Gustavo Gutierrez - Architecture Portfolio - Historia del Arte - RIBA Part 1 - Ulima - 2021

321 Profesora: María de la Paloma Carcedo Muro de Mufarech

PORTAFOLIO

HISTORIA DEL ARTE GUSTAVO ANDRÉS GUTIÉRREZ PALACIOS 20203020

Facultad de Ingeniería y Arquitectura

Carrera de Arquitectura - Área de Historia y teoría de la Arquitectura Ciclo 2021-1

TA B L A D E CONTENIDOS ACTIVIDAD CALIFICADA 1

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ACTIVIDAD CALIFICADA 2

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ACTIVIDAD CALIFICADA 3

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ACTIVIDAD CALIFICADA 4

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ACTIVIDAD CALIFICADA 5

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ACTIVIDAD CALIFICADA FINAL

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CV

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REFLEXIÓN FINAL

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INFORMACIÓN DEL CURSO

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CRITERIOS RIBA CG2 Conocimiento adecuado de las historias y las teorías de arquitectura y las relacionadas al arte, la tecnología y las ciencias humanas.

CG3 Conocimiento de las bellas artes, como una influencia sobre la calidad del diseño arquitectónico.

C G 2 ,

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ACTIVIDAD CALIFICADA I I N T R O D U C C I Ó N

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A R T E

ENCARGO Elegir una de las fotos que se presentaron en unas diapositivas y analizarla teniendo en cuenta 5 preguntas que nos proporcionaron.

OBJETIVO Introducción al arte y su análisis mediante este ejercicio. Me parece que también sirvió para brindarnos una base y ejemplo de como serian los trabajos en el futuro a medida que vayamos avanzando en el curso.

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I N T R O D U C C I Ó N

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A R T E

A C T I V I D A D

C A L I F I C A D A

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PREGUNTAS 1.

2.

3.

¿Por qué elegiste esa diapositiva (foto o cuadro)? ¿Qué interrogantes te produjo cuando la observaste, qué te recordó y porqué ¿Qué crees que el autor quiso transmitir con ella? ¿En qué se inspiró?

4.

Cuál es el contexto social que crees influenció al artista en su ejecución ¿Crees que entenderías esa obra hoy en día si no conocieras la problemática de la pandemia del Covid19?

5.

Concluye tu comentario explicando “para conocer una obra de arte hay que conocer el momento histórico y social en que fue hecha”. Puedes comentar una o también comparar dos o las tres a la vez.

DIAPOSITIVA 2 Elegí este cuadro ya que muestra de forma clara y cómica parte de lo que esta ocurriendo en la actualidad. A primera vista no capté la idea y me preguntaba por que las imagenes de los apóstoles estaban en la parte superior del cuadro, pero gracias al texto entendí lo que se queria dar a entender y me sentí completamente identificado ya que es algo que practicamente percibo cada vez que el profesor empieza a dar clases bajo la modalidad virtual. Creo que el autor trata de transmitir lo que esta pasando hoy en día. De que a pesar de la circunstacia o de la época, muchos de nuestros hábitos de hoy en día son los mismos que los de hace 2,000 años y que estos han perdurado ya que el hombre siempre trata de reinventarse. Definitivamente el contexto social que influenció al artista es el que estamos viviendo todos, una pandemia que ha afectado a todo el mundo, sin importar la religion, la cultura, nacionalidad, etc. Es muy probable que hace dos años este cuadro no haya tenido sentido para mi. Eso es lo que hace a esta obra especial para mi.

A diferencia de la obra elegida; la foto tomada en 1919 durante la llamada ¨gripe española¨ me hubiese sido dificil de entender con solo ver la imagen, puesto que pensaría que se trata de alguna moda de la época. Ademas, las dos señoras estan caminando juntas lo cual tampoco me da un indicio de que se puede tratar de una pandemia, al menos no como yo la comprendo acutualmente, donde el distanciamiento social es obligatorio. El auto (desconocido) tomó como base la obra de Leonardo Da Vinci ¨La Última cena¨ Este mural, de estilo renacentista presenta una perspectiva lineal y los colores estan difuminados según la distancia. Tuvo la función de expresar lo que se vivió en 2020, product de la pandemia del COVID-19.Esta claro que si este cuadro se me presentaba hace dos años, no lo hubiese entendido; esto me hace dar cuenta que para comprender una obra de arte hay que saber el contexto de la misma, es decir, el momento historico y social en el que fue elaborada.

BIBLIOGRAFÍA

Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) “Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura” Editorial EDINUMEN. Madrid, PP., 11-19

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ACTIVIDAD CALIFICADA II M E S O P O T A M I A

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E G I P T O

ENCARGO Realizar dos dibujos: un Zigurat de Mesopotamia, preferiblemente el de Ur, Sumeria y un templo egipcio, de preferencia en de Jonsù en Karnak. Fue preferible que ambos dibujos sean hechos a mano. Los mismos debían ser acompañados de información importante como: la cultura a la que pertenecen, fecha de ejecución, ubicación geográfica, uso de las áreas, etc. También se debió realizar un comentario explicando lo que Gombrich quiso transmitir en un fragmento del Capitulo 2 de su libro.

OBJETIVO Utilizar la lectura de Morante López y Ruiz Zapata (1997) como guía para la realización del comentario.

Tener mayor conocimiento de la historia del arte gracias a la lectura del Capitulo 2 de Gombrich (2007) y a la primera lectura mencionada. Opino que el objetivo principal era tener mayor noción de como analizar una obra y de como identificarla, además de reflejar lo que se explicó en clase sobre la cultura egipcia y las civilizaciones que se llevaron a cabo en Mesopotamia.

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M E S O P O T A M I A

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E G I P T O

INFORMACIÓN El Zigurat de Ur, fue construído por los sumerios entre el 2100 y 2001 a.C. Esta construcción estaba dedicada a la diosa Nannar o Nanna (luna) y se ubica en la ciudad de Ur, actualmente parte de Irak.

Fue destruido por la llegada de los elamitas y su reconstrucción fue encargada al rey Nabucodonosor II. Esta civilización no utilizaba materiales como piedra o madera ya que Sumeria y en general toda Mesopotamia era una zona muy desértica. Ante la escasez de estos materiales, los sumerios usaron ladrillos cocidos pegados con betún asfaltico a modo de mortero para cubrir el exterior, el interior se rellenó con adobe.

El Zigurat contaba con varias plataformas rectangulares, la más amplia mide 61 metros de largo por 45,7 de ancho y 15 metros de alto. Los sumerios creían en que los dioses vivían en la cima de las montañas, esto se debe la gran altura de los Zigurats ya que funcionaban como una conexión entre los dioses y el hombre.

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A C T I V I D A D

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INFORMACIÓN El Zigurat de Ur, fue construído por los sumerios entre el 2100 y 2001 a.C. Esta construcción estaba dedicada a la diosa Nannar o Nanna (luna) y se ubica en la ciudad de Ur, actualmente parte de Irak.

Fue destruido por la llegada de los elamitas y su reconstrucción fue encargada al rey Nabucodonosor II. Esta civilización no utilizaba materiales como piedra o madera ya que Sumeria y en general toda Mesopotamia era una zona muy desértica. Ante la escasez de estos materiales, los sumerios usaron ladrillos cocidos pegados con betún asfaltico a modo de mortero para cubrir el exterior, el interior se rellenó con adobe.

El Zigurat contaba con varias plataformas rectangulares, la más amplia mide 61 metros de largo por 45,7 de ancho y 15 metros de alto. Los sumerios creían en que los dioses vivían en la cima de las montañas, esto se debe la gran altura de los Zigurats ya que funcionaban como una conexión entre los dioses y el hombre.

Todas las ciudades de Mesopotamia contaban con un Zigurat y básicamente sus elementos eran los mismos. En la parte frontal se encuentran 3 tres escaleras, una principal y 2 secundarias que dirigen al templete central ubicado en la segunda plataforma. Este templete tiene dos elementos muy característicos de la arquitectura oriental: El arco de medio punto y la cúpula.

Como se puede observar en la imagen, la primera plataforma tiene agujeros en los muros que sirven como conductos de agua. En la parte más alta del Zigurat se encuentra la capilla central; lugar sagrado en donde habitaba el dios; solo los sacerdotes y el patesi (gobernante de la ciudad) tenían acceso a este espacio. A diferencia de los templos egipcios, el Zigurat de Ur, no cuenta con caminos o cámaras en su interior.

COMENTARIO Este dibujo es una isometría 30°/60° del Zigurat de Ur. Es un edificio de carácter religioso; los muros dentados con forma de talud hacia el exterior estaban orientados hacia los cuatro puntos cardinales, lo cual demuestra la noción de los sumerios sobre la astrología. El Zigurat era el elemento más importante de estas ciudades, pero a lo largo del tiempo fue perdiendo protagonismo; a pesar de ello, hoy sigue siendo un referente arquitectónico de una cuna de civilizaciones.

En conclusión, me parece muy curioso que a pesar de que los sumerios hayan sido una civilización independiente, es decir que no tuvieron influencia de otras, sus construcciones se relacionan en principio a la de otras culturas también independientes, tales como la mesoamericanana, la peruana o inclusive la egipcia.

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M E S O P O T A M I A

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E G I P T O

INFORMACIÓN El templo de Khonsu o Jonsù fue construido por los egipcios durante el imperio nuevo (20001570 a.C.) bajo el mando de Ramsés III y está ubicado dentro del actual conjunto religioso de Karnak. (Morante y Ruiz, 1997).

El material usado en su mayoría es la piedra, por su durabilidad y solidez dándole también una cualidad de imponencia. Muchas de las piedras que se usaron en los cimientos fueron procedentes de otros templos; los egipcios pensaban que estas eran como semillas y lo hacían para darle mayor fuerza espiritual al nuevo templo. (Morante y Ruiz, 1997) El sistema de construcción es adintelado y los dos pilonos son los elementos más resaltantes del templo. Justo después de la entrada se encuentra el primer espacio, la sala hípetra, a modo de patio público limitado por 2 filas de columnas alrededor. El segundo espacio es denominado sala hipóstila, un área para los iniciados más pequeña y también con columnas, pero techada. A medida que uno se adentra en el templo los espacios son más reducidos y carecen de iluminación. Seguidamente se encuentra la Sala de la Barca, llamada así ya que en su interior se encuentra una barca que es usada para festividades. Por último, está la Sala de Dios también llamada santuario, esta es la parte más sagrada del templo y se guardan objetos valiosos, se encuentra la estatua de dios y solo el faraón puede ingresar. (Morante y Ruiz, 1997)

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COMENTARIO La imagen es un dibujo en perspectiva que representa el templo desde una de sus esquinas. El elemento más resaltante son los pilonos con forma de talud tanto en la cara exterior, como interior; los muros en cambio, son verticales en el interior del templo. Esta construcción es de tipo religioso; la civilización egipcia era muy ordenada y la configuración espacial y los elementos de este templo se repiten en otros. En conclusión, me parece que la arquitectura egipcia es bastante consciente, la forma en la que los espacios están ordenados también representa de alguna manera el estatus de la sociedad egipcia. Al primer espacio, a la sala hípetra pueden ingresar todos, pero a medida que uno se adentra, el ingreso a los espacios se limita según tu ubicación en la organización social.

INTERPRETACION DE FRAGMENTO DE GOMBRICH “Uno de los rasgos más estimables del arte egipcio es que todas las estatuas, pinturas y formas arquitecturas se hallan en su lugar correspondiente como si obedecieran una ley. A esta ley, a la cual parecen obedecer todas las creaciones de un pueblo, la llamamos estilo. Resulta muy difícil explicar con palabras que es lo que crea un estilo, pero es mucho más fácil verlo. Las normas que rigen todo el arte egipcio confieren a cada obra individual un efecto de equilibrio y armonía. (Gombrich, (2007) p.65 Tal como se menciona en el mismo libro de Gombrich, la civilización egipcia fue muy ordenada y organizada. El arte egipcio no se daba por casualidad, sino que cada obra tenía un significado y un ideal al cual todos obedecían. El estilo egipcio surgió gracias a los conceptos colectivos que todos ellos tenían acerca de las cosas; es por esto que todos seguían un mismo patrón, un mismo equilibrio y una misma armonía. El estilo es ese conjunto de elementos que guardan la misma relación con el otro, cuando no existe relación alguna entre las partes, no se puede pertenecer a un mismo estilo.

REFERENCIAS Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) “Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura” Editorial EDINUMEN. Madrid, PP., 11-19 Gombrich, E.H. (2007) Arte para la eternidad: Egipto, Mesopotamia, Creta. En: La Historia del Arte. Pp.55-73. Londres: Phaidon Press Limited The Editors of Encyclopaedia Britannica. (2015). Ramses III. Recuperado el 27 de abril de 2021, Britannica: https://www.britannica.com/biography/Ramses-III El Arte en la Mirada. (2020). Zigurat de Ur. Recuperado el 02 de mayo de 2021, El Arte de la Mirada: https://enclasedehistoria.wordpress.com/2020/08/26/zigurat-de-ur-irak/

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ACTIVIDAD CALIFICADA III G R E C I A ,

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ENCARGO Comentar pero también criticar los elementos formales de las esculturas y edificios que se mostrarán. Se deberá hacer en base a la lectura de “Análisis y Comentario de una Obra de Arte” de Morante y Ruiz Zapata (1997). Para la escultura se deberá explicar la cultura artística, periodo dentro de esta y la fecha de cada una de las obras. En cuanto a la arquitectura se tenían que analizar los elementos formales de 2 edificaciones así como también explicar en los dibujos de ambas plantas y cortes los elementos que componen la misma. Por ultimo, podíamos ayudarnos con la lectura de Gombrich (2007) y uno de los requisitos mas importantes fue tener las referencias de manera correcta.

OBJETIVO Presentar lo que vimos durante esas semanas sobre el arte griego, romano, el estilo paleocristiano y el bizantino. Además de pulir la forma de analizar y comentar obras artísticas. Me parece que otra parte importante fue la de no solo comentar, sino también criticar lo que estábamos analizando de forma objetiva. Para concluir, creo que esta actividad tuvo la finalidad de introducirnos teóricamente a los estilos artísticos anteriormente mencionados.

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ESCULTURA 1: El Laocoonte y sus Hijos

Figura 1: El Laocoonte y sus Hijos. Escultura Helenística 200 a.C. Museo Vaticano Fuente: Wikimedia Commons

ANALISIS Este grupo escultórico de cuerpo entero muestra a Laocoonte y sus hijos desnudos, puestos de pie con actitud tensa y en movimiento siendo envueltos por dos serpientes. El personaje en el lado derecho con algún ropaje sobre el hombro intenta sacar con la mano a la serpiente envuelta en su pierna, mientras que Laocoonte sujeta con fuerza la cabeza de la segunda serpiente a punto de atacarlo. El hijo del lado izquierdo mirando a su padre está siendo al mismo tiempo mordido por el reptil.

El material utilizado fue mármol blanco bajo la técnica de tallado.

Asimismo, la superficie es lisa y de textura suave, no forma parte de la arquitectura, pero tiene relación con el interior ya que presenta frontalidad dentro de lo que se conoce como sentido del volumen, es decir, que está pensada para visualizarse desde el frente. El movimiento es dinámico, se muestra la tensión de las extremidades y a su vez la presión de las ondulaciones de la serpiente. La escultura es de carácter mitológico y la forma de expresión es figurativa. El naturalismo es el idealismo y esto se evidencia en la proporción del cuerpo con la cabeza y el volumen muscular. A pesar de esto, se puede notar cierta jerarquía entre Laocoonte y sus hijos ya que no parecen pertenecer a la misma escala.

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ESCULTURA 2: Escultura de Cesar Augusto

Figura 2: Escultura de Cesar Augusto. Museo Chiaramonti, Ciudad del Vaticano. S. I d.C. Fuente: Wikimedia Commons

ANALISIS En la escultura bulto redondo de cuerpo entero de aproximadamente 2 metros de altura, se ve al emperador Cesar Augusto y a un pequeño niño alegórico junto a su pierna derecha. El emperador se muestra con el brazo levantado a modo de arenga. En su mano izquierda está cargando un bastón. El material sobre el cual fue tallado es mármol, tanto el mármol, como el bronce y la terracota, son materiales que se usaron mucho para la elaboración de esculturas en arte romano. (Morante y Ruiz, 1997).

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Por lo que se puede visualizar, es de textura lisa y pulida lo cual da la sensación de blandura. La parte posterior del traje no cuenta con detalles por lo que al parecer se muestra frontalidad, aunque el brazo alzado podría indicar sobre una multiplicidad de puntos de vista. Es independiente de la arquitectura y tiene relación con el exterior. En adición, el movimiento es dinámico en postura de contrapposto y la incidencia de luz es homogénea. El paso del tiempo logro despintarla, pero aún quedan ciertos pigmentos rojos, amarillos y dorados en la escultura.

Es de carácter militar y el naturalismo es realista, aunque algo idealizada ya que se trata de una figura pública. Se puede ver que a pesar de que a los romanos les importaba el realismo, el niño alegórico junto a la pierna de Cesar Augusto presenta una escala distinta a este, haciéndose notoria también la importancia de la jerarquía. El ropaje cuenta con detalles de sus hazañas militares. El traje nos dice que en esta escultura Cesar Augusto está representando el poder militar, “imperator”. Además, el torso cuenta con detalles respecto a sus éxitos. (Morante y Ruiz, 1997) COMENTARIO SOBRE AMBAS ESCULTURAS En la escultura de Cesar Augusto, ell personaje parece no tener proporciones perfectas, tanto facial como corporalmente. A pesar de ello, el movimiento y la superficie evidencia influencia griega del periodo helenístico; esto apunta a que dicha escultura es de estilo romano y pertenece al periodo imperial (31 a.C.– 476 d.C.). Este periodo se caracteriza por el realismo que se quiere lograr en lugar de la idealización; los escultores hacían sus obras tomando en cuenta los defectos físicos ya que eran pragmáticos, además de militares. Por otro lado, en la escultura de Laocoonte y sus hijos, los individuos que se perciben presentan gran expresión emocional: miedo, sufrimiento e impotencia. Además, se puede notar el énfasis en el movimiento y la perfecta proporción corporal de los personajes, lo cual indica que se trata de una escultura de estilo griego perteneciente al periodo helenístico (323 – 146 a.C.). Este se caracteriza por la búsqueda de la emoción, el movimiento y la proporción idealizada. Los escultores empezaron a preocuparse más por la escultura en sí, que por la historia que había detrás ella. De la misma manera, los autores deseaban mostrar su capacidad para lograr una buena obra artística, transmitiéndole emociones al espectador. El idealismo que se evidencia de este periodo pero particularmente en esta escultura llego a tal nivel que, si ignoramos de los relatos, sería casi imposible, en mi opinión, poder relacionarla con el evento que representa ya que resulta inimaginable que un sacerdote y sus hijos gocen de tal musculatura. (Gombrich, 2007) Hagesandro, junto a Polidoro y Atenodoro son los autores de Laocoonte que además pertenecen a la conocida escuela de Rodas. A diferencia de las esculturas griegas, en esta época imperial romana el nombre de los escultores no era conocido por lo que se ignora el autor de la figura de Cesar Augusto.

Titulada, “Augusto de Prima Porta”; la escultura tiene un fin propagandístico, que como se sabe, empezó a emplearse con mayor frecuencia en este periodo. Fue encontrada en 1868 en Prima Porta, Roma. Se cree que es replica de otra escultura realizada posiblemente en el año 20 a.C. hecha en bronce. Posteriormente las estatuas de representación militar de emperadores romanos tendrán mucha semejanza. En la actualidad esta obra se encuentra en el Museo Vaticano en Roma.

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La obra titulada “El Laocoonte y sus Hijos”, de carácter mitológico representa la escena, como su nombre lo dice del sacerdote Laocoonte y sus hijos, Antifante y Timbreo quienes están siendo atacados por serpientes gigantes enviadas por dioses del Olimpo; esto debido a la advertencia que Laocoonte hizo a sus compatriotas troyanos para que rechacen el caballo de madera que iba a ingresar a la ciudad con soldados griegos escondidos en su interior.

(Gombrich, 2007) Se hallo en 1506, en una villa cercana a Roma; fue en ese momento que se le reconoció como el Laocoonte que Plinio había descrito. Algunos afirman que esta es una réplica de la obra original que debió estar hecha en bronce. A pesar de ello, el papa Julio II la adquirió y actualmente se encuentra en el Museo Vaticano. La diferencia mas grande entre ambas esculturas es la expresión facial y la idealización. Sin embargo, ambas también tienen similitudes, como se puede ver en la forma de representar los personajes mas importantes de una escala mayor, casi como ocurría en el arte egipcio.

EDIFICIO 1: Reconstrucción de basílica Paleocristiana de San Pedro

Figura 3: Dibujo reconstrucción de la basílica Paleocristiana de San Pedro en el Vaticano. S. IV. B- Planta de la Basílica de San Pedro del Vaticano Fuente: Wikimedia Commons https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/df/Basilica_di_San_Pietro_1450.jp g

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ANALISIS La figura 3 muestra un dibujo aéreo en perspectiva del exterior de la reconstrucción de la Basílica de San Pedro. La planta dirigida hacia el este es basilical y en forma de “T” originaria del arte paleocristiano. La direccionalidad del edificio, que concuerda con la salida del sol representa a Cristo iluminando al hombre. Delante de la basílica se encuentra el nártex y un atrio porticado que contiene una fuente en el centro.

El material que se usó para su construcción es hormigón para los muros y madera para la cobertura. Cabe resaltar que en este periodo las construcciones cristianas utilizaban materiales resistentes y baratos. (Morante y Ruiz, 1997) Tanto en la nave central como en la primera fila de naves laterales el sistema es arquitrabado, algo extraño en construcciones romanas. En la nave central sobre las columnas está el triforio con varias ventanas mientras que en las filas de naves laterales se muestran arcos de medio punto.

Estas filas a lo largo de las naves también tenían la función de dividirlas espacialmente. El transepto esta hacia el extremo de la nave y es ahí donde se ubica un ábside semicircular. Es importante precisar que las columnas no fueron hechas para esta basílica, sino que se sacaron de otros edificios. La cubierta es de sistema adintelado y tanto los estribos, el pendolón, como las vigas y viguetas son de madera. (Ching et al, 2011) La decoración es escaza en comparación a otros edificios, pero aun así se evidencian columnas de un estilo que parece una especie de combinación entre una toscana y otra compuesta ya que el fuste no cuenta con estrías, propio de una columna toscana, pero en el capitel se muestran hojas de acanto pertenecientes al corintio. Ábside

Alta r

Baptisterio

Naves laterales

Nave centra l

Figura 4: Planta de la Basílica de San Pedro del Vaticano Fuente: Wikimedia Commons

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Transepto

Naves laterales

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EDIFICIO 2: Iglesia de Santa Sofia

Figura 5: Vista exterior general de la iglesia de Santa Sofia en Estambul, Turquía. Fuente: My Modern Met https://mymodernmet.com/es/hagia-sophia/ ANALISIS La figura 5 muestra una fotografía exterior de la fachada de la iglesia de Santa Sofia en la actual Estambul. La planta de esta estructura es centralizada, es decir que los elementos están alrededor de un espacio mayor. Santa Sofia comparte algunos elementos con las iglesias paleocristianas como: el ábside, las naves y el nártex.

Las bóvedas son de ladrillo reforzadas en piedra y el conjunto tiene un revestimiento de mármol y oro. Esto hizo que se convirtiera en uno de los edificios más admirados de la cristiandad.

(Ching et al., pág. 264) El sistema es claramente abovedado y para soportar el peso de la monumental cúpula nervada se utilizaron varios elementos como: pechinas, semicúpulas, cuartos de cúpula, columnas, muros y pilares; las ventanas que perforan la cúpula ayudan a que esta parezca estar flotando. Esto se imaginaba como una especie de cascada que desde el elemento más grande al más pequeño ayudaban a distribuir el peso del domo. En general el sistema que se utilizó hizo que no existan interrupciones visuales dentro de la iglesia. Asimismo, a lo largo del tiempo se le agregaron en el exterior varios tipos de contrafuerte. (Ching et al, 2011)

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El edificio gozaba de abundante decoración. Las columnas eran de estilo jónico y compuesto. De igual manera, las ventanas tenían vidrieras de tonalidades verde, azul, rojo, etc. que amortiguaban la incidencia del sol. La luz procedente de las ventanas reflejada en el mármol y los mosaicos hace que la iluminación sea misteriosa. Los zócalos están revestidos en mármoles blancos, negros, verdes y azules. Por último, La cúpula fue reconstruida ya que se derrumbó a poco tiempo de su construcción, la primera estaba cubierta de mosaicos dorados, propios del estilo bizantino. (Roth, 2007) La existencia de simetría es absoluta, desde la forma de la planta hasta la jerarquía de cupulas, se observa proporción y armonía. Las 4 torres alrededor hacen que su escala monumental sea aun mayor, mientras tanto en el interior ocurre lo mismo, una persona se sentirá como un objeto insignificante perdida en tanto espacio.

Nave

Atrio

Nártex

Exedra

Cupula

Exedra

Pilares

Nave

Baptisterio

ábside

Contrafuerte

Figura 6: Planta de Iglesia Santa Sofia, Estambul, Turquía. Fuente: Ching et al., pág. 265

COMENTARIO La antigua basílica de San Pedro es de arte paleocristiano y esto se puede ver gracias a la simpleza del edificio y la similitud con las basílicas civiles de Roma. Por su parte la Iglesia de Santa Sofia es de arte Bizantino y es muy evidente, entre muchas cosas, por el uso masivo del dorado. La finalidad de ambos edificios es religiosa ya que se presentan básicamente los mismos espacios para los mismos usos. En primer lugar, está el ábside, lugar en donde se ubica el altar.

En segundo lugar, están las naves que sirven para albergar a los fieles. El nártex es donde se encuentra la entrada al templo. Por último, está el atrio, cumpliendo la función de plaza o patio para la reunión antes y después de la misa. Por su parte, la iglesia de Santa Sofia al ser más completa y complicada tiene más elementos arquitectónicos como la cúpula, los

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pilares, las exedras, los capulines que funcionan para soportar la cúpula y por ultimo los contrafuertes para mantener todo el peso de la iglesia.

Mientras que la basílica de San Pedro ubicada en lo que fue un circo romano y lugar de muerte san Pedro se hizo por mandato de Constantino pensando en un lugar urgente en donde los cristianos puedan reunirse, la iglesia de Santa Sofia culminada en el 537 se reconstruyo conmemorando la victoria de Justiniano sobre los ciudadanos que incendiaron varios edificios mostrando su descontento ante él. Esta ultima fue una construcción mas ambiciosa, se llamaron inclusive a filósofos para el diseño. A mi parecer cada construcción cumple con su objetivo, la basílica de San Pedro fue necesaria para la creciente comunidad cristiana; por su parte, Santa Sofia aplica en la arquitectura elementos como la grandeza de los espacios o los matices lumínicos que ayudan al sentimiento y experiencia espiritual.

REFERENCIAS Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) “Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura” Editorial EDINUMEN. Madrid, PP., 11-19 Gombrich, E.H. (2007) Arte para la eternidad: Egipto, Mesopotamia, Creta. En: La Historia del Arte. Pp.55-73. Londres: Phaidon Press Limited Julián González. (2017). Agesandro, Polidoro y Atenodoro de Rodas, “Lacoonte y sus hijos atacados por las serpientes”. Recuperado el 22 de mayo de 2021, de Universidad Francisco Marroquín: https://educacion.ufm.edu/agesandro-polidoro-atenodoro-rodas-lacoonte-hijosatacados-las- serpientes-marmol-siglo-i-c/ Isabel Pastor. (2016). Augusto de Prima Porta. Recuperado el 24 de mayo de 2021, de La Cámara del Arte: https://www.lacamaradelarte.com/2016/04/augusto-de-prima-porta.html Ching F.D.K., Mark M. Jarzombek y Vikramaditya Prakash (2011) La Roma Republicana. En: : Una Historia Universal de la Arquitectura: un análisis cronológico comparado a través de las culturas. Vol. 1. pp. 260267. Ed. Gustavo Gili, SL. Barcelona.

Roth, L. M. (2007). Arquitectura romana. En: Entender la arquitectura. Sus elementos, historia y significado. Capitulo 13, pp. 255-281. Barcelona: Gustavo Gili.

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ACTIVIDAD CALIFICADA IV A R T E

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ENCARGO Elegir según criterio propio la pintura del Matrimonio de Jan van Eyck o La escuela de Atenas de Rafael Sanzio. Se deberá analizar la pintura teniendo en cuenta sus elementos formales y se realizará un comentario teniendo presente lo aprendido durante las clases según Morante López y Ruiz Zapata (1997).

Para la pintura tuvimos que considerar lo siguiente; Descripción, elementos formales, formas de expresión, función, significado y contexto histórico. En cuanto a la arquitectura, se tenia que añadir encima de cada dibujo las partes y elementos arquitectónicos de los edificios. Tanto para el gótico, como para el románico se tuvo que realizar lo siguiente: identificación de las laminas, de los materiales que se usaban en el época, sistemas arquitectónicos, elementos constructivos, elementos decorativos, valores plásticos, las conclusiones y el comentario de la obra como tal.

OBJETIVO Desarrollar habilidades básicas para el análisis y comentario de obras artísticas dentro del marco de la historia del arte. Creo que con este ejercicio también se espera mostrar lo aprendido gracias a las explicaciones durante las clases y a las lecturas académicas que nos proporcionaron acerca de estos temas.

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PINTURA El matrimonio Arnolfini

Figura 1: El matrimonio Arnolfini, de Jan van Eyck, 1433. National Gallery Londres Fuente: Wikimedia Commons

La obra pictórica muestra al lado izquierdo al comerciante italiano Giovanni Arnolfini cubierto con una capa oscura y un sombrero, con la mano izquierda ligeramente alzada. Al lado izquierdo se encuentra su esposa Janne de Chenany, posiblemente embarazada con un vestido verde con la mano izquierda sobre su barriga y dándole la otra mano a Giovanni en lo que parece ser un acto de unión entre ambos. La pareja está en un dormitorio ubicado en Países Bajos de piso y techo de madera con la ventana abierta. En el espejo de la pared posterior se refleja otras personas, posiblemente testigos. También se ve la frase o firma del autor "Johanes de Eyck fuit hic, 1434" (Jan van Eyck estuvo aquí, 1434). Dentro de la misma habitación se hayan otros elementos como: los zapatos rojos de Janne, unos zuecos, un perro pequeño, una lampara de bronce con una sola vela, frutas, la alfombra, entre otros. (Gombrich, 2007)

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La técnica que se utilizo fue óleo sobre una tabla relativamente pequeña de 85cm x 57cm.

Por el detalle de varios elementos tales como el pelo del perro se pueden notar que la pincelada es bastante fina, incluso se llegan a distinguir las texturas de las telas. (Morante y Ruiz, 1997) En cuanto a la línea o trazos, estos están suficientemente marcados para delimitar y contornear elementos; estos parecen ser bastante suaves, detallados y meticulosos. Se logra una representación muy coherente con la realidad.

El volumen es generado gracias a tonalidades más oscuras en las zonas donde hay mayor sombra. Esto también ayuda a crear profundidad. La luz procede de la ventana izquierda, esta es clara y ayuda a generar contraste con la sombra y a poner a la pareja en el primer plano.

La gama de colores de vestimenta de ambos es fría, mientras que la cama y los demás objetos manejan tonalidades más cálidas. Dentro de la escena se evidencia el verde, violeta, rojo, dorado, blanco, marrón y azul. Desde un punto de vista teórico del color, el verde del vestido de Janne podría significar fertilidad y bienestar, mientras que el morado oscuro de Giovanni puede representar el lujo. (Morante y Ruiz, 1997) El espacio ha tenido completo interés por parte del autor, está lleno de detalles y objetos simbólicos. La perspectiva es aérea ya que se van difuminando los colores en función a la distancia. Las ranuras del piso ayudan a identificar el punto de fuga el cual esta justo en el medio de la pintura. (Morante y Ruiz, 1997) La composición de la obra de las figuras es clara y cuenta con una estructura lineal y simétrica.

Los elementos son estáticos.

La forma de expresión es figurativa ya que por lo visto no se tiene ninguna idealización de belleza en los personajes. La expresión de ambos es bastante discreta, es difícil saber cual es el sentimiento, en especial el de Giovanni. Los ropajes son largos y tienen varios pliegues bien logrados. La fisionomía de los dos es delgada, ella sujeta parte del vestido con su mano desde la barriga, esto puede hacer pensar que está embarazada. Estos ropajes y otros elementos del cuarto lucen sofisticados, posiblemente los Arnolfini hayan sido una posición económica acomodada.

COMENTARIO En el cuadro se ven varios detalles importantes como frutas y un perro; se percibe que el autor se preocupó de estos detalles ya que han sido hechos de manera minuciosa. La pareja no goza de una perfección o belleza idealizada por lo que esta obra pertenece al estilo gótico flamenco. En este estilo, los pintores deseaban demostrar su destreza para representar elementos muy detallados, a diferencia de otros estilos, los cuadros del gótico flamenco se hacían agregando detalle tras detalle hasta lograr una suerte de reflejo de la realidad. (Gombrich, 2007) El autor es Jan van Eyck, se dice que fue el quien invento la pintura al oleo y que alcanzó su triunfo máximo cuando comenzó a pintar retratos mayoritariamente de familias de la burguesía.

Para este cuadro Jan van Eyck dejo de lado los esquemas armónicos. (Gombrich, 2007) La obra se titula “Matrimonio Arnolfini” y como dice su firma, se realizó en 1434.

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Este cuadro profano que muestra a una pareja burguesa de la época tiene muchos simbolismos que nos explican la escena y la vida de ambos. En primer lugar, el perrito simboliza la fidelidad, la lampara con una sola vela encendida representa la presencia de Dios, las naranjas de la ventana nos dicen que tenían un alto poder económico, el rosario en la pared posterior simboliza la pureza, los zuecos de el (zapatos) cercanos a la puerta indican que se encargaba de la vida social mientras que los zapatos de ella juntos a la cama significan que se encargaba del hogar.

Se pude afirmar que el cuadro se realizó gracias a la tendencia de la época en retratar a las familias y parejas de nivel sociocultural alto en actos tan importantes como el matrimonio. La burguesía empezó a demandar obras con muchos detalles y cuadros de paisajes. El estilo gótico flamenco es particular, me parece que esta obra perdura en el tiempo por el nivel de detalle.

(Gombrich, 2007)

ARQUITECTURA PRIMER PLANO: Primera planta de cruz latina de la Catedral Santiago de Compostela de estilo románico.

Absidiolos Girola

Ábside

Crucero Pórtico

Transepto

Pórtico

Transepto

Contrafuertes

Nave Central Nave lateral

Nave lateral

Torre

Torre

Pórtico Figura 2: Planta de una iglesia románica. Fuente: Wikimedia Commons

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SEGUNDO PLANO: Corte transversal de iglesia de estilo románico.

Cubierta

Bóveda de cañón

Arcos de medio punto

Tribuna

Tribuna

Pilar

Contrafuertes Nave Nave centra lateral l

Nave lateral

Figura 3: Corte y alzado de una iglesia románica. Fuente: Slideshare

TERCER PLANO: Primera planta de Catedral de Burgos de estilo gótico Absidiolos

Deambulatorio o girola

Ábside

Crucero Coro

Pórtico

Transepto

Transepto

Pórtico

Pilares Nave lateral

Nave central

Nave lateral Contrafuertes

Pórtico Figura 4: Planta de una iglesia gótica. Fuente: Informes de la Construcción

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CUARTO PLANO: Elevación frontal de Catedral de Burgos de estilo gótico

Capitel

Pináculos

Arquerías Galería

Rosetón

Tímpano Entrada central Entrada lateral

Entrada lateral

Figura 5: Dibujo frontal de una catedral gótica. Fuente: Informes de la Construcción

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QUINTO PLANO: Corte sección longitudinal de Catedral de Burgos de estilo gótico Bóveda de crucería

Claristorio Triforio Arqueria

Pilares

Arco ojival Nave lateral

Figura 6: Detalle interior de una iglesia gótica. Fuente: Informes de la Construcción

ARQUITECTURA ROMÁNICA Material: Generalmente se usaban materiales pesados como la piedra o laja tanto para los muros como para las cubiertas.

Sistema: El sistema es abovedado.

Elementos constructivos: Los muros y los pilares ubicados entre naves son los soportes más importantes; es por eso que las iglesias románicas son oscuras, ya que existe una carencia de vanos. El arco de medio punto es utilizado en las arquerías y bóvedas. Las pesadas cubiertas en forma de bóveda de cañón están encima de los arcos fajones y en la zona del crucero se cubre generalmente con un cimborrio que a su vez es soportado por las pechinas. (Morante y Ruiz, 1997) Elementos decorativos: La decoración suele ser escultórica y está presente en zonas particulares como tímpanos, portadas o capiteles Valores plásticos: Existe clara simetría y la relación visual de exterior a interior, y viceversa es escaza. Dos son los ejes importantes que se interceptan en la zona denominada “crucero”.

Asimismo, el foco principal es el altar. La escala en relación con el hombre comienza a ser mayor en comparación con iglesias paleocristianas. (Morante y Ruiz, 1997)

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ARQUITECTURA GÓTICA Material: Al igual que la románica, la piedra tiene mucha presencia en edificaciones góticas. En estas construcciones también se evidencia el uso del metal en determinadas partes y el sillar.

Sistema: Es abovedado Elementos constructivos: Los elementos son mucho mas ligeros visualmente. En la cubierta, la bóveda de crucería tiende a ser nervada y se apoya en cuatro pilares. En el interior los pilares soportan la estructura con ayuda de los arbotantes y contrafuertes ubicados en el exterior.

(Morante y Ruiz, 1997) Elementos decorativos: La decoración es abundante en el ámbito arquitectónico. En el exterior se tienen gabletes, pináculos, agujas, gárgolas, rosetones, galerías con esculturas de santos, arquivoltas, entre otras cosas. En el interior o se tiene pintura mural, en lugar de esto se decora con vitrales de escenas y personajes bíblicos en la zona denominada claristorio. La iluminación y color juegan papeles importantes. (Morante y Ruiz, 1997) Valores plásticos: Estas iglesias gozan de gran altura, tienen mucha simetría y la relación visual y volumétrica interior-exterior son más claras; esto deja a la vista la complejidad estructural del edificio. El transepto se hace más corto y las naves más largas. (Morante y Ruiz, 1997) CONCLUSION Una de las diferencias mas visibles entre ambas arquitecturas es la importancia de la decoración exterior y la iluminación; mientras que en las iglesias románicas los espacios eran oscuros, los muros macizos y la decoración escultórica era escaza, en la arquitectura gótica se jugaba con la iluminación y los colores, las iglesias parecían rascacielos en comparación a las bajas edificaciones de las ciudades de la época y la sensación era de ligereza. En el románico los arcos son de medio punto, mientras tanto en el gótico es ojival o apuntado. En la planta de una iglesia gótica, los transeptos pierden protagonismo. Por último, los techos y cubiertas del estilo románico se ven llanas, en cambio en el gótico se trata de incluir la aguja en la mayoría de los espacios posibles. (Morante y Ruiz, 1997) En mi opinión, el estilo gótico es mas interesante ya que no solo se puede ver, sino que de alguna manera te hace sentir el lugar, la altura del lugar los colores y la iluminación crean un ambiente de admiración.

REFERENCIAS

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Gombrich, E.H. (2007) Arte para la eternidad: Egipto, Mesopotamia, Creta. En: La Historia del Arte. Pp.55-73. Londres: Phaidon Press Limited

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Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) “Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura” Editorial EDINUMEN. Madrid, PP., 11-19

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Lajo y Surroca. (1997) Léxico de Arte. Madrid. Ediciones Akal S. A.

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ACTIVIDAD CALIFICADA V B A R R O C O ,

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ENCARGO Hacer un análisis y comentario sobre las obras pertenecientes al barroco y neoclásico que se verán a continuación. Se deberán clasificar ambas pinturas señalando su autor, estilo y fecha de ejecución. Para la obra perteneciente al romanticismo se deberá hacer lo mismo. Además, al analizar se debe tomar en cuenta la lectura de Morante y Ruiz (1997) y la de Gombrich (2007). Por último, para el comentario se tuvo que tener presente el contexto histórico-artístico, y político. La pregunta final fue: ¿Creen que la temática de una de las obras puede recordar de alguna manera algún hecho que ha sucedido durante el siglo XX?

OBJETIVO Creo que al igual que los trabajos anteriores, el objetivo principal de esta actividad es seguir mejorando la presentación y sustento de nuestro análisis, demostrando lo que hemos leído por nuestra cuenta y lo que hemos entendido durante las clases. Además, repasamos todo lo visto gracias a la investigación de estas obras.

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BARROCO El Desembarco de María de Médicis

Figura 1: Pedro Pablo Rubens, El desembarco de María de Medicis en el puerto de Marsella, 1621-1625.

Museo del Louvre Fuente: Wikimedia Commons

ANALISIS En este cuadro se observa a María de Medicis desembarcando en la ciudad de Marsella. Ella está con un traje blanco y esta caminando junto a otros personajes alegóricos y mitológicos. Delante de ella está la representación de Francia dándole la bienvenida.

The Landing of Marie de Médicis at Marseilles. (2017).

En la parte superior se puede apreciar a la fama, al lado izquierdo se encuentra la embarcación dorada del cual acaba de bajar y en la parte inferior hay varios cuerpos desnudos, uno de ellos es el dios Neptuno.

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La técnica que el autor usó es el oleo sobre tela que mide 3,94 x 2,95 cm.

La línea no es tan marcada, su función es demarcar los elementos de la composición. La representación del volumen se logra gracias a las suaves degradaciones de luz y sombra. Es iluminación también se encarga de brindarle cierta textura a telas, pudiéndose diferencial una de la otra.

The Landing of Marie de Médicis at Marseilles. (2017).

La gama de colores es mayoritariamente cálida, pareciera que la elección de colores trae consigo el significado de poder y riqueza gracias al dorado y nobleza gracias al rojo. Los colores del traje de Maria son claros lo cual resalta su presencia haciéndola el personaje principal.

La perspectiva parece ser lineal y esta visible en el edificio del lado derecho y en la embarcación, si bien la perspectiva no cumple un rol importante en esta pintura, se evidencia un interés mucho mayor a comparación de cuadros del neoclásico.

The Landing of Marie de Médicis at Marseilles. (2017).

Las figuras están distribuidas de forma sencilla. Diría que la estructura es lineal y el movimiento es claramente dinámico, se puede ver como las 3 figuras desnudas que sujetan la embarcación están en completo movimiento al igual que los otros personajes alegóricos.

La forma de expresión es figurativa completamente realista orientándose a la expresividad. Sin embargo, hay mucho simbolismo y en sus personajes.

The Landing of Marie de Médicis at Marseilles. (2017).

En cuanto a las ropas, en la parte superior se encuentra personajes con trajes ostentosos de la época. Mientras tanto en la parte inferior se ve que las figuras están desnudas. A pesar de ellos, los pliegues tanto de la piel como de las telas le otorga realismo a la pintura.

The Landing of Marie de Médicis at Marseilles. (2017).

Estas últimas figuras mencionadas son bastante corpulentas.

COMENTARIO Durante el barroco, comienza a haber mucha variedad de temas en la pintura como el barroco católico, el barroco cortesano, el protestante y el barroco burgués Además se deja de lado el principio de la belleza y la armonía. De esta manera, el barroco busca mucha expresividad y dinamismo plural en ámbito pictórico. Es por eso por lo que se puede deducir que esta obra pertenece al estilo del que hemos estado hablando. (Morante y Ruiz, 1997) Esta obra titulada “El Desembarco de María de Medicis en Marsella” fue hecha por el pintor belga, Peter Paul Rubens.

Esta pintura trata de la llegada de María de Medicis a Marsella el 3 de noviembre de 1600 para casarse con el rey Enrique IV, se dice que la pintura fue encargada a Rubens junto a otras 23 que muestras escenas importantes de la vida de la misma María.

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The Landing of Marie de Médicis at Marseilles. (2017).

Al comienzo mencioné que había muchos elementos simbólicos que son los siguientes: En primer lugar, está la fama quien está proclamándola con 2 trompetas, en segundo lugar, está la alegoría de Francia que se está inclinando; se sabe que representa a Francia por las flores de lis en su capa, en tercer lugar, tenemos a Neptuno, dios del mar. Se dice que, al poner un dios mitológico, Rubens quería dar a entender la condición divina de María.

Me parece muy curiosa la simbología de los distintos elementos de esta pintura, el hecho de tener que observar bien cada detalle y darle una explicación, que dicho sea de paso es la misma que el autor quiso dar me parece muy interesante.

NEOCLASICISMO La muerte de Marat

Figura 2: Jacques-Louis David, La muerte de Marat, 1793, lienzo al óleo, Museo del Louvre Fuente: Wikimedia Commons

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ANALISIS En primer lugar, se puede observar a Jean Paul Marat, un revolucionario francés que yace muerto dentro de una bañera tomando con una mano una carta. Tiene una apariencia inmóvil y posee un turbante en la cabeza Parte de la bañera parece estar cubierta con una tabla y una manta verde que es donde Marat solía escribir. El tomaba estos baños mientras escribía ya que sufría de una enfermedad a la piel.

Delante de la bañera se ubica una caja de madera que contiene la firma del autor, una carta, tinta y pluma. En el piso se evidencia el arma que se utilizo para su asesinato aun bañada en sangre.

(Gombrich, 2007) La técnica aplicada es oleo sobre un lienzo de 1.65 x 1.28 metros.

La línea aun esta presente en la pintura funcionando para delimitar y contornear las figuras. Del mismo modo, el modelado, se evidencia gracias a las gradaciones de luces y sombras; La luz es clara en el primer plano, el fondo es oscuro lo cual hace que la escena resalte ligeramente. A pesar de ello todo lo demás está iluminado mas o menos igual, lo cual es algo propio del neoclasicismo. (Morante y Ruiz, 1997) La gama de colores presenta tonalidades equilibradas, por una parte, cálidos como el marrón, fríos como el verde y neutros como el negro del fondo y el blanco de las sabanas.

Existe un desinterés por la perspectiva que es prácticamente nula ya que para este estilo se solían tomar como modelo relieves clásicos. A pesar de ello se evidencia una perspectiva aérea.

(Morante y Ruiz, 1997) La composición es clara y sencilla, la escena completa se ubica en el medio inferior de la pintura; el fondo oscuro comprende toda la parte superior, supongo que se hizo así para darle mayor protagonismo a la escena. El movimiento es estático.

La forma de expresión es figurativa. Sin embargo, el cuerpo de Marat esta sutilmente idealizado ya que como se sabe, el padecía de una enfermedad en la piel por lo que su torso no debería ser tan terso.

COMENTARIO La esteticidad de la pintura, más el desinterés por el desarrollo de la perspectiva evidencian que esta obra pertenece al neoclasicismo. A esto se le suma la expresión teatral de la cara Marat lo cual es una característica de este estilo en el cual la composición también busca claridad y la gama de colores es bastante equilibrada. (Morante y Ruiz, 1997) Esta escena de la vida real hecha en 1793 es titulada “La muerte de Marat”. El autor encargado de su representación fue Jacques Louis David. David pinta a Marat digno de un personaje heroico y de noble belleza. De igual forma, su creación tiene un fin básicamente cívico – político ya que en ese entonces se estaba llevando a cabo la famosa revolución francesa, Marat era uno de los líderes tanto así, que era llamado comúnmente “el amigo del pueblo”. (Gombrich, 2007)

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Jacques Louis David (1748 – 1825) fue el artista oficial del gobierno revolucionario y el líder de estos artistas del estilo neoclásico. Además de representar lo que pasaba en esta época, también se encargó de enaltecer la causa revolucionaria. (Gombrich, 2007) Puedo opinar que, para tratarse un hombre asesinado en su bañera, esta escena no se ve para nada trágica, es más, por la expresión facial de Marat parecería que esta durmiendo; pero obviamente es ahí donde cosas como la sangre o el cuchillo nos ayudan a deducir que efectivamente se trata del fallecimiento del personaje.

ROMANTICISMO La Libertad guiando al Pueblo

Figura 3-Eugéne Delacroix, La Libertad guiando al pueblo, 1831, Museo del Louvre, Francia. Fuente: Wikimedia Commons

ANALISIS Esta famosa obra de arte representa la revolución francesa en general. En primer lugar se tiene como personaje central a la libertad, representada por una mujer con el pecho desnudo cargando la bandera de la republica francesa y con expresión de valentía. También se muestras varios personajes simbólicos como un niño con dos armas, un burgués con un rifle, hombres caídos y otros. En el fondo se pueden ver edificios de Paris y la Catedral de Notre Dame con la bandera revolucionaria en una de sus torres. (Gonzalez, 2013)

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La técnica que se utilizo fue el óleo sobre un lienzo.

La textura pareciera ser áspera y la línea está aún presente, pero más que todo para contornear elementos con varios detalles, el resto se ve bastante continuo.

El modelado es de contrastes suaves suficientes para representar los volúmenes. La luz es mas fuerte en los elementos del primer plano, y conforme se van alejando se va disminuyendo, dándole un efecto teatral al cuadro, propio del romanticismo. (Morante y Ruiz, 1997) Los colores son fríos, con excepción del rojo de la bandera que claramente resalta a primera vista. Supongo que esta elección de colores fríos es justamente para representar el desorden y caos.

Nuevamente la perspectiva pasa a segundo plano, usandose únicamente para el fondo en donde aparece la cuadra con edificios parisinos. Diría que la perspectiva no está teniendo un papel importante ya que la profundidad se está logrando con las tonalidades de los colores y la iluminación. (Gonzalez, 2013) La composición parece triangular y muestra mucho dinamismo. Además, abundan los gestos individuales de los personajes; estos mismos cuentan con posiciones bastante expresivas.

(Gonzalez, 2013) La forma de expresión es figurativa pero sumamente simbólica, expresiva y emocional. A diferencia que, en el neoclásico, aquí la ropa si va acorde a la época y al lugar.

COMENTARIO Por la temática política, los valores muy expresivos y sentimentales del pueblo, y las posiciones de los personajes se puede deducir que esta obra pertenece al romanticismo ya que este se caracterizó por una inspiración hacia la historia y la libertad.

Esta obra titulada “La libertad guiando al pueblo” se hizo en 1830 por Eugene Delacroix.

Esta pintura habla acerca de la libertad del pueblo francés que, sin importar sus clases sociales, están cansados del absolutismo de Carlos X, es por esto que cumple una función política pero también cívica. Los personajes y elementos de la obra simbolizan a cada participante de la sociedad.

Hacia el lado izquierdo de la libertad, se ve a un señor con sobrero, traje y un arma que estaría representando a la burguesía francesa; al lado del burgués hay un hombre con una espada que representa la clase trabajadora; al otro lado de la libertad se encuentra un niño con 2 armas de fuego; a los pies de la libertad, un moribundo con los colores de la bandera tricolor en su ropa; etc. (Gonzalez, 2013) El marco social que representa esta obra (siglo XIX) se caracteriza por las revueltas y los movimientos individuales. (Gombrich, 2007) El autor, Eugene Delacroix es uno de lo artistas más representativos del romanticismo en Francia al igual que Gericault. De igual forma, posiblemente sea la obra mas famosa de Delacroix ya que esta pintura a trascendido a través de la historia ya que representa el deseo de libertad de un pueblo. (Gombrich, 2007)

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Este cuadro siempre lo he visto y me ha gustado por el fuerte sentimiento que transmite, personas de todo tipo que sin importar sus diferencias sociales o económicas se unen para luchar por una misma causa. Todo esto, encabezado y liderado por la “libertad” y la bandera que muestran que un país no esta representado por su territorio, sino por la gente que vive y se siente parte de él.

REFERENCIAS -

Gombrich, E.H. (2007) Arte para la eternidad: Egipto, Mesopotamia, Creta. En: La Historia del Arte. Pp.55-73. Londres: Phaidon Press Limited

-

Gonzalez, J. (2013). Eugéne Delacroix, «La Libertad guiando al Pueblo». Óleo sobre tela, 1830.

Departamento de Educación. Retrieved from: https://educacion.ufm.edu/eugene-delacroix-lalibertad-guiando-al-pueblo-oleo-sobre-tela-1830/

-

Imaginario, A. (2020). La Libertad guiando al pueblo: análisis y significado del cuadro de Delacroix. Cultura Genial. Retrieved from: https://www.culturagenial.com/es/cuadro-la- libertad-guiando-al-pueblo/

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Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) “Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura” Editorial EDINUMEN. Madrid, PP., 11-19

-

The Landing of Marie de Médicis at Marseilles. (2017). Artble. Retrieved from: https://www.artble.com/artists/peter_paul_rubens/paintings/the_landing_of_marie_de_me dicis_at_marseilles

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ACTIVIDAD CALIFICADA FINAL I M P R E S I O N I S M O

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ENCARGO Elegir una pintura perteneciente al impresionismo y otra al expresionismo para hacer un análisis y comentario acerca de las mismas. Los temas podían ser los siguientes: un paisaje urbano, un paisaje campestre, una mujer bañándose, por bañarse, saliendo del baño o secándose, retrato de un hombre, una escena de baile o personajes bailando, o por último la naturaleza muerta. En general para esta actividad final tuvimos que hacer un trabajo académico de 1,500 a 2,000 palabras como máximo. Además, el trabajo debía tener los siguientes elementos: abstract, palabras clave, introducción, metodología, desarrollo, conclusiones y referencias.

OBJETIVO Al ser el trabajo final, esta actividad debía demostrar todo lo que hemos ido aprendiendo durante el curso en cuanto a la manera de representar y estructurar este tipo de análisis y comentarios. También tuvimos que añadirle algunas partes mencionadas anteriormente para que el resultado final sea mas serio y completo. Por ultimo, este ejercicio ayudó a concluir ideas y conceptos en base al impresionismo y expresionismo.

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Resumen: En este trabajo se procederá a explicar, analizar y comentar primordialmente 2 obras pictóricas de estilos distintos. Las obras que elegí para esta actividad final son: La orilla Roja y Mañana soleada en el boulevard des Italiens pertenecientes al expresionista e impresionista respectivamente. Además, la actividad consta de tres preguntas que irán siendo contestadas a medida que se van presentando los temas. Para llevar a cabo este trabajo he leído diferentes lecturas académicas presentadas por los profesores del curso. Asimismo, la explicación, es decir, las ideas principales de dichas lecturas fueron reforzadas por la profesora en las clases que se dieron durante el ciclo académico 2021-1, a través de imágenes, cuadros conceptuales, etc. Los análisis de ambos trabajos están elaborados tomando en cuenta la lectura “Análisis y Comentario de la Obra de Arte”.

Palabras Clave: la callejuela de oluf samson en flensburg, Erich Heckel, mañana soleada en el boulevard des italiens, Camille Pissarro, expresionismo, impresionismo 1.

INTRODUCCIÓN

Esta actividad es la última del curso y es eso lo que la hace bastante importante. El documento explicará la metodología que utilice para llevar a cabo este ejercicio, la discusión o análisis de las otras pictóricas como tal y finalmente un comentario a modo de conclusión en donde respondo preguntas previamente formuladas en base a las pinturas que elegí. El objetivo principal del curso es el de llegar a comprender el significado de la pintura dentro del impresionismo y expresionismo.

2.

METODOLOGÍA

Para la realización del ejercicio, primero elegí las obras sobre las cuales iba a hablar. Seguidamente busqué las lecturas académicas dentro del aula virtual y empecé a identificar las que me iban a servir. Es evidente que al escoger estas lecturas tomé en cuenta la cantidad de contenido que tenían sobre las pinturas que iba a analizar. Comencé leyendo La Historia del Arte (Gombrich) y tomé los apuntes correspondientes. Hice lo mismo con la lectura El Expresionismo y las Vanguardias en Alemania (Rocamora García Iglesias), con Arte Expresionista Alemán (Museo Brücke Berlín) y por último Análisis y Comentario de la Obra de Arte (Morante y Ruiz) .

Mientras hacia el análisis y comentario de las obras tenia a la mano esta ultima lectura mencionada para poder guiarme de la estructura. Por último, complete las fuentes, referencia y complete la información adicional.

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OBRA IMPRESIONISTA

Figura 1: Mañana soleada en el boulevard des italiens. Camille Pissarro. Fuente: Gombrich (2007)

ANÁLISIS Para comenzar con esta pintura mencionaré sus elementos representados. Se trata de un famoso boulevard acompañado de altos arboles ubicado en Paris. En este cuadro se pueden ver a muchas personas caminando por la vereda, subiendo y bajando de vehículos y edificios de aproximadamente 6 pisos. En la calle hay caballos de distintos colores llevando los carruajes sin orden alguno y cerca de la esquina inferior derecha se encuentra una especie de kiosko con varias personas alrededor. (Gombrich, 2007) La técnica aplicada es el óleo sobre un lienzo de 73,2 x 92,1cm. (Gombrich, 2007) A primera vista la textura parece un poco áspera producto del mismo material con el que se ha pintado. La línea es prácticamente nula. Asimismo, su función parece ayudar a distinguir los distintos elementos de la pintura creando volúmenes. La luz es un elemento esencial, en este cuadro es natural y parcial para toda la obra. Los colores son principalmente fríos y su naturaleza es local. Es posible observar que esta iluminación permite crear valores realísticos como las sobras en la vereda. La perspectiva es aérea; esto puede notarse por los edificios y el boulevard como tal ya que, si uno ve las líneas, se da cuenta que

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llevarían a un mismo punto de fuga; aun así, no se evidencia un interés por representar la profundidad. La distribución de las figuras es clara en cuanto a su configuración, pues parece que no existiera ningún orden en específico ya que se trata de distintas personas ubicadas en distintos lugares al parecer escogidas al azar. El eje vendría a ser la avenida misma.

La forma de expresión es figurativa y realista, esto está claro ya que no vemos algún elemento que goce de alguna forma extraña a lo que conocemos, aunque como es propio del impresionismo, los objetos de cerca no son nada más que manchas. Es difícil ver los ropajes y anatomía de las personas. Es más, seguramente la gente de esa época habrá cuestionado si es acaso así, como se ven; simples bultos informes. (Gombrich, 2007) COMENTARIO El impresionismo es un estilo en donde la mayoría de los artistas empezaron a interesarse por el paisaje urbano. Siguen pintando al óleo y la línea es prácticamente nula a excepción de unos pocos artistas. La luz se vuelve sumamente importante, incluso más que la espacialidad. Por último, la pincelada es corta y rápida ya que muchas veces se intenta captar ese mismo instante.

Es por eso que puedo determinar que esta obra pertenece a dicho estilo pictórico. (Morante y Ruiz, 1997) Esta pintura hecha por Camille Pissarro en 1897 es titulada Mañana soleada en el boulevard des Italiens. Representa como su nombre lo dice, uno de los muchos boulevard`s de Paris a plena luz del día. La forma de representación presenta novedades que hicieron que a la gente le tome tiempo disfrutar de manchas que juntas adquieren vida. (Gombrich, 2007) Camille Pissarro hiso en sus últimos años de vida una serie de cuadros de diversas avenidas de Paris desde su ventana.

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OBRA EXPRESIONISTA

Figura: La callejuela de Oluf Samson en Flensburg. Erich Heckel. Fuente: Museo Brücke Berlin

ANÁLISIS En esta obra se puede ver una calle con varias casas de techo a dos aguas a los costados. En el fondo se pueden ver montañas rojizas, otros edificios y lo que parece ser una iglesia con altas torres rojas. Además, el cielo es de color naranja con nubes marrones casi moradas.

La técnica aplicada es el óleo sobre un lienzo de 68 x 79 cm.

La pincelada parece ser prieta y al ser elaborado con oleo la textura podría ser pastosa. La línea gruesa es evidente en los diferentes elementos que están siendo contorneados por esta, como las casas, la calle, las montañas, etc. Des mismo modo, la línea también ayuda a crear volúmenes de distintas proporciones. La luz es artificial y se ve que genera un ambiente como de atardecer. Los colores utilizados manejas tonalidades en su mayoría cálidas con excepción del asfalto o cubierta de la calle. A pesar de que los colores son bastante fuertes, pareciera que la representación no escapa de la realidad. La perspectiva es

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principalmente lineal, aunque esta no es muy coherente ya que va cambiando de aspecto hasta llegar a volverse en forma caballera. Yo diría que el interés por la perspectiva es mínimo, aunque es justamente ese mínimo lo que nos hace entender mejor la pintura. Como acabo de mencionar, los planos de las casas generan diversas perspectivas a medida que se va avanzando por la calle. La estructura es geométrica angular y el movimiento es completamente estático. La forma de expresión es figurativa, pero con cierta anti-naturalidad otorgado por las mismas formas de los objetos. No se muestran pliegues ni ropajes ya que no hay nadie quien los use.

COMENTARIO La forma de la pincelada, el desinterés por la espacialidad, la forma de expresión figurativa, pero antinaturalista, junto a agresividad del color presentes en este cuadro hacen que se vuelva evidente que pertenece al expresionismo. Además de todo lo mencionado anteriormente, el expresionismo se caracteriza por tener una línea muy gruesa y por resaltar formas angulosas.

(Morante y Ruiz, 1997) Esta obra titulada La callejuela de Oluf Samson en Flensburg fue realizada por Erich Heckel en 1913.

La forma de representación presenta el interés de Heckel por el tratamiento del paisaje a través de una seria de planos cortante como se puede ver en la figura. Aunque en el expresionismo el tema del desnudo era uno de sus favoritos, esta pintura no es el caso. (Museo Brücke Berlín, 1992) La realización del cuadro se da en la época cuando “Die Brucke”, conformado por Kirchner, Bleyl, Schmidt- Rottluff y el mismo Heckel estaba disolviéndose. (Rocamora García Iglesias, C. 2000) 4.

CONCLUSIONES

Básicamente el expresionismo es mucho más subjetivo que el impresionismo. En las pinturas se hace notoria esta diferencia gracias a la aplicación de la perspectiva, la línea, pero yo diría, sobre todo el color. (Morante y Ruiz, 1997) Se puede decir que el estilo expresionista expresa y critica lo que paso en la primera guerra mundial. En este estilo los pintores plasman lo que sienten sin importar si esto es parte de la realidad. Se llevo a cabo en una época de mucho cambio social y mucha convulsión por lo que creo que la gente tuvo esta intención de expresar como es que ellos ven la realidad y como es que se siente ante esta. (Rocamora García Iglesias, C. 2000) (Museo Brücke Berlín, 1992) Por último, puedo decir que me identifico mas con el expresionismo ya que este es menos objetivo, lo cual hace que para que alguien las entienda tenga que deducir y saber varios datos de antemano que posiblemente solo el auto sabe. Pr su parte, el impresionismo me agrada, pero a la vez siento que es muy parecido a la realidad y en mi opinión podría llegar a ser tan interesante como el anterior mencionado.

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A C T I V I D A D

C A L I F I C A D A

F I N A L

REFERENCIAS -

Gombrich, E.H. (2007) La Historia del Arte. Editorial Phaidon Press Limited. London

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Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) “Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura” Editorial EDINUMEN. Madrid, PP., 11-19

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Museo Brücke Berlín (1992) Arte Expresionista Alemán. Fundación Juan March.

Madrid. España

-

Rocamora García Iglesias, C. (2000). Munch y el expresionismo alemán. Arbor, 165(649), 33-50. https://doi.org/10.3989/arbor.2000.i649.951

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CURRICULUM V I TA E PROGRAMAS

EDUCACIÓN

Autocad Revit Adobe Illustrator Adobe Photoshop SketchUp Filmora Microsoft Office

2006 – 2008 2009 - 2019 2020 -Actualidad

RECONOCIMIENTOS

IDIOMAS Español Inglés Alemán

Primaria Colegio Waldorf-Lima Secundaria Colegio Waldorf-Lima Pre-grado Universidad de Lima

Lengua materna

- ADCA Arte Colegio Antonio Raimondi (2017 Seleccionado para exposición) - ADCA Arte Colegio Franco Peruano (2016 seleccionado para exposición) - Waldorf School Exchange Program (2018 – 2019 Seleccionado para intercambio)

INTERESES

MATERIAS EN CURSO

Natación Arquitectura Atletismo Música Viajar

Construcción I Dibujo III Estadística Física Proyecto de Arquitectura III

ACTIVIDADES ACADÉMICAS 2021-1 Metodología Conceptuales / Zoom / Viernes 28 de mayo de 2021

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INFORMACÓN DE CONTACTO Soy Gustavo Gutiérrez Palacios, tengo 19 años y actualmente me encuentro cursando el tercer ciclo de la carrera de arquitectura en la Universidad de Lima. Representé reiteradas veces al Colegio Waldorf-Lima en exposiciones y festivales de arte y música. El colegio me brindó la posibilidad de hablar ingles y alemán. Además de realizar viajes dentro y fuera del país que influyeron mucho en como creo y pienso hoy en día.

NACIMIENTO 20/08/01

EMAIL

gustavogagp@gmail.com

TELEFONO 971 – 018 - 655

UBICACIÓN Lima, Perú

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REFLEXIÓN Como comentario o reflexión final del curso puedo decir que me ha gustado bastante. Desde la manera en que la profesora explicaba los temas, hasta los ejercicios que teníamos que hacer. Me parece que la forma de aprender fue muy didáctica y útil. Al principio no entendí muy bien lo que teníamos que analizar o comentar pero después gracias a las explicaciones de la profesora durante la clase pude esclarecer mis dudas. Al comienzo del curso surgió la pregunta si es que alguien había llevado algún curso de historia del arte en el pasado; creo que tuve la suerte de que en mi colegio lleve 3 años ese curso. A pesar de que la dificultad no era la misma, creo que esta previa introducción al tema hizo que los conceptos me sean mas familiares. Para concluir, puedo decir que he aprendido mucho y estoy contento por eso.

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INFORMACIÓN DEL CURSO NOMBRE DE CURSO Historia del Arte SECCIÓN: 321 NOMBRE DEL PROFESOR: María de la Paloma Carcedo Muro de Mufarech SUMILLA DEL CURSO El curso del Historia del Arte es una asignatura teórica obligatoria, que inicia los cursos de Historia y Teoría de la Arquitectura. En su desarrollo se ofrecerá un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

OBJETIVO GENERAL Otorgar al estudiante una primera aproximación a la Historia del Arte, a través de la investigación en teoría y el análisis de obras, ofreciendo un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

OBJETIVOS ESPECÍFICOS

1. Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental.

2. Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto de partida.

3. Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura.

4. Desarrollar habilidades básicas de investigación científica.

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PORTAFOLIO

HISTORIA DEL ARTE GUSTAVO ANDRÉS GUTIÉRREZ PALACIOS 20203020