Rock And Ball - Suplemento 10 Años

ATRACTIVA, ORIGINAL Y JOVEN - DE DISCOS AL STREAMING

suplemento diez años

eruca sativa para que sigamos siendo

SUMARIO 04. Si diez años después...

06. Grabar en casa.

10. Gareth Ainsworth.

12. Eruca Sativa.

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22. Patti Smith.

26. Educar con la música.

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36. Negra Poly.

40. El under en crisis.

42. Mujeres reinventadas.

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46. Elton John y su Watford.

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50. Rap como revolución.

54. De discos al streaming.

58. Colin Kaepernick.

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STAFF

Ya he contado esta historia más de una vez. “Rock ‘N Ball” nació en la cocina de un amigo, cuando estudiábamos periodismo. Eran días de Sudáfrica 2010 cuando el blog empezó. Con un diseño rudimentario, con muchos naranjas y marrones y un logo que hoy generaría un poco de vergüenza ajena. En los primeros días de agosto, sumamos el “.com. ar” y nos convertimos en una web en serio. Bah, seria. En serio íbamos desde el principio.

Ya pasaron 10 años.

Me resulta increíble habernos podido sostener, con todos los problemas que sorteamos, de hackeos, cambios de staff masivos, cambios de rumbo, todo marcado por una industria que estuvo casi tan igual de cambiante que nosotres. Que fue y vino, que innovó y evolucionó, al tiempo que dejaba caer formatos o estilos, para darle paso a algunos nuevos. Y nosotros siempre fuimos testigos. Algunas veces más activos, otras más dormidos, pero siempre presentes.

Así nos convertimos en una marca.

Una marca de periodismo independiente y autogestionado. Algo que se ha intentado miles de veces en la Argentina y que en muchos proyectos se sostiene. En otros no, otros naufragan en el camino. Nosotros seguimos a flote, a veces como Rose arriba de la tabla cuando se hundió el Titanic, pero a flote. Otras veces, con la imponencia del mismísimo Titanic después de zarpar.

Directores

Damián Basile Javier García

Editor

Hernán Osse

Redactores

Belén Rossi Catalina Nocino Fernanda Arnaud Joaquín Vacca Julia Maestri Lean Bukka White Luciano Capristi Matías Rodríguez Pata Marsilla

Diseño suplemento

Hernán Osse

Este año no fue cómo lo esperábamos. ¿Para quién sí, no?. Teníamos un montón de ideas para celebrar nuestros primeros diez años, pero no se logró llevar a cabo. Por la pandemia, claro, esa que nos alejó a unes de otres bastante más de lo que nos gusta. Así y todo, encaramos y completamos un nuevo rediseño, nuevas secciones y sumamos nuevos periodistas y ya avizoramos otras novedades y rumbos que ya les iremos contando. Nos queda tiempo aún. Esto recién empieza. ‘Gracias Totales’, como diría Gustavo, por habernos acompañado hasta acá.

Javier Hernán García Director de Rock And Ball

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#Puntodevista

Si 10 años después...

Javier Hernán García Foto: Agustín Lamas

Un viaje rápido a la década musical que trajo nuevas formas de hacer y escuchar pero sobre todo sonidos frescos.

“Tocame una canción/que soy pobre/ que soy rico/que no importa lo que soy”, dice “Che Música”, un tema alojado en el último disco de estudio hasta acá, de Brancaleone. Y esa frase simplifica a la perfección lo que arroja este viaje de 10 años. Siempre, la canción. Siempre la música se impuso a todos los vaivenes.

Con distintos intérpretes, con estrellas que fueron cambiando, con formatos que llegaron para quedarse, otros que se sostienen en la nostalgia y otros que buscan revancha.

¿Qué pasó en estos 10 años a nivel musical? Siempre, una década, es un buen período de tiempo para englobar una época, sacar una tajada de nuestra historia. Algunos datos para dar un pantallazo: cuando empezó Rock And Ball, Eruca Sativa acababa de editar “La Carne” y recién pisaba Capital Federal, el Indio Solari lanzaba “El Perfume de la Tempestad”, incluso Los Piojos acababa de dar su último show, al igual que Callejeros y Valentín Oliva, a quién hoy todos conoce como WOS tenía apenas 12 años.

Spotify sonaba más a película de ciencia ficción que a lo que hoy es, el vinilo seguía siendo un formato para coleccionistas y no un

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regreso como es hoy y el CD aún se vendía. Es más, todos los equipos de música tenían como mayor innovación la chance de reproducir MP3, pero ni hablar del Bluetooth o que un equipo pudiese no tener para escuchar discos físicos.

Son muchas las bandas que acompañaron estos años a Rock And Ball. Las que han crecido con el medio, las que han abandonado en algún punto del camino, las que se han consagrado e, incluso, los grupos que han surgido en estos años. De allí se llegó a una industria que se renovó con las nuevas tecnologías y la novedad de que la música podía ser consumida en formato audiovisual –gracias, YouTube- y que ya no era necesario sacar discos.

Las bandas, incluso el under, se amigaron más y más con la idea de hacer EPs o incluso, los viejos singles. Por motivos económicos en su mayoría e incluso artísticos ya hace unos años. Siempre fue más barato no sacar un disco físico que sacarlo, pero no siempre el público estuvo receptivo a que no saliera en ese formato, como hoy en día. ¿los temas están en Spotify? Listo, se pueden escuchar. Ahí quedan los nostálgicos, que añoran el olor del CD recién

Foto: Agustín Lamas

abierto y el libro con el “arte” del álbum, algo que también se sentía como un regalo del grupo hacia sus seguidores, o la pieza que terminaba de completar el rompecabezas.

Hace unos años, no era sólo la música, también era el trabajo de la portada, el librito con sus respectivas letras. Eso redondeaba el concepto.

TRES MOMENTOS PARA DIEZ AÑOS

Hubo tres grandes épocas en estos años de música al palo. La primera puede ser el “post-Cromañón”. Que se podría definir como la llegada de la conciencia al público en su gran mayoría, que no todo lo que se hacía en un recital de rock era del todo copado hacerlo. Las bandas tuvieron que lidiar con una nueva realidad que marcaba otras capacidades de los lugares, configurar otro aguante sin pirotecnia y negociar con menos “lo atamos con alambre”, algo que la industria permitía sin ningún problema. De pronto, las habilitaciones tuvieron que aparecer sí o sí. Al menos, los primeros años.

Quizás el segundo gran quiebre llegó cuando estallaron las denuncias por abusos dentro del rock, en el under y más arriba también. Rock And Ball eligió muy rápido un lado de la mecha. Lo cierto es que lo que pasó no fue más que lo que pasaba en otros ámbitos. La segunda perdida de la inocencia del rock, la muestra

que el “todo vale” ya no iba y que los “códigos” no pueden englobar ciertas actitudes que, lisa y llanamente, son delitos.

La caída del velo de los ojos de muchas pibas que, de pronto, cayeron en: “No, pará, esto fue abuso”. O que lo tenían silenciado hace años o que les costó mucho tiempo elaborar las palabras.

Las denuncias se multiplicaron, varias bandas cayeron en ellas y, luego, en la discontinuidad o el ostracismo, quedándoles como único refugio algún bar amigo un día de semana a la noche o un vivo de Instagram. Otras quedaron heridas. Otras perdieron público.

Otras, insólitamente, siguieron adelante como si nada. En medio de denuncias cruzadas, de sommeliers de verdades reales o virtuales, el rock sufrió un segundo golpe muy grande. “Tu ídolo es un forro”, decía un sitio web que explotó por aquellos días. Y, bueno, tal vez sí.

El tercer momento de quiebre de estos 10 años, tal vez, llegó con la explosión del trap y el rap. Cuando el crossover cumbia-rock empezaba a ser digerido por todas las partes, con Damas Gratis compartiendo escenario con Divididos, por ejemplo, aparecieron en el ámbito rockero dos nuevos géneros y toda la estructura se volvió a mover.

No sólo por su irrupción, nacida al calor de movimientos como El Quinto Escalón, que fueron las inferiores de hoy consagrados como el Duki o Ysy-A, sino porque la industria

se volcó ahí. De pronto, nombres como los de ellos y también Cazzu, Khea, Ecko, Trueno y Wos ganaron espacio en los medios, contratos en las discográficas y lugares en los festivales otroras de rock (y algo de reggae, ska y metal. ¿Quiénes son estos tipos?

El trap y el rap llegaban para terciar y amenazaban cada uno de los espacios del rock.

Jóvenes, con empuje y cosas para decir, que fueron criados al calor de un tiempo político macrista que fue un atentado a la cultura. Ese grupo le ganó gran parte del tablero a un rock que sigue devorando a Charly García, el Indio Solari, Gustavo Cerati, Fito Páez, Andrés Calamaro y al que le cuesta encontrar sucesores, nuevas caras que puedan ser los “herederos” de esa popularidad. Ni hablar cuando a Wos se le ocurrió samplear la guitarra de “Luzbelito” para uno de los temas de su único disco “Caravana”. Ahí todo tuvo sentido. El hecho que Cazzu compartiera escenario con Los Gardelitos fue otro aporte o el mismo Wos con Ciro y Los Persas en una entrañable versión de “Pistolas”.

Caravana hubiese sido el disco más vendido del año pero no se editó en CD, sino que se consigue únicamente en vinilo. Sí, el formato que volvió “acuna” al artista nuevo que llegó para redefinir la industria. Toda una parábola de lo que es la música. De por qué las canciones son las únicas que sobreviven. Pase lo que pase.

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#ROCK

Catalina Nocino reemplazar la magia de grabar Grabar en casa se estableció como una en un estudio profesional, la interacción humana ni lo que variable profesional. Pros y contras de la puede aportar el conocimiennueva etapa a la hora de hacer música. to y la experiencia de técnicos de grabación, productores e

El cassette fue des- fesional quedó desdibujada ya ingenieros. Lo que tampoco se plazado por el CD, este por el que hoy en día se puede hacer puede negar es que este nuevo MP3 y actualmente prevalece algo que quizás, cuando Rock mundo abre puertas a muchíel streaming a la par que el And Ball surgía, era algo un simos nuevos artistas. Sin emvinilo resurge como una pieza poco más lejano. Ya no es ne- bargo, surgen dudas al respecinfaltable para muchos aficio- cesario ir al mejor estudio del to: ¿Hay diferencias en cuanto nados en la materia. Durante país, se puede realizar todo el al sonido?, ¿Qué se necesita los últimos 10 años la industria proceso en una casa. para esto? evolucionó en todos sus aspectos. Las barreras entre géneros menguaron, el formato en el que se distribuye la música cambió y el modo en que se hace también.

El progreso que tuvo la tecnología a lo largo de la úl- Es costumbre navegar Cada espacio tiene sus tima década hizo que grabar beneficios y no existe un ma- por internet y encontrar guías sea más accesible, a lo que se nual que determine cuál se de “5 items que necesitás si adaptaron y usaron a su favor debe elegir. Esto varía según o si” para hacer tal cosa, pero todos los artistas. La idea de el género, los formatos, los re- ¿aplica en este caso? Antes del grabar y producir un disco sea cursos y la búsqueda de ese lanzamiento de un disco exisúnicamente en un espacio pro- momento puntual. Nada va a ten varias etapas entre pre-pro-

Bizarrap recibió en su home studio a distintos artistas para hacer sesiones en vivo.

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romper con lo aprendido Foto: Px Here

ducción, grabación, mezcla y masterización.

Para una mirada certera de este tema, aporta su voz Luciano Villacé, cantante y guitarra de Bigger y productor musical de Estudio Humano.

Es tajante sobre el trabajo previo a poner play: “Entre el tutorial que te enseña en cinco pasos y hacer un disco hay una distancia muy grande, hay años de experiencia”. Aunque en pleno aislamiento social, preventivo y obligatorio se encuentre trabajando desde su departamento hasta que todo retorne a la normalidad, no deja de lado que “Si tuviese todo lo que tengo en la computadora en aparatos, no me entraría en mi casa”.

Otro punto importante es que teniendo una consola digital no es necesario llenar tu casa de equipos ni invertir en un montón de aparatos carísimos. Los avances en tecnología permiten que ahora tan solo con una laptop se pueda grabar lo que sea, siempre que tenga un micrófono y una placa de sonido. Suena hasta

casi increíble el poder hacer una batería, un bajo, una guitarra o lo que quieras con tu pc, pero se puede.

¿Es lo mismo un instrumento hecho en computadora a uno interpretado por una persona? por supuesto que no. Quizás para ciertos géneros resulte una herramienta creativa mientras que para otros lo que importante es el sonido vivo, todo depende de lo que se quiera lograr. Si se notará que está hecho por computadora es una pregunta recurrente. La realidad es que mucho de lo que se escucha hoy en día tiene sonidos de instrumentos que no son reales y para la mayoría de los oyentes puede ser casi imperceptible porque el oído ya está acostumbrado a esto. Más personas produciendo implica más variedad músical y también más formas de hacerlo.

El trap y el freestyle hace pocos años emergieron con popularidad en Argentina. Los artistas usan muchos de estos arreglos electró-

“Una batería puede hacer lo mismo en las 4 primeras vueltas de una canción. cuando se graba se copia la mejor vuelta y se replica esa cantidad de veces, ¿eso está tocado o hecho por una máquina?” aGUSTÍN “tURCO” mARINELLI - mUSTAFUNK

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nicos y sintetizadores que, aunque a veces son muy cuestionados, no dejan de hacer que se posicionen en lo más alto de los rankings y cada vez sean más escuchados. Bizarrap es un ejemplo claro: un home studio recibió a distintos artistas del género para hacer sesiones en vivo con una fuerte aceptación por parte del público.

Incluso, el joven de 21 años llegó a participar de festivales multitudinarios como el Buenos Aires Trap gracias a su popularidad.

Hace poco menos de un año, Cuarteto de Nos lanzó “Contrapunto para humano y computadora”. Canción en la que el líder de la banda uruguaya se enfrenta en una payada a una voz hecha con un programa que manifiesta la enemistad presente en la mente de muchos.

Casi en paralelo, Wos lanzó su disco Caravana con un corte que tuvo muchas repercusiones.

“Luz Delito” combinó sus raíces de freestyle con poéticas críticas sociales y un sample del riff de “Luzbelito y las Sirenas” -de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota- interpretado en guitarra por Ca7riel. En este espacio multidisciplinario coexisten bases, samples, Autotune, instrumentos hechos por máquinas y también tocados por una persona.

“Entre el tutorial que te enseña en cinco pasos y hacer un disco hay una distancia muy grande, hay años de experiencia” luciano “negro” villace

Cuando se formó Mustafunk, hace apenas 10 años en zona oeste, muchas de estas cosas todavía no se usaban ni por asomo. Agustin “Turco” Marinelli, guitarrista de la banda y técnico de grabación en Babex Records, recordó aquella época: “El primer disco fue grabado en casa y las diferencias en conocimiento propio y en las herramientas que tenía para grabar son

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otra cosa, cambió todo para mejor”. El violero dejó a la vista otra variable en cuanto al tema en cuestión: “Muchas veces una batería puede hacer lo mismo en las 4 primeras vueltas de una canción, entonces cuando se graba se copia la mejor vuelta y se replica esa cantidad de veces.

Eso tocado por una persona y auto sampleado al mismo tiempo, ¿está tocado o hecho por una máquina?”.

Las herramientas y los cambios de espacio para la producción de material se acentuaron aún más en los últimos meses -dado el aislamiento social, preventivo y obligatorio por COVD-19- pero ya eran una realidad desde hace tiempo. Un disco, una canción o un EP lo puede mezclar, grabar, producir o remasterizar una o diferentes personas que estén en el mismo o distintos lugares físicos. Muchos artistas tuvieron que reinventar su forma de generar contenido y se ven publicados cada vez más vídeos caseros -sin dejar de ser profesionales- hechos desde la intimidad de sus casas.

Desde el lado de Mustafunk y en este momento particular, el Turco contó: “Se nos ocurrió hacer reversiones con canciones nuestras que tenemos recontra tocadas jugando con otros estilos. Igual es raro, extraño mucho tocar con los pibes”. El Plan de la Mariposa fue otra de las bandas que se sumergió en grabaciones hogareñas durante la pandemia con la ayuda de sus seguidores en cuanto a la composición lírica. Son 13 las canciones bajo el nombre de Demos en Aislamiento que registraron en la casa que comparten en Capital Federal. El álbum tuvo su pre-producción en emisiones en vivo en su cuenta de Instagram durante el primer periodo del aislamiento obligatorio. Allí los fanáticos participaban con frases que la banda posteriormente uso para los tracks.

No es obligatorio que el consumidor del producto terminado conozca el cómo, dónde y cuándo se produjo un disco, pero sí es importante tener en cuenta y dar a conocer todo el trabajo que existe previo. Lo que queda explícito es que todos estos cambios implican una mejora y la industria musical no queda excluida. La forma en la que se elabora no desmerece el proceso ni opaca el talento. Lo que hoy permite la tecnología es que no haya fronteras ni barreras. Son solamente etapas y es admitido en todos los casos. Y lo positivo es que más gente puede hacer música, ya sea en un estudio de grabación o en su casa en pantuflas.

IMAGINE DRAGONS - LOLLAPALOOZA ARGENTINA - 2014 - MARTÍN DUTIL

kiss - Estadio VÉlez Sarsfield - 2015 - Martín dUTIL

RATA BLANCA - LAWN TENNIS CLUB - 2012 - FIORELLA TOMASELLO

Almafuerte - quilmes - 2012 - tato vacca

LIMP BIZKIT - MALVINAS ARGENTINAS - 2013 - NANCY MARTÍNEZ

LOS BRUJOS - TEATRO VORTERIX - 2014 - SARI ODELLO

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la “cosa salvaje” que conquistó el ascenso inglés

#BALL

Gareth Ainsworth consiguió el ascenso a la segunda de Inglaterra con el Wycombe Wanderers y tiene el sueño de triunfar como estrella de rock.

Matías Rodríguez

Foto: AP

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El ascenso es un mundo de historias increíbles. El futbolero de ley sabe que no hay nada mejor que ver los partidos de las categorías más bajas, y más durante los encuentros definitorios. Existe una mística única, donde los jugadores son vecinos o amigos del barrio, y se juega por la gloria y el sueño codearse con los poderosos. El resto de los países no es ajeno a este mundo futbolero, y el ascenso inglés está lleno de historias de este estilo. Una de las grandes historias que ocurrieron durante la pandemia del Covid-19 fue el ascenso del Wycombe Wanderers, el humilde equipo inglés que, durante la temporada 2020/21, jugará en la Segunda División por primera vez en su historia. En Rock N’ Ball vamos a hablar de Gareth Ainsworth, “la cosa salvaje” que condujo a este humilde equipo del sudeste británico hacia la gloria.

“Cuando tu entrenador llega al entrenamiento manejando un Mustang, con una chaqueta de cuero y toca rock n’ roll mientras trabajamos en el gimnasio. ¿Cómo puede eso no ser contagioso?”. Con estas palabras describía el defensor Darius Charles a Gareth Ainsworth, entrenador del Wycombe Wanderers, en una charla con The Guardian. Ainsworth es un histórico del ascenso inglés. Como jugador, se formó

en las inferiores de Blackburn Rovers. Debutó en primera en 1991 y pasó por varios clubes como el Queens Park Rangers, Cardiff City y Wimbledon FC, entre otros. Un volante ofensivo lento, pero agresivo de cara al área rival, y un líder dentro y fuera de la cancha. Ese liderazgo hizo que en QPR le den el cargo de jugador-entrenador en 2008.

Finalmente colgó los botines en el año 2012 y se dedicó 100% al cargo de entrenador del club Wycombe Wanderers.

Durante su época de jugador, se ganó el apodo de “Wild Thing”, o “cosa salvaje” en español. El apodo apuntaba a su look con una larga cabellera y su temperamento dentro de la cancha. Pero también apuntaba a la otra ambición que tenía Ainsworth: ser una estrella de rock. El sueño rockero de Ainsworth siempre iba a la par de su carrera futbolística. Formó su primera banda a fines de la década de los 90s, llamada APA, junto a sus compañeros de plantilla del Wimbledon FC, Trond Andersen y Chris Perry. Era una banda para pasar el tiempo, ya que la prioridad siempre estuvo puesta en la carrera futbolística. Al poco tiempo, Perry fue transferido al Tottenham por lo que los ensayos se dificultaron cada vez más y la banda se separó.

Unos años más tarde, Ainsworth respondió un aviso clasificado en un diario de una banda llamada Dog Chewed the Handle, en honor a la canción de Terrorvision. Gareth se presentó a la audición como vocalista, donde ocultó su carrera como futbolista para poder ser aceptado. Finalmente entró y comenzó a presentarse

Foto: Wycombe Wanderers

en pubs de la ciudad. A mediados de los 2000’s, fueron invitados para ser la banda soporte de Bad Manners, una de las bandas más influyentes del ska en Inglaterra, pero debieron rechazarlo por la incompatibilidad con los tiempos de futbolista de Ainsworth. La banda se separó y desde noviembre de 2019 el actual entrenador del Wycombe Wanderers lidera The Cold Blooded Hearts, donde es vocalista. Incluso el club les cedió instalaciones del estadio para que graben el videoclip de “The wanderer”, un cover de la canción de Dion, compuesta en 1961.

Los dos sueños de Gareth Ainsworth siempre fueron de la mano, y no le fue nada mal en ninguno. En cuanto a lo futbolístico, es una de las leyendas del ascenso, reconocido por propios y ajenos.

Como jugador-entrenador, se

dio el lujo de hacerle frente al Manchester United de Sir Alex Ferguson. Ya metido de lleno en el cargo de DT, tiene el récord de ser el entrenador que lleva más tiempo trabajando en un equipo inglés, estando al frente del Wycombe Wanderers desde hace casi 8 años. En ese tiempo llevó a los “Chairboys” de la cuarta división a jugar en la Championship, la segunda división inglesa, por primera vez en su historia.

Por otra parte, quizás no llenó un estadio cantando arriba del escenario, pero sí se convirtió en la estrella de rock del club del sudeste británico, que todos los fines de semana llenan el estadio para corear su nombre y alentar a los “blues”.

La “cosa salvaje” del ascenso ingles toca el cielo con las manos y hace historia en el escenario donde siempre logró dejar su huella, la cancha de fútbol.

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#voces

eruca Hernรกn Osse

sativa para que sigamos siendo

Foto: Cinthia Carrizo

Lo que sucede en el mundo de Eruca Sativa, hoy ocurre con más claridad. El cambio sonoro que se consolida en Seremos Primavera se puede leer como una limpieza, un desapego durante algunas canciones de las distorsiones y los decibeles altos. Tiempo atrás, ese estilo parecía formar una identidad de power trío clásico. Las líricas no modificaron su destino, pero si el camino elegido, una versión más directa pero sin haber perdido la prolijidad a la hora de expresarse.

En sus vidas también mutaron los sonidos: los tres integrantes han sido madres y padres en el lapso de los últimos cinco años. Un alarido de Emilia Rufino (hija de Brenda Martin) aparece en “Confundiste” de Barro y Fauna y Julián Sorín (hijo de Lula Bertoldi) aporta una tímida voz en los primeros segundos de “Carapazón”. Nina Pedernera también influenció el flamante álbum pese a que todavía no había nacido. El baterista del grupo le escribió “Seis”, el track que cierra el disco, y agregaron latidos de ella. La obra se ve atravesada por sus familias y de ahí se desprende otro hilo para sostener que la búsqueda de Eruca Sativa es derribar prejuicios e ideas cargadas de estereotipos de los ídolos del rock. Gabriel Pedernera explicó: “Soy de la generación en la que la mayoría de nuestros referentes nos dejaban esta cosa del reviente, de los excesos, del rock and roll. Ahora que nos toca estar en un lugar diferente está bueno que lo que quede sea algo bueno y no algo que no es. Nos gusta estudiar, dormir, estar con nuestras familias y disfrutar de la vida bien”.

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Tienen una premisa que con el paso de los discos quedó cada vez más a la vista. La búsqueda constante de nuevos estilos y formas. Esta vez la apuesta fue por componer un álbum en el estudio de grabación. Estaban las condiciones dadas: la experiencia que supera los diez años del trío y la incursión de Gabriel Pedernera en el rol de productor con distintos artistas (Lebón & Co de David Lebón, a la cabeza) funcionaron como chispa. “En otras ocasiones que trabajamos solos caíamos al estudio a grabar nada más. La dinámica esta vez fue muy distinta. Al no tener los instrumentos colgados cada uno, fue todo mucho más libre”, mencionó Lula Bertoldi, voz y guitarra. El encierro a solas a la hora de materializar sus canciones dio sus frutos. Seremos Primavera expone el funcionamiento de un triángulo equilátero pero ya lo advirtieron años atrás: “Entendernos no es casual”.

Seremos Primavera parece un disco mucho más íntimo en el armado con respecto a Barro y Fauna, ¿Cómo fue esa experiencia?

Brenda Martin: Es una gran diferencia porque cuando hicimos Barro y Fauna fuimos con hijes y familia a Estados Unidos. Gaby adquirió la experiencia para poder sentarse en la mesa del estudio para mezclar y grabar, se animó a tomar el mando de eso. Fue hermoso porque nos reencontramos como nunca.

Gabriel Pedernera: Este es más “hecho en casa”, con salsa caserita. Teníamos esa necesidad y queríamos experimentar por ese lado. Fuera de todo eso nuestro foco siempre fue la música, las canciones. En otros discos, si la idea original era en piano o lo que sea, la llevábamos a la banda.

En este caso no, si el tema nació en un piano, se hizo ahí.

Lula Bertoldi: Arrancar desde procesos diferentes la composición, te lleva a lugares muy diferentes. También el hecho de la intimidad del estudio, no había nadie que no fuera de la banda ni escuchando, ni opinando. Eso también da otra libertad dentro del estudio.

NO PUEDEN CALLAR LA VOZ

La Carne fue el primer disco editado por el trío formado en Córdoba, doce años atrás. Allí aparece “Para que sigamos siendo”, un tema icónico dentro del universo del grupo. Lula Bertoldi relata una historia cruzada por la última dictadura cívico-militar. “Si tenés dudas sobre tu identidad llamá a las Abuelas”, dice un apartado del libro interno del álbum. La utilización de metáforas y el cuidado de las palabras en sus canciones, como sucede en las anteriores placas, parecen contrastar con líricas explícitas como “Creo”, en donde se busca llegar de forma más directa al mensaje. Tal como explica Brenda Martin: “A través de los años hemos aprendido a comunicar mejor, no porque usemos menos imágenes pero aprendimos a sacar las cosas que sobran. También al limpiar la música y hacer que las voces estén al frente, se destaca mucho lo que decimos”.

Alberto Fernández asumió la presidencia de la Nación el último 10 de diciembre en una Plaza de Mayo repleta. La cultura tuvo una participación importante: una larga lista de artistas de distintos géneros tocaron en el evento. Eruca fue uno de ellos, otro momento de quiebre para fijar una postura.

“Me cansé de pensar que no tengo que tomar una postura política. La banda tiene derecho a ser ciudadana y a decir lo que piensa”, sentenció la bajista. “No podés quedarte calla-

“

me cansé de pensar que no tengo que tomar una postura política brendA

do cuando hay un montón de cosas que no te gustan, te empieza a agarrar desesperación”.

Brenda Martin tiene la vital tarea de la composición de las letras, junto con la cantante del grupo. Se recibió de diseñadora gráfica y realizó esa labor para La Carne (2008), ES (2010) y el flamante álbum lanzado en 2019. También estuvo a cargo de la imagen para el disco Equilibrios de la banda RuFa en la que también toca el bajo.

Siempre se destacó su perfil bajo, sin dejar de mostrarse como una ferviente militante de sus causas: veganismo, más espacio para mujeres sobre los escenarios y la lucha por la Ley del Aborto Legal, Seguro y Gratuito, entre otras.

Este disco es más directo desde las letras, ¿se sienten más expuestas al escribir?

BM: Siempre tratamos de escribir lindo pero no creo que sea tan distinta la forma sino que al haber bajado los decibeles de la música se le ha prestado más atención a las letras. Igual si te ponés a pensar en nuestro primer disco (La Carne) la letra es bastante clara. Me pongo de ejemplo a mí misma en la idea de volver 12 años atrás a escuchar el disco y siento que se entiende lo que queremos decir.

Es una época de cambios, ¿qué tanto visitan sus primeros discos?, ¿hay canciones que hoy

”

no los representan?

BM: Hay canciones que las dejamos de tocar por un montón de tiempo como puede ser “Enmudecer” y hoy sentimos que vuelve a tener mucha vigencia.

Lo mismo pasa con “Hoy” (la hicimos pensando en que decían en el 2012 se acababa el mundo). Otras que no perdieron la vigencia nunca como “Para que sigamos siendo” o como “No Pueden” que en todo el gobierno de Macri yo sentía que la canción estaba escrita durante ese periodo. Siempre hay una re significación de la canción que tienen que ver con cuestiones personales y cuestiones del entorno en lo que hacen al presente y la sociedad, eso es re loco.

LB: Nunca me he arrepentido de una canción que hicimos con Eruca, jamás. Nada más que hemos pulido un poco nuestra lírica y fuimos buscando. “Para que sigamos siendo” habla de las mismas cosas que “Creo”. Ambas tienen una mirada sobre un contexto histórico que es muy claro, pero una es mucho más metafórica y la otra más concreta. Te vas conociendo como banda y como letrista y eso te lleva a componer diferente. ¿Y cómo te sentís más cómoda a la hora de escribir?

LB: No sé si me siento más cómoda con cómo lo hago hoy, es como me siento. Antes me sen-

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HASTA DONDE PUEDO LLEGAR

2 1 El saludo final en un Teatro de Flores con Brenda y Lula ya embarazadas en 2014 (1).

Momento acústico en el Gran Rivadavia en el 2016 (2) y en el escenario del Luna Park junto a David Lebón (3). Una tarde calurosa de 2013 recibieron a RNB (4), poco tiempo después de la presentación de Blanco (7). Reunión en el medio: La Plata, 2014 (5). Brenda, sonriente, en un Museum de finales de 2019 (6).

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Foto (1) por Damián Basile, (2) por Sofía Pedraza, (3) y (6) por Cinthia Carrizo, (4) por Anna No Duerme, (5) por Martín Dutil y (7) por Javier García.

tía identificada más de otra manera y ahora de esta. Pero la otra era una Lula de hace 13 años y la otra es la de hoy. Pero no dejo de cantar esas canciones, porque habla esa Lula de hace 13 años y que tiene cosas para decir de esa forma.

En diciembre tocaron en Plaza de Mayo, ¿cómo fue esa experiencia para vos?

GP: Me parece interesante cuando la bajada gubernamental nos incluye. Me acuerdo de estar en camarines, bueno, falsos camarines porque estábamos dentro de la Casa de Gobierno, y hablábamos con Juanchi (Baleirón) y brindábamos y decíamos “esta es la primera vez, en estos últimos cuatro años, que nos dejan entrar acá”.

Siento que si un Gobierno le presta atención a la cultura, es una batalla ganada.

BM: Fue toda una decisión. En este caso también se unía con la alegría de que nos gustaba la ideología que traía Alberto Fernández. Fue una

fiesta total porque además los últimos cuatro años habían sido nefastos para el país entonces nos pareció que era momento de disfrutarlo.

Cuando vine a vivir a Buenos Aires en 2010 me acuerdo de ir a Plaza de Mayo y ver los recitales o festivales donde tocaban bandas, yo soñaba con estar ahí y con ser parte. No me importaba si había dos personas o millones, me importaba el hecho político de estar tocando en ese evento.

Entiendo que también es una oportunidad para plantar una bandera…

BM: Fui cambiando eso a través del tiempo. Al principio quizás éramos un poco más guardados con lo que pensábamos. Fue clave también llegar al último gobierno porque dijimos basta.

Fue plantar una bandera. Decir: “estamos acá felices de que cambie el gobierno porque esto no daba para más”.

ABRE PUERTAS AL MUNDO

El trío salió a buscar oyentes en Latinoamérica desde los primeros años de carrera. En 2011 visitaron por primera vez México y en 2013 participaron del mítico Festival Rock Al Parque en Colombia, además de repetir tour en el país azteca. Con los pies firmes en el continente convirtiendo capitales en plazas fijas a la hora de planificar giras, el nuevo rumbo estaba en Europa. El 2018 fue uno de los años que más veces se subieron a un escenario y tuvo a España como flamante destino, tachando así otro país por visitar de habla hispana. “Todos los viajes te enseñan y todas las vivencias también te enseñan”, remarca Bertoldi. Agrega: “No hace ni falta salir de gira para encontrar nuevos artistas. Escuchando Spotify o viendo YouTube encuentro cosas que me parten la cabeza”.

Lula Bertoldi es la cantante y guitarrista de Eruca Sativa. Como pasa en muchos casos, desde afuera se la suele ver como la cara visi-

ble de la banda a nivel público. Un ejemplo claro es que el día que tocaron en Plaza de Mayo recibieron algunas críticas en la cuenta de Instagram del grupo. Ella desde su perfil personal se tomaba el tiempo de responder la mayoría invitando a pensar más allá y fijando la postura del trío. También se puede explicar a través de la carrera que estudió antes del nacimiento de ES: Licenciatura en Relaciones Públicas. La santafesina es una colega siempre dispuesta a aportar su voz: ha cantado en distintos discos de artistas como Mustafunk, Bersuit Vergarabat, Viejos Komodines, Maca Mona Mu y Lörihen, entre otros. ¿Qué les parece la frase de Trueno que el rap es el “nuevo rock and roll”?

BM: Me encanta que se renueve la escena y se rompa la barrera de los géneros. Me encanta que haya gente con talento que tenga cosas

“

hay chicos de 18 años que han escrito cosas mucho más reales y fuertes que bandas de chabones grandes

lula

”

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para decir. Toco en una banda con voz porque me parece que es importante el mensaje.

Si hay una banda que suena bárbaro con arreglos zarpados y que tiene una música que la disfruto con la oreja pero la letra me está diciendo cualquier cosa, no me gusta. Le doy prioridad a los que dicen entonces no puedo hablar de todo el género trap porque hay cantantes con letras super misóginas y banales.

LB: Son pibes que manejan la lírica y es re difícil lo que ellos hacen, no es una boludez. Admiro mucho el trabajo que hacen. No estamos tan lejos, además. Yo escucho Rage Against The Machine, Aerosmith con Run DMC y han sido hitos dentro del rock.

BM: Yo he escuchado de Catriel

Foto: Agustín Lamas

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que el autotune era la nueva distorsión y me encantó. Están rompieron las barreras y esa transgresión me gusta, priorizando la bajada que se haga para que sume.

Incluso Eruca tiene un rap en el primer disco…

LB: Totalmente. Me parece una gansada total el tema de los rótulos. Lo que quiso decir Trueno creo que va por la representatividad, tiene que ver con las letras y con quién está marcando como un pulso hoy. Tienen un tinte rockero también, es innegable. Vos escuchás el tema ‘Sangría’ que hace con Wos y tiene una base rocker y arriba están rapeando ellos. El rótulo lo usan las disquerías, déjense de hinchar, es música. Trueno habla de un montón de cosas: de dónde nació, de su barrio, de la policía. Hay que hacer un replanteo de muchas cosas. En este último tiempo, pibes de 18 años han escrito cosas mucho más reales, directas y fuertes, que bandas de rock con chabones grandes. Yo prefiero escuchar el rock hecho por mujeres que es el que hoy me rompe la cabeza. Escucho a Wos, Trueno, Nicki Nicole. Estoy en contacto con Bizarrap, no sé… ¿Te imaginás una sesión de Bizarrap y Eruca?

LB: ¡No! Eso lo dejamos para la gente que hace ese estilo. Ni en

pedo. Me da miedo meterme a mí. Es gente muy joven que la tiene atada, para mí cantar eso es imposible. Pero a mí me re gusta. Nosotros cuando salimos en “Seremos Primavera” dijimos “no me importa si esto es o no rock” y nos salieron a matar. Tocamos una fibra sensible. No sé qué fibra tan sensible hay al decir la palabra “rock”. No es tan importante. Es sólo un rótulo.

Foto: Héctor Palacios

Foto: Héctor Palacios

Hay un concepto que es habitual escuchar en boca de futbolistas que es “en esta casa se respira fútbol”. Con Eruca Sativa se puede hacer un paralelismo en la música. Sus tres compañeros de vida también son artistas y, en parte, están ligados a la banda. Juan Pablo Rufino, pareja de Brenda Martin y parte del grupo RuFa junto a la bajista, participó en “Sin La Red” de Barro y Fauna y en varios shows de la gira de Huellas Digitales. Fernanda Martínez Mina, pareja de Gabriel Pedernera, es coach vocal y trabaja con la cantante del trio desde la grabación del disco lanzado en 2016. Nicolás Sorín, pareja de Lula Bertoldi, tuvo un rol clave en la doble función en el Teatro Ópera que derivó en el álbum electroacústico. Realizó los arreglos y dirección de vientos y cuerdas, además de tocar el sintetizador y el piano eléctrico.

Gabriel Pedernera golpea desde el fondo del escenario pero también juega otros roles. Es común verlo, por ejemplo, tocando la guitarra acústica en la versión en vivo de “Amor Ausente”. Más allá de su carrera con la banda, participó desde su instrumento y detrás de la consola en diversos proyectos. Cumplió el rol de productor en placas como Hijos del Mundo de Todo Aparenta Normal, La Histeria Argentina de Científicos del Palo y Lebón & Co de David Lebón, quizás el más icónico. Además, es el artista con más nominaciones en esta edición de los Premios Gardel (Siete por el trabajo con David y

cuatro por Eruca). El cordobés reflexionó: “Toda la experiencia que uno va ganando trata de ponerla en este proyecto que tanto amamos”. También formó parte de Tórax antes del nacimiento de Eruca Sativa, donde compartió formación con Brenda Martin. Además, tocó en la banda de Coti en distintas etapas. ¿Cuánto te aportó o te jugó en contra el haberte consolidado como productor en los últimos años?

GP: Nos pasa a los tres que, a medida que vamos ganando experiencia, tratamos de volcarla toda en Eruca Sativa. Me cuesta mucho producirnos porque me gusta que las decisiones sean de los tres. Me parece que no tiene ningún aspecto negativo, solamente toda la experiencia que uno va ganando tratar de ponerla en este proyecto que tanto amamos.

En “Seremos Primavera” lo que arrancó con un piano, así quedó. Hay un montón de sonidos nuevos, ¿van a sumar otros músicos en el escenario?

GP: Lo bueno es que, quizás, los sonidos son nuevos, pero en el disco tocamos solamente los tres y no hay ningún invitado. Entonces, son cosas que podemos tocar, aunque no seamos muy buenos pianistas ni nada (risas). Vamos a hacer el esfuerzo de ser nosotros tres cuando sea que podamos volver a tocar de vuelta.

LA CARNE ES BLANCO Desde afuera se ve que son referentes de un movimiento de bandas muy grande, ¿sienten esa responsabilidad?

LB: Ya estar arriba de un escenario es una responsabilidad, porque estás bajando una línea y todo comunica. Hay bandas que son referentes míos y estamos en una época muy linda, dónde los contemporáneos son influencias y referentes.

GP: Me gustaría que para las nuevas generaciones, no quiero sonar como un tipo de 70 años porque no los tengo, quede algo lindo. A mí me tocó ser parte de una generación en la que nuestros referentes nos dejaban esta cosa del reviente, de los excesos, del rock and roll. Ahora que nos toca estar en un lugar diferente y que, de alguna forma “la historia tiene puestos los ojos en nosotros”, está bueno que lo que quede

sea algo bueno y no algo que no es. No somos reventados, no somos así. Nos gusta estudiar, dormir, estar con nuestras familias y disfrutar de la vida bien.

BM: Me parece como super lindo, es importante que haya personas que les resulte inspirador la música que nosotres nos animamos a hacer. Nos ha pasado que venga alguna piba y me diga que escuchó la banda y fue un flash, vio que se podía. La miro a los ojos y conecto con eso que siente y que yo sentí alguna vez cuando veía bandas y me parece muy importante. Siempre me lo tomé con mucha responsabilidad el hecho de hacer música porque siempre lo sentí así desde que soy chica. El tipo de música que escuché y el mensaje que yo recibí me marcó mucho para después. Tiene una responsabilidad social hacer arte, en general. Uno decide lo que quiere

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comunicar, es una decisión muy importante.

Eruca Sativa se arriesgó desde el primer momento. Sus primeros tres trabajos discográficos forman una trilogía que se conecta entre sí con guiños, algunos más allá de lo musical.

ES fue el segundo álbum lanzado y allí pusieron los tracks “La Carne” y “Blanco”, títulos de su antecesor y sucesor, respectivamente. Ese mismo disco es el eje de la conexión entre los tres. El libro interno está titulado “Fuera o Más Allá”, al igual que la canción que abre Blanco. En las tres portadas se puede ver a los integrantes de la misma manera que se paran en el escenario. Brenda a la izquierda, Gaby en el medio y Lula a la derecha. Incluso en la tapa tiene una advertencia que sirve para explicar el recorrido del trío: “Followers advisory: explicit changes”

y Producción del año). El baterista recuerda el proceso de trabajo con cariño: “Fue un disco con mucha parafernalia”. ¿Podríamos decir que Barro y Fauna fue un disco de transición en cuanto a lo sonoro?

GP: Puede ser, me cuesta mucho ver nuestros discos desde afuera porque cada uno me hace acordar a un momento, pero está bueno.

LB: No siento que ningún disco sea una transición hacia otro. Cada disco es una foto del momento y se hizo por algún motivo así. Todo es Huellas Digitales (2014)

Seremos Primavera (2019)

ES (2010)

Barro y Fauna (2016)

La Carne (2008)

Blanco (2012)

(Aviso para los seguidores: cambios explícitos).

Las noches del 1 y 2 de agosto de 2014 se presentaron en el Teatro Ópera, la primera velada con entradas agotadas. “No queríamos que sea ir a poner cámaras y filmar un show eléctrico, queríamos algo distinto”, explicó Brenda Martin. Para la preparación de este recital, que iba a ser documentado, la banda tuvo que trabajar al nivel de un nuevo disco. Versiones acústicas, otras electroacústicas y la recta final con una orquesta de trece personas para mostrar una cara alternativa de las canciones que hasta ahí eran de un power trío, más allá de los matices siempre presentes. Barro y Fauna trajo un universo nuevo de sonidos y elementos para agregarle aún más colores a su paleta. Fue grabado en Estados Unidos y fue ganador de dos Premios Gardel en 2017 (Mejor álbum de rock

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una transición al futuro, pero es muy difícil verlo así. Ahora estamos escribiendo la historia de la banda, entonces, es difícil decir eso. Cada disco existe por sí mismo también. ¿Qué importancia le dan a Huellas Digitales y el hecho de desarmar esas canciones?

LB: Fue un momento que necesitábamos como banda, veníamos de tres discos muy explosivos, con sus variedades y sus búsquedas. Nos sirvió para calzarnos unos lentes a futuro y ver cómo íbamos a encarar lo que se venía. Ayudó mucho a encarar las sonoridades digitales. ‘Barro…’ es un disco muy fuerte también, que tiene muchos temas de trío, incorporaciones diferentes, que tiene que ver con los samplers y con el uso de los pads. ‘Barro y Fauna’ tiene una mezcla de todo y ‘Seremos Primavera’ fue una idea de renovarnos por completo y desde ese lugar encaramos la composición.

BM: Huellas Digitales es una bisagra, refleja la búsqueda que tuvimos siempre. Desde el principio sabíamos que íbamos a llegar a un disco como ese o Seremos Primavera. Nuestra idea es

no quedarnos quietos, estar en el mismo lugar nos aburre un poco, necesitamos esa energía de cambio todo el tiempo. Fue un aprendizaje muy grande ver si habíamos logrado que lo importante sean las canciones y sacarle todo el vestuario que les habíamos puesto cuando las grabamos por primera vez. Encontrar otras so-

noridades que hicieran que las canciones brillen y no tengan que ver con esos arreglos que habíamos hecho al principio. Artísticamente tiene el peso que tiene un disco con canciones nuevas porque fue un laburo re grande. Trabajar con gente nueva, que venga Nico Sorín, trabajar con vientos, cuerdas.

ES MI CANCIÓN LO QUE PERDURARÁ Desde el comienzo tuvieron el visto bueno de grandes personajes del rock nacional, ¿cómo sienten eso?

BM: Son colegas pero uno nunca deja de verlos como artistas que admira muchísimo. Son personas que siempre las tiene en un lugar de mucho respeto y admiración, sigo aprendiendo día a día de ellos. Me sirvió para darme cuenta que la barrera entre los artistas que una admira y la persona la ponemos más nosotros como público que ellos mismos. De eso se aprende mucho, que son todas personas que estamos en la misma haciendo música tratándolo de hacer con belleza y algo bueno para nosotres y las demás personas. Cuando coincidimos en eso, no importan los estilos, ni los géneros, hemos colaborado con artistas de folclore, jazz, tango y siempre los resultados son que la pasamos bien.

LB: Es muy lindo poder compartir la música con la gente que uno admira hace años. Es gente con la que uno se toma una birra, habla, charla y se siente un igual. Lo lindo es sentirse como un par, nada más que uno tiene más años, más trayectoria y más camino. Acá hay que compartir. Muchos artistas que recién empiezan están escribiendo grandes páginas de la historia de la música. Y son más jóvenes que nosotros. Amamos a la música por sobre todas las cosas, incluso, más arriba de nuestro ego. Es re importante que la música esté por encima de nuestros egos.

Quedan pocos ítems sin tachar en la lista de lugares con mística rockera que pisó la banda. Como un proceso ejemplificado en escalones hacia arriba, con cada disco se puede relacionar a la llegada a un teatro o estadio. ‘Blanco’ en el Teatro Vorterix, ‘Huellas Digitales’ en el Teatro Ópera, ‘Barro y Fauna’ con un consagratorio segundo Luna Park, mismo venue que albergaría la presentación del último álbum lanzado. La fecha original fue el 26 de junio del corriente año pero el Covid-19 aguó los planes y obligó a una reprogramación que tampoco tuvo oportu-

nidad el 17 de septiembre. Finalmente, anunciaron la tercera visita al mítico recinto para el 23 de abril de 2021.

No hubo un click, ni una explosión. Fue un trabajo sostenido durante muchos años lo que depositó a Eruca Sativa en las grandes ligas de la música local. Festivales, grandes escenarios, estadios, invitaciones de bandas internacionales y galardones. El camino progresivo deja la sospecha que todavía hay colina por escalar para el trío formado en Córdoba. La claridad de “Creo” y carga de pureza que trae el último álbum llena de esperanzas el presente y el futuro del trío: “Es este el momento con tal fuerza lo siento. Seremos Primavera, que no haya sido en vano todo”.

Rock And Ball cumple 10 años, ¿qué creen que le deja Eruca Sativa a su público en esta década?

BM: No sé si debería decir eso, porque es re subjetivo. Yo te diría que le puede dejar un medio como ustedes a todas las personas que le gusta estar informades de todo lo que pasa. Lo que ustedes hacen es buenísimo, siempre acompañando. Ahora me están dando un espacio re importante que ojalá yo sepa aprovechar, porque trato de hablar transparentemente y a la vez de medir lo que digo para que se justifique porque los espacios son re valiosos. Ustedes generaron uno y lo cuidan, lo defienden y lo llevan adelante desde hace un montón de tiempo. Gracias.

GP: Ojalá que lo que dejamos haya sido buena música y buenos momentos. Me gustaría que toda esa gente que nos acompañó en esta última década, si escucha una canción nuestra, que les salga una sonrisa o se acuerde de algo lindo.

Que nuestra música les lleve a un lugar lindo.

LB: Me gustaría pensar que dejamos eso del desprejuicio. La no-necesidad del rótulo. ¿Qué importa qué es? Lo importante es que comunique y que diga algo. Ojalá que Eruca deje ese mensaje: que no existen las fronteras en la música y no hay que ser prejuicioso en los sonidos.

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#ROCK

Referente y pieza clave en la historia del punk. Una figura del activismo y la militancia a travĂŠs del tiempo.

patti smith Fernanda Arnaud Foto: Julien Mignot

Conocida como la madre del Punk, Patricia Lee Smith lleva adelante una carrera artística que se extiende desde la música y la poesía, hasta la escritura y la fotografía. Tras un largo camino recorrido, la artista estadounidense de 73 años aún hoy en día sigue regalando obras de arte y reflexiones siempre fieles a sus convicciones.

Es un ícono de la música, entre otras cosas, por ser la primera Punk en grabar un disco y en definir esta cultura de rebeldía frente a un sistema opresor sin caer en la básica vestimenta o los peinados y actitudes que caracterizan al género. Pudo explicar a su manera esa ideología basada en la lucha contra las injusticias y el poder.

Si se marcan como guías sus escrituras autobiográficas, se puede decir que la iniciativa de hacer música se fortaleció tras ver a Jim Morrison (The Doors) arriba de un escenario. “Mientras lo observaba, sentí que era capaz de hacer lo mismo”, expresó en su libro “Éramos unos niños”. En 1969 se dio un acontecimiento clave en relación a su carrera: la muerte de Brian Jones, miembro fundador de los Rolling Stones. Fue en ese momento cuando Patti dejó sus lápices de dibujo y comenzó un ciclo de poemas dedicados a él. Allí demostró, por primera vez en su obra, su pasión por el Rock and Roll.

El periodista Hernani Natale explicó que en la escena de Nueva York rockera de los ’70, ella fue un símbolo de resistencia. Con la gran crisis que atravesaba Estados Unidos en ese momento, pudo “sintetizar toda esa rabia y furia de los chicos que necesitaban alzar la voz”, dijo, y que fue una conjunción que no muchos artistas han logrado.

Su discografía consta de once discos de estudio. Su álbum debut fue Horses, grabado en 1975. Varias de las canciones de este disco estuvieron inspiradas en su familia y otras en sus ídolos. La portada fue una fotografía que le sacó Robert Mapplethorpe, persona clave en la vida de Patti. Fueron amantes y amigos, siempre unidos por aquello que tenían en común: el arte.

En 1995 hizo una gira con Bob Dylan, a quien ella tomó como modelo y tiene de ídolo desde que su madre le regaló uno de sus discos a los 16 años. Cantaron juntos ‘Dark eyes’ en los siete conciertos que dieron. Incluso, en 2016 representó a Dylan cuando fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura. Cantó “A Hard Rain’s A-Gonna Fall” en la ceremonia y, aunque olvidó la letra por los nervios que le generaba la situación, el público reaccionó con comprensión y le respondió con aplausos.

Roque Casciero, subeditor de Página 12, la vio en distintas ocasiones. Considera que es una artista increíble. “Es una persona que excede al Rock, pero que también lo encarna”, sentenció. La describe como la hija de Velvet Underground, los Rolling Stones e Iggy Pop y, a su vez, el antecedente del punk, con The Ramones y otras bandas. Así también, nombró su conexión con Dylan desde el lado literario. “Todo eso sin dejar de ser ella misma o, mejor dicho, para ser ella misma”, expresó.

Patti por partes Una joven Patti Smith en la tapa de Horses (2), su álbum debut de 1975, y junto a su gran amigo Bob Dylan (3).

Visitó Argentina en 2018 (4) y pidió por el Aborto Legal (1) en su show en el CCK. Volvió un año más tarde y tuvo una reunión con Alberto Fernández (5).

A lo largo de su carrera, compartió escenario con otros grandes íconos. Entre ellos The Libertines, U2, Bruce Springsteen y Michael Stipe. Incluso, en el festival Glastonbury de 2015 fue acompañada por el Dalai Lama, quien dio un discurso enfocado a la paz. Y en su último

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show en Argentina, eligió a la artista Paula Maffía como telonera del recital en el Luna Park.

“Gracias cosmos por acariciarme el lomo”, publicó Maffía en las redes sociales cuando se enteró que había sido elegida por ella. Fue en base a recomendaciones que le hicieron a Patti, lo cual la emocionó aún más. “Créanme: estoy más impactada que ustedes. Me tiemblan las manos al escribir esto”, agregó en un tweet.

Una de sus grandes cualidades es su carácter activista. Es una persona aferrada a sus convicciones y fiel a sus ideales. Para dar un ejemplo, lo demostró en su último viaje a Argentina en noviembre del año pasado con su hija Jesse Smith. Ahí dieron a conocer su proyecto “Pathaway to Paris”, el cual reúne artistas, activistas y académicos que buscan crear conciencia sobre el cambio climático. Patti dio un concierto en el Luna Park y después ambas se reunieron con el actual presidente Alberto Fernández.

También dieron una conferencia y show íntimo en el CCK. En esos actos se pudo admirar la seriedad con la que toma las causas con las que se compromete. Lo que verdaderamente la define como Punk.

¿Quién mejor para describirla que su hija? La considera auténtica, genuina, una mujer que comparte su arte, crece y evoluciona como persona y como artista. Honesta, abierta, “siempre usando su voz y su plataforma por el bien mayor, para entregar mensajes importantes hacia causas sociales, humanitarias y sobre el medio ambiente”.

A la periodista María Zentner, tras presenciar la rue-

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da de prensa, le llamó la atención la centralidad de Smith y la claridad de sus objetivos.

“Con muchísima humildad, paciencia y resistencia al irse por las ramas, siempre trató de que las preguntas se enfocaran en el proyecto”, dijo. Destacó el valor que le da a las palabras y al llevar su discurso hasta las últimas consecuencias.

Laura Camargo, periodista, por su parte la definió como una mujer humilde, alejada de cualquier actitud vanidosa. Incluso, por momentos, tímida. Tanto ella como otros reporteros que la pudieron observar de cerca, destacan su sensibilidad y preocupación por el mundo que le va a legar a las siguientes generaciones.

En 2018 también hubo una conferencia en el CCK, donde habló a favor del aborto y comentó sobre literatura latinoamericana. En septiembre del año pasado, Patti publicó “El año del mono”, libro donde nombra a su amigo Sandy Pearlman, un famoso productor musical que fue quien le dio la idea de que formara una banda de rock.

Con un estilo poético y muy característico, Patti Smith convirtió gran parte de su vida en arte de diversas formas. Posee una gran cultura, es sabia, y estuvo abocada enormemente a la lectura. La literatura forma parte central de su vida y lo supo plasmar en sus obras.

Tiene cerca de veinte libros publicados. Siempre se definió principalmente como una escritora. No es una música, sino una intérprete. Activista, de gran corazón, que utiliza los escenarios para conectar con la gente y hacerle llegar su mensaje sobre la idea de un mundo mejor.

jesse smith, en primera persona La profunda admiración que siente Jesse Smith por su madre queda a la vista. “Es auténticamente ella misma. Comparte su arte, crece y evoluciona como persona y como artista”, destaca sobre la icónica cantante. Resalta su compromiso: “Siempre está usando su voz y su plataforma por el bien mayor, para entregar mensajes importantes sobre causas sociales, humanitarias y el medio ambiente”.

La compositora nacida en Estados Unidos recuerda su último paso por Argentina con cariño: “Amé la experiencia de conocer la cultura de Buenos Aires, lo cual incluye disfrutar de las comidas, museos, parques y hasta ver a Boca Juniors, lo cual fue muy divertido”. Y agregó sobre la visita a La Bombonera: “La pasión y energía de ese partido fue un punto culminante en mi vida”.

En noviembre de 2019 tuvo un encuentro con Alberto Fernandez para hablar sobre “Pathaway to Paris”, la organización que cofundó. “Fue un evento hermoso y tuvimos muchas reuniones productivas”, recordó. La pandemia pospuso su nueva visita al país: “Teníamos que volver pero lo pospusimos por todo lo que está pasando con el Coronavirus.

Tenemos mucho trabajo por hacer”.

#pandora

Jóvenes en orquestas escuela: la construcción de una identidad en

La música como modo de resistencia y expresión.

Este concepto se plasma en las orquestas juveniles de zonas vulnerables y se lo lleva como bandera. La idea de estas escuelas viene a despertar una identidad colectiva central y fundamental. Se involucra ahí la construcción de una comunidad y un sentido de pertenencia. Además, se devuelve un derecho vulnerado: el acceso a la cultura. Democratizar el arte, esa es la cuestión.

El Centro Artístico Solidario (CASA) es un centro de enseñanzas gratuita a niños, niñas y adolescentes que existe hace nueve años. “Éramos un grupo de cuatro estudiantes de la UCA, de distintas carreras. Empezamos a hacer un voluntariado y hacia el final, decidimos que queríamos seguir con el proyecto”, comentó Mailen Ubiedo Myskow, una de las creadoras de CASA. La idea inicial de la escuela era enseñar música clásica y popular; que fuera como un conservatorio.

“La universidad hizo nexo con Gustavo Carrara, uno de los curas villeros de la 1-1114 y nos prestaron la estructura de la iglesia para que podamos enseñar. En ese momento, era un galponcito, ahora es una mega escuela”, contó Mailen.

Después de dos años de asentarse en Bajo Flores, CASA también abrió una nueva sede en

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Foto: Px Here

Belén Rossi

Organizaciones brindan apoyo a través de la música a chicos y chicas en un contexto lleno de carencias.

Villa Soldati a través del Instituto Nuestra Señora de Fátima, donde hacen un trabajo en conjunto con la escuela.

Por su parte, la orquesta La Pandilla se creó en el contexto de la organización Fundación Isla Maciel, que ya lleva 12 años en el barrio. “Hacemos distintas acciones en relación a un proyecto integral de la infancia: la orquesta está en ese marco”, expresó el director de dicha fundación, Claudio Freda. La referencia fue el programa nacional de coros y orquestas infantiles y juveniles que comenzó en el país en 1998. Originalmente, no eran una organización elegible para el programa, ya que el proyecto del Ministerio de Educación se implementaba en escuelas, pero buscaron alternativas.

En 2017, comenzaron las primeras reuniones: se juntaron varias organizaciones y se armó una mesa de trabajo por La Pandilla. El objetivo era restituir la orquesta del barrio (ya que la que había, por parte de la Universidad Nacional de Avellaneda se mudó a Wilde) y poder tener una en la fundación. El 1° de agosto de 2018, salieron a las calles del barrio con los instrumentos en mano para atraer a los alumnos. A la semana, ya habían completado el cupo de 25 integrantes.

Uno de los primeros pasos que tuvieron que dar ambos centros fue la compra

sual, se refuerza la educación con arte y deporte: son dos pilares que apoyan y aportan a otro tipo de inteligencia. En general, no se cumple esto en las escuelas que pueden acceder estos chicos”, admitió Mailén. Asimismo, refuerza la idea de que, a pesar de que en Argentina hay institutos gratuitos de música (como conservatorios), muchos de estos jóvenes no saben de su existencia. Según Mailén, CASA puede ser también un nexo: “El hecho de poder acercarle un instrude los instrumentos. En La Pandilla se pudo mento gratis, que lo pueda estudiar y que vaya acceder a ellos mediante un recital que brin- a clases a la vuelta de su casa, sin necesidad de que ningún familiar lo lleve: eso despierta una dó Miguel Ángel Estrella a beneficio en el Teatro Roma en 2017. Así, pudieron adquirir los vocación que hace que después pueda llegar a de cuerda. Para conseguir los de viento, recu- un conservatorio o que simplemente pueda irle rrieron a donaciones particulares y al apoyo de mejor en la escuela”.

zonas vulnerables

Foto: Orquesta La Pandilla

algunas instituciones como el Colegio de la Ciudad, SADAIC, AADI, el colectivo de artistas de la música, entre otros.

Desde CASA, los directores aportaron sus instrumentos viejos. Después, redactaron proyectos para distintas entidades públicas y privadas. Con el primero que ganaron, compraron la orquesta de cuerdas completas. A partir de esa compra, se pudo empezar la convocatoria de docentes y alumnos.

Uno de los puntos fundamentales de estas instituciones es la democratización de la cultura. Que los chicos y chicas que participan tengan la oportunidad de hacer algo relacionado al arte y que puedan encontrar un modo de expresarse. “En las escuelas de gran cuota men-

Aunque el principal objetivo de estas escuelas es generar un espacio de contención, también se producen otros avances en el crecimiento de los niños, niñas y adolescentes que participan. Desde la orquesta La Pandilla, buscan enmarcar el proyecto en el desarrollo integral de las infancias: mejorar su aprendizaje desde la enseñanza musical y también su socialización. A la vez, generar un sentido de pertenencia entre los jóvenes. En CASA, estos cambios -especialmente a nivel educacional- se vieron plasmados gracias a su colaboración con el Instituto Fátima. Mailén contó que evidenciaron casos de chicos que no se podían vincular con sus pares, que no podían concentrarse o que se portaban mal: en todos vieron cambios

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positivos. “Además, muchos se abrieron y contaron problemáticas de violencia, abusos o falta de comida”, agregó.

Claudio Freda también remarcó la importancia el rol de la orquesta en la comunidad. La Pandilla brindó diversos conciertos en Isla Maciel, lo que hizo que los vecinos puedan tener acceso a la música y que los chicos muestren su arte. En paralelo, se presentaron en el Teatro Roma con artistas reconocidos como Mavi Díaz, Patricia Sosa y Eruca Sativa. “Fueron protagonistas absolutos y eso también resignifica el lugar de las infancias en su barrio. Es reivindicar la cultura local a través de la música. Porque es una sinfónica que también toca “Bombón Asesino” o rock and roll. El acceso a derechos y es central en la dimensión del desarrollo, acompañado. Entonces, ahí se inscribe la orquesta”, admitió.

El futuro parece ser cada vez más incierto, pero ambas escuelas no dejan de proyectar y plantear objetivos. En CASA, planean obtener la personería jurídica (una cuenta y nombre legal) para poder trabajar

como una entidad y así recibir mente, está reducida a 25/30 más dinero. De esa forma, po- alumnos y quieren que particidrían generar más convenios pen entre 60 y 80. “Necesitamos

y establecer otras unidades.

“Nuestro sueño es poder tener una sala teatral. Por lo menos en el Bajo Flores. En el sur no hay muchas salas que tengan una idea del under y dónde ensayar”, dijo Mailén. Con esta estructura, no solo podrían impartir las clases en lugares más preparados a nivel sonoro, sino que permitiría que los vecinos de la 1-11-14 puedan acercarse, escuchar obras y que otros grupos se puedan presentar.

En La Pandilla buscan completar su orquesta. Actual-

estar en el marco de un programa que permita financiarnos, porque vamos a necesitar más docentes (actualmente hay tres profesores que enseñan dos instrumentos cada uno)”, admitió Claudio. Además, dijo que si bien plantean al proyecto dentro de la lógica del desarrollo integral, quieren el grupo forme y promueva la música popular. “Queremos involucrar otros elementos de la música popular, como instrumentos de viento del norte argentino”, concluyó.

EDUCAR EN TIEMPOS DE CORONAVIRUS

Con la pandemia y el confinamiento obligatorio, se evidenció aún más las dificultades que atraviesan los jóvenes de zonas vulnerables.

Tanto Claudio como Mailén coinciden en que no todos los chicos tienen un teléfono celular. Y en caso de tenerlo, muchos no pueden acceder a la conexión de internet. Desde ambas escuelas, se hace un acompañamiento y seguimiento de la situación de las familias. “No queremos que lo que generamos se rompa, es importante la proximidad y el vínculo que se generó este tiempo. También, queremos que los pibes y las pibas tengan la oportunidad de seguir haciendo algo

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que le gusta, más en este contexto”, manifestó Claudio Freda, referente de la orquesta La Pandilla. Mailén, por su parte, aclaró que en el Centro Artístico Solidario hoy la prioridad es que las familias tengan acceso a los productos de primera necesidad como comida y elementos de higiene. Para eso, los profesores brindan clases particulares a quien quiera por un valor de 500 pesos. A la par, realizan solicitadas solidarias a través de sus redes sociales. “Cada 15 días vamos a los barrios a llevar comida. El presupuesto es alto: en ese lapso tenemos que juntar 50 mil pesos”, afirmó.

marina fages - el emergente - 2020 - agustín lamas

BARCO - NICETO - 2019 - AGUSTÍN LAMAS

WOS - FESTIVAL MASTAI - 2019 - CRISTIAN SANGERMANO

LOUTA - fESTIVAL BUENA VIBRA - 2019 - ESTEFANÍA FLORES

CDLQ - MALVINAS ARGENTINAS - 2019 - C. SANGERMANO

CIRO - COSQUÍN ROCK - 2020 - MAY SUÁREZ

DIVIDIDOS - COSQUÍN ROCK - 2020 - FLORENCIA ZUFIAURRE

MON LAFERTE - COSQUÍN - 2020 - F. ZUFIAURRE

CULTURA PROFÉTICA - MUSEUM - 2019 - GISELE DA SILVA

TAN - VORTERIX - 2019 - CINTHIA CARRIZO

LA VELA PUERCA - TEATRO FLORES - 2019 - MICAELA ROSSI

ABEL PINTOS - MDQ - 2019 - MICAELA MOURE

por Javier García Director

por Damián Basile Director

Amapola del 66 (Divididos) Slash (Slash)

2010

Jauría (Jauría) Slash (Slash)

La Mesa Está Servida (Los Pérez García) Wasting Lights (Foo Fighters)

2011

Ringo (Massacre) Wasting Lights (Foo Fighters)

Blanco (Eruca Sativa) Live in River Plate (AC/DC)

2012

Fábulas de la Locura (Zumbadores) Unorthodox Jukebox (Bruno Mars)

Fuego al Universo (Connor Questa) Surcando (4 Pesos de Propina)

2013

Fuego al Universo (Connor Questa) 13 (Black Sabbath)

Ciudad Oculta (Los Gardelitos) Érase (La Vela Puerca)

2014

Pesados Vestigios (La Renga) Hypnotic Eye (Tom Petty)

Los Amigo (Luis Alberto Spinetta) Drones (Muse)

2015

Tierra Nueva (Cielo Razzo) Meliora (Ghost)

Sexo con Modelos (Marilina Bertoldi) Blackstar (David Bowie)

2016

La Salvación de Solo y Juan (Los Fabulosos Cadillacs) The Book Of The Souls (Iron Maiden)

En El Desaprender (TAN) Villains (QOTSA)

2017

Agua Ardiente (Los Espíritus) Shade (Living Colour)

Bárbaros del Honor (Peligrosos Inocentes) El Mal Querer (Rosalía)

2018

Prender un Fuego (Marilina Bertoldi) Firepower (Judas Priest)

¡Salud! (Los Pérez García) When We All Fall Asleep, Where Do We Go? (Billie Eilish)

2019

Caravana (Wos) Fear Inoculum (Tool)

4345 (Miniaturas) Gigaton! (Pearl Jam)

2020

La Conquista del Espacio (Fito Páez) Whoosh! (Deep Purple)

por Hernán Osse Editor

por Pata Marsilla Redactor

Obsesionario (Tan Biónica) Por Lo Menos Hoy (NTVG)

2010

Amapola del 66 (Divididos) Entren Los Que Quieran (Calle 13)

A Propósito (Babasónicos) Wasting Lights (Foo Fighters)

2011

Parque de Depresiones (Guasones) Black And White America (Lenny Kravitz)

Blanco (Eruca Sativa) Music From Another Dimension! (Aerosmith)

2012

Fuego al Universo (Connor Questa) AM (Arctic Monkeys)

2013

Hijos del Mundo (TAN) El Tiempo Otra Vez Avanza (NTVG)

2014

Salpica (Mustafunk) Mon Laferte (Mon Laferte)

2015

Colectivo Vacío (Sara Hebe) Crosseyed Heart (Keith Richards)

Sexo con Modelos (Marilina Bertoldi) 24K Magic (Bruno Mars)

2016

Siglo Pánico (Sueño de Pescado) “Awaken, my love!” (Childish Gambino)

Más Fuerte, Más Alto, Más Lejos (Los Pérez García) Dua Lipa (Dua Lipa)

2017

En El Desaprender (TAN) La Trenza (Mon Laferte)

Prender un Fuego (Marilina Bertoldi) Norma (Mon Laferte)

2018

Prender un Fuego (Marilina Bertoldi) Heart to Mouth (LP)

Cabildo y Juramento (Conociendo Rusia) When We All Fall Asleep, Where Do We Go? (Billie Eilish)

2019

La Peste del Cazador (La Chancha Muda) Norman Fucking Rockwell! (Lana del Rey)

Los Años Futuros (1915) After Hours (The Weeknd)

2020

Demos en Aislamiento (El Plan de la Mariposa) Rough And Rowdy Ways (Bob Dylan)

Lima (Kapanga) The 2nd Law (Muse)

La Luna Hueca (Skay y Los Fakires) AM (Arctic Monkeys)

No Se Lo Cuentes a Nadie (Los Pérez García) Érase (La Vela Puerca)

JÓVENES PORDIOSEROS - LA TRASTIENDA - 2017 - CINTHIA CARRIZO

FITO PÁEZ - PLAZA DE LA MÚSICA - 2018 - MAY SUÁREZ

PECES RAROS - LA TANGENTE - 2019 - AGUSTÍN LAMAS

LA RENGA - SAN LUIS - 2018 - FLORENCIA ZUFIAURRE

ATTAQUE 77 - LA TRASTIENDA - 2016 - VANESSA AZUAGA

INDIO SOLARI - TANDIL - 2016 - GUS ARRELLAGA

EAGLES OF DEATH METAL - LOLLA ARG - 2016 - ANTONELLA MALACHITE

PLAN 4 - VORTERIX -

ROB ZOMBIE - MAXIMUS FES

EL BORDO - LUNA PARK - 2016 - CINTHIA CARRIZO

VIRNA LISI - GROOVE - 2018 - SOFÍA VARACALLI

LAS PELOTAS - ROCK EN BARADERO - 2020 - CRISTIAN SANGERMANO

MAKE MAMA PROUD - LA TANGENTE - 2019 - AGUSTÍN LAMAS

- 2018 - JUAN PARADEDA

STIVAL - 2018 - HÉCTOR PALACIOS

SKAY - COSQUÍN ROCK - 2017 - FLORENCIA ZUFIAURRE

por Catalina Nocino Redactora

por Luciano capristi Redactor

Amapola del 66 (Divididos) Entren Los Que Quieran (Calle 13)

2010

El Festival del Beso (Pablo Malaurie) My Beautiful Dark Twisted Fantasy (Kanye West)

Non Stop (Dancing Mood) Let England Shake (PJ Harvey)

2011

Mugre (Acorazado Potemkin) Strange Mercy (St. Vincent)

El Amor Después del Amor 20 años (En vivo) (Fito Páez) Porfiado (Cuarteto de Nos)

2012

Puentera (Sara Hebe) Good Kid, M.A.A.D. City (Kendrick Lamar)

Pajaritos, Bravos Muchachitos (Indio Solari) Random Access Memories (Daft Punk)

2013

Wed 21 (Juana Molina) The Next Day (David Bowie)

Locales Calientes (Guasones) En Vivo - Buenos Aires (NTVG)

2014

Huellas Digitales (Eruca Sativa) Its Album Time - Todd Terje

Tierra Nueva (Cielo Razzo) Currents (Tame Impala)

2015

La Rabia Que Sentimos Es El Amor Que Nos Quitan (Los Rusos Hijos de Puta) Vulnicura (Bjork)

Sexo con Modelos (Marilina Bertoldi) Muerto pero Vivo (4 Pesos de Propina)

2016

El Engranaje de Cristal (Skay y Los Fakires) Anti (Rihanna)

2017

Vacíos y Variables (Pyramides) Melodrama (Lorde)

Enchastre (Louta) 15 años (Agarrate Catalina)

2018

Copia Viva (Los Besos) Simulation Theory (Muse)

Politicalpari (Sara Hebe) When We All Fall Asleep, Where Do We Go? (Billie Eilish)

2019

Chonga (Cachitas Now!) Igor (Tyler, The Creator)

Ubicación en Tiempo Real (Barbi Recanati) Colores (J Balvin)

2020

Ya No Mires Atrás (Luis Alberto Spinetta) Likewise (Frances Quinlan)

Repuesto de Fé (Babasónicos) 20 Años: Festejar para Sobrevivir (La Vela Puerca)

por Fernanda Arnaud Redactora

por Leandro Bukka White Redactor

Amapola del 66 (Divididos) Brothers (The Black Keys)

2010

Amapola del 66 (Divididos) Plastic Beach (Gorillaz)

El Mezcal y la Cobra (Catupecu Machu) Suck It And See (Arctic Monkeys)

2011

Ringo! (Massacre) El Camino (The Black Keys)

Chances (IKV) Good Kid, M.A.A.D. City (Kendrick Lamar)

2012

Romantisísmico (Babasónicos) Random Access Memories (Daft Punk)

2013

Locales Calientes (Guasones) La Llamada (Ismael Serrano)

2014

Casi Justicia Social (Don Osvaldo) What Went Down (Foals)

2015

El Dilema del Origen (Poseidótica) Currents (Tame Impala)

Remontando Paracaídas (Raízarbol) Everything Youve Come to Expect (The Last Shadow Puppets)

2016

Sexo con Modelos (Marilina Bertoldi) The Getaway - Red Hot Chilli Peppers)

II (Usted Señalemelo) Flower Boy (Tyler, The Creator)

2017

Cría (Duratierra) Musas (Natalia Lafourcade)

El Ruiseñor, El Amor y La Muerte (Indio Solari) Swimming (Mac Miller)

2018

El Ruiseñor, El Amor y La Muerte (Indio Solari) Slow Air (Still Corners)

Caravana (Wos) Sugar (Brockhampton)

2019

Caravana (Wos) Fear Inoculum (Tool)

La Conquista del Espacio (Fito Páez) The New Abnormal (The Strokes)

2020

Explicaciones (Micaela Basadoni) Gigaton! (Pearl Jam)

Mundo Anfibio (Lisandro Aristimuño) Celebration Day (Led Zeppelin)

El Limacoco (El Limacoco) Random Access Memories (Daft Punk)

Raíz Spinetta (Varios Artistas) Lazaretto (Jack White)

#ROCK

Foto: Rocambole

en todas partes: poly Junto a Skay y el Indio, Carmen Castro configuró el triángulo equilátero de la corona invisible que llevó el espíritu de Patricio Rey. Su figura fue prácticamente una excepción en el mundo rockero marcadamente masculino del siglo pasado.

Pata Marsilla

Con las palabras que titulan esta nota, Los Redondos resumieron las tareas de una de sus líderes en la carátula interna de Luzbelito, nada menos. ¿Cuántas personas se necesitan en la actualidad para hacer todo lo que aportaba ella en la mítica banda? El componente espiritual que le aportan a la que se puede llamar “manager”, deja la pregunta sin una respuesta posible. El ascenso under en los 80s culminó con la bisagra en tiempo de descuento: durante diciembre de 1989 el grupo desembarcó por primera vez en Obras Sanitarias. La década del 90 fue la etapa de estadios, pero siguieron manejando todo de forma netamente independiente, amparados por la figura omnipresente de La Negra.

Suele ser complicado situarse en el imaginario de contextos anteriores. Hace 3 años, en 2017, el movimiento feminista instaló el debate sobre las mecánicas machistas en el pequeño mundo del rock argentino. Fue deber de todas las personas cuestionar las actitudes y costumbres que se ubicaban en diferentes lugares de acción u omisión de estas prácticas. Sin ir más lejos, la última edición del Cosquín Rock fue uno de los primeros sectores de la cultura antes llamada “rock chabón” que tuvo que modificar su estructura para incorporar el 30% de cupo femenino que establece la reciente Ley. Las cuestiones que eran habituales antes del movimiento de mujeres ya parecen muy lejanas, pero para ubicarnos en el presente donde una banda masiva conquistaba estadios de fútbol de forma independiente, imponía formas de trabajo y desoía constantemente los manda-

tos de “la sociedad” bajo la conducción de una mujer, hay que retroceder décadas.

En esta suerte de viaje en el tiempo cuesta imaginar cómo era la dinámica de trabajo en un ambiente netamente masculino y presumiblemente machista. Basta con repasar que algunas grandes negativas a nombres importantes fueron por no querer participar del programa de Juan Alberto Badía, o por rechazar un ofrecimiento de mucho dinero por parte de Daniel

Grinbank quien quiso ponerse a cargo del grupo promediando los 90s. Este último, finalmente, sería parte de una co-producción para el arribo de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota al estadio con mayor capacidad de la Cuidad de Buenos Aires, en el año 2000. Hubo que llegar a ese punto de convocatoria para que Poly hiciera una concesión dentro de su fundamentalismo independiente. No es un dato menor considerar que después de una década realizando recitales en canchas de fútbol, aquel en El Monumental fue el primero donde el staff debió utilizar credenciales de acceso. El contexto era muy distin-

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to del actual, por donde se lo mire.

Hoy (y entiéndase como “hoy” todo momento previo al aislamiento) el público de recitales en general y del rock en particular, entiende de forma más clara que pagar una entrada brinda derechos como espectador del mismo modo que le brinda responsabilidades a la organización del espectáculo. Esto viene de la mano de un crecimiento del show business que ve en los recitales multitudinarios enormes oportunidades económicas y necesita que asistir a ese tipo de eventos no configure un riesgo de ningún tipo.

Entonces, hay que situarse en la nefasta década del 90. Los datos duros dicen que esa juventud en la que hoy se puede reconocer el futuro y a la que se intenta cuidar como tal, en ese entonces era la cara más dura de la exclusión cultural y económica que proponía la gestión de Carlos Menem.

Sus vidas no valían, sus sueños no valían, su tiempo no valía.

Ese corso les bailaba fuerte en la cabeza y era espantado ocasionalmente por los susurros especiales de Patricio Rey. De

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todas formas, su lugar de encuentro sucedía en el mundo real. No era tiempo de luchas con correcciones políticas ni abrazos colectivos. Eran tiempos de guerra que recrudecerían. Las filas ricoteras ya habían sufrido bajas y el mensaje era que estaban perdiendo.

Todos estaban perdiendo. Pero el mal imponía la cultura y decía que estaban ganando, como sucedió incontables veces antes de que se pluralizaran las voces y se democratizara el aire, que le pertenecía monopólicamente a la gran voz argentina.

¿Sorprende, en el contexto de la noche gris que significó el menemismo para el sector popular argentino que las apariciones de Patricio Rey estuvieran marcadas por las marginalidades? De ley, de cuidado, de conciencia. La noche de diciembre del 1994 en el estadio de Huracán, estaba caldeada desde temprano. Afuera, un grupo pequeño había apretado a Claudio Quartero (hijo de la negra Poly y colaborador en producción del grupo) para que le liberara una puerta “o les tiraban un fiambre”. Adentro, ya se había extinguido la

lona que cubría el césped y había ardido en una fogata. Ahora el campo era el escenario de una batalla campal y las miradas iban dirigidas a ella, para que calmara a las fieras. La negra puso a sonar a Tchaikovsky, un compositor de música clásica histórico, y mágicamente la violencia acabó.

¿Alguien más podría haber imaginado que era esa la solución? La respuesta quizás se encuentre en que Poly no estaba ahí de casualidad. Indio y Skay Beilinson no formaron una banda y en un momento decidieron que preferían tener alguien que hiciera las veces de mánager para descansar responsabilidades. No. La leyenda de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota se forjó al calor de los corazones de estas tres personas que quizás no se hayan trazado como objetivo resultar el grupo más convocante del país. Seguramente se hayan sorprendido al encontrar sus fieles en los márgenes de todo margen, pero siempre fueron consecuentes con su rol y asumieron la responsabilidad de algo muy importante: cuidar de su público.

Del mismo modo que revisamos aquella época con la óptica del presente, quizás debamos entender que más

allá de lo disruptiva que pudo ser la presencia de La negra en el mundillo rockero de los 90, seguramente hubo muchas situaciones que respondían a los roles de género de aquel tiempo. Si en el 2020 aún se intenta dejar de perpetuar a las mujeres y madres en el papel de cuidadoras, resulta lógico suponer que el espíritu de Patricio Rey velaba por sus fieles gracias a la intervención de Poli. No fue magia, los condujo una mujer.

El escritor y periodista Enrique Symms, personaje satélite del grupo que supo realizar monólogos para abrir los shows ricoteros, realizó una suerte de disculpa pública hacia Poly cuando su relación con la banda no gozaba

los placeres de antaño. Quizás sus palabras sirvan como una descripción apasionada y descorazonada a la vez: “Ella siempre estuvo ahí. Con el culo en la calle, peleando en el bar con 20 imbéciles cretinos para salvar la sarnosa fiera a punto de ir presa, con el duro culo que le permite bancarse el peor papel de la obra: el del malo, el del perseguidor, el del almacenero que hace los números, el que echa soberbiamente o recibe con una errada humildad, malvadamente precisa o arbitrariamente pasional, eligiendo a veces con la mirada de la conveniencia que enseña la calle y otras con la pasión loca de una cabra bruja”.

En la lámina interna de Un baión para el ojo idiota

(1987, tercer disco de la banda), la ficha técnica reza “Nueve milímetros: Poli”. El guiño hace referencia a una historia incomprobable, que tuvo cierto revuelo en la prensa, donde decían que La Negra ostentó un arma para dar fin a las evasivas que llegaban a la hora de cobrar algún show. El lugar que ocupa Carmen Castro en el universo ricotero la ubica en posiciones más cercanas a “ingeniera psíquica”, “arte de magia” o “la hechicera” que soldaba “corazones con sus caricias” (según la recopila la vida discográfica del grupo en sus créditos) que a la de una patotera armada. Abrirse paso en el antiguo mundo del rock de forma independiente y siendo mujer, debe haber sido más bien obra del arte que de la violencia. Si a Skay le cantan que es el corazón, si Solari se adjudica cierta potestad como el cerebro del grupo, a Carmen Castro le quedaría ser el cuerpo. Pero hablamos de una deidad, de un ser sin forma física, de un dios nuevo y mejor hecho. Entonces, no caben dudas: la negra Poly es el espíritu de Patricio Rey.

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#ROCK

EL ROCK COMO TODO LLANTO Joaquín Vacca

¿Cómo formar un circuito para que una banda pueda progresar sin morir en el intento? El laberinto que atrapa al under.

Tras el auge que tuvo el rock barrial entre 1994 y 2004, el sub-género doméstico fue perdiendo terreno hasta ser reducido a la mínima expresión, en contrapartida con la expansión ilimitada del indie y (ni hablar) el mercado mundial de música pop y rock mainstream.

Cromañon, dólar, cambios de paradigma, disolución de grupos legendarios, generación Z con otros gustos…

Se puede armar una ensalada y discutir como ya se ha hecho en miles de notas; lo importante es poder dar vuelta la página y reflexionar acerca del presente.

Como reza el título y tal cual lo hace Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota en ‘Preso en mi ciudad’ (todo se relaciona, modo pandemia),

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Foto: Agustín Lamas

el rock local llora porque está pasando hambre. Vive de recuerdos y se está comiendo las reservas de lo que el glorioso pasado le dejó.

En la primera década del milenio ya se le venía advirtiendo que si no se amoldaba a los nuevos tiempos, los vientos de cambio no lo adoptarían para emprender ese viaje de revolución constante del cual se ha jactado entre los ’60 y ’90.

Como si eso fuera poco, la competencia con la vidriera gringa es tan desleal como lo era la indus-

tria nacional con la china hace 30 años. Es verdad que la ingeniería en cuanto a publicidad y marketing que manejan las empresas que están a cargo de los artistas internacionales no tienen punto de comparación con las locales, pero la idea es poder formar un espacio de reflexión y detectar los puntos clave para crear un circuito sustentable para todos los grupos de rock.

Un asunto tan imprescindible como sufrido es el económico.

Hasta hoy es casi utópico poder

diseñar un ambiente nacional para que todos los artistas puedan viajar, tocar en cualquier lugar del país y generar ganancia en todos sus shows con una economía tan impredecible como la gambeta de Lionel Messi. Estados Unidos es una nación ejemplo en este sentido: para una banda común y corriente no es algo descabellado agarrar la camioneta, encarar la ruta 66 y explorar diferentes pueblos y ciudades en búsqueda de nuevos seguidores, aún sin demasiada publicidad previa. La cultura musical está arraigada fuertemente en varios géneros, los músicos no se encierran en su lugar natal por miedo a perder su valiosa inversión y además pueden costear extensos recorridos.

Varios músicos locales aportaron su mirada sobre un terreno en el que tienen experiencia suficiente para opinar acerca del actual momento del rock argentino. Tal es el caso de Tom Quintans, guitarrista y cantante de Bestia Bebé, banda consolidada dentro del under. “Para que un grupo local pueda subsistir debe haber una industria sólida que le permita crecer y un circuito musical en todo el país apoyando, a diferencia del actual, el cual está centralizado en Buenos Aires. Debería ser totalmente normal y potable tocar en ciudades como Rosario, Córdoba, el norte y el sur de Argentina y que sea una posibilidad para todas las bandas, no solo para las grandes”. En este sentido, Quintans agregó que “en Estados Unidos y Europa existe esta opción por parte de los artistas independientes de tocar en todos lados con el apoyo de las disquerías y los festivales (pre-

tarrista de El Mirador) expresó que “una cerveza no puede ser más cara que un show”. Además, agregó: “Existe una falsa creencia de que lo nacional no es tan bueno como lo importado, factor que termina influyendo competitivamente”. “Las bandas internacionales no tocan frecuentemente en Argentina, por ende uno está más dispuesto a pagar entradas caras, ajustar el cinturón y resignar otros recitales nacionales de bandas amigas”.

Hay varios puntos en común en la opinión de los músicos. Está claro que la comparación directa entre lo internacional y lo nacional arranca con desigualdad de condiciones debido a diferencias en presupuesto, marketing, publicidad, costos, trayectoria y hasta modas impuestas. En contrapunto, no significa que todo lo importado sea excelente ni que lo nuestro sea necesariamente “carente de contenido artístico”. Si se busca en la historia del rock local, se encuentran casos de grupos que arrancaron desde abajo, ascendieron al mainstream doméstico manteniendo la esencia independiente y han Foto: Agustín Lamas marcado su propia impronta. cado”. “Si una banda toca a las Los Redondos, Las Pelotas, El 3 am, pide una lista intermina- Mató un Policía Motorizado, La ble de invitados y consumicio- Renga y Hermética son algunos nes, es muy complicado que ejemplos.

Todos coinciden en que con esa forma de ser pueda progresar”, detalló Goodblood. es vital la formación de un cir“Obviamente que si estás en un cuito sustentable para ganar en país que vive en crisis tu em- competitividad y ayudar a que prendimiento también tamba- cada integrante pueda vivir de lee. Pero a mi parecer, si no se la música y que no signifique cambia la parte cultural todo lo una odisea para unos pocos.

Con medidas que sirvan para otro no servirá de nada”.

Muchas veces, se desco- ese crecimiento, un cambio en nocen los altos costos de pro- la cultura del género y proyecducción de un show. Es así que ción a largo plazo, eso es más Juan Ignacio La Fontaine (gui- que posible. ¡Que sea Rock!

sentes en cada ciudad), asumiendo que la fuerte economía de dichas zonas influye en para que esa sustentabilidad sea realizable”.

John Goodblood es integrante de Harm and Ease, Electric Child y también es conocedor del circuito de bares porteños. Muy crítico del paradigma que arrastra la generación surgida en Cemento y Cromañon, afirma que “gran parte de las bandas de dicha época carecen de conocimientos para ser sustentables y que arrastran hábitos pocos profesionales que contrastan con la formación de un circuito unifi-

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#pandora

atractiva, original y joven

Foto: Don Arnold

El negocio de la música a escala mundial pone pautas y exigencias para las artistas mujeres, fijándose en cuerpos, edades e imagen.

La importancia de estar a la altura.

Julia Maestri

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Afirmar que los mandatos sociales y de género operan de manera distinta en hombres y mujeres no es ninguna noticia. Bien sabido es que generalmente se esperan determinadas conductas y comportamientos tanto para unas como para otros. Sin embargo, resulta interesante ver cómo los estereotipos patriarcales se entremezclan con la industria de la música y sobre todo allí donde más dinero mueve. ¿Cómo se vinculan en Estados Unidos las cantantes pop, su deseo de permanecer en el top de los charts pero a la vez, con su anhelo de desligarse de los dogmas? ¿Cuál es el precio a pagar cuando se quiere ser un poco más libre pero, a la vez, continuar siendo exitosa?

Primero los números: en Estados Unidos durante 2019, la industria musical alcanzó los $11.1 mil de millones de dólares y el 79% de esas ganancias, perteneció a transmisiones a través de plataformas de streaming. Quien lideró las ventas durante el año pasado fue la cantante Taylor Swift, que en agosto lanzó su séptimo ál-

bum de estudio, “Lover”, y un documental en Netflix llamado “Miss Americana”.

Curiosamente, en el documental Swift se refiere a los imperativos que tuvo que obedecer a lo largo de su carrera musical con tal de mantener determinado nivel de ventas y continuar, así, siendo exitosa.

“Es difícil procesarlo porque vivimos en una sociedad en que las mujeres del espectáculo son material descartable cuando cumplen 35 años. Todas son un juguete nuevo y brillante por dos años”, explica. Y posteriormente, reflexiona a partir de sus diez años de experiencia como cantante profesional: “Las artistas mujeres que conozco se han reinventado a sí mismas 20 veces más que los artistas masculinos. Deben hacerlo porque si no te quedas sin trabajo”. Y ahí radica la cuestión para ella: “Constantemente tienes que encontrar nuevas facetas tuyas que a la gente le resulten atractivas, ser original, y mantenerte joven”.

Atractiva, original y joven son, en palabras de la cantante que más dinero recaudó en 2019, las claves para mantenerse vigente en la industria.

Swift, de hecho, a lo largo de su carrera pasó de ser una adolescente y estrella country con botas texanas y guitarras acústicas, a una cantante ya madura y adulta cuya música incluye referencias a discos pop de los noventa, sintetizadores e incluso, sumó raperos en forma de featuring. Ser innovadora y presentar nuevas aristas de sí misma le permitió seguir manteniéndose en el radar y, efectivamente, fue la primera mujer en ganar el Grammy al Álbum del Año en dos géneros musicales distintos, galardón

discos femeninos iconicos (2010-20)

EN ESPAÑOL

mon laferte mon laferte (2015)

rosalía el mal querer (2018)

Marilina Bertoldi prender un fuego (2018)

EN inglés

taylor swift 1989 (2014)

lorde melodrama (2017)

billie eilish when we all fall asleep... (2018)

que ningún hombre logró.

Billie Eilish admitió vestirse con ropas holgadas que cubrieran todo su cuerpo, para evitar comentarios del tipo sexual.

LA IMPORTANCIA DE LOS LOOKS

En el documental “Miss Americana”, mientras la voz en off de Swift da una categórica opinión sobre los requisitos de la industria de la música y la prensa para con sus pares femeninas y ella, se muestran imágenes de la propia cantante en sus primeros años de carrera, cuando apelaba al recurso constante de cambios de vestuario en el escenario a modo de sorprender al público. Y es que además del talento, los atuendos juegan un rol fundamental en el impacto que una artista puede tener.

Si de looks se trata, es menester hablar de Lady Gaga.

La cantante estadounidense de 34 años y 6 álbumes de estudio en su haber, ha dado que hablar en más de una oportunidad con sus outfits en presentaciones y alfombras rojas, que le han brindado una fama de “extravagante”. Lo que no todos saben es que sus looks excéntricos esconden un mensaje de liberación para todos aquellos discursos que ella siente opresores.

Lessie es periodista especializada en moda y, ade-

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más, fanática de Lady Gaga. En sus redes sociales comparte constantemente consejos para vestir todo tipo de cuerpos, informa a sus seguidores sobre historia y tendencias actuales, y también recomienda tiendas para comprar ropa sin gastar de más. Su relación con la moda es innegable y es por eso que la cantante estadounidense le resulta un caso interesante para analizar la relación entre cantantes pop, su vestimenta y los requisitos que deben cumplir.

El estilo Gaga no es raro porque sí, sino que “es su manera de seguir teniendo el control de su obra”, comienza Lessie. Pero, ¿a qué se refiere?

En una industria en donde muchos consideran que lucir bien siendo mujer es casi tan impor-

foco en que la cantante “siempre se puso lo que quiso y no tuvo reparos en ponerse cosas diferentes, raras o que no se espera que se ponga”.

DECIRLE CHAU A LA NENA DISNEY

Además de reinventarse musicalmente y de innovar con su imagen, muchas cantantes que comenzaron sus carreras de niñas, deben despedirse de sus looks “inocentes” y abrazar otro completamente diferente.

Hace años que Disney es el semillero de cantantes pop de nivel internacional.

Desde Britney Spears hasta Martina “Tini” Stoessel, en nuestra propia tierra, el canal estadounidense ha servi-

trabajar en tiras o programas infantiles y ya no están más bajo el ala Disney, las jóvenes se reinventan totalmente. Se despojan de su aspecto “´puro” y adoptan uno mucho más provocativo, para un público considerablemente mayor y con letras que tocan temas como el alcohol, sexo y relaciones. Su atractivo a explotar pareciera radicar, ahora, en la metamorfosis entre producto inocente a mujer seductora y atrevida.

LA COSIFICACIÓN DE LA MANO

Cuando a una cantante mujer se le exige que adopte una pose provocativa, gran parte del público e incluso la prensa, se focaliza en los cuerpos de las artistas y menos en

Foto: Getty Images

tante como hacer buena música, poder decidir qué vestir y qué no, no es un asunto menor.

“Lady Gaga sabe que hay cierta expectativa en tanto a cómo se tiene que ver artista de pop mujer: sexy, provocativa. Es por eso que ella trata de ponerle un toque raro, feo o disruptivo para seguir teniendo el control creativo de su obra y de la forma en que luce, para no ser solamente un producto de entretenimiento”. Por último, hace

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do como plataforma para que muchas artistas llegaran a sonar en radios de todo el mundo, una vez finalizados sus contratos con la empresa del ratón Mickey.

Desde Miley Cyrus y Selena Gómez, hasta Demi Lovato y Christina Aguilera pasando por Tini todas han abandonado, de manera lógica, sus personajes ficticios.

Sin embargo, el patrón parece ser el mismo: cuando dejan de

sus lanzamientos musicales.

Pero, ¿qué pasa cuando recibir comentarios sobre la propia imagen no son un precio que se quiera pagar?

Billie Eilish es la cantante más joven en haber ganado un Grammy por Álbum del Año en toda la historia. Lo logró a los 18 años y con su primer álbum de estudio, “When We All Fall Asleep, Where Do We Go?”, grabado en la habitación de su hermano, Finneas O’Connell,

Recomendadas de Rock and ball quien también colaboró con las letras, la música y se encargó de la producción.

Su entrada a la música no fue de la mano de ningún “cazatalentos”, sino que fue ella misma junto a su hermano, quien publicaba en internet sus canciones. Poco a poco, fue ganando oyentes en distintas plataformas hasta que Interscope Records le ofreció un contrato.

El hecho de haberse hecho a sí misma como cantante de manera independiente repercutió de manera sustancial en la forma de hacer música de Billie pero también, en su manera de vestirse y comportarse. Al ver que muchas de sus colegas jóvenes eran constantemente cosificadas y sexualizadas, incluso antes de comentar sus canciones, Billie -quien en ese entonces era menor de edaddecidió que no quería eso para ella.

Por ese motivo, Billie admitió que comenzó a vestirse con ropas holgadas que cubrieran todo su cuerpo, para poder evitar comentarios del tipo sexual y, además, porque le resultaban mucho más cómodas: “De esta manera, nadie puede tener una opinión sobre mi cuerpo porque nadie vio lo que hay debajo”.

1. lucy patane

2. marina fages

ATRACTIVA, ORIGINAL Y JOVEN Innovar per sé suele ser considerada una cualidad positiva: implica versatilidad y capacidad de reinventarse de acuerdo al contexto. Sin embargo, es importante como público poner el foco en cuando se prueban diferentes estilos de música no en pos de expandir los horizontes creativos sino para cumplir expectativas de afuera; cuando vestirse de una nueva manera responde a mandatos externos y no porque resulta interesante para una misma; y cuando el comportamiento se ve alterado por condiciones de otros y no va a tono con lo que la artista quiere expresar.

3. paula maffia

5. feli colina

4. loli molina

6. sobreviento

Fotos de cristian sangermano (1 y 3), julieta kinder (2), Cinthia Carrizo (4 y 6) y agustín lamas (5).

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#BALL

El club que le salvó la vida a elton john El cantante inglés compró el Watford, del fue que hincha desde que nació, en su peor momento y lo llevó a lo más alto.

Damián Basile

Foto: Watford Observer

El 26 de julio debe haber sido un mal día para Elton John. Claro, el con el 2-3 ante Arsenal en Londres, el Watford perdió la categoría en la Premier League y descendió al Championship. No alcanzó con propinarle la única derrota de toda la Premier al super Liverpool de Jürgen Klopp.

¿Qué tiene que ver una de las más grandes estrellas del mundo de la música con el humilde club que está geográficamente cercano a Londres?

Mucho. Mucho de verdad. El fútbol puede ser muchas veces una “mamushka” de historias y la que entrecruza al mejor ami-

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go de Lady Di y al club ubicado en las afueras de Londres, es una que tiene de todo. Él nació y creció ahí.

Pocos saben o conocen que Sir Elton fue presidente de este club en desde mediados de los setenta y durante casi todos los ajetreados ochenta.

Incluso, lo compró: “He sido presidente durante el peor período de mi vida. Años de adicción y depresión, de relaciones fallidas, malas decisiones, juicios y tormentos interminables. A lo largo de todo esto, Watford ha sido una fuente constante de felicidad para mí.

Si no hubiera tenido el club

de futbol, Dios sabe qué me habría pasado. No exagero diciendo que Watford tal vez me salvó vida”, escribió el artista en su autobiografía “Me” (“Yo”) revelando la historia.

Elton adquirió el elenco británico del que siempre fue hincha en momentos en que reinaba en el mundo de la música. Corría el año 1976 cuando y comprar el Watford, que deambulaba por la cuarta división del fútbol inglés, no parecía precisamente un “negoción”, pero para el cantante no era por el negocio, era por el amor. El amor al club, uno de los pocos -¿el único?- nexo con su padre. Mientras “Don’t Go Breaking My Heart” o “Sorry Seems To Be The Hardest Word” la rompían en los charts mundiales, en paralelo, John encaraba la reconstrucción de “su” club. Llegada de un patrocinio por 400 mil libras, remodelación del estadio, un nuevo DT y los éxitos deportivos empezaron a llegar en paralelo a los musicales, todo mientras atravesaba una zona oscura de su vida, repleta de adicciones:

sexo, drogas, rock and roll y fútbol. Así y todo viajaba desde París, donde estaba produciendo en aquel tiempo ¡dos! Álbumes al unísono, cada vez que su agenda de grabación lo permitía. Incluso a veces lo hacía en un jet privado junto a seis o siete personas. “Es importante para mí volver al club la mayor cantidad de veces que pueda”, solía decir en las entrevistas televisivas.

La primera temporada, la de 1977-78, terminó con el Watford campeón en la cuarta División y el ascenso a tercera.

En la siguiente, el equipo logró el subcampeonato y, por tanto, el ascenso al Championship, la segunda o “la b de allá”.

La escalada, en este punto, fue más lenta pero, en la 1981/82, el club se consagró segundo en ese torneo siempre largo y complicado y logró así el ascenso a la Primera Categoría de Inglaterra, que en ese momento aún no era conocida como la Premier League.

En cinco años, el equipo de Reginald Kenneth Dwight, el verdadero nombre de Sir Elton John, escaló 4 categorías y se subió a la élite. Pero no se conformó allí. Una vez afincado en primera, también buscó dejar su marca. El cantante buscaba para su carrera y también para su equipo la misma idea de éxito y excelencia.

La siguiente temporada, 1982/83, el equipo fue subcampeón y se metió en Europa. Quedó a ocho puntos del campeón, el mítico Liverpool de Bob Paisley. En el siguiente año, alcanzó el pináculo de los años de Elton al frente de la institución y sería otro equipo de Liverpool, el Everton, el que le impediría a John ganar su primer título. La final de la FA

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Cup 1983/84 puso cara a cara al Watford contra los “Tofees” y fue victoria de los de Merseyside 2-0. El partido contó con la presencia de Su Majestad, la Reina Isabel II, y terminó con el músico secándose las lágrimas, tragando la amargura de una desilusión deportiva. No la última ni la primera, pero quizás sí la más significativa de su vida.

El camino que unió a Elton y el Watford se extendió

de sus dos hijos, Zachary y Elijah, y su marido, David Furnish.

Envuelto en su bufanda amarilla con vivos rojos y negros y al borde de las lágrimas, tomó el micrófono y dijo desde el círculo central: “Es uno de los mejores días de mi vida. Saludo a los hinchas que me dieron tanto amor durante tantos años”. Vaya si lo valoran a Elton John en el Club. En el futuro, tal vez, también lo hagan con su hijo Zachary, de 8 años, que ya

Foto: Considerable

hasta 1990, cuando tras una sucesión de resultados deportivos no positivos y malas decisiones llevaron al club a segunda nuevamente. Entonces, el cantante vendió el club a Jack Petchey y, a cambio, se quedó con el rol de “presidente honorario” de por vida. Por ende, nunca dejó de ayudarlo: incluso en las peores épocas, organizaba recitales para juntar plata y comprar jugadores.

En 1997, año en que murió su amada Diana Spencer, el músico recompró al club, pero cinco años después se dio cuenta que ya no podía hacerse cargo de él con la excelencia que pretendía tener.

Una de las tribunas del “Vicarige Road”, la casa del Watford, lleva su nombre desde 2014. En aquel momento, cuando la inauguraron, John ingresó al campo de juego de la mano

fue fichado por las categorías infantiles del equipo.

El 19 de mayo de 2019, el Watford volvió a llegar al pináculo donde lo había dejado Elton. En una temporada en la que fue la revelación del fútbol inglés, el Watford consiguió llegar a la final de la FA Cup, donde esperaba el Manchester City de Pep Guardiola, que lo aplastó por 6-0.

Esta temporada, poco más de un año después, el equipo descendió. Demostrando que el club siempre tuvo altas y bajas, muy altas y muy bajas. Un espejo de lo que fue la vida de Elton John. “Tiene inimaginables altos y bajos igualmente devastadores”, dijo el artista en Twitter al presentar su autobiografía donde, por supuesto, el Watford tiene su lugar.

Charly García - The Roxy - 2016 - Daniela López

Animal - teatro flores - 2016 - agustina cornejo

Agarrate catalina - la trastienda - 2018 - gisele da silva

Louta - Konex - 2017 - cECILIA MARTIN

sig ragga - vorterix - 2016 - sofía pedraza

emmanuel horvilleur - buena vibra - 2018 - estefanía flores

deny - niceto - 2018 - agustín lamas

épica - teatro flores - 2019 - juan bertuggia

divididos - atenas (lp) - 2019 - juliana valdez

#SONANDO

el rap como motor de revolución Un repaso histórico por el camino a nivel local e internacional. Desde las culturas marginadas de Estados Unidos hasta los barrios más vulnerables de la provincia de Buenos Aires. Vida de un género que nunca negoció con el silencio.

Luciano Capristi

En la década de los 70s ocurrieron dos fenómenos musicales y políticos en los extremos de lo que actualmente se conoce como América, hoy sus repercusiones se entrelazan entre sí a ritmo de canciones de protesta y unos buenos beats.

Al mismo tiempo que en Estados Unidos el Ku Klux Klan y los partidos de derecha dejaban expuestos sus discursos de odio supremacistas, Argentina sufría una dictadura militar que secuestraba a bebes, censuraba y desaparecía personas. Cada región tenía distintos modos de expresarse y mientras la fogata clandestina se prendía en algún lugar de Buenos Aires para cantar unos temas en la guitarra, el hip hop nacía en aquellos barrios habitados por la comunidad afroamericana que convivía entre bombas y represión.

Al pasar los años las políticas neoliberales tomaron más partido y el estallido social llegó en 2001. La decadencia social en Latinoamérica decantó en el surgir de organizaciones populares, que vinieron con otro tipo de juntadas, donde los jóvenes se acercaban a escuchar discos y a com-

50

poner sus propias líricas de rap.

Previamente el género asomaba, aprovechando la “era de la globalización” que traía películas de break dance como Krush Groove o Beat Street. Primero fue México con el disco La Recta Final, de Vico C y después tuvo representación en Argentina a través del Sindicato de Hip Hop Argentino en los 90s. Era muy común ver personas reunidas en la Avenida 9 de Julio bailando al ritmo de Jazzy Mel o Vainilla Ice. Aunque la moda se disipó en la capital, muchos tomaron la impronta y la apropiaron con sus realidades, dotándolas de una identidad bien marcada dentro del conurbano, como fue el caso del partido de Morón.

El Gansta Rap introdujo una cultura en las calles, donde la falta de oportunidades y las diferencias sociales se daban a conocer.

Desde los recitales de la antigua Grecia hasta las payadas del sur de la Patagonia,

el arte poético musical estuvo presente por cientos de años en la historia de la humanidad, pero el rap fue mucho más allá. Fue tomado como un movimiento biopolítico que unía comunidades y razas levantando banderas y catapultando un sinfín de subgéneros como el Trap, Crunk, Trip Hop, Indie o Nu metal entre otros. Pero hubo uno que se caracterizó por un estilo de vida violento que hacía escuchar la voz de la juventud que no gozaba de privilegios y vivía en zonas menos favorecidas: el Gansta Rap.

LOS O.G.

La policía de Detroit irrumpió en un bar para hacer una redada en 1967. Dentro había un grupo de 82 personas que celebraban el regreso de dos soldados locales de la Guerra de Vietnam. La mayoría eran afroamericanos. Hubo abuso policial y los vecinos se manifestaron en contra, lo que provocó disturbios y más adelante saqueos.

En solo 24 horas se registraron 483 incendios, 231 incidentes reportados por hora y 1800 arrestos. A medida que los días pasaban se intensifica-

“

mi estómago duele así que busco un bolso para arrebatar A los policías les importa una mierda un negro aprieta el gatillo, mata a un negro, él es un héroe Changes - Tupac

ron los controles. La Guardia Nacional se hizo presente disparando por la espalda a jóvenes de color que “se confundían en la multitud”, según excusaban los oficiales. En menos de una semana fueron asesinados un total de 43 personas.

Este incidente tuvo repercusión en la sociedad norteamericana visibilizando de forma abrumadora la violencia institucional. Como medio de expresión, el Gansta Rap a principios de los 80 introdujo una cultura en las calles, donde los códigos de barrio, la fal-

ta de oportunidades y las diferencias sociales se daban a conocer. Uno de los principales exponentes fue Schoolly D, un rapero de Filadelfia que inspiró a muchos artistas con sus letras fuertes y contundentes.

Los barrios se convirtieron en guetos y la policía corrupta se complotaba con los traficantes de crack. Al mismo tiempo que las adicciones crecían, en cada esquina de las calles marginadas se podían encontrar una licorería barata y un local de venta de armas.

Esto a futuro trajo enfrentamientos entre distintos

”

vecinos, luego amplió la guerra de pandillas en territorios como la Costa Oeste y Este.

Un hecho que el marketing y los medios no dudaron en explotar avivando peleas entre quienes seguían a Tupac (West Coast) y a The Notorious B.I.G (East Coast) donde ambos fueron asesinados en lo que se supone fue esta pelea de bandas.

Al comienzo del milenio en los Estados Unidos se lanzaría una gira la cual elevaría nuevamente el rap en lo alto, llamada “Up in Smoke Tour” (disponible en YouTube). La

grilla la formaron casi 20 raperos entre los que se destacaban Ice Cube, Eminem, Proof y Nate Dogg. Paralelamente en Argentina ocurría el corralito, el pico de desocupación, saqueos, hambre y una de las canciones que más sonaba era “Sr. Cobranza”, perteneciente a Las Manos de Filippi, publicada en su disco de 1998 Arriba las manos, esto es el Estado.

En el tema de LMF se hacía una crítica a Carlos Menem, Domingo Cavallo y reivindicaba a Norma Plá, activista por los derechos de los jubilados. El tema mantiene un ritmo funky sumando a sus letras que se acercaba a las barras del rap. Esto inspiró a varias bandas que combinaban distintos géneros y realzó a grandes exponentes del momento como Mustafa Yoda.

LA CALLE

En 1998 Mustafa Yoda (Gustavo Adolfo Aciar) formó parte del grupo La Organización, un trío del rap nacional junto a Apollo Novax y Chilli Parker, con quienes editó el disco pirata La Diferencia durante el 2000. Su carrera de MC contuvo trabajos que reflejaban hasta en sus videos un mensaje reflexivo con letras figuradas y otras que buscan cuestionar una realidad que sigue vigente. Con esa misma conciencia de clase comenzó a difundir el freestyle argentino dando talleres a grandes y chicos. El artista también fundó Sudametrica, un sello independiente que apoya la cultura hip hop nacional.

Esta misma fue afinándose más a lo largo de los años. En Ciudad Oculta hay eventos donde el dúo “Clan Oculto” desde el 2004 tiene una acción participativa con su barrio, en-

señándoles a los más chicos a rapear sin dejar de lado la literatura, dos cuestiones que van de la mano. Los MC a lo “Apache” ahora expresaban su “mundo del revés”, donde el desamparo por parte de un sistema se hace notar. El lugar fue ocupado por grupos más heterogéneos incluyendo en las movidas a bolivianos, paraguayos y más latinoamericanos bajo el nombre de El Frente Inmigrante. De igual forma la violencia entre bandas también se dejaba vislumbrar dentro de la cultura del “aguante”, formando crews o grupos contrariados.

“Diste al arde en el barrio la moda te mata llegaste tarde y colgaron del cable tu zapa” Casi anarkista - mustafa yoda

Desde el puente de Brooklyn al puente Pueyrredón en Avellaneda, el freestyle copó el terreno, estableció reglas de agresión lírica pero no física, con replicas en las respuestas y tratando de mantener el respeto una vez terminada la batalla. Un tema compuesto en el momento que no puede volver a ser repetido. El reconocimiento surgía por propio talento y las “ranchadas” eran los primeros jueces.

Después se popularizó y el marketing dio un impulso. El rap apareció dentro del panorama “mainstream”, en el cual no quería quedarse.

No solo estaban los eventos cómo la Red Bull

VOCES CON FUTURO

Urraka Negra

cacha

klan

Rapera, mapuche y feminista.

Compuso sus primeros temas en 2015. Pronto lanzará su primer disco.

Fue parte de competencias como El Quinto Escalón y FMS Arg. Es considerado de los mejores exponentes locales.

Freestyler, rapero y MC. Inició pintando graffitis para después viajar compitiendo en eventos internacionales.

o El Quinto Escalón sino que aprovechando la masividad, organizadores, productores y raperos se aseguraban mantener un legado vigente que perdure más allá de la moda. “Lo veo como algo que tiene que pasar, no sé si definirlo como bueno o malo, no nos podemos quejar porque gente que está hace muchísimos años viene peleando para que suceda”, comentaba Klan, en una entrevista en Vorterix. El recinto mencionado se llenó de recitales de rap, un hecho que no era pensado en la industria hace 5 años atrás.

ROMPER EL AISLAMIENTO

Ser escuchado trae repercusiones. En 1977 Charly García dejó La Máquina de Hacer Pájaros”, para escapar a Brasil y formar el grupo Sui Géneris, en medio de la dictadura argentina.

Compondría las canciones más fuertes llenas de metáforas, para hacer referencia a la dura realidad de aquel momento. Años más tarde, en 2018, la corona y la justicia española condenan pública y legalmente al rapero Valtonyc a tres años y seis meses de prisión por el contenido de sus canciones, que calificaban a la realeza como “mafiosos”.

Hoy los fenómenos más conocidos como Wos o René que acumulan millones de reproducciones, también dejan al descubierto sus ideas críticas contra el Estado o la explotación laboral. Se han hecho canciones de protesta a favor del medio ambiente donde, por ejemplo, Kamada invita a repensar la erosión de los suelos ajenos o la toxicidad en el aire.

Al igual que el rock nacional, el ambiente del rap corresponde a un escenario machista

donde apenas se incluyen a otros géneros. Después del nacimiento del movimiento “Ni Una Menos”, una nueva ola feminista impactó en la cultura y se abrieron más lugares para artistas como Sara Hebe, Nathy Peluso, Urraka Negra o Kris Alaniz que produjo el primer compilado de rap femenino latinoamericano, llamado Malas Lenguas. Alaniz expresó en una entrevista con La Izquierda Diario que hay cada vez más espacios para aquellas personas que no cumplen con la hegemonía y “están fuera de todo lo que es comercial”.

“Viste somos miles de personas que gritan que queremos tratar de llegar a un cambio consciente, sin armas, ni bombas, ni tanques.

Es mucho más efectivo un pensamiento inteligente” Evolución para la revolución - kamada tres cuatro

En subte un niño pone una instrumental y rapea para poder ganar unas monedas al pasar, en el camino se hace viral en alguna red social. En el colegio los cuadernos están escritos.

Se redescubren cantantes, se aprenden nuevas técnicas de composición y se palpita un sentido rebelde de tratar de estar mejor. El silencio y la censura se rompen con cada palabra entonada en un beat mezclado, armado desde el corazón.

El rap estaba desde hace tiempo, pero ahora predomina y se extiende con pasión.

DEL RAP argentino

ntc

zaina

roma

A los 21 se anotó en un torneo por diversión y llegó a la final.

Llegó a octavos de la Red Bull Batalla de Gallos 2019.

Arrancó de muy pequeño para convertirse en gigante. Tiene 17 años y ganó torneos locales como Cruce de Campeones.

Rapea desde los 14 años. Fue la primera mujer en llegar a una semifinal nacional de la Red Bull Batalla de Gallos.

#ROCK

De Discos a Streaming: idas y vueltas en el mercado de la escucha

Foto: Px Here

La manera de consumir música en la población se ha inclinado a ser de la manera más gratuita posible. Pero ¿es sólo culpa de las plataformas? ¿O siempre fue así?

Leandro Bukka White

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Spotify. Deezer. Tidal.

Google Play. Claro Música.

SoundCloud. YouTube Music.

Ninguno de estos nombres ni marcas era remotamente familiar hace diez años. Algunos ni siquiera existían. Hoy están todos asociados a la libre escucha musical y compiten por lo mismo: quién puede tener el mayor catálogo de artistas y lograr retener a la cantidad de audiencia más grande durante el mayor periodo de tiempo prolongado posible.

Cada uno de estos sistemas sabe que juega con uno de los gustos más grandes a nivel mundial y hoy su inalcanzable audioteca conmueve a más de unx que quiere tener permiso para recorrer ese pasillo cargado y cargado de producciones de todas las especies y pasar horas y horas sin necesidad de tener que preocuparse por nada más que una buena banda ancha y par de parlantes, cuando no unos auriculares con bluetooth.

Pero en sí, el motivo por el cual estas plataformas son electas también es el más obvio: el inmenso catálogo de todo tipo de música disponible a un precio virtualmente “gratis”. Las críticas alabando esta posibilidad está a la vista en los comentarios de cualquier tienda online para descargarlas. Es tanta la cantidad de artistas de distintas latitudes, que lo pagado por escucharlxs al mes es prácticamente una plata ínfima. Conducta que en su momento afectó y puso en pie de guerra a la industria, que veía un negocio multimillonario diluyéndose.

Este fenómeno, sin embargo, no es nuevo. La búsqueda del acceso a la mayor cantidad de música posible de la

manera más “gratuita” que se pudiese data de muchísimo tiempo atrás -mucho más que diez años. Si bien el principio cronológico es irrastreable (pues no se puede estipular una fecha precisa) se puede trazar un cierto mapa o esquema de cómo fue pasando y permitir entender el porqué hoy escuchamos como escuchamos.

En época de vinilos – cuyo precio era elevado–, el préstamo o el juntarse a oír entre varixs (si sólo unx podía acceder) era la manera más popular en socializar la música, pues de esa forma un núcleo o grupo de gente llegaba, al mismo tiempo, al mismo contenido (algo que fomentó mucho la escucha grupal).

En los años ’80, los cassettes se iban pasando de mano en mano y grabándose los unos a los otros, o mismo de la radio, directamente. Y en los ’90, con los discos compactos, la movida fue irreversible: diferentes programas de computadora de copiado (“quemado”) de archivos permitieron que se reprodujeran, recopilaran y distribuyeran “cds propios” armados a mano, compilando artistas favoritos de toda talla con la longitud que cada unx quería.

Si bien esta práctica era popular, no así masiva, pues la tenencia de una computadora (y su funcionamiento entendido) no era tan común como hoy día.

Ya para principios y mediados de los ’00, programas como el eMule y el luego todopoderoso Ares llevaron a la circulación de la música a otro nivel: el digital. Acompañaron la popularización de las computadoras e Internet. Se volvió práctica común ver comercios

en plazas o calles con discos o películas a un precio ridículamente barato, pero a cambio de la complicidad del consumidor de saber que no iba a tener algo “auténtico” pero sí lo más importante: la materia prima. Se sumaron progresivamente a la ola sitios como Napster o MySpace. YouTube, discreto, fue creciendo cada vez más, mientras empezaba a sobresalir iTunes. Y hoy, en literalmente 3 clicks, podemos tener una discografía completa vía µTorrent.

DONDE HAY PODER HAY RESISTENCIA...

Y VICEVERSA

Y es que no sólo la tendencia ha sido irreversible desde el momento en que fue posible, sino que hizo al propio mercado obligar a reverse en el espejo de la legalidad y la tecnología para estar a la altura. Lo supuestamente “ilegal” tuvo que volverse progresivamente legal, o readaptarse de alguna forma, pues de lo contrario las pérdidas serían mayúsculas. En otro contexto, pero que aplica igual, la cadena NBC sacó en 2007 sus contenidos de la tienda de iTunes de un día para el otro por una disputa con Apple y provocó un incremento feroz en el tráfico pirata de lo publicado. Pura ley de oferta y demanda. Pero claro, antes hubo batalla.

Podían encontrarse sujetos y argumentos de todo tipo a ambos lados de la disyuntiva: Joaquín Sabina reflexionaba, en una vieja entrevista televisiva, si no le convenía la piratería para llegar a más público “gratuitamente” –teniendo en cuenta que la mayor parte de

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la facturación por su obra se la terminaba adueñando la discográfica. La promulgación de la Ley S.O.P.A. en EEUU (2012) tuvo en contra a gigantes como Google y Wikipedia. Otros esbozaban la filosofía de software libre. Sin embargo, ocurrieron eventos contra la corriente como el histórico cierre de Megaupload, Grooveshark, que se cansó de tener que afrontar juicios por derechos de autor, tuvo ausentes a The Who y a The Beatles mucho tiempo en su catálogo, reticentes a que su música se escuchara con libertad. Ésta misma banda, de hecho, recién liberó toda su discografía en YouTube a principios del 2019.

LOUDNESS WAR: LA IMPLOSIÓN INVISIBLE

Sí hubo factores a la interna de la creación de música –también– que incidieron en la elección. Desde los años ’80 en adelante, la famosa “Loudness War” o “Guerra de Volumen” consistió en una “batalla” entre producciones para ver quién o cómo se podía subir 300,0

267,7

250,0

más y más las canciones de la mezcla final a medida que iban saliendo reeditados o remasterizados, a cambio de sacrificar sus dinámicas generales (única manera de lograrlo). ¿Resultado? Todos los discos sonaban constantemente peor, pues estaban más comprimidos, como una gran pasta que no deja espacio suficiente a los diferentes instrumentos y escucharse “como corresponde”.

Esto es más sencillo oírlo que explicarlo, pero basta con ver las infinitas versiones de los mismos tracks que figuran en YouTube, a gusto para cada consumidor (ver reediciones de entre los ’90 y ‘00) para apreciar la diferencia. Procesos como estos tuvieron en contra a eminencias tales como Bob Dylan o Geoff Emerick, sonidista de Los Beatles. El mundo del metal estará al tanto de este asunto pues en 2008 el colmo de esta propuesta llegó con el álbum “Death Magnetic”, de Metallica, cuyo tratado sonoro llegó a generar saturaciones en los reproductores de disco.

No es comprobable, entonces, pero sí estimable que la mala calidad de sonido haya aleja-

255,7 212,7 187,2

200,0

161,7

150,0

141,1 115,5

100,0

105,7 70,5

50,0 0,0

2010

2011

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2013

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2016

2017

2018

Discos vendidos (por millón) en Estados Unidos (2010-2018)

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do, a la larga o a la corta, a más de un oyente de la compra de compactos.

Tampoco es inocente pensar –más allá de Metallica o cualquier otrx artista– que estos tratamientos de “volumen excesivo” son también un “empuje” de la música al oído del oyente, por las buenas o por las malas. “El Medio es el Mensaje”, apuntaba sabiamente Marshall McLuhan en 1964: la manera en que está programada la escucha de una persona es la manera en la que, eventualmente, terminará formateada la escucha de esa persona. El CD alcanzaba una duración aproximada de 75 minutos (casi nunca explotada en su totalidad, al menos en los géneros populares). Pero los vinilos, en cambio, de 45 –hecho extendido luego a los cedés a los que fueron compactados.

Esto quiere decir que hay una determinada música de determinada época pensada para ser reproducida en esa misma época y con los elementos a mano. Por lo tanto, es lógico que los modos de escucha (desde el acceso hasta la duración) vayan mutando según pasen las generaciones, porque también se desarrolla la tecnología. Si bien existen diferentes públicos y cada músicx es consciente de a quién apunta bajo qué concepto (“está bueno eso de no hacerlos con una duración superior a los 40 minutos”, decía Skay Beilinson en 2007), cada producción lanzada habla de una cierta forma de concebir y apreciar esa comunicación musical, que es siempre transgeneracional. De todas formas, el consumo sigue siendo moldeable. Si estuviese tan formateada, los discos de mayor duración -como los do-

Foto: Px Here

bles, los Grandes Éxitos, o la misma radio- no podrían funcionar. Y sin embargo, lo hacen.

Todo esto decanta en una continua y progresiva caída en venta de discos físicos, estrepitosa corriente que sigue al día de hoy. En EEUU, a propósito de un país muy consumidor de música, bajó en casi un 75% entre 2010 y 2018, según los datos consultados por el sitio es.statista.com. El negocio, aprovechando cada aniversario posible, busca sacar ediciones especiales agregando cada extra encontrable a fin de resurgir un mercado que hace rato grita “hundido” al menos, de sus épocas gloriosas.

De todas formas, no todo está perdido para lxs melómanxs: como un longplay que termina su círculo y vuelve a empezar, el resurgimiento del vinilo viene saludando hace ya 5 años. Pero no se da no sólo por una cuestión nostálgica: está dejando muchos más ingresos que las ventas de CDs. Si bien son más los discos compactos los que se compran, sus activos no son tantos como los de los longplays. Según la RIAA, el negocio del vinílico creció un 12,9% en la primera mitad del 2019 en comparación al año anterior (las cifras variarán de forma atípica pandemia de por medio). Esta podría ser la primera vez que el mercado del vinilo sobrepasa a la del disco compacto desde 1986. “El que escuchó vinilo siempre va a escuchar vinilo”, apunta Jonathan Firbank, de Musicono Vinilos (Florida 15, CABA) cuya venta durante esta pandemia, dice, sorpresivamente se triplicó.

No obstante, el amor al sonido tampoco es el argumento por el que se podría volver o resucitar la industria vinílica. Si se apunta al

caso, la plataforma de streaming más usada en Argentina es Spotify, pero las que “objetivamente” mejor suenan (en tanto kilobytes p/seg de audio) son Tidal y Deezer. Por último, las aplicaciones ofrecen otra cualidad difícil de rechazar: no requieren espacio físico para ser almacenadas. Toda la música está en la nube. Puede ser transportada por doquier, funcionando incluso sin wi-fi. A esto súmesele la capacidad de armar listas y poder elegir libremente qué escuchar y cómo (aunque siempre cabe preguntarse por la “independencia” de elección en un programa que suministra artistas en base a un algoritmo).

¿Y lxs músicxs? Lxs músicxs (de cuya música son los últimos dueños) son lxs que se llevan la peor parte. Las plataformas, por lo menos para quienes quieren vivir de su trabajo, se vuelven un mal necesario. Spotify, por ejemplo, paga regalías de apenas US$ 0,006 o US$ 0,0084 por cada canción reproducida más de 30 segundos (depende si son Premiums o no). Aunque esto no pareciera llamar mucho la atención del oyente medio, pues Spotify –para seguir el ejemplo– tenía 124 millones de abonados hasta febrero de 2020 y pretendía terminarlo (desconociendo en su momento la pandemia que se desataría) con más de 150.

La música va a seguir estando presente en el día a día, sea en el formato que sea. Digital o físico. Con algún remaster más, mix menos. No han cambiado en gran manera nuestras maneras de escuchar. Sí lo ha hecho el mercado de la escucha, que un poco se adapta y otro poco formatea. Cuánto de cada lado, depende y dependerá de cada oyente.

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#Ball

el hombre que supo Javier Hernán García

Colin Kaepaernick se convirtió en emblema de la lucha anti-racismo en los Estados Unidos cuando hincó su rodilla al suelo. Su historia y sus motivos.

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Foto: Getty Images

Estados Unidos vive una oleada de violencia racista que no es inédita, pero que sí es fortísima. A lo largo de su historia, “el país de las oportunidades” tuvo en la violencia y discriminación contra los afro-americanos su frente interno más oscuro.

La sociedad norteamericana vuelve a chocar con violencia alrededor un problema de gravedad como el

racismo, avivando una llama que siempre necesita tan sólo una chispa para encenderse.

El problema es que el actual presidente, Donald Trump, es el primer racista en la tierra del “Tío Sam”. Ahí, el problema adquiere ribetes difíciles de controlar y provocaciones que escalan muy alto.

El 15 de agosto de 2017, LeBron James tuiteó algo que resume a la perfección lo que está pasando ahora en Estados Unidos: “El odio siempre existió en América. Sí, lo sabemos, pero Donald Trump lo volvió a poner de moda. Las estatuas no tienen nada que ver con nosotros”.

Luego, en septiembre de ese mismo año, Trump retiró la invitación a los Golden State Warriors, campeones de la NBA, a ir a la Casa Blanca.

Para LeBron no significó nada más que un motivo para volver a enfrentarse a Trump: “Ir a la Casa Blanca era un gran honor, hasta que apareciste”. Triple de “King James”.

LeBron nunca ocultó su oposición anti- Trump, sin embargo, eso no le jugó en contra en su carrera ni lo dejó afuera del sistema. Hoy LeBron es una de las principales banderas que tiene la lucha anti-racismo en Estados Unidos, encabezando los gestos de protestas que se ven en cada partido de la NBA. Ahora, ¿qué pasa cuando se es menos ‘poderoso’ que LeBron y se enfrenta abiertamente al gobierno de Donald Trump?.

Eso lo puede explicar Colin Kapaernick. El quarterback de San Francisco 49ers fue el precursor de la nueva-vieja lucha contra el racismo en Estados Unidos. Así como los célebres Tommie Smith y John

Carlos inauguraron el “Black Power” en los JJOO de México 1968, o Muhammad Ali fue señalado por su apoyo a Malcom X, a Kapaernick no sólo lo señalaron, también lo marginaron de una NFL que fue manejada como un títere por Donald Trump apenas tomó por asalto la Casa Blanca. Claro, varios dueños de franquicias de la National Football League habían puesto dinero apoyando la campaña de Donald rumbo al Salón Oval.

Kapaernick mostró por primera vez su gesto desafiante el 26 de agosto de 2016, según recopila el periodista Matías Baldo. En aquel momento, eso fue tomado como una ofensa a la totalidad de Estados Unidos de América. ‘Kap’ fue concreto a la hora de explicar su gesto: “No voy a levantarme y a mostrar orgullo por la bandera de un país que oprime a la gente negra y a la gente de color”, justificó entonces.

A diferencia de los anteriormente mencionados, Kap es un hombre blanco, que sentó postura contra la violencia racista en Estados Unidos. No es que un día Kap se levantó y dijo: “Voy a hacer esto”. No, su bronca venía del año 2014, cuando un policía de Nueva York, Eric Pantaleo, estranguló durante 15 segundos y mató a Eric Garner. Aquel episodio desató la oleada de remeras de “I Can’t Breathe’ que pusieron por primera vez a LeBron James a la cabeza de la lucha anti-racista.

Kap le faltó el respeto a USA. Allí, las normas son muy claras cuando suena el himno: “Los civiles en EE.UU. deben ponerse de pie, mirar de frente a la bandera y colocarse la mano derecha a la altura del

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corazón cuando suena el himno. Los militares deben realizar el saludo castrense, estén o no de servicio. Los hombres deben descubrir su cabeza, si es que visten una gorra o sombrero“, indica la BBC. El “gris” es que para aquellos quienes no cumplan con esto no está contemplada ninguna sanción. A menos que lo pongas de moda.

A Kap, su gesto le costó la carrera y lo convirtió en un

más del 60% de los jugadores son afro-americanos, cumplía.

Dos meses después, en marzo, Kap rompe su contrato con San Francisco 49ers y nunca más volvió a la NFL. Su gesto, su oposición, su lucha consiguió varios adeptos dentro de la NFL, en la NBA y con Megan Rapinoe, otra deportista ampliamente enfrentada a Donald Trump. Megan también supo arrodillarse durante el himno

Foto: SFChronicle.com

símbolo de la lucha anti-racismo de esta época. Si bien al momento de hacer su gesto el presidente era Barack Obama, meses después de su primer “arrodillamiento” ante la bandera de EEUU, Trump tomó las riendas de la Casa Blanca.

Obama, en aquel momento, había dicho: “Creo que se preocupa por algunas problemáticas reales de las que debemos hablar”. Trump, en cambio, pidió su cabeza en una bandeja de plata.

El 1 de enero de 2017, Colin Kaepernick jugó su último partido en NFL. Trump pedía sanciones para el club de los “Rodilla-en-tierra” y las franquicias de la NFL, dónde

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de Estados Unidos y también supo enfurecer a Trump. Sin embargo, Megan es la máxima estrella del Soccer en ese país, y su carrera no está en peligro.

Eso sí, jamás pisará la Casa Blanca mientras Donald sea quién está sentado en el sillón.

De hecho, se negó a ir cuando Estados Unidos ganó el Mundial Francia 2019: “No me arrepiento. Era como: ‘No voy y no quiero ir, y estas son las razones’. No quería rehuirlo y no quiero rehuirlo. Nunca. Creo que eso solo le daría poder a él”, señaló en una entrevista a ‘The Guardian. En la misma nota, Rapinoe reivindicó a Kap: “Todos tienen la responsabilidad personal de hacer lo que

Foto: AP

puedan para que el mundo sea un lugar mejor de la manera más impactante posible. Este es el momento y soy muy consciente de eso. No sólo estoy ganando todos estos premios porque tuve un gran año. Es la culminación de todo. Y con eso viene mucha otra gente: viene del equipo, lo que hemos podido hacer y la forma en que estamos organizadas, cómo luchamos juntas dentro y fuera del campo. Proviene de Colin Kaepernick, del Me Too… de todos estos otros movimientos“.

Ahora, ¿qué pasó con Kaper-

nick? Pasó que se convirtió en símbolo y en bandera, mientras abría su frente de lucha contra la NFL. Cuenta Baldo que “en octubre de 2017, Kap presentó una queja contra la NFL en la que acusa a los 32 equipos de marginarlo de la liga. Kap denunció una lista negra con un único nombre: el suyo”.

En paralelo, Nike lo volvió la cara de la marca en agosto 2018, días más tarde que la NFL prohibiera que los jugadores se arrodillarán durante el himno. ¿El texto del aviso? “Cree en algo. Aunque eso signifique sacrificarlo todo”. ¿Clarito no?

El país de Donald Trump, el de las “oportunidades”, padece una distopía que ni a Aldous Huxley se le hubiese ocurrido. Es como si la última temporada de “Black Mirror” y una secuela de “Years and Years” se desarrollaran al mismo tiempo y en el mismo lugar.

EEUU se está consumiendo en una crisis económica sin igual, con más de 40 millones de norteamericanos desempleados, y una crisis social que siempre tuvo y que adquiere nuevas formas para volver.

EL COMPROMISO DE LEBRON

LeBron James es de los principales referentes sociales

por la igualdad de derechos y la lucha contra el racismo. La estrella de Los Ángeles Lakers es, desde hace años, una personalidad a la vanguardia en materia de reclamos por violencia racial.

Si bien el crimen de George Floyd es el último eslabón de la cadena, el compromiso de James data de mucho más atrás. Allá por el 2012, Trayvon Martin, un joven afroamericano de 17 años, caminaba por las calles de Florida con una capucha puesta en su cabeza. Ese motivo fue suficiente para que un oficial de seguridad privada lo confundiera con un ladrón y le dispare a quemarropa causando su muerte.

Ante el hecho, Lebrón se tomó una foto posando con una capucha puesta bajo el lema #SomosTrayvonMartin. A partir de allí comenzó una ferviente militancia del basquetbolista contra la discriminación y el abuso de poder policial. Luego, comenzó a reclutar a otras estrellas de la NBA como Carmelo Anthony y Dwyane Wade para asistir a las protestas.

Dos años después, en 2014, James impulsó una campaña por la destitución del director de Los Ángeles Clippers luego de que se filtraran audios racistas del dueño de la fran-

quicia. Incluso amenazó con la suspensión de la temporada si la NBA no tomaba medidas en el caso. Y, en 2016, aprovechando el escenario de la entrega de premios de los “ESPY Awards”, el multicampeón dio un discurso sobre los derechos y libertades de la población afroamericana. “Vamos a usar nuestra influencia para renunciar a la violencia, invertir nuestro tiempo en reconstruir, fortalecer el cambio. Tenemos que hacerlo mejor”, declaró LeBron durante el discurso.

Su militancia también pisa en el terreno de la política. LeBron apoyó abiertamente a Hillary Clinton en las elecciones presidenciales y es un ferviente opositor a Donald Trump. Incluso, durante el 2018 produjo un documental llamado “Shut Up and Dribble” sobre la influencia de los deportistas en la política.

Además, a principios del 2020, se ofreció como candidato a presidente por el partido demócrata para competir contra Trump, en caso de que no encuentren un candidato que pueda pelear contra la reelección del actual presidente de Estados Unidos. Sí, LeBron James no sólo se compromete dentro de la cancha, también lo hace afuera y trata de destacarse tanto como en la zona pintada.

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