iCandela 27

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Antoni Arola design for Fluvia

Loop invites you to create inspiring spaces of shapes and light.

Frankfurt am Main 18-23.3.2018 Hall 1.2/C-50 PROTAGONISTA RCR “La luz, como la música, no solo tiene su melodía, sino su silencio”

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Loop REPORTAJE Hotel Sofía. La reforma radical de un histórico hotel de Barcelona

URBA CaixaForum Barcelona: Redescubrir la arquitectura con luz

ILUMINACIÓN / ARQUITECTURA / INTERIORISMO

027 ILUMINACIÓN ARQUITECTURA INTERIORISMO

CONTENTS IN ENGLISH

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ILUMINACIÓN DELTA LIGHT ESPAÑA, S.A. C/PONT DE CAN CLAVERÍ, 58, P.I. “LA LLANA” 09191-RUBÍ (BARCELONA) TEL / 93.586.19.00 · FAX / 93.697.95.00 marketing@deltalight.es www.deltalight.es



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Sumario

SUMARIO

4 Sumario

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44 Protagonista RCR

6 Editorial 8 Apuntes El paso de la Reina 12 Aula CD Comparación técnica y perceptiva de la iluminación de una obra pictórica con luz led y luz halógena 20 Nuevos talentos Nuevas formas de comunicar diseño

54 Protagonista Maurici Ginés 64 ¡A escena! Carmina Burana 68 Urba CaixaForum Barcelona: Descubrir la arquitectura con luz 77 Contents in English

22 Apuntes 57 edición del Salone del Mobile de Milán 26 Reportaje Zeitz MOCAA 34 Reportaje Hotel Sofía 40 Apuntes De lo espiritual en el arte a través de la iluminación LED 42 Apuntes Catamarán

Créditos

Edita Mag Ediciones Sl Editora Mercedes Arroyo Redacción Bea García Publicidad icandela@icandela.com T. +34 629 25 42 17 Diseño gráfico y maquetación Titular Studio Autor de ilustración de la portada: Titular Studio Han colaborado en este número Adrián Muros, Víctor Jordà, Annabel Saavedra y Ada Bonadei (VANCRAM). Consejo de Redacción de icandela e icandela.com Joaquim Adell, Alberto Barberá, Jordi Ballesta, Cristina Camps, Marià Vallès, Miquel Ángel Julià, Ángel Martínez, Gustavo Avilés, Lighteam, Roger L. Valcells, Álvaro Valdecantos y Adrián Muros. Asesor en arquitectura Ángel Martínez Impresión Arts Gràfiques Cevagraf D.L. B-20405-2011

Redacción y administración Icandela Carrer Molí d’en Bisbe, 13 Foinvasa 08110 Montcada i Reixac (Barcelona) T. +34 93 417 30 90 / +34 629 25 42 17 F. 93 417 13 99 www.icandela.com icandela@icandela.com redaccion@icandela.com Revista Icandela ISSN 2339-9503 Portal web Icandela.com ISSN 2339-9511

El editor no se identifica necesariamente con el criterio de los artículos publicados, siendo los autores responsables. Todos los derechos de esta publicación están reservados. Queda prohibida la reproducción de cualquier parte de la misma, en cualquier soporte aun citando la procedencia.


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EDITORIAL

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Editorial

La luz como espectáculo urbano Light as urban spectacle

Se acaba de celebrar en Barcelona la séptima edición del Festival de luz Llum BCN , que este año ha cambiado su ubicación habitual en los barrios del Gótic, Born y algunos otros lugares del centro de la ciudad para emplazarse en Poblenou, una zona de pasado industrial y la clara vocación de convertirse en el nuevo distrito tecnológico de la ciudad, donde actualmente se concentran estudios de profesionales, artistas y jóvenes talentos vinculados al mundo del diseño. Otro punto a favor de este nuevo emplazamiento, al que Llum BCN ha llegado para quedarse, según sus organizadores, es que se ha podido duplicar el número de instalaciones y propuestas, y que cuenta con unas posibilidades de crecimiento que la anterior ubicación no podía ofrecer. Reconocidos artistas tanto nacionales como internacionales, lighting designers, estudiantes de arquitectura, iluminación, arte y diseño de las escuelas de la ciudad han creado durante tres noches un espectáculo de luz que han podido visitar unas 170.000 personas aproximadamente. Que la luz, al menos como espectáculo, interesa a los ciudadanos de todas las partes del mundo es una realidad. Lo demuestran los muchos y exitosos festivales que se celebran alrededor del mundo sobre este tema: Sidney, Kobe, Amsterdam, Kuwana, Lyon, Helsinki, Ciudad de México, Londres y algunas ciudades más organizan anualmente festivales en los que la luz inunda por un periodo más o menos corto de tiempo espacios urbanos, edificios, interiores, y monumentos emblemáticos. En ese periodo, y dependiendo del lugar donde se celebre el festival, se concentran en algunos casos millones de personas para disfrutar del espectáculo de luz. Quizá se debería aprovechar la ocasión también para dedicar algunos espacios donde se diera pie a reflexionar sobre la luz y la arquitectura de las ciudades donde se celebran. Hablando de arquitectura, en esta edición nos sentimos orgullosos de tener como Protagonista(s) a RCR, un estudio de arquitectos que, además de haber sido premiado en 2017 con el prestigioso Premio Pritzker, no dudan en aconsejar a un joven que quiera dedicarse al diseño de iluminación “que se emocione cuando el rocío es bañado por la primera luz de la mañana”. En cuanto a luz… ¡Nos vemos en la Luminale en Frankfurt!

Mercedes Arroyo Editora

The seventh edition of the Light Festival Llum BCN, has just been held in Barcelona. This year it changed its usual location at the neighborhoods of Gótic, Born and other downtown locations, to settle in Poblenou, an area with an industrial past and heading towards becoming the new technological district of the city. Today, it concentrates studios of professionals, artists and young talent linked to the world of design. Another plus about this new location is that it doubled de number of installations and proposals; there also is room to grow which was lacking in the previous location. According to its organizers, Llum BCN has come to stay at this new location. Renowned artists, national as well as international; lighting designers; students of architecture, lighting, art and design, from schools all around the city have created for three nights a spectacle of light visited by more than 170,000 people approximately. That light, at least as a spectacle, captures the interest of people from all over the world, is a fact. There are many successful festivals, celebrated all over the world that attest it: Sidney, Kobe, Amsterdam, Kuwana, Lyon, Helsinki, Mexico City, London and many more. They all celebrate annual festivals in which, for a few days, light floods the urban spaces, buildings, interiors and emblematic monuments. On these days, depending on the location of the festival, millions of people gather to enjoy the spectacle of light. Perhaps we should take advantage of such occasions to create a space where we could reflect about the lighting and architecture of the cities where the festival is happening. Speaking of architecture, on this edition we feel proud of having RCR as main character, ‘Protagonista’. This architecture studio, presented with the prestigious Pritzer Award, has no doubts about the advice they would give to a young student eager to undertake lighting design: “be moved by the dawn’s early light shining on the morning dew”. As for light… We’ll see you at Luminale in Frankfurt!


SAKMA Make it shine

Copyright © SAKMA Electrónica industrial SAU. Barcelona 2018. All rights reserved. Registered trademark. www.sakma.com


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APUNTES

Apuntes El paso de la Reina Un viaje del sol a través del espacio ¿Puede una instalación arquitectónica crear efectos similares a los que se alcanza con el uso de fuentes de luz eléctrica? El Paso de la Reina es una instalación arquitectónica donde la energía solar obra efectos mágicos en el ojo del espectador. “Busco crear efectos que por lo general pensamos que solo pueden ser alcanzados con el uso de fuentes de luz eléctrica, cuestionándome acerca del uso de la tecnología en el arte y la arquitectura”

Fotografías: Mónica Vega

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EL PASO DE LA REINA

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APUNTES

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“Somos objeto y sujeto. Superficies y observadores”. Así define la mexicana Mónica Vega su instalación arquitectónico-lumínica El Paso de la Reina (homónima del lugar para el que fue creada), que fue expuesta en el Palacio de la Autonomía de Ciudad de México en 2017 y emplea únicamente la luz solar. Mónica trabaja con la luz natural y se concentra en la reacción de la luz al entrar en contacto con la superficie de los objetos, que resulta en la transformación del espacio percibido, color, luz y oscuridad. De esa forma, en El Paso de la Reina el acceso a los rayos directos del sol es bloqueado parcialmente. La superficie con la que choca hace que las ondas que componen la luz sean absorbidas o reflejadas y esta relación absorción-reflexión define el color que aprecia el espectador. “Busco crear efectos que por lo general pensamos que solo pueden ser alcanzados con el uso de fuentes de luz eléctrica, cuestionándome acerca del uso de la tecnología en el arte y la arquitectura”, resume la artista.


18. – 23. 3. 2018 Frankfurt am Main

“Somos objeto y sujeto. Superficies y observadores”

Feria Líder Mundial de Iluminación y Tecnología para Edificación

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AULA CD

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Aula cd Comparación técnica y perceptiva de la iluminación de una obra pictórica con luz led y luz halógena

Texto: Nataly Lucía Revelo Morales Texto introducción: Adrián Muros Alcojor

La fuerte irrupción del Led en todos los campos de la iluminación artificial ha abierto diferentes debates sobre temas tan diversos como ahorro energético, calidad lumínica y salud entre otros. La mayoría de los museos de arte, muy exigentes con la calidad de iluminación artificial, han ido sustituyendo sus instalaciones antiguas de lámparas de incandescencia halógenas y fluorescentes de alta cualidad a las nuevas lámparas de LED. En este sentido la gran pregunta que los iluminadores de museos nos hacemos es si la percepción visual de las obras mantiene sus cualidades o existe alguna diferencia que pueda interferir en la interpretación o compresión de la obra de arte por parte del observador; especialmente en las obras pictóricas. No siempre es fácil determinar los aspectos cuantitativos i científicamente analizables que influyen en una “sensación” perceptiva. Este trabajo de Final de Máster de la UPC, de la arquitecta Nataly Revelo indaga en buscar posibles relaciones entre parámetros y sensaciones perceptivas en el caso de la iluminación de un cuadro concreto con un lámpara halógena y lámpara Led.


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COMPARACIÓN TÉCNICA Y PERCEPTIVA DE LA ILUMINACIÓN DE UNA OBRA PICTÓRICA CON LUZ LED Y LUZ HALÓGENA

INTRODUCCIÓN La luz es un lenguaje que condiciona todo lo que se percibe visualmente. No es solamente una magnitud física y técnica, sino que es una forma de comunicación a nivel perceptivo y sensorial. Por definición, la luz es la energía electromagnética correspondiente al espectro visible, que permite que todo alrededor pueda ser percibido a través del órgano de la vista. Si bien, aunque la luz como energía es una sola, existen diferentes fuentes de emisión lumínica, cada una con sus cualidades y particularidades, que han definido su uso en la actualidad. En este contexto, una de las fuentes de luz tradicionales más utilizadas ha sido la Halógena Incandescente, empleada prácticamente en todos los ámbitos debido a sus características lumínicas y cromáticas. Sin embargo, en los últimos años ha surgido una de las mayores innovaciones en iluminación, la luz Led, la cual ha presentado atributos muy importantes en cuanto a eficiencia energética, potencia y vida útil, significando un gran avance tecnológico en este campo. No obstante, en los dos casos ha quedado pendiente un estudio técnico-perceptivo de la influencia de la luz sobre el individuo. En cuanto a la Arquitectura y el Arte, la luz actúa como un elemento no solo funcional, sino como el componente armónico del espacio o del objeto iluminado que va a ser percibido por el observador. Al existir la relación entre luz-objeto-individuo, interviene este factor de gran importancia que es la percepción. Se busca que la luz permita receptar la imagen lo más fiel a la realidad y sin ningún tipo de distorsión, por lo que es necesario determinar cuál es la fuente más adecuada para que el observador tenga una mejor apreciación. Al estudiar la iluminación en museos se debe considerar que son las obras de arte las que dan sentido a la existencia de este espacio. En este caso, la luz proyectada sobre las piezas atiende a una iluminación puntual o de acento, por lo que el enfoque de la investigación se direcciona en el estudio de la luz y su influencia en la percepción de una obra, determinada por una pintura en óleo. Por otro lado, un aspecto importante que se toma en cuenta es el cambio en la iluminación tradicional de los museos, con la sustitución de las lámparas Halógenas por Led. Partiendo de estas condiciones, surge la interrogante acerca de qué tipo de luz resulta mejor para la apreciación de una obra y cómo influye en la percepción visual. Con estos antecedentes y este cuestionamiento, el artículo presenta la investigación sobre la relación técnica y perceptiva de la Iluminación con luz Led y luz Halógena, mediante el estudio de sus parámetros cromáticos y lumínicos, y la correspondencia que ellos pueden tener en la percepción visual de una obra de arte. A través de este trabajo, se busca dar

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un aporte en el uso de las fuentes de luz, considerando la repercusión que tienen sobre la percepción de obras pictóricas. HIPÓTESIS Y OBJETIVOS Tomando en cuenta que la luz influye en la percepción visual de una obra, se plantea que existe una relación técnica – perceptiva entre cada fuente de luz, sugiriendo que es la Luz Led la que genera una mejor percepción visual sobre las pinturas. A partir de esta hipótesis, se plantea como objetivo principal: - Determinar la fuente de luz que ofrece una mejor apreciación de una pintura, de acuerdo a sus parámetros técnicos y a la percepción visual del observador. Como parte de los objetivos específicos, se establece: - Analizar y contrastar las características que tiene la luz Led y la luz Halógena en la iluminación de obras de arte - Evaluar la relación que existe entre los parámetros técnicos y la percepción visual de las dos fuentes de luz. - Reconocer cómo afecta el tipo de luz utilizada para iluminar una obra en la percepción visual del observador. METODOLOGÍA El trabajo de investigación se presenta como un estudio comparativo, técnico y perceptivo, desarrollado inicialmente con la identificación de la problemática con respecto a la influencia de la fuente de luz en la percepción de una pintura al óleo. Se establece el estado del arte en el que se analizan los antecedentes, fundamentos y referentes relacionados con el uso de luz halógena, Led, iluminación de obras y percepción visual. Posteriormente, se realiza la experimentación para verificar la hipótesis planteada. De acuerdo a las bases teóricas analizadas en el estado del arte, se establece el estudio experimental en dos fases: técnica y perceptiva. Fase Técnica La parte técnica consiste en la toma de mediciones de los parámetros de la luz Led y la luz Halógena, considerando para el estudio, la temperatura de color, la iluminancia, la irradiancia y la luminancia. La investigación se centra en estas características lumínicas y cromáticas, ya que a través de ellas se pueden establecer las diferencias técnicas entre las dos fuentes de luz y la repercusión de cada una en la percepción de la obra iluminada. Para que exista una comparación equilibrada era necesario contar con el mismo nivel de iluminación o iluminancia al utilizar los dos tipos de luces, con el fin de valorar la calidad


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AULA CD

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Gráfico 1. Pintura en óleo para la experimentación.

de la luz, sin que ésta dependa del flujo luminoso o de aumentar el nivel de iluminación. Al obtener la misma cantidad de luz sobre la superficie con las dos fuentes, la percepción iba a poder ser evaluada bajo las mismas condiciones. De igual forma, la apariencia de la luz debía corresponder entre las dos fuentes, utilizando para ello lámparas con una temperatura de color de 3000K, valor recomendado para una correcta reproducción cromática. Con respecto a la luminancia y la irradiancia, los valores obtenidos de estos parámetros se relacionan con el nivel de iluminación, la energía, el brillo y los colores sobre el cuadro. Al medir la luminancia se está registrando la luz que rebota y que el observador percibe, que además, tiene correspondencia con las longitudes de onda y por lo tanto con la reproducción de los colores sobre la pintura. Mientras que, al medir la irradiancia se obtiene la energía que llega a la obra. En sí, las mediciones sobre la pintura iluminada permiten realizar la comparación técnica entre los parámetros y determinar el comportamiento de cada tipo de luz. Fase Perceptiva Con respecto a la segunda fase, se enfoca en el estudio perceptivo a través de un método cuantitativo – experimental en el que se hace uso de una encuesta. La evaluación consiste en la relación entre los parámetros técnicos y la percepción visual que se tiene de la obra de arte iluminada con luz Led y Halógena. De esta manera, se va a poder interpretar la influencia de la luz en la uniformidad, contraste, deslumbramiento y percepción general de la obra. En general, con la relación entre los datos cuantitativos y la percepción cualitativa, se busca valorar la influencia de la luz Led y Halógena sobre una obra pictórica, con el fin de conocer cuál es más útil en su apreciación, considerando los parámetros técnicos que intervienen sobre ella. OBRA Y LUMINARIAS El cuadro para la experimentación es una pintura al óleo de 40 x 60 cm. Se consideró esta obra para la realización de las pruebas debido a la posibilidad de contar con el cuadro físicamente, así como también, por sus características cromáticas, con colores cálidos y fríos que eran necesarios para la investigación. La pintura presenta contrastes de color, zonas más claras y más obscuras, en las cuales se va a poder notar la influencia de la luz en la percepción de la obra (Gráfico 1). Con respecto a las luminarias, se contó con proyectores comúnmente utilizados en museos, con el fin de que la experimentación presente datos sobre un escenario real. Para luz Halógena se hizo uso de un

proyector tipo Shuttle de Iguzzini y una lámpara bipin de marca Clar, que presentaba flujo luminoso de 2000 lm, eficacia de 12 lm/W, IRC de 100, potencia de 100 W y voltaje de 24 V. En cuanto a luz Led, se utilizó un proyector tipo Optec Floodlight de Erco, con flujo luminoso de 1080 lm, eficacia de 72 lm/W, IRC mayor a 90, potencia de 15 W y voltaje de 220 V. En ambos casos, la temperatura de color era de 3000 K y su instalación se realizó mediante railes electrificados.

En cuanto a los proyectores, fueron instalados en los raíles electrificados hacia el lado izquierdo de la obra (Gráfico 2). Esta disposición tiene como objetivo minimizar la proyección de sombras por parte del observador y evitar el deslumbramiento a causa del reflejo de la luz sobre el objeto expuesto. Además, las luminarias estuvieron direccionadas hacia el tercio inferior de la pintura para que la distribución de la luz sea más uniforme.

Por otro lado, para la toma de datos de los parámetros técnicos fue necesario utilizar algunos instrumentos de medición, entre ellos el luxómetro para medir el nivel de iluminación (lux), el luminancímetro para luminancia (cd/m2) y el fotoradiómetro para irradiancia (W/m2).

Por último, se definió que la posición de los participantes sea frente al cuadro, a una distancia de 1.50 m. con el fin de que la iluminación se pueda percibir correctamente, evitando también, cualquier molestia en la observación. PROCEDIMIENTO

SITUACIÓN DE EXPERIMENTACIÓN El espacio en el cual se realizó la experimentación es el Taller de Estudios Lumínicos - TEL de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona de la UPC. Aquí, se pudo disponer de un área en cuyo fondo se encuentra un panel blanco de 3m. de altura, sobre el cual se ubicó el cuadro para la toma de datos y posterior encuesta perceptiva. El cuadro fue colocado a nivel de los ojos del observador, considerando una altura promedio de 1,60 m. al punto medio de la pintura, y centrándolo simétricamente en sentido horizontal.

Después del montaje del espacio de trabajo y la instalación de proyectores, se dio paso a la toma de mediciones con luz Halógena y Led de los parámetros lumínicos: iluminancia, luminancia e irradiancia. Se marcaron 25 puntos a través de una malla reticulada, para poder tomar los datos en toda el área de la pintura. Como primer requerimiento, la iluminancia debía estar bajo los 150 lux que es el valor permitido para óleos. Fue necesario regular la posición del proyector, la distancia al cuadro y el ángulo de proyección


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COMPARACIÓN TÉCNICA Y PERCEPTIVA DE LA ILUMINACIÓN DE UNA OBRA PICTÓRICA CON LUZ LED Y LUZ HALÓGENA

de cada una de las fuentes, sin que la luz genere deslumbramiento al observador. Ya que el nivel de iluminación debía ser el mismo con Led y Halógena, se llegó a obtener en los dos casos un promedio de 108 lux. Así también, se midió la luminancia sobre el cuadro y el fondo con el fin de obtener la relación de contraste entre fondo y objeto. Se debe considerar que los valores de luminancia se relacionan con el nivel de brillo que se percibe en la obra y tienen una correspondencia con los colores de la pintura. Por último, se consideró la medición de irradiancia para obtener la cantidad de energía que llega a la obra, de manera que se podía conocer la influencia de la luz en la percepción de acuerdo al nivel de energía sobre la pintura. Con estos parámetros técnicos se consigue una caracterización de la luz Led y la Halógena de forma independiente, estableciendo una relación entre las propiedades de cada fuente lumínica. Después de este análisis, se da paso a la comparación técnica entre los parámetros de las dos fuentes para encontrar semejanzas o diferencias entre ellas. Por último, se establece la relación entre luz y percepción a través de la observación de la obra iluminada y el uso de la encuesta, interpretando si existe una correspondencia entre la parte técnica y perceptiva mediante los resultados obtenidos en las dos secciones de la experimentación. En consecuencia, lo que se valora es la influencia de estas magnitudes sobre el resultado visual de la pintura, relacionando cómo la luz que llega a la obra influye en cómo ésta se ve. Gráfico 2. Iluminación Luz Halógena.

ANÁLISIS TÉCNICO El presente análisis técnico se desarrolla por secciones del cuadro, relacionando las mediciones con cada franja de la pintura y con la diversidad cromática que ésta presenta. Con la comparación entre el cuadro iluminado con luz halógena y luz Led (Gráfico 3), se pueden relacionar los datos de las dos fuentes de luz y apreciar el comportamiento de cada una de ellas. En primer lugar, los valores de los parámetros con los dos tipos de lucen iban a ser decrecientes debido a la posición del proyector Led y Halógeno hacia el lado izquierdo del cuadro. En cuanto al contraste de luminancia entre fondo y objeto, se obtuvo una relación de 1:5 para luz Halógena y de 1:4 para luz Led, considerando que en ambos casos, el contraste presenta una relación equilibrada que no debería causar molestia al observador. Acerca de la iluminancia, se pudo obtener el mismo valor con las dos fuentes, con lo cual el nivel de iluminación no estaría interfiriendo en la percepción de la obra por una diferencia de luz recibida. De acuerdo a esto, la percepción va a depender de las características propias de cada fuente y no de la cantidad de luz sobre el cuadro. Como se mencionó anteriormente, la irradiancia y la luminancia dependen de la absorción de energía del material y del cromatismo del cuadro, considerando que si existen zonas con colores más claros, la luminancia va a ser más alta, mientras que si se trata de colores opacos ésta sería más baja. Irradiancia De acuerdo a los datos obtenidos, se verifica que llega más energía a la obra cuando se utiliza luz halógena (Gráfico 4). Esto está relacionado con la potencia Gráfico 2. Iluminación Luz Led.

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de la lámpara, que es mayor en fuentes halógenas que en Leds. Así también, la irradiancia presenta una tendencia a decrecer muy parecida a la iluminancia, considerando que el nivel de energía que llega al cuadro va a responder a la cantidad y la dirección de la luz proyectada. Aún con esta tendencia, el comportamiento de la irradiancia con Luz Led es mucho más uniforme en la iluminación general de la obra, tomando en cuenta que la pintura va a estar bien iluminada sin necesidad de un exceso de energía. Luminancia La luminancia muestra variabilidad en las dos fuentes de luz, presentando picos más elevados de brillo al utilizar Led (Gráfico 5). En sí, la tendencia no varía si hay más o menos luz, pues este parámetro está más relacionado con los colores que tiene la pintura, que con la iluminancia. Por otro lado, la luz Led resalta el brillo propio de la obra, distinguiendo la diferencia de tonalidades y luminosidad con mayor detalle y facilidad. Esto permite destacar la intensidad de los colores, sin necesidad de un aumento del nivel de iluminación. Relacionando además la luminancia con la irradiancia, se puede notar que aún con menos energía del Led en la obra, existe más intensidad de luz que si se utilizara la fuente halógena. Iluminancia La tendencia de la iluminancia es decreciente, lo que ocasiona que exista un nivel de iluminación mayor hacia el lado más cercano al proyector que hacia el otro extremo (Gráfico 6). Además, se observa que la iluminación obtenida con Led es más uniforme que con halógena, existiendo menor rango de diferencia de luz entre los puntos extremos de cada sección; por lo tanto la diferencia de iluminación es menos acentuada con Led. Se aprecia también que, independientemente de la cantidad de luz que llega, la luminancia sigue siendo mayor con el Led. En este caso, con menor emisión de energía y un nivel de iluminación similar a la luz halógena, el Led permite percibir una obra mucho más clara y más uniforme. ANÁLISIS PERCEPTIVO En esta fase, se realiza un análisis perceptivo cuando se utiliza luz Led y Halógena para iluminar una obra pictórica. La técnica de recolección de datos es la encuesta, para la cual se plantea un cuestionario cuantitativo – descriptivo en el que se relacionan los criterios de percepción con los datos obtenidos a nivel técnico. El objetivo es definir cuál sería el tipo de luz que ofrece una mejor percepción de la pintura. Las variables utilizadas para el estudio fueron: luz Halógena y Led como independiente, y percepción de la obra como dependiente. Entre los criterios perceptivos se tomó en cuenta el nivel de brillo, intensidad de colores, definición de formas y sombras, molestia en la observación y apreciación general de la pintura con cada fuente de luz.


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Gráfico 1. Pintura en óleo para la experimentación.

Gráfico 1. Pintura en óleo para la experimentación.

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COMPARACIÓN TÉCNICA Y PERCEPTIVA DE LA ILUMINACIÓN DE UNA OBRA PICTÓRICA CON LUZ LED Y LUZ HALÓGENA

Gráfico 1. Pintura en óleo para la experimentación.

Gráfico 1. Pintura en óleo para la experimentación.

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Con respecto a la muestra, se consideraron observadores de formación universitaria y que tengan conocimiento de arte y de luz, sin hacer diferencias por género ni nacionalidad. La edad de los participantes comprendía entre 25 y 35 años, centrándose en la percepción visual del observador independientemente de cualquier otro aspecto. Con esto, la muestra total de la investigación fue de 23 participantes, 16 mujeres y 7 hombres. En cuanto a la encuesta, ésta fue diseñada en tres secciones: preguntas luz A, preguntas luz B y preguntas comparativas entre luz A y luz B. En la sección de preguntas luz A, así como en la de luz B se planteó un cuestionario independiente para el cuadro iluminado con luz Halógena y con luz Led respectivamente. Los participantes de la encuesta no recibieron ninguna información sobre el tipo de luz utilizada, con el fin de que no influyan juicios previos que induzcan a ninguna respuesta. Los observadores pudieron evaluar qué tan bien ellos perciben los colores, las formas, las sombras, el brillo y la presencia de zonas opacas en el cuadro iluminado. Además, se cuestionó el confort visual, al preguntar si la iluminación del cuadro generaba alguna molestia en el observador. La valoración de las preguntas estaba evaluada en una escala de 5, que iba desde una apreciación muy alta, alta, normal, baja y muy baja, considerando puntos intermedios que no absoluticen ninguna respuesta. En la sección de preguntas comparativas entre luz A y luz B se utilizaron fotografías del cuadro iluminado con las dos fuentes de luz, pudiendo observar las dos imágenes al mismo tiempo. Se utilizó esta metodología con el fin de obtener una comparación visual más directa, al poder contrastar la percepción y preferencia de luz cuando se contemplan las fotografías juntas. Toda la encuesta fue realizada durante 10 minutos en grupos de hasta 5 personas, considerando 3 minutos para las preguntas con Luz A, 3 minutos para las preguntas con luz B y 4 minutos para las comparativas, con una transición de 15 segundos entre cada sección. Con esto, se obtuvieron resultados por observación del cuadro iluminado con cada fuente, y de selección y preferencia por comparación de las imágenes juntas.

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RESULTADOS

CONCLUSIONES

En base al estudio técnico de la investigación, se obtuvieron los siguientes resultados:

A nivel técnico, la luz Led es mucho más uniforme que la luz Halógena y los niveles de luminancia son más altos, independientemente del nivel de iluminación. En sí, la luminancia con Led permite resaltar el brillo propio de los colores de la obra, ya que a mayor luminancia va a existir mayor reflectancia de color.

- Con Luz Led se alcanza un nivel de iluminación mucho más uniforme que con luz halógena. - Al tener el mismo nivel de iluminación con las dos fuentes, los niveles de luminancia tienden a ser más altos al utilizar Led. - La irradiancia es mucho menor en valor y más uniforme con luz Led que con luz Halógena. - El contraste entre fondo y objeto con las dos luces mantiene una relación adecuada para no causar deslumbramiento ni molestia visual. Respecto a los resultados de la encuesta en la sección individual, observando el cuadro iluminado con cada fuente de luz, se llegó a que: - La mayoría de participantes tiene una mejor percepción de colores, formas y perfiles con luz Halógena que con luz Led. - En cuanto a las sombras pintadas, la luz Led tiende a generar una percepción de intensidad media-alta, mientras que la luz Halógena las hace ver con una intensidad media-baja. De acuerdo a esto, el Led está resaltando más la intensidad de los colores que la luz Halógena. - La mayoría de los observadores perciben el brillo con luz Halógena en un nivel entre normal y alto, mientras que con el Led se obtiene un nivel normal entre alto y bajo, con una distribución más uniforme. - Ninguna de las luces causa molestia en la observación, ni por falta de iluminación ni por deslumbramiento. Al realizar la comparación simultánea entre las imágenes iluminadas con luz Led y con luz Halógena respectivamente, se determinó que: - Con la luz Led se tiene una mejor apreciación de colores, de intensidad de tonalidades cálidas y frías y de definición de sombras. Así también, se prefiere este tipo de luz en los puntos críticos de mayor luminancia y en la apreciación general de la obra. Al realizar esta comparación directa y simultánea, son mucho más perceptibles las diferencias entre las imágenes, por lo que así se puede contrastar cómo se ve la obra con cada fuente. Considerando los datos técnicos que señalan que la luz Led es más uniforme y con luminancias más altas, esto repercute en que esta fuente de luz resalte más las formas, detalles y colores, que es lo que se percibe en esta parte de la experimentación.

En cuanto a percepción, los observadores prefieren luz Led cuando se comparan simultáneamente los dos tipos de iluminación, lo que está relacionado con los parámetros técnicos propios de este tipo de luz. Por el contrario, cuando se percibe la iluminación de manera independiente e individualizada, los participantes prefieren en su mayoría la luz halógena, lo cual sugiere que la costumbre del ser humano a observar con luz artificial halógena, le hace también tener la sensación de una mejor percepción con esta fuente. Al iluminar con Led, si bien existe una tendencia a una alta aceptación, aún las personas no están adaptadas completamente a este tipo de luz. Según las respuestas obtenidas, se considera que la luz Halógena genera una percepción desaturada de la imagen, mientras que el Led permite una observación más intensa y nítida. Esta diferencia se concluye tanto a nivel perceptivo cuando se observan las dos imágenes juntas, como a nivel técnico con el estudio de luminancias, estableciendo que aún con una emisión baja de energía y con la misma cantidad de luz que con halógena, se consigue una percepción más clara y nítida de la obra al utilizar luz Led. Respecto a la investigación, se puede considerar que para un futuro estudio se utilice una muestra más grande en la que intervengan personas con diferentes condiciones para ampliar los resultados. Así también, se pueden realizar pruebas con otro tipo de proyectores y lámparas que tengan diferentes parámetros, con lo cual se pueda conocer la influencia de la luz en la percepción, aumentando o modificando las variables de esta experimentación. Por otro lado, aunque el estudio se ha hecho con una obra en concreto, esta investigación podría ser extensiva a una clasificación de varios tipos de pinturas, que presenten además cromatismos y tamaños diferentes y que nos brinden mayor información en cuanto a percepción con luz Led y luz Halógena. Por último, se debe señalar que al haber realizado una investigación técnica y rigurosa en cuanto a iluminación de obras, se ha podido evaluar los parámetros lumínicos de cada fuente y el resultado visual que se obtiene con ellas, destacando que la percepción de la luz es un tema muy importante y necesario a seguir estudiando y analizando.


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NUEVOS TALENTOS

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Nuevos talentos Nuevas formas de comunicar diseño

Texto: Víctor Jordá Nicolás Capo Fotografías: hunica.org

La aparición de nuevas tecnologías no solamente nos ha aportado nuevas facilidades, sino que ha cambiado nuestra forma de pensar y de concebir el mundo. La intromisión de las redes sociales en nuestro día a día ha cambiado nuestra forma de vivir. Nuestros hogares y espacios de trabajo ya no son los mismos. Ahora podemos realizar actividades que antes eran impensables, como por ejemplo comprar y vender desde nuestros teléfonos o dar a conocer nuestras creaciones. En todo este proceso reside una palabra clave: comunicación. ¿Cómo afecta esto al diseño? ¿Se puede cambiar nuestra forma de comunicar arquitectura? En esta época de cambios, ¿por qué seguir usando los mismos lenguajes? Eso mismo fue lo que le preguntamos al arquitecto Nicolás Capo cuando decidió fundar su propio estudio, HUNICA.


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NUEVAS FORMAS DE COMUNICAR DISEÑO

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Redacción iCandela: Cuéntanos, ¿cuál es tu background? ¿Qué hiciste antes de fundar HUNICA? Nicolás Capo: Me matriculé en la Escuela de Arquitectura de Barcelona, donde desarrollé los estudios reglados de una manera bastante veloz. Ya en la carrera me interesé por disciplinas que en aquel momento eran novedosas, como el diseño paramétrico, mapeados 3D de ciudades, programar interactividades en Arduino o BIM, cuando todavía nadie hablaba de ellas. Los veranos los dedicaba a hacer prácticas en diferentes estudios. Un año fui a Alemania de prácticas y me acabé quedando casi dos años. Fue una época muy interesante para mi carrera. RiC: ¿Por qué decidiste fundar tu propio estudio? NC: Principalmente necesitaba un espacio donde poder investigar con las nuevas disciplinas que a mí me interesaban. Trabajando en otros despachos aprendes a ejercer la profesión de arquitecto y allí me di cuenta de cuántas cosas se podían mejorar en la práctica habitual de un despacho. Sonaba en el aire: Impresión 3D, Visual Mappings, Rendering en tiempo real… A mis jefes les encantaban mis ideas, pero nunca se decidieron a realizarlas, así que me lancé a hacerlo por mi cuenta. Volví a Barcelona y me instalé en un local familiar que tenía disponible. Todo empezó desde abajo, incluso de una forma precaria. Con lo ahorrado, compré un par de impresoras 3D y un ordenador potente de segunda mano por piezas a un gamer. Construí una mesa donde poder dibujar y conceptualizar todo lo que quería desarrollar. Y nació HUNICA. Teníamos la oportunidad de revolucionar la forma de comunicar el proyecto con el cliente o inversor, e incluso la forma de trabajar. Empezaron a llegar los clientes. Ahora ya nos hemos mudado un par de veces y hemos crecido tanto en equipo como en colaboradores. RiC: ¿Qué aspectos positivos aporta esta “revolución” de la comunicación en el diseño y la arquitectura? NC: Las nuevas herramientas no pisan a la tradición. Aunque a veces se pueda percibir así, yo pienso que la pantalla nunca sustituirá el tacto del papel. Las nuevas tecnologías nos brindan la posibilidad de trabajar con nuevos lenguajes imposibles de tratar hasta el momento. No son la solución, son el medio. El medio con el que podemos representar nuestras ideas. Enseñar cosas como el sonido, la luz, el movimiento, el tiempo, lo invisible… nos eran, si no imposible muy difícil mediante métodos tradicionales. Los ordenadores más potentes, los nuevos softwares, el internet de alta velocidad en cualquier dispositivo, no solo cambian nuestras vidas cotidianas, cambian el lenguaje proyectual de nuestro tiempo. RiC: ¿Qué ofrece HUNICA? NC: HUNICA surgió como espacio de investigación y desarrollo de soluciones mediante el uso de las nuevas tecnologías aplicadas al sector de la arquitectura y del

diseño. Entre otras herramientas, ofrecemos Relidad Virtual, Realidad Aumentada y Hologramas. Ahora estamos trabajando con nuevos sectores también. Nuestros clientes se convierten en un miembro más de nuestro equipo, comparten con nosotros su forma de trabajar. Nosotros les escuchamos y con ojo crítico analizamos cómo pueden sacar el máximo partido de sus proyectos, de sus productos o de sus ideas. Nos explican sus sueños y nosotros se los hacemos realidad. Nos encanta la sonrisa de felicidad que se les dibuja en la cara cuando ven real aquello que soñaban tener para su empresa. RiC: En tu estudio también diseñas algunas piezas propias. ¿Cómo concibes el proceso de diseño? NC: Cuando eres una persona creativa, lo eres con toda tu vida. Yo necesito dar salida a mi creatividad mediante otras disciplinas: pintar un cuadro, tocar un instrumento o diseñar un objeto. Como arquitecto me es más natural diseñar un mueble que componer una sinfonía. Diseño más objetos. En el proceso de diseño hago uso de las herramientas que me proporciona HUNICA, desde la conceptualización, el modelado virtual, la visualización, hasta la construcción real de los prototipos. Cualquiera es bienvenido a aprovechar el know-how y las herramientas que tenemos para sacar adelante un nuevo producto o proyecto. RiC: ¿Qué papel tiene para ti la iluminación en este proceso? NC: Tengo que ser sincero, un día un amigo lighting designer me introdujo al sector de la iluminación, y desde entonces no puedo huir. Como él dice, la luz te atrapa. Me encanta. Es un sector que tiene un potencial increíble. Se trata de una de las partes más tecnológicas dentro del proyecto de arquitectura. Y eso, evidentemente, a los innovadores nos chifla. Cuanto más trabajo con

luz, más me gusta. Los diseñadores pueden cambiar la sensación de un espacio en segundos, crear experiencias (H)únicas para el usuario. La industria debe seguirles el ritmo, sacando nuevos productos al mercado que den solución técnica a un producto cada vez más especializado y complejo. Si conseguimos sentar en la misma mesa a diseñadores e industria, tendremos unas soluciones nunca vistas. Desde mi estudio tenemos las herramientas necesarias para que ambos hablen el mismo idioma en la mesa de reuniones. RiC: ¿Cuáles son tus influencias en el mundo de la arquitectura y el diseño? NC: Por supuesto, como arquitectos tenemos unos referentes; como diseñadores, unos preferidos, y como lighting designers, unos que nos dejan boquiabiertos.Pero no me gusta hablar de influencias concretas, me esfuerzo por tener una mirada amplia de la realidad. Y cuando me intereso por un nuevo sector, me ayuda a generarme una idea del estándar e identificar así a los brillantes. Cada semana me sorprendo con un nuevo ídolo. Creo en el héroe anónimo, el genio desconocido. Analizando otros sectores, me di cuenta de que, por ejemplo, el automovilístico hace mucho tiempo que tiene dominada a la perfección la experiencia del usuario. El coche debe funcionar bien y estar bien resuelto técnicamente, pero hace falta algo más. Es ese toque especial el que acaba entusiasmando al cliente y generándole un deseo. Igual que sucede con una gran compañía que vendía ordenadores y ahora vende muchos móviles; principalmente, venden esa experiencia de usuario. Sus productos funcionan bien, pero explican mejor esa magia especial que hay tras ellos. En la arquitectura, el diseño y en la iluminación, el proyecto es bueno y la solución técnica también. Solo nos falta un pequeño toque para realizar la magia. Para generar deseo.


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APUNTES

Apuntes La 57 edición del Salone del Mobile de Milán lleva la naturaleza a las casas y el diseño a toda la ciudad

Fotografías: Salone del Mobile de Milán

Emoción, emprendimiento, calidad y cultura son algunas de las claves del primer manifiesto del Salone del Mobile de Milán, que abrirá sus puertas del próximo 17 al 22 de abril con dos retos muy claros: convertir la ciudad de Milán en el gran museo de la innovación y recuperar el contacto con la naturaleza.

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‘Living Nature. La Natura dell’Abitare es una instalación ubicada en la Piazza del Duomo que explora la relación entre la naturaleza y la vida urbana a través del control de la temperatura y la entrada de las estaciones del año en los hogares.

57 EDICIÓN DEL SALONE DEL MOBILE DE MILÁN

Una de sus principales novedades de las que podrán disfrutar los más de 300.000 visitantes que acuden cada año a su cita con la ciudad del diseño es ‘Living Nature. La Natura dell’Abitare, una espectacular instalación desarrollada junto a Carlo Ratti Associati (CRA) que explora la relación entre la naturaleza y la vida urbana a través del control de la temperatura y la posibilidad de traer las estaciones del año a los hogares. Al respecto de la instalación, que se emplazará en la Piazza del Duomo, en frente del Palazzo Reale, el presidente del Salone del Mobile, Claudio Luti, destacó en declaraciones a Icandela la importancia que tiene crear con vistas a un futuro sostenible, tanto para la feria como para

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la ciudad de Milán: “El control de la energía no solo tiene que ver con el consumo en los hogares sino con la posibilidad de experimentar la naturaleza de diferentes formas y enviar nuestro mensaje para el futuro”, resume. Durante la conferencia de prensa del Salone del Mobile en la Università de Bocconi, Claudio Luti también destacó el fuerte protagonismo que este año tendrá el centro de la ciudad, donde se realizarán dos eventos importantes tanto el día inaugural como al cierre del Salone del Mobile: “El Salone es líquido”, recalcó. Y también el joven diseño, que tiene en el Salone Satellite su principal plataforma


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y al más alternativo Fuorisalone como la cara B y desenfadada de la feria. No obstante, la directora y fundadora de Salone Satellite, Marva Griffin, alertó respecto al creciente descontrol de esta feria paralela: “El objetivo del Salone Satellite es que los jóvenes muestren sus diseño a la industria para que puedan producirlo. A mi modo de ver, el Fuorisalone se está desbordando porque no hay ningún control y se está desprestigiando”, aseguró a Icandela. De las 2.000 empresas que participarán en esta edición (un 30% internacionales de 164 países), algunas de ellas anticiparon ya sus novedades en la previa al

APUNTES

Salone que tuvo lugar el pasado mes de febrero, entre ellas Lema, que anunció su entrada en España con la apertura de una tienda en Madrid, y Antonio Lupi, que presentó sus nuevos espejos de baño con LEDs integrados. También estuvo presente la directora de Marketing de Kartell, Lorenza Luti, que aunque este año no presenta novedades, avanzó que Kartell seguirá explorando las cuatro familias de luminarias que lanzaron durante el pasado Euroluce, como la serie Kabuki en versión más reducida. Decía el diseñador Piero Lisoni que Milán tiene la facultad de conectar universos muy distintos. Y qué mejor prueba que un Salone del Mobile que es a la vez arte, cultura, innovación y, sobre todo, diseño.

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Algunas de las empresas participantes en Salone del Mobile han adelantado sus novedades; entre ellas Lema, que entrará en el mercado español con un nuevo espacio en Madrid.


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2018 Madrid - Spain

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Zeitz MOCAA Patrones orgánicos para iluminar el mayor museo de África Mediante un análisis 24h de las condiciones de luz, Arup Lighting diseñó la iluminación del atrio del Museo Zeitz MOCAA, obra de Heatherwick Studio. Un histórico silo de la zona portuaria de Ciudad del Cabo convertido en epicentro del arte africano.

Texto: redacción Icandela Fotografías: Arup



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Considerado por muchos el Tate Modern africano, el Museo Zeitz de Arte Contemporáneo de África (Zeitz-MOCAA), recientemente inaugurado en Ciudad del Cabo (Sudáfrica), es el espacio museístico más grande del continente. Está situado en el paseo marítimo Victoria & Alfred, que fue regenerado hace unos 30 años y se ha convertido en un centro turístico y comercial de la ciudad, gracias a la colaboración entre el MOCAA y el empresario Jochen Zeitz.

REPORTAJE

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El proyecto fue realizado por Heatherwick Studio y consistía en la transformación de los 9.500 metros cuadrados de un histórico silo de grano en un espacio que alberga el arte africano, con casi un centenar de galerías repartidas en nueve pisos a los que se accede a través de ascensores y escaleras de caracol y un hotel boutique en la parte superior. Además, dispone de un jardín de esculturas en la terraza, un centro fotográfico y de artes escénicas, librería, restaurante y salas de lectura.

“El diseño utiliza el campo aerodinámico de la avioneta como elemento generativo y arquitectónico” Guillermo Martínez


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El Zeizt MOCAA es un buen ejemplo de cómo la arquitectura resignifica el entorno y el pasado, guiando la mirada del visitante sobre las obras de los jóvenes artistas africanos. “El proceso de diseño nos ayudó a comprender las condiciones de luz en el atrio tanto de día como de noche, permitiéndonos optimizar el diseño y lograr así un resultado más impactante y un espacio más atractivo” – Guillermo Martínez

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Debido a su importancia histórica y simbólica, y su situación privilegiada, con la montaña de Mesa como telón de fondo, necesitaba un proyecto de iluminación que realzase la experiencia fundiendo el edificio con el entorno. Arup Lighting fue el encargado de este aspecto tan crucial del diseño del atrio, inspirado en un grano de maíz, donde luz natural y artificial se complementan proporcionando una transición sutil entre el día y la noche, impactando a los más de 100.000 visitantes que acuden diariamente al museo. LA CUARTA DIMENSIÓN DE LA ARQUITECTURA La iluminación tanto natural como artificial juega un rol vital en la definición de la experiencia del visitante en un museo y fue una consideración primordial para los diseñadores de Arup Lighting. Mediante un aná-

REPORTAJE

lisis de iluminación de 24 horas para el proyecto, el equipo de diseño desarrolló una solución de iluminación holística para el espacio del atrio que equilibró cuidadosamente, combinando la luz del día y la iluminación artificial. Los estudios de luz natural exploraron cómo la luz del sol podría animar el espacio a lo largo de las estaciones, así como crear un entorno dinámico y visualmente atractivo para los visitantes del museo, teniendo en cuenta la geometría y aperturas acristaladas del atrio. “El proceso de diseño nos ayudó a comprender las condiciones de luz en el atrio tanto de día como de noche, permitiéndonos optimizar el diseño y lograr así un resultado más impactante y un espacio más atractivo”, apunta Martínez. El equipo de Arup trabajó para identificar, junto con los arquitectos de Heatherwick Studio, los puntos

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de interés en el atrio, generando una sorprendente experiencia nocturna para los visitantes. La idea era resaltar los cilindros que forman el atrio del museo para maximizar el impacto del enfoque arquitectónico. Por lo tanto, se hizo especial hincapié en espacios como los ascensores o la escalera de caracol, además de acentuar el exterior de la caja blanca que alberga las galerías del museo, donde la vejez del hormigón rugoso de los años veinte contrasta con la uniformidad de las nuevas paredes, convirtiéndose en puntos focales en el atrio gracias a la iluminación.

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Hoy aquel viejo silo de grano, recuerdo del pasado portuario de Ciudad del Cabo, se ha convertido en el Zeitz MOCAA, un símbolo de apertura y el desarrollo de un país que ha sabido arrojar una nueva luz sobre las sombras históricas que le ensombrecían reinventándose desde el arte y la arquitectura. Las simulaciones de luz natural estudiaron cómo la luz del sol podría animar el espacio a lo largo de las estaciones, así como crear un entorno dinámico y visualmente atractivo para los visitantes.

El proceso de diseño perseguía comprender cuáles eran las condiciones lumínicas durante el día y la noche para lograr una transición suave una vez se hubiera puesto el sol y conseguir un espacio lo más espectacular posible.

La iluminación del atrio está pensada para que haya una transición suave y armónica entre luz solar y eléctrica con la puesta de sol.

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ZEITZ MOCAA Lighting Designer (Atrium): Arup. Arquitecto: Heatherwick Studio Fotografías: Nicolas Cardin

REPORTAJE

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Hotel Sofía La reforma radical de un histórico hotel de Barcelona Quiso reinventarse y lo ha conseguido. El antiguo Princesa Sofía de Barcelona, hoy Hotel Sofía, reabrió sus puertas el pasado mes de octubre tras una renovación integral en la que no únicamente dejó atrás su denominación monárquica, sino que transformó el clásico diseño que lo acompañó durante las cuatro décadas en que fue el mayor hotel de la ciudad en icono de modernidad, tanto exterior como interiormente. Y, por supuesto, la iluminación, a cargo de la diseñadora Birgit Walter, directora creativa del estudio BMLD, es una pieza clave de esta reforma.

Texto: Redacción Icandela Fotografías: Álvaro Valdecantos



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En el centro del lobby principal, que cuenta con dos niveles comunicados por ascensores y una escalera principal, destaca un pasaje emergente creado a través de planos rectangulares en diferentes direcciones y montados a distintas alturas. La escultura del atrio, que se despliega desde el falso techo, genera a través de su volumetría un juego dinámico de brillos, reflejos, luces y sombras en el espacio central. De hecho, cada uno de los objetos que forma parte de la escultura es capaz de producir y recibir luz y sombra al mismo tiempo para crear un sistema de relaciones complementario. Dado que la escultura del centro del lobby rompe la simetría del espacio dotándolo de dinamismo, la iluminación pretende, según Birgit Walter, “resaltar el espacio y sus cualidades”. De esta forma, los planos flotantes integran una hilera de LEDs

REPORTAJE

opales dentro de los bordes verticales u horizontales; y dependiendo de la ubicación y el plano, se encienden y la temperatura de color alcanza los 2200K para los paneles dorados y 2700K para los plateados. Asimismo, para acompañar la escultura principal, las áreas circundantes con sus planos rectangulares blancos y plateados montados en diferentes direcciones, integran downlights de iGuzzini con tecnología darklight que siguen un orden aleatorio que permite iluminar las áreas de circulación y de trabajo mientras que las áreas circundantes aparecen más oscuras. Los mostradores individuales de la recepción cuentan con una luminaria colgante extremadamente delgada (1x1 cm), que se vuelve invisible para el

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visitante. Además, las áreas de recepción cuentan con LEDs integrados dentro de los muebles para iluminar aún más el área del mostrador, y para la celosía de fondo bronce mate se empleó downlight darklight de 8º empotrado en el techo para minimizar su visibilidad. También hay que recalcar el uso de luminarias decorativas a medida y pendulares de Davide Groppi. Por otro lado, la escalera monumental, a su vez, cuenta con dos sistemas de iluminación. Uno integrado en la parte inferior para resaltar los escalones, mientras que el más alto, integrado dentro de la barandilla, le añade volumen. Todos los sistemas de iluminación son LED, regulables y tienen temperaturas de color que van desde 2200-3000ºK.

Los objetos que forman parte de la escultura del lobby son capaces de producir y recibir luz y sombra al mismo, creando un sistema de relaciones complementario.


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ESPACIOS OUTLET DE GRAN BELLEZA El arquitecto Jaime Beriestain fue el responsable de realizar las seis espacios outlet (club, coctelería, restaurante, skybar, bar y café) del Hotel Sofía con el propósito de que no pertenecieran únicamente al huésped sino a todos los barceloneses. Cabe destacar el ‘book’ café urbano Filosofía, en las estanterías del cual hay cerca de 5.000 títulos y de cuya iluminación nos habla la diseñadora Birgit Walter: “Es un espacio con mucha incidencia solar, de uso diurno mayoritariamente y que cuenta con una biblioteca en prácticamente todo el perímetro. Procedimos a utilizar para el proyecto de iluminación esta envolvente creando un punto central, el foseado del techo”.

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REPORTAJE

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Las áreas de recepción cuentan con LEDs integrados dentro de los muebles para iluminar aún más el área del mostrador, y para la celosía de fondo bronce mate se empleó downlight darklight de 8º empotrado para minimizar su visibilidad. En cuanto a BeSo, también obra de Beriestain, que incluye tres áreas (una coctelería, un restaurante gastronómico y un lounge), la elección de BMLD fue diferente, ya que es un espacio fundamentalmente nocturno y el bar es un elemento central. “Incorporamos la iluminación en la barra y tratamos las envolventes lumínicas”, señala Walter, quien añade que en el diseño de los restaurantes se emplearon downlights ajustables de Lucent con tecnología de Soraa, ya que proporciona “versatilidad para ajustar la luminaria y reproducción cromática”. Adicionalmente se utilizaron cintas de LED de Ledlinear y diversos fabricantes de iluminación decorativa. También son destacables el club-discoteca ZUU de inspiración Burlesque, el pool bar y el lounge bar Skybar, que transmite la sensación de estar en la cubierta de un gran barco. Pero, sin duda, uno de los grandes espacios del Hotel Sofia es el restaurante

IMPAR, que tiene 670 metros cuadrados y acceso desde la calle o desde el lobby a través de un wine wall transparente. A este respecto, la pared de la recepción que da al restaurante está compuesta por un gran biombo de inspiración mediterránea hecho a medida que permite crear y modificar el entorno a lo largo del día. Cada panel tiene una cara realizada en cerámica rústica envejecida y otra pintada con una pátina smoked. Asimismo, y con el fin de asegurar la ambientación adecuada, estos biombos se convierten en luminarias mediante una composición de bombillas vistas. Tras esta gran reforma, el nuevo Hotel Sofía, que fue referente de la vida social local de los años 70’, aspira a convertirse en un enclave donde la modernidad, el mediterráneo y la historia se enhebran para acoger a los turistas y continuar siendo un pequeño icono del paisaje de la Diagonal de Barcelona.

HOTEL SOFIA Proyecto: Hotel Sofia, Barcelona Ubicación: Barcelona, España Diseño de iluminación: diseño BMLD designing with light Cliente: Grupo Selenta Architectural Design Studio: Selenta Group Principales proveedores de iluminación: Ledlinear, iGuzzini, Davide Groppi, Dynalite Fotografía: Álvaro Valdecantos



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APUNTES

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Apuntes De lo espiritual en el arte a través de la iluminación LED El fabricante Linea Light y el diseñador de iluminación Emmanuel Clair fueron los encargados de la remodelación luminotécnica del Musée des Arts Décoratifs de París. Un proyecto que planteaba un desafío esencial: realzar el color original de las obras de arte. El Musée des Arts Décoratifs, ubicado en el sexto piso del Louvre, fue creado a finales del siglo XIX gracias a las aportaciones de coleccionistas privados y reúne cerca de 150.000 objetos y obras desde la Edad Media hasta la actualidad. Cuando a Linea Light se le encargó el proyecto de reestructuración luminotécnica de las salas de arte medieval y renacentista del museo, en colaboración con el prestigioso diseñador Emmanuel Clair de Light Cibles, el desafío principal fue cómo realzar las obras expuestas y aumentar su color, teniendo en cuenta su difícil preservación a lo largo del tiempo. El sistema anterior de iluminación se remontaba a los años 70 y estaba compuesto principalmente de fuentes de luz halógenas. Por ello, fue necesario adoptar tecnologías modernas de iluminación que sintonizasen con el espacio del museo y enfatizasen el aspecto espiritual del color en la obra. La intervención de Linea Light Group se basó en la sustitución de las luminarias obsoletas por nuevas soluciones LED que añadieron un efecto espiritual en obras como el políptico ‘La Virgen y el Niño’, de la Galería de los Retablos. Con el objetivo de recuperar todas las gamas cromáticas con una reproducción fiel de los colores de las obras, Linea Light empleó LEDS Ultra HD, que aumentan el contraste y la percepción del color, como puede apreciarse en la Galería de los Retablos y la sala del Primer Renacimiento Italiano. En ambos espacios se ha conseguido crear una luz teñida y teatral, concentrando el haz luminoso solamente en los puntos necesarios y matizándose gradualmente hacia los bordes y los marcos de las obras. Pero, además, en el espacio ‘Una habitación a finales del siglo XV’ crea una verdadera escenografía: La sala es iluminada produciendo un efecto cinematográfico propio de los años 30, con LEDS instalados en los candelabros que imitan la tenue luz de las vela, aunque la luz de la sala proceda en realidad de proyectores ocultos.

Fotografías: Nicolas Cardin

La iluminación escénica puede resultar invisible si se encuentra integrada de forma efectiva y sincronizada con el resto de elementos



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APUNTES

Apuntes

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Catamarán: Fusión entre lo retro y lo industrial

La mezcla de estilos es la clave de Catamarán Roma, un proyecto realizado por el despacho mexicano de Grup Idea para la tienda de Palacio de Hierro en Ciudad de México y que está inspirada en la pintoresca colonia Roma de la capital del país. En sus 115 metros cuadrados, destaca la fuerte tendencia industrial y el alma vintage de la marca con una combinación de luminarias retro, plafones negros, letreros luminosos y neones llamativos.

CATAMARÁN ROMA

Texto: Redacción Icandela Fotografías: Grup Idea

Localización: Durango (México) Diseño: Joselyn Quezada y Rodrigo Grediaga de Grup Idea y Christian Soria de Palacio del Hierro Cliente: El Palacio de Hierro. Fotografía: Grup Idea


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Nada más entrar en Catamarán, la primera flagship store de la marca de El Palacio de Hierro, ubicada en Ciudad de México, tienes la sensación de encontrarte en la bohemia colonia Roma de la capital del país, un vecindario epicentro de la vida hipster de la ciudad donde la arquitectura noveau del Porfiriato convive con nuevos edificios, plazas, parques, cafés, galerías y museos. Cuando a los arquitectos Joselyn Quezada y Rodrigo Grediaga, miembros de la oficina de Mexico de Grup Idea, se les planteó el desarrollo de la imagen y concepto de Catamarán, el reto fue “fusionar los elementos vintage de la marca con las características industriales de la zona”, señala el equipo de Grup Idea. El proyecto se desarrolla en 115 metros cuadrados con una fuerte tendencia industrial y étnica representada en la iluminación, que además de enfatizar los ejes compositivos del proyecto, ayuda a resaltar las distintas tonalidades rojizas del mobiliario.

CATAMARÁN: FUSIÓN ENTRE LO RETRO Y LO INDUSTRIAL

Asimismo, se empleó un tipo de luminarias diferentes en cada una de las zonas de la tienda: En el espacio dedicado al vestuario femenino se optó por luminarias metálicas tipo jaula que se distribuyeron sobre las mesas nido, mientras que la zona de caballeros se realzó con luminarias loft industrial retro vintage cubiertas de malla colgante. El acceso al pasillo central se acentuó con dos luminarias pulpo vintage de nueve bulbos cada una instaladas en el techo y se incluyeron letreros luminosos y neones retro con el objetivo de llamar la atención desde el exterior. Finalmente, en la zona de plafón negro se colocó iluminación sobre las mesas nido para resaltarlas dentro del espacio, mientras que los perímetros reciben un cálido baño de luz con rieles y reflectores. “Nuestra intención era que los rieles no destacasen más que en iluminación y que los reflectores fueran los encargados de resaltaran el producto”, afirma Grup Idea

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Los aspectos étnicos e industriales se realzaron con luminarias colgantes tipo jaula sobre las mesas de la zona femenina y de estilo loft industrial retro vintage en la de caballeros, y se empleaon letreros y neones luminosos


RCR “La luz, como la música, no solo tiene su melodía sino su silencio” Que es necesario volver a lo esencial para comunicar lo universal no es solo una de las premisas del estudio RCR Arquitectes, sino que incluso se encuentra en la base de su nombre, formado por las iniciales de Rafael Aranda, Carme Pigem y Ramón Vilalta. Un trío de profesionales que en tres décadas de trabajo en su ‘taller creativo de arquitectura’ ha cosechado, como si de vendimiadores se tratase, obras tan formidables como la Bodega Bell-Lloc de Palamós (Gerona) o el Museo de Soulages en Rodez (Francia). Y por las cuales fueron galardonados con el prestigioso Premio Pritzker de Arquitectura 2017. Con ellos hemos hablado sobre la chispa creativa que aviva sus proyectos y el significado de la luz en la arquitectura. Texto: Annabel Saavedra Fotografías: Hisao Suzuki



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Redacción iCandela: Os definís como “taller creativo de arquitectura”. ¿Cómo y cuándo nace RCR? RCR: El estudio nace cuando Rafael, Carme y Ramon acaban sus estudios de arquitectura en la ETSAV (Escuela Superior de Arquitectura del Vallès), vuelven a su ciudad natal y empiezan a trabajar juntos, a crecer juntos, a crear juntos… Para nosotros la arquitectura es el arte de materializar los sueños en un viaje de largo recorrido, jamás hemos sentido que estuviéramos trabajando. Ha sido una manera de vivir. RiC: ¿Trabajáis vuestros edificios como “arquitectura del paisaje”? ¿Influye el entorno en vuestras obras? RCR: Como arquitecturas del paisaje, como arquitecturas del sentir de los espacios, como arquitecturas que nos trascienden. Y, por supuesto, el entorno donde uno vive necesariamente le influye, de la misma forma que la iluminación dialoga con la naturaleza, porque esta emana sus vibraciones a través de la luz. RiC: En el proyecto del faro del puerto de Palamós, “Esfera de la Luz”, describís la luz como bola de fuego. ¿Entendéis la luz como material proyectual? RCR: Claro, la luz es el elemento clave en la definición de espacios atmosféricos. RiC: ¿Cuál es la fórmula para crear lo universal partiendo de lo íntimo? RCR: Solo a través de lo esencial puedes comunicar lo universal. Esencialmente todos somos iguales, a partir de aquí nos multiplicamos y diferenciamos. Cuando volvemos a lo esencial, volvemos a reunirnos. RiC: ¿Tradición e innovación son claves en vuestra arquitectura? RCR: La esencialidad conceptual puede mostrarse con tecnología a su servicio y no con la expresión de esta última.

RCR Arquitectes fueron galardonados con el Premio Pritzker de Arquitectura en 2017

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Bodega Bell-lloc, Palamós.

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Laboratorio Barberí Olot.

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Casa en Olot.

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La Cuisine Art Center.

RiC: ¿Qué os sugieren palabras como forma, materia y luz? ¿De qué forma se relacionan la luz, la sombra y el silencio?

RiC: ¿Cómo es la relación con vuestros clientes durante el desarrollo de un proyecto? ¿Y con los diseñadores de iluminación?

RCR: El mundo es complejo y a través del manejo de lo elemental (que no de lo simple) realizas un procedimiento artístico trabajando con este par complementario, según versa Carlos Martí en sus “silencios elocuentes”. La luz, como la música, no sólo tiene su melodía, sus intervalos, sino que tiene su silencio. Los silencios, las sombras y los vacíos nos ayudan a dar el justo valor al sonido, a la luz, a los llenos.

RCR: Con nuestros clientes iniciamos un largo viaje que incluye innumerables temas y etapas y, por supuesto, la luz (diurna y nocturna) forma parte de ellos. Mientras que con los diseñadores hablamos de conceptos esenciales para ver cómo es posible obtener las calidades espaciales que perseguimos para buscar y encontrar las soluciones técnicas que lo hagan posible.

RiC: ¿Abordáis todos los nuevos proyectos del mismo modo? RCR: Trabajamos siempre con la misma actitud y procedimiento, pero no tenemos un modelo propositivo. Lo que sí hacemos es trabajar juntos en una única mesa alrededor de la cual compartimos y conversamos, este es el secreto de nuestro enfoque.

RiC: Tanto la arquitectura japonesa como las obras de arquitectos como Mies van der Rohe han sido una gran influencia en vuestras obras. ¿Qué es lo que os atrae de unos y otros? RCR: Lo que nos interesa de la cultura japonesa en general, y no solamente de la arquitectura, es su sentido de la perfección, de lo exquisito, su culto a la naturaleza. Respecto a lo que mencionabas de ar-

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Les Cols Restaurant.

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Museo Soulages en Rodez.

quitectos como Mies van der Rohe o Donald Judd, sin ir más lejos, es que buscan en sus obras una belleza que trasciende. RiC: ¿Cómo surgió el Laboratorio Barberí y sus cursos de verano? RCR: Surgió para reflexionar y para transmitir y recibir la energía en un medio multicultural. De hecho, el único requisito para asistir a los cursos es venir dispuesto a entregarse a vivir una experiencia única. RiC:¿Qué consejo daríais a un joven que quiera dedicarse al diseño de iluminación? RCR: Nuestro consejo sería, sin duda, que se emocione cuando el rocío es bañado por la primera luz de la mañana.

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RiC: Creasteis la Fundación RCR Bunka para estimular la valoración entre la sociedad de la arquitectura y el paisaje. ¿Qué hitos habéis logrado hasta ahora con la Fundación RCR Bunka? RCR: La creamos para estimular la valoración entre la sociedad de la arquitectura y el paisaje. Podemos afirmar que hemos conseguido que la arquitectura sea tema de debate. RiC: ¿Podéis avanzarnos algo del pabellón catalán de la próxima Bienal de Arquitectura de Venecia? ¿Cómo se llevó a cabo la elección del equipo de trabajo como co-comisariado, junto con Pati Núñez y Estel Ortega? RCR: En la Bienal de Venecia vamos a contar nuestro sueño, el que empezamos a configurar, el presente que estamos construyendo. El co-comisariado vino, como no podía ser de otra manera, de la mano de un concurso convocado por el Instituto Ramon Llull.

Espacio público del Teatro La Lira en Ripoll.

“En la Bienal de Venecia vamos a contar nuestro sueño, el que empezamos a configurar, el presente que estamos construyendo”.

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PROTAGONISTA

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Maurici Ginés “La arquitectura de RCR tiene alma y la luz es una parte importante de la ecuación”

Texto: Redacción Icandela Fotografías: Hisao Suzuki (Museo Soulages y Lagares Showroom), Adrià Goula y Pep Sau (Enigma).

Dice el diseñador Maurici Ginés, fundador de artec3 Estudio, que para hacer un buen proyecto de iluminación de un espacio es básico asumir las intenciones del arquitecto como propias a través de la luz. Y es sencillo cuando una firma de arquitectura tiene tanto en cuenta los aspectos inmateriales de un proyecto como RCR, con quien artec3 tiene una química difícilmente igualable. Solo hace falta echar un vistazo a algunos de los proyectos en los que han colaborado para darse cuenta de que luz, espacio y materiales forman un todo: El Museo Soulage de Francia, el restaurante Enigma de Albert Adrià en Barcelona o el premiado Lagares Showroom. Hablamos con Maurici Ginés sobre la ecuación mágica entre ambos estudios.



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Redacción iCandela: En 2016 Arctec3 trabajó junto al estudio RCR en el diseño de iluminación del Museo Soulages, en Rodez (Francia). ¿Cuál fue el planteamiento y los retos del proyecto? ¿Cómo se desarrolló el trabajo con los arquitectos? Maurici Ginés: El desarrollo de este proyecto fue particular, ya que trabajamos tanto el diseño de la luz natural como la luz artificial. Se buscaba crear atmósferas lumínicas respondiendo a la arquitectura, así como al trabajo de Pierre Soulages. Ya había participado en algún otro proyecto diseñando la luz natural en un edificio, pero este fue el primero donde buscamos generar las ambientaciones de cada sala en relación a la obra expuesta. La luz natural que entraba por los lucernarios se reforzaba con ilumina-

Museo Soulages en Rodez.

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ción artificial, integrada en su propia geometría, para mantener el ambiente y la sensación de luz. Además, contábamos con un sistema de iluminación artificial de acento para reforzar la obra expuesta. Otro reto muy interesante fue iluminar la colección de “Noirs” del Museo, ya que son obras que reflejan la luz que incide sobre ellas permitiendo diversas composiciones visuales de la pieza según la ubicación del observador. Hay que iluminarlas con sutileza para conseguir la sensación y expresión que busca Pierre Soulages. En este caso, además de la luz ambiental, utilizamos como solución predominante recortadores leds con lentes, ya que el reflejo que generan en las piezas es velado y suave.

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El trabajo con RCR Arquitectes es muy estimulante e interesante, porque dan una gran importancia a la luz en su arquitectura y esto es una gran oportunidad para reflexionar en profundidad sobre la relación entre luz, espacio y materiales con el fin de encontrar la sensibilidad precisa para comunicar el lugar a través de la luz. RiC: Para la iluminación del restaurante Enigma de Albert Adrià se planteó una nube de leds tan enigmática como el propio nombre del restaurante. ¿Cómo surgió la idea? ¿En qué medida luz y espacio arquitectónico se acoplaron en el proyecto para crear un interior tan laberíntico y sugerente? MG: La idea de la nube surgió de RCR, formaba parte de su concepto del restaurante. La intención era conseguir un espacio neutro desde la abstracción, para potenciar y dar importancia a la experiencia precisa gastronómica del lugar desdibujando la materialidad a través de luz, reflejos y velos. El diseño de la nube fue un proceso conjunto, ya que la composición de la

“El juego sutil entre la luz y la sombra tiene el poder de acercarnos a la belleza de una forma constante”

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Museo Soulages en Rodez.

MAURICI GINÉS: “LA ARQUITECTURA DE RCR TIENE ALMA Y LA LUZ ES UNA PARTE IMPORTANTE DE LA ECUACIÓN”

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Restaurante Enigma.

misma dependía mucho de la luz. La nube se conformó de varias capas o layers, donde la capa material fue definida por los arquitectos y la capa lumínica por nosotros. A grandes rasgos, la nube contaba en su interior con dos matrices de leds de 2w colocados cada 60cm, de luz blanca 4000k y de luz RGBW; bajo los leds, se colocó una capa difusora para conseguir densidades de luz, otra capa era el soporte transparente al cual se vinculaba la capa difusora, así como la última capa colgante que generaba densidades de sombra y de grises. La composición de los grises y el respeto a no alterar el color de la comida fue muy importante en el proyecto, por eso la temperatura de color escogida fue de 4000ºK con alta reproducción cromática. En todos los proyectos con RCR, luz y materialidad van muy ligados, forman parte de un todo.


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MAURICI GINÉS: “LA ARQUITECTURA DE RCR TIENE ALMA Y LA LUZ ES UNA PARTE IMPORTANTE DE LA ECUACIÓN”

“En todos los proyectos con RCR luz y materialidad van muy ligados, forman parte de un todo”

Restaurante Enigma.

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RiC: Por el diseño de Lagares Showroom Arctec3 obtuvo el prestigioso Premio IALD a la Excelencia. Uno de los jueces elogió su trabajo diciendo que la luz creó “una nueva forma de arte” en este espacio dedicado a exponer sanitarios. ¿Es la luz una nueva forma de arte en sí? ¿Cuál es para usted el poder y significado de la luz? MG: Lagares Showroom es un grato recuerdo, ya que nos aportó un premio importante dentro del mundo de la iluminación. Creo que la luz siempre ha sido una forma de arte, depende de cómo se conciba o se aplique, y como tal está sujeta a evoluciones. En este momento, con el desarrollo de las tecnologías y los profesionales que la dominan, es más presente y podemos llegar a percibir espacios con mayor calidad

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o que nos permiten una mayor experiencia visual a través de la luz. A mi entender, lo que valoraron los jueces es la sutil aplicación de la luz a través de un concepto sencillo, pero claro y preciso, en un espacio en el que se generaba una composición de luces y sombras para comunicar el producto expuesto. Según el tipo de espacio donde se aplicó y la relación con la propuesta de arquitectura, sí que se puede valorar que fuera una propuesta de comunicación lumínica o artística innovadora. La luz tiene el poder de hacernos sentir bien en los espacios que habitamos, o de proponernos experiencias perceptivas que nos aportan emociones. El juego sutil entre la luz y la sombra tiene el poder de acercarnos a la belleza de una forma constante.

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El significado de la luz es propio y a su vez es el que nosotros le queramos aportar según nuestras vivencias y de nuestra cultura adquirida. La luz manifiesta la arquitectura y nos hace percibir los espacios. La importancia a nivel artístico se puede ver en las obras de Turrell o Olafur Eliasson, o en conciertos y obras de teatro para transmitir las emociones de los artistas. También se aprecia en la iluminación arquitectónica, donde se utiliza como comunicación de marketing o branding en el retail, restauración, cadenas hoteleras o simplemente en la expresión de nuestros propios espacios privados. RiC: ¿Cómo es la experiencia de trabajar tan estrechamente con un estudio como RCR? Casi se podía decir que se entienden como si ambos estudios fuesen uno...


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MAURICI GINÉS: “LA ARQUITECTURA DE RCR TIENE ALMA Y LA LUZ ES UNA PARTE IMPORTANTE DE LA ECUACIÓN”

MG: La experiencia con RCR es muy gratificante, por la calidad que atesoran como arquitectos y como personas. Sus propuestas son innovadoras y llenas de contenido, valoran tanto la materialidad como la inmaterialidad de los espacios que proponen. Para mí, su arquitectura tiene alma o una esencia especial, crean lugares de experiencias cercanas. Siento que la luz forma parte importante en esta ecuación, sería difícil conseguir el equilibrio matérico de sus obras sin luz o iluminación.

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tos y clientes. Este es un gran paso y creo que ha sido fruto del empeño de la APDI por el apoyo constante al desarrollo de la cultura de la luz en nuestro país, a los masters o cursos que se realizan en las diferentes universidades, que son cantera de los nuevos profesionales y que estimulan el conocimiento sobre iluminación y, sobre todo, al buen trabajo realizado por los diseñadores de iluminación que con sus proyectos de calidad van sembrando la profesión. RiC: ¿En qué proyectos está trabajando actualmente?

En muchas ocasiones, para poder hacer un buen proyecto de iluminación de un espacio o para comunicar la arquitectura es básico el poder entenderla y asumir sus intenciones como propias a través de la luz. Desde este planteamiento, creo que se genera buena química o entendimiento entre nosotros y nos permite trabajar con un objetivo común como si ambos estudios fueran “uno”. RiC: Desde su posición como profesional de la iluminación y expresidente de la Asociación Profesional del Diseñadores de Iluminación (APDI), ¿cómo ha cambiado el papel del diseñador en estos años? MG: La importancia de la figura del diseñador de iluminación ha ido en aumento desde 1994, cuando no se conocía, y aunque en nuestros días no es que esté totalmente establecida, ya es requerida por arquitec-

MG: En estos momentos estoy trabajando en el proyecto de una filmoteca en Ciudad de México con Toyo Ito Architects, donde la cultura del cine estará muy presente y donde la luz tiene un papel importante a nivel conceptual. También en unos pocos meses se inaugurará la mayor matriz media permanente realizada en una fachada en México para el edificio Manacar del arquitecto Teodoro González de León; un proyecto sutil, monocromático y muy respetuoso con el entorno. Estamos colaborando con RCR Arquitectes en las nuevas Cavas del Castell de Peralada en Girona, un interesante proyecto donde volvemos a trabajar la luz natural junto a la luz artificial para crear diferentes atmósferas vinculadas al mundo de la enología. Además, estoy elaborando nuevas piezas de arte con luz de la colección “Llumversació” para una próxima exposición que espero se pueda realizar antes de fin del 2018, lo cual me motiva mucho personalmente.

“La luz tiene el poder de hacernos sentir bien en los espacios que habitamos, o de proponernos experiencias perceptivas que nos aportan emociones”.


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¡A escena!

¡A ESCENA!

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Carmina Burana: La luz como una segunda partitura

Texto: Ada Bonadei (VANCRAM). Fotografía: Sergio Cano

El claustro del manchego Monasterio de Uclés se convirtió en el escenario de una apasionante representación musical en la que el diseño de iluminación tuvo un papel central. La creación de un espacio infinito que acompañase a una melodía también infinita, el diálogo entre las luces y las imágenes proyectadas y la importancia de acompasar los tiempos de la luz con los musicales fueron los principales retos. Así fue cómo un pueblo de artistas consiguió que la rueda de la Fortuna a la que canta uno de los famosos poemas goliardos de Carmina Burana jugase a su favor.

Uclés es un pueblo de Castilla La Mancha de apenas doscientos habitantes que reúne, entre sus residentes fijos o temporales, diversas personalidades del diseño y del arte nacional. En una de las habituales tertulias en la Taberna de Perico, el empresario hostelero Fernando Núñez Rebolo lanzó un reto a los artistas allí congregados: quería regalarle a sus padres y al pueblo un gran concierto de ópera. En ese preciso momento, el diseñador David Pérez y la ilustradora Ana Yedros, ambos residentes en Uclés, chocaron sus copas y se sumaron a la propuesta. Incluso Perico, el dueño de la taberna, salió de detrás de la barra y alardeó de que si llegaba a haber un concierto en Uclés, él mismo regaría con vino las copas de todo el mundo. Pero, ¿iban a ser capaces de convertir el sueño del hostelero en un gran espectáculo? Habiendo elegido como escenario el claustro del emblemático Monasterio de Uclés, el director de orquesta y compositor Luis Carlos Izquierdo propuso que el tema musical fuera una adaptación de la partitura de Carl Orff para Carmina Burana, con dos pianos y un coro de ochenta cantores. Quien conozca los Carmina Burana sabe que estos textos goliardos, que se remontan a los siglos XII y XIII, rezuman sensualidad. Además de su celebérrima introducción ‘O Fortuna’, los cánticos ensalzan el despertar de la naturaleza y los sentidos, la alegría de las tabernas y el amor desde una perspectiva muy contemporánea. Entonces, ¿cómo podíamos ambientar una ópera

profana en el claustro de un monasterio para que la música y la arquitectura sagrada del edificio casaran sin estridencias? ¿De qué manera debíamos conjugar los tres aspectos fundamentales de la iluminación –espacio, color y tiempo- para poner la luz al servicio de la música y la proyección de las acuarelas que Ana Yedros había realizado, inspirada en los textos y la melodía? Fue esencial limar los elementos más connotativos y extremos de ambos sistemas semánticos: Por un lado, borramos visualmente los elementos que hicieran referencia a la religión y la espiritualidad que impregna el lugar; por el otro, evitamos subrayar los detalles más sensuales y escabrosos de los textos. Queríamos que fuera la majestuosidad del edificio y el ritmo clásico de su diseño los que casasen con la potencia de la música, y que esta llenase el espacio por su lirismo y no por la procacidad de algunos de sus versos. La decisión escenográfica definitiva fue reducir a lo indispensable los elementos del decorado: tres gradas para coro, cantantes y músicos, y la gran pantalla central que David había diseñado de forma circular, como la rueda de la Fortuna, para proyectar las ilustraciones de Ana. La ubicación final del escenario, en una esquina de la explanada, dibujó un paisaje escénico inédito e inesperado, en donde la mirada del público adquiría distancia y perspectiva para acabar dirigiéndose al punto de fuga, el centro del espacio geométrico, donde se encontraba la peana del director musical.


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CARMINA BURANA: LA LUZ COMO UNA SEGUNDA PARTITURA

UN ESCENARIO INFINITO El reto lumínico era ampliar el espacio escénico abarcando el propio claustro como elemento. La posición diagonal de las mil personas del público incluía, en el espacio periférico de cada mirada, los dos lados del claustro. Asimismo, la música iba a llegar más allá del escenario y las luces debían acompañarla. Dentro de un lugar abierto pero geométricamente cerrado, como era el claustro, reducir el espectáculo al escenario iluminado hubiese sido desaprovechar las posibilidades dramáticas de música y espacio. Comparado con la majestuosidad del claustro, el escenario hubiera parecido pequeñísimo y habría sido como escuchar un aparato radiofónico en un salón. Evidentemente, era un problema de escala: La calidad y la fuerza de la música y la fuerza visual del espacio debían ser equilibradas. Por eso fue necesario sobrepasar con la luz los límites del campo visual del público. Escuchando los ensayos de coro y orquesta, nos parecía que la música de Carmina Burana tenía fuerza infinita, así que busqué la forma de que las luces dibujaran un espectáculo infinito. La elección de los aparatos de iluminación y su colocación se dividía esencialmente en dos grandes grupos: Los focos frontales para iluminar los escenarios y las paredes se montaron en una gran torre central, en la cual se localizaría parte de la amplificación, el proyector y todos los controles técnicos. En las ventanas de la planta alta, encima del escenario, estaban los focos de contraluz para coro y músicos, y en otras ventanas se dispusieron sendos focos motorizados para bañar el ritmo de las columnas de la planta alta de forma rasante. Asimismo, en el interior de las salas de la planta alta se colocaron unos focos que imprimían la sensación de ‘vida interior’. Quería utilizar este recurso para los Carmina Potoria, cánticos que celebran la bebida, la taberna y la vida comunal. Planteamos, además, que el público, desde las ventanas, viera la animación de la taberna. En la planta baja se iluminaron los pilares de frente, lateral y el interior de los pórticos. Los focos se agruparon por baterías homólogas y el control cromático de la luz emitida también iba por baterías de focos, aunque los grupos se rompieran y recompusieran creando diversos ritmos espaciales para los diferentes cánticos: Los diversos planos y detalles arquitectónicos se evidenciaron por grupos separados, la composición final pretendía resaltar la tridimensionalidad del espacio mediante planos cromáticos contrastantes y superpuestos en agrupaciones variables. EL DIÁLOGO CON EL COLOR La circularidad era esencial en la concepción del espectáculo desde el mismo desarrollo de los cánticos, que concluyen con la pieza con la que dan comienzo, el famoso ‘O Fortuna’. Por ello, la pantalla era circular

El diálogo cromático entre imágenes y luces, donde se alternaban los colores fríos y cálidos, escribió una partitura rítmica visual que sirvió para ‘vestir’ la música y crear una verdadera experiencia sinestésica.

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y también se planteó un viaje visual por la rueda cromática de colores primarios y secundarios que tuviera sentido circular. Acto seguido, se empezaron a fraguar las imágenes proyectadas, que eran las acuarelas de Ana Yedros, no siempre con colores realistas pero con resultados sorpresivos e interesantes. De hecho, estas imágenes constituyeron un óptimo punto de partida en la elección de la gama cromática de las luces adecuadas a cada momento musical. Las ilustraciones animadas en la pantalla central y la riqueza cromática de las acuarelas marcaban de forma natural la composición de las luces del escenario y del claustro. Quisimos que las luces funcionaran de amplificador para las imágenes con el fin de potenciar su eficacia a todo el campo visual del público. Esto no quiere decir que nos limitásemos a elegir para las luces el mismo color dominante en la imagen, sino que por cada serie de imágenes se compuso una paleta cromática que, según los momentos, era complaciente o contrastaba con ellas. Visualmente, las luces acogían la imagen, amplificando su fuerza a todo el espacio, pero también podían repelerla, anticipando el panorama siguiente, o negarla dibujando un panorama tan en contraste que la borraba empequeñeciéndola. El diálogo entre luces e imágenes se iba enriqueciendo, trenzándose con las dinámicas y los colores de la música, que seguramente influyó también en las paletas utilizadas: la clásica alternancia entre colores fríos y cálidos de la luz apoyaba las evoluciones de temas tristes, fríos, alegres o dulces. Este diálogo cromático entre imágenes y luces escribió una partitura rítmica visual que sirvió para ‘vestir’ la música y crear una experiencia sinestésica. LA MUSICALIDAD DE LA LUZ En el teatro la luz tiene un guión y no puede prescindir de los tiempos musicales. Durante el espectáculo se suceden muchos estados de luz diferentes, ya sea cromática o compositivamente. Y esta luz cambia de color, pero también de tamaño y de dirección; puede ser una o muchas, grande o pequeña, agradable o molesta. Asimismo, todos estos estados de luz tienen un ritmo y un tiempo de transición de uno a otro: lento o improviso, natural o artificial, dulce o espantoso, preanunciado o imprevisto, en un sinfín de matices que influyen en la percepción del espectador y contribuyen a llevarlo a un estado de ánimo u otro. Y este efecto es amplificado si todas las artes escénicas ‘cantan’ juntas y se alcanza la comunicación plena y precisa del contenido artístico que se pretende transmitir al público. Esto no quiere decir que música, luz, diálogos y escenas tengan que ser monótonos y monocolor, sino que cada diseñador tiene que saber jugar en equipo, usando su medio para crear una armonía global, tomando la delantera cuando sea necesario o realzando los demás elementos. Nadie puede decir a ciencia cierta por qué un espectáculo funciona y otro no,

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pero está claro que es más fácil si todos los artistas que participan reman en la misma dirección. Lo esencial en el diseño de luces para un concierto es conocer a fondo la partitura y sus dinámicas; el diseñador de iluminación más experto tendrá un resultado mediocre si no escucha el concierto por lo menos tantas veces como los músicos. Acompasar las luces con la música fue sorprendentemente fácil. Tras unas cuantas preguntas sobre los tiempos y los colores musicales de las piezas y de las transiciones, Luis Carlos, el director musical, me dijo lo que muchos directores musicales y escénicos tardan años en entender: “Tengo otro músico más que toca luces, pero no nos vemos -refiriéndose a la clásica posición del director de espaldas al público-. Debemos tener los tiempos muy claros tú y yo”. De noche, en un espacio al aire libre, la luz es muy importante porque está siempre, incluso cuando parece que no esté. La oscuridad en un espectáculo es a veces más potente que la luz más intensa. Se puede ir a oscuro dulcemente o de golpe; un apagón de luz, especialmente si viene de un estado de luz potente y con colores decididos, deja en el ojo de quien mira la última imagen percibida durante un segundo más. El diseñador lo sabe y aprovecha el efecto para estirar el espectáculo, para regalar el recuerdo presente de algo que acaba de terminar, que todavía se ve y ya no existe. En la iluminación teatral, el uso de los oscuros es un tema delicado; un oscuro puede amplificar una sensación, pero también romper el ritmo del espectáculo. En general, es un recurso que hay que utilizar con cautela y sensibilidad. Mientras que los músicos apoyan un momento su instrumento y giran la página de la partitura, las luces ‘tocan’ también los silencios, en ausencia o en presencia: las transiciones son, en el guión de luces, una de las partes más delicadas. Con la partitura en mano, Luis Carlos y yo decidimos cuántos oscuros queríamos en la obra, cuántas transiciones rápidas y cuántas lentas. Teníamos que contar, evidentemente, con los imperativos técnicos que había que respetar, como los movimientos de los cantantes solistas que abandonaban su puesto en el coro para subir una escalera y llegar a la posición central, o los cambios de instrumento de alguno de los músicos. Todo tenía que ser fluido y las dificultades, invisibles. Entre un cántico y otro, la pausa musical no debía producir una caída de ritmo, sino aguantar la tensión y la respiración del público hasta el siguiente estallido musical. Diseñamos algunos oscuros y otros parciales que mantenían la figura del director iluminada, como suspendida en la oscuridad general. Luis Carlos, de espaldas y con los brazos en alto, preanunciaba la música que volvía. Y con la melodía, la luz musical, infinitamente más fácil de componer que la de los silencios, estaba pensada para que la

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emoción pudiera sumar puntos a cada golpe de efecto de música, imágenes y luces. Hasta el impresionante estallido final de ‘O fortuna’, que regresaba, repitiendo el principio de la obra, y cerraba esa rueda de tiempo y el gran espectáculo por el que Fernando Núñez Rebolo y todo el equipo habíamos apostado. ¿Y Perico? Perico encontró la forma de ser parte del espectáculo y cumplir su promesa de repartir vino a los músicos y al público, con tiempos y trayectos ensayados, como otro artista más.

La luz musical estaba pensada para que la emoción pudiera sumar puntos a cada golpe de efecto de música, imágenes y luces, hasta el impresionante estallido final de ‘O fortuna.

EQUIPO ARTÍSTICO Y TÉCNICO: Iluminación: Ada Bonadei y Peggi Grassia (VANCRAM). Dirección artística y escenografía: David Pérez. Dirección musical: Luis Carlos Ortiz Izquierdo. Coro y ensemble: Fernando Núñez López. Ilustraciones: Ana Yedros. Realización audiovisual: Mercè Rodríguez. Dirección técnica: Guillermo García (NUNSYS), Antonio Megías (NUNSYS) y Chema Carreras (ARTEC) Piano 1 y 2: Mario Mora y Blanca María Ruíz. Percusión: Miguel Ángel Orero, Miguel Ángel López, Alicia Robles, Julián Redondo y Javier Zanón. Flauta y Flautín: Oscar de la Cruz. Fagot y contrafagot: Javier Caruda. Viola: Jimena Villegas. Violoncelo: Leticia Prieto. Soprano solista: Victoria Manso. Tenor solista: José Ángel González. Escolanía de la Venerable Hermandad de la Soledad de San Agustín y su director, Juan Pablo de Haro. Promotor y producción ejecutiva: Fernando Núñez Rebolo


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Urba CaixaForum Barcelona: Redescubrir la arquitectura con luz

Para la fachada principal, el equipo de diseño propuso la proyección desde los báculos urbanos y un sistema de luz rasante perimetral con LED realizado desde la base del edificio.

Texto: Redacción Icandela Fotografías: Ariel Ramírez

La fábrica modernista CasaRamona es la protagonista de un proyecto de iluminación destinado a restituir su visibilidad y presencia en la ciudad con un diseño que maximiza la integración entre luz y arquitectura en base a tres ejes: Un nuevo planteamiento de la iluminación urbana que rodea CaixaForum, la intervención en las fachadas exteriores para realzar los elementos arquitectónicos y el uso de los ventanales y lucernarios diseñados a inicios del siglo XX por el arquitecto Josep Puig i Cadafalch.


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CAIXAFORUM BARCELONA: DESCUBRIR LA ARQUITECTURA CON LUZ

Cuando el estudio de arquitectos AIA Instal.lacions Arquitectòniques y la arquitecta y diseñadora de iluminación Michela Mezzavilla ganaron en 2014 el concurso de ideas propuesto por la Obra social de ‘La Caixa’ para la iluminación exterior de CaixaForum Barcelona, el principal reto era cómo mejorar la visibilidad y presencia nocturna del museo realzando, además, la arquitectura modernista de CasaRamona, una histórica fábrica textil de la ciudad proyectada por el arquitecto Josep Puig i Cadalfalch, que fue innovadora en la época al plantear un tratamiento de la iluminación a través de grandes ventanales y lucernarios, y que quedó eclipsada por las fuentes de Montjüic y los edificios de la Exposición Universal del 1929. De esa forma, el diseño propuesto por AIA y Mezzavilla partía de una aproximación respetuosa a través de pocos conceptos clave que resuelven las problemáticas de iluminación existentes y maximizan la integración entre luz y arquitectura para que las

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luminarias queden inadvertidas, cediendo todo el protagonismo a la arquitectura. Se basó en cuatro grandes ejes vertebradores: iluminar con elementos urbanos actualizando el alumbrado vial y monumental existente; resaltar los elementos arquitectónicos con la instalación de una iluminación en el suelo del perímetro del edificio; alumbrar desde elementos integrados en las ventanas y lucernarios existentes, e iluminar las torres de CasaRamona como joyas destacando su esencia. LA FACHADA PRINCIPAL El equipo de diseño propuso la combinación de dos sistema integrados: la proyección desde los báculos urbanos y el sistema de luz rasante perimetral con LED realizado desde la base del edificio. Por un lado, la iluminación por proyección proporciona el nivel lumínico de la base, mientras que la luz rasante perimetral realza los elementos arquitectónicos, la bóveda catalana y la textura del ladrillo.


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URBA

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Albert Salazar: “Este tipo de edificios patrimoniales fueron proyectados para verse exclusivamente de día y cuando los iluminas, por la noche, haces una sorprendente relectura de su arquitectura”.


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CAIXAFORUM BARCELONA: DESCUBRIR LA ARQUITECTURA CON LUZ

También se tuvo en cuenta la iluminación urbana que rodeaba al propio edificio de CaixaForum, como cuenta la diseñadora Michela Mezzavilla: “La iluminación rasante daba un acento, pero era necesaria también una iluminación general que abarcase la zona superior de la fachada. Por eso, el primer nivel de la intervención fue adecuar la iluminación urbana ya existente”.

El efecto realza los detalles arquitectónicos, especialmente la bóveda catalana y los montantes verticales, además de imprimir un sutil efecto plástico de luz rasante en la pared de ladrillo, que contrasta con la iluminación anterior, que era muy plana, fría, con contaminación lumínica y sombras distorsionadas.

Toda la iluminación se realizó con LEDs de tono cálido para que el matiz de la luz fuera más adecuado al material del edificio. En la iluminación rasante, el haz intensivo con lente refractora permite abarcar toda la altura del edificio y el sistema LED posibilita la regulación en intensidad y tono de la luz, de manera que fue posible ajustar estos parámetros a las diferentes alturas del edificio.. En la nueva iluminación por proyección desde báculos de la casa Hess se empleó una combinación de luminarias LED de diferentes potencias y ópticas, desde 17W, óptica spot y flujo lumínico de 1,3klm, hasta 68W, óptica flood/elíptica y flujo lumínico de 8,2klm. El nivel lumínico medio que se consiguió en la fachada está alrededor de los 50 lux. estos valores se pueden calibrar regulando el flujo de luz para ajustarlo al efecto lumínico y al contrate deseado. Además, la luz LED perimetral se ha dotado de accesorios especiales antideslumbramiento para mayor confort de los viandantes. . Por su parte, la luminaria LED es el modelo Linealuce Compact de iGuzzini y tiene una potencia de 12W/m, 12 LED por metro, flujo luminosos 1160Lm/m i óptica ‘wallwasher’ i IP66.

“Este tipo de edificios patrimoniales fueron proyectados para verse de día y cuando los iluminas, por la noche, haces una sorprendente relectura de la arquitectura. Si no tienes este concepto en mente alumbras como si fuese una linterna. Nuestra intención era descubrir la arquitectura de CasaRamona en su totalidad y que fuera sorprendente”, resume el arquitecto Albert Salazar. Según la diseñadora de iluminación Michela Mezzavilla, uno de los rasgos más remarcables del proyecto en cuanto al descubrimiento de la esencia de la arquitectura era iluminar las torres de CaixaForum como si fueran joyas. Para ello, la iluminación se realizó desde abajo e integrada en los elementos, aumentando la intensidad para proporcionar el contraste adecuado y con un modelado plástico con luces de acento. Detalle curioso y preciosista son las históricas farolas de las torres, que el equipo de diseño recuperó con total fidelidad, creando incluso una bombilla especial que reproducía la luz de las antiguas lámparas de gas.

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LOS PATIOS INTERIORES Empleando la arquitectura del edificio en su beneficio, los arquitectos propusieron un sistema de complementar de iluminación desde las ventanas y los lucernarios. Gracias a estas soluciones la iluminación quedó totalmente integrada dejando el espacio libre de elementos añadidos y los lucernarios existentes se emplearon para arrojar diferentes tonalidades de luz –roja, naranja o azul, de acuerdo a los colores corporativos de La Caixa-, que se pueden personalizar en cada uno los múltiples eventos que se realizan en las calles interiores del museo. La luminaria integrada en los lucernarios es LED estanca IP66, equipada con LED RBGW, para poder crear escenas con diferentes colores y también poder tener la misma tonalidad de blanco del resto de iluminaciones según las necesidades. La potencia es de 27W/m, haz luminoso 1980lm lm/m y óptica ‘wallwasher’. El nivel lumínico, asimismo, se puede calibrar regulando el flujo de luz para ajustarlo al contraste deseado, pudiendo conseguir un nivel entre 40lx y 10lx. Con ello, se consigue potenciar los lucernarios como elementos arquitectónicos, imprimir un tono de luz más cálido de acuerdo al material, un ambiente más acogedor y una mejor uniformidad. Logros que destacan en relación al estado anterior de las fachadas interiores y el patio de CaixaForum, cuya iluminación no era uniforme, deslumbraba, no

realzaba la arquitectura –las fachadas eran oscurasy tenía un tono muy frío y poco acogedor. “Buscábamos una intensidad de luz suave y constante, que fuera bajando a partir de la noche y se creasen varias escenas. No es lo mismo la luz de un sábado por la noche o durante una fiesta que la que hay un martes cualquiera. Además, con el empleo de tecnología LED regulable conseguimos reducir el impacto ambiental y ahorrar más energía”, apunta Salazar. Sin embargo, el elemento más definitivo y que, a juicio del arquitecto cofundador del estudio AIA, les hizo ganar el concurso de ideas fue la propuesta de una proyección holográfica del icono estrella de CaixaForum que se realizaría desde las torres durante inauguraciones y días señalados. Si un buen diseño de iluminación arquitectónica logra que un edificio se funda con el entorno, el antiguo edificio modernista de CasaRamona está grabado en el imaginario de sus visitantes no como era antes, eclipsado por el entorno al ponerse sol, sino como es ahora, un enclave cultural emblemático de la Ciudad Condal que luce tanto de día como de noche contando siempre una historia diferente sobre sus torres iluminadas como joyas y sus bóvedas catalanas. Algo que, probablemente, el gran arquitecto Josep Puig i Cadalfalch admiraría.

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CONCURSO ICAL

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Participa en el concurso ICAL 2018 ¿Eres un apasionado de la luz? ¿Sientes debilidad por la fotografía, la arquitectura, el diseño y el arte? Si cumples con estos requisitos y además estudias o trabajas en dichas disciplinas, eres el candidato perfecto para participar en el Concurso Internacional de Fotografía en Luz Artificial (ICAL).

Are you passionate about lighting? Are you a photo fanatic who loves the architecture, design and art? If you fulfil these requirements and are a student or worker in these disciplines, you are the ideal candidate to take part in the International Competition of Photography in Artificial Light (ICAL).

Más información en: www.upc.edu/concursllumartificial/es/inicio



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CONTENT IN ENGLISH

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Contents in English

THE PASSAGE OF THE QUEEN THE SUN’S JOURNEY THROUGH SPACE Can an architectural installation create similar effects to those obtained with light sources? The passage of the Queen is an architectural installation where solar energy creates a magical effect in the eyes of the spectator. “We are object and subject. Surfaces and observers”. With these words, Mexican architect Mónica Vega defines her luminous architectural installation, ‘El Paso de la Reina’, The passage of the Queen (namesake of the place for which it was created), that was exhibited at the ‘Palacio de la Autonomia de Ciudad de Mexico’, in 2017, and operates with solar light and nothing else. Mónica works with natural light and concentrates in the reaction produced by solar light when it comes in contact with the surface of objects, which results in the transformation of the

perceived space, color, light and darkness. In this way, at the passage of the Queen, the access to the sun’s rays is partially blocked. The surface that comes in contact with the sun’s light absorbs the light waves and reflects them and this relation absorbtion-reflection is what defines the color perceived by the observer. “My intention is to create effects that are generally created only through electrical light sources, questioning the use of technology in the arts and in architecure”, recaps the artist.

AULA CD TECHNICAL AND PERCEPTIVE COMPARISON OF THE LIGHTING OF A PICTORIAL WORK WITH LED LIGHT AND HALOGEN LIGHT The strong flood of Led in every field of artificial lighting has opened new discussions on such diverse topics as energy savings, light quality, and health, among others. Most art museums are very demanding about the quality of their artificial lighting. Consequently, they have been substituting their old high quality halogen and fluorescent luminaries for new LED luminaries. The question that arises in the lighting designers is: Will the visual perception of the works of


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art preserve its quality or will there be a difference that could interfere with the interpretation or understanding of the works of art, by the spectator, especially in the case of paintings? It’s not always easy to determine the quantitative or scientifically proven aspects that influence a perceptive “sensation”. This work for the Master Finals of the UPC, by the architect Nataly Revelo, investigates the posible connections between perception parameters and impressions, when applying lighting on a specific painting with a halogen luminary and a Led luminary. INTRODUCTION Light is a language that conditions everything that we perceive visually. It is not just a physical or technical measure but a form of communication at a perceptive and sensory level. By definition, light is the electromagnetic energy corresponding to the visible spectrum, which makes possible the perception of our surroundings through the organ of sight. Even though light as energy is only one, there are different sources of luminous output, each with its own qualities and particularities which have defined their use. In this context, one of the more widely used traditional sources of light has been the incandescent Halogen. It is used practically in every area due to its chromatic and luminous characteristics. However, in the last few years, one of the most important innovations in lighting emerged: Led light. It has significant attributes regarding energy efficiency, power and service life, representing a huge technological advance in this field. Nonetheless, in both cases, a technical perceptive study on the influence of light on individuals is pending. Regarding architecture and art, light acts as an element which is not only functional but a harmonic component of the space or object that is illuminated and will be perceived by an observer. When a connection between light – object -individual happens, that important factor that is perception intervenes. The whole purpose is for light to create the opportunity to receive the image as faithfully as possible and without distortion. This is why it is necessary to find the most adequate source of light so the observer can have the best experience. When studying lighting of museums, it’s important to consider that the works of art are the reason of being of these spaces. Here, the light projected on the pieces usually comes from spot lighting or an accent light, so the focus of this investigation is directed to the study of light and its influence in the perception of a work of art, specifically an oil painting. An important point that is taken into account is the change in the traditional mode of illuminating museums, with the substitution of Halogen lamps for Led. On the basis of these conditions, a question arises: What is the best light to appreciate a work of art and what is its influence in the visual perception? Against this background and these questions, this article presents an investigation on the technical and perceptive relation of lighting using Halogen light and Led light, and its effect on the visual perception of a work of art, through the study of their chromatic and luminous parameters. With this work, we strive to make a contribution in the use of light sources, considering the importance they have on the perception of pictorial works. HYPOTHESIS AND OBJECTIVES Considering that light affects the visual perception of an

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art work, we propose that each source of light creates a technical-perceptive relation, and suggest that Led light creates a better visual perception of the paintings. From this hypothesis, we pose as main objective: - Determine the source of light which offers a better appreciation of a painting, according to its technical parameters and the visual perception of the observer. As part of the specific objective, we establish to: - Analyze and contrast the characteristics pertaining to Led light and Halogen light in the lighting of works of art. - Asses the relation between the technical parameters and the visual perception in both sources of light. - Identify how the type of light used to illuminate an art work affects the visual perception of the observer.

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Perceptive Phase The second phase focuses on the perceptive study through a quantitative – experimental method using a survey. The assessment consists of the relation between the technical and visual perceptive parameters found on the work of art when illuminated with Led and Halogen lighting. In this way, it is possible to interpret the influence of light in the uniformity, contrast, glare and perception of the work of art. In general, with the relation between quantitative data and qualitative perception, we seek to value the influence of Led and Halogen light on a pictorial work of art, to discover which light translates in a better appreciation of the art, considering the technical parameters that intervene on it.

METHODOLOGY

WORK OF ART AND LUMINARIES

The investigative work is presented as a comparative, technical and perceptive study developed initially by identifying the problem in connection with the influence of the source of light in the perception of an oil painting. We established the state of the art in which we would analyze the background, fundamentals and framework related to the use of Halogen lights, Led lights, lighting of art works and visual perception. Later, the experiments took place to verify the hypothesis proposed. In accordance with the theoretical bases analyzed on the state of the art, the experimental study was established in two phases: technical and perceptive.

The painting used for the experiment is an oil painting measuring 40 X 60 cm. This work of art was chosen for the experiment because we could have access to it, and due to its chromatic characteristics, with warm and cold colors which were necessary for the investigation. The painting has color contrasts, lighter areas and darker areas, which would show the influence of light on the perception of the work of art. (Figure 1)

Technical Phase The technical part consisted in measuring the parameters of Led light and Halogen light. To the effects of this study we considered: the color temperature, the illuminance, the irradiance, and the luminance. The investigation focused on these luminance and chromatic characteristics, because through them it is possible to establish the technical differences among the two light sources and the impact they have on the perception of the illuminated art work. To obtain a balanced comparison it was necessary to have the same level of lighting or illuminance when using both types of light, in order to evaluate the quality of the light, apart from the luminous flow or an increase in the level of lighting. When obtaining the same amount of light on the surface with both light sources, the perception could be evaluated under the same conditions. Likewise, the appearance of the light had to correspond in both sources, for which lamps with a color temperature of 3000K were used; this is the recommended value for a correct chromatic reproduction. Regarding luminance and irradiance, the values obtained from these parameters were related to the level of lighting, energy, brilliance and colors of the painting. When measuring the luminance, what is being recorded is the light that bounces and the observer perceives, and which corresponds with wave longitudes and hence with the reproduction of colors on the painting. Whereas, when irradiance is measured the result is the energy that reaches the work of art. Regarding luminance and irradiance, the values obtained from these parameters were related to the level of lighting, energy, brilliance and the colors of the painting. When measuring the luminance, you are recording the light that bounces and the observer perceives, and which corresponds with wave longitudes and hence with the reproduction of colors on the painting. Whereas, when irradiance is measured the result is the energy that reaches the work of art. The measurements on the illuminated painting allow a technical comparison between the parameters and determine the behaviour of each type of light.

With regard to the luminaries, we used projectors that are commonly used in museums, so that the experiment would show data on a real setting. For the Halogen light we used a projector type Shuttle from Iguzzini and a pinbased lamp from the Clar brand, which had a luminous flux of 2000 lm, efficiency of 12 lm/W, IRC of 100, power of 100W and voltage of 24 V. For the LED light, we used a projector type Optec Floodlight from Erco, with luminous flux of 1080 lm, efficiency of 72 lm/W, IRC higher than 90, power of 15 W and voltage of 220 V. In both cases, the color temperature was 3000 K and they were installed on electrified rails. In addition, to gather the technical parameters data, some measurement tools were needed, among them the lux meter, to measure the level of lighting (lux), luminance meter for the luminance (cd/m2) and the photo radiometer for irradiance (W/m2). LOCATION OF EXPERIMENT The research was done at the “Taller de Estudios Lumínicos” (Workshop for Lighting Studies) TEL of the “Escuela Superior de Arquitectura de Barcelona de la UPC” (Superior School of Architecture of Barcelona of the UPC). Here, we had access to an area, with a white panel at the back of the room that measured 3m. in height. The painting was placed on the panel for the gathering of data and the subsequent perceptive survey. The painting was placed at eye level of the observer, considering 1,60 m. as an average height. The eye level was centered at the middle point of the painting, and centered symmetrically in horizontal direction. The projectors were installed in electrified railings to the left of the work of art (Figure 2). This placement was chosen to minimize the shadows that the observer might cast and to avoid the glare caused by the reflection of light on the exposed object. Furthermore, the luminaries were directed towards the bottom third of the painting in order to achieve a more uniform distribution of the lighting. Lastly, it was decided that the position of the observer should be in front of the painting, at a distance of 1,50 m. so that the lighting could be perceived properly, and to avoid any discomfort in the observation.


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PROCEDURE After setting the work place and installing the projectors, we proceeded to take measurements of the lighting parameters: illuminance, luminance, and irradiance, using the Halogen light and Led light. 25 points were marked on a reticulated mesh, to take measurements in the whole area of the painting. The first requirement was that the illuminance had to be under 150 lux, which is the allowed value for oil paintings. We had to control the position of the projector, the distance to the painting and the projection angle of each source, without producing glare in the observer. Since the level of lighting had to be the same for the Halogen and Led lights, an average of 108 lux was obtained in both sources. Additionally, the luminance on the painting and background was measured, in order to obtain the relation of contrast between background and object. It is important to consider that the luminance values are related to the level of brilliance perceived from the work of art and has a correlation with the colors of the painting. Lastly, the measurement of the irradiance was done to obtain the amount of energy that reaches the work of art, and in this way discover the influence of the lighting on the perception, according to the level of energy on the painting. With these technical parameters a description of Led and Halogen lighting, independently, was accomplished, establishing a relation between the properties of each lighting source. After this analysis, came the technical comparison between the parameters of both sources in order to find their similarities and differences. Finally, the connection between light and perception was established through the observation of the illuminated work of art and the survey, interpreting the existing, if any, correlation between the technical and the perceptive parts, using the results found in the two section of the experiment. Accordingly, what was assessed was the influence of these measurements on the visual results of the painting, relating how the light that reaches the work of art has an influence on how it is perceived. The present technical analysis was carried out on the painting, by sections, taking measurements of each section of the painting and of its chromatic diversity. When comparing the painting illuminated with Halogen lighting and with Led light (Figure 3), the data from each light source was registered and its behavior assessed. First of all, the value of the parameters in both types of lighting would be decreasing due to the position, to the left of the painting, of the Led and Halogen projector. With respect to the contrast in luminance between the background and object, a relation of 1:5 was obtained in the case of the Halogen light, and of 1:4 for the Led light, considering that in both cases, the contrast presented a balanced relation that should not cause any discomfort to the observer. Regarding the illuminance, the same value was obtained from both sources, whereby the perception of the work of art would not be affected by the level of lighting or a difference in the amount of lighting received. According to this, perception depends on the characteristics of each light source and not on the amount of light shining on the painting. As we mentioned before, irradiance and luminance depend on the amount of energy the material can absorb and the color scheme of the painting. If there are areas with lighter colors, luminance will be high while with opaque colors, luminance would be low. Irradiance According to the data obtained, we verify that more light reaches the work of art when using Halogen lighting (Figure

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4). This is associated to the lamp power which is stronger in Halogen sources of light than in Leds. Furthermore, irradiance has a tendency to decrease much like illuminance, evaluating that the energy level that reaches the painting will react to the quantity and direction of the projected light. Even with this tendency, the behavior of irradiance with Led light is much more uniform in the general lighting of the work of art, evaluating that the painting will be well illuminated without excessive energy. Luminance Luminance shows variabiality in both sources of light, producing more elevated peaks of brilliance when using Led (Figure 5). This tendency is not affected by more or less light because this parameter is related to the colors of the painting more than to lighting. On the other hand, Led light enhances the painting’s own brilliance, differentiating the tones and luminosity with ease and in more detail, and enhancing the intensity of the colors without increasing the level of lighting. In addition, comparing the luminance with the irradiance, we observed that with less energy from the Led on the work of art, there is more intensity of light than when the Halogen source was used. Illuminance The tendency of illuminance is decrescent, which results in a higher level of lighting on the side closest to the projector than on the other side (Figure 6). Furthermore, we observed that the lighting obtained with Led was more uniform than the lighting produced by Halogen light. There was a lower range of difference in light between the end positions of each section; thus, the difference in the lighting is less pronounced with Led. We also observed that regardless of the amount of light that reached the art work, the illuminance was still higher with Led. In this case, with lower emission of energy and a level of lighting similar to the Halogen light, Led offers a clearer and more uniform perception of the work of art. PERCEPTIVE ANALYSIS A perceptive analysis was done using Led and Halogen light to illuminate a pictorial work. The technique for data collection was the survey, carried out through a quantitative - descriptive -questionnaire, where the perception criteria and the technical data obtained were compared. The objective was to define the type of lighting that would offer the best perception of the painting. The variables used in the study where: Halogen and Led light as independent variable, and perception of the work of art as dependent variable. Among the perceptive criteria the following were included: level of brilliance, color intensity, definition of forms and shades, discomfort in the observation and general appreciation of the painting under each source of light. Regarding the sample, observers with a university degree and a knowledge of art and light were chosen, with no gender or nationality differences. The age of the participants ranged between 25 and 35 years of age, focusing on the visual perception of the observer and nothing more. The total sample of the investigation consisted of 23 participants, 16 women and 7 men. The survey was designed in three sections: questions Light A, questions Light B and comparative questions among Light A and Light B. In the section of questions Light A, as well as in Light B, an independent questionnaire was posed for the painting illuminated with Halogen light and Led light respectively. The

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participants were not informed of the lighting used, so as to be free of bias that could steer towards a specific answer. The participants were able to evaluate how well they perceived colors, shapes, shadows, brilliance and the presence of opaque areas in the illuminated painting. In addition, the visual comfort was questioned, when asking if the lighting of the painting created any discomfort in the observer. The evaluation of the questions was rated in a scale of 5 that went from very high, high, normal, low and very low, considering intermediate points so as to avoid absolutizing any answer. In the section of comparative questions from Light A and Light B, photographs of the illuminated painting with both sources of light were used, and they were displayed so the observer could see both images at the same time. This methodology was used with the objective of obtaining a more direct visual comparison, stemming from the possibility of contrasting the perception and lighting preference when looking at both photographs at the same time. The survey was completed in 10 minutes in groups of up to 5 people, allotting 3 minutes for the Light A questions, 3 minutes for the Light B and 4 minutes for the comparative, with a transition of 15 seconds between sections. With this, results were obtained on the observation of the painting under each light, and on selection and preference by comparing the images observing them at the same time. RESULTS Based on the technical study of the investigation, the following results were obtained: - A more uniform level of lighting is achieved with Led lighting when compared to Halogen. - When both sources are under the same levels of lighting, the levels of luminance tend to be higher with Led. - Irradiance has a lower value and more uniformity with Led than with Halogen. - The contrast between background and object maintains an adequate relation, so both light sources are free of glare or visual discomfort. With regard to the results of the individual section of the survey, observing the illuminated painting with each source of light, we concluded that: - The majority of participants had a better perception of colors, shapes and profiles with the Led light when compared to the Halogen light. - Regarding the painted shadows, Led light tends to produce a perception of medium to high intensity, while the Halogen light makes them appear with a medium to low intensity. According to this, Led light enhances color intensity more than Halogen light. - The majority of observers perceived brilliance at a high to medium level with Halogen light, , whereas with Led a normal level between high and low was obtained, and with a more uniform distribution. - None of the lights cause discomfort in the observation, as a result of lack of lighting or due to glare. When evaluating the simultaneous comparison between the images illuminated by Led light and by Halogen light respectively, it was determined that: - With Led light there is better appreciation of colors, intensity of warm and cool tones and of definition of shadows. Furthermore, this light was preferred in the critical spots of greater luminance and in the general appreciation of the work of art. When doing a direct and simultaneous comparison, the differences between images become more perceptible, and it is easier to compare how the painting is perceived with each source. The technical data, which indicates that Led light is more uniform and has higher luminance, implies that this source of light creates more defined shapes, details and enhanced colors, which shows in this part of the experiment.


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CONCLUSIONS At a technical level, Led light is more uniform than Halogen light and the luminance level is higher. With Led’s luminance, the natural brilliance of the colors in the painting are enhanced, because the higher the luminance the higher the color reflectance. Regarding perception, the observers prefer Led light when both lightings are compared simultaneously. This is associated with the technical parameters of this type of light. On the contrary, when the lighting is perceived individually and independently, the majority of the participants prefer the Halogen. This suggests that the human habit of observing with Halogen artificial light, gives them the sense of a better perception with this source. When illuminating with Led, while there is the tendency to a wide acceptance, people are not fully adapted to this type of light, yet. Judging from the answers obtained, Halogen light is considered to generate an unsaturated perception of the image, while Led light offers a clearer and heightened observation. We arrived at this conclusion, at a perceptive level, when watching both images at the same time, as well as a technical level with the study of the luminances, establishing that even with a low emission of energy and the same amount of light, a clearer and sharper perception of the work of art was achieved with Led light. Concerning the investigation, we can consider for a future study a larger sample with people of different conditions, to expand the results. Also, tests can be done using other type of projectors and lamps with different parameters, in order to investigate the influence of light in perception, increasing or modifying the variables of the present experiment. On the other hand, even though the investigation was done on a specific painting, it could be extended to a classification of various types of paintings, with different color schemes and sizes, which could provide us with more information on the perception with Halogen light and Led light. Lastly, it should be noted, that by doing a technical and thorough investigation of the illumination of works of art, the lighting parameters of each source and the visual results obtained with them were assessed, emphasizing that the perception of light is an important topic and it is necessary to continue its study and investigation.

NEW TALENTS NEW WAYS OF COMMUNICATING DESIGN The appearance of technology has brought more than mere convenience; it has changed the way we think and look at the world. The intrusion of social networks in our day to day has changed the way we live. Our homes and workspaces are not the same anymore. Now, we can perform activities that were previously unthinkable such as, buy and sell from our phones or promote our creations. The key word in this process is: communication. How does this affect design? Can we change the way we communicate architecture? In this time of changes, why use the same languages? This is what we asked architect, Nicolás Capo when he decided to start his own studio, HUNICA. Editorial Staff iCandela: What is your background? What were you doing before launching HUNICA? Nicolás Capo: I graduated in the School of Architecture in Barcelona, where I coursed the regulated studies very swiftly. While in my profession, I became interested in disciplines that at the time were novel, such as: parametric design, 3D mapping of cities, programming interactivities in Arduino or BIM, when nobody was talking about them yet. It was a very interesting time for my career. ESiC: Why did you decide to start your own studio? NC: Primarily, I needed a space where I could investigate the new disciplines that held my interest. Working in other offices you learn to work as an architect and there, I noticed the many things that could be improved in the habitual

practice of an office. It was in the air: 3D Printing, Visual Mappings, Rendering in real time, etc. My bosses loved my ideas but never resolved to carry them out, so I decided to do it myself. I returned to Barcelona and settled into a space that belonged to my family and was at my disposal. I started from the bottom, even precariously. With my savings, I bought from a gamer, a couple of 3D printers and a powerful second-hand, computer, by parts. I built a table where I could draw and conceptualize everything that I wanted to develop. And HUNICA was born, we had the chance of revolutionizing the way in which a project was communicated to the client or investor, and even the way we did our work. The clients starting arriving. Now, we have moved twice and we have grown in equipment and in collaborators. ESiC: What positive aspects are gained in this “revolution” of communication in design and architecture? NC: The new tools don’t step on tradition. Even if sometimes it seems that way, I believe the screen will never substitute the feeling of paper. New technologies offer the possibility of working with new languages that were impossible to address until now. They are not the solution, they are the medium; a medium we can use to represent our ideas. Showing ideas such as sound, light, movement, time, the invisible, etc., with the traditional methods, was very difficult, if not impossible. Computers are more powerful; the new software, high speed internet in any device, not only have changed our daily lives, but have changed the language of design in our times. ESiC: What does HUNICA have to offer? NC: HUNICA was born as a space for investigation and development of solutions through the use of new technologies applied to the field of architecture and design. Among other tools we offer Virtual Reality, Augmented Reality and Holograms; we are currently working with new sectors. Our clients become one more member of the team, they share with us the way they work. We listen to them, and with a critical eye analyze how they can make the most of their projects, their products and their ideas. They share their dreams with us and we make them come true. We love the smile of happiness on their faces when they see the dreams they had for their company become a reality.


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ESiC: In your studio, you also design your own creations. How do you understand the creative process? NC: If you are a creative person, you are creative in every aspect of your life. I need to find an outlet for my creativity through other disciplines: painting a picture, playing an instrument, or designing an object. As an architect, designing furniture comes more naturally than composing a symphony. I design many objects. When designing I use the tools I have at my disposal at HUNICA, from the idea, the virtual model, the visualization, all the way to the construction of the actual prototypes. Everybody is welcomed to use our know-how and the tools we have if they want to develop a new product or project. ESiC: In your opinion, what role does lighting play in this process? NC: One day, a friend, who is a lighting designer, introduced me to lighting and from then on I was hooked; as he puts it, light traps you. I love it, it’s a field of incredible potential. It is one of the most technological areas of the architectural project and for an innovator that is very exciting. The more I work with light, the more I like it; a designer can change the atmosphere of a space in a second creating unique experiences for the user. Industry must keep up with them by introducing new products into the market which can offer technical solutions to an area that is becoming more specialized and complex. If designers and industry would get together, they could create innovative solutions. From HUNICA, we have the tools needed for them to speak the same language at the meeting table. ESiC: In the world of design and architecture, who has influenced you? NC: As architects, we have referents; as designers, we have favorites and as lighting designers, some that leave us speechless. But I prefer not to speak of specific influences, I strive to have a broad outlook on reality and when I am interested in an area, this helps me get an idea of the standard and recognize those who are brilliant. Each week I am surprised with a new idol. I believe in the unknown hero, the obscure genius. While analyzing other sectors, I realized that the automobile industry, for example, has mastered to perfection the user’s experience. A car has to be well designed technologically and work properly, but more is needed. That special touch is what ends up interesting the costumer and sparking in him/her the desire to own it. It’s the same with a big company that used to buy computers and now sells mobile phones; they basically sell an experience to the costumer. Their products work fine but they are better at communicating the magic behind them. In architecture, design and lighting, the project is good and so is the technical solution. We just need a special touch to create the magic; to generate desire.

THE 57TH EDITION OF THE ‘SALONE DEL MOBILE’ IN MILAN BRINGS NATURE TO HOMES AND DESIGN TO THE WHOLE CITY Excitement, entrepreneurship, quality and culture are the key words of the first manifesto of ‘Salone del Mobile’ in Milan. It opens doors from the 17 to the 22 of April with two clear challenges: Turn the city of Milan into the great museum of innovation and regain contact with nature. Living Nature is one of the many innovations offered for the enjoyment of the more than 300.000 visitors who come every year to keep their date with the city of design. The Natura dell’Abitare, an impressive installation developed with Carlo Ratti Associati (CRA), explores the connection between nature and urban living, through temperature control and the possibility of bringing the seasons of the year into the homes. About the installation, to be set up in front of the Palazzo Reale, Claudio Luti, president of Salone del Mobile, emphasized in his statement to iCandela, the importance of creating with a sustainable future in mind, not only for the fair but for the city of Milan as well. In his words: “Energy control does not only apply to consumption in homes but also to the possibility of experimenting nature in different ways and sending our message for the future.” During the press conference at the Salone del Mobile in the Università de Bocconi, Claudio Luti, emphasized the prominent presence that the center of the city will have this year. Here, two important events will take place on the inauguration day and the closure of the Salone de Mobile: “The Salone is liquid”, he said. And so is young design which has in Salone Satellite its primary platform, and the more alternative Fuorisalone, the other lighthearted face of the fair.

However, the founder and director of Salone Satellite, Marva Griffin, cautioned on the growing lack of control in this parallel fair: “The goal of Salone Satellite is for young people to have an opportunity to show their designs to the industry so they can manufacture them. In my opinion, the Fuorisalone is getting out of hand due to a lack of control and it is falling in disrepute”, she assured to iCandela. Of the 2.000 companies participating on this edition of the fair (30% of which are international from 164 countries), some have already previewed their novelties at the preSalone, held last February. Among them was Lema who announced its arrival in Spain with the opening of a store in Madrid, and Antonio Lupi who presented his new bathroom mirrors with integrated LEDs. Lorenza Luti, marketing director of Kartell, was also present, and even though she didn’t present innovations she revealed that Kartell will continue to explore the four families of luminaries launched by the company at the last Euroluce, as the Kabuki series but in a reduced version. The designer Piero Lisoni used to say that Milan has the power to connect dissimilar universes; what better proof that a Salone del Mobile, which is art, culture, innovation and above all, design.

Living Nature. La Natura dell’Abitare is an installation located in the Piazza del Duomo, which explores the connection between nature and urban living through temperature control and the possibility of bringing the seasons of the year into the homes. Some of the participating companies already previewed their innovations at the Salone del Mobile, among them was Lema who will enter the Spanish market with a new store in Madrid.


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of the new walls. They become focal points in the atrium thanks to the lighting. The design process strived to understand the lighting conditions during the day and during the night in order to achieve a smooth transition when the sun went down and to obtain the most spectacular space possible. Today, that old grain silo, a reminder of past port days of Cape Town, has become the Zeitz MOCAA, a symbol of the openness and development of a country that has managed to shine a new light on the shadows that darkened its history, reinventing itself from art and architecture. Explorations with natural light revealed ways to use sunlight to animate the space through the seasons, and helped to create a dynamic, attractive, surrounding for the visitors Lighting Designer (Atrium): Arup. Architect: Thomas Heatherwick Photo Credits: Nicolas Cardin

ZEITZ MOCAA: ORGANIC PATTERNS TO ILLUMINATE THE MOST IMPORTANT MUSEUM OF AFRICA The lighting for the atrium of the Zeitz MOCAA museum, designed by the architect Heatherwick Studio, was accomplished by performing a 24 hour analysis of the lighting conditions. A historic grain silo at the Waterfront of Cape Town turned into the epicenter of African art. The Zeitz Museum of Contemporary Art Africa (Zeitz-MOCCA), recently launched in Cape Town (South Africa), is the largest museum in the continent and it is considered by many the African Tate Modern. It is located at the Victoria & Alfred Waterfront, a working harbor that was renovated 30 years ago to create a commercial and touristic center. The Zeitz MOCAA is a product of the collaboration between the MOCAA and the entrepreneur Jochen Zeitz, within the V&A Waterfront development. Heatherwick Studio was responsible for the design of the Zeitz MOCAA and the overall transformation of the Grain Silo complex as a whole, which involved transforming a historic grain silo into a space that could house African art. It has a boutique hotel on the top floors and over eighty galleries distributed in nine flours that are accessed by elevator and a spiral staircase. It also features a garden of sculptures on the terrace, a photography and performing arts center, a bookstore, a restaurant and a reading room. The Zeitz MOCAA is a good example of how architecture can redefine the surroundings and the past, turning the eyes of de visitor towards the artworks of the young African artists. “The design process made it possible to understand the lighting conditions in the atrium during the day as well as

at night, which helped us streamline the design resulting in a striking and attractive space” – Guillermo Martínez, Arup Lighting In line with its privileged location, with Table Mountain as backdrop, and its historical and symbolic importance, the museum needed a lighting project that would enhance the experience and would blend with its surroundings. Arup Lighting was in charge of this key design element of the atrium, inspired in a grain of corn. Here, natural and artificial light complement each other resulting in a subtle transition between day and night, making an impression in the more than 100.000 visitors that walk through the museum daily. THE FOURTH DIMENSION OF ARCHITECTURE Natural and artificial lighting play an essential role in the experience of the visitor of a museum and as such, it was a fundamental consideration for the designers at Arup Lighting. By way of a 24 hour analysis the team of designers developed a holistic lighting solution for the atrium, carefully balanced, combining day light and artificial lighting. The study of natural light explored ways to use sunlight to animate the space through the seasons taking into account the geometry of the atrium and its glazed apertures to create a dynamic, attractive, surrounding for the visitors of the museum “The design process made it possible to understand the lighting conditions in the atrium during the day as well as at night, which helped us streamline the design resulting in a striking and attractive space”, said Martínez. The team at Arup, together with the architects of Heatherwick Studio, worked to identify the focal points in the atrium, creating a striking nocturnal experience for the visitor. The idea was to highlight the cylinders that form the atrium of the museum to maximize the effect of the architectural approach. To this end, spaces such as the elevators and the spiral staircase were emphasized as well as the exterior of the white box that house the galleries of the museum, where the roughness of the aged concrete from the nineteen twenties contrasts with the uniformity


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Also noteworthy is the disco-club ZUU, of Burlesque inspiration, the pool bar and the lounge bar Skybar, where you feel as if on deck of a big ship. Without doubt, one of the largest spaces of the Hotel Sofía is the restaurant IMPAR, measuring 670 square meters and access from the street or from the lobby through a transparent wine wall. The wall that separates the reception from the restaurant is a large screen, custom made and of Mediterranean inspiration that offers the possibility of modifying and creating the surroundings throughout the day. Each panel has one side done in rustic aged ceramic and the other side with a smoked patina. Furthermore, to ensure an adequate ambiance, the screens turn into luminaries by means of a composition of exposed lightbulbs. After this large renovation, the new Hotel Sofía, referent of local social life in the 70’, aspires to become an enclave where modernity, the Mediterranean and history come together to receive tourists and continue to be a small icon in the landscape of the ‘Diagonal’ in Barcelona.

HOTEL SOFÍA THE RADICAL RENOVATION OF A HISTORIC HOTEL IN BARCELONA The former ‘Princesa Sofía’ of Barcelona, now Hotel Sofía, reopened its doors last October, after a complete renovation that left behind, not only its royal title but its classic design, a characteristic part of the hotel during four decades, when it was the most important hotel of the city, an icon of modernity, externally as well as internally. The lighting, created by designer Birgit Walter, creative director of the BMLD studio, was a key piece of the renovation. In the center of the main lobby, which features two levels linked by elevators and a main staircase, an emergent view created with rectangular planes in every direction and installed at different heights, stands out. The sculpture of the atrium, displayed from the false ceiling, generates, through its volume, a dynamic play of brilliances, reflections, lights and shadows in the central area. As a matter of fact, every object in the sculpture is capable of giving and receiving light and shadow, creating a supporting system of connections. As the sculpture, at the center of the lobby, breaks the symmetry of the space infusing it with dynamism, the lighting strives to “highlight the space and its qualities”, according to Birgit Walter. The floating planes incorporate a strip of opal LEDs inside the vertical and horizontal borders; and depending on the plane and the location they can light up with a color temperature reaching 2200K for the golden panels and 2700K for the silver ones. Likewise, to accompany the main sculpture, the surrounding areas, with their rectangular silver and white planes, installed in different directions, have downlights from

Project: Hotel Sofia, Barcelona Location: Barcelona, Spain Lighting Design: design BMLD designing with light Client: Selenta Group Architectural Design Studio: Selenta Group Main Lighting Suppliers: Ledlinear, iGuzzini, Davide Groppi, Dynalite Photography: Álvaro Valdecantos iGuzzini, with darklight technology, that follow a random order and illuminate the traffic and work areas while the surrounding areas remain darker. The individual front desks have an extremely thin pendant luminary (1x1 cm), rendering it invisible to the visitor. The reception area also has LEDs integrated in the furniture to further illuminate the front desk area, and for the matte bronze latticework, downlight darklight of 8º was built-in the ceiling to minimize its visibility. Using custom made decorative luminaries and pendant luminaries from Davide Groppi enhanced the design. On the other side, the monumental staircase, has two lighting systems: One, integrated in the bottom part to emphasize the steps, another one, up high, integrated in the banister, adds volume. All the lighting systems are LED, adjustable and with a color temperature from 2200-3000ºK. OUTLET SPACES OF GREAT BEAUTY The architect, Jaime Beriestain was responsible for designing the six outlet spaces (club, cocktail lounge, restaurant, skybar, bar and coffee shop) of the Hotel Sofía with the intention of making them accessible to the people of Barcelona as well as to the guests of the hotel. The ‘Filosofía’ book café is worth mentioning, with 5,000 books in its shelves; Birgit Walter tells us about its lighting: “It’s a space that gets lots of sunlight, used mainly during the day and has bookshelves around most of the perimeter. We created an enclosure lighting for the project with a central point, the ceiling coving”. For BeSo, another work of Beriestain, that comprises three areas (cocktail lounge, gastronomic restaurant and a lounge), BMLD chose something different considering it is essentially a nighttime space and the bar is a central area. “We incorporated the lighting in the bar counter and used enclosure lightings”, said Walter. She added that for the lighting design of the restaurant they used adjustable downlights from Lucent with technology from Soraa, due to its “versatility to adjust the luminary and chromatic reproduction”. Additionally, LED strips from Ledlinear were used as well as decorative lighting from other manufacturers.

The objects that form the sculpture in the lobby are capable of giving and receiving light and shadow, creating a supporting system of connections. The reception area also has LEDs integrated in the furniture to further illuminate the front desk area, and for the matte bronze latticework, downlight darklight of 8º was built-in the ceiling to minimize its visibility.


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CONCERNING THE SPIRITUAL IN ART BY LED LIGHTING The manufacturer Linea Light and the lighting designer Emmanuel Clair, were in charge of remodeling the lighting at the Musée des Arts Décoratifs of Paris. A project with an important challenge: to enhance the color of the works of art. The Musée des Arts Décoratifs, located on the sixth floor of the Louvre, was created at the end of the XIX century with contributions of private collectors. It houses close to 150.000 objects and works of art from the Middle Ages to our present time. When Linea Light, in collaboration with designer Emmanuel Clair from Light Cibles, were commissioned with the project to restructure the lighting of the medieval and renaissance art exhibition rooms at the museum, their main challenge was to enhance the works of art exhibited and increase their color being aware of their delicate preservation through time. The previous lighting system dated as far back as the 70’s; it was composed primarily of halogen light sources. Thus, it was necessary to adopt modern lighting technologies consistent with the space in the Museum and which emphasized the spiritual aspect of color in the works of art. The contribution of Linea Light Group was the replacement of the obsoletes luminaries for new LED lighting solutions that imparted a spiritual effect on the works of art, as in the case of the polyptych ‘The Virgen and Child”, from The Gallery of Tableaus”. Linea Light’s goal was to accurately reproduce the colors of the works of art to retrieve the entire chromatic spectrum. For this, they used Ultra HD LEDS, which boost contrast and perception of color, as can be appreciated in The Gallery of Tableaus and in the First Italian Renaissance exhibition room. In both spaces they created a the

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atrical, tinted light, focusing the light beam only where needed and grading gradually towards the edges and the frames of the works of art. Thus, the pictures seem to shine, emerging from the walls thanks to the adjustable floodlights. In the space ‘A room at the end of the XV century’ a true scenography was created. The room is illuminated creating a cinematographic effect characteristic of the 30’s, with LEDS installed in the chandeliers, imitating the soft glow of candle light even though it’s coming from hidden projectors.

In some exhibition rooms, the lighting, with diodes installed in the chandeliers, creates a cinematographic effect characteristic of the 30’s

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CATAMARAN ROMA: FUSION BETWEEN RETRO AND INDUSTRIAL A mix of styles is the fundamental ingredient of Catamaran Roma, a project by the Mexican office of Grup Idea for the “Palacio de Hierro” store, in Durango, Mexico; the inspiration for the store comes from the colorful “Colonia Roma”, located in the country’s capital city. In its 115 square meter, the brand transmits its strong industrial trend and vintage soul through a combination of retro luminaries, black false ceilings, neon signs and eye-catching neon lights. As soon as you walk into Catamaran, the flagship store of the Brand from “Palacio de Hierro”, and located in the state of Durango, Mexico, you have the feeling of being at the bohemian “Colonia Roma” in the country’s capital city, a neighborhood that is the cultural center of the hipster lifestyle of the city and where the nouveau architecture of the Porfiriato coexists with modern buildings, parks, coffee shops, museums and galleries. When the project of developing the image and concept of Catamaran was proposed to architects Joselyn Quezada and Rodrigo Grediaga, from the office in Mexico of Grup Idea, the challenge was “fusing the vintage elements of the brand with the industrial character of the area”, says the team at Grup Idea. The ethnic and industrial traits were complemented with cage pendant luminaires over the tables in the ladies area and retro vintage industrial loft luminaires in the gentlemen area; also, neon signs and lights were used. The project is carried out in 115 square meters, with a strong industrial and ethnic character reflected in the


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lighting, which emphasizes the central concept of the project and highlights the different reddish tones of the furniture. In addition, a different type of luminary was installed in every area of the store: in the space allocated for ladies clothing, metallic cage luminaires were installed over the nest tables and the gentlemen’s area was complemented with retro vintage industrial loft luminaires, covered with a hanging mesh. The access to the central hallway was accentuated with two vintage octopus luminaries, with nine lightbulbs each, installed on the ceiling and with neon signs and retro neon lights, to attract attention from the exterior. Finally, on the black false ceiling area, lighting was installed over the nest tables to make them stand out in the space, while the perimeters were bathed in warm light from rails and reflectors. “We wanted the rails to be invisible but for their lighting, and let the reflectors highlight the product”, stated Grup Idea. CATAMARAN ROMA Location: Durango (México) Design: Grup Idea (Joselyn Quezada y Rodrigo Grediaga) Client: El Palacio de Hierro. Photography: Mauricio Avramow Gutierrez

RCR “LIGHT, LIKE MUSIC, HAS NOT ONLY MELODIES BUT ALSO SILENCES” The need to go back to essentials to communicate the universal is not only one of the premises of RCR Architects studio, it’s also the basis for its name, formed by the initials of Rafael Aranda, Carme Pigem y Ramón Vilalta. They are a trio of professionals that in three decades working in their ‘creative architecture workshop’ have reaped formidable works such as the Bodega Bell-Lloc in Palamos (Gerona) and the Soulange Museum in Rodez, (France) that brought them the Pritzker Award for Architecture 2017. We spoke with them about the creative spark that fuels their projects and the meaning of light in architecture. Editorial Staff iCandela: You define yourselves as a ‘creative architecture workshop? How and when was RCR born? RCR: The studio was born when Rafael, Carme and Ramon completed their studies at the ETSAV (Escuela Superior de Arquitectura del Vallès), returned to their home city and began working together, growing together, creating together… For us, architecture is the art of materializing dreams on a long journey, we have never thought of it as work. It has been a way of life. ESiC: Do you work your buildings as “architecture of the landscape”? Do the surroundings influence your works? RCR: As architecture of the landscape, as architecture of the feel for spaces, as architecture that transcends us. To be sure, our surroundings have an impact on our life, in the

same way that lighting has a dialogue with nature because it radiates its vibrations through light. ESiC: In the project of the lighthouse at the port of Palamós, ‘Light Sphere’, you describe light as a ball of fire? Do you understand light as projectual material? RCR: Of course, light is key for defining atmospheric spaces. ESiC: What is the formula for creating the universal starting from the intimate? RCR: Only through the essential can you communicate the universal. Essentially we are all the same, from there we multiply and differentiate. When we go back to the essential, we come together again. ESiC: Are tradition and innovation key to your architecture? RCR: Conceptual essentiality can be shown with technology at its disposal and not by expressing the latter. ESiC: What do words such as shape, matter and light suggest to you? How do light, shadow and silence relate? RCR: The world is a complex place and through managing the elemental (that’s not to say the simple) you perform an artistic procedure by working with complementary pairs, according to Carlos Martí in his “silencios elocuentes” (eloquent silences). Light, like music, has not only melodies and intervals, but also silences. The silences, the shadows and the empty space contribute to give the proper value to sound, light and the full space. ESiC: Do you address all the projects in the same way? RCR: We always work with the same attitude and procedure, but we do not have a propositional model. What we do is work together, at one table, and around it we share and talk; that is the secret of our approach. ESiC: How is the relationship with your clients while developing a project? And with the lighting designers? RCR: With our clients we initiate a long journey that includes endless topics and stages, and light (daylight and nightlight) is part of them. With the designers we talk about essential concepts to find ways of obtaining the spatial qualities we are looking for and to find the technical solutions that will make them possible.


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ESiC: Japanese architecture and the works of architects such as Mies van der Rohe have been a great influence in your works. What attracts you to them? RCR: What sparks our interest in Japanese culture in general, not only in their architecture, is their sense of perfection, of the exquisite, their cult of nature. Regarding architects such as Miles van der Rohe or Donald Judd, to name a few, is their search for transcendental beauty in their work. ESiC: How did the idea of Laboratory Barberi and its summer courses arise? RCR: It was born to transmit, reflect and receive energy in a multicultural medium. As a matter of fact, the only requisite to assist to the courses was to come open to encounter a unique experience. ESiC: What would be your advice for a young person wishing to pursue lighting design? RCR: Our advice, surely, would be to be moved by the dawn’s early light shining on the morning dew. ESiC: You created the RCR Bunka Foundation to stimulate the appreciation between the society of architecture and landscape. What milestones have you accomplished? RCR: We created this foundation to stimulate the appreciation between the society of architecture and landscape. We can state that we have made architecture a topic for discussion. RiC: Can you give us a preview of the Catalan pavilion for the coming Architectural Biennial in Venice? How was the work team elected as co-commissioner, jointly with Pati Nuñez and Estel Ortega? RCR: At the Biennial in Venice, we will talk about our dream, the one we began to shape, the present one we are building. The co-commission came about - it couldn’t have been any other way - through a contest convened by the Ramon Llull Institute.

“Architecture is the art of materializing dreams on a long journey. It’s a way of life”. “At the Biennial in Venice, we will talk about our dream, the one we began to shape, the present one we are building”.

MAURICI GINÉS “THE ARCHITECHTURE OF RCR HAS SOUL AND LIGHTING IS AN IMPORTANT PART OF THE ECUATION” Designer Maurici Ginés, founder of Artec3 Studio, says that in order to create a good lighting project for a space it is key to assume the intentions of the architect as your own through the lighting. This is easily done when an architecture firm considers the immaterial aspects of a project as much as RCR does; Artec3 shares a unique chemistry with them. We have only to look at some of the projects they have done together to see that light, space and materials form a whole: The Soulages Museum in France, restaurant Enigma, of Albert Adriá in Barcelona and the award-winning Lagares Showroom. We talked to Maurici Ginés about the magical equation between both studies. Editorial Staff iCandela: In 2016 Arctec3 worked together with RCR studio in the lighting design of the Soulages Museum, in Rodez (France). What methodology did you use and what were the challenges of the project? How did the work with the architects develop? Maurici Ginés: This project developed in a very particular way because we worked in natural light design and in artificial light design. We were striving to create lighting atmospheres responding to the architecture and to Pierre Soulages’ work. I had already been part of a project de

signing the natural lighting in a building, but this was the first time that we worked on creating an atmosphere for each room in relation to the exhibited works of art. The natural light that shone through the skylights was supplemented with artificial lighting, integrated in its own geometry to maintain the ambiance and the sensation of light. We also had a system of artificial accent lights to highlight the works of art exhibited. Another interesting challenge was the lighting of de “Noirs” collection at the Museum. These are pieces that reflect the light that shines on them creating various visual compositions of the same piece, depending on the location of the observer. They have to be illuminated very subtly in order to achieve the feeling and expression that Pierre Soulages was expecting. On this occasion, in addition to ambient light, we basically used leds limiters with lenses, for to the soft and veiled reflection they give. Working with RCR Architects is very stimulating and interesting. Lighting has an important role in their architecture which is a great opportunity to reflect on the relationship between light, space and materials with the purpose of finding the necessary sensibility to communicate a place through light. ESiC: For the lighting of the restaurant Enigma of Albert Adriá, a cloud of leds, as enigmatic as the restaurant’s name, was presented. How did you come up with this idea? On what measure of light and architectural space did you ground yourselves to create such a labyrinthine and suggestive interior? MG: The idea of the cloud came from RCR, it was part of their concept for the restaurant. The intention was to find a neutral space, born from abstraction, to enhance and elevate the gastronomic experience in the place, blurring materiality through light, reflections and veils. The design of the cloud was a joint process being that its composition depended substantially on light. The lighting was achieved through several layers: the material layer was created by the architects and the lighting layer by us. In general, the cloud had in its interior two matrixes of 2w leds, white light of 4000ºK and RGBW light, placed at 60 centimeters of each other; a diffusing layer was placed under the leds to achieve light densities, another layer was a transparent support, attached to the diffus-


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ing layer, and a final hanging layer that generated densities of greys and shadows. The composition of the grays and the respect for not altering the color of the food was very important in the project. For this reason the color temperature chosen was 4000ºK, with high chromatic reproduction. In every project with RCR, light and materiality go hand in hand, they are part of a whole. ESiC: For the design of Lagares Showroom, Arctec3 won the prestigious award “Premio IALD” for Excellence. One of the judges praised your work saying that lighting had created “a new art form” in this space, used to show bathroom fixtures. Is lighting a new art form per se? In your opinion, what is the power and significance of light? MG: Lagares Showroom is a fond memory; it brought us an important prize from the lighting world. Light has always been an art form, depending on how it’s conceived and applied; as such it’s subject to evolution. At this time, with the development of technologies and the professionals that master them, this statement is more accurate than ever and we can experience spaces of higher quality and ones that allow a better visual experience through light. In my view, what the judges valued was the subtle application of light in a simple concept, clear and precise, and in a space where a composition of lights and shadows was created to communicate a product. Considering the type of space where it was realized and its relation to the architectural proposal, it can definitely be considered an artistic and innovative lighting communication proposal. Light has the power of making us feel good in our living spaces; it can also create experiences of perception that can move us with emotions. The subtle play of light and shadow has the power to continuously bring us closer to beauty. Light has an inherent meaning and at the same time it is whatever we want it to be according to our experiences and acquired culture. Light manifests architecture and it makes us perceive spaces. The importance of light in art can be appreciated in the work of Turrell or Olafur Eliasson, in concerts and theater plays to communicate the artist’s emotions. It is also evident in architectural lighting, where it’s used as marketing communication and branding in retail, restoration, hotel chains or simply, expressing our own private spaces. ESiC: How would you describe the experience of working closely with a studio such as RCR? You could almost say that you understand each other as if you were one… MG: Our experience with RCR is very rewarding; we value them at a personal level and as architects for the experience they have accumulated. Their proposals are innovative and full of content; they value materiality as well as immateriality in the designs they propose. In my opinion, their architecture has soul and a special essence; they create places of close experiences. Light is an important part of this equation, it would be difficult to achieve the balance in matter of their designs without light or lighting. To design a good lighting project or to communicate architecture it is key to understand it and to assume the intentions of the architect as your own through the lighting. From this standpoint, good chemistry and understanding is generated and it provides us with the opportunity to work for a common goal as if both studios were “one”. ESiC: As a lighting professional and ex-president of the Professional Association of Lighting Designers (APDI), how has the role of the designers changed in the past years?

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MG: The role of the lighting designer has been growing since 1994, when it was unknown, and even though it’s not totally established, it is starting to be demanded by architects and clients. This is a big step and we owe it to the efforts of APDI and its constant support of the development of the culture of light in our country, to the masters and courses taught in the various universities, home of the new professionals and where knowledge about lighting is promoted, and above all, to the good work done by the lighting designers; with their quality projects they are sowing the profession. ESiC: In what project are you working at the moment? MG: At this time, I am working in a project for a film library in Mexico City, jointly with Toyo Ito Architects, where light has an important role conceptually and the culture of cinema is ever present. In a few months, the greatest permanent media matrix executed in a facade in Mexico, for the Manacar building of the architect Teodoro González de León, will be launched. It is a monochromatic project, subtle and very respectful of the environment. We are collaborating with RCR Architects in the new wineries “Cavas del Castell de Peralda in Girona, an interesting project were, once again, we work natural light and artificial light to create different atmospheres related to the world of oenology. In addition, I am preparing new art pieces with light from the collection “Llumversació” for a new exhibition that I am hoping can be done before 2018 ends, which keeps me motivated.

“The subtle play of light and shadow has the power to continuously bring us closer to beauty.” “In every project with RCR, light and materiality go hand in hand, they are part of a whole.”

CARMINA BURANA: LIGHTING AS A SECOND MUSIC SCORE The cloister of the Uclés Monastery in La Mancha, was the stage of an exciting musical performance where lighting design played a leading role. The creation of an infinite space that would complement the music, also infinite; the dialogue between the lights and the projected images, and the importance of coordinating the times of the light with those of the music were the main challenges. This is how a town of artists managed to turn the wheel of fortune in their favor, the same wheel to which Carmen Burana dedicates one of the its famous goliard poems. Uclés is a town in Castilla La Mancha with a population of barely 200 inhabitants. Among its permanent and temporary residents there are various personalities from the national art and design world. In one of their habitual gatherings at the “Taberna de Perico”, the hostel businessman, Fernando Nuñez Rebolo, challenged the artists assembled there: he wanted to put together a great opera concert as a gift for his parents and the town. At that point, designer David Perez and illustrator Ana Yedros, both residents of Uclés, clinked their glasses and joined in the initiative. Even Perico, de tavern owner, came out from behind the bar and boasted that if there was ever a concert he would personally fill everybody’s glasses with wine. But, would they be able to turn the inn-keeper’s dream into a great show? After choosing the emblematic cloister of the Monastery of Uclés as stage, the composer and orchestra conductor Luis Carlos Izquierdo, proposed for the music an adapta-


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tion of Carl Orff’s musical score for Carmina Burana, with two pianos and a chorus of eighty singers. Those who are familiar with Carmen Burana know that these goliard texts, which date from the XII and XIII centuries, exude sensuality. In addition to the famous introduction ‘O Fortuna’, the songs praise the awakening of nature and the senses, the joys of love and the tavern from a very contemporary perspective. So, how could we set a profane opera in the cloister of a monastery so that the music and the sacred architecture would not be discordant? How could we combine the three fundamental aspects of lighting – space, color and time – to support the music and the projections of the watercolors created by Ana Yedros, inspired by the texts and the melodies? It was essential to narrow the most extreme and connotative elements in the two semantic systems. On one side, we visually erased all elements that made reference to religion and spirituality that permeated the place; on the other, we avoided highlighting the more sensual and shocking details of the text. Our goal was to marry the majesty of the building and the classic rhythm of its design to the power of the music, so it could fill the space with its lyricism and not with the impropriety of some of the verses. The key staging decision was to reduce to its bare minimum the elements of the set decorations: three stands for the chorus, singers and musicians, and a large central screen designed by David, in a circular shape, to resemble the wheel of Fortune, where Ana’s watercolors would be projected. The final location of the stage, in a corner of the esplanade, painted an unparalleled and unexpected scenic landscape, where the eyes of the public gained distance and perspective before proceeding to the vanishing point, the center of the geometrical pace, where the stand of the musical director was located. AN INFINITE STAGE The challenge for the lighting was expanding the stage area to include the cloister as an element. Placing the public of a thousand people in a diagonal position, included both sides of the cloister in the view from every seat. Furthermore, the music was going to reach further away from the stage and the lights had to go with it. In an a space that was both open and geometrically closed at the same time, such as the cloister, restricting the show to the illuminated stage would have been a waste of the dramatic possibilities of music and space. Compared to the majesty of the cloister, the stage would have appeared very small; it would have been like listening to a radio in a ballroom. Clearly, it was a problem of scale: the quality and potency of the music had to be balanced with the visual power of the space. For this reason, it was imperative that lighting surpassed the limits of the public’s visual field. At the rehearsals of the choir and orchestra, it seemed that the music of Carmina Burana had infinite power, so I found a way to create an infinite show with lights. The choice of lighting equipment and its placement can be divided in two large groups: The frontal floodlights for the stage and walls were mounted on a large central tower that would house the projector, some of the amplifiers, and all the engineering controls. The backlight floodlights for the chorus and the musicians were placed on the upper floor windows, above the stage, and in other windows two motorized floodlights to wash over the rhythm of the upper floor columns at the

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base. Likewise, in the interior of the upper floor rooms, floodlights that gave a feeling of ‘interior life’, were installed. I chose this resource for the Carmina Potoria songs that celebrate the tavern, drinking and communal life; the public could see an animation of the tavern from the windows. On the ground floor, the front and the sides of the columns were illuminated, as were the inside of the porticoes. The floodlights were grouped by homologous batteries and the chromatic control of the lighting was also arranged by floodlight batteries, even if the groups broke and regrouped, creating diverse spatial rhythms for the different songs: The diverse planes and architectonic details were seen as separate groups, the final composition strived to highlight the tri-dimensionality of the space with contrasting chromatic planes, superimposed in variable groups. THE DIALOGUE WITH COLOR Circularity figured prominently in the design of the show, even in the songs: it ends and opens with the same song, the famous ‘O Fortuna”. In consequence, the screen was circular and a visual journey through the chromatic wheel of primary and secondary colors, in a circular direction was created. After that, we began working with the images we would project, the watercolors of Ana Yedros, with colors that were not always realistic but with surprising and interesting results. In fact, these images were the perfect starting point for the choice of colors for the lights, suitable for every musical moment. The animated illustrations on the central screen and the chromatic richness of the watercolors, emphasized the configuration of the cloister and the lighting of the stage. We wanted lighting that would work as an amplifier so the images could reach the public’s complete field of vision. That is not to say we limited ourselves to choosing the same color predominant in the image when selecting the lights, but instead, we created a chromatic palette, for every series of images, that agreed or contrasted with them depending on the moment. Visually, the lighting accepted the images, amplifying its power through all the space, but it could also repel them in anticipation of the next picture. It could even negate them, painting a picture so in contrast that it would erase the image by dwarfing it. The color palettes used: a classic alternation between cool and warm colors of light, reinforced the progression of sad, cold, joyful or gentle themes, and contributed to the dialogue between lights and images that grew richer, as it weaved itself with the dynamics and colors of the music. This chromatic dialogue between images and lights wrote a visual rhythmic score that “dressed” the music and created a synesthetic experience. THE MUSICALITY OF LIGHT In the theater, lighting has a script but it cannot forego the musical times. During a performance, many different lighting modes follow each other, chromatically or compositionally. The lighting not only changes in color but in direction and size; it can be one or many, big or small, pleasant or unpleasant. Likewise, all these lighting modes have a rhythm and a transition time, from one to the other: slow or sudden, natural or artificial, sweet or frightening, anticipated or unexpected, myriad nuances that influence the spectator’s perception and take him/her from one mood to the other. This effect is magnified if all the scenic arts “sing”

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together to communicate, precisely and fully, the artistic content to the public. That is not to say music, light, dialogues and settings have to be monotonous and unicolor. Each designer has to know how to be a team player, using his medium to contribute to an overall harmony, leading when necessary and enhancing the other elements, at other times. It is impossible to ascertain what makes a show work and other not, but it is clear that there are more chances of success if all the artists are pulling in the same direction. When designing lighting for a concert it is key to have indepth knowledge of the musical score and its dynamics; even the best lighting designer would obtain mediocre results if he/she fails to listen to the concert, at least as many times as the musicians. Keeping the lighting in pace with the music was surprisingly easy. After a few questions about the times and musical colors of the pieces and transitions, Luis Carlos, the musical director, shared with me what many musical and stage directors take years to understand: “I have one more musician that plays lights, but we don’t see each other- referring to the classic placement of the director, with his/her back to the public-. You and I have to be very clear on the times”. At night, in an open space, light is very important because it’s always present even when it’s not. Darkness in a show can be more powerful than the most intense light. Fading to black can be done gently or abruptly; after a blackout, the last image perceived can linger in our eyes for a few seconds, more so if it’s coming after very bright light or strong colors. The designer knows this and takes advantage of the effect to stretch the show, to give us the present memory of something already gone, something you can see, but is no more. In theatrical lighting, the use of blackouts is a sensitive topic; a blackout can magnify a sensation as well as break the rhythm of the show. As a rule, it’s a resource that should be use cautiously. While the musicians rest their instruments and turn the page of their musical score, the lighting ‘touches’ the silences as well, in presence or absence: the transitions are, in the lighting script, one of the most difficult parts. Musical score in hand, Luis Carlos and I decided how many blackouts we wanted in our show; how many quick transitions and how many slow. To be sure, we had to expect the technical imperatives and respect them, such as the movements of the solo singers leaving their place in the choir to go up the stairs towards the central position, or a change of instrument from one of the musicians. Everything had to be seamless and the problems invisible. Between one song and another, there was to be no fall in the rhythm, holding the tension and the public’s breath until the next musical explosion. We designed some blackouts and some partial blackouts maintaining the shape of the conductor illuminated, as if suspended in the pervasive darkness. Luis Carlos, from behind, with his arms raised up high, heralded the return of the music, and with the melody, the musical lighting, infinitely easier to compose than the one of silences, was intended to arouse emotion with every dramatic effect of music, images and lights. It culminates in the impressive final explosion of ‘O Fortuna’ returning, repeating the opening of the performance, to close full circle the wheel of time and the great show that Fernando Nuñez Rebolo and the whole team had bargained for.


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And Perico? Perico found a way of being part of the show and keep his promise of distributing wine to the musicians and the public, with rehearsed times and trips, like any other actor.

The chromatic dialogue between lighting and images, where cool and warm colors alternated, wrote a visual rhythmic score that ‘dressed’ the music and created a synesthetic experience. The musical light was intended to arouse emotion with every dramatic effect of music, images and lights up to the impressive final explosion of ‘O Fortuna’. TECHNICAL AND ARTISTIC TEAM: Lighting: Ada Bonadei y Peggi Grassia (VANCRAM). Art Direction and Stage Design: David Pérez. Musical Direction: Luis Carlos Ortiz Izquierdo. Choir and Ensemble: Fernando Núñez López. Illustrations: Ana Yedros. Audiovisual Production: Mercè Rodríguez. Technical Direction: Guillermo García (NUNSYS), Antonio Megías (NUNSYS) y Chema Carreras (ARTEC), Piano 1 y 2: Mario Mora y Blanca María Ruíz. Percussion: Miguel Ángel Orero, Miguel Ángel López, Alicia Robles, Julián Redondo y Javier Zanón. Flute and Piccolo: Oscar de la Cruz. Bassoon and Contrabassoon: Javier Caruda. Viola: Jimena Villegas. Violoncello: Leticia Prieto. Soprano Solo: Victoria Manso. Tenor Solo: José Ángel González. Cathedral Choir: Escolanía de la Venerable Hermandad de la Soledad de San Agustín and its Director, Juan Pablo de Haro.

URBA CAIXAFORUM BARCELONA: DISCOVERING ARCHITECTURE WITH LIGHT CasaRamona, a modernist factory, is the central element in a lighting project aimed at restoring its presence and visibility in the city, with a design that maximizes the integration of light and architecture based on three main actions: A fresh approach for the urban lighting that surrounds CaixaForum; an intervention on the facades to enhance the architectural elements; and the use of its skylights and windows, designed at the beginning of the XX century by the architect Josep Puig i Cadafalch. When the architecture studio, AIA Instal.lacions Arquitectòniques, and the lighting designer Michela Mezzavilla, won the 2014 competition of ideas proposed by the “Obra Social La Caixa” for the exterior lighting of CaixaForum Barcelona, their most important challenge was to improve the visibility and nighttime presence, of the museum, enhancing the modernist architecture of the city’s historic textile factory. The Factory was created by the architect Josep Puig i Cadalfalch and it was very innovative, at the time, for the use of large windows and skylights as a lighting approach but was eclipsed by the fountains of Montjüic and the buildings of the Universal Exposition of 1929. The design proposed by AIA and Mezzavilla, was based on a respectful approach through a few key concepts that solved the existing lighting problems and maxi

mized the integration of light and architecture so that the luminaries remained unnoticed yielding all the limelight to architecture. The design was established on four main pillars: the use of urban elements for the lighting, updating the existing lights of street and monuments; highlight the architectural elements by installing lighting on the floor, around the perimeter of the building; and illuminate from the elements integrated in the existing windows and skylights, as well as light up the towers in Casa Ramona as if they were jewels, emphasizing their essence. THE MAIN FACADE The design team proposed a combination of two integrated systems: projection, from the urban lamp posts, and a grazing perimeter lighting system with LED, installed at the plinth of the building. On one side, the lighting by projection covers the level of lighting at the base, while the grazing perimeter light enhances the architectural elements, the Catalan vault and the texture of the brick. The urban lighting that surrounds the CaixaForum building was also taken into consideration, as told by designer Michela Mezzavilla: “The grazing light was a touch but general lighting for the top part of the facade was needed. That is why the first level of the intervention was to bring the existing urban lighting up to date.” All the lighting was done with warm colored LEDs, to obtain a light shade that would be adequate to the material of the building. In the grazing lighting, the beam light with refractor lens, covers the height of the building, and the LED system enables adjustment of intensity and light tone. This facilitated adjustment of these parameters for the different heights of the building. In the new lighting by projection from the street lamps of the Hess house, a combination of LED luminaries, of various potencies and optics was used. They ranged from 17W, optical spot and luminous flux of 1,3klm, to 68W, optical flood/elliptical and luminous flux of 8,2klm. The median luminous level achieved on the facade was around 50 lux. These values can be controlled by regulating the flow of light to adjust it to the desired lighting effect and contrast. Furthermore, special anti-glare accessories have been


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installed in the perimeter LED light, for the pedestrian’s comfort. The LED luminary is a Linealuce Compact model from iGuzzini with a potency of 12W/m, 12 LED per meter, luminous flux of 1160Lm/m i wallwasher optics i IP66. The effect enhances the architectural details, particularly the Catalan vault and the vertical mountains. It also gives a subtle plastic effect of grazing light on the brick wall, which contrasts with the previous lighting that was very plane, cold and created light pollution and distorting shadows. “These historic buildings were designed to be seen during the day and when you illuminate them by night, you make a surprising reinterpretation of its architecture. If you don’t have that concept in mind you illuminate as if it were a flashlight. Our intention was to discover CasaRamona’s architecture as a whole and make it amazing”, says the architect, Albert Salazar. According to lighting designer, Michela Mezzavilla, one of the most remarkable features of the project, in terms of discovering the essence of the architecture, was the lighting of the towers of CaixaForum as if they were jewels. To that end, the lighting was implemented from below and integrated into the elements, increasing the intensity to achieve the desired contrast, and with a plastic modeling by accent lamps. A curious and precious detail are the historic lanterns, designed by the designing team, who reproduced them with total fidelity, even creating a special light bulb that replicated the light shone by the gas lamps of long ago. INTERIOR PATIOS Using the architecture of the building to their advantage, the architects proposed a complementary lighting system from the windows and skylights. This solution helped integrate the lighting leaving the space free of extra elements. The existing skylights were used to emit different colored lights: red, orange and blue, the corporate colors of La Caixa, colors that can be personalized for the multiple events that take place in the interior streets of the museum. The luminary integrated in the skylights is IP66 sealed LED equipped with RBGW LED to create scenes in different colors, and at the same time, have the same tone of white as the rest of the lighting, according to the occasion. The out-put is 27Wm, light beam 1980lm lm/m and wallwasher optics. The light level can be controled regulating the light flow to adjust it to the desired contrast, making it possible to achieve a level between 40lx and 10lx. With this, the skylights are upgraded to architectural elements, a warmer tone of light, more in accord with the material, is infused, plus a more inviting ambiance and more uniformity. Improvements that stand out when compared to the condition of the previous interior facades and the patio of CaixaForum, whose lighting was not uniform, emitted glare, did not enhance the architecture -the facades were dark- and had a cold and unwelcoming tone. “We were looking for a soft and constant light output that would go down at nighttime and could create various scenes. The lighting for a Saturday night or during a party is not the same that the light for any given Tuesday. Furthermore, using LED technology we were able to reduce the environmental impact and save more energy”, says Salazar. However, the definitive element that won them the contest, according to the architect cofounder of AIA studio, was the proposal of a holographic projection of the star

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icon of CaixaForum, that would be beamed from the towers during the inauguration and special days. The previous modernist building of CasaRamona is etched in the imaginary of its visitors, not how it was before, eclipsed by its surroundings as soon as the sun went down, but how it is today, a cultural enclave, emblematic of Ciudad Condal, looking good during the day as well as during the night, always telling a different story on its towers illuminated as jewels and in its Catalan vaults. Something that the great architect, Josep Puig i Cadalfalch, would probably admire.

Albert Salazar: “These historic buildings were designed to be seen during the day and when you illuminate them by night, you make a surprising reinterpretation of architecture”. For the main facade, the design team proposed projection, from urban lamp posts, and a grazing perimeter lighting system with LED, installed at the plinth of the building.

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