Luces de la Ciudad N. 03 _ Junio 2017 by Hugo Grández

AÑO II – N° 3 – JUNIO 2017

Perfil del Productor Audiovisual

Comó producir

Un Buen Sonido Directo

PELÍCULAS SIN ACTORES

La Bendita Colorización

Junio 2017

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Mezclar se refiere a una grabación con varias canciones, mientras que masterizar es el pulido final de una mezcla

ay que pensar en la masterización como el barniz, el esmalte, el acabado final que optimiza la calidad de la reproducción en el dispositivo; desde pequeños altavoces de iPhone a potentes sistemas de sonido para discotecas. La masterización es el puente entre el artista y el consumidor, el que vende y compra. El término en sí mismo viene de la idea de una copia maestra. Todas las copias o duplicaciones de audio surgen de la copia maestra.

Estas copias pueden ser distribuidas en múltiples formatos, como, discos de vinilo, CD o casete, o servicios de streaming como Spotify, iTunes y SoundCloud. Además, permite la restauración de silbidos, chasquidos o pequeños errores olvidados en la mezcla final. Básicamente, lo que hace la masterización es crear la sensación de claridad y cohesión en todo tu audio. ¿POR QUÉ MASTERIZAR? El objetivo es asegurarse de que tu audio sonará lo mejor posible en cualquier plataforma. Incluso si está grabando y masterizando en un estudio de grabación de millones de dólares o grabando en condiciones de bajo presupuesto, necesitas el toque final de calidad que te ofrece la masterización. Esto asegura que tu música se escuche con una excelente calidad.

La masterización permite que todas las pistas de un álbum suenen de forma coherente y equilibrada. Sin masterización, algunas pistas individuales pueden sonar desarticuladas respecto al resto.

Luces de la Ciudad

”

No hay que confundir la mezcla con la masterización.

MASTERIZACION VS. MEZCLA Para algunos, la masterización se lleva en las venas. Pero, ¿sabes cuál es la diferencia entre masterización y mezcla? porque si no estás manteniendo la más alta calidad de master de tu música es como estar preparando un producto sin saber sus resultados. Escribe: Alvaro Huaynate Y aunque mezclar y masterizar comparten técnicas y herramientas similares, y con frecuencia se confunden, en realidad son diferentes. Mezclar, por lo general, se refiere a una grabación con varias canciones, mientras que masterizar es el pulido final de una mezcla. Piénsalo de esta manera: LA MEZCLA Cuando nos referimos a mezclar se trata de conseguir que las partes o instrumentos diferentes funcionen como una can-

ción. Piensa en ello como fabricar un coche. Todas las piezas del coche tienen que unirse para que funcione correctamente. El proceso de mezcla tiene como objetivo hacer que todas las partes estén donde deben estar. Durante la mezcla se tra-

baja con el sonido “sin pulir” producto de la grabación, es decir que tenemos las pistas a las que no se le aplico ningún proceso con antelación y empezamos con el procedimiento que buscan que todo esté en su lugar y ocupe su espacio adecuadamente.

LANDR es un programa conocido porque será el Mastering del Futuro. Se dice que revolucionara el proceso de masterización con la facilidad de arrastrar y soltar, logrando resultados inmediatos como en un estudio profesional en tan solo minutos.

Usualmente un proceso típico de mezcla tiene como producto final la canción en si misma en estéreo, es decir que una vez se procesó el sonido se “mezclan” en una sola pista estéreo que es la que se escucha por nuestros parlantes. Es por ello que en la mezcla lo que importa es crear cohesión entre las pistas y que todo el proceso que se realiza pueda crear un audio. MASTERIZACION

Por su parte, la masterizacion es el proceso en el cual se pulen detalles de la mezcla y se llevan las canciones a un nivel comercialmente admisible. La particularidad de la masterización es que durante este proceso se decide también el orden de las canciones en el disco, la aplicación de fundidos (fades), la inserción de meta-datos necesarios para la identificación de la obra (como los códigos ISRC) y se decide también el espaciado de las canciones (la cantidad de segundos de silencio entre temas).

La importancia de la masterización radica en una perspectiva fresca que otorga un control de calidad al proceso de mezcla. Con el nacimiento de la auto-producción y de los discos grabados en condiciones semiprofesionales la masterización se ha vuelto una necesidad puesto que las mezclas requieren casi siempre alguna mejoría para ser aptas para su reproducción satisfactoria en los distintos medios de escucha, sin embargo, cabe destacar que tampoco se puede hacer magia con una canción mal mezclada durante la masterización porque los recursos son limitados y no es la idea del proceso.

CREDITOS: Publicación: Taller de Prensa y Diagramación – Instituto Charles Chaplin / Redactores: Ruddy Barrantes, Brandon Bendezú, Flavio Caicedo, Sergio Calderón, David Calero, DanielaHuamán, Alvaro Huaynate, Chonyien Kongsan, Milagros Marcelo, Estéfani Portillo, Gracce Quispe, Lucía Ramírez, Saúl Raya, Anthony Sánchez, Jeferson Tapia, Rosa Tuesta, Luigui Vergaray Editor: Hugo Grández / Av. Las Flores 249, San Isidro / Teléfono: 440-3341

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os efectos especiales se han vuelto algo indispensable, tanto para la publicidad como para el cine. Con el tiempo, el avance tecnológico ha permitido que podamos disfrutar de una experiencia casi realista, algo que hace muchos años era imposible de imaginar.

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¿PELÍCULAS SIN ACTORES?

PROCESO CARO El hecho es que se sigue haciendo y con muy buenos resultados, eso sí, es un proceso muy caro. En caso se desee revivir a algún actor, el presupuesto se eleva, como Oliver Reed en Gladiador, el director, Ridley Scott pago 3,2 millones de dólares a una compañía de efectos especiales para hacer digitalmente al actor, el cual solo saldría 2 minutos en la película.

Tanto en el cine clásico, como en el moderno, el foco principal son los efectos especiales, interactuando conjuntamente con los actores reales. Si, se dice “reales”, porque la animación por computadora, también llamada CGI, ha hecho que se abra muchas posibilidades, como traer a la vida a actores que no pudieron terminar de rodar sus películas. Entre ellos se puede contar a Marlon Brando (Superman Retunrs), Oliver Reed (Gladiador) y el caso más reciente de Paul Walker (Rápidos y Furiosos 7), así como la posibilidad de rejuvenecer o envejecer a los actores como

“ El Motion

Capture no es usado aquí en Perú, pero hace unos años, en 2014, se dictó un curso de Motion Capture en la Universidad de Ciencias Aplicadas (UPC) usando tecnología Vicon.

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tor hasta 70 años después de su muerte. Otros piensan que esto es restringir la libertad de expresión, y que los cineastas tienen todo el derecho de usar material de sus propias películas.

Andy Serkis haciendo uso del Motion Capture para dar vida a Gollum de El Señor de los Anillos (2001).

El cine ha ido cambiando a través de los años, y a la par del avance tecnológico se han logrado cosas increíbles, ¿te imaginas un futuro en donde se prescinda absolutamente de actores para rodar una película? Escribe: David Calero Peña Jeff Bridges en Tron: Legacy (2010), Ian McKellen y Patrick Stewart en X Men: La Batalla Final (2006) o inclusive reemplazarlos como en la película Beowulf (2007).

EN PERÙ El Motion Capture no es usado aquí en Perú, pero hace unos años, en 2014, se dictó un curso de Motion Capture en la Universidad de Ciencias Aplicadas (UPC) usando tecnología Vicon, el cual es el desarrollador líder de productos y servicios de captura de movimiento que hay en el mercado actualmente, empujando

constantemente los límites de lo posible. Además, los alumnos recibieron también cursos de diseño de videojuegos, integración de sistemas empresariales e inteligencia artificial, ofrecidos por destacados profesionales de la Universidad del Valle de México y la Universidad ECE Paris. Esta tecnología funciona, colocando al actor unos censores tanto en el rostro como en el cuerpo, que capturan sus movimientos, todo eso se procesa en una computadora, y el diseñador le da la forma, haciendo que se vean más

real los gesto, las muecas, y la forma de caminar tal y como hizo Zemeckis en El Expreso Polar (2004). El uso más común de esta tecnología, es para las animaciones de criaturas ya sea fantásticas o animales. Se pide a un actor

El primer personaje hecho por CGI salió en la película “Las Aventuras del joven Sherlock Holmes” y fue creado por Pixar.

que interprete los movimientos de una criatura y luego en la computadora se anima. Así se hizo para dar vida a Gollum, de El Señor de los Anillos (2001) o Cesar de El Origen del Planeta de los Simios (2011). Esto ha abierto un debate sobre si es ético o no hacer algo como esto. Paul Newman Christopher Plummer, Charles Grodin y otros, en su tiempo, rechazaron esta práctica, pues sentían que atentaba contra la imagen del actor, pues esta era utilizada sin su consentimiento, y solicitaron un proyecto de ley que prohibiera el uso de la imagen o la voz de un ac-

Tal parece que esta tecnología, está yendo por buen camino, algunas personas especulan que en el futuro el realismo del CGI llegara a tal punto, que ya no necesitaremos de actores para encarnar a personajes en las películas, inclusive, que podremos volver a ver a actores que hoy ya nos están con nosotros, de regreso a la gran pantalla. Otros, alegan que es un ultraje a la tradición del cine, y que ninguna computadora podrá igualar el carisma y puesta en escena de un actor de carne y hueso.

Bueno, tal vez, si se le da un uso equilibrado a esta tecnología, como se está haciendo ahora, se podrían realizar obras maravillosas, que impacten al espectador, y enriquezcan más este arte que es el cine.

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l brief es un informe que se utiliza mucho en las campañas de marketing y publicidad, y es mediante el que se brinda información de la empresa o marca la cual se va a elaborar la campaña que se pretende hacer. Es el informe que proporciona la información más interesante sobre el plan estratégico que se pretende poner en marcha, y es la herramienta que permite gestionar esta de manera más eficiente un plan estratégico. En relaciones publicas vendría a ser un enganche a la metodología que se viene trabajando en una empresa u organización, es decir que dentro de la misma elaboración es una estrategia ya pensada. El breaf sirve para informar o definir oficialmente el trabajo a realiza y las tareas que incumben a los que participan en el proceso de difusión publicita-

LA MAGIA DEL BRIEFING

El cine ha ido cambiando a través de los Si quieres saber cuál es el documento que en el mundo de las comunicaciones, publicidad y marketing se emplea para informar el plan estratégico de una campaña entonces prepárate para conocer lo profundo del brief. Escribe: Chonyien Frank Kong San Cossio ria Es decir, los objetivos y el conocimiento acabado de la situación actual nos permitirán fijar cuáles son las estrategias más adecuadas para llegar a la meta. Sin embargo, el brief es una serie de instrucciones donde el anunciante

El “brifing”, la creatividad reflejada en un documento.

define concisamente su producto y su mercado e indica los objetivos que espera alcanzar mediante la campaña, objetivos que se refieren al producto, al mercado, a la publicidad o a los medios Por otro lado, debemos

saber qué es un contra brief. En lo que implica a la publicidad y los medios, es probable que la agencia no comparta las ideas del empresario y, si este es el caso, la agencia puede presentar un “contra brief”, en el que le acercará al

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Hay brief de producto, o del empresario anunciante; el brief de agencia; y finalmente, el brief publicitario

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anunciante o casa realizadora las opciones que la agencia considera más adecuadas para lograr el objetivo final; una vez alcanzado el acuerdo entre empresario y agencia, empieza la tarea. Para ello, el director de la agencia y su grupo deberá distribuir el trabajo entre todos aquellos que están involucrados en la labor, para poder articular las funciones de modo coherente y cambiarlas, si es posible, finalizándose debe presentar un documento final en el que deberá aparecer claramente los cambios que se ha realizado según los aportes de todo el equipo. TIPOS DE BRIEF Se tienen tres. En primer lugar el brief de producto, o del empresario anunciante, luego el brief de agencia, y finalmente el brief publicitario. Respecto al brief de producto, debemos decir que la empresa realizará un informe con la mayor claridad y cantidad de datos posible, incluidas investigaciones de mercado, para que la agencia contratada

En el año 2016 una empresa contrato los servicios de una agencia publicitaria con el fin de hacer una campaña nueva para relanzar un producto que había perdido venta en el mercado pero hubo un inconveniente con el brief, la estrategia no les convencía a la empresa y mandaron un contra brief a la agencia.

realice su tarea. Además, la empresa debe incluir dentro de su informe su estrategia de marketing. Respecto al brief de agencia una vez recibida la información del producto de mano del cliente, la agencia establece las estrategias adecuadas para cumplir con los objetivos que se han expuesto en el plan de marketing En cuanto al brief publicitario en este informe se incluyen entonces, con transparencia y simplicidad, las estrategias establecidas en los pasos anteriores para su mejor ejecución en el camino a alcanzar los objetivos fijados TIPS PARA UN BUEN BRIEF Hacer la descripción se trata de la campaña y cuál será el producto o servicio con el que se trabajará; el objetivo es definir cuál es el reto de la estrategia. Elevar las ventas, mejorar la imagen, posicionar un nuevo producto; el target es de quién le hablamos. Conocer su perfil social, psicológico, económico. Obtener los que permitan detonar la creatividad. ¿Cuál es el comportamiento del consumidor? Tener en cuenta también los estilos y tonos es establecer cómo será la comunicación de la marca: divertida, formativa, cómica, seria, amable. Mandatarios es la imagen corporativa de la marca, el manejo de su logo y colores, así como tener presente el marco legal para realizar actividades Tener en cuenta los presupuesto son los recursos financieros con los que contará la agencia. Igualmente, los materiales informativos los (reportes y métricas) y físicos (audiovisuales, carteles, artículos promociónales, desarrollos tecnológicos). Y, finalmente, el estado de marca de cómo se comporta la marca en la industria a la que pertenece, en qué lugar se ubica respecto a la competencia, cuál es su porción del mercado, etcétera.

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PASIÓN Lo más apasionante de la producción audiovisual es que nunca es igual. Cada proyecto es un reto que te estimula a innovar y encontrar soluciones. Es por esto que todo nuestro equipo debe esforzarse en cada proyecto para ofrecer la mejor solución a nuestros clientes. Lo primero que debe tener en cuenta un realizador antes de aventurarse en una producción, es en responder a las siguientes preguntas: Cuál es el tipo de proyecto, cuál es la duración y categoría del proyecto, cuál es el público objetivo y con qué recursos cuenta.

“ La producción

“En el plan de trabajo se define qué se grabará, con quiénes, dónde se hará la grabación, cuándo y cómo se realizará”..

PLAN DE PRODUCCIÓN EN 10 MINUTOS

egún Wikipedia, la producción audiovisual es la producción de contenidos para medios de comunicación audiovisuales; especialmente el cine y la televisión; independientemente del soporte utilizado (film, video, video digital) y del género (ficción, documental, publicidad, etc.). En toda producción, es fundamental elaborar un plan de trabajo. Dentro

Escribe: Brandon Bendezú Castro de esta planificación, es necesario delimitar claramente: qué se grabará, quién estará presente en la grabación, dónde tendrá lugar, cuándo se hará y cómo se realizará. A pesar de la rígida estructura de la que consta la planificación, la producción no es un proceso en el que la creatividad y la expresividad estén ausentes. El realizador, mano derecha del productor, es quien hace uso de esa creativi-

dad y expresividad, dentro de los límites que le han sido marcados. La elección del productor influye en la calidad del programa final. La producción audiovisual es planeación estratégica, control de recursos, negociación de tareas y dinamización del equipo de trabajo en sus esfuerzos. Por esto, en el plan de trabajo se define qué se grabará, quiénes estarán presentes en la grabación, dónde se hará la grabación, cuándo y cómo se realizará

La producción audiovisual implica también creatividad en la búsqueda de soluciones a las incidencias que ocurren con frecuencia; por esa razón, un transporte que ha tenido un accidente y no llegó al sitio de grabación, servicios de urgencia médica, garantizar que el equipo tenga disponible los medios para alimentarse durante las horas de trabajo y muchas otras tareas.

audiovisual es planeación estratégica, control de recursos, negociación de tareas y dinamización del equipo de trabajo en sus esfuerzos

” El primer paso a considerar, es el calendario y la disponibilidad de actores o talentos necesarios en la grabación. Para verificar qué días de feriado hay en los meses a grabar, por la disponibilidad de las locaciones y medios de transporte. Ya con esto podemos pasar a consultar el desglose de producción para poder distribuir los requerimientos de grabación, en la semana. Debemos considerar el uso de efectos especiales, los cuales toman tiempo de ensayo y de regrabación, en caso se necesite de otra toma y esa previsión de tiempo se deberá incluir en el calendario de grabación.

En caso de los dobles especialistas, también se necesita saber su tiempo de disponibilidad puesto que son talentos que no son fáciles de reemplazar. Los actores infantiles y animales son un recurso complicado de manejar, por lo tanto debe tenerse cuidado y ser lo más breve posible en la realización de las tomas. El equipo técnico alternativo, como grúas, Dolly, Steadycams, drones o todo equipo que sea rentado o difícil de movilizar, deberá ser coordinado e incluido en el plan de producción con la mayor prontitud posible, pues es un recurso vital en los días de grabación.

Las secuencias con muchedumbres, la utilización de las calles y la climatología, son aspectos variables. En ese caso se deben tomar las mayores previsiones del caso y la producción debe tener estos factores, lo más controlados posible para que no afecte, en cuestión de tiempo, el día de rodaje. Con el desglose, también podemos tener una cifra real de la cantidad de dinero con la que contamos, para poder calcular cuánto tiempo como máximo puede durar las fases de rodaje y post producción. A la vez, podemos proyectar a tener un calendario finalizado y saber el tiempo aproximado que nos tomará grabar nuestro proyecto. Con ese método, el arduo trabajo de hacer un plan de rodaje, será mucho más simple.

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PERFIL DEL BUEN DIRECTOR Todos hemos visto películas que nos emocionaron, nos encantaron y que de seguro se han convertido en nuestra favorita. Sin embargo ¿qué hay detrás de todas esas emociones? Pues todo empieza por quien dirige la película. Conoce aquí las características de un buen director. Escribe: Lucia Ximena Ramírez Flores

n primer lugar, nos centraremos en las habilidades con las que debe contar un buen director de cine. Averiguaremos si el carácter influye en la dirección y sobre todo qué áreas de la personalidad conviene desarrollar si uno quiere asumir la responsabilidad de liderar un equipo de rodaje.

APTITUDES Y CONOCIMIENTOS El director tiene que ser decidido; no es necesario ser extrovertido al momento de dirigir, para eso está el ayudante de dirección que haga mover todo el equipo. Pero no debemos confundir la timidez con la inseguridad, podrás ser tímido pero tener las ideas muy claras. Apasiónate. Por mucho que el cine sea trabajo en equipo, Tu eres el director, eres el capitán de la nave. Por lo tanto eres el responsable de transmitir tu pasión al equipo técnico. Si tú no estás emocionado con tu equipo técnico tú equipo tampoco lo va estar y no te van a seguir. Así que sé el primero en llegar y el último en irte y que transmitas siempre energía, vitalidad y pasión a todo el equipo que te rodea. En cuanto al conocimiento. El director no necesariamente tiene que escri-

rrectamente aquello que está escrito. Debe tener también conocimiento de cómo dirigir a los actores, esto es muy importante para un buen director, porque su herramienta de trabajo es el propio ser humano. Además de saber sobre montaje y de edición, conocer las leyes de los montajes, sus reglas para que luego en post producción no te lleves una sorpresa porque rodar y montar no son dos etapas separadas, porque según hayas rodado así vas a tener que montar tu material. Si conoces por lo tanto las técnicas y leyes del montaje vas a poder sugerir y mejorar a tu montador.

ACTITUDES En la preproducción. Enamórate de tu historia, ya sea un proyecto tuyo o un proyecto ajeno, si no eres capaz de hacerlo y dedicarle todo el esfuerzo posible y necesario, el público no será capaz de apasionarse durante la proyección; debes leer el guion a profundidad apuntando cualquier información sobre sus textos, emociones que te sugiera, intenciones de la secuencia ya que todo eso será muy útil cuando tengas que rodarlo. Si tú no eres capaz de creer en tu historia ¿Quién lo va hacer?

Para poder dirigir bien una película, el director debe estar en un lugar cómodo para así tener una visión amplia y completa del proyecto. bir el guión, pero si tiene que saber cómo funciona los elementos narrativos, cómo se crea la tensión dramática y la expectativa. Pero ¿Por qué es importante que lo sepa? Porque es su responsabilidad llevar la puesta en escena de esos elementos que están escritos, va a tener que utilizarlos y plasmarlos visualmente, por eso es muy importante que el director domine todos los aspectos de ingeniería na-

rrativa de un guión. Domina el lenguaje audiovisual. Técnicas de dirección de cámara y planificación visual, tamaños de planos, angulaciones de cámara,

movimientos. Una secuencia puede ser rodada de muchas formas, pero no todas esas formas pueden ser las más adecuadas para plasmar co-

También se debe aceptar los fracasos, aprender de ellos y así mejorar para el próximo proyecto. No te olvides dirigir es fácil, lo difícil es dirigir bien.

Durante el rodaje. Demuestra a tu equipo que eres una persona activa, que no te limitas simplemente a indicar con el dedo donde quieres que vaya la cámara, tienes que buscar el plano físicamente tú, muévete, desplázate, busca el encuadre que quieras, pon tus ojos donde quieras que este el objetivo de la cámara, va hacer lo mejor para tu equipo. Involucra a tu equipo; ten las ideas claras, pero da también libertad al equipo para proponer sugerencias, veras que la gente se involucrará mucho más en el rodaje y será mejor para la película. Pero eso no quiere decir que todo el mundo va a

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sugerirte sobre un tema, cada persona del equipo técnico puede sugerir según su área. No pierdas el rumbo. Está genial que la gente se involucre pero cuidado con aceptar demasiadas sugerencias porque puede conllevar un cambio de rumbo en tus objetivos. Finalmente, en la post producción. Sé flexible; abierto a nuevas ideas, por muy difícil que haya sido rodar un plano, acepta recortar, sino conviene tener ese plano en montaje, recórtalo, será mejor para la película. Relativiza tus juicios. No te desanimes si no está quedando como tú querías, lo más probable es porque aún no esté acabado, luego con la edición, los efectos de sonido y con la música quizás sea otra

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Enamórate de tu historia. Si no eres capaz de hacerlo y dedicarle todo el esfuerzo posible y necesario, el público no será capaz de apasionarse durante la proyección

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cosa. Es fundamental que aprendas a juzgar la película según la etapa en la que esté. No olvides que hacer una película es la primera etapa del proceso ahora hay que conseguir que la gente la vea. No escatimes esfuerzo en la reproducción. Hoy en día el internet te ofrece muchas posibilidades para que tu trabajo se vea. Lo peor de todo es tener un buen producto metido en un cajón.

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a dirección de arte es el área responsable de todo lo que tiene que ver con la escenografía, decorado, la ambientación, el vestuario y el maquillaje. Además, trabaja muy vinculado con el área de fotografía debido a que la luz y el tipo de lente que se utilizara inciden sobre los colores y materiales que se usaran, afectando directamente a las tareas de dichos equipos.

El director de arte es el encargado de realizar la propuesta estética, según la propuesta general del director, también es el encargado de describir la paleta de colores que se va a utilizar, así como el vestuario, el estilo del maquillaje y todo lo vinculado a su área, esta tarea lo realiza adjuntando referencias y justificaciones para su propuesta. Para esto hay que acreditar que es un área muy importante ya que es palabras precisas, es quien da color y ambientación a lo que se quiere mostrar visualmente.

El director de arte es la persona responsable de dirigir los equipos de diseño artístico y de diseño de producción en toda clase de obras que contengan un cierto aspecto visual y artístico, lo que abarca medios de comunicación y expresión artística como la publicidad, el cine, la edición de libros, la música, la prensa.

Estos equipos, dirigidos por el director artístico, se encargan de crear primero ilustraciones o diseños de todo cuanto visualmente hará parte del anuncio, película, videojuego etc. en el que se esté trabajando. Otros departamentos de la producción se encargarán más tarde de construir los decorados de la ópera, realizar los maquillajes de los actores de la obra de teatro, llevar a cabo los efectos especiales de la película, construir las in-

Puesto complejo, teniendo que coordinar con diferentes departamentos desde el director y productor general.

LA COMPLEJA DIRECCIÓN DE ARTE Descubre todo sobre el área capaz de engañar y atrapar a nuestro ojo. Se trata de la dirección de arte, clave en toda producción audiovisual y que debemos tener en cuenta. Escribe: Luigui Vergaray Moyan fografía o los gráficos del videojuego, etc.

HABILIDADES Para ser un buen director de arte hay que tener en cuenta estos puntos básicos que te ayudaran y beneficiaran en algunos aspectos.

Lo primero es tener la capacidad para dirigir un equipo de creativos, en este punto lo primordial que debe de tener un buen director de arte es como base el don del liderazgo como a su vez saber acoplarse al carácter de cada uno de sus colaboradores. Por otro lado, la disposición a trabajar largas horas y viajes de trabajo,

ya que es un trabajo algo complejo por el motivo de que algunos materiales son dificultosos de poder

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El director de arte es el encargado de realizar la propuesta estética, según la propuesta general del director

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El director de arte crea un concepto visual, el cual se puede evidenciar en la escenografía, decorado, vestuario y demás escenotecnicas. Este concepto visual debe estar acorde a las necesidades visuales del producto. En el Perú, en la producción de TV la figura de dirección de arte es desarrollada por el escenógrafo. (Maria Ines Seijas Cao; Directora de arte y escenógrafa). adquirir; también que los trabajos se encuentran fuera de la ciudad de donde uno reside.

También tener experiencia con Photoshop, Illustrator, InDesign, Flash, QuarkXpress, PowerPoint y otros programas relacionados al área; es muy importante este punto ya que es estos

programas son fundamentales para presentaciones de trabajos, avances y o creaciones e nuevas cosas.

Un director de arte debe tener profundos conocimientos de semiótica, narración gráfica y fotográfica, forma y color, percepción, conceptboard y su desarrollo gráfico,

ambientación, fotografía, óptica e iluminación.

Debe de poder llevar a cabo el proyecto a través de manejo de equipo, poder editar y ver que puede funcionar y que no, pensar conceptualmente, debe de saber de semiótica, diseño gráfico, color, forma, ambientación, fotografía, iluminación, ambientación, tendencias y saber desarrollar moodboards. Por último, tener el conocimiento de cada paso del proceso de una campaña publicitaria, para dar a los creativos la dirección, el tiempo de trabajo y cumplir con las expectativas del cliente de publicidad.

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omenzaremos por conocer el perfil de un buen productor audiovisual. Debes saber que es indispensable saber que tu perfil profesional es una pieza clave en una productora, por lo tanto, eres responsable de controlar los diferentes recursos para la creación de una puesta comunicativa ya sea grabada o en directo. Tu trabajo comienza cuando el audiovisual es apenas una idea en la mesa de los guionistas y directores. Se extiende hasta que esté listo el producto para realizar su promoción, transmisión y/o comercialización.

Como productor audiovisual eres el gestor de recursos y controlador de los gastos. Eres además un supervisor artístico con la atención puesta en conseguir una razonable relación calidad-precio en los insumos que se compran y contratan. Dentro de la productora audiovisual, vas a desempeñarte como un genio o gurú que se encarga de decidir qué es lo que se ve en pantalla, cómo se ve y cuándo. A tu cargo puedes tener entre 15 y hasta 50 personas según el tipo de programa que realices (películas, cortometrajes, documentales, programas de TV, emisiones en vivo desde el exterior, etc.) y junto al director, vas a tomar las decisiones más importantes en relación a preproducción, rodaje, control de realización, ensayos, grabaciones, edición y posproducción. Tu rol es bastante elástico y multifacético. En síntesis, tu rol profesional es de mucho estrés y dinamismo en cuanto a las tareas a realizar. APTITUDES Debes tener la capacidad de planificar y anticiparte, saber que documentos son necesarios en cada momento para realizar el trabajo (grabación, casting, edición, etc.), por lo que debes tener criterio económico, eres la pieza

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Traduce en imágenes los contenidos que aparecen en el guión del programa creado por guionistas y redactores. Tu mente debe ser muy creativa a la hora de leer un guión y también es importante que definas la colocación de las cámaras, presentadores o personas a las que se les va a grabar. Decide durante las emisiones en directo cuál es la secuencia en la que deben aparecer las tomas, tu criterio narrativo da sentido y coherencia a lo que se ve y escuchan, es por eso que debes aprovechar al máximo los recursos audiovisuales

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LA COMPLEJA DIRECCIÓN DE ARTE Descubre el perfil profesional, aptitudes y recomendaciones a seguir para que tengas una idea de cómo ser un buen productor audiovisual y puedas desempeñarte en este profundo campo laboral. Escribe: Daniela Huamán Morales

Ricardo Morán, productor de teatro y televisión nacido en el Perú en 1974, destaca también como director de sus propias obras teatrales.

comunicativa y tienes que ver que todo salga perfecto e invertir en ella la menor cantidad de recursos. La rentabilidad es tu credo.

Es importante que sepas trabajar en equipo, tu tarea es aprovechar los talentos de cada profesional y hacer que fluyan las tareas de forma coordinada; sin duda alguna tienes que dejar fluir tu imaginación y crear en tu mente los planos perfectos e intuir

qué reacción producirán en el espectador antes de grabarlos. Tu liderazgo empático debe salir a flote y conducir e inspirar al equipo para que cumpla con eficacia sus responsabilidades. FUNCIONES Encuentra ayuda financiera para poner en práctica tus proyectos. Una producción audiovisual, supone una inversión que a veces es muy importante por tanto de veras buscar

la manera de que otros se interesen por tu proyecto e inviertan en el. Contrata los profesionales más competentes para realizar la emisión, la película o documental ya que en base a tu buen criterio de contratación dependerá el éxito del audiovisual. Gestiona los insumos según tu plan de trabajo y jerarquízalos por tiempos de construcción. Coordina la parte técnica de una emisión de programa (grabado o en directo).

No es lo mismo ser realizador en una productora de televisión, que en una de documentales, o una empresa de espectáculos. En cualquiera de estos ámbitos tu rol es clave y apasionante. como parches, los efectos deben ser utilizados para aportar algo, no para salvar errores. A estas alturas tenemos bancos interminables de efecto, de todas las clases, pero sólo necesitamos los que son necesarios.

Tu trabajo comienza cuando el audiovisual es apenas una idea en la mesa de los guionistas y directores.

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disponibles para dar al espectador las mejores imágenes e involucrarlo en lo que percibe, generalmente tu mirada está atenta a aspectos múltiples: desde la iluminación, los colores del vestuario, hasta los problemas de articulación en el lenguaje oral que tiene un entrevistado ante las cámaras. Tu amplio criterio artístico debe conocer cómo dotar a sus piezas un estilo propio por lo tanto debes tener personalidad a la hora de crear y eso se percibe tanto en los movimientos de cámara, como en las transiciones, los planos que utiliza y el ritmo de la pieza audiovisual. Por ultimo soluciona las dificultades que aparecen en la creación de un programa audiovisual. Costes y calidades.

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l mejor inicio para sumergirnos en una edición es, aunque suena lógico, aprender a utilizar el software que más se nos acomode. Primer paso importantísimo porque esto marca la diferencia entre un material finalizado con calidad amateur y el de un profesional.

Alternativas en el mercado tenemos muchas, pero si te quieres llamarte un editor de videos con todas sus letras, debes usar las alternativas más profesionales en el mercado, hablamos del Premier, dentro de la familia Adobe para PC y el Final Cut para su competencia, MAC. Aprender a utilizar un programa para editar vídeos puede llevar su tiempo. Cada programa tiene detalles y aplicaciones por los cuales los usuarios los prefieren, pero en cualquier caso, hay unos cuantos principios básicos que deberías tener en cuenta sea cual sea la aplicación que utilices.

¿QUÈ QUIERES HACER? Si el plan es editar el material que ya tienes grabado, es buena idea ir pensando en el objetivo durante la grabación. Lo importante es buscar la variedad de diferentes planos. Por ejemplo, las tomas de apoyo. Si grabas un encuentro de boxeo, unas tomas del público o del equipo técnico siempre ayudaran a refrescar y darle otro ritmo a la edición. Sobre todo, trabajar con orden. Nombrar cada clip y carpeta organizando el material a trabajar, a fin de encontrar la información más rápido. Quizás parezca obvio, pero al trabajar con un material extenso, resulta más que útil. Otro tip es dividir los clips más largos en dos o más partes para facilitarnos el trabajo.

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EDICIÓN DE VIDEO Tuvimos una interesante conversación con Norma Caldas, profesora del curso de Edición de Video en el instituto Charles Chaplin. Más que una entrevista quisimos dejarles una lista de recomendaciones, tips, datos, principios y criterios que un comunicador debe tener a la hora de realizar una buena edición de video. Escribe: Sergio Calderón Dando forma al formato. Así nosotros hayamos grabado el material a editar o alguien nos proporcione dicho material, todo debe estar en el mismo formato a fin de no perder calidad y de ganar tiempo. Editar es armar un rompecabezas. “Las películas empiezan en el montaje” Esto dijo la editora de Scorsese. Tal vez suene algo excesivo pero la práctica lo demuestra. Se conocen de casos en los cuales un nuevo orden en la edición, cambió la narrativa completa de la película.

elementos acompañarán y hasta resaltarán nuestros pasajes visuales. Texteando. Muy utilizados en programas de televisión y documentales, deben ser utilizados con criterio. Deben ser legibles y durar la cantidad de tiempo necesario para que el espectador pueda leerlos.

Editar sobre la edición. Se recomienda hacer un “machote” o primera gran edición, reunir los clips y secuencias en el orden que se desean sin importar que las transiciones sean perfectas, para así ganar tiempo. Terminado esto, se realiza la edición tal y como la conocemos y culminado este proceso, ver

la totalidad del resultado, de preferencia pidiendo una segunda opinión. Siempre veremos detalles que pasaron desapercibidos o ideas nuevas afloraran en esos momentos.

Exportación. Según el medio donde queramos difundir nuestro trabajo, ya sea youtube, un DVD o un dispositivo móvil se deberán elegir los parámetros de la exportación o como le llaman en otros softwares: Renderización. Los parámetros elegidos nos darán como resultado, el aspecto, calidad de audio y de video.

Y como último dato, visionar el material exportado de inicio a fin, se recomienda verlo en la fuente donde se desea reproducir para evitar errores en el proceso final. Esta pequeña guía para introducirte o aconsejarte en el arte de la edición fue reunida con el fin de entender que ningún detalle o proceso está ahí sin motivo alguno. Ahora sí, a editar, marinero del visual!

En la edición es clave dosificar los efectos. El encadenado es una transición entre planos en la que uno se funde con el siguiente. Aunque se suelen utilizar como parches, los efectos deben ser utilizados para aportar algo, no para salvar errores. A estas alturas tenemos bancos interminables de efecto, de todas las clases, pero sólo necesitamos los que son necesarios.

Cortar antes. Estamos acostumbrados a completar las imágenes que falta, esto se debe al recurso utilizado en edición llamado “Elipsis” dichas secuencias son perfectamente entendibles, así que no tengamos miedo en cortar. Haciendo sonar el sonido. El sonido es un tema tan grande e importante que debería tener su propio artículo. ASPECTOS CLAVES El dialogo, música, efectos, entre otros son elementos muy importantes que se deben tratar con mucho cuidado. Al darle la importancia debida, estos

Cada programa tiene detalles y aplicaciones por los cuales los usuarios los prefieren

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na vez que tenemos el guion, el equipo de dirección y producción se pone a trabajar. Dirección empieza a desglosar el guión y a buscar posibles actores que posteriormente producción contratará. El plan de rodaje se realiza en la fase de preproducción de toda obra audiovisual. Es la fase donde vemos todas las necesidades y dificultades que nos encontraremos durante la grabación. De esta manera se intenta solventar todos los problemas que puedan surgir después. El plan de rodaje es el material que realiza el ayudante de dirección y consiste en desglosar el guión paso por paso y departamento por departamento. De esta manera podremos saber qué tiempo necesitaremos para grabar cada secuencia. El desglose de cada secuencia se hace mediante la hoja de desglose.

EL DESGLOCE En esta hoja figura toda la información que está en el guión, tanto la que se ve como la que no, como un breve resumen de la secuencia. Necesitaremos colchonetas para grabar una caída o necesitaremos

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No hay una regla universal de cómo debe ser el plan de rodaje ideal.

EL MEJOR PLAN DE RODAJE

El plan de rodaje no tiene por qué ser un parto. En las siguientes líneas te presentamos los mejores tips para que puedas desarrollar uno muy bueno, apropiado al género que realizarás. Escribe: Estefani Portillo Bustinza varios bocadillos ya que se comen en acción. Hacer el desglose de una secuencia es leer entre líneas, no quedarse con lo que lees sino ir más allá.

A cada hoja de desglose le daremos un color dependiendo de las localizaciones, las dificultades tanto dramáticas como técnicas o los actores. De manera que poco a poco vayamos creando un guión desglosado lleno de colores. Los colores que utilicemos nos servirán para realizar posteriormente el plan de rodaje. El plan de rodaje se puede hacer de manera analógica con la hoja de desglose estándar o con un programa de ordenador que nos facilitara luego su uso.

Este programa es el Adobe Movie Magic Scheduling, un programa muy completo que nos ayudara a hacer el plan de rodaje, así como la orden de grabación. Una vez tenemos todo el guión desglosado, se lo repartiremos a todos los departamentos para que puedan ampliar sus necesidades o dudas. Una vez hecho esto se hace una lectura de guión con todos los departamentos y el director. En esta lectura se lee secuencia por secuencia y se resuelven las dudas que puedan tener los diferentes departamentos. El ayudante de dirección va anotando todos los cambios para pasarlos al ordenador y volver a dárselo a los diferentes departamentos. Además

este calcula el tiempo que se tardará en grabar cada secuencia. Con toda esta información, se empieza a hacer el plan de rodaje. Dónde deberíamos agrupar las diferentes secuencias por colores, por dónde se empieza a grabar vendrá determinado por la disponibilidad de nuestros actores, localizaciones o material técnico.

De esta manera, empezaremos a ordenar no ya de forma cronológica sino por secuencias parecidas. A la hora de ordenar debemos buscar la manera más fácil y eficaz para todos, de manera que ayudemos tanto a actores como a equipo técnico. De esta manera deberíamos inten-

tar grabar primero todas las secuencias de día y después las de noche. En vez de grabar día, noche, día, noche ya que el equipo de luces se podría enfadar, al igual que deberíamos intentar agrupar las secuencias a los actores, ya que no es muy recomendado tener a un actor con la primera y la última secuencia del día. También tenemos que tener en cuenta las necesidades específicas de la acción. Por ejemplo, se cae un plato de comida al suelo, debemos tener en cuenta que se tendrá que limpiar entre toma y toma, entonces deberíamos ponerla al final del día para que sea más fácil luego dejar el set igual.

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Es la fase donde vemos todas las necesidades y dificultades que nos encontraremos durante la grabación.

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El plan de rodaje es algo personal y no hay una regla universal de cómo debe ser el plan ideal, ya que todo dependerá de los contratiempos que nos vayan surgiendo. Así pues, sino que es algo que irá variando según avance la grabación. Esto también dará lugar a la orden de trabajo que realizaremos ya en la fase de producción de la obra que vayamos a realizar.

El formato del plan de rodaje es colorear la columna de cada secuencia del color que le corresponde: INT/ DIA color blanco, INT/NOCHE color azul, EXT/DIA color amarillo, EXT/NOCHE color verde..

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ara tener una muy buena iluminación al realizar un proyecto audiovisual, es muy importante tener conocimientos básicos de que es lo correcto y lo inapropiado a la hora de ubicar los implementos de iluminación, en este artículo se le enseñara los puntos básicos de iluminación, la importancia de la configuración de la luz ante la cámara, etc. En primer lugar conoceremos cuales son las principales ubicaciones de luz según su orientación. Tenemos así, la llamada luz frontal. Esta se sitúa delante de lo que estamos retratando. Reduce las texturas, elimina las sombras y aumenta el detalle. Luego tenemos la lateral. Es cuando el sujeto u objeto recibe la luz lateralmente, resaltando las texturas y aumentando el volumen. En tercer lugar está la cenital proviene de encima del sujeto iluminándolo desde arriba. Este tipo de iluminación produce sombras acentuadas en el rostro, especialmente bajo los ojos y nariz. Este es el tipo de iluminación de las horas centrales del día cuando el sol está alto en el cielo. Luego también tenemos el Nadir o Contrapicado, esto en iluminación la luz cenital viene desde arriba, en este caso, es todo lo contrario, viene de abajo, dando como resultado sombras poco naturales, como un mentón iluminado, o unos pómulos y ojos oscuros. Y por última la trasera que proviene de detrás del sujeto. Este es el tipo de iluminación que necesitarás para trabajar con siluetas o contraluces. LOS TRES PUNTOS Está por ejemplo la luz clave (Key light). Esta es la luz principal, normalmente es la luz más fuerte y la que tiene más influencia en el aspecto de la escena. En términos de calidad, debe situarse aproxima-

Mérito de Seijas el empezar como auxiliar de set y hoy ser productor de uno de los programas más vistos de la televisión.

LA MEJOR ILUMINACIÓN Si tienes dudas en cuanto a iluminar, estos pasos son fundamentales

para que puedas lograr una buena composición de luz en tus proyectos audiovisuales. Escribe: Jeferson Tapia Elera damente en un término medio entre luz dura y luz difusa. También tenemos la luz de relleno (Fill light) .La luz principal utilizada sola produce sombras duras que pueden distraer la

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Para tener una muy buena iluminación es muy importante tener conocimientos básicos de que es lo correcto y lo inapropiado a la hora de ubicar los implementos de iluminación.

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atención La luz de relleno se usa para suavizar estas sombras, sin eliminarlas completamente, es una fuente de luz difusa. Contraluz (Back light). La función de esta luz es separar al sujeto del fondo, creando un sutil borde de luz alrededor del sujeto. El contraluz debe colocarse justamente detrás del sujeto con relación a la cámara. Se debería poder trazar una línea recta ficticia que partiendo del objetivo de la cámara, pasara por el sujeto y llegara hasta la luz de contraluz. AMANECERES Y ATARDECERES Las mejores horas del día para tomar fotografías al aire libre siempre son las

primeras y las últimas del día. Es decir a las 5:30am y 5:30pm En amaneceres y atardeceres, la luz es suave, cálida y lateral, realzando las texturas, las sombras largas y suaves… Ideal para fotografiar paisajes y lograr retratos maravillosos. Los momentos que preceden (en amaneceres) o que suceden (atardeceres) a estos instantes de luz cálida, son conocidos como hora azul y también te regalarán oportunidades mágicas para fotografiar paisajes tanto urbanos como naturales. Luz dura. Por desgracia, por muy maravillosa que sea la luz de atardeceres y amaneceres, es una luz que dura pocos instantes,

así que, o bien optamos por contenernos todo el día sin apretar el obturador perdiéndonos instantes irrepetibles hasta el anochecer o bien aprendemos algunos trucos para trabajar con luz dura, que es la mayoría del resto del día. Aprovecha las escenas de alto contraste para ejercitar tu creatividad. No desaproveches la oportunidad de conseguir un buen retrato: bajo un árbol, bajo un paraguas o un parasol de playa La luz suave, en cambio, presenta una mayor gradación entre luces y sombras, por lo tanto sombras más difusas y una iluminación más uniforme. Esta proviene de fuentes de luz de gran tamaño.

Finalmente, está la regla de los tres tercios que divide una imagen en nueve partes iguales, utilizando dos líneas imaginarias paralelas y equiespaciadas de forma horizontal y dos más de las mismas características de forma vertical, y recomienda utilizar los puntos de intersección de estas líneas para distribuir los objetos de la escena. Esto es muy importante en iluminación para lograr un buen trabajo final.

Contraluz es para cuidarse. Los novatos suelen caer en ese error y así malograr su trabajo en fotografía.

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n principio, debes saber que hay que estar al día con la innovación. En este aspecto tenemos que tener en cuenta la creatividad el arte y la tecnología, en todo esto la única beneficiada será la fotografía y por ende uno mismo. La tecnología avanza y por lo tanto aparecen nuevos accesorios, que ayuda al director de fotografía, de plasmar nuevas ideas, crear una iluminación diferente. Capacítate permanentemente. No importa si a los 20 años la puerta no se abre. Lo importante es creer que se abrirá, incluso si toma otros cinco años, siga creyendo, manténgase activo y curioso sobre el mundo y la gente que lo rodea. Si esperas esos cinco años, tus pasos serán mucho más largos, así que cuando llegues allí serás capaz de dar pasos aún mayores que si hubieras llegado antes, así que ¡no te rindas y capacítate. Accede a publicaciones novedosas. Siempre buscar contenido, publica-

LA FOTOGRAFÍA Y SU DIRECTOR

¿Cómo organizarse si quieres ser un buen fotógrafo audiovisual? ¿Debes ser dedicado y tener diferentes puntos de vista? Vamos a tratar de resolver esas inquietudes Escribe: Saul Raya Paitampoma ciones, estar atento a las actualizaciones, libros. Eso nos ayudará a estar informado y ser novedoso, debemos tratar de ser únicos. Los tiempos cambian y junto a ello la fotografía. SÉ PACIENTE Sé paciente y leal. Un director de fotografía es la persona detrás de la cámara, paciente, leal y comprensiva con actores, directores y productores. Es

la persona clave a la hora del rodaje, y lidia con todo el lenguaje visual. Tómate tu tiempo. Agradece a tus padres que te apoyan en todo momento, son comprensivos, y en ningún momento reprocharan tu decisión. Se curioso, en la fotografía puede ver miles de cosas que quizás otras personas no ven, las diferentes historias que se cuentan. Ten una familia compren-

siva. Este trabajo exige horas largas. No se lo recomendaría a nadie, a menos que sea realmente su pasión. Es algo muy duro, realmente requiere dedicación absoluta para un trabajo audiovisual bien hecho eso se ve en tu recompensa que son el reconocimiento de varias empresas productoras, nombramientos en las

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Un director de fotografía es la persona detrás de la cámara, paciente, leal y comprensiva con actores, directores y productores

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películas ganadoras, pero muchas veces estas lejos de tu familia, pero como saben eso no es igual al tenerlos cerca. El ser director de fotografía demanda dedicación, pasión, responsabilidad y mucho compromiso. Renuncia a tu ego. El empuje y la pasión que inviertas en una película no siempre son recompensados. Recientemente, sentía que una película merecía ser públicamente reconocida y no lo fue, pero así sucede. Motiva a tu equipo y el trabajo bien hecho será recompensado.

Un buen director recordará aplaudir a sus colegas y sabrá que podría hacer muy poco sin ellos, pero no todos son así. Evita el conflicto si puedes. Siempre habrá directores con los que choques, donde opinas diferente y se forman peleas. Pero

El último director de fotografía en ganar un Oscar fue linus sandgren por la película La La Land.

deja todo eso de lado, comprométete con tu trabajo, trata de llevar buen ambiente laboral. Al momento de terminar el rodaje terminen elogiándose por la buena película. Hay que tratar de evitar problemas.

Para ser un buen director de fotografía uno debe ser paciente y dedicado.

La iluminación es importante. Crea estados de ánimo que se reflejan en las tomas de las películas. Hace la diferencia en varias escenas de día, de

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tarde como también de noche crea un ambiente único, pare eso se tiene que tener un lugar con la iluminación que se quiere lograr.

Crea tu propio estilo. Uno al principio imita eso es bueno, pero también debes crear tu propio estilo, debes encontrar una forma de ver las cosas, elegir un buen equipo, tu propio ángulo de cámara, las tomas, tu propia iluminación. Buscar lo que te motiva. Debemos pensar y buscar una motivación, como por ejemplo en el guión meterse de lleno en la historia emocionalmente. Si algo no te motiva déjalo de lado, apártate. Hazlo todo con pasión.

Haz que tu idea crezca. La educación en esto es primordial, tienes que involucrarte con la película, hacerla crecer, piensa como otros verán tu película, comparte tu idea con el director. Tienes que ser comprometido con lo que haces.

Motívate siempre, debes de tener el empuje la determinación para tu trabajo, pero primero debes de encontrar ese algo que haga abrir la puerta, entonces tomaras los pasos correctos, no importa el tiempo que te demores. Lo importante es tener el coraje de lograrlo y la gran satisfacción que te llevaras al final.

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UN BUEN CASTING

na agencia de casting busca todo tipo de personas (no solamente modelos), desde bebes, niños, jóvenes, adultos quienes son los elementos fundamentales para actuar o aparecer en los avisos publicitarios.

Un casting consiste en realizar un video (a veces foto también) con el fin de tener un registro, expresiones, actuación de la persona para poder presentarla al dueño de la marca, la agencia de publicidad y el productor o fotógrafo. Ellos pueden así escoger la persona indicada para presentar un producto o representar una marca en su comercial de televisión o aviso publicitario. Antes de realizar el casting es importante tener en cuenta lo siguiente. En primer lugar, el revisar que el equipo técnico funcione adecuadamente. Asimismo, cerciorarse de tener todo lo necesario como (vestuario, Trípode, sillas), y finalmente planear el modo adecuado en cómo se va comenzar a grabar para evitar desorden.

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Se inician con una sesión de fotografías. Luego hay una presentación personal en video. Y posteriormente, el acting (actuación), también en video

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explotar al máximo sus cualidades actorales, demostrando habilidad al comprender la consigna pedida y que es apto para el personaje que se están buscando. TIPS PARA EL PARTICIPANTE Para la sesión de fotografías se recomienda lo siguiente. Mirar fijo a la cámara durante el tiempo que dure, después modular la voz, que sea fuerte y clara. También es muy importante estar relajado y ser simpático con las personas.

Así son la mayoría de los castings, una cámara, un foco y una pantalla para quitar sombras.

¿Quieres realizar un buen casting? Agarra papel, lápiz y apunta las mejores recomendaciones. Escribe: Gracce Carolina Quispe Pino El casting cinematográfico también se puede definirse como una búsqueda laboral, motivo por el cual, es necesario tener claro una serie de pasos a seguir para poder presentarse en una de estas pruebas.

Para que puedas lograr el objetivo planteado - ser “seleccionado” para el papel en juego- debes responder a las expectativas que la productora pide y mostrar lo que está buscando, debes tener en cuenta que es necesario entender cuáles son las etapas que conforman el casting.

PASOS DEL CASTING El casting suele dividirse normalmente en una serie de pasos y podrá ser visto

por los directores y productores que son los encargados para la decisión final. Los pasos se inician con una breve e importante sesión de fotografías. Luego hay una presentación personal en video. Y posteriormente, el acting (actuación), también en video. En el primer paso hablaremos de la fotografía: se pedirá al postulante posar para el fotógrafo, quien tomará cuatro fotos. Comenzará con dos primeros planos, en uno de ellos debe “sonreír” y en el otro no. Luego se tomará una foto de Plano Medio (de la cintura para arriba) y por último se tomará un Plano

Americano (de la rodilla para arriba) en donde se va tener prácticamente todo el cuerpo. Con estas cuatro fotos estaremos comenzando bien nuestro casting.

Entre los consejos para presentarte a un casting se debe observar tener un buen desayuno ligero, ser tú mismo, llevar un texto preparado por si te piden uno. También ponte guapo o guapa, nunca te des por vencido a pesar de tus nervios, se muy paciente y profesional. No pierdas contacto con agencias de casting y siempre pon atención a los detalles de las convocatorias.

En algunos casos las fotografías pueden ser de otra manera, como ser modeladas, esto quiere decir que el postulante debe tener habilidad para posar en las fotos y “mostrarse” de acuerpo a lo que el fotógrafo le pida. Para ello el postulante debe saber un poco de modelaje. Luego de la realización fotográficas. Comienza la etapa de video, la cual se divide en dos partes “La presentación” y “El acting” La presentación. Es el momento donde el postulante va tener que mirar a la cámara e informar todos sus datos personales, su currículo profesional y sus estudios actorales. El acting. El actor deberá

Debes comentar tus datos personales, talla de ropa, estudios actorales y proyectos en los que haya participado. Es importante evitar taparse el rostro durante la presentación, ya que puede demostrar debilidad, nervios y por consecuencia no te elegirán.

Durante la actuación se sugiere obedecer a las indicaciones que dé el Director de casting, sobre lo que se va tener que realizar y demostrar interés todo el tiempo. Si hay otros actores en prueba. Debes aprovechar y observar lo que se les marca para no cometer los mismos errores al dar la prueba. También durante el acting tienes que tener presente donde se encuentra posicionada la cámara (es un casting y por lo tanto lo que se interpreta es para la cámara) ya que, si la misma no lo capta, entonces no será visto por los directores. Jamás debes cortar un acting por decisión propia. Lo correcto es esperar la voz de “CORTE” del directo para parar la prueba y así tener probabilidades de pasar el casting.

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que el operador de sonido esté atento a ruidos indeseados. En general, los ruidos indeseados son todos aquellos que no son producidos por los actores o las máquinas, objetos y animales que están situados dentro de la acción. Es mejor, grabar con la menor cantidad de ruidos posible y luego completar en la postproducción, mediante la adición de wild tracks, aquello que nos falte.

Carlos de Hita sonidista profesional durante el rodaje de -Historias de la montaña de la bruma.

UN BUEN SONIDO DIRECTO

Para llegar a transmitir lo que se desea en una grabación es de vital importancia el sonido, ya que es un elemento clave de la comunicación que nos ayuda a entender con claridad el mensaje que se quiere hacer llegar al grupo.

l sonido directo es el que se graba en el mismo momento en que se rueda la acción por parte de la cámara. Puede ser utilizado o no posteriormente en el montaje (se puede sustituir con voces dobladas o con efectos sala), o apoyarse con otros sonidos. Quizás sea el proceso más sencillo de realizar dentro de todos los que supone la creación de la banda sonora, pero también el más crítico, ya que de haber algún defecto no es posible repetirlo y sólo queda recurrir al doblaje o la reconstrucción posterior en estudio.

Escribe: Brandon Bendezú Castro Planifica con tiempo la lista de necesidades dependiendo del tipo de sonido que vayas a grabar. Por lo general, vas a necesitar, como mínimo, un micrófono de condensador tipo hipercardioide. Algunas cámaras cuentan con dos entradas de micrófono, lo que permite hacer grabaciones estereofónicas.Pero también hay cámaras de vídeo que no disponen de entrada de micrófono. En este caso habrá que optar por un grabador que ofrezca alta calidad y, sobre todo, la mínima fluctuación de velocidad posible.

Finalmente, hay que contar con suficientes baterías para todos los elementos que las necesiten. Conviene elegir grabadores y micrófonos que tengan conectores tipo XLR

mucho más resistente a la presencia de ruidos provocados por la red eléctrica que otros sistemas de conexión. Por otra parte, para monitorizar el sonido es necesario contar con

unos auriculares de buena calidad de tipo cerrado para evitar interferencias con el sonido real. CONTROLA LA SEÑAL A la hora de grabar el sonido es necesario controlar la señal. Hay que vigilar, por un lado, el volumen y, por otro, si se graba algún sonido no deseado. En lo que se refiere al volumen, tanto si estamos grabando en la propia cámara como si utilizamos un grabador separado, es conveniente fijar un volumen de grabación que prevea cuál será la máxima potencia a grabar durante la escena para que no llegue a saturar el grabador. El segundo aspecto del control de la señal se refiere a la necesidad de

Se recomienda grabar todo lo que puedas, aunque el director crea que no hace falta. Muchas veces, los directores creen que determinados planos se pueden rodar sin sonido porque no hay diálogos. En correspondencia hay que decir que es posible que algunos planos puedan prescindir de la grabación de sonido directo, pero si, por ejemplo, hay un actor moviéndose en escena utilizando objetos diversos, aunque no hable es mejor grabar el sonido que producen sus movimientos porque es más que probable que tenga que ser reconstruido en postproducción. Puede que, debido a los ruidos de la localización el sonido directo no sirva, pero no hay que renunciar a grabarlo porque, en caso de pueda utilizarse, ahorrará tiempo y esfuerzo; y servirá como referencia para el diseñador.

WILD TRACKS Las wild tracks (pistas salvajes o silvestres, en inglés), son aquellas pistas que se graban en la localización sin que se ruede imagen. Hay dos motivos principales por los que se puede grabar un wild track. El primero de ellos es conseguir un sonido más limpio o cercano de una frase que un actor ha dicho anteriormente durante el rodaje de un plano. Si el actor mantiene el ritmo y la concentración que tuvo durante el rodaje es posible sustituir la grabación de los diálogos originales por los grabados en el wild track con mucha facilidad y casi sin necesidad de resincronizarlos. El segundo tipo de wild tracks está relacionado con el ruido de fondo que existe en toda localización aunque se encuentre aparentemente en silencio. Cuando se unen dos planos rodados en diferentes momentos en una misma localización es posible que se perciban diferencias en ese ruido de fondo entre un plano y otro.

Para evitarlo, se graban en las localizaciones fragmentos largos de silencio que se colocan de fondo, en la mezcla, junto al sonido montado de un diálogo.

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PERFIL DEL BUEN DIRECTOR

Desde 1927 que el sonido se incorporó a la imagen, el cine experimentó un gran salto expresivo. La labor de los técnicos a lo largo de muchas décadas ha demostrado que el audio es un complemento importante de la imagen.

Escribe: Ruddy Barrantes

Finalmente, todo este proceso llamado postproducción de sonido es lo último en la creación de la edición del proyecto audiovisual. Se verifica la mejora del audio, así como enlazar todos los diferentes tipos de sonidos, que todo encaje a la perfección para así poder ser publicado y comercializado.

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l 4 de febrero de 1927 se estrenó en Estados Unidos El cantor de jazz (The Jazz Singer), considerada por muchos la primera película sonora de la historia y producida por Warner Bros Pictures. Fue dirigida por Alan Crosland y recaudó un total de 2.625 millones dólares.

Hablamos de edición cuando cortamos o silenciamos un único fragmento de sonido mientras que cuando hablamos de montaje nos referimos a la unión simultánea de múltiples fragmentos sonoros.

Hasta la aparición de la tecnología digital, este proceso se realizaba físicamente cortando con cuchilla y pegando con cinta adhesiva la cinta de audio. Con la aparición de la electrónica este proceso de destrucción física de la cinta dio paso a la edición electrónica que consistía en introducir puntos de entrada “IN” y salida “OUT” en el fragmento de sonido que queríamos y en seleccionar en qué punto lo que queríamos insertar. En la post producción de sonido el término de montaje es empleado en muchas ocasiones para referirnos a la edición de audio, pero no debemos confundir montaje y edición de sonido. Hablamos de edición cuando cortamos o silenciamos un único fragmento de sonido mientras que cuando hablamos de montaje nos referimos a la unión simultánea de múltiples fragmentos sonoros. En la práctica esto supone adecuar todos los elementos sonoros (diálogos, efectos, músicas, etc.) al siguien-

seleccionada.

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Consola Avid S6, lo último para producción y post producción de sonido para cine. te paso que es la mezcla, ajustando niveles y corrigiendo la sincronía con la imagen.Técnicamente la edición se puede realizar con un simple editor sowftware de sonido, mientras que el montaje exige el empleo de un multipistas de audio que reproduzca varias fuentes de sonido al mismo tiempo. En la actualidad se emplean multipistas digitales como Protools o Cubase que permiten trabajar con más

de 100 pistas o fragmentos de sonido.

IMPORTANCIA DEL SONIDO El sonido complementa, integra y potencia la imagen visual y contribuye al realismo de un proyecto audiovisual. La banda sonora, compuesta por sus elementos (música, palabra, efectos y silencios), condiciona activamente la forma en que percibimos e interpretamos las imáge-

nes proyectadas.

La sonorización es una parte más del proceso de postproducción de sonido, consiste en elaborarlos efectos de sonido y efectos especiales, crear las bandas de diálogos (que incluyen los textos originales grabados en el lugar del rodaje y los grabados en estudio), editar los sonidos resultantes de todo este proceso y mezclarlos finalmente con la música

CARACTERÍSTICAS Diversos profesionales del sonido nos recomiendan estos puntos para obtener un mejor resultado del audio. Ambientación, un buen sonido no solo depende del sonido principal que se escucha en el momento de la grabación, sino también el conjunto de sonidos más imperceptibles en un primer momento pero que condicionan el sonido que finalmente queda. Para ello hay que tener en cuenta en el proceso de producción el lugar en que se graba. Sonorización, el audio debe tener una estructura que debe seguir para ello,

ajustar la sonorización

única hará que los sonidos queden perfectamente ajustados y dentro del tempo. Doblaje, es una parte específica dentro del apartado de postproducción de sonido. En el que se requiere mucha precisión, no solo por el doblador, que quede bien ajustado al video, sino también del montador de sonido que trabaja para ajustar al milímetro todas las intervenciones que han sido dobladas. Procesado de efectos, una vez ubicados definitivamente todos los elementos de la banda sonora tras el montaje y corregidos o realzados los elementos deseados mediante el procesado de efectos, tiene lugar la etapa de mezclas que consiste en situar cada uno de los elementos sonoros en una distribución espacial y en situar cada elemento a su nivel sonoro adecuado. Masterización y mezcla, proceso final de retoque y mejora del contenido sonoro recibido con el fin de dejarlo perfecto para su comercialización o exposición. Dato: Una sala de cine comercial cuenta con un sonido envolvente multicanal, la gran mayoría en el mundo, tiene instalado al menos el sistema de Dolby Digital de 5.1 canales.

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¿Profesor, qué es el color? El color es un recurso estético. Puede tenerse un concepto muy abstracto hasta lo concreto que es lo emotivo. Es un símbolo también de las cosas que estás haciendo al tema audiovisual e incluso de la fotografía, dependiendo esa longitud de onda. Gracias al círculo cromático te va nombrando cambiar o poder variar por etapas o tonos, pero lo más resaltante es la representación de lo que termina vistiendo o representando tu propia obra si hablamos en temas artísticos. ¿Qué es la colorización? Es un proceso por el cual le das vida a tu película. También con escalas de grises le puedes dar otra energía. Se trabaja de distintas maneras de lo más básico cuando quieres borrar algunas cosas de luz o temperatura de color que no son deseables entre otros, también. Lo más fácil es utilizarlo referenciado al pasado. Su uso es variado puedes diferenciar tiempos, personajes de acuerdo a lo que pide el director, pero lo más importante es que te centres en los personajes o distracciones visuales en sí. Antes era colororizacion de etalonaje ahora es colorizacion digital. ¿Las diferencias más relevantes entre las películas blanco y negro, y las que incorporaron el color?

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Jorge Ruesta: “Hay algunos que caen como paracaidistas como yo, pero al final te puede llegar a gustar”.

LA BENDITA COLORIZACIÓN ¿Sabes que para ser un buen colorizador hay que tener conocimiento de lectura? Así dice el profesor Jorge Ruesta, destacado colorizador en lo audiovisual. Conozcamos que más hay en esta área creativa. Escribe: Flavio Caicedo Dávila Los colores blanco y negro significa antigüedad o tiempo pasado y el color es lo contrario. Lo más práctico de usar los colores grises es usarlo en tiempo pasado; en cambio la lista de Schindler de Steven Spielberg quería transmitir los colores grises por la historia que se narra en el drama.

¿Por qué el color es importante en las películas? El color es un elemento más estético en la composición. Una buena referencia es la película Kill Bill. El color rojo más invade en la escena, entiendes que falta algo dentro del encuadre o la composición, pero genera un recurso estético. Si haces un dibujo de trazos y le agregas color vas aportar un discurso más al cuadro que tienes, si uno quiere resaltar una escena lo puede resaltar con el color.

¿Es valioso saber que los colores representen sensaciones o emociones en las escenas? Se puede recurrir al color para contar o transmitir una escena sin hablar y que la imagen te diga algo. La luz se porta como un pincel y gracias a la luz lo

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Sean pacientes y nunca se lancen a cobrar una miseria por hacer trabajos que manda más esfuerzo, no deben dejarse explotar.

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pintas. Justamente viene la compresión, lo que es el color y puede generarte una emoción, por lo que uno piensa que el color es relegado, pero por no es así. ¿Cuál fue su primer trabajo profesional de colorización? Mi primer trabajo por fue colorizar parte de un documental de Andrés Cotler. Lo hice a la par con los que trabajaba. El primer proyecto en realizar de manera solitaria fue A punto de despegar, no se hace complicado ya que vas guiado por el director, pero tú también puedes dar la iniciativa. De todas maneras, se hace un ensayo antes de una colorización. ¿Què es lo más tedioso de todo el trabajo de colorización? Lo más complicado siempre es en el momento que vas a descubrir el tono que

va tener tu proyecto. Tú planteas la película guiado por el guion, pero no tienes mucha idea de cómo quieres que termine. Con el director vas eligiendo el color que queda, eso es muy chévere, pero tedioso a la vez. ¿Cuál es el perfil básico para ser un profesional de la colorización en los audiovisuales? Bueno, nadie sabe en lo que vas a caer en un mo-

La primera película en utilizar colorización digital fue O brother, Where Art Thou. Antes la colorización se llevaba en un laboratorio especial, tipo salas de fotografía oscura y se empezaba un trabajo de color. Era someterla a procesos de intervención con luz láser y químicos.

mento en colorizacion. Hay algunos que caen como paracaidistas como yo, pero al final te puede llegar a gustar. Hay que empezar adiestrar el ojo y reconocer mucha rama de color, comprender que hace cada herramienta del programa de colorización, eso es vital.

¿Qué recomendaría a aquellos estudiantes que quieren hacer carrera en este parte de la producción audiovisual? Que lean y observen mucho. Que no crean que lo audiovisual es solo mirar, que crean y sean curiosos, aprendan el inglés que todos los programas vienen en ese idioma. Sean pacientes y nunca se lancen a cobrar una miseria por hacer trabajos que manda más esfuerzo, no deben dejarse explotar.