Artstyle Summer Fall 2014

Creazione Alta Gioielleria Bartorelli Maison

Periodico di cultura, arte, arti decorative, design e ambiente. Cultural magazine about art, decorative arts, design and environment.

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ART GOES TO LONDON ContiniArtUK

forte dei marmi SUMMER | FALL 2014

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SUMMER • FALL 2014 FREE COPY

Biennale .

Architecture,

not architects

American Chronicles: the Art of

Norman Rockwell

MONTECARLO ROLEX CUP HELIDON XHIXHA

MIX OF DESIGN AND ARCHITECTURE POLIFORM

48 mt performance sloop

mandarin oriental barcelona 2009

sobria magnificenza

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INDICE/INDEX

EDITORIAL Murder at the gallery

By Ferruccio Gard

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IL COLIBRI' A book, A painting

By Andrea M. Campo

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INTERNI Salone del mobile 2014 - Euromobil 28

By Ilario Tancon GLASSTRESS GENIUS LOCI

By Chiara Casarin VERNISSAGE Around Zero

By Armin R. Mengs EVENTS Montecarlo Rolex Cup Helidon Xhixha

By Stefania Prandi Freedom Fighters I have a dream

By Giulia Rossi

Backsides by Kira

By Alain Chivilò BOOKS A life time as a Full Back

By Paolo Fontanesi SPECIALE VENEZIA Venice: a gateway towards the orient

By Barbara Carrer

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The 71st Movie Festival, Leopardi's poetry

72

Biennale Architecture

74

Palazzo Grassi, Nuclear light

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From Prada to the Florian

By Ferruccio Gard

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BRAND The Journeys of Golden Goose

By Mirko Cassani

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LUOGHI/PLACES Hemingway in Asolo

By Dario Dall'Olio

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IMAGES Gavin Rain's new pointillism

By Andrea Maurizio Campo

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CONTEMPORARY Raphael Mazzucco

By Louis Meisel

OUTODOOR Those presences along the river... 34 ... Alba Gonzales

By Gianmarco Puntelli ARTISTI/ARTISTS The Gospel of Aligi Sassu

By Aligi Sassu

Cá Pesaro: from PopArt to Venetian Spatialism

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Raffaele Rossi

By Andrea Maurizio Campo OPENING Art goes to London Julio Larraz Mikhail Baryshnikov

By Stefania Prandi ITSLIQUID Morphos sustainable Empires

By Luca Curci

MOSTRE/EXHIBITIONS The Art of Norman Rockwell

By Fondazione Roma Arte Musei

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London 102 Alessandro Pizzo, Renato Pengo

By Tobia Doná Suspended animations - Pintaldi 114

By Stefania Prandi

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GALLERIE/GALLERIES Farsetti celebrates half a century

By Alain Chivilò

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MEDIA Euromobil Group and Italian Art

By Francesco Spinaglia

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PERSONALITIES Paolo Nutini

By Barbara Carrer

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DESIGN It One Off - U.F.O.

By Ilario Tancon

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LUSSO/LUXURY Bartorelli, tasting beauty

By Ilario Tancon

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PROJECTS Biocloning by Vegas

By Richard B. Browner

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Poliform, mix of design and architecture

By Marco Rossi

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AWARDS Henraux Foundation

By Rosi Fontana

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PERFORMANCE Omar Hassan

By S.P.

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ARREDAMENTO/FURNISHING Fire and Iron, Candeago

By Ilario Tancon

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INTERVISTA/INTERVIEWS Mivar - Carlo Vichi

By Barbara Carrer

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EXHIBITIONS&EVENTS By the editorial staff

152

BORBONESE.COM

CORTINA D’AMPEZZO - VIA ROMA, 4 - T. 0436 862352

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L’ARTE NEL PIATTO Lasciatevi incantare dalla magia di Venezia Gustate le deliziose creazioni di Davide Bisetto Scoprite l’incanto del nuovo Ristorante Oro Nella stupenda cornice di Belmond Hotel Cipriani

BELMOND.COM

editoriale / editorial

di / by Ferruccio Gard

sito internet:

artstylemagazine.com info@artstylemagazine.com Direttore responsabile: Ferruccio Gard e-mail: ferrucciogard@art-style.it Hanno collaborato: Ilario Tancon, Armin R. Mengs, Eros Rampone, A.C., Francesco Spinaglia, Otis, Andrea Ferrazzi, Marco Rossi, Mirko Cassani, Elena Moretti, Cristina Gioacchini, Paolo Fontanesi, Lucia Majer, Gisella Pagano, Elena Zardini, Roberto Daolio, Sania Gukova, Franco Salvadori, Chiara Canali, Vania Conti, Umberto Mazzoni, Paolo Levi, S. C., Monica Migliorati, Michele Beraldo, Fabio Migliorati, Luigi Abbate, Luigi Meneghelli, Elena Pontiggia, Massimo Costa, Ivan Quaroni, Andrea M. Campo, Anna Maria Barbato Ricci, Francesca Giubilei, Valentina Fogher, Stefania Prandi, Emanuela Peruzzo, Viola Carugati, Vittorio Sgarbi, Emanuele Confortin, Luca Curci, Laura Bresolin, Valeria Pardini, Paolo Buda, C.P., Serafina Leozappa, Marco Bevilacqua, Milena Milani, Cosimo Mero, Luca Beatrice, Gaetano Salerno, Achille Salvagni, Dario dall’Olio, Sara Speggiorin, Alessandro Zangrando, Alain Chivilò, Tobia Donà, Eva Ravazzolo, Teresa Meucci, Giulia Rossi, Louis Meisel, Richard B. Browner.

Traduzioni: Valencia Scott Colombo, Sergio Gnesin, Yolanda Lidia Valdés - prepress - print - binding: Peruzzo Industrie Grafiche S.p.A. Mestrino (PD) www.graficheperuzzo.it graphics

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summer • fall 2014

ASSASSINIO IN GALLERIA

MURDER AT THE GALLERY

In letteratura sta diventando un vero e proprio genere narrativo in sé il romanzo ambientato nel mondo dell’arte. Gli esempi sono ormai tantissimi, dalla “Ragazza con l’orecchino di perla”, il libro di successo (come poi il film) che Tracy Chevalier dedicò al celebre pittore olandese Vermeer ( Neri Pozza, 1999), sino al recente romanzo di Donna Tartt, Il cardellino (Rizzoli), Premio Pulitzer 2014. Il cardellino è il titolo di un quadro che il pittore fiammingo Carel Fabritius regala a un ragazzo in punto di morte (1654), dando l’avvio a una vicenda ricca di intrighi, misteri e colpi di scena. Arte e letteratura traggono entrambe vantaggi da questa moda. Perché, grazie ai romanzi, aumenta l’interesse e la simpatia verso il mondo dell’arte ( vedi lo straordinario successo della mostra “La ragazza con l’orecchino di perla” curata a Bologna da Marco Goldin), mentre i libri possono contare su un surplus di vendite fra artisti, galleristi, critici e collezionisti. A parte il fatto che, comunque, il variegato e spesso difficile e stravagante mondo dell’arte offre una miriade di spunti per romanzi di successo, da storie d’amore a gialli o a noir (visto che l’arte è colore).

Qualche possibile esempio? L’inglese Damien Hirst, quello delle mucche sezionate e sbudellate, potrebbe rivelarsi un discendente di Jack lo squartatore, e ripeterne le gesta in gallerie e musei. L’artista padovano Maurizio Cattelan, quello dai mille trasformismi, sarebbe un inafferrabile Fantomas, mentre Vittorio Sgarbi, travestito da Philippe Daverio, potrebbe inventare un nuovo genere di serial killer, stroncando chi non ama l’arte astratta con conferenze di dieci ore.

Il gallerista Stefano Contini sarebbe un implacabile e geniale commissario Maigret, con il rischio però di farsi scappare gli assassini, perché li preavvertirebbe del suo arrivo mezz’ora prima con il profumo del suo gigantesco sigaro. Ma sarebbe un tocco di fumo, pardon, di suspense in più, per rendere più avvincente il thriller. .. Insomma, evviva, aspettiamoci molti nuovi romanzi dell’arte. Sembra fra l’altro che molti scrittori siano pittori mancati. E siccome il primo amore non si scorda mai…ecco forse la spiegazione di questo crescente genere letterario. Peccato però che a tanti sfugga questa opportunità, e che continuino imperterriti a imbrattare tele….

There is a new narrative trend: the novel set into the world of art. Several are the examples: from “Girl with a Pearl Earring”, the successful book ( and then movie) that Tracy Chevalier dedicated to the famous Dutch Artist Vermeer, to the recent novel by Donna Tartt, “The Goldfinch”, winning the Pulitzer Prize in 2014.

The goldfinch is the title of a painting that the Flemish Artist Carel Fabritius gives to a boy just before he died (1654), starting a sequence of events full of plots, mysteries and coupes de théâtre.

Both art and literature benefit from this trend.

Because, thanks to such novels, the interest and liking for the world of the art improves (just see the extraordinary success of the exhibition “Girl with a Pearl Earring” set up in Bologna, curator Marco Goldin), while books can count on a surplus of trades between artists, gallerists, critics and collectors.

Even more, the various and often difficult world of the art offers countless sparks for successful novels, whether love stories, thrillers or noir fictions.

Some examples? The English Damien Hirst, that same one of the dissected and disemboweled cows, could prove to be a descendant of Jack the Ripper and repeat his moves in galleries and museums. The artist from Padua, Maurizio Cattelan, capable of thousands of transformisms , could be an uncatchable Fantomas, while Vittorio Sgarbi, dressed up as Philippe Daverio, could start a new kind of serial killer, assassinating, with 10 hours long conferences, all those who do not love the abstract art.

The gallerist Stefano Contini would be a relentless and brilliant Commissaire Maigret, but risking the assassins to run away, considering that they could smell the aroma of his giant cigar at least half an hour before his arrival. It would be a further touch of smoke, pardon, of suspense, to make the thriller even more interesting...

So, thanks God, we can expect many more novels about art. Also, it seems like many writers are unsuccessful painters. And, since you never forget the first love...that’s probably the reason why of this new literary trend.

It’s a pity, in the other hand, that many others are missing this opportunity and they keep being daubers...

il colibrì

di / by Andrea M. Campo

un libro, un quadro.

A book, A painting

PABLO PICASSO Les Demoiselles d'Avignon 1907

Jack lo squartatore era un pittore?

IL COMMISSARIO MAIGRET: l'ATTORE GINO CERVI O IL GALLERISTA STEFANO CONTINI?

“Un numero indefinito, e forse infinito, di gallerie esagonali” si sviluppano attraverso La Biblioteca di Babele di Jorge Luis Borges. Nel racconto, incluso nella raccolta Finzioni, il geniale scrittore argentino scherza con i concetti dell’infinito, attraverso un paradosso narrativo che trova il suo pretesto in un espediente: la ripetizione ossessiva della struttura primaria compone un meraviglioso universale quale metafora della mente umana, della conoscenza, della vita stessa. Nella biblioteca sono presenti un numero infinito di tomi che contengono un numero limitato di segni (25), i quali, abbinati e ripetuti, danno vita a ogni combinazione di espressioni possibili, delineando l’esistenza fuori da ogni luogo e fuori da ogni tempo. Borges offre una prospettiva multilivello della Verità, il contingente legato all’immanente, il temporale all’eterno, il finito all’indefinito, componendo una realtà

mobile e in eterno cambiamento; si pone come spettatore che vede l’oggetto nel suo divenire. Diversamente, Pablo Picasso ne Les demoiselles d’Avignon afferma la sua idea anarchica di pittura. Il pittore spagnolo, in quest’opera, descrive per la prima volta il mondo oggettivo come somma di punti di vista sincroni e incidenti, privato di ogni ulteriore giudizio.

Le figure vengono scomposte secondo una analisi razionale dell’immagine nel suo manifestarsi; il pittore può appropriarsene e riprodurle con semplici figure geometriche. Borges disegna la realtà secondo un’idea olistica dell’Universo per cui “il tutto è più della somma delle sue parti”, un’astrazione inafferrabile per gli uomini, che si affannano nei corridoi della Biblioteca, alla ricerca del libro della Verità. Picasso dipinge ciò che vede attraverso la sua finestra. E se ciò che guarda non gli piace può sempre “tirare la tenda come in camera sua”.

“An indefinite and probably infinite number of hexagonal galleries” get shaped through the Biblioteca de Babel (The Library of Babel) by Jorge Luis Borges.

In this short story, included in the collection Fictions, the brilliant Argentine writer plays around the concept of the infinite, through a narrative paradox that exists thanks to an expedient: the obsessive repetition of the primary structure composes an amazing metaphor of human mind, of knowledge, of life itself.

Borges offers a multilevel perspective of reality, which is moving and continuously changing.

Pablo Picasso, instead, with Les demosielles d’Avignon (The young ladies of Avignon) tells his anarchic idea of painting: the objective world as the summary of synchronous and affecting points of view, free from any further judgment.

The figures are broke up along a rational analysis of image during its own expression.

Borges, on the other hand, represents reality as an uncatchable abstraction for the human beings, who anxiously try to find the book of Truth in the hallways of the library.

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GLASSTRESS

di / by Chiara Casarin

Genius Loci 10

summer • fall 2014

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progetti di Glasstress si confermano, anche per questa 14ma edizione della Biennale Architettura, come quelli tra i più interessanti nelle collaborazioni internazionali e tra i più efficaci nell’interpretazione del tema biennalesco anche attraverso la presentazione di alcuni inediti lavori d’arte contemporanea.

Il curatore olandese di questa Biennale, Rem Koolhaas, ha battezzato con “Fundamentals” la sua particolare edizione. Un tema ampio e intrigante che ha visto l’adesione di tutti i padiglioni nazionali, delle biennali performative (danza, musica e teatro) e soprattutto della maggior parte degli eventi collaterali in cui Glasstress con Genius Loci si inserisce a buon merito. Il programma pensato e organizzato da Berengo Studio attraverso la neo costituita Fondazione Berengo, ha coinvolto nella sua ormai tradizionale esposizione a Palazzo Cavalli Franchetti, una delle più importanti gallerie d’arte contemporanea europee: La Lisson Gallery. Fondata

nel 1967, questa galleria londinese porta avanti la promozione di artisti affermati ed emergenti con lo scopo di allargare sempre più i suoi orizzonti e le sue esposizioni fuori sede. E’ per questa ragione che la cooperazione con Berengo Studio ha prodotto a Venezia un risultato particolarmente ricco di opere inedite e di interpretazioni originali. Genius Loci, questo il titolo dell’esposizione, è un percorso tra arte contemporanea, architettura e opere in luoghi pubblici in cui il fil rouge che le unisce è la necessaria bellezza e curiosità che devono essere in grado di destare nel passante e nel visitatore del museo. Uscire dalle pareti dell’edificio per portarsi in strada e lungo i percorsi visivi di chi vive in città è un’operazione che sposa l’arte contemporanea all’architettura in un legame indissolubile. La presenza di sculture e installazioni nei luoghi pubblici sottolinea lo spirito di un luogo, ne ravviva la memoria, puntualizza angoli di solito vuoti o insignificanti donando loro quell’efficacia

comunicativa che solo l’arte veicola.

A partire dallo storico concetto di monumento, dove memoria e arte si fondono in un unicum simbolico, l’arte pubblica reinterpreta l’efficacia sociale attraverso le opere che in modo più incisivo possono trattare temi di dominio pubblico, possono sollevare polemiche sociali, affrontare tematiche delicate alla portata di tutti mediante un’attenzione particolare all’estetica e alla creatività produttiva che ne è parte integrante indispensabile. Divenendo oggetti presenti in maniera transitoria, temporale, contingente, si allontanano dalla funzione storica del monumento per avvicinarsi di più a quella della contemporaneità sia artistica che, in un certo senso, antropologica.

Palazzo Cavalli Franchetti dunque, dopo essere stato scelto come nuova sede della Fondazione Berengo ed essere stato riconfermato sede di Glasstress, è per questa Biennale Architettura il punto di partenza di tutte queste riflessione, il nodo dal

Artist: Joana Vasconcelos TITLE: Glasshouse Year: 2014 196 x 95 x 204 cm

Artist: Tokujin Yoshioka Title: Rainbow Chair Year: 2007 35 x 46 x 144 cm

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quale dipartono tutte le teorie e i progetti sulla potenzialità pubblica della produzione artistica. Nella sua tipica conformazione architettonica veneziana dove l’esterno affaccia sul Canal Grande e sul Ponte dell’Accademia collegato da un curato giardino, e nei tradizionali dettagli decorativi degli interni tra stucchi, decori, pavimenti alla veneziana e aperture a trifore bizantine, questo luogo accoglie ora la mostra delle opere e dei progetti di artisti rappresentati da Lisson Gallery e da Berengo Studio.

La mostra comprende modelli, sculture, disegni e progetti di artisti quali: Ai Weiwei, Daniel Buren, Tony Cragg,

Richard Deacon, Spencer Finch, Dan Graham, Shirazeh Houshiary, Anish Kapoor, Richard Long, Tatsuo Miyajima, Julian Opie, Pedro Reyes, Santiago Sierra, Lee Ufan, Koen Vanmechelen, Joana Vasconcelos, Lawrence Weiner, Tokujin Yoshioka e Richard Wentworth.

Nel proseguimento dello scopo primario di Berengo Studio, ovvero donare la possibilità agli artisti di fama internazione che non si sono mai confrontati con il vetro, le sue tecniche e i suoi straordinari risultati estetici, la fornace di Murano ha realizzato per l’occasione le opere di Tokujin Yoshioka, Koen Vanmechelen e Joana

Vasconcelos. La filosofia del fondatore Adriano Berengo inizia a concretizzarsi ormai più di vent’anni fa, proponendo la traduzione dal linguaggio tipico dell’arte, dalle sue forme più comuni come la scultura e la pittura, nella maestria della lavorazione del vetro. La duttilità di questo materiale, le sue possibilità cromatiche ed eidetiche, la sua brillantezza o la sua opacità hanno convinto in questo lasso di tempo moltissimi celebri artisti a sperimentarsi in questa nuova forma dando vita a quello che oggi è Glasstress, riconosciuto in tutto il mondo. La prossima tappa di questo grande appuntamento con l’arte con-

temporanea e il vetro sarà a Istanbul, con un’opera di Joana Vasconcelos in attesa della prossima Biennale Arte (9 maggio-22 novembre 2015) in cui Glasstress non mancherà e proporrà ai suoi affezionati artisti, visitatori e collezioni Gotika, in collaborazione con lo State Hermitage Museum, con un viaggio tra quelle che possono essere le influenze delle idee e i concetti gotici e medievali sul nostro presente, rivisitati e reinterpretati dalla contemporaneità artistica.

place) the title of the exhibition, is a journey through contemporary art, architecture and works in public places where the fil rouge that links them is their capability to arouse beauty and curiosity in those who pass by and visit the museum.

Leaving the walls of the building to

go to the streets and along the visual pathways of those who live in the city is an operation that combines contemporary art and architecture in an unbreakable bond.

In order to continue the main purpose of Berengo Studio, which is providing internationally known artists who

have never faced glass, the opportunity to challenge with its techniques and its extraordinary aesthetic results, the glass factory of Murano made for this occasion the works of Tokujin Yoshioka, Koen Vanmechelen and Joana Vasconcelos.

Artist: Shirazeh Houshiary TITLE: Glass Tower Year: 2014

The program conceived and organized

by Studio Berengo through the newly formed Fondazione Berengo, involves in his now traditional exhibition at Palazzo Cavalli Franchetti, one of the most important contemporary art galleries in Europe: The Lisson Gallery. .

Genius Loci, (Latin: the genius of the

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summer • fall 2014

Artist: Joana Vasconcelos Title: Babylon Year: 2013 360 x 170 cm

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LUSSO LUXURY

BARTORELLI

TASTING THE BEAUTY orologio Celestial Patek Philippe

G

ioielli … di gusto. Perché oggi il lusso è, soprattutto, poter vivere un’esperienza speciale.

Come quella nata dall’incontro tra Gioiellerie Bartorelli e il maestro Ernst Knam per celebrare i 175 anni del brand Patek Philippe. Lo chef tedesco, riconosciuto a livello internazionale come il re del cioccolato, ha accolto con entusiasmo la proposta di Bartorelli e quindi interpretato in esclusiva il prestigioso orologio Celestial Patek Philippe e una preziosa creazione di alta gioielleria della collezione Bartorelli Maison.

L'occasione e' stata, lo scorso giugno, nella cornice di Milano Marittima, una serata speciale dedicata ai selezionati clienti del gruppo che hanno potuto vivere un vero e proprio "esperimento di sapori".

Ne sono nati due dolci straordinari.

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summer • fall 2014

Due ricette che riassumono al meglio l’eccellenza della tecnica, la bellezza della forma e la squisitezza del sapore: il mondo di Patek Philippe e Bartorelli Total Black al verde.

Nel Mondo di Patek Philippe possiamo trovare il Mondo di Knam al cioccolato Perù 70 %, 100 % Criollo, in colore blu notte come il quadrante, con polvere d’oro 24 carati come le stelle, lancette in cioccolato bianco e un cerchio in zucchero tirato con la luna in oro applicato e con i numeri in cioccolato fondente come croccante.

Il mondo è farcito con mousse di yogurt, crispy di menta, gelatina di fragola con mango Alfonso, menta fresca e cremoso di cioccolato con croccantino, shiffoncake al limone e marquise al cacao. Non mancano salsa al mango, frutto della passione e peperoncino di Alpego.

Bartorelli Total Black al verde, invece, è un dolce totalmente inaspettato che conquista già al primo assaggio della gelatina di melone con anice e Pastis color verde smeraldo. Continuando, poi, con il crumble di cioccolato al sale si immagina di assaporare polvere di diamanti ... Gioielli da gustare. Gioielli per stupire.

«Puntiamo molto a stupire i nostri clienti, a dar loro la possibilità di vivere emozioni uniche, impegnandoci al massimo per coinvolgerli a 360 gradi - spiega Carlo Bartorelli, amministratore delegato di Bartorelli 1882. La tradizione culinaria è una dei fiori all'occhiello della nostra cultura e abbiamo pensato che accostarla all'eccellenza della tecnica Patek Philippe e all'armonia di un nostro gioiello potesse essere un punto di vista alternativo che avrebbe

divertito i nostri clienti. Non capita tutti i giorni di poter "assaggiare" uno smeraldo o il cielo stellato di Ginevra, interpretati da un grande artista come il maestro Knam»!

Tradizione e innovazione, dunque.

Nella tecnica così come nel proporsi ai clienti. In linea con una storia che dura da oltre 130 anni e che ha fatto di Bartorelli uno dei punti di riferimento a livello internazionale per i grandi marchi del lusso.

A LATO e nella pagina precedente anello con smeraldo cabochon della collezione di alta gioielleria "Bartorelli Maison - Rare and Unique"

NELLA SEQUENZA: il maestro Ernst Knam all'opera per la realizzazione dei dolci "Il mondo Patek Philippe" e "Bartorelli Total Black al Verde"

Jewelry...of taste. Because nowadays luxury is especially having the possibility to live a special experience. Just like the one born from the encounter between Gioiellerie Bartorelli and the master Ernst Knam to celebrate 175 years of the brand Patek Philippe.

The German chef, famous all over the world as the king of chocolate, enthusiastically accepted Bartorelli’s proposal and he exclusively interpreted the prestigious Celestial Patek Philippe watch and a precious creation of high jewelry from the Bartorelli Maison collection.

SOPRA: un particolare delle due preziose creazioni che hanno ispirato Ernst Knam

The occasion was last June, in Milano Marittima during a special night dedicated to selected clients of the Group who could have lived a true “experiment of flavors”.

Two were the extraordinary sweets created. Two recipes that well summarize the excellence of technique, of beauty of the form and of exquisiteness of taste: the world of Patek Philippe and Bartorelli Total Black in green.

Carlo Bartorelli, managing director of Bartorelli 1882 explains : “We put a lot of effort in order to amaze our clients, to give them the possibility to live unique emotions and we commit at our best to captivate them at 360 degrees. The culinary tradition is a flagship of our culture and we thought to combine it with the excellence of the Patek Philippe’s technique.

It’s not often you can “taste” an emerald or the starry sky of Geneva, interpreted by a great artist such master Knam!”

Carlo ed Emanuela Bartorelli, Laura Gervasoni (Patek Philippe Italia) ed Ernst Knam

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ARTISTI ARTISTS

The Gospel of Aligi Sassu IL VANGELO DI ALIGI SASSU GALLERIA GIOACCHINI dal 10 al 31 Agosto 2014 Cortina d'Ampezzo - corso Italia 116

N

el mondo di oggi, l'artista, il pittore, vive la quotidiana tragedia delle contraddizioni della nostra società con una intensità e una partecipazione che si riflette nelle opere e nel quotidiano esercizio dell'arte. Ispirarsi al Vangelo per un artista di oggi è, come in passato, un riproporsi continuamente, al di là dei contrasti, delle crisi dello spirito contemporaneo, la sostanza concreta della vita dell'uomo, del lungo cammino che per la maggior parte dell'umanità è ed è sempre stato, un lungo "calvario" verso una luce che risplende dinanzi a noi e che solo giustifica il nostro passaggio su questa terra.

La "nascita e la morte", le "parabole" che nel "Vangelo" hanno una così icastica semplicità di rappresentazione sono lo specchio e l'affermazione della vita dell'uomo, di quello che ha fatto, di quello che è stato, di quello che è oggi e anche di quello che sarà domani. È in questa presenza delle parole del Vangelo che l'artista ha sempre trovato in passato e tanto più oggi nel presente, l'ispirazione per essere vicino agli uomini, ai propri fratelli, alle lotte quotidiane che travagliano la nostra società.

Non è in un banale realismo che il pittore nella nostra epoca può giustificare l'adesione a certi temi sacri e religiosi o a dipingere motivi

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al servizio di idee politiche. È perciò che volendo esprimere la mia verità a un livello non inferiore ho dipinto "La Deposizione" e "I martiri di Piazzale Loreto", "Il paradiso, il purgatorio, e l'inferno" e "Le Fucilazioni in Spagna" e tante altre opere in cui l'uomo è il Cristo, continuamente crocifisso; e Cristo è Colui che libera l'uomo dalla sua propria natura, dagli abusi e soprusi degli uomini, dall'egoismo.

Ho voluto perciò ancora una volta ripropormi i temi del Vangelo come una speranza e come una realtà, perché per l'artista, per il pittore, l'idea è sempre una realtà, un'illuminazione concreta dell'anima che si fa forma.

L'artista è sempre un testimone e quando è artista non è mai, non può essere, un integrato nel sistema perché afferma il bene essenziale della persona sulla base della solidarietà dell'uguaglianza, della libertà autentica delle relazioni umane.

Queste mie incisioni del Vangelo, dei motivi più classici e comuni della vita di Cristo, vogliono essere e sono ancora una volta una mia testimonianza con i mezzi della mia arte a quanto di più vivo io ho in me e in quello che ho fatto sino ad ora.

Aligi Sassu (Sassu Aligi, Aligi Sassu parla de ''Il Vangelo" di Aligi Sassu, in "Il Miliardo", Milano, 5 dicembre 1974)

Today, the artist, the painter, lives the everyday daily tragedy of the contradictions of our society with such intensity and emotional involvement that are evident in the artworks and the daily exercise of the art.

Getting inspired by the Gospel, for an artist, today is, as in the past, continuously facing, despite the contrasts and crisis of the contemporary spirit, the solid essence of man’s life, of the long journey that, for the majority of people, is and always has been a long “Calvary” towards the light that shines in front of us and that is the only reason of our transit on Earth.

“Birth and death”, the “parables” that in the Gospel have such a graphical capability to represent reality, are the mirror and the representation of man’s life, of what he has made, of what already has been, of what is today, of what it will be tomorrow.

It is in this presence from the Gospel’s words that the artist has always found, in the past and nowadays, the inspiration to be close to other men, to his own brothers, to the daily frays that affect our society.

It is not just following an ordinary realism that today’s painter could justify his/her adhesion to certain sacred or religious subjects or to represent topics serving political ideas.

Since I wanted to express my truth at a non lower level, I painted La deposizione (the entombment) and I martiri di Piazzale Loreto (the martyrs of Loreto’s square), Il paradiso, il purgatorio e l’inferno (paradise, purgatory and hell) and Le Fucilazioni in Spagna (shootings in Spain) and many other artworks representing the man as Jesus Christ, continuously crucified; and Christ is he who relieves the man from his own nature, from abuses and oppressions of other men, from egoism.

Therefore,once more I choose subjects excerpted from the Gospel, as hope and reality, because for the artist, for the painter, the idea is always a reality, a solid enlightenment of the soul, that becomes form.

The artist is always a witness and since artist, he/she cannot be somebody integrated in the system, because he/she affirms the essential value of the individual taking his/ her stand on solidarity, equality, true freedom on human relationships.

These engraving representing the Gospel I’ve made, picturing the most classical and common subjects of Christ’s life, want to be once more the result, expressed with my art, of what I have profoundly inside me and I’ve made so far.

Aligi Sassu

Natività di Gesù

Fuga in Egitto

Strage degli Innocenti

Gesù cammina sulle acque

Conversione della Maddalena

Il cieco di Gerico

Il buon Samaritano

La pecorella smarrita

Lazzaro e il ricco Epulone

Crocifissione

Pentecoste

La fine del mondo

LUOGHI PLACES

Hemingway IN Asolo L

a magnifica area dolomitica della Valbelluna ha due storiche citta` che la contraddistinguono da sempre: Belluno e Feltre, unite nel 1790 da un unico Vescovado guidato da un illuminato Vescovo, Luigi Zuppani (1750-1841). E` interessante notare come la nobile famiglia Zuppani avesse la sua residenza proprio al centro dell`area, in una storica villa veneta con il tipico borgo medievale

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rustico ancor oggi conservato e ben due cappelle sacre con dipinti ad affresco. Il luogo, nei pressi di Triva (Sedico), ha aggiunto nel tempo la nuova etimologia Triva-Pasa a ricordo della precedente famiglia nobiliare (estinta nel 1578), Pasa appunto, come precisa l`etimologia della parola ad un trivio, un incrocio sulla viabilita` d`epoca romana che unisce le due citta` e il guado del vicino

di / by Dario Dall'Olio

fiume Piave. Nel Rinascimento un pievano di Antivari, nel territorio sulle coste veneziane (nell`attuale Montenegro), per gli attacchi dei corsari che gli avevan incendiato la chiesa, doveva rifugiarsi nella capitale della Serenissima e in seguito venne insediato nella florida, per i commerci di legname che dai fiumi transitavano dalle Dolomiti, parrocchia di Sedico.

Con fratelli e nipoti Tiberio diede

da quel tempo inizio alla dinastia Zuppani che forni` alla comunita` bellunese prelati, un Vescovo, un Prefetto, un Generale Garibaldino, sino al 23 maggio 2000 quando la professoressa Francesca, senza eredi diretti, dono`la Villa con un grande gesto mecenatistico alla Comunita` Provinciale che aveva accolto la sua famiglia quattro secoli prima. Una storia molto bella che sta` diventando

un approfondito stimolo per una tesi universitaria e un volume di prossima edizione. La grande villa e` nella sua architettura la rappresentazione quindi della sua storia. Dalla prima parte dei grandi e freschi archi della tipica casa medievale si leggono le aggiunte rinascimentali delle ampie finestrature, il maestoso timpano con la meridiana e la colombaia, in seguito la parte rustica con gli archi progettati dall`architetto Segusini nell`ottocento. Ai giorni nostri la Villa episodicamente aperta in occasione dell`annuale sentita festa di S.Lorenzo (10 agosto, la notte magica delle stelle cadenti) e visite guidate su richiesta, conserva uno straordinario fascino di storia negli interni con gli oggetti e arredi originali e qualche ragnatela che romantici fotografi non dimenticano di ritrarre. Fra le varie stanze quindi la cucina ricca di suppellettili e grande camino con lo storico spiedo per uccellini, gli stucchi della sala da pranzo con tralci d`uve, gli affreschi a tema sacro del luminoso salone principale di Gerolamo Moech. Tipico l`aspetto dell`infilata di camere comunicanti dove in ognuna e` custodita una precisa memoria. La camera della Contessa con lo scialle in lana e la foto che la ritrae lieta in gita negli anni cinquanta ad un laghetto alpino, la specchiera dove vedere e vedersi circondati da tende, mobili e il fiorire della carta da parati. La seconda dedicata al Prefetto con le foto all`Universita` di Padova, la cacciatora e cartucce sulla sedia.

La terza stanza con oggetti sacri, statuine, borsa per le estreme unzioni e berrettino del sollecito prelato.

L`intero borgo circostante, favorito dal clima locale, e` tutto un fiorire di piante ornamentali e da frutto che amorevolmente curano gli abitanti del luogo ed e` impreziosito dalla storica chiesa con i preziozi affreschi rinascimentali di Marco da Mel. In una tettoia e` custodito l`antico forno a legna che costituira` quest`anno il vero pregnante simbolo di vita con la cottura del pane d`antica ricetta bellunese. Viabilita`, confini, fiume Piave, Venezia, Dolomiti, caccia, colline e ampi spazi : territori tutti in cui l`immaginifico dei racconti di Ernest Hemingway citava " certi altri posti non erano cosi` buoni, ma forse eravamo noi a non essere cosi` buoni quando eravamo la`."

NELLE IMMAGINI ALCUNE SUGGESTIVE VEDUTE di Villa Zuppani

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In the extraordinary area of the Dolomites including the Valbelluna there are two historical cities that stand out: Belluno and Feltre that have been united in 1790 in one bishopric that was then guided by the enlightened bishop Luigi Zuppani (1750-1841) It is interesting to notice how the residence of the aristocrat Zuppani’s family was right in the middle of this area, in an historical Venetian villa close by a typical Medieval village that is still in good condition and that has two sacred chapels decorated with paintings and frescos.

The place by Triva (Sedico) added over time the new name Triva-Pasa, to remember the old aristocratic family (extincted in 1578): the Pasas, indeed, an etymological name that in Italian reminds an intersection, referring to the antique Roman road that was connecting the two cities and the ford on the Piave river.

During the Renaissance, a priest living in Bar, Montenegro, at the time a Venetian territory, had to escape because of the pirates, who burned his church down.

He took refuge in Venice and then he took office in the parish of Sedico, a prosperous location thanks to the commerce of timber that was coming down from the Dolomites through the rivers.

Together with his brothers and nephews, Tiberio started the Zuppani’s dynasty, that provided to the Belluno’s community some priests, a bishop, a prefect, a Garibaldi’s general.

Only on May 23, 2000 Professor Mrs. Francesca, who had no heirs, with a great generous act, donated the villa to the Community of the Province, the same that adopted her family four centuries earlier.

Is this a very beautiful story that is going to be deeply analyzed in a thesis and that will be told in a book close to be published.

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The architecture of the great villa, therefore, represents its story itself.

The huge and fresh arcs of the typical medieval construction go together with the large windows added in the Renaissance era; also, the majestic gable with the sundial and the dovecote and the country section, with the arches designed by the architect Segusini, in 19th century.

Nowadays, the Villa, that opens for the annual traditional celebration of St. Lawrence (August, 10th that is the magic night when the stars fall) and on request, for guided tours, maintains an incredible charm thanks to the interiors: original objects and pieces of furniture, some webs, that romantic photographers cannot renounce to take a picture of.

About the rooms, the kitchen is full of accessories and there is also a huge fireplace with a traditional spit for the

small birds; the dining room shows some stuccos representing grape shoots while in the luminous hall there are some frescos of sacred theme by Gerolamo Moech Each one of the connecting rooms, typically one after the other, shields a unique memory.

There is the room of the countess, with a wooden shawl and a picture of her, happy during an excursion to an alpine small lake in the 1950’s; a mirror into which is possible to see and to look at ourselves, surrounded by curtains, pieces of furniture and a flowery wall paper.

Then the room of the prefect, with pictures from the University of Padova, the jacket for hunting and the cartridges on a chair. The third room is filled with sacred objects, little statues, a bag with the necessary for the Extreme Unction and the little cap

INFO Tel: +39 349 59 26 335 - www.dolomitiarte.it

of the zealous priest.

The whole surrounding village, favorited by the climate, is plenty of ornamental and fruit plants, cared by the residents and it is embellished by the historical church showing the frescos of the Renaissance by Marco da Mel. Inside a roofing there is the antique wood-burning oven that, this year, will be the true symbol of life, cooking some bread according to the traditional Belluno’s recipe.

Mobility, boundary lines, the Piave river, Venice, the Dolomites, hunting, hills and huge spaces: referring to this lands the imagination of the novels of Ernest Hemingway was use to say: “some other places were not so good, but maybe we were not so good when we were in them”.

BRAND

The journeys of Golden Goose Deluxe Brand I viaggi di Golden Goose Deluxe Brand di / by Mirko Cassani

I viaggi nel mondo.

Nella moda.

Quelli nell’universo maschile e nell’universo femminile.

Una realtà italiana dinamica e di stile.

Capace di incuriosire, stupire e ammaliare.

Come le collezioni FW 14/15

"Wardrobe", l’animo della collezione Man FW14/15, è frutto di diverse ispirazioni, esperienze e suggestioni che l’uomo GGDB ha assimilato durante i suoi viaggi in giro per il mondo e che si mescolano e si combinano. Ne deriva uno stile unico, composto da diversi guardaroba: dal più classico “Suit” al più casual “Indigo”, per poi passare al più street “Rugged” e al colorato e floreale “Bloom”, fino ad approdare al più iconico “Archive” e allo sportivo “Athletic”. In questo contesto il tema del Playground predomina, contagiando principalmente gli accessori come i cappellini con i nomi dei giocatori che ne hanno segnato la storia, 24

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le sneakers Black&White in edizione limitata e le felpe e le t-shirt che richiamano gli elementi del basket di strada. Le linee sono più semplici, l’uomo diventa più classico: ama sovrapporre le felpe alle giacche e le abbina ai modelli di pantaloni più lineari oppure accosta i chiodi in pelle, che in questa stagione vengono puliti dai trattamenti vintage, al pantalone da jogging. Accanto ai colori scuri da sempre associati a questo periodo come il grigio, il verde militare e l’intramontabile nero, trova spazio negli accessori il giallo ocra.

I capispalla assumono un ruolo centrale in questa stagione: le giacche vengono proposte con il waistcoast sotto, i cappotti classici lunghi fino al ginocchio vengono sdrammatizzati con la sneaker e come nella scorsa collezione il parka rimane un capo indispensabile.

Novità assoluta sono i piumini che si colorano di nuances come il beige e il nero, insieme a dettagli più ironici come i pois.

Le camicie, da abbinare al chiodo in pelle o ai grossi cardigan in lana o in cashmere, vengono proposte in diverse varianti: dai pois ai fiori fino ai dettagli check.

Per quanto riguarda invece le calzature, accanto alle classiche sneakers Francy, Slide, Superstar, fanno capolino le Seastar presentate anche nella versione “diner ed.” caratterizzata dal pellame abrasivato e dettaglio “smoking”.

Si aggiungono nuovi modelli come la scarpa allacciata Nobleman, in pelle o in suède oppure il modello Scottie, proposto anche in versione lucida, con suola carrarmato.

Infine per accompagnare l’uomo GGDB nei suoi lunghi viaggi, vengono presentati nuovi modelli di borse come la Play Bag, una borsa weekend dalla forma rettangolare con tracolla removibile, realizzata con un nuovo tipo di pellame “basket”, maggiormente pregiato.

“Skatepark” sarà il viaggio 14/15 declinato al femminile. Il viaggio di e per una donna dinamica, sicura di sé e capace di indossare con disinvoltura e di rendere iperfemminili gli abiti “rubati” dal guardaroba del proprio uomo. Linee femminili interpretate con materiali costruiti, tailleur che prendono una nuova forma e colori che si mescolano e giocano tra loro

come skater che dal cemento compiono voli acrobatici verso il cielo.

La collezione si veste di nuances profonde e scure, il nero si combina a tonalità di blu navy e di grigio, da cui fanno capolino l’azzurro, in tutte le sue sfumature, e l’oro che dona un punto di luce agli accessori e alle calzature.

Lo stile Golden Goose Deluxe Brand diventa più essenziale: gli iconici chiodi in pelle, puliti dai trattamenti caratteristici del brand vengono proposti e abbinati ad ampie gonne, dai modelli più eleganti a quelli più sportivi, dal verde militare al bluette.

Novità assoluta di questa stagione: i tailleur con pantaloni a vita alta e giacche maschili a doppio petto, da poter stringere e sfiancare a proprio piacimento grazie ad un fermaglio applicato e da indossare a pelle.

Come la scorsa stagione, un occhio di riguardo è rivolto alla maglieria: si aggiungono ai grossi maglioni in lana abbinati alle gonne in seta, i dolcevita a collo alto da portare sotto al chiodo in pelle e infine la maglieria di seta e le felpe reversibili da abbinare alle ampie gonne.

Impossibile immaginare un viaggio nella moda e nell’universo femminile senza borsa. Golden Goose Deluxe Brand ne ha fatto degli oggetti intramontabili grazie alla qualità dei materiali, all’attenzione per il dettaglio e alle forme classiche mixate con tocchi di attualità.

Dall’Equipage, che viene proposta nel classico design e in un nuovo formato, alla Tulipe Bag, disponibile in versione classica o con stampa matelasssé "caester”, alla Paula Bag in pelle e proposta con colori accesi come l’oro.

L’eccellenza è rappresentata dalla Carla Bag: elegante e moderna al tempo stesso, racchiude e valorizza gli elementi tradizionali, contestualizzandoli agli anni Duemila. L’eleganza naturale della pelle pregiata di vitello e la forma rettangolare, i dettagli cromati realizzati artigianalmente aggiungono quella nota sofisticata dell’accessorio di lusso. Il manico che ricorda le vecchie borse della spesa e la tracolla mobile rendono Carla Bag attuale ma allo stesso tempo iconica.

La rosa delle varianti colore è ampia: Black, Craft, Navy e Grey natural.

Nuances classiche per una borsa che non passerà mai di moda.

Golden Goose Deluxe Brand: una collezione e un brand tutto da scoprire e che nei prossimi mesi si amplierà in nuovi mercati, con l’apertura in alcune tra le più importanti città del mondo, Tokyo, Seoul, Amsterdam, Beirut e Parigi.

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The journeys of Golden Goose Deluxe Brand Journeys around the world. Into fashion. Into the male and female universe.

A dynamic and stylish Italian reality.

Like the collections FW 14/15.

“Wardrobe”, the core of the Men’s FW14/15 collection, is the result of different inspirations, experiences and suggestions that the GGDB’s man assimilated during his travelling around the word and that now combine and mix up.

The result is a unique style made of several collections of clothes: from the classic “Suit” to the more casual “Indigo”, from the more street style “Rugged” to the coloured and flowery “Bloom”, from the iconic “Archive” to the sporty “Athletic”.

“Skatepark” will be the 14/15 journey for the ladies. A trip for a dynamic woman, confident and able to wear with self-assurance and to transform in hyper-feminine the clothes stolen from the wardrobe of her man.

Feminine profiles interpreted with manufactured materials, tailleurs that take a new shape and colors that combine and play each other like skaters who, from the concrete, start flying acrobatically toward the sky.

Golden Goose Deluxe Brand: a collection to be discovered, a brand that, in the next months will open new markets, opening in some of the most important cities of the world: Tokyo, Seoul, Amsterdam, Beirut and Paris

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La Vetreria Bisanzio Gallery collabora con i più grandi maestri vetrai.

All’interno della fornace si possono trovare ancora i forni di fusione fatti nel 1960 dal Maestro Ermanno Nason.

La possibilità di differenziare le produzioni garantisce la creazione di oggetti d’arte sia contemporanea che classica, ovvero, eseguiti con criteri antichi quanto la storia dell’isola di Murano.

La professionalità è il requisito principe con il quale qualsiasi ospite viene ricevuto e consigliato

Bisanzio Gallery S.r.l.

Calle Paradiso, 22 – Fondamenta Navagero - 30141 MURANO – VENEZIA ITALY Tel +39041739933 - +39041739222 www.bisanzioglass.com - bisanzioglass@hotmail.com

INTERNI

AL SALONE DEL MOBILE 2014 GRUPPO EUROMOBIL CAMBIA IL MONDO DEL DESIGN

TOTAL HOME DESIGN: UN PROGETTO DI ARREDO CASA TOTALE Il mondo del design evolve velocemente: una considerazione che vale per tutti i settori del mercato. I sistemi ed i complementi di arredo interpretano ed anticipano i cambiamenti nella società: gli ambienti domestici non sono più visti singolarmente, ma sono tra loro strettamente

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connessi in una sorta di continuum coordinato ed organico.

Proprio per interpretare al meglio questi orientamenti il Gruppo Euromobil si è presentato al Salone del Mobile 2014 con tutti e tre i marchi, Euromobil cucine, Zalf mobili e Désirée divani, nello stesso spazio

ALTO DESIGN ACCESSIBILE: EUROMOBIL PRESENTA DUE NUOVE CUCINE ECOSOSTENIBILI; FILOANTIS IN ECOMALTA E NOCE, FILOLAIN IN ECOLACCATO

gruppoeuromobil.com

CUCINA FILOANTIS33 DESIGN R&S EUROMOBIL E ROBERTO GOBBO FILOANTIS33 KITCHEN FURNITURE A SINISTRA IN BASSO: CUCINA FILOLAIN33 DESIGN R&S EUROMOBIL E ROBERTO GOBBO BOTTOM LEFT: FILOLAIN33 KITCHEN

allestitivo. Una scelta aziendale precisa, e consapevole, che è il riflesso diretto di un modo contemporaneo e funzionale di intendere la casa. Una casa dove gli ambienti sono integrati tra loro: le cucine dialogano con il living, gli imbottiti e la zona notte.

Le strategie per il Salone del Mobile 2014 sono la dimostrazione concreta della apertura mentale di un Gruppo che desidera offrire una visione di arredamento attuale e in linea con i desideri di un pubblico che vuole trovare in ogni spazio la perfetta armonia.

CABINET SISTEMA COLONNE ANTA RIENTRANTE SUL FIANCO DESIGN R&S EUROMOBIL E ROBERTO GOBBO CABINET TALL UNIT DOOR SYSTEM RECESSED INTO THE SIDE PANEL

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TOTAL HOME DESIGN PROGETTO MADE IN ITALY DI PERSONALITÀ, UNICO E DISTINTIVO

CABINA ARMADIO E PORTE SCORREVOLI PICÀ DI ZALF DESIGN R&S ZALF E ROBERTO GOBBO LETTO PLATZ DI DÉSIRÉE DESIGN R&S DÉSIRÉE WALK-IN CLOSET AND PICA SLIDING DOORS BY ZALF PLATZ BED BY DÉSIRÉE

Gruppo Euromobil, brand italiano leader nel panorama internazionale della produzione di sistemi e complementi di arredo, con il progetto Total Home Design propone prodotti ecosostenibili, accessibili per tutte

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le aree della casa che soddisfano le esigenze dell’abitare contemporaneo, 100% Made in Italy, frutto dell’impiego di nuove tecnologie e materiali innovativi, destinati a rimanere nel tempo per qualità tecniche ed estetiche.

At the Salone del Mobile 2014 the Euromobil Group changes the design universe Total Home Design: a total home furnishing project. Accessible designer items: Euromobil presents two new ranges of eco-sustainable kitchen furniture; Filoantis in ecomalta and walnut, Filolain in eco-lacquered. The world of design evolves at speed: a consideration that applies to all segments of the market.

Furnishing systems and complementary items interpret and anticipate changes in society: the different parts of the house are no longer seen individually

LIBRERIA BIFACCIALE DOMINO E SISTEMA GIORNO DI ZALF DESIGN R&S ZALF E ROBERTO GOBBO DOMINO TWO-SIDED BOOKSHELVES AND LIVING ROOM SYSTEM BY ZALF

DIVANO PLATZ DI DÉSIRÉE DESIGN R&S DÉSIRÉE POLTRONE KARA DI DÉSIRÉE DESIGN MARC SADLER TAVOLINI DABLIU DI DÉSIRÉE DESIGN SETSU & SHINOBU ITO PLATZ SOFA BY DÉSIRÉE KARA ARMCHAIR BY DÉSIRÉE DABLIU OCCASIONAL TABLES BY DÉSIRÉE

EUROMOBIL CUCINE, ZALF GIORNO, NOTTE, BAMBINI E RAGAZZI E DÉSIRÉE DIVANI UNA CASA TOTALE DOVE TUTTO SI INTEGRA but are closely connected in a sort of coordinated systematic continuum. To give the best interpretation of such orientation, the Euromobil Group attended the Salone del Mobile 2014 with its three brands, Euromobil Cucine, Zalf Mobili and Désirée Divani all on the same stand. This was a deliberate company decision that directly reflects a contemporary functional way of thinking of homes. The idea is a house in which the different rooms are integrated: kitchens communicate with the living room, padded furniture and the sleeping quarters. The strategies for the Salone del Mobile 2014 are a demonstration of the open mind of a Group that wishes to provide a view of modern furniture in line with the desires of consumers who want to create perfect harmony throughout their homes. Total Home Design: unique distinctive design made in Italy has great personality. The Euromobil Group, Italian brand leader on the international scene for the production of furniture systems and complementary items, with its Total Home Design project proposes accessible eco-sustainable products for all parts of the house to meet the needs of contemporary living; 100% Made in Italy, the result of commitment to new technologies and innovative materials, their technical and aesthetic quality will last through time. Euromobil kitchens, Zalf living rooms, bedrooms, infant and junior bedrooms and Désirée sofas, a total home where everything is integrated.

SISTEMA MENSOLE ZEDLINE DESIGN LEONARDO ZEN E R&S ZALF POLTRONA E POUF TROY DI DÉSIRÉE DESIGN R&S DÉSIRÉE ZEDLINE SHELF SYSTEM TROY ARMCHAIR AND POUF BY DÉSIRÉE

gruppoeuromobil.com 31

CHEF STELLATI DURANTE L’EVENTO FOOD&DESIGN EXPERIENCE DI MONDADORI CUCINA KUBIC IN VETRO TEMPRATO DI EUROMOBIL DESIGN R&S EUROMOBIL E ROBERTO GOBBO CELEBRITY CHEFS DURING THE FOOD&DESIGN EXPERIENCE EVENT BY MONDADORI KUBIC KITCHEN FURNITURE IN TOUGHENED BLASS BY EUROMOBIL

gruppoeuromobil.com

GRUPPO EUROMOBIL E MONDADORI: FOOD&DESIGN AND CASAFACILE EXPERIENCE FUORISALONE AL MAGNAPARS DI MILANO La presenza del Gruppo Euromobil al Salone del Mobile 2014 non si è limitata solo agli stand della fiera, ma si è spostata anche nelle zone del Fuorisalone dal 9 al 13 aprile.

L’evento Mondadori Food&Design Experience, organizzato al Magna Pars di Via Tortona 7 insieme a Casa Facile, è stata l’occasione per entrare in una casa di design

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totalmente arredata dai tre brand del Gruppo. Sei ambienti abitativi - Kitchen, Living, Night, Beauty&Wellness, Kids, Lounge & Lab - tutti da vivere e animati quotidianamente da iniziative di decor, styling, cooking su elettrodomestici Siemens and entertainment che coinvolgono, ed emozionano, i visitatori del Fuorisalone.

Euromobil Group and Mondadori: Food&Design and Casafacile Experience Fuorisalone at the Milan Magnapars.

The Euromobil Group did not limit its attendance at the Salone del Mobile 2014 just to its stand, it was also present in the Fuorisalone from 9 to 13 April. The Mondadori event Food&Design Experience, organized at the Magna Pars in Via Tortona 7 together

with Casa Facile, was an opportunity to enter a designer house totally furnished by the Group’s three brands. Six environments - Kitchen, Living room, Bedrooms, Beauty&Wellness, Kids, Lounge & Lab – all to experience with daily events regarding decor, styling, cooking with Siemens appliances and entertainment that involved and excited the visitors to Fuorisalone.

QUALITÀ EUROMOBIL PER EXPO MILANO 2015

®

OFFICIAL FURNITURE PARTNER EXPO VILLAGE CASCINA MERLATA Importante riconoscimento per Euromobil in vista dell’Expo 2015 di Milano.

Euromobil cucine è stata selezionata da EuroMilano, come azienda espressione del Made in Italy, per fornire tutti gli arredi degli spazi domestici del Villaggio Expo di Cascina Merlata, l’ampia zona a Nord-Ovest di Milano a ridosso del sito espositivo di Expo. Il quartiere di Cascina Merlata è un’opera di riqualificazione urbana realizzata da Expo Milano e risanerà ben 540.000 mq realizzando una residenza agevolata e convenzionata, scuole, un parco da 200.000 mq ed un centro commerciale. Il cuore dell’intervento sarà il più grande insediamento di Housing Sociale in Italia: si tratta di una realizzazione importante composta da 11 edifici a torre, sviluppata da diversi studi di progettazione e messa a punto secondo i più avanzati principi di sostenibilità per un quartiere in classe A e ad emissioni zero. Beno Stabili Gestioni SpA SGR, che ha acquisito il Villagio Expo per conto di un proprio fondo cn CdP, alla conclusione del periodo di utilizzo da parte dei delegati destinerà gli alloggi alla locazione e all’acquisto “calmierato” per giovani coppie, famiglie monoreddito, studenti fuori sede e anziani. Tra l’1 Marzo 2015 e il 31 Marzo 2016 le strutture saranno utilizzate temporaneamente come Villaggio Expo dai delegati e dagli staff dei paesi internazionali che parteciperanno all’esposizione. In un’ottica di qualità, i partner selezionati

per queste forniture dovevano essere aziende del made in Italy, espressione di eccellenza nell’ambito della continuità della tradizione storica del design italiano. All’interno di questo percorso il Gruppo Euromobil è stato scelto quale fornitore ufficiale di tutti gli arredi.

Euromobil qualtiy for Expo Milano 2015 official furniture partner Expo Village Cascina Merlata. A very important recognition for Euromobil Group at the Expo Milano 2015. Euromobil was selected by EuroMilano to provide all the furniture for the domestic spaces of the Cascina Merlata Expo Village, the large

area north-west of Milan, close to the Expo site. The neighbourhood of Cascina Merlata is an urban redevelopment carried out by EuroMilano that will cover 540,000 square meters with facilitated and conventional residences, schools, a park of 200,000 square metres and a shopping centre.The heart of the project will be the largest social housing estate in Italy: it is a major accomplishment consisting of 11 tower buildings, developed by different design studios and developed according to the most advanced principles of sustainability for a class A district with zero emissions. Beni Stabili Gestioni SpA SGR, which acquired the

Expo Village on behalf of a CdP fund at the end of the period in use by delegates, allocates housing to rent or purchase for young couples, single-income families, non-resident students and seniors. From 1 March 2015 to 31 March 2016 the facilities will be used temporarily as an Expo Village for the delegates and staff of the countries taking part in the exhibition.

In the interests of quality, the partners selected to supply these companies had to be made ​​in Italy, expression of excellence in the continuity of the historical tradition of Italian design. Within this process, the Euromobil Group was chosen as the official supplier of all furnishings.

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OUTDOOR

Those presences along the river of the Eternal City Quelle presenze lungo il fiume della cittĂ eterna di / by Giammarco Puntelli * foto di / photos by Emanuele Ruiz

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Dopo il successo della mostra di Ravello, troviamo l'arte firmata da Alba Gonzales in una mostra personale lungo il Tevere negli appuntamenti estivi della capitale.

Altre opere sono esposte nella galleria Pianeta Azzurro a Pietrasanta e a Fregene (Roma).

S

i fanno fotografare, ammirare, guardare di giorno.

Prendono vita e tornano al fiume di notte. Eterne presenze nate da un attimo di creatività nella città eterna nata per volere di Dio. Respirano e ti osservano, educate al silenzio e alla bellezza.

Ascoltano parole internazionali, vivono un’estate folle, pazza, unica.

E’ l’arte di Alba Gonzales che permette tutto questo. Dopo Spoleto, Ravello, Milano, Biella, Assisi, Firenze, le presenze, le metamorfosi tornano a Roma per un’altra estate come custodi silenti, amorevoli e violenti di una città che rappresenta l’inferno della contemporaneità e il paradiso dell’eternità, loro che sono senza tempo, il miglior labirinto psicologico nel quale perdersi, la migliore storia da raccontare, il miglior scatto fotografico dell’estate del 2014.

E Roma si mostra, va in scena in tutta la sua folgorante bellezza, antica e presente, con l’anima del Colosseo che si unisce alla magia di Piazza di Spagna, con lo spirito cristiano di Piazza San Pietro che affianca quella Dolce Vita di una Fontana di Trevi che è puro fascino.

E poi via nelle stradine dell’interno che odorano di amori, lotte, lacrime e sorrisi. In mezzo quel fiume, questo fiume, il Tevere che fa scorrere il tempo inesorabile pur lasciando immutata l’anima di una città che si scopre all’alba e fa fatica a dormire la notte.Queste anime romane incontrano in questa calda estate

le multiformi creature, custodi della magica creatività internazionale di un maestro, di un’artista che ha nel mito il pretesto, nella favola lo strumento, nella dimensione psicologica e simbolica la ragione.

E come il fiume scorre, le figure guardiane osservano una folla stupita, un sole caldo, una luna luminosa. Hanno il temperamento fiero di questa città, la storia nobile della stessa sulla loro pelle, la gloria è tatuata sul loro corpo, quella metamorfosi fa parte di una Roma dai mille volti, quella forza, quell’ironia e quella complicata e disarmante dolcezza si scopre nel rapporto con l’ambiente.

Queste storiche, interroganti presenze cercavano un teatro perché hanno già un’autrice visionaria.

Roma cercava l’ironia e la magia di essere custodita dai giganti. Un incontro, un incrocio, un dialogo, per

una città che ritrova la sua anima rispecchiandosi nel Tevere con il volto del mito.

Un mito contemporaneo, dannato e salvifico che solo Alba Gonzales poteva mettere in scena.

*Critico d’Arte Direttore Artistico Spoleto International Art Far Direttore Artistico mostre Premio Diana Musolino Città di Pizzo

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Those Presences along the River of the Eternal City

By day, they let themselves be photographed, admired, looked at. At night, they come to life and return to the river Eternal presences born out of a moment of creativity in the Eternal City, born out of God's will. Trained in silence and beauty, they breathe, observing you. They listen to words from all over the world, living out a

The protagonist of great events, art signed by Alba Gonzales, after the success of the exhibition of Ravello, we can find it in her personal long the Tevere in summer events of the capital.

Other works are in Pianeta Azzurro gallery in Pietrasanta and in Fregene (Rome).

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foolish, mad, unique summer.

It is the art of Alba Gonzales that makes all this possible. After Spoleto, Ravello, Milan, Biella, Assisi and Florence, these presences, these metamorphoses return to Rome for another summer as the silent, loving and violent keepers of a city that represents the inferno of contemporary life and the paradise of eternity: they who are timeless, the best psychological labyrinth in which to lose oneself, the best story to tell, the best snapshot of the summer of 2014.

And Rome shows off. All its striking beauty - both ancient and present - enters onto the stage, the soul of the Coliseum combining with the magic of Piazza di Spagna, the Christian spirit of Piazza San Pietro joining that dolce vita of a Trevi Fountain that is pure enchantment. And then off we go down the narrow

inner streets where the scent of love, fights, tears and smiles lingers. In the city’s midst, that river, this river, the Tiber, which causes the inexorable march of time to flow on, yet leaves the soul of the city unchanged, a city that unveils itself at dawn and won't go to sleep at night. In this hot summer, these Roman souls encounter the many-formed creatures, guardians of a master’s magical, universal creativity: an artist whose justification is in myth, her tools in stories, her reasoning in the psychological and symbolic dimension. And as the river flows past, the guardian figures observe an amazed crowd, a hot sun, a shining moon. They share the proud temperament of this city, wear its noble history on their skin; its glory is tattooed on their bodies; that metamorphosis is part of a Rome of many faces: its strength, its irony and its complicated, disarming sweetness are revealed in their relationship with their surroundings.

These historic, questioning presences were seeking a stage, because they already had a visionary creator. Rome was seeking irony and the magic of being guarded by giants. An encounter, a chance meeting, a dialogue for a city that rediscovers its soul by reflecting itself in the Tiber with the face of myth. A contemporary myth, one both damned and redeeming, that only Alba Gonzales could have put on stage.

QR code generated on http://qrcode.littleidiot.be

GALLERIE GALLERIES

Farsetti celebrates

half a century of exhibitions

in Cortina Farsettiarte

festeggia mezzo secolo di mostre

a Cortina La realtà imprenditoriale italiana è soggetta, negli ultimi anni, a forti pressioni finanziarie che negativamente determinano cicli economici molto brevi. Non tutto però ha tinte fosche perché numerose aziende continuano a operare, in anni anche alterni tra attività e passività, con sempre più determinazione. Di conseguenza gli anniversari diventano dei veri e propri eventi da comunicare, anche a livello di marketing, per tracciare il futuro attraverso la celebrazione del passato e la forza del presente.

Nella regina delle Dolomiti, Cortina d’Ampezzo, esiste una realtà che da cinquant’anni esatti codifica, divulga

SIRONI, ComposizionE, anni Venti, olio su tela, cm 45x39,5

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di / by Alain Chivilò

e commercializza opere d’Arte antiche, moderne e contemporanee di alto livello culturale. Dal 1964, al piano rialzato di Largo delle Poste, la Galleria Farsettiarte si è distinta negli anni per un costante percorso espositivo, attraverso accurate mostre, cataloghi e collane di volumi d’arte.

Fu proprio mezzo secolo fa, attraverso una vendita all'asta, che prese vita un percorso imprenditoriale fin qui ininterrotto. I primi artisti trattati furono d’indubbia caratura per un livello qualitativo, mantenuto costante nel tempo, sempre ai massimi livelli. Pittori italiani e internazionali, quali Filippo de Pisis, Pablo Picasso, Giorgio Morandi, Maurice

Utrillo, Ottone Rosai, Mario Sironi, Giorgio De Chirico, Andy Warhol, Paul Gaugin, Robert Indiana, Salvador Dalì, Alberto Savinio, Marc Chagall, Mimmo Rotella, Amedeo Modigliani per citarne alcuni, sono stati esposti in mostre tematiche e personali che hanno sempre rinnovato l’interesse e la curiosità del pubblico.

L’estate 2014 ricorda dunque tale anniversario con un'imperdibile mostra che, dal 9 al 31 agosto, consente di vivere nuovamente storici lavori passati negli anni alla Farsettiarte, ma ora provenienti da collezionisti privati che hanno staccato momentaneamente per l’occasione le opere dalle loro pareti. Corredata da un catalogo

La Galleria Farsettiarte celebra i suoi 50 anni di permanenza a Cortina con una mostra davvero speciale celebrativo, l’esposizione “50 anni di Farsettiarte a Cortina d’Ampezzo.

Le mostre raccontano” permette alle emozioni di rinascere, attraverso quadri che hanno tracciato la vita della Galleria. Mezzo secolo di vita rappresentato da artisti fondamentali che, dall’arte antica fino alla Moderna, passando per l’Ottocento e giungendo alla Contemporanea, hanno forgiato un’avventura che è stata creata in passato e sarà caratterizzata in futuro da persone, luoghi, avvenimenti e naturalmente opere d’Arte.

PICASSO, Nature morte à la corbeille de fruits, 1942, olio su tela, cm 73x92

Telemaco Signorini, Ponte Vecchio a Firenze, 1880, olio su tela, cm 155x131

Farsettiarte celebrates half a century of exhibitions in Cortina The Italian entrepreneurial reality has suffered during the last years, strong financial influences that negatively determine very short economic loops.

But not everything is painted as a gloomy picture, since several companies keep operating, during alternating profitable and unprofitable years, with more and more determination.

Consequently, the anniversaries become events to be communicated, also at a marketing level, to trace the future through the celebration of the past and the strength of the present.

In Cortina d’Ampezzo, so-called the Pearl of the Dolomites, there is an enterprise that, since just 50 years, classifies, popularizes and sells high cultural level antique, modern and contemporary artworks.

Since 1964, at the first floor of Largo delle Poste, Galleria Farsettiarte stand out for its constant expositive itinerary, presenting accurate exhibitions, catalogues and art books.

Precisely half a century ago, it has started, thanks to an auction, a business journey that has never been interrupted. The first artists covered were of high level thanks to quality

Giorgio De Chirico.

La mansarda dell’architetto (L’automa), 1925, olio su tela, cm 91x62

ranges that have constantly maintained the highest standards.

Italian and international painters, such as Filippo de Pisis, Pablo Picasso, Giorgio Morandi, Maurice Utrillo, Ottone Rosai, Mario Sironi, Giorgio De Chirico, Andy Warhol, Paul Gaugin, Robert Indiana, Salvador Dalì, Alberto Savinio, Marc Chagall, Mimmo Rotella, Amedeo Modigliani just to name a few, were exhibited during theme-shows and personal exhibitions that were always able to stimulate the interest and the curiosity of the public.This summer 2014, therefore, celebrates such anniversary with an unmissable exhibition that, from August 9th to the 31st, permits to live once more some of the artworks in the past sold by Farsettiarte that today are coming from private collections who, standing the occasion, temporarily took the paintings off the walls.

Together with a celebratory catalogue, the exhibition “50 anni di Farsettiarte a Cortina d’Ampezzo. Le mostre raccontano” (50 years of Farsettiarte in Cortina d’Ampezzo.The exhibitions narrate) allows the emotions to flow, through the paintings that have

marked the story of the gallery.

Half a century of life represented by fundamental artists who, from the antique to Modern art, through the 19th century and Contemporary

art, forges an adventure that has been created in the past and also will be characterized in the future by people, places, events and, of course, artworks.

Luca Signorelli, Vergine col Bambino e i Santi Bernardo, Antonio da Padova e Giovanni Evangelista, 1505-1507 circa, olio su tavola, ø cm 85

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PERSONAGGI PERSONALITIES

PAOLO NUTINI

di / by Barbara Carrer

GENTLEMAN ROKER

La sua tournée estiva in Italia si chiude in trionfo in un Ippodromo delle Capannelle ( Roma) gremito di fans entusiasti.

Niente di più meritato per il cantautore metà scozzese e metà toscano che a soli 27 anni ha superato il milione di copie vendute con l' album These Streets, imponendosi anche nel mercato americano e scalando le classifiche internazionali con il nuovo cd "Caustic Love".

Bello e talentuoso, ma non dannato, Paolo appare, invece, estroverso, gentile e riservato...

Finalmente nel nostro paese. Come si trova qui, considerando che ha origini toscane?

«Sono molto orgoglioso della mia

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provenienza italiana e vengo qui tutte le estati per stare con la mia famiglia. Gli scozzesi e gli italiani non sono poi così diversi. Siamo gentili, sentimentali, ci piace mangiare, bere e fare l’amore. Io mi sento parte di entrambi".

Quali sono, a suo avviso, i punti di forza del suo nuovo album (il terzo)? « Rispetto al precedente, uscito cinque anni prima, contiene idee differenti, nuovi suoni e, naturalmente, nuovi pezzi. Mi piace cambiare sempre atmosfere, canzoni, ritmi.

La composizione del disco è stata più aperta a diverse ispirazioni provenienti anche dal mondo hip hop. Vi hanno partecipato artisti come Janelle Monàe e la giovane rapper Angel Haze. Si sente anche

l'influenza della canzone melodica italiana, del folk scozzese o il soul di cantanti come Marvin Gaye. Penso di essere progredito, questo per me è l'importante".

E il titolo "Caustic love"?

«Spesso nella vita ci imbattiamo in qualcuno che sconvolge tutti i nostri schemi e fa cadere le difese che ci siamo costruiti. Questa persona acquista molto potere su di noi e può portarci dall'estasi all'agonia..."

Come definirebbe la sua musica? Si colgono forti influenze Blues e Soul... " Tendo a non dare una definizione della mia musica; ascoltando i pezzi si può intuire l’ispirazione che ho preso e quindi non parlerei di “Soul”, ma del mio "Soul", quello che riflette

l' anima musicale che sta dentro ciascuno di noi" Come vede il suo futuro?

"Voglio suonare per più persone possibile, sperimentare cose nuove, ma bisogna anche saper aspettare.

A volte la gente entra subito in sintonia con te, altre è troppo occupata per ascoltare.

L'importante è continuare a far sì che la musica porti gioia e spensieratezza" Parliamo del tour internazionale che ha toccato anche l'Italia. Dove è più curioso di esibirsi?

"Mi attira molto Genova, presso il Porto Antico".

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ART GALLERY

ART GALLERY 10/28/13 2:01

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PAOLO NUTINI: A GENTLEMAN ROCKER His summer Italian tour ended triumphally at the racetrack Le Capannelle (Rome), crowded of enthusiastic fans.

Nothing more deserved, for the half Scottish, half Italian singer-songwriter who, only 27 years old, has sold more than 1 million copies with his album These Streets, standing out also in the American market and getting the top of the international ranks with his new cd “Caustic Love” Handsome, talented, but not condemned, Paolo looks, instead, friendly, polite and discreet…

Finally in our country. How do you feel in Italy, considering your Tuscan heritage?

“I’m very proud of my Italian side and I come over here every summer to spend some time with my family.

Scottish and Italians are not that different. We are kind, sentimental, we like to eat, to drink and make love.

I feel I’m both of it”.

What do you think are the strong points of your new album (the third one)?

“Compared to the previous one, released 5 years ago, this new album represents different ideas. new sounds and, of course, new songs. I like to change atmospheres, songs, rhythms”.

While writing this album you were more open to inspirations coming also from the hip hop world.

Artists such Janelle Monàe and the young rapper Angel Haze are also participating”.

Also, the Italian melodic song, the Scottish folk and the soul of singers such as Marvin Gaye are present.

Tell us about the title “Caustic love”.

“In life, we often meet somebody who overturn all our schemes and destroys the defences we made. Such person acquires a lot of power over us and can bring us from ecstasy to agony…”

How would you define your music?

It presents some Blues and Soul influences…

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“I'm inclined not to give any definition to music; listening to the songs it is possible to understand the inspiration that I had. Therefore, I wouldn’t talk about “Soul”, but of my “Soul”, which is what reflects the musical soul inside each of us”.

How do you see your future?

“I would like to play for as many people as possible, experimenting new things, but I’m conscious that I have to be patient.

Sometimes people sync right away with you, others they are too busy to listen.

It is important to keep working to let

music to bring joy and tranquillity” Let’s talk about the international tour that was also in Italy. Which is the most curious place where to perform?

“I like Genova very much, especially around the old harbor”

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Iron and Fire Ferro e Fuoco 44

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Ferro e fuoco. Manualità e genialità.

Passione e studio. Sperimentazione e confronto. Definire l’ “essenza” dell’attività di Giancarlo Candeago, fabbro in Cortina da oltre quarant’anni, non è cosa semplice.

O forse sì. Con una precisazione, però: più che di attività, nel caso di Giancarlo Candeago bisogna parlare di arte. Un’arte versatile capace di dare, al ferro, qualsiasi forma. Suo alleato è il fuoco, un fuoco che rende incandescente la materia, la piega, la ingentilisce, le dà vita. Figura antica, il fabbro. Eppure moderna.

Capace di sorprendere, innanzitutto se stesso. Una sorpresa che è anche gratificazione. Sì, perché, come dice lo stesso Giancarlo Candeago, «La soddisfazione più grande è la sorpresa di essere riusciti a trasformare in disegno e poi in realtà un’idea, la sorpresa di scoprire che si è riusciti a fare una cosa bella e utile». Cose belle e utili Candeago ne fa da quattro decenni con la sua azienda che, nel corso del tempo, ha saputo crescere e che ora conta su di una ventina di collaboratori. Un’azienda che, per ognuno dei proprio clienti, studia

e propone soluzioni personalizzate che hanno riscosso e riscuotono apprezzamenti un po’ in tutto il mondo.

Tra le proposte di Giancarlo Candeago ci sono portoni e ringhiere, cancelli e inferriate, tetti e gazebo: interventi strutturali per l’interno e l’esterno che sanno unire funzionalità ed estetica. Ma la gamma di proposte è amplissima e va dalle lampade ai caminetti, dai tavoli alle specchiere, dai vassoi ai candelabri, dalle sedie alle librerie. E poi oggetti d’arredo che sanno interpretare il gusto moderno oppure esaltare il fascino dell’antico.

La natura è il punto di riferimento costante. «Sì, per trasformare la materia traggo ispirazione dalla natura, avendo sempre come obiettivo l’unione di utile e bello – spiega Giancarlo Candeago -. Il piacere estetico non può prescindere dalla funzionalità. E viceversa. Il confronto e lo studio sono parte essenziale del mio essere e del mio lavoro. Voglio conoscere acciai e plastiche, legni e fiori, libri e vecchi oggetti. Incontrare, conoscere, capire, verificare. E, solo dopo, creare. Dando forma che è anche sostanza».

Iron and fire. Manual skill and genius. Passion and dedication.

Experimentation and comparison.

This is the “synthesis” of Giancarlo Candeago, blacksmith from Cortina since more than forty years.

What Candeago has it is art. A versatile art able to give iron any form.

Fire is his allied.

A fire that makes the material to be incandescent; that bends it, refines it, gives it life. The blacksmith is an antique figure. But still modern.

Able to amaze, especially himself.

An astonishment that is gratification too. Yes! Because as Giancarlo Candeago himself says:”The biggest satisfaction is to discover to have been able to transform first into a preparatory drawing and then into reality what was an idea.

The surprise for recognizing that it has been possible to make something beautiful and useful. Some of the Blacksmith Candeago’s offers are front gates and railing, gates and gratings, coverings and gazebos, indoor and outdoor architectural interventions able to combine functionality and beauty.

But the range of possibilities is enormous and goes from lamps to fireplaces, from tables to wall mirrors, from trays to candleholders, from chairs to bookcases.

And also decorating objects able to interpret the modern taste or to enhance the appeal of antique.

NELLE IMMAGINI Alcune realizzazioni di Giancarlo Candeago

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LIBRI BOOKS

GIANLUCA ZAMBROTTA:

di / by Paolo Fontanesi

a lifetime as full-back UNA VITA DA TERZINO «Uno dei migliori difensori esterni del mondo. Ha vinto tantissimo, compreso un fantastico Mondiale nel 2006, che rimarrà sempre nei nostri cuori. Persona straordinaria, tutti gli vogliono bene, tutti ammirano la sua serietà, la sua umiltà, che poi sono le caratteristiche principali delle persone intelligenti. Ha fatto una grande carriera: Juventus, Milan, Barcellona, 46

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Nazionale. La sensazione mia è che Gianluca qualsiasi cosa deciderà di fare la farà bene, perché è capace di coinvolgere e trasmettere a chi lavora accanto a lui i presupposti psicologici necessari per costruire qualcosa di importante». Così scrive Marcello Lippi nella prefazione al libro autobiografico di Gianluca Zambrotta, Una vita da terzino, uscito da poco nelle

librerie, edito da Kowalski-Feltrinelli.

Una idea editoriale per raccontarsi al pubblico come il campione non avevo mai fatto prima, dopo anni di indiscussa carriera calcistica culminata con la vittoria del mondiale nel 2006. Il libro è l'autobiografia di uno dei terzini italiani più forti della sua generazione, con una storia che parte dal Mondiale 2006, in cui inaspetta-

tamente l'Italia vince il campionato, per poi ripercorrere la fortunata carriera di Zambrotta e svelare tanti retroscena del mondo del calcio di cui è stato protagonista o spettatore: i goal, i compagni di squadra, gli allenatori, le ingiustizie e le difficoltà, le gioie e gli amori, la vita fuori dal campo, i sogni realizzati e quelli ancora da realizzare. Da un anno l’ex

terzino di Milan, Juventus e Barcellona, ha iniziato una nuova carriera da allenatore in Svizzera, sulla panchina del Chiasso, ruolo che continuerà anche nella prossima stagione. Oltre ad aver fondato l’Eracle Sport Center (www.eraclesportcenter.it), un innovativo centro multifunzionale a Como.

Art-Style ha incontrato il campione del mondo alla vigilia dell’inizio della nuova stagione calcistica.

Partiamo dal libro: come è nata l’idea?

«Una prima bozza risale a circa due anni fa, solo che quella volta non se ne fece nulla, poi nel frattempo sono successe un pò di cose – ho appeso le scarpe al chiodo, sono subentrato al polacco Kormonicki nella guida del Chiasso, la squadra si è salvata – e quindi mi è venuta voglia di raccontare svariate vicende che riguardavano sia la mia vita professionale che quella più privata, visto che da calciatore non ho mai parlato così tanto. Di mie interviste esplosive non ne sono praticamente mai uscite» Questa biografia parte subito a narrare della vicenda Calciopoli e dell’addio alla Juventus

“One of the best full-backs of the world.

He won a lot, including a fantastic world cup in 2006, that will remain forever into our hearts”.

This is what writes Marcello Lippi in the preface of the autobiographical book by Gianluca Zambrotta, Una vita da terzino (A lifetime as full-back), on bookstores from the end of May, edited by Kowalski-Feltrinelli The book is the biography of one of the strongest Italian full-backs of his generation, with a story starting from the World Cup 2006 and that continues recalling the good career of Zambrotta and revealing many ins and outs he has been protagonist or spectator of. One year ago he started a new career as coach in Switzerland and he also founded the Eracle Sport Center in Como. Let’s start from the book: how did this idea was born?

“The first draft is two years old, but at 48

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«Mi sembrava giusto iniziare così: nel libro ho raccontato la mia verità e questo è quanto. Nel senso che, dopo la vittoria nel mondiale tedesco, scoprii amaramente che la Juve non voleva puntare più su di me e dunque, per ragioni di bilancio, decise di vendermi all’equipe catalana. Io durante quei giorni ero in vacanza in barca, in Sicilia, lontano da tutto e da tutti. Cercavo solo di ricaricare le pile dopo la grande impresa di Germania 2006» Nel libro narri passaggi importanti della tua carriera ma anche aneddoti divertenti «Sì, esempio, quando descrivo un Marcello Lippi che non ti aspetti: Massimo Oddo era famoso per la sua passione da barbiere. Si divertiva a tagliare i capelli ai suoi compagni di squadra. Era un suo pallino. Così un giorno il Mister, che ovviamente era stato informato di tutto, lo chiama in presenza della squadra e gli fa questa domanda: “Allora Massimo, te la senti? Ti senti pronto? Certamente Mister, sono prontissimo”. E allora Lippi disse :” Bene, allora ti aspetto nello stanzino del barbiere così mi

that time the project didn’t came to light.

Then some things have happened - I quit playing, I substituted the Polish Kormonicki as coach of Chiasso, the team saved - and therefore I wanted to tell different things about both my professional and private life” In the book you tell about important moments of your career, but also funny stories. “It is true, like when I describe an unexpected Marcello Lippi: Massimo Oddo was famous for his passion as barber. He liked cutting his teammates’ hair. It was a passion. So, one day, the coach, who was informed of everything, called him in front of the whole team and asked him: “Well, Massimo, how do you feel? Are you ready?” He answered: “Sure

puoi dare una sistemata ai capelli”.

Per Oddo fu una doccia fredda. Non si sarebbe mai aspettato una battuta simile da parte di Lippi. E tutti si misero a ridere. Fortunatamente, arrivò anche la convocazione».

Da alcuni mesi hai inaugurato il tuo centro sportivo, l’Eracle Sport Center a Como, un centro sportivo all’avanguardia potremmo dire unico in Italia?

«Mi sono ispirato ai campus americani ed ho voluto questo centro multidisciplinare in cui praticare tantissime attività sportive secondo i valori che lo sport rappresenta per me: coraggio, forza, umanità e generosità. L’idea principale, il motivo per cui ho scelto di investire in un centro del genere, è di avvicinare più persone possibile allo sport. Essendo stato uno sportivo ad alto livello per tanti anni, credo che lo sport aiuti sicuramente a vivere meglio e a stare bene anche con gli altri. Oltre a questo, il mio progetto include la creazione di una Scuola dello Sport, una struttura dove ogni bambino, ogni giovane sportivo possa essere seguito a 360 gradi sotto tutti i punti di vista, quindi non soltanto

quello socio-educativo, con istruttori qualificati, ma anche nutrizionale e psicologico» All’interno dell’Eracle Sport Center si possono ammirare diverse opere d’arte contemporanea, è una tua nuova passione quella per l’arte?

«Coltivare il concetto del “bello” credo sia un’ottima cura per il nostro corpo e per la mente, e vedere un bel quadro, una bella scultura o un bel oggetto d’arredamento, insomma un’opera d’arte, aiuta a stare bene.

Per questo attraverso il mio centro sportivo voglio fare anche promozione culturale esponendo arte a tutto tondo» In particolare quale artista ci vuole segnalare?

«In questo periodo ho commissionate alcune opere a Sergio e Marcello Franchi, i gemelli milanesi creatori di twins-collection.com, che uniscono sport e arte in un connubio di grande successo ora famoso in tutto il mondo nell’ambiente del calcio. A breve esporrò nel mio centro sportivo alcune loro opere come sculture e di design, che il pubblico potrà ammirare anche mia Como»

Coach, I am!” And Lippi said to him:” Ok, I’m waiting for you at the barber room”.

A few months ago you inaugurated your new sport center, the Eracle Sport Center in Como, a very advanced centre, maybe a unique one in Italy.

“The concept of the American Campus inspired me and I wanted to create this multidisciplinary where practice many sports according to what the sport represents to me: courage, strength, humanity and generosity.

The main idea, the reason why I choose to invest in such a center, is to draw in as many people as possible to sport”. At the Eracle Sport Center is possible to admire a several contemporary artworks; is the passion for art a new one for you?“I

think that to cultivate the concept of “beauty” is a very good remedy for both our body and mind; looking at a beautiful painting, a beautiful sculpture or a piece of furniture, in one word, at an artwork, helps to feel well.

That’s why, with my sport centre, I want also promote culture and promote any kind of exhibition”.

Which is the Artist who you would like to recommend?

“In this period I commissioned some artworks to Sergio and Marcello Franchi, the tweens from Milan, creators of twins-collection.com, who combine sport and art for a bond of great success that is now famous all around the world of soccer.

Soon I will exhibit at my sport center some of their artworks such as sculptures and design items, that the public could admire also in Como”.

Stampare su carta significa realizzare un’idea.

Costruire un libro, una brochure, un catalogo è concretizzare un progetto e portarlo a conoscenza del mondo, dargli vita. Tutto questo, è la nostra arte.

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Print to life

OPENING

ART GOES TO LONDON ContiniArtUK di / by Stefania Prandi

Uno splendido spazio di 450 metri quadrati a New Bond Street, accanto alle prestigiose gallerie e case d’asta Christies' Mayfair e Bonhams, nel centro vibrante del mondo dell'arte londinese.

Parte da qui l'avventura internazionale di Cristian Contini dopo gli anni di esperienza maturata nell'attività di famiglia. La Contini Art Uk, realtà tutta nuova e indipendente, è stata inaugurata lo scorso 22 maggio con una mega-festa al Victoria and Albert Museum con personaggi noti come la principessa del Kent, Bianca Jagger e l'attore John Hannah. Una galleria su 50

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due piani, un arredamento minimale sulle tonalità del grigio con luci fredde, scelto personalmente da Cristian - che si è occupato di ogni dettaglio - che ospita artisti d'eccezione: Fernando Botero, maestro di icone dell'arte moderna; Fabrizio Plessi ideatore di spettacolari videosculture e videoinstallazioni ambientali; Julio Larraz, artista figurativo ironico e romantico; Robert Indiana autore del famoso “Hope”; Ferruccio Gard esponente di spicco dell’arte optical; Omar Hassan giovane promessa che viene dalla sintesi della street art, Giuseppe Veneziano fra i principali

rappresentanti della Italian Newbrow.

E ancora Mikhail Baryshnikov con i suoi danzatori in movimento, Mario Arlati e gli universi del colore, Helidon Xhixha e l'acciaio scolpito come luce, Paolo Vegas e le sue clonazioni, Teresa Emanuele e i paesaggi urbani in bianco e nero, Enzo Fiore dalla manualità vorticosa e i ritratti tridimensionali, Enrico Ghinato e l'iperrealismo romantico, Sophia Vari pittrice astrattista e scultrice poliedrica, Morgana Ghini e le opere di marmo.

La mostra di apertura, in corso fino al 22 settembre, è dedicata a Igor

Mitoraj, scultore polacco tra i più celebrati del nostro tempo, che crea idoli moderni dalle fattezze antiche, perfettamente incompleti, visi ellenici dalla pelle screpolata, teste riverse scolpite nel travertino e plasmate col bronzo.

“Un artista capace di esprimere il bello in chiave contemporanea” spiega Cristian Contini che per la mostra ha scelto il titolo Traces of time, un rimando allo scorrere del tempo e alla necessità di conservare quello che la tradizione ci ha lasciato, che si abbina perfettamente allo spirito di Londra.

Bianca Jagger

HRH Princess Michael of Kent

John Hannah

A gorgeous space of 4800 sq.ft. in New Bond Street, right by prestigious galleries and the auction houses Christie's’, Mayfair and Bonhams, in the vibrant centre of the world of London’s Art. Here is where the international adventure of Cristian Contini starts, after many years spent working in the family business.

The Contini Art UK, a new and independent company, has been inaugurated on May 22nd with a super party at the Victoria and Albert Museum, hosting celebs such as the Princess of Kent, Bianca Jagger and the actor John Hannah.

A two floors gallery hosting extraordinary artists: Plessi, Arlati, Botero, Ghinato, Larraz, Baryshniko, Elidon Xhixha, Paolo Vegas, just to name a few.

Besides them also a prominent representative of the optical art such as Ferruccio Gard and another one of the synthesis of the street art such as Omar Hassan.

The opening exhibition, Trace of time, ongoing until September 22nd, is dedicated to the Polish artist Igor Mitoraj, one of the most celebrated of our time, who is able to express the concept of beauty with a contemporary accent.

ALESSANDRO GRASSINI GRIMALDI, Fulvio GRANOCCIA

Lisa Baker, David Ginola, Cristian Contini

James Putnam

Paloma Faith, Cristian Contini & friend

more pictures on continiartuk.com Marina Diamandis

Camilla Kerslake

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JULIO LARRAZ RULES OF ENGAGEMENT 2 October - 24 November 2014

Il 2 ottobre, presso la galleria ContiniArtUk, verrà inaugurata una grande mostra dedicata a Julio Larraz, artista figurativo capace di raccontare, con la padronanza tecnica maturata durante l’esperienza di caricaturista, un mondo ricco di sensazioni e di atmosfere romantiche e retrò. Tra le opere esposte nella nuova galleria su due piani di New Bond Street, a Londra, ci saranno “Calamar”, “Dictum”, “Helen, only a memory”, “In the Hokusai room”, “At the villa degli Angeli”, “Scuola di San Rocco”. Dipinti che vanno dall'allegoria del potere alla bellezza femminile, da un erotismo languido e suadente alla citazione cinematografica. Nella pittura di Larraz, artista nato e vissuto a Cuba e poi trasferitosi negli Stati Uniti, parodia e grottesco si mescolano dando vita a una varietà continua

di soggetti, situazioni e storie che mai si ripetono, con echi che vanno dai murales della sua terra d’origine all’amore per il Quattrocento italiano, dai continui rimandi al Surrealismo, alla passione per le nature morte di Caravaggio.

Landing party, 2013 Oil on CANVAS - 102 x 127 cm

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Secret Talks, 2014 Oil on CANVAS - 152 x 183 cm

NELLA PAGINA A FIANCO The Queen of Hearts, a parade for the needy, 2014 Oil on CANVAS, 183 x 152 cm

Salones para fumar, 2009 Oil on CANVAS, 152 x 183 cm

On October 2nd, at the Contini Art Uk, it will be inaugurated the exhibition on Julio Larraz, a figurative artist able to tell, thanks to the technical ability learned during his experience as caricaturist, a world full of romantic and vintage sensations and atmospheres.

Some of the artworks exhibited in the two floors, new gallery in Bond Street

there will be: “Calamar”, “Dictum”, “Helen, only a memory”, “In the Hokusai room”, “At the villa degli Angeli”, “Scuola di San Rocco”.

Paintings that are about the representation of power to the feminine beauty, from a languid and mellow erotism to the refering to movies.

Rules of engagement 2014 Oil on CANVAS 213 x 183 cm

La Tremebunda at The Port of Casabianca 2014 Oil on CANVAS 183 x 152 cm

La Fragoletta and The king of Diamonds off the Coast of Cumae 2011 Oil on CANVAS 102 x 127 cm

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Baryshnikov nato a Riga, tra i ballerini più importanti del mondo, é un artista poliedrico.

La passione per la danza -ha lavorato con il New York City Ballet e l’American Ballet Theatre - pervade le sue opere: fotografie di grandi

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dimensioni che catturano un fermo immagine in movimento dai contorni sfuocati ed evanescenti. Un percorso che trasporta lo spettatore in una dimensione onirica, in un tempo che non c'è più, risultato dei 30 anni di lavoro dell'artista sul palco. Un omaggio alle coreografie di Pina Bausch, Marta Graham e Jerome Robbins e alla danza nelle sue diverse forme, dall’hula hawaiano al tango argentino, passando per l’hip hop e la break dance. Da sempre attirato dall'arte figurativa,Baryshnikov è passato dal ritrarre paesaggi e natura, ispirandosi a Tiepolo, Caravaggio e Degas, a sperimentare con la danza delle immagini. Un viaggio nella performance visiva che, come spiega l'artista, è solo all'inizio.

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summer • fall 2014

On November 27th the ContiniArtUK Gallery, located at 105 New Bond Street, will inaugurate an exhibition dedicated to Mikhail Baryshnikov, gifted and accomplished artist of Latvian origin and one of the most important ballet dancers in the word.

His passion for dance – he has starred with the New York City Ballet and the American Ballet Theatre – pervades his artwork: large-sized photographs that capture still, out-of-focus and diaphanous images of dance movements. The itinerary transports the viewer into an oneiric dimension, of time past, the result of 30 years of work onstage. It leads us through a tribute to the choreographies of Pina Bausch, Marta Graham and Jerome Robbins, to Hawaiian hula, to Argentine tango to hip-hop and break dance. Figurative art has always attracted Baryshnikov who initially photographed landscapes and nature scenes, inspired by Tiepolo, Caravaggio and Degas before he began to experiment with dancing images. The exhibition takes us on a trip through visual performance, which as the artist himself explains, is only the beginning.

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Venice: a gateway towards the Orient VENEZIA: UNA PORTA VERSO L’ORIENTE Romantica e sfarzosa, colta e struggente ma anche sfavillante e mondana. E’ la città di Marco Polo, del Carnevale, dell’arte antica e contemporanea che, come un profumo intenso, si respira in ogni ponte, calle o canale. Culla di artisti del calibro di Tiziano, Giorgione, Tintoretto, Bellini, Venezia è un miracolo di bellezza e armonia che, ogni anno, richiama migliaia di turisti innamorati della sua atmosfera, riunendo appuntamenti culturali e mondani di grande rilievo.

La città si racconta nel gioco di luci e ombre creato dai riflessi sulla laguna, nei cromatismi dei dipinti che brillano al sole, nel susseguirsi dei ponti che ne delineano la fisionomia, così come nella suggestione dei campi e nel geometrico alternarsi delle venature policrome delle sue pietre.

A dare vivacità al tutto contribuiscono il calore dei bacari, sparsi per tutta la città, la simpatia della gente, i colori e gli odori forti e caratteristici.

Molti sono i pittoreschi scorci (dai ponti sul Canal Grande, alle belle basiliche) e gli itinerari magici e sempre nuovi come quello dei palazzi, che con le loro architetture seducenti, nel sedimentarsi delle epoche e 68

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degli stili, testimoniano la storia di un’antica civiltà, dei teatri veneziani (tra la dimora di Richard Wagner e il leggendario teatro La Fenice), delle isole della Laguna, del Sestiere di Castello e il suo Arsenale o del Ghetto.

Ma il vero simbolo della Serenissima è Piazza San Marco con la sua Basilica, le cupole in stile bizantino, gli ori, i marmi policromi, gli splendidi mosaici e, nello stesso tempo, centro della vita sociale cittadina. Di fronte e di fianco all’edificio sacro svettano il campanile la cui cima offre una delle viste più evocative della città e la Torre dell’Orologio, costruita nel 1499, che ancor oggi mostra l’orario in numeri romani, le fasi della luna e lo zodiaco. Alla sommità i Mori, una delle scene veneziane più caratteristiche. Piazza S. Marco è circondata da alcune arcate, denominate Le Procuratie, in quanto vi alloggiarono i più importanti magistrati dopo il Doge stesso: i Procuratori di San Marco. Oggi esse ospitano molti negozi di lusso, il famoso Caffè Florian, bar storico di Venezia dal 1720, e i gioiellieri più importanti. Lì vicino si trova anche il celebre Harry’s Bar, frequentato da produttori, artisti, celebrità

e appartenenti al jet set internazionale. Nell’agorà veneziana si trovano anche la Libreria Sansoviniana, dove è possibile ammirare le opere del Veronese, di Tintoretto, Sustris e Andrea Schiavone, ed il Museo Correr.

Quale simbolo della Serenissima, infine, troneggiano le Colonne di San Marco e San Todaro, due splendidi monoliti di granito orientale su cui si levano, rispettivamente, il bronzeo Leone e la figura marmorea di San Todaro, primo patrono della gente del Veneto, copia esatta dell’originale conservata nel Palazzo Ducale. Da quest’ultimo gioiello architettonico, ubicato sempre nella piazza, è possibile accedere al romantico Ponte dei Sospiri che collega la costruzione con le prigioni nuove. Passeggiando nella zona di San Marco ci si imbatte in Campo San Bartolomeo, conosciuto punto di incontro per i giovani grazie a locali molto caratteristici come lo storico“Al Bacareto”, aperto tutto il giorno per una vasta scelta di snack come baccalà fritto, polpettine di carne e altri spuntini a base di pesce.

Da sempre luogo di aggregazione giovanile sono anche le zone di Rialto, il più famoso e antico ponte cittadino,

di / by Barbara Carrer

e Santa Margherita, che pullulano di bacari, baretti, osterie tipiche dove i giovani si ritrovano per l’happy hour a colpi di "cicchetti" e bicchieri di buon vino. Di sera ce n’è per tutti i gusti: dalle romantiche passeggiate mano nella mano tra calli e ponti che potrebbero culminare nella tradizionale traversata in gondola, alle serate più sfrenate tra pub e disco bar. Una delle attrattive più importanti di Venezia è, senza dubbio, il carnevale, famoso in tutto il mondo per la sua surreale atmosfera in un trionfo di bellezza e mistero. In questo periodo la città regala un ventaglio di eventi, feste mascherate e serate a tema.

Chi ama lo shopping di lusso troverà la sua Mecca nelle sfavillanti vetrine delle Mercerie, la principale via di negozi della città, che collega Piazza San Marco con Rialto. Questa arteria cittadina è ed era il cuore della vita commerciale di Venezia: già ricca, durante la Repubblica, di botteghe di stoffe e tele pregiate, è divenuta, ai giorni nostri, il principale riferimento per gli amanti della moda. Qui si trovano i negozi delle più grandi firme italiane e internazionali come Cartier, Rolex, Gucci, Louis Vuitton, Bulgari,

Krizia, Ermenegildo Zegna, Dolce e Gabbana ed il Ferrari Store, oltre a gioiellerie, gallerie d’arte, negozi di design, vetri di Murano e souvenirs per tutti i gusti. Proprio all’inizio delle Mercerie dell’Orologio si trova un curioso bassorilievo rappresentante una donna dalle cui mani scivola un pestello. La storia vuole che quella popolana sia stata accidentalmente causa della morte del rivoltoso Bajamonte Tiepolo, ponendo così fine ad una sommossa cittadina.

Non si può andarsene da Venezia senza attraversare il mitico Canal Grande, che divide la città in due ed è

la sua “via principale”. Il "Canalasso", come lo chiamano i veneziani, è affiancato per tutta la lunghezza da magnifici edifici, in gran parte dei secoli tra il XII e il XVIII, che manifestano il benessere e l'arte creati dalla Serenissima, rendendolo uno dei simboli della città. Non vi fu patrizio che non ambì edificare la propria dimora lungo quella che è divenuta la più elegante via del mondo.

Ogni anno i veneziani vi rivivono tradizioni secolari come la Regata Storica, una serie di gare tra imbarcazioni che attira sulle sponde folle di visitatori e il Corteo Storico.

Romantic and magnificent, cultured and heart moving, but also sparkling and frivolous. It’s the city of Marco Polo, of the Carnevale, of antique and contemporary art that, alike an intense perfume, is possible to smell on every bridge, calle (street of Venice) or canal. Cradle of artists such as Tiziano, Giorgione, Tintoretto, Bellini; Venice is a miracle of beauty and harmony that, every year, is visited by thousands of tourists in love of its atmosphere, gathering very important cultural and ephemerous happenings.

The city tells about itself in a game of lights and shadows created by the glares on the lagoon, in the chromatisms of the paintings glittering under the sun, in the sequence of bridges that design its aspect, also in the awesomeness of the campi (squares of Venice) and in the geometrical alternation of the polychromed veining of its stones. What makes everything so alive are the warmth of the bacari (typical café of Venice), scattered all over the city, the kindness of people, the strong and typical colors and smells. Many are the picturesque glimpses (from bridges on Grand Canal to the beautiful churches) and the charming itineraries, always new, like those of the buildings that, with their seductive architectures, resulting from different eras and styles, testify the story of an antique civilization, of the Venetian theaters (the house of Richard Wagner and the legendary La Fenice theater) , of the islands of the lagoon, of the Castello (Castle) with its Arsenale (navy yard) or of the Ghetto. But the true symbol of the Serenissima is San Marco Square with its cathedral, with the byzantine domes, the gold, the polychrome

marbles, the fabulous mosaics and, at the same time, representing the core of the social life of the city.

In front of the sacred building there is the Campanile (bell tower) on top of which is possible to enjoy one of the most visited and most evocative views of the city. Also the tower of the Torre dell’Orologio (clock tower), built in 1499, still displaying time,

in Roman numbers, the phases of the moon and the zodiac. On top, the Mori (Moors) one of the most typical Venetian scene. San Marco Square is surrounded by arches, called Le Procuratie because they were the place where stayed the most powerful magistrates after the Doge: the Procuratori of San Marco Today, they host several luxury stores, the Caffé Florian, historical café of Venice since 1720 and the most important jewelry stores. Not that far is also the famous Harry’s Bar, frequented by producers, artists, celebs and people representing the international jet set. In the Venetian agorà there are also the Libreria Sansoviniana (library), where it is possible to admire the artworks

by Veronese, Tintoretto and Andrea Schiavone and the Museo Correr (museum). Furthermore, a symbol of the Serenissima the two dominating

Columns, respectively of San Marco and San Todaro, two magnificent monoliths in Oriental granite with on top the bronze lion and the marble figure of San Todaro, who has been the first patron saint of the people of Veneto, here a copy of the original conserved inside Palazzo Ducale.

From this last architectural jewel, also on the square, it is possible to cross the romantic Ponte dei Sospiri (Bridge of Sights) that connects the building to the new prisons. Strolling around San Marco we enter Campo San Bartolomeo, well-known meeting point for the young people thanks to very traditional bars such as “Al Bacareto”, open every day and offering a large choice of snacks such fried baccalà (salted codfish) meat balls and other light meals with fish.

Also the area around Rialto, the most famous and antique bridge of the city and in Santa Margherita, both full of bacari (typical Venetian bars), small pubs, osterias, has always been a place where young people are use to meet each other during the happy hour, characterized by cicchetti (typical Venetian tastes) and glasses of good wine. At night everything is possible: from romantic strolls hand in hand through the calli and bridges easily ending into the traditional gondola ride, to the wildest nights between pubs and clubs. One of the most attractive moment in Venice is definitely the Carnival, famous all around the world thanks to its surreal atmosphere, characterized by beauty and mystery. During this period, the city offers a lot of events, costume parties and theme nights. The luxury shopping lovers will find their Mecca with the sparking shop windows at

the Mercerie, the main shop street of the city, connecting San Marco square and Rialto. This arterial road was and still is the commercial heart of Venice: already rich during the Republic, with workshops of precious fabrics and cloths, nowadays it became the main reference point for the fashion’s lovers. Here are the stores by the best Italian and international brands such as Cartier, Rolex, Louis Vuitton, Bulgari, Krizia, Ermenegildo Zegna, Dolce e Gabbana and the Ferrari Store, together with jewellery stores, art galleries, design stores, Murano glass stores and other selling any kind of souvenirs. At the beginning of the Mercerie dell’Orologio there is a curious bas relief picturing a pestle falling from the hands of a woman.

The story tells that the plebeian woman has been accidentally the cause of the death of the riotous Bajamonte Tiepolo, stopping in this way a city insurrection. It is mandatory not to leave Venice without trespassing the legendary Grand Canal, that divides in two the city and that is its “main street”. Alongside the “Canalasso”, as the Venetians call it, stand extraordinary buildings, most of them from between 12th and 18th century, that show the opulence and the art created by the Serenissima and that make of the Grand Canal one of the symbols of the city. Not one aristocratic did not aspire to build his palace along what has become the most elegant course of the world. Every year the Venetians re-experience centuries-old traditions such as the Regata Storica, a rowboat race that attracts on the banks multitudes of people and the Corteo Storico (historical parade)

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CA’ PESARO: from Pop Art to Venetian Spatialism DALLA POP ART ALLO SPAZIALISMO VENEZIANO Venezia ha una importante Galleria Internazionale d’Arte Moderna, si chiama Ca’ Pesaro ed è ospitata nell’omonimo splendido palazzo che si affaccia sul Canal Grande.

Merita di essere inserita nei grandi circuiti internazionali dell’arte, un obiettivo che si è proposto da tempo Gabriella Belli, direttore della Fondazione Musei Civici di Venezia.

Dopo mesi di lavoro, ecco così un nuovo moderno allestimento del museo, oltre a un programma di mostre e di rotazioni della vastissima, prestigiosa collezione. Dopo l’importante esposizione dedicata a una selezione della collezione Giuseppe Panza di Biumo, Ca’ Pesaro propone la raccolta di un altro grande collezionista, Ileana Sonnabend (nata a Bucarest nel 1914), forse la più grande talent scout della seconda metà del ‘900, non a caso definita “ l’ambasciatrice del nuovo”. Collezionista ma anche gallerista, in collaborazione con il primo marito Leo Castelli, con il quale aprì gallerie a Parigi (’39) e a New York (’57), e con il secondo Michael Sonnabend, ebbe l’intuito di scoprire e valorizzare artisti che sarebbero poi diventati famosi, contribuendo a far conoscere l’arte americana in Europa e l’arte europea in America. Ileana Sonnabend prediligeva le sperimentazioni, anche le più avanzate, organizzando così mostre che spaziavano fra Neo Dada,Pop Art, Minimal Art, Concettuale, Neo Espressionismo, fotografia contemporanea e l’italiana Arte Povera.

La mostra, curata da Gabriella Belli e Antonio Homen, espone al secondo piano di Ca’ Pesaro un centinaio di opere di artisti notissimi, da Rauschenberg, Andy Warhol, Lichtenstein, Jim Dine, Wesselmann, Morris, Sol Lewitt, Kiefer, Bruce Nauman e Jeff Koons. Fra gli italiani Mario Schifano, 70

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Gilberto Zorio, Mario Merz, Giovanni Anselmo, Pier Paolo Calzolari e Jannis Kounellis.

Nell’ambito del progetto di rendere più vivo e dinamico il museo, al primo piano un’intera sala è stata dedicata al Movimento Spazialista veneziano, su progetto e allestimento di Silvio Fuso e Daniela Ferretti. Il Movimento nacque con un Manifesto pubblicato nel 1951, da una costola del Movimento Spaziale, teorizzato nel 1946 a Buenos Aires da Lucio Fontana.

In mostra pregevoli opere di Anton Giulio Ambrosini, uno dei fondatori del Movimento, Bruno De Toffoli, Edmondo Bacci, Gino Morandis, Luciano Gaspari, Bruna Gasparini, Mario Deluigi, Tancredi, Saverio Rampin e Vinicio Vianello.

Sino al 4 gennaio 2015.

Roy Lichtenstein, Little Aloha, 1962, acrylic on canvas, Sonnabend Collection, New York

CA’ PESARO: FROM POP ART TO THE VENETIAN SPATIALISM In Venice there is an important International Gallery of Modern Art: Ca’ Pesaro. Its location is inside the beautiful, namesake palace facing the Grand Canal.

It deserves to become one of the

di / by Ferruccio Gard

She had the intuition to discover and endorse artists who then have become famous.

She contributed to make the American art popular in Europe and viceversa.

Ileana Sonnanbend preferred the experimentations, even the most innovative, organizing exhibitions that were about Neo Dada, Gino Morandis, Immagine n.140, 1962, olio su tela cm 90x100, Acquisto alla Biennale Pop Art, Minimal Art, Conceptual Neo, New Expressionism, contemporary phomilestones of the international circuit tography and the italian Arte Povera of the art, a goal that Gabriella Belli, (poor art). director of the Fondazione Musei The exhibition, curators Gabriella Belli Civici Venezia ( Foundation of the and Antonio Homen, exhibits at the public museums of Venice) is aiming second floor of Ca’ Pesaro about one at since long time. hundred artworks by famous artists Therefore, after months of such as Rauschenberg, Andy Warhol, hard work, the museum Lichtenstein, Jim Dine,Wesselmann, shows a new set-up, Morris, Sol Lewitt, Kiefer, Bruce together with a program of Nauman and Jeff Koons. exhibitions and a turnover Representing Italy we find Mario of artworks from the very Schifano, Gilberto Zorio, Mario Merz, extended, prestigious Giovanni Anselmo, Pier Paolo Calzolacollection. ri and Jannis Kounellis.

After the important exhiIn order to make the museum more bition on a selection of the alive and dynamic, at the first floor collection Giuseppe Panza there is a whole room dedicated to the of Biumo, Ca’ Pesaro Venetian Spatialism, project and set proposes the collection of up by Silvio Fuso and Daniela Ferretti. another great collector, The trend started with a Manifesto Ileana Sonnabend (Bucapublished in 1951 and it was a rest, 1914). branch of the Spatialism, that was She is probably the greatest talent theorized by Lucio Fontana in Buenos scout of the second half of the 20th century; it is not by chance she is also Aires in 1946.

Exhibited are exquisite artworks by defined as the “new’s ambassador”.

Anton Giulio Ambrosini, one of the Collector and gallerist, together with founders of the trend, Bruno De Tofher first husband Leo Castelli she foli, Edmondo Bacci, Gino Morandis, opened galleries in Paris (1939) and Luciano Gaspari, Bruna Gasparini, New York (1957) and she continued Mario Deluigi, Tancredi, Saverio her activity with her second husband, Rampin and Vinicio Vianello.

Michael Sonnabend.

Venice:

Leopardi’s poetry at the 71st Movie Festival

VENEZIA:

LA POESIA DI LEOPARDI ALLA 71. MOSTRA DEL CINEMA

C

ome sempre grande è l’attesa, fra i cinefili, per la Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica, in programma al Lido di Venezia dal 27 agosto al 6 settembre. Il direttore Alberto Barbera non ha ancora scoperto le sue carte – i lavori sono in pieno svolgimento – ma il livello della 71. edizione non dipenderà soltanto dalle sue scelte ma anche - particolare che molti spesso dimenticano – dalla produzione cinematografica che gli “passerà il convento”.

Dalle prime indiscrezioni dovrebbero comunque essere molti i film di richiamo. Per l’Italia, forse caduta la speranza di avere l’ultimo lavoro di Nanni Moretti “ Mia madre”, sarà probabilmente in concorso “ Il giovane favoloso”, che Mario Martone ha dedicato al poeta Giacomo Leopardi (interpretato da Elio Germano, Michele Riondino e Anna Mouglalis). Fra i candidati anche registi outsider quali Saverio Costanzo, Francesco Munzi, Ivano De Matteo e Claudio Noce, mentre il grande Ermanno Olmi, se riuscirà a terminarlo, dovrebbe presentare fuori concorso il suo “Torneranno i prati”, girato sull’altopiano di Asiago per il Centenario della Grande Guerra. Dai vari angoli del mondo attesi nomi di primissimo piano, da David Gordon Green, con il film “Manglehorn”, interpretato da Al Pacino; Tim Burton con “ Big eyes”; Malick con “ Knights of cups”; Benoit Jaquot con “Three hearts” ( Catherine Deneuve, Chiara Mastroianni e Charlotte Gainsbourg); Xavier Beauvois con “ La rancon de la gloire” ( storia del furto della bara di Charlie Chaplin per chiederne il riscatto). Fra i registi asiatici si parla,

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fra gli altri, di Sion Sono.

Un film che, se selezionato, farà sicuramente discutere, è “ Pasolini”, con il quale il famoso regista Abel Ferrara ricostruisce gli ultimi giorni e l’assassinio del poeta, scrittore e regista friulano. Interpreterà Pasolini, ucciso il 2 novembre 1975, Willem Dafoe, mentre Riccardo Scamarcio sarà Ninetto Davoli, amico del regista.

Polemiche in arrivo. In una intervista Abel Ferrara ha detto: “ So chi ha ucciso Pasolini”. La Biennale, presieduta da Paolo Baratta, ha nominato il compositore francese Alexandre Desplat presidente della Giuria internazionale che assegnerà il Leone d’oro per il miglior film e gli altri premi ufficiali. Desplat, appassionato cinefilo, è uno dei più grandi compositori di musiche da film. Ha vinto numerosi premi internazionali e ottenuto sei nomination all’Oscar.

A presiedere la giuria della sezione Orizzonti sarà invece Ann Hui, la più importante regista di Hong Kong.

Come madrina per le serate di apertura e chiusura è stata invitata l’attrice Luisa Ranieri, che debuttò nel cinema nel 2001 con il film “ Il principe e il pirata” di Leonardo Pieraccioni.

Al Lido stanno per terminare i lavori di rinnovamento della Sala Darsena(ex-PalaGalileo) e di installazione di una nuova sala sul piazzale, vicino al famoso “buco” dove sarebbe dovuto sorgere il nuovo palazzo del cinema. Nei progetti della Biennale la costruzione (forse per il festival 2015) di uno spazio per il mercato del cinema, considerato indispensabile dal presidente Paolo Baratta.

Al momento di andare in stampa apprendiamo che il film di apertura

L'attrice Luisa Ranieri madrina a Venezia della 71. Mostra del Cinema

sarà Birdman (o Le imprevedibili virtù dell’ignoranza), diretto dal famoso regista messicano Alejandro G. Inàrritu.

Il fim, in concorso, sarà proiettato in prima mondiale nella serata inaugurale del 27 agosto, dopo la cerimonia

di apertura condotta da Luisa Ranieri.

E’ una black comedy che racconta la storia di un attore in declino ( Michael Keaton) alle prese con uno spettacolo a Broadway che dovrebbe rilanciarne il successo.

Una immagine di Birdman, di Alejandro G. Inàrritu, film di apertura della 71. Mostra del Cinema di Venezia.

MICHAEL KEATON - EDWARD NORTON

Venice: Leopardi’s poetry at the 71st Movie Festival As usual the cinephiles are warmly waiting to attend the Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica (Cinematographic Arts International Festival) on the agenda at Lido of Venice between August 27th and September 6th.

The director Alberto Barbera has not yet revealed his plans - the works are still under construction - but the level of this 71st edition will depend not only on his choices, but also - this is a detail that many often forget - on the movie production.

According to the first unconfirmed rumors, many should be the popular movies.

For Italy, it maybe lost hope to have the last work of Nanni Moretti "Mia madre" (my mother), to likely be in competition will be “Il giovane favoloso” (the wonder youngster) by

Mario Martone, a movie dedicated to the poet Giacomo Leopardi (starring actors Elio Germano, Michele Riondino, Anna Mouglalis).

Among the candidates also the outsider directors Saverio Costanzo, Francesco Munzi, Ivano De Matteo, Claudio Noce. On the other hand, the great Ermanno Olmi, if he could finish his work, should present out of contest the “Torneranno i prati” ( Meadows will be back), a movie shot for the Centenary of the Great War on the Asiago plateau.

From the various corners of the world, names of the first order are also expected: David Gordon Green, with his movie Manglehorn , starring Al Pacino; Tim Burton presenting Big eyes; Malick with Knights of cups; Benoit Jacquot with Three hearts (starring Catherine Deneuve, Chiara Mastroianni e Charlotte Gainsbourg); Xavier Beauvois presenting “La rancon de la gloire”,(the story of the

theft of the coffin of Charlie Chaplin for ransom).

Sion Sono is one of the Asian filmmakers there is a rumor on.

A film that, if selected, will surely excite, is "Pasolini", with which the famous director Abel Ferrara reconstructs the last days and the assassination of the poet, writer and director from Friuli.

Willem Dafoe will interpret Pasolini, who was killed on November 2, 1975; Riccardo Scamarcio will perform Ninetto Davoli, friend of the director.

Debates will come: interviewed, Abel Ferrara said: “I know who has killed Pasolini”.

The Biennale, president Paolo Baratta, nominated the French composer Alexandre Desplat as president of the International Jury, that will award the Leone d’oro (Golden Lion) the best movie and also give the other official awards.

Desplat, passionate cinephile, is one

of the greatest composer of movie soundtracks. He won many international awards and he was nominated six times for the Oscar.

President of the jury for the Orizzonti section, will be Ann Hui, the most important director of Hong Kong.

Sponsor of the opening and closing evenings will be the actress Luisa Ranieri, who made her first appearance in 2001 on the movie Il principe e il pirata (The prince and the pirate), by Leonardo Pieraccioni.

At the Lido, the Sala Darsena (former Pala Galileo) has almost been renovated. Also, a new hall on the square, nearby the “hole” where the new Cinema Palace would have been built, has been installed.

One of the projects for the Biennale for the future, a space dedicated to the market of cinema (maybe in 2015), a task considered necessary by president Paolo Baratta.

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Biennale: Architecture, not architects ARCHITETTURA, NON ARCHITETTI Una esposizione di architettura, e non di architetti.

Sulla carta una “mission impossible”

Il ministro per i Beni e le Attività Culturali Dario Franceschini, il presidente della Biennale Paolo Baratta e il curatore Cino Zucchi all'inaugurazione del Padiglione Italia, 14. Biennale architettura

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S

apeva che avrebbe fatto discutere, e ci è riuscito pienamente l’olandese Rem Koolhaas che, a differenza delle precedenti edizioni, in prevalenza passerelle di archistar conclamate e aspiranti tali, per la 14.

Biennale Internazionale di Architettura ha voluto una esposizione appunto di architettura, e non di architetti.

Sulla carta una “ mission impossible” o quantomeno stravagante che ha invece dato risultati eccellenti, con una edizione altamente spettacolare e stimolante, arricchita anche dal supporto di Biennale danza, cinema e teatro, senza dimenticare l’arte perché molte installazioni non hanno nulla da invidiare alla Biennale Arti Visive.

Così ha fatto bene il Presidente Paolo Baratta a prolungare la durata della Biennale Architettura da tre a sei mesi (prima volta nella sua storia), quindi sino al 23 novembre.

Koolhaas, archistar che non gradisce questa definizione, ha chiamato la sua Biennale “ Fundamentals”, per significare la volontà di un ritorno ai fondamentali del costruire: scale, pavimenti, soffitti, finestre, tetti, balconi, terrazze, ascensori, maniglie, gabinetti, nelle loro varie declinazioni. Insomma, la grammatica dell’architettura.

Ed ha lanciato alle 65 partecipazioni nazionali (numero record, con 10

new entry, fra Giardini , Arsenale e varie sedi sparse in città) il tema da svolgere: “ Absorbing modernity: 1914-2014”, vale a dire come avete assorbito, incorporato la modernità nell’ultimo secolo?

Tutti hanno accolto l’invito (anche questo è una prima volta) anche se non tutti hanno rinunciato alla tentazione di presentare delle archistar.

Molti i padiglioni di grande interesse, da Stati Uniti, Germania, Francia e Canada a Giappone, Gran Bretagna, Cina, Svizzera e Russia. A vincere a sorpresa il Leone d’oro (al Cile il Leone d’argento) è stata comunque la Corea del Sud, con un padiglione improntato al sogno, purtroppo forse utopico, di una riunificazione.

Processo doloroso, quello dell’assorbimento della modernità, per il direttore guru olandese, perché ha stravolto le identità architettoniche nazionali. Praticamente ogni Paese del mondo ha rinunciato, nel nome della globalizzazione e della modernità, a una propria identità architettonica, e i grattacieli costruiti a Pechino come a Hong Kong assomigliano a quelli costruiti a Milano come a Londra. “ Elements of Architecture” è il titolo della sezione dispiegata nel Padiglione centrale, ai Giardini.

Alle Corderie dell’Arsenale ecco invece la sezione “ Monditalia”, dedicata con installazioni, fotografie e film agli

PAD LONDON ART+DESIGN

15 - 19 OCTOBER

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CASTELLANI, Superficie grigia, 1991, acrylic on shaped canvas, 100x100 cm

splendori, ai successi ma anche ai fallimenti e alla decadenza del Bel Paese. L’Italia, ha affermato Koolhaas nella conferenza stampa di apertura, è il Paese simbolo dei potenziali sprecati, dalla valorizzazione dei beni culturali alla situazione architettonica, ambientale e urbanistica.

L’architettura, comunque, non sta attraversando un grande momento in tutto il mondo. Una Biennale quindi diversa, di ricerca e di interpretazione, secondo il presidente Paolo Baratta, interessante anche per chi non lavora in architettura.

E resa interdisciplinare dal contributo degli altri settori della Biennale, da Danza( ben sei i palcoscenici allestiti alle Corderie per coreografi e danzatori) a Cinema,Teatro e Musica.

Sempre all’Arsenale, sta ottenendo lusinghieri consensi il Padiglione Italia, curato da Gino Zucchi sul tema “ Innesti/grafting”. Il padiglione è a cura del Ministero dei beni e delle attività culturali.

Fra i 21 eventi collaterali, c’è l’imbarazzo della scelta, a incominciare dall’isola di San Giorgio, con le “ Stanze del Vetro” a cura di Luca Massimo Barbero, prima opera architettonica del fotografo giapponese

Hiroshi Sugimoto, che espone una selezione dei suoi famosi scatti nella sede di Palazzo Tito della Fondazione Bevilacqua La Masa.

Sul sagrato di San Giorgio il tedesco Heinz Mack ha eretto 9 colonne simmetriche di ferro alte oltre 7 metri e ricoperte da migliaia di mosaici dorati, omaggio alle relazioni culturali tenute da Venezia fra Oriente e Occidente. Di grande fascino a Ca’ Giustinian, sede della Biennale, la mostra “L’idea del corpo. Merce Cunnigham, Steve Paxton, Julian Beck, Meredith Monk e Simone Forti”, affascinante selezione di fotografie,video e manifesti dagli archivi dell’Asac .

Curatore della mostra Virgilio Sieni, direttore del Settore Danza e del 9° Festival Internazionale “ Mondo novo –gesto luogo comunità”.

Un festival di altissimo livello, concluso con la rappresentazione degli “ Appunti del Vangelo secondo Matteo” dello stesso Sieni. Un festival totalmente diverso dai precedenti – visto che la Biennale vuole essere soprattutto innovazione – con artisti nazionali e internazionali che Sieni ha invitato a interrogarsi sulla relazione fra corpo e luogo, in una sinergia fra danza e teatro.

il Padiglione della Gran Bretagna

Biennale: Architecture, not architects The Dutch Rem Koolhaas knew that he was going to make people talk and he perfectly got it. Indeed, for the 14th Biennale Internazionale di Architettura (International Biennial Festival of Architecture) he wanted an exhibition of Architecture and not of architects, alike it was during the previous editions when we’ve seen runways of well-known architects and others who aim to become so. On paper a "mission impossible" or at least an unusual mission, but it actually achieved excellent results, with a very spectacular and stimulating edition that was also enriched by the dance, cinema and drama Biennale. And we cannot forget the art, since many of 76

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the installations have nothing to envy, compared to the Biennale Arti Visive (Biennial Festival of Visual Arts). Good was the decision taken by Paolo Baratta, president, to extend the duration of the Biennale Architettura from three to six months (first time ever). Therefore it will last until November 23rd. Koolhaas, archistar who doesn’t like such definition, called his Biennale “Fundamentals”, to express the will to go back to the fundamentals of building: stairs, floors, ceilings, windows, roofs, balconies, terraces, elevators, door handles, restrooms in their various aspects. In one word, the grammar of architecture. The subject the 65 contenders, representing just as many nations, (a record, with 10 new entries hosted at Giardini, Arsenale,

NELLA PAGINA PRECEDENTE e sopra: scorci del padiglione della Corea

and all over the city) had to face was: “Absorbing modernity: 1914 - 2014”.

That is to say:” how did you absorbed, incorporated modernity during last century?” All the nations accepted the contest (also the first time ever) even if not all of them avoided the temptation to present some archistars. Many the very interesting pavillion: United States, Germany, France, Canada, Japan, Great Britain, China, Switzerland and Russia.

To win the Leone d’oro (Golden Lion) was South Korea - Chile got the Leone d’argento (Silver lion) - presenting a pavillion where the subject was the dream, perhaps utopian, of a reunification.

The process suggested by the Dutch Guru, of the incorporation of modernity was a painful one, since he overturned the national architectural identities.

Each Nation renounced, in the name of globalization and modernity, to its own architectural identities and the skyscrapers built in Beijing and Hong Kong look like those in Milan and London.

“Elements of Architecture” is the title of the distinct exhibition in the Central Pavillion, at the Giardini. At the Arsenal's Corderie, instead, we found the section “Monditalia” that, using installations, pictures and movies, offers a tribute to the successes, but also to the failures and decadence of the Bel Paese. During the opening press conference, Koolhaas declared that Italy is the country symbol of wasted potentials, from the valorization of cultural heritage to the architectural, environmental and urban situation. Architecture, by the way, is not living a great moment nowhere around the world. Is this, therefore, an unusual Biennale: Paolo Baratta, president, said that this is a Biennale of research and interpretation, an interesting one also for those who do not work in the architectural trade. And it is an interdisciplinary one thanks to the contribute of other section of the Biennale: Dance (six are the stages set up for choreographers

and dancers at the Corderie), Cinema, Acting and Music. Also at the Arsenale, the Padiglione Italia, curator Gino Zucchi, is obtaining a good success exhibiting around the theme “innesti/ grafting”. The Italian pavillion is in care of by the Ministry of Cultural Activities.

Among the 21 collateral events, there are a variety of choices, starting with the “Stanze del Vetro” (Rooms of Glass), displayed in San Giorgio’s island, curator Luca Massimo Barbero, that represent the first architectural work by the Japanese photographer Hiroshi Sugimoto, who presents a selection of his famous shots inside the Bevilacqua La Masa Foundation, in Palazzo Tito.

On the church yard of San Giorgio, the German Heinz Mack built 9 symmetrical 7 meters tall iron columns covered with thousands of golden mosaic tiles: a tribute to the cultural relationships between East and West that have been cared in Venice.

At Ca’ Giustinian, location for the Biennale, the exhibition “L’idea del corpo (the idea of the body) Merce Cunningham, Steve Paxton, Julian Beck, Meredith Monk and Simone Forti”, a fascinating selection of pictures, videos and placards chosen out of the Asac’s archives. Curator of the exhibition is Virgilio Sieni, director of the Settore Danza (dancing sector) and of the 9th International Festival “Mondo novo gesto luogo comunità” (a new world: gesture, place, community).

A very high level festival, closed with the representation of the “Appunti del Vangelo secondo Matteo” (notes from the Gospel of Matthew), by Sieni himself. A Festival that was completely different than the previous ones - the Biennale wants to be innovation, after all - starring national and international artists that Sieni has invited to think about the relationship between body and place, for a synergy between dancing and acting.

lo sciamano“ ” Wilhelm Senoner Artworks

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NUCLEAR LIGHT AT PALAZZO GRASSI LUCE NUCLEARE A PALAZZO GRASSI PAlAZZO GRASSI: L' INSTALLAZIONE DI DOUG WHEELER

V

olete provare sensazioni forti, immergendovi in una atmosfera che sa di mistero,di spaesamento, di disorientamento nel vuoto?

Eccovi serviti a Palazzo Grassi dove, nell’atrio, vi accoglierà una installazione dell’artista californiano Doug Wheeler. Dopo aver infilato dei copri scarpe di plastica, vi immergerete in una nebbia bianca sino – per chi riuscirà ad arrivarci – alla parete di una gigantesca conchiglia, bianca, naturalmente. Una sensazione di brivido è garantita. C’è chi si spaventa e scappa mentre altri si attardano con la speranza che da un’improvvisa apertura esca un marziano, infilato in uno scafandro bianco, ovviamente.

L’opera di Wheeler fa da biglietto da visita alla mostra “ L’illusione della luce” che, con le opere di 20 artisti dagli anni Sessanta ad oggi, esplora la profonda ambivalenza della luce nei suoi molteplici aspetti. Nona tappa di un viaggio attraverso la collezione Pinault, con l’esposizione sinora di quasi 1000 opere di 195 artisti, ricorda in catalogo il direttore di Palazzo Grassi Martin Bethenod, la mostra, curata da Caroline Bourgeois, è tutta improntata su dipinti, filmati e installazioni

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realizzati nel segno della luce che, almeno sin dal Rinascimento, costituisce uno degli aspetti fondamentali dell’espressione artistica.

Fra gli “specialisti” storicizzati della percezione visiva legata alla luce, l’argentino Julio Le Parc, uno dei maestri internazionali dell’optical art, presente con una bellissima videoinstallazione, e gli americani Dan Flavin e Louise Nevelson.

Ma la luce che attrae di più, fra fascino e orrore, è quella spettacolare e terribile irradiata dal primo test nucleare nell’atollo di Bikini. Le immagini, proiettate su un grande schermo, sono tratte dal film realizzato nel 1976 da Bruce Conner.

Sempre in tema di illusione della luce, al secondo piano di Palazzo Grassi è allestita la mostra “ Irving Penn, Resonance”, con l’esposizione di 130 scatti in bianco e nero realizzati dal famoso fotografo americano dalla fine degli anni ’40 alla metà degli anni ’80.

A Punta della Dogana, nell’ambito della mostra “ Prima Materia” è stata allestita una installazione di Wade Guyton.

Entrambe le mostre sino al 31 dicembre.

NUCLEAR LIGHT AT PALAZZO GRASSI Would you like to try strong emotions, immersing into a mysterious, confusing, disorienting atmosphere?

Palazzo Grassi is the place for you!

At the entrance hall you will be welcomed by an installation by the Californian artist Doug Wheeler. After wearing the plastic shoes covers, you will dive into a white mist until you get - if you can - to the face of a gigantic shell, white, of course.

The thrill is guaranteed! Somebody gets scared and runs away, while others linger, hoping (or fearfully hoping) that from an unexpected opening could come out a Martian, dressed in a space suite, white, of course.

The Wheeler’s artwork is the business card of the exhibition “L’illusione della luce” (The illusion of light) that, showing artworks by 20 artists from the 60s to nowaday, explores the deep ambivalence of light in its multiple aspects.

Martina Bethenod, director of Palazzo Grassi, reminds in catalogue that this is the 9th stage of a trip through the Pinault collection, with an overall exhibition of almost 1000 artworks by 195 artists. The exhibition, curator Caroline Bourgeois, is all about

paintings, movies and installations thought in a relationship with light that, since the Renaissance, has been one of the fundamental aspects of the artistic expression.

Some historical “specialists” of the visual perception of light are the Argentinian Julio Le Parc, one of the international masters of the optical art, who exhibits a beautiful video-installation and the Americans Dan Flavin and Louise Nevelson.

But the light that attracts the most, between fascination and horror, is the spectacular and terrible one that was irradiated by the first nuclear test in the Bikini Atoll. The images, projected on a wide screen, are excerpted from the movie directed by Bruce Conner in 1976.

Still about the illusion of light, on the second floor in Palazzo Grassi there is the exhibition “Irving Penn, Resonance”, showing 130 black and white snapshots taken by the famous American photographer from the late 40’s to the mid 80’s.

At Punta della Dogana there is an installation by Wade Guyton, that is part of the exhibition “Prima Materia” (first matter) Both the exhibitions will be on until December 31st.

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Art and sound from Prada to the Florian ARTE E SUONO DA PRADA AL FLORIAN Art or Sound, Foto di Attilio Maranzano Courtesy Fondazione Prada

Sapete cos’è il pirofono? Trattasi di uno stravagante strumento a gas, inventato nel 1870 dal musicista alsaziano Frédéric Kastner che, se suonato, produce segnali luminosi al ritmo delle note. E’ una delle 180 opere, dal Cinquecento ad oggi, provenienti da musei di tutto il mondo, che si fanno vedere e sentire (sino al 3 novembre) in una mostra semplicemente incredibile e straordinaria, curata da Germano Celant alla Fondazione Prada, a Ca’ Corner della Regina. Da un’idea di Miuccia Prada, è difficile vedere, in un’intera vita, una mostra più singolare e stupefacente. Ci sono anche quadri, ma soprattutto automi, macchine musicali che forse più stravaganti e ingegnose non si può, e ancora sculture, readymade e strumenti musicali decorati e assemblati in forme a prova di qualsiasi fantasia.

Tutti ansiosi di farvi sentire le loro musiche, i loro suoni o rumori, anche se vi sono alcune opere improntate al silenzio, come un redymade di Marcel Duchamp. Il titolo “ Art or Sound” (Arte o Suono, quindi non Arte e Suono) non vuole esprimere una opposizione – osserva in catalogo Germano Celant – ma piuttosto il confronto tra due ambiti indipendenti, in una mostra che esplora un territorio di libero transito che negli ultimi cinque secoli ha fatto fluire l’arte nel suono e il suono nell’arte. In questa mostra, che farebbe impazzire l’Archimede Pitagorico di “Topolino”, accanto alle ingegnosità fantastiche di musicisti e inventori, non mancano le opere di famosi artisti, da Robert Morris, Nam June Paik e Bruce Nauman, ad Arman,

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Tinguely, Rauschenberg, Maurizio Cattelan e il futurista Luigi Russolo autore nel 1914 di un, indovinate, crepitante e assordante Intonarumori.

Spartito di un concerto che va eseguito con, fra l’altro, ululatori, gracidatori, clacson di tram, fischio di treno, sirena e… via fracassando.

Altre le musiche in Piazza San Marco, fra le quali quella della famosa orchestrina dello storico Caffè Florian. Dove, proseguendo la tradizione d’arte incominciata nel 1988, in concomitanza con la Biennale Architettura è stata allestita la mostra “ Serenissima Babel”, curata da Stefano Stipitivich. L’artista milanese Matteo Pugliese ha appeso su una parete della “sala cinese” del più antico caffè del mondo (1720 ) una scultura raffigurante una emblematica testa dagli occhi chiusi.

Tutt’intorno, su pannelli bianchi, una pioggia di lettere di vari alfabeti. Una babele di linguaggi, appunto, per ricordare come la “ Serenissima sia stata – sottolinea Stipitivich in catalogo – un crocevia storico di culture, linguaggi e popoli differenti”.

Mentre proprio ai tavolini del Florian, ricorda il presidente Andrea Formilli Fendi, una sera del 1893 nacque l’idea della prima Esposizione internazionale d’arte del mondo.

Sino al 31 agosto.

Art and sound: From Prada to the Florian Do you know what a pirophone is? It is a bizarre musical instrument working with gas and invented by the German musician Frédéric Kastner that, when played, produces luminous signs following the rhythm of notes. It is one out of 180 artworks, from 16th century to present, that come from Museums all over the world and that are part of an extraordinary and wonderful exhibition (until November, 3rd), curator Germano Celant, hosted at Prada Foundation, in Cà Corner della Regina. From an original idea of Miuccia Prada, this is a very unique and astonishing exhibition, to be seen once in a lifetime. There are also paintings, but most of all automaton, incredibly strange and original musical machines, sculptures, readymade and musical instruments strangely shaped and presenting clever designs. They are all anxious to let you listen to their music, sounds and noises, even if some of them are more focused on silence, like a readymade

by Marcel Duchamp. The title: “Art or sound” (not Art and Sound) does not want to express an opposition - says Germano Celant on catalogue - but a comparison between two independent areas of interest, for an exhibition that wants to explore a wild field that in the last five centuries has mixed art and

sound. This exhibition, that will make happy the inventor Gyro Gearloose, friend of Mickey Mouse, shows not only the clever inventions of musicians and inventors, but also artworks by famous artists, such as Robert Morris, Nam June Paik, Bruce Nauman, Arman, Tinguely, Rauschenberg, Maurizio Cattelan and the futurist Luigi Russolo, who, in 1914, created - what else? - a deafening and crackling Intonarumori.

Is this an arrangement that has to be performed with among other things, howlers, devices playing the croak noise, the horn of the tram, the whistle of the train, sirens and so head... noisily. Other are the musics in San Marco square, such as the one played by the well-known little orchestra of the historical Caffè Florian.

Here, continuing an artistic tradition that has started in 1988, there is the exhibition, in conjunction with the Biennale Architettura (Biennial of Architecture) “Serenissima Babel”, curator Stefano Stipitivich.

The Milan born artist Matteo Pugliese hanged on the wall of the “Chinese room” of the oldest café of the world (1720 d.C.) a sculpture representing an emblematic head with closed eyes.

All around, on white panel, a rain of letters from different alphabets.

A Babel of languages, to remember that Venice (The Serenissima) has been - underlines Stipitivich on catalogue - a crossroad of different cultures, languages and people.

It was precisely at the Florian - recalls President Andrea Formilli Fendi - that one evening of 1893 was born the idea to organize the first World International Exhibition of Art.

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PROJECTS

di / by

Paolo Vegas BIOCLONING P

aolo Vegas racconta la vita delle persone. Nasce “BioCloning”.

La fotografia d’autore, in più di cento anni, ha fermato e immortalato situazioni e attimi dell’agire umano all’interno della natura che lo circonda. Si percepiscono narrazioni diverse e palpiti di varia intensità, infatti “se una foto è buona racconta molte storie” come affermò Josef Koudelka (Boskovice 1938). Naturalmente la didascalia che indica il contesto, come luogo e anno, permette una maggiore simbiosi storica ed emotiva con l’immagine che si sta ammirando. All’interno di tale disamina è percepibile un distinguo sul ritratto fotografico di persona in quanto, senza una collocazione temporale e di luogo, le informazioni che si otter-

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ranno dalla stessa sono puramente superficiali. Infatti se il soggetto ha un’età piuttosto matura, situazione amata da molti fotografi, si evidenziano aspetti di maggior connotazione come rughe, occhiaie, barba e magari un vestiario poco curato, che insieme fanno leggere meglio elementi quali la sofferenza, la sorpresa e la gioia della persona ma nulla più, perché la vita privata o lavorativa del vissuto non si conosce, al di là di semplici supposizioni. Stessa analisi può essere fatta per un target di età giovane, anche se certi aspetti legati all’esperienza sono ovviamente meno accentuati. Tutto cambia invece se un personaggio è pubblico e/o celebre, perché viene ricondotto alle maggiori informazioni che ruotano intorno alla

persona. In sintesi, si percepisce come la parte biografica sia poco avvertita in quei soggetti comuni che spesso contraddistinguono le vere foto d’autore.

Paolo Vegas (Biella 1973), artista che da quest’anno lavora in esclusiva per la Contini Art Uk Gallery con sede a Londra, ha pensato e riflettuto proprio su tale aspetto caratterizzante il mondo dei cliks d’autore. In quest’ambito, “BioCloning” rappresenta un filone di nuove opere che il Maestro sta creando al fine di rendere ed evidenziare frammenti vitali della persona ritratta, determinando una sintesi descrittiva della sua biografia. L’ultima produzione, come da stessa denominazione, rientra

di / by Richard B. Browner

nella tematica più ampia delle “Clonazioni” che Vegas ha sviluppato in una ricerca unica nel suo genere.

Il Maestro in questa prima tematica, partendo dalla constatazione che nella società contemporanea tutto sembra costruito, doppiato e apparente, ha ideato scene d’interni con tracce umane replicate in continui sdoppiamenti che mettono in relazione frammenti casuali di un soggetto. Successivamente le “Clonazioni Temporali Musicali” nascono dal concetto che una canzone e/o un Lp degli anni ’70, ’80, ’90 possano ricreare scenari dell’epoca in cui imperversavano, attraverso l’inserimento di costumi e ambientazioni ad hoc. Le figure fotografate ricalcano così l’aspetto

del tempo, dando vita a scenari di un sapore vintage.

Oggi Vegas, con il progetto “BioCloning”, pone il vissuto umano al centro dell’attenzione scenografica, inserendo la persona ritratta in un ambiente allegorico sempre legato alla stessa, dove può clonare e sdoppiare, in differenti momenti di vita e stato d’animo, il personaggio che sta posando.

Solo con tale tipo di produzione fotografica un estraneo può comprendere la biografia della persona ritratta. A differenza delle tematiche passate, nelle quali il Maestro individua personalmente coreografie, personaggi, ambienti e storie, ora crea assieme alla donna o all’uomo da ritrarre una simbiosi compositiva, perché i singoli dettagli come il luogo, il vestiario e le pose sono decise anticipatamente

attraverso uno studio ad hoc eseguito a monte del progetto. Si ottengono effetti fotografici di sogno, miraggio e clonazione ai quali, caratteristica comune a tutti i lavori, viene posto sopra un oggetto reale, che porta l’osservatore all’istante in cui sta vivendo perché tutto esiste ed è palpabile.

Paolo Vegas in un mondo contemporaneo, dove tutto si evolve costantemente, porta la fotografia alla socialità di oggi partendo dal concetto che, non solo le persone conosciute a livello mediatico, ma tutti noi abbiamo una personale biografia da raccontare e divulgare.

NELLE IMMAGINI ALCUNI LAVORI DI BIOCLONING

BIOCLONING BioCloning consiste in un filone di nuove opere, attualmente in lavorazione, in cui l’artista esprime, mediante la clonazione, stati d’animo e momenti della vita della persona ritratta, quando non la sua intera descrizione biografica. Il soggetto è immerso in un ambiente allegorico con gli oggetti che hanno contraddistinto il suo percorso di vita e che caratterizzano l’opera.

BioCloning sta a significare, Bio come Biografia per immagine e Cloning, la continua ricerca evolutiva della clonazione attraverso diversi stati d'animo che Paolo Vegas trasporta nell'immagine da lui ritratta. A differenza delle opere pensate e costruite interamente dall'artista, in questa ricerca chiamata appunto Biocloning, c'è un'assoluta complicità con la persona ritratta, la location, lo styling e ogni piccolo particolare, compresa la scelta dell'oggetto da inserire nell'opera, vengono studiate in anticipo e concordate assieme.

Paolo Vegas tells about people life.

“BioCloning” is a new project.

Art photography with focus on the theme of portrait, from its birth in the second part of XIX century to our contemporary age, hasn’t allowed us to understand in an easy way the biography of the common woman or man imprinted in the film. In fact only few elements could be found on the basis of age and facial connotations.

On the contrary, for very important people it’s possible to understand better their stories of life through a camera click.

Paolo Vegas (Biella 1973), Italian artist working in exclusive for Contini Art Uk Gallery London, thought and pondered about this aspect that characterises the photography world. In this context, “BioCloning” represents new works that the Master is creating in order to make and highlight vital fragments of the person portrayed, creating a descriptive resume of biography. This production, as its name, is part of the “Cloning” art saga, which Vegas has developed into a unique research.

The artist, with the recent project

“BioCloning”, puts the human experience at the center of scenography inserting the person portrayed in an allegorical biographical environment, cloning the personality of the man or woman laying in different life moments and human status. Only with this kind of photographic production people can understand the biography of the person portrayed.

If Vegas in latest works identifies choreography, characters, settings and themes, now he creates, linked to the woman or man to portray, a symbiotic composition because the individual

details such as the venue, the clothing and the poses are decided in advance through a study thought earlier. The result is a photographic effect of dream, mirage and cloning, in which is placed a real object to testify the reality, because everything is existing and touchable.

Paolo Vegas, in a contemporary world where everything changes, lets photography to a social world, based on the concept that not only v.i.p. but also everyone have a personal biography to tell, show and communicate.

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VERNISSAGE

AROUND ZERO

Günther UECKER, 2003 INTERFERENZEN Porcellana Rosenthal 49 es cm 50x50

di / by Armin R. Mengs

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Venerdì 10 ottobre 2014 nel Padiglione delle Arti di ArteTIVù a Marcon si inaugurerà la mostra: “Around Zero”.

L’evento, che sarà presentato in concomitanza con la mostra “Countdown to tomorrow: 1950s-60s” organizzata dal Guggenheim Museum di New York, vuole offrire una rilettura e un approfondimento storico- critico del movimenti Zero, che con la sua attività internazionale tra anni ’50 e ’60 del ‘900 ha contribuito sostanzialmente a modificare il linguaggio dell’arte visiva.

Il primo nucleo del Gruppo Zero era stato costituito nel 1957 da Heinz Mack e Otto Piene e di ZERO si era iniziato a parlare il 24 luglio dell’anno seguente, data di uscita del primo numero della rivista, curata dai due artisti. Si dovranno aspettare due anni perché con l’uscita del terzo e ultimo numero della rivista si parli ufficialmente di gruppo ZERO, formato da Mack e Piene con l’aggiunta di Gunther Uecker. E’ tuttavia necessario distinguere il cosiddetto gruppo ZERO dal movimento omonimo che, sebbene da esso nato, rispetto ad esso conserva delle differenze, essendo il primo costituito dai tre artisti sopra citati ed il secondo un movimento attivo a livello internazionale che coinvolgeva gruppi ed individualità artistiche provenienti dal Nord e dal Sud America, dall’Europa, dal Giappone. La rete che si andava a formare era il frutto di un frenetico movimento, di artisti e di opere, di scambi di idee e di dibattiti. Questo sano furore era chiaro portatore di uno spirito nuovo, di una sorta di nuovo sentimento, riassumibile nel concetto di “zero”, quando questo è atto a designare un limen estremo.

“Zero - come recitava Otto Piene - è il silenzio. Zero è il principio”. Zero è, dunque, anche il termine chiave per comprendere lo stato dal quale una generazione di artisti, tra la fine dei ’50 e l’inizio degli anni ’60, intendeva ridefinire la strada dell’arte a partire dall’assunto e dalla convinzione che essa dovesse essere rifondata ai fini di operare in un nuovo ambito di purezza, tramite elementi quali il colore e la materia, depurati dal pensiero sovrastrutturale, la luce e lo spazio, usati in termini nuovi.

La mostra, andando a rivelare una situazione internazionale articolata

DADAMAINO, 1960 VOLUME TECNICA MISTA SU TELA cm 55x35

Tomas RAJLICH, 1967 SENZA TITOLO TECNICA MISTA SU CARTA cm 75x60

Adolf LUTHER, 1975 SENZA TITOLO TECNICA MISTA SU SPECCHIO cm 63x63

Nanda Vigo, anni 70 STRUTTRA LUCE Acciaio e neon cm 50x50

heinz Mack, 1959 LUNE EN RODAGE Frottage cm 32x45

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e vivace, si occuperà degli aspetti affini e contraddittori tra i gruppi e le personalità che sono andate a confluire in Zero o che hanno agito in nome dello stesso spirito di rinnovazione. Saranno presenti artisti provenienti da 10 paesi: gli italiani dei gruppi Azimuth, T ed N, i francesi di Grav, i tedeschi del gruppo Zero, gli Olandesi del gruppo Null, i cinetici sudamericani e i giapponesi di Illumination e di Gutai. Oltre ai gruppi vi saranno opere di quegli artisti che sebbene abbiano svolto un’attività individuale, sono entrati in contatto con essi e con le loro idee, a volte influenzandoli, come ad esempio Bruno Munari, Lucio Fontana, Yves Klein. Il percorso espositivo si svilupperà attorno a temi quali: l’allontanamento dalla tradizione pittorica, che ha trovato il grado zero nell’uso del monocromo; la sperimentazione di nuovi materiali, specchi, plexiglas, alluminio o acciaio, volti ad esaltare elementi inediti nella semantica artistica, ovvero la luce, il movimento e lo spazio, inteso come soggetto e medium dell’opera; lo stretto legame con la tecnologia e con la scienza volti a definire un nuovo linguaggio; il coinvolgimento dello spettatore chiamato ad interagire attivamente con l’opera. La mostra sarà accompagnata da un video documentario e da un catalogo con testi critici inediti ed un ricco apparato iconografico delle opere in mostra.

On October 10, 2014 at the Padiglione delle Arti (Pavillion of Arts, ArtTV) in Marcon, there will be the inauguration for the exhibition “Around Zero”.

The event, that will be presented together with the exhibition “Countdown to tomorrow: 1950’s-60’s” by the Guggenheim Museum of New York, wants to offer an alternative interpretation and historical-critic analysis for the Movimento Zero that, thanks to its international activity between the 50’s and 60’s of the 20th century, contributed substantially to change the style of visual arts.

The original core of the Gruppo Zero was founded in 1957 by Heinz Mack and Otto Piene and ZERO started to be known the following year, on July 24th, the release date of the first issue of the magazine, curated by this two artists.

Only after two years with the third

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and last issue of the magazine, it was possible to officially speak of a ZERO group, formed of Mack, Piene and Gunther Uecker.

However, it is important to distinguish between the so-called gruppo ZERO from the trend of the same name that, even though was born from it, is different because the first one was made of the three artists named above, while the second one has been an internationally active trend, that engaged artistic groups and individuals from North and South America, Europe, Japan.

The network created was the result of a frenetic trend, of artists, artworks, seminars and debates.

This good fury brought a new spirit, a new feeling that can be summarized with the concept of “zero”, where this tends to draw an extreme limen (from Latin: threshold).

“Zero - was used to say Otto Piene - is silence. Zero is the beginning”.

Therefore, Zero is also the keyword to understand from where a generation of artists, from the end of 50’s to the beginning of 60’s, intended to redefine the path of art. They wanted to start from the idea that it was necessary to work into a new sphere of purity, through tools such as color and matter, free from any superstructural thoughts, light and space, used in new ways.

The exhibition, revealing a various and intense international situation, will analyze the similar and contradictory aspects between groups and personalities who were part of Zero or who operated inspired by the the same innovative spirit.

Exhibited will be artworks by artists from 10 Countries: the Italians of the groups Azimut, T and N; the Frenchs of Grav, the Germans of Zero, the Dutches of the group Null, the South Americans kinetics and the Japaneses of Illumination and Gutai.

Also present, artworks by those artists who, even if they have worked individually, got in touch with the groups and their ideas, sometimes even inspiring them such as Bruno Munari, Lucio Fontana, Yves Klein.

The exhibition will expand subjects such: leaving from the traditional painting, resulting in the “level zero” of the use of the monochrome; experimenting new materials such

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as mirrors, perspex, aluminum, steel, able to enhance unprecedented elements in the artistic semantic, in other words light, movement and space, intended as subject and medium of the artwork; the close link with technology and science, to define a new language; the captivation of the viewer who is invited to interact with the artwork.

The exhibition goes with a documentary film and a catalogue presenting unpublished articles and a rich iconography of the exhibited artworks.

Gianni COLOMBO, 1969 LAMPADA TEOREMA plexiglass e lampade cm 73x48

Alberto BIASI, 1967 LIGHT PRISM Tecnica mista + colore CM 68 x 50 x 38

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The backsides by Kira De Pellegrin I Dorsi di Kira De Pellegrin di / by Alain Chivilò

“Assaporare la bellezza di ogni cosa, respirando a pieni polmoni l’ossigeno della vita. Avere tempo per godere i dettagli e l’ironia della vita". Con questa frase l’artista Kira De Pellegrin presenta la propria ricerca in Arte. Un percorso in costante evoluzione che nella contemporaneità elabora uno stile originale che trae origine da disamine moderne.

Oggi, con il ciclo di opere intitolato “Vita” crea una nuova fase artistica che si distacca dalla precedente.

Si allontana da quell’informale gentile e delicato caratterizzato da connubi e commistioni tonali che fanno spaziare i suoi lavori in diverse cromie di bianco e blu, determinando così una stratificazione introspettiva di vissuto cara a quell’anima nord caraibica, precisamente l’arcipelago delle Bermude, assimilata nei primi sette anni dalla nascita. Ora, un iter di riflessione costante porta l’artista a sfumature che caratterizzano l’arte analitica, nella quale il mezzo espressivo sonda la relazione che l’artista stessa ha con il supporto di lavoro, individuando le tracce rimaste dopo il passaggio della sua azione.

Negli anni Sessanta Joseph Kosuth ideò opere focalizzate sull’attività cognitiva senza fini estetici e in questo filone Kira relaziona le opere “Vita” al concetto di pensiero, attraverso una comunicazione intellettuale. Per ottenere tale risultato l’artista parte dall’acciaio, già usato in precedenti lavori, utilizzando una lamiera attraverso una particolare lavorazione eseguita con una tracciatura per bulinatura sferica e successiva 92

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verniciatura grizzata. Si ottiene così un personale gioco di estroflessioni che creano uno o più punti vitali che, singolarmente o insieme, esprimono fondamentali tappe, situazioni e relazioni dell’essere umano. Dunque una spina dorsale che sintetizza eventi di ognuno di noi attraverso elementi quali la fugacità, l’unicità, la casualità e l’essenza. Come in un astronomico Big Ben, dal caos iniziale e incontrollato si generano eventi di vita unici e diversi per ogni persona.

Estroflessioni lontane da quelle ideate dai maestri Castellani, Bonalumi e Simeti, ma che involontariamente si avvicinano per un concetto insito di assoluta semplificazione e rinascita dopo una sorta di azzeramento.

Kira predilige il bianco, ossia la purezza e la sua composizione attraverso la gamma spettrografica, il corten e solo oggi aggiunge nuove cromie sempre unite al bianco.

Un ciclo di lavori, che verranno pubblicati a fine settembre, diversi da quanto fin qui prodotto, attraverso i quali l’artista riflette e blocca istanti di vita caratterizzanti ognuno di noi in unicità, permettendo a Kira stessa di approfondire, concettualmente, la complessità esistenziale dell’essere umano.

COSTRUZIONI METALLICHE www.cimolai.com

kiradepellegrin@cimolai.com

Kira De Pellegrin Backs In the sixties, Joseph Kosuth conceived works focused on cognitive activity without aesthetic purposes and in this situation Kira relates her art called "Life" to the concept of thinking, through an intellectual communication. To achieve this, the artist starts from steel, already used in previous works, using a sheet through a special process made by marking with a spherical micro-percussion and subsequent paint. The result is a personal game of extroversions that create one or more vital points which, individually or together, express fundamental steps, situations and relations of human beings. So a backbone which synthesizes events of each of us through elements such as transience, uniqueness, randomness and essence. As in an astronomical Big Ben, from the initial and uncontrollable chaos, life events are generated in a unique and different way for each person. Extroversions are far from those designed by Castellani, Bonalumi and Simeti Masters, but unintentionally they approach to an implicit concept of absolute simplification and rebirth after a sort of reset. Kira prefers white colour, or rather the purity and its composition across the range spectrographic, the corten and today she adds new colors always combined with white.

A series of works, which will published at the end of September, different from what she produced, in which the artist reflects and blocks moments of life that characterize each of us in an unique way, allowing Kira to investigate, conceptually, the complexity existential of the human being.

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DESIGN

Technology and craftsmanship of excellence: TECNOLOGIA D'eccellenza MADE IN ITALY

D

isegnare e realizzare oggetti esclusivi. All’insegna di un’artigianalità di eccellenza, sperimentazione, lavorazioni tecnologicamente avanzate e materiali pregiati. E’ questo l’obiettivo di IT ONE OFF, giovane realtà veneta alla quale hanno dato vita Alessio Ferrari,

Marco Travaini, Mattia Travaini e Alberto Agnoletto. Provenienti da settori diversi ma sempre molto vicini al mondo del design, hanno deciso di riunirsi per poter mettere insieme le proprie conoscenze e dar vita a un progetto che, unendo le eccellenze artigiane, intende essere garanzia del

vero Made in Italy.

Dal concetto all’oggetto reale, un passaggio non semplice ma che IT ONE OFF ha realizzato, unendo ambiti diversi quali l’arte, il design, l’artigianalità, l’ingegnerizzazione, l’immaginazione, l’eccellenza, termini che identificano dei concetti ben distinti, seppur con piccole contaminazioni reciproche.

IT oltre a voler identificare il paese di provenienza , mediante un gioco di parole, acquisisce il significato di

Alessio Ferrari

Abbiamo creato e brevettato la prima seduta basculante al mondo che appoggia su un punto di calotta sferica...

IT (questa volta … in inglese) come pronome di un oggetto assoluto e identificabile.

ONE OFF identifica infine l’assoluta unicità dell’oggetto prodotto, a mano, artigianalmente ed estremamente unico nel suo genere.

Dopo due anni di gestazione, IT ONE OFF si è presentata al mondo provocando interesse, sorpresa e ammirazione.

Drawing and making exclusive objects. According to a craftsmanship of excellence, of experimentation, of technologically advanced manufacturing and of precious materials.

This is the purpose of IT ONE OFF, a young Venetian enterprise that has been created by Alessio Ferrari, Marco Travaini, Mattia Travaini and Alberto Agnoletto.

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U

FO è stata la prima concretizzazione di IT ONEOFF: si tratta della prima seduta basculante al mondo che adagia su di un punto variabile di una calotta sferica.

Una monoscocca in fibra di carbonio

del diametro di 170 centimetri con un immenso cuscino di diverse densità di memoryfoam, rivestito di pelle pregiata .

UFO si presenta maestoso, tanto che può accogliere comodamente

due persone. Non appena si entra a contatto diretto si ha la sensazione di avere a che fare con un oggetto assolutamente riposante e di estrema maneggevolezza.

Marco Travaini

PH Diego De Martin FOTOPSIA

IT does not indicate only the Country of origin but, playing on words, means the English “it”, as pronoun of an absolute and recognizable object.

ONE OFF, then, identifies the absolute unicity of the item made, handmade

Mattia Travaini

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summer • fall 2014

and by craftsmen actually, which is a one of a kind.

After two years of development, IT ONE OFF has shown itself to the world, creating interest, surprise and respect.

I

T ONEOFF presenterà poi nei prossimi mesi un elemento fuori dagli schemi consueti. Si tratta del TAVOLO T, composto da un telaio in titanio che sorregge travi di legno provenienti da recuperi di edifici storici italiani, fino ad una lunghezza di 10 metri.

Tramite una collaborazione instaurata con Adriano Berengo e la sua rino-

mata vetreria artistica di Murano, IT ON OFF darà vita ad una fusione di due materiali completamente diversi tra loro. Sarà un’edizione limitata.

Come, del resto, tutte le opere realizzate da IT ONEOFF. Ogni singolo pezzo, infatti, è numerato mediante l’applicazione di una targhetta in argento e oro e accompagnato da un libretto che ne documenta la realizzazione

passo dopo passo, garantendo così l’unicità di ogni creazione.

Esclusività e qualità assolute del prodotto e attenzione costante alle esigenze dei propri clienti: questo è IT ONE OFF, realtà che vuole diventare punto di riferimento del design innovativo e dell’artigianalità italiana.

Alberto Agnoletto

UFO has been the first concrete project

by IT ONE OFF: it is the first rocking lounge-chair of the world, standing on a variable point of a spherical cap.

An object absolutely relaxing and of extreme handiness.

Furthermore, in the next months IT ONE OFF will present an outside the box piece of furniture.

It is the TAVOLO T (Table T), made of a titanium frame sustaining wooden beams that come from restorations of historical Italian buildings and that can be up to 393 inches (10 meters).

Absolute product’s exclusivity and quality together with constant attention to the needs of clients: this is IT ONE OFF, a company that wants to become a benchmark for innovative design and Italian craftsmanship.

WWW.ITONEOFF.COM

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INTERVISTE INTERVIEWS

MIVAR

CARLO VICHI di / by Barbara Carrer

I

n un'Italia di politici spesso inconcludenti e con "le mani in pasta", di imprenditori senza midollo e manager ingiustamente strapagati, c'è ancora chi, a novant' anni suonati, combatte strenuamente a testa alta.

E se costretto a cedere di fronte alle dure leggi del mercato, lo fa senza piegarsi e con l'onore delle armi.

Si tratta di Carlo Vichi, fondatore, nel 1945, di quella che per anni è stata l'unica fabbrica italiana di televisori, producendone un milione l'anno.

Tutto questo prima che i colossi asiatici la schiacciassero.

Adesso la Mivar è chiusa, ma il suo fondatore non si arrende e promette di cedere il nuovo stabilimento di Abbiategrasso a chi si impegni a costruire strumenti elettronici interamente in Italia e ad assumere almeno 1.200 operai.

A quale prezzo? Neppure un centesimo, solo veder sorridere di nuovo la sua gente.

Signor Vichi, in un' Italia in cui i valori sembrano prerogativa di pochi, cosa la spinge a combattere ancora

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Carlo Vichi, nel 1945 fondatore, di quella che per anni è stata l'unica fabbrica italiana di televisori con coraggio per quello in cui crede?

"I furbi alla lunga non vincono mai. Io guardo me stesso e la realtà che mi circonda. Solo lavorando con impegno ed onestà si lascia una traccia del proprio passaggio".

Lei ha sempre rivendicato l'italianità dei suoi prodotti...Cosa la spinge a sostenere sempre e comunque il made in Italy?

"Posso definirmi un nazionalista e quando sono stato costretto a utilizzare componenti cinesi, l'ho fatto apportando delle modifiche e sotto la mia responsabilità. Quando vendo un

televisore garantisco al 100%. Gli apparecchi Mivar non si buttano via solo perchè manca un pezzo di ricambio.

Questa è la nostra forza."

Ogni famiglia italiana ha avuto almeno uno dei suoi televisori. Come è nata in lei la felice intuizione di investire su quello che sarebbe divenuto il nuovo focolare domestico? " Ho fatto studi di questo genere e ho sempre pensato che l'elettronica avrebbe avuto un grande sviluppo.

Potrei definirmi un "elettronico", ma con la mentalità del meccanico perchè amo lavorare con la materia.

Il successo della tv? Era facilmente prevedibile".

Perchè, a suo avviso, la concorrenza straniera è riuscita ad avere la meglio su un prodotto di pregio come il suo?

"Semplicemente perchè gli stranieri, in particolare gli asiatici, costruiscono tutte le componenti, mentre in Italia, oggi, non si fa più nulla.

La Mivar assemblava pezzi provenienti dall'estero, ma lo faceva in modo particolare, mettendoci del proprio.

In questo modo si producevano televisori validi e facili da utilizzare".

La fabbrica di Abbiategrasso chiude i battenti, ma lei, da valoroso capitano, non molla la nave e contrattacca con una proposta che, di questi tempi, sa di eroico. Ci spiega i motivi di questo gesto?

"Ho creato un ingranaggio che deve essere portato avanti. Nel nuovo stabilimento Mivar non si può realizzare un supermercato, una scuola o altro, tutto lì è predisposto per dar vita a prodotti elettronici.

Chiedo solo che venga portata avanti la destinazione della mia azienda e che si assuma la mia gente. Mi impegno anche ad agevolare in ogni modo chi rileverà la fabbrica".

A parte uomini come lei, cosa manca all'Italia di oggi?

"Mancano la voglia e la capacità di lavorare. Si dà, inoltre, troppo poco spazio al made in Italy che dovrebbe essere il nostro punto di forza".

La figura dell'imprenditore paterno che concepisce l'azienda come una casa e gli operai come una famiglia

le appartiene?

"Certo che mi appartiene! Anche se gli operai, con me, non si sono comportati proprio come una famiglia: non hanno esitato a dare forza al sistema politico con esiti negativi per tutti. Posso dire di essermi speso al massimo per la mia azienda e di non aver mai chiesto finanziamenti bancari".

Ha trovato una società che abbia i requisiti da lei richiesti e a cui "regalare" la sua fabbrica?

"Non l'ho ancora trovata, ma non mi arrendo. La mancata risposta degli stranieri non è alla Mivar, ma all'Italia".

Cosa spera per la Mivar e per il nostro paese?

"Riguardo all'Italia spero poco. A mio avviso stiamo andando incontro ad un periodo di austerità superiore a quello che abbiamo vissuto. La Mivar, invece, non finirà mai. La mia speranza è trovare un imprenditore serio con la voglia e la capacità di mettersi in gioco".

IMMAGINI DI REPERTORIO DEGLI STABILIMENTI MIVAR

Carlo Vichi founded in 1945 what has been for years the only Italian television factory In an Italy of inconclusive politicians, having a finger in the pie, of weak entrepreneurs and managers who are unjustly overpaid, now there is somebody who, more than 90 years old, strenuously fight with his head held high.

Somebody who, if forced to surrender to the hard laws of the market, does it without bending and with honor.

This person is Carlo Vichi, who in 1945 founded what has been for years the only Italian television factory, that was producing a million of appareils every year.

All this until the Asian giants crush it.

Today the Mivar is closed, but its founder doesn’t surrender and

MODELLI DI TELEVISORI MIVAR

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promises to leave the new factory in Abbiategrasso to whoever commits to make electronics fully made in Italy and to hire at least 1200 workers.

What is the price of all this? Not even a penny! It is only for the joy to see his people smiling once more.

Mr. Vichi, in this Italy, where values look to be so rare, what is that pushes you to fight once more with such courage for what you believe in?

“Clever fellows never win in the long run. I look at myself and at the reality around me. Only working with passion and honesty is possible to leave a trace of our transit”.

You always underlined the Italian character of your products… What is that pushed you to keep supporting, no matter what, the made in Italy?

“I can define myself a nationalist and when I was forced to use some Chinese components, I did improving them and under my own responsibility.

When I sell a television, my guarantee is 100%.

The Mivar devices cannot being thrown away just because a piece is missing. This is our strength”.

Any Italian family bought one of your TV. How did you get the intuition to invest in what has become the new core of the house?

“I studied Electronics and I always believed that it would have increase a lot. I could define myself as an electronic expert with a mechanical mentality because I love to work with matter. The success of television? It was easily predictable”.

Why do you think the foreign competitors could have overcome such a valuable product like yours?

“Simply because the foreigners, in particular the Asians, make all the components, while in Italy, nowaday, nobody makes anything The Mivar was assembling pieces coming from abroad, but it was doing that in a special way, adding some personal improvements.

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Carlo Vichi founded in 1945 what has been for years the only Italian television factory.

In this way it was possible to make efficient and easy to use TVs”.

The factory in Abbiategrasso is closing now, but you, like a courageous captain, are not leaving the ship.

On the contrary you strike back with an offer that, during these times, smells of heroism. Can you tell us the reasons for such action?

“I created a mechanism that has to continue. In the new Mivar factory it is not possible to make a supermarket, a school or something else: everything in there is thought to make electronics.

I only care that the original purpose of my factory move on and that my people will be hired. I commit to facilitate in anyway whoever takes over my factory”.

Aside men like you, what is missing in Italy, today?

“What is missing is the feeling and the capacity to work. Furthermore, we do not give the Made in Italy the proper space, which should be our strong point”.

The figure of the paternal businessman who conceive the company as a house and the workers as a family is something you feel like your own?

“Sure! Even if the workers did not behave exactly like a family, with me; indeed, they did not hesitate to provide strength to the political system, resulting in negative results for everybody. I can tell that I did my best for my company and that I never receive any bank loan”.

Did you find a company that meets your requirements you wish to “donate” your factory to?

“I didn’t found it yet, but I don’t surrender. The missing response of the foreigners is not to Mivar, it is to Italy”.

What do you wish for Mivar and what for our Country?

“About Italy, I’m not that optimistic.

I think that we are going to face a period of austerity even worst than that we are use to.

The Mivar, in the other hand, will never end.

My hope, is to find a solid entrepreneur who wish to take the challenge”

IMMAGINE DI REPERTORIO DEGLI STABILIMENTI MIVAR

RENATO GUTTUSO

Guttuso - Tetti di Roma, 1963 - olio su tela - cm 60 x 50

GA L L ERIA

GIOA C C H INI

Cortina d’Ampezzo: Corso Italia 116 Ancona: corso Garibaldi 26 www.galleria gioacchini.com

MOSTRE EXHIBITIONS

Alessandro Pizzo Renato Pengo

ArtMoorHouse, Moor House, London 102

summer • fall 2014

di / by Tobia Donà

A. Pizzo Percorsi Liquidi 61 smalto su tela, 2013 cm 80x100

A. Pizzo Percorsi Liquidi 53 smalto su tela, 2013 cm 50x70

L

a ricerca della propria identità, al di là dell’immagine che contraddistingue questo nostro contemporaneo, è peculiarità della Pittura e dei suoi interpreti. E’ la complessità del ruolo dell’artista.

Trascrivere, per descrivere e comunicare. E’ il tentativo che ogni giorno compie per esprimere le proprie esperienze e la coscienza acquisita. Emozioni e concetti che con mezzi eterogenei trasforma in opera d’arte, per capire il presente, attraverso l’evocazione del passato e del futuro intuito o soltanto immaginato. Alessandro Pizzo e Renato Pengo con segni diversi, con identità diverse e con età diverse, condividono lo stesso sentiero.

Alessandro, giovane e affermato pittore, Renato artista storicizzato

Alessandro Pizzo e Renato Pengo: un’importante mostra vedrà le loro opere esposte a novembre alla ArtMoorHouse di Londra.

A. Pizzo Contrasti Liquidi 1 smalto su tela, 2013 CM 100x100

e teorico della Pittura, da qualche anno condividono pensieri, intuizioni, esperienze. Il risultato di questa stimolante condivisione è oggetto di un’importante mostra che ha come titolo L’Utopia della Pittura che vedrà le loro opere esposte a novembre alla ArtMoorHouse di Londra. Le diverse oscillazioni semantiche che risiedono nel termine utopia, bene esprimono la quantità di concetti e d’idee che sta dietro a questo evento. Pierre Restany, a proposito della ricerca pittorica condotta da Pengo, ha scritto: “del suo linguaggio misticoalchemico, appropiativo del grande desiderio di sublimazione attiva del mondo, di disinquinamento e di rinnovamento del pensiero e della facoltà immaginativa”. Ecco che l’utopia condivisa dai due artisti ha

a che fare con l’immagine, o meglio con l’assenza dell’immagine. Il nostro contemporaneo viene messo così in discussione, proprio attraverso ciò che maggiormente lo caratterizza: l’immagine. Utopia come desiderio, invocazione al cambiamento, incitamento a immaginare il futuro, a credere nell’impossibile e nella capacità degli uomini a realizzarlo; Pittura come Arte, la parte migliore di tutte le cose, il fluido senza il quale Scienza e Tecnica non potrebbero esistere. Ed è il Maestro Pengo a sottolineare l’intento affermando: “L’Arte deve ineluttabilmente affrontare e cercare nuovi giacimenti del sentire del vedere e del comunicare, al fine di cercare e trovare una nuova umanità”.

A. Pizzo Percorsi Liquidi 59 smalto su tela, 2013 cm 100x150

A. Pizzo Percorsi Liquidi 2 smalto su tela, 2013 CM 100x150

A. Pizzo, Contrasti Liquidi 10 smalto su tela, 2013 CM 90x130

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Dall'alto in senso orario

RENATO PENGO se comincia il sogno 1998 olio su tela - dittico se comincia il sogno 2002 olio su tela - dittico scrittura 1998 CM 60x60 shock 1990 CM 60x60 senza titolo 1990 olio su tela CM 91x100 didascalie 2006 tecnica mista su tela CM 80x80 pagine 2009 cm 100x150

The search for one’s own identity beyond the images that distinguish our contemporary art – is a peculiarity of Painting and its protagonists. It’s the artist’s attempt to express his own experiences. Alessandro Pizzo, young and affirmed painter, and Renato Pengo, already of historic fame have different identities, different ages, yet are united by a common goal of study.

The result is in an exhibition entitled “Utopia of Painting” to be held at the Moorhouse Gallery in London in November. On Pengo Pierre Restany wrote about “his mystical-alchemic expression, of his desire for active

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sublimation in the world, of newness of thought and of his immaginative faculties”. Our contemporary world, characterized by a surplus of images, is debatable; an invocation to believe in the impossible and in the capacity of men to accomplish just that. Painting as Art – the best part of everything, the fluid without which Science and Technique would not exist. Master painter Pengo affirms, “Art must inevitably confront itself and be forced to seek new horizons of feeling, seeing and communicating, that will eventually result in discovering new humanity”.

L’Arte deve ineluttabilmente affrontare e cercare nuovi giacimenti del sentire del vedere e del comunicare, al fine di cercare e trovare una nuova umanità

MEDIA

GRUPPO EUROMOBIL E L’ARTE ITALIANA

di / by Francesco Spinaglia

L’ARTE APRE LA MENTE

PAOLO PATELLI - “DUE GESTI” 2004 45X44

Da oltre 30 anni il Gruppo Euromobil, brand internazionale nel settore del design e dell’arredamento con i marchi Euromobil cucine, Désirée divani e Zalf mobili, ha supportato oltre 400 mostre nei musei di tutto il mondo, legando il proprio marchio al mondo dell’arte.

Sostenendo iniziative di carattere culturale e promuovendo, con la partecipazione

come main sponsor, esposizioni e mostre di rilevante importanza rappresentando un vero fenomeno, unico in Italia, di moderno mecenatismo, promuovendo una forma di adozione culturale. È particolarmente in tempi, in cui le risorse economiche vengono sottratte alla cultura, che l’impresa, può diventare punto di riferimento.

ALBERTO BIASI - “APOTEOSI” 2006 100X97X4,5 (PARTICOLARE)

Dal mese di marzo a ottobre il Gruppo Euromobil supporta tre mostre importanti: un’esposizione antologica, in occasione del centenario del maestro Burri “Burri – Unico e Multiplo” presso la Pinacoteca Comunale di Gaeta, Palazzo San Giacomo; un’altra mostra antologica dedicata a Paolo Patelli,”dipingere ogni giorno.

Opere 1960-2014”, allestita in occasione del suo ottantesimo compleanno e che presenta 50 opere dei vari periodi creativi dell’artista e “Alberto Biasi a San Vitale, la luce e gli ambienti della storia”, una grande retrospettiva dedicata al Maestro dell’Arte Cinetica al Museo Nazionale di Ravenna.

From March to October, Euromobil Group will support, among others, three particularly important exhibitions: an anthological exposition to celebrate the centenary of master painter Burri, “Burri – Unique and Multiple” in the Gaeta Pinacoteca Comunale, Palazzo San Giacomo; another anthological exhibition dedicated to Paolo Patelli, ”painting every day.

Opere 1960-2014”, set up to celebrate this contemporary artist’s eightieth birthday and presenting 50 works his different creative periods, and “Alberto Biasi a San Vitale, the light and ambiences of history”, a big retrospective dedicated to this Maestro of Kinetic Art, hosted by the Ravenna Museo Nazionale.

Euromobil Group and Italian Art. Art creates open minds. For over 30 years the Euromobil Group, an international brand in the fields of design and furniture with its trademarks Euromobil Cucine, Désirée Divani and Zalf Mobili, has made its contribution to over 400 exhibitions in museums throughout the world, linking its brand to the world of

art. By supporting cultural initiatives and promoting important exhibitions as main sponsor, they are exceptional, the only company in Italy that is an art patron who promotes a type of cultural adoption. Especially in times like ours, when economic resources are not available for culture, business enterprise can provide a point of reference.

PAOLO PATELLI - “DIPINGERE OGNI GIORNO OPERE 1960-2014” VILLA CONTARINI, PIAZZOLA SUL BRENTA 28 GIUGNO - 28 SETTEMBRE 2014 - MAIN SPONSOR GRUPPO EUROMOBIL PAOLO PATELLI - “DIPINGERE OGNI GIORNO OPERE 1960-2014” VILLA CONTARINI, PIAZZOLA SUL BRENTA 28 JUNE - 28 SEPTEMBER 2014 - MAIN SPONSOR EUROMOBIL GROUP ALBERTO BIASI - “BIASI A SAN VITALE, LA LUCE E GLI AMBIENTI DELLA STORIA” MUSEO NAZIONALE, RAVENNA 29 MARZO - 14 SETTEMBRE 2014 - MAIN SPONSOR GRUPPO EUROMOBIL ALBERTO BIASI - “BIASI A SAN VITALE, LA LUCE E GLI AMBIENTI DELLA STORIA” MUSEO NAZIONALE, RAVENNA 29 MARCH - 14 SEPTEMBER 2014 - MAIN SPONSOR EUROMOBIL GROUP ALBERTO BURRI - “CELLOTEX” 1979 - PINACOTECA COMUNALE, GAETA 14 GIUGNO - 12 OTTOBRE 2014 - MAIN SPONSOR GRUPPO EUROMOBIL ALBERTO BURRI - “CELLOTEX” 1979 - PINACOTECA COMUNALE, GAETA 14 JUNE - 12 OCTOBER 2014 - MAIN SPONSOR EUROMOBIL GROUP

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ALBERTO BURRI - “CELLOTEX”

ARTEFIERA BOLOGNA 2014 ALL’INSEGNA DELL’ARTE CON L’OTTAVA EDIZIONE DEL PREMIO “GRUPPO EUROMOBIL UNDER 30”

1° CLASSIFICATO PREMIO GRUPPO EUROMOBIL UNDER 30 “ONHE TITEL” DI NAZZARENA POLI MARAMOTTI 1st PRIZE GRUPPO EUROMOBIL UNDER 30 “ONHE TITEL” BY NAZZARENA POLI MARAMOTTI IN BASSO: 1° CLASSIFICATO PREMIO DEL PUBBLICO “1638-1983 CONSTRUCTION DI EMMANUELE DE RUVO” BELLOW: 1st PRIZE ASSIGNED BY THE PUBLIC “1638-1983 CONSTRUCTION

BY EMMANUELE DE RUVO”

Gruppo Euromobil ad Arte Fiera Bologna.

Ottava Edizione del Premio Gruppo Euromobil Under 30 dei fratelli Lucchetta, aperto alle opere dei giovani presentate in fiera e decisamente cresciuto in autorevolezza. Come sempre non muta l’ambito di indagine del Premio fondato e voluto da Gaspare, Antonio, Fiorenzo e Giancarlo Lucchetta, titolari del Gruppo

Euromobil e collezionisti d’arte. Successo che ha stimolato i curatori di Arte Fiera a potenziare il settore “Nuove Proposte”. La Giuria di esperti ha assegnato il premio a Nazzarena Poli Maramotti con l’opera “Onhe title” per la naturalezza con cui coniuga cultura e innovazione. Va segnalato che ancora una volta, il Gruppo Euromobil è main sponsor della Fiera Bolognese.

Artefiera Bologna 2014 in the pursuit of art with the eighth edition of the “Gruppo Euromobil Under 30” prize. The eighth edition of the Lucchetta brothers’ Premio Gruppo Euromobil Under 30, open to works by young artists presented at the Fair has undoubtedly acquired importance. There is no change in the scope of this Prize founded by Gaspare, Antonio, Fiorenzo and Giancarlo Lucchetta, owners Euromobil

Group and art collectors. Its success has stimulated the curators of Arte Fiera to boost the “New Propositions”. The expert jury has assigned the Prize to Nazzarena Poli Maramotti for her work “Onhe title” to the elegant naturalness with which she brings together culture and innovation. The Euromobil Group, was the main sponsor of the Bologna Fair.

IL PREMIO “GRUPPO EUROMOBIL UNDER 30” RADDOPPIA E SI FA DECISAMENTE SOCIAL L’8ª edizione Premio Gruppo Euromobil Under 30 raddoppia.

Accanto al tradizionale Premio conferito dalla Giuria di esperti ne è stato introdotto uno scelto direttamente dal pubblico.

“Volevamo dare voce al pubblico, capire tendenze e stimolare un confronto quanto più allargato possibile”, afferma Gaspare Lucchetta che, con i 2 fratelli, è

titolare del Gruppo Euromobil. Vincitrice di questo ulteriore Premio speciale del Pubblico è stata l’opera “1638-1983 Construction" di Emmanuele de Ruvo”, che ha ottenuto il maggior numero di voti dai visitatori ad Arte Fiera, assommati a quelli assegnati sul sito gruppoeuromobil.com e altri canali web.

The 8th edition of the Premio Gruppo Euromobil Under 30 doubles. There is now one assigned by the general public. “We wanted to hear the voice of the public, to understand trends and stimulate a competition extended as fully as possible” states Gaspare Lucchetta, who, together with the other Lucchetta brothers owns the Euromobil Group. The winner of this special Prize assigned by the public is the work “1638-1983 Construction

by Emmanuele de Ruvo” 107

CONTEMPORANEA CONTEMPORARY

RAFFAELE ROSSI Games: between colors

and matter Giochi tra colori e materia Raffaele Rossi nasce ad Alba nel 1956. Affascinato dalla Pittura antica Veneziana segue corsi di calcografia alla Scuola Internazionale di Grafica e la Scuola Libera del Nudo.

A Venezia frequenta la "bottega" di Valeria Rambelli e Ottone Marabini dove si dedica alla ricerca e al riuso di antichi materiali. Oggi, vive e lavora a S. Ambrogio di Trebaseleghe e le sue opere sono esposte in tutto il mondo oltre una proficua collaborazione con la Vecchiato Arte srl di Padova (Tel: +39 (0)49 8561359 info@vecchiatoarte.it) Come nasce e come si sviluppa la sua ricerca artistica?

Nasce con l’intento di riusare l’antica tecnica dell’affresco e per il fascino

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summer • fall 2014

della pastosità della materia che permette grafie e spessori tali da sconfinare nel bassorilievo e quindi nella scultura.

Quali sono le caratteristiche fondanti della sua arte?

Considero il mio “ Gioco”, con i colori e la materia, un abbandonarsi alle forze cosmiche che cerco di “ascoltare”e dar loro un ordine.

Sono le forze stesse evocate che m’indicano la posizione, l’intensità, la frequenza dei colori fino a lasciar apparire un Ordine melodico. A volte s’inizia seguendo un’emozione e si finisce poi a veder apparire altro dall’impulso iniziale, Credo che il compito sia di ascoltare e porre ordine a queste masse, segni, gesti,

ATELIER DELL'ARTISTA

velature e colori in divenire.

Quali sono gli artisti di riferimento e il rapporto con l’arte contemporanea?

Fin da ragazzo ho amato Rembrandt per il mistero della sua materia ed anche la Pittura Veneziana , specialmente di Tintoretto. Nel contemporaneo innegabile il fascino per Tapies.

Nei suoi dipinti pone l’accento sulla materia e sulla lavorazione del colore per realizzare un inconsueto approccio all’informale: qual è l’idea alla base della sua estetica?

Amo la materia, le velature, alterno momenti di gestualità ad altri più ponderati e riflessivi. Le figure che spesso appaiono nella mia pittura sono evanescenti quasi a essere e

Il pittore piemontese, finalista al Michetti, si racconta

ATELIER DELL'ARTISTA

non essere e inducono e invitano a identificarle e scoprirle. Mi piace incuriosire e lasciar continuare la lettura del dipinto allo spettatore quasi a indurlo a riflettere e ascoltare la propria interiorità.

Pittura, scultura, lavorazione del vetro, lavori su carta e su piombo: come opera nel passaggio tra arti e materiali così diversi?

Subisco il fascino della materia e quindi inevitabilmente amo sconfinare, a volte dissacrare le varie tecniche che mi suggeriscono immagini e sperimentazioni nuove e diverse.

L’onirico e il miraggio nella sua pittura sembrano voler esaltare il valore evocativo ed emotivo del colore; dall’altro lato le forme sfuggenti e in-

definite spingono lo sguardo verso le figure appena accennate e verso una loro possibile interpretazione, come risolve questa apparente antinomia?

E’ mio grande desiderio, quasi Missione, suggerire allo spettatore un’indagine introspettiva come quando incuriosito apre le porticine delle mie nicchie o indaga all’interno di un dittico quasi a cercare qualcosa che non trova, forse proprio se stesso. Amo suggerire la mia convinzione-certezza dell’esistenza di un’altra realtà di vita a noi parallela, probabilmente quella vera.

L’utilizzo polvere di marmo, sabbie e collanti naturali hanno un forte impatto sulla sua produzione artistica: come avviene questa scelta?

Scelgo queste materie perché sono

vive, le amo e mi affascinano come dovessi scegliere un abito di seta e non uno di tessuto sintetico.

conservatore progressista comunque vigile su quanto avviene attorno a me.

Quest’anno è giunto in finale per il premio Michetti: racconti la sua esperienza.

Sicuramente emozionante. Ringrazio tanto tutto lo staff della Galleria Vecchiato per la stima e l’amicizia nel supporto datomi.

Quali sono i prossimi progetti e prossimi impegni?

Prima di Natale una personale alla galleria Vecchiato a Padova e una in Olanda alla Galleria Delfi Form a Zwolle.

Qual è il suo giudizio sull’arte in Italia oggi?

Ritengo che i concetti sia preferibile scriverli piuttosto che dipingerli quindi sono maggiormente attratto dagli artisti contemporanei che seguono ricerche che non si discostano dalle tecniche tradizionali. Forse sono un

NAVIGANDO, 2014 AfFRESCO E TECNICA MISTA SU PANNELLO CONVESSO cm 35x140

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Raffaele Rossi lives and works in S. Ambrogio, Trebaseleghe (Italy). His works are in collections world-wide and he continues his lucrative collaboration with the Vecchiato Art Gallery in Padua.

Tel: +39 049 8561359 E-mail: info@vecchiatoarte.it How did your artistic research begin and how is it expanding?

It began with the intent to re-utilize the antique theory of frescoes and from the appeal the pastiness of the material gives me; it allows such marking and depth in bas relief, and then in sculpture.

APPARIZIONE, 2014 AfFRESCO E TECNICA MISTA SU TELA cm 120x80

What are the basic characteristic of your artwork?

I consider my “play” with colors and material an abandonment to cosmic forces that I try to listen to and command. These are the same forces that are evoked to guide me to a position, an intensity or a frequency of colors towards reaching the point of a melodic Order. I often begin after some particular emotion and in the end something different from the initial impulse appears. I believe in listening

ATELIER DELL'ARTISTA

GUERRIERO, 2013 AfFRESCO E TECNICA MISTA SU TAVOLA cm 80x80

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summer • fall 2014

10 ottobre - 30 novembre 2014

Apertura dal l u n e d ĂŹ al s a b a t o

Padiglione Arti le

ore 18.00

del

Inaugurazione VenerdĂŹ 10 ottobre

via Porta Est, 7 30020 Marcon (VE) Tel. 041 595032 www.artetivu.eu info@artetivu.com

dalle 1 0 : 0 0 alle 1 2 : 3 0 e dalle 1 5 : 0 0 alle 1 8 : 0 0

In diretta su Canale 78 e Sky 918 in Streaming web su www.artetivu.eu Sabato: 14.00-17.00 / Domenica: 09.30-17.00 Tel. 0415950322

and giving commands to these masses, signs, movements, haze and colors as they come into focus.

On what idea are your aesthetics based?

I adore the material, the haze and

I alternate moments of gestural expressionism with others that are more pondered and reflective. The

APPARIZIONE, 2006 AfFRESCO E TECNICA MISTA SU TAVOLA cm 50x50

figures that often appear in my painting are evanescent, almost existent but non-existent; they induce and invite one to identify and discover them. I like to arouse curiosity and allow the viewer to continue the interpretation as if he were reflecting upon and listening to his own inner self. It is my great desire, almost my mission, to suggest that the spectator conduct his/her own introspective investigation.

Painting, sculpture, glass works, works on paper and lead: how do you operate with arts and materials that are so distinctly diverse?

I endure the fascination of the material, therefore inevitably I love to digress, often desecrating various techniques that suggest new/diverse images and experimentations.

This year you were classified amongst the finalists for the Michetti Award: tell us about your experience.

An incredible emotion. I wish to thank the entire staff of the Vecchiato Gallery for the esteem and friendship in all the support given.

VASCELLO, 2014 AfFRESCO E TECNICA MISTA SU TAVOLA CON VELA INTERCAMBIABILE cm 117x189

What are your future projects and commitments?

Before Christmas, a personal exhibition at the Vecchiato Gallery in Padua is planned and one in Holland at the Delfi Form Gallery in Zwolle.

Via Alberto da Padova, 2 Via Dondi dell’Orologio,31 35137 Padova Tel.049-8561359 www.vecchiatoarte.com info@vecchiatoarte.it 112

summer • fall 2014

MOSTRE EXHIBITIONS

di / by Stefania Prandi

CRISTIANO PINTALDI Suspended Animations

Cristiano Pintaldi - Senza titolo, 2014 acrilico su tela - cm. 65 x 135

In mostra presso la Partners & Mucciaccia Gallery di Singapore

A

settembre la Partners & Mucciaccia Gallery di Singapore inaugura la mostra di Cristiano Pintaldi, a cura di Gianluca Marziani.

Le opere dell'artista, in bilico tra umanità tecnologica e primordiale, fortemente condizionate dalla virtualità che ci pervade e che spesso si rivela più potente del reale, trovano un corrispettivo pittorico in Singapore, città emblematica, sospesa tra progresso e tradizione, landmark dal forte valore simbolico. Pintaldi elabora le sue immagini seguendo l’unità di misura del pixel, la cellula tecnologica che ha permesso nascita e sviluppo della cultura video. Un processo che richiede un lavoro di estrema precisione: sul colore di

Cristiano Pintaldi - Senza Titolo, 2011 acrilico su tela - cm 220 x 150

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summer • fall 2014

fondo della tela vengono depositate le tre particelle di colore - il rosso il verde e il blu - che formano il pixel a nido d'ape. Così l'artista, con solido spirito iconografico, ricrea sulla tela il valore simbolico di un immaginario reale. Fulmini che cadono su luoghi dal preminente valore simbolico (la Basilica di San Pietro o la Tour Eiffel), apparizioni aliene nei cieli urbani, monumenti dal sapore alchemico, combinazione di tempi e spazi lontani (la Sfinge di Giza fa da sfondo ad un aereo su Las Vegas). Pintaldi assurge a esegeta della contemporaneità, osservando il Pianeta in cerca di segnali sul futuro e di attinenze oltre il sensibile. Una vera e propria veggenza che si esprime attraverso

SINGAPORE PARTNERS & MUCCIACCIA Blk 6 Lock Road #02-10 Gillman Barracks Singapore 108934 Tel. +65 6694 3777 Fax +65 66942819 info@partnersandmucciaccia.com http://www.partnersandmucciaccia.net

Cristiano Pintaldi - Senza titolo, 2013 acrilico su tela - cm 160x240

l’impatto dell’immagine e la sua densità interiore, come se l’opera fosse la sintesi che seleziona dentro il flusso quotidiano, una luce metafisica che isola il punto di detonazione etica.

Quello di Pintaldi è il sogno liquido di una visione con cui forzare il limite figurativo, fissando frammenti di realtà mediatica, in una griglia cromatica che cattura singole particelle del flusso quotidiano. È la pittura che isola l’istante per idealizzare la funzione dello sguardo, così da riportare sul quadro il valore del potere assoluto che solo la pittura può ricreare.

Cristiano Pintaldi - Senza titolo, 2014 acrilico su tela - cm. 200 x 130

In September the Partners & Mucciaccia Gallery from Singapore presents the exhibition on Cristiano Pintaldi, curator Gianluca Marziani.

The artist’s artworks represent the middle way between technological and rudimentary humanity and are strongly characterized by the same virtuality we live on a daily basis and that is often stronger than reality.

There is a pictorial link between these artworks and such an emblematic city, suspended between progress and tradition.

The artist, using the pixel technique, re-creates on canvas, with a solid iconographic spirit, the symbolic value of a real unconscious,.

Lightnings falling on locations of dominant symbolic meaning (St.

Peter cathedral, Eiffel Tower); aliens showing up in urban skies; monuments with an alchemic taste; combination of times and spaces that are not linked (the Gaza’s Sphynx is the landscape for an airplane flying over Las Vegas).

Pintaldi shows a liquid dream of a vision used to strain the figurative limit.

It is art isolating the instant to idealize the function of the sight in order to bring on canvas the value of the absolute power that only painting can re-create.

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EVENTS

LON

MONTECARLO

DU

di / by Stefania Prandi

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elidon Xhixha è uno degli scultori contemporanei più celebri al mondo. Le sue opere, realizzate piegando, marcando e trasformando l'acciaio in luce, sono ospitate alla ContiniArtUk, il nuovo spazio di Cristian Contini a Londra, a New Bond Street. A legare l'arista e il gallerista un rapporto di fiducia e collaborazione che si è rafforzato negli anni, mentre il nome di Xhixha diventava sempre più conosciuto. Figlio d'arte, un diploma all’Accademia di Brera di Milano e alla London Kingston University, lo scultore di origine albanese con atelier in Italia ha raggiunto il successo attraverso le sue opere monumentali.

Tra queste, soltanto per citarne alcune: il monumento per la Ferrari a Maranello “Il Cavallino Rampante”; la creazione per lo spazio pubblico “Riflessi dal cielo” in piazza Regione Lombardia a

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summer • fall 2014

Helidon

Milano; “Suono d'acciaio” per il Museo del violino e dell'arte contemporanea di Cremona; “Riflessi di storia” nel Palazzo presidenziale di Tirana.

Lo scorso luglio Xhixha ha partecipato ad Art Southampton, l'esclusiva fiera di arte moderna e contemporanea presentata da Art Miami, con oltre 75 gallerie

DON

Xhixha

BAI

MIAMI Vela at the Yacht Club de Monaco

internazionali. Sempre a luglio a Saint Jean Cap Ferrat, paese tra i più belli della Costa Azzurra, è stato installato il monumento "Hippocampus", scultura realizzata in acciaio inox e alta 4 metri.

Poco distante, a Monaco, al nuovo Yacht Club realizzato dall’architetto Norman Foster è stata invece inaugurata la “Vela”, 5 metri di luce in bilico tra mare e terra, tra noto e ignoto.

La potenza delle opere di Xhixha, ottenute attraverso il depositarsi continuo di piccole impronte che offrono un incessante gioco di pieni e vuoti, di luci e ombre luminose, ha portato la PMG, società costruttrice di New York fra le più importanti degli Stati Uniti, a chiamare lo scultore per una collaborazione d'eccezione per il nuovo edificio Muse, in Florida, con installazioni di Xhixha all’interno ed all’esterno del palazzo abbellito da sculture monumentali.

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Helidon Xhixha is one of the most famous contemporary sculptors of the world. His artworks, made bending, marking and transforming steel into light, are now exhibited at ContiniArtUk, the new space by Cristian Contini in New Bond Street, London.

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summer • fall 2014

What links the artist and the gallerist is a relationship of confidence and collaboration that became stronger with the passing of years.

Last July, Xhixha participated in Art Southampton, the exclusive modern and contemporary art

HSH Prince Albert II of Monaco presents the Giraglia Rolex Cup

show presented by Art Miami. Also in July, in Saint Jean Cap Ferrat, it was installed the monument “Hippocampus” (seahorse) a more than 13 ft. tall stainless steel sculpture.

Not so far from there, in Monaco, at the new Yacht Club designed by the architect Norman Foster, it was inaugurated the “Vela” (sail), 16.4 ft. of light, hanging in the balance between sea and land, between known and unknown.

The power of Xhixha’s artworks has pushed the PMG, a construction company based in New York and one of the most important of the United States, to contact the sculptor for an extraordinary collaboration for the new building Muse, in Florida.

The Robertissima Team holding the Vela Trophy

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The Maestro Xhixha and his wife Mara Firetti, HSH Prince Albert II of Monaco and Paola Magni

Ph Diego Gaspari Bandion

Grand HotEl SAVoiA CortinA d’AMpEzzo Cultura del vivere, vivere nella Cultura.

É bello quando si torna a casa! E tornare al Grand Hotel Savoia Vi darà la stessa sensazione di esclusiva familiarità, di lussuoso calore, in una struttura completamente rinnovata. Sul comfort non siamo scesi a nessun compromesso, abbiamo pensato solo a quello che poteva farvi stare bene, con camere e suite di grande pregio, il ristorante Savoy, il bar Giardino d’inverno, il Cigar Bar, spazi per mostre d’arte ed eventi musicali, il centro benessere Messeguè e il centro congressi, storico punto di incontri della cultura, donato nuovamente a Cortina d’Ampezzo. Grand Hotel Savoia, il nuovo hotel a 5 stelle di Cortina d’Ampezzo: è qualcosa di meglio, ed è bello poterlo scegliere!

grand hotel savoia via Roma, 62 - 32043 Cortina d’ampezzo (Bl) tel. 0436/3201 - Fax 0436/869186 info@grandhotelsavoiacortina.it - www.grandhotelsavoiacortina.it

AWARDS

Henraux AwardS FOundation: PREMIO FONDAZIONE HENRAUX

di / by Rosi Fontana

vince la seconda edizione Mikayel Ohanjanyan con l’opera Materialità dell’Invisibile Mikayel Ohanjanyan wins the second edition with the artwork “Materialità dell’invisibile” (materiality of the invisible) 122

summer • fall 2014

M

ikayel Ohanjanyan vince la Seconda Edizione del Premio Fondazione Henraux per la Scultura in marmo, in memoria di Erminio Cidonio. Si posiziona al primo posto l’opera “Materialità dell’invisibile” raffinatissima esecuzione in statuario dell’Altissimo. “Appena finita è già un capolavoro” dichiara Paolo Carli, Presidente della Fondazione. “L’esecuzione di quest’opera, che ha visto negli ultimi mesi Mikayel Ohanjanyan al lavoro presso la Henraux, è esaltazione pura della pietra per eccellenza, quello statuario delle nostre cave la cui preziosità e bellezza non hanno pari”, prosegue Carli.

“Materialità dell’invisibile” risponde a tutti i criteri richiesti dal Bando di concorso, e che Mikayel Ohanjanyan ha saputo cogliere in pieno. L’opera nasce dalla volontà di di materializzare l’invisibile e di evidenziarne alcuni aspetti concettuali ed estetici.

Nella sua lettura, il progetto proposto, è poliedrico: da un lato raffigura lo spazio vuoto come forma e la materia, dall’altro, contemporaneamente, interroga la materia stessa che, compressa dai cavi d’acciaio, crea nuove prospettive intersecate nel confine

della materia e nel vuoto al centro della scultura. L’estetica dell’opera, marmo e cavi d’acciaio, è simbolica lettura della secolare attività del luogo (il blocco del marmo, la lizzatura), e pone in evidenza le connessioni del marmo e il rapporto fra l’uomo e il suo territorio: il blocco di marmo non nasconde la sua “fragilità” e, fra staticità e dinamicità, pieno e vuoto, visibile e invisibile, nasce un rapporto che plasma continuamente il paesaggio in ottiche nuove, non solo fisiche, ma anche psichiche e sensoriali.

Al secondo posto Francesca Pasquali con “Frappa”, opera che coniuga, come una grande sfida, la rigidità del marmo, pietra nobile, e la voluttuosità delle frappe plastiche.

Al terzo posto, ex aequo, sono premiati Filippo Ciavoli Cortelli e Massimiliano Pelletti, rispettivamente con le opere “Corallo” che unisce i dualismi “mare-monti” e “manualità-evoluzione tecnologica”, tipici di una natura e di una cultura caratterizzanti il territorio Apuo-Versiliese e “Back To Basic”, una testa di matrice classica lavorata dall’artista con un intervento contemporaneo di crivellazione e trattata con alcuni acidi.

Le quattro opere dall’1 al 31 agosto

saranno esposte al pubblico nei giardini della Versiliana, in un percorso espositivo curato da Enrico Mattei e che vede anche la presenza delle tre opere dell’edizione precedente, “Arrivederci e grazie” di Fabio Viale, vincitore nel 2012, “Bue Tractor” di Mattia Bosco e “Samarà” di Alex Bombardieri.

“A partire da questo momento la Fondazione Henraux può già contare su sette opere monumentali, frutto del Premio, che già rappresentano una significativa collezione di respiro internazionale. I protagonisti del Premio, gli artisti, hanno saputo vedere e lavorare il marmo nella direzione che è propria di questo materiale, durezza e plasticità, imponenza e fragilità. Il risultato, quando nasce un’opera dalle mani di chi comprende e ama il marmo, è, come sempre, la sublimazione della bellezza”, ha affermato Paolo Carli nell’annunciare i risultati del premio 2014 davanti ad un pubblico numerosissimo nella sede della Fondazione. Il Presidente ha dato appuntamento per il 2015 con la nuova edizione di “VolareArte”, l’altra iniziativa che pone al centro dell’attenzione il marmo e promossa dalla Fondazione.

T

he prize for the second edition of the Henraux Foundation was awarded to Mikayel Ohanjanyan for the marble sculpture created in memory of Erminio Cidonio. The work “Materialità dell’invisibile” – a refined rendition in statuary veined Altissimo marble - earned first place. “It was already a masterpiece as soon as it was completed”, stated Paolo Carli, president of the Foundation. “The creation of this piece which over the past months has seen Makayel Ohanjanyan laboring at the Henraux Foundation, is pure exaltation par excellence of statuary marble from our own caves and for which there is no equal in terms of exquisiteness and beauty”, he continues.

“Materialità dell’invisibile” responded to all the criteria requested by the Committee and was fully captured in the sculpture by Mikayel Ohanjanyan.

His work was created from a need to materialize that which is invisible and to highlight conceptual and aesthetic aspects. In his presentation letter, his proposal is polyhedral; one side represents empty space as form and matter, while the other at the same time questions that same matter which is compressed in steel cables. A new prospective is created that intersects within the confines of the matter

Frappa di Francesca Pasquali

NELLA PAGINA A FIANCO Mikayel Ohanjanyan Materialità dell'invisibile, opera vincitrice del Premio 2014

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and the hollowness in the center of the sculpture. The aesthetics of the sculpture – marble and steel cables – are a symbolic interpretation of the secular activity of the area (the block of marble, the transportation from the caves), and underlines how marble is connected with Man and his land; the fragility of the block of marble is not concealed. Between stability and dynamics, fullness and emptiness, visible and invisible, a relationship is created that continually alters the landscape with new perceptions not only physical, but also psychical and sensorial. Francesca Pasquali earned 2nd place with “Frappa”, a work that in unifying the rigidity of the noble marble stone and the voluptuousness of a plastic frappè, presented an enormous challenge. Third place was awarded to both Filippo Ciavoli Cortelli and Massimiliano Pelletti respectively with the works “Corallo” which unites the duality of “surf and turf” and a “manual dexterity-evolution” technology typical of the nature and culture that characterizes the Apuo-Versilian territory and “Back to Basic”, a head of classic origin which with a contemporary intervention is perforated and treated with acids in memory of Erminio Cidonio. The four works will be exhibited to the public from August 1st - 31st in the Versilian gardens in a space curated by Enrico Mattei. Also on display will be the three works from the previous edition: “Arrivederci e grazie”

by Fabio Viale, the award recipient in 2012; “Bue Tractor” by Mattia Bosco and “Samara” by Alex Bombardieri.

“From this moment the Henraux Foundation will be able to count on having seven monumental works, fruit of the Award, that are already representative of a significant collection with an international flavor. The recipients of the Award – the artists – have been capable of seeing and manipulating the marble according to its solidity and plasiticity, its majesticness and fragility. “When a work is born from the hands of one who understands and is enamored with marble, the result is always a sublimation of beauty”, affirms Carlo Carli as he announced the results of the 2014 edition in front of a vast audience at the Foundation.

The President also confirmed the next 2015 edition of “VolareArte”, another initiative promoted by the Foundation that again brings attention to marble.

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summer • fall 2014

IL Presidente DELLA FONDAZIONE HENRAUX, Paolo Carli, insieme agli artisti

Corallo di Filippo Ciavoli Cortelli

Back To Basic di Massimiliano Pelletti

DESIGN

di / by Marco Rossi

Tra design e architettura, una collaborazione nel segno della contemporaneità. Con un risultato di eccellenza assoluta: la nuova collezione proposta da Poliform e Varenna e disegnata da Daniel Libeskind, interamente realizzata con la tecno-superficie DuPont™ Corian®.

Una collaborazione nel segno della contemporaneità, fra un architetto eclettico che da sempre lavora per ampliare il linguaggio della propria disciplina, un’azienda che rappresenta nel mondo la tradizione del design italiano e un materiale innovativo di grande versatilità.

Il risultato esprime una concezione fortemente architettonica del design: la libreria Web, la cucina e l’armadio Sharp sono interpretati come solidi fondamentali che scandiscono un paesaggio domestico contemporaneo, dando forma ad una nuova idea dell’abitare in linea con la cifra stilistica dell’autore.

Daniel Libeskind è un architetto e designer di fama internazionale, impegnato in una continua ricerca per allargare i confini dell’architettura, coinvolgendo filosofia, arte, letteratura e musica. Punto fondante dell’approccio di Libeskind è l’idea che l’architettura si evolve attraverso 126

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la conoscenza dell’uomo e che è riferita con coerenza all’ampio contesto culturale in cui si inserisce.

Introdotto da DuPont™ nel 1967, Corian® è oggi uno dei materiali maggiormente versatili e creativi nell’ambito dell’architettura e dell’interior design.

Nella collezione disegnata per Poliform e Varenna, Daniel Libeskind ha voluto esplorare le qualità uniche del materiale: l’alta resistenza meccanica e termica, la massima igienicità garantita dalla totale

A MIX OF DESIGN TRA DESIGN assenza di porosità, la perfetta omogeneità di colore per tutto lo spessore della superficie.

Una sinergia il cui risultato è di eccellenza assoluta. Come, del resto, è nella tradizione d Poliform, realtà industriale tra le più significative del settore dell’arredamento internazionale, protagonista di un’avventura imprenditoriale che ha fatto della continua ricerca della qualità la propria missione, rinnovando le proprie proposte per interpretare sempre al meglio gli stili

di vita e i trend più contemporanei.

Un “global project”, quello di Poliform, che si declina in ogni situazione architettonica grazie all’eccezionale versatilità dei sistemi componibili. Una scelta ampia e diversificata che comprende sistemi e complementi d’arredo per ogni zona della casa: librerie, contenitori, armadi, letti, cucine e imbottiti. Nel mondo, Poliform è un’icona del Made in Italy.

POLIFORM

AND ARCHITECTURE E ARCHITETTURA

Between design and architecture, a mix of contemporaneity, resulting in a style of absolute excellence: Poliform and Varenna present their new collection designed by Daniel Liebeskind, entirely constructed with the DuPont techno-surface, CorianÂŽ.

A collaboration - symbol of contemporary style - between an eclectic architect who has always strived to broaden his knowledge, a company that throughout the world represents the tradition of Italian design and an innovative and highly versatile material.

The result is an expression of a strong architectonic concept of design: the Web bookcase, the kitchen and the Sharp closet are interpreted

as solid fundamentals that form a contemporary domestic passageway and give form to a new theory of living, according to the stylistic code of the author.

The end result is a synergy of absolute excellence. Which, by the way, is Poliform’s tradition as an industrial reality amongst the most significant in the sector of international home design; a protagonist in a business venture that had made a mission of its continuous quest for quality.

World-wide, Poliform is an icon of Made in Italy.

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IT'S LIQUID

A Venezia il Festival internazionale di architettura, video arte, fotografia, installazioni e performing art

MORPHOS Sustainable Empires A partire da giugno 2014, International ArtExpo ed It’s LIQUID Grup hanno organizzato a Venezia MORPHOS - Sustainable Empires, festival internazionale di architettura, fotografia, video arte, installazione e performing art. Il festival prevede una ricca programmazione di eventi da giugno a novembre 2014, durante il periodo della Biennale di Architettura.

Il primo appuntamento del festival si è tenuto nelle prestigiose sale di Palazzo Albrizzi, dal 06 al 18 giugno 2014 e ha visto la partecipazione di 128

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oltre 90 artisti ed architetti tra cui MVRDV, ADEPT, Laurence Gartel e Tarshito, con stampa e diffusione di oltre 5.000 flyer e 300 locandine, e con un’altissima presenza di pubblico durante e dopo l’opening.

Una selezione delle opere e dei progetti presentati durante il primo evento è rimasta in mostra sino al 18 luglio, per dare poi spazio al secondo appuntamento, ospitato a Palazzo Albrizzi sino al 25 luglio.

Il terzo appuntamento di MORPHOS, intitolato "Future Identities -

Bodies . Places . Spaces", vedrà l’introduzione della categoria “cinema sperimentale” e si svolgerà sotto il patrocinio del comune di Venezia, in due sedi differenti: Palazzo Albrizzi, che dal 23 agosto al 07 settembre 2014 ospiterà la mostra di fotografia, video arte, architettura ed installazione; e presso Palazzo Ca’ Zanardi, che dal 31 agosto al 02 settembre presenterà il Venice Experimental Cinema and Performance Art Festival.

Info: www.lucacurci.com/art expo Luca Curci

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MORPHOS - Sustainable Empires International architecture, video-art, photography, installation and performing art festival - Venice Starting from June 2014, It’s LIQUID Group, in collaboration with International ArtExpo, has organized MORPHOS – Sustainable Empires, international festival of architecture, photography, video art, installation and performing art, held in Venice. MORPHOS consists of different art events organized in Venice in the months between June and November 2014, in the same period of Architecture Biennale. The first exhibition of the festival was organized from the 6th to the 18th of June at Palazzo Albrizzi, with the participation of more than 90 international artists and architects as well as MVRDV, ADEPT, Laurence Gartel e Tarshito; with the printing and spread of more than 5.000 flyers and 300 posters; and with a huge presence of visitors during and after the opening.

A selection of artworks and projects presented during the first event was exhibited in the palace until July 18 and, after that, the second exhibition MORPHOS II was held in Palazzo Albrizzi until July 25.

The third appointment of MORPHOS, called "Future Identities - Bodies . Places . Spaces", will be held in Venice, with the patronage of the city of Venice, in 2 prestigious palaces: Palazzo Albrizzi, from August 23 to September 07 2014, will showcase photography, installation, video-art and architecture works; and Palazzo Ca’ Zanardi, from August 31 to September 02 2014, will host the Venice Experimental Cinema and Performance Art Festival.

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Foto: Luca Bracali

Alba Gonzales

The protagonist of great events, art signed by Alba Gonzales, after the success of the exhibition of Ravello, we can find it in her personal long the Tevere in summer events of the capital. Other works are in Pianeta Azzurro gallery in Pietrasanta and in Fregene (Rome).

Il testo critico, scritto dal professor Giammarco Puntelli in occasione dell'evento sul Tevere, si trova nella parte redazionale.

The essay of Professor Giammarco Puntelli, written on the occasion of the event on the Tevere, can be found in this magazine.

Foto: Emanuele Ruiz

Dopo il successo della mostra di Ravello, troviamo l'arte firmata da Alba Gonzales, protagonista di grandi eventi, in una personale lungo il Tevere negli appuntamenti estivi della capitale. Altre opere sono nella galleria Pianeta Azzurro a Pietrasanta e a Fregene (Roma).

Foto: Emanuele Ruiz

www.albagonzales.com

IMMAGINI IMAGES

Gavin Rain’s new pointillism IL NEO-PUNTINISMO DI GAVIN RAIN

M

arylin, Grace e Liz e non è necessario aggiungere altro. Tre figure, tre donne che seppur reali, non hanno più la fragilità della carne ma attraversano il Tempo rimanendo loro stesse. E’ la forza del mito che trasfigura la materia rendendo l’essere umano

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icona, una rappresentazione simbolo nell’immaginario collettivo che fonde l’ossequioso rispetto per la natura divina e la familiarità condivisa per la natura umana. Gavin Rain prosegue la sua doppia ricerca estetica e culturale riproponendo il suo “neopuntinismo” in cui giocherà con lo

spettatore attraverso un'ingannevole percezione della forma. Le immagini, costituite da piccole corone circolari di varia pigmentazione, si frammentano seguendo un processo di pixelizzazione per ricomporsi successivamente, ponendosi ad una adeguata distanza dal quadro; una

metafora di “fare un passo indietro” per un’esatta percezione di ciò che ci circonda che dissacra ogni giudizio e ogni presunzione di oggettività.

“Nella nostra realtà accediamo a tutto attraverso dei filtri – spiega l’artista in un’intervista -questi filtri non sono sempre attendibili, per cui

la nostra comprensione della realtà non è sempre affidabile”.

Gavin Rain ha partecipato al TEFAF di Maastricht con la Leslie Smith Gallery di Amsterdam ottenendovi un grosso successo e la stessa galleria riproporrà i lavori dell’artista in una personale che avrà luogo nel periodo estivo. Inoltre, ripeterà l’esperienza del 2011 a Venezia: in quell’occasione l’artista presentò un originale ritratto del premio Nobel per la pace Aung San Suu Kyi. Nel 2015, per la Biennale d'Arte, sarà invece protagonista di un evento collaterale in un prestigioso spazio veneziano.

Attualmente l’artista sudafricano espone presso la Bugno Art Gallery (S.Marco 1996/d - 30124 Venice (IT) Ph: +39-041-5231305 Fax: +39-0415230360) e vanta collaborazioni in tutto il mondo; tra queste ricordiamo Avant Gallery di Miami, la E-Moderne Gallerie di Philadelphia, la Galeria Alfredo Ginocchio di Mexico City, la Galerie Bartoux di Honfleur, la Leslie Smith Gallery di Amsterdam, la Unix Gallery di New York, la Worldart di Cape Town e prossimamente prenderanno vita ulteriori nuove collaborazioni con gallerie di Barcellona, Dubai e Shangai.

Marlyn, Grace and Liz: it is not necessary to add anything to that.

Three figures, three women who, also if still real, do not have the fragility of the flesh, but they go thorough the

time, maintaining their identity.

It is the power of the myth, that transform the human being into icon, a representation that is symbol of the general imagination that merge

the obsequious respect for divine nature and the common familiarity for human condition. Gavin Rain keeps working on his double research, aesthetic and cultural, proposing his “new-pointillism” using which he will play with the viewer through a deceptive perception of the form.

The images, made of small circular crown in different colors, are defragmented into a process of pixeling and then they recompose themselves, once the viewer is at the right distance from the painting.

It is a metaphor of “going a step back”, useful to understand what is around us, without any judgement and arrogance of objectivity. During an interview, the artist said: “In this reality we access everything through filters, but these filters are not always trustworthy, therefore, our understanding of reality is not always reliable”.Gavin Rain participated in TEFAF in Maastricht in collaboration with the Leslie Smith Gallery of Amsterdam. It was a great success

and the gallery will show the artist’s artworks again during a personal exhibition this summer. Furthermore, he will repeat the experience of Venice 2011: in that occasion he presented an original portrait of the Nobel Peace Prize Aung San Suu Kyi. In 2015, during the Biennale d’Arte, he will be protagonist of a collateral event in a prestigious Venetian location.

Currently the South African artist exhibits at the Bugno Art Gallery (S.Marco 1996/d - 30124 Venice (IT) Ph: +39-041-5231305 Fax: +39041-5230360) and collaborates with galleries all over the word. Just to name a few, Avant Gallery in Miami, the E-Moderne Gallery in Philadelphia, the Galeria Alfredo Ginocchio in Mexico City, the Galerie Bartoux in Honfleur, the Leslie Smith Gallery in Amsterdam, the Unit Gallery in New York, the Worldart in Cape Town and soon he will collaborate with other galleries in Barcelona, Dubai and Shanghai.

GHIBLI SAUNA

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MOSTRE EXHIBITIONS

American Chronicles:

the Art of Norman Rockwell

LE CRONACHE AMERICANE DI NORMAN ROCKWELL

N

el prossimo autunno la Fondazione Roma, presieduta dal Prof.

Avv. Emmanuele F.M. Emanuele, inaugurerà un’importante retrospettiva dedicata a Norman Rockwell (1894-1978).

Proseguendo sulla scia di una tradizione ormai consolidata, la Fondazione offrirà al pubblico l’opportunità di ammirare le opere di un artista che con il suo talento ha illustrato la storia di un’America da lui stesso sognata e che ora, grazie alla conquista dei diritti civili, è realtà.

La produzione di Rockwell può essere ascritta di buon grado alla pittura contemporanea “di genere”,

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cioè quella che tratta la realtà così com’è, senza commenti. Nelle sue tavole emergono personaggi positivi, rassicuranti, fiduciosi, familiari e proprio perché tali, coinvolgenti.

L’osservazione captata della realtà, in Rockwell si fa pittura e al contempo storia; la storia di un mito, quello americano, che va ben oltre il confine degli States. Il catalogo dell’autore, ben rappresentato in mostra, è variegato; alterna la spensieratezza delle origini, racchiusa nell’espressione di un fanciullo che fugge per una marachella – si pensi ad esempio al No swimming del 1921 – alla bambina afroamericana che, per

assolvere il suo diritto all’istruzione, viene scortata a scuola dai gendarmi: The problem we all live with del 1964, un’opera emblematica che riflette il dramma dell’apartheid. Come non citare poi i manifesti dedicati alle cosiddette “Quattro libertà” del 1942, nei quali Rockwell pone l’accento su problematiche attuali e cogenti come il diritto alla libertà di parola, di credo, dal bisogno e dalla paura – indicate dal Presidente Roosevelt come obiettivo irrinunciabile della società post bellica. La forza di Rockwell consiste indubbiamente nell’osservazione trasparente della società in continua evoluzione. Lo dimostrano

11 novembre 2014 8 febbraio 2015 Fondazione Roma Museo Palazzo Sciarra a cura dell’ufficio stampa della Fondazione Roma Arte-Musei

ad esempio le copertine illustrate del The Saturday Evening Post presenti in mostra nella loro interezza: 323 tavole originali, elaborate dal 1916 al 1963, che testimoniano la lunga collaborazione dell’autore con il celebre magazine. Sarebbe tuttavia riduttivo racchiudere il giudizio su Rockwell in base alla consistenza del corpus delle opere. Il suo successo consiste invece nell’aver semplicemente raccontato un’America “vera”, quella della gente comune, della quotidianità, della politica, della cronaca e delle grandi sfide sociali attraverso la tecnica dell’illustrazione divulgativa, in cui è stato capace di condensare tutto ciò,

con grande abilità senza l’aggiunta di orpelli. La mostra, fortemente voluta dal Presidente Emanuele, promossa dalla Fondazione Roma e organizzata dal Norman Rockwell Museum di Stockbridge in Massachusetts e dalla Fondazione Roma Arte-Musei, segue la scia dei grandi progetti già realizzati dedicati all’arte d’Oltreoceano, nell’assoluta convinzione che il fervore artistico americano, letteralmente “esploso” nel Novecento, abbia avuto ripercussioni ad ampio raggio fino a contaminare la produzione artistica europea. Con questa mostra, allora, la Fondazione Roma si fa ancora una volta promotrice di un evento di respiro internazionale, da sempre convinta – come più volte affermato dal Presidente Emanuele – che la cultura sia quell’ “energia pulita” capace di unire i popoli; e lo fa in modo privilegiato attraverso la rappresentazione artistica che, come osiamo spesso dire, reca in sé un linguaggio universale.

La Fondazione Roma dal 1999 ad oggi, ha promosso più di 40 mostre in collaborazione con i più prestigiosi musei italiani e stranieri. L’impegno proseguirà l’anno prossimo con la grande esposizione dedicata al Barocco, che coinvolgerà profondamente la città capitolina connettendo tra loro numerosi luoghi più o meno noti al grande pubblico. Un evento fortemente identitario, che in tal modo conferma il ruolo primario della Fondazione Roma nella crescita culturale del Paese.

NELLA PAGINA DI APERTURA: The Problem We All Live With, 1964 olio su tela. ©Norman Rockwell Family Agency.

All rights reserved.

Norman Rockwell Museum Collections

On next autumn the Fondazione Roma, president Prof. Att. Emmanuele F.M. Emanuele, will inaugurate an important retrospective on Norman Rockwell (1894-1978). Following what is now a consolidated tradition, the Foundation will offer to the public the opportunity to admire the artworks by an artist who, with his talent, has illustrated the story of the America he dreamed of and that now, thanks to the civil rights, it is reality. Rockwell’s production can definitely be included into the contemporary genre-painting, that is that one showing reality as is, without any comment. From his paintings appear characters who are positive, reassuring, confident, familiar and, right because that, captivating. The grasped observation of reality, in Rockwell, becomes painting and, at the same time, history: the history of a myth, the American one, that crosses the limits of the United states. The catalog of the author, well represented by this exhibition, is varied; from the tranquillity of the origins, expressed by the kid running after a mischievous trick - let’s think for instance about the No swimming, 1921 - to the Afro-American girl

who is escorted by some police officers in order to obtain her right for instruction. The problem we all live with - 1964, is a symbolic artwork reflecting the tragedy of the apartheid. How could we not mention the manifestos dedicated to the so-called “Four Freedoms” of 1942, in which Rockwell highlights current and binding problems such as the freedom of speech, of religion, the freedom from poverty and worries, indicated by President Roosevelt as the main purpose of the after war society. The strength of Rockwell definitely consists in observing transparently a society that is in continuous evolution. This is well demonstrated by the full collection of the illustrated covers of the Saturday Evening Post: 323 original drawings, designed between 1916 and 1963, that testify the long collaboration of the author with the famous magazine.

It would be ungenerous, by the way, to delimit the judgement on Rockwell only considering the corpus of his works. His success, on the other hand, depends on the fact that he simply told about a true America, that one of ordinary people, of every day life, of politics, of history and of

the great social challenges, through the technique of the educational illustrations in which he was able to summarize all that with great ability and no tinsels. The exhibition, strongly desired by president Emanuele, promoted by Fondazione Roma and organized by the Norman Rockwell Museum of Stockbridge, MA and by Fondazione Roma Arte-Musei, follows on the heels of the previous important projects dedicated to the overseas art, with the certainty of the American fervor, literally exploded during the 20th century, has contaminated the European artistic production.

With this exhibition, therefore, the Fondazione Roma is once more promoting an event of international importance, with the firm belief that - as often declared by president Emanuele - culture is that “clean energy” able to unify people thanks to the artistic representation that , as often dare to say, includes an universal language.

Fondazione Roma, since 1999, promoted more than 40 exhibitions collaborating with the most prestigious Italian and foreign museums.

Next year it is time for the great show dedicated to Baroque, that will deeply involve the capitoline city, connecting many places, some well-known, other little-known.

This will be an event of strong identity, confirming the fundamental role of Fondazione Roma in the cultural growth of the Country.

American Chronicles: the Art of Norman Rockwell Fondazione Roma Museo Palazzo Sciarra via Marco Minghetti, 22 (ang. via del Corso), Roma

11 novembre 2014 8 febbraio 2015 Mostra promossa da Fondazione Roma

A LATO: EMMANUELE EMANUELE PRESIDENTE FONDAZIONE ROMA

Organizzata da

Norman Rockwell Museum di Stockbridge, Massachusetts, USA Fondazione Roma Arte-Musei. www.mostrarockwellroma.it www.fondazioneromamuseo.it

The Runaway, 1958 olio su tela. ©1958: SEPS, Norman Rockwell Museum Collections

INFORMATION SHEET For the first time ever exhibited outside of the United States, the artworks being part of the collection of the Norman Rockwell Museum in Stockbridge offers the public a complete retrospective on the 136

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American artist. They are iconic artworks such The Runaway or The Problem we all live with, that interpret sometimes with irony sometimes with a focused eye, seventy years of American history. Norman Rockwell, active since the first decade of 20th

century, until the 70’s, contributes with his artworks (appearing on posters, magazine covers or created to advertise common goods) to create and affirm on an international scale, the ideals of the American society.

Together with some oil on canvas,

pictures and documents of the artist, the exhibition also will show the complete collection of 323 covers of The Saturday Evening Post, a unique collection testifying the ten years long collaboration between Rockwell and the famous magazine.

CONTEMPORANEA CONTEMPORARY

RAPHAEL MAZZUCCO Forward - AVANTI Colleziono da 66 anni, esattamente dal 1947 quando avevo solo 5 anni.

Nessuna figurina del baseball o fumetto alcuno...beh, forse qualcuno sì, ma principalmente vetri Tiffany e ciotole da barba, un’attività di famiglia. Ad ogni modo, 50 anni fa sono entrato in possesso del mio primo quadro espressionista astratto e in seguito di pezzi della Pop Art. Nel 1969 ho coniato la parola “fotorealismo” e ho cominciato a dar vita alla migliore collezione di genere dei migliori lavori su carta, per non menzionare la collezione principale di quadri. Io rappresento la maggior parte dei fotorealisti. All’inizio degli anni ‘70 ho cominciato a interessarmi

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all’Illustrazione Americana e mi sono concentrato su quello che ho chiamato nel mio libro del 1996 “The Great American Pin-up” (la grande pin-up americana) e ho creato la miglior collezione di pezzi d’arte di QUEL genere e la mia è la principale galleria per questo tipo di lavoro.

Le mie collezioni includono oltre 1000 fotografie e molte di queste riguardano Jock Sturges che io rappresento. In tutto mia moglie Susan e io abbiamo oltre 100 collezioni e solo alcuni sono duplicate o simili a ciò che CHIUNQUE altro colleziona. La nostra sfida è di trovare una categoria di qualche sorta che catturi la nostra attenzione e che

sia, o che sia stata, sottovalutata dagli altri, per poi creare la miglior collezione, conoscere tutto ciò che c’è da sapere riguardo alla categoria in questione e poi mostrarla e pubblicarla.Gli ultimi 20 anni sono stati frustranti per quanto riguarda il modo in cui il mondo dell’arte è concepito. NOI non abbiamo trovato molto ciò che ci attira. Quando un giornale d’Arte pubblica la lista dei 100 migliori collezionisti o qualcosa di simile, l’80% di essi possiede gli stessi articoli. Perché? Perché al giorno d’oggi sono poche le persone che acquistano arte perché amino ciò che essa rappresenta. Di sicuro questo è stato il motivo per cui

di / by Louis Meisel l’arte è stata collezionata per la maggior parte della storia del genere umano ma NON è il motivo per cui è collezionata oggi. Ora ciò che conta è l’investimento, lo status oltre a trovare un arte che ci parli e che sia in sintonia con i nostri canoni estetici. Tutta la parte della storia personale di cui sopra è rilevante per quanto concerne la narrazione che sto per fare. Dopo anni di frustrazione per voler continuare a fare ciò che facciamo, scoprimmo un artista il cui lavoro è stato ispirato e influenzato fortemente da ciò che ci ha interessato per così tanto tempo.

Raphael Mazzucco è un innovatore in ciò che io sento essere VERA

ARTE, proprio come quella di ogni artista che ho visto per decenni.

Mentre utilizza colori, disegni, fotografie, collage e tutti gli strumenti tradizionali e i materiali che gli artisti hanno inventato e con i quali hanno lavorato durante tutta la storia, lui produce nuovi, interessanti, innovativi e, aspetto che è il più importante per me, se non lo è per la cosiddetta “impresa dell’ Arte”, oggetti BELLI da guardare. Il suo linguaggio figurato coinvolge la figura femminile, che è stata preponderante per la maggioranza degli artisti, almeno nei loro disegni di essa. Molti lungo i secoli hanno fatto affidamento sul nudo femminile per imparare la materia. La sua giornata di lavoro come fotografo di moda gli ha permesso di vedere e utilizzare questo universalmente amato aspetto e soggetto in modi nuovi nella maggior parte dei suoi quadri d’artista.

I quadri! Perché essi sì, SONO quadri.

Sono infusi di gesti astratti, citazioni Pop, persino un tocco di murales.

Il suo lavoro è aggressivamente colorato e include vita naturale, paesaggi e, certamente, elementi figurativi. L’artista sa ed è capace di progredire sotto OGNI aspetto del realismo in arte. L’immagine del nudo è sempre sexy ma casta, una qualità che ha permesso alle pin-up dagli anni ‘30 agli anni ‘70 di rimanere accettabili e seducenti.

Raphael è estremamente inventivo per quanto riguarda le inclusioni, il posizionamento e le affermazioni create dalla giustapposizione di questi incredibili nudi all’interno del contesto di ciascun quadro e il risultato è sempre coinvolgente e richiama l’attenzione, non permettendo a nessuno di passare indifferente. Per essere più di sinistra, socialisti, politicamente corretti e multiculturali, in accordo con una certa parte di scrittori influenti, agli artisti è stato insegnato e a noi detto che Bellezza e Qualità sono parole da abbandonarsi nel campo dell’arte e delle altre aree della cultura.

Perché? Perché sono solo pochi a poter permettersi ciò che queste parole significano e “noi vogliamo che

chiunque possa avere la possibilità di essere un artista, un musicista o uno scrittore”. Viene insistentemente fatta passare l’idea che per essere “artista” uno debba essere capace semplicemente di esprimere se stesso e di portare l’attenzione sulla miseria, la sofferenza, il pregiudizio e tutto ciò che li disturba. Qualità, talenti, disciplina e conoscenza non hanno bisogno di intervenire.

Bene, semplicemente così non funziona. Io dico che queste persone dovrebbero fare questo sul lettino dei propri psichiatri. Quello di cui abbiamo bisogno come spettatori, ascoltatori e lettori sono più artisti simili a come Raphael Mazzucco E’!

Un artista che imperturbatamente dipinge, fotografa e ritrae tutti gli aspetti della BELLEZZA, sia essa un nudo, il tramonto, il mare, le nuvole nel loro splendore. No bruttezza, no dichiarazioni politiche, no descrizioni della miseria. Goya lo ha fatto molto tempo fa. C’era un tempo, un luogo e un motivo. Il mondo oggi E’ pieno di miseria, sofferenza, violenza, odio, guerra e infelicità diffusa.

Gli artisti dovrebbero ribellarsi al mantra prevalente che vuole mostrare tutto ciò. Gli artisti dovrebbero dare un’occhiata alla speranza, alla bellezza e alla felicità. Sarebbe molto più utile al genere umano. Raphael Mazzucco lo sta facendo e, se tutto va bene, rappresenta l’avanguardia di molti artisti in arrivo che realizzeranno ciò come fosse una missione.

Introduzione. Howard Rosembaum Il fotografo Alfred Stieglitz disse una volta: “ Quando scatto una foto io faccio l’amore” Per Raphael Mazzucco è la stessa cosa. Il suo lavoro è un’espressione dell’amore e, come molti grandi artisti in tutta la storia dell’Arte Occidentale, è innamorato della femminilità e della bellezza.

La bellezza è il trampolino dal quale ogni frutto dell’immaginazione si sprigiona. Quella stessa bellezza è viva sotto varie raffigurazioni, sia che venga rappresentata sotto forma di un nudo o di un paesaggio o, in molti dei suoi lavori, come la giustapposizione di entrambi.

Per Raphael la bellezza è intrinseca alla forma femminile, allo stesso modo affine anche a quella che si trova in natura. All’interno del suo lavoro, le due cose sono sinonimi. Ci sono colline e valli e forme e consistenze che evocano una cruda e invitante sensualità, sia nell’immagine di una donna nuda sia di un brullo paesaggio. Ha detto di venir ispirato dalla natura perché “io sono al cento per cento un ragazzo della natura con tutto il mio cuore. Sono sempre stato attratto dalla vita organica che ci circonda”.

Raphael ha a lungo goduto di una straordinaria carriera nel ruolo di uno dei massimi fotografi di celebrità e moda del mondo. Tale lavoro lo ha portato in alcune delle località più esotiche e varie, come Islanda e Vietnam. Ha immortalato alcune delle donne più belle del mondo. Da tali esperienze ha ricavato i parallelismi fra la forma femminile e la natura che rendono più intenso il suo lavoro. Non esiste una linea chiara o una demarcazione nella vita di Raphael fra la sua Fotografia commerciale e la sua arte figurativa, perché Raphael è completamente immerso nella fluidità e questo suo fluire lo porta a essere costantemente in movimento, incapace di contenere l’ardente pozzo di energia che lo pervade e che lo stimola a creare di continuo, ad abbracciare la vita senza sosta. Da giovane Mazzucco avrebbe voluto essere pittore, ma ha presto realizzato di non essere caratterialmente adatto all’isolamento. Al contrario, egli viene energizzato dalla cooperazione perché si nutre dell’energia e dell’eccitazione che deriva dall’unione di più menti e loro sinergia. Ancora, egli crea un mondo che è nettamente suo. In questo mondo è presente una grande bellezza, ma ci sono anche brama e struggimento, isolamento e caos.

Si può avvertire un palpabile fervore stando di fronte a uno dei suoi lavori su larga scala; come un eroe o un’eroina del cinema, ci si sente gettati in un mondo di alti e bassi di stampo teatrale.

Mazzucco è altrettanto attento al proprio metodo artistico quanto lo è con il linguaggio figurato che sceglie.

Depone uno strato di colore sopra le sue foto, quindi aggiunge oggetti trovati per creare un collage di mezzi espressivi. Certo, così come costruisce, distrugge, oscurando sezioni delle fotografie e lasciando chi guarda a interrogarsi sulla loro assenza.

Un suo lavoro finito è spesso sigillato con una resina che conferisce un aspetto lucido e quasi commerciale, negando al tempo stesso il crudo ed evocativo linguaggio figurato in esso contenuto.

Comincia con ”nient’altro conta se non un bell’esterno e un bel soggetto”.

Da qui in poi, lavora con una “cruda sensibilità” che rifiuta la manipolazione digitale, spesso facendo tesoro di ciò che si potrebbero pensare essere degli errori. Gli oggetti nei suoi collages sono di norma quelli trovati in loco e, con essi, illustra una narrazione.

Fluidità è ciò che nutre il suo procedimento artistico.

[Mazzucco] spiega: “Quando sto lavorando diviene completamente spontaneo. Non seguo mai un obiettivo o un ordine prestabiliti. Nulla è mai preordinato in modo sistematico”.

La sua narrazione si costruisce da sola man mano che l’ispirazione sale dal suo procedimento creativo. C’è, con Mazzucco, un accattivante senso di stupore fanciullesco, sia nel suo lavoro che relativamente alla sua persona, come se tutto ciò che fa fosse fatto per la prima volta.

Emette un’ energia positiva e, alla fine tutto, nel suo lavoro, è affermazione.

Benché ci possa essere una sfumatura di melanconia, c’è sempre una vigorosa vivacità che sale in superficie e questo è dovuto al fatto che Mazzucco vive appieno la vita.

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I have been collecting for 66 years, yes, since 1947 when I was 5 years old! Not baseball cards or comic books...well, maybe some, but Tiffany glass and scuttle shaving cups, a family pursuit. Anyway, 50 years ago I acquired my first Abstract Expressionist painting and shortly thereafter Pop art. By 1969 I had coined the word Photorealism and began building the best works on paper collection of the genre not to mention the major collection of paintings. I represent most of the Photorealists.In the early '70s I began paying attention to American Illustration and focused on what I called in my 1996 book “The Great American Pin-up” and created the best collection of original art of THAT genre, and am the primary gallery for this work. My collections include over 1,000 photographs and are heavy on Jock Sturges whom I represent.

All told, my wife Susan and I have over 100 collections and very few are duplicated or similar to what ANY others collect. Our challenge is finding a category of some sort which catches our attention and is, and has been, overlooked by others and then to create the best collection, learn all there is about the category, and then show and publish.The past 20 years have been frustrating as far as the art world is concerned. WE have not found very much that beckons us. When an art magazine lists “The 100 top collectors” or something like that, 80% will have all the same items. Why? Because very few today are acquiring art because they like what it looks like. Of course, that is why art was collected for most of human history, but NOT now! Now it is about investment, status and finding art that speaks to us and connects with our esthetics. All of the above personal history is relevant to where I am going with this commentary.

After years of frustration of wanting to continue doing what we do, we discovered an artist whose work has been inspired by and influenced by so much of what has interested us for so long. Raphael Mazzucco is as innovative in what I feel is REAL ART as any artist I have seen in decades. While utilizing painting, drawing, photography, collage and all the traditional tools and

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materials artists have invented and worked with throughout history he is making new, interesting, innovative, and most important to me, if not to the so-called art establishment, BEAUTIFUL objects to behold.

His imagery strongly involves the female figure, as has been true of a preponderance of artists, at least in their figure drawings. Most over the centuries have relied on working with the female nude in learning that discipline. His “daytime job” as a fashion photographer has enabled him to see and utilize this universally loved aspect and subject matter in new ways in most of his fine art paintings. The paintings! Yes, they ARE paintings. They are infused with abstract gestures, Pop quotations, even a touch of graffiti. His work is aggressively colorful, and includes still life, landscape and of course the figurative elements. The artist is informed and able to advance on ALL aspects of realism in art.

The nude imagery is always sexy but chaste, a quality which made the '30's through '70s pin-ups so acceptable and appealing.Raphael is extremely inventive in the inclusion, placement and statements created by the juxtaposi-tion of these wonderful nudes within the context of each painting, and the result is always engaging and asks for attention and will not let one pass casually.

In order to be more leftist, socialist, politically correct and multi-cultural, according to some sort of influential writers, artists have been taught, and we have been told the Beauty and Quality are words to be abandoned in the art and other cultural areas.

Why? Because so few can achieve what those words are about and “we want everyone to have a chance to be an artist, musician or writer.” Its is touted that to be a significant “artist” one must be able to simply express themselves and draw attention to misery, suffering, prejudice and all that bothers them. Quality, skills, discipline and knowledge need not apply. Well, it just doesn’t work.

I say they should do all that on their psychia-trists' couches. What we need to inspire us as viewers, listeners and readers are more artists such as a Raphael Maz-zucco IS! An artist who unabashedly paints,

photographs and portrays all aspects of BEAUTY, be it the nude, the sunset, the sea, the clouds in splendor. No ugliness, no political statements, no depic-tions of misery. Goya did that long ago. Picasso made the Guernica. There was a time and place and reason. The world now IS filled with misery, suffering, violence, hatred, war and general unhappiness.

Artists should be going against the prevalent mantra of showing all that.

Artists should be giving a look at hope, beauty and happiness. That will be more helpful for mankind.

Raphael Mazzucco is doing that and hopefully is the forefront of many coming artists who will realize this as a mission.

Introduction - Howard Rosenbaum The photographer Alfred Stieglitz once said, “When I photograph, I make love.” For Raphael Mazzucco it’s the same. His work is an expression of love and, like many great artists throughout the history of Western Art, he’s enamored with femininity and beauty. Beauty is the springboard upon which all other imagery emanates. That beauty is alive in varying incarnations, whether represented by a nude or a natural landscape or, in much of his work, the juxtaposition of both. For Raphael, beauty is inherent in the female form, yet also akin to that found in nature. In much of his work, the two are synonymous. There are hills and valleys and shapes and textures that evoke a raw and inviting sensuality, whether depicted by a nude woman or a barren landscape. He has said that he is inspired by nature because, “I am 100 percent a nature boy at heart. I have always been attracted to the organic life around us.”

Raphael has long enjoyed a career as one of the world’s leading celebrity and fashion photographers. This work has taken him to some of the most exotic and diverse locations, such as Iceland and Vietnam. He has captured some of the world’s most beautiful women. From these experiences, he’s drawn the parallels about the female form and nature that heighten his work. There’s no clear line or delineation in Raphael’s life between his commercial photography and his fine art because Raphael is all about fluidity and this fluidity finds him constantly moving, unable to contain the passionate well of energy inside of him that propels him to be always creating, always embracing life. He is part of an emerging genre of artists that transcend the barriers between commercial and fine art photography and refuse to be typecast in either role.

Early in his life, Mazzucco wanted to be a painter, but quickly realized that he was not temperamentally suited to the isolation. Rather, he’s energized by collaboration because he feeds off the energy and excitement that comes from collective minds and synergies. Yet, he creates a world that is distinctly his own. In this world, there’s great beauty, but there’s also longing and heartache, isolation and chaos. There’s a palpable fervor felt when standing in front of one of his large-scale works; like a movie hero or heroine, one feels swept into a world of theatrical highs and lows.

Mazzucco is as much concerned with his artistic process as he is with the imagery he chooses. He layers paint upon his photographs, then adds found objects to create a mixed media collage. Yet, as he constructs, he also deconstructs, by obscuring sections of the photographs leaving the viewer to wonder about their absence. His finished work is often sealed in a resin that gives it a highly polished and quasi-commercial façade, negating the raw and evocative imagery contained within. He begins with, “nothing but a beautiful location and beautiful subject matter.” From there, he works with a “raw sensibility” that shies away from digital manipulation, often treasuring what could be deemed mistakes. The objects in his collages are usually found on location and, with them, he conveys a narrative. Fluidity is what fuels his artistic process. He explains, “When I’m working it becomes completely spontaneous. I never follow a certain destination or order.

Nothing is ever preordained in a systematic way.” His narrative builds on itself as further inspiration emanates from his creative process.There’s a captivating sense of childlike wonder with Mazzucco, both in his work and in his persona, as though everything he does is being experienced for the first time. He emits positive energy and, ultimately, all of his work is affirming.

While there may be a tinge of melancholy, always there’s a lusty vividness that rises to the surface and this is because Mazzucco is about embracing life to the fullest.

JULIO LARRAZ RULES OF ENGAGEMENT 2 October - 24 November 2014

Secret Talks 2014 Oil on canvas 183x152 cm

Mikhail Baryshnikov 27 November - 31 January 2014

Untitled #34 Dance this way 2012 Fine art archival print Edition of 3 115.5x194 cm

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EVENTS

Freedom fighters.

I Kennedy e la battaglia per i diritti civili Milano, giugno 2014 - Dall‘8 al 10 ottobre 2014 nelle sale di Palazzo Reale a Milano si terrà “I HAVE A DREAM”, inedita mostra evento

curata da Melissa Proietti e Raffaella A. Caruso che si concluderà con un’asta benefica a sostegno del Robert F. Kennedy

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Center for Justice and Human Rights Europe e battuta dalla presidente onoraria Kerry Kennedy.

La mostra evento dedicata ai diritti civili sostenuti da John F. Kennedy, Robert F. Kennedy e Martin Luther King e al centro delle attività del Robert F.

di / by Giulia Rossi

22 settembre - 12 ottobre 2014

MILANO - PALAZZO REALE

Kennedy Center for Justice and Human Rights, concluderà il periodo espositivo di “Freedom Fighters - I Kennedy e la battaglia per i diritti civili”. La mostra, promossa dal Robert F. Center for Justice and Human Rights Europe in collaborazione con

l’Ambasciata degli Stati Uniti d’America in Italia e curata da Contrasto e Fondazione FORMA per la Fotografia, inaugurerà il 22 settembre 2014 a Palazzo Reale.

Al progetto esprime il suo apprezzamento il Presidente della Repubblica Giorgio Napolitano,

NELLA PAGINA A FIANCO: Il discorso alla nazione, in diretta radiofonica e televisiva, dove il presidente John F. Kennedy annuncia l'abolizione della segregazione nell'Università dell'Alabama.

Washington, 11 Giugno 1963. © Cecil Stoughton / John F. Kennedy Presidential Library and Museum

con una lettera alla Presidente del Robert F. Center for Justice and Human Rights Europe, Marialina Marcucci: “La mostra - scrive Napolitano – offre un significativo stimolo a riflettere sul valore attuale delle posizioni allora assunte per la realizzazione di una società più giusta, inclusiva e solidale, ma anche sulle condizioni di quanti, in tutto il mondo, vedono tutt’ora calpestati i loro diritti. […] Tutti siamo chiamati a fare la nostra parte”.

Per I HAVE A DREAM sono 50 gli artisti che, a 50 anni dall’assegnazione del Premio Nobel per la Pace all’attivista per i diritti civili Martin Luther King, hanno aderito all’iniziativa donando un’opera. Da Lucio Del Pezzo e Bruno Ceccobelli a Vittorio Messina e Pablo Echaurren, da Franco Fontana a Matteo Basilè, da Chiara Dynys a Betty Bee, da

artisti dell'immediato dopoguerra che hanno vissuto sulla loro pelle censure ed entusiasmi di rinnovamento e gli artisti che hanno negli occhi l'ennesimo oltraggio alla democrazia perpetrato con l'attentato alle Torri Gemelle. Si è loro chiesto di interpretare il tema in senso narrativo e metaforico, con la forza allusiva e primordiale dell'astrattismo, con le evocazioni simboliche di un figurativo sui generis dai tempi aperti della tradizione "classica" o dai ritmi sincopati del pop, donando però sempre immagini di speranza, di denuncia e mai di violenza.

Perché l'arte è Vita e Bellezza.

Maestri di ogni "colore", timbro, formazione hanno regalato il loro entusiasmo, rivivendo memorie e speranze, passato e futuro, in una miscellanea di sensazioni che solo il sogno fa vivere in una assurda e meravigliosa dimensione "contemporanea".

Il Presidente Kennedy alla News Conference. 20 Novembre 1962. © Abbie Rowe / John F. Kennedy Presidential Library and Museum

Martin Luther King. Washington, 1 Gennaio 1960. © KEYSTONE Pictures USA / eyevine

Umberto Mariani a Paolo Baratella, da Marcello Reboani a Ernesto Tatafiore, da Marco Veronese a Marco Nereo Rotelli, da Pietro Iori a Arash Radpour, dagli street artist Gola & Teso a Michael Gambino e alla realtà aumentata della giovane Aidan, tutti contribuiranno con la loro arte alla raccolta fondi a sostegno delle iniziative del Robert F. Kennedy Center for Justice and Human Rights Europe.

“I HAVE A DREAM nasce - spiegano le curatrici Melissa Proietti e Raffaella A. Caruso - come breve ed intensa ricognizione su come il sogno della democrazia, la battaglia per uguaglianza e diritti condotta da John e Robert Kennedy e da Martin Luther King sia ancora viva nel ricordo ma anche nella attualità degli intenti ed abbia profondamente inciso su più generazioni di artisti.

Si è inteso mettere a confronto gli 143

I HAVE A DREAM 8 al 10 ottobre 2014

MILANO - PALAZZO REALE

Pablo EchaurrenLPM (Love, Peace, Music), 1999 acrilico su cartoncino cm 25,5 x 25,5

Betty Bee, Cristo nero, 2006 stampa C print su D bond cm 100x70

Marco Veronese, I have a dream, 2014 elaborazione digitale e silicone cm 70x70

Milan, June 2014 From October 8th to 10th, 2014 in the halls of Palazzo Reale in Milan, it will take place “I HAVE A DREAM” an unprecedented exhibition, curators Melissa Proietti and Raffaella A. Caruso, that will end with a charity auction in support of the Robert F. Kennedy Center for Justice and

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Human Rights Europe, with the honorary president Kerry Kennedy as auctioneer.

The exhibition, dedicated to the civil rights defended by John F. Kennedy, Robert F. Kennedy and Martin Luther King, core of the activities of the Robert F. Kennedy Center for

Justice and Human Rights, will end the expositive period of “Freedom Fighters - I Kennedy e la battaglia per i diritti civili” (Freedom Fighters - The Kennedys and the battle for civil rights) The show, promoted by the Robert F. Kennedy Center for Justice and Human Rights Europe, in

collaboration with the U.S. Embassy in Italy, curator Contrasto e Fondazione FORMA per la Fotografia, will be inaugurated on September 22, 2014 at Palazzo Reale.

The President of the Italian Republic, Giorgio Napolitano, with a letter to Marialina Marcucci, president of

50 anni a Cortina: le mostre raccontano 9 - 31 agosto 2014

Giorgio Morandi, Natura morta, 1948, olio su tela, cm 40,5 x 45,5

Sede PRATO, Viale Della Repubblica (area Museo Pecci) Tel. 0574 572400 r.a. - Fax 0574 574132 Succursali MILANO Portichetto di Via Manzoni (angolo Via Spiga) Tel. 02 794274 - Fax 02 76012706 CORTINA Largo delle Poste (piano rialzato) Tel. 0436 860669

CALENDARIO ASTE: OTTOBRE e APRILE Dipinti e sculture del XIX e XX secolo Arredi e dipinti antichi NOVEMBRE e MAGGIO Dipinti, disegni, sculture e grafica Arte moderna e contemporanea

www.farsettiarte.it

Bruno Ceccobelli, Visto in molti, 2012 collage e acrilici su legno, cm 64x53

Dario Brevi, Albero della pace (ho ancora un sogno), 2014, acrilici su mdf, cm 97x70

Gola&Teso Ich bin ein berliner, 2014 stucchi minerali, resine, acrilici, spray su cotone e tela, cm 80x70

the Robert F. Kennedy Center for Justice and Human Rights Europe, expresses his appreciation writing: “ the exhibition offers a significant incentive to reflect on the actual value of the positions that have been taken in that time in order to create a more fair society, comprehensive and solidal, but also on the conditions

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Vittorio Messina, Primo Fondamento,2014, gouache su carta, cm 80x55

Franco Fontana, Senza amore non c’è vita, 1984, stampa fine art, ed. 9 su 25, cm 40x60

of those who, all over the world, see their rights trampled on. [...] We are all responsible to do our part”.

50 are the artists who, for the 50 years from when the Nobel Prize was bestowed to activist for Civil Rights Martin Luther King, participate in this initiative donating an artwork.

From Lucio Del Pezzo and Bruno Ceccobelli to Vittorio Messina and Pablo Echaurren, from Franco Fontana to Matteo Basilè, from Chiara Dynys to Betty Bee, from Umberto Mariani to Paolo Baratella, from Marcello Reboani to Ernesto Tatafiore, from Marco Veronese to Marco Nereo Rotelli, from Pietro Iori to Arash

Davide Benati, Grande mattino, 2009, acquerelli su carta intelata, cm 120x95

Radpour, from the street artists Gola & Teso to Michael Gambino and the Augmented Reality by the young Aidan, all these artists will contribute with their art, to collect funds to help the initiatives of the Robert F. Kennedy Center for Justice and Human Rights Europe.

Sito:

www.vecchiatoarte.it..

...E-mail:

info@vecchiatoarte.it..

PERFORMANCE

The “dots” by Omar Hassan I “pallini” di Omar Hassan di / by S.P.

I “pallini” di Omar Hassan, artista 27enne che crea attraverso gli spruzzi di forma circolare della bomboletta spray, sono in mostra alla ContiniArtUk di Londra. La moltitudine di pallini di colore che cola è la cifra pittorica distintiva che ha già portato Hassan ad essere inserito nel celebre catalogo sulla Street art londinese insieme ai grandi Banksy, Obey, Roa, Space invader e Swoon. Un segno identitario che l'artista ripropone nelle nuove suggestive installazioni di arte pubblica: panchine che posiziona nel mezzo di paesaggi naturali da contemplare, viatici per il “dolce far

niente”, per spezzare i ritmi serrati della quotidianità frenetica. La prima panchina è stata inaugurata lo scorso luglio a Montesegale, sull'Oltrepò Pavese. “Ne immagino altre sparse per l'Italia nei luoghi strategici di godimento della Bellezza e anche nelle grandi città europee” dice Hassan che dal 19 settembre sarà al Mar di Ravenna con altri artisti in una mostra che ruota attorno all'estetica del mosaico rivisitato in chiave contemporanea.

Omar Hassan il dolce far nulla

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Omar Hassan il dolce far nulla

A SINISTRA Omar Hassan Ottavio Tazzi mixed media cm 25 x17

The “dots” by Omar Hassan, 27 years old artist who creates his artworks using the spray and its circular spurts, are exhibited at the ContiniArtUk gallery in London.

The myriad of dots of color that trickle are the distinctive technique used

Omar Hassan W.ater C.olors mixed media cm 50x50

by the artist for his new, striking installations of public art: benches in the middle of natural landscapes to be contemplate.

The first exhibition was inaugurated last July.

Hassan, who is planning to have

other exhibitions all over Italy, from September 19th will be at Mar di Ravenna, together with other Artists, for an art show that analyzes the aesthetic of mosaic with a contemporary eye.

Omar Hassan glove save the queen 25x17 cm mixed media

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MOSTRE ED EVENTI EXHIBITIONS AND EVENTS

a cura della redazione by the editorial staff Il grande baritono Renato Bruson, considerato dalla critica musicale fra i più importanti cantanti della storia del melodramma, ha ottenuto uno dei suoi primi successi al Teatro Regio di Parma con la “Forza del destino” di Verdi. Parma gli conferì poi la cittadinanza onoraria nel 1985.

Bruson e sua moglie Tita hanno ora deciso di donare settanta opere della loro collezione d’arte alla Fondazione Cariparma, affinchè possano essere destinate a una esposizione permanente.

Un gran gesto a beneficio degli amanti dell’arte, anche perché la collezione è costituita da firme importanti, quali Boldini, Michetti, Segantini, Silvestro Lega, Telecamo Signorini e vari vedutisti veneti: i fratelli Guglielmo e Beppe Ciardi, Fragiacomo, Italico Brass e Ettore Tito.

I negozi Olivetti sono diventati famosi anche perché nel 1962 hanno ospitato le prime mostre che hanno fatto conoscere l’arte cinetica in Italia, A Venezia il negozio di Piazza San Marco, progettato per Adriano Olivetti dall’architetto Carlo Scarpa, è considerato un’autentica opera d’arte.

La delegazione di Venezia del FAI, Fondo Ambiente Italiano, con l’intento di far conoscere questo spazio al grande pubblico, vi ha allestito la mostra “ Dialogo tra le arti. Dialogo tra artisti”, con l’esposizione di opere dei tre artisti che collaborarono alla realizzazione del negozio,vale a dire lo stesso Carlo Scarpa, Mario Deluigi e Alberto Viani.

Sino al 23 novembre.

Per visitare la mostra bisogna oltrepassare un ready made, nel caso una porta rossa.

Un allestimento che sarebbe piaciuto a Michail Roginsky, considerato il “ padre della pop-art russa”.

La mostra, nello spazio espositivo dell’università veneziana di Ca’ Foscari, ripercorre l’itinerario di Roginsky, che abbandonò la Russia per Parigi per poter meglio attuare il suo desiderio di libertà artistica.

Come dipingere sulle tele dalla parte 152

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La bellezza se ne va, quello che resta sono le scelte sbagliate.

When beauty fades all that's left are bad decisions Cristian Contini Il comune di Noto rende ora omaggio al maestro con una bella mostra curata da Vincenzo Medica e allestita, sino al 30 agosto, a Palazzo Trigona.

del telaio figure umane ridotte a fantocci e circondate da frasi apparentemente prive di senso.

E in molte opere è rappresentata, in modo assai originale, la vita quotidiana della Mosca sovietica e post sovietica. Sino al 28 settembre.

14. BIENNALE ARCHITETTURA: UNO SCORCIO DEL PADIGLIONE DI MACAO.

PADOVA: UNA SCULTURA DI THON (FAUSTO TONELLO).

Sei scultori a Padova per la nuova piazza Eremitani. L’amministrazione comunale patavina intende rivalutare e valorizzare una delle più belle zone della città, sull’asse che connette la parte moderna a quella museale. Cosa di meglio che ricorrere all’arte? A sei noti pittori e scultori è stato così chiesto di interpretare lo splendido spazio della piazza con le loro opere.

Vi espongono, sino al 24 settembre, Elio Armano, Alberto Biasi, Antonio Ievolella, Angelo Rinaldi, Mauro Staccioli e Thon ( Fausto Tonello ).

Un evento Van Gogh in arrivo a Milano. Con opere provenienti da vari musei la mostra “ Van Gogh. L’uomo e la terra” approfondirà, attraverso gli occhi e il pennello dell’artista, il complesso rapporto tra l’essere umano e la natura che lo circonda.

Promossa dal Comune di Milano e organizzata da Arthemisia Group e 24 Ore Cultura- Gruppo 24 Ore, la mostra si porrà a corollario culturale del tema di Expo 2015- Nutrire il pianeta.

A Palazzo Reale, dal 18 ottobre all’8 marzo 2015.

A Venezia molti degli Eventi collaterali della Biennale Architettura sono organizzati, così come per la Biennale Arti Visive, da Art Communications, diretta da Paolo De Grandis.

Un buon successo stanno ottenendo il Padiglione di Hong Kong e, sempre in Campo della Tana, di fronte all’ingresso delle Corderie, all’Arsenale, il Padiglione “ Happiness Forecourt” (Piazzale della Felicità), organizzato dall’Ufficio degli Affari Culturali e dell’Associazione degli Architetti di Macao. La mostra è focalizzata sull’unità di Macao ( ex Protettorato portoghese tornato alla Cina), nella sua esperienza di ibridazione culturale e di combinazione tra Oriente e Occidente.

Sino al 23 novembre.

Sempre a Noto, nella sede di Photology, in via Nicolaci, ci sarà sino al 31 agosto un omaggio alla “ Gioconda”, il più famoso quadro della storia dell’arte mondiale. Nove artisti italiani e stranieri hanno reinterpretato l’enigmatico personaggio immortalato da Leonardo con tecniche e approcci concettuali tra i più diversi. La mostra, dal titolo “ Monna Lisa Smile” ha come partner etico la Fondazione Ant Italia Onlus, associazione no profit per l’assistenza socio-sanitaria oncologica domiciliare gratuita.

Identity - Penzo+Fiore & Michele Tombolini 29 ottobre - 9 novembre 2014 Emerson Gallery Schiffbauerdamm 19, Berlin Opening 29 ottobre ore 19.00 Progetto di Cantiere Corpo Luogo L'identità come ricerca, non come dato stabile e incontrovertibile. Ricerca di una costante riconoscibilità data dall'emersione della personale ridondanza per Tombolini, osservazione dell'altro da se' nel gioco degli incontri casuali e nello sguardo interno dell'altro nel duo Penzo+Fiore.

NOTO: OMAGGIO ALLA GIOCONDA

A Noto (Siracusa), una delle capitali del barocco , dichiarata Patrimonio dell’Umanità dall’Unesco, in una casa costruita a strapiombo su una parete rocciosa vive un simpatico artista d’altri tempi, Carlo La Licata.

Nato a Noto nel 1944, ama definirsi pittore contadino e un “chiarista”, perché dipinge nature morte, paesaggi, ritratti con colori in prevalenza chiari, quasi lattiginosi.

DARIO DALL'OLIO ESPONE ALL'HOTEL ANCORA UNA MOSTRA DEDICATA ALLA "COPPA D'ORO DELLE DOLOMITI".

Il 23 settembre al museo Cà dei Carraresi di Treviso si inaugura la mostra del poliedrico artista Arturo Calce.

CORTINA ESTATE FA 250 In crescendo eccezionale, sia per qualità, sia per quantità, le iniziative fra letteratura, arte, musica, cinema, poesia, giornalismo, storia, enogastronomia, tecnologia, sport, escursionismo e avventura, previste per questa estate nella Regina delle Dolomiti.

Un programma fittissimo, ben 32 manifestazioni con oltre 250 appuntamenti, che è stato presentato con successo alla Galleria Alberto Sordi di Roma.

Impossibile citare tutto, facilissimo dimenticare qualcosa, e ce ne scusiamo in anticipo con i promotori.

In memoria dei caduti della Grande Guerra, in occasione del centenario, vogliamo ricordare in primis le iniziative di Cortina Heritage, per la visita alle trincee e ai fortini recuperati dopo anni di lavoro nell’area 5 Torri, Lagazuoi e Sass de Stria, che fanno della conca ampezzana il più esteso museo di guerra all’aperto.

Fra le manifestazioni dedicate a dibattiti e presentazioni di libri, di grande interesse la rinnovata stagione culturale al centro congressi dell’hotel Savoia, proposto come sempre dal suo patron Santino Galbiati.

Al Palazzo delle Poste, all’Alexander Girardi Hall e in altre sedi, è in corso la X edizione di Una montagna di libri, con l’intervento di autori di notorietà nazionale e internazionale.

Prosegue la collaborazione con la Rai, che intervisterà gli autori nella rubrica culturale di grande successo “Fahrenheit”, in onda tutti i pomerig-

Cortina, 5 Torri, Museo della Grande Guerra. Photobandion

Santino Galbiati, promotore dell'estate culturale all'hotel Savoia

CORTINA ESTATE MAKES 250 by the editorial staff

This summer, the Queen of Dolomites offers an incredible crescendo, in quality and quantity, of initiatives: literature, art, music, cinema, poetry, journalism, history, wine and food, technology, sport, hiking and adventure.

A very busy program, 32 events, with 250 appointments, which was presented successfully at the Galleria Alberto Sordi in Rome.

It is impossible to name everything and easy to forget something: we want to pre-apologize with the promoters.

First of all, standing the centenary of the World War I, we want to remember the initiatives of Cortina Heritage, with the tours to the foxholes and pillbox restored after years of efforts in the areas of 5 Torri, Lagazuoi and Sass de Stria, places that makes 154

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gi, dal lunedì al venerdì.

Ulteriore salto di qualità anche per il Festival e Accademia Dino Ciani, all’insegna della grande musica.

L’appuntamento più atteso è il concerto che il 9 agosto terrà a Cortina Stefano Bollani.

Per gli appassionati della montagna nuova edizione della rassegna Cortina in Croda (che si interrogherà su “Quale futuro hanno l’alpinismo e l’arrampicata in Dolomiti?”), mentre un’estate di pura adrenalina viene promessa con i “ Tour delle emozioni” del Dolomiti Supersummer, la speciale card, versione estiva del Dolomiti Superski, che consente l’utilizzo degli impianti di risalita nelle 12 valli della regione dolomitica tra le province di Bolzano, Belluno e Trento.

Per l’arte, oltre alle molte gallerie di prestigio che hanno sede a Cortina, il Museo Rimoldi delle Regole d’Ampezzo presenterà, il 21 agosto, il nuovo

of the Ampezzo’s hollow the largest outdoor museum on war.

Among the events dedicated to public debates and book launches, very interesting is the renewed cultural season at the Congress Center of the Hotel Savoia, as usual promoted by its patron Santino Galbiati.

The Palazzo delle Poste (post office building), the Alexander Girardi Hall and other locations are hosting the 10th edition of Una montagna di libri (a mountain of books), starring authors nationally and internationally well known.

The collaboration with RAI (the Italian public television) goes on: the authors will be interviewed by the successful cultural column “Fahrenheit”, on air every afternoon from Monday to Friday.

The Festival e Accademia Dino Ciani is also making a big head jump, presenting great music.

The most expected appointment is the concert that will be performed in Cortina on August 9th by Stefano Bollani.

For the fanatics of mountain, a new edition of Cortina in Croda (that will discuss about what future is possible for alpinism and climbing in the Dolomites).

A summer of pure adrenaline is instead promised with “I tour delle emozioni” (tours of excitements) promoted by Dolomiti Super Summer, a special card, summer version of the Dolomiti Superski, that allows to use the ski lifts in the 12 valleys of the Dolomites included in the provinces of Bolzano, Belluno, Trento.

About art, aside the many prestigious galleries located in Cortina, the Museo Rimoldi delle Regole d’Ampezzo will present, on August 21st, the new catalogue of the art gallery, publisher Marsilio.

catalogo della pinacoteca, edito da Marsilio.

In nuovi spazi del museo è allestita una mostra di fotografi dell’Agenzia Magnum.

All’Alexander Girardi Hall sino al 7 settembre è allestita la mostra “ Ladies for Human Rights”, che il pittore romano Marcello Reboani dedica a ritratti di donne che si sono impegnate nella difesa dei diritti umani in tutto il mondo. Emblema della mostra il ritratto della giovanissima Malala, ferita in un attentato da talebani pakistani Imperdibile anche la tradizionale, spettacolare Festa delle Bande, giunta alla 38° edizione, in programma dal 24 al 31 agosto.

I programmi completi delle manifestazioni sono consultabili nella sede del Consorzio di promozione turistica Cortina Turismo e all’Ufficio Turismo.

L'attivista pakistana Malala Yousafzai, vista da Marcello Reboani

An exhibition on new photographers of the Agenzia Magnum (Magnum agency) is hosted in new spaces of the museum.

The Alexander Girardi Hall will host until September 7th the exhibition “Ladies for Human Rights”, that the roman painter Marcello Reboani dedicates to portraits of women who fought for defending the human rights in any part of the world.

Symbol of the exhibition, the portrait of a very young Malala, wounded during a taliban attack in Pakistan.

Guaranteed is the traditional, spectacular Festa delle Bande (Bands’ party) now at its 38th edition, lasting from August 24th to 31st.

The full program of the events is visible at the Consorzio di promozione turistica Cortina (association for promoting tourism in Cortina) and at the Ufficio Turismo (Cortina’s tourism office).

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