iCandela 26

PROTAGONISTA Alberto Campo Baeza: “La luz llega a nuestra alma de una manera inefable”

REPORTAJE Darc Awards 2017: unos premios con sabor latinoamericano

URBA Centro Botín de Santander: el edificio tolerante de Renzo Piano

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ILUMINACIÓN ARQUITECTURA INTERIORISMO

CONTENTS IN ENGLISH

ILUMINACIÓN DELTA LIGHT ESPAÑA, S.A. C/PONT DE CAN CLAVERÍ, 58, P.I. “LA LLANA” 09191-RUBÍ (BARCELONA) TEL / 93.586.19.00 · FAX / 93.697.95.00 marketing@deltalight.es www.deltalight.es

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Sumario

SUMARIO

4 Sumario 6 Editorial 8 Apuntes La iluminación devuelve la vida a la Plaza Nikis, en Grecia 12 Aula CD La luz interior para personas mayores con problemas de demencia 20 Nuevos talentos ¿Quién dijo crisis?

22 Apuntes Fama-Lab 2017: Gran acogida de la primera Feria de Arquitectura y Laboratorio de Ideas de Madrid

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48 Hawkers Madrid Del “bit al átomo” con Light & Studio 50 Protagonista Alberto Campo Baeza “La luz llega a nuestra alma de una manera inefable!

60 Apuntes Arquitectura e ingeniería 64 ¡A escena!

Luz en acción 68 Urba Centro Botín de Santander: el edificio tolerante de Renzo Piano 75 Contents in English

26 Darc Awards 2017 Unos premios con sabor latinoamericano 40 Matemáticas La galería Winton, un túnel de viento hecho con luz 46 Nakar Hotel de Palma de Mallorca El “hogar” de las almas viajeras

Créditos

Edita Mag Ediciones Sl Editora Mercedes Arroyo Redacción Annabel Saavedra Publicidad icandela@icandela.com T. +34 629 25 42 17 Diseño gráfico y maquetación Titular Studio Autor de ilustración de la portada: Titular Studio Han colaborado en este número Adrián Muros, Ana Maria Sevilla, Víctor Jordá, Sergi Sauras, Pau Garrofé, Josep Masbernat (iGuzzini), Maurici Ginés (artec3 Studio), Alberto Barberá (Lupercales – Anoche Iluminación Arquitectónica), Mara Spentza (406 architects), Guillermo Martínez (Arup), Alberto Campo Baeza, Carlos Ferrater (OAB), Light & Studio, Jung, Birgit Walter (BMLD), Mónica Lobo (LD Studio), Paulina Villalobos (Diav), Miguel Ángel Calanchini (Diseño en Iluminación Arquitectónica – El Primer Día), Vicente Pillado, EGEA Iluminación, Fluvia y Almudena Aguado (Hermandad Nacional de Arquitectos).

Consejo de Redacción de icandela e icandela.com Joaquim Adell, Alberto Barberá, Jordi Ballesta, Cristina Camps, Marià Vallès, Miquel Ángel Julià, Ángel Martínez, Gustavo Avilés, Lighteam, Roger L. Valcells, Álvaro Valdecantos y Adrián Muros.

Asesor en arquitectura Ángel Martínez Impresión Arts Gràfiques Cevagraf D.L. B-20405-2011 Redacción y administración Icandela Carrer Molí d’en Bisbe, 13 Foinvasa 08110 Montcada i Reixac (Barcelona) T. +34 93 417 30 90 / +34 629 25 42 17 F. 93 417 13 99 www.icandela.com icandela@icandela.com redaccion@icandela.com Revista Icandela ISSN 2339-9503 Portal web Icandela.com ISSN 2339-9511

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Queda prohibida la reproducción de cualquier parte de la misma, en cualquier soporte aun citando la procedencia.

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EDITORIAL

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Editorial Después de un verano algo ajetreado, aunque reparador, aquí estamos para empezar el curso en plena forma, y con muchas ganas de retomar y abordar nuevos retos y proyectos.

Nueva imagen, misma esencia New image, same spirit

En esta 26ª edición, tal y como prometimos, estrenamos etapa y, con ella, ilusiones renovadas, pero con el propósito firme de siempre: seguir colaborando en la difusión de conocimientos sobre la iluminación, en todos sus ámbitos, para aumentar en lo que sea posible el interés de nuestros lectores por la luz.

La nueva imagen es un paso adelante en la evolución de iCandela, porque la prensa profesional escrita no está exenta del maremágnum que viven los medios de comunicación en general, quizá por eso, estamos obligados a renovarnos o a morir. Es posible que el futuro de la información sea inevitablemente de tipo digital, pero no parece que eso se vaya a producir de manera inmediata. Nos guste más a unos, y menos a otros, vamos a tener que convivir de una forma híbrida durante muchos años todavía… El nuevo diseño, asimismo, refleja perfectamente los valores de la revista: nitidez, vanguardia, dinamismo, calidad y, por encima de todo, amor por la luz y por quienes no conciben el mundo sin ella. Alberto Campo Baeza, el protagonista de este número, es un claro ejemplo de ello.

Es evidente que ningún libro, catálogo, periódico o revista impresa, pueden competir con la inmediatez del mundo digital y el acceso, en tiempo real, a casi toda la información que generamos. Sin embargo, hoy por hoy, navegar por internet en busca de datos o noticias no es comparable al placer irrestible que produce tener entre las manos a tu autor favorito, tu periódico de cabecera –es verdad que cada vez más solo podemos leerlo tranquilamente los fines de semana–, o esa herramienta de trabajo que guardamos –como si de un coleccionista se tratase–, muchas veces con una señal sobre aquello que despertó nuestro interés y, que consultamos a posteriori, como si tuviera un valor añadido respecto a lo visto en la página web. Lo tiene, estamos convencidos de que lo tiene, y apostamos claramente por ello con esta nueva imagen y contenidos.

Esperamos vuestros comentarios y deseamos que disfrutéis con la lectura. Eso quizá signifique que disponéis de uno de los más preciados tesoros de la época que nos ha tocado vivir. Tiempo.

Mercedes Arroyo Editora

Nos vemos en la PLDC de París y en InteriHotel, Barcelona.

After a busy but refreshing summer, we are here to start the course in top form, and eager to take up and tackle new challenges and projects.

In this 26th edition, as we promised, we release a new stage and, with it, renewed illusions, but with the same firm purpose as always: to continue collaborating in the dissemination of knowledge about lighting, in all its areas, to increase in whatever possible the interest of our readers for the light.

The new image is a step forward in the evolution of iCandela, because the written professional press is not exempt from the maremágnum that the media live in general, perhaps for that reason, we are obliged to renew or to die. It is possible that the future of information is inevitably digital, but it does not seem to be happening immediately. Wether we like it or not, we will have to coexist in a hybrid way for many years yet... The new design also perfectly reflects the values of the magazine: sharpness, vanguard, dynamism, quality and, above everything, the love for light and for those who do not conceive the world without it. Alberto Campo Baeza, the main figure of this issue, is a clear example.

It is evident that no book, catalogue, newspaper or printed magazine can compete with the immediacy of the digital world and access, in real time, to almost all the information we generate. However, at the time being, navigating the internet searching data or news is not comparable to the irresistible pleasure that comes from having your favorite author, your headline newspaper in your hands ¬–it is true that more and more we can only do it during the weekends–, or that work tool we keep –as if it were a collector–, often with a signal about what aroused our interest and, which we consulted a posteriori, as if it had an added regarding to what was seen in the Web page. It has it, we are convinced that it has it, and we clearly bet for it with this new image and contents.

We look forward to your comments and wish you enjoy reading. That may mean that you have one of the most precious treasures of the era we live. Time.

See you at the PLDC in Paris and at InteriHotel, Barcelona.

Linea Light Group | Material & Design Lighting Oxygen | Ph. Giorgio Gori

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APUNTES

Apuntes La iluminación devuelve la vida a la Plaza Nikis, en Grecia

El diseño lumínico de la Plaza Nikis enfatiza el movimiento dinámico y la transición serena entre los espacios Galardonado en la categoría de Iluminación Urbana y Paisaje en la séptima edición de los Premios Lamp Lighting Solutions, el proyecto “Light in transition Central Square of Kozani” de la arquitecta Mara Spentza supone por un lado, la implementación de una estrategia de iluminación en plena crisis económica y, por otro, reconoce la capacidad de la luz de proporcionar un foco central a una comunidad y aumentar el compromiso social, estimular la economía nocturna y mejorar la identidad de toda la ciudad.

Texto: Mara Spentza Fotografías: 406 architects

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Ubicada en el principal distrito comercial de la ciudad de Kozani, la Plaza Nikis es el espacio público histórico más importante de la localidad griega.

Durante el Imperio otomano, este lugar sirvió de refugio; de manera análoga, la idea de la diseñadora de iluminación Mara Spentza es que la nueva plaza esté libre de las “amenazas” de la ciudad – contaminación, tráfico y falta de espacio–, con las mínimas instalaciones, preservando el medio ambiente y controlando la contaminación lumínica y el deslumbramiento. La nueva propuesta arquitectónica sugiere un espacio central amplio, “un campo urbano”, que baja gradualmente en pendiente hacia la zona peatonal, en el lado sur, infiltrándose en el núcleo urbano. Asimismo, la plaza gira alrededor de un arco que alberga los establecimientos comerciales y, a la vez, ofrece resguardo de la calle y del tráfico intenso. Un borde con una ligera pendiente poblado de largos bancos, árboles y elementos acuáticos, marca la transición entre los lugares de movimiento y los de pausa.

Respecto al diseño de iluminación de la Plaza Nikis, la arquitecta lo desarrolló en la fase conceptual arquitectónica y se consideró como material importante e integral de la composición arquitectónica. Así, el diseño lumínico para la nueva plaza arranca desde las vistas peatonales orientas al sur, con el propósito de incrementar la visibilidad de las diversas cualidades de los espacios creados en el campo urbano, así como también para intensificar el impacto emocional del proyecto, enfatizando el movimiento dinámico y la transición serena entre los espacios. La sensación de estar ante un espacio con luz propia, se obtiene a través de un patrón de diseño de tiras lineales de LEDs empotrados y gracias a los cambios en la luminosidad, acordes con las diferentes actividades. Mara Spentza ha huido de la iluminación excesiva y ha creado un ritmo de movimiento que sugiere dirección.

Para enfatizar el arco, se bordea con tiras de LEDs de iluminación de cala, creando una iluminación básica para los espacios inferiores, para hacerlos más seguros y reconfortantes. El movimiento y la transición se amplifican por la reflectancia de los elementos acuáticos encendidos. Se han usado principalmente luminarias LED, así como halógenos metálicos y fluorescentes. Para los paseos, se ha recurrido a una luz blanca fría de 4000 K y, para las zonas verdes y de ocio, a una iluminación cálida de 3000 K creando, de esta forma, las jerarquías y contrastes deseados.

2017

LA ILUMINACIÓN DEVUELVE LA VIDA A LA PLAZA NIKIS, EN GRECIA

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APUNTES

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Mara Spentza FILOSOFÍA

BIOGRAFÍA

Como arquitecta, Mara Spentza trata la luz como un material primario de la composición arquitectónica.

La forma y la estructura surgen de la luz natural.

Cuando ésta cursó sus estudios en Luz e Iluminación aprendió a medirla y a controlarla mejor, estudió la ciencia y la tecnología que se esconden tras la luz artificial, y también a desarrollar planes de iluminación. La proyección de la Catedral de San Andrés de Patra, en Grecia –galardonada con el premio a la Joven Diseñadora de Iluminación, en 2006, por la Society of Light and Lighting SLL (CIBSE), en el Reino Unido, se podría considerar su proyecto más ambicioso, aunque todos los proyectos de esta arquitecta han supuesto un gran reto a nivel del tratamiento de la luz en las diferentes aplicaciones, como una extensión silenciosa del diseño que mejora la calidad visual y complementa la forma y el color.

Arquitecta independiente, diseñadora de Iluminación y profesora de Arte del Diseño Estructural e Iluminación en el Instituto Tecnológico de la Macedonia central.

“La luz afecta de forma directa a los sentimientos de las personas. Nuestra misión es crear proyectos de iluminación que vayan más allá de satisfacer las necesidades funcionales y que ofrezcan la posibilidad de crear dinámicas, jerarquías y ambientes, tanto en interiores como en exteriores. La noche se transforma en otra dimensión espacial, manifiesta a través de un diseño detallado, usando la iluminación como narrativa, en sincronía con las interacciones humanas y las condiciones naturales. Colaborando con una amplia diversidad de personas, a través de múltiples experiencias y diferentes disciplinas de diseño”, expresa su visión acerca de la luz Mara Spentza.

“No es posible caminar sobre la luz, pues no tiene estructura, pero es parte de la estructura y del pensamiento de la arquitectura”, parafrasea a Richard Meier.

Nacida en Patra, Grecia (1978) Licenciada con honores en Arquitectura por la Universidad de Portsmouth (Reino Unido 1996-1999), Mara Spentza trabajó como asistente de Arquitectura en la práctica arquitectónica “The Haddow Partnership” (Hampshire 1999-2000). Asimismo, es diplomada y becada para un grado de Maestría en Arquitectura en la Escuela de Arquitectura Mackintosh en la Universidad de Glasgow (Escocia 2000-2003), y la Maestría en Ciencias de Luz e Iluminación en la Universidad de Londres UCL, le permite especializarse en iluminación. En 2005 regresa a Grecia y comienza a trabajar como arquitecta y diseñadora de iluminación, profesiones que compagina con su faceta de escritora para la revista técnica Ktirio.

2005 – Segundo premio por el proyecto de tesis en Arquitectura “Tamaño Infantil”, concedido por la Cámara Técnica de Grecia 2006 – Galardonada con el premio Joven Diseñadora de Iluminación, otorgado por la Society of Light and Lighting SLL (CIBSE), en Londres, por la iluminación de la fachada de la Catedral de San Andrés de Patra, en Grecia 2008 – Se une al equipo de arquitectura 406 architects y, junto a ellos, gana el primer premio por la remodelación de la Plaza Central de Kozani, en Grecia (2011) 2017 – Primer premio en la categoría “Iluminación Urbana y Paisaje” en los Premios Lamp Lighting Solutions 2017 – Finalista en los Premios DARC por “Light in transition Central Square of Kozani”, en la categoría de Espacios – Presupuesto alto

“Con la luz, devolveremos el alma y el espíritu a la arquitectura y quizás, en el proceso, encontremos nuestra propia alma”, Mara Spentza cita al arquitecto canadiense Arthur Erickson

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AULA CD

Aula cd La luz interior para personas mayores con problemas de demencia

Texto: Dr. Adrián Muros Alcojor (UPC) y Ana Maria Sevilla (Universidad San Francisco de Quito, Ecuador) Fotografías: Fuentes citadas

La sociedad está cambiando demográficamente. El número de personas ancianas está creciendo inexorablemente.

Esto implica que, en el futuro, cada vez más personas necesitarán cuidados en centros especializados. El reto está en cumplir todas las necesidades de los residentes de estos hogares, puesto que muchos de ellos padecen alzhéimer, demencia, movilidad reducida, problemas de visión y factores que demandan un cuidado personalizado.

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2017

LA LUZ INTERIOR PARA PERSONAS MAYORES CON PROBLEMAS DE DEMENCIA

En Estados Unidos se prevé que, para el año 2050 –si aún no se dispone de solución para el alzhéimer–, las personas de 65 años o mayores con esta enfermedad triplicarán su número, pasando de 5 millones a 13,8 millones. Unas previsiones que también afectarán a la población de 85 años o mayores, que se incrementará hasta los 7 millones. A pesar de que la comunidad científica internacional y la industria farmacológica están trabajando a contrarreloj para dar con el tratamiento médico que permita atajar esta enfermedad, a fecha de hoy no hay una cura para el alzhéimer.1

ambiente seguro y confortable, que cubra todas sus necesidades y, simultáneamente, les otorgue mayor independencia. El interiorismo puede garantizarles libertad de movimiento, estimular su alimentación, su estado físico sano y también las conexiones sociales. Todo ello, sin perder de vista las seis partes más importantes del proceso de envejecimiento: la pérdida de balance; la pérdida cognoscitiva; la pérdida de fuerza; la deficiencia visual; la disminución de la audición y el aumento de sensibilidad al frío, corrientes de aire y luz solar directa.

Estas estadísticas conllevan, implícitamente, un impacto económico asociado a los cuidados de la enfermedad del alzhéimer que incrementaría los valores de la hospitalización, los cuidados y los tratamientos. Los costos anuales calculados en Estados Unidos asociados con la demencia son superiores a 215 billones de dólares, cuyas cifras compiten directamente con enfermedades como el cáncer y las asociadas al corazón. Si estos gastos siguen en crecimiento constante, en 2040 se duplicarían.

PÉRDIDA DE VISIÓN, DEMENCIA Y ALZHÉIMER

Las enfermedades como el alzhéimer no solo tienen un impacto sobre el portador de la enfermedad, sino que también afectan a su familia y a los cuidadores.

En este contexto, el diseño de espacios para dicho sector de la población juega un papel determinante en su bienestar, ya que puede proporcionar un

Imagen 1: tabla de desarrollo de alzhéimer en el tiempo y edades. hebert, l.e., weuve, j., scherr, p., and evans, d.

(2013). enfermedad de alzhéimer en los estados unidos (2010–2050)

La disminución de la visión y de las capacidades sensoriales aumentan la vulnerabilidad y limitan la calidad de vida de las personas, ya que les impide hacer una vida normal, dificultando la posibilidad de realizar actividades cotidianas como bañarse, vestirse, pasear, sociabilizarse, etc.

Los sentidos son la conexión que tenemos con nuestro entorno y, como parte del proceso natural de envejecer, se generan cambios en órganos de los sentidos y del sistema nervioso. Con el paso del tiempo, la atrofia de estos receptores nerviosos se acumula y se reduce la interacción con el medio ambiente. Una pérdida que se ve incrementada en los casos de síndrome de demencia.

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La demencia está considerada como la pérdida de la función cognitiva con tal severidad, que interfiere en el funcionamiento social y ocupacional del enfermo.

La función cognitiva de una persona funciona a través de cinco fases: la fase sensorial, la fase de comprensión y la percepción, la fase de ejecución, la fase de expresión y la fase motora.

El proceso de envejecimiento afecta a los receptores de los ojos, los oídos, la nariz, la cavidad bucal y los nervios periféricos, que también interfiere en la fase sensorial e impide el correcto funcionamiento de los sentidos. Algo que, a su vez, dificulta el entendimiento del entorno, ya sea de la fase de percepción o bien de la comprensión.

En muchas ocasiones, se considera que la pérdida de memoria es la mayor característica de demencia pero hay estudios que contravienen esta creencia. Un gran número de personas que padecen una alteración respecto a las condiciones de percepción de su entorno, se vuelven más susceptibles a éste, pudiendo malinterpretar las sombras o la luz, distorsionando la percepción de las paredes, suelos y muebles. Algo que también se agrava por el poco margen de atención y facilidad de distracciones, paranoia y respuestas agresivas que sufren estos pacientes.

Cabe mencionar que, de por sí, la cantidad de luz que percibe una persona mayor es significativamen-

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te menor a la de un adulto joven. Esto se traduce en un tercio de la luz alcanzada por la retina en el colectivo de 65 años y, en una quinta parte para las personas de 85 años. En una persona con demencia estas cifras aumentan, más si cabe, cuando el paciente es propenso a: una extrema sensibilidad al deslumbramiento; tiene dificultad para adaptarse a ciertos cambios en los niveles de luz y para percibir la profundidad, y presenta alteraciones en el ritmo del sueño –trastorno del sueño que se caracteriza por cambiar el tiempo de día y de noche–.2 Precisamente, las alteraciones en el sueño son muy comunes en este colectivo y dan paso a episodios donde se tiene la costumbre de quedarse dormido durante la mañana y, por el contrario, se incrementa la actividad física por la noche. Se estima que las personas que presentan esta molestia pasan aproximadamente el 40% de la noche despiertos. Este tipo de trastorno del sueño desgasta mucho a los familiares y a los cuidadores de las personas afectadas.

Asimismo, este síndrome también triplica el peligro de caídas y la recuperación es más lenta que en una persona saludable. No es de extrañar que la agresividad en este colectivo aumente, cuyo 93% de las personas son agresivas con sus cuidadores y genera una interrupción en el ritmo cardíaco.

Estos trastornos del sueño se deben a una interrupción en el normal funcionamiento del sistema circadiano. Los mamíferos controlamos nuestro rit-

Simulación de una degeneración macular causada por la edad

Imagen 2: diferencia de visión según la edad

AULA CD

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mo circadiano en nuestro hipotálamo. Este sistema organiza cada célula de nuestro cuerpo para que se sincronice fisiológicamente con el tiempo; es el responsable de ‘sincronizar’ nuestro reloj interno con las 24 horas del día.

No obstante estos datos, las características de la luz en los centros sanitarios no tienen la intensidad requerida por los adultos de edad avanzada. Y lo más sorprendente es que, en la mayoría de los casos, estos recintos aumentan los niveles de la iluminación en las horas nocturnas para poder cuidar a las personas internas. Ante esta contradicción, se genera una distorsión en la información que llega al cerebro de los pacientes, ya que hay más luz brillante durante la noche que en el día. Estos factores, combinados con la edad, hacen que el sistema circadiano se vuelva más vulnerable.

Según diversos estudios, “la luz brillante es efectiva en la reducción de la depresión” para un rango de nivel de iluminación comprendido entre 2.500 lux y 10.000 lux. Esta es la conclusión a la que se llegó tras realizar una serie de pruebas en un centro neonatal de cuidados intensivos, que permitieron probar que una iluminación cíclica en horario nocturno –cuyos niveles de iluminación se redujeron–, mejoraba los niveles de sueño y apetito de los infantes. 3

Simulación de una persona con una visión normal

Simulación del deterioro de visión relacionado por la edad (90% visión disminuida)

2017

LA LUZ INTERIOR PARA PERSONAS MAYORES CON PROBLEMAS DE DEMENCIA

Espacios

Luz ambiental (valores mínimos)

Luz para tareas (valores mínimos)

Entrada exterior (noche) Entrada interior (día) Entrada interior (noche) Interior de ascensor Salas de actidades Habitaciones de pacientes Pasillos (día) Pasillos (noche) Comedor (horas activas) Zona de Enfermería (día) Zona de Enfermería (noche) Área de terapia física Terapia ocupacional Cocina

107.6 lx 1076 lx 107.6 lx 322.8 lx 322.8 lx 322.8 lx 322.8 lx 107.6 lx 538 lx 322.8 lx 107.6 lx 322.8 lx 322.8 lx 538 lx

0 0 0 0 538 lx 807 lx 0 0 0 538 lx 538 lx 538 lx 538 lx 1076 lx

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Nota: Los niveles de luz ambiente son un promedio de mediciones realizadas a 76,2 cm del suelo. La mejor solución para la luz de tarea es permitir que el usuario controle su intesidad y el posicionamiento de la fuente de luz, para que éstas se adapten a cada individuo

3.- Imagen: comparación de iluminación entre dos situaciones similares, optimización de iluminación Brawley Elizabeth, Design concepts unlimited lighting partner in quality care environments

REALIDAD SOBRE LOS CENTROS DE SALUD Los espacios sanitarios habituales no cumplen con las necesidades de los residentes. Uno de los efectos del envejecimiento es el deterioro de la retina, que no garantiza el confort visual con los niveles normales de luz, afectando al ritmo circadiano y a la visión en general. Para el buen funcionamiento de este sistema, asimismo, se necesita que las personas estén expuestas a luz intensa, una iluminación que no se encuentra en la mayoría de centros de salud actuales, lo que genera alteraciones en el estado de ánimo de este colectivo, causando la depresión, interrupciones en el sueño, carencia de vitamina D –tan necesaria para mantener los huesos en buen estado–, entre otros efectos secundarios. Nuevamente, estas alteraciones pueden desencadenar más efectos adversos para las personas mayores, como un aumento de caídas y roturas de cadera. En Estados Unidos, se estima que un 48% de los residentes de estos centros tiene alguna deficiencia en la visión.

En esta línea, al realizar una encuesta en cuatro estados, se detectó que el 53% de residencias de ancianos analizadas carecía de los niveles recomendados de iluminación. Sus áreas fueron evaluadas como inadecuadas o apenas adecuadas en los siguientes

términos: un 45% de iluminación inadecuada en los pasillos, un 17% en las áreas comunes y un 51% en los dormitorios.

Cabe mencionar que la luz ambiental de estos espacios se sitúa en un rango del 50% al 65% de los niveles recomendados por la legislación americana. En el caso de las habitaciones, el nivel de luz recomendada está entre el 20% y el 40%.

La exposición a luz muy brillante también supone un inconveniente, ya que causa dolores de cabeza e interfiere en el desarrollo normal de las tareas cotidianas del centro por parte de los visitantes y del personal cuidador, debido al deslumbramiento que produce.

CÓMO LA ILUMINACIÓN PUEDE INCIDIR POSITIVAMENTE EN PACIENTES CON DEMENCIA Tal y como reflejan los resultados de numerosos estudios clínicos, “la terapia de luz puede mejorar el descanso y los patrones de comportamiento de las personas con demencia”. Si se expone a estas personas a una luz brillante durante la mañana, con niveles de iluminación superior a 1000 lux con luz blanca de 4100 K, hecho que disminuye la agitación noctur-

na de los internos, fomenta su actividad durante el día y reduce la depresión.

El efecto positivo de la luz en el bienestar de este colectivo vulnerable, se obtiene de una simulación del amanecer al anochecer durante tres semanas, a través de un sistema dirigido de iluminación, con nivel de iluminación tenue –de 30 lux–, en horas nocturnas, lo que ayudaba a dormir a los internos.

Asimismo, Crichton Royal Behavior Rating Scale (CRBRS) demostró que, tras dos semanas de terapia de luz, con una intensidad de 10.000 lux cada dos horas, entre las 10.00h y las 12.00h del día, se beneficiaba a los usuarios con problemas de demencia, los cuales experimentaban una mejora respecto a sus conductas de agitación, exponiéndoles a esta luz durante media hora.

A pesar de estos resultados tan alentadores, se ha comprobado que la exposición a una iluminación de 1000 lux en estos centros, es de nueve minutos al día.

SOLUCIONES DE MEJORA Se ha comprobado que la luz artificial no es diferente en el ámbito visual que la luz natural, sin embargo

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sus beneficios son, entre otros, la regulación del sistema circadiano, que afecta al ánimo y ayuda a la absorción de algunos nutrientes.

luz debe ser suficiente para identificar contrastes entre elementos; algo que se puede lograr incrementando el nivel de luz general.

Una persona de 60 años requiere tres veces más luz que una persona de 20 años y cuando éste tenga 85 años necesitará cinco veces más luz.

La luz uniforme y brillante puede eliminar sombras de objetos dentro de los dormitorios que puedan causar temor, distracción, alucinaciones o confusión.

Pero hay que evitar brillos muy elevados que puedan dañar la sensibilidad de los ojos, puesto que muchas veces esta es la razón por la cual ellos no quieren mirar hacia ciertas direcciones.

Los diseñadores de iluminación de centros de asistencia deben considerar que se debe elevar los niveles de luz sustancialmente, equilibrar la luz natural y la luz eléctrica y eliminar el deslumbramiento.

Esto se puede lograr incrementando el brillo del entorno, distribuyéndolo sobre las paredes. Aunque la mejor forma de controlar el deslumbramiento es utilizar una iluminación indirecta, ocultar las fuentes de luz brillantes y difundir luz difusa sobre un área amplia. Esta luz va alrededor del perímetro de un espacio, generando luz alta y baja. La alta rebota en el techo y se convierte en una luz difusa ambiental y, la luz baja, baña las paredes haciéndolas más luminosas. Las luces indirectas del techo utilizan la superficie del techo como reflector para distribuir y difuminar la luz.

El ambiente interior físico de una atmósfera no es solo la clave para el confort, sino que también puede ser un factor no farmacéutico para tratar problemas de comportamiento en las personas que padecen demencia, puesto que son muy sensibles a las condiciones de su entorno.

La iluminación es muy importante para mejorar la salud y calidad de vida de las personas con esta enfermedad. Debemos considerar que hay una relación entre los niveles de iluminación y el comportamiento resultante.

La sensibilidad de las personas con demencia va más allá de los aspectos físicos. Por ejemplo, si se coloca una tecnología invasiva que, espontáneamente, mueve cortinas o una ventilación ruidosa, eso afectará a estas personas.

Por lo tanto, se debe buscar un ambiente interior más sano. En este sentido, se ha intentado retirar la iluminación fluorescente de techo –la luz incandescente genera un ambiente más placentero–; se evita la luz de niveles bajos; se coloca luz extra en la cocina y cerca de los cuchillos; uso de luces que se controlen desde la cama y cerca de las puertas; se separan las lámparas en los dormitorios, dependiendo de los usos, todo ello, sin olvidar el control del resplandor y las luminarias de techo que se pueden utilizar para terapia con luz. Asimismo, es aconsejable evitar áreas de sombra con cambios graduales de intensidades de luz.

La mayoría de las personas de edad avanzada tienen dificultades a la hora de identificar los límites de los ambientes y los bordes de objetos. Por ese motivo, la

En cocinas y comedores, por ejemplo, la luz debe ser una herramienta para incrementar la seguridad. Las cocinas con luz incorporada en los armarios ayudan a que se encuentren fácilmente los utensilios y la comida. En el caso del comedor, debe haber suficiente iluminación para que se aprecien correctamente los alimentos. Diversas investigaciones demuestran que los niveles altos de iluminación aumentan el consumo de alimentos e incrementan el tiempo de las conversaciones.

Una iluminación más intensa en los baños también puede ayudar a prevenir caídas. Debe haber luz suficiente para que las personas puedan realizar actividades como peinarse o vestirse. Igualmente, cuando una persona va de la cama al baño, este trayecto debería estar bien iluminado. Para conseguirlo, tendría que usarse un dimmer para controlar la intensidad de la luz, ya que está probado que las personas con demencia pueden experimentar sobre estimulación.

En los dos espacios se requiere una atmósfera de descanso y tranquilidad. En los casos en que se compartan los dormitorios, se debería tener interruptores separados en cada lado del dormitorio.

Para optimizar la iluminación en espacios donde se hallen personas con demencia, se están evaluando diversas soluciones, entre otras, reemplazar los sistemas tradicionales de iluminación por iluminación LED, que imite el espectro de la luz natural durante la noche. Se considera que, así, mejorarían los patrones de sueño y el funcionamiento global del edificio.

Para ello, se requiere un sistema que se programe de modo automático y reproduzca los colores e intensidad de la luz natural durante el día. Además, se precisa obtener los colores e intensidad de la luz: el ámbar de la salida del sol, la intensidad del sol de mediodía con el cielo azul y el ámbar tenue a rojo de la puesta de sol.

Las luces fluorescentes o de inducción no pueden lograr este cambio de color. La luz4 incandescente es lo más similar al color de la luz al atardecer. A pesar de estas consideraciones, no hay una luz que no se encienda de noche y distorsione el ritmo circadiano de los residentes.

Si se combinara el LED blanco y RGB en una misma iluminación sería posible programar de forma au-

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tomática este cambio de color hasta el anochecer.

Así, se podría programar para acondicionar el ojo gradualmente en las horas de transición del día a la noche. Esta iluminación combinada sería capaz de emitir un espectro de 450 a 700 nanómetros. Además, se podría aumentar la luz azul para compensar el sistema circadiano, ya que los receptores de este tipo de luz decaen con el envejecimiento.

La empresa Zumtobel realizó una prueba en el centro St. Katharina, en Viena, cuyos esfuerzos se centraron en iluminar de forma parecida a la luz del día con el propósito de investigar sus efectos biológicos en los residentes.

Para conseguir este objetivo, se instalaron lámparas fluorescentes (de 3000 a 6500 K), y lámparas skywhite (8000 K) de 900 cm x 900 cm. Cada área amplia fue iluminada con doce lámparas –cuatro de colores suaves–, de forma que se controlaría la temperatura de color. Estas pruebas permitieron obtener grandes resultados: los usuarios se volvieron más activos, pasaban más tiempo en las áreas comunes, mejoraron su comunicación con el personal y también sus patrones de sueño.

Para evitar la falta de luz natural, los especialistas de Zumtobel recurrieron a iluminación de distintas temperaturas de color e intensidades de luz, durante el transcurso del día. Así, en la franja diurna se obtuvo un nivel de iluminación de 1500 lux y temperaturas de color más frías. Los niveles de iluminación inferiores a 300 lux y color de luz cálida, consiguieron resultados alentadores por la mañana y por la noche.

Los usuarios se volvieron más activos, comunicativos y presentaron mejor estado de ánimo.

Los colores de la luz son deliberadamente variados –de cálidos 2700 K a fríos 6500 K–, lo cual ayuda a mejorar el funcionamiento del ritmo circadiano. Además, se usaron paneles de luz difusa que aportaban una gran intensidad luminosa. Esto ayuda a los fotoreceptores de la parte central de la retina y evita los reflejos. Asimismo, las luces direccionales aportan una mejor percepción del espacio que las verticales.

Por todos estos aspectos, se recomienda tener por la mañana, de 300 lux a 500 lux, con una temperatura de color entre 4500 K a 6500 K y, durante el día, disponer de 1500 lux, con una temperatura de color de 4500 K a 6500 K. Por la noche, respectivamente, es aconsejable tener de 300 lux a 500 lux, con un color de temperatura de 2700 K a 3500 K. Paralelamente, las luminarias deben estar dimerizadas para ahorrar luz en los pasillos, ya que pueden ayudar mucho a la orientación y a la seguridad de las personas internas.

En general, los colores cálidos aportan una nota hogareña a los espacios. En los dormitorios, se puede

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LA LUZ INTERIOR PARA PERSONAS MAYORES CON PROBLEMAS DE DEMENCIA

Estándar: Las luces iluminan suavemente

Óptimo: Uso de luces LED para crear un ambiente agradable, luces de tareas y bañadores de paredes, se debe poder controlar la temperatura de color

Estándar: Las áreas de información o enfermería se iluminan como tradicionalmente se diseña cualquier otra área de recepción

Óptimo: Intentar que, mediante la elección de lámparas, sea un sitio sin reflejos, se pueda usar luces para indicar direcciones, enfatizar sitios de información o señalética

4.- Ejemplos de optimización de la iluminación artificial

jugar con diversos tipos de iluminación y, en los baños, se debe colocar una iluminación de techo y una específica para el espejo.

Se puede concluir que diseñar un ambiente interior confortable para las personas de edad avanzada no es una tarea fácil. Se deben tener en cuenta muchos factores: iluminaciones a diversas alturas; que la iluminación no se vea afectada por superficies reflectantes; que no haya zonas de deslumbramiento; que se produzcan cambios sutiles de intensidad de luz y evitar luces muy fuertes durante la noche, en-

tre otros. Puede ser una tarea ardua pero, realmente, se debería prestar más atención a este colectivo de personas, no solo porque representan un porcentaje mayor que el de los jóvenes, sino también porque hay que tomar conciencia de que, al envejecer, las personas tenemos otras necesidades que deben ser investigadas con más profundidad e interés a fin de incrementar el bienestar del, cada vez más elevado, porcentaje de la población.

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Estándar

AULA CD

Óptimo

La iluminación debe ofrecer la posibilidad de tener luces con diferentes temperatura de color al largo del día. Se deben usar luces direccionales y dicroicos para evitar sombras y tener una iluminación más equilibrada

Los corredores deben orientar a las personas del centro de atención. Su iluminación debe, además, generar una transición entre el resto de áreas del edificio. Agregar diferentes lámparas a nivel del piso o de los ojos de los pacientes ayudará a la independencia de éstos y de la movilización de enfermeras sin tener que mantener todas las luces de los pasillos encendidas e interrumpir el sueño de los pacientes

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Nuestra nueva gama se inspira en el estilo industrial de principios del siglo XX y en las primeras lámparas incandescentes para conseguir ese aire retro tan sugerente, pero sin renunciar a la luminosidad que aporta la tecnología LED. Otras tendencias Decó y Sixties también están presentes en los pendels cromados de esta gama, incorporando colores a la última, como el oro rosa.

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NUEVOS TALENTOS

Nuevos talentos

¿Quién dijo crisis?

Texto: Víctor Jordá, Sergi Sauras y Pau Garrofé Fotografías: Victòria Huguet

El pasado mes de junio, iCandela asistió a la entrega de los Premios Lamp Lighting Solutions 2017, que tuvo lugar en el bellísimo Espai Xavier Corberó, en Esplugues de Llobregat, Barcelona. En este marco, tuvimos la oportunidad de conversar con Sergi Sauras y Pau Garrofé, ganadores de la categoría Students Proposal con la propuesta “Elogio de la Sombra”. Estos dos jóvenes estudiantes de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura La Salle (Barcelona), a punto de finalizar sus estudios, son el claro ejemplo de esta apertura a otros campos que está experimentando la profesión.

Tras estudiar una carrera claramente basada en el diseño constructivo de edificios, muchos estudiantes se centran en seguir esa línea, pero en el caso de Sergi y Pau surge la reflexión de que la arquitectura “es algo que va mucho más allá: urbanismo, diseño de mobiliario o, en este caso, iluminación”. En su opinión, la carrera de arquitectura introduce unas ciertas ideas básicas respecto a la iluminación, pero éstas no se desarrollan lo suficiente.

Eso da lugar a que “surjan inquietudes y, solo los más

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Dicen que toda crisis tiene su parte positiva, ya que nos brinda la oportunidad de aterrizar y analizar qué es lo que sucede realmente y cuáles son los verdaderos problemas y necesidades del presente.

Esto nos abre la mente a buscar nuevas soluciones y a reinventarnos, volviéndonos más eficientes.

Es el caso de los jóvenes arquitectos que, dentro de una profesión que se ha visto altamente afectada por la crisis económica de estos diez últimos años, han tenido que buscar nuevas soluciones para prosperar, con la ventaja de que su formación les permite abrirse a varios campos.

curiosos, se informan y se dan cuenta de las posibilidades que existen en torno a la luz”. Este fue su caso y, pese a no haber realizado antes nada parecido, les surgió la oportunidad de experimentar con la luz, diseñar una experiencia y verla realizada, y no dudaron en aprovecharla.

A continuación, explican en exclusiva para iCandela cuáles fueron sus inspiraciones: “Elogio de la Sombra es un proyecto muy personal para los dos. Ante el reto de diseñar una instalación lumínica, nos sentamos a compartir nuestras vivencias personales en torno a la luz en arquitectura”, relatan los jóvenes galardonados.

Sergi Sauras se remonta a los inicios del proyecto: “Recuerdo que Pau acababa de aterrizar de Japón y estaba fascinado por la sensibilidad japonesa al tratar la sombra. De hecho, Elogio de la Sombra es el título de un famoso libro escrito por el autor japonés Junihiro Tanizaki.”

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¿QUIÉN DIJO CRISIS?

“Elogio de la Sombra”.

Por su parte, Pau Garrofé relata que la inspiración también surgió a raíz de que Sergi hubiera estado trabajando en Dinamarca, quien “explicaba cómo la luz en el norte de Europa tiene matices muy especiales, es tamizada. Los objetos, las personas y los lugares aparecen como siluetas en la distancia”, algo que, casi, podemos palpar en su obra.

“Quisimos reproducir esos efectos en el corazón de Barcelona y lo conseguimos”, declaran muy satisfechos los estudiantes.

Compitiendo frente a más de 500 propuestas de unos 40 países y sabiendo que el nivel “era altísimo”, poco esperaban que iban a resultar ganadores. “Nosotros presentamos nuestro proyecto para compartir un trabajo del que estábamos orgullosos, recibimos felicitaciones del jurado y comentarios muy positivos en general. Ganar el premio fue el mejor final a una noche inolvidable”, confiesan emocionados al referirse al galardón Students Proposal.

Cuando les preguntamos acerca de sus perspectivas de futuro, Sergi Sauras nos comenta que, junto a otros dos compañeros, está desarrollando un nuevo concepto de estudio de arquitectura, llamado ELLS, que pretende realizar las “cosas de forma diferente”.

Han realizado algunos proyectos que incorporan iluminación y que esperan poder hacer públicos pronto.

Respecto a sus inquietudes, Pau Garrofé explica que su principal prioridad es terminar la carrera y, paralelamente, continuar adquiriendo más experiencia en el mundo laboral y compaginarlo con nuevos concursos. “Y, quién sabe, después de esta buena experiencia, ¡quizás en el mundo de la iluminación!”, revela el premiado.

En cualquier caso, están convencidos de que “Elogio de la Sombra” ha sido su primer proyecto en conjunto, pero no será el último. “Estamos trabajando en unos bocetos de algo muy especial que verá la luz, nunca mejor dicho, el próximo año”.

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APUNTES

Apuntes FAMA-LAB 2017: Gran acogida de la primera Feria de Arquitectura y Laboratorio de Ideas de Madrid Bajo el nombre FAMA-LAB, la Feria de Arquitectura y Laboratorio de Ideas selló con éxito su primera edición los pasados 13, 14 y 15 de septiembre, bajo la organización de la Hermandad Nacional de Arquitectos (hna) y la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM) –a través de la Cátedra ETSA-hna–, y con la colaboración de la revista iCandela, entre otros patrocinadores. Las jornadas fueron recibidas con gran entusiasmo tanto por los docentes y profesionales del sector, como por las futuras generaciones de arquitectos nacionales e internacionales.

Texto y fotografías: hna y Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid

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APUESTA POR EL TALENTO Y LA FORMACIÓN Las firmas Artemide, Grupo Lledó, iGuzzini, Lamp Lighting y la revista iCandela, entre otras, han dado un paso más en su compromiso con la formación juvenil, colaborando con esta prometedora iniciativa que, por primera vez, se organizaba desde la dirección de la E.T.S Arquitectura con el fin de agrupar estudiantes y profesionales del sector de la arquitectura de todo el ámbito nacional.

Con un amplio programa de actividades formativas y de networking diseñadas para impulsar el desarrollo de carreras y oportunidades profesionales, las jornadas arrancaron el miércoles 13 de septiembre, de la mano de Manuel Blanco, director de la ETSAM. Asimismo, la inauguración corrió a cargo de Javier Jiménez, vicerrector de Comunicación de la UPM, quien destacó y reconoció la labor de la Escuela y la sólida formación de sus estudiantes a través de las 169 promociones acometidas. Además, intervinieron Raquel Puente, representante de la Cátedra ETSAM-hna, creada hace ahora tres años con el fin de impulsar el emprendimiento y las salidas profesionales de los jóvenes arquitectos, así como Macarena Fedriani, directora comercial y Marketing de hna.

La jornada prosiguió con la mesa redonda “Innovación y memoria” en la que, moderada por la periodista Anatxu Zabalbeascoa, participaron destacados catedráticos de la Escuela como Jesús Aparicio, Alberto Campo Baeza –el protagonista del ejemplar iCandela que tenéis entre las manos–, Blanca Lleó y Emilio Tuñón, junto con Almudena Ribot, profesora titular de la misma. Todos ellos mostraron su pasión por la profesión y subrayaron la gran versatilidad que la formación en arquitectura confiere a sus profesionales, así como las enormes oportunidades que ello representa en diferentes ámbitos de la economía, y el reconocimiento que ostenta la arquitectura española a escala internacional. Los conferenciantes también reflexionaron sobre los cambios que la transformación digital supone para la profesión, que envuelve cualquier aspecto de nuestra sociedad y, en última instancia, hablaron del enriquecimiento mutuo entre las diferentes generaciones de arquitectos.

FAMA-LAB ofrece un programa de actividades formativas y de networking diseñadas para impulsar el desarrollo de las futuras generaciones de arquitectos nacionales e internacionales

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“Hay que dedicar mucho cariño y todo el conocimiento a cualquier proyecto, sea grande o pequeño” (Emilio Tuñón); “Ser arquitecto es el mejor oficio del mundo” (Alberto Campo Baeza). Son algunas de las frases que más calaron entre los jóvenes talentos que se agolparon en la sala y que no quisieron perderse el acto inaugural de FAMA-LAB, junto con una innumerable audiencia que también lo siguió en directo por streaming.

Al término de la mesa redonda, Guillermo Cisneros Pérez, rector de la UPM, fue el responsable de clausurar la sesión de la mañana, agradeciendo el compromiso de los organizadores y alentando a los participantes a seguir trabajando por el futuro de una profesión de gran valor para la sociedad.

La última de las jornadas, el viernes 15 de septiembre, contó con la conferencia de Aires Mateus, quien explicó los detalles de algunos de sus proyectos más relevantes, dentro y fuera de Portugal, y compartió la esencia de su saber. “No busco la marca, sino aportar soluciones eficaces a las necesidades que nos plantea cada proyecto”, resaltó el arquitecto portugués, a quien se le reconoce una propuesta arquitectónica “coherente, sencilla y brillante”.

Tras las respectivas intervenciones, se llevaron a cabo dos intensas jornadas de workshops dirigidos por un grupo de profesores del departamento de

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Proyectos, cuyo eje principal fue la “ETSAM 2.0 I ReHaciendo ESCUELA”. Los trabajos realizados en estos talleres se expusieron en el marco de la feria, de los cuales seis recibieron el primer premio.

ENTREGA DE PREMIOS CONCURSO PFC COMUNIDAD DE MADRID ETSAM-HNA El broche final lo pusieron los premios de la primera edición del Concurso de PFC Comunidad de Madrid ETSAM-hna que, con un valor total de 8.000 euros, recayeron en Irene Campo (ETSAM), ganadora del primer premio; Policarpo del Canto (ETSAM), ganador del segundo y Carlota Le Quinio (ETSAM), ganadora del tercero, respectivamente.

La directora comercial y Marketing de hna, Macarena Fedriani, hizo un balance muy positivo de la primera edición de FAMA-LAB, ya que “durante estos tres días, la ETSAM ha constituido un espacio para compartir experiencias y conocimiento, al tiempo que para comprobar el valor de las ideas que aportan las nuevas generaciones”.

Por su parte, la editora del magazine iCandela, Mercedes Arroyo, señaló que “este tipo de intercambio de conocimiento y experiencia es sin duda muy positivo para todas las partes, ya que los estudiantes serán los encargados de hacer que el sector siga creciendo en el futuro”.

La mesa redonda “Innovación y memoria” puso de manifiesto la gran versatilidad que la formación en arquitectura confiere a sus profesionales

APUNTES

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Darc Awards 2017 Unos premios con sabor latinoamericano El pasado 14 de septiembre, la edición arquitectónica de los Darc Awards se convirtió en una fiesta en la que la presencia del talento iberoamericano fue más que evidente. No en vano, del número total de propuestas seleccionadas, cerca de una decena pertenecen a diseñadores de iluminación de España, México, Brasil y Chile.

Fue una cita con el diseño de la iluminación arquitectónica y con la creatividad, en esta ocasión, en el bar MC Motors en el Londres más industrial, vestido con suelos de cemento, grandes ventanales, muebles con pátina, antigüedades y colores apagados.

Texto y fotografías: Fuentes citadas

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REPORTAJE

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Grúas de Pier Mauá Ganador en la categoría Mejor Diseño de Iluminación Exterior Presupuesto bajo Entre la lista de los proyectos, construcciones y eventos latinoamericanos nominados a los premios Darc, destacan las “Grúas de Pier Mauá”, a manos de la diseñadora Mónica Lobo del estudio brasileño LD Studio, que se llevó el galardón como Mejor Diseño de Iluminación Exterior – Presupuesto bajo.

El diseño lumínico de Las “Grúas de Pier Mauá” pretende establecer un símil entre las grúas y los dinosaurios, por su forma y tamaño. Así, LD Studio recupera dos hermosas y esculturales grúas de los años 60, que permanecían inmóviles en el área portuaria del centro de Río de Janeiro, Brasil, como recuerdo de un pasado glorioso. Éstas se ubican al lado del Museo del Mañana, en la Plaza Mauá, una zona de la ciudad que ha sido remodelada recientemente y que se ha convertido en un punto de interés tanto para sus residentes, los cariocas, como para los turistas. El proyecto surge a raíz de la poca iluminación en la zona circundante a las grúas, una carencia que hacía que se ‘perdieran’ al caer la noche.

El propósito del diseño de la iluminación es “dotar de vida a estas grandes estructuras metálicas de manera que propicien un regreso a la infancia y, así, dar alas a la imaginación del público”, afirman desde LD Studio. Y añaden: “Nuestro planteamiento fue realzar la estructura principal, las patas y el cuerpo del animal, usando un proyector LED de luz blanca, cálida, aprovechando la transparencia natural de la cabina de control, y en el brazo de la grúa, los brazos de la criatura imaginaria, usando tecnología LED RGB, que añade movimiento y pulsación al animal que estábamos recreando.”

Asimismo, el uso de la tecnología RGB tiene otra connotación, y es que los lighting designers pretenden asociar los diferentes colores proyectados a fechas especiales para los cariocas como los denominados “octubre rosa” o “noviembre azul”, y la época de la Navidad.

Cabe mencionar otra referencia, bastante antigua, como fuente de inspiración de los diseñadores de iluminación brasileños: la composición luminaria de “La Ciudad de los Puentes”, en Cleveland, Ohio, creada por el diseñador Ross de Alessi en 1996, como celebración del bicentenario de la ciudad. “El uso libre de colores y el movimiento en las gigantescas estructuras del puente causaron un gran efecto en nosotros, cuando tuvimos la oportunidad de observarlo detenidamente y disfrutar de ese ambiente nocturno tan mágico cerca del agua”, concluyen satisfechos los ganadores.

PIER MAUÁ CRANES Ubicación: Río de Janeiro, Brasil Diseño de iluminación: LD Studio, Brasil Cliente: Pier Mauá Principales proveedores de iluminación: iGuzzini, Philips, Lemca

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Los Atardeceres Perfectos Tercer ganador en la categoría Diseño de Iluminación Interior Presupuesto bajo La obra “Los Atardeceres Perfectos” nace de la unión entre las artes visuales y la exploración de la luz natural en diferentes latitudes. “El cielo es la inspiración, el patrimonio y la referencia de secuencias de colores, tiempos y emociones para construir con la inmaterialidad de la luz una obra que nos conecte con el momento en el día se transforma en noche… o viceversa”, explica su autora Paulina Villalobos, del estudio de iluminación chileno DIAV. La línea del horizonte es la protagonista de la fiesta de colores que despiden al sol cuando éste se esconde, al atardecer. Esa franja del cielo en constante cambio es, precisamente, el objeto del diseño, puesto que no hay ni un solo segundo igual al otro: cambian los colores y las intensidades. Cada día se muda de lugar y viajamos de norte a sur, por lo que su duración también es diferente en cada kilómetro.

En la memoria visual y emocional de los viajes están recopilados cientos de atardeceres y amaneceres, momentos de contemplación que nos conectan con el espectáculo de la naturaleza, la paz, el silencio y la belleza de la introspección. “Los veloces atardeceres de las latitudes tropicales; la calmada y diagonal puesta de sol de las latitudes polares; la exótica paleta de colores polares de las auroras; las limpias despedidas del sol en el desierto, azules, violetas y anaranjadas; las nubes rojas del sur o de la bruma de las ciudades contaminadas, con colores saturados o modestos… Nunca son iguales. Ningún momento es igual a otro”, nos ilumina con su visión, Paulina Villalobos.

Esta obra reconstituye la luz y la memoria emocional de los colores desplegados por la naturaleza en la línea del horizonte. La interfaz de la bóveda celeste, recreada en dos superficies que no se tocan, el plano base del horizonte y el plano cóncavo que recibe las secuencias de color.

La iluminación dinámica contempla el diseño de secuencias que rotan imperceptiblemente a través de tres agrupaciones de LED RGB, escondidas en detalles de unión entre planos, proyectando luz rasante en algunos casos y frontal en otros, para generar diferentes escenas de cielos, secuencias y colores diseñadas, instaladas y programadas.

LOS ATARDECERES PERFECTOS Localización: Santiago, Chile Diseño de iluminación: DIAV, Chile Cliente: Galería Gabriela Mistral Arquitecta: María José Ramos, Chile Interiorista: Macarena Ruiz Tagle, Chile Principales proveedores de iluminación: Color Kinetics

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REPORTAJE

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Restaurante Nosso Finalista en la categoría Diseño de Iluminación Interior Presupuesto bajo “Nosso”. Esta palabra, que en portugués significa nuestro, es la que da pie al diseño lumínico del restaurante Nosso: un lugar abierto a todos, en el que los comensales puedan disfrutar de comidas y bebidas exquisitas en un entorno agradable. “El concepto primordial del cliente era crear un lugar democrático, en el que el invitado se sintiera bienvenido, como si de un hogar bohemio se tratara”, afirman desde LD Studio.

Bajo esta premisa y gracias a un lluvia de ideas que arrojó conceptos clave como: nuestro; informal; colectivo; bohemio; sensación de hogar; confort; flexibilidad, sorpresa… Los lighting designers concibieron una serie de luminarias que reflejan esos estados de ánimo a través del espacio.

La combinación de la iluminación une el desarrollo de accesorios decorativos especiales, la atención en la iluminación de las superficies verticales, el cuidado en el tratamiento del balcón de la barra –donde destacan los trabajos en madera y se resalta la figura del barman con una especie de “iluminación escénica”–, fueron algunos de los aspectos fundamentales para crear el ambiente deseado. Sin olvidar el juego de diferentes temperaturas de color, presentes en las superficies verticales, y una interpretación sutil de un LED especial a modo de “vela”.

Por último, los artistas de LD Studio aluden al “trabajo en equipo”, ya que Nosso nace de un esfuerzo colectivo, en el que el propietario del restaurante estuvo presente, desde la fase conceptual del diseño de iluminación hasta los ajustes finales. “Esto es lo que hace de Nosso un restaurante realmente nuestro”, afirman.

RESTAURANTE NOSSO Ubicación: Río de Janeiro, Brasil Diseño de iluminación: LD Studio, Brasil Cliente: Rodrigo Vasconcelos Principales proveedores de iluminación: Lightsource, Lemca, Bellaluce, Utiluz, Vip, Andratti

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Casa Fuerte Finalista en la categoría Diseño de Iluminación Interior Presupuesto bajo El proyecto “Casa Fuerte” del despacho mexicano Diseño en Iluminación Arquitectónica (El Primer Día), encabezado por Miguel Ángel Calanchini, nació con la voluntad de aportar un valor añadido a la existente estructura de albañilería que, con más de 300 años de antigüedad, sirvió como silo durante la época colonial. Para su iluminación conceptual, Primer Día exploró el atardecer como un diálogo entre el exterior y el interior de la estructura principal.

Estos monumentos restaurados se hallan en medio de tierras agrícolas, cerca de Querétaro, México, donde el contexto general es predominantemente plano y rural. Su proximidad al área metropolitana de la región central de México, hacen de este espacio un escenario excepcional y único, rico en especies que evocan un balance dentro del ambiente natural.

El concepto se elabora a partir de la idea de que este edificio utilitario fue iluminado por amaneceres, atardeceres y por fogatas de los trabajadores, por lo que la iluminación aborda el diálogo de los espacios interior y exterior de la estructura principal, utilizando proyectores de RGB controlados vía DMX. “Se consideró evitar la contaminación lumínica reduciendo de forma importante el número de luminarias a un número óptimo mínimo, descartando colocar luminarias en las proximidades. Los haces de luz se logran desde el perímetro por medio del uso de óptica adecuada y alineamiento preciso para prevenir la iluminación excedente”, relata el equipo de Primer Día.

La iluminación interior, tanto ambiental como general, se consigue mediante soluciones de iluminación suspendidas, divididas en dos circuitos controlados independientemente. Asimismo, “una segunda capa de iluminación adicional hace las veces de iluminación de servicio, proveniente de ocho luminarias tipo campana reflectora con distribución lumínica de bajo deslumbramiento, distribuidas uniformemente”, prosiguen los diseñadores mexicanos.

Dos circuitos de bañadores de pared ocultos, paralelos al eje de la arquería central, aportan iluminación vertical a los dos tercios superiores de los muros perimetrales interiores, en una clara alusión a la maravillosa luz del atardecer y acentuando la escala vertical de este espacio.

CASA FUERTE Localización: Querétaro, México Diseño de iluminación: Diseño en Iluminación Arquitectónica, México Cliente: Mª Esther Jiménez Principales proveedores de iluminación: LJ Iluminación

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REPORTAJE

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Sana Sana Pilates Finalista en la categoría Diseño de Iluminación Interior Presupuesto bajo “Tras el éxito de nuestro primer proyecto para la clínica de fisioterapia, estética y pilates Sana Sana, nuestros clientes se ven en la necesidad de ampliar sus instalaciones para impartir más clases grupales de diversas modalidades de yoga y pilates en un bajo cercano”.

Así es como el equipo que dirige Vicente Pillado, junto con el apoyo de NAN Arquitectes, describe el proyecto Sana Sana Pilates, que da continuidad a un trabajo previo realizado para el centro de fisioterapia de la misma clínica, donde el diseño de los espacios contribuye a la relajación y a la concentración necesarias para el desarrollo de esas actividades. En este proyecto, el estudio español ha jugado con los materiales, las formas y la iluminación para dar a los ocupantes una sensación de sosiego y calma.

El programa es sencillo: un espacio de recepción, diversas salas de actividades y unos pequeños vestuarios. Éste se organiza mediante un espacio fluido que se contrae y dilata en función del uso y, donde cada uno de los componentes arquitectónicos, incluso la iluminación y las instalaciones, enfatizan esta idea de movimiento y tranquilidad. Movimiento reforzado con la decisión de dejar las diferentes instalaciones vistas, con el juego de líneas aparentemente anárquicas que se crean en su desarrollo, para conseguir una sensación de fluidez que refuerce la percepción de recogimiento y aislamiento que se vive en las estancias a las que da servicio Sana Sana Pilates. Calma, por la sinceridad de los materiales y también por la luz que las envuelven.

Espacio servidor y servido forman un continuo arquitectónico y estético. “Se trata de un proyecto donde cobra relevancia un espacio servidor sin mermar la calidad arquitectónica de los espacios a los que sirve.

Donde la calidez de la madera contrasta con la desnudez y aparente frialdad del resto de materiales”, enfatizan los diseñadores de iluminación.

En la fachada, se pretende respetar al máximo los huecos existentes y simplemente se envuelve con una piel que uniformiza y da privacidad, consiguiendo una imagen contundente y dual: semiopaca durante el día, semitransparente durante la noche. Para conseguirlo, se recubre de chapa microperforada ondulada con la que se consigan efectos de luz, y se puedan apreciar los huecos existentes tanto hacia dentro, como hacia el exterior.

El resultado es una “máquina donde se observan todos sus entresijos como si fuese un ejercicio de transparencia y sinceridad hacia los usuarios”, apuntan desde el despacho de Vicente Pillado.

SANA SANA PILATES Localización: Porriño, España Diseño de iluminación: Vicente Pillado, España Cliente: Sana Sana Arquitectos: Nan Arquitectos, España Interioristas: Nan Arquitectos, España Principales proveedores de iluminación: Lluria, Climar

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REPORTAJE

Restaurante Enigma Finalista en la categoría Diseño de Iluminación Interior Presupuesto alto Conceptualizado e iluminado por artec3 Studio, el restaurante Enigma es el proyecto más ambicioso hasta la fecha del célebre chef Albert Adrià, quien ha querido cumplir su sueño y abrir un restaurante “congelado y enigmático”. Una propuesta que refleja su gastronomía y su carrera. Espacio Enigma nace gracias a la fructífera, creativa y cercana colaboración de Neolith, los lighting designers de artec3 Studio, los ganadores del Premio Pritzker de 2017, RCR Arquitectes y Pau Llimona.

El proyecto surge de la idea de generar un espacio enigmático, pero activo, donde los límites se desdibujen mediante el uso de reflejos, densidades luminosas, claroscuros y color con el fin de que el comensal se entregue al máximo, disfrutando con todos los sentidos de la alta cocina y de una experiencia gastronómica inolvidable.

La sensación de estar en un lugar abstracto, sin gravedad, pero a la vez en un lugar complejo y especial que intensifica la experiencia sensorial culinaria, se convierte en realidad gracias a la “materialidad de la luz”, afirma el artífice del diseño de iluminación, Maurici Ginés de artec3 Studio. En este sentido, la arquitectura y el diseño de iluminación son claves en este cometido: “el fondo indefinido, las sillas y las mesas transparentes que reflejan el entorno y las paredes de vidrio vertical traslucido, hacen que el visitante se imagine y, a posteriori, descubra las distintas salas de degustación”, describe Ginés.

El techo de malla metálica con apariencia de nube es el elemento central del diseño de iluminación. La “nube” luminosa, aunque turbia, llena el restaurante y sumerge a los comensales en un mundo etéreo por medio de la iluminación y los materiales vaporosos.

El color es el responsable de crear el ambiente y formar composiciones cromáticas que guían a los comensales a través de las salas temáticas: el salón Cava del color del vino, la cámara Cocktail del color del hielo, y el salón Teppanyaki del color del fuego, garantizan una experiencia ‘ultrasensorial’.

El diseño de iluminación está integrado y bien oculto, de modo que pasa desapercibido por los clientes.

Se ha recurrido a la tecnología LED (4000 K, 12-W leds) controlada por DALI, a focos miniatura para el área de la cocina y en la zona de las mesas y, para la “nube” se han usado 2.800 leds de bajo consumo (2W, 4000 K y 4-W, RGBW), así como una matriz con control DMXZ, colocada como luz de fondo detrás del

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material traslucido, que permite añadir colores, densidades y efectos lumínicos tridimensionales a cada área del restaurante.

Según afirma el equipo de artec3 Studio, el propósito de todos –incluso del chef Albert Adrià–, “era proponer un concepto integral y diseñar un lugar distinguido para disfrutar de la alta cocina en una atmósfera especial, espacial, esencial y creada específicamente para este fin”.

Todo lo diseñado para este enigmático espacio busca adaptarse a ese objetivo: • Aspirar a algo más profundo, más intrínseco, vital, contemporáneo, que provenga de una experiencia sensorial combinada de la integración del contenedor y el contenido • Idear una nueva manera de concebir la calidez; algo que vaya más allá del típico concepto de iluminación cálida enfocada hacia una mesa, e iluminación general que haga posible entender el lugar, los materiales y la ubicación de las luminarias • Lograr un resultado en el que la iluminación y los materiales coexistan como una sola comunicación a través de un elemento central dinámico • La idea de tener una matriz LED en forma de nube que permita generar densidades y efectos tridimensionales de iluminación • El uso de la luz blanca (4000 K y CRI alto), para crear tonos grisáceos (sombras claras) e iluminar la comida • El uso del color para resaltar las áreas temáticas Por su parte, RCR Arquitectes y Pau Llimona diseñan un espacio orgánico lleno de curvas y pasillos estrechos, donde “la precisión quirúrgica” ha sido un elemento clave para garantizar la continuidad del diseño de la acuarela originaria de Neolith.

“Nos gusta la idea de que sea un enigma, que sea difícil de explicar. Es un espacio envolvente que se funde, desaparece, casi un laberinto. Entre la materialidad y la conformación, se crean una serie de movimientos orgánicos en el recorrido del espacio distintos a los que estamos habituados. Sombras, transparencias, una presencia acuosa, nebulosa...”, coinciden los arquitectos.

RESTAURANTE ENIGMA Localización: Barcelona, España Diseño de iluminación: artec3 Studio, España Cliente: Albert Adrià Projectes Arquitectos: RCR Aranda Pigem Vilalta Arquitectes, España, Pau Llimona Principales proveedores de iluminación: Davide Groppi, Lamp, Lutron Fotografía: Adrià Goula Photo

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REPORTAJE

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The One Barcelona Hotel Finalista en la categoría Diseño de Iluminación Interior Presupuesto alto BMLD, el estudio de diseño de iluminación con sede en Barcelona fundado por Birgit Walter, ha sido uno de los finalistas en los Premios Darc por el proyecto de iluminación de “The One Barcelona Hotel”. En este trabajo, el despacho ha buscado enfatizar el ritmo y los materiales del edificio mediante la integración de tres sistemas de iluminación LED incorporados en el sistema de control del edifico, que también cuenta con un reloj astronómico.

El complejo hotelero cuenta, asimismo, con una planta baja y más de siete pisos y, en su centro, un espectacular atrio de vidrio curveado que sirve de distribución y acceso a las habitaciones. La luz solar se puede apreciar durante todo el día a través del lucernario transparente ubicado en lo más alto.

La intención de BMLD “es realzar la belleza de la sencillez de su forma, estructura y transparencia, dándole volumen”. Unos resultados que se han obtenido gracias a dos sistemas de iluminación. Por un lado, una iluminación indirecta continua con luminarias de perímetro LED de cala, empotradas, que realzan el fondo vertical creando la apariencia de volumen y, simultáneamente, crean bonitos reflejos y efectos visuales.

Y por otro lado, los focos Pinhole de fino haz de luz empotrados y ocultos en el falso techo, enfatizan y contribuyen a ese efecto de brillo en la puerta, que tanto contraste visual genera. Ambos sistemas de iluminación son LED y están integrados en el sistema global de control, lo que permite obtener una luz adecuada en cada momento concreto.

Para BMLD, haber formado parte de los finalistas de estos prestigiosos premios “es una satisfacción, sobre todo, como reconocimiento a un buen trabajo en equipo, en el estudio, con el cliente y con los colaboradores implicados en el proyecto”, declara orgullosa Birgit Walter. Y añade: “También nos alegra participar en una iniciativa que contribuye a potenciar la cultura de la luz y pone en valor el trabajo de los lighting designers.”

THE ONE BARCELONA HOTEL Localización: Barcelona, Spain Diseño de iluminación: BMLD, Spain Cliente: H10 Hotels Interioristas: Jaime Beriestain Studio, España Principales proveedores de iluminación: Luz negra, Lutron, LightGraphix Fotografía: Álvaro Valdecantos

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Plan maestro de Puerto Vallarta Finalista en la categoría Diseño de Iluminación Paisajística Presupuesto alto El Master Plan de Puerto Vallarta es una estrategia de iluminación diseñada por la firma mexicana EGEA Iluminación, junto con Citelum, para el mejoramiento y optimización del espacio urbano que realza los elementos arquitectónicos, añadiendo interés al paisaje natural durante la noche e invita al peatón a realizar el recorrido completo por el Malecón, pudiendo visitar dentro del recorrido sitios de interés como la Parroquia de Nuestra Señora de Guadalupe y la Parroquia de Nuestra Señora del Refugio.

Para el concepto de iluminación se tuvieron en cuenta factores de diferente naturaleza que pudiesen brindar identidad y vanguardia a la ciudad, al tiempo que se promueve la seguridad pública, el desarrollo económico y el aumento en la afluencia de visitantes, poniendo especial énfasis en el compromiso con la sustentabilidad y la conservación del entorno natural.

Los requisitos generales a satisfacer fueron los siguientes: • Diseñar un concepto de iluminación adaptado al contexto y uso del espacio urbano • Brindar una iluminación que respete y cuide el entorno natural • Incorporar un concepto innovador, basado en el ahorro energético y bajos costos de mantenimiento • Implementar sistemas y tecnología de vanguardia: tecnología LED, monitoreo, programación y control de luminarias de forma flexible e independiente • Promover la seguridad eléctrica: instalaciones de bajo voltaje, ubicaciones seguras de todos los equipos eléctricos • Instalar luminarias y equipos resistentes al vandalismo y al ambiente marítimo, logrando reducir el mantenimiento al mínimo Asimismo, el proyecto fue dividido en secciones determinadas por zonas geográficas: MALECÓN SECCIÓN I: comprende desde el Hotel Rosita hasta la Fuente de la Amistad.

• Se analizó la distribución de postes y luminarias, buscando colocar la menor cantidad de elementos verticales con el objetivo de que el peatón realice su recorrido de modo fluido y con una iluminación uniforme • Se desarrolló la creación de diversos escenarios con cambio de color inspirados en el movimiento de las olas ayudando a reflejar y acentuar la actividad de los comercios y artesanos, gracias a la tecnología RGB, lo que incrementó el flujo de visitas mediante el aprovechamiento de la luz • Se instalaron tiras LED, que funcionan a bajo voltaje en color blanco cálido, ubicadas en todo el perímetro

de las bancas que limitan el área de playa y el Malecón, sirviendo como guía visual para los transeúntes • Todos los drivers se encuentran protegidos, de manera que se minimiza el vandalismo y los problemas cuando sube la marea • El cambio de color en la iluminación escénica puede ser programada de manera individual por días y horas, de acuerdo a los acontecimientos culturales, por lo que se podrán ver tonalidades diferentes sobre el andador • Cuenta con un sistema de control y monitoreo remoto que, a través de internet y desde cualquier dispositivo, se puede realizar el disparo de escenas, encendidos y apagados, así como extraer informes que permiten la revisión del funcionamiento de los equipos.

MALECÓN SECCIÓN II: desde la Calle Zaragoza hasta el Puente del Río Cuale.

• Se unifica con el concepto de iluminación de la primera etapa, permitiendo que los visitantes puedan sentirse en un mismo espacio, retomando proyectores con cambio de color y la iluminación en luz blanca cálida, para las esculturas que se encuentran en este trayecto • Se añaden estos puntos de luz al sistema de control, lo que facilita su uso • Para los dos proyectos se utilizó tecnología 100% LED, con luminarias de garantía de cinco años

PLAN MAESTRO DE PUERTO VALLARTA Localización: Puerto Vallarta, Jalisco, México Diseño de iluminación: Hugo Iván Jáuregui Gómez Cliente: Gobierno Municipal de Puerto Vallarta, Secretaría de Turismo del Estado de Jalisco, Secretaría de Infraestructura y Obra Pública de Jalisco Principales proveedores de iluminación: Philips, Colour Kinetics, Erco, iGuzzini

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REPORTAJE

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Light & People 2016 “Luz y arte” Finalista en la categoría Mejor Iluminación Creativa en un Evento Light & People es el encuentro anual organizado por Fluvia, que reúne a expertos en los campos de la arquitectura, la iluminación y el diseño en Barcelona y Madrid, respectivamente. En su cuarta edición, el mes de mayo de 2016, el eslogan escogido fue “Luz y Arte”, y contó con la participación de Carles Guerra, director de la Fundación Antoni Tàpies, y Michela Mezzavilla, arquitecta y diseñadora de iluminación.

La importancia de este evento reside en la capacidad de escoger diferentes temas cada año, analizando en profundidad y ampliando el conocimiento sobre la luz, movilizando a más de 700 personas en dos ciudades contribuyendo, así, a la diseminación de la cultura de la luz.

En su primera andadura en Barcelona, el pasado 19 de mayo de 2016, la sala de la Fundación Antoni Tàpies se transformó en un gran escenario, cuyos protagonistas fueron los distintos sistemas de iluminación proyectados. La iluminación jugó un papel estelar a la hora de ensalzar los trabajos del consagrado artista Antoni Tàpies, junto con los cuatro cubículos blancos que alojaban luminarias Arch, Lane, Point y Loop de Fluvia.

En este escenario, cabe destacar la instalación efímera “WAV!”, creada por Michela Mezzavilla, una combinación de recuadros y luminarias que invitaba a los asistentes a interactuar y fotografiarse de manera distendida. La aplicación del sistema de control de iluminación Scena fue indispensable para lograr el dinamismo de la instalación al permitir cambios de color e intensidad.

Respecto a la localización del evento en Madrid, el espacio escogido el 26 de mayo de 2016 fue el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía del Edificio Nouvel –obra del ilustre arquitecto Jean Nouvel–.

En total, más de 350 personas en Barcelona, y otros centenares en Madrid, se dieron cita en estos actos para participar de las conferencias impartidas por Carles Guerra y Michela Mezzavilla, quienes compartieron protagonismo con Gonzalo Batista, director de Negocios de Iluminación, y Salvi Plaja, director de Diseño de Fluvia, quien actuó como moderador.

En su intervención, el director de la Fundación Antoni Tàpies remarcó la importancia de la luz, “que va mas allá de sus cualidades perceptivas, sensoriales y emocionales, lo que ha representado un eterno reto para el mundo del arte”. Y añadió: “Un museo, una discoteca o una sala de cine son similares desde el punto de

vista del uso de la iluminación. El hecho de que, hoy en día, la veamos reflejada en pinturas u obras de arte no quiere decir que haya dejado de ser intangible”.

Por su parte, Michela Mezzavilla destacó que “la luz es el material más poderoso que existe, a pesar de su naturaleza intangible. Modifica la percepción del espacio y de todos los otros materiales, creando una experiencia sensorial única en cada individuo”. Las imágenes que mostró la reconocida lighting designer son una muestra de que la luz no solo ilumina espacios, sino que también los crea.

LIGHT & PEOPLE 2016 “LUZ Y ARTE” Localización: Barcelona y Madrid, España Organizador: Fluvia Principales colaboradores: Michela Mezzavilla, reMM Studio Principales patrocinadores: Fundación Antoni Tàpies, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia

Matemáticas La Galería Winton, un túnel de viento hecho con luz Diseñada por Zaha Hadid Architects (ZHA), la galería de matemáticas del Museo de Ciencias de Londres es la primera obra de los arquitectos inaugurada en el Reino Unido, tras el fallecimiento de Zaha Hadid. Mathematics: The Winton Gallery nació con el encargo de ilustrar el papel central de las matemáticas en nuestra vida cotidiana. Para afrontar este desafío, ZHA trabajó estrechamente con la empresa especializada en ingeniería y arquitectura Arup, que se ocupó del diseño de iluminación.

Texto: Redacción iCandela Fotografías: Arup

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REPORTAJE

El nuevo espacio del Museo de Ciencias de Londres es la primera exposición permanente de museos públicos diseñada por Zaha Hadid Architects en todo el mundo. La galería es también el primer proyecto de Zaha Hadid Architects en la capital británica, tras la muerte repentina de Dame Zaha Hadid en marzo de 2016, y surge del interés de la arquitecta por la geometría en su época como estudiante en la Universidad Americana de Beirut.

“Cuando vivía en Irak, las matemáticas eran una parte cotidiana de la vida: jugábamos con problemas matemáticos igual que jugábamos con bolígrafos y papel para dibujar; las matemáticas eran como el dibujo”, había comentado la que fuera la primera arquitecta galardonada con el premio Pritzker.

Inspirado por los aviones de Handley Page, el diseño es impulsado por ecuaciones de flujo de aire utilizadas en la industria de la aviación

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MATEMÁTICAS LA GALERÍA WINTON, UN TÚNEL DE VIENTO HECHO CON LUZ

DISEÑO INSPIRADO EN LA AERODINÁMICA Gracias a su experiencia y al uso de creativas técnicas de iluminación, Arup ha podido dar vida a la historia de las matemáticas, junto con el equipo de ZHA. El sorprendente impacto visual que genera la arquitectura y la iluminación permite vincular esta disciplina con experiencias cotidianas del día a día. Una fluida mezcla de iluminación dinámica y estática se integra para revelar el significado matemático de un

elemento clave de la galería: la avioneta Handley Page “Gugnunc” de 1929. Es justamente este avión el génesis del tema general de la galería, una forma que ayuda a ilustrar cómo la práctica matemática ha ayudado a resolver problemas del mundo real y, en este caso, abrió el camino para los vuelos seguros de pasajeros. “El diseño de iluminación responde a un concepto arquitectónico que utiliza el campo aerodinámico de la avioneta como elemento generativo. La iluminación, en tonos púrpura, nace alrededor de la avioneta para demostrar este fenómeno, que se ori-

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gina en la hélice y se extiende por todos los rincones de la galería”, explica Guillermo Martínez, lighting designer de Arup.

El resultado es impresionante y ofrece una experiencia única a los visitantes. El concepto de iluminación representa un túnel de viento interpretado de una forma espectacular, proyectando el movimiento del aire a través del espacio, desde el elemento generador de la turbulencia hasta el suelo, las paredes y el techo. De este modo, los elementos

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REPORTAJE

lineales en la galería representan el flujo laminar, mientras que los elementos curvos simbolizan un flujo turbulento.

“En lo más profundo, esta galería revela una rica historia cultural del esfuerzo humano que ha contribuido a transformar el mundo en los últimos 400 años. La práctica matemática sustenta tantos aspectos de nuestra vida y de nuestro trabajo…”, afirmaba el comisario de la Galería Winton, Dr. David Rooney, durante su inauguración, hace apenas un año.

Los curiosos que se adentren en La Galería Winton, podrán contemplar desde un astrolabio islámico del siglo XVII, que utiliza técnicas matemáticas antiguas para trazar el mapa del cielo nocturno, hasta la famosa máquina Enigma que, con sus intrincadas fórmulas matemáticas, ayudó a los aliados a descifrar los códigos secretos del ejército nazi.

Guillermo Martínez: “La iluminación, nace alrededor de la avioneta para demostrar este fenómeno, que se origina en la hélice y se extiende por todos los rincones de la galería”

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MATEMÁTICAS LA GALERÍA WINTON, UN TÚNEL DE VIENTO HECHO CON LUZ

UN TRIBUTO A DAME ZAHA HADID (BAGDAD, 1950 – MIAMI, 2016) La galería es una atracción clave para el Museo de Ciencias. El diseño, no solo muestra el campo aerodinámico generado por el avión de una manera creativa, sino que también da vida a uno de los elementos más significativos y complejos de la investigación aeronáutica de una forma que los visitantes nunca antes hayan contemplado.

El director del Science Museum Group, Ian Blatchford, recuerda emocionado sus impresiones cuando Zaha Hadid y Patrik Schumacher le presentaron por primera vez su diseño para la nueva galería de matemáticas, cuyas ideas y visión le “impactaron enormemente”.

Blatchford considera, asimismo, que esta galería “es un tributo a esta arquitecta que cambió el mundo y será fuente de inspiración para los millones de curiosos que la visiten en los próximos años”.

Algunos instrumentos y objetos de la Galería Winton aparecen arraigados en otras disciplinas, desde la arquitectura clásica hasta el diseño de muebles, pasando por la medicina, como la pionera máquina de reconocimiento de patrones Wisard, construida en 1981 para intentar recrear las redes neuronales del cerebro, es decir, un primitivo artefacto de Inteligencia Artificial que, hasta su jubilación en 1995, reconocía billetes falsos, analizaba la voz humana y monitorizaba el crecimiento fetal.

Según los diseñadores de Arup, el proyecto busca lograr la máxima calidad posible, haciendo un balance entre los estrictos requisitos de conservación, el coste y el empleo de la tecnología más puntera en iluminación. “Nuestro equipo de LightLab permitió evaluar los equipos de iluminación para garantizar un preciso funcionamiento de los múltiples detalles, así como experimentar con distintos haces de luz para resaltar objetos. La filosofía de equilibrar la excelencia técnica con creatividad e innovación se manifiesta en

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el extraordinario diseño de iluminación que se ha logrado”, subrayan. Arup también llevó a cabo servicios estructurales y de instalaciones.

Como decía Galileo, “las matemáticas son el lenguaje con el que Dios ha escrito el Universo”. Una afirmación que, con Matemáticas: La Galería Winton, cobra relevancia y abre una reflexión en torno a cómo las matemáticas están presentes en todo lo que nos rodea.

Matemáticas: La Galería Winton es la primera obra de ZHA inaugurada en el Reino Unido, tras el fallecimiento de Zaha Hadid, en marzo de 2016

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Nakar Hotel de Palma de Mallorca El ‘hogar’ de las almas viajeras

Texto: Jung Fotografías: Nakar Hotel y mecanismos LS 990 Dark

REPORTAJE

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El viajero moderno, detallista y sofisticado, tiene un tesoro en el corazón de Palma de Mallorca: el Nakar Hotel. Un espacio de vanguardia donde el diseño y la tecnología se aúnan para proporcionar una experiencia inolvidable, plena de confort, empatía y emociones, gracias a la nueva serie de marcos y mecanismos LS 990 Dark de Jung, que se han instalado en diversas de sus áreas y estancias.

El Nakar Hotel es un 4 estrellas superior, perteneciente a la red internacional Design Hotels, y goza de una ubicación perfecta al comienzo de la zona comercial de Palma, con las tiendas de moda más exclusivas y a pocos metros de La Lonja y Santa Catalina, los emblemáticos barrios mallorquines especializados en restauración y vida nocturna. Marga Rotger, la reconocida interiorista mallorquina, es la responsable del diseño del hotel de aire minimalista y racional, pero sin renunciar a un cierto eclecticismo resultado de la mezcla de materiales nobles con la rotundidad de la nueva serie LS 990 Dark de Jung, en aluminio negro mate.

Las 57 habitaciones del hotel se completan con enchufes y conexiones USB, mediante la tecnología de Jung, que permiten cargar directamente cualquier dispositivo sin necesidad de un adaptador de corriente

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NAKAR HOTEL DE PALMA DE MALLORCA EL “HOGAR DE LAS ALMAS VIAJERAS

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INTERIORISMO Y TECNOLOGÍA Las 57 habitaciones del Nakar Hotel, inmersas en el estilo sobrio y rectilíneo que domina el interiorismo del establecimiento, reúnen todo lo que el ‘tecno viajero’ urbano pueda necesitar: desde una potente conexión WiFi hasta un moderno sistema de Smart TV. Asimismo, la instalación se completa con enchufes y conexiones USB, mediante la tecnología de Jung, que permiten cargar directamente cualquier dispositivo sin necesidad de un adaptador de corriente.

El fabricante alemán Jung, especialista en automatización de edificios y mecanismos eléctricos de alta calidad, ha creado el acabado Dark para su serie de mecanismos eléctricos LS 990 pensando especialmente en la creación de atmósferas arquitectónicas singulares, que pretendan transmitir intensidad a través de lo esencial, con una estética de formas definidas y rotundas como la del Nakar Hotel.

Gracias a la nueva serie de marcos y mecanismos LS 990 Dark de Jung, el Nakar Hotel es el alojamiento ideal para el ‘tecno viajero’

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REPORTAJE

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Hawkers Madrid Del “bit al átomo” con Light & Studio

La marca digital Hawkers se estrena con su primera tienda física de gafas, para la que ha contado con el asesoramiento de Light & Studio en materia de iluminación.

Una experiencia única desarrollada en colaboración con el estudio de interiorismo Cul de Sac, donde la luz marca los límites del espacio.

El establecimiento ha abierto sus puertas en el centro de Madrid para exponer un producto que pasa del “bit al átomo”, gracias a un espacio y una iluminación rompedores, que quieren ofrecer al cliente un producto lujoso, pero accesible para todos los bolsillos.

Texto y fotografías: Light & Studio

El comprador se sorprenderá al ver las gafas Hawkers expuestas sobre materiales de mármol y acero inoxidable. Las baldas de luz bañarán el producto mostrando la calidad de los colores y reflexiones de los cristales de las gafas, permitiendo apreciar y tocar el producto. Asimismo, podrá contemplar un espacio dinámico como un lienzo de luz blanca que resalta los colores de estas juveniles gafas.

El juego de contrastes, claroscuros y degradados de luz y color quieren reflejar el descaro, el desafío, la innovación y la rebeldía que caracterizan a Hawkers

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HAWKERS MADRID DEL “BIT AL ÁTOMO” CON LIGHT & STUDIO

COLOR, INNOVACIÓN Y UNA ILUMINACIÓN ROMPEDORA En su nueva andadura en el comercio off line, esta marca nacida en Elche tiene como objetivo impulsar la firma para posicionarla entre las primeras del mercado, pero manteniéndose fiel a su estilo: defendiendo el descaro, el desafío, la innovación y la rebeldía que la han caracterizado desde el principio.

Tres plantas dan forma a esta tienda, cada una con un carácter y una funcionalidad totalmente distintos, donde encontramos una iluminación llena de contrastes, claroscuros y degradados de luz y color.

UNA ‘BARRA’ DE BAR PARA TUS OJOS Haciendo un guiño a su entorno, se ha dispuesto un glass bar para dar la bienvenida a los clientes y ofrecer consejos frescos para encontrar la gafa más adecuada, en el marco de una estancia de estética modernista que conserva el encanto de los bares más castizos de Madrid y potencia los contrastes clásicos de Hawkers.

Esta planta también alberga una de las principales novedades de la marca: las gafas graduadas.

El espacio de medición visual es una atmósfera dentro de la tienda. En ella se pierden los límites y la luz juega un papel fundamental con el propósito de convertir la experiencia en un momento inolvidable. Para generar este ambiente, se ha diseñado una iluminación exclusiva para los muebles de la tienda, que juega con el contraste y los puntos de luz para resaltar los vivos colores de las gafas. El mobiliario a medida acelera la selección, prueba y venta, desdramatizando el proceso de compra.

El mobiliario a medida acelera la selección, prueba y venta, desdramatizando el proceso de compra

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PROTAGONISTA

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Alberto Campo Baeza “La luz llega a nuestra alma de una manera inefable”

Texto: Annabel Saavedra Fotografías: Javier Callejas, Hisao Suzuki, Manuel Yllera y Estudio de Arquitectura Campo Baeza

Entrevistar a Alberto Campo Baeza para la nueva etapa de iCandela es un lujo. El que él nos concede en el marco de FAMA-LAB, la Primera Feria de Arquitectura y Laboratorio de Ideas (hna – ETSAM). Alberto Campo Baeza es reconocido internacionalmente como ‘el arquitecto de la luz’. Cree en la arquitectura como idea construida. Y cree que los principales componentes de la arquitectura son la gravedad, que construye el espacio, y la luz, que construye el tiempo. Su discurso, igual que su obra, es directo y claro, libre de todo exceso, y destila pasión por la arquitectura y la enseñanza.

Una visión que también se refleja en sus libros, artículos y las clases que imparte alrededor del mundo, y que tampoco ha pasado desapercibida por el mundo de la arquitectura, que le ha otorgado diversos premios por su arquitectura excepcional y por la dimensión poética que transciende de todas sus obras. El más reciente, el Primer Premio COAM 2017 por el Polideportivo de la Universidad Francisco de Vitoria.

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Bastan unas palabras con el arquitecto para que aflore esa sensibilidad por el arte, la literatura y la música, pilares básicos de su obra.

Redacción iCandela: Si yo le digo “En un grano de arena ver un mundo, y en cada flor silvestre un paraíso. Vivir la eternidad en una hora, sostener en la palma el infinito”…

Alberto Campo Baeza: Que lo dice más claro y mejor que yo William Blake en ese poema.

RiC: La poesía y la arquitectura ¿son dos artes que caminan de la mano?

ACB: Sí, claro, ambas exigen la máxima precisión.

RiC: ¿Alguna vez una obra musical le ha inspirado arquitectónicamente?

ACB: Bach, todo Bach, y nada más que Bach.

RiC: Podría desarrollarnos una de sus máximas “Sin luz no hay arquitectura”?

ACB: Digo que sin luz no hay arquitectura, de la misma manera que sin aire no hay música.

RiC: Y las sombras, ¿qué papel juegan dentro de la arquitectura?

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RiC: Usted subraya que la luz artificial ha de respetar la luz natural. Esto es algo que se respira en el conjunto de la obra de Alberto Campo Baeza. ¿Cuál es la mejor manera de equilibrar la iluminación artificial y la natural?

ACB: Todavía no lo sé, pero sigo intentándolo.

RiC: La iluminación arquitectónica debe estar despejada, desnuda y utilizarse, en palabras suyas, como “un material”. ¿Puede hablarnos de la “materialidad” de la luz?

ACB: Newton habla mucho mejor que yo, de la naturaleza corpuscular, material, de la luz.

RiC: Muchas de sus obras muestran una aparente sencillez, que no simplicidad. ¿Es una manera de intentar lograr la valoración del espacio de forma más directa?

ACB: Por supuesto.

RiC: Llegar a la depuración en la creación de un objeto, edificio… es algo tremendamente difícil. ¿Su proceso creativo se podría calificar de “complejo” frente a los resultados que consigue? Por favor, desvélenos algo más sobre su manera de trabajar.

ACB: Tiempo, tiempo, tiempo. Trabajar, trabajar, trabajar.

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¿Cuál es su interés por ellos, en particular, y por los pioneros de la arquitectura contemporánea, en general?

ACB: Son, hablando de arquitectura, nuestros cimientos.

RiC: ¿Qué tal se lleva con los diseñadores de iluminación?

ACB: Una relación mejorable.

RiC: Entre otras virtudes, hemos oído que logra que sus clientes se conviertan en sus amigos, lo cual supone una complicidad positiva durante todo el proceso de proyecto y ejecución –y entendemos que un valor añadido–. Pero en este proceso, ¿cuál es su relación con otros temas más arduos como la normativa? ¿Son un corsé para su arquitectura?

ACB: Procuro, aunque no lo parezca, cumplir la normativa escrupulosamente.

RiC: Asimismo, sus clientes ¿dan importancia o remarcan los aspectos lumínicos cuando le encargan un proyecto?

ACB: Nunca.

RiC: La Casa Gaspar, la Casa de Blas o la Turégano, entre otros aspectos, tienen un denominador en común: presupuestos ajustados. ¿Cómo podríamos obtener unos resultados similares en el campo de la iluminación?

RiC: Aunque suene a tópico, ¿menos es más?

ACB: Con la máxima economía de medios.

ACB: Sí.

RiC: ¿Cómo ve el futuro de la arquitectura?

ACB: “Sub umbra alarum tuarum” (“Bajo la sombra de tus alas, protégeme”), nos dice la Sagrada Escritura.

RiC: ¿Qué opina de la tecnología y de su relevancia frente la arquitectura? ¿Y en la iluminación?

ACB: Con mucho optimismo.

RiC: ¿Es cierto que algunos de los empleados de la Caja de Granada se conmovieron al contemplar por primera vez su edificio?

ACB: La tecnología ayuda, y mucho.

RiC: ¿Y el suyo?

RiC: Es Catedrático de Proyectos en la Escuela de Arquitectura de Madrid, ETSAM, en la que ha sido profesor durante más de 35 años, además de haber impartido clases y conferencias por todo el mundo. ¿Cómo cree que está planteada la disciplina de la iluminación en la carrera de Arquitectura?

ACB: Con mucha paciencia.

ACB: Mejorable.

ACB: “Hágase la luz”, y la luz fue hecha. Del mejor poeta.

ACB: Sí, es cierto. La luz llega a nuestra alma de una manera inefable.

RiC: En su libro “Quiero ser arquitecto” señala que el arquitecto “es un creador, un pensador, un artista, un técnico, un constructor…” pero también “un médico, un cocinero y un poeta”. ¿Volvería a ser arquitecto en otra vida?

ACB: Sí, ¿cómo no?

RiC: Al hilo de esta cuestión, ¿qué diferencia hay entre aprender arquitectura, enseñar arquitectura y hacer arquitectura?

RiC: Respecto a la precisión quirúrgica que exige la arquitectura, algo que tanto admira de su padre y que tan presente está en su obra, rigurosa, intensa, de geometría pura… Los diseñadores de iluminación ¿deben ser buenos ‘cirujanos’ también, demostrar esa fuerza?

ACB: Todo es lo mismo.

ACB: Absolutamente.

RiC: Adolf Loos (Raumplan), Le Corbusier (La boîte a miracles) están manifiestamente presentes en su obra.

RiC: Valladolid, Cádiz, Madrid, Nueva York, Zúrich… La luz, ¿Dónde es más intensa, mágica?

ACB: El sol se levanta cada mañana igual para todos.

RiC: Hemos leído que posee más libros de poesía y literatura que de arquitectura… Nos puede regalar una cita poética con la que poner el broche final a esta entrevista, por favor?

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ALBERTO CAMPO BAEZA: “LA LUZ LLEGA A NUESTRA ALMA DE UNA MANERA INEFABLE”

Alberto Campo Baeza Breve repaso por su trayectoria Nace en Valladolid, donde su abuelo era arquitecto, y vive desde los dos años en Cádiz, ciudad en la que “vio la Luz”.

Es Catedrático de Proyectos en la Escuela de Arquitectura de Madrid, ETSAM, en la que ha sido profesor durante más de 35 años. Y ha impartido clases en la ETH de Zúrich y en la EPFL de Lausanne; en la Universidad de Pennsylvania en Filadelfia; la Bauhaus de Weimar; la Kansas State University y la CUA University de Washington. Y más recientemente, en 2016, en L’Ecole d’Architecture in Tournai, Bélgica.

Es Académico de número de la Sección de Arquitectura de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de España desde el año 2014.

El Premio Eduardo Torroja de Ingeniería y Arquitectura por Caja Granada; el Premio a la Excelencia Docente de la Universidad Politécnica de Madrid; la Heinrich Tessenow Gold Medal de la Tessenow Society, Hamburgo; el Arnold W. Brunner Memorial Prize de la American Academy of Arts and Letters y el Royal Instutute of British Architects (RIBA) International Fellowship 2014. Son algunos de los numerosos reconocimientos a Campo Baeza por su excelencia y trayectoria.

Sus obras han tenido un amplio reconocimiento. Desde la Casa Turégano o De Blas, hasta las casas Gaspar, Asencio y Guerrero, pasando por la Caja de Granada y el Museo MA, la plaza Entre Catedrales y las casas Moliner, entre otras. Además de la Casa del Infinito y la Casa Raumplan. En 2016 finalizó el Pabellón Polideportivo y Aulario de la Universidad Francisco de Vitoria, cuya obra le ha valido el Primer Premio COAM 2017, otorgado el pasado mes de septiembre.

Lejos de contentarse con los méritos logrados, Manuel Campo Baeza también ha cosechado excelentes críticas por su libro de textos “La Idea Construida”, de la que se han publicado más de 30 ediciones en diversos idiomas.

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Algunos de sus trabajos realizados PABELLÓN POLIDEPORTIVO Y AULARIO DE LA UNIVERSIDAD FRANCISCO DE VITORIA (2017) El edificio se proyecta en el campus de la Universidad Francisco de Vitoria, en Pozuelo (Madrid), y albergará un polideportivo y un aulario.

El pabellón polideportivo se plantea como una pieza ligera, en vidrio y panel de hormigón aligerando GRC, en contraposición con el aulario y cuerpo bajo, más cerrados y pesantes, con fachadas de hormigón blanco visto.

Funcionalmente, la sala polideportiva es el tema principal. Será una sala clara y luminosa que además de para los temas deportivos, funcionará como gran sala para todo tipo de acontecimientos de la universidad. Un gran espacio diáfano hecho de luz.

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CASA DEL INFINITO (2014) En un lugar maravilloso que es como un trozo de paraíso terrenal, en Cádiz, se levanta un plano infinito frente al mar infinito, la casa más radical que Alberto Campo Baeza jamás haya hecho, en colaboración con Tomás Carranza y Javier Montero.

Para materializar este plano horizontal elevado, que es la estancia principal de la casa, “construimos una gran caja de 20 metros de frente y 36 metros de fondo. Y bajo los primeros 12 metros excavamos dos plantas en el sólido capaz de piedra para desarrollar todo el programa de la vivienda”.

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Sobre la desnuda plataforma de piedra, tres muros nos guardan la espalda y los costados protegiéndonos del fuerte viento allí dominante. “A veces, pareciera que alguien allí abriera el odre de los vientos de Eolo. Los mismos vientos que empujaron la embarcación de Ulises en su nostos”.

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ALBERTO CAMPO BAEZA: “LA LUZ LLEGA A NUESTRA ALMA DE UNA MANERA INEFABLE”

AMPLIACIÓN CASA TURÉGANO (2012) Para conmemorar el 25º aniversario de la Casa Turégano, en Pozuelo (Madrid), el arquitecto recibe un nuevo encargo de sus clientes –y ya amigos–, Roberto Turégano y Alicia Sánchez, para construir un estudio a pie de casa.

El resultado es una cajita de 10 x 5 x 3, como si de la cuarta parte de aquel cubo se tratara. La pieza nueva se alinea con la antigua en sus fachadas y su suelo que, con la misma piedra, se pone en continuidad con el de la casa dentro y fuera. Quedan así las dos piezas bien acordadas. La nueva caja blanca abre totalmente sus fachadas cortas quedando todo transparente y continuo. Un lucernario grande circular en el techo pone el contrapunto a la operación espacial.

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LA CAJA DE GRANADA (2001) En este podio se resuelven aparcamientos, archivos y el Centro de Proceso de Datos. En el cubo, alrededor del patio central, se organizan las oficinas en siete plantas. El cubo se construye con una trama de hormigón armado de 3 x 3 x 3 m que, en la cubierta, sirve de mecanismo para recoger la luz, tema central de este edificio. Las dos fachadas a sur funcionan a modo de “brise-soleil” e iluminan, matizando esa luz potente, las zonas de oficina abierta.

En resumen, se trata de una caja de hormigón y piedra que atrapa la luz del sol en su interior para servir a las funciones que se desarrollan dentro de ese “impluvium de luz”.

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ALBERTO CAMPO BAEZA: “LA LUZ LLEGA A NUESTRA ALMA DE UNA MANERA INEFABLE”

LA CASA DE BLAS (2000) Esta casa es una respuesta al lugar en el que se asienta.

En lo alto de una colina al suroeste de Madrid con espléndidas vistas al norte, a la sierra.

Se crea una plataforma sobre la que aposentarse, construyéndose un cajón de hormigón, a modo de podio, sobre el que se coloca una caja transparente de vidrio cubierta delicadamente con una ligera y sencilla estructura de acero pintada de blanco.

En su interior se abren huecos cuadrados que enmarcan el paisaje que así parece que se aleja. La caja de vidrio, sobre la plataforma, es un mirador al que se sube desde la casa. Dentro, el paisaje queda subrayado, y parece entonces que se acerca al espectador.

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LA CASA GASPAR (1992) A fin de responder a las necesidades del cliente, que demandaba una independencia total, Alberto Campo Baeza decide crear un recinto cerrado, un “hortus conclusus”. Se parte de un cuadrado de 18 x 18 m definido por cuatro tapias de 3,5 m de altura, que se divide en tres partes iguales.

La cubierta del espacio central se hace más alta, de 4,5 m. En los puntos de intersección de las tapias bajas con los muros altos, se abren cuatro huecos de 2 x 2 m que se acristalan directamente.

La luz en esta casa es horizontal y continua, reflejada en las tapias de los patios orientados a este-oeste.

En definitiva, se trata de un espacio horizontal, continuo, tensado por la luz horizontal.

A través de este enlace, puedes visualizar una de las grandes clases del ‘Maestro’, como se refiere a él el ex alumno Felipe Samarán Saló, en esta emotiva dedicatoria: https://vimeo.com/209361447.

“Alberto. Dejas para la historia un montón de arquitectura que es ya patrimonio compartido de la belleza, ojalá siga creciendo. Dejas lecciones inolvidables, escritos inspiradores, alumnos agradecidos y discípulos bien formados. Pero sobre todo, dejas una estela de bien por allí por donde pasas a quienes hemos tenido el placer y honor de tenerte cerca. GRACIAS MAESTRO.”

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APUNTES

Apuntes Arquitectura e ingeniería

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Soy consciente de la disociación que se ha producido en los últimos años entre arquitectos e ingenieros. Por eso, en colaboración con Alberto Peñín, decidí preparar esta lección inaugural enfatizando la fructífera relación que a lo largo de la historia moderna ha existido entre ingenieros y arquitectos, y que ha supuesto la mayor revolución tecnológica y constructiva de todos los tiempos.

Creo que la historia se ha encargado de demostrar que esta colaboración ha sido posible, desvelando la falsedad de la pretendida contraposición entre arquitectos e ingenieros.

“INGENIERIA Y ARQUITECTURA” “El diseño es obra de muchas personas; el mito por el cual la tecnología es el resultado de una lógica predeterminada no es cierto, sino que es la consecuencia de un proceso complejo en el que se analiza mucha información para, finalmente, poder elegir. Lo más importante son las personas y su talento.”

Peter Rice, ingeniero irlandés, en su libro “Un ingeniero imagina” describía así el proceso constructivo del Centre Pompidou que compartió con los arquitectos autores del proyecto, los industriales que participaron en el proceso, las empresas que llevaron a cabo, e incluso algún miembro del jurado del concurso, como el célebre constructor Jean Prouvé.

Texto: Carlos Ferrater Lambarri, con la colaboración de Alberto Peñín Fotografías: Carlos Ferrater

Eduardo Torroja: “Con la sola imaginación no se puede construir una gran obra, ya que precisa de la razón, de la misma manera que tampoco es posible asumirla por un proceso deductivo todo lógica y determinismo”

Este procedimiento colectivo no habla de una manera particular de hacer, sino que describe la única manera de afrontar el hecho constructivo desde la segunda mitad del siglo XX. La complejidad, tanto en los aspectos tecnológicos, constructivos, instrumentales y de contenidos, explica que el hecho de construir no se considere ya un acto individual.

El crítico histórico Reyner Banham en su obra “Teoría y diseño en la era de la máquina” profundiza el la capacidad del movimiento moderno para captar en los atributos de las nuevas tecnologías, al apostar por el tipo y entender la técnica más como un instrumento operativo que como una disciplina creadora.

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ARQUITECTURA E INGENIERÍA

LA UNIÓN HACE LA FUERZA Tampoco podemos olvidar las aportaciones de Eduardo Torroja, que sofisticó la construcción en hormigón y, más allá del célebre problema de la fluencia en el Frontón de Recoletos, nos ha dejado textos como “Razón y ser de los tipos estructurales”. Torroja afirmaba que con la sola imaginación no se puede construir una gran obra, ya que precisa de la razón, de la misma manera que tampoco es posible asumirla por un proceso deductivo todo lógica y determinismo, anunciando así la necesaria convergencia entre dos aportaciones que han de ser complementarias y que nos llevarían a analizar los casos de influencias mutuas entre arquitectos e ingenieros.

Podríamos citar a Le Ricolais, que tanto influyó en Le Corbusier, por sus investigaciones de estructuras naturales, fascinado también por el Pont Garabit de Eiffel de finales del siglo XIX. Y también podríamos aludir a la relación entre Walter Gropius y Konrad Wachsmann para prefabricar casas para construir en siete días o bien la del ingeniero Fazlur Khan que, a los 60 años, planteaba cubiertas rígidas colgadas de cable curvado de hasta 304 m de luz, y que en el año 1077 construyó el extraordinario aeropuerto de Jeddah, consistente en textiles tensados por cables y quien diseñó una estructura bitubular para edificios en altura muy empleada por SOM en múltiples realizaciones.

En el campo de las estructuras aparecen nuevas figuras que podríamos llamar ingenieros proyectistas.

Entre ellos, el más visible es Pier Luigi Nervi, con sus estructuras nervadas, herederas de la investigación de hormigón pretensado de Freyssinet en 1928, que realizó el Palazzo del Lavoro en Turín 1961, o Ricardo Morandi, probablemente el primer ingeniero deconstructivista, con su Hall subterráneo del Valentino Park, construido en Turín en 1960. Cabe mencionar a Félix Candela, con sus finas membranas de hormigón que reproducen geometrías regladas y que nos legó el relevante texto “Hacia una filosofía de las estructuras”, o bien Eladio Dieste con sus bóvedas de piezas cerámicas, experimentación que Guastavino convirtió en patentes que hoy aún perduran.

La fructífera relación entre ingenieros y arquitectos ha supuesto la mayor revolución tecnológica y constructiva de todos los tiempos

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Carlos Fernández Casado señalaba en “La arquitectura del Ingeniero”, la liberación de la obsesión por el cálculo, gracias a los nuevos métodos matemáticos y al progresivo uso de los ordenadores. Este ingeniero “liberado” podría, según él, establecer zonas comunes con la arquitectura para conseguir una colaboración más eficaz y refundar la esencia de la profesión, al abrir el campo de experimentación a procesos que intervienen durante la ejecución de la obra.

Javier Manterola, titular en la actualidad del estudio de Carlos Fernández Casado, nos transmitía una posición más pragmática. Después de un período de colaboraciones con arquitectos como Javier Saenz de Oiza, Rafael Moneo o Vazquez Molezún, orientó su interés hacia su propia disciplina, en especial hacia los puentes, “aquellos que vencen al diablo”, y que él admiraba, como es el Firth of Forth de Escocia, que conjuga proeza técnica con la transformación del lugar, lo que nos daría pie a significar casos de fructífera relación entre ingenieros y arquitectos, como el Pont de Millau del 2004 entre Michel Virlogeux y Norman Foster. Y ¿cómo se pueden entender las mejores obras de Louis Kahn sin las aportaciones del ingeniero August Komendant? Obras como la biblioteca Phillips Exeter el año 1972 o el Museo Kimbell, entre otras, en el que Komendant concibió el sistema estructural de arcos cicloides en sentido transversal que permitían la entrada de luz cenital

Colaboración entre arquitectos e ingenieros a lo largo del s.XX

LE CORBUSIER / 1887 - 1965

LE RICOLAIS / 1894 - 1977

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APUNTES

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en el eje longitudinal de la falsa bóveda, que le permitió construir una de las obras más bellas del siglo XX. No hubiera sido posible llevar a cabo los retos de Louis Sullivan en el Auditorium Building de Chicago el año 1889, que en su época fue el edificio más alto del mundo, sin la imprescindible colaboración de Dankmar Adler, tanto en los aspectos estructurales como en los acústicos. Sería innumerable la relación de obras realizadas en colaboración entre arquitectos e ingenieros que se han convertido en obras maestras, que han escrito la historia del siglo XX. JORN UTZON

WALTER GROPIUS / 1883- 1969

PETER RICE / 1935-1992

KONRAD WACHSMANN / 1901- 1980

En sus escritos –poco numerosos, pero intensos–, Arup desmonta el mito por el cual la creatividad es una cuestión individual. Su pertenencia a la Architectural Association (AA) en los años 50, supuso una de las primeras colaboraciones con estudios de arquitectura muy creativos, pero con muy poco trabajo en aquella época como eran Aldo van Eych, los Summerson, los Smithson o el estudio Tecton de Bertold Lubetkin, con el que construyeron el extraordinario pingüinario del zoo de Londres, el año 1934. Arup compartía con Lubetkin la creencia de que el movimiento moderno consideraba la expresión estructural intrínsecamente virtuosa y estéticamente superior, mientras que para ellos el desafío consistía en transcender el criterio estructural para acompasarlo con las consideraciones sociales. Y de este enfoque nace la fe de Arup en la arquitectura, al considerar innecesario forzar los cálculos a una exactitud que excede lo asumible.

Como anunciaba Kenneth Frampton es cierto que, excepto algunos encargos de pequeña dimensión o prestigio, el arquitecto tendrá muy pocas ocasiones para mantener el control de las realizaciones, ya que dependerá más de la capacidad coordinadora de la informática y será la habilidad de los ingenieros y arquitectos la que establecerá los niveles de tolerancia de los procesos de obra.

BERTHOLD LUBETKIN / 1901 – 1990

OVE ARUP / 1895– 1988

LOUIS I. KAHN / 1901 – 1974

AUGUST KOMENDANT / 1906 – 1992

Lo ilustraremos con un episodio histórico. Cuando Jörn Utzon asume como un éxito la solución esférica para las falsas bóvedas de la ópera de Sidney, también fueron los años de trabajo del entonces joven ingeniero Peter Rice, los que sacaron al arquitecto del atolladero en que se encontraba después del concurso. Pues bien, años más tarde, el mismo Peter Rice, ya un ingeniero experimentado y maduro consiguió, en palabras de Renzo Piano, una vez superada la apuesta arriesgada y provocadora programática y urbana del Centro Pompidou, implementar una solución constructiva. La introducción en la más pura tradición parisina del hierro colado, desencadenó una cascada de decisiones, desde la elección de sistemas como el de la Gerberette que había aplicado el ingeniero alemán Gerber en el siglo XIX en un puente, hasta la materialización de propuestas de Archigram en los preludios del High Tech. También Peter Rice nos sorprendería años más tarde, con la solución estructural del aeropuerto de Kansai en el año 1994, del arquitecto Renzo Piano. Vemos así, cómo algunas

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de las obras más emblemáticas del siglo XX se deben a la combinación de arquitectos y, en este caso, de uno entre otros ingenieros.

Pero sigamos con nuestro relato. Agustín Obiol, arquitecto especializado en el cálculo de estructuras, siguiendo la tradición de esta ciudad, nos indica que es, fundamentalmente, con la aparición de las aplicaciones informáticas del método de los elementos finitos y del análisis numérico, cuando se produce el primer salto cualitativo en el escenario que hemos descrito.

LOUIS SULLIVAN / 1856 – 1924

DANKMAR ADLER / 1844 – 1900

FCO. JAVIER SAENZ DE OIZA / 1918-2000

JAVIER MANTEROLA / 1936

NORMAN FOSTER / 1935

MICHEL VIRLOGEUX / 1946

REM KOOLHAAS / 1944

CECIL BALMOND / 1943

En la actualidad, uno de los ingenieros que ha reflexionado con mayor atención sobre estas cuestionas es Cecil Balmond, formado en Inglaterra y colaborador habitual de arquitectos como Rem Koohaas, Toyo Ito o Álvaro Siza. Balmond, autor de pubicaciones, como “Informal” o “Element”, y uno de los responsables de Arup en la última etapa, opinaba que solamente uniendo arquitectura e ingeniería era posible encarar los retos del proyecto y obra contemporánea.

Para Arup y Lubetkin, el desafío consistía en transcender el criterio estructural para acompasarlo con las consideraciones sociales.

De este enfoque nace la fe de Arup en la arquitectura

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¡A escena!

Luz en acción

¡A ESCENA!

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El teatro es un ritual profano que solo necesita una persona que ejerza de oficiante, una persona que asista a la representación y un espacio vacío. Lo demostró con su trabajo el director de escena inglés Peter Brook y contó su experiencia en el libro “El espacio vacío”.

El escenario queda, entonces, reducido a su mínima expresión, y se reduce prácticamente a un acuerdo entre estas dos personas.

Para Josep Aznar, in memoriam*

Texto: Alberto Barberá (Miembro del colectivo Lupercales y diseñador de iluminación en Anoche Iluminación Arquitectónica Fotografías: Josep Aznar

*Las magníficas imágenes que acompañan a este texto fueron tomadas por el fotógrafo Josep Aznar cuando participaba en un taller sobre iluminación para danza organizado por la Associació de Professionals de la Dansa de Catalunya en la Caldera – Centre de Creació d’Arts Escèniques de Barcelona. Josep era un especialista en fotografía de espectáculos, de danza específicamente, y había trabajado muchos años persiguiendo imágenes en los escenarios. Combinaba de forma muy especial su curiosidad y la generosidad con que compartía sus conocimientos e inquietudes. Era un maestro en su oficio. Falleció tristemente apenas un mes después del taller que compartimos. Este artículo está dedicado a su memoria.

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Realmente, hacen falta muy pocos recursos, materialmente hablando, para convocar al milagro de la representación, esta suspensión de la incredulidad, tan necesaria para el acceso a la maravilla y a la fábula. Los niños lo saben, basta con oír tres palabras: “Érase una vez”… No obstante esto, con el desarrollo del arte viene implícito el desarrollo de su artificio, de su maquinaria, y de sus disciplinas: la escenografía, la dramaturgia, la iluminación… La dedicación y el talento de los profesionales del teatro durante años han permitido realizaciones y efectos cada vez más sofisticados, y como arte colectivo que es, promiscuo y acogedor, acepta la intromisión de otras artes, y de oficios y saberes ajenos. De este modo, muchas de las soluciones audiovisuales que vemos ahora aplicadas a la comunicación, la publicidad, a las fachadas media… han sido probadas por primera vez en un escenario o durante un evento. El teatro, el espectáculo en vivo, está en permanente contacto con la vanguardia, es un auténtico laboratorio de experimentación técnico y estético. Verdaderamente es un espacio y una oportunidad para el riesgo, para asumir riesgos.

LUZ EN ACCIÓN

La armonía se percibe cuando los elementos individuales de esta articulación están en relación entre sí y responden a un principio común, a cierto criterio establecido. No se trata de una simple acumulación de eventos sucediendo a diferentes niveles. Los elementos se relacionan y, de este modo, tienen significado el uno para el otro: un sonido y un movimiento, una acción y un cambio en la iluminación... La simple percepción de estas relaciones causa placer en quien las percibe. Cuando las relaciones (de complementariedad, de anulación, de contraste, de oposición o de refuerzo) se expresan con claridad y son reconocibles fácilmente, se produce ese fenómeno tan familiar: el placer estético.

Conviene que tengamos en cuenta estas notas sobre la armonía al pensar cómo vamos a poner en relación colores y luces con el espacio y con la acción, buscando siempre una articulación que facilite esta aparición de sentido, de belleza. Cada elemento que se añade a una composición, sea cual sea, visual, espacial, musical… debería poder funcionar como un nue-

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vo grado de libertad que añada sentido al conjunto.

Como uno de los recursos articuladores para el montaje escénico, la iluminación escénica puede resultar invisible si se encuentra integrada de forma tan efectiva y sincronizada con el resto de elementos, que no somos capaces de percibir su presencia como un artificio, un elemento ajeno al conjunto. El montaje cinematográfico es del mismo modo invisible: un procedimiento tan violento como el salto de un plano a otro resulta perfectamente justificado y natural al espectador porque se realiza con criterio, siguiendo unas pautas formales y respetando las relaciones de sentido entre los elementos que componen cada plano. Así pues, no se trata de lo abrupto o rápido que pueda ser un cambio en la iluminación de la escena, sino de si se encuentra justificado y en consonancia con lo que en ella sucede. Y esto es válido para la iluminación sutil y matizada, de cambios suaves, de un montaje de teatro de cámara, y para una luz estridente, dinámica y brillante del gran musical.

Cuando nos reunimos en el aula, que es otro espacio apropiado para el riesgo y la experimentación, trato de provocar y estimular el pensamiento propio de mis alumnos: ¿Cuáles son las expectativas que tengo respecto al alcance de esta herramienta, de este medio de transmisión que es la luz, a nivel escénico? ¿Qué pueden esperarse de ella? ¿Para qué sirve y para qué no sirve la iluminación escénica? La iluminación escénica ¿es un lenguaje? ¿Cuál es el signo de mínima expresión de este lenguaje? ¿Existe una técnica, una solución adecuada para cada situación? ¿Es posible trasladar algo de todo este conocimiento a la disciplina de la iluminación arquitectónica? ¿Cuál es el secreto? ¿Y su código? ¿Puede aprenderse el lenguaje de la luz? ¿Es posible construir todo un discurso, escribir una página completa en un artículo, dar una hora de clase solo con preguntas?

Yo tengo mis serias dudas, ya ni siquiera cuando me pongo muy lírico se me ocurre hablar del lenguaje de la luz. La iluminación no es un lenguaje porque no tiene signos, lo que sí es seguro es que existe un código en este oficio, como en todo diseño aplicado: una serie de elementos expresivos que, además de proporcionar visibilidad y placer estético, ayudan a sostener el pulso dramático de una pieza. Una parte muy importante de los elementos de este código está construida sobre convenciones, acuerdos entre las personas que asisten al teatro y las personas que hacen el teatro.

EL RECURSO INVISIBLE Un montaje escénico y un montaje cinematográfico, por razones obvias, se parecen mucho. Se trata de una articulación de elementos (sonido, imagen, texto, acción, espacio…) al servicio de una narrativa, de una historia.

La iluminación escénica puede resultar invisible si se encuentra integrada de forma efectiva y sincronizada con el resto de elementos

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¡A ESCENA!

En otros momentos, lo que nos interesará es hacer visible el artificio y mostrar explícitamente su uso.

Este procedimiento de visibilidad del recurso, ya sea un vídeo, una música, una iluminación o bien el desarrollo de una acción, aparece como una ruptura en el código de la representación. No se esconde el artificio, buscando manipular la percepción o acompañar emocionalmente a la dramaturgia, sino que se propone como una parte independiente y autónoma del juego escénico. El mismo acuerdo, la misma complicidad de la que hablábamos, debe renovarse entre los intérpretes y los espectadores después de la ruptura. Y es una sensación agradable, cuando todo va bien, volver a decirse el uno al otro: “De acuerdo, confío en ti, ¿a dónde vamos ahora?”.

Este procedimiento se ha enunciado habitualmente como una fractura de “la cuarta pared”, aquella pared imaginaria que separa al público del escenario y los actores, pero ¿cómo hacerla explícita en aquellos espectáculos más próximos al happening o al performance-art, donde las cuatro paredes, el suelo y el techo de la convención escénica ya están rotas, destrozadas en añicos y flotando en el aire como un polvo melancólico y enamorado que, al iluminarse, recrea el paso del tiempo?

Estos restos volatilizados tienen la ventaja de iluminar el aire del teatro.

Yo no soporto ver un teatro a través de un aire completamente transparente, completamente invisible.

La imagen que resulta, demasiado limpia, es insoportable y falsa. Sin verdad, el teatro es absolutamente prescindible y puede desaparecer para siempre: por mi parte, no lo necesito. No sé exactamente por qué, pero yo necesito ese aire un poco turbio para poder confiar en lo que se me está explicando. Para seguir creyendo en el teatro como acto de ir al teatro, de guardar silencio y entregar colectivamente la atención, toda esa energía, a los intérpretes sobre el escenario.

En otros momentos, lo que nos interesará es hacer visible el artificio y mostrar explícitamente su uso. Este procedimiento de visibilidad del recurso, ya sea un vídeo, una música, una iluminación o bien el desarrollo de una acción, aparece como una ruptura en el código de la representación

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Aditi Govil Akari-Lisa Ishii Alberto Pasetti Alexander Mankowsky Dr. Alexander Rieck Ali Mahmoudi Allan Ruberg Dr. Amardeep Dugar Ana Miran Andres Sanchez Anne Bureau Anuj Gala Barbara Bochnak Barbara Matusiak Birgit Bierbaum Carla Wilkins Carlijn Timmermans Caroline Hoffmann Cashel Brown Chandrashekhar Kanetkar Christiaan Weiler Christian Klinge Christina Hébert Christopher Cuttle Colin Ball Dario Maccheroni Dashak Agarwal Dean Skira Deborah Burnett Edwin Smida Dr. Elke den Ouden Emmanuel Clair Emrah Baki Ulas Fanny Guerard Francesco Iannone Gilberto Franco Glenn Shrum Gregor Gärtner Gudjon Sigurdsson Dr. Heli Nikunen Henrika Pihlajaniemi Imke Wies van Mil Inger Erhardtsen Ion Luh Isabelle Corten James Benya Jenny Werbell Joe Vose Prof. Dr. John Mardaljevic Jonathan Rush Juan Ferrari Kapil Surlakar Dr. Karolina Zielinksa Kathryn Gustafson Dr. Katja Bülow Kevan Shaw Koert Vermeulen Konstantinos Labrinopoulos Linus Lopez Lyn Godley Malcolm Innes Marina Lodi Mark Major Martin Hofer Martin Tamke Maryam Khalili Maurici Ginés Michael Grubb Pascal Chautard Paul Traynor Prof. Peter Andres Rafael Gallego Dr. Rianne Valkenburg Richard Taylor Rozenn Couillard Dr. Rune Nielsen Sara Castagné Serena Tellini Dr. Sergei Gepshtein Simon Berry Simon Ewings Sophie Caclin Sophie Stoffer Stephen Willacy Prof. Susanne Brenninkmeijer Susheela Sankaram Tapio Rosenius Thorsten Bauer Tino Kwan Prof. Uwe Belzner Vellachi Ganesan Ptof. Werner Osterhaus Zhuofei Ren

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Urba Centro Botín de Santander: el edificio tolerante de Renzo Piano El Centro Botín es un centro de arte diseñado por el arquitecto y premio Pritzker, Renzo Piano, en colaboración con Luis Vidal + Arquitectos. Está situado en un lugar privilegiado de Santander, y mediante una intervención urbana más amplia, Renzo Piano consigue integrar el centro de la ciudad restaurando los lazos entre el núcleo histórico y el mar, recupera el muelle del muro de Albareda para la ciudad –gracias al soterramiento de la vía que discurría entre el parque y el mar–, y duplica los históricos jardines de Pereda extendiéndolos hasta el mar e integrándolos en el conjunto de la intervención.

Texto: Maurici Ginés, director de artec3 Studio y Josep Masbernat, Managing Director iGuzzini Ibérica Fotografías: Enrico Cano, artec3 Studio

La luz y la ligereza han sido aspectos esenciales en la concepción del proyecto por parte del arquitecto y premio Pritzker Renzo Piano

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CENTRO BOTÍN DE SANTANDER: EL EDIFICIO TOLERANTE DE RENZO PIANO

La luz y la ligereza han sido aspectos esenciales en la concepción del proyecto por parte del arquitecto. Situado en voladizo sobre el mar, el edificio no toca tierra, está suspendido sobre pilares y columnas a la altura de las copas de los árboles de los jardines de Pereda, haciendo las veces de un “muelle” sobre el mar. Esta elevación permite el paso de la luz y posibilita las vistas a la bahía, en una integración completa con el entorno.

“Me siento muy honrado de hacer este proyecto para la ciudad de Santander porque se enmarca en mi trayectoria personal de diseño de centros culturales abiertos, tolerantes y accesibles a todos, desde el Centro Pompidou de París hasta el Auditorium de Roma, pasando por la Be-

yeler Foundation en Basilea, la Morgan Library en Nueva York o el Art Institute de Chicago, todos ellos lugares urbanos y queridos por la gente”, afirma Renzo Piano.

El centro, espacio para el arte, la cultura y la educación ha sido financiado por la Fundación Botín, una de las más importantes y activas de España en el fomento del desarrollo social, económico y cultural de la sociedad.

El edificio, con una superficie construida total de 8.739 m², se articula en dos volúmenes conectados entre sí por una estructura de plazas y pasarelas, el pachinko.

El acceso oeste está dedicado al arte, con dos salas de exposiciones que suman 2.500 m²; y el volumen

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este a las actividades culturales y formativas, con un auditorio para 300 personas, aulas, espacios de trabajo y una azotea desde la que se disfruta de unas vistas únicas de Santander y su bahía.

LA LUZ DEL CENTRO BOTÍN El diseño de iluminación de la Nueva Fundación Botín ha sido realizado por artec3 Studio en colaboración con Renzo Piano Building Workshop Architects.

El concepto de iluminación del edificio y del parque busca establecer una relación lumínica natural, sin denotar un excesivo protagonismo, entre la nueva construcción y la ciudad de Santander.

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El edificio, en su imagen exterior, está iluminado de una forma suave desde el pavimento, con la intención de dotarlo de una sensación de flotabilidad, como si estuviera anclado en un mar de reflejos. A este efecto se le añade el planteamiento lumínico del pachinko, realizado en vidrio translucido y metal, donde la iluminación se integra en los planos de vidrio que lo conforman. Con esta solución se explora la sensación de aportar ligereza a toda la estructura que conforma las circulaciones exteriores del edificio, evolucionando en la noche a una sutil lámpara con carácter industrial.

La iluminación del parque prima el confort visual a través de un elemento en columna que, durante el día, aporta un valor de diseño como mobiliario urbano. Las zonas interiores buscan resolver de forma ordenada, eficiente y eficaz los diferentes usos que albergan, utilizando tecnología led de temperatura de color cálida en todas las aplicaciones empleadas.

Asimismo, las dos salas de exposición disponen de una solución “clásica” de iluminación, basada en la utilización de railes electrificados y proyectores. En este caso, se ha seleccionado la familia de proyectores Palco, nacida específicamente para su uso museográfico gracias a la posibilidad de disponer de una gran gama de soluciones ópticas y de accesorios que permiten adaptar el diseño de iluminación a cualquiera de los requisitos expositivos que se planteen en las salas. Los proyectores incluyen equipos de alimentación DALI por lo que mediante el sistema de gestión del que dispone el centro es posible regular los valores de intensidad de cada uno de ellos y, en el caso de los proyectores de la planta superior, relacionarlos con el nivel de radiación de luz natural en los casos que se decide disponer de ella gracias a la cubierta de vidrio, que consta de cuatro capas con un nivel exterior de vidrio serigrafiado que evita la incidencia directa de la luz natural en el espacio de la galería; una segunda capa de doble aislamiento que sella la galería, la tercera que consta de pequeñas láminas de aluminio controladas automáticamente por un sistema de sensores que se pueden utilizar para apagar el interior, y una última capa situada bajo las vigas principales y constituida por una tela blanca semitransparente que crea un sensación de espacio uniforme, difundiendo la luz al mismo tiempo que revela compleja estructura de la cubierta… Las espectaculares vistas de la bahía y el parque que ofrecen ambas plantas hacen extensiva la necesidad de un cuidadoso control de la luz natural. El dimensionado de las salas y la previsión de necesidades de exposición ha concluido en la selección de proyectores con un flujo luminoso de 3000 lm.; temperatura de color 3000K y ópticas de proyector clásico, 18º, 28º y 42º –que permiten intercambiar sus ópticas–, accesorios tipo soft lens; refractores elípticos y cilindros de apantallamiento para aumentar el confort visual, así como proyectores con una específica óptica Wall washer para utilizar en los casos que se determina disponer de una iluminación base de carácter uniforme.

Las espectaculares vistas de la bahía y del parque que ofrecen ambas plantas hacen extensiva la necesidad de un cuidadoso control de la luz natural

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CENTRO BOTÍN DE SANTANDER: EL EDIFICIO TOLERANTE DE RENZO PIANO

ASOMADO A LA BAHÍA SANTANDERINA El auditorio ocupa gran parte del volumen este elevándose a doble altura y en voladizo sobre el mar habiéndose concebido como un espacio multifuncional que puede albergar conciertos, conferencias, festivales, ceremonias, lecturas… La solución de iluminación debe poder adaptarse a todas estas actividades y lo hace de forma anónima e integrada en la arquitectura mediante luminarias empotrables Reflex, que combinan diferentes ángulos de emisión para configurar una alfombra de luz particular para cada ocasión en la zona de público, mientras que en el ámbito “escenario” se ha previsto el uso de un sistema puramente escenográfico. La particular visión de la bahía de Santander con los amplios ventanales

del auditorio hace que, en su uso diurno, la iluminación artificial adquiera un rol de servicio versus el protagonismo de la natural.

Por su parte, las aulas, que ocupan las salas del centro educativo, permiten la realización de múltiples actividades y las luminarias quedan igualmente integradas de forma empotrable con el mínimo protagonismo, buscando la funcionalidad necesaria en estos espacios. Tanto en las aulas como en el auditorio, así como en el resto de ámbitos del centro, está generalizado el uso de la gestión de las luminarias mediante protocolo DALI y sistema KNX, no solo para garantizar la flexibilidad de las instalaciones sino para permitir unas óptimas labores de mantenimiento del centro.

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El pachinko es el conjunto de estructuras que configuran plazas y pasarelas, y permiten la circulación entre los edificios y el disfrute de las vistas de la ciudad, el parque y la bahía, convirtiéndose en una auténtica plaza. De noche, mantiene el concepto de transparencia que le da el uso del cristal gracias a la sutil iluminación integrada en las estructuras mediante el uso de tiras lineales de led que compaginan la iluminación de circulación con el subrayado de la geometría que configuran escaleras y pasarelas.

UN EDIFICIO CON CINCO PIELES La geometría de los dos volúmenes es el resultado de un laborioso y progresivo perfeccionamiento del diseño mediante el uso de maquetas y programas

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informáticos, dando lugar a una forma ligeramente redondeada que proporciona excelente iluminación e integración visual en la planta baja. Los dos volúmenes se enfrentan, se complementan y están recubiertos por 280.000 piezas cerámicas, realizadas por el taller de Toni Cumella, ligeramente redondeadas, con un diámetro de 156 mm de color perla nacarado que reflejan la luz del sol, el brillo del agua, la atmósfera de Cantabria y, durante la noche, la iluminación artificial. Estas piezas cerámicas son en realidad la quinta piel del edificio; la primera es una chapa metálica anclada directamente a la estructura, la segunda un cerramiento formado por clips de poliamida y un sistema de bandejas, después va una subestructura metálica de ajuste y encima una bandeja de aluminio lacado sobre la que se colocan las 280.000 piezas de cerámica, convirtiéndose de esta forma en uno de los elementos más representativos del edificio.

Maurici Ginés: “El edificio está iluminado de una forma suave desde el pavimento, con la intención de dotarlo de una sensación de flotabilidad, como si estuviera anclado en un mar de reflejos”

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Este sistema de iluminación artificial conjuga dos soluciones. Las superficies verticales de los volúmenes se resuelven mediante iluminación de proyección a través de proyectores iPro situados en cuatro postes verticales. Estos proyectores equipados con refractores y accesorios antideslumbrantes proporcionan una suave iluminación que da continuidad a la que proporcionan a las superficies horizontales de planta baja –también recubiertas de cerámica–, las luminarias Led Plus empotradas en el pavimento, de hormigón azul, bajo los volúmenes. Estas luminarias incorporan tres leds single chip de 3 vatios de potencia y una lente refractora que permite optimizar la emisión de luz de manera que su disposición en el suelo configura un entramado geométrico y visualmente gráfico mientras que la emisión de luz “barre”, literalmente, la “panza” de ambos volúmenes.

Las soluciones de iluminación exterior se determinó

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emplearlas con una temperatura de color de 4000K acorde con el nacarado de las piezas cerámicas y la más característica luz cantábrica.

El único volumen que ocupa parte de la planta baja corresponde al ocupado por la cafetería, el restaurante, el espacio comercial y el centro de recepción e información, que se ha resuelto de forma transparente, totalmente acristalado, y con los mismos acabados, de forma que no hay diferenciación entre interior y exterior, y configurándose un espacio desde donde disfrutar del paisaje marítimo enmarcado en los volúmenes del centro. En el interior de este espacio se han integrado luminarias de suspensión Le Perroquet con modelos de emisión directa y de emisión indirecta para disponer, tanto de iluminación en los planos de actividad como para dar protagonismo a las piezas cerámicas que también están presentes en él.

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CENTRO BOTÍN DE SANTANDER: EL EDIFICIO TOLERANTE DE RENZO PIANO

La realización del Centro Botín ha reforzado la conexión visual entre el centro histórico de Santander y la bahía, liberando un área portuaria cerrada al público y destinada al estacionamiento de vehículos.

Por ello, tan importante es el propio edificio como los espacios públicos que se han creado alrededor, gracias a la construcción de un túnel de 219 m de largo y a la remodelación y ampliación de los centenarios jardines de Pereda, que han doblado su extensión y triplicado sus zonas verdes, prolongándose hasta el mar.

Esta integración se complementa con la incorporación de un anfiteatro en el parque para disfrutar de proyecciones y cine al aire libre en una pantalla LED de grandes dimensiones situada en una de las fachadas del centro.

Asimismo, el diseño de la remodelación del parque ha contado con la participación del paisajista Fernando Carucho y ha incluido la intervención de la prestigiosa escultora Cristina Iglesias con un conjunto escultórico, Desde lo subterráneo, compuesto por cuatro pozos y un estanque.

El Centro Botín es un nuevo lugar de encuentro en el centro de la ciudad que, con el arte, la música, el cine, el teatro y la literatura, dinamiza la vida de la ciudad fortaleciendo su tejido social y cultural.

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CONTENT IN ENGLISH

Contents in English different activities. Excessive dominant illumination is avoided while a rhythm of movement suggesting direction is created. The arc shape is emphasized by linear led cove lighting along it creating ambient luminescence for the spaces below making them safe and reassuring. Motion and transition are amplified by the reflectance of the lit flowing water elements. The lamps used were mainly led, metal halide and fluorescent. Cool white 4000 K was used for the suggested routes while warm white 3000K for the spaces of refuge, recreational and vegetation areas thus creating hierarchies and desired contrasts.

NIKIS SQUARE: LIGHTING FOR THE REDEVELOPMENT OF THE CENTRAL SQUARE OF KOZANI, IN GREECE Located at the principal commercial district of the city of Kozani (population 75.388), “Nikis Square” is the most significant public & historical space of the city of Kozani. During the Ottoman Rule, the area provided refuge. In a similar manner the new square is meant to be a place free from today’s city “threats” –pollution, traffic and lack of space–, aiming at the economy of the installation, protecting the environment, avoiding the impact of glare and light pollution. The new winning architectural proposal of the Greek national competition suggests a central large space “an urban field” gradually sloping downwards towards the existing pedestrian zone on the south side, infiltrating into the town’s activity. The square is organized around an arc that accentuates accommodating all commercial uses offering protection from the street and heavy traffic. A sloping edge with long benches, trees and water features, marks the transition between places for movement and pause.

Lighting for Nikis Square was developed early on, at architectural conceptual stage and was considered as an integral and primary material of the overall architectural composition. The Lighting Design Scheme for the new square, starting from the pedestrian vistas on the south, aims at enabling the appreciation of the new diverse qualities of the spaces created within the new urban field, as well as intensifying the emotional impact of the project, emphasizing the dynamic movement and serene transition between spaces. The feeling of a self luminous space is achieved through a designed pattern of embedded linear led strips and brightness variations integrated within

PHILOSOPHY As an architect I was trained to treat natural light as a primary material of the architectural composition. Structure and form evolved around natural light. I learned more about measuring and controlling it, the science and technology behind artificial light and the development of a lighting scheme, following an MSc in Light & Lighting. The floodlighting of the Cathedral of Patra in Greece, awarded Young Lighter of the year 2006 by the SLL, CIBSE in U.K, could be considered the most important, although all projects have felt equally challenging in terms of treating light in different applications as a silent design associate, improving visual quality, complementing shape, form, color.

Lighting architects reveal elements of art and architecture with the use of integrated light technology. “Light directly affects human sentiments. We aim at creating energy efficient lighting schemes that go beyond the mere satisfaction of functional needs, providing the ability to create dynamics, hierarchies and mood at both exterior and interior. As night time becomes another spatial dimension informed by detailed design, working at several interior and exterior projects, focusing at shadow and darkness, using light to reveal narrative, in sync with human interaction and natural conditions. Collaborating with a broad range of people from different backgrounds and design disciplines.”

Size” by the Technical Chamber of Greece 2006 ¬– Awarded Young Lighting Designer of the Year 2006 from the Society of Light and Lighting of the Chartered Institute of Building Services Engineers, in London, U.K. for the lighting of the Facade of the Cathedral of Patra.

2008 - Joined the architectural team 406architects.com and together have won the first price for the redevelopment of the Central Square of Kozani in Greece 2011 – 1st prize at the national architectural competition for the redevelopment of the central square of the city of Kozani – awarded to 406 architects 2017 – 1st prize in the “Urban Landscape Lighting Category” in the International Competition organized by the Lamp Lighting Solution Awards in the Urban Lighting Category 2017 – Darc Awards, Shortlisted, Spaces – High Budget – Nikis Square Greece The Lighting Design Scheme for the new square emphasizing the dynamic movement and serene transition between spaces Arthur Erickson: “It is with light that we can bring soul and spirit back into architecture and perhaps find our soul in the process”

ABOUT MARA SPENTZA Freelance Architect and Lighting Designer, lecturer at the Technological Institute of Central Macedonia teaching Lighting and Structural Art. Born in Patra, Greece, 1978 BA (Honours) Degree in Architecture from Portsmouth University(UK) 1996-1999. Worked as an Architectural Assistant at the Architectural Practice The Haddow Partnership, Hampshire 1999-2000. Diploma and a Scholarship for a Masters Degree in Architecture from The Mackintosh School of Architecture of the University of Glasgow in Scotland 2000-2003. Specialized in Lighting through an M. Science in Light and Lighting from the University of London UCL, The Bartlett School of Architecture 2003-2004. Returning to Greece in 2005 started working as an Architect, Lighting Designer and writing articles for the Technical Magazine Ktirio.

2005 – 2nd prize for the Architectural Thesis Project “Kid

AULA CD INTERIOR LIGHTING FOR SENIOR CITIZENS WITH DEMENTIA Society’s demography is changing and the number of elderly people is inexorably growing. This means that, in the future, more and more people will need care in specialized centers. The challenge becomes meeting the needs of all

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the residents in these homes since many of them suffer from Alzheimer, dementia, reduced mobility, vision problems and factors that demand personalized care.

By the year 2050 –if no cure for Alzheimer is found–, studies show that the number of people, 65 or older and suffering from this disease in the United States will triplicate, going from 5 million people to 13.8 million. The same is expected in the 85 years old population or older, that will grow to 7 million. Despite the efforts of the international scientific community and the pharmaceutical industry that are working against time to find a cure there still is no cure for Alzheimer.

These statistics entail an economic impact, as a result of Alzheimer’s disease care and the cost increment it will bring in hospitalization, care and treatment. In the United States, annual costs associated with dementia are higher than 215 billion dollars, numbers that rival diseases such as cancer and heart disease. If these costs continue to grow they will duplicate by the year 2040.

Diseases such as Alzheimer not only affect the patient, they also have an impact on his/her family and caregivers. In this situation, a properly designed space for this population group plays a mayor role in their well-being, considering that it can provide a secure and comfortable environment that meets all their needs, and at the same time allows them to have more independence. Interior design can guarantee them more freedom of movement, encourage their nourishment, a healthy physical condition and social contacts. All this without forgetting the six most important areas of the aging process: loss of balance, cognitive loss, vision deficiencies, loss of hearing and sensitivity to cold, air drafts and direct sunlight.

LOSS OF VISION, DEMENTIA AND ALZHEIMER The decrease in vision and sensory capabilities increases vulnerability and limits a person’s’ quality of life. It becomes increasingly difficult to carry on daily activities such as bathing, dressing, going for a walk, socializing, etc.

Through our senses we connect with our environment.

As part of the natural process of age, changes start happening in the nervous system and in the sense organs. With time, the atrophy of these nerve receptors increases and interaction with the outside world is reduced, a loss that is exacerbated in the cases of dementia syndrome.

Dementia is the loss of the cognitive function to such a degree that it interferes with the social and occupational performance of the patient. Cognitive function in a person operates through five phases; sensory phase, comprehension and perception phase, executive phase and motor phase.

The aging process affects the receptors in eyes, ears, nose, mouth and peripheral nerves that also influences the sensory phase and hinders the proper operation of the senses. This in turn, inhibits full understanding of the environment, whether in the perception phase or the comprehension phase.

Usually, the main feature of dementia is loss of memory but studies contravene this opinion. A large group of people that suffer from alterations in the perception of their environment, become more vulnerable to the disease, they can misinterpret shadows and lights which can distort the perception of walls, furniture and floors. This is aggravated by insufficient attention and the many distractions, paranoia and aggressive responses suffered by these patients.

It is worth noting that the amount of light perceived by an elderly person is significantly less than the amount perceived by a young adult. This translates into a third of light reaching the retina at 65 years old and a fifth for the 85 years old group. In people with dementia these numbers increase, especially if the person is prone to: extreme sensitivity to glare; has difficulty adapting to certain changes in the levels of light, problems with depth perception and suffers from alterations in the sleep rhythm – sleep disorders characterized by transposing day and night.

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As a matter of fact, sleep disorders are very common among this group and give way to episodes where it becomes habitual to fall asleep in the morning and become active at night. It is estimated that people with this condition only spend approximately 40% of the night asleep.

This type of sleep disorder wears down the caregivers and family members; it also triplicates the chance of falls and the recuperation is much slower than in a healthy individual. It’s not surprising that aggressiveness in these patients is high; 93% are aggressive with their caregivers and have an interruption in the heart rhythm.

These sleep disorders are caused by an interruption in the normal function of the circadian system, which for mammals is controlled in the hypothalamus. The Circadian system organizes every cell in our body to physiologically synchronize it with time; it is responsible of ‘synchronizing’ our inner clock with the 24 hours of the day.

Even with this data, the characteristics of lighting in the health centers lack the intensity required by elderly adults.

What’s more, in most cases these places increase the levels of lighting during the night to facilitate the patients’ care.

As a result of this discordance, a distortion of the information that reaches the patient’s brain ensues; it is caused by having brighter light at night than during the day. The aforementioned factors coupled with age cause the circadian system to become vulnerable.

According to various studies, “bright light is effective in reducing depression” in a range of lighting level between 2.500 lux and 10.000 lux. This conclusion was reached after a series of experiments, at a neonatal intensive care center, that proved how cyclical lighting, during the night hours- with reduced levels of lighting-, improved appetite and sleep in the infants.

REALITY OF THE HEALTH CARE CENTERS Most health care centers don’t meet the needs of their residents. One of the consequences of old age is the degeneration of the retina that ceases to maintain a comfortable measure of vision under normal levels of light, disturbing the circadian rhythm and vision in general. For the normal function of this system, it is necessary that individuals be exposed to bright light, something that is lacking in the majority of the health care centers. This insufficiency alters the mood and state of mind of the group causing depression, sleep disturbances, lack of vitamin D –essential to maintain healthy and strong bones–, among other side effects. These alterations can trigger more adverse effects for the elderly, such as falls and hip fractures. Only in the United States, it is estimated that a 48% of residents at this health care centers have some vision deficiency.

Along this line, a survey in four states showed that 53% of retirement homes were lacking when compared with the recommended levels of lighting. Their spaces where deemed inadequate in the following areas: 45% inadequate lighting in hallways, 17% in common areas and 5% in the dormitories.

It’s worth mentioning that ambient light in these spaces is at 50% and 65% of the recommended levels issued by the American legislation. In the rooms, the level of recommended light is at 20% and 40%.

Exposure to bright light is inconvenient. It causes headaches and interferes with the normal course of the routine tasks of the center, for the visitors and the caregivers, due to the glare it produces.

LIGHTING CAN HAVE A POSITIVE IMPACT IN PATIENTS WITH DEMENTIA As the numerous clinical studies reveal, “light therapy can improve rest and behavior patterns in people with dementia”. If these people are exposed to bright light during the morning hours, with lighting levels higher than 1000 lux, with white light of 4100 K, they increase their activity during the day and depression is reduced; at the same time restlessness during the night decreases.

The positive effect of light on the wellbeing of this vul-

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nerable group was achieved by a simulation of dawn at dusk for a period of three weeks. This was accomplished with a directed lighting system, with a low light level of lighting –of 30 lux–, during the evening hours, which helped the residents sleep.

Likewise, Crichton Royal Behavior Rating Scale (CRBRS) proved that, after two weeks of light therapy, with an intensity of 10.000 lux every two hours, between 10.00 hours and 12.00 hours of the day, the residents with dementia problems were helped. They showed an improvement in their disordered conduct after being exposed to this light for half an hour.

Despite these encouraging results, it has been proven that exposure to lighting of 1000 lux, in this centers, is nine minutes a day.

SOLUTIONS FOR IMPROVEMENT It has been proven that artificial light is no different to the visual field than natural light, however its benefits are not.

One example is the regulation of the circadian system that affects mood and the absorption of some nutrients.

A 60 year old person requires three times more light than a 20 year person and at 85, this person will need five times more light.

Lighting designers of health care centers have to consider that levels of light should be substantially elevated, natural and artificial light should be balanced and glare should be avoided. This can be achieved increasing the brightness of the environment, distributing it along the walls, but the best way to control glare is to use indirect lighting, hiding the bright light sources and spreading the diffuse light over a large area. This light goes around the perimeter of a space producing bright light and soft light. The bright light bounces from the ceiling and turns into diffuse ambient light, and the soft light, bathes the walls making them more luminous. The indirect ceiling lights reflect from the ceiling’s surface to distribute and diffuse light.

The interior environment of a place is not only key to comfort, it can also be a non-pharmaceutical factor for the treatment of behavior problems in people suffering from dementia since they are very sensitive to their environment.

Lighting is very important to improve health and quality of life in people with this disease. We should keep in mind that there is a correlation between lighting levels and the resulting behavior.

The sensitivity of people with dementia goes deeper than the physical aspects. For example, if a new invasive technology is placed and curtains move spontaneously, or a noisy ventilation perhaps, it will affect these people.

Consequently, we should pursue a healthier interior environment. In this context, efforts are made to eliminate ceiling fluorescent lighting –incandescent light creates a more pleasant ambiance–; avoid low level light; place extra lighting next to the kitchen and near the knives; install lights that can be controlled from the bed and by the doors; position the lamps in the dormitory separated, according to their use, and keep in mind glare control and that ceiling luminaries can be used for light therapy.

Most elderly people have difficulty identifying the limits of the different areas and the edges of objects. Therefore, light should be sufficient to identify contrasts between elements; this can be achieved increasing the level of general lighting.

Uniform and bright lighting can eliminate shadows reflected from objects, which is something that can cause fear, distraction, hallucinations and confusion. However, high glare should be avoided since it can harm their sensitive eyes and many times, it is the reason they avoid looking in certain directions.

In kitchens and dining areas, lighting should be a tool to increase safety. The kitchens that have closet/cabinet lighting make it possible to find food and utensils with ease. In the dining area, there should be enough lighting to appreciate the food. Several studies show that high levels

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of lighting increase food consumption and foster longer conversation time.

Better lighting in the bathrooms can also prevent falls.

There should be enough light for people to carry on their activities, such as getting dress and fixing their hair. The path from the bathroom to the bed should also be well illuminated. To accomplish this, a dimmer can be used to control the intensity of light; people with dementia can experience over stimulation. In both spaces, an atmosphere of serenity and relaxation is necessary .In the case of shared bedrooms, independent light switches should be placed on each side of the bedroom.

In order to optimize lighting in spaces that house people with dementia, different solutions are being considered. Among others, replacing the traditional lighting systems for LED lighting that shines the spectrum of natural light during the night. It is estimated that, by applying this, the sleep patterns will improve, and so will the overall functioning of the building. To implement this, an automatically programmed system is required to reproduce the colors and intensities of natural light during the day. It is also important to achieve the colors and intensities of light: amber for sunrise, the intensity of light at noon under a blue sky, and the soft amber of sunset light.

These changes of color cannot be achieved with fluorescent or induction lights; incandescent lights are the closest in color to light at sunset. Despite these considerations, any light that is turned on during the night will affect the circadian rhythm of the residents.

If white LED and RGB were combined in one lighting it would be possible to program this change of color until nightfall. Thus, it could be programmed to gradually condition the eyes in the hours of transition from day to night. This combined light would be capable of emitting a spectrum from 450 to 700 nanometers. In addition, blue light could be increased to compensate the circadian system, being that the receptors for this type of light decrease with age.

The company, Zumbotel, performed a test at the St Katharina, in Vienna, on this topic. There efforts focused on providing a lighting that would mimic very closely daylight to investigate its biological effect on the residents.

To achieve this goal, fluorescent lamps (of 3000 to 6500 K) and skywhite lamps (8000 K) measuring 900 cm x 900 cm were installed. Each large area was illuminated by twelve lamps –four of soft colors–, to control de color temperature. These tests yielded great results: the residents became more active, they spent more time in the living areas, improved their communication with their caregivers and slept better.

To avoid a lack of natural light, the specialists at Zumtobel resorted to lighting of different color temperatures and light intensities, during the day. Thus, during the day a level of lighting of 1500 lux and cooler temperatures were attained. Lighting levels lower than 300 lux and warm light, got encouraging results during the morning hours and at night. Residents became more active, communicative and had a better mood.

The colors in light were intentionally varied –from warm 2700 K to cold 6500 K–, which improves the functions of the circadian system. Panels of diffused light were used to add bright luminous intensity; this helps the photoreceptors in the central area of the retina and avoids glare.

In view of these findings, for the morning, 300 lux to 500 lux, with a color temperature between 4500 K and 6500 K is recommended; during the day, 1500 lux, with a color temperature of 4500 K to 6500 K; at night, it is advisable to have 300 lux to 500 lux, with a color temperature of 2700 K to 3500 K. At the same time, luminaries in the hallways are very important because they guide the residents and offer security; the luminaries should have dimmers to save light.

In general, warm colors impart a homelike feeling to the spaces. In the bedrooms, it is possible to play with different

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types of lighting and in the bathroom: ceiling lighting and a separate luminary for the mirror.

In conclusion, designing an interior environment for elderly people is not an easy job. Many things have to be considered: various levels of lighting; reflective surfaces that can affect lighting; areas of glare that must be avoided; attainment of subtle changes of light intensity and avoidance of bright lights during the night, among others. It can be a difficult task but, we have to pay more attention to this group of people, not only because it represents a larger group than the young, but because it’s important to understand that getting older brings different needs that must be researched more diligently, so that the well-being of this, ever growing segment of the population can be improved.

NEW TALENTS WHO SAID CRISIS? They say every crisis has its positive side. It can be an opportunity to get real and assess what really goes on and what are the true needs and problems of the present. This opens the mind to new solutions and ways of reinventing ourselves so we can become more efficient.

Young architects are an example of this. In a profession that has been deeply affected by the economic crisis of the last ten years, they have had to find new solutions in order to prosper but they do have an advantage: their education opens up access to many fields.

Last June, iCandela attended the Lamp Lighting Solutions 2017 Awards that took place in the beautiful Espai Xavier Corberó, in Esplugues de Llobregat, Barcelona. In this context, we had the opportunity to talk with Sergi Sauras and Pau Garrofé, winners of the Students Proposal with their project “Elogio de la Sombra” (Praise to Shadow). These two young men, students of the Escuela Técnica Superior de Arquitectura La Salle (Barcelona), and about to complete their studies, are a clear example of this opening up to other fields that people in their profession are experimenting.

After studying a career based on construction design of buildings, many students focus on following this path, but Sergi and Paul realized that architecture “goes so much further: urban planning, furniture design or, in this case, lighting”. In their opinion, the study of architecture introduces basic ideas on lighting but does not elaborate on them, which “raises questions that only the curious are willing to pursue realizing, very soon, the possibilities around light”. This was their case and, even though they had never done anything like it, the opportunity to experiment with light arouse, to design an experience and see it through, and they jumped at the chance.

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In an exclusive interview for iCandela they explain where they found their inspirations: “Elogio de la Sombra” is a very personal project for both of us. Faced with the challenge of designing a lighting installation, we sat down to share our personal experiences with light in architecture”, relate the young prizewinners.

Sergi Sauras goes back to the beginning of the project: “I remember that Pau had just returned from Japan and was fascinated by the Japanese sensitivity in treating shadow.

As a matter of fact, “Elogio de la Sombra” is the title of a famous book written by a Japanese author, Junihiro Tanizaki”.

Furthermore, Pau Garrofé relates that inspiration also came about from the fact that Sergi had been working in Denmark and would “talk about how the light in Northern Europe had very special nuances, how it was diffused. How objects, people and places appeared like silhouettes in the distance”, something that we can almost feel in their work.

“We wanted to duplicate those effects in the heart of Barcelona and we were successful”, the students were pleased to declare.

They were competing against more than 500 proposals from around 40 countries and considering that the level was “very high”, few people expected them to win. “We presented our project to share something that we were very proud of; we were congratulated by the jury and received very positive comments over all. Winning the prize was the best finale for an unforgettable night”, they admit excitedly when talking about the Students Proposal prize.

When asked about their future prospects, Sergi Sauras tells us that, together with two fellow students, he is developing a new concept of architecture studies, called ELLS, that intends to do “things differently”. They have done several projects that include lighting and they expect to make them public soon. Regarding their concerns, Pau Garrofé explains that his priority is finishing his career and in addition, continue acquiring more experience in the labor market and taking new courses. ”Who knows, after this great experience, maybe in the world of lighting!”, reveals the prizewinner.

In any case, they are convinced that even though “Elogio de la Sombra” was their first project together, it will not be the last. “We are working on some sketches of something very special that will see the light, quite literally, next year.”

NOTES FAMA-LAB 2017: GREAT ACCEPTANCE FOR THE FIRST ARCHITECTURE FAIR AND IDEAS LABORATORIES IN MADRID Under the title FAMA-LAB, the Architecture Fair and Laboratory of Ideas successfully launched its first edition the past 13,14 and 15 of September. The fair was organized by

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the Hermandad Nacional de Arquitectos (hna) and the Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM) – by means of the Cátedra ETSA-hna–, and in collaboration with the magazine iCandela, among other sponsors.

The event was received with great enthusiasm by teachers and professionals from the area, as well as by the future generations of national and international architects.

CONFIDENCE IN TALENT AND EDUCATION Artemide, Grupo Lledó, iGuzzini, Lamp Lighting and iCandela, among other companies, have taken one more step in their commitment to the education of the young by collaborating with this promising initiative organized, for the first time, by E.T.S. Arquitectura with the intention of bringing together students and professionals of Architecture from the entire country.

The event started on Wednesday, September 13, thanks to Manuel Blanco, director of ETSAM, and with an extensive program of educational and networking activities designed to foster the development of careers and professional opportunities. Likewise, Javier Jiménez, Vice-Rector of Communications, was in charge of the inauguration, where he emphasized and acknowledged the work done by the “Escuela” (School) and the solid education received by their students through the 169 promotions they have graduated. Other speakers were: Raquel Puente, representative of the Chair ETSAM-hna created three years ago to promote entrepreneurship and career prospects for young architects, and Macarena Fedriani, commercial and Marketing Director of hna.

The day continued with a round table: “Innovation and Memory”, moderated by the journalist Anatxu Zabalbeascoa, with the participation of prominent professors of the School such as Jesús Aparicio, Alberto Campo Baeza (the Main Character in this issue of iCandela), Blanca Lleó and Emilio Tuñón, along with Almudena Ribot, full professor in the School.

They all expressed their passion for the profession and stressed the ample versatility that an education in architecture confers to those who become professional, and also the great opportunities it opens in different areas of the economy, as well as the recognition earned by Spanish Architecture at international level. The speakers reflected on the changes brought about by the digital transformation, encompassing every aspect of society, and its effect on the profession. Lastly, they spoke about mutual enrichment between different generations of architects “Much love and considerable knowledge has to be invested on any project, big or small”, by Emilio Tuñon; “Being an architect is the best job in the world”, by Alberto Campo Baeza.

These are some of the phrases that had an impact on the young talents who packed the room and did not want to miss the inauguration act of FAMA-LAB, along with a large audience following the event live on streaming.

As the round table came to a close, Guillermo Cisneros Pérez, rector of the UPM, was in charge of closing the morning session. He thanked the organizers for their commitment and encouraged the participants to keep on working for the future of a profession of great value to society.

On the last day, Friday, September 15, the speaker Aires Mateus, explained details from her most relevant projects, in Portugal and other countries, and shared the essence of her knowledge: “I am not looking for a brand, I want to contribute efficient solutions to the needs posed by each project”, emphasized the Portuguese architect. He is recognized for an architectural proposal that is “coherent, simple and brilliant”.

After the interventions, there were two intense days of workshops managed by a group of professors from de Projects department revolving around the main axis of ETSAM 2.0 I ReHaciendo ESCUELA (ReDoing School). The work done on these workshops was exposed in the fair; six of them were awarded.

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PRIZE AWARDS FOR THE PFC COMMUNITY OF MADRID ETSAM-HNA CONTEST The finishing touch came with the awards for the Contest of the first edition of the “PFC Comunidad de Madrid ETSAM-hna”. Irene Campo (ETSAM) won the first prize of 8.000 euros; Policarpo del Canto (ETSAM) won second place, and Carlota Le Quinio (ETSAM), won third place, respectively.

Macarena Fedriani, Commercial and Marketing Director of hna, made a very positive balance of the first edition of FAMA-LAB. She said that “during these days, the ETSAM has carved a space to share knowledge and experiences, while testing the validity of the ideas presented by the new generations”.

As for the editor of iCandela magazine, Mercedes Arroyo, she noted that “this type of exchange of knowledge and experience is, without doubt, very positive for everyone involved. In the future, it will be the students who will be in charge of making this field grow”, concluded Mercedes Arroyo.

FAMA-LAB offers a program of educational and networking activities designed to foster the development of future generations of national and international architects The round table: “Innovation and Memory” revealed the great versatility that an education in architecture confers to those who become professional

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PIER MAUÁ CRANES, BRASIL STRUCTURES: Best Exterior Lighting Scheme Low Budget Two beautiful and sculptural cranes from the 60’s remains by the port area of Rio de Janeiro’s downtown as a record of a glorious past. Those big structures are located next to the Museum of Tomorrow at Mauá Square, a recently renewed area of the city that has become an important site for the city residents, the cariocas, as well as for tourists. But sadly, those beautiful cranes used to go dead during the night.

These metal piece characters are well known by the cariocas and certainly every child that has set the eyes on one of them, have related its form, shape and size with cartoons like dinosaurs or some other live creature of their imagination. Therefore, the intention of the lighting is to give life to these big metal structures in way that allows people to go back to childhood and thus give wings to their imagination.

Our approach to this lighting concept consists in revealing the main structure, the ‘animal’s legs and upper body’, using a warm white LED floods, with different intensity and beam angles, while taking the opportunity of the existent transparency of its operator’s cabins and along with the crane’s boom, the “arms” of the imaginary creature, using a LED RGB technology that adds movement and pulsation to this character we are creating.

Another layer of communication of this RGB technology, relates to special awareness dates like, pink October, blue November, Christmas or any other color related special date.

It is quite interesting to cite, a quite old reference on which we were also inspired.

The lighting composition of “The City Of Bridges“ at Cleveland, Ohio, from lighting designer Ross de Alessi at 1996, as a celebration of the bicentennial of the city.

The freedom on the use of color and movement at the bridges huge structures have made a strong impact on me and a lot of people that have had the opportunity to gather and enjoy the night scene by the water.

Project: Pier Mauá Cranes Location: Rio de Janeiro, Brazil Lighting Design: LD Studio, Brazil Client: Pier Mauá Main Lighting Suppliers: iGuzzini, Philips, Lemca

DARC AWARDS 2017: AWARDS WITH LATIN-AMERICAN FLAVOR On September 14, the architectural edition of the Darc Awards turned into a party with a noticeable presence of Ibero-American talent. It was not surprising, then, that from the total number of selected proposals almost a dozen belonged to lighting designers from Spain, Mexico, Brazil and Chile. It was a date with architectural lighting and creativity that took place, on this occasion, at the MC Motors in the most industrial part of London, dressed with cement, large windows, furniture with patina, antiques, and muted colors.

Next, we will elaborate on some of the Latin-American winners and finalists in the various categories of this event.

PERFECT SUNSETS, CHILE ART: Best Light Art Scheme – Low Budget “Perfect Sunsets” is a Lighting Art Installation that explores colour and skies colours in different latitudes and evokes with artificial light the emotional introspection of the contemplation of natural lighting changes over the horizon during sunsets.

The sky is the inspiration, heritage and reference to recreate the colours sequences, timing, hue, and intensities to recall the emotions and memories connected to the con-

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templation of the lighting changes that happens over the horizon when the day becomes night or vice versa.

The horizon line is the protagonist of the festival of colours display during sunsets, the sky the protagonist, in constant change, there is not a single moment equal to another, lighting mixes and intensities change every day over the same horizon and also in different latitudes.

Colours change from north to south and change duration in every kilometre.

In the visual and emotional memory of travel hundreds of sunrises and sunrises are gathered, moments of contemplation that connect us with the spectacle of nature, peace, silence and the beauty of introspection. The fast sunsets of tropical latitudes, the calm and diagonal sunset of the polar latitudes, the exotic polar palette of the auroras, the clean farewells of the sun in the desert, blue, violet and orange. The red clouds of the south or the mist of the polluted cities. With saturated or modest colours, it is never the same, no time equal to another.

This work reconstitutes the light and the emotional memory of the colours displayed by nature on the horizon line.

The interface of the celestial vault, recreated on two surfaces that do not touch, the base plane of the horizon and the concave plane that receives the colour sequences.

Dynamic lighting involves the design of sequences that rotate imperceptibly during seven minutes. Three different line clusters of RGB LEDs with a different sequence are hidden in details of the joints between curved white panels, projecting flush light in some cases and frontal in others, to generate different scenes of skies, sequences and colours.

The dimensions of the work is 8.5 metres long, 2.2 metres depth and 3 metres high and is display diagonally in the main room of the Gallery, there is a frontal space for contemplation which has big cushions for the people to stay and relax.

During the exhibition period a light and colour workshop was held for children from seven to nine years old, by the “Mediation Team of the Gallery” team. This is of our special interest as we will gather the experience to deepen the bond of light and emotions.

The project may help to answer some questions: How to talk about lighting colour and culture? What aspects about the colour of light are recognisable in different places, seasons of the year and in every subtle change in nature? Is it linked to emotions or moods? What does the colour of light have to do with our identity? We are interested in perception, how do we actually see? What do eyes see? Their capacities and limitations; When we see lighting colour, what do we see? Are there emotions, memories or projections?

What happens when we lose ourselves in contemplation?

Project: Perfect Sunsets Location: Santiago, Chile Lighting Design: DIAV, Chile Client: Galería Gabriela Mistral Architect: María José Ramos, Chile Interior Design: Macarena Ruiz Tagle, Chile Main Lighting Suppliers: Color Kinetics

RESTAURANT NOSSO, BRAZIL PLACES: Best Interior Lighting Scheme – Low Budget “Nosso” means “Ours” in Portuguese, and we have treated this as our inspiring idea of inclusive gathering, where you

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can have exquisite drinks and food.

The main idea of the owner was to build a democratic place where you may feel welcome, like in an artsy home.

Inspired by this input and some key words on our brainstorm discussion, such as: Ours, informal, collective, artsy, home feeling, comfort, flexibility, surprise, we came up with a lighting repertoire which interprets and build those moods through the space.

The combination of developing special decorative fixtures, attention on the lighting of the vertical surfaces, special care on the treatment of the balcony of the Bar, highlighting the millwork, whilst adding some sort of “stage lighting” to the Barman`s action. The addition of coloured lighting was the key point of this vertical surfaces and a sutil interpretation of a developed special LED as a “candle” were key to build the desired atmosphere.

A quite unique aspect for us as a team, were a real collective working process. The client was involved in all design process; our entire team was involved in the concept phase and the final tuning as well, so this really makes it “Ours” “Nosso”.

Project: Restaurant Nosso Location: Rio de Janeiro, Brazil Lighting Design: LD Studio, Brazil Client: Rodrigo Vasconcelos Main Lighting Suppliers: Lightsource, Lemca, Bellaluce, Utiluz, Vip, Andratti

CASA FUERTE, MEXICO STRUCTURES: Best Exterior Lighting Scheme – Low Budget This more than 300-year-old masonry structure once served as a granary silo during colonial times, located in the middle of very flat agricultural lands amidst unbuilt surroundings adjoining Queretaro, one of the cities with the fastest development and growth in the midlands of Mexico, demanding exceptional and unique spaces.

The almost 9-metre tall structure had received a long and complex restoration in order to be repurposed and the new program required a versatile lighting both interior and exterior to effectively convey festive and formal environments for cultural activities and social gatherings, also to attract possible visitors on a naturally darkened nightscape on a remote location.

Lighting was conceived to add an extra layer of value to an already superb monument restoration and exquisite landscape design inspired by nature, rich in textures that elicit a subtle balance of the natural setting. The conceptual lighting explored the sunset as a dialogue between the exterior and interior of the main structure that was mainly lit by bonfires from workers. On the outside the structure facades are illuminated with all RGBs projectors controlled via DMX. Light pollution had been taken into consideration reducing the number of lighting fixtures to the optimal minimal and avoiding uplight wall gazing.

Adequate optics and precise aiming was considered to avoid light spill.

Project: Casa Fuerte Location: Querétaro, Mexico Lighting Design: Diseño en Iluminación Arquitectónica, Mexico Client: Ma. Esther Jimenéz Main Lighting Suppliers: LJ Iluminación

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SANA SANA PILATES, SPAIN PLACES: Best Interior Lighting Scheme – Low Budget Following the success of our first project for the physiotherapy, aesthetic and pilates clinic Sana Sana, our clients have the need of expanding their facilities to give more group classes of various modalities of yoga and pilates in a nearby place.

This project continues the ideas of the previous one, where the space design contributes to the relaxation and concentration necessary for the practice of these activities. To achieve this, we play with forms, materials and illumination to give the occupants a feeling of calmness.

The program is simple: a reception, some activity areas and two small changing rooms. This is organized by a fluid space that contracts and expands itself according to its use, and where each of the architectural components, including lighting and installations, emphasize this idea of movement and calmness. Movement is reinforced with the decision to make the different facilities visible, playing with apparently anarchic lines, to achieve a feeling of fluidity that reinforces the perception of recollection and isolation that is experienced in the rooms to which this space gives service. The materials and the light that surround them contribute to the sense of calm.

Server and served spaces form an architectural and aesthetic continuum where the warmth of the wood contrasts with the nakedness and apparent coldness of other materials.

The facade is wrapped with a skin that uniforms and gives privacy, achieving a strong and dual image: semiopaque during the day, semi-transparent at night. It is covered with corrugated microperforated sheet with which light effects can be obtained.

The result is an exercise of transparency and sincerity towards the users.

Project: Sana Sana Pilates Location: Porriño, Spain Lighting Design: Vicente Pillado, Spain Client: Sana Sana Architect: Nan Arquitectos, Spain Interior Design: Nan Arquitectos, Spain Main Lighting Suppliers: Lluria, Climar

ENIGMA, SPAIN PLACES: Best Interior Lighting Scheme – High Budget Enigma is Albert Adria’s newest restaurant in Barcelona. The project arose from the concept of generating an enigmatic yet active space where limits are blurred through the use of reflections, luminous densities, chiaroscuros and colour so that the experience of the diner intensifies and focuses on the enjoyment of the high cuisine served by the chef.

This sensation of being in a weightless, abstract place, but at the same time, a special, complex space that en-

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hances the sensory culinary experience, is brought to life through the veiled materiality of the light. Architecture and lighting design work together towards this end; The undefined background, the transparent chairs and tables reflecting their surroundings, the translucent vertical glass walls that allow visitors to imagine and then discover the different tasting rooms.

A cloud-like ceiling made from wire mesh acts as a central element of the lighting design. The luminous yet murky ‘cloud’ fills the restaurant and submerges diners in an ethereal world through the use of vaporous materials and light.

The colour sets the mood and generates chromatic compositions guiding diners to the themed rooms; the Cava lounge the colour of wine, the Cocktail lounge the colour of ice, and the Teppanyaki lounge the colour of fire. The experience is served.

The lighting design is integrated and well hidden so that it goes unnoticed: LED technology (4000K, 12-Watt LEDs) is controlled by Dali, miniature spotlights for kitchen areas and tables, the ‘cloud’ made of low-power 2800 LEDs (2-Watts, 4000 and 4-Watts, RGBW) matrix with DMX control, placed as backlight behind the translucent material, in a pixel pitch of 45 x 45cm, allows for the addition of colour, densities and tridimensional light effects to every area of the restaurant.

Together with the chef and the architects the aim was to propose an integral concept and to design a distinguished place to enjoy high cuisine in an atmosphere that is special, spatial, essential and tailored to this purpose.

Everything designed for this space aims to fit within this objective: To aim at something deeper, more intrinsic, vital, contemporary, resulting from a combined sensorial experience of integration of content and container.

To conceive a new perception of warmth, something that goes far beyond the typical concept of warm light focused on a table and the general light that allows for the understanding of the place, the materials and the location of the luminaries.

To achieve a result where material and light would coexist as one single communication through a dynamic central element.

The idea of having a cloud-shaped LED matrix that would allow for the generation of densities and tridimensional light effects.

The use of white light, 4000k, high CRI, to generate shades of grey (light, shadow) and light the food.

The use of colour to enhance the themed areas.

All within the current energy-saving regulations and made with a standard budget for lighting material/lighting control (100€/m2).

Project: Enigma Location: Barcelona, Spain Lighting Design: artec3 Studio, Spain Client: Albert Adrià Projectes Architect: RCR Aranda Pigem Vilalta Arquitectes, Spain Main Lighting Suppliers: Davide Groppi, Lamp, Lutron Photography: Adrià Goula Photo

THE ONE BARCELONA HOTEL, SPAIN STRUCTURES: Best Exterior Lighting Scheme High Budget

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The One Barcelona Hotel is located in the heart of the Eixample, within an emblematic “chaflán barcelonés”, giving all three façades high visibility.

Since the building maintained its original structure, the design team decided to relate the existing structural grid to the guestroom distribution, conforming at the end a very clean and ordered exterior appearance. The façade’s materials are stone within the grid while copper clads the window openings and marquee at main entrance.

The Lighting scheme aims to emphasise the rhythm and materials of the building, integrating three lighting systems.

The base of the building accounts for a glass façade that unifies the ground floor lobby and the mezzanine conference rooms. While the lower part is transparent, the higher one uses a laminated glass, which holds a gold fabric in the middle.

The lighting looks to emphasise this by accent lighting these through wall grazers that are integrated within the lower part of glass profiles.

The second system is the marquee, which accounts for a backlit glass panel and the third, is a waterproof narrow beam LED channel integrated within all windowsills.

Lighting systems are LED and are integrated into the overall control system, which also counts with an astronomical timeclock.

Project: The One Barcelona Hotel Location: Barcelona, Spain Lighting Design: BMLD, Spain Client: H10 Hotels Interior Design: Jaime Beriestain Studio, Spain Main Lighting Suppliers: Luz negra, Lutron, LightGraphix Photography: Álvaro Valdecantos

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From the beginning, the project was divided into two scenarios: • Public Lighting: the renovation of the street poles with Micenas LED; this included wiring, channeling and taking down street poles and lights in a way that preserved the architectural details and made the intervention imperceptible.

• Scenic Lighting: with LED strips and projectors featuring a color change system that lights the walkway next to the beach and extends all the way to the promenade’s signature sail-shaped awnings. These can be programmed individually, adjusting tones and light levels according to the time of day and in a way that avoids harm to the local fauna. For example, in the turtle season, luminaires can be dimmed or programmed to project warm colors that do not disorient the turtles.

Moreover, the following technical guidelines were included: • All luminaires were installed to avoid any risk to visitors caused by the humidity of the natural environment.

• The color of the scenic lighting can be changed to match specific cultural events, meaning the walkway and the monuments can take on different colors depending on the date and the event, thanks to a state-of-the-art control system.

The design of this Master Plan has reinforced the appeal of the heart of Puerto Vallarta, and improved the level of public safety. The response to the plan has been, so far, quite positive: downtown nightlife and tourism have revived, as shown by the average of over 3.7 million visitors.

The coordination of strategies and proposals has ensured a harmonic balance between architecture, people and nature, earning this city a place among the world’s premiere tourist destinations.

Project: Puerto Vallarta Master Plan Location: Jalisco, México Lighting Design: Hugo Iván Jáuregui Gómez, EGEA, Citelum, Mexico Client: Ministry of Infrastructure and Public Works of Puerto Vallarta Main Lighting Suppliers: Philips, Colour Kinetics, Erco, iGuzzini

PUERTO VALLARTA MASTER PLAN, MEXICO SPACES: Best Landscape Lighting Scheme High Budget The lighting design and development of the Master Plan for the “Puerto Vallarta Promenade” arose as a need to improve and optimize this urban space, based on a lighting strategy that enhances the architectural elements of the site while adding to the nighttime natural landscape, encouraging pedestrians to walk the entire promenade and stop by landmarks such as: La Parroquia de Nuestra Señora de Guadalaupe (The Parish Church of Our Lady of Guadalupe) and El Templo del Refugio (Church of Our Lade of Refuge).

The conceptual development of the project considered a range of factors that included the integration, preservation, implementation, safety, and assimilation of the project, as well as the technical and artistic challenges of creating an experience that would appeal to both tourists and Puerto Vallarta residents.

The requirements of the project included creating a lighting design that would fit the context, respect and preserve the natural surroundings, feature appropriate levels of light to ensure both visual comfort and public safety, make use of the most efficient technologies, among others.

To achieve this, we designed a world-class lighting system that addressed citizens’ needs and demands. This led to the establishment of our primary objective: to create a new image for the area by using light as an element to trigger activities that characterize the downtown area of the city.

LIGHT & PEOPLE 2016 “LUZ Y ARTE”, SPAIN EVENT: Best Creative Lighting Event Light & People is the annual encounter organized by Fluvia, which brings together architecture, lighting and design experts in Barcelona and Madrid. In its fourth edition, which took place in May 2016, the theme was “Light and Art”, with talks by Carles Guerra, Director of the Antoni Tàpies Foundation and Michela Mezzavilla, Architect and Lighting Designer.

The importance of the event lies in the brand’s ability to choose a different theme each year, analyzing in depth and broadening knowledge on light, mobilizing over 700 people in two cities, thus representing a significant contribution to the dissemination of the culture of light.

In its first celebration in Barcelona, on 19 May 2016, the Antoni Tàpies Foundation room was transformed into a great stage, where different lights played with the works of the well-known artist Antoni Tàpies and the 4 white cubicles which housed Fluvia’s Arch, Lane, Point and Loop lights. The ephemeral installation “WAV!” also stood out:

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created by Michela Mezzavilla, a combination of squares and lights with which the guests could interact and take photos. The implementation of the Scena lighting control system was essential to achieve the dynamism of the whole installation, allowing changes in the colour and intensity of the light.

On 26 May 2016, in Madrid, the Nouvel Building of the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía –designed by the architect Jean Nouvel–, was the venue chosen for experts to analyze in depth the importance of lighting in the world of art.

Over 350 people in Barcelona, and just as many in Madrid, were present to hear the talks given by Carles Guerra, Director of the Antoni Tàpies Foundation and Michela Mezzavilla, Architect and Lighting Designer, who shared the stage with Gonzalo Batista, Lighting Business Director and Salvi Plaja, Design Director of FLUVIA, who acted as the moderator.

Carles Guerra, Director of the Antoni Tàpies Foundation, considered that light, beyond its perceptive, sensorial and emotional qualities, has represented an eternal challenge in the field of art. “A museum, a discotheque or a cinema are spaces which are comparable, thanks to their use of light. The fact that today we see it reflected on paintings or on works of art does not mean that light has stopped being intangible”.

For Michela Mezzavila, “light is the most powerful material of all since, despite its intangible nature, it affects the perception of the space and of all the other materials, generating a unique sensorial experience in each individual.”

The images that the lighting designer showed are examples of how light does not just illuminate spaces, but also creates them.

Event: Light & People 2016 “Luz y Arte” Location: Barcelona and Madrid, Spain Organiser: FLUVIA Main Partners: Michela Mezzavilla, reMM Studio Main Sponsors: Fundació Antoni Tàpies, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

REPORT MATHEMATICS: THE WINTON GALLERY, A WIND TUNNEL OF LIGHT Arup lighting team developed the lighting for the Science Museum’s Mathematics: The Winton Gallery, in collaboration with Zaha Hadid Architects (ZHA), which was designed by the late architect Dame Zaha Hadid, the first of her projects to open in the UK since her death in March 2016.

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The gallery is part of the Science Museum’s Masterplan Strategy, which aims to create dramatic spaces, learning zones, new public areas and sophisticated exhibitions, all founded in the best design and technology. Using our creative lighting techniques and our technical expertise, we were able to bring mathematical history to life.

The architectural and lighting concept for the gallery connects complex mathematical concepts to every day experience with a striking visual clarity. Fluid dynamic lighting was integrated with static lighting to showcase the mathematical significance of a key feature of the gallery; the Handley Page “Gugnunc” aircraft from 1929.

The lighting is arranged to show how air moves around the aircraft, and displays both the vector field, made by the wings of the aircraft, and the sky, represented by the boundaries and walls of the gallery.

DESIGN INSPIRED BY AERODYNAMICS Arup applied strategic thinking and experience to the project, and focused on creating a memorable space through the use of light, so that visitors have a breath-taking and unforgettable experience. The result is stunning; the lighting depicts a dramatically rendered wind tunnel. Lighting paints the airflow through the space, from the floor, walls and ceiling, to the central turbulence pod. Linear elements of lighting represent the laminar flow and pods represent turbulence.

The gallery will be a key attraction for the Science Museum. Not only does the design show the aerodynamic field generated by the aircraft creatively, it brings to life one of the most significant and complex elements of aeronautic research in a way that visitors have never before seen.

The company approached the project with the aim of achieving the highest possible quality, whilst sensitively balancing strict conservation requirements, cost and the use of the latest lighting technology. Its LightLab allowed us to evaluate lighting equipment and details to ensure we could specify and detail with confidence, as well as experiment with various approaches to object lighting.

Arup’s philosophy of balancing technical excellence with a creative and innovative attitude is demonstrated in the stunning lighting design that has been achieved. As well as lighting design, Arup also provided Structural and Building services for this project.

A TRIBUTE TO DAME ZAHA HADID (BAGDAD, 1950 – MIAMI, 2016) The Mathematics: The Winton Gallery at the Science Museum in South Kensington is the first UK project by Zaha Hadid Architects to open its doors since the firm’s figurehead died earlier in March 2016.

Dame Zaha, known as the ‘Queen of the curve’, first became interested in geometry while studying mathematics at university.

She once said: “When I was growing up in Iraq, math was an everyday part of life. We would play with math problems just as we would play with pens and paper to draw; math was like sketching.”

The ZHA worked with curator David Rooney to design the gallery around 100 artefacts selected from the science, technology, engineering and mathematics collections. A symmetrical pod-like structure made of fabric with a frame of powder-coated aluminium engulfs existing columns in the gallery, creating a central seating area and folding itself around display cases all lit by a soft and unearthly glow, which fades from yellow to pink to light purple.

“We were hugely impressed by the ideas and vision of the late Dame Zaha Hadid and Patrik Schumacher when they first presented their design for the new mathematics gallery over two years ago”, added Science Museum director, Ian Blatchford. And added: “It was a terrible shock for us all when Dame Zaha died suddenly in March 2016, but I am sure that this gallery will be a lasting tribute to this world-changing architect and provide inspiration for our millions of visitors for many years to come.”

NAKAR HOTEL OF PALMA DE MALLORCA: ‘HOME’ OF THE TRAVELING SOULS There is a treasure in the heart of Palma de Mallorca for the modern traveler, attentive to details and sophisticated: the Nakar Hotel. An avant-guard space where design and technology come together to provide an unforgettable experience, full of comfort, sympathy and sensations, and made possible by the new series of frames and mechanisms LS 990 Dark from Jung, installed in various areas and rooms of the hotel.

The Nakar Hotel is a superior 4 stars, belonging to the international chain, Design hotels. It is in a perfect location, right where the commercial area of Palma starts, with its exclusive fashion stores, and just a few meters away from “La Lonja” and “Santa Catalina”, the emblematic Majorcan quarters, that specializes in restoration and nightlife.

Marga Rotger, the well-known Majorcan interior designer, is responsible for the design of the hotel. With a minimalist and rational flavor, it maintains a certain eclecticism that arises from the combination of noble materials, with the precision of the new LS 990 Dark series, from Jung in black matte aluminum.

INTERIOR DESIGN AND TECHNOLOGY The 57 rooms of the Nakar Hotel, engulfed in the sober and linear style that dominates the interior design of the establishment, brings together everything that the urban ‘techno traveler’ could need: from the strong WiFi connection, to the modern Smart TV system. Additionally, the installation is completed with electrical outlets and USB connections, using Jung technology in black matte aluminum, which admits charging any device directly without a power adaptor.

The German manufacturer Jung, who specializes in automatization of buildings and in high-end electric mechanisms, has created the Dark finish for its series of electrical mechanisms LS 990, with remarkable architectural ambiences in mind, atmospheres that can communicate intensity through the essential, with an aesthetics of absolute and defined forms, such as the ones found at the Nakar Hotel.

Owing to the new seris of frames and mechanisms LS 990 Dark, from Jung, the Nakar Hotel is the ideal accommodation for the ‘techno traveler’ The 57 rooms of the hotel are completed with electrical outlets and USB connections, using Jung technology, which admits charging any device directly without a power adaptor

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The play on contrasts, chiaroscuros and progressions of light and color express the boldness, defiance, innovation and rebelliousness that characterize Hawkers The custom made furniture speeds up the election, try out, and sales, simplifying the purchase process

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3. MiC: Has a musical piece ever inspired you architecturally?

ACB: Bach, always Bach, and nothing else than Bach.

4. MiC: Would you elaborate on one of your axioms “Without light there is no Architecture”?

ACB: To me, without light there is no architecture in the same way that without air there is no music.

5. MiC: And shadows, what is their role in Architecture?

ACB: “Sub umbra alarum tuarum” (Shelter me under the shadow of thy wings), says the Holy Scriptures.

6. MiC: Is it true that some employees of Caja de Granada were moved upon contemplating your building for the first time?

ACB: Yes, it is true. Light reaches our soul in an ineffable way.

7. MiC: In your book: “I want to be an architect”, you state that an architect “is a creator, a thinker, an artist, a technician, a constructor… but at the same time a physician, a cook and a poet”. In another life, would you be an architect again?

ACB: Yes, of course!

HAWKERS MADRID: FROM “BIT TO ATOM” WITH LIGHT & STUDIO The digital brand Hawkers is launching its first physical eyeglasses store, with lighting advice from Light & Studio.

A unique experience produced in collaboration with the interior design studio Cul de Sac, where lighting marks the limits of space.

The commercial establishment has opened its door in downtown Madrid to showcase a product that is going from “bit to atom”, showcased by a groundbreaking space and lighting, that seeks to offer the client a luxury product within every consumer’s reach.

The consumer will be surprised to see Hawkers eyeglasses displayed on marble and stainless steel. The shelves of light will shine over the product revealing the quality of the colors and the reflection of the crystals in the eyeglasses, and they are convenient for touching and appreciating the product. Likewise, the customer will appreciate a dynamic space that brings out the colors of these youthful eyeglasses.

COLOR, INNOVATION AND GROUNDBREAKING LIGHTING On its new adventure in off line trade, the brand born in Elche (Spain), intends to position the label among the first on the market yet remaining true to its style: protecting the boldness, defiance, innovation and rebelliousness that has characterized it from the very beginning.

The store has three floors, each one with its own, totally different character and functionality. Here, we can find lighting that is full of contrasts, chiaroscuros and progressions of light and color.

A GLASS BAR FOR YOUR EYES Winking at its surrounding, a glass bar opens up to welcome the clientele and offer cool advice on finding the most suitable eyeglasses. The bar is framed by a modernist style room with the charm of the most authentic bars in Madrid and reinforces the classic contrast of Hawkers. This floor also houses one of the main novelties of the brand: prescription eyeglasses.

The space for visual measurements is a scene within the store, a place where limits are lost and light plays a fundamental role in making the experience an unforgettable one. To create this environment, a lighting design was developed exclusively for the furniture of the store; it plays with contrasts and light points to highlight the bright colors of the eyeglasses. The custom made furniture speeds up the election, try out, and sales, simplifying the purchase process.

8 MiC: Touching on the surgical accuracy needed for Architecture, a quality you admire so much in your father and that is present throughout your work: rigorous, intense, of pure geometry… Do lighting designers also have to be ‘good surgeons’, show that quality?

ACB: Absolutely.

9 MiC: You emphasize that artificial lighting must respect natural lighting. Is this something that is perceived in the bulk of Alberto Campo Baeza’s work?

What is the best way to balance artificial and natural lighting?

ACB: I still do not know, but I keep trying.

ALBERTO CAMPO BAEZA: “LIGHT REACHES OUR SOUL IN AN INEFFABLE WAY” Interviewing Manuel Campo Baeza for the new phase of iCandela is a luxury he grants us in the context of FAMALAB, First Fair of Architecture and Laboratory of ideas (hna - ETSAM). Alberto Campo Baeza is known internationally as the ‘architect of light’. He believes Architecture is an idea constructed, and that the main components of architecture are: gravity, which constructs space, and light, which constructs time. His discourse is direct, clear and free of excesses; so is his work. He exudes passion for Architecture and teaching, a vision that is reflected in his books, articles and the classes he teaches around the world. Vision that has not gone unnoticed by the architectural world and that has awarded him various prizes for his exceptional Architecture and for the poetic dimension that his work communicates. His most recent award was a First Prize COAM 2017 for the Multi-Sport Center of the University Francisco, in Vitoria, Spain.

After a few words with the architect his sensibility for Art, Literature and Music, emerges; they are the pillars of his work.

1. Magazine iCandela: If I say “To see a world in a grain of sand, and a heaven in a wild flower. Hold infinity in the palm of your hand”…

Alberto Campo Baeza: That William Blake in his poem says it better and clearer than I could.

2. MiC: Architecture and Poetry, two arts that walk hand in hand?

ACB: Yes, of course, both demand the utmost precision.

10 MiC: Architectural lighting should be clear, naked and, in your own words, used as a “material”. Can you tell us about the “materiality” of light?

ACB: Newton explains the material, corpuscular nature of light better than me.

11 MiC: Many of your works have an apparent simplicity yet they are not simple. Is it a way of appraising the space more directly?

ACB: Yes, of course.

12 MiC: During creation, stripping and object or building of everything that is unnecessary…is very difficult. Would you say your creative process is “complex” vis-a-vis your results? Please, tell us more about your way of working?

ACB: Time, time, time. Work, work, work.

13 MiC: At the risk of sounding cliché, “is less more”?

ACB: Yes, it is.

14 MiC: What is your opinion on Technology and its importance regarding Architecture? And Lighting?

ACB: Technology helps very much…

15 MiC: You have been a professor of Economy in the Superior Technical School of Architecture of Madrid (ETSAM), for more than 35 years, and you have taught classes and given lectures around the world. How does the discipline of Lighting stand in the studies of Architecture?

ACB: It could be better.

16 MiC: In the same train of thought, what is the difference between learning Architecture, teaching Ar-

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chitecture or doing Architecture?

ACB: It is all the same.

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SOME OF THE WORKS CREATED BY ACB

17 MiC: Valladolid, Cádiz, Madrid, New York, Zurich…

Where is light more magical?

ACB: The sun rises every day, in the same way for everybody.

18 MiC: Adolf Loos (Raumplan), Le Corbusier (La boîte a miracles) are clearly present in your work. What is your interest in them, in particular, and as pioneers of contemporary Architecture, in general?

ACB: On the topic of Architecture, they are our roots.

19 MiC: How do you get along with the lighting designers?

ACB: A relationship can be improved.

20 MiC: Among other virtues, we have heard that you become a friend to your clients, which hints of a positive complicity all through the process of project and execution – and we take it is an added value – but, in this process, what is your relationship with other more harsh topics such as regulations? Are they a strait jacket for your architecture?

ACB: Contrary to appearances, I strive to comply strictly with regulations.

MULTI-SPORTS PAVILION AND CLASSROOM COMPLEX OF THE UNIVERSITY FRANCISCO DE VITORIA (2017) The building was designed for the campus of the University Francisco de Vitoria, in Pozuelo (Madrid), and will house a multi-sport center and a classroom complex.

The multi-sports pavilion is designed with lightness in mind, in glass fiber and reinforced concrete GRC, in contrast to the more closed and heavier classrooms, with white concrete facades.

Functionally, the multi-sports center is the focus area.

It will be a clear, bright hall, which, apart from its use for sports activities, will also function as a great hall for all types of University events. A great open space full of light.

THE CAJA DE GRANADA (2001) This podium accommodates the parking area, archives and the Data Processing Center. Offices are arranged inside the cube on seven floors around the central interior courtyard.

The cube was constructed on a 3x3x3 meters grid of reinforced concrete that in the roof serves as a light gathering mechanism, which is the central theme of this building.

The two facades to the south operate as a “brise-soleil” and, filtering this powerful light, illuminate the area of open offices.

In essence, it is a concrete and stone box that traps the sunlight in its interior in order to serve the activities carried out within this “impluvium of light”.

21 MiC: Likewise, do your clients emphasize the lighting when they commission a project?

ACB: Never.

22 MiC: The Gaspar House, The Blas House or The Turégano, share a common denominator: tight budgets.

How can we get similar results in the lighting field?

ACB: With maximum economy of resources.

23 MiC: How do you see the future of the Architecture?

ACB: With great optimism.

24 MiC: And yours?

ACB: Patiently.

25 MiC: We have read that you own more Poetry and Literature books than books on Architecture…

Would you please, grant us a poetic quote relative to light that we can use as the perfect finale to our interview?

ACB: “Let there be light”, and there was light. From the best poet.

ALBERTO CAMPO BAEZA BRIEF REVIEW OF HIS PROFESSIONAL CAREER Born in Valladolid, where his grandfather was an architect, but from the age of two he lived in Cádiz, the city where “he saw the Light”.

Professor of Projects in the Superior Technical School of Architecture of Madrid (ETSAM), where he has been a tenured professor for more than 35 years. Likewise, he has taught in the ETH of Zurich; the EPFL in Lausanne; the University of Pennsylvania in Philadelphia; the Bauhaus of Weimar and at the L’Ecole d’Architecture in Tournai, Belgium, among other prestigious centers.

He is an Academic member of the Architecture Studies at the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando of Spain, since 2014.

His work has won international recognition. From the Houses Turégano and De Blas; the Gaspar House, Asencio and Guerrero Houses; the Caja de Granada to the most recent, the House of the Infinite and the Multi-Sports Pavilion and Classroom Complex of the University Francisco de Vitoria in Madrid, which was awarded first Prize COAM 2017, last September.

HOUSE OF THE INFINITE (2014) On a wonderful place, a piece of earthly paradise in Cádiz (Spain), an infinite plane rises in front of the infinite sea, the most radical house built by Alberto Campos Baeza, in collaboration with Tomás Carranza and Javier Montero.

To materialize this elevated horizontal plane, which is the main room of the house, a large box, with 20 meters of frontage and 30 meters deep, was built. Under the first 12 meters, two floors were excavated in the solid rock to develop the whole living space.

On the denuded stone platform, three walls surround and protect the property from the strong winds which blow as if someone had opened the bag containing the winds of Aeolus, the same winds that drove on the vessel in which Ulysses made his journey home.

TURÉGANO HOUSE ADDITION (2012) To celebrate the 250 anniversary of Turégano House, in Pozuelo (Madrid), the architect was asked by his clients –and now, friends–, Roberto Turégano and Alicia Sánchez, to build a studio at the foot of their house.

The end product is very simple: a little box measuring 10 x 5 x 3, as if it were a quarter of the original houses’ cube. The new piece is in line with the existing one in its external walls and its floors; by using the same stone continuity with the house is ensured, inside and outside. Thus the two pieces are in complete harmony.

The new white box opens its short external walls, resulting in a transparent and continuous space. A large circular skylight in the ceiling is the counterpoint to this spatial arrangement.

BLAS HOUSE (2000) This house is an answer to its location. At the top of the hill, southwest of Madrid, with splendid views of the mountains to the north.

A platform was created as a base, building a concrete box as the podium, on which a transparent box was placed, delicately covered with a light and simple structure of white-painted steel.

In its interior, square openings were made, to frame the landscape that seems to recede. The glass box on top of the platform is a look-out point, accessed from the house.

From inside, the landscape is highlighted so that it appears closer to the spectator.

GASPAR HOUSE (1992) At the client’s insistence on absolute independence, Alberto Campo Baeza decided to create an enclosed precinct, a “hortus conclusus” or closed grove. The house is based on a square measuring 18 x 18 meters defined by four enclosure walls of 3.5 meters in height, subdivided into three equal parts.

The roof of the central space is taller, 4.5 meters high. At the intersection points of the low walls with the taller ones, four openings of 2 x 2 meters are made and simply glazed.

The light in this house is horizontal and continuous, mirrored by the east-west positioned courtyard walls. Basically, a horizontal, continuous space, tensed by a horizontal light.

Using this link, you can see one of the great classes of the ‘Master’, as he is called by one of his ex-students Felipe Samarán Saló, as evidence in this emotional dedication: https://vimeo.com/209361447.

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“Alberto, you leave behind a vast amount of Architecture that already is a shared heritage of beauty, I hope it keeps on growing. You leave behind lessons that are hard to forget, inspired writings, grateful students and well educated followers. But above else, you leave a trail of good wherever you have been, to those that have had the pleasure of knowing you and the honor of having you near. THANK YOU MASTER.”

A PAPER ON ARCHITECTURE AND ENGINEERING I’m well aware of the dissociation that has occurred in recent years between architects and engineers.

That’s why, in collaboration with Alberto Peñín, I decided to prepare this keynote lecture to emphasize the fruitful relationship that’s existed between engineers and architects throughout modern history, and which has entailed the greatest technological and constructional revolution of all time. I think history has adequately demonstrated that this collaboration has been possible, in so doing giving the lie to the alleged counter-position between architects and engineers.

ENGINEERING AND ARCHITECTURE “Design is the work of many individuals; the myth which has it that technology is the result of a predetermined logic is not true. Rather, it is the outcome of a complex process in which a great deal of information is analyzed, in order to finally be able to choose. What is most important are the individuals and their talent.” This is how, in his book “An Engineer Imagines”, Irish engineer Peter Rice described the process of building the Pompidou Centre, which he worked on with the architects who came up with the design, the industrialists who participated in the process, the companies that made it happen, and even a member of the competition jury, like the famous builder Jean Prouvé.

This collective procedure is not about a particular way of doing things, rather it describes the only way of dealing with the act of building since the mid-twentieth century.

Its complexity in technological, constructional, instrumental, and content terms explains why the act of building is no longer considered an individual act.

In “Theory and Design in the First Machine Age”, the historian and critic Reyner Banham studied the capacity of the Modern Movement to harness the attributes of new technologies by opting for the standard model and by understanding technique as an operative tool rather than a

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creative discipline.

In the field of structures new figures appeared, figures we might call designer engineers. Most visible among them was Pier Luigi Nervi, with his ribbed structures, heir to Freyssinet’s research into prestressed concrete in 1928, who created the Palazzo del Lavoro in Turin in 1961, or Riccardo Morandi, probably the first deconstructive engineer, with his underground hall in Valentino Park, constructed in Turin in 1960, or Félix Candela with his slim concrete membranes that reproduce ruled geometries, and who gave us a significant text, “Towards a Philosophy of Structures”, or Eladio Dieste with his vaults of ceramic units that Guastavino made into patents that are still in force today.

Neither can we forget the contribution of Eduardo Torroja, who turned building in concrete into a more sophisticated activity, and as well as the famous problem of yield in the Frontón de Recoletos has left us such texts as “The Reason and Being of Structural Types”. Torroja claimed that with the imagination alone one cannot construct a great building, since reason is required, in the same way that it is not possible to arrive at logic and determinism via a deductive process, thus announcing the necessary convergence between two contributions that have to be complementary and which would lead us to analyze cases of mutual influence between architects and engineers. We could cite Le Ricolais, whose researches into natural structures were such an influence on Le Corbusier, who was also fascinated

by Eiffel’s Garabit Viaduct from the end of the nineteenth century, or the interaction between Walter Gropius and Konrad Wachsmann when it came to prefabricating houses that were buildable in seven days, or the engineer Fazlur Khan, who at the age of 60 planned rigid roofs hanging from curved cables up to 304 meters in span, who in 1977 constructed the extraordinary airport in Jeddah, consisting of fabrics tensioned by cables, and who designed a bi-tubular structure for high-rise buildings used by SOM in umpteen buildings.

In “The Architecture of the Engineer” Carlos Fernández Casado pointed to a freedom from the obsession with calculus due to new mathematical methods and the progressive use of computers. The “liberated” engineer, he argued, would be able to establish common areas with architecture so as to arrive at a more efficient collaboration and to relaunch the essence of the profession by opening the field of experiment up to processes that intervened during the process of building work.

Javier Manterola, currently head of the Carlos Fernández Casado studio, indicated a more pragmatic position to us.

After a period of collaborating with architects like Javier Saenz de Oiza, Rafael Moneo, and Vazquez Molezún, he turned his interest towards his own discipline, especially towards bridges, “those that defeat the devil”. Bridges that he admired, like the Forth Bridge in Scotland, which weds technical prowess to the transformation of the location, and which would give us an opportunity to indicate cases of a fruitful relationship between engineers and architects, such as the 2004 Millau Viaduct by Michel Virlogeux and Norman Foster. And as the finest of Louis Kahn’s buildings cannot be understood without the contributions of engineer August Komendant. Buildings like the Phillips Exeter Library in 1972 or the Kimbell Art Museum, among others, in which Komendant conceived the structural system of transverse cycloid arches that facilitated the entrance of overhead light in the longitudinal axis of the false dome, enabling him to construct one of the most beautiful buildings of the twentieth century.

It would have been impossible to implement the challenges of Louis Sullivan in the 1889 Auditorium Building in Chicago, in its day was the tallest building in the world, without the crucial collaboration of Dankmar Adler, in its structural as well as acoustic aspects. The buildings created in collaboration by architects and engineers that have become masterworks in the annals of the twentieth century are legion.

In his writings, few in number but intense, Arup dis-

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mantles the myth that creativity is an individual issue. His membership of the Architectural Association (AA) in the 1950s led to his first collaborations with highly creative but currently very underused architecture studios like Aldo van Eych, the Summersons, the Smithsons, and the Tecton studio of Berthold Lubetkin, with which he constructed the extraordinary penguin pool at London Zoo in 1934. With Lubetkin Arup shared a belief that the Modern Movement took structural expression to be intrinsically virtuous and aesthetically superior, while for them the challenge consisted in transcending the structural criterion and allying it with social considerations. And from this approach was born Arup’s faith in architecture, on considering it unnecessary to force calculations to an exactitude that exceeds the tolerable.

As Kenneth Frampton announced, it is true that aside from some small or lackluster assignments the architect will have very few opportunities to exercise control over any undertaking, since this will depend more on the coordinating capacity of computers, and it will be the skill of the engineers and the architects that establishes the tolerance levels of the construction processes.

We will illustrate this with an episode from history.

When Jørn Utzon assumed that the spherical solution for the false domes of the Sydney Opera House was a success, it was also the years of work of the then young engineer Peter Rice that got the architect out of the predicament he’d been in following the competition. Well, years later the same Peter Rice, now a mature and experienced engineer, managed, in the words of Renzo Piano, once the risky and programmatically provocative, urban gamble of the Pompidou Center had been surmounted, to implement a constructional solution. The introduction, in the purest Parisian tradition, of cast iron triggered a series of decisions, from the choice of systems like the gerberette system, which the German engineer Gerber had used in the nineteenth century in a bridge, to the materialization of the schemes of Archigram in the prelude to High-Tech. Peter Rice would also surprise us years later with the structural solution of Kansai Airport in 1994, also by the architect Renzo Piano. Thus we can see how some of the most iconic buildings of the twentieth century are due to the combination of architects and, in this case, a single engineer.

But let’s press on with our tale. Agustín Obiol, an architect specializing in the calculation of structures, following the tradition of this city, tells us that it is basically with the appearance of computer applications of the method of finite elements and of numerical analysis that the first quantum leap is produced in the scenario we have described.

As of now, one of the engineers who has given most thought to these matters is Cecil Balmond, who trained in England and is the regular collaborator of architects like Rem Koolhaas, Toyo Ito, and Álvaro Siza. Balmond, the author of books like “Informal and Element”, one of the people in charge of Arup in its most recent phase, was of the opinion that only by uniting architecture and engineering was it possible to face up to the challenges of designing and contemporary construction.

As for the structural concept, in “Informal” Cecil Balmond is at pains to define the theoretical parameters of a new structural process in which the object tends to disappear, boundaries are blurred, and where there is no hierarchy but instead interdependency when dealing with the geometry of complexity.

To end, we shall consider what the attitude and the framework for conjugating a fruitful relationship between the two disciplines ought to be. As far as attitude is concerned, we might underline the fact that it has been experimentation that has fostered and invigorated the collaboration between engineers and architects, a collaboration that was probably born in the Beaux-Arts “ateliers” of Paris at the end of the nineteenth century, and which carried over into the Bauhaus spirit, which consolidated the concept of collective creation and which was also postulated

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in the Weimar school via Walter Gropius, who wrote “The Scope of Total Architecture”, which connects with engineer Ove Arup’s highest aspiration, when emphasizing the fact that integration, coordination, and conclusion will be the basis of construction, understood as a collective phenomenon in the new society.

And I end as I began, by highlighting the collective nature of the act of building, which aside from being a specialists’ labor of synthesis, has architects and engineers sharing the same intellectual substratum in their interventions.

Eduardo Torroja: “With the imagination alone one cannot construct a great building, since reason is required, in the same way that it is not possible to arrive at logic and determinism via a deductive process.”

The fruitful relationship that’s existed between engineers and architects throughout modern history, and which has entailed the greatest technological and constructional revolution of all time For Lubetkin and Arup the challenge consisted in transcending the structural criterion and allying it with social considerations. And from this approach was born Arup’s faith in architecture

TO STAGE! LIGHT IN ACTION For Josep Aznar, in memoriam* The theater is a profane ritual that needs only one person performing as actor, one person assisting as spectator and an empty space. This was proven, in his work, by British scene director, Peter Brook, and related in his book “The empty space”. The stage space is thus reduced to its minimal expression, and practically becomes an agreement between these two people.

In fact, few material resources are needed to convoke the miracle of a dramatic performance, this suspension of disbelief, so essential to access wonder and fable. Children know it, just three words are needed: Once upon a time… Despite that fact, the development of the art brings, inherently, the development of its artifice, its machinery, and its disciplines: scenography, dramatic arts, lighting, etc. The dedication and talent of professionals of the theater through the years, have brought increasingly sophisticated developments and effects, and because it is a collective art, promiscuous and welcoming, it accepts the intrusion of extraneous trades, arts and masteries.

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Thus, many of the audiovisual solutions that we now see applied to communications, publicity, media-facades, etc., were tried, for the first time on a stage or during an event. The theater, the live entertainment, is in constant contact with the Avant-guard, it is a veritable laboratory for experimenting with aesthetics and technology. It truly is a space and an opportunity for risk taking.

When we gather in a classroom, which is another space conducive to risk taking and experimentation, I strive to provoke and encourage reflection in my students. What do I expect from the possibilities in this tool, this means of communication that is stage light medium? What can be expected of it? Where does stage lighting work and where does it fail? Is stage lighting a language? What is the sign of minimal expression in this language? Is there a technique, a solution suitable for every situation? Can we transfer some of this knowledge to architectural lighting? What is the secret? And its code? Can the language of lighting be learned? Is it possible to create an entire discourse, write a full page article, teach an hour long class of just questions?

I have serious doubts; not even in my most lyrical moments do I venture to speak of the language of light.

Lighting is not a language because it is devoid of signs but there certainly is a code in this trade, as in every applied design: a series of expressive elements that apart from providing visibility and being aesthetically pleasing, they support the dramatic pulse of a piece. A very important part of the elements of this code is built upon conventions, agreements between the people that attend the theater and those who make it.

THE INVISIBLE RESOURCE A film montage and a stage montage, are very similar, for obvious reasons. It involves a connection of elements (sound, image, text, action, space, etc.) at the service of a narrative, a story.

Harmony is perceived when the individual elements of this combination are interconnected and meet a common principle, a certain established principle. It is not a simple accumulation of events happening at different levels. The elements are interconnected, and in this way, they are significant to each other: a sound and a movement, an action and a change in lighting, and so on. The mere perception of these interactions are pleasurable to those who see them.

When relationships (of complementarity, cancellation, contrast, opposition or effort) are expressed with clarity and are easily recognized, that familiar event transpires: aesthetic pleasure.

We should consider these notes on harmony when using colors and lights in relation to space and action, always seeking a connection that will produce beauty, and meaning. No matter which element we add to a composition, visual, spatial, musical, etc., it should be able to work as a new degree of freedom that imparts meaning to the whole.

As an important resource of stage montage, stage lighting can become invisible if effectively integrated to the rest of the elements. In this way, its presence is not felt as an artifice, a foreign element to the whole. Likewise, cinematographic montage is invisible in a similar way. A technique as violent as the jump from one plane to another one feels appropriate and natural to the spectator because it is done deliberately, following formal guidelines and observing the relationship of meaning between the elements that comprise each plane. Therefore, it is not about how fast or abrupt a change of lighting is done in a scene, but about how justified and appropriate to what is happening it is. This is valid for the subtle and nuanced lighting, of a chamber theater, with its soft changes, and for the dynamic, blatant, glaring light of a great musical.

There are times when we benefit from displaying the artifice and using it explicitly. This approach of making a resource visible, be it music, a video, a lighting scheme, or

the development of an action, appears as a rupture in the code of the performance. The artifice is not hidden in an attempt to manipulate the perception or to keep pace with the emotions of the drama, on the contrary, it is presented as an independent, autonomous part of the stage game.

After the fracture, the previous agreement, the same collusion between performers and spectators, mentioned before, has to be restored. When everything is right again, it’s a nice feeling to be able to say to each other: “Alright, I trust you, where are we going now?”

This method has been commonly called a fracture of “the fourth wall”, that imaginary wall that separates the public from the actors and the stage. However, how can it be made explicitly in those performances closer to happening or the performance-art , where the four walls, the ground and the ceiling of the theatrical production are already broken, destroyed in pieces and floating in the air as melancholic and lovesick dust, that when illuminated reenacts the passage of time?

The volatile remains are convenient because they illuminate the theater. I cannot tolerate a performance through completely transparent air, totally invisible. The excessively clean image that results is unbearable and phony. Without truth, theater is totally dispensable and can disappear forever, and as for me, I do not need it. I cannot explain it, but I need that somewhat cloudy air to trust what is being showed; to continue to have faith in theater as an act of attending a performance, keeping silent, and collectively surrendering our attention, all that energy, to the performers on stage.

Lighting is not a language because it is devoid of signs but there certainly is a code in this trade, as in every applied design Stage lighting can become invisible if effectively integrated to the rest of the elements There are times when we benefit from displaying the artifice and using it explicitly.

This approach of making a resource visible, be it music, a video, a lighting scheme, or the development of an action, appears as a rupture in the code of the performance

URBA Centro Botín of Santander: The tolerant building by Renzo Piano The Centro Botín is an art center designed by the Pritzker Price winner architect, Renzo Piano, in collaboration with Luis Vidal + Architects. It is situated in a privileged location in San-

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tander and through an urban intervention, Renzo Piano managed to integrate the center of the city restoring the ties between the historic quarter and the waterfront. He reclaimed the dockland site of the Albareda mole for the city by placing the road, that separated the park from the sea, underground through a tunnel, making it possible to double the historic jardines de Pereda gardens, extending them to the seafront and integrating them into the intervention complex.

For the architect, light and lightness were essential elements in the design of the project. Placed in cantilever over the sea, the building never touches the ground, it is suspended in pillars and columns at the same level of the tree canopy of the jardines de Pereda gardens, appearing as a “dock” over the sea. The elevation allows light to shine through and offers vistas of the bay, in complete integration with the surroundings.

“I feel honored doing this project for the city of Santander because it falls within my personal design trajectory of cultural centers that are open, tolerant, and accessible to all, from de Pompidou Center in Paris, the Beyeler Foundation in Basel, the Morgan Library in New York and the Art Institute of Chicago, to the Auditorium in Rome, they are urban places loved by people”, said Renzo Piano.

The Center, a space for art, culture and education, was financed by the Botín Foundation, one of the most important and active private foundations in Spain fostering the social, economic and cultural development of society. The building, with a construction area of 8,739 m2, is arranged in two volumes connected to each other by a structure of squares and walkways, the pachinko.

The west volume is dedicated to art, with two exhibition galleries that add up to 2,500 m2, and the east volume, to cultural and educational activities, housing an auditorium for 300 people, work spaces and a terrace from where stunning vistas of Santander and its bay can be enjoyed.

THE LIGHTING OF CENTRO BOTÍN artec3 Studio, in collaboration with Renzo Piano Building Workshop Architects, was in charge of the lighting design for the Nueva Fundación Botín (New Botín Foundation).

The lighting vision for the building and the park wanted to establish a natural light relationship between the new construction and the city of Santander, without displaying an excessive protagonism.

Externally, the building is softly illuminated from the pavement, with the intention of giving the effect of buoyancy, as if anchored in a sea of reflections. Adding to the effect is the lighting proposal of the pachinko, consisting of translucent glass and metal, with lighting integrated in the layers of glass. This solution gives a sensation of lightness to the exterior paths of the building, evolving, by night, into a subtle lamp with an industrial style.

A column shaped fixture lights the park, when dark, emphasizing visual comfort, and by day, becomes an urban furniture adding design value. In the interior areas, the different lighting needs are resolved in an efficient, effective and orderly fashion by using Led technology in warm temperatures for all the applications.

Likewise, both exhibition galleries are furnished with a “conventional” lighting solution, based on electrified rails and projectors. For this project, the family of Palco projectors, created specifically for museum use, was chosen due to its wide variety of optical solutions and accessories that can adapt the lighting design to meet the exhibition requirements of the galleries. The projectors are equipped with DALI power supply units. The Center has a management system that can regulate the intensity values of each projector, and concerning the top floor projectors, relate them to the level of natural light radiation on the occasions this light is needed, thanks to the glass roofing consisting of four layers: an outer level composed of silkscreened glass slats which prevent stray light to enter the gallery space directly; a second layer of double glazing which seals the gallery; a third layer consisting of small aluminium louvers controlled automatically by a system of sensors that can be

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used to black out the interior, and lastly, a layer placed under the main beams and consisting of a semi-transparent white fabric that creates a uniform space and diffuses the light while revealing the complex structure of the roof. The spectacular sights of the bay and the park that both levels offer require a careful control of natural lighting. Consideration for size of the spaces and the projection of exposure needs have concluded in the selection of projectors with a luminous flux of 3000 lm.; color temperature of 3000 K and conventional projector optics, 18º, 28º and 42º - with interchangeable optics – soft lens type accessories; elliptic refractors and screening cylinders to improve visual comfort, and projectors with a specific Wall washer optic in case a uniform base light is needed.

OVERLOOKING THE SANTANDER BAY The East volume is occupied, in a large part, by the auditorium, rising to double height and cantilevered over the sea.

It was conceived as a multifunctional space that can house concerts, conferences, festivals, ceremonies, lectures and more. The lighting design must be able to adapt to the different activities and does it anonymously and integrated into the architecture with embedded luminaries from Reflex, which combine different angles of emission to create a mantle of light appropriate to every occasion, in the public area, and a purely system of scenography for the “stage” area. During the day, the particular vision of the Santander bay, visible through the large windows of the auditorium, renders artificial lighting secondary in contrast with the prominence of natural light.

On the other hand, the rooms of the education center are designed to offer spaces that can host multiple workshops. Here too, the luminaries are embedded with minimum prominence to provide the functionality needed in those spaces. In the auditorium as well as the other areas of the center, luminaries are managed through the DALI protocol and the KNX system, not only to guarantee flexibility in the installations but also to allow optimal maintenance work in the center.

The pachinko is the group of structures which comprise squares and walkways and facilitates circulation between the buildings and enjoyment of the city, park or bay vistas, becoming an authentic plaza. At night the pachinko retains the concept of transparency imparted by the glass with the application of subtle lighting integrated within the structure by means of linear Led strips that combine the circulation lighting with the emphasized geometry formed by stairways and walkways.

A BUILDING WITH FIVE SKINS The geometry of the two volumes is the product of a painstaking and progressive work of perfecting the design using models and computer programs, resulting in a slightly curved shape that allows excellent lighting and visual integration in the ground floor. The two volumes face and complement each other. They are covered in 280,000 slightly circular ceramic tiles, made in the workshop of Toni Cumella, 156 mm in diameter, pearl-colored and vibrant, they reflect sun light, the glare from the water, the atmosphere of Cantabria, and artificial lighting by night. These ceramic tiles actually are the fifth skin of the building; the first one is a metal sheet anchored directly on the structure, the second one, an enclosure made of polyamide clips and a system of trays, after that an adjustment metallic substructure, and finally a tray of lacquered aluminium where the 280,000 ceramic tiles are placed. This makes it one of the most representative elements of the building.

The artificial lighting system combines two solutions.

The vertical areas of the volumes are solved with projection lighting by using projectors iPro located in four vertical posts. These projectors equipped with refractors and anti-glare accessories provide soft light that extend the lighting into the horizontal areas of the ground floor – also covered in tiles–, issued by the Led Plus luminaries embedded in the blue concrete ground, under the volumes. These

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luminaries include three single chip LEDs with a potency of 3 watts and a refractor lens that optimizes light emission, positioned on the ground forming a geometric tapestry that is visually graphic and its light emission literally “sweeps” the “belly” of both volumes. It was decided to use a color temperature of 4000 K for the exterior lighting solutions appropriate for the pearly sheen of the ceramic tiles and the characteristic light of Cantabria.

The only volume that occupies part of the ground floor houses a café, restaurant, commercial space and the reception/information center. It is fully transparent and continues with the same finishes so the inner and outer space are indistinguishable, creating a space where visitors can enjoy the sea view framed by the volumes of the Center. In the interior of this space, pendant luminaries have been placed: Le Perroquet models with direct and indirect emission, to illuminate the activity areas as well as to highlight the ceramic tiles that continue in this space.

The construction of the Centro Botín has enhanced the visual connection between the historical center of Santander and the bay, restoring a port area closed to the public and used until now as a parking lot.

Thus, just as important as the building are the public spaces that were created around it as a result of the construction of a tunnel, 219 m long, and the renovation and expansion of the centenary gardens jardines de Pereda, that have doubled their size and tripled their green areas, extending to the seafront.

Adding to the complex, an amphitheater was erected in the park. Movies and projections can be enjoyed, in the open, on a large LED screen located on one of the facades of the Center.

Furthermore, the design for the park had the collaboration of the landscape designer Fernando Carucho and included a group of sculptures from the renowned sculptor. Cristina Iglesias: Desde Lo Subterráneo (From Underground) that comprise four cavities and a pond.

Centro Botín is the new meeting place in the downtown area that, with art, music, cinema, theater and literature, invigorates life in the city, strengthening its social and cultural fabric.

Developer: Fundación Botín Architecture: RPBW Renzo Piano Building Workshop, Luis Vidal + Arquitectos Engineering: Ove Arup Urban Planning: Dynamis Landscaping: Fernando Caruncho & Asociados Lighting Design: artec3 Studio Project Management: Bovis Lend Lease Installations: Llorente Electricidad Lighting Equipment: iGuzzini illuminazione For the Pritzker Price winner, architect Renzo Piano, light and lightness were essential elements in the design of the project The spectacular sights of the bay and the park that both levels offer require a careful control of natural lighting Maurici Ginés: “The building is softly illuminated from the pavement, with the intention of giving the effect of buoyancy, as if anchored in a sea of reflections”

BJB Procesa S.A. · C-155 De Sabadell a Granollers,km 14,2 Apartado de Correos,8 · E-08185 Lliça de Vall (Barcelona) Tel.:+34 93/8445170 · Fax:+34 93/8445184 procesa@bjb.com · www.bjb.com

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