Sunday from 12h to 19h Docks Art Fair is located on the docks, 100m from La Sucrière 45 quai Rambaud - 69002 Lyon Access: Tram T1 stop Montrochet / / Presqu’île Shuttle Stop 91 La Sucrière

Programme VIP et informations VIP vip@docksartfair.com Informations générales info@docksartfair.com 45 quai Rambaud 69002 Lyon France +33478429850 T +33478379703 F info@dockartfair.com www.docksartfair.com

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« Docks Art Fair n’est pas une foire régionaliste, mais un événement à vocation internationale » Patricia Houg, co-fondatrice de Docks Art Fair

«Docks art fair is not a regional fair, but an event with an international purpose » Patricia Houg, co-founder of Docks Art Fair

Docks Art Fair revient avec une troisième édition du 13 au 18 septembre prochain. Quels sont les axes forts de cette édition 2011 ? Cette troisième édition de Docks Art Fair se situe dans la continuité d’un concept inscrit dans la durée. Nous bénéficions d’une forte implantation dans la région lyonnaise, sur un territoire en dehors de Paris. Pour autant, Docks Art Fair n’est pas une foire régionaliste, mais un événement à vocation internationale. C’est un aspect que nous continuons à développer cette année, notamment à travers le comité de sélection, qui compte parmi ses membres des personnalités internationales du monde de l’art contemporain telles que Georgina Adam, Barbara Polla ou Patrizia Sandretto Re Rebaudengo. 2011 marque également l’arrivée d’un nouveau partenaire principal, la banque CIC Lyonnaise de Banque Grandes Entreprises, qui mettra en avant dans les locaux prestigieux de la rue de la République un artiste représenté sur la foire. 4 ans après sa création, comment se situe Docks Art Fair sur le marché et qui sont vos collectionneurs ? Deux types de foires se distinguent aujourd’hui : d’une part, des foires géantes qui réunissent plus de 150 galeries comme la FIAC, l’Armory Show, Frieze ou Art Basel; et d’autre part, des micro-foires qui axent leur positionnement sur un secteur très pointu, comme par exemple List, Independent ou Loop. Avec Docks Art Fair, nous nous inscrivons dans cette deuxième catégorie. Nous avons su fidéliser les collectionneurs de la région lyonnaise élargie, mais également des collectionneurs internationaux qui attendent véritablement ce rendez-vous de la rentrée. Vous êtes particulièrement attachée au principe du solo show, l’une des spécificités de Docks Art Fair. Pour quelles raisons ?

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Le solo show est un concept fort car il est synonyme d’accessibilité, de fluidité et de lisibilité pour le visiteur. Pour les professionnels, c’est un véritable dossier grandeur nature, qui leur offre l’opportunité de découvrir in situ le travail d’un artiste. Il démontre également, s’il en était encore besoin, le rôle indispensable du galeriste comme curateur de sa propre programmation. Vous renouvelez cette année votre partenariat avec Montblanc, dans le cadre du Prix Montblanc/Docks Art Fair. Pouvez-vous nous dire quelques mots sur cette initiative ? Montblanc est partenaire de Docks Art Fair depuis l’édition 2009, et renouvelle notre collaboration cette année. C’est un projet qui s’inscrit directement dans la démarche de mécène de la marque, qui accompagne de nombreuses initiatives dans le domaine artistique, en particulier la peinture contemporaine et la photographie. Le prix sera décerné par un comité de sélection internationale à l’un des artistes présentés sur la foire, et au galeriste qui expose son œuvre. Docks Art Fair est étroitement liée à la Biennale d’Art contemporain de Lyon en termes d’emplacement et de calendrier. Envisagez-vous de faire de la foire un rendez-vous annuel ? C’est une éventualité qui n’est pas à écarter. Nous travaillons ensemble pour toutes les questions de calendrier, de visibilité et d’accueil, et cette collaboration nous enrichit mutuellement. Nous partageons également le site de la Sucrière. Cela étant la proposition artistique de Docks Art Fair n’a rien à voir avec celle de la Biennale. La foire possède son propre positionnement et existe en tant qu’événement autonome. La question de son annualisation a été soulevée aussi bien par les galeries que par les collectionneurs.

Docks Art Fair returns with a third edition from 13 to 18 September. What are the strong points of this 2011 edition? This third edition of Docks Art Fair is in the continuity of a concept enshrined in the term. We have a strong presence in the Lyon region, in an area outside Paris. However, Docks Art Fair is a regional fair, but an event at an international vocation. This is something we continue to develop this year, including through the selection committee, which includes among its members international personalities from the world of contemporary art such as Georgina Adam, Barbara Polla and Patrizia Sandretto Re Rebaudengo. 2011 also marks the arrival of a new main partner, the bank CIC Lyonnaise de Banque Corporates, which will highlight the premises of the prestigious Rue de la Republique an artist represented at the fair. 4 years after its creation, how Docks Art Fair is on the market and who are your collectors? Two types of exhibitions stand today: on the one hand, shows giant of more than 150 galleries as the FIAC, the Armory Show, Frieze and Art Basel, on the other hand, micro-exhibitions that focus their positioning on a very specialized, such as List, or Independent Loop. With Docks Art Fair, we fit in this second category. We knew retain collectors in the Lyon area widened, but also international collectors who are waiting truly the appointment of school. You are particularly committed to the principle of the solo show, one of the specificities of Docks Art Fair. Why? The solo show is a powerful concept because it is synonymous with accessibility, fluidity and clarity for the visitor. For professionals, it is a real issue size, which offers them the opportunity to learn in situ work of an artist. It also demonstrates, if any were needed, the indispensable role as curator of the gallery’s own programming.

This year you renew your partnership with Montblanc, in the Prix Montblanc / Docks Art Fair. Can you tell us something about this initiative? Montblanc is a partner of Docks Art Fair since the 2009 edition, and renew our cooperation this year. This is a project that is directly in the process of patron of the brand, which supports many initiatives in the arts, particularly contemporary painting and photography. The prize will be awarded by an international selection committee has one of the artists on the show, and the gallery that exhibits his work. Docks Art Fair is closely related to the Biennale d’Art Contemporain de Lyon in terms of location and timing. Do you plan to make the fair an annual event? It is a possibility not ruled out. We work together in all matters of timing, visibility and acceptance, and this collaboration will enrich each other. We also share the site of the Sugar. That being the artistic proposal Docks Art Fair has nothing to do with that of the Biennale. The fair has its own position as an event and are autonomous. The question of its annualized WAS RAISED by both galleries by collectors.

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DOCK ART FAIR #3 - FOIRE

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LEGENDES Olivier Houg Galerie présente Jorge Mayet « Untitled », 2011 Papier maché, fil, textil et acrylique, 120 x 30 x 50 cm Courtesy : Olivier Houg Galerie.

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Analix Forever présente Joanna Malinowska String Quintet for 2 Cellos, 2 Violas and a Corpse (performance, Smack Mellon, Brooklyn, NY) 2008 Courtesy l’artiste et Analix Forever, Genève.

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Galerie Laurent Godin présente Scoli Acosta Vue d’exposition FRAC Basse Normandie 2011 Courtesy galerie Laurent Godin, Paris.

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Cortex Athletico présente Franck Eon Vue d’exposition à la galerie Cortex Athletico.

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Galerie Bertrand Gillig présente Elizabeth Frering Louve, 2010 Huile sur toile, 150x200 cm.

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AD Gallery présente Alexandre Nicolas « yoda fœtus » inclusion cristal de synthese, 34x23x23cm;

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Gallery Voss présente Davide La Rocca Vincent and Irene in the car, 2011 G-bn,oil on canvas, 60x140 cm courtesy Galerie Voss, Düsseldorf;

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Galerie Odile Ouizeman présente Mehdi Medacci Alger, 2008-2010 Photographie lambda sur un caisson lumineux.

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Galeria Fernando Pradilla - Juan Francisco Casas Aquafan No 13, 2010 stylo à bille, 180 x 140 cm;

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10 Louise Alexander Gallery présente Laurent Bolignini F-Vecteur, 2007 Composants électriques, 4 ampoules, fibre de carbone, programmateurs électroniques 170 x L: 80 x P: 80 cm.

11 Galerie Olivier Robert présente Lionel Soccimarro Customized vanity things, 2010 Casques, bois tourné, métal, 240 x 110 x 110 cm Courtesy galerie Olivier Robert.

12 Mario Mauroner contemporary art présente Bruno Peinado Love long distance, 2010 Resin paint.

13 Galerie Ammar Farhat

présente Meriem Bouderbala Buto, 2010 Photographie c-print, 196 x 146 cm Courtesy : galerie Ammar Farhat.

14 Galerie Georges Verney Carron présente Nicolas Rubinstein Notre Dame des os, 2009 Résine polyuréthane, acier, bois 57 x 20 x 63 cm.

15 Golden Brain Art présente Féebrile Damon, 2010 Photography, 30x40 Courtesy Golden Brain.

16 Marion Meyer contemporain présente Séverine Hubard Totems, 2011 Divers objets en serie donnés par les herblinois, colle à carrelage, colle, tige filleté, boulons, vis. Installation au sol : 8m2, Hauteur max : 2,60m Courtesy Marion Meyer Contemporain - Séverine Hubard.

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AURELIE PETREL - PHOTO

Olivier Houg Galerie

Aurelie Petrel

« Une oeuvre, un monde sous independance » «Artwork, A world under independence» «Polygones» est la première exposition personnelle d’Aurélie Pétrel à la Galerie Olivier Houg. Il s’agit de donner à cette artiste que la galerie soutient depuis plusieurs années, la possibilité de créer un environnement qui rassemble les différents aspects de son travail. Au coeur de celui-ci la photographie comme pratique et mode opératoire d’une pensée en mouvement, en voyage, entre architecture, déplacements, rencontres. Pour l’occasion l’artiste invite des amis, écrivains, historiens d’art, artistes, à penser avec elle cette étape d’une oeuvre toujours en gestation. Ainsi Malek Abbou, Sylvie Lagnier, Marie de Brugerolle collaborent à la publication qui accompagne ce projet. Par ailleurs Aurélie Pétrel invite Marie de Brugerolle a donné vie à son projet poétique «La couleur des jours» lors d’une performance qui ponctuera l’exposition la semaine du vernissage. Aurélie Pétrel présente un ensemble de travaux représentatifs des enjeux à l’oeuvre

dans sa recherche dans une installation convoquant la photographie à ses bords, en dialogue avec l’architecture et la sculpture. Elle invente un dispositif original dans lequel l’image apparaît et s’insère par glissements sur des surfaces aussi diverses que le plâtre, le verre ou le bois. Variant les formats et les matériaux, Aurélie Pétrel invente de nouvelles perspectives pour des images passantes qui mettent en mouvement leurs supports.

«Polygons» is the first exhibition of the Petrel Aurélie Olivier Houg Gallery. This is to give the artist the gallery supports for several years, the ability to create an environment that brings together different aspects of his work. At the heart of this photography as practice and procedure of a thought in motion, traveling between architecture, travel, meetings. For the occasion the artist invites friends, writers, art historians, artists, to think with her this step of a work still in gestation. Abbou and Malek, Sylvie Lagnier, Mary Brugerolle collaborate in the publication ac-

companying the project. Aurélie Petrel also invited Mary Brugerolle gave life to her poetry project «The color of the day» in a performance that punctuate the exhibition’s opening week. Aurélie Petrel has a body of work representative of the issues at work in her research in a facility calling the photograph to its edges, in dialogue with the architecture and sculpture. She invents an original in which the image appears and is inserted by sliding on surfaces as diverse as plaster, glass or wood. Varying sizes and materials, Aurélie Petrel invents new possibilities for images that are busy moving their sockets. « Une œuvre, un monde sous indépendance » de Marie De Brugerolle

45 quai Rambaud 69002 Lyon – France Tél : +33 (0)478.429.850 // Fax : +33 (0)478.379.703 romain@olivierhoug.com // www.olivierhoug.com

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ANGELO MUSCO - PHOTO

Angelo Musco « ORIGINES MYSTIQUES » «MYSTICAL ORIGINS»

Angelo Musco was born in Italy in 1973. He lives and works in the United States for 10 years. This contemporary artist is known for his photographs, a kind of surreal landscapes, developed from thousands of naked bodies. Its architecture and natural scenery images referring to visionary mystic, is an echo of his own origins.

© photo. angelo musco

Angelo Musco est né en Italie en 1973. Il vit et travaille aux États-Unis depuis 10 ans. Cet artiste contemporain est connu pour ses photographies, sorte de paysages surréalistes, élaborés à partir de milliers de corps nus. Ses architectures naturelles et ses paysages visionnaires renvoyant à des images mystiques, sont un écho à ses propres origines.

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www.angelomusco.com

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JEROME BOCUSE - PORTRAIT

Sculpture de Jean Claude Farhi   Ugly Beauty  1994   270x150

Jerome Bocuse « ART DE CHEF » «HEAD OF ART»

Jérôme Bocuse est un chef cuisinier français qui est au conseil d’administration, en tant que vice-président, de la Bocuse d’Or USA Foundation , et fils de Monsieur Paul Bocuse. Au côté des chefs Thomas Keller et Daniel Boulud, il a la responsabilité de faire connaître les Bocuses d’Or Américains, de sélectionner les candidats qui participeront à ceux-ci , et dont le gagnant représentera les Etats-Unis à la grande finale des Bocuses d’Or à Lyon. Jérôme Bocuse, diplômé en 92 de la Culinary Institute of America, participe depuis 93 à l’organisation du fameux concours, et depuis 96 supervise le restaurant « Les Chefs de France » situé à Epcot Center. En 2009, il est apparu en tant que juge invité à l’émission Top Chef.

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Jérôme Bocuse is a French chef who is on the board of directors of the Bocuse d’Or USA Foundation as vice-president, and son of Paul Bocuse. Along with chefs Thomas Keller and Daniel Boulud, Jérôme Bocuse is responsible for raising support and awareness for the U.S.Bocuse d’Or effort, and in selecting the candidates who participate in the Bocuse d’Or USA, where the winner will go on to represent the U.S. in the international finals of Bocuse d’Or in Lyon, France. Bocuse is a 1992 graduate of The Culinary Institute of America. Since 1993 he was involved with planning for the international Bocuse d’Or, and since 1996 has overseen «Les Chefs du France», the French restaurant at Epcot. In 2009 he appeared as a guest judge on Top Chef.

I Si vous étiez un... ARTiSTE . Andy Warhol I Si vous étiez un... TABLEAU Une composition rouge, bleu et jaune de Mondrian. I Si vous étiez un... STYLE ARTiSTiQUE Le Pop Art I Si vous étiez une... GAMME DE COULEURS Le bleu pour le ciel et l’eau. I Si vous étiez un... UN ViCE Trés impatient.

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ART WEB NEWS

Paris vs New-York « Les parallèles graphiques révèlent les points communs et les oppositions » « The parallel graphics reveal the similarities and contrasts » « Paris versus New York : a tally of two cities » est une série de visuels réalisés par le designer Vahram Muratyan qui raconte un match amical entre ces deux villes. Les parallèles graphiques révèlent les points communs et les oppositions de ces deux villes au travers de clichés ou de détails de la vie quotidienne. Les coups d’œil ainsi

que les coups de crayon sont très habiles avec une mention particulière pour les visuels sur les taxis et celui sur les pourboires qui sont nos deux favoris. Paris vs. New York: a tally of Two Cities»is a series of images made ​​by designer Vahram Muratyan telling a

friendly match between these two cities. The parallel graphs show the similarities and contrasts of these two cities through pictures or details of everyday life. Glances and the pencil strokes are very skilled with particular reference to the visuals on taxis and on the tips which are our two favorites.

parisvsnyc.blogspot.com

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CÉCILE CASAGRANDE - RENCONTRE

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Martial Raysse / Nu jaune et calme 1963 huile collage photographie sur toile

Martial Raysse / Made in Japan. La Grande odalisque (1964)

Cecile Casagrande « Le regard pop » « The POP EYES »

A la fin des années 1990, elle présente la météo sur Canal +. Joue dans le film Paparazzi, sortit en 1998, où elle interprète la maîtresse cachée de Guillaume Durand. Mariée à l’ancien gardien de but Dominique Casagrande. De 2003 à 2008, elle tourne au côté de Bernard Tapie dans la série Commissaire Valence, elle tenait le rôle de Laurence. En 2004, elle devient animatrice pour la chaine Téva en présentant l’émission TOP MODEL USA. Depuis 2006, elle est animatrice sur la chaîne de sport OL TV, chaine dédiée à l’équipe de football de Lyon. Sa véritable envie, depuis toujours, c’est la musique, Cécile veut plus que tout COMPOSER, mais doute encore un peu d’elle-même. Il y a un peu plus d’un an, elle « ose » enfin écrire une mélodie sur sa guitare. C’est le déclic !!!!! Cécile appelle alors Patrice Guillou, son ami auteur-compositeur, et ils travaillent ensemble...12 chansons plus tard, et plusieurs enregistrements réalisés, l’aventure est lancée : « Loin de l’image un peu papier glacé que certains ont eu de moi, j’ai voulu exprimer le bouillonnement réel de mes émotions et mon goût pour l’humour ! »

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In the late 1990s, she presents the weather on Canal +. Plays in the movie Paparazzi, released in 1998, where she played the hidden mistress of William Durand. Married to the former goalkeeper Dominique Casagrande. From 2003 to 2008, she played with Bernard Tapie in the series Commissioner Valence , she played the role of Laurence. In 2004, she became anchor for USA TOP MODEL on Teva channel. Since 2006, she was host of the sports channel OL TV channel dedicated to the football team Lyon. Her true desire has always been music. What Cecile wants more than anything is compound, but she’s probably not yet enough selfconfident. There is a little over a year, she «dares» finally write a melody on his guitar. This is the catch !!!!! Cecile calls her friend Patrice Guillou, songwritter, and they work together ... 12 songs later, and several recordings, the adventure is launched: «Far from the image slightly glossy paper that some have had me, I wanted to express my real bubbling emotions and my taste for humor !»

I Si vous étiez un... ARTiSTE. Martial Raysse I Si vous étiez un... TABLEAU. La grande odalisque I Si vous étiez un... STYLE ARTiSTiQUE. Le Pop Art I Si vous étiez une... GAMME DE COULEURS. Le bleu I Si vous étiez un... VICE. La paresse (quel luxe d’arriver à ne rien faire...)

www.cecilesimeone.com

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www.tetedoie.com

AsV Copyright Š Studio Erick Saillet


CHRISTIAN TÊTEDOIE - ADS

Christian TeteDoie Le chef etoile et son nouveau vaisseau amiral. A Lyon, l’une des plus belles vues de la ville The star chef and his new flagship. In Lyon, one of the best views in town. « Dans ce sens, pour moi la cuisine est un terrain privilégié, jonché d’expériences, chacune différente. Le défi de surprendre à chaque service, toujours mieux pour se révéler. L’envie de donner une envergure à la cuisine, en y intégrant du contemporain, de l’artistique...» Crée depuis seulement 18 mois, ce nouveau lieu s’est rapidement imposé comme le rendez-vous incontournable des Gastronomes de tout pays. Christian Têtedoie a réussi le pari de réaliser un espace de vie où tous peuvent se retrouver dans trois ambiances distinctes. Le Phosphore bar avec dégustation des meilleurs crus accompagnés de Bouchées type tapas, Le Tetedoie restaurant gastronomique bien connu et la Terrasse de l’Antiquaille avec une vue à vous couper le souffle où une cuisine à la plancha vous est proposée. Ce lieu est aussi un écrin pour des magnifiques œuvres d’art contemporain.

«In this sense, for me the kitchen is a privileged field, littered with experiments, each one different. The challenge of surprise to each service, always best to show this. The desire to give a scale to cooking, incorporating contemporary and artistic ...» Created for only 18 months, this new place has quickly become the meeting place of Gastronomes of any country. Christian Têtedoie has succeeded in creating a living space where all can be found in three distinct environments. Phosphorus bar with tasting the best wines accompanied by tapas type Bites, The Tetedoie well known gourmet restaurant and the Antiquaille terrace with its breathtaking view, where ‘’a la plancha’’ food is proposed. This place is also a showcase for the magnificent works of contemporary art.

Christian Têtedoie Gastronomique Bar à vins Restauration à la plancha Montée du Chemin Neuf, 69005 Lyon 04 78 29 40 10 AsV

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KYUNG SOO KIM « THE FULL MOON STORY » Née à Séoul, en Corée. 2002 Baccalauréat en photographie, Sangmyung University, Séoul, Corée. Vit et travaille à Séoul, en Corée.

Copyright © 2006-2011 Galerie Paris-Beijing. All rights reserved

Lorsque Vogue Corée lui demande de réaliser une série d’images pour remettre le Hanbok (habit traditionnel Coréen) au goût du jour, Kim Kyoung Soo, grand photographe de mode, saisit le défi et réalise une série d’images qu’il intitule The full moon story. Ses modèles sont élégamment habillés avec de somptueux Hanbok, leurs coupes de cheveux comme leur maquillage sont parfaitement cohérents et maîtrisés de sorte que la sérénité et la douceur qui se dégagent de ses images aux tons pastels sont saisissantes et plongent le spectateur dans un état contemplatif.

paris beijing gallery PARIS 54 rue du Vertbois - 75003 Paris, France ( M° Arts et Métiers ) Tel: +33 (0) 1 42 74 32 36 Email: galerieparisbeijing@gmail.com BEIJING The 798 Art District, Dashanzi, 4 Jiuxianqiao Road, Chaoyang District, 100015 Beijing, China. Tel/Fax: +86 (0) 10 59 78 92 62 Email: galerieparisbeijing@gmail.com

Born in Seoul, Korea. 2002 Bachelor Degree in photography, Sangmyung University, Seoul, Korea. Lives and Works in Seoul, Korea.    When Vogue Korea asked to carry out a series of images to put the Hanbok (Korean traditional dress) up to date, Kim Kyoung Soo, great fashion photographer, took the challenge and produced a series of images which he called The full moon story. His models are elegantly dressed with sumptuous Hanbok, their haircuts as their makeup are perfectly consistent and controlled so that the serenity and sweetness that come out of his images are striking pastel and plunge the viewer into a contemplative state.

The Full Moon Story - 02, 2008 >> The Full Moon Story - 05, 2008 C-Print Taille A : 112x90cm

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TALENT

The Full Moon Story - 03, 2008 -C-Print Taille A : 112x90cm

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TALENT

Copyright Š 2006-2011 Galerie Paris-Beijing. All rights reserved

The Full Moon Story - 04, 2008 C-Print Taille A : 112x90cm

The Full Moon Story - 06, 2008 C-Print Taille A : 112x90cm

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The Full Moon Story - 01, 2008 C-Print Taille A : 112x90cm

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www.renaissance-hotel-marrakech.com


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Dina Goldstein « CONTES DE FéES ORDINAIRES »

© photo.Dina Goldstein

« COMMON FAIRY TALES » Dans sa série “Fallen Princesses” (Princesses déchues), Dina Goldstein, photographe canadienne, réinterprète les contes de fée de notre enfance en les replaçant dans le contexte actuel. Un résultat troublant et fascinant qui replace la naïveté des contes de fées dans la violence de notre monde moderne.

© photo.Dina Goldstein

In his series “Fallen Princess (Princess fallen), Dina Goldstein, Canadian photographer, reinterprets the fairy tales of our childhood by placing them in the current context. A fascinating and troubling result that puts the simplicity of fairy tales in the violence of our modern world.

www.dinagoldstein.com 34

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Laurent Fachard « SHADOW OF LIGHT » Depuis 1973, Laurent Fachard développe son savoir faire en collaboration et, «au service de» nombreux créateurs réalisateurs, metteurs en scène, chorégraphes, musiciens, plasticiens, architectes, paysagistes et urbanistes. En 1989, il fonde un atelier d’éclairage indépendant «Les Éclairagistes Associés», atelier de création et bureau d’étude technique d’éclairage dans les domaines du bâtiment et des infrastructures, notamment les espaces publics ou privés. C’est dans ces approches transversales, toujours avec le même matériau, qu’il puise son imagination et qu’il fonde sa maîtrise artistique de l’éclairage.

© photo.TLaurent Fachard

Since 1973, Laurent Fachard develops bis expertise in collaboration, and «serve» many designers directors, directors, choreographers, musicians, visual artists, architects, landscape architects and urban planners. In 1989, he founded an independent lighting workshop «The lighting associated» creative workshop and design office lighting technology in the areas of building and infrastructure, including public and private spaces. It is in these crosscutting approaches, always with the same material, he draws his imagination and he founded his artistic mastery of lighting.

Graz Art N!ght Parcours lum!ere cap!tale européenne de la ulture 2003 Su!sse

fachardlaurenteclairagiste.tumblr.com AsV

LES ÉCLAIRAGISTES ASSOCIÉS siège : 8, rue Royale - 69001 LYON Atelier : 7, rue Alsace Lorraine - 69001 LYON tél : (33) 04 72 10 62 53 fax : (33) 04 72 10 62 54 les.eclairagistes.associes@wanadoo.fr

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CHARLES MATTON - EXCEPTION

cHARLES MATTON « BOîTES MAGIQUES «MAGIC BOXES»

Charles Matton naît le 13 septembre 1931 à Paris.

© photo.TCharles Matton

C’est durant les années 1980 que Charles Matton va développer sa technique dite des Boîtes. Le temps nécessaire à la création d’un tel tableau entraîne chez Charles Matton le désir d’en moduler certains aspects, de décliner, d’encercler son sujet. La solution réside dans les possibilités de gain de temps qu’offre la photographie. Si Charles Matton désire peindre un tableau représentant un Intérieur, il photographiera un espace empli des accessoires choisis, puis peindra sur le tirage. Mais il n’est pas simple de trouver une couleur de mur, le canapé ou le luminaire idéal. C’est ainsi qu’a surgi l’idée de fabriquer ce petit monde réduit parallèle, qui pourra se décliner à l’infini. Charles peint les murs, sculpte les meubles et les accessoires, photographie les paysages qu’il place derrière des fenêtres, éclaire l’ensemble de différentes façons. Tel un démiurge, il maîtrise ainsi totalement son sujet qu’il photographie, puis met en peinture. Toutes ses envies de déclinaisons, il les expérimente alors sans le moindre souci : la lumière du matin devient celle du soir, il recouvre le piano d’un drap, change la couleur des rideaux, etc. Charles Matton born September 13, 1931 in Paris.

New York Loft 26th Street

© photo.TCharles Matton

It was during the 1980s that Charles Matton will develop the technique of ‘boxes. The time required to create such a thing causes Charles Matton the desire to adjust certain aspects of decline, to circle about it. The solution lies in the potential time savings offered by photography. If Charles Matton wants to paint a picture of an interior, he photographed a space filled with accessories chosen, then paint on the draw. But it is not easy to find an ideal wall color, sofa or lamp. This is how the idea arose to make this little world reduced parallel, which may translate to infinity. Charles painted the walls, carved furniture and accessories, photography landscapes that place behind the windows, lights all in different ways. As a demiurge, he masters completely his subject, that he pictures and then puts it painting sets. All versions of his desires, he then experimented without any problems: the morning light is that of the evening, it covers the piano with a sheet, change the color of the curtains.

Alberto Giacometti Studio > 1987 > Mixed media > 48 x 36 x 34 cms

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Classical Sculptor Studio V with Saskia expecting Titus III > 2003 > Mixed media > 82 x 70 x 82 cms.jpg

Francis Bacon’s Studio > 1987 > Mixed media > 58 x 44 x 52 cms

www.charlesmatton.com AsV


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© Photo Farida Bréchemier – Tous droits réservés Monumenta 2011, ministère de la Culture et de la Communication

• Anish Kapoor • Leviathan Nef du Grand Palais des Champs-Élysées Paris • 11 mai / 23 juiN

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ANISH KAPOOR - MAGIQUE MONUMENTA

Anish

kapoor

« esthétique et physique, une expérience à la fois poétique, méditative... » «aesthetic and physical experience both poetic meditative ...» Né en 1954 à Bombay, Anish Kapoor est installé depuis le début des années 1970 à Londres. Anish Kapoor expose au Grand Palais l’oeuvre qu’il a conçue pour la quatrième édition de Monumenta Avec le Leviathan, le sculpteur britannique d’origine indienne fait appel à nos sensations, tout en cherchant à nous faire partager «une expérience philosophique inédite». Le  travail de Kapoor se caractérise par des formes simples, généralement monochromes. L’œuvre créée pour le Grand Palais est une immense forme constituée de lés de PVC rouges, soudés les uns aux autres, et gonflée comme un ballon de 35 mètres de haut. Ce rouge dense se retrouve souvent dans l’œuvre de Kapoor, qui a voulu ici « inonder le visiteur avec la couleur ». Ce rouge rappelle pour lui les couleurs de la nuit et «  crée des ténèbres beaucoup plus sombres, psychologiquement et physiquement, que le noir ou le bleu  ». C’est un des propos d’Anish Kapoor, la différence entre la sensation de l’intérieur et de l’extérieur du corps.

© photo.Tate Galerie

Anish Kapoor at the Grand Palais presents the work he has designed for the fourth edition of Monumenta With the Leviathan, the Indian-born British sculptor uses our sensations, while seeking to share with us «a philosophical novel experience.» Kapoor’s work is characterized by simple forms, usually monochromatic. The work created for the Grand Palais is a great form of strips made ​​of PVC red, welded to each other, and swollen like a balloon of 35 meters. This dense red is often found in the work of Kapoor, who wanted this «flood the visitor with color.» This red color reminded him of the night and «creates a lot of darkness darker, psychologically and physically, than black or blue.» This is one of about Anish Kapoor, the difference between the feeling of the inside and outside the body. AsV

© photo.Tate Galerie

Born in 1954 in Bombay, Anish Kapoor has been installed since the early 1970s in London.

www.anishkapoor.com 39


Sans titre, 2007 - huile sur toile, 200 x 300 cm, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris

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Marc Desgrandchamps - Portrait

Sans titre, 2007 - huile sur toile, 200 x 300 cm, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris

Sans titre, 2004 - huile sur toile, 200 x 430 cm, étail

Marc Desgrandchamps JeanCosmeDelaloye

« la transparence, de l’évanescence » «Transparency, evanescence» Marc Desgrandchamps est un des représentants majeurs du renouveau actuel de la peinture en France. après des études d’art à Aix-en-Provence et Paris, l’artiste expose pour la première fois en 1987 au Centre Pompidou, mais connaît ensuite une longue traversée du désert, à une époque où la peinture ne fait pas se déplacer les foules d’amateurs d’art contemporain. Depuis vingt ans, la peinture de Desgrandchamps, dont il dit qu’elle est « un travail de doute, doute de la figure et doute de la peinture, avec sa longue histoire et ses questions », s’est peu à peu brouillée. De figures classiques cernées de noir, on est passé à une matière beaucoup plus fluide et des êtres évanescents, voire translucides. Ses toiles se perçoivent comme des surimpressions de souvenirs (à la manière du négatif photographique plusieurs fois insolé), où homme et paysages se confondent. A propos de son travail plus récent, l’artiste dit : « Je crée avec des bribes de mémoire, à partir d’évènements fortuits, des situations indéterminées que je considère comme des non-lieux. Cela se passe un peu comme

www.mam.paris.fr AsV

dans un jeu, avec des règles très précises, mais dont l’issue reste toujours imprévisible : je dispose des pièces sans identité (figures, objets et paysages) que je mets dans une certaine lumière pour en faire des « pièces à conviction ». Il y a des disparitions — ces corps plus ou moins tronqués ou traversés par l’horizon du paysage — mais qui sont parfaitement réversibles : ce sont aussi bien des « apparitions ». Je les nomme les « délaissements », un mot qui tente de désigner ce qui parfois surgit dans ces tableaux — une sorte d’état entre la vie et la mort que la peinture peut représenter, à condition de se constituer comme trace ». Desgrandchamps is one of the major representatives of the current revival of painting in France. After studying art in Aix-en-Provence and Paris, the artist exhibited for the first time in 1987 at the Centre Pompidou, but then known a long journey through the desert, at a time when the painting does not move the Crowds of contemporary art lovers. For twenty years, paintings of Desgrandchamps, which he says is «a work of doubt,

doubt and doubt of the figure painting, with its long history and its issues,» has gradually blurred. Of classical figures outlined in black, there has been a matter much more fluid and evanescent beings, or even translucent. His paintings themselves as overlays memories (like the photographic negative several times sunned), where man and landscapes merge. About his more recent work, the artist said: «I created with scraps of memory from accidental events, situations that I consider unspecified non-places. This goes a bit like a game, with very precise rules, but whose outcome is always unpredictable: I have no identity of parts (figures, objects and landscapes) that I put in some light to make « exhibits. There are missing - these bodies more or less truncated or crossed by the horizon of the landscape - but are perfectly reversible: they are both «apparitions». I call them the «surrenders», a word that attempts to designate which sometimes arises in these paintings - a kind of state between life and death that painting can be provided to form as a trace.» Musée d’Art moderne de la Ville de Paris 13 Mai >> 4 Septembre 2011

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installation réalisée en extérieur : Pixels Snow, Piste de ski au Grand Bornand, 2009 Biennale d’art contemporain en Vallées de Thônes

© photo.Miguel Chevalier

150 x 80 m, Logiciel Cyrille Henry

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MIGUEL CHEVALIER - Portrait

Miguel Chevalier « la question de l’immatérialité dans l’art de l’image, générative et interactive ... » «The questionof immateriality in the art of image, generative and interactive ...»

Fractal Flowers Cave, Carrière du Mas de la Pyramide, St-Rémy-de-Provence, 2010 - Festival AP’art Logiciel Cyrille Henry

Depuis 1978, Miguel Chevalier pratique exclusivement l’informatique comme moyen d’expression dans le champ des arts plastiques et s’est imposé internationalement comme l’un des pionniers de l’art virtuel et du numérique. Son oeuvre, expérimentale et pluridisciplinaire, prend ses sources dans l’histoire de l’art dont il reformule à l’aide de l’outil informatique les données essentielles. Miguel Chevalier aborde au travers de thématiques récurrentes telles que la nature et l’artifice, les flux et les réseaux, les villes virtuelles et les arabesques, la question de l’immatérialité dans l’art, les problématiques de l’image hybride, générative et interactive.

La croisée des réseaux, Bourse du Commerce, Paris, 2003 Nuit Blanche 2003

Since 1978, Miguel Chevalier exclusively practices computer technology as a mean of expression in the visual arts field and he is an international pioneer of virtual and digital art. His work, experimental and multidisciplinary, taking its sources in art history and reformulating them using computer tools essential data. Miguel Chevalier discusses through recurring themes such as nature and artifice, flows and networks, and virtual cities arabesques, the question of the immaterial in art, problematic image hybrid generative and interactive.

© photo.Miguel Chevalier

Il a réalisé de nombreuses expositions personnelles et collectives, en France et à l’étranger. 2011 - à l’Institut français de Cologne ; à la Fondation Oi Futuro à Rio de Janeiro. 2010 - au Tri Postal à Lille ; au Mis (musée de l’image et du son) à Sao Paulo. 2009 - à l’iMAL à Bruxelles ; au Musée de la chasse et de la nature à Paris ; à l’Espaço Marcantônio Vilaça à Brasilia. 2008 - Centre Culturel Itaú à São Paulo 2007 - au Techfest Mumbai à Mumbai 2006 - à la Wood Street Galleries à Pittsburgh ; et à la Gallery Sejul à Séoul. 2005 - au Centre Pompidou à Paris 2002 - au Musée Marco de Monterrey à Mexico City 2000 - dans le cadre de Kwangju Biennale en Corée 1999 - à La Fabrika à Beyrouth 1998 - à l’Espace Cardin à Paris 1993 - au Muséo de Artes Visuales à Caracas 1992 - lors des jeux Olympiques d’Albertville et de Barcelone 1989 - à la Vivita Gallery à Florence 1988 - au Musée d’art moderne de la ville Paris

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Fractal Flowers, quai de la rivière Cheonggyecheong, Séoul, Corée, 2008

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Copyright © 2006-2011 Galerie Paris-Beijing. All rights reserved

Hide in the City - 93, 2010 Supermarket II

paris beijing gallery PARIS 54 rue du Vertbois - 75003 Paris, France ( M° Arts et Métiers ) Tel: +33 (0) 1 42 74 32 36 Email: galerieparisbeijing@gmail.com BEIJING The 798 Art District, Dashanzi, 4 Jiuxianqiao Road, Chaoyang District, 100015 Beijing, China. Tel/Fax: +86 (0) 10 59 78 92 62 Email: galerieparisbeijing@gmail.com

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Hide in the City - 51, 2007 Road Block

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LIU BOLIN - DÉCOUVERTE

« CAMOUFLAGE »

Chinese contemporary artist born in 1973 in Shandong, Liu Bolin gains from year to year a national and international recognition. Graduated from the Academy of Fine Arts in Shandong in 1995, Liu Bolin, called «The Invisible Man», taught sculpture for two years before traveling to Beijing to study at the Institute of Fine Arts in China. Taking into account the visual and emotional as well as social codes as reflected in these places, Liu Bolin, hides his body in the environment surroundings. In an interview with Sophie Lavergne Connections for Liu Bolin explains that after being excluded by the Chinese Communist Party, he had a period of no activity, because «no work unit did not want me.» He adds, «In Chinese society, the individual does not count, it is the work unit that decides his fate. It was not me who did not work. I was just a student who graduated and who can not find a place. In China, the system of progression is still linear at the bottom, there is a young, in the middle there is a middleaged person at the top, a senior. Everyone accepts and respects the system, unless you have a network and protections. Me, I had the feeling of being redundant, unnecessary to be a surplus. «

Copyright © 2006-2011 Galerie Paris-Beijing. All rights reserved

Liu Bolin

Artiste contemporain chinois né en 1973 à Shandong, Liu Bolin acquiert d’année en année une reconnaissance nationale et internationale. Diplômé de l’académie des Beaux Arts de Shandong en 1995, Liu Bolin, appelé « L’homme invisible », enseignera la sculpture durant deux ans, avant de se rendre à Pékin pour étudier à l’Institut des Beaux Arts de Chine.  Tenant compte des éléments visuels et émotionnels autant que des codes sociaux qui transparaissent dans ces lieux, Liu Bolin, camoufle son corps dans l’environnement qui l’entoure. Dans une entrevue avec Sophie Lavergne pour Connexions, Liu Bolin explique qu’après avoir été exclut par le parti communiste chinois, il a eu une période sans activité, car « aucune unité de travail ne voulait de moi ». Ce dernier ajoute, « Dans la société chinoise, l’individu ne compte pas, c’est l’unité de travail qui décide de son sort. Ce n’est pas moi qui ne voulais pas travailler. J’étais simplement un étudiant qui a terminé ses études et qui ne trouve pas de place. En Chine, le système de progression est encore linéaire : au plus bas de l’échelle, il y a un jeune, au milieu il y a une personne d’âge intermédiaire, en haut, une personne âgée. Chacun accepte et respecte ce système, à moins d’avoir un réseau et des protections. Moi, j’avais le sentiment d’être excédentaire, d’être un surplus inutile ».

Hide in the City - 16, 2006 Civilian and Policeman No.1

Hide in the City - 88, 2010 Sawmill

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© photo.Gao Brothers © photo.Gao Brothers

The Execution of Christ 2009 Bronze, liver of sulfur patina

Sense of Space: Prayer / 2000 h: 39 x w: 31.5 in / h: 99.1 x w: 80 cm

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GAO BROTHERS - PORTRAIT

Gao Brothers Gao Qiang 1962 Né à Jinan, Chine

Gao Zhen 1956 Né à Jinan, Chine

Les frères gao sont deux frères artistes basés à Pekin, sont auteurs de plusieurs ouvrages publiés, notamment «How Far Can You Walk in One Day in Beijing», « L’Etat actuel de l’Art avant-gardiste chinois » et « rapport sur l’environnement de l’Art », et collaborent sur des installations, des performances, des travaux de photographie ou d’écriture depuis le milieu des années 80. Certaines de leurs œuvres ont été publiées dans « A History of Chinese modern Art », «La meilleure photographie de la Chine », et recueillis dans des musées.

© photo.Gao Brothers

The Gao Brothers are a pair of artist brothers based in Beijing, the authors of several published works, including «How Far Can You Walk in One Day in Beijing», «The Current State Of Chinese AvantGarde Art» and «The Report Of Art Environment», who have been collaborating on installation, performance, photography works and writing since the mid-1980s. Some of their works were published in «A History Of China Modern Art», «China Avantgarde Photography», «The Best Photography Of China», etc. and collected by Chinese and foreign people and museums.

Mao’s Guilt

www.gaobrothers.net AsV

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Crédit photo : Andy Goldsworthy©

Andy Goldsworthy - 1987 - japanese maple leavesGallery

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Andy Goldsworthy « Mouvement, changement, lumière, croissance et altération sont l’âme de la nature, les énergies que j’essaie de faire passer à travers mon travail » « Movement, change, light, growth and corruption are the soul of nature, the energies that I try to get through my work » Andy Goldsworthy travaille généralement en plein air, avec des matériaux trouvés sur place, bien qu’il ait réalisé à l’occasion certaines œuvres à l’intérieur de bâtiments, musées ou galeries (par exemple, le mur d’argile à Digne). Il utilise quasi-exclusivement des matériaux ou objets naturels (neige, glace, feuilles d’arbres, tiges, galets, fleurs, etc.) pour ses œuvres (à quelques exceptions près, comme par exemple le cairn édifié à partir de morceaux d’acier sur le site d’une ancienne mine). Pour ses œuvres éphémères, Goldsworthy n’utilise généralement pas d’autres outils que ses propres mains et dents, des outils improvisés et éventuellement un opinel. Il lui est arrivé de faire appel à de la machinerie lourde ou légère pour réaliser des œuvres d’envergure et permanentes (notamment les cairns les plus grands ou des sculptures comme Roof, Stone River et Three Cairns, Moonlit Path et Chalk Stones). Pour la création de Roof, Goldsworthy a travaillé avec son assistant et cinq maçons qui se sont assurés que la structure peut survivre au temps et à la nature. À l’instar de nombreux artistes du Land Art, Andy Goldsworthy considère ses œuvres comme de l’« art éphémère  », le temps de dégradation pouvant varier de quelques secondes à plusieurs années  : sculptures de glace qui ne durent qu’une saison, sculptures de sable sur une plage disparaissant à la première marée, constructions de pierre ou de métal qui ne subissent qu’une entropie naturelle. La photographie joue un rôle crucial dans son art. Goldsworthy conserve les traces de ses œuvres au moyen d’épreuves photographiques en couleur dont beaucoup sont accompagnées d’un titre sous forme de légende expliquant la genèse de l’œuvre. Selon ses propres termes, «  chaque œuvre pousse, subsiste, se dégrade — composantes intégrales d’un cycle que le photographe montre à leur point culminant, balisant le moment où l’œuvre est la plus vivante. Il y a une intensité dans une œuvre à son sommet qui j’espère s’exprime dans l’image. L’évolution et le délabrement sont implicites. »

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Son intention n’est pas « d’apposer sa marque  » sur le paysage mais de travailler instinctivement avec lui, afin que ses créations manifestent, même brièvement, un contact en harmonie avec le monde naturel. Il s’intéresse particulièrement au temps tel qu’il est rendu manifeste par l’évolution de la nature. «  Mouvement, changement, lumière, croissance et altération sont l’âme de la nature, les énergies que j’essaie de faire passer à travers mon travail » Il a exposé seul à plusieurs reprises en Angleterre, en France, aux Pays-Bas et au Japon. Il a participé à la Biennale de Venise et exécuté plusieurs commandes importantes, comme celle du Jardin de pierres, commanditée par le Musée de l’héritage juif de New York11, ou celle commanditée pour la cour d’entrée du musée De Young de San Francisco, intitulée Drawn Stone, qui fait écho au fréquents tremblements de terre de la ville. Cette installation comporte, dans la chaussée, une gigantesque crevasse qui se subdivise en plusieurs craquelures plus petites, et des blocs de calcaire pouvant servir de bancs. Les petites craquelures ont été faites au marteau, ajoutant un caractère imprévisible à l’œuvre lors de sa création. Andy Goldsworthy usually work outdoors, with materials at hand, though he realized at some works inside buildings, museums and galleries (eg the wall of clay to Digne). It uses almost exclusively of natural materials or objects (snow, ice, leaves, stems, stones, flowers, etc..) For his work (with some exceptions, such as the cairn built from pieces of steel on the site of a former mine). For his ephemeral works, Goldsworthy does not generally use tools other than his own hands and teeth, and possibly an improvised tools opinel. He came to use heavy machinery or light to produce large and permanent works (including the largest cairns and sculptures as Roof, Stone River and Three Cairns, Moonlit Path and Chalk Stones). To create Roof, Goldsworthy worked with his assistant and five masons who made sure that the structure can

© Christoph A. Hellhake

ANDY GOLDSWORTHY - PORTRAIT

survive the time and nature. Like many artists of Land Art, Andy Goldsworthy sees his work as the «ephemeral art», the degradation time ranging from seconds to years: ice sculptures, which only last one season, sculptures sand on a beach disappearing at the first trip, buildings of stone or metal that does not undergo a natural entropy. Photography plays a crucial role in his art. Goldsworthy retains traces of his work through photographic prints in color, many of which are accompanied by a title in the form of legend explaining the genesis of the work. In his words, «each work grows, remains, is deteriorating - integral components of a cycle that shows the photographer at their peak, marking the moment the work is most alive. There is an intensity in a work at its peak that I hope is reflected in the image. The development and decay are implicit. « His intention is not to «use his trademark» on the landscape but to work with it instinctively, that his creations appear, however briefly, a contact in harmony with the natural world. He is particularly interested in time as it is made manifest by changes in the nature. «Movement, change, light, growth and corruption are the soul of nature, the energies that I try to get through my work» He set out alone several times in England, France, the Netherlands and Japan. He participated in the Venice Biennale and executed several important commissions, such as the rock garden, sponsored by the Museum of Jewish Heritage in New York11, or the commissioned for the courtyard of the De Young Museum in San Francisco , entitled Drawn Stone, which echoes the frequent earthquakes in the city. This installation comprises, in the floor, a huge crevasse that is subdivided into several smaller cracks, and limestone blocks that can serve as benches. Small cracks were made with a hammer, adding unpredictability to the work during its creation.

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Reconstructed icicles around a tree, 28 December, 1995. Glen Marlin Falls, Dumphrieshire, Scottland. © Andy GoldsworthyGallery

photo : © Andy Goldsworthy

photo : © Andy Goldsworthy

photo : © Andy Goldsworthy

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photo : © Andy Goldsworthy

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ANDY GOLDSWORTHY - PORTRAIT

photo : © Andy Goldsworthy

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Pierre Schwartz photographe

L’atelier en Israël s’efforçant de capter des paysages de sable et d’air avec de l’eau. 16e étape Autour du monde.

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HERVÉ DI ROSA - PORTRAIT

Herve di Rosa « Une oeuvre, un monde sous independance » «A work, a world in Independence » Depuis 1993 Hervé Di Rosa parcours le monde et réalise ses œuvres en utilisant les savoirs faire locaux des ateliers où il séjourne. À chaque escale, il fait son travail avec leurs moyens. Il n’apprend pas leurs pratiques, ni se soumet à leurs traditions. Il se plie à leurs règles. Il travaille avec leurs méthodes. Il met leur savoir faire au service de ses dessins. Il travaille avec eux. Il provoque une œuvre créolisée issue du métissage culturel. Jean Seisser Expo Détours du monde 1998-2011, hôtel Donadéï de Campredon, L’Isle sur la Sorgue, du 2 juillet au 2 octobre 2011 Since 1993 Hervé Di Rosa travel the world and creates his works using local knowledge to the workshops where he stayed. At each stop, he did his job with their resources. He does not learn their practices, or submits to their traditions. It folds to their rules. He works with their methods. It is their expertise at the service of his drawings. He works with them. It causes a work creolized after the cultural mix.

Sculpture peinte en résine polyester réalisé dans l’atelier d’Olivier Haligon à Miami. Prototype. 12e étape Autour du monde.

Jean Seisser .

www.dirosa.org AsV

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Pierre Schwartz photographe

Textes peints par des peintres en lettres mexicains sur bâche selon une maquette d’Hervé Di Rosa qui, par la suite, l’a surchargé en noir. 10e étape Autour du monde.

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Pierre Schwartz photographe

HERVÉ DI ROSA - PORTRAIT

Imagerie en sequins selon la tradition de broderie vodou des communautés haïtiennes de Miami. 14e étape Autour du monde.

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Pierre Schwartz photographe

Panneau de bois de la Suite Combat des Bamoun contre les Robots. Les sculpteurs de Foumban au Cameroun mettent en volume le dessin grandeur nature d’Hervé Di Rosa collé sur le panneau de bois. 11e étape Autour du monde.

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Pierre Schwartz photographe

HERVÉ DI ROSA - PORTRAIT

Bronze et support de bois réalisés à Foumban au Cameroun dans les fonderies qui ne semble pas avoir changé de technique depuis l’âge du bronze. 11e étape Autour du monde.

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Philippe

Pasqua « Un lieu unique, des propositions multiples » «A unique, multiple proposals»

Philippe Pasqua a conçu THE STORAGE, un espace consacré à des expérimentations artistiques et collectives innovantes, ainsi qu’à son propre travail. Espace de présentation et de stockage, atelier et lieu d’exposition muséal, jardin de sculptures : The storage est tout cela à la fois. C’est ainsi pour Philippe Pasqua un laboratoire, une plateforme de travail et de réflexion destiné à favoriser rencontres, échanges et collaborations artistiques internationales. Les collectionneurs, les professionnels et amateurs d’art comme les scolaires et les étudiants mais aussi le grand public peuvent s’immerger dans l’univers de l’artiste. Dans le jardin de sculptures sont présentées ses dernières œuvres monumentales réalisées à Carrare. Dans un avenir proche, un programme d’expositions collectives, d’évènements et de rencontres sera dévoilé. Dans un désir de dialogue et de collaboration, des artistes seront régulièrement invités à y travailler.En proche banlieue parisienne, THE

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STORAGE s’ouvre à différent publics consacré à la création contemporaine sous toutes ses formes : art contemporain, design, nouvelles technologies (sons et images), photographie, architecture… Philippe Pasqua has designed THE STORAGE, a space dedicated to artistic experimentation and collective innovation, and his own work.

logue and collaboration, artists will be regulary invited to work in Paris suburbs, THE STORAGE is open to different audiences devoted to contemporary art in all its forms: contemporary art, design, new technologies (sounds and images), photography, architecture ...

Presentation space and storage, workshop and exhibition space museum, sculpture garden: The storage is all at once. Thus a laboratory for Philippe Pasqua, a work platform and reflection intended to promote meetings, international exchanges and artistic collaborations. Collectors, professionals and art lovers such as schools and students but also the general public can plunge into the world of the artist. In the sculpture garden are presented his last monumental works made in Carrara. In the near future, a program of exhibitions, events and meetings will be announced. In a desire for dia-

www.pasquaphilippe.com

© DR, Fabiana Cifuentes

THE STORAGE / Philippe Pasqua 38 avenue du fond de vaux 95310 Saint Ouen l’Aumône + 33 1 39 09 99 23

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© 2010 Philippe Pasqua. Tous droits réservés.

PHILIPPE PASQUA - PORTRAIT

“Silence” Philippe Pasqua Détail

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© 2010 Philippe Pasqua. Tous droits réservés.

VANITÉ, 2009 Techniques mixtes

THE STORAGE THE STORAGE représente un exécutoire pour l’artiste, il peut y stocker autant de toiles et de sculptures souhaitées, sans pour autant les exposer au public. Un lieu à découvrir en famille, entre amis ou en solitaire. Un accueil privilégié est accordé à tous les visiteurs afin de comprendre au mieux les intentions qui ont poussé l’artiste à créer cet endroit inédit. Très prochainement, un programme d’expositions collectives, d’événements et de rencontres sera dévoilé. C’est pourquoi, afin d’améliorer la collaboration entre les peintres internationaux et Philippe PASQUA, de nombreux artistes seront régulièrement invités à travailler au STORAGE. THE STORAGE is a binding for the artist, it can store as many paintings and sculptures that you want, without exposing them to the public. A place to discover with family, friends or alone. A special welcome is extended to all visitors to understand the best intentions that prompted the artist to create this unusual place. Very soon, a program of exhibitions, events and meetings will be announced. Therefore, to improve collaboration between international artists and Philippe Pasqua, many artists are regularly invited to work STORAGE.

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© 2010 Philippe Pasqua. Tous droits réservés.

PHILIPPE PASQUA - PORTRAIT

VANITÉ, 2009 Techniques différentes sur papier, 250 x 200 cmGallery

VANITÉ, 2009 Techniques mixtes

THE STORAGE . 38 avenue du fond de VAUX • 95310 Saint-Ouen l’Aumône Téléphone : 01 39 09 99 23 • the storage@pasquaphilippe.com

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Cyril Olanier « l’IMAGE FLOTTE, ELLE N’EST PAS SUR MAIS SOUS LA SURFACE DE LA TOILE ... » «The IMAGE FLOATS, IT IS NOT OVER But beneath the surface CANVAS ...» « Autoportrait 1» - Huile sur toile - Oil on canvas - 100 x 80 cm 2005. rhapsody ( a short introduction to the Budapest night orchestra ) 150 x 200 cm oil on canvashuile sur toile

Cyril Olanier est né en 1966 à St Brieuc. Il étudie à l’école des Beaux-Arts de Nantes et du Mans. Entre 1998 et 2004, il enseigne à l’ENSAD de Strasbourg et à l’école des Beaux-Arts de Toulouse. Cyril Olanier peint des visages de femmes en pleine extase ou endormies, des roses, des portraits d’hommes. La photo projetée sur la toile vierge est un moment volé, car il ne reste que la peinture à l’huile. L’image flotte, elle n’est pas sur mais sous la surface de la toile, fondue dans la toile, captive sans jamais être figée, mobile comme un plan de cinéma sur grand écran. Cyril Olanier expose depuis 10 ans à Londres et à Oslo, après un début dans les années 90 à Berlin et en Autriche. En 2009, il participe à l’exposition « Ils s’exposent pour la vie  » à l’Hôtel de Ville de Paris. L’exposition « Un momentito señor » présente ses œuvres récentes.

photo © Cyril Olanier - galerie-du-fleuve.com / http://www.galeriedx.com/

Olanier Cyril was born in 1966 in St Brieuc. He studied at the Ecole des Beaux-Arts de Nantes and Le Mans. Between 1998 and 2004, he taught at the ENSAD Strasbourg and at the Ecole des Beaux-Arts in Toulouse. Cyril Olanier painted faces of women in ecstasy or asleep, roses, portraits of men. The picture projected onto the blank canvas is a stolen moment, because there are only the oil painting. The image floats, it is not on but under the surface of the canvas, blended into the canvas, captive but never fixed, mobile cinema as a plan on the big screen. Cyril Olanier exposed for 10 years in London and Oslo, after starting in the 90’s in Berlin and Austria. In 2009, he participated in the exhibition «They are exposed to life» at the Hotel de Ville in Paris. The exhibition «A momentito señor» presents his recent works.

« Slow « - Huile sur toile - Oil on canvas 205 x 200 cm, 2008.

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www.galerie-du-fleuve.com

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CYRIL OLANIER - TALENT

« Orange Night Interior « - Huile sur toile - Oil on canvas 150 x 150 cm, 2008.

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EBOY - TALENT

Eboy « PIXEL ART» Après s’être attaqué aux plus grandes villes du monde, New York, Berlin, Tokyo … Le trio de Designer Berlinois Eboy offre à Paris sa version Pixellisée.

After attacking the world’s largest cities, New York, Berlin, Tokyo ... The trio of Designer Eboy Berlin offers its version in Paris pixelated.

photo © www.hello.eboy.com

Berlin

Paris

New York

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Tokyo

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L’ART DE LA MARQUE/ART BRAND - FOCUS

L’art de la marque By Mike Marinakis

«Art brand»

Campagne presse conçue pour illustrer la démarche artistique et éco-responsable de Lacoste et des frères Campana.

Chritian Louboutin : Peter Lippmann photographie la collection de chaussures automne/hiver 2011-2012 en mode peintures historiques.

Li Xiofeng Pour la cinquième édition de ses Holyday Collector, Lacoste a invité l’artiste chinois Li Xiaofeng à revisiter son célèbre polo. Le chinois a imaginé une oeuvre d’art en porcelaine qui a servi à la fabrication de deux polos exclusifs pour homme et pour femme. Li Xiaofeng a utilisé des tessons de porcelaine, reliés entre eux par du fil argenté, pour réaliser sa sculpture représentant un polo Lacoste. For the fifth edition of his Holyday Collector, Lacoste has invited the Chinese artist Li Xiaofeng to revisit his famous polo. The Chinese came up with a work of art of porcelain that was used in the manufacture of two exclusive polo shirts for men and women. Li Xiaofeng used shards of porcelain, linked together by silver wire to make his sculpture of a Lacoste polo.

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Mini : et la vie est un jeu . DDB DM9JAYMESYFU, Makati City, The Philippines

BMW art par Jeff Koons

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Andrei Molodkin « Regard libre free look » Andrei Molodkin est un artiste russe, né en 1966 à Boui. Il vit et travaille à Paris et New York. Principalement connu pour ses grands formats réalisés à l’aide de stylos Bic et de ses sculptures remplies de pétrole.

Installation View, Galerie Kashya Hildebrand, Zurich, 2007

Inspiré par la «guerre froide» entre les USA et la Russie? Peut-être que c’est juste une «blague» que l’artiste russe Andrei Molodkin principal représentant de l’art russe et de l’art jeune à la Biennale. Molodkin expérience l’art corporel mené à des niveaux extrêmes : par l’utilisation d’une machine capable de porter à ébullition des carcasses des cadavres, l’artiste réussi à produire du pétrole. Pour l’instant, l’expérience a été menée avec la carcasse d’un chien. Ici nous le voyons occupé à Milan à la Galleria Pack, où du 5 avril (28 mai) s’ouvre sur l’exposition intitulée «sincère». Et ici c’est la mise en place de la performance qui rappelle la devise d’Obama (et Veltroni) «Yes we can», confrontée à une installation lumineuse qui dit : «FUCK YOU». Molodkin Andrei is a Russian artist, born in 1966 in Boui. He lives and works in Paris and New York. Known for his large size made with Bic pens and sculptures filled with oil. Inspired by the «cold war» between the U.S. and Russia? Maybe it’s just a «joke» that the Russian artist Andrei Molodkin principal representing the views of young art and art of Russia at the Biennale. Molodkin conducted an experiment that will take body art to extreme levels: by the use of a machine that can bring to the boil carcasses of the dead, the artist is able to produce oil. For now, the experiment was taken with the carcass of a dog. Here we see him busy in Milan at Galleria Pack, where the April 5 (May 28) opens to the impersonal entitled «sincere.» And here is the establishment, in the workquirappelle the motto of Obama (and Veltroni) «Yes we can», a light installation that says «FUCK YOU».

Andrei Molodkin, Oil Evolution (Human Skull), 2008 crude oil in acrylic block Courtesy of Daneyal Mahmood Gallery

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http://www.ato.jp/

ANDREI MOLODKIN - TALENT

Andrei Molodkin «Love»

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Andrei Molodkin, Project, 2009. 340x260x25cm. acrylic tubes filled with crude oil and neon tubes. Courtesy of the Artist and Tretyakov gallery UK

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Valentin

Van der Meulen « Portraits de passage... »

«Portraits pass ...»

Après sa 3 e exposition personnelle à la galerie RX, et après la magnifique exposition réalisée à la Maison des Arts de Malakoff, dirigée par Aude Cartier en décembre 2009, Valentin Van Der Meulen présente avec ARTY “L’amour de l’art“ un ensemble de 13 grands dessins dans un nouvel immeuble du quartier de Lyon Confluence. Portrait de passage, trace d’une identité pour certains, bribes d’images pour d’autres, des dessins réalisés au fusain et à la pierre noire se dressent face au spectateur. Conçus à partir de photographies issues de la presse ou d’internet, quelques uns de ces dessins de plus en plus effacés, de plus en plus dégradés, sont voués à disparaître. Relation éphémère, accumulation de résidus, souvenirs anecdotiques… Tout ceci nous amène à prendre conscience de notre relation aux images et à leur sujet. After his third solo exhibition at Galerie RX, and after the magnificent exhibition organized at the Maison des Arts de Malakoff, led by Aude Cartier in December 2009, Valentin Van Der Meulen presents with ARTY “L’amour de l’art“ a set of 13 large drawings in a new building in the neighborhood of Lyon Confluence. Portrait of passage, trace an identity for some, bits of images to others, drawings in charcoal and black chalk stand facing the viewer. Designed from photographs from the press or internet, some of these drawings increasingly cleared, more and more degraded, are doomed to disappear. Ephemeral relationship, buildup, anecdotal memories ... All this leads us to recognize our relationship to images and their subject.

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06 novembre 130x165 cm d’après Eric Bouvet

© Valentin van der MEULEN. Galerie RX, Paris.

[ ARTY - L’amour de l’art ] à pour vocation de rapprocher la création contemporaine et le monde de l’entreprise www.artylamourdelart.com

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VALENTIN VAN DER MEULEN - TALENT

Fusain et pierre noire, 2008 100 x 100 cm © Valentin van der MEULEN. Galerie RX, Paris.

Galerie Rx 6 Avenue Delcassé, 75008 Paris 01 45 63 18 78 info@galerierx.com http://www.galerierx.com/

Dé-rive 15, 2009 Fusain et pierre 120x86 cm

© Valentin van der MEULEN. Galerie RX, Paris.

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Caroline Vachet Galerie En résonance avec la 11e biennale d’art contemporain de Lyon. Trois exposition deux lieux, la galerie et le Restaurant Christian Tetedoie Echoing the 11th Biennial of Contemporary Art in Lyon. Three two exhibition sites, gallery and restaurant Tetedoie Christian

Du 9 novembre au 31 décembre 2011 Dès le 10 septembre des pièces « retour du Mexique » de l’artiste seront visibles sur les deux sites. Vernissage mardi 8 novembre 2011 à partir de 18h00

De Hilo en Hilo Dado Lopez-Perez Dado Lopez-Perez est né en 1983 à Calpulalpal, Mexique.

TE ESTOY AMANDO LOCAMENTE Thomas Henriot

Thomas Henriot est né en 1980 en France. Il vit et travaille entre Cuba et la France. Thomas Henriot dessine. Sur le motif. Au Maroc, au Liban, au Togo, en Chine, en Argentine, à Oman, au Mali, en Mauritanie, en Inde, à Marseille, à Cuba, au Brésil, partout où ses pas le mènent à la rencontre des autres et de terres étrangères. Son art lui sert de lien et de langage pour entrer en communication avec les spectateurs inconnus qui assistent à l’élaboration de ses oeuvres. L’artiste dessine au sol plusieurs oeuvres d’affilée sans interruption, en public, et la présence de son corps au travail reste à jamais marquée dans ces rouleaux qu’il transporte avec lui, peintures légères et nomades. La démarche artistique de Thomas Henriot est tout à fait singulière car elle conjugue à la fois un vrai savoir-faire traditionnel, une découverte du monde pleine d’allant, un engagement de son métier d’artiste confronté en direct aux regards, une expérience physique du dessin en jet continu. Vivre le dessin, 2010 Anne Dary Thomas Henriot was born in 1980 in France. He lives and works between Cuba and France. Thomas Henriot shape. On the ground. In Morocco, Lebanon, Togo, China, Argentina, Oman, Mali, Mauritania, India, in Marseille, Cuba, Brazil, wherever his steps led him to meet others and land Foreign. His art serves as a link and language to connect with the audience attending the unknown development of his works. The artist draws several works on the ground in a row without interruption, in public, and the presence of his body remains forever at work in these rolls marked it carries with him, painting light and mobile. The artistic approach of Thomas Henriot is quite unique because it combines both a real traditional knowledge, a world full of discovery from a commitment to his profession as an artist confronted with direct gaze, a physical experience of drawing a continuous stream. Life drawing, 2010 Anne Dary

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Du 9 novembre au 31 décembre 2011 Vernissage mardi 8 novembre 2011 à partir de 18h

Hysteria_ Céleste Anya Belyat-Giunta Anya Belyat-Giunta est née en 1975 à Saint Petersbourg, Russie. Elle vit et travaille à Saint-Étienne, France. Anya Belyat-Giunta questionne la frontière entre l’ici et l’ailleurs, l’absence et la présence, le passé et le présent, le réel et l’imaginaire, les souvenirs personnels et la mémoire collective. Elle s’interroge, nous interroge, non sans une pincée d’humour, comme en témoignent les titres de certains dessins. Parmi ses travaux, certains peuvent nous incommoder, d’autres nous attendrir, d’autres encore nous bouleverser. Tous nous interpellent. Anya Belyat-Giunta was born in 1975 St. Petersburg, Russia. She lives and works in Saint-Etienne, France. Anya Belyat-Giunta questions the border between here and elsewhere, the absence and presence, past and present, reality and imagination, personal memories and collective memory. She questions, questions us, not without a pinch of humor, as evidenced by the titles of some drawings. Among her work, we may disturb some, others expect, we upset others. Challenge us all.

Du 10 septembre au 29 octobre 2011 Vernissage samedi 10 septembre 2011 à partir de 15h 8-12

DOCKS ARTFAIR – FOIRE INTERNATIONNALE CONTEMPORAIN À LYON Du 13 au 18 septembre 2011

D’ART

SOFIA HIHAT Née en 1982 en Algérie, elle vit et travaille à Paris, France. Diplomée des Beaux Arts d’Alger en 2007 et des Beaux Arts de Paris en 2011. Born in 1982 in Algeria, she lives and works Paris, France. A graduate of Fine Arts of Algiers in 2007 and Fine Arts in Paris in 2011.

23, Rue Burdeau, 69001 Lyon 04 78 30 64 38

Elle est audacieuse, nerveuse, opiniâtre. Caroline Vachet est comme ça, entière. « Dynamique, énergique, inspirée » ajoutent les professionnels du monde de l’art. Il y a trois ans tout juste, à 25 ans à peine, elle ouvre son premier espace au 23 rue Burdeau à Lyon et devient la plus jeune galeriste d’art contemporain de la région. « Cette ville est un nouveau carrefour européen, le développement de l’agglomérat!on, de la région, mérite que chacun mette sa pierre à l’édifice. Lyon a clairement été un choix affectif et en quelque sorte militant ». Et la presse s’intéresse, à son parcours, à sa vision. Formée au prestigieux Institut d’Etudes Supérieures des Arts de Paris, elle passe, dit-elle « par tous les métiers de l’art, d’assistante de galerie, à la productionrégie dans de grandes expositions en passant par responsable de boutique, assistante de communication et de direction et bien sûre assistante personnelle d’une collectionneuse d’art moderne et contemporain ». Depuis 2010, Caroline Vachet se bat pour sa passion : le dessin contemporain. « J’ai décidé de prendre cette direction, j’ai toujours été fasciné par le trait dit-elle. C’est par là que tout commence. Je regarde le dessin comme un véritable espace et tous les grands artistes passent par ce geste. Aujourd’hui, il y a une redécouverte

www.galeriecarolinevachet.com AsV

de ce médium, plus accessible financièrement, par de jeunes collectionneurs. On replace le dessin à un état d’œuvre d’art majeure. Et c’est, je pense, le meilleur moyen, d’entrer dans l’œuvre d’un artiste, de la découvrir, de la comprendre.» Son obsession : défendre son catalogue d’artistes émergents, avec force, ferveur. « C’est Le rôle du galeriste ajoute-elle : promouvoir, faire émerger, faire briller. Je crois profondément en mes artistes. » Caroline est comme ça, entière. Sur les foires, au salon du dessin contemporain ou à Art Paris, à Carthagène, à Bruxelles, elle séduit les institutions, les amateurs, les collectionneurs avec des œuvres fortes, tranchantes. La jeune galeriste fidélise déjà autour d’elle une clientèle nombreuse d’initiés et de connaisseurs. Franche, directe, sûre de ses choix et de son positionnement, Caroline est comme ça, entière. E.M 2011 It’s bold, edgy, opinionated. Caroline Vachet is like that, right. «Dynamic, energetic, inspired,» added the professional world of art. Three


GALERIE CAROLINE VACHET - GALERIE

Nora BoudjemaÏ « d’une interrogation inquiète induisant quasi simultanément une sensation d’étrange sérénité. » « Inducing an almost disturbing question simultaneously a strange feeling of serenity. »

years ago just at 25 years old, she opened her first space at 23 rue Burdeau in Lyon and became the youngest contemporary art gallery in the region. «This city is a new European hub, the development of the agglomerate! One of the region that everyone deserves to put her to the building. Lyon was clearly an emotional choice and somewhat militant.» And the press is interested in her career, her vision. Trained at the prestigious Institute of Advanced Studies Arts of Paris, she goes, she said «in all areas of art, gallery assistant, production-governed in large exhibitions through responsible shop , assistant communication and leadership and of course personal assistant to a collector of modern and contemporary art. « It’s a gogetter, an entrepreneur hangs, contacts, looks, talent. Since 2010, Caroline Vachet fights for his passion for contemporary design. «I decided to take this direction, I was always fascinated by the line she said. That’s where it all begins. I look at the drawing as a genuine and all the great artists go through this gesture. Today there is a rediscovery of the medium, more affordable, by young collectors. It replaces the drawing to a state of major work of art. And that I think the best way to enter the work of an artist, to discover, understand.» His obsession is

to defend her catalog of emerging artists, with force, fervor. «This is the role of the gallery she adds: promote, bring out, to shine. I believe deeply in my artists.» Caroline is like that, right. At fairs, the show of contemporary drawing or art in Paris, in Cartagena, in Brussels, she attracts institutions, hobbyists, collectors with works strong, sharp. The young gallery owner loyalty already around her a large clientele of insiders and connoisseurs. «It shows me, month after month, support, confidence, openness she confirms. And my gallery has a policy moderate pricing, elitism was too much trouble in the world of art. An artist whose ambition is to be known only within an inner circle does not really interest me.» Straightforward, direct and sure of her choice and positioning, Caroline is like that, right. E.M 2011

Lorsque vous vous plongez dans les profondeurs ou explorez les reliefs des toiles et des plexis de Nora Boudjemaï, vous commencez par obéir à l’instinct de tout contemplateur en recherchant inconsciemment ce que l’artiste a ressenti, a tenté d’exprimer ou de représenter par divers biais - matériel des couleurs ou du support, immatériel des émotions. Toutefois, au fur et à mesure que l’on se fait happer par la mouvance de ces volutes aux teintes étranges – tantôt crues, tantôt intimistes, jamais innocentes ; qu’on se laisse envahir par les troubles silhouettes humaines ou indéfinissables qui crèvent la toile ou au contraire la squattent comme si elles n’y étaient pas tolérées ; qu’on se sent presque maculé par une flaque de couleur qui vous éclabousse le regard et vous déstabilise ; au terme (mais est-ce vraiment le terme ?) de ce cheminement physiquement optique et psychiquement investigateur, on se rend compte que l’on est passé du statut de spectateur à celui d’acteur, mais d’acteur pris à partie par la toile qui, de par sa nature intrinsèque de représentation, renvoie à celui qui la regarde sa propre réflexion. Non pas comme un simple miroir mais comme une image incitant à s’interroger sur soi-même, plus encore que sur le pourquoi, le comment de l’effet produit par la toile sur celui qui lui fait face, que ce soit de manière purement plastique au stade du regard, ou plus profondément émotionnelle au fur et à mesure du cheminement mental. Alors, peut succéder à cet état de recherche qui peut faire frémir, une prise de conscience de quelque chose qui serait presque rassurant par son côté bizarrement familier, parfois même ludique. Et partant - si toutefois on fait sienne cette perception-là, parmi toutes celles possibles, de l’oeuvre de Nora Boudjemaï - vivre un oxymore visuel autant que mental, celui d’une interroga-

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tion inquiète induisant quasi simultanément une sensation d’étrange sérénité . When you dive into the depths and explore the paintings and reliefs plexis Nora Boudjema, you start by obeying the instinct of any viewer seeking unconsciously what the artist felt, tried to express or represent through various channels - the color or material support, intangible emotions. However, as and when it is caught up in the movement of these scrolls in shades strange - sometimes raw, sometimes intimate, never innocent, they let themselves be overcome by troubles that indefinable human silhouettes or burst the web or conversely the squat as if they were not tolerated, you can feel smudge bye a colour puddle that splashes your look and destabilized you, the term (but is that really the word) of this optical path physically and mentally investigator, we realize that we went from being a spectator than an actor, but an actor attacked by the web, which by its very nature of representation, refers to that who looks at his own reflection. Not a simple mirror image but as an incentive to question itself on, even more than the why, how of the effect produced on the canvas in front of it, either in a purely plastic stage of vision, or deeper emotional and as far as mental path. So, can succeed in this state of research that can thrill, an awareness of something that is almost reassuring his side strangely familiar, sometimes even playful. And hence - if indeed endorsed this perception among all those possible, the work of Nora Boudjema - an oxymoron live visual as well as mental, that of a worried question almost simultaneously inducing a feeling of strange serenity.

Juliette Nothomb

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Plasmascopic / 36» x 19» x 3» / hand-cut paper on wood backing / 2009

Sunken Sediment / 31» x 42» x 38» / hand-cut paper & foam core, light / 2010

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JEN STARK- TALENT

Jen

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« SCULPTRICE DE PAPIER » «SCULPTOR PAPER» Les œuvres de papier de l’illustratice américaine Jen Stark sont en train de faire le tour du web, et c’est mérité! Ses sculptures, constructions épurées de papiers de couleur soigneusement découpés, sont remarquables. Fruits d’un savoir-faire et d’un soin poussé du détail, qu’on retrouve dans ses feuilles finement dentelées, les Cut Leaves. Si son travail sur papier est fignolé et sobre, ses dessins et croquis surprennent par leur fantaisie. Les lignes s’emmêlent joyeusement en pelotes colorées. Evoquant une version pop de Delaunay ou Kandisky. The works of paper from the American illustratice Jen Stark is doing around the web. And it deserved. His sculptures, constructions clean colored paper carefully cut, are remarkable. Fruits of knowledge and a carefully pushed to detail found in the leaves finely toothed, “cut Leaves”. If the paper work is polished and sober, his drawings and sketches are surprisingly fancy. Lines tangle joyfully colored balls. Referring to a pop version of Delaunay and Kandinsky.

photos Jen Stark © 2009 - 2011

Burst / 12» x 12» x 3» / hand-cut paper / 2007

Tri Angular / 35» x 35» x 25» / acrylic paint on wood / 2010

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Pedestal / 40» x 18» x 18» / hand-cut paper, wood, foamcore / 2011

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musée Cocteau à Menton

photos © rudy ricciotti.

Centre chorégraphique d’Aix-en-Provence

Villa Lyprendi à Toulon

Villa Bandol – 2002

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RUDY RICCIOTTI- PORTRAIT

Rudy Ricciotti « Coeur Battant » «Beating heart» Grand Prix National d’Architecture Chevalier de la Légion d’Honneur Officier des Arts et des Lettres Officier de l’Ordre National du Mérite Né le 22 Août 1952 à Alger 1980 Ecole d’architecture de Marseille 1974 Ecole d’ingénieurs de Genève C’est peut-être le mot qu’il préfère, « autonomie » : le droit de se gouverner par ses propres lois. On l’imagine libre, rieur facétieux au service d’un prince éclairé des milles et une nuits, obligé à l’envoyer chercher sur la plage quand ses confrères sont déjà aux marches du palais. Le prince n’existe pas, mais les architectes aux ordres existent bien sûr. Indépendance d’esprit donc, goût du débat, de la joute verbale et parfois de la discorde. Dans un ouvrage qui examine précisément le travail de l’architecte (Codex, Birkhauser, 2003), Paul Ardenne démontre comment au travers des commandes et de leur usage s’y révèlent des espaces propres de liberté. Certains projets du paysage méditerranéen offrent en incrustation des fichiers stylistiques inattendus, une façon inventive interne comme des polémiques sous la peau la plus visible de l’architecture. Rudy Ricciotti revendique parfois une certaine vulgarité, mais il faut savoir ce que vulgarité veut dire chez lui. Sûr que l’architecte ne se parfume pas à la branchitude, comme ces jazzmen obligés dans le passé de se grimer le visage pour jouer dans les clubs de Blancs. Rudy Ricciotti est un rebelle au charme complexe, fuyant les codes réducteurs ou enfermants. Et son architecture est à son image. Un autre aspect de la « manière » Ricciotti est de favoriser les échanges avec d’autres architectes ou des artistes qu’il associe en amont des projets. Pour les architectes, on citera Heintz, Deslaugiers ou des Latinos hors la France. Pour les artistes, Joep Van Lieshout régulièrement sollicité, mais aussi Fred Rubin, le compositeur Michel Bossini ou Wang Du et encore Berdaguer et Péjus, Briand, Hébréard ou Bazile.

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De la maîtrise d’ouvrages privés à la commande publique voici ce qu’a pensé, construit, réussi, avec un mélange ambigu de respect contextuel et de transgression, cet architecte qui admire le maniérisme et le baroque pour les libertés créatrices qu’ils autorisent, et se plaît dans le traitement conceptuel des oppositions entre le naturel, le barbare, le sauvage, l’artificiel et le cultivé, dans tous les instants de son quotidien. Grand Prix National d’Architecture Chevalier of the Legion of Honor Officer of Arts and Letters Officer of the Order of Merit Born August 22, 1952 in Algiers 1980 School of Architecture of Marseille 1974 Engineering School of Geneva

Another aspect of the «manner» Ricciotti is to promote exchanges with other architects and artists he associated upstream projects. For architects, may be mentioned Heintz, Deslaugiers or Latinos out of France. For artists, Joep Van Lieshout regularly asked, but Fred Rubin, composer Michel Bossini and Wang Du and let Berdaguer Péjus, Briand, or Hébréard Bazile. In project management private to public here what designed, built, managed, with an ambiguous mixture of respect and pop transgression, the architect who admires the Mannerist and Baroque for creative freedom they allow, and delights in the treatment of conceptual oppositions between the natural, the barbarian the wild, artificial and cultivated, in every moment of daily life. Jim Palette

Maybe he prefers the word «autonomy»: the right to govern itself by its own laws. One imagines free, laughing at the service of a mischievous prince informed Thousand and One Nights, obliged to send for the beach when his colleagues are already at the palace steps. The prince does not exist, but the architects orders exist of course. Independence of mind, therefore, a taste of the debate, the verbal sparring and sometimes divisive. In a book that examines precisely the work of the architect (Codex, Birkhauser, 2003), Paul Ardenne demonstrates how through the commands and their use there own show spaces of freedom. Some projects of the Mediterranean landscape offer pop-up files stylistic unexpected, an inventive way internally controversy under the skin the most visible architecture. Rudy Ricciotti claims sometimes some vulgarity, but you know what vulgar means in his . Sure that the architect does not perfume the trendy, like the jazz musicians in the past forced disguising himself face to play in the clubs of whites. Rudy Ricciotti is a rebel charm complex fleeing reducing or shutting codes. And its architecture is its image.

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AsV Š Pierre Paulin / collection Mobilier national / Photo : OlivierAmselle


PIERRE PAULIN - EXCEPTION

Pierre Paulin « LE DESIGN AU POUVOIR » «DESIGN IN POWER» L’œuvre du designer français Pierre Paulin, au travers de créations qui sont le fruit de 40 ans de collaboration avec le Mobilier national. Celui qui se fit connaître dans les années 1960 en inscrivant la modernité dans les appartements de l’Elysée, qui a marqué d’une empreinte toujours actuelle le design de la seconde moitié du XXe siècle, Sollicité par le président Pompidou pour meubler les appartements de l’Elysée, Pierre Paulin, qui crée du mobilier depuis les années 1950, s’inscrit avec cette commande dans l’Histoire et connaît son heure de gloire. « Ces aménagements pour le président Pompidou, constituent un des aspects les plus spectaculaires de son œuvre, souligne Bernard Schotter, administrateur du Mobilier national. Ils ont permis, en répondant à un souhait exprimé au plus haut de l’Etat, de faire prendre conscience, dans une société française qui était alors un peu fermée à tout ce qui était design, qu’il y avait des formes nouvelles qui émergeaient, qu’il y avait une modernité en marche et que la France avait aussi sa place à prendre dans ce courant moderne qui se développait ». The work of French designer Pierre Paulin, through creations that are the result of 40 years of collaboration with the National Furniture. One who made himself known in the 1960s by modernity in Elysée appartement, who left his still current print on the design of second half of the 20century. Requested by President Pompidou to furnish the apartments of the Elysee, PierrePaulin, who creates furniture from the 1950s, fits with this command in history and has its moment of glory. «These arrangements for President Pompidou is one of the most spectacular aspects of his work, said Bernard Schotter, national director of furniture. They allow, in response to a desire expressed at the highest step of the state, french people ( who was not yet interessed in design) to become aware that new forms were emerging, modernity was running, France had to take its place in this modern trends that was developing.»

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© photo. http://www.fubiz.net/

The Dali Museum Le Musée Dali vient de réouvrir en Floride, avec un nouveau bâtiment en verre. Il concentre près de 20 000 mètres carrés d’oeuvres d’art et l’ensemble de la collection de l’artiste espagnol Salvador Dali. Un travail d’architecture moderne et surréaliste par le cabinet HOK Architects. The Dali Museum just reopened in Florida, with a new glass building. It focuses almost 20,000 square feet of art and the entire collection of Spanish artist Salvador Dali. A work of modern architecture and surrealist firm HOK Architects.

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THE DALI MUSEUM - ARCHITECTURE

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FRANK LLOYD WRIGHT - CULTE

Frank Lloyd Wright La Maison de la cascade (Fallingwater ou encore Edgar J. Kaufmann Sr. Residence en anglais) est une maison construite pour l’homme d’affaire Edgar J. Kaufmann entre 1936 et 1939 d’après des plans de 1935 de l’architecte américain Frank Lloyd Wright. Elle se situe sur la route 381, entre les villages de Mill Run et Ohiopyle, dans le comté de Fayette et la municipalité de Stewart, en Pennsylvanie, à 80 kilomètres de Pittsburgh, aux États-Unis.

The home was built partly over a waterfall on Bear Run in the Mill Run section of Stewart Township, Fayette County, Pennsylvania, in the Laurel Highlands of the Allegheny Mountains.

La spécificité de la construction est le fait qu’elle est partiellement construite sur une cascade de la rivière Bear Run, dans les Allegheny Mountains. Fallingwater or Kaufmann Residence is a house designed by American architect Frank Lloyd Wright in 1935 in rural southwestern Pennsylvania, 50 miles southeast of Pittsburgh.

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ROCK’HOUSE - SURPRISE

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Rock’house Retour sur cette incroyable maison

située à la campagne au Nord du Portugal, et construite dans 2 pierres géantes. Un rendu étonnant pour ce lieu encore habité, et fusionnant avec la nature.

Back to this incredible house

© photo. www.tinyhousedesign.com

located in the countryside north of Portugal, and built in two giant stones. An amazing record this place still inhabited, and merging with nature.

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JIELDé - CULTE

Jielde « De l’atelier au musée. » «From the studio to the museum.» Quand la lumière rejoint l’Art. Née en 1950, la lampe Standard de Jieldé n’a jamais cessé d’être fabriquée dès lors. «Utile, beau & agréable» telle que la définissait Jean Louis Domecq à sa conception, la lampe Jieldé est devenue une icône du design industriel français. When the light reaches the Art. Born in 1950, the lamp Standard Jieldé has never ceased to be manufactured since. © photo. l.perrindomcq / C.Cabanis

«Useful, beautiful & enjoyable» as defined by Jean Louis Domecq in its design, the lamp Jieldé became an icon of French industrial design.

www.jielde.com 82

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PIERRE CHAREAU - CULTE

Pierre Chareau « Pierre Chareau fut avec Le Corbusier, en France, l’un des premiers architectes modernes, utilisant de nouveaux matériaux, tels que le verre ou l’acier. Il fut membre du Congrès international d’architecture moderne. » « Chareau was with Le Corbusier in France, a leading modern architects, using new materials such as glass or steel. He was a member of the International Congress of Modern Architecture. » La Maison de Verre est un projet réalisé par l’architecte-décorateur Pierre Chareau et l’architecte Bernard Bijvoet, 31, rue Saint-Guillaume à Paris VIIe arrondissement, pour le docteur Dalsace entre 1928 et 1931. Elle est son oeuvre majeure, composée de trois étages, conçue comme un espace total, dont la façade sur cour est complètement vitrée : une structure métallique tramée soutient des panneaux en pavés de verre. Tandis que les chambres s’isolent par des portes-placards, en bois ou métal, qui coulissent ou pivotent. La structure (poutres et poutrelles en acier), les canalisations et conduits restent visibles et participent à l’architecture, transformant ainsi les éléments utilitaires de la maison en éléments décoratifs. Il utilise aussi des dalles ou briques de verre séparant les espaces et parfois les mises en façades sont rythmées en contraste avec le béton (jeu de géométrie avec des influences japonaises, des répétitions formelles et une trame rythmique) The Glass House is a project designed by architect and interior designer Pierre Chareau and architect Bernard Bijvoet, 31, rue Saint-Guillaume Paris VIIe arrondissement, to the doctor Dalsace between 1928 and 1931. It is his major work, composed of three floors, designed as a total space, whose facade is fully glazed courtyard: a framed steel structure supporting glass block panels. While the rooms are isolated by doors, closets, wood or metal that slide or rotate. The structure (beams and steel beams), pipes and ducts are visible and involved in the architecture, transforming the functional elements of the house also uses elements décoratifs.Il tiles or glass bricks separating spaces and sometimes façades have put in contrast with the concrete (set of geometry with Japanese influences, rehearsals and a formal rhythmic pattern)

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C’est en véritable alchimiste qu’il expérimente la transformation. It is true alchemist he experiences the transformation.

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MICHEL FROMENT & CHRISTIAN TÊTEDOIE - RENCONTRE

Michel Froment & Christian TeteDoie ... Une rencontre en entrainant une autre… Le restaurant Têtedoie à l’Antiquaille à Lyon, une architecture contemporaine où les œuvres de Michel Froment s’expriment librement. ... A meeting led to another ... is the project of the restaurant Têtedoie Antiquaille who was born in 2010, contemporary architecture where the works of Michel Froment freely expressed. Michel Froment a d’abord côtoyé à travers son métier de marchand les créations des plus grands architectes et créateurs de mobilier du 20e siècle. Nourri de cette immense culture du mobilier, il s’en est émancipé pour inventer un univers plus personnel dans lequel il introduit fantaisie, émotion et humour. Des grands créateurs du 20è, il a gardé l’excellence, et ses créations nous étonnent mais ne détonnent jamais… C’est en collectionneur intuitif et averti qu’il joue avec le bon goût et le kitsch qu’il introduit pour susciter la controverse . Intègre, il affirme sa singularité dans ses œuvres, sans concession ni nécessité de séduire…. .il en a la parfaite maitrise. C’est en véritable alchimiste qu’il expérimente la transformation. Dans son atelier de la Drôme provençale, il travaille sans relâche à de nouvelles expériences au milieu de poêles à frire géantes, de chalumeaux et de fers à souder... Maitrisées encore, les couleurs, acidulées, gourmandes, il les oppose au noir monochrome qui sublime la matière et le rend brillante comme le métal. Ces premiers travaux réalisés dans les années 90 étaient issus de galets en mousse flottée, matériau de récupération avec lequel il réalise des sculptures, tantôt totems, tantôt luminaires… puis sa curiosité s’est à nouveau éveillée avec la matière plastique le jour où il découvre AsV

dans une décharge publique un tas de canoës kayaks jetés là. A nouveau, l’envie lui prend de donner la vie. Lampes, tables, fauteuils, sculptures.... verront le jour et ne cesseront d’être réinventés à chaque nouvelle découverte qu’il fait avec la matière. Michel Froment ne se revendique pas artiste, il serait plutôt un artisan, bricoleur. Il ne cherche pas la reconnaissance, pendant plus de 10 ans, il n’a pas exposé son travail. En 2007, il est sollicité pour participer à une exposition à l’Isle sur Sorgue, à l’espace Béchard. Ce sera la rencontre avec son premier collectionneur, Pierre Cardin, qui acquiert une paire de ses fameux fauteuils et une sculpture « chat ». L’été 2009 sera la rencontre avec Sophie Ladmiral et la galerie lyonnaise Art Club où il présente régulièrement son travail… une rencontre en entrainant une autre… c’est le projet du restaurant Têtedoie à l’Antiquaille qui voit le jour en 2010, une architecture contemporaine où les œuvres de Michel Froment s’expriment librement. A 60 ans, cet artiste atypique, nous ouvre son univers, libre, puissant, accompli. On tente souvent de le comparer à ses pères, Garouste et Bonetti, Gaetano Pesce, Calka, Groult, on cherche aussi à situer son œuvre entre design, néo pop art ou art singulier, mais c’est difficilement qu’il entre dans ces catégories… il reste inclassable. 85


MICHEL FROMENT & CHRISTIAN TÊTEDOIE - RENCONTRE

Collectionneur, Pierre Cardin, acquiert une paire de ses fameux fauteuils et une sculpture « chat » collector, Pierre Cardin, who acquires a pair of his famous chairs and a sculpture “chat” Michel Froment first mixed, trough its merchant business, wtih creations of the greatest architects and furniture designers of the 20th century. Nourished by this immense culture of furniture, it is emancipated them to invent a more personal universe in which he introduced fantasy, emotion and humor. Some great designers of the 20th, he kept excellence, and his creations are amazing but do not detonate ... In intuitive and knowledgeable collector he plays with taste and kitsch that introduced controversial . Integrity, he asserts his individuality in his works, without concession or need to win .... . He has the perfect control. As a true alchemist, he experiences the transformation. In his studio in the Drôme Provençal, he worked tirelessly for new experiences in the midst of giant frying pans, torches and soldering irons ... Yet mastered, color, tangy, gourmet, he contrasts the black look that enhances the material and makes it shiny like metal. These early work in the 90s were from foam rollers, float material recovery with which he makes sculptures, totems sometimes, sometimes lighting ... then his curiosity was aroused again with the plastic on the day he discovers in a garbage dump a bunch 86

of kayaks canoes dumped there. Again, envy takes her to give birth. Lamps, tables, chairs, sculptures .... will emerge and will cease to be reinvented with each new discovery he made with the material. Michel Fromentdoes not consider himself as an artist, he would be more of a craftsman, handyman. It does not seek recognition for over 10 years, he has not shown his work. In 2007, he was asked to participate in an exhibition at L’Isle sur la Sorgue, space Bechard. This will be his first meeting with the collector, Pierre Cardin, who acquires a pair of his famous chairs and a sculpture chat. Summer 2009 will be meeting with Sophie Ladmiral and Lyon Art Gallery Club where he regularly presents his work ... a meeting led to another ... is the project of the restaurant Têtedoie Antiquaille who was born in 2010, a contemporary architecture where the works of Michel Froment freely expressed. At 60, this atypical artist, opens his world, free, powerful, accomplished. People often try to compare it to his fathers, Garouste and Bonetti, Gaetano Pesce, Calka, Groult, it also seeks to situate his work between design, neo pop art or art unusual, but it is difficult to fall into these categories ... there is unclassifiable.

Oeuf // Technique mixte.

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PIERRE ORSSAUD - PORTRAIT

SELECTION - ART PARIS JUST ART ! - FOIRE D’ART MODERNE ET CONTEMPORAIN - PARIS

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Pierre Orssaud « UN UNIVERS D’INSPIRATION » «A WORLD OF INSPIRATION» C’est le geste qui ouvre les champs d’expression. Donner n’importe quelle forme au papier, retrouver la matière, démontrer le valeur expressive de la déchirure comme élément plastique… Tout met en valeur la surface, le plan et le contour afin d’accentuer la différence de dimension pour fonder une nouvelle esthétique sur la discontinuité. Pierre Orssaud adopte comme matière principale le papier ou plus exactement les papiers déshérités. Dans une intuition alchimique, il les déchire, les rapporte et les colle. Chaque lambeau est utilisé pour sa valeur picturale, ses tons, ses motifs et trouve un nouveau sens à son histoire. Délires, formes, vibrations éclatées… Pierre Orssaud part à la cueillette au sein d’un univers urbain devenu sa source d’inspiration.

Is the gesture that opens the field of expression. Give any form to paper, find area, demonstrate the expressive value of the tear as a plastic element ... All showcases the surface, and the outline plan in order to accentuate the difference in size to form a new aesthetic of discontinuity. Pierre Orssaud adopted as a major paper or rather poor paper. In an alchemical intuition, he rips, reports and glue. Each flap is used for its pictorial value, its colors, patterns and find new meaning in its history. Delusions, shapes, broken vibrations... Pierre Orssaud goes to the gathering in a urban world which became his source of inspiration. Christine Parrayre

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photos © jean-noel perrin

JEAN-NOËL PERRIN - PORTRAIT

Jean-Noel Perrin « VOYAGEUR AVERTI » «WORLD TRAVELER»

Il s’accorde des temps de pose, laissant entrer les lumières, les couleurs, les impressions de mille visages. JN perrin veut aborder l’inde à travers un décor de regards. Ceux entrecroisés, ceux portés. Kerala, Tamil Nadu, Uttarakhand, Bengal ... théâtres de mille appréciations, révèlent les multitudes heures de travail. De cette vie indienne... dans ces toiles, une approche des anciens maitres de la peintures flamandes, glacis, vernis, décantations des huiles, travail des pigments, couches après couches la fusion des portraits révèle vingt ans de chemin dans la peinture, dans les voyages, à découvrir sur : http://.jeannoelperrin.blogspot.com

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It goes exposure times and lets lights enter, colors, prints of thousand faces. JN Perrin wants to adress India through a setting of looks. Those intersecting those worn. Kerala, Tamil Nadu, Uttarakhand, Bengal ... theaters of thousand opinions reveal the multitude of working hours. This Indian life ... in these paintings, an approach of the old masters of Flemish painting, glazes, varnishes, oils decantation, work pigment, layer portraits fusion reveal twenty years of journey in painting, in travel, to discover : http://.jeannoelperrin.blogspot.com

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MAXIME LHERMET - PORTRAIT

by guilhem gallery / megève

Maxime Lhermet « cOMiC’XXl »

Maxime LHERMET est né le 27 juillet 1974 à Sète. Ses premières toiles ont voyagé très tôt aux Etats-Unis, en Allemagne ou en Espagne. Porté par son inspiration, il n’a pas eu le temps de s’installer dans un mouvement et sa peinture non académique s’affirme aujourd’hui entre figuratif et abstrait. Un mélange subtil de plastique brûlé, d’huile et d’acrylique ou de pigments traduit le succès de ses recherches sur la matière qui le passionne depuis toujours. LHERMET Maxime was born July 27, 1974 in Sète. His early paintings have traveled very early in the U.S., Germanyor Spain. Carried by his inspiration, he has not had time to settle into a movement and his non-academic asserts itselftoday between figurative and abstract. A subtle mix of burning plastic, oil andacrylic and pigments reflects the success of his research on the matter that the life-long passion.

Technique mixte sur métal

Technique mixte sur métal

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CHRISTOPHE MANDALLAZ - PORTRAIT

by guilhem gallery / megève

Christophe Mandallaz « CITY & HEROES » Ses créations sont l’œuvre d’une précoce et perpétuelle fascination. A huit ans il découvre James Bond au cinéma dans «L’homme au pistolet d’or». Il crée sa première bande dessinée en noir et blanc sous les traits d’un agent secret aux allures de 007. Cinq aventures, première inspiration, prémices d’une passion et d’un long processus de création. En 2007, changement de technique, mêmes influences. En pleine complémentarité artistique, les univers se rencontrent, les décors naissent et s’animent sur des toiles grands formats. Souvent inspirées par la beauté des statues antiques à la rencontre des mannequins de haute couture, les mêmes courbes se redessinent et évoluent par l’incrustation d’un animal superbe et puissant qui côtoie tout naturellement une voiture de sport. Christophe Mandallaz est un capteur d’images dynamiques et percutantes.

A comics world 102 x 102 cm encadré Série limitée : 5 ex. (2 ex. vendu) Technique mixte : Encres Ultra Chrome sur Aluminium brossé

His creations are the work of an early and perpetual fascination. At eight he discovered James Bond in the movies «The Man with the Golden Gun.» He created his first comic in black and white in the guise of a secret agent-like 007. Five adventures, first inspiration, the beginnings of a passion and a long process of creation. La fiancée de James 100 x 140 cm encadré Série limitée : 3 ex. Technique mixte : Sérigraphie blanche et Encres Ultra Chrome

In 2007, technical change, the same influences. In full complementarity artistic worlds meet, the sets are born and come alive on large format canvases. Often inspired by the beauty of antique statues meeting high fashion models, the same curves redesign and then a powerful animal can naturally be next to a sport car. Christophe M. is a real sensor of dynamic and punchy images.

L’effet papillon La fiancée de James 100 x 140 cm encadré Série limitée : 3 ex. Technique mixte : Sérigraphie blanche et Encres Ultra Chrome

102 x 102 cm encadré Série limitée : 3 ex. Technique mixte : Sérigraphie blanche et Encres Ultra Chrome sur Aluminium brossé

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Photos Copyright Ernest Pignon-Ernest «Extases»

ERNEST PIGNON-ERNEST - PORTRAIT

Ernest Pignon-Ernest « Extases Mystiques » «mystical ecstasy» Le Département de Vaucluse a présenté une exposition de l’artiste plasticien Ernest Pignon-Ernest «Extases» sur le thème des mystiques extatiques, Marie-Madeleine, Hildegarde de Bingen, Angèle de Foligno, Catherine de Sienne, Thérèse d’Avila, Marie de l’incarnation, Madame Guyon : sept grands portraits imaginés mis en espace dans la chapelle SaintCharles et une quarantaine de dessins préparatoires constituant la genèse de l’œuvre.    « Sept femmes qui ont vécu la passion entre extase et tourment, mais qui intéressent l’artiste pour cette exaltation du corps qui s’incarne d’autant plus qu’il veut échapper à toute incarnation » écrit le poète André Velter.

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www.pignon-ernest.com The Department of Vaucluse presented an exhibition of visual artist Ernest Pignon-Ernest «ecstasy» on the theme of mystical ecstasy, Mary Magdalene, Hildegard of Bingen, Angela of Foligno, Catherine of Siena, Teresa of Avila, Mary the Incarnation, Madame Guyon: seven great portraits being imagined space in the chapel of St. Charles and forty preparatory drawings forming the genesis of the work. «Seven women who have experienced the passion between ecstasy and torment, but who interest the artist for this exaltation of the body that embodies all the more he wants to avoid any incarnation,» wrote the poet André Velter.

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www.augis1830.com

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STEPHANE THIDET - TALENT

Stephane Thidet des « pièges à l’œil » qui fonctionnent «traps to the eye» that work

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Stéphane Thidet est un artiste qui crée des univers convoquant la fiction, des mises en scène rejouant des moments filmiques trouvés dans la réalité. Combinant des techniques de fabrication, des dispositifs scéniques et cinématographiques, sa pratique est difficile à classer sous la forme d’un seul vocable. Vit à Paris et travaille à Aubervilliers. Diplômé de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris et de Rouen. Stéphane Thidet is an artist who creates worlds calling fiction, staged film replaying moments found in reality. Combining manufacturing techniques, devices and theatrical film, its practice is difficult to classify as a single term. Lives in Paris and works in Aubervilliers. A graduate of the Ecole Nationale Superieure des BeauxArts in Paris and Rouen.

VUE à la Galerie Aline Vidal 70, rue de Bonaparte 75006 Paris Tél : (33) 01 43 26 08 68 Email : galerie@alinevidal.com

www.alinevidal.com AsV


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www.espace-visage-du-parc.fr

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halledelyon.free.fr. AsV

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PROFESSIONAL www.sprekenhus.com

Profile for lionel perrin

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