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GLOBALGRISART

NOVIEMBRE DE 2019

LA REVISTA DE LOS ALUMNOS Y AMIGOS DE GRISART ESCUELA INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA

SUMARIO ÉDITORIAL LA REVOLUCIÓN ROBERT FRANK: Melodía fotográfica INTERVIEW DE IRENE ROYO: Fotografía y pintura abstracta

EDITORIAL

LOS PROYECTOS DEL MES

El ejercicio del fotoperiodismo en Cataluña desde hace 5 o 6 años es una tarea arriesgada y compleja. ¿Cómo narrar a través la fotografía, el vídeo o el fotolibro un conflicto donde las emociones sobrepasan a la razón, donde la historia es tan importante, donde la cultura y los aspectos idiomaticos son tan fundamentales?

DESCUBRIR UNA DOCENTE: IVAN FERRERES PUJOL: «I’ve Been to the Mountaintop» BREVES

EXPOSICIONES ¡EXCELENCIA! ¡FOTOLIBROS! LIBRE OPINIÓN DE STEPHANE MAHE

© Jean-Charles Borgnerz - Cover

INTERVIEW DE MARIA SINTONEN Aprender las reglas... para luego romperlas

En la escuela Grisart varios alumnos intentan, cada uno con su estilo y su manera de mirar el desarrollo de los hechos, el fotografiar esta historia reciente: Anna Zaragoza con un toque artístico; Flavio Edreira con su trabajo “SPAM” sobre los carteles que cubren la ciudad, un trabajo que ha sido reconocido en varios festivales en el mundo; vuestro servidor uniendo imágenes y textos en la red social y en

formato papel; Thomas Hervé con su profesionalidad y su gran conocimiento de la ciudad; Ivan Aragonés desde su punto de visto catalán, trabajando como cazador de imágenes. O bien, cuando vivía aquí, Ullic Narducci y su gusto por la documentación de lo real y su empatía por las personas que sufren... Obviamente olvido muchos fotógrafos de la escuela. Todos tienen una mirada propia, sin condicionamientos previos. Estos trabajos fotográficos son una ventana sobre un país antiguo y sus ciudadanos. Un viaje de ida y vuelta inspirado por las imágenes de dos posiciones enfrentadas, para terminar en las instantáneas de la gente que defiende ideas diversas. Jean-Matthieu Gosselin


© Maria Munzi

LA REVOLUCIÓN ROBERT FRANK

MELODÍA FOTOGRÁFICA

©Robert Frank

En mayo 2012, Rafa Badia hacia una conferencia titulada «La línea torcida del horizonte: Reflexiones en torno a “The Americans” de Robert Frank». Para él ,casi se ha convertido en un lugar común el afirmar que este obra de Robert Frank es uno de los libros de fotografía más importantes del siglo XX. La mayoría de los fotógrafos de reportaje se refieren a “The Americans” no sólo como una influencia capital para sus trabajos, sino también como una suerte de revelación o de revulsivo para mirar el mundo desde una perspectiva diferente. Sólo Henri Cartier-Bresson rivaliza con Robert Frank como primer autor de referencia para los fotógrafos documentalistas. En su conferencia explicaba la obra de Robert Frank, que murió el 9 de septiembre. Badia nos presenta aquí la «Revolución Robert Frank». Gracias al apoyo de Walker Evans, Frank obtenía una beca para realizar un proyecto fotográfico sobre América. El resultado de su periplo por los Estados Unidos, en un coche de segunda mano y en compañía de su mujer y sus dos hijos, fue duramente criticado. En palabras de Frank, los adjetivos “siniestro”, “perverso” y “antiamericano” resumían la disconformidad de la entidad que ejercía de mecenas, que se negó a exponer y publicar el trabajo de este judío suizo nacido en 1924 y emigrado a los Estados Unidos en 1947. El libro, finalmente, vio la luz en 1958 en Francia, publicado por Delpire. La edición americana, de Grove Press, fechada en 1959, no escapó del varapalo de la crítica especializada. Según la revista “Popular Photography”, las fotos que componen “The Americans” podían calificarse como imágenes “opacas, porosas, exposiciones turbias, de


© Robert Frank

horizontes distorsionados y composiciones descuidadas”. Si no agradaron las formas, tampoco los temas seleccionados, el desinterés del autor por los grandes paisajes naturales o el desarrollo tecnológico de una superpotencia. En su momento no se entendió que Frank centrara el objetivo de su cámara en personajes anónimos de expresión ausente, melancólica o abatida; o la casi obsesiva proliferación de objetos de consumo, como coches, máquinas de discos o televisores que, lejos de otorgar placer y confortabilidad, parecían agobiar a los americanos en sus ratos de ocio. Más criticadas fueron todavía las instantáneas que cuestionaban un símbolo colectivo por excelencia, una bandera de los Estados Unidos que, desde su mirada, anulaba la identidad de los ciudadanos de a pie. Con la perspectiva de medio siglo, y situando a “The Americans” en su contexto histórico, estético y fotográfico, no es de extrañar que el libro se granjeara antipatías. Su tesis visual podía interpretarse como un

pequeño artefacto explosivo, un torpedo dirigido a la línea de flotación de un país obsesionado por la guerra fría y el discurso anticomunista. Tampoco sorprende que resulte tan atractivo al público contemporáneo, ya que en las fotos de Frank se reconoce el germen, la matriz base que define y articula el trabajo de gran parte de los fotógrafos más interesantes del último medio siglo. La mirada subjetiva de “The Americans”, el carácter personal e intransferible de su propuesta, a medio camino entre el discurso documental y el trabajo de autor, se erige como piedra miliar para un medio de expresión, la fotografía documental, que ya hace décadas ha renunciado a cumplir con su papel de mirada objetiva sobre la realidad circundante. Libro oscuro, libro abierto “The Americans” tiende hacia el negro. Es oscuro en el sentido literal y figurado de la palabra. La mayoría son imágenes densas, con predominancia de los grises, así como del negro profundo y sin detalle. En lo relativo al significado se puede tildar

de oscuro, que no opaco, en el sentido de que no se entiende en la primera lectura. En otras palabras: no es obvio. A diferencia de otros discursos fotográficos, este libro no se digiere y se agota en una primera lectura. Quien redacta estas líneas lleva acercándose a “The Americans” más de 30 años y cada vez que lo retoma descubre un nuevo aspecto que antes le había pasado inadvertido. La primera edición de “The Americans” -reeditada en su versión original por Steidl en 2008 con motivo del 50º aniversario de su publicación, en España con el sello de La Fábrica-, tiene una apariencia algo espartana. Sus dimensiones físicas son bastante reducidas para tratarse de un libro ilustrado, ya que es un volumen casi cuadrado de 20,9 x 18,4 centímetros. Las versiones publicadas a finales del siglo pasado por las editoriales Delpire o Scalo son físicamente algo mayores, pero tampoco demasiado: 24 x 22 centímetros. © Robert Frank


«Frank era complicado, constantemente buscándose a sí mismo, nunca a la moda. Y él era un vaquero solitario, solo contra el mundo», Michael von Graffenried in Le Temps


La edición original en francés de 1958, de tapa dura, tenía una sobrecubierta con una ilustración de trazo fino, no una fotografía realizada por Frank... En las versiones grandes de Delpire y Scalo, se reproduce la primera foto del ensayo fotográfico, que muestra una bandera americana y dos figuras humanas sin rostros ubicadas en sendas ventanas. “The Americans” cuenta con una breve introducción de Jack Kerouac -un exaltado ejercicio de “prosa espontánea”, según el término acuñado por el propio escritor beat- y contiene 83 fotografías -52 horizontales y 31 verticales- en blanco y negro. Todas las imágenes aparecen en caja -con margen blanco por los cuatro lados- en las páginas impares, es decir, siempre a la derecha de cada doble página. Ninguna foto invade la página par: en ellas sólo hay escuetos pies de fotos. “The Americans” (primera edicion) tiene una apariencia poco atractiva en comparación con otros títulos relevantes de la época, como “New York” de William Klein, o el catálago de la exposición fotográfica del MoMA de 1955 “The Family of Man”. Las imágenes de “The Americans”se presentan de manera secuencial, de una en una, que no de manera simultánea, como en “The Family of Man” o las revistas ilustradas como “Life”, en la que era habitual encontrar muchas fotos en cada doble página. En “The Americans” el lector debe observar y valorar las fotos como unidades independientes. De esta manera, si una imagen influye sobre otra lo hace únicamente desde la memoria inmediata. La puesta en página está al servicio de la foto y no a la inversa. Es una solución teóricamente conservadora, adecuada para discursos fotográficos donde la estabilidad formal es el patrón a seguir, caso de las pequeñas antologías de maestros de la fotografía editadas por Aperture, como las dedicadas a Paul Strand, Edward Weston o Minor White. Todos ellos son autores clásicos de prodigioso rigor y equilibrio compositivo, cuyas fotos descansan sobre las páginas de los libros de manera similar a las copias de una exposicion enmarcadas con paspartú. Sin embargo , en “The Americans” esta puesta en página simplificada al máximo sirve para contener imágenes inestables, “detalles o fragmentos tomados del continuo de la realidad” , tal como señala Stephen Shore en “The Nature of Photographs” (Phaidon, 2007). Esta suma de fotos provocan en el observador la sensación de estar contemplando algo dinámico que

transcurre en el tiempo. En este sentido, “The Americans” se parece más a una proyección de imágenes, un slide show cuyo eje principal es el tiempo, que no el espacio. Frente al instante decisivo de Cartier-Bresson, racional y objetivo, Frank propone lo intersticial - “in between”-, que remarca el carácter subjetivo, personal del hecho fotográfico. No existen momentos y lugares objetivamente idóneos para hacer una foto, sino que es el fotógrafo quien debe decidirse por un instante y una ubicación entre una infinidad de posibilidades. Frank no pretende reflejar “el momento”, sino “su momento”, para lo cual se sirve tanto del obturador como del visor de su cámara. Un encuadre abierto, inestable y de apariencia descuidada, sugiere la idea de apunte, de esbozo, de nota realizada mientras sucede algo. Apunta a una realidad que tuvo inicio antes de la foto y que continuirá después del disparo. Casi todas las fotos de “The Americans” permiten suponer lo que pasó antes y lo que ocurrió después del “clic”. Frente a la tradicional concentración de información temática y de líneas de fuerza visual hacia el centro de la imagen, en “The Americans” son frecuentes las fotos donde los puntos de interés se reaparten por toda la superficie de la imagen. Otra de las características definitorias el estilo de Robert Frank es el torcido de la línea explícita o implícita del horizonte, mas alto a la izquierda que a la derecha de la imagen. Ésta es muy evidente en una veintena de las fotos - la más significativa de ellas es la que muestra a un hombre negro con una cruz junto al río Misisipí-. De igual manera que las personas que sufren depresión tienden a torcer las líneas de escritura hacia abajo, las fotos de Frank señalan al lector un estado de ánimo que podrían relacionarse con la melancolía, la fatiga o el desvalimiento.... En casi todas las imágenes de “The Americans” el grano grueso es evidente. Otras marcas de estilo son el elevado contraste y, no menos importante, el foco escaso o crítico, sobre todo en las tomas nocturnas o realizadas en interiores. El grano grueso, el foco crítico y el elevado contraste son imperfecciones técnicas que muchos autores de inicios del siglo XXI, como Anders Petersen, Antoine d´Agata o, sobre todo, Michael Ackerman, han convertido en herramientas de trabajo. Además de una esté-

Robert Frank trabajó hasta el final de su vida. En la primavera de 2019, el editor con sede en Göttingen, Steidl, publicó su última obra: «Good days quiet», una especie de diario, en blanco y negro, sobre la simplicidad, la vida cotidiana y la intimidad.

tica que podría etiquetarse como crepuscular, lo escaso en lo relativo a la definición y en los gradientes de grises, permite a los nuevos autores reforzar un discurso subjetivo. En el caso de Frank, la composición y la textura visual de las fotos son útiles para subrayar un particular estado de ánimo que oscila entre la melancolía, la desazón y, en ocasiones, el horror existencial. En sus fotos, como si fuera una ventana con cristal, se ve lo exterior, pero también se intuye la silueta simbólica del fotógrafo. Sus fotos no pretenden mostrar cómo son los americanos, sino la percepción personal del fotógrafo, individual y discutible, respecto a un colectivo de personas. En este sentido, el libro quizás debiera titularse “Los Americanos por Robert Frank”. “The Americans” no debe entenderse, sino sentirse, tal como se hace cuando se lee un libro de poesía contemporánea. Es significativo que “Aullido” de Allen Ginsberg , poeta amigo de Frank, sea coetáneo de “The Americans”: ambos autores parecen haberse dejado llevar más por la intuición, o el inconsciente, que no por el raciocinio a la hora de construir sus imágenes, ya sea con la máquina de escribir o con la cámara fotográfica. Este carácter abierto del ensayo fotográfico es el que permite lecturas múltiples, tantas como personas se aproximen a sus páginas. “The Americans” es un discurso vivo y fresco, que se renueva constantemente, a pesar de llevar más de medio siglo en las estanterías de las bibliotecas. Ha llovido muchísimo, pero también parece que fue ayer cuando Robert Frank se embarcó en la aventura de recorrer América en coche para, tal como señala Joel Sternfeld, “cambiar para siempre el curso del río de la fotografía”.

Rafa Badia


©Irene Royo

INTERVIEW DE IRENE ROYO (PROMOCIÓN 2017-2019)

© Irene Royo

Fotografía y pintura abstracta

1 - ¿Qué exploras como formas de arte: la fotografía, la pintura abstracta, el vídeo? ¿Otros? A mí me gusta las Bellas Artes y la comunicación visual. Pinto desde hace muchos años y fotografío también desde mi juventud. Fotografiar no me cuesta; pintar al revés, necesita un esfuerzo de trabajo diferente y una concentración particular. A mí me apetecen los dos medios artísticos. He empezado muy joven a dibujar y pintar en familia; también me han regalado una cámara cuando cumplí 10 años. Hasta mi bachillerato de artes visuales, he practicado muchísimo los dos recursos. Me gusta también mucho el video. La clase de Proyectos Multimedia del segundo año de Grisart, con Aleix Mateu, a mi me ha servido mucho. ¡Quiero ir más adelante en este campo ahora! 2 - ¿Para ti cuales las diferencias entre los dos medios artísticos? A mi la foto me sirve para registrar.

Irene Royo, catalana de 21 anos, es una una artista barcelonesa. Ha fotografiado su vida desde joven y pinta principalmente sobre papel y lienzo con pintura acrílica y aceite. Está abierta a trabajos basados en encargos. Ha estudiado fotografía, en Grisart desde 2017 hasta 2019.

Con la pintura he expresado mis emociones más íntimas. 3 - ¿Porque has seguido el Plan de estudio profesional de Grisart? ¿Qué buscabas? Empecé a estudiar en una escuela de pintura, pero no me convenía la enseñanza. En Grisart he descubierto lo que necesitaba: organización, profesionalización. Las clases de “Autoedición” de Román Ynán y de “Cursos de Creación de Proyectos” de Enric Montes fueron, para mi, revelaciones en el sentido que he aprendido a ordenar, organizar, estructurar. He entendido por qué nunca acabamos lo que empezamos. Así, por ejemplo, en mi “fotolibro de fin de curso”, hoy mismo cambiaré algunas cosas. ¡Sé cuales son! 4 - ¿Y hoy qué quieres hacer? Necesito más aprendizaje profesional sobre la comercialización, la organización de una Expo, sobre la museografía, sobre técnicas particulares...

En mis cursos en Grisart lo que he gustado mucho, en el orden de los momentos fuertes, son: el “Fotofever de París”, la exposición de Arles 2018 -para lo cual tuve el honor de ser seleccionada y donde he aprendido mucho-, y las clases de vídeo. Soy muy obsesiva con mis trabajos -es una cualidad fundamental para un buen fotógrafo- y buscó lo mejor para ellos. Mi fotógrafa de referencia es Nan Goldin, la que se desnuda ante nosotros para enseñarnos la realidad de su mundo: sinceridad, vértigo, espontaneidad, realidad, sutilidad... Por fin, sé que Barcelona es una ciudad más bien limitada para el comercio de arte y exposiciones. Por lo tanto, necesito viajar. Tengo un proyecto: residir un tiempo en Bilbao: el océano, otra luz, la montaña... ¡Veremos si lo consigo!

Entrevista realizada por J-M Gosselin


PROYECTOS

« ACHERON » TRABAJO DE MIA TEPELEA (PROMOCIÓN 2017-2018) El titulo del proyecto viene del río Acheron en Grecia. En la mitología griega antigua es “el río del infortunio” y era uno de los cinco ríos del

inframundo griego. Más tarde, el término fue utilizado por Sigmund Freud para describir el inframundo psicológico debajo de la mente consciente. Se trata del lugar escondido en nuestro subconsciente, donde estamos atrapados, incapaces de soltarnos o escapar.

Las escenas dependen de las interpretaciones de los espectadores, ya que el dolor es individual. En lugar de dar una idea definida, Acheron expresa el sentimiento subyacente.


« BETWEEN ONE AND ZERO » TRABAJO DE OLIVER DE ROS (PROMOCIÓN 2012-2013) « Between one and zero » se concreta en la situacion actual de la juventud que vive en un mundo global y organizado alrededor de la Red.

amigos, de clase media, la mayoría de ellos con estudios pero sin trabajo, que siguen atrincherados en casa de sus padres y que, ante la nube de incertidumbre, angustia y miedos a la que se enfrentan, la disipan a base de alcohol, drogas y sexo.

Documenta, dentro de éste marco generacional, un pequeño grupo de

Internet brinda una falsa sensación de libertad y de control que estimula el desfase y la evasión.

« SERENDIPIA » TRABAJO DE CAMILIA GARCÍA (PROMOCIÓN 2018-2019)

ciones cotidianos de su belleza, de su extrañamiento, y, obviamente, de su encaje en el mundo.

El proyecto llamado “Serendipia” es un especie de un «hallazgo afortunado». Trata sobre los «presentes transitorios». Habla de detalles y situa-

De los momentos no buscados, de las personas encontradas y del futuro jamas planeados. Junto a lo efímoro del presente y la

El reportaje trata, de manera tácita, sobre la ambigüedad de los años en que vivimos, de la incertidumbre existencial a la que ésta generación se enfrenta y su manera de resolverla.

práctica constante de la capacidad del goce, plantea la fotografia como un universo en sí, donde todo es posible y permite un proyecto sobre las posibilidades abiertas.


DESCUBRIR UN DOCENTE DE GRISART ESTE MES: IVAN FERRERES PUJOL

© Ivan Ferreres Pujol

«I’ve Been to the Mountaintop»

Ivan Ferreres Pujol es coordinador académico en Grisart Escola Internacional de Fotografía. Empieza a interesarse por la fotografía en 2006. Este verano ha realizado un roadtrip en Francia entre los castillos del Loire, la Normandía, la Bretaña. Fotografiaba subjetivamente su viaje como si quisiera leer una línea de un poema dos veces, una especie de respuesta a la cita de Robert Frank: “Te lo dejo a ti... No tienen un final o un comienzo. Son un pedazo del medio.”

El leve sonido de un huella hundida en la nieve. Algo breve y dulce que desaparece sin haber aparecido nunca. Alguien habla al otro lado del agua. Sin palabras, sólo con círculos concéntricos que desbordan la luz transparente. Mi ojo deambula como un trozo de hielo que se funde en el mar. Allí estás, flotando en la mirada errante, sujeto a la parábola de mi parpado. Un pestañeo que se convierte en un faro. Allí estás, te he encontrado sin haberte perdido nunca. Sin haberte buscado todavía.

He decido jugar al escondite, en medio de un ruido sordo. Mis pasos se han convertido en el eco del viento que llena una madriguera oscura. He dejado un rastro invisible, para que solo la lluvia sepa donde estoy.

EL PODER DE LAS LINEAS

Diane Arbus, Robert Frank, Marc Riboud, Robert Doisneau, Paul Strand, Harry Callahan, Robert Adams... En la expo se estudiaba las líneas, la composición: la vertical, la horizontal, la línea recta, la circular, la curvatura... En una frase: la fuerza expresiva de la línea fotográfica. La muestra se dividía en tres secciones. - La primera: “Líneas rectas”, incluye el trabajo de muchos autores que quisieron documentar la realidad tal como Berenice Abbott, Robert Adams o “las líneas verticales” de Larry Clark... - La segunda: “Curvas”, demuestra que la fotografía busca el encuentro de una intimidad con los sujetos similar a como lo hace el dibujo, ya sea a través la repre-

sentación de la naturaleza, o la del cuerpo humano. Robert Mapplethorpe o Leon Levinstein son los casos mas emblemáticos. - La tercera: “Abstracciones” intenta de enmascarar lo real hasta escaparse de la realidad en si misma, a fin de enfatizar la fuerza de sus imágenes- Las fotos mas fuertes de este capítulo son las de: Harry Callahan, los paisajes abstractos de Minor White, las luces y sombras de Ray K. Metzker y, sobre todo, Aaron Siskind. Era una interesante muestra para experimentar el poder de las líneas fotográficas y quizás renovar vuestro chip compositivo fotográfico. Se puede encontrarla en Internet en este enlace:

Anna Bayó Duran y Ivan Ferreres Pujol

https://www.youtube.com/watch?v=NPaPuVgw9Xc

© Ivan Ferreres Pujo

Sondra Gilman inició su colección con su marido Celso González-Falla, hace 40 años, incorporando imágenes variadas y creando una sede social oficial en su propio domicilio neoyorquino. Hoy en día la colección está compuesta por más de 1.500 imágenes originales, de los fotógrafos más destacados del siglo XX y XXI. El leitmotiv que mueve cada adquisición de la pareja está resumido en “lo que buscamos en una imagen es sencillo: debe emocionarnos”. En Foto Colectania este verano de 2019 se encontraban obras de maestros como Henri Cartier-Bresson, Hiroshi Sugimoto, Man Ray, Edward Weston,

Quería contarte una historia que no existe. Un relato que nace oculto en las grietas de una pared. Cicatrices mudas congeladas en la arena blanca.


«“Vivimos a merced de ciertos silencios.”» Patrick Modiano


© María Sinsonen

Autorretrato 2019 Trabajo de María Sintonen (2018-2019)


INTERVIEW DE MARIA SINTONEN (ESTUDIANTE DE LOS AÑOS 2016-2018)

© Maria Sintonen

Aprender las reglas... para luego romperlas

Maria Sintonen es de Finlandia. Es fotógrafa y retocadora. Amante de los colores fuertes, de fotos dramáticas y creadora de diferentes personajes, ha estudiado en la Escuela fotografía Grisart entre 2016 y 2019. Ella se considera en un viaje persiguiendo sus sueños en el mundo de la fotografía.

1 - ¿Cómo llegaste a la fotografía, y por qué estudiaste fotografía? ¿Qué querías descubrir?

2 - Según tu experiencia, ¿qué debe trabajar prioritariamente un joven fotógrafo?

Desde hace muchos años, me he interesado jugar con diferentes estilos y personajes. Antes solía expresarlo en mi forma de vestirme y, cuando trabajaba en una tienda de ropa vintage, semanalmente creaba diferentes temas en el escaparate. Cuando comencé a tener cada vez más ideas de diferentes personajes noté que la fotografía era la forma más fácil de capturarlos y hacer que duraran más de un día. Participé en los proyectos de retratos de mis amigos como modelo y también colaboré con un fotógrafo que hizo realidad mis visiones. Finalmente decidí venir a estudiar fotografía para poder crear mis propias ideas desde el principio hasta el final. Cuando aprendí a usar Photoshop, ¡mi mundo se abrió! ¡Aleluya!

“Aprende las reglas como un profesional, para que puedas romperlas como un artista”, decía Picasso. Cuando se conoce los principios técnicos básicos, se puede comenzar a desarrollar la propia visión. 3 - ¿Cuáles son las cualidades que necesita un/a buen/a retocador/a? Probablemente lo más importante es entender cómo funciona la luz. Dónde se crean las sombras y reflejos, para poder recrearlos de manera creíble. Para poder decidir el flujo de trabajo correcto, hay que conocer bien el aspecto técnico del proceso de trabajo, desde la toma de las fotos hasta la entrega al cliente, ¡El tiempo es dinero!

Se necesitarán buenas habilidades de organización y buenos músculos para estar sentados. ¡Ser perfeccionista no es necesariamente algo malo en esta profesión! 4 - ¿Cuáles son tus proyectos fotográficos actuales? Ahora me estoy concentrando en comenzar mi carrera laboral, así que no he tenido mucho tiempo para mis propios proyectos personales. Pero siempre cuento con mis autorretratos que quiero desarrollar. Me parece la base más fácil para trabajar y probar mis ideas. ¡Y oye, nunca tengo problemas para encontrar modelos disponibles a corto plazo! Quizás en un futuro, comience a tomar mis fotos en configuraciones de estudio más grandes y mas complejos. Entrevista realizada por J-M Gosselin


EXPOSICIONES ANNA GALI GANA EL 1° stArt

© Anna Gali

‘Time on Quaaludes and Red Wine’, de Anna Galí ha sido el proyecto ganador de la primera edición de Plataforma stArt, lanzadera para impulsar la creación de fotógrafos y fotógrafas emergentes. Creada por Fotopop Producciones, los organizadores del BAFFEST, y Conteneo, esta plataforma es impulsora de proyectos de innovación tecnológica. Galí presentará su trabajo en la próxima edición del Fotopop Weekend que se celebra en Barakaldo el próximo 15 de noviembre. Es un trabajo que aborda, desde diferentes fuentes, asuntos tales como la creación de la personalidad, la identidad virtual y digital, la muerte, las adicciones, el duelo o las relaciones familiares ¡Enhorabuena a Anna!

© Nathalie Vigini

la “foto” magrebí del año; El mejor proyecto fotográfico del Magreb.

EL MAGHREB PHOTOGRAPHY AWARDS 2019, el concurso fotográfico más importante del Magreb, que premia imágenes que evocan el Oriente y especialmente el Magreb, ha publicado a sus ganadores de 2019. Se otorgan grandes premios: el mejor proyecto fotográfico en todo el Magreb; el “fotógrafo magrebí” del año;

Nuestra amiga y compañera, Nathalie Vigini (2017-2018), miembro de los colectivos “Veo” y “Puralifephotography», excelente fotógrafa profesional, recibió la “medalla de plata” en la subcategoría “enfoque alternativo” del Maghreb Photography Awards 2019 para un proyecto titulado “Di lo que no dices y lo que sucede en todos los sentidos” . Las fotos de instantes de Nathalie a menudo capturan la fragilidad de la vida y crean imágenes cuya belleza persiste en las mentes de las personas. Son íntimas, potentes, plásticas y particularmente conmovedoras.

Jean-Matthieu Gosselin


© William Degouve de Nuncques - Nancy © Edgar Degas, Museo Thyssen-Madrid

© Louis Aquetin, Tate Galery- Londres

DESCUBRIR EL PASTEL La exposición ‘Tocar el color: la renovación del pastel‘ (en la Mapfre) desarrolla las habituales fronteras temporales y espaciales de las muestras consagradas a esta técnica (divinizada con Rosalba Carriera, Quentin de la Tour, o bien Liotard...) con 96 obras prestadas por una setentena de instituciones y coleccionistas, muchas de Francia. Los primeros artistas que se inclinaron por esta técnica venían del grabado y la escultura y lo hicieron para ganarse la vida con un arte que al fin y al cabo era económico, además de ser susceptible de ser ejecu-

tado con simples tizas de color puro. En comparación con la pintura al óleo, tiene un propósito menor. El pastel es frágil y sus condiciones de conservación son extremas; por lo tanto, entendemos el carácter excepcional de esta exposición que reúne las obras de 68 artistas facilitadas por casi 60 museos y colecciones particulares, entre ellos la Tate de Londres, el Museo Picasso de París, el Centro Pompidou de Paris, el Museo Reina Sofía de Madrid, el museo de l’Hermitage de San Petersburgo, los museos de Reims, Rouen, Honfleur, Boulogne, Dijon, Toulouse... Los pintores exhibidos en la muestra son famosos: Delacroix,

Mary Cassatt, Berthe Morisot, Louise Abbéma, Louise-Catherine Breslau, Millet, Odilon Redon, Manet, Degas, Picasso, Miro, Boudin, Renoir, William Degouve de Nuncques y Émile-René Ménard, etc. ¡En todos queda claro que el pastel no solo es un arte comercial y de paisajes! Esta es una exposición comisariada por Philippe Saunier, que fue responsable entre 2008 y 2011 de la colección de pasteles del Museo de Orsay de París. J-M Gosselin “Toca el color”, Fundación MAPFRE, Barcelona, del 03/10/2019 al 05/01/2020


El fotolibro SPAM, en gran formato y pieza unica, obra de Flavio Edreira, fue presentado en Photo Ireland 2019 durante este pasado verano. Además de esta muestra, SPAM ahora forma parte de “The Library Project”, la colección permanente de “Photo Ireland Foundation”. Tras verse en Barcelona, Madrid, Goiania, Porto Alegre, Siena, Sao Paulo, el libro se quedará definitivamente en Dublín. El proyecto SPAM intenta de arrojar una luz diferente sobre el proceso del intento de Cataluña de separarse de España, mediante la celebración de un referéndum no autorizado el 1 de octubre de 2017. Tambien muestra sus consecuencias políticas y sociales sobre el país y su gente a través de los mensajes que ambos bandos escribieron o dibujaron en las paredes.

En el año 2019 Flavio Edreira ha trabajado muchísimo. Fue finalista en Siena, en Photoespaña en Madrid, en Sao Paulo...; ha ganado también con el colectivo Veo en Porto Alegre... Ahora está finalizando un fotolibro de un trabajo empezado en 2016 sobre el Camino de Santiago. Hablando con Global-Grisart Flavio ha dicho: «Para mí, sigue siendo difícil creer en todo lo que la fotografía me brinda hoy. Estoy seguro de una cosa, es que mi trabajo está dando sus frutos. Es un honor poder compartir mi trabajo entre grandes fotógrafos y en grandes festivales, y también con los compañeros de Grisart a través de la revista que leo cada mes.»

NUEVA PROMOCIÓN EN GRISART

© Grisart

¡Ha llegado una nueva promoción a Grisart! ¡Les deseamos buena suerte a todos! Seguramente hablaremos en estas columnas sobre ellos y sus trabajos en un futuro.

En la escuela fotografía Grisart se recibe una enseñanza variada, de todos los niveles y también muy aguda para capacitar a los futuros fotógrafos, los artistas en devenir, pero también se pone el acento en el desarrollo personal de los alumnos y en su atracción por la imagen. Grisart es una escuela de fotografía

reconocida por las instalaciones que ofrece para que todos puedan continuar sus estudios mientras prosiguen con sus trabajos u otras pasiones. Todos los estudiantes benefician de un sistema bien engrasado creado hace varios años por Albert Gusi y su personal docente, administrativo y de supervisión. Esta promoción, de la que vemos aquí los primeros pasos y el desayuno de acogida, siguen o bien el Plan de Estudios Profesional de 2 años, o los Cursos Profesionales. Estos últimos son las clases especializadas (Curso de Retoque y Tratamiento Digital de la Imagen (nivel I o nivel 2), o bien el curso de autoedición de fotolibros. Otra posibilidad son “Los cursos básicos”, o incluso las enseñanzas “Photography One to One”... Para conocer el trabajo de los ex-alumnos de la escuela, existe el espacio de exhibición donde cada 6 semanas fotógrafos seleccionados por el equipo de docentes exhiben su trabajo. También se cuenta con esta revista mensual, Global Grisart. Durante el año hay conferencias, debates, salidas para ver exposiciones (museos, galerías, etc.), talleres, sin olvidar de mencionar la presencia en

© Grisart

Son reivindicaciones pacificas pero muy fuertes salidas de las tripas y del alma de cada uno de los actores.

las principales exposiciones internacionales como Arles, Photofever en “París Photo”, Scan en Tarragona, Panorámic en Granollers, etc. Una clase de fotografía no sólo es aprender a disparar o iluminar en estudio, sino también aprender a leer las imágenes, saber hacer una narración con fotografías, conocer la historia del arte y/o de la foto, descubrir el vídeo...

© Jmg

© Photo Ireland © Flavio Edreira

«SPAM EN PHOTO IRELAND» UNA LUZ DIFERENTE SOBRE LA ACTUALITAD CATALANA


© Marta Sellarés

MARTA SELLARES: EN EL PREMIO MARK GROSSET

Los estudiantes exhiben hasta diez impresiones cada uno de ellos mientras dura la edición. El primer premio es otorgado desde 2007.

Marta Sellarés fue seleccionada (entre 10 estudiantes de fotografía) en el marco del Premio Mark Grosset, cuyo objetivo es descubrir y promover a jóvenes fotógrafos de escuelas internacionales de fotografía. También fue presentada durante el Festival Vendome en septiembre de 2019 en el edificio del distrito Rochambeau.

“Con La casa de Pierre se explora, a través de las relaciones entre lugares y personas, todas esas experiencias vividas imaginadas que son una constante en nuestra memoria. Es a través de estas resonancias visuales más o menos conscientes que este territorio se revela en nuestro interior al mismo tiempo que dejamos

nuestra huella, configurando nuestro espacio vital. Alrededor de este territorio de la infancia se crea una cartografía emocional que desafía nuestra relación con el espacio y el tiempo “ nos explica Marta. Comunicación Grisart

La edición de 2019 de Verzasca Foto Festival ha sido un éxito, con una gran afluencia de exponentes, de fotógrafos y expertos externos, y de un publico cada vez más importante. Como siempre, había un excelente ambiente familiar que permitía establecer relaciones más allá de lo estrictamente fotográfico. En este festival que tiene lugar en Suiza, en la zona del Tessino, se puede compartir momentos culturales con tiempos relajados y alegres, donde se alía la pasión por las artes visuales, la creación y el trato informal. El Festival Verzasca Foto 2019 - programado del jueves 5 al domingo 8 de septiembre, pero con las expo alargadas hasta el 5 Noviembre- viene a ser una encrucijada de caminos emprendidos, algunos todavía en marcha y otros que aún no han sido explorados.

©Nathalie Vigini

VERZASCA FOTO FESTIVAL EDICIÓN 2019: UN ÉXITO!

La sexta edición ha estado dedicada a la humanidad en camino, por lo que el festival se convirtió en un lugar de interacción e integración, una oportunidad para descubrir y compartir historias gracias a la participación de fotógrafos venido de todo el mundo.

El festival es un lugar donde la fotografía es un pretexto y también un tema de reflexión sobre la imagen, la creación y la humanidad.

Jean-Matthieu Gosselin


Oriol Maspons (1928-2013) era un gran fotógrafo. Autor reconocido, fue uno de los teóricos más relevantes, creativo, dinamizador y experimentador que nutrió con sus ideas a toda una generación de fotógrafos españoles: la llamada generación de oro de los años cincuenta y sesenta. Organizó un discurso radical contra el “Salonismo”, una corriente a la contra que se implantó en la fotografía española en los años 50 y que se llevó a cabo en torno a la revista AFAL (19561963), de la que él fue motor ideológico. A propósito de Maspons, Pere Formiguera, explica, en “La segona ruptura, la foto catalana dels anys 50 i 60” en el catálogo “Introducció à la historia de la fotografía a Catalunya”, que: “El artículo es una crítica corrosiva contra la fotografía tradicional; una defensa encendida de una nueva manera de comprenderse y encararse con el hecho fotográfico.” Maspons que había vivido por razones de trabajo en París y había contactado en la capital francesa con grupos fotográficos como el Club 30 x 40 dirigido por Roger Doloy y donde militaban gente innovadora como Cartier-Bresson, Daniel Masclet, André hévenet, o Robert Doisneau entre otros, se convertiría en una especie de portavoz: de la teoría de la nueva generación de fotógrafos catalanes. Él mismo, como autor, puso en práctica las teorías aprendidas y elaboró una obra directa, poética y cargada de sentido del humor que le llevó a reflejar todos los extremos de un país que ofreció imágenes tan apasionantes como aparentemente contradictorias, desde el drama de la inmigración en la gran ciudad, hasta la melodramática llegada turística a la Costa Brava. En su obra no falta el patético paisaje humano de “Las Hurdes en contraste con la Ibiza de moda, los desarraigados aprendices de toreros en Montjuic, a los no menos despistados “aprements” de ‘modernos’ de la calle Tusset, de

de los gitanos del Somorrostro, a los señoritos ociosos de “Bocaccio”... El registro fotográfico de Oriol Maspons, de perspectiva catalana, cuenta con una extensa gama de imágenes, desde la posguerra y los buenos momentos económicos de España, hasta el moderno lenguaje de la publicidad, la moda y la arquitectura más envidiada por la burguesía local. En los años 60, Maspons era, junto a Colita y Xavier Miserach, testigo y partícipe de las vivencias de la “Gauche Divine”, un área creativa de renovación estética intelectual, de libertad y creatividad sin precursores en la fotografía española, situada al margen del luto social que oscureció la España franquista de las barracas del Somorrostro. Juan Miguel Sanchez Vigil considera que Maspons “fue el cronista de la Gauche Divine”... En 1961 Maspons se asoció con Julio Ubiña con el que abrió el estudio de fotografía muy “up-to date”, el más moderno del país. El tándem colaboro con las mejores revistas hispánicas e internacionales (tal como “Paris Match”, “L’Oeil”, “The New Yorker”...), publicó reportajes sobre Neruda, Ernest Hemingway, Dalí, Jackie Stewart o Fidel Castro... El trabajaba mucho con Colita, la gran fotógrafa catalana que decía: «A mí la fotografía me había divertido siempre y siempre la había practicado como un juego» es el lema de los dos fotógrafos de la “Gauche Divine” que multiplican transgresiones. Oriol Maspons es conocido a partir de 1960. Es un fotógrafo de referencia. Varias instituciones le piden encargos oficiales en los años 60; en 1969 fotografió uno de los polígonos más lujosos de la época, el de Montbau. Era la estrella en Barcelona de una política de integración de las clases populares con el capitalismo, donde el Régimen mostraba un discurso conciliador y paternalista. El problema no eran los polígonos, sino la falta de una fórmula urbana que los acompañara. El periodismo español tiene una deuda con él y también algunos de

© Oriol Maspons - Retrato de Irma

ORIOL MASPONS: EL HOMBRE QUE RETRATÓ LAS DOS CARAS DE ESPAÑA

los fotógrafos de esta generación. Así, en 1978, en verano, con Luis Cantero, ambos montados en un “hidropatín” con un pedal roto, lograron un reportaje que ya es parte destacada de la historia del nuevo reportaje español: fotografiar al presidente del Gobierno, Adolfo Suárez, en bañador y a bordo de un yate. Era un reportaje nuevo en un país que salia de una dura dictadura. dada su versatilidad Maspons realizó tareas de fotografía editorial y publicó e ilustró diversos tipos de libros: “La Caza de la perdiz roja”, con texto de Miguel Delibes; “Toreo de Salón” (Camilo José Cela); ”Poeta en Nueva York”, sobre el poema de García Lorca; ”Els Catalans”, de Ana y Terenci Moix (junto a Colita y Miserachs). Le interesaba mucho hacer portadas de libros. En una entrevista, en 2006, en El Pais, contaba que “No hay ninguna preferida, a todas les dedicaba mucho tiempo porque me gustaba hacerlo, me divertía... Si podía hablaba con el autor sobre la obra y, cuando era extranjero, discutía con los productores... Conocí a gente muy interesante y muy inteligente, mucho más que yo...” Su portada mas conocida es la de “Últimas tardes con Teresa” de Juan Marsé, en Seix Barral... Fue pionero en el reconocimiento internacional de la foto catalana. En 1958 el Museo de Arte Moderno de Nueva York le adquirió tres fotografías para su fondo permanente; un año más tarde fue el primer español representado en el “Photography Annual” americano (1959); en 1971, recibe el premio “Rizzoli de Fotogra-


© Oriol Maspons

Pareja de guardias civiles en Cadaqués.

© Oriol Maspons

subdesarrollado bajo una dictadura, hasta las decenas de retratos de personalidades ricas y del mundo del espectáculo, desde Dalí a la Ibiza hippy de los 70. Maspons fue siempre fiel a su máxima teórica de que en fotografía deben ir juntos arte y utilidad, al igual que en la arquitectura y en el diseño.

La Gauche Divine

fía Publicitaria” y en 1992 realizaba el pedido del libro sobre los “Juegos Olímpicos” junto con Miserachs y Colita. En 1995, la Caixa organizó la exposición antológica de Oriol Maspons, “El Instante Perdido”. En 1998, fue galardonado con la medalla al “Mérito Artístico de Barcelona”... Su obra está

conservada en el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC), con el que firmó un convenio a finales del año 2010. Y este año, el MNAC ha hecho una muestra de gran calidad. Oriol Maspons fue capaz de retratar las dos caras de la España de la posguerra, pasando por un país pobre y

La expo del MNAC ofrece, en un conjunto en 530 documentos, desde las imágenes más famosas hasta las olvidadas y algunas inéditos. Lo que es interesante es que la muestra permite descubrir algunas fotos pocas conocidas como la serie de Suráfrica, u otra hecha en Cuba en 1967, que debía formar parte de un proyecto de libro con José Agustín Goytisolo, que no llegó a buen puerto porque al fotógrafo no le convenció el texto del escritor. También se muestra un reportaje nunca publicado sobre el seísmo de Managua. Jean-Matthieu Gosselin MNAC, «Oriol Maspons, la fotografia útil: 19491995», desde 05 de julio de 2019 hasta 12 de enero de 2020.


EXCELENCIA

ULLIC NARDUCCI (2018-2019)

© Ullic Narducci

Artista visual, arquitecto de formación, Ullic Narducci despliega una visión creativa de la imagen a través de su profundo conocimiento del diseño y desarrolla una exploración estética en el contexto de su investigación fotográfica de la noche y lugares extraños. Expone en Italia, Francia y Australia.

Cuatro imágenes de la serie “El tren de oro verde”. Trabajo de Ullic Narducci, 2019.

Ex alumno de la escuela Grisart, Ullic vive y trabaja en Sídney. Desde hace varios años esta trabajando en el diario de viaje y en el reportaje in situ. En dos ocasiones realizó viajes largos en Australia trabajando sobre el tema del desierto. Recientemente ha realizado viajes muy preparados a Asia, especialmente a Vietnam y hace poco a Sri Lanka. En este último, a través del prisma del viaje en tren, nos cuenta una isla y varias vidas humanas. Se acerca respetuosamente a las poblaciones encontradas, con un desenfoque que conduce a la narración íntima. Ullic tiene muchos vínculos con la escritura de viaje, o la foto de reportaje en un lado y la escritura novelística hasta la abstracción en la imagen en el otro extremo. Es adepto de la frase de Marc Riboud que ha hecho suya: “La fotografía no puede cambiar el mundo, pero puede mostrar el mundo, especialmente cuando el mundo está cambiando”. Él nos explica las razones de su vocación fotográfica.


“Tengo bastante referencias fotográficas; muchas me estimulan para tomar fotos de reportaje (Marc Riboud, Robert Frank, Brian Peterson o Raymond Depardon); pero hay un libro que es el que más me influye. Es «Terre et Ciel» de Théodore Monod, en Actes Sud, que he leído en francés. El autor no es un fotógrafo, es un científico y un hombre espiritual, filosofo, teólogo... A lo largo de su vida Monod ha encontrado el desierto: ‘Tuve la suerte de encontrar el desierto, ese filtro, ese revelador. Me ha moldeado, me ha enseñado la existencia. Es hermoso, no miente, es limpio. Por eso debe abordarse con respeto’. En este libro de entrevistas habla sobre su vida interior, su camino personal y de la manera en que ve el mundo y los hombres. Es lo que podemos llamar una utopía real, cuando dejamos la política en la puerta, para abrirnos a la humanidad integral, radical. La utopía cobra una verdad, es un sistema reformador de todo: del espacio, del tiempo, de la relación del ser humano con su entorno y el universo... Es un libro para todos que se pregunta sobre la fraternidad, el silencio, la escucha, lo religioso, los temas ambientales, las relaciones pasado-futuro... He encontrado un hombre extraordinario; me fascina cuando narra sus viajes en el desierto. El me ha dado el gusto por el desierto, el de las arenas vacías o llenas dependiendo de quién las miran, cuándo y cómo. » A mi me encanta esta cita de Monod: ‘Lo poco que se puede hacer, lo poquísimo que se puede hacer, hay que hacerlo, por el honor, pero sin ilusión.’ ¡Es un lema para todos mis trabajos! La serie ‘El tren de oro verde’ de mi reportaje sobre Sri Lanka es una secuencia de fotos producidas durante mi viaje a la isla en agosto 2019. Cuenta la historia del tren que cruza las vastas montañas en las que se encuentran los mayores cultivos de té del mundo. Es un viaje de cientos de kilómetros donde el tiempo parece detenerse y el turista entra en simbiosis con los nativos. ‘Sin darme cuenta, formaba parte de la vida cotidiana de un mundo de otra época’.” Ullic Narducci


© Alex Canales

FOTO DE MODA « La fotografía de moda es saber aplicar la parte mas técnica de la imagen hablando en términos de luz. Pero lo que marca la diferencia es saber poner un toque o ‘estilo’, jugar con el en-

cuadre, ofrecer un punto de vista personal. Pero, sobre todo es fotografiar a personas, es decir, hacer un retrato.» ALEX CANALES - 2017-2019 (fotógrafo de moda)


© Maria Sintonen

FOTO DE CGI « Las industrias actuales del cine, de la foto y de la publicidad tienen a su disposición innovaciones técnicas que pocos imaginaban décadas atrás, como el CGI, que hace

realista la creación imaginaria e imposible del artista, tal como lo demuestra lo que podemos hacer con un retrato.» MARIA SINTONEN - 2016-2019x (Fotógrafa y retocadora)


© Jean-Matthieu Gosselin

FOTO DE PROYECTO «El cadáver de mi memoria mira en el espejo de mi misterio» JEAN-MATTHIEU GOSSELIN - 2016-2018 (fotógrafo)


© Marta Sellares

FOTO DE NARRATIVA «Trabajo en torno a la fotografía porque me permite repensar lo visible, tratando de conseguir y compartir una mirada singular hacia lo que nos rodea. Me interesa explorar el territorio,

ya sea física o mentalmente, porque es un espacio que nos genera intrigas, nos conmueve y nos transporta.» MARTA SELLARES - 2014-2015 (fotógrafa)


© Matteo Giuliana

FOTO DE REPORTAJE «La foto me ayuda para satisfacer mi curiosidad; me permite también acercarme a realidades desconocidas, entender la sociedad y a mí mismo. Lo que más me interesa es investigar

lo intimo de la gente, utilizando el objetivo como una herramienta para narrar vidas, contextos y problemas sociales.» MATTEO GIULIANA - 2018-2019 (fotógrafo)


© Josua Arteaga

FOTO DE ILUMINACIÓN Una imagen es la huella de la luz que reflejan los objetos, la carne, o que dibuja la silueta. En algún caso la iluminación es una escena en sí, que es tan importante como el objeto o el

sujeto que fotografiamos. La idea es aportar una sensación, como el misterio, el drama o, la fantasía, o la poesía... JOSUE ARTEAGA- 2017-2018 (fotógrafo)


© Irene Royo

FOTO DE PROYECTO «La fotografía desde la espontaneidad y el descaro, para enseñarnos la realidad del mundo: sinceridad, vértigo, espontaneidad, sensualidad, misterio, realidad, sutilidad, secreto,

deseo, olvido, tal como un pintor, un poeta o un fotógrafo con polaroids...» IRENE ROYO - 2017-2019 (fotógrafa, artista visual)


© Jean-Charles Brognez

FOTO DE UN “DIARIO DE VIAJE” «En una línea de tren en el norte de Barcelona, entre el mar y la tierra, cada día, en un viaje ‘inmóvil como espectador’, a través del paisaje en movimiento, descubrí lo efímero, las

sombras y los reflejos de un viaje posible para abandonar la realidad e ingresar a otro universo que no es imposible.» JEAN-CHARLES BROGNEZ - 2018-2019 (fotógrafo)


FOTOLIBROS

UNA RELACIÓN COMPLEJA SURREALISTA Y TAJANTE SOBRE LA FOTOGRAFÍA

MISHA VALLEJO ¡UNA CRUDA IMPARABLE!

CRITICA SOCIAL Y POESÍA

El catálogo de la expo «Picasso y la foto» recorre todas las estancias de la vida artística del autor más conocido del mundo a partir de las fotografías realizadas por el pintor, sus parejas y amigos. También muchas veces por los grandes nombres de la fotografía del siglo XX, tal como Dora Maar –ella lo inmortalizó para la revista “Cahiers d’art” pintando una de sus obras maestras, el Guernica... Picasso mantuvo siempre una relación compleja e intensa con la fotografía, y experimentó este medio artístico al igual que cualquier otra técnica que usaba. ¡Un catalogo didáctico completo y apasionante! «Picasso, la mirada del fotògraf», Museo Picasso – La Fabrica, 35 €

Esta obra de Misha Vallejo, es un documento realizado en Puerto Nuevo, entre Ecuador y Colombia. Un relato de lo que sucede a lo largo de la delgada línea que divide estos países. ¡Todos asumen que no es nada bueno! Las imágenes lo muestran a través imágenes documentales, facsímiles, fotos vernaculares. Las personas están apartadas, olvidadas dentro de unos territorios peligrosos. La cruda realidad de los lugares, es patente en cada pagina.

Este es un pequeño libro en catalán -o bien en ingles- sobre Joan Brossa, realizado en el marco de una muestra en El Born, sobre un autor cuya mayor parte de su obra consistió en hacer una dura crítica social y política a través del humor, la ironía, la parodia y la metáfora, transgrediendo siempre el lenguaje y las formas poéticas convencionales. La imágenes y los símbolos son importante en su obra. Brossa llegó a escribir que “Si no podía escribir, en los momentos de euforia / sería guerrillero, en los de pasividad prestidigitador. / Ser poeta incluye las dos cosas”.

«Al otro Lado», 104 p., Ed. Madalena, 35$

«Joan Brossa : poet of Revolt», 30 p., El Born CCM, gratuito


¡VIAJAR SIN FRONTERA!

¡ATRACCIÓN TERRIBLE! El momento vertiginoso es ése en el que la ilusión del tiempo lineal se suspende en un parón temporal mental y se convierte en una incertidumbre, una tensión insoportable, una atracción por el vacío. «La Vertigine», @Clavarino, Federico, 25 €

SÓTANO PERSONAL A través de un viaje de interconexiones entre la memoria personal, los álbumes y archivos de su abuela, y sobre la base de las raíces familiares, es decir, la antigua casa de su familia, Fabiana Ruggiero intenta crear asociaciones visuales poéticas y afectivas para crear una historia íntima. En ella todo se mezcla como en la vida real. La autora entra al sótano de la casa soñada de su abuela, la ve y se ve a si misma desde otros puntos de vista, usando alegorías. Las imágenes van desde cruces temporales hasta ruinas conceptuales, pasando por intersecciones conmemorativas y relaciones personales. La memoria baila y galopa entre flashes y flashes. El libro muestra la necesidad del movimiento y también cómo cada uno hace un inventario sensible de las imágenes retenidas o devueltas desde las profundidades de su vida. «O Tombo», Editorial Fotô, 90 R$

30.000 TOMAS: ¡LA LUNA EN FOTOS! EL SILENCIO DE LA IMAGEN

Pierre de Vallombreuse es un “etnoreporteto”, como lo define Bernard Plossu. Su libro “Au hasard des vents” (“Vientos al azar”) trabaja sobre paisajes panorámicos en varios lugares (Canada, cuencas de carbón, zonas de indios de América, ...). Él intenta con estas fotografías crear composiciones intemporales, documentales, poéticas... Un trabajo de gran amplitud donde el autor rinde homenaje a la diversidad cultural. «Au hasard des vents», Ed. EdiSens, 78 €

En el libro “El mar de la intranquilidad”, publicado en la primavera de 2019 en B2, Nikola Jankovic y Sara Vadé proponen descubrir algunos de los clichés no seleccionados para la posteridad sobre la conquista espacial estadounidense de la Luna. Las fotos fueron tomadas, durante todo el programa Apolo, en analógico. Los astronautas llevaron cajas al espacio, varias por cada misión. Pero la fotografía no era uno de los propósitos principales de los viajes de Apolo, que tenían la prioridad de recoger muestras geológicas, datos matemáticos, cálculos... Las cámaras de la época ocupaban mucho espacio. Es por ello que las abandonaron en la superficie de la Luna, con la parte inferior del módulo lunar. Solo las cajas con carretes regresaron a la Tierra, donde fueron procesados, archivados y referenciados. El libro de Jankovic y Vadé, presenta 3.000 de un total de 33.000 tomas. Estas son fotografías hechas en el vacío interestelar, por seres humanos, no robots. Hoy en día muchas fotos espaciales son realizadas por dispositivos controlados desde la Tierra. Este trabajo muestra cómo fue documentado el trabajo antrópologico en vivo, el “fuera del campo” de la aventura. También relata la monotonía de los paisajes, algunos de ellos excelentes y otros repetitivos. Es una saga visual, una peregrinación misteriosa e inmersiva en el silencio del cosmos; una odisea imposible para el lector que sólo la fotografía nos permite imaginar... «La Mer de l’intranquillité. L’Odyssée Apollo 4-17», 400 p., Éditions B2., 49 €

A VERY BLUES ROCK Descubrí “Somewhere” en Arles. El libro me fascinó de inmediato. Después leí el texto y fui convencido. Es una obra fotográfica, según las andanzas de S. Mahé. y A. Le Gouëfflec. Mejor dicho: es la culminación de un viaje íntimo, con imágenes tomadas, trituradas, trabajadas. En este libro, la foto no pretende anclarse en la realidad, sino que se disfraza con voluptuosidad y voluntad, para representar las emociones, sensaciones e imágenes mentales que cada uno adapta a su estado de ánimo del momento. Es una ventana a un lugar impalpable e implacablemente desconocido. El libro propone un viaje inaccesible cuyas fotografías se repiten, y provienen de algún lugar profundo del cerebro del artista, donde se juega todo. La percepción primera, es la emoción, luego la intención y finalmente el gesto. Está claro que el autor quiere “sentir la vida”: la ha visto oscura, y en lo profundo de esta oscuridad él quiere capturar la esencia de las cosas y de sus almas. Es algo similar a una secuencia de imágenes que se articulan como un aliento febril, tal como Myles Sanko hace al cantar “Promises”. «Somewhere», 2019, 352 p., 59 € h https://www.editionsdejuillet.com/


ODA A LA NATURALEZA ¡SOBERBIA Y DE COLOR SUAVE! El nuevo libro de Israel Ariño ha salido y es una obra diferente estéticamente, un cruce de caminos en su trayectoria editorial y fotográfica. A través del prisma de las estaciones, Ariño provoca que oscilen las capas de nuestra memoria desde lugares donde hay reconocimiento geográfico pero también la pérdida de puntos de referencia temporales. Sus imágenes cuestionan el pasado mientras reflexionan sobre el futuro y ofrecen una especie de área zen para recapacitar sobre si mismo.

El toque del color añadido es aquí un elemento de metamorfosis a veces malicioso, que nos lleva a cuestionar

nuestra percepción del territorio, de las situaciones encontradas. El color prolonga la realidad, empujándola, estimulándola, haciéndola poética hasta la fantasía. El inicio del libro es muy potente; no sabemos donde entramos.

Desde la portada, y pasando por las tres primeras imágenes, el lector puede llegar a pensar que lee un libro de poesía japonés, o textos de Nabokov, Sylvia Plath o Julien Gracq. Después llega a un árbol desnudo en el invierno de la Picardía. ¡Ah de este árbol y de este camino! Es un libro lleno de gracia y delicadeza -hay que mirar la textura de la portada con sus arrugas tiernas, sus rayas y raíces, donde la naturaleza es soberbia, los colores son muy suaves -recuerdan a los autocromos-, y tanto las composiciones como los encuadres están llenos de

Foto de cover:©Jean-Charles Brognez Foto de primera: © Maria Munzi © Stéphane Mahé Global Grisart es una publicacion de Grisart Escola Internacional de Fotografia, C/ Méndez Núñez, 14 · 08003 Barcelona. Director: Albert Gusi - Coordinador: Jean-Matthieu Gosselin Textos: Jean-Matthieu Gosselin; Rafa Badia ; Mia Tepelea; Camilia Garcia; Oliver de Ros; Anna Bayo Duran; Ivan Ferreres Pujol; Comunicación Grisart; Ullic Narducci; Alex Canales; Maria Sintonen; Irene Royo; Marta Seyes; Matteo Giulania;Jean-Charles Brognez; Stéphane Mahé Entrevista: de Irene Royo y Maria Sintonen; Archivos: Ivan Ferreres Pujol - Mail: GlobalGrisart@grisart.com

sorpresas. Con Israel Ariño nos acercamos al hecho de que el acto creativo puede ser extremadamente humilde y cariñoso con la Naturaleza. JMG

“Voyage au pays du Clermontois”, 120 p., Ed. Anomalas, 35,00 €

Para contactar con los autores y fotógrafos:

fotoeditoriazl agusi@grisart.com ;

jcbrognez@gmail.com; www.mariamunzi.com; sramirez@grisart.com; rbadia@grisart.com; @Oliverderos ; https://es.linkedin.com/in/anna-bayo; www.ivanferreres.com ; www.jmgosselin.com; @lasfotos_dealex; @maria.sintonen; www.nathalievigini.com; www.ullicnarducci.com; @ireneroyo; @matteogiulana_; @stephane_mahe_; @editionsdejuillet; @edicionesanomalas; @livrariamadalena; ateliefotoeditorial; @ editionsb2


© Grisart

© Jmg

PANORÀMIC 2019

ESTE TERCER AÑO DE PANORÀMIC, el festival de fotografía, cine y nuevos medios audiovisuales, el más completo en Europa, se centra sobre nuestro satélite preferido: la Luna, mirándola y analizándola desde todos los ángulos posibles. Debido a incidencias motivadas por lo que pasa en Cataluña, el festival tuvo turbulencias, pero el público finalmente pudo asistir. El resultado fue espectacular fruto de un gran trabajo realizado por el equipo de la escuela Grisart y Albert Gusi. El Viernes 24 de octubre unos cincuenta alumnos de la escuela visitaron Panoràmic. Hubo charlas de presentaciones de Albert Gusi y Laia Casanova. Se visitaron la legendaria “The Afronauts” de Cristina de Middel; el “Space Dogs” de Martin Parr; y la muestra-performance “Transelenita”, (hip-

nótica y antropológica con sus instalaciones electrónicas y digitales), y los comentarios del artista Marcel-li Antunez. También se visitó “La luna desde el complejo espacial de Robledo de Chaverla” en el museo de Ciencias Naturales de la ciudad; y la exposición “Las lunas en la astronomía: representaciones desde 1610 hasta 1910”, con una charla de gran calidad histórica y filosófica de la curadora Lourdes Delgado... No hay que olvidar tampoco el placer que supuso la muestra de alto nivel de fotolibros organizada por Llaria Campioli... Es fascinante salir de la Tierra mirando hacia el espacio, deteniéndose un rato en la Luna, JMG


En los últimos años, el artista visual Stéphane Mahé ha recurrido a la «fotografía de autor», origen de su primera colaboración con las Editions de Juillet y Arnaud Le Gouëfflec para el libro «Terminus SaintMalo» en la colección «Villes mobiles». La aventura fotográfica ha continuado con la serie y el libro «Somewhere».

LIBRE OPINIÓN DE STÉPHANE MAHÉ La foto es una aventura sin un final del camino

Vengo de la nada en fotografía, sin ninguna fuente familiar que esté estrecha o remotamente vinculada o conectada a este medio... Por curioso que pueda parecer, descubrí la foto tardíamente, y mi pasión por este medio se ha desarrollado con el tiempo. Lo digital me dio el deseo y me permitió atreverme a fotografiar... Desde entonces, estoy en continuo aprendizaje ... Para mí, la foto es: - la llamada del mar abierto, - la aventura sin final del camino, - la reunión con el otro, - el (re)descubrimiento de territorios conocidos o desconocidos,

En fin, todo es posible ... Paralelamente, las nociones de acercamiento, de escritura fotográfica me acompañan, y me recuerdan el requisito de la coherencia. Me alimento de todo lo que me rodea, sin un control real de lo que me implica a mí... incluso si me digo a mí mismo que todo influye desde el momento de la toma hasta el revelado... Es, de otra manera, un resumen de mi historia que retorna a través de los pequeños toques, las acciones, en cada una de mis fotos. La emoción vinculada a mi sensibilidad guía mi deseo de aprovechar un momento. Estoy buscando esos instantes donde la magia funciona y todo parece estar en armonía. Con

esto no siempre se ofrece una foto de alto nivel, pero, aunque sólo sea por este momento especial, vale la pena echarle un vistazo... Es decir, hacerlo. Llega el momento del revelado digital. Es de igual importancia, porque es el cara a cara con el negativo digital, la fase en el que trituro, amaso y dejo descansar a la imagen. Es cuando de nuevo empiezo a mantener sólo lo que a mi me parece esencial. Con el desarrollo final del fichero, se certifica el nacimiento de la foto. ¡La foto puede tener una o más vidas! Stephane Mahé

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Global Grisart Nº 7  

LA REVISTA DE LOS ALUMNOS Y AMIGOS DE GRISART ESCUELA INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA

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