El arte a través de las galerías galería krabbe

EL ARTE A TRAVÉS DE LAS GALERÍAS:

GALERÍA KRABBE Paco Aguilar | Christian Bozón | Eugenio Chicano| Carmen Cólogan | Anne Juul Christophersen | Uffe Stadil Christoffersen | José Antonio Diazdel | Jan Ulrik Friis | Gunleif Grube | Luise Haugen | Caroline Krabbe | Dorthe Steenbuch Krabbe | Jacinto Lara | Jytte Møller | Perry Oliver | Francisco Peinado | Antonio Povedano | Fernando de la Rosa | Dámaso Ruano | Antonio Suárez-Chamorro | Leif Sylvester | Arne Haugen Sorensen | Antonio Valverde

Ayuntamiento de Vélez-Málaga Alcalde Antonio Moreno Ferrer Concejal de Cultura José Alarcón Hidalgo Directora CAC Mariluz Reguero

Comisaria exposición Carolina Krabbe Textos © De sus autores Imágenes © De sus autores

El Centro de Arte Contemporáneo de VélezMálaga inicia con esta exposición una serie que ha venido a denominar El arte a través de las galerías y ha querido comenzar con una que trabaja y tiene su sede en la comarca, la Galería Krabbe.

El querer dar la palabra a través de propuestas expositivas a los diversos agentes que confluyen en el arte es algo que nos resulta muy interesante, es decir, cuáles son las diferentes visiones que tienen sobre el arte contemporáneo los historiadores del arte, los críticos, los periodistas, los coleccionistas y naturalmente los galeristas.

Desentrañar para el gran público cuáles son las labores de un galerista profesional creo que es una tarea didáctica que debemos acometer las instituciones que nos dedicamos a esto, porque una galería no solamente es un comercio abierto donde se venden cuadros, esculturas y grabados, sino que es algo mucho más intenso y arriesgado, y más aún en los momentos económicos, políticos y sociales que estamos viviendo. Con un IVA sobredimensionado que denota una insensibilidad política hacia el sector de la cultura, una crisis económica que ha reducido la cartera de coleccionistas a la mínima expresión y la sensación espuria de convertir a la cultura en un lujo intolerable, con todo ello deben sobrevivir estos establecimientos que al fin y al cabo son el sostén del arte, pues ellos dan salida comercial a las obras que realizan los artistas para que estos puedan seguir trabajando.

Un galerista suele tener lo que se denomina una “escudería” que es el grupo de artistas con el que trabaja normalmente, con ellos mantiene una relación muy

realizando y tiene que buscarles un mercado entre su cartera de coleccionistas.

Su escudería es su apuesta por el arte, es decir, cree en ellos, los defiende y los propone, haciendo con ello una declaración de sus gustos y su visión del arte contemporáneo, por ello también corre un riesgo económico y emocional.

Mostramos en esta exposición a los artistas de la Galería Krabbe, la propuesta es de su responsable, Carolina Krabbe, que nos trae 23 artistas de diversas edades, géneros y nacionalidades, excelente selección de obras que nos permite recorrer las diferentes tendencias del arte contemporáneo, desde los más veteranos como Sorensem, Chicano, o Peinado, a los ya desaparecidos Ruano y Povedano, a los y las más jóvenes. Y los diferentes géneros, la pintura, la escultura y el grabado, con las mejores firmas de estas técnicas, como Perry Oliver, o Paco Aguilar.

Recorrer las salas del CAC de Vélez con esta selección que reúne este elenco de magníficos artistas, es un privilegio que pocas veces se puede disfrutar en una muestra.

Paco Aguilar

Paco Aguilar se vislumbra actualmente como el gran grabador malagueño. Desde el año 1979 en que presenta su primera exposición individual en Málaga hasta la actualidad, su faceta como creador se ha visto ampliada desde el plano de la interdisciplinariedad, actuando como un gran director de orquesta en el que domina y conjuga a la perfección los campos de la gráfica, la pintura, el dibujo, la escultura y sus trabajos para la escenografia o la instalación, como la sutil Otros Hábitats (2012). Su importante presencia desde 1982 con la dirección y gestión de su propio taller de grabado, Gravura, ha supuesto un hito en la evolución del grabado en Málaga, así como convertirse en un centro difusor de este arte a través de los múltiples cursos y reconocimientos otorgados a su figura. La experimentación con diferentes técnicas y elementos, le han llevado estos últimos años a una preocupación constante por la tridimensionalidad y los volúmenes, siempre bajo una iconografia poderosamente personal, sutil y evocadora de un pasado irreal y reconocible.

Lourdes Jiménez.

Dra. en Historia del Arte.

PACO AGUILAR Nido, 2012 Aguatinta y puntaseca. Planchas cinc (1) 49,5 x 49 cm Papel Hahnem端hle de 300 gr 53 x 78 cm

PACO AGUILAR Espigador de sue単os, 2015 Aguatinta y puntaseca. Planchas cobre (2) 49 x 78 cm Papel Hahnem端hle de 300 gr 75 x 97,5 cm

Christian Bozón

Lo que me fascina en el grabado, sobre todo en el uso del color, es su lado alquimista.

Se puede seguir un proyecto imaginario que solamente se anticipa mentalmente, que debe partirse en varios planos en mi imaginación y se revela irreversiblemente cuando todo esta echo y que los materiales, papel, tinta, planchas, han dado su veredicto. Es muy diferente del trabajo de pintor que guarda constantemente el dominio material de su obra. El grabador es un visionario que en un momento dado ve nacer su obra.

What fascinates me about engraving, especially in the use of color is it’s alchemist side. You can follow an imaginary project that only mentally anticipates that must be split into multiple planes in my imagination and irreversibly revealed when everything is done and that the materials, paper, ink, plates, have given their verdict. It’s very different from the work of a painter who constantly keeps the material domain of his work. The engraver is a visionary who at one time sees the birth of his work.

Christian Bozón

CHRISTIAN BOZÓN Verde, 2011 Aguatinta, puntaseca. Edición 50/50.

3 planchas: 210 x 270 cm Papel de Arches: 380 x 560 cm

CHRISTIAN BOZÓN En la ribera del Scamandro, 2011 Aguatinta, punta seca. Edición 50/50.

3 planchas: 410 x 420cm Papel de Arches: 560 x 760 cm

Eugenio Chicano

EUGENIO CHICANO Homenaje dibujado y enmarcado a “Jarrón y frutero con manzanas” de Pablo Picasso (1919), 2010 Acrílico sobre tela, 114 x 140 cm

EUGENIO CHICANO Mirada desde Le Déjeunner Sur L’herbe al “Bodegón de manzanas, membrillos y peras” 1624 de Tomás Yepes (1600-1674), 2004 Acrílico sobre tela, 150 x 150 cm

Carmen Cólogan

ATLÁNTIDA BLUE. Anatomía de una Isla El cuerpo es una isla; sus contornos transitan en el aire, en el espacio, y viajan hasta el lienzo. Bordes del cuerpo, tangencia y turgencia de la piel, de lo que en el contacto con el aire adquiere peso, volumen, realidad. Carmen Cólogan mide el espacio entre el cuerpo y el aire, entre el cuerpo y el mundo, entre la isla del cuerpo y el ancho mar del aire.

Y el cuerpo se adentra por los ojos (entremos más adentro en la espesura), viaja hasta el fondo de nosotros mismos: flota en nuestra conciencia, al fin, suspendido, desnudo.

ATLÁNTIDA BLUE. Anatomy of an island The body is an island, its contour passing through the air and the space, and moving into the canvas. Body contour: tangency and turgidity of the skin. It is about gaining weight, volume and reality after being in contact with the air. Carmen Cólogan measures the space between the body and the air, between the body and the world, between the body of the island and the wide sea of the air. And the body goes deep into the eyes -deeply into the thickness-, and goes to the bottom of ourselves: it floats in our conscience, at the end, suspended, naked.

Andrés Sánchez Robayna

CARMEN CÓLOGAN Sin título, 2013 Óleo sobre madera, 120 x 91 cm

CARMEN CÓLOGAN Sin título, 2013 Óleo sobre madera, 91 x 120 cm

Anne Juul Christophersen

Anne Juul Christophersen permite que una pequeña niña actuar como su propio alter ego, así como el de los beholders, en los escenarios maravillosos que ella ha creado. Hay recuerdos e inspiraciones del folclore, A.A. Milne y mil otras historias. El oso peligroso es enorme y sin embargo amable y las pinturas están llenas de faisanes, gallinas y conejos.

Los cuentos de hadas y vida vivida en todos los niveles emocionales. El artista ha evolucionado enormemente su técnica, así como su expresión artística en una dirección intrigante. Ella juega, duplica, crea detalles o patrones ornamentales. Domina lo que hace.

Anne Juul Christophersen lets a little girl act as her own, as well as the beholder´s alter ego, in the wonderful scenarios she has created. There are memories and inspirations from folklore, A.A. Milne and a thousand other stories. The dangerous bear is huge and yet kind and the paintings are full of pheasants, hens and rabbits. Fairy tales and lived life on all emotional switches. The artist has hugely evolved her technique as well as her artistic expression in an intriguing direction. She plays, duplicates, she creates details or ornamental patterns. She masters, what she does.”

Preben Winther, Kunstavisen

ANNE JUUL CHRISTOPHERSEN With a little help from my friends I, 2015 AcrĂ­lico sobre lienzo, 150 x 100 cm

ANNE JUUL CHRISTOPHERSEN With a little help from my friends II, 2015 AcrĂ­lico sobre lienzo, 150 x 100 cm

Uffe Stadil Christoffersen Uffe Christoffersen (nacido 1947) estudió entre los años 1968 yb1974, en la Academia de Bellas Artes en Copenhague, donde fue tutoriado por Harald Leth y Egill Jacobsen. Hizo su debute en 1971, en la Exposición de Primavera de Charlottenborg y fue miembro del famoso grupo artístico Violet Sun, desde 1974 hasta 1988.

Durante su tiempo en la academia, Uffe Christoffersen combinó su intensa concentración artística en la escencia del color con varios años de experimentos técnicos de color, en la Academia del Laboratorio del Color Artístico. Al finalizar sus estudios estuvo trabajando como profesor a tiempo parcial en el laboratorio desde 1975 hasta 1983.

Uffe Christoffersen ha expuesto con frecuencia en Dinamarca al igual que en el extranjero. Desde 1990 vive en Francia, Fontarèches.

Uffe Christoffersen (born 1947) was educated between 1968 and 1974 at the Academy of Art in Copenhagen, where he was tutored by Harald Leth and Egill Jacobsen. He made his debut in 1971 at the Charlottenborg Spring Exhibition and was a member of the famous artist group Violet Sun from 1974-88.

During his time at the academy Uffe Christoffersen combined his intense artistic concentration on the essence of colour with several years of technical colour experiments in the Academy of Art’s Colour Laboratory. At the end of his studies he was engaged as part-time teacher in the laboratory from 1975-83.

Uffe Christoffersen has been a very frequent exhibitor in Denmark as well as abroad. Since 1990 he has been resident in France, in Fontarèches.

Finn Terman Frederiksen

UFFE STADIL CHRISTOFFERSEN Gul kinesisk tiger, 2014 81 x 100 cm

UFFE STADIL CHRISTOFFERSEN Bla kinesisk tiger, 2014 85 x 100 cm

José Antonio Diazdel

Gran responsabilidad para un artista, la de contar con un lenguaje directo, porque todo lo que expresa permanece en el tiempo, y la verdad siempre acarrea su sombra. Jung decía que la civilización occidental sobrevivirá en la medida que cada uno de nosotros asumiera su propia sombra, sin proyectarla más sobre el vecino.

De la misma manera la obra de José Antonio Diazdel asume su propia sombra mediante la ironía, un guiño cómplice con el que expresa gozosamente el disparate que es nuestra humanidad, al contrario de la vanguardia radical, que se ha convertido en una parodia por sí misma, una forma de venganza, característica de una desilusión tajante. Diazdel asume su luz y su color como admite su condición humana, integralmente."

Great responsibility for an artist to have a direct language, because all that he expresses remains in time, and the truth always carries his shadow. Jung said that Western civilisation will survive to the extent that each of us took our own shadow, without projecting more on the neighbour.

Likewise the work of Jose Antonio Diazdel assumes it's own shadow through irony, a conspiratorial wink with which he joyfully expresses the nonsense that is our humanity, unlike the radical vanguard which has become a parody of itself, a form of revenge, feature a sharp disappointment.

Diazdel assumes its light and colour and supports his human condition, completely.

Marcela Valdeavellano Costa Rica 2014

JOSÉ ANTONIO DIAZDEL Mujer adulta, 2007 Aguafuerte, 24 x 32,5 cm

JOSÉ ANTONIO DIAZDEL Pacis Conciliator 2, 2014 Técnica mixta sobre madera, 77 x 19 x 8 cm

JOSÉ ANTONIO DIAZDEL Pacis Conciliator 7, 2014 Técnica mixta sobre madera, 77 x 21 x 8 cm

Jan Ulrik Friis Jan Ulrik Friis es hoy un pintor reconocido que ha expuesto en numerosos países.

Creció en Risskov Dinamarca y se formó como pintor en la Real Academia Kunstakedemi y Kunstakedemi Aarhus.

Una atracción por el desierto y las montañas altas como mundo infantil de fantasía lo llevó, sin embargo, hacia el norte a las regiones más septentrionales de Suecia, donde grande artistas como Asger Jorn, Else Alfelt y Carl-Henning Pedersen pasado largos períodos de trabajo.

Además buscado Jan Ulrik Friis y estaba tan fascinado por la naturaleza, el paisaje y el ambiente de la alta montaña en el norte de Suecia, que hoy en día él y su familia viven en Laponia y Andalusia.

Aquí él se inspira para sus imágenes expresivas, colorido y expresivo, pobladas de monstruos fabulosos y duendes y lleno de mística desierto. & 1981 - 2015 Studio Artistico Rio Seco Velez Malaga.

Jan Ulrik Friis is today a recognized painter who has exhibited in many countries.

He grew up in Risskov Denmark and trained as a painter at the Royal Academy Kunstakedemi and Aarhus Kunstakedemi.

An attraction to the wilderness and high mountains as childhood fantasy world drew him, however, northward to Sweden's northernmost regions where famorous artists such as Asger Jorn, Else Alfelt and Carl-Henning Pedersen spent long periods of work.

In addition searched Jan Ulrik Friis and was so fascinated by nature, the landscape and the atmosphere of the high mountains in the north of Sweden, that today he and his family live in Lapland and mountains of Andalucia.

Here he is inspired to its expressive, colorful and expressive images, peopled with fabulous monsters and goblins and full of wilderness mystique. & since 1981 artstudio by Rio Seco, Velez Malaga.

JAN ULRIK FRIIS Rico seco I, s/f Ă“leo sobre lienzo, 100 x 70 cm

JAN ULRIK FRIIS Rico seco II, s/f Ă“leo sobre lienzo, 100 x 70 cm

Salvaje y poética Expresionista nórdico Un revoltijo posmoderno de los movimientos internacionales de arte se ejecuta como una corriente subterránea a través del arte de Grube. Términos como Action Painting y Cobra vienen fácilmente a la mente cuando sus logros son para ser colocado dentro de un contexto histórico más grande, pero es primero y ante todo, lo expresivo y lo espontáneo, que forman el denominador común.

A ésto se añade un vínculo no poco importante, con el drama nórdico. Lo crudo, el contraste, a veces incluso extrema, en la pintura de Grube, proviene de un nervio dramático en su mente que parece cercano al drama de Strindberg. La pintura expresionista de Edvard Munch y la espontaneidad especial i que Asger Jorn practicaba.

Lo que vemos es un tono arquetípicamente nórdica, una pasión salvaje que nos recuerda que la cultura del norte de Europa es más que melancolía, mediocridad y moderación.

Tal vez sea su infancia en las Islas Feroe y la fuerza salvaje de la naturaleza lo que le ha dada a su temperamento esta ventaja.

Texto por Hanne Lundgren Nielsen, mag.art. , Directora del Carl Henning Pedersen y Else Museo Alfelt en Dinamarca

Gunleif Grube

Wild and Poetic Nordic expressionist A postmodernist jumble of international art movement runs as an undercurrent trough Grube`s art. Terms like Action Panting and Cobra come easily to mind when his achievements are to be placed in lager historical context, but it is first and foremost the expressive and the spontaneous that form the common denominator.

To these we can add a not unimportant link with “Nordic drama`. The raw, contractual, sometimes even extreme in Grube’s painting comes from a dramatic nerve in his mind that seems closely related to Strindberg’s drama. Edvard Munch’s Expressionist painting and the special irrational spontaneity that Asger Jorn practiced. What we see here is an archetypally Nordic tone, a wild passion that remind us that northern European culture is more than, melancholy ,mediocrity and moderation. Perhaps it is his childhood in the Faroe Island and the wild force of nature that have given his temperament this edge; perhaps it is hereditary.

Text by Hanne Lundgren Nielsen, mag.art. , director of the Carl Henning Pedersen and Else Alfelt Museum in Denmark

GUNLEIF GRUBE La luz interior, s/f Ă“leo sobre lienzo, 80 x 74 cm

GUNLEIF GRUBE Atrapasueño, s/f Óleo sobre lienzo, 80 x 74 cm

Luise Haugen

Los cuadros de Luise Haugen reflejan un proceso de transformación constante. Pueden definirse como piezas de arte líricas, que revelan una amplia variedad de elementos y fragmentos, y que permiten una libre interpretación. En ellos se aprecian distintas capas, patrones y detalles que asaltan al espectador, revelándole nuevas historias y asociaciones, mostrándole el profundo regocijo del proceso creativo. La combinación de collage y acrílico otorga una textura que impacta tanto al tacto como a la vista, como un caleidoscopio, cambiando constantemente.

Luise Haugen creció en Frigiliana, Málaga, pero con 20 años se mudó a Dinamarca donde actualmente reside.

Luise Haugen's paintings seem to be in a continuous transformation. Revealing a wide variety of different elements, they are lyrical pieces of art, allowing any individual interpretation. New layers and patterns are overwhelming the viewer, filled with stories and associations, obviously transpiring the artist's deep passion of the creative process. There is a both tactile and visual quality to the combination of acrylic painting and collage, resembling a kaleidoscope, in a constant change.

Luise Haugen grew up in Frigiliana and moved to Denmark at the age of 20.

LUISE HAUGEN Sin título, 2015 Acrílico + hierro sobre lienzo, 146 x 114 cm

LUISE HAUGEN Sin título, 2015 Acrílico sobre lienzo, 100 x 80 cm

Caroline Krabbe Los cuadros de Caroline son muy latinoamericanos y, a la vez, mediterráneos; pero, sobre todo, autobiográficos. Las figuras que pueblan sus telas son personas próximas que retrata con la frescura de una mirada limpia, cálida y estructurada. En muchas piezas apreciamos tras la vibración del color un fondo reticular: el mosaico de los recuerdos (...) El escriturado de los campos, la geometría de las viñas, el tresbolillo de los frutales, el laberinto de vasos leñosos intuido en el envés de las hojas… son imágenes interiorizadas que cobran protagonismo como fondo de sus cuadros, añadiendo una rica dualidad entre las figuras y las formas, componiendo fondos planos de gran riqueza o adquiriendo protagonismo como paisajes.

Federico Castro - Historiador del arte The pictures by Caroline are very Latin American and, at the same time, Mediterranean; but above all they are autobiographical. The figures that inhabit her canvases are people who are near, whom she portrays with the freshness of a clean, warm and structured look. In many pieces we appreciate behind the vibration of color, a grid background: mosaic of memories (...) The calligraphy of the fields, the geometry of the vineyards, the staggered fruit trees, the maze of timber veins sensed on the underside of the leaves ... are internalized images that act as protagonists in the background of her paintings, adding a rich interplay between figures and forms, composing rich, level backgrounds or gaining prominence as landscapes.

Federico Castro - Art Historian

CAROLINE KRABBE Luna llena, 2015 AcrĂ­lico sobre lienzo, 81 x 100 cm

CAROLINE KRABBE Luz de luna, 2015 Acrílico sobre lienzo, 81 x 100 cm

Dorthe Steenbuch Krabbe

El mágico lugar de las montañas andaluzas es el ámbito cotidiano de Dorthe. Allí vive y trabaja la arcilla, un medio que le permite plasmar su visión del mundo y la impresión que generan en ella los paisajes que transita. En sus cacharros se conserva el eco abstracto de personas y viajes, conversaciones y risas, la brisa leve en los cipreses, el ladrido en la lejanía, la luz intensa de la mañana, la quietud del crepúsculo... Las texturas del barro, los óxidos para el vidriado, la certidumbre de colores e irisaciones fruto de la alquimia del fuego en la mufla y la pasión por la experimentación, remiten a una actividad precisa y azarosa, como la vida misma, en la que Dorthe despliega su serenidad y fortaleza. (...)

The magic place formed by the Andalusian mountains is part of Dorthe Steenbuch Krabbe's daily life. There she lives and works with clay, a medium that allows her to shape her world view and the impressions that the landscape creates within her. In her jars subjects are stored that evoke the abstract echo of conversations and laughter, the quiet wind in the cypresses, one dog barking far away, the intense morning sun, twilight, silence. Clay texture, glaze oxides and colors build surprises as a result of the alchemy of fire and smoky black accents. Passionate experimentation becomes a daily activity, accurate and random, like life itself, whereby Dorthe unfolds its serenity and strength. (...)

Fedrico Castro Morales

DORTHE STEENBUCH KRABBE El Tajo, 2015 Gres, 42 cm ø

DORTHE STEENBUCH KRABBE Vientos rontando, 2015 Gres, 30 cm ø

Jacinto Lara

Composiciones ordenadas y geométricas, sí; pero donde confluyen y ocurren otras cosas, que hacen tambalear tales planteamientos. Siempre hay algo que nos punza, que desgarra desde dentro el tejido narrativo y el discurso disfrazado de aparente estabilidad. El artificio, la construcción simbólica, nos es mostrado desnudo y en diferentes niveles, ya sea mediante series de cuadros, o mediante capas, en el mismo seno del cuadro. Capas donde la mancha y el color se superpone y transforma, así como el trazo que lo dibuja, en aparente armonía y férrea arquitectura estructural. Por otro lado, junto a la profundidad de aquellos niveles, por donde se extiende la densidad extrema del gesto velado del pincel, convive la fijeza de la línea, cuyo recorrido será respetado sin la invasión del color.

Tidy and geometrical compositions yes, but other things converge and make the plan change.

There is always something that punctures, ripping from the inside the narrative weave and the apparent stability of the disguised discourse. The artifice, the symbolic construction, seen naked and on different levels, either through a series of paintings, or different layers in the same core of the painting. Layers in which the stains and colors overlap and transform, as well as the traces of drawing, in apparent harmony and determined architectural structure. On the other hand, right besides those deep levels, where the extreme density of the brush’s veiled gesture spreads out, the firm traces coexist, and its path is respected without the invasion of color.

Javier Lara, July 20th 2015

JACINTO LARA Puerta Ausencia, s/f Resina acrĂ­licas, pigmentos y hierro, 106 x 86 cm

JACINTO LARA Serie 9. Del Cenit al Nadir, s/f Hierro y papel hecho a mano, 170 x 70 x 70 cm

Jytte Møller

Naturaleza versus cultura Siempre he encontrado muy interesante la interacción entre la naturaleza y cultura - y la relación entre la construcción y de-construcción. Encontrar el equilibrio entre la naturaleza misma y nuestro deseo de vivir en un "mundo perfecto " y diseñado ...

El cuenco clásico es siempre el punto de partida y el resultado puede ser funcional o escultórica. Últimamente las obras se han convertido en puramente escultóricos aunque el cuenco aún se deja apreciar. Los esmaltes han desaparecido y permite la arcilla hablar por sí solo.

Nature versus Culture The interaction between nature and culture - and the relationship between construction and de-construction, I have always found to be interesting.To find the balance between nature itself and our desire to live in a “perfect” and designed world...

The classic vessel is always the starting point and the result can be functional or sculptural.

Lately the works have turned purely sculptural although the vessel still can be seen.The glazes have gone and the clay allowed to speak for itself.

JYTTE MØLLER Round I, 2007 Gres, Pieza única construida a mano

JYTTE MØLLER Stone II, 2009 Gres. Pieza única construida a mano

Perry Oliver

Una de las cosas que más me gustan es cuando la materia, presente físicamente, se manifiesta en un sentido simbólico inesperado. Una forma surge y súbitamente cobra sentido. Pretendía dibujar una cosa y resultaba la imagen de algo distinto. O tan sumido estaba en la materia misma, que apenas recordaba lo que quería decir, y salió otra cosa.

Queda en suspenso la dinámica de las asociaciones simbólicas mientras el ojo-y-mano entran en asuntos estéticos desde la realidad material. Puede que sea en ese momento en el que emerge lo más sorprendente y fértil de las (ocultas) ideas.

One of things I like most is when the physical presence of my material goes in an unforeseen symbolic direction. A shape just happens and suddenly it makes sense. I intended to draw one thing, and it turned out to look more like something else. Or I was deeply involved with the material, only vaguely aware of what I wanted to say, and I said something else. The symbolic associations were in suspended animation while the eye-and-hand were aesthetically involved in the reality of the material. It can be then that the most surprising and fertile of (occult) ideas emerge.

PERRY OLIVER Vínculo por espacios íntimos, 1999 Hierro soldado y repasado – patina quemada y cera, 50 x 56 x 20 cm

PERRY OLIVER Encuentro avanzado III, 2015 Hierro oxidado y pintado, 45 x 145 x 42 cm

Francisco Peinado La obra pictórica de Peinado trata de conquistar una introspección ajena a cualquier cientifismo historicista: un toque drástico, obsesivo e ilimitado la sostiene (de eso saben pocos creadores, y no por el riesgo implícito del proceso en que se embarcan, sino por la búsqueda demencial que supone tomar esa dirección, una suerte de tarea de Hércules, un continuo girar de derviche, una incontenible aspiración de estar en el punto de partida, hacia dentro, siempre hacia dentro); pero no se acaba ahí la lucha titánica del artista contra el medio, del artista contra sí mismo, del pintor contra la mara…a, del hacedor de tensiones y nudos entre vida, obra, sexo y muerte; no se acaba porque nunca cesan de plantearse misterios a desventrar, caminos recónditos o espacios y personajes diferentes que inventar.

The paintings of Peinado try to conquer an introspection irrelevant to any historicist scientism, for they are sustained by a drastic, obsessive and limited touch (few creators know this, and not because of the implicit risk of the process into which they launch but because of the demented search that this choice of direction entails, a kind of Labour of Hercules, a dervish whirling continuously, an uncontrollable desire to be at the starting point, inwards, always inwards). But the artist's titanic struggle against the medium, the artist against himself, the painter against confusion, the creator of tensions and bonds between life, work, sex and death, does not end here; it does not end here because there are always mysteries to discover, hidden paths or spaces and different characters or spaces to invent.

Alfredo Taján

FRANCISCO PEINADO Ejecuci贸n, s/f Aguafuerte. Planchas zinc, 64 x 49 cm

FRANCISCO PEINADO Cansado de ciudad, s/f Aguafuerte. Planchas zinc, 64 x 49 cm

Antonio Povedano Nacido en Alcaudete, aunque prieguense desde el principio, su vocación por la pintura fue su motor vital.

En mayo y junio de 2006 expuso sus obras en la Galería Krabbe. Tituló dicha muestra: “Entrañamientos vivenciales”.

Su obra pictórica abarca temas desde el paisaje, el mundo del flamenco, los picaores y toreros, retratos, hasta incluso flores. Todos tratados con su estilo neofigurativo expresionista. Pero también hizo murales, carteles, esculturas y, sobre todo, vidrieras, que se encuentran en Córdoba y provincia, y Jaén.

Dejó una obra de excepcional calidad en todas las vertientes citadas, cuando falleció en Córdoba en septiembre de 2008.

Born in Alcaudete (Jaén, Spain), although he felt from Priego (Córdoba, Spain) since the beginning, his life was driven by his painting vocation.

In May and June 2006, he presented his works at the Galeria Krabbe. He entitled this art show “Entrañamientos vivenciales” His pictorical work includes landscapes, the flamenco world, bullfighting, portraits, and even floral still life. All this work is based on his expresionist new-figurative style. He also did mural, postel art, and sculptures, but specially stained glass art, that can be found in Cordoba region and Jaén.

He left an exceptional work in all the already mentioned areas when he died in Cordoba in September 2008.

Antonio Povedano Marrugat.

ANTONIO POVEDANO Arreboles, 2000-2008 Acuarela sobre papel, 51,8 x 65,4 cm

ANTONIO POVEDANO Paisaje, Década de los 80 Acrícilo sobre papel, 51,8 x 64,6 cm

Fernando de la Rosa

Fernando de la Rosa / Tierra de labor Estos últimos tres o cuatro años he volcado mi trabajo de taller entre el grabado y la estampación (con gran implicación del dibujo) y la pintura, ya fuere sobre lienzo, sobre papel, madera o cualquier otra superficie. Los materiales, la materia por sí sola, constituye una motivación y un estímulo para labrar esta tierra fecunda, para andar los paisajes que me llevan de un lugar a otro en la experiencia artística. En este tránsito continuo me decido a veces por la escultura o el assemblage, una forma más de juntar las múltiples y diversas piezas que articulan el pensamiento creativo.

During the past three or four years, I work in my studio over-turning imagery in printmaking (with emphasis on drawing) and painting, which can be on canvas or paper, on wood or some other surface. The material itself becomes my motivation and a stimulus to cultivate its own fertile ground, which becomes a landscape where I go from one place to another in an artistic experience. In this continuous wayfaring, sometimes I choose sculpture and assemblage, other ways that converge to unite the multiple and diverse images that articulate creative thought.

Fernando de la Rosa

FERNANDO DE LA ROSA Pintura labranza I, 2015 Pintura pl谩stica y 贸leo sobre tablero entelado, 92 x 89 cm

FERNANDO DE LA ROSA La torre ortopédica, 2015 Cerámica esmaltada, hierro, madera y óleo, 90 x 33 x 20 cm

Nace en Tetuán, Marruecos, en 1938. Estudia en Madrid hasta 1958, regresando a Marruecos donde permanence hasta el año 1969. Desde 1960 a 1965, imparte clases de dibujo, contratado por el Gobierno de Marruecos, y desde ese año a 1968, reside en Kenitra como Director de la Misión Cultural Española en esa ciudad. Ha pertenecido a la llamada “Escuela de Tetuán”, compuesta por artistas españoles y marroquíes, con los que colaboró en muestras colectivas y diversas manifestaciones artísticas.

Ha realizado numerosos murals, obras de arquitectura, diseño y urbanismo. Tiene obras en colecciones oficiales y privadas de España, Marruecos, Francia, EE.UU., Suecia, Dinamarca, Suiza, Irlanda y Alemania. Está representado en el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, Museo Provincial de BB.AA. de Málaga, Museo de África en Madrid, Museo del Grabado Español Contemporáneo, Fundación Pablo Ruiz Picasso, etc…

Medalla de la Ciudad de Málaga 2014 e Hijo Adoptivo de la misma.

Medalla de Oro. Ateneo de Málaga.

TEXTO PERSONAL - del hijo de Dámaso: DÁMASO RUANO No sé como podría definir la obra de mi padre.

Inmerso en la abstracción, creo que la obra de mi padre sugiere al espectador, hace que cada uno, pueda sentir diferentes cosas al observarla.

Pienso que mi padre, pintaba con el alma y el corazón, y eso, se nota en la sensibilidad de su trazo y en la armonía de colores.

Además, como decía un gran amigo de la familia, "mi padre está en cada uno de sus cuadros, donde ha dejado su alma y nos invita a introducirnos en su mundo".

Dámaso Ruano

Born in Tetouan, Morocco, in 1938. Dámaso Ruano studied in Madrid until 1958, returning to Morocco where he stayed until 1969. From 1960-1965, Ruano teaches drawing, contracted by the Government of Morocco, and from that year untill 1968, he lifes in Kenitra, working as Director of the Spanish Cultural Mission in that city. He has belonged to the "School of Tetouan”, composed by Spanish and Moroccan artists with whom he collaborated on collective samples and various art proyects. Dámaso has made numerous murals, works of architecture, design and urbanism. He has works in public and private collections in Spain, Morocco, France, USA, Sweden, Denmark, Switzerland, Ireland and Germany, and is represented in the Museum of Spanish Abstract Art in Cuenca, Provincial Museum of Fine Arts Málaga, African Museum in Madrid, Museum of Contemporary Spanish Engraving, Foundation Pablo Ruiz Picasso, etc ...

Medal of the City of Málaga in 2014 and adopted son of the same city. Gold Medal. Ateneo de Málaga.

DÁMASO RUANO I do not know how you could define the work of my father.

Immersed in the abstract , I think my father ‘s work suggests the viewer makes each can feel different things to observe .

I think my father was painting with heart and soul , and that , it shows the sensitivity of its stroke and harmony of colors.

Moreover , as I said a great friend of the family, “ my father is in each of his paintings , where he left his soul and invites us to introduce us to their world.”

DÁMASO RUANO Donde comienza el sueño, 1998 Técnica mixta, acrílico sobre lienzo, 116 x 81 cm

DÁMASO RUANO Ventana al horizonte, 2002 Técnica mixta, acrílico sobre lienzo, 101 x 75 cm

Antonio Suarez-chamorro Ha realizado trabajos de grabado- aguafuerte, aguatinta y punta seca- y serigrafía (Escuela de Paco Aguilar “Gravura” en Málaga, Taller P.A., Taller Cristian Walter en Granada, Madrid y La Habana), fundición y tratamiento del hormigón. Su labor como grabador mantiene una continuidad estilística y argumental con su obra pictórica y las llamadas Líricas de mesa.

También destacamos su labor en el diseño de carteles realizados para los cursos del Isel (1997-2006),Cubiertas y diseño de la revista Economistas (1995-2012), cubiertas para el Cuaderno de Gestión Pública Local, portada del nº 8 de la revista literaria El Maquinista de la General (Generación del 27) y, recientemente, el cartel y logotipo para la ONG- Cruz Roja (2006). Diseños de logotipos y estudios corporativos, entre otros, de MADECA 10, Plan de actuaciones estratégicas para la provincia de Málaga, de la Fundación para el Estudio Financiero y Tributario, la Organización Mundial de la Salud y Cartel/Obra de los "50 años de la Facultad Económica de Málaga".

He has carried out assignments involving hand printing- etching, aquatint and drypoint- and silk-screen printing (Paco Aguilar School “Gravura” in Málaga, P.A. Workshop, Cristian Walter Workshop in Granada, Madrid and Havana), melting and treatment of concrete. His hand printing work holds stylistic and thematic consistency with its painting works and his Líricas de mesa.

We can also highlight his work as a designer of posters for the ISEL courses (1997-2006), covers and designs of magazine Economistas (1995-2012), covers for Cuaderno de Gestión Pública Local, front cover no. 8 for literary magazine El Maquinista de la General (Generation of year 27) and, recently, the poster and logotype for non-government organisation- Cruz Roja (2006).

Logo and company study designs, such as “MADECA 10, Plan de actuaciones estratégicas para la provincia de Málaga”, the “Fundación para el Estudio Financiero y Tributario”, the World Health Organisation, amongst others and Poster / Work of the "50 years of Economic Faculty of Málaga " .

ANTONIO SUAREZ-CHAMORRO Iniciaci贸n a los laberintos (IV). Serie: La Parte Humana del Viento (IV/XV), 2000 Aguafuerte y aguatinta sobre cinc. Mancha: 50 x 40 cm Papel: 250gr de la casa de Guarro 75 x 75 cm Taller de grabado: P/A, M谩laga

ANTONIO SUAREZ-CHAMORRO Iniciaci贸n a los laberintos (VI). Serie: La Parte Humana del Viento (IV/XV), s/f Aguafuerte y aguatinta sobre cinc. Mancha: 50 x 40 cm Papel: 250gr de la casa de Guarro 75 x 75 cm Taller de grabado: P/A, M谩laga

Leif Sylvester

Los motivos de Leif Sylvester están poblados por criaturas coloridas. Son animales y criaturas de fantasía que no son de este mundo, pero a menudo les proporciona con brazos y piernas como seres humanos. De este modo son liberados para la imaginación y podemos ver en ellos lo que queremos. Ojos grandes, actitudes pintorescas, gestos y a menudo una frontalidad extraña. Tal vez procedan de su vida como payaso a finales de los años 60, quizás de otros lugares. En cualquier caso, la vida del circo y particularmente la figura del payaso se convierten en un elemento básico en la imaginería de Leif Sylvester, como a la vez son figuras trágicas y alegres. Él muestra en su obra las emociones que pueden surgir en el encuentro entre las personas.

Leif Sylvester's motives are populated by colorful creatures. They loved animals and fantasy creatures that are not of this world, but often provides them with arms and legs like humans.

In this way they are released to the imagination and we see in them what we want. Big eyes, picturesque attitudes, gestures and often a strange frontal. Maybe they come from his life as a clown in the late 60s, perhaps elsewhere. In any case, life in the circus and particularly the figure of the clown becomes a staple in the imagery of Leif Sylvester, which both are tragic and joyous figures. He shows in his pictures the emotions that may arise in the encounter between people.

LEIF SYLVESTER Don Quijote, 2004 Acrílico sobre lienzo, 100 x 90 cm

Arne Haugen Sorensen

Negro y blanco, oscuridad y luz, siguen batiéndose en mi obra. El conflicto o la interacción entre el exterior y el interior han ido avanzando hasta convertirse, probablemente, en mi temática más importante; el hombre en la sociedad, cómo los poderes externos empujan a los internos (la figura) a una posición contraria con los correspondientes efectos en el patrón de la imagen. Y todo ello intento mostrarlo a través de unos signos gráficos claros inmersos en una influencia y motivación recíprocas, algo que debe conformar un esqueleto lo suficientemente fuerte como para transportar tanto "sentimiento" como la imagen sea capaz de contener. Sólo entonces -es decir, al sentirla por todo mi cuerpo- podré dar la imagen por concluida.

Black and white, darkness and light are still struggling in my work. The conflict or the interplay between exterior and interior has come along and is now probably my most important subject; man in society, how exterior powers force the interior (the figure) into opposition, and the pattern of the image is determined by this. I am trying to show all this in clear graphic signs which mutually influence and motivate each other. This must be the skeleton that is strong enough to carry as much of a "feeling" as the image can hold. Only then, i.e. when I can feel it in all of my body, is the image finished.

ARNE HAUGEN SORENSEN Leda y el cisne, 1993 AcrĂ­lico sobre lienzo, 130 x 164 cm

ARNE HAUGEN SORENSEN Peregrino, 2013 AcrĂ­lico sobre lienzo, 130 x 162,5 cm

Antonio Valverde Antonio Valverde se sitúa y nos sitúa frente al mundo en una tensa atención dispersa, o más bien dicho: en su espera poética, actitud que no es fruto de una reflexión intelectual, sino de otra reflexión, ésta que opera por la mediación de los sentidos y de la intuición: a la vez conciencia e inconciencia, memoria de la contemplación y proyección de la memoria ¿de cuál memoria? de la memoria personal –Valverde ha sido biólogo y marinero, avistador de pájaros y peces, cazador de arco y pescador submarinista, siempre un aventurero trotamundos. Y de la otra: la memoria que está impresa en los códigos de la especie. Y así, las formas que este artista moldea en piedra o vacía en bronce proceden del mundo sensible y a él se vuelven. Pero también van, vienen y se elevan al mundo suprasensible. A la vez son y no son las cosas que vemos, son y no son las cosas que presentimos. derivan del mundo como naturaleza y a él regresan como representación –tornándose idea en la materia por la reconciliación de los contrarios.

Antonio Valverde puts himself and us, infront of the world, in a tense scattered attention, or rather: in his poetical waiting attitude that is not the result of an intellectual reflection, but another reflection, it operates through the mediation of the senses and the intuition: both consciousness and unconsciousness, memory of the contemplation and projection of the memory. What memory? the personal memory -Valverde has been biologist and sailor, spotter of birds and fish, bow hunter and fisherman diver, always an adventurous globetrotter. And on the other hand: the memory that is printed on the codes of the species. Thus, the forms that the artist molded in stone or bronze comes from a sensible world and returns to this. But they will come and go, and rises into the transcendental world. While they are and are not the things we see, are and are not the things that we sense. They derived from the world as nature and to this they return as a represention - converting an idea into the matter for the reconciliation of opposites.

TULIO H. DEMICHELI poeta y periodista

ANTONIO VALVERDE La cittá, s/f Grafito negro de Campolameiro. Policromía, 65 x 37 x 10 cm

ANTONIO VALVERDE P 145, s/f Peridotita, 55 x 40 x 12 cm