12nDigital Laboratorio Artístico 2.0. Catálogo 3era. Entrega

Al cumplir un año de estar inmersos en la pandemia, ya hemos logrado agrupar a 36 artistas venezolanos ubicados en distintas latitudes para conocer y mostrar sus procesos de trabajo. Justo ahora estamos cerrando nuestra tercera entrega de 12nDigital de forma exitosa y con la experiencia que ya tenemos podemos decir que estamos formando las bases para crear nuestra propia investigación acerca del arte actual venezolano.

Hemos venido generando una forma más abierta y fluida para mostrar y discutir sobre el arte que se está haciendo en nuestro contexto, indagando en el trabajo que están haciendo los artistas en nuestro entorno, produciendo un método de trabajo que haga fluir mejor los procesos de investigación, producción, registro y documento. Con este primer ejercicio podemos decir que se ha generado un equilibrio entre la interacción y la creación. Hemos sido testigos de cómo nos permite salir de la cotidianidad, nos ayuda a liberarnos de nuestros propios egos y acercarnos a retos más colaborativos que generan un potencial artístico mucho más nutritivo y enriquecedor.

No se trata ni de convocatorias ni de premios, se trata de buscar artistas, conocerlos e interactuar con ellos, de presentarlos unos a otros y por último de juntarlos con la mayor armonía posible para que trabajen como un equipo a cuatro manos. Hasta ahora los únicos criterios para la escogencia de los participantes han sido: que sean venezolanos, que mantengan un proceso de trabajo continuo en su obra y que tengan la disposición y los recursos necesarios para participar en el laboratorio.

En cada una de nuestras entregas se han elegido a los artistas verificando su trabajo por distintos medios, tanto por recomendación personal como por las referencias encontradas en los medios digitales. Luego de generar una nutrida lista de candidatos son contactados, y una vez confirmados los 12 artistas comienza el trabajo de juntarlos por parejas para que interactúen entre sí.

En este punto comienza nuestro proceso de acoplar a los artistas en duplas de trabajo, compartiendo así los créditos de los resultados del ejercicio. Para esta labor los criterios son distintos y más amplios, buscamos que los trabajos se complementen tanto en lo conceptual como en lo estético, en ocasiones los juntamos por la experiencia que tienen como artistas o por las diferencias que muestran entre las técnicas y formatos que más suelen utilizar, y desde luego el azar juega un poco.

Este es un trabajo arduo pero muy enriquecedor, al final del proceso dejamos por escrito el criterio usado para la escogencia de cada pareja.

La intensión en sí no es una estética ni una forma de hacer las cosas, tampoco buscamos un tipo de artista específico, más bien queremos conocer y dar a conocer a los artistas y la potencialidad del arte que se está realizando en el contexto en el que estamos inmersos. Como artistas sabemos la necesidad y la importancia de conocernos e interactuar para aprender a trabajar en conjunto en diversos proyectos. La idea es que las acciones fluyan y que sigan surgiendo esos encuentros tan necesarios para el crecimiento del arte.

David Montoya Sosa

@dmontoya2120

Existe un momento puntual en el que ver, escuchar y leerse en las palabras de otro aparece, es aquí cuando se despeja la mesa para dar paso a la realización consciente de dos mentes tan complejas como las de dos artistas plásticos. En los resultados mostrados por este tercer grupo se puede ver la adaptación de los lenguajes para no solo intervenir meramente un imagen, sino profundizar en las referencias y conceptos amalgamando las propuestas en no solo la base dada por cada uno, sino la interpretación que trajo el diálogo entre ambos.

Desde un inicio la idea de Doce en digital fue unirnos en pro del arte, unificar pensamientos a la par de intentar vernos en el otro a través las formas, la palabra y de una manera un tanto más profunda nuestras discrepancias y analogías. Un laboratorio artístico creado en un tiempo que nos enfrenta y nos refleja en direcciones distintas, el cual nos ha permitido empatizar aún más con nuestro propio ser, entorno y contexto.

@Kat_zula

Poder transmitir a otros artistas la necesidad propia de mirar al otro de una manera única y replantear además a cada uno no solo como el artista conocido por su propia obra, sino como el investigador que es, mostrar la sensibilidad que existe en el mirar y escuchar no solo a sí mismos, evidenciando la empatía presente en el hacer plástico.

Lo hermoso de ver y dejarse ver se ha hecho evidente a lo largo de estas tres ediciones. Dijo Byun Chu Hon: “La acción de escuchar no es pasiva”, y para el artista plástico y visual, obviamente la acción de mirar y estudiar con atención al otro tampoco lo ha sido. Aquí las distintas propuestas mostraron sus aristas con el único fin de concatenar con su par ideas afines y contrarias. Para unos ha sido el proceso, para otros el resultado, y para todos ha sido el encuentro sincero lo que más ha resultado provechoso, pues conecta directamente con esa búsqueda humanística que nos relaciona de por sí con el arte, más aun en este tiempo tan singular en la historia de la humanidad.

Una propuesta que va creciendo a medida que avanza el ejercicio, logrando que todos aprendan de todos y compartiendo sus propios contrastes. Esperamos honestamente compartan la visión de entendimiento, comprensión y hermandad mostrada por los talentosos artistas que ha participado de esta iniciativa creada inicialmente de artistas para artistas.

Katiuska Angarita

María Virginia Pineda Mérida. Reside en Caracas, Venezuela.

Paola Chacón

Mérida. Reside en Caracas, Venezuela.

Palabra - Écfrasis - Síntesis

Apropiación - Costura - “Des-estructuras”

Licenciada en Artes Plásticas, egresada de la Universidad nacional experimental de las artes (UNEARTE).

TSU en Minería del IUTE (Mérida 2003).

Licenciada en Artes Plásticas, egresada de la Universidad nacional experimental de las Artes (UNEARTE). Especialidad, Artes Gráficas. Además de su desarrollo como artista plástico, forma parte del equipo fundador de Tinto Arte taller (@tallertinto) en Caracas, Venezuela.

Basa su propuesta plástica en los fundamentos del arte conceptual.

Reflexiona acerca de la calidad y el alcance de lo que transmitimos al comunicarnos, y de cómo el ejercicio verbal configura realidades. Describe su obra como multidisciplinaria, pues se nutre en gran parte de la materia escrita que el mismo arte produce. Aborda conceptos como polaridad, calificación y subjetividad, para analizar “la palabra”, su poder, uso y el significado emocional detrás de ellas.

Todo esto en un esfuerzo claro por pensar conscientemente la experiencia del verbo.

Su obra se ha expuesto nacional e internacionalmente, al igual que ha recibido varios reconocimientos.

Su propuesta combina un interés por el diseño de modas, particularmente por sus configuraciones de costura y patronajes.

Desarrolla una propuesta plástica a partir de la indumentaria, el estampado y el textil.

Elabora mediante el collage primordialmente, composiciones híbridas y estructuras geométricas, apropiándose de la vestimenta, los textiles y demás recursos, expresando su sensibilidad hacia amplios temas que le afectan.

Luis Alberto García. “ToTo“ Reside en Caracas Venezuela.

De-constructivo - Surrealista -Crash Punk Lic. Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón. Actualmente trabaja como restaurador de obras públicas, objetos antiguos, sacros y mobiliario.

Su obra expresa una narrativa mediante el ensamble de-constructivo. Vincula lo encontrado y anecdótico con una serie de personajes y ambientes que crea a partir de la chatarra y los objetos. En el proceso, su imaginario toma forma ante los hallazgos sobre la mesa a medida que compone cual “niño con bloques” de variados colores y formas.

“Soy un peregrino de la chatarra, un jugador del óxido, soñador del hierro, con la chispa y la corriente donde la fusión de ella me hace a mí” Su obra ha sido reconocida en varias ocasiones y formado parte de diferentes exposiciones.

Génesis Alayón

Jesús Guerrero

Edo. Aragua. Venezuela

Edo. Mérida. Actualmente en España

Identidad -Movilidad - Social En su planteamiento plástico refleja la búsqueda e inquietudes propias que giran en torno a tramas sociales, “rutinas de desplazamiento propias y ajenas, dinámicas domésticas y estructura familiar.”, como en sus propias palabras describe. Esto lo presenta a través del retrato, y temas como el desplazamiento, la ausencia y la pertenencia, identidad y lo rutinario, le ayudan a identificarse dentro de ese entorno social que habita.

Sus obras han sido expuestas nacional e internacionalmente y ha logrado varios reconocimientos.

Rosa Canelón

Reside en el Edo. Lara. Venezuela

Buscar - Revisar - Contradecir

Color - Energía - Memoria

Ha realizado numerosos estudios a lo largo de su trayectoria como artista, sus bases parten en el taller de arte Albano Méndez Osuna (CONAC, Tovar Mérida) y en el Centro de Enseñanza Gráfica en el área de serigafía (CEGRA, Caracas)

Licenciada en Artes Plásticas, egresada de la Universidad nacional experimental de las Artes (UNEARTE). También posee estudios de artes gráficas, dibujo y pintura de la escuela de artes plásticas Martín Tovar y Tovar de Barquisimeto, Edo. Lara.

Su obra es un ejercicio pictórico que toma como un “constante desafío personal”; se asienta en los recursos propios de la plástica y asume el cuadrado como elemento principal. Explora esta forma en un intento por “implosionar” el lenguaje de la pintura.

En su propuesta destaca el color vibrante y lleno de diferentes analogías y contrastes complementarios. Interpretando al mismo como el principal “generador de energía dentro del campo pictórico”, combinando forma y gesto mediante temas que abordan el interior de los hogares, explorando diferentes historias y vivencias.

Entre los muchos reconocimientos destacan: Premio AICA en 2014, Premio V Bienal de arte Christian Dior; salón internacional de Mónaco 1993, entre otros.

A participado en múltiples exposiciones individuales y colectivas.

Entre sus participaciones más recientes se encuentra la individual 2019. Domesticolor y la muestra colectiva Casa de la Moda de Medellín. Rin Way. Colombia. Además de haber recibido numerosos reconocimientos.

Manuela Armand

SazOner

Adriana Herz

Breve - Aire - Paisaje

Color - Forma - Movimiento

Dinamismo - Orgánico - Emocional

Lic. en Artes Visuales, egresada de la Uni. de los Andes. (Actualmente cursa estudios en la maestría en Museología de la ULAUNEFEM). Trabaja como asistente del Departamento de Artes Visuales de la Facultad de Arte de la Universidad de los Andes en el área de Dibujo.

Cursó estudios de Diseño gráfico en el Inst.

Monseñor de Talavera. Actualmente forma parte del equipo de taller publicitario y de diseño, a la par de su trabajo plástico.

Lic. en Artes Plásticas, egresada de Univ. Nacional experimental de las Artes (UNEARTE). Diplomado en Formación Docente de la Universidad Nueva Esparta. Y con estudios de Medicina en la UCV, Caracas - Venezuela 1994.

Reside en Mérida. Venezuela

Lo breve y lo efímero son conceptos que se hacen presentes en su obra, por poseer, según la artista, “cualidades inefables” a las que intenta aproximarse. Le interesa la idea de lo inmaterial, lo fugaz y lo transitorio de los acontecimientos naturales y por ende del paisaje.

Es principalmente desde la pintura, el dibujo y el vídeo donde hace presente este interés, una pintura abstracta que entiende como un acontecimiento presente y abierta.

Su obra a sido expuesta en distintos premios y salones, y ha sido galardonada en varias ocasiones.

Reside en Caracas, Venezuela

Una obra que se refleja en el espacio urbano principalmente con el fin de volver la mirada del espectador a estos lugares comunes, cotidianos, a los que según el artista el espectador se ha vuelto indiferente a las cualidades estéticas que posee, negando así la identidad del mismo.

A través de intervenciones urbanas y registro fotográfico, intenta destacar estos sitios dotándolos de nuevas características que configuren en él, una nueva identidad palpable y al tiempo desconfigurada (o re-configurada), según el pensar y sentir de cada observador, creando una imagen realzada que amplía su realidad cotidiana.

Reside en Caracas. Venezuela.

En su propuesta artística busca plasmar las emociones primordiales que le emocionan de su entorno. Al observar, traduce este contexto visual como “sustancia” que casi siempre le remite a lo orgánico en cuanto a las fuerzas que manifiesta, eso presente en las imágenes que capta y muestran las potencias albergadas en aquello.

Además de su desarrollo como artista plástico se desenvuelve como pintor escénico, ilustradora y docente.

Ha participado en varias exposiciones colectivas.

Douglas Quintero

Jesús Briceño-Reyes

Ismael Rodríguez

Ausencia - Objeto - Cotidianidad

Alquimia - Retrato - Cotidiano

Piedra - Papel o Tijera

Reside en Caracas, Venezuela.

Lic. en Artes plásticas, egresado del Instituto Universitario de Artes Plásticas Armando Reverón (IUESAPAR).

Profesor, Ilustrador y Freelance en diseño.

Ha participado en exposiciones colectivas y recibido reconocimientos nacional e Internacionalmente.

En su obra intenta mostrar al hombre de una manera profunda e interna, abordando temas como la soledad y la intimidad que habita en el propio ser.

Creando capas que se dejan ver como líneas yuxtapuestas sobre el plano que desde el estudio del volumen capta los seres dentro del mismo ser del hombre y el cuerpo humano.

Para el artista este tipo de emociones crean una frontera a lo interno, muy propia y secreta hasta donde el hombre lo permita.

Caracas, Venezuela.

Lic. en Artes Plásticas, egresado de Univ. Nacional experimental de las Artes (UNEARTE). Venezuela. Con maestría en la Universidad de las Artes de Londres, Facultad de Wimbledon y Goldsmiths.

Fundador y director creativo de Haciendo Ciudad, ONG Su propuesta intenta plasmar las dualidades del mundo actual, remitiendo a la diversidad de interpretaciones de los artículos cotidianos de acuerdo al contexto de la época. Presenta su obra como, “testigos del proceso en que artículos desechados pasan a ser unos “artículos de lujo”, donde lo “viejo” se transforma en algo “nuevo”.

Internacionalmente fue seleccionado artista joven en los premios del Museo de Arte Latinoamericano MoLAA de California, 2008. Y finalista en “Nuevos Contemporáneos” del Instituto de Arte Contemporáneo ICA de Londres, Reino Unido, 2014.

Caracas, Venezuela. Actualmente en UK

Lic. en Artes Visuales egresado de la Univ. de Los Andes, Mérida, Venezuela.

Su obra va de lo digital a la pintura tradicional y viceversa haciendo presentes en ella ciertos elementos de la naturaleza; como animales, semillas y demás. Nutre su obra de todo entorno cercano, en especial el natural, profundizando en lo que define como “formas que se relacionen con la vida” logra así, una especie de ecosistemas llenos de imágenes traslucidas y abstractas, consciente además de su constante evolución.

Atmósferas desconocidas que teniendo al arte como intermediario, funcionan como detonantes del pensamiento.

“He llevado a cabo una línea de experimentación desde la transgresión a la corporeidad de la materia, hasta la manipulación de imágenes digitales.”

Título: Naturaleza muerta 1 Naturaleza muerta 2 Naturaleza muerta 3 Autoras: Paola Chacón - María Virginia Pineda Técnica: Monotipo impreso con tinta de grabado y collage textil 14 x 16 cm 2021

Referencia Título: Diario Natura Autora: María Virginia Pineda.

Técnica: Vídeo 2020

Trabajar con la obra de María fue todo un reto, sin embargo enlazamos ambos trabajos a partir de “Diario Natura”, una serie de vídeos realizados por ella que registran breves instantes de contemplación a la naturaleza y al entorno cotidiano más cercano. Nació durante los días más complejos del confinamiento del 2020, en los que el cese de la actividad humana habitual dio paso al silencio y a la quietud permitiendo percibir con más intensidad los detalles tanto visuales como auditivos que brinda el reino natural. Es un diario de observación dice María V.

Paola Chacón - María Virginia Pineda

Fue así como a partir de ese registro resultaron una serie de 3 collages textiles hechos con retazos de telas, costuras y monotipos de hojas y flores encontradas en un detenido y pausado recorrido por la ciudad, en los cuales maneje una paleta de colores que remiten a la naturaleza. Este fue un ejercicio de contemplación, selección y reflexión tal como lo hace María, el cual me hizo detallar los pequeños regalos de los que la madre tierra nos provee e ignoramos por estar inmersos en nuestros pensamientos y cotidianidad.

Paola Chacón @paola.ch95

Dupla:

Dupla

María Virginia Pineda - Paola Chacón

De este diálogo no solo resultaron nuevas obras, sino nuevas rutas de investigación a experimentar. En un principio nuestras propuestas eran aparentemente disímiles, pero a medida que el diálogo se fue desarrollando, podría decirse que el punto de encuentro fue la dupla “palabra-naturaleza”.

Referencias Título: Barbijos.

De la serie: La nueva normalidad Autora: Paola Chacón Técnica: Fotografía.

Registro de performance Título: Naturaleza muerta 1 Naturaleza muerta 2 Naturaleza muerta 3 Autoras: Paola Chacón - María Virginia Pineda.

Técnica: Monotipo impreso con tinta de grabado y collage textil 14 x 16 cm 2021

Comencé con el registro fotográfico de los “Barbijos”, el cual me pareció interesante porque el objeto de arte al ser modelado por la propia artista, se convirtió en un elemento para la construcción de un discurso visual más amplio dentro de la propuesta que, entendemos, está directamente influenciada por el contexto actual.

Luego acordamos que los posters siguientes estarían vinculados a obras recientes derivadas de la misma dupla.

Por lo que mantuvimos un diálogo constante durante el proceso, resultando para ella los collages textiles: Naturaleza muerta 1, 2 y 3. Y para mi, los posters 2,3 y 4.

María Virginia Pineda @mariavirginiapineda

S/T (Diálogo con Paola Chacó

S/T (Diálogo con Paola Chacón #1: Barbijos) Autoras: María V. Pineda - Paola Chacón Póster digital 1080 x 1080 px 2021

ón #2: NM1) / S/T (Diálogo con Paola Chacón #3: NM2) / S/T (Diálogo con Paola Chacón #4: NM3). Autoras: María V. Pineda - Paola Chacón Póster digital 1350 x 1350 px/ 2021

Fue muy divertido y hubo feeling, ha sido un honor trabajar con la obra de Jesús y saber que él realizó algo con la mía.

Esta fue una experiencia muy grata, no siempre se hacen este tipo de intercambios artísticos. Gracias por la oportunidad de formar parte del proyecto.

Rosa Canelón @rosacanelon_art

Referencias Paisaje Amarillo. Autor: Jesús Guerrero. Técnica: acrílico sobre tela. Medidas 135 x 150 cm Fragmentos. Autor: Jesús Guerrero. Técnica: acrílico sobre tela. Medidas varias Columna. Autor: Jesús Guerrero. Técnica: acrílico sobre tela. Medidas 200x60 cm Cobija. Autor: Jesús Guerrero. Técnica mixta. Medidas 210x210 cm

Rosa Canelón - Jesús Guerrero

S/T. Autores: Rosa Canelón - Jesús Guerrero. Técnica: Collage papel, tinta china, pastel al óleo y acrílico sobre opalina mate. Medidas 19x19. 2021

Dupla:

Dupla

Rosa Canelón - Jesús Guerrero

Título: Estructura 2021 Serie sobre papel Autores: Jesús Guerrero - Rosa Canelón Collage 38x28 cm.

2021

La serie de collages fue motivo de estímulo y entusiasmo retomar el uso de los tonos altos, contrastes complementarios, esa manera de plantearse la pintura que tiene Rosa.

Referencia Título: Terrazas Autor: Rosa Canelón Acrílico sobre tela 40x45 cm.

2021

Fotografié un par de sillas teniendo como premisa la creación de un diálogo abstracto entre ambos, y aunque no soy fotógrafo, el resultado me pareció importante para entender el proceso de ambas propuestas.

Esto a servido para revisarme y ver que otras herramientas uno tiene guardadas.

Lo que el arte te enseña, es que mientras más humildes seamos y menos complejos tengamos más posibilidades tenemos.

Jesús Guerrero @guerreroarte

1 En busca de una salida 2 Buscando una salida 3 Vertical 4 Devorado Autores: Douglas Quintero - Adriana Herz Técnica: Collage Digital 787 x 787 píxel 2021

Douglas Quintero - Adriana Herz

Una de las cosas más importantes al principio, fue darme el permiso de trabajar con la obra de otro artista. A medida que iba viendo las texturas y todo lo que desarrolla Adriana en su obra, fui conectando a través de esas formas orgánicas que crea.

Ver como ambas propuestas creaban unidas nuevas imágenes a medida que desarrollaba la intervención, me permitió conectarme con mi trabajo de una manera diferente y pude a partir de ese encuentro (que a su vez me iba dando ganancia) notar lo importante del ejercicio.

Realmente compartir con otro artista y desarrollar algo a partir de esta conexión ha sido una experiencia muy enriquecedora.

Douglas Quintero @douglas_daqb

1 1 Trazo 2 Trazo Dibujo digital 2021

2 3 Al paso 1 Técnica: Collage (tríptico) 38 x 132 cm 2020

3 4 Desprendido 15 Técnica: Collage Medidas varias Autora: Adriana Herz Año: 2020

4

Dupla:

Dupla

Adriana Herz - Douglas Quintero

1 Al viento (Fotogramas) 2 A Hilo (Fotogramas) Autores: Adriana Herz - Douglas Quintero Video 2021 3 Tensado 4 Paisaje urbano 5 Enraizado Autores: Adriana Herz - Douglas Quintero Collage Digital 2021 1

3

4

5

Referencias 1 S/T En proceso Medidas: 27,9 x 21,4 cm Autor: Douglas Quintero 2 Título: Oculto En proceso Medidas: 27,9 x 21,4 cm Autor: Douglas Quintero 2

3 Título: Sin identidad y buscando una En proceso Medidas: 27,9 x 21,4 cm Autor: Douglas Quintero 4 S/T En proceso Medidas: 27,9 x 21,4 cm Autor: Douglas Quintero 2021 ___________________ 5 Serie paisajes íntimos Técnica: Dibujo Medidas: 19,7 x 20 cm Autor: Douglas Quintero Año: 2016

El punto de encuentro fue lo orgánico. Este acercamiento directo con la propuesta de Douglas significó para mí, una oportunidad para conocer otro proceso y reconocer el propio por contraste.

Al intentar internarme en las líneas de Douglas, inmediatamente, como por rebote, fui a las mías y en ese ir y venir se desarrolló un dinamismo en el que poco a poco fueron surgiendo recursos formales y semánticos para integrar ambos lenguajes expresivos.

Esta experiencia, novedosa para mí, me proporcionó nuevos recursos de expresión y sobre todo me di cuenta que pude abordar las herramientas digitales con la misma actitud con las que trabajo en físico.

Definiría este ejercicio como un ejercicio de interpretación de imágenes, porque la manera o actitud al intervenir es también una expresión de cómo comprendemos o aprehendemos el mundo. Podría decirse también que es una calibración de influencias, pues pone en evidencia cómo nos relacionamos con nosotros mismos y con el mundo.

Adriana Herz @aeuherz

Jesus feet Isma 12d B (fotogramas). Autores: Jesús Briceño-Reyes - Ismael Rodríguez. Vídeo - intervención digital. 2021

Jesús Briceño-Reyes - Ismael Rodríguez

Hacer dupla con el artista Ismael Rodríguez fue una experiencia sumamente fortuita, conocer un poco su línea de investigación, su estudio y experiencia en Oxford. Esto me permitió también ver mi línea de investigación desde otros ojos y otra experiencia, creo que es algo sumamente positivo, sobre todo en estos momentos en que estamos un poco aislados.

Siento que a través de estas plataformas digitales encontramos una manera de viajar, interactuar y reflejarse. Encontrar otra manera de aproximarse a nuestras propias líneas de investigación.

Jesús Briceño-Reyes @jesusisanartist

Referencia Winter 2021 Conversation with the snow Autor: Ismael Rodríguez Vídeo 2021

Dupla:

Dupla

Ismael Rodríguez - Jesús Briceño-Reyes

La experiencia en este laboratorio para mi, fue conectarme con ese tiempo universitario donde hacíamos ejercicios en pareja.

Conocer la obra de Jesús fue bastante interesante. Hay una serie de él que se llama “Durmientes conscientes”, se trata de una serie de fotografías que enviaba a sus amigos o tomaba el mismo para luego intervenirlas. Seleccione varias y empece a trabajar en ellas, me recordó a una serie de trabajos que yo había hecho con fotografías intervenidas; para entonces las pintaba, imprimía, volvía a pintar y hacia collage. Eso fue lo que intente hacer con Jesús, fusionar de esta forma nuestros trabajos.

S/T. Autor: Jesús Briceño-Reyes. Técnica: Fotografía e intervención digital.2020

El “challenge” aquí era hacerlo de forma digital, a pesar de que imprimí algunos de sus trabajos y los intervine, el resultado que quería mostrar deseaba que fuese algo digital, pues el laboratorio se llama 12ndigital. Realice un vídeo donde realmente siento que hay una mejor conexión entre su lenguaje y el mio.

Creo que lo interesante del ejercicio es eso, esa parte poética de verse reflejado en el trabajo del otro y el otro verse en el tuyo, esos siempre son ejercicios en los que indiferentemente, no tienes porque conocer al artista, simplemente el experimentar y probar va a hacer que encuentres puntos para enriquecer tu propio lenguaje plástico.

S/T. Autores: Ismael Rodríguez - Jesús Briceño. Vídeo. 2021

Ismael Rodríguez @isrodriguezfe

Referencia. Serie Intervenciones urbanas. Saz Oner. Medios Mixtos. 2020

Cuaderno para Saz Oner Autores: Manuela Armand - Saz Oner Collage sobre papel 21 x 29 cm 2021

Quise descomponer las formas que realiza e instala en la calle Saz, así como tomar algunos fragmentos de los espacios públicos donde están estas obras. Con estos fragmentos decidí construir en mi cuaderno nuevas imágenes mínimas buscando darles más espacialidad y también más aire.

Lo que me pareció muy interesante de este ejercicio, fue el establecer un diálogo con otro artista a el cual no conocía y crear una conversación a través de la imagen, aunque al

Manuela Armand - Saz oner

principio parecía que era difícil conseguir puntos de conexión finalmente los conseguimos, y note que en la mayoría de las duplas estás conexiones se dieron por muy diferentes que fueran sus propuestas inicialmente.

Lo interesante de esta experiencia es el diálogo constructivo que se generó a través de la imágenes entre cada dupla, pues es el tipo de diálogo al que deben aspirar dos mundos diferentes y así conseguir lugares de encuentro. Creo que en general todas las duplas lo logramos.

Manuela Armand @m__armand

Dupla:

Dupla

Saz oner- Manuela Armand

Tome la obra de Manuela y la quise sacar del cuaderno, entonces adapte sus expresiones a mis formas, salí a la calle e intervine con estas figuras los espacios que son comunes para mí, les fotografíe y devolví al cuaderno con una nueva experiencia de por medio.

Referencia Apagón Cuaderno de artista Manuela Armand Carboncillo sobre papel 2020

Saz oner @saz_oner

Traspolación Autores: Saz oner - Manuela Armand Medios mixtos 2021

Referencia Bicoptero 350 (Fotograma) Autor: Luis García “ToTo” Vídeo Performance

1-2. Frena Técnica: óleo/papel 3. Inventario para bicoptero.

Técnica: óleo/papel Medidas:22,9 x 30,5cm 2021

Génesis Alayón - Luis García “ToTo”

En nuestras conversaciones resaltó constantemente la relación que compartimos con el estudio del "objeto", como abordamos nuestras búsquedas personales a partir de él y específicamente el papel que este juega en nuestra percepción del mundo.

De sus trabajos escogí la obra: “BICOPTERO 350”, una estructura que ensambló para adaptarse al cuerpo casi como una prótesis y así darle nuevas posibilidades de movimiento.

Luís usa esta obra como una excusa para jugar, para imaginar nuevos mundos, para convertirse en personajes ficticios, entretener, educar y descubrir nuevas formas de habitar el espacio sumándole a su cuerpo nuevas extremidades.

Lo que más me gustó de su trabajo es la forma en la que convierte objetos encontrados en nuevos mundos posibles y por eso mi solución para esta colaboración fue realizar una suerte de inventario de su variada selección de objetos encontrados y así apreciar el valor que tienen en si mismos.

La obra “Frena” es lo que considero el resultado de esta colaboración, un acercamiento al objeto que representa precisamente el trayecto que recorre el artista para obtener los materiales que le dan vida a su obra y el momento en el que frena para recogerlos.

Génesis Alayón @genealayon

Dupla:

Dupla

Génesis Alayón - Luis García “ToTo”

Al comienzo al ver la obra de Génesis me pregunte cómo podía adaptarme a esa manera de ver de ella o que ella se ajustara a la mía. Entonces ambos coincidimos en una particular admiración hacia los objetos.

Serie “objetos de frustración” Lazo amarillo claro.

20cm x 20cm Lazo rojo y verde.

26x26cm Óleo/tela 2020

Me enfoque en sus pinturas sobre cables y quise verlos desenredados, en mi taller encontré un rollo de este material y comencé a imaginar un espacio en el que el cable tiene vida propia adaptada a personajes casi oníricos, liberandose, mostrando ese otro lado de la frustración.

Siguiendo el titulo de la serie pintada por mi compañera.

Luís García “ToTo” @ltgart_

El otro lado de la frustración (fotogramas). Autores: Luís García “ToTo” - Génesis Alayón. Vídeo. Duración 1:30min. 2021

Agradecemos a todos los artistas participantes por su interés, su compromiso y sobre todo por disfrutar del proceso de vernos unos a los otros a través de aquello en lo que hacemos vida.

El arte.

Creación. Dirección del proyecto y Diseño Gráfico

Katiuska Angarita Asistencia general

David Montoya Sosa Coordinación Katiuska Angarita - David Montoya Sosa Textos Katiuska Angarita - David Montoya Sosa y Artistas participantes.