Cultura Audiovisual I

Cultura Audiovisual I

Teoría, enlaces de interés 2

Departamento de Artes

Índice 1. La imagen fija y su capacidad expresiva. ●

Características de la fotografía

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Historia de la fotografía

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Géneros fotográficos. ❏ Nadar (​Gaspard-Félix Tournachon) ❏ H. Cartier- Bresson ❏ Mario Testino ❏ Eugenio Recuenco ❏ Jaume de la Iguana ❏ Chema Madoz ❏ Robert Capa ❏ Francisco Ontañón ❏ Bruce Dadvison

2. La cámara fotográfica 3. La fotografía en Blanco Y Negro ●

Martín Chambi,

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Irvin Penn,

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Cecil Beaton,

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Ansel Adams.

4. La fotografía en color. ●

Ernst Haas,

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Andy Warhol,

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Howard Schatz

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Ouka Lele

5. La fotografía como crítica social.Trabajo práctico / Análisis de la obra de: ○

Sebatia Salgao

○

Kevin Carter

○

Manuel Pérez Barriopedro

○

Cristina García Rodero

○

Gervasio Sánchez

○

Dorothea Lange

○

Steve Mc Curry

Enlaces de interés

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La imagen fija y su capacidad expresiva.

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● Características de la fotografía.

La imagen fotográfica se caracteriza y se diferencia de otras imágenes fijas como la pintura y el dibujo tradicionales en lo siguiente: ● ●

La característica primera y más popular es el marcado realismo d ​ e la fotografía.

Los contrastes luminosos violentos producidos por la luz artificial y la captación de contrastes violentos propios de la luz natural.

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La acentuación de la perspectiva​ con efectos de aceleración y compresión de los últimos términos, ralentización y desbordamiento de los primeros planos o notables cambios de escala, resultado del uso de diferentes objetivos.

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La superación del punto de vista frontal y centralizado.Los encuadres ​con puntos de

vista“desacostumbrados” o “inusuales”, con violentos escorzos delas formas y figuras, entendiendo como alternativa al punto de vista frontal y centralizado, picado, contrapicado y angulación. ●

Las ​composiciones a ​ simétricas, excéntricas o abiertas, con formas y figuras muy

adelantadas o cortadas por los bordes del marco; como derivadas de la aplicación del encuadre selectivo, que implica un predominio del fragmento sobre el todo y del espacio abierto sobre lo cerrado habitual del cuadro clásico. ●

Captación "instantánea" de cualquier signo de fugacidad, acción, movimiento, luz cambiante de una hora determinada, retratos donde las figuras están tomadas en actitudes difíciles de mantener largo tiempo, gesticulantes, en acción, etc. Como resultado del uso de velocidades de obturación altas.

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Efectos​ de borrosidad del motivo, resultado del enfoque y desenfoque, o del movimiento movimiento del motivo.

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● Historia de la Fotografía El deseo del hombre por captar la realidad, tal cual se percibe por los sentidos, es muy antiguo como reconocemos a lo largo de la historia de la pintura. Sin embargo, que esta captación sea de un modo técnico y no manual es lo que se consigue con la fotografía (luz-escritura, escritura con la luz). La ​cámara oscura ​fue uno de los comienzos de esta carrera, de manos de Aristóteles. La cámara oscura se desarrolló con fuerza en el Renacimiento cuando ​Giovanni della Porta incorporó una lente biconvexa, una lupa en el orifico para obtener más nitidez.

Se atribuye el invento de la fotografía al grabador francés Nicéphore Niépce, quien, impulsado por la necesidad de reproducir los dibujos de su negocio de litografía, en 1824 consiguió las primeras imágenes permanentes. Era una imagen captada con una cámara oscura y un soporte sensibilizado de emulsión química con sales de plata. Niépce llamó a su descubrimiento heliografía (escritura del sol). La imagen se perpetúa, tras muchos intentos, con betún de judea.

Era necesario una exposición de ocho horas.

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​París, 1838, Daguerrotipo

En 1829 ​se asoció con ​Louis Daguerre​, quien en 1839, muerto ya Niépce, dio a conocer un nuevo procedimiento denominado daguerrotipia.​ La imagen se expone sobre una lámina de cobre plateado, expuesta durante 30 minutos, con ayuda de vapores de mercurio. En ambos procedimientos se conseguía una única imagen positiva sobre una lámina metálica. Daguerre patenta en 1839​ es invento como​ fotografía.

Este invento tuvo un gran éxito entre la emergente clase social, pues permitía realizar una obra más rápida y más barata que la pintura. En el Reino Unido, William Henry Fox Talbot inventó la ​calitipia o ​calotipia (imagen bella), procedimiento también denominado talbotipia en honor a su inventor, y fue el primer método que utilizó el actual sistema de negativo-positivo. Talbot usaba papel emulsionado, con el que obtenía negativos que copiaba por contacto. Este método permitía obtener varias copias del mismo negativo, pero las imágenes eran muy tenues. (​https://youtu.be/gpUsZ8IRjFc

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En la década de 1880 se descubrió la ​emulsión fotográfica basada en la gelatina, lo que permitió a ​George Eastman i​nventar la película americana: un rollo de papel que servía de soporte a la emulsión de gelatina. Posteriormente, el invento del ​celuloide desplazó al papel como soporte.

La aparición de la película hizo posible un nuevo tipo de cámara, más ligera y fácil de utilizar.

En ​1888 Eastman presentó la cámara Kodak-100, cargada con una película para 100 fotografías.

Esto permitió popularizar la fotografía y fue una invención muy importante también para el cine.

El éxito de las cámaras de pequeño formato se impuso en 1914 con la Leica, y definitivamente a partir de 1936 ​con la aparición del sistema de las cámaras réflex.

Los artistas profesionales Desde sus inicios y en las ​primeras décadas del s. XX, ​la fotografía de estudio se limitó al retrato. Los ​retratos ​en daguerrotipo tuvieron un éxito popular inmediato. Merecen destacarse los retratos de ​Nadar ​por su tratamiento de la luz y su penetración psicológica. Para estos retrato seguía los cánones clásicos de la pintura pero obtenía la naturalidad y expontaneidad de los personajes debido a la familiaridad que tenía con los retratados. A Nadar se deben también las primeras fotografías aéreas, realizadas sobre globos aerostáticos, lo que confirió un gran interés militar.

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La fotografía luchó desde sus comienzos por encontrar un lugar que le fuera propio. En un primer intento de elevar la fotografía a la categoría de arte, los fotógrafos se empeñaron en imitar la pintura. Henry Peach Robinson y Oscar Gustave Reijlander (1813-1875) fueron los fundadores de esta tendencia ​pictorialista. Sus fotografías reproducen escenificaciones teatrales de motivos pictóricos.

Una interpretación muy distinta del pictorialismo es la reflejada en la obra de retratistas como Julia Margaret Cameron, ​Lewis Carroll ​o lady Clementina Hawarden, quienes, inspirándose en las imágenes alegóricas del prerrafaelismo, renunciaron a la nitidez de la cámara y utilizaron la técnica del desenfoque para conseguir imágenes evocadoras de contornos difusos.

La importancia de la fotografía como testimonio de la ​historia se puso de manifiesto con el reportaje fotográfico que el estadounidense Roger Fenton realizó en 1855 sobre la ​guerra de Crime​a y con el de la guerra de Secesión realizado por Mathew B. Brady en 1861.

La fotografía experimental y social En plena época de las vanguardias artísticas, contemporáneas del movimiento dadá, la Bauhaus y el surrealismo​, aparecieron las creaciones de artistas como Christian Schad (1894-1982), Man Ray (1890-1976) y László Moholy-Nagy (1895-1946). Su obra se caracteriza por la experimentación con los materiales, la creación de ​imágenes luminosas abstractas obtenidas con la técnica de la solarización y del fotograma.

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A mediados de la década de ​1920 ​apareció simultáneamente en Europa y Estados Unidos una nueva corriente artística, la Nueva Objetividad, interesada en reproducir la realidad lo más fielmente posible y en conceder gran importancia a la técnica fotográfica. ​Albert Renger-Patzsch​ es su máximo representante.

Por tanto, para afrontar el estudio de la fotografía lo podemos hacer por temas:

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retratos bodegones/naturalezas muertas paisajes/viajes animal costumbres

Grandes campos de la fotografía y los maestros que en ella destacan:

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Retratos Fotoperiodismo Reportajes Fotografía social Moda Publicidad

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● Géneros fotográficos ¿Qué son los géneros fotográficos?

Es la EVOLUCIÓN lógica que tuvieron que sufrir los géneros pictóricos con la aparición de la FOTOGRAFÍA. Con el término ​género​ nos referimos a los diferentes ​temas ​que el fotógrafo representa en sus fotografías, aunque es un término algo más amplio que eso...

Los géneros fotográficos son los que definen a los fotógrafos y sus obras, también son los que definen el escenario donde se realizarán las fotografías y todos los instrumentos que se emplearán en ellas.Tenemos v​4 géneros básicos​ donde a partir de ellos se han ido ramificando los diferentes géneros y subgéneros de la fotografía: 1. El Retrato

. Es la representación del cuerpo humano o simplemente la cara, y gira en torno a la idea de mostrar las cualidades físicas o morales de las personas que aparecen.Pretende representar la apariencia visual del sujeto, en particular cuando lo que se retrata es un ser humano, aunque también pueden representarse animales.

Baudelaire por Nada​r

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H.Cartier Bresson Autorretrato.

Es uno de los ejercicios de análisis más profundos que puede hacer un artista.

Implica investigarse el rostro y observarse hasta tal punto que la expresión que tenga en ese momento se traduzca en el dibujo o la pintura o la fotografía que quiere realizar.

Stanley Kubrick takes a self-portrait (1940s)

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Subgéneros: - Fotografía de moda MARIO TESTINO / EUGENIO RECUENCO / JAUME DE LA IGUANA

Es uno de los ​géneros más populares del mundo

fotográfico​. Se basa en mostrar artículos de moda como ropa, cosmética o accesorios de la forma más creativa y eficaz con el fin de poder vender esos productos.

El fotógrafo debe ​plasmar su talento y creatividad​ a la vez que ​dominar las técnicas de fotografía e iluminación.

Requiere un tratamiento multidisciplinar; así si se realizan fotos en exteriores se debe tener un buen dominio sobre la luz natural y ser un buen fotógrafo paisajista o bien si la fotografía es en estudio, deben conocerse las técnicas de naturaleza muertas, de publicidad y/o de retrato.Al igual que la moda, la fotografía relacionada con esta disciplina es emocionante; y está en constante cambio. Es un género donde se juega con la experimentación y con la expresión personal.

En la fotografía de moda existen diferentes disciplinas; entre ellas la ​fotografía de pasarela ​con el fin de plasmar los desfiles y eventos de moda.

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La ​fotografía de catálogo​;

fotografiar productos

como joyas, accesorios, zapatos o bolsos en estudio.

La ​fotografía de editoriales ​para revistas de moda y catálogos y la fotografía de campaña con

el fin de plasmar la imagen de marca de una empresa; lo cual conlleva un trabajo en equipo de estilistas, modelos, localización adecuada, etc.

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En la fotografía de moda es muy importante el uso adecuado de la iluminación por los efectos ópticos que produce como el juego de luces y sombras, suaviza o marca colores o resalta volúmenes.

La mayoría de fotografías de moda buscan contar una historia donde el modelo se transforma en un personaje y su entorno cobra importancia. Aunque tenga una gran carga estética y artística; no podemos olvidar que la fotografía de moda forma parte de la publicitaria y su fin es comercial.

MARIO TESTINO

​https://www.youtube.com/watch?v=VXwTLVik2yQ

EUGENIO RECUENCO

​https://www.youtube.com/watch?v=QyuaDwaF1u4&t=4s

JAUME DE LA IGUANA

​ https://www.youtube.com/watch?v=XOdLnBO-dE0

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- Fotografía de eventos sociales Un evento consiste en cualquier acontecimiento que reúna un grupo de personas celebrando algo en particular.Esto puede ir desde bodas, reuniones sociales, conciertos… hasta ferias o convenciones de cualquier tipo. La gran mayoría de estos eventos necesitan ser inmortalizados, y para eso, están los fotógrafos de eventos.

- Fotografía deportiva

La fotografía deportiva es una de las especializaciones más complicadas dentro de la fotografía; los deportes son rápidos e imprevisibles, por lo que tomar una foto adecuada muchas veces es un trabajo costoso.

También hay que tener en cuenta que muchos deportes implican una pelota, y esto en varias ocasiones puede suponer un problema tanto para el fotógrafo como para su material, por otra parte, los deportes de riesgo también son complicados de fotografiar y no todos los fotógrafos se atreven.

Los nueve mejores fotógrafos deportivos del mundo

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2. Paisaje Otro género derivado de la pintura. Es la fotografía de espacios naturales o urbanos, o de algunos elementos de esos espacios.​Tras los primeros avances científicos en el campo de la técnica fotográfica se desarrolla ampliamente este género fotográfico motivado por diferentes aspectos como sus valores memorísticos, por la curiosidad científica, por afanes puramente comerciales o por cuestiones relacionadas con la creatividad.Dada cuenta que los tiempos de exposición​ necesarios eran muy amplios, los paisajes urbanos o rurales son fotografiados cuando no hay nada en movimiento a fin de evitar que salieran borrosos. A esto se debe esa impresión de espacios muertos que podemos observar en las primeras fotografías de paisaje.

Para hacer buenas fotografías de paisajes.

Subgéneros: - Fotografía de arquitectura

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- Fotografía aérea

- Fotografía de la naturaleza

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- Fotografía submarina

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3. Bodegón También llamado Naturaleza Muerta. Consiste en la fotografía de elementos inanimados. Se caracteriza porque el fotógrafo es el que ha preparado dicha escena para fotografiarla.

Las fotografías de bodegones se construyen generalmente a través de planos cortos, con encuadres cerrados caracterizados por una iluminación muy cuidada. En un bodegón, todo lo pone la imaginación de su autor, resulta de su capacidad para producir y crear la escena.

Primero: con la acertada elección de sus objetos, prestando especial atención a sus formas, volúmenes, tamaños, colores y texturas;

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Segundo: con un perfecto dominio de la iluminación que cree la atmósfera adecuada y proporcione un toque especial a lo fotografiado, resaltando con fuerza sus características.

Tercero: con una composición y encuadre elegantes, fruto de una colocación armónica de los elementos y de un fondo acorde con ellos.

Podremos montarlo en un momento en casi cualquier parte de la casa. Una mesa grandepuede servirnos de soporte para los modelos y así trabajaremos más cómodos. Algunas telas o papeles grandes de diferentes texturas y colores pueden hacer de fondo.

Álex Ortiz de Guinea

Los motivos a fotografiar son muy variados, nos servirán desde las clásicas frutas o verduras hasta cacharros de cocina o adornos de la casa. Aquí la imaginación es muy importante ya que hay muchos objetos a los que normalmente no prestamos atención y que pueden darnos una sorpresa agradable una vez estén plasmados en una fotografía.

Debemos buscar diferentes tipos de iluminación tanto natural como artificial.

Jugaremos con ventanas, lámparas de diferentes temperaturas de luz, flashes, linternas e incluso velas para iluminar nuestro bodegón.

Una buena idea puede ser combinar varios tipos de luz para buscar efectos novedosos y utilizar difusores y reflectores para conseguir distintos intensidades y puntos de luz y sombras.

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Este tipo de fotografía también se presta a desarrollar nuestra creatividad a la hora del procesado final, bien porque hayamos buscado un resultado concreto desde el principio o bien porque ese resultado se nos presente a la vista en cualquier momento del proceso.Aquí también hay lugar para la improvisación y la aventura creativa. Estas son sólo unas pocas ideas para desconectar de nuestra monotonía fotográfica y practicar cosas nuevas y útiles. Si aprendemos a componer en casa luego en la calle nos saldrá de forma más natural.

Subgéneros: - Fotografía publicitaria Ya en el siglo XIX aparecen los primeros anuncios fotográficos, podría decirse entonces que ​la fotografía publicitaria surge en la

época de entreguerras​, en los mismos años en los que nace la fotografía propagandística. El boom de estos dos tipos de fotografía surgió debido al auge que experimentaron tanto la publicidad como la fotografía por aquel entonces, sin embargo, ​no

será hasta los años setenta cuando la fotografía publicitaria empiece su andadura​ hasta convertirse en lo que es hoy en día.

La fotografía de publicidad se diferencia del resto de técnicas en el hecho de que no representa la realidad, crea una escena. Esto significa que se busca captar la imagen idónea para el éxito de la campaña publicitaria.

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- Fotografía artística Foto de José Laíño

.Fotografía Creativa​ CHEMA MADOZ Es un Arte que vuelve visible el mundo de las ideas y las emociones. Hace visible, lo invisible.

Chema Madoz

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4. Reportaje Es el único género que no deriva de la pintura. Su idea consiste en captar la realidad de un interés informativo. Permite registrar en un momento muy breve una realidad que cambia de continuo, por eso es considerado el género por excelencia. A finales del s XIX el fotoperiodismo, normalmemte, lo que hacía era documentar el crecimiento de las ciudades, la creación de grandes obras de infraestructura, así como las expediciones exóticas, y la naturaleza.

Subgéneros: - Fotografía de guerra La idea de documentar gráficamente una guerra no nace con la fotografía, sino que es mucho más antigua. En los días anteriores a la misma, los hombres ya deseaban llevar a la posteridad las hazañas bélicas de las que formaban parte. Los artistas inmortalizaban escenas en pinturas, jarrones, tapices y cualquier otro medio artístico al alcance. Sin embargo, las motivaciones de estos primeros ilustradores fueron románticas y grandilocuentes. La idea no era enseñar la guerra tal y como se desarrollaba en el campo de batalla, sino dar lustre y fama a personajes y jefes relevantes de la época. Gran parte de los que plasmaron en un lienzo una batalla o escena bélica, jamás estuvieron en el lugar de los acontecimientos, sino que se basaron en relatos más o menos parciales de lo ocurrido, por lo que generalmente carecen de valor documental.

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Los primeros reportajes de guerra fueron los de: La Guerra de Crimea (1853-1856) y la Guerra de Secesión Americana (1861-1865)

Guerra de Crimea, Gen Brown y sus soldados. Fotografía de Roger Fenton.

Guerra de Secesión Americana Fotografía de Alexander Gardner

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• Para poder realizar fotografías en esos momentos era necesario varios instrumentos y algunos pesados, lo que impedía hacer instantáneas, propiamente de guerra, y lo que se solía fotografiar eran los campamentos y soldados quietos. La prensa no podía reproducir directamente dichas fotografías junto al texto, pero empezó a comprarlas para reproducirlas como grabado.

PRIMERA GUERRA MUNDIAL U ​ N MOMENTO DE CENSURA FOTOGRÁFICA (1914-1918) La Primera Guerra Mundial fue una de las conflagraciones bélicas más grandes en la historia de la humanidad. Se movilizaron más de 70 millones de soldados. Murieron más de 9 millones de combatientes y más de 7 millones de civiles.

Esta guerra coincidió con los inicios de las revistas ilustradas, las cámaras portátiles y las películas cada vez más rápidas.

Sin embargo estos desarrollos probaron ser insuficientes ante otro enemigo: la censura.

Los gobiernos de los estados participantes ejercieron una dura represión para evitar que se realizaran fotografías realizadas por otros autores que no fueran soldados de sus propios ejércitos. Incluso muchas de estas fotografías oficiales jamás llegaron a las redacciones de las revistas o periódicos. Y las que sí lograban colarse sufrían una segunda etapa de censura: los editores preferían evitar la publicación de imágenes demasiado crudas.

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La fotografía de combate alcanzó su mayoría de edad en este conflicto, con cuerpos de fotógrafos de guerra que habían perfeccionado la técnica hasta convertirla en un arte. Las unidades de fotógrafos eran tomadas en cuenta, y se les incluía como parte importante de la acción bélica. Se movían junto con los soldados, hacían largas marchas, montaban en sus camiones, comían del mismo rancho, se agazapaban en las trincheras, y sufrían como ellos.

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ROBERT CAPA E ​ L FOTÓGRAFO DE GUERRA MÁS IMPORTANTE DEL MUNDO (1913-1954)

Endre Ernö Friedmann, húngaro, llegó a París en 1933: huía de los regímenes fascistas y había abandonado la universidad en Alemania.

Endre Ernö quería ser escritor,pero las circunstancia lo llevaron a la fotografía por casualidad. En París se hizo amigo de otros fotógrafos como André Kerész, David “Chim” Seymour o Henri Cartier-Bresson.

Para Friedmann el trabajo fotográfico era una elección vocacional natural que no requería hablar bien el francés y que le permitía obtener unos cuantos francos.El húngaro vivía en condiciones miserables y su única posesión de valor era la cámara Leica I que empeñaba continuamente.

Endre Ernö decide cambiar su nombre para ver si, creándose el mito de ser un talentoso fotógrafo estadounidense, logra encomiendas mejor pagadas: la estratagema tuvo éxito.

En 1936 junto con ​Gerda Taro​, su fotógrafa amante, acuerda la creación del nombre ​Robert Capa​. Juntos cubren la Guerra Civil Españoa: El

trabajo fotográfico fue un éxito. Robert regresa a París: se entera por un periódico que Gerda ha muerto en un accidente. Robert, inconsolable,comenzó a beber fuertemente. Un velo cubrió a Capa y , cuando emergió, era un hombre totalmente distinto: cínico, oportunista, profundamente nihilista, temeroso de los apegos y con el corazón roto para siempre. Y, entonces, Capa comienza a triunfar. Para diciembre de 1938 la revista inglesa Picture Post publicaba ocho páginas de fotografías de Capa, quien contaba apenas 25 años. La revista le proclamó «el mejor fotógrafo de guerra del mundo».”

Capa participa, desde luego, en la II Guerra Mundial y crea una de las fotografías más icónicas del conflicto: el desembarco en Normandía durante el “día D”.

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Cartier-Bresson funda, junto con Capa y otros, la agencia Magnum Photos, hasta el día de hoy la más importante del mundo. Capa continuó haciendo fotografía de guerra hasta que pisó una mina en Thái Bình (Vietnam) en 1954: murió instantáneamente - Fotografía de prensa

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Las primeras publicaciones fueron hacia 1880, cuando se publica la primera imagen que se puede imprimir a la vez que la letra, hasta entonces era el grabado en relieve; la publica el New York Daily Graphic.

• La publicación con fotografías comienza a tener un gran impacto sobre todo para revistas, no tanto para diarios, porque ralentiza las tiradas, y la inmediatez de la información. A partir de 1910 se utilizará la fotografía de un modo más asiduo Después de que ​la IWW​ adquiere un

papel protagonista en prensa. Influye también los avances tecnológicos que se producen en estos años, es una época de nuevas libertades que influyen directamente en el crecimiento de la importancia de la prensa. Esto hace que aumente la producción de revistas y semanarios de toda clase de tendencias, que se multipliquen los trabajos fotográficos, apareciendo la Agencias Fotográficas que liberan a los fotógrafos de las gestiones y burocracias.

El fotoperiodismo o también llamado: periodismo gráfico es un género del periodismo que utiliza la fotografía como medio de expresión. Los periodistas que se dedican a ello son denominados fotoperiodistas o reporteros gráficos, y su trabajo posee un alto nivel artístico. La imagen debe ser autónoma, informar por sí misma y mostrar por encima de todo un compromiso con la realidad El desarrollo del fotoperiodismo está directamente vinculado al desarrollo de la fotografía y de las técnicas de impresión.

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El fotoperiodismo abarca todas las áreas de interés de la actualidad informativa: conflictos bélicos, política, problemas sociales, deportes, espectáculo...

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- Fotografía documental La fotografía documental es una descripción del mundo con la intención de comunicar algo.

Suele estar sujeta al compromiso con ciertos valores humanitarios (dignidad humana, derecho a la vida…) Se prepara con grandes textos de fondo, múltiples imágenes un sentido muy concreto, lo que se denomina “visión de autor” A veces el documentalismo cae en el pesimismo, heredando la visión de la cámara como el ojo de la conciencia. Otras veces se trata de un documental sobre la naturaleza, animales, plantas, o ciudades, etc.

Thomas Annan (1829 - 1887) En plena revolución industrial realiza un trabajo para documentar las viviendas insalubres en Glasgow, las condiciones de miseria humana.

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JACOB RIIS (1849-1914) Llega desde Europa a EEUU y quiere mostrar la miseria de los barrios y los guetos neoyorquinos realiza una serie que se denomina cómo vive la otra mitad

LEWIS HINE (1874-1940) Denuncia el trabajo infantil, sabe que con las imágenes es mucho más eficaz que con el texto Realizó el conocido Men at work sobre la construcción del Empire State en 1930

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Walker Evans (1903 - 1975) Lo extraordinario en lo ordinario.

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Dorothea Lange​ (1895 - 1965) Una de las características presentes en casi toda su carrera es su fantástica habilidad ​de llegar a robar las almas del espectador que mira las fotografías​.

Estos dos últimos profesionales, fotografiarán las consecuencias de la Gran Depresión americana con todos los problemas sociales, que esto genera El gobierno genera unas ayudas en 1935 y encargará a unos fotógrafos recoger los beneficios de este proyecto con un objetivo claramente propagandístico.

AUGUT SANDER (1876-1964) Realizó entre 1910-1934 un exhaustivo trabajo sobre rostros alemanes en 1929 intentó publicar parte de este pero la Gestapo se lo impidió en el se veía la gran variedad real de los alemanes que contrarrestaba con la teórica raza aria.

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Escuela de Madrid : ​Francisco Ontañón

Bruce Dadvison

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Fotografía de la Naturaleza: La naturaleza siempre ha usado el soporte del dibujo para acompañar el estudio, observación e investigación. Con los avances tecnológicos en el campo de la fotografía esta se convierte en un soporte fundamental.

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“Las cámaras no se limitaron a posibilitar nuevas aprehensiones visuales, cambiaron la visión misma, pues fomentaron la idea de la visión por la visión misma”. ​De esta manera, los lenguajes formales de cada disciplina artística iban adquiriendo aquello inherente a cada una. ●

Vanguardias del siglo XX: renovación del campo artístico

Las vanguardias artísticas que se desarrollaron a partir de los primeros años del siglo XX, revolucionaron tanto formal como conceptualmente el campo de las artes. La fotografía absorbió muchas de estas nuevas corrientes, que al ampliar la noción de arte, le permitieron el desarrollo de una estética propia.

El futurismo, el dadaísmo y el surrealismo fueron los movimientos que más incidieron en las experimentaciones fotográficas.

Fotomontaje:

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Fotografía surrealista

Futurismo …un automóvil rugiente, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia”

Bauhaus

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Se trató de buscar la conciliación, hasta ese momento imposible, de la doble articulación gnoseológica que Fontcuberta encuentra en los postulados de Emerson, quien en 1889, razonaba que la fotografía “como cualquier otro tipo de imagen, puede servir para suministrar información (función científica) o para suministrar placer estético (función artística)”. Sin embargo, los contenidos ideológicos de las vanguardias darían un giro a este planteamiento.

Las nuevas tecnologías se convirtieron en estigma de la modernidad. En un mundo nuevo, caracterizado por el progreso técnico y científico, el arte debería ser igualmente tecnológico, lo que proyectó el trabajo tanto del fotógrafo como del cineasta, apareciendo bajo estos parámetros como los artistas por excelencia.

Fotógrafos como Man Ray (1890-1976), Lazlo Moholy-Nagy (1894-1989) o Alexander Rodtchenko (1891-1956) desarrollaron innovaciones formales y técnicas explotando las

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posibilidades que el medio les brindaba, creativamente, pero con un espíritu más cercano a lo racional, que a lo poético.

Pop Art Andy Warhol (1928 - 1987)

Ideó una fábrica de arte (“The Factory”), que aglutinó a los artistas más irreverentes del Nueva York de los años 60 y 70, produciendo desde películas a pinturas, esculturas o serigrafías. Todo bajo el exitoso sello de Warhol, que personificó el nexo de unión entre la cultura underground y la alta sociedad de la época.

Grupo f/64: su formación y obra Luego del abandono definitivo de la estética pictorialista, y la valoración y el reconocimiento de la fotografía por las vanguardias, surge una nueva tendencia, que descarta el uso de

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procedimientos que ornamenten la fotografía pura. Se buscaba una mayor nitidez en la toma y el uso de temáticas cotidianas, especialmente aquellas que brindaba la naturaleza.

Tanto Edward Steichen, como Alfred Stieglitz y Paul Strand (1890-1976), aunque éste último no perteneció directamente a Photo Seseccion, fueron los antecedentes directos del Grupo f/64 y la fotografía directa, que habrían de ganar en auge durante los años siguientes a la Gran Guerra. En 1917 Strand escribe: El problema del fotógrafo es ver las limitaciones de su medio y al mismo tiempo sus cualidades potenciales. La honestidad y la intensidad de visión suponen un respeto al objeto, su más plena realización se obtiene sin trucos, mediante la fotografía directa.

Edward Weston (1886-1958) fue un fotógrafo californiano, pionero en el uso de la straight photography, denominación que aludía al uso de la toma directa sin intervenciones en el proceso ni de laboratorio, ni de revelado, ni compositivo. Para Weston el artista debía visualizar de antemano el resultado final. Su virtuosismo técnico exigía la claridad en la forma, la perfecta delineación de la superficie de la imagen, para poder apreciar sustancias y texturas hasta llegar a la ilusión.

Sus temáticas siempre asociadas a la naturaleza, rescataban la belleza de la realidad, en palabras de Sontag: “Weston entiende a la fotografía como una manera genuinamente nueva de ver”. En 1932 un grupo de jóvenes fotógrafos impresionados con su trabajo formaron una sociedad a la que llamaron Grupo f/64.

Eligieron este término óptico porque generalmente, fijaban sus lentes en esa abertura, para asegurarse una máxima nitidez de imagen, tanto para el primer plano como para la lejanía.

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Los miembros fundadores fueron Ansel Adams (1902-1984), Imogen Cunningham (1883-1958), John Paul Edwards (1884- 1968), Sonya Noskowiak (1900-1975), Henry Swift (1891- 1962), Willard Van Dyke (1906-1986) y Edward Weston.

Formularon una estética que se basó en una serie de dogmas: la fotografía debe ser nítidamente enfocada en cada detalle, impresa por contacto en papel brillante blanco y negro, montada sobre una superficie blanca, no debe ser manipulada y su temática será alusiva a la realidad exclusivamente.

Esta estética reaccionaba contra el estilo débil y sentimental que era habitual entre los fotógrafos artísticos de California en esa época.

La exposición inaugural del nuevo grupo se realizó en 1932, en el M. H. Del Young Memorial Museum, de San Francisco.

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Durante los años que existió esta sociedad informal fue la más progresista de Estados Unidos, e incluso una vez disuelta su influencia persistió siendo el Grupo f/64 sinónimo de la fotografía directa.

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2​​ ​

La cámara fotográfica.

DIFERENCIAS ENTRE LA VISIÓN Y LA FOTOGRAFÍA

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La percepción visual es prácticamente igual para todos los seres humanos y sus diferencias dependen de la mayor o menor agudeza visual y de la​ educación del sentido de la vista​.

La imagen fotográfica está condicionada por los medios técnicos empleados, las imágenes obtenidas a partir de un mismo modelo pueden diferir muchísimo en función de estos medios.

La Fotografía ●

Da una imagen obtenida desde un único, inmóvil, punto de vista.

●

Da una imagen plana.

●

Da una imagen aislada espacial y temporalmente.

●

Da una imagen de colores y matices limitados.

●

Permite obtener imágenes que el ojo humano no puede percibir, mediante la acumulación de luz o el empleo de técnicas especiales.

●

Da imágenes que presentan grandes diferencias en función de los medios técnicos empleados.

La Vista ●

Sintetiza una imagen proveniente de dos puntos de vista, ligeramente diferentes y en constante movimiento.

●

Nos permite una visión tridimensional.

●

Es continua y cambiante.

●

Nos permite percibir correctamente grandes diferencias de luminosidad y distinguir sutiles matices de color.

●

Está limitada a la luz reflejada por la Naturaleza, en unas condiciones determinadas.

●

Es básicaente igual para toda la especie humana ( salvo diferencias personales)

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La cámara fotográfica y el ojo humano comparten el mismo principio óptico. Lá cámara de fotos registra imágenes según el principio originario de la cámara oscura. Además de los mecanismos accesorios, la cámara se basa en la actuación de tres elementos: EL SENSOR (PELÏCULA) El​ tamaño​ de éste será el que nos proporcione una mayor o menor resolución y/o calidad de imagen. La ​sensibilidad ​nos indica el tiempo de exposición a la luz necesario para obtener una imagen óptima. La clasificación bajo la normativa ISO establece el grado de sensibilidad de la película ( o sensor ) a la exposición de la luz EL SISTEMA ÓPTICO Objetivo. La calidad de éste es en gran medida lo que determinará la calidad global de nuestras imágenes.

EL

OBTURADOR Cuando matenemos pulsado el disparador liberamos la mecánica de la cámara para dejar pasar la luz del objetivo a la película(sensor) ; esa mecánica, es el obturador de la cámara. Con esto podemos controlar el tiempo durante el que la luz plasma la imagen en el sensor y esto es lo que se conoce como “velocidad de obturación”

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Más o menos complejas, todas las cámaras cuentan con los siguientes elementos mínimos.

Cada uno de ellos tiene una misión: ●

El sujeto o la escena es encuadrada y enfocada utilizando un objetivo en un extremo, que dirige los rayos de luz hacia un sensor digital en el otro extremo.

●

El sensor digital capta la imagen.

●

En el objetivo, una abertura variable o diafragma, limita el tamaño del rayo de luz que penetra (apertura de diafragma).

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Entre el objetivo y el sensor existe también un obturador, que controla el tiempo que el sensor está expuesto a la luz (tiempo de exposición).

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●

Para componer la escena se observa a través de un visor o a través de una pantalla incorporada en la cámara digital.

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Para elegir el momento de la exposición posee un botón disparador.

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La imagen recogida por el sensor es procesada por un chip y se almacena en un soporte de almacenamiento digital (tarjeta de memoria).

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Una batería alimenta la circuitería electrónica durante todo el proceso.

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Un fotómetro mide la luz proyectada a través del objetivo para que la cámara pueda calcular la exposición correcta.

LA EXPOSICIÓN CORRECTA ES LA RELACIÓN ENTRE LA APERTURA DEL DIAFRAGMA, LA VELOCIDAD DE OBTURACIÓN Y LA SENSIBILAD

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Diafragma​ ​El diafragma es una parte del objetivo que limita el rayo de luz que penetra en la cámara. Funciona como el iris del ojo humano, abriéndose o cerrándose para permitir que entre más o menos luz según sea necesario.

Lo abierto que está el diafragma es lo que se llama apertura de diafragma. La apertura de diafragma se mide en números f. El salto de un valor al siguiente se denomina paso. La escala de números f típica es la siguiente, aunque no muestra todas las posibilidades, ya que los diferentes pasos dependen del diseño del objetivo:

La relación entre los números f es que por cada paso la luminosidad se duplica o se divide por dos si la aumentamos o la reducimos respectivamente. Así f11 tiene el doble de luminosidad que f16 y la mitad que f8. Es fácil liarse con los números y la apertura. La forma más fácil de recordarlo es que el menor número f es la mayor apertura y el mayor número f es la menor apertura. Como podéis ver son conceptos inversos.

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En función del programa utilizado en la cámara la apertura de diafragma se ajusta automáticamente o puede ajustarse de forma manual.

Cada objetivo tiene una apertura de diafragma máxima. Si son objetivos con distancia focal fija la apertura máxima es fija, para zooms la apertura máxima puede cambiar según varía la distancia focal o puede ser fija, dependiendo del diseño del objetivo. La apertura de diafragma máxima viene indicada en los objetivos.

14-42mm 1:3,5-5,6 significa que el objetivo tiene una distancia focal que varía entre 14 y 42 mm. En su distancia focal mínima (14mm) tiene una apertura máxima de f3,5, y en su focal máxima (42mm) tiene una apertura máxima de f5,6.

16-45mm 1:4 significa que el objetivo tiene una distancia focal que varía entre 16 y 45 mm y en todo este rango la apertura máxima es de f4.

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La distancia focal​ / Profundidad de campo (profundidad de escena nítida que aparecerá en la fotografía9, es el acercamiento o alejamiento que da un objetivo sin tener que desplazarte (zoom).Es la distancia entre el centro óptico de la lente y el foco (o punto focal). El foco es el punto donde se concentran los rayos de luz. En un objetivo la distancia focal es la distancia entre el diafragma de éste y el foco. Los objetivos de las cámaras tienen una distancia focal fija o variable, dependiendo del tipo de objetivo. Al variar la distancia focal conseguimos un menor o mayor acercamiento. Es lo que comúnmente llamamos zoom.

La profundidad de campo se regula en función de tres factores: ABERTURA DEL DIAFRAGMA/ DISTANCIA DE ENFOQUE / LONGITUD FOCAL En el siguiente ejemplo vemos una foto tomada desde el mismo sitio variando la distancia focal de nuestro objetivo. Podemos ver cómo según aumentamos la distancia focal aumentamos también el acercamiento.

Pero la distancia focal no afecta únicamente al acercamiento. También modifica la perspectiva de la foto. ​Perspectiva ​Al modificar la distancia focal, como hemos visto, modificamos el campo de visión. Así, al aumentarla nos acercamos y al reducirla nos alejamos. Esto trae consigo que se modifique la proporción que los objetos ocupan en la foto. Igualmente ocurrirá con el fondo.

De este modo, cuando nos acercamos con el zoom a un objeto, también estamos

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acercándonos al fondo. Este efecto modifica la perspectiva de los objetos y podemos verlo perfectamente.

Así podemos verlo con nuestro amigo Alfred, el patito, en el camping du Lac, cerca de Gruyere. Haciéndole una foto con la distancia focal a 28 mm podemos sacar el fondo completo, con todo el lago. Sin embargo, si nos alejamos de Alfred para hacer que éste ocupe la misma proporción en la escena, y aumentamos la distancia focal a 100 mm podemos ver cómo el fondo no sale completo, y el campo de visión se reduce. El efecto es como si el fondo se acercara. Lo podemos ver también en esta foto de flores, que han sido tomadas a distintas distancias de la flor, haciendo que ocupe lo mismo en la foto, y modificando la distancia focal.

Fíjate cómo el campo de visión se reduce y el fondo parece acercarse. La foto a 28 mm la tomé a unos 35 cm de la flor, mientras que la foto a 300mm la tomé a varios metros.22

Trepidación y movimiento La trepidación es el efecto que se produce cuando una foto sale movida por un tiempo de exposición demasiado largo o por no controlar el movimiento de 51

la cámara. Al hacer una foto debemos tener en cuenta el movimiento de los objetos para decidir entre un tiempo de exposición u otro. Los siguientes elementos pueden influir en la trepidación o el movimiento de los objetos: ●

El movimiento de la cámara al hacer la foto: Cuanto más quieta esté la cámara en el momento del disparo más fácil será obtener una imagen nítida. No es lo mismo hacer una foto con un trípode apoyado en el suelo que desde un coche en movimiento.

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El movimiento de los objetos en la foto: Debemos evaluar que los objetos que fotografiamos se mueven y pueden hacerlo a velocidades distintas. No es lo mismo fotografiar un niño pequeño (se mueven endemoniadamente) que una modelo profesional que sabe estar perfectamente quieta. No se mueve igual de rápido un coche de carreras que una persona en bicicleta.

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La cantidad de luz ambiental: Cuanto mayor sea la cantidad de luz más fácil será utilizar un tiempo de exposición bajo y así evitar una foto movida. No es lo mismo hacer una foto a plena luz del día en la calle que dentro de una casa. Esto podemos tenerlo en cuenta a la hora de hacer un retrato en interior. Será más sencillo si el modelo se encuentra cerca de una ventana.

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El objetivo que se está utilizando: Cuanto mayor es la distancia focal (zoom) mayor es la probabilidad de trepidación (foto movida). Un objetivo con estabilizador reducirá las probabilidades de trepidación, aunque los objetivos estabilizados tienen sus límites. No es lo mismo hacer una foto panorámica que una foto con un teleobjetivo a un futbolista.

Fotografiar el movimiento Una velocidad de obturación lenta ( o exposición prolongada) nos permite captar la luz durante un periodo de

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tiempo alto, como consecuencia, los objetos que se estén moviendo serán expuestosen diferentes ubicaciones de una trayectoria. De esta forma, podemos usar una exposición larga para “capturar” la trayectoria de un objeto, o lo que es lo mismo, utilizaremos las velocidades bajas de exposición para capturar “el movimiento”.

LEY DE RECIPROCIDAD Indica que el nivel de exposición de una fotografía es proporcional a la cantidad de luz que incide sobre el sensor, cantidad que se obtiene a partir del producto de intensidad por el tiempo.

E (EXPOSICIÓN) = I (INTENSIDAD) x T (TIEMPO)

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3​​ ​

La Fotografía en blanco y Negro.

Sin lugar a dudas, la fotografía en blanco y negro tiene un encanto único. Su estilo clásico y minimalista le otorga total protagonismo al sujeto u objeto de la fotografía, a pesar de la falta de color, puede causar un impacto aún mayor por el contraste de este binomio de colores.Los elementos más importantes y evidentes son el blanco y el negro.

El blanco​ es, nada mas y nada menos, que la suma de todos los colores, es el símbolo de lo absoluto. El blanco da una sensación de paz, luminosidad, vacío, pureza y positividad. También 54

puede transmitir sensaciones contrarias como esterilidad y frialdad, lo que permite su uso para muchas situaciones.​El negro ​es, el representante de la oscuridad por excelencia. El negro no es mas que la ausencia total de luz y nace cuando un cuerpo absorbe todos los colores del espectro sin reflejar alguno. El negro suele ser característico de la negatividad, el miedo, lo desconocido y peligroso, pero un color en extremo clásico y elegante que también aporta seguridad.

Luz absoluta o su ausencia total son los extremos que la fotografía en blanco negro aborda para crear los más bellos contrastes. Esto nos lleva, indudablemente, al estudio de la luz. ​El correcto uso de la luz y la sombra pueden darle una dimensión completamente diferente a la fotografía.

Tips para fotografías en blanco y negro increíbles ●

Presta atención a líneas, formas y contornos: ​no tiene sentido que te enfoques en los colores de una composición que registrarás en blanco y negro. Ayuda mucho si te enfocas en la belleza de las líneas y las sombras para previsualizar tu foto en blanco y negro.

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Busca el contraste: ​el contraste añade interés a la escena. Si las fotos tienen partes muy cercana al blanco total o al negro total, los matices serán más ricos y diversos.

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Trabaja con la escala de grises: ​si la fotografía solo tiene blanco y negro puede verse aburrida y plana. Los diferentes matices de gris le añaden carácter y dimensión a la escena.

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Usa un polarizador: ​si decides tomar fotos a superficies como agua, vidrio, espejos, etc., lo mejor es usar un polarizador. Al usa uno cortarás el reflejo de la luz del sol y podrás obtener una foto de alta definición.

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Toma las fotos en RAW: ​puede ocurrir que luego de haber tomado muchas fotos en blanco y negro, éstas no hayan salido como esperabas y se vean diferentes en la computadora. Por ello lo mejor es fotografiar en RAW. Así, si el estilo en blanco y negro no funcionó, podrás cambiarlas a color y tu trabajo no se perderá.

¿Cuándo usar la fotografía en blanco y negro? ●

Retratos: ​los retratos son perfectos para implementar la fotografía en blanco negro.

Este binomio de colores aporta una definición de contornos y depresiones únicas que resaltará las facciones de tu sujeto.

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Naturaleza: ​fotografiar naturaleza en blanco y negro aporta una visión totalmente diferente a una paisaje simple y verde. Puede añadir una sensación vasta y estéril a un paisaje solitario o puede resaltar la luminosidad de un lago sereno.

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Arquitectura: ​edificios, casas y demás ganan un protagonismo único cuando son fotografiados en blanco y negro. Por los mismo beneficios que aporta al resaltar contornos, formas, depresiones la fotografía arquitectónica o urbana suele tener otro nivel al obtener el contraste que aportan estos dos colores.

Martín Chambi ​(Perú 1891 - 1973).

Fue un fotógrafo indígena peruano. Considerado como pionero de la fotografía de retrato. Reconocido por sus

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fotos de profundo testimonio biológico y étnico, ha retratado profundamente a la población peruana, tanto a los indígenas como a la población en general. Nace en una familia de campesinos a finales del siglo XIX. En su condición de indio y desheredado, la pobreza y la muerte del cabeza de familia hace emigrar al joven Martín Chambi, con sólo catorce años, a buscar trabajo en las multinacionales que explotan las minas de oro de Carabaya en la selva a orillas del río Inambari. Aprende lo básico de los fotógrafos ingleses que trabajan para la Santo Domingo Mining Co. Ese encuentro fortuito con la nueva técnica prende en él la chispa que le decide a buscarse el sustento como fotógrafo. Para ello emigra en 1908 a la ciudad de Arequipa.

"He leído que en Chile se piensa que los Indios no tienen cultura, que son incivilizados, que son intelectual y artísticamente inferiores en comparación a los blancos y los Europeos. Más elocuente que mi opinión, en todo caso, son los testimonios gráficos. Es mi esperanza que un atestado imparcial y objetivo examinará esta evidencia. Siento que soy un representativo de mi raza; mi gente habla a través de mis fotografías"

​ Martín Chambi, 1936

Irving Penn ​(New Yersey 1917 - New York 2009) Es probablemente uno de los grandes retratistas fotográficos del siglo XX. Se dedicó principalmente a la fotografía de moda y los retratos. Se debe destacar su papel en la revista femenina ​Vogue​, en la que publicó su primera portada el 1 de octubre de 1943. A lo largo de su carrera retrató a infinidad de personalidades del mundo del arte, la moda y el cine. Es el caso de Woody Allen, Pablo Picasso, Salvador Dalí o Joan Miró.

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El empleo de una luz tremendamente simple y fondos neutros modificó de pies a cabeza unos cánones hasta ese momento inamovibles. “Su lema fue “Menos es más”.

Estudió dibujo, pintura y diseño gráfico en la Escuela de Artes Industriales del Museo de Filadelfia –actual University of the Arts– donde se licenció en 1938. Trabajó durante dos años como diseñador freelance Después de un tiempo trabajando como diseñador, Liberman le impulsó que probara con la fotografía.La primera portada para Vogue de Penn fue publicada en octubre de 1943. El fotógrafo pidió una cámara prestada.La modelo Lisa Fonssagrives-Penn fue su esposa y su musa, a la que inmortalizó en la famosa Woman With Roses, tomada en 1950. Truman Capote, Jean Cocteau, Marlene Dietrich, Jean Cocteau, Colette, Alfred Hitchcock o Miles Davis son otros de los personajes que quedaron inmortalizados por su cámara

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Cecil Beaton ​(Inglaterra 1904 - 1980) Fotógrafo y escenógrafo. El gusto por la fotografía empezó cuando era niño y por entonces usaba a sus familiares como modelos.

Poco a poco fue evolucionando y sus fotografías consiguieron un toque característico que sugería mundosfrágiles, sofisticados y sensuales. Beaton se convirtió en un genio de la escenografía teatral, un fotógrafo de la moda más sugerente y un retratista famoso.

Inmortalizó el Hollywood de los años treinta, muchos famosos posaron para él, entre decorados innovadores: utilizó técnicas de luces y sombras, que se fundían en escenarios decorados con un estilo de elegancia muy personal. Juegos de espejos y de figuras, estatuas y vestidos extravagantes. “En su estilo se dan cita una cierta teatralidad, con poses artificiosas por parte de las figuras humanas, con una influencia del surrealismo que se manifiesta, sobre todo, en la inadecuación entre figuras y decorados.

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En la Segunda Guerra Mundial, consiguió un impresionante testimonio gráfico de la devastación en Inglaterra. Pero después del conflicto bélico volvió a su estilo ornamental, aunque tras la experiencia se volvió más realista. Las modelos eran más sencillas, se alejó del estudio para salir a la calle (usa como escenarios las ruinas), y simplificó la luz.

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Ansel Adams ​(EEUU 1902 - 1984) Sus imágenes más famosas y relevantes son del Parque Nacional Yosemite de Estados Unidos. En 1916 realizó sus primeras fotografías, donde captó en blanco y negro y en todo su esplendor, la majestuosidad y grandeza de la naturaleza de Estados Unidos​.

En 1932 funda en California, junto a otros fotógrafos, entre los que destacan Paul Strand, Imogen Cunningham, Henry Swift, Sonya Noskowiak, Williard Van Dike y Edward Weston, la asociación fotográfica Grupo f/64. Con el nombre del grupo deducimos perfectamente las ideas que abrazaban. Defendían el uso del diafragma lo más cerrado posible. Con ello buscaban una gran profundidad de campo y conseguir el control total de todas las zonas de la imagen.

“Sistema de Zonas”: El sistema de zonas es una técnica de exposición y revelado que debemos a Ansel Adams y F.Archer. Esta técnica permitía sistematizar los parámetros que intervienen en todo el proceso fotográfico y además, proporcionaba unas pautas, basadas en una escala de grises, para obtener fotografías lo más cercanas a la realidad, y tal y como las percibimos autenticamente. Adams creó un método revolucionario para regular la exposición y revelado de negativos con la finalidad de maximizar el control del fotógrafo sobre la imagen 62

impresa final.

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La fotografía en color.

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La teoría del color y las emociones El color puede ayudar a contar historias (visualmente) y puede ser utilizado para comunicarse a un nivel emocional. La ​Teoría del Color​ es la que estudia cómo se componen los colores y cómo se combinan para crear nuevos colores.

Uno de los principales errores, sino el principal, que comete la mayoría de los fotógrafos amateurs, es pensar que más color es mejor, o no darse cuenta de que demasiados colores, sobre todo colores que no siguen ningún orden (por ejemplo, que no siguen un patrón) hacen que las imágenes sean muy confusas, también la excesiva edición que vemos a diario en la web, afecta sobremanera el color.

Algunos términos que podríamos pensar para asociar con colores en la fotografía son colores que armonizan, colores que contrastan, colores múltiples o colores complementarios.

Veamos con qué se relacionan generalmente los colores psicológicamente, de manera que podamos aplicarlos de mejor manera en nuestra fotografía: ●

Azul:​ paz, tranquilidad, frío, armonía, limpieza, cielo y agua.

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Violeta:​ Realeza, nobleza, espiritualidad, misterio, floral y sabiduría.

●

Rojo:​ Emoción, deseo, energía, calor, intensidad y pasión.

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Naranja:​ Energía, equilibrio, entusiasmo, calidez y vitalidad.

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Amarillo:​ Alegría, felicidad, optimismo, sol y amistad.

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Verde:​ Naturaleza, medio ambiente, salud, suerte, renovación y fertilidad.

❏ Frío:​ colores relajantes como el los azules. (​Blue, por ​ahisgett​)

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❏ Caliente:​ Colores excitantes, tales como los rojos, naranjas y amarillos. (​Under A Blood Red Sky, por ​Ian Sane​)

❏ Mixto:​ Los colores con un significado fresco y cálido, como el violeta y el verde. ❏ Neutral:​ La unificación de colores terrosos, como marrones, grises, negro y blanco.

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❏ Armonización:​ Los colores que aparecen uno junto al otro en la rueda de colores o circulo cromático y trabajan bien juntos.(​Galeria, Modena ​Interesante imagen de profundidad por disminución de tamaño. Los colores son apagado y en armonía (crema, amarillo, ocre), producto de un dia nublado y a la sombra. Las bicicletas de frente y perfil son el motivo principal de la foto.

Nikon D100, ISO:400, 1/45, f: 4,5)

❏ Contrastando:​ Colores separados por otros colores en la rueda de color. ​(Composición dominada solo por 2 colores, opuestos en la rueda de los colores, en este caso verde y naranja.

Luz dura de sol del medio día. El color cálido se recorta y destaca del verde de fondo. Se utilizo un filtro polarizador para “saturar” un poco mas los colores. ISO 400, 1/400, f/11)

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❏ Complementos:​ Los colores en los extremos opuestos de la rueda de color que a menudo chocan.(Imagen de colores fuertes (primarios y complementarios bien vivos e iluminados) si bien están todos entremezclados, no hay competencia visual entre ellos, porque todos responden a un mismo patrón de diseño (el cuadrito de color fuerte con su foto interior). En un punto se rompe ese ritmo de colores por la ausencia de alguno de ellos y porque en la base 5 son de un tamaño mayor. ISO 400, 1/400, f/11)

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Ernst Haas.​ 1921-. El color y el movimiento Como filósofo reflexionó sobre el hecho fotográfico, como profesor no dejó de inculcar sus conocimientos y, además, fue un maestro del color. Cultivó tanto en la fotografía documental como en la fotografía comercial sin perder ese espíritu colorista,creativo e innovador.

Consiguió un puesto fijo en la prestigiosa revista Life, pero eligió la agencia Magnum como destino profesional, auspiciado por el gran Robert Capa.

“El único secreto para hacer buenas fotos es no perder la curiosidad ni creer que se ha alcanzado un objetivo, se trata de seguir buscando”.

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Campaña para Marlboro

Howard Schatz.​ 1940 Observador romántico, le gusta plasmar la libertad de movimientos, la frescura de la juventud, de la desnudez, la magnificencia de un cuerpo esculpido a base de ejercicioy no encuentra limitación alguna a la hora de expresarse.

Su colección de imágenes tomadas debajo del agua son impresionantes, obras de arte por su colorido, por la nitidez con que captan un instante y por los sentimientos que transmiten. Ha utilizado imágenes de este tipo para ​Sensei, Brizo, Coca-Cola/Sprite, Ralph Lauren RLX,

Escada, Sergio Tacchini, Nike, Reebok, Wolford, Etienne Aigner, Sony, Adidas, Finlandia Vodka, MGM Grand Hotel, Virgin Records y​ ​Mercedes-Benz​.

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Andy Warhol​ ( Pittsburgh1928 Sus trabajos fundamentales fueron posibles gracias a la fotografía.​En muchas ocasiones usaba una fotografía para luego terminar con otra obra de arte (una serigrafía, por ejemplo).

“La naturaleza mecánica de la fotografía era perfecta para la metodología ​Pop​ de Warhol.”Al principio, Andy Warhol se apropiaba de imágenes que obtenía de anuncios o publicadas en

periódicos. Eventualmente comenzó a trabajar sus propias fotografías debido a litigios sobre propiedad intelectual: Aunque había tenido suerte al usar las imágenes de Marilyn Monroe o el diseño de la sopa Campbell’s, acabó demandado por Patricia Caufield debido al uso de Warhol de una inocente imagen de flores de hibisco realizada por la fotógrafa

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Andy Warhol. De la serie Marilyn Monroe (1967) y foto de Gene Korman. Marilyn Monroe. Fotografía promocional para la pelicula «Niágara» (1953)

Ouka Leele​ 1957 Con obra en el Reina Sofía, en el Museo Español de Arte Contemporáneo y en otros muchos lugares, Ouka Leele es hoy una artista insoslayable, una mujer que se ha abierto espacio y liderazgo en un mundo, el de la fotografía, muy masculino. Una fotógrafa que es también pintora y poeta, que quisiera hacer cine y escribir novelas. Alguien que ha conseguido una obra fotográfica que habla por sí misma y que no sólo le ha dado de comer. Hoy tiene un puesto al sol del arte y una vida interesante.

● Enlaces

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​Lecciones de grandes maestros

fotográficos para aplicar en el retrato

mundo

​

​ 10 de los mejores fotógrafos de retratos del

Fotógrafos de combate de la Segunda Guerra Mundial ​

Fotoperiodismo

75

​La

cámara fotográfica

Teoría del color

Composición en colores

Andy Warhol​ ​Henri Cartier-Bresson

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