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reversa de video

Make your maker Lucy McRae

Make your makerLucy McRae


REVERSA DE VIDEO “MAKE YOUR MAKER” BY LUCY MCRAE Estudio 5: Dirección creativa Agosto 2014 Laura María Truijillo María Alejandra Amaya María Emilia Uribe María Paula Rodríguez J. Sebastian Cortés

201225525 201223652 201126785 201223526 200924385


Do you feel like the concepts you’ve explored in future technologies, cloning for example, disconnects us from our physical bodies in a way?

“I really hope it doesn’t… for me, it’s really important that it’s organic and un-alienating. I think it needs to be familiar, and I guess that’s the kind of low-tech approach that I have… It’s all mood-based, I feel like it’s an emotional experience or connection.” - Lucy McRae

Entrevista por Sally Tabbart para TheCreatorsProject. Mayo 23 de 2014


INDICE

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/make your maker introducci贸n timeline sonido misschu lucy mcrae trabajos de lucy mcrae

024

/referentes artistas

Anouk Wipprecht, Bart Hess, Bohyun Yoon, Chemical Bouillon, Damien Hirst, Jalila Essaidi, Patricia Piccinini, phillip Levine, Stelarc, Shully Recht, Tissue Proyect,

peliculas

THX 1138, BLADE RUNNER, EL QUINTO ELEMENTO, MATRIX, Resident Evil, El perfume, moon, Splice, Sobre mi piel, Deus Ex, hANNIBAL,

Cocina molecular, Wikipearls, Foodini, Chef jet pro, Nutrismart, Babyquasarbundle, Heaven, Digital Medicines


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/concepto

/moodboard

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/conclusi贸n

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/referencias

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introduccion Lucy McRae es una artista australiana que se ha autodenominado como una arquitecta del cuerpo. A través de sus distintos trabajos ella busca explorar la complejidad del cuerpo para redefinir los límites de él por medio de la investigación científica, logrando con ello resultados poco convencionales que revolucionan la percepción que se tiene sobre el cuerpo.

Lucy explora el cuerpo como elemento para ser replicado, pero que aún así conserva su carácter de estar vivo. Al cortar las partes replicadas, éstas sangran dejando ver que siguen vivas y por esto conservan todas sus características intelectuales y sensoriales. De esta forma, la idea de que uno es lo que se come, y viceversa, toma importancia, pues es posible escoger qué características ya existentes en el cuerpo se quieren volver a ingerir para ser potencializadas, como la inteligencia o la memoria.

En su video “Make your maker”, se observa cómo una mujer bajo un proceso metódico y estandarizado realiza una especie de clon de ella misma con el objetivo de comérselo. La tecnología es un tema recurrente en el video, las aunque herramientas y materiales que ella usa no muestran un gran avance tecnológico pues todo está hecho en su cocina. Sin embargo, el proceso y el conocimiento que ella tiene de lo que está realizando es suficientemente tecnológico.

En el video se evidencia que es un proceso egocéntrico, pues el ser humano se da cuenta que solamente con sus capacidades es posible ser mejor, mientras se replica y las vuelve a ingerir, y no necesita de nadie más ni de lo que otros le pueden ofrecen. Esto es visto de manera positiva, McRae usa la tecnología como un beneficio propio y lo usa para potenciar su propio cuerpo. De esta manera se crea un híbrido entre la tecnología y el cuerpo en donde uno es la consecuencia del otro, el cuerpo es la inspiración para desarrollar la tecnología y luego ésta permite experimentar con él y redefinirlo creando un reto entre el cuerpo y la ciencia.

Aún así, se remite a un futuro próximo, ya que la vida externa a ella sigue cómo la conocemos hoy en día y esto se ve reflejado en los medios de transporte que se ven en el video, los buses y las bicicletas. En todo su proceso se encuentra una analogía entre un científico en su laboratorio y un chef en su cocina. Empezando por la receta, en donde la actriz decide qué parte de su cuerpo quiere realizar, con qué características, y luego un proceso de moldear, cortar, probar y empacar tal como lo hace un cocinero con sus platos, llevando a pensar que es algo que se ha hecho tantas veces, que se lleva a cabo de manera natural. Es un proceso tan cotidiano que ocurre en el mismo restaurante de MissChu, a la vista de todo aquel que quiera observar.

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musica por james o’connell

James O’Connell es el compositor de la música del video de Make your Maker. Su música se caracteriza por dar una sensación de misterio, crea una mística para luego llevar al espectador al asombro usando principalmente instrumentos acústicos para crear un ambiente anacrónico. Es importante notar que la música es el complemento del video, en ningún momento esta toma protagonismo por encima de lo que sucede en la pantalla. Al final lo que se logra es una mezcla casi perfecta entre el audio y los eventos de la historia, logrando un alto grado de inmersión para el espectador.

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TIMELINE

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timeline - make your maker

prohibido

Es oculto

Cuerpo, nutrición, mente, inspiración

Grotesco

Se ha hecho muchas veces

Beneficio de la tecnologIa

Cortes exactos

Laboratorio/cocina

Redefinir los limites del cuerpo

Absorber nutrientes

Componer, escoger, cortar

Ingredientes

Poder hacerme y crearme

Potenciar el cuerpo

Proceso estandarizado

extensión del cuerpo

Egocentrico:, comerse a si mismo

Cuerpo perfecto

cuerpo y ciencia

Sangra, estA vivo

Uno es lo que come

Volver a nacer

Proceso de creación

Futuro inmediato

futuro creíble Un lugar cotidiano


MISS CHU

”bODY NEEDS NUTRITION, MIND NEEDS INSPIRATION”

Nahji Chu es la fundadora y la directora creativa del restaurante australiano MISS CHU. Es reconocida por ser la reina de los rollos de papel de arroz. En su negocio se interesa por mostrar la “experiencia de una vida” y por esto ella quiere demostrar desde el menú y la decoración la compleja vida por la que Miss Chu ha pasado tratando de incorporarse en una cultura nueva desde sus primeros años al convertirse en una refugiada Vietnamita en Australia.

El video de “Make your Maker” escrito y dirigido por Lucy McRae responde a la inquietud de la directora creativa de MISS CHU de que el “cuerpo y la comida son inseparables”. “Make your Maker” tiene como finalidad provocar y redefinir ese límite biológico del cuerpo. Pues muestra como un ser humano puede ser alimentado por si mismo. El video tiene voz dentro de la manipulación genética y la clonación humana, clonarse para comerse y de esta manera el ser humano puede interiorizar sus sensaciones, o como los efectos sensoriales son absorbidos de nuevo por el cuerpo.

Su interés por el arte siempre ha estado presente, pues ella produjo una corta animación donde habalaba de la situación de los refugiados. Además de que su sentido estético siempre lo incorpore en su restaurante que es considerado como “un alto diseño de la cadena de comida rápida”. En otras palabras el arte en la vida de Miss Chu se ve en al dirección creativa del lugar. Su restaurante propone comida “gluten-free” típica Vietnamita, menú que los usuarios contemporáneos han acogido bastante bien.

Por otro lado, a lo largo del video se puede ver analogías entre el proceso cocinar tradicionalmente y este proceso de destilarse y volverse a comer y otra analogía que se encuentra es el de la cocina húmeda y el laboratorio que muestra.

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a

c

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a, b, c: Miss Chu.com.au

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Nahji Chu es la fundadora y la directora creativa de MISS CHU.


Lucy mcrae

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Lucy Mcrae, la arquitecta del cuerpo como ella misma se hace a conocer. Es una artista/diseñadora que con las influencias del ballet clásico y el diseño de interiores ha logrado marcar nuevos retos para el ser humano, pues ella es consiente que en la era digital que conocemos el cuerpo puede ser más con ayuda de la tecnología. Por esta razón es reconocida como uno de los 50 diseñadores que están “moldeando el futuro”, es decir que es una promotora y líder del cambio, como pensamos, como nos vemos, lo que queremos etc.

Esta artista y diseñadora tiene un entendimiento del cuerpo muy interesante pues ella dice que el cuerpo no es algo ajeno sino que por el contrario, lo ve como un núcleo y es de ahí donde se puede empezar a construir capas, es decir que el cuerpo es el punto de partida para casi cualquier cosa. En su trabajo esto se ve reflejado en la manera como ella construye un trabajo híbrido entre la tecnología y el cuerpo, transformándola, destruyéndola y volviéndola a construir.

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“Lucyandbart” 2008 En este trabajo, Bart Hess trabaja en conjunto con Lucy McRae y exploran las alteraciones en el cuerpo y del rostro usando materiales que evocan distintas sensaciones. En este trabajo hubo un cuidado especial con las emociones de los modelos, ya que debían ser neutras pues los materiales debían ser los encargados de transmitir una idea. Por medio de bombas, espinas, y espuma entre otros, se exploran los límites y extensiones del cuerpo humano. Esta es una idea relevante ya que se sigue trabajando el cuerpo como un elemento alterable suceptible a transmitir distintas emociones y a cambiar sus funciones según la manera en la que se den estas alteraciones.

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1-3. Hess, McRae, Lucyandbart, 2008

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Chlorophyll skin 2008 Este video, el cual es de los primeros en los que Lucy McRae empezó a tratar el concepto de piel, por medio de algodón y pigmentos, simula en la piel humana los procesos de camuflaje de animales como el camaleón. Cada algodón es una célula que se convierte en parte del humano, y gracias a los pigmentos, cada una se empieza a mezclar con las otras células alrededor, mimetizando la piel y remitiendo a las emociones y comportamientos por los que pasa un animal como este al momento de pigmentar sus células y cambiar su apariencia. ,

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4-6. Lucy McRae, 2008.

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Swallowable parfum Lucy mcrae The Swallowable Parfum, es una cápsula que al ingerirla hace que la persona que la consume emita por medio de sudor una esencia. Esta esencia varia según cada persona. 7

Con esta cápsula no solo se discontinúa el atomizador con el cual se aplica el perfume, sino que además se personaliza la esencia, los humores son los que determinan el tipo de olor del perfume. En ambos de sus trabajos, lo comestible y buscar la obtención de lo mejor del cuerpo se vuelve un elemento clave para evidenciar que los límites del cuerpo que conocemos, no son los únicos que existen, hay muchos más. McRae evidencia esto en estas dos innovadoras obras. Potenciar las habilidades del cuerpo no es imposible solo que no las hemos indagado.

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7-9: Lucy McRae,2014

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“FAT MONK” by rat vs possum 2011 Realizado en el 2011 para la banda música Rat vs. Possum, McRae crea un universo propio como en Meet your Maker, usando una luz fija clara, pero los colores cambian a unos más tenues y delicados, en el rango de colores pastel. En este video el cuerpo se usa como elementos formales singulares que contribuyen al plano completo: se crea una composición de colores, e incluso se ocultan los cuerpos en diseño de colores para resaltar a la figura principal. Al inicio los recipientes de líquido crean nuevas paletas de colores y abren paso a multiples montajes que dan cada vez más singularidad a esta composición en su universo propio.

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10-13. Lucy McRae, 2011.

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“BE MY YOKO ONO” by reptile youth 2012 Este video, realizado por Lucy McRae para Reptile Youth, hace nuevamente referencia a la creación de un nuevo cuerpo. Se relaciona con la tecnología porque todo el proceso para llegar a hacerlo está estandarizado, inclusive hay un catálogo para escoger qué atributos se quieren tener como el color de pie, la huella digital etc. Se relaciona con la sociedad moderna, que se está acostumbrando a que sus cuerpos son algo definible por medio de cirujías estéticas, que los pueden llevar hasta donde ellos quieran realmente ser. Ésta es una idea valiosa porque remite a los límites y a la posición ética que se debería tener frente a los alcances de la tecnología en el cuerpo y de la facilidad de éste para ser transformado. Cuestiona hasta qué punto se debería usar la tecnología para alterar la apariencia original del cuerpo.

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Estéticamente también aporta, pues vuelven a aparecer materiales viscosos, densos, implementos de laboratorio, herramientas de corte y de medida. 16

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14-17. Lucy McRae, Be my Yoko Ono, 2012

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“Dream a little crazy” by Architecture in helsinki 2012

McRae trabajó con la banda australiana “Architecture in Helsinki” para hacer el video de su canción “Dream a Little Crazy”. La banda le encargó la dirección creativa del video puesto que querían mostrar un mundo “surreal, absurdo e infeccioso”. Juntos contruyeron para el video el concepto de “biological bakery” y con esto querían mostrar como la biología sintética puede entrar a los hogares y su intención era que la música fuera el medio para mostrar la idea. La biología sintética es pensada desde el proceso de producción de los dulces y cómo las máquinas industriales que muestran en el video podían ser la representación del cuerpo.

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Todos los utensilios del video son comestibles, desde los moldes de las caras hasta las salsas de colores. Todos los accesorios presentados en el video son hechos a partir de los cuerpos de los cantantes y fueron creados por máquinas de impresión 3d. Por esto es posible decir que desde la creación del video hasta el mismo concepto que quieren mostrar se ve la estrecha relación de máquina y cuerpo.

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18, 19, 20, 21Arquitecture in Helsinki, “Dream a Little Crazy” y Lucy McRae

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“VACuUM PACK EXHIBITION” 2014

En Septiembre de 2014, para el “Dezeen and MINI Frontiers Exhibition” comenzará un nuevo proyecto basado en la dificultad que los cuerpos tienen sobreviviendo en el espacio, por la diferencia de gravedad y los efectos de los rayos cósmicos en el cuerpo. Ahora, ella explorará esta sensación para llevar los cuerpos de sus espectadores al límite. Los espectadores se insertarán en bolsas y el aire será extraído por unos segundos, para sentir los efectos de la gravedad cero.

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Este trabajo es importante porque deja ver el nuevo camino de experimentación de McRae. Luego de hacer algunas investigaciones y tener contacto con trabajadores de la NASA, comenzó este proyecto. Una vez más, nos deja ver que su trabajo va al mismo ritmo de la tecnología buscando probar los límites. Mientras la tecnología avanza, y se piensa en crear un portal espacial, Lucy experimenta con las nuevas barreras que el cuerpo tendrá que soportar en condiciones extremas fuera del planeta Tierra.

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22,23 Concept images, 2014

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Llegamos a vincular los referentes encontrados ya fuera por el concepto detrás de los proyectos, o por la manera visual que eran presentados. Pero estas dos diferencias conviven para que la construcción de las conclusiones a las que llegamos no fueran una simple versión de las referencias que pudo haber usado Lucy McRae.

acerca de los referentes

En lugar de separar bruscamente los hallazgos entre referentes conceptuales y formales, organizamos los referentes simplemente por el medio en que los encontramos. Iniciamos con artistas visuales y conceptuales, luego se muestran películas y series de televisión, y cerramos con una categoría mixta, en la que la cocina molecular y otras intervenciones toman cierto protagonismo.

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ARTISTAS ARTISTAS ARTISTAS


Anouk wipprecht Esta artista holandesa trabaja en el campo del fashion-tech, combinando el cuerpo, la moda y la tecnología dentro de sus obras. Éstas prendas actúan como un “huésped” del cuerpo, el cual cambia con sus reacciones (respiración, movimiento, latidos). La relación conceptual que establece con el video es que Wipprect logra que sus creaciones tengan vida a través de la vida de la persona que lo usa, la prenda

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24: Intimacy 2.0, 2010 25: Smokedress 26: Robert Nulak, Daredroid. 2010

necesita el cuerpo como la tecnología necesita al ser humano, de lo contrario ninguno podría desarrollarse, y en este caso sin sus pulsaciones o su movimiento no lograría que sus prendas cambiaran de color, o producieran coctéles. Ella traza un nuevo horizonte en el cual el cuerpo es quien define el aspecto y realización de la moda, y no la moda la que define al cuerpo.

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Bart Hess “Mutants” 2011

En este trabajo, Bart Hess en colaboración con Hey Hey Hey, explora los límites del cuerpo al representar al humano como un mutante en el proceso de transformación. Está ligado conceptualmente ya que se quieren romper barreras del cuerpo humano y demostrar que éste es cambiante y transformable. Estéticamente también es pertinente pues se hace uso de un material común, como el látex y se usa al máximo su elasticidad para dar una sensación de cápsula brillante y lisa que alberga el cambio. Se ve claramente el juego entre el cuerpo y un material sintético, creando un híbrido entre ellos, como si el látex fuera parte de él.

27-29 27-29. Hess, Mutants , 2011

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Bart Hess “ECHO” 2011 Este video fue creado para el Glassmuseum de Holanda. Por medio de la animación, se puede ver que el actor pone sobre su cuerpo estructuras que parecen tener vida. 3o

En este trabajo, se explora el mismo concepto de la transformación del cuerpo, pero esta vez se observa cómo el mismo ser humano es aquel que se ayuda y desea transformarse. Está ligado a la posición positiva frente a los cambios y la tecnología, pues el hombre en ningún momento teme usar las estructuras, el está dispuesto a dejarse transformar y dejar que las estructuras cumplan su función, ya que parecen estar vivas, se mueven y responden a las características del propio cuerpo para acomodarse.

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30-33. Hess, Echo, 2011

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BOHYUN YOON 2004 “FRAGMENTATION” Esta instalación de 2004 solo requirió modelos vivos y espejos para explicar perfectamente su título, “Fragmentation”. Con unos cuerpos que aceptan su fragmentación de forma pasiva, los espejos remiten a la creación de nuevas versiones de estos, pero usando sus partes por separado. De esa manera, las cabezas quedan alejadas en otro mundo que las piernas, y el cuerpo se convierte en el medio para marcar las diferencias que quedan en esas nuevas dimensiones separadas por los espejos.

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Como Lucy McRae, el cuerpo no tiene barreras para ser reconocido como individuo, y hasta su propia materialidad puede ser objeto de experimentación. La misma clonación que los espejos causan en cada nuevo universo, nos remiten a la reinvención de nuestros cuerpos, ya usando juegos visuales, o usando gel para rediseñar nuestros límites. 35

34-36. Bohyun Yoon, 2004. 36

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Chemicalbouillon youtube channel Este proyecto se desarrolló en París, Francia, consiste en la realización de vídeos y fotografías que surgen gracias a la exploración de materiales y de reacciones químicas. Conceptualmente, se relaciona con el video de Lucy McRae, por medio de la utilización de materiales derivados de la naturaleza, puesto que son la materia prima con la cual la tecnología trabaja, y con la exploración de éstos se llegan a obtener resultados como los que presentan en sus videos.

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La estética obtenida en estos videos es similar a la de “ Make your Maker”, se puede decir que se encuentran en un mismo universo, puesto que el movimiento de las reacciones químicas y su variación en el color evidencia la posible vida en sus componentes, como en partes del video en las cuales se demuestra que sus duplicados también tienen vida, por medio del movimiento de ciertas sustancias. 38

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37,39: Chemical bouillon, Blue ink - Intergalactic space travel. 2014 38: Chemical bouillon, Hydrocarbon vs Ink. 2014

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Damien hirst Las obras de Hirst además de ser hiper realistas, logran captar la morbosidad de los espectadores por la selección de animales muertos para la realización de sus obras. Estos organismos se vuelven en una propuesta estética que los aleja completamente de su origen ordinario y corriente. De esta manera los cuerpos naturales tienen una trascendencia significativa en cuanto a que logra impacto al ser expuestos alejados de su naturalidad, y de la demostración de una realidad tan cruda pero tan natural y real.

Este artista se relaciona formalmente con la narrativa del video puesto que aprovecha el estado de seres vivientes, para representar significados alejados de su naturalidad (”estar vivos”), McRae de la misma manera aprovecha el estado y la habilidad del cuerpo para potencializar habilidades, por ende significados. La muerte y la clonación se vuelven respectivamente en una manera de preservar y de confrontar tanto la vida como el avance de la ciencia, dos cosas que se transforman todo el tiempo pero que nadie quiere hacerles frente. La tecnología no va a dejar de explorar y la vida tampoco es para siempre.

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40: Blevine32, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, 2011 41: Love’s paradox (Surrender or Autonomy, Separateness as a Precondition for Connection.),2007 42: I Am Become Death, Shatterer of Worlds, 2006

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JALILA ESSAIDI 2011 “2.6g 329 m/s” Desarrollada con células humanas y leche de cabras modificadas genéticamente, se logra extraer proteína muy similar a la seda de las telas de araña. Gracias a la fortaleza ganada con este material desarrollado, la bio-artista encontró esta nueva piel la cual es tan resistente, que incluso puede llegar a ser a prueba de balas. Así la realidad y unas ideas que sonarían de ciencia ficción demuestran cómo la piel se convierte en un defensa para sí misma, al convertirse en una mejor versión de sí, sin recurrir a elementos externos tecnológicos que marcarían la diferencia entre un accesorio, y nuestras características físicas como organismos vivos.

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10-13. Forensic Genomics Consortium, 2011.

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Patricia piccinini Esta artista realiza obras las cuales están pensadas bajo la ética y la responsabilidad del ser humano frente a la tecnología y sus descubrimientos. Se relaciona formalmente con el video, en cuanto a que basa sus obras de acuerdo a investigaciones y logros de la tecnología. Con las esculturas de sus criaturas, nos lleva a pensar acerca de mutaciones genéticas y de los alcances de la ciencia, nada parece estar tan lejano ni tan loco, como el ser humano lo concebía, la tecnología arma un nuevo discurso de posibilidades infinitas.

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45: The young family, 2002 46: Still life in stem cells , 2002 47: The siren mole;Excelloephala Parthenopa, 2000

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philip levine 2011 “HEADISM” demuestra mediante la energía transmitida por las fotografías de su obra terminada, tomadas por Daniel Regan: es alguien más poderoso sin haber dejado de ser la misma persona. Tal como en la obra de Lucy McRae, esta barrera difusa entre los límites de su cuerpo y su creación, rompe con el concepto de cyborg, y muestra el organismo como la misma obra de arte y tecnología.

Usando su cabeza como lienzo, Levine convierte la obra en sí como parte de su cuerpo. Con los intrincados diseños desenfoca la barrera entre su cabeza, y su propuesta artística: el diseño, ya sea pintura, montaje o ilusión óptica, se convierte en parte de su apariencia personal. Luce su nuevo estilo no como un accesorio, sino una característica definitiva de su apariencia que

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48-50. Daniel Regan, 2011.

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STELARC ”EL CUERPO ESTA OBSOLETO”

Stelarc es un artista que se interesa por extender las habilidades del cuerpo humano por medio de la combinación entre el arte y la tecnología. Cree que la interacción del cuerpo más la tecnología llevará al re-diseño del mismo por medio de la exploración y la experimentación. Stelarc define su trabajo como un performance en realidades mixtas, el cuerpo biológico de manera aumentada y un sistema virtual. 52

Stelarc fue uno de los pioneros en establecer la idea de la realidad aumentada por medio de la tecnología, sus performances son una muestra de su idea de que el cuerpo ya dejó de ser lo que era y que necesita de la tecnología para redefinir una y otra vez sus límites. Teniendo en cuenta esta idea, Stelarc es un precursor de Lucy McRae en cuanto a desafiar los límites del cuerpo, por esto se puede decir que ambos pertenecen a un universo conceptual donde presentan la idea de que la ciencia y la tecnología son una nueva expresión artística y es en ésta combinación de mentes e ideas donde el cuerpo va a poder hallar un nuevo rumbo, un nuevo camino siguiendo un proceso de cambio y transformación.

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Stelarc. (2012) Art, design, future man. Retrieve from: youtube.

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sruli recht 2011 “CARAPACE”

Llevando el diseño de prendas a un nuevo nivel, este diseñador radicado en Islandia acerca de nuevo al individuo a su estado más natural. Sus diseños, fotografiados por Marinó Thorlacius, permiten un entendimiento más profundo de los verdaderos motivos detrás de sus diseños. Esta prenda cubre la piel pero no trata de ocultarla. El cuero traslúcido converge con la piel e incluso las formas en las que es recortado, son familiares a la musculatura de el torso y la espalda.

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Como en la obra de Lucy McRae, nuevos medios se adaptan a la piel y al organismo humano, sin disfrazarlo, sino adaptándolo para mostrarse en su mayor potencial.

53-54. Marinó Thorlacius, 2011. 54

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THE TISSUE ART PROYECT “sEMI-LIVING WORRY DOLLS” “Victimless leather” 55

The Tissue Art Proyect es un proyecto de investigación y desarollo del uso de la creación de tejidos reales como un medio de expresión artística que nace en 1996. En su proyecto “Semi-living worry dolls” (2000) se insipraron en un mito Guatemalteco para recrear las muñecas con células vivas de polímeros biodegradables y suturas quirúrjicas. Luego en la exposición, un liquído caía sobre ellas y debilitaba el tejido hasta que sus cabezas cayeran. En otro de sus trabajos “Victimless Leather” (2006) se replicaron las mismas células para crear una chaqueta pequeña con células vivas.

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Este referente es importante, porque es la relación entre ciencia, cuerpo y tecnología pero usada de manera contraria. No se usa el cuerpo como base a ser transformada, sino la ciencia como base para crear algo con ciertas características de un cuerpo y replicarlo. Se remite a la idea que la ciencia puede no solo transformar el cuerpo, sino también crear uno y “resucitarlo” trayendo a la vida células muertas.

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55. Tissue Art Proyect, Victimless Leather, 2006

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Make yor maker manual reversa parte 1  

Reversa del video "make your maker" de Lucy McRae

Make yor maker manual reversa parte 1  

Reversa del video "make your maker" de Lucy McRae

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