Global Grisart Nº 21 by Grisart Escola Internacional de Fotografia

GLOBAL GRISART

MAYO DE 2022

LA REVISTA DE LOS ALUMNOS Y AMIGOS DE GRISART ESCUELA INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA

SUMARIO

EDITORIAL

EDITORIAL TITULAR IMÁGENES Y PONER PIES DE FOTO “VEO, VEO... ¿QUÉ VES?”, Elena Ramírez “GRISART: THE FUTURE OF PICTURE LEARNING”, Jean-Matthieu Gosselin NACIONAL PERDIDA DEL PASADO, Esteban Burillo de Sande LOS INSECTOS QUE TODOS LLEVAMOS ADENTRO, Irene Monteagudo Tudela “BEHAVE”: «¿Se debe definir la identidad?», Marina Plana EL CONCURSO: “HOLIDAYS”: resultados

EXPOS, FOTOLIBROS Y EXCELENCIA LIBRE OPINIÓN DE PASCAL BOIS

©Irene Monteagudo

EXPOSICIÓN DE DUMMIES OF THE FOTOBOOKFESTIVAL KASSEL 2022

Los NFT (tokens no fungibles) han sido poco utilizados por los fotógrafos en los últimos años. La locura por estos ha empezado recientemente. ¡Pero con muchas preguntas! Al garantizar la autenticidad de las obras digitales, las NFT están en camino de conquistar el mercado de la fotografía artística. Además, los precios de ventas de NFT han alcanzado alturas increíbles. E incluso artistas como Beeple, Pak, Daniel Arsham o Grimes -hasta entonces desconocidoshan subido en vida a los peldaños más altos de la fotografía. El hecho es que muchos fotógrafos siguen dudando, por falta de conocimiento o comprensión de los mecanismos. En resumen, un NFT es un token criptográfico, es decir, un identificador digital que utiliza tecnología blockchain. Este token permite autentificar un objeto digital como una imagen mientras que la blockchain constituye una base de datos distribuida, es decir, un registro digital administrado por varios usuarios y cuya función es enumerar y asegurar las transacciones entre usuarios... La fuerza del sistema NFT es el uso de la blockchain; lo que significa un acuerdo unánime sobre el contenido de los datos y los procesos de vinculación entre ellos.

Hasta ahora algunos grandes nombres vendían alguna foto aquí o allá. Hoy hemos llegado a un estado de cuasi-industrialización: por ejemplo, el rey de los paparazzi franceses, Daniel Angeli, lanza su primera colección NFT de fotografías. 500 tomas de antología vendidas bajo el tema “Riviera francesa” con motivo del 75º Festival de Cine de Cannes; Yann Arthus-Bertrand ha puesto a la venta el 15 de abril un NFT en beneficio de Ucrania; el fotógrafo Neil Zlozower está vendiendo NFT de retratos de estrellas de rock en línea; en abril los representantes del Karl Lagerfeld transfirieron cientos de miles de catálogos de imágenes a la blockchain. En otro ámbito, Associated Press ha anunciado el lanzamiento de su propio mercado NFT, destinado a albergar sus archivos fotográficos... A medida que continúa el “boom de NFT” y que el metaverso se expande y que surgen nuevas formas de uso, el mundo de la fotografía continuará enfrentándose a reacciones de miedo. En todo caso hay que repetir a los fotógrafos que siguan haciendo lo que mejor saben hacer: ser creativos y erigir imágenes. Jean-Matthieu Gosselin

©Lucas Sánchez

TITULAR IMÁGENES Y PONER PIES DE FOTO Contextualizar, conectar, bromear, poetizar

©Rafa Badia

Verbo y foto, han sido el ejemplo de una dilatada convivencia, muchas veces espinosa y tormentosa, pero siempre productiva y, sobre todo, apasionante. Con demasiada frecuencia el pie de foto, la leyenda, y el título de una foto solo se utiliza para dar una indicación simple y, a menudo, parcial: el nombre de las personas que aparecen en la imagen, o la descripción del objeto o del monumento, y/o la fecha y, posiblemente, la ubicación. ¡Punto final! Luego pasamos a la siguiente foto sin que realmente exista un vínculo entre las fotos, del modo de ser nombradas. ¡Así el pie de foto está triste, como una etiqueta!

©Henri CartieBresson

“Barcelona”, 1997, Rafa Badia.

“Les jambes de Martine”, 1967, Henri-Cartier-Bresson.

¿Por qué no dar más importancia al pie de foto o al titulo, más poesía, o un toque poético, o un corte de “reportaje” de realidad? En cualquier caso, se merece algo mejor que el papel de un simple subtítulo de nivel 3 o 4. Es una excelente manera de hacer que las fotos sean más vivas, más atractivas, más en armonía con la narración. Son un conjunto del “agregado gráfico” editado o expuesto... Nancy Newhall decía: “Una frase puede iluminar de repente una fotografía en una dirección hasta ahora insospechada”. Muchas veces el pie de foto conduce a una ampliación atemporal, la imagen se convierte en un símbolo mucho más grande que la idea concebida por el fotógrafo, y muchas veces el híbrido, foto y pie de foto, ya sea en reportaje, en el documental o el la foto de arte, se suma en un todo simbólico que va

“Who’s in charge here?”, G. Gardner

©Gerald Gardner

sencillamente con “el lugar y el día o el año”. El problema es que las fotos se multiplican y que ahora, más que nunca, es necesario proponer pies de fotos. Henri Cartier Bresson colocó en el reverso de sus fotos un sello que decía lo siguiente: “Solo se podrá reproducir esta fotografía respetando el espíritu de su leyenda” esto permite señalar cuánto de importante es la mezcla de foto y pie de foto. No olvidemos que Eugène Smith se despidió de la revista “Life” porque consideraba que no se respetaban sus pies de fotos y el encuadre de sus imágenes. La fuerza y el poder de la palabra han sido desarrollados por Michel Foucault en su obra “Las palabras y las cosas”, estudio sobre las palabras y las ciencias humanas. En ella el filósofo postula que el discurso crea epistemología: que las palabras crean las condiciones del conocimiento. Es este sentido, el pie de foto no solo tiene la capacidad de representar algo de más para la imagen mediante signos del mundo real, conformado por cosas, objetos, pero también por metáforas,

intuiciones, y poesía, y de evocarlos a través del “verbo”, para al final hacerlos suyos: les da más que simplemente un sentido, para luego acabar por ofrecer un concepto global, una idea. A la diferencia del pie de foto, o de la leyenda en la foto de reportaje propia del documental o el álbum familiar, en fotografía de arte debemos preguntarnos: ¿el título de una fotografía debe ser un complemento, un extracto de lo que se muestra, de lo que nos inspira la imagen; o simplemente una breve y directa definición de la captura, una extensión del contexto, o bien una apertura para ir mas allá? En todo caso, para este tipo de foto hay que elegir un título atrayente, seductor, con fuerza, sencillo, poéti-

©James Nachtwey

a través de la posteridad, como sucedió con “La chica con flor” de Marc Riboud, una foto tomada durante las manifestaciones contra la guerra de Vietnam en Washington, en 1967. El conjunto se ha convertido en una especie de icono por la paz. Henri Cartier Bresson declaraba que el fotógrafo debe llevar su cuaderno (cualquiera que sea el soporte) “en una doble forma: imagen y texto”, porque el pie de foto es explicativo de la producción y la sitúa. Y si en pintura el título precedía al primer trazo de lápiz, salvo en algunos raros pintores como Gauguin, con la fotografía los textos de los pies de fotos cambian mucho durante el proceso. Se da un primero titulo a la foto, un primer pie de foto, que es un boceto. Seguirán otros, que también podrían ser un momento fruto de terceras personas como los secretarios de redacción de periódicos o revistas, o los directores de agencias fotográficas. Hoy los propios autores deciden el título/pie de foto y, en palabras de los directores de agencia, se olvidan o simplemente se quedan

“Hombre de Ruanda con la cara mutilada en un hospital de la Cruz Roja”, James Nachtwey, 1995, Premio World Press Photo.

©Marc Riboud

“La chica con flor”, 1967, Marc Riboud co y que sea breve en lectura. Suele haber diferentes tipos de pies de foto: - El pie de fotos o titulo “etiqueta”: simplemente designamos a la persona o personas, o el objeto, que aparecen en la foto, la fecha ya veces el lugar; como Rafa Badia en “Años de Plata”. - El pie de foto 5w: al igual que en el periodismo, la imagen en muchos casos incluye el quién, qué, dónde, cuándo y por qué. - El pie de foto “anécdota”: ¡La fotografía también tiene su propia historia que podemos revelar en un pie de foto! El texto cuenta una historia corta y en ocasiones toma al lector como cómplice e instala una cierta intimidad entre el autor y el lector o espectador como en “Les jambes de Martine” de Henri Cartier-Bresson. - El pie de foto o titulo “descubrimiento”: solicitamos la imaginación del lector y satisfacemos su curiosidad mostrándole algo invisible, un elemento que no aparece en la foto pero que la imagen puede sugerir. Aquí se usa palabras simbólicas y/o metafóricas. Muchas veces es un texto poético o una palabra corta, como en muchas obras de Ouka Leele como en la serie “Peluquería”.

- El pie de foto o titulo “cita”: se usa una cita de autor, un titulo de película de canción, de un libro para que la memoria se vincule con un hecho o un sentimiento conocido ya. O bien se puede utilizar poemas, como Manuel Navia en “Alma-Terra”. - El pie de foto puede ser un poema de autor/fotógrafo incluso un texto poético, como los trípticos de Luis González Palma en su obra “Los huesos del agua”. - El pie de foto “en el hilo de la historia”: ”: es cuando el pie de foto se encaja en la historia y puede continuar desde pie de foto hasta el siguiente pie de foto. O incluso más complicado: el pie de foto sigue el texto y esté continuara después del pie de foto. Obviamente, aunque compleja, esta técnica tiene fuerza. - Un poco de la misma manera se puede hacer pies de fotos con “palabras de los sujetos fotografiados”: Dorothe Lange y Paul Taylor en “An American exodus”, publicaban como pies de fotos palabras oídas de gente al momento de la cita. ¡Es muy potente! - El pie de fotos puede usar bromas, un cambio de contexto, etc. Es cambiar totalmente el sentido original de la imagen”: es el caso en la publicidad, o en trabajo sobre la imagen como en algunas

obras de Fontcuberta, donde es necesario enfocare totalmente en el libro o las exposiciones para no perder el hilo y no caer en las treguas. También puede ser un titulo pregunta como con Yuki Onodera y su “El undécimo dedo, No. 4”. - A veces podemos usar “bocadillos” como en dibujos animados, o cómics. Era la moda en los años 50 con obras famosas, por ejemplo el libro de Gerald Gardner “Who is in charge here ?” - En ocasiones el pie de foto como el titulo puede estar dentro de la propia imagen como un anuncio en una pared, un epitafio en una tumba, o un objeto publicitario con un texto, como es el caso de “La mujer ciega en New York, 1915” de Paul Strand, el cartel que lleva la mujer “Ciega” en carácteres grandes otorga un poder excepcional en la imagen. - El pie de fotos puede ser escrito en cursivo manualmente”: como lo hice Duane Michals. Las secuencias de fotos de Michals, subtituladas por él, cuentan historias. Irónico a menudo, ya veces feroz. - Queda la solución: “Sin titulo” y numero. En esta presentación hemos analizado el título y el pie de foto para todos los tipos de género fotográfico. La definición

©Ouka-Leele

“Consuelo”, 1981, Ouka-Leele

Al escribir pies de foto, cabe recordar los siguientes puntos: - Indicar la fecha y el lugar siempre que sea posible, al menos en el inicio de la serie si se está haciendo una narración. Si no sabe la fecha exacta, o no puede decirla, quédese con el año. Este dato es importante. - Simplificar el texto eliminando descripciones innecesarias. No use demasiados adverbios. Pongamos un ejemplo, si el cielo es gris en la foto y molesta, no hace falta decir que el cielo es gris. Hable sobre “un otoño brumoso” en su lugar. Si el sujeto está sonriendo, no digas “retrato sonriente” sino “Momento brillante de vida”, el lector verá que es un hombre o una mujer. - Si te escribe una historia en prime-

“Letter From my Father”, 1960-1975, Duane Michals. mera persona escriba los subtítulos en primera persona. Si está redactado en tercera persona, hay que mantener la tercera persona durante todo el texto. Obviamente, las fotos escritas en primera persona suelen estar vivas, como las fotos de de Duane Michels. - Un pie de foto no debe empezar con las palabras: “un”, “una”, “unos”, “unas”, “el”, “la”, “los” o “las”. Estas palabras son demasiado básicas y ocupan un espacio valioso cuando no son necesarias. Por ejemplo, en lugar de decir “una paloma blanca en el cielo azur de Barcelona”, escriba por ejemplo “Paloma volando en alturas de BCN” (además es más corto). - En una foto de familia no intente poner todos los nombres de grupo; mejor una fórmula como: “La familia reunida alrededor de Tío Pedro y Tía Lidia”. En un reportaje fotográfico es diferente, debe anotarse todos los presentes (excepto en una foto de grupo desorde-

nada). Se puede usar el famoso: “de izquierda a derecha, en primera fila...etc.”

©Yuki Onodera

Roland Barthes, uno de los principales representantes del estructuralismo y la semiología de la imagen, recalca la importancia del pie de foto y lo define positivamente con una definición negativa: “Es un mensaje parásito, destinado a connotar la imagen, es decir, a insuflarle uno o varios significados secundarios. En otras palabras, esto representa un vuelco histórico importante, porque la imagen ya no ilustra la palabra; es la palabra la que, estructuralmente, es parásita de la imagen”. Por lo tanto, es tan importante el pie de foto que Walter Benjamin en “Pequeña historia de la fotografía” escribía: “Debe intervenir la leyenda, que incorpora a la fotografía en la literaturalización de todas las relaciones de la vida, y sin la cual toda construcción fotográfica se queda en aproximaciones”

©Duane Michals

general dice que el pie de foto o leyenda es “el texto que aparece en los periódicos, gacetas, magazines, libros junto a las fotografías, que tiene como objetivo anclar un sentido concreto para cada imagen”. Esta leyenda puede tener distintos párrafos o manifestar una idea en tres o cuatro palabras solamente. Aquí hay una disputa: según el género o son los fotógrafos (foto de arte, documental) quienes los escriben o bien son los editores gráficos, los redactores o los encargados de maquetar la foto (y no los propios fotógrafos hasta los últimos años) quienes los redactan.

“El undécimo dedo, No. 4”, 2006 Yuki Onodera.

©Israel Ariõ

“Voyage en pays du Clermontois 01”, 2019, Israel Ariño

un complemento, es una creación en sí. El conjunto texto-foto crea una mecánica de interacciones; ¡por todo esto hay que prestar gran atencion a la calidad de la redacción del pie de fotos! «La cámara es tan capaz de mentir como la máquina de escribir » Bertolt Brecht Jean-Matthieu Gosselin

©Alfredo Jarr

Jaume Plensa en su trabajo sobre la palabra dice: “Las letras, que en sí mismas no son nada, acaban formando pa-

labras, y con éstas se elaboran textos que al final, conforman toda una cultura”. El texto no tiene una simple función de elucidación, sino que dispone de sentidos que no se encuentran en la imagen; y con un buen titulo o pie de foto es importante que no se dupliquen ciertas informaciones entre la imagen y el texto por un fenómeno de redundancia. El texto de una leyenda, que no es

“Cultura = Capital”, 2012, Alfredo Jarr

©Saul Leiter

A través de los pies de fotos transcurren las épocas, por supuesto, pero también se transparenta el alma del fotógrafo, un estilo literario, un estilo gráfico, un gusto, a veces un juicio de valores, datos sociológicos o poesía.

“Phone call”, 1957, Saul Leiter

©Elena Ramirez

VEO, VEO... ¿QUÉ VES? «La identidad como un combate a dos»

©Elena Ramirez

« Si de los tres centros vitales —emocional, mental y visceral— existe en todo individuo uno que actúa como guía y motor y nos lleva a procesar la realidad de una manera determinada, ése es en mi caso, el mental.»» Elena Ramírez

Elena Ramírez es graduada en Historia del Arte y alumna del Itinerario Técnico de la escuela Grisart. Combina imagen y relato para hacer de la fotografía una experiencia inmersiva. En esta ocasión, expresa cómo se ve y cómo la ven mediante dos autorretratos en un ejercicio de introspección en el que habla de raíces invisibles y asientos que no tocan el suelo.

cartografía del cuerpo familiar dañada que me tomó años acabar de mapear y estudiar. Desagregar parte por parte el organismo de estas mujeres para entender cómo funcionaba; yo, que me creía tan distinta a ellas, y me di de bruces con la realidad.

Soy todas las mujeres de mi familia

Análisis de la imagen

Soy mi madre y mi abuela Ana, y de la madre de mi padre soy su cuerpo en otras carnes. Soy el miedo de la primera y la melancolía de la segunda. De la tercera, soy robusta como madera de olivo. «Esta espalda es mía», decía.

Al plantear la composición de este autorretrato quise tratar el tema de las raíces en la línea de lo relatado de una manera simbólica. La herencia genética, el proceso por el cual la información genética se transmite de padres a hijos, algo inherente al individuo y que para bien o para mal nos acompaña a lo largo de nuestra vida.

De las tres, soy la pena que se sufre en silencio. Una pena que se presupone de naturaleza orgánica. Esto es, una simiente que guarda relación con la predisposición genética, y que se siembra en nuestro interior atacando al estómago —en el caso de la primera—, la columna vertebral —en el caso de la segunda—, y al pecho —en el caso de de la tercera—. Una especie de

«Soy todas las mujeres de mi familia. Porque he sido niña y he sido columna. Porque soy mujer y soy cariátide».

A primera vista, el observador podría fijarse en la peineta, que además se enfatiza mediante la sombra proyectada en la pared. Lo introduje a modo de pista «rápida» para facilitar el ligamen del sujeto —en

este caso yo misma— con la cultura andaluza. Pues comúnmente se conoce que el uso de este ornamento es muy habitual en algunas zonas de España en contextos como bodas, bautizos, procesiones de Semana Santa y otros espectáculos tradicionales como los de música flamenca o copla. La indumentaria se acompaña de un faldón negro largo, al estilo de las mantillas, para que esta caracterización, por más que ficticia, no acabe de desentonar. Como es obvio, mi intención no es reproducir esta apariencia en un sentido folclórico, pues me sirve de pretexto para incluir este nexo en común con «todas las mujeres de mi familia», las cuales nacieron en Jaén. Además, esta era la peineta de soltera de Ana, mi abuela materna. Y está colocada en la habitación de mi madre —localización de la foto— sobre tres pequeñas peinetas enmarcadas que ella misma le regaló cuando éramos niñas, en representación de cada cual. No puedo negar, sin embargo, que estas raíces andaluzas tienen un peso importante para mí. En los últimos años me han motivado a interesarme tanto por mi historia familiar en el contexto de las inmigraciones procedentes de otras regiones de habla no catalana durante los años 50 y 70, como por los recientes estudios y debates sobre la cultura charnega, la identidad popular y el orgullo y prejuicio de ser «mestizo» en Cataluña. Junto a mí se encuentra el olivo de mi madre, segundo elemento simbólico. El olivo, característico de la provincia de Jaén por ser esta la región donde se concentra la mayor parte de cultivo de la aceituna en el mundo, representa la reconciliación y la sanación. Es también un símbolo de resistencia: puede vivir hasta 2000 años porque es capaz de soportar condiciones muy adversas y sus hojas se renuevan constantemente. Con ello, quise establecer una metáfora entre la firmeza y la perseverancia frente a la adversidad, frente a aquello contra lo que no podemos luchar: nuestra condición natural. No son pocas las veces las que me he reconocido en el tronco de este árbol: retorcido y nudoso, y duro. Muy duro. Por su parte, la longevidad del olivo me remite a lo ancestral y a la ya mencionada herencia genética.

Finalmente, las luces y sombras que acaban de dar sentido a la foto. La clave baja capta la oscuridad en la que nos sentimos en medio de la abulia, el temor y la incertidumbre. ¿Puedo salir ya o todavía es un desierto? La ventana, dividida en tres, representa estas tres generaciones de todas las mujeres de mi familia que soy, de todas las madres que somos. Donde mi silueta se diluye y se muestra cautiva de una genética que siente como una condena. Y al final, la luz. La oportunidad de encarrilar las sucesivas generaciones de mujeres que vendrán: a ellas no les diremos de qué está hecho el miedo. Ya tiene asiento Pregunté a algunas de las personas de mi alrededor cuáles son los adjetivos que me definen. Lo cierto es que reducir la esencia de alguien a palabras es una tarea complicada en la que se obvian muchos matices. Sin embargo, pude llegar a entender todas y cada una de las respuestas, y aunar en este autorretrato aquellas que me parecían más genuinas: «caótica», «inquieta», «analítica», «chistosa», «dual», «autoexigente», «perfeccionista», «complicada» e «insegura». Si de los tres centros vitales —emocional, mental y visceral— existe en todo individuo uno que actúa como guía y motor y nos lleva a procesar la realidad de una manera determinada, ese es en mi caso el mental. A menudo, congeniar lo caótico con la autoexigencia y la inseguridad puede ser un auténtico atolladero. Una suerte de espectáculo que exige a mis allegados cultivar una paciencia de campeonato. También sucede así con la inquietud, lo analítico y lo chistoso. O con cualquiera de las combinaciones habidas y por haber en este espectro pensante. Nada me parecía más explícito —a diferencia del autorretrato anterior, mucho más conceptual— que representar cómo se conjuga ese exceso de actividad mental con el resto de los rasgos que me definen por medio del movimiento. El movimiento única y exclusivamente en mi cabeza, enfatizando así esa sensación de desequilibrio entre el cuerpo y la mente. El desorden fruto del movimiento sigue en el

tirante caído de un vestido de patrón geométrico, que también desprende viveza y agitación desde lo estático de la tela.Sin embargo, la silla es un elemento de contención. Un elemento que me obliga a reposar al menos —y con resistencia— uno de los pies sobre el suelo. Descalza, libre. Pero sin refrenarme, haciendo las cosas a mi manera y con una posición desenfadada porque soy un culo de mal asiento. Lo soy para mí y lo soy para los demás también. «No puedo detenerme, perdonad, tengo prisa, soy un río de fuerza, si me detengo moriré ahogada en mi propio remanso». (Gloria Fuertes)

La luz es cálida y suave e intenta ser una estrategia para contrarrestar la sensación y presencia corporal, algo más dura e inestable, frente al resto de la composición. El ángulo de la composición huye de la frontalidad; me interesaba ampliar ligeramente la sensación espacial dando a intuir una segunda pared, en la que se ubica la ventana de donde proviene esta luz que proyecta una especie de triángulo en el que se inserta mi cuerpo. Al mismo tiempo, quería que la verticalidad de las dos líneas a la derecha marcasen en la imagen una sensación de firmeza para que la composición ganase una sensación de «caos ordenado» al enlazarse estas y las otras líneas horizontales de las juntas. A la par, estas dos líneas verticales pretenden ser simbólicas en tanto a esa exigencia y perfeccionismo entre el desorden. Me parece interesante asimismo que la mayoría de la información se concentre en el lado derecho de la imagen, lugar al que conduce la agitación de la cabeza. En última instancia, indicar que la fotógrafa de referencia que he empleado para componer este autorretrato es Francesca Woodman. El título se trata de una metáfora que a su vez juega con este elemento de contención que decíamos que es la silla, el asiento, y el hecho de asentar cabeza: recuperar el juicio y la razón que aparentemente no se tiene al ser la persona caótica que ven en mí. Elena Ramírez Fotógrafa

©Elena Ramirez

©Jmg

GRISART: THE FUTURE OF PICTURE LEARNING «Desarrollar la curiosidad, la reflexión y la creatividad»

©Jmge

“Grisart forma a más de 200 alumnos cada año, ofreciendo los últimos avances de la tecnología, de la narrativa y de la imagen”

Grisart Escola Internacional de Fotografia es un centro privado dedicado desde 1985 a la docencia exclusiva de la Fotografia, con dos principios educativos fundamentales: asegurar una solida y completa formación fotográfica a todos los alumnos y alumnas, adaptada a los cambios tecnológicos actuales; y fomentar un entorno en el que se apoye y estimule su creatividad mediante fotos, fotolibros, exposiciones, videos, nuevos medios... El gran curador francés Pierre Rosenberg dice que «aprender a ver es una enseñanza de la misma naturaleza que aprender a leer»; esta reflexión es la base de la enseñanza de Grisart. Para realizar esto, Grisart cuenta con: - Una amplia oferta formativa: «Plan de Estudios de dos años de Cursos Profesionales», «Cursos Especializados», «Cursos de Iniciación à la fotografía», «clase online» y «One to one»... - Una enseñanza fundada en el conocimiento y el uso de todas las tecnologías digitales. - Una metodología teórico-práctica muy dinámica qué estimula la participación y el trabajo del alumno asiduo.

- Un equipo de Profesores formado por reconocidos profesionales de la fotografía y la docencia. Profesores artistas venidos de muchos ámbitos y trabajando en varios países, porque la experiencia sigue siendo la mejor lección y porque, para Grisart, el valor del ejemplo es insustituible. - Unas instalaciones modernas ofrecidas a los alumnos y alumnas. - Una convocatoria de becas anuales para la formación. - Una sala de exposiciones, con un ritmo anual de 4 y hasta 6 exposiciones de alumnos y alumnas. Un programa de Actividades Paralelas (conferencias, visitas concertadas un Centros de arte, encuentros con Fotógrafos, presencia en ferias como Arles, una revista “Global Grisart” enviada a 5.500 socios ...) - Una biblioteca de fotolibros muy amplia, con obras de varias épocas, géneros, países, para que la gente se enfrente a la cultura visual, al diseño, al texto, y descubra varios mundos fotográficos. Y también, obviamente, para que desvelen miles y miles de imágenes. - Grisart es la organizadora del festival Panoràmic. Como escuela, desde hace mucho tiempo ha optado por ofrecer a

sus alumnos y exalumnos, así como a todo el público en general, un proyecto educativo y formativo de calidad, que pasa también por asociación como la de Panoràmic una apuesta cultural internacional de primer orden. Con todo eso, la voluntad de Grisart es proyectarse en el mundo cultural internacional a través la creatividad. Proponemos en estas paginas del Numéro 21 de Global Grisart un reportaje hecho en el marco del trabajo de la clase de fotografía documental, reportaje y proyectos multimedias 2021-2022 impartida por Rafa Badia y Alfons Rodríguez. En él se presta atención a la idiosincrasia del lugar de aprendizaje, la tipología de la gente, los aspectos de los grupos, la arquitectura y, por supuesto, a los «paisajes internos», a todo aquello que se puede aprender por y a través de la cámara fotográfica. Esta crónica visual va sobre los detalles de la escuela: vidas cotidianas, clases, momentos de soledad, aprendizajes variados, rincones y recovecos. En Grisart se considera, como Albert Einstein, que “La enseñanza debe ser así: quien la recibe la recoge como un don inestimable, pero nunca como una dolorosa coacción”. JMG

©Jean-Matthieu Gosselin

©Jean-Matthieu Gosselin ©Jean-Matthieu Gosselin

©Jean-Matthieu Gosselin

©Jean-Matthieu Gosselin ©Jean-Matthieu Gosselin

©Jean-Matthieu Gosselin

ESTEBAN BURILLO DE SANDE (2021-2022)

NACIONAL PERDIDA DEL PASADO

©Esteban Burillo de sande

Entre la melancolía y la ansiedad

Desde casi 20 años hay vías rápidas a cuatro pistas y hay autopistas para descender desde el norte desde la frontera franco-española hasta Andalucía. Para los veraneantes con prisa, la Nacional ya no es necesariamente la primera opción de itinerario. ¡Es obvio que no! Algunas partes ya no existen, o apenas existen en los mapas de carreteras: lugares abandonados, viejas estaciones de servicio, algunas tiendas antiguas y, a veces, nuevas estaciones de servicio multi-servicio

en los cruces de carreteras con autopistas. También restos de vehículos y coches tuneados... Me esforcé en documentar, en el marco del trabajo de la clase de fotografía documental, reportaje y proyectos multimedias 2021-2022 impartida por Rafa Badia y Alfons Rodríguez, más que los centros urbanos o la eternidad de las postales de los paisajes de verano, aquellos intersticios de la memoria perdida de la carretera, sus pliegues olvidados, estos pueblos y estos caminos por donde antaño pasaron miles personas, los variados

trabajadores de estas vías con dos carriles, como la N 340 que empieza en Almería. Esta Nacional perdió su glamur, sufrió diversas formas de desvalorización; hoy en ella se cruzan distintos distritos, lugares kitsch y todos tipo de coches. Hay una melancolía, una tristeza humanista al fotografiar este abandono, este vacío de espacios intersticiales. No queremos encariñarnos, eso fue ayer, y sin embargo también es hoy. Esteban Burillo de sande

©Esteban Burillo de sande

©Esteban Burillo de sande ©Esteban Burillo de sande

©Esteban Burillo de sande

©Esteban Burillo de sande ©Esteban Burillo de sande

Fotos de mi viaje en el tiempo

Hoy en día “carretera y manta“ hace alusión al hecho de emprender un viaje de forma inminente, un viaje sin demasiados preparativos. La manta siempre fue la capa de los pobres y era una temeridad emprender un viaje sin ella. La manta fue fiel compañera de los viajeros españoles durante siglos pasados e igual hacia las funciones de cama, como protegía de las inclemencias meteorológicas, hacia de mantel improvisado o incluso de salvaguarda en alguna riña. Así es este “ensayo”, un viaje precipitado que me ha llevado a conducir cerca de 10.000 kms durante los fines de semana de Enero y Febrero del 2022. Me he visto cruzando el litoral español por la N-340 y decenas de carreteras secundarias a lo largo y ancho de la geografía estatal.

He descubierto un país a veces extraño, en el que incluso, en alguna ocasión he tenido que afinar el oído para intentar entender que extraña versión del castellano hablaban aquellas personas que me rodeaban. He visto la España vaciada que solo conocía por las fotografía de Jose Manuel Navia y otras muchas Españas más. He perdido los papeles discutiendo con el GPS de mi coche y me he perdido muchas veces tanto en el camino como en el proyecto. Y perderme ha sido lo mejor que me ha pasado en este viaje... A veces es necesario perderse para volverse a encontrar, y así fue como un día en medio de la nada del desierto de Tabernas en Almería decidí que iba a dedicar a este proyecto el tiempo que se merece, pues si algo tengo meridianamente claro, es que los grandes proyectos necesitan tiempo. Mi idea inicial era sustentar este ensayo en mis recuerdos de niño, cuando nos embarcábamos en un Renault 18 sin aire acondicionado ni climati-

zador en un viaje infernal hacia Salobreña. La mayor parte del viaje transcurría por la N-340 que asienta su trazado sobre el que fuera de la Via Augusta romana. Y transcurría entre peleas con mis hermanastros en el asiento de atrás, para desesperación de mi madre y su pareja. Y entre el Angelitos Negros de Antonio Machín y otros clásicos del folclore español, que sonaban en modo autoreverse para desesperación de los ocupantes del asiento de atrás Durante estos días he intentado capturar esos lugares decadentes que aún hoy en día hoy son capaces de arrojarte varias décadas atrás en el tiempo. Lugares en los que el reloj parece haberse detenido ... ¡Y ahora vayamos a la gasolinera, repostemos el automóvil, para emprender el viaje de regreso!

Esteban Burillo de sande

©Esteban Burillo de sande

CARRETERA-MANTA

IRENE MONTEAGUDO TUDELA (2021-2022)

©Irene Monteagudo

LOS INSECTOS QUE TODOS LLEVAMOS ADENTRO

Presentamos aquí el trabajo de Irene Monteagudo Tudela, Beca 2022, labor realizada en «clase de Toma de Itinerario Técnico 2022». En esta entrevista, ella presenta su trabajo, su recorrido y su proceso. 1-¿Qué te ha llevado a hacer este proyecto y no otro? La lectura de la novela breve «La metamorfosis» de F. Kafka me ha ayudado a centrar la historia que quería contar a través de las fotografías: mi último año de una carrera en la que yo no veía mucho futuro, trastornado además por la pandemia, sin motivaciones y hundida en la incertidumbre. Decidí ampliar mi formación acadé-

mica, me matriculé en un máster y me vine a vivir a Barcelona. Mientras tanto, y después de haber invertido desde pequeña tiempo e ilusiones en la fotografía, aparece la «Beca Grisart Itinerario Técnico» a la que me presenté, con todos mis miedos, dudas e inseguridades, pero también con mucha ilusión por tener la posibilidad de empezar a conocer los fundamentos y la técnica de la fotografía, una pasión que me encanta compartir. El 11 de junio me comunican que he ganado la beca. Mi comienzo de año había sido más oscuro que claro, pero, de repente, seis meses después, mi mundo cambia: mi trabajo ha sido evaluado por profesionales que le han considerado digno de re-

conocimiento. Unos meses después empezamos las clases. Tengo miedo y al mismo tiempo estoy emocionada, vuelvo a relacionarme con gente después de muchos meses, personas nuevas y, lo más importante, llega la hora de apostar por mí. Me pierdo, me reencuentro, me transformo, no me reconozco, me reconozco, sigo adelante, vuelvo atrás... pasado, futuro, presente. El proyecto, como su libro, está dividido en tres partes. - La primera parte es acerca de la oscuridad y la luz que intentan encontrarme constantemente, aunque yo huya de ellas. Aparecen colores, representado a toda la gente que tengo alrededor que me ayuda, me apoya y

©Irene Monteagudo

está conmigo, aunque a veces no es suficiente; también pueden representar los sentimientos de rabia y de inseguridad que me acompañan. - En la segunda parte encontramos claridad, pero es una claridad vacía, no me veo representada en nada; no encuentro motivaciones y empiezo a alejar a mis emociones ya no me afectan: encontramos una nueva oscuridad, pero ahora de otro color. - Por último, el escenario cambia, se tiñe de una tonalidad diferente, puede que este vacío empiece a llenarse de vivencias y sensaciones nuevas. Esta tercera parte contiene lo que yo entiendo como metamorfosis: cambio, aceptación, liberación y continuación de la nueva vida. Me quiero y por tanto puedo amar y dejarme amar por todos. Los colores son clave en estas fotografías puesto que dan luz a las imágenes. El espacio en el que yo trabajaba era muy reducido, pero con el cambio de luces y de posiciones se consigue crear el efecto de espacios diferentes. ¡Así es la vida! Siempre intentamos que los lugares donde estamos sean lo más parecidos a nuestra realidad como sea posible. ¿Cuales son las relaciones con la lectura? Al principio de la novela, encontramos a Gregor hundido en la oscuridad, no ve luz al final del túnel, lleva toda la carga de la familia tanto a nivel económico como a nivel social, y comienza a animalizarse (tanteando todavía torpemente con antenas, que ahora aprendí a valorar). Pero, aunque su aspecto externo ha cambiado, por dentro sigue sintiéndose como él siempre había sido. La historia avanza y ahora se culpabilizo de ser un cargo para su familia, en la que su hermana ya ni le presta atención como al principio. Una vez él muere, termina la oscuridad; la familia se va a pasear al campo y el día es luminoso y soleado, como si se hubieran quitado un peso de encima. Por tanto, quien ha sufrido la transformación, la metamorfosis, quizá no sea Gregor Samsa sino su familia, el jefe de la empresa donde trabaja, las sirvientas, los inquilinos... Podemos hablar, pues, de un patrón que se repite en la sociedad, como el odio a los moriscos que termina con su expulsión en el siglo XVII. O

una más actual, como la visión que tienen los nazis de los judíos, que no habían cambiado: era la nueva sociedad alemana que había generado un discurso de odio hacia esas personas. Algo similar ocurre ahora mismo con la visión sesgada sobre la lucha feminista, o la misoginia que sigue vigente hoy en día; y actualmente hemos podido comprobar cómo la pandemia se está llevando a los más débiles. Por tanto, la metamorfosis va más allá del cambio individual, porque si no se produce un cambio a nivel social no avanzaremos, rodaremos siempre como en un círculo y cometeremos los mismos errores. 2- ¿Cual es el proceso seguido por trabajo? ¿Puedes explicarnos tu proceso de trabajo desde la decisión de la idea hasta la selección y edición de las fotografías finales? ¿Explicar los problemas qye has encontrado y cómo los resolviste? Es habitual que en el proceso de trabajo de un proyecto fotográfico ocurran cosas que deben obligar a tener que cambiar aspectos o obligan a tomar decisiones. Mi proceso de trabajo partió de que debía realizar las fotografías para un cartel de una obra de teatro y para su promoción. Cuando llegué a la escuela de teatro, me enseñaron lo que habían preparado, me contaron más o menos de qué iba la historia y empezaron a hacer pruebas técnicas mientras eso yo iba -intentando no molestarlosfotografiando sujetos... En el proceso de selección de las fotografías tuve alguna ayuda externa, ya que solo vio las imágenes esta persona, quien pensó que se adecuaban al trabajo y que yo debía presentarlas. Así que fueron las definitivas. Organizarlas, dotarlas de coherencia, ha sido lo que más me ha costado, porque no había encontrado el hilo conductor que expresara exactamente la historia y para que se entendiese lo que quería transmitir. Pero una vez leída la novela de «La metamorfosis» de Kafka, todo me ha parecido muy claro y me ha sido más sencilla la organización. En un principio éste no iba a ser mi trabajo final, porque tenía otra idea rondándome por la cabeza, que solo

podía llevar a cabo si estaba en mi pueblo. Pero a raíz de contraer la Covid-19 y obviamente de no poder volver, aproveché esta sesión que ya tenía hecha y la he dotado de otro sentido, totalmente diferente al de tratarse solo una promoción. 3- ¿Cuales son los recursos técnicos utilizados? ¿Cuál es la relación con los contenidos aprendidos? ¿Algún concepto de técnica fotográfica ha tenido especial peso en el desarrollo del trabajo? El mayor reto en este proyecto fue tomar las fotografías con muy poca luz; de hecho, tuve que estar con la ISO al máximo que me ofrecía la cámara puesto que las únicas luces que se ven en las fotografías eran las que iluminaban la sala. Además, en algunos momentos jugué con la velocidad de obturación para dar ese movimiento a la fotografía, para que no se quedara congelada y así darle más sentido. 4- ¿Qué conclusiones sacas una vez terminado? ¿Qué conocimientos has adquirido durante todo el módulo de captura? ¿Ha cambiado tu relación con la cámara a raíz de pasar por todas estas clases? Considero que ha sido una asignatura muy completa con procesos que ya controlaba, pero otros no. Cabe destacar que, gracias a las explicaciones de la profesora, a lo fácil que nos ha puesto todo siempre, las prácticas que hemos realizado -todas muy necesarias para entender la teoría-, así como los dos últimos retos de crear un proyecto en un día, me ha permitido que perdiera algunos de mis miedos, como es el preguntar a gente desconocida por la calle; aprender también a controlar la cámara de una forma más rápida y consciente/inconsciente; jugar con las situaciones y obtener resultados de los que estoy suficientemente satisfecha. Considero que el proyecto refleja cómo he logrado y aplicado todos los conocimientos que nos ha proporcionado la asignatura. Debo decir que me siento muy contenta de los resultados. Entrevista realizada por Grisart

©Irene Monteagudo ©Irene Monteagudo

©Irene Monteagudo

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©Irene Monteagudo

©Jean-Matthieu Gosselin

BEHAVE «¿Se debe definir la identidad?»

©Jmgi

¿Hombre? ¿Mujer? ¿Quién ha dicho que sea necesario elegir? Se lo cuestiona, empleando disciplinas artísticas diversas, la artista Marina Plana.

¡No podemos estar más felices de ver cómo proyectos que han pasado por la escuela crecen y tienen recorrido! ¡Marina Plana exponía en abril 2022 su proyecto BEHAVE en el Centro Cívico Convent de Sant Agustí y varios medios y la red social recomendaban que no la la perdiérais! Por eso presentamos en estas páginas un reportaje gráfico sobre este trabajo muy particular y tan personal. En la exposición, Marina nos invita a reflexionar a través de diferentes medios sobre la identidad humana, lo queer y sobre nuestros comportamientos aprendidos y determinados socialmente. En palabras de la autora: “Vivimos en una sociedad binaria, eres ‘hombre’ o ‘mujer’, pero no puedes ser los dos ni ninguno de los dos. No hemos ni nacido y la sociedad ya nos dice quién somos y cómo tenemos

que actuar. Nos obligan a determinarnos como ‘hombre’ o ‘mujer’ y asociamos aspectos masculinos al primero y femeninos al segundo. Usando el drag y el transformismo cuestiono la incomodidad que supone para mí usar solamente los términos “hombre” y “mujer” para definir la identidad de una persona. En un mundo perfecto seríamos capaces de co-existir sin tener que reducir a las personas a etiquetas o genitales.” El proyecto BEHAVE, es un trabajo multidisciplinar en el que se mezclan fotografías, vídeos y textos. Y si surge de la necesidad del artista de conocerse, de cuestionarse como mujer y los roles impuestos en la sociedad patriarcal y ver que existe más allá del género binario; es también un trabajo gráfico, plástico y estético. Se basa en autorretratos realizados desde 2018 a 2021 donde Marina busca de forma muy natural, la exploración de su

propia imagen, sola, sin que nadie la viera o juzgara. En la expo es el momento de ver Marina y de reflexionar sobre nosostros mismos a través del prisma de la libertad, de la autoconciencia, y del entendimiento de un mundo que no puede quedar fijado en certitudes habituales. Al revés: se debe pensar tanto filosóficamente, como ontológicamente, pero tambien artísticamente; entender que la vía del futuro pasa por un razonamiento o una fifosofía personal. Y si toda filosofía implica una concepción del mundo, no toda concepción del mundo es necesariamente filosófica. Puede ser práctica, estética, ética, por ejemplo... Solo lo es cuando se cuestiona a sí misma, acercándose cada vez más a los principios o a las condiciones de posibilidad que la fundaron o legitimaron. Todo ello es un poco lo que propone el trabajo de Marina en su expo BEHAVE, que valdra la pena descubrir en sus nuevos espacios por venir. Grisart

©Jean-Matthieu Gosselin

EL CONCURSO: “HOLIDAYS”

¡Cualquier camino te llevará allí!

«Si no sabes a dónde vas, cualquier camino te llevará allí», Lewis Carroll. La escuela Grisart ha aprovechado que los alumnos y las alumnas pudieron vivir muchas aventuras durante los días de vacaciones de la Semana Santa para proponer, en asociación con el restaurante Bocca di Bonifacio de Barcelona, un concurso fotográfico llamado “HoLiDAYs”. Los fotógrafos debían enviar al regreso de las vacaciones su mejor foto de estas semanas. El jurado del concurso está compuesto por: Albert Gusi (director de Grisart), Jean-Matthieu Gosselin (coordinador de la revista Global Grisart), Enric Montes (profesor de Grisart, fotografo y artista) y Roberto Ponti (director del restaurante Bocca di Bonifacio). Los premisos son cenas (para el 1° y 2) o almuerzos (para el 3° y 4°) en BdB. Las cuatro imágenes premiadas son publicadas en este numero de la revista Global Grisart. El concurso fue un éxito y participaron más de 20 alumnos. Los ganadores del concurso son los siguientes:

1er premio - Chiara Secchi 2do premio - Laura Rodríguez 3er premio - Susana Velasco 4to premio - Carolina Diaz-Barrios ¡Enhorabuena a todos los que participaron, porque la calidad es muy buena, y felicidades a las ganadoras! Este concurso revela muy bien lo que escribía Guy le Querrec: “Un fotógrafo es un equilibrista en la cuerda floja del azar tratando de atrapar estrellas fugaces.” Grisart

©Chiara Secchi

©Laura Rodríguez

©Susana Velasco

©Carolina Diaz-Barrios

SELECTION OF DUMMIES OF THE FOTOBOOKFESTIVALKASSEL 2022

¡Controversia, poesía y ficción en libros únicos!

©JM Gosselin

En el marco de la San Jordi 2022, el sábado 24 de abril se inauguró la nueva exposición de Grisart Escola, una selección de «Las maquetas de la convocatoria Fotobook- festival 2022». Como siempre, la presentación es sencilla, clara y didáctica. Esta organizada por Ivan Ferreres. Se puede visitar esta exposición con inteligencia después de grabar un QR. Este presenta todos los libros como las webs de los fotógrafos. Textos realizados por Marta Sellarés y Maria Gutiérrez. La selección esta hecha por @fotobookfestivalkassel 2022 y enseña el trabajo de autores/as internacionales. Se presentaron un total de 226 libros de 32 países en el KASSEL DUMMY AWARD 2022. ¡Y todos de gran calidad! La selección de la preselección tiene por resultado una exhibición de 52 fotolibros. Esta exhibición internacional reivindica el valor del fotolibro en la sabiduría visual contemporánea, que propone una reinterpretación de la cultura fotográfica a través del photobook y de la narración impresa.

Es muy complicado hacer una seleccion de lo mejor. Podemos poner foco sobre algunos libros como la obra del Mejicano Víctor Mortales, que propone a través «Nivi Ve’e» un diálogo contemporáneo del viaje. El artista se ha desplazado por espacios domésticos para realizar esta serie fotográfica en Ciudad de México y su periferia. El libro de Kathleen Alisch «Atlas of Voids» propone una reflexion sobre el vacío del espacio, el silencio absoluto, sobre lo más fundamental de la vida. Sus imágenes se definen entre espacios largos de alturas y cortos de anchos entre los bordes, lleno de la nada y de grises de energía. El trabajo de Thu Hien Hoang «Asia Bistro» usa formas, colores y materiales para hablar a través imágenes sobre los asiáticos/Asia. Con su trabajo el autor también reflexiona sobre la formación de su identidad; mediante imágenes que contienen mucho del color. Hay varios otros libros de gran calidad. Hablaremos por otros medios de Grisart sobre estas obras. Jean-Matthieu Gosselin

©JM Gosselin

©IEsteban Burillo de Sande

©JM Gosselin

ADOLF MAS Barcelona a través de los ojos de Adolf Mas

©Adof Mas

©Adolf Mas

Mi primer descubrimiento de Adolf Mas no fue excepcional. Fue justo después de los encantadores 90 minutos de la exhibición de Lee Friedlander, por lo que me preguntaba cómo se podía llevar al público desde una maravilla de museo con tanta fuerza visual hasta una exhibición que, en ese momento, consideré “provinciana”...

A priori me pareció que la alianza de Mas y Friedlander no era la mejor elección. Lo comenté con Albert Gusi, quien me convenció para volver al KBr y centrarme solo en Alfof Mas. ¡Y tenía razón! Y si Adolf Mas no está a la altura de Eugène Atget en el nivel histórico, sus fotografías de Barcelona tampoco están a la altura de los “registros de una percepción rara y sutil” de este último, pero no carecen de onirismo y de poesía; sus imáge

nes son documentales y tienen un cierto imaginario y resultan estimulantes. Se basan -al contrario del vacío de Atget- sobre la gente que vivía en la ciudad: personas jugando, caminando, viendo espectáculos, animándose en grupos, mirando la actuación del fotógrafo con una curiosidad descarada. Las fotografías de la ciudad de Mas recuerdan las de Jacob Riis, de Lewis Hine o Paul Strand al inicio del siglo XX en Nueva York... Son directas y frontales, pero aún así poseen una “atmósfera” deliciosa. Como son: el semáforo en Carrer del Sant Crist de l’Argenteria des del carrer Argenteria (antes de 1911) y Pati de la casa núm. 25 del carrer dels Mercaders (antes de 1911). Igual de portentosas son los retratos grupales de puesta en escena de Mas, como Ramon Casas pintan-

do a Júlia y Flora Peraire en presencia de Adolf Mas (1912). Él tenia un un potente sentido de la composición y la disposición formal de las figuras es como una frase gramaticalmente perfecta: todo se responde. Con el paso de los años Mas se consolidó como el fotógrafo de referencia de arquitectos como Josep Puig i Cadafalch, que lo contrató para fotografiar sus edificios a modo de inventario. Ganó también mucha popularidad cuando, en 1908, con motivo de la construcción de la futura vía Layetana, el ayuntamiento de Barcelona convocó un concurso para documentar la memoria del entramado arquitectónico destinado al derribo. Mas fue uno de los autores más premiados, con una serie de imá-

en torno a su establecimiento fotográfico. La museografía es un poco preciosista, recargada y un pelín barroca. Sin duda la voluntad es redescubrir el ambiente y el espacio de la época. Quizás algo mas simple hubiera

convenido mejor estas fotos de alta calidad. No estoy seguro de que la obra de este artista quede bien resaltada así. La documentación del Barcelona del principio de siglo XX, una ciudad de contrastes y un auténtico hervidero de cambios sociales, culturales y arquitectónicos, aparece en toda su plenitud. Ahora sabemos, gracias a esta muestra de calidad, que Adolf Mas es uno de los protagonistas indiscutibles de la historia de la fotografía moderna en Europa. J-M Gosselin

“Adolf Mas: los ojos de Barcelona”, Febrero el 18 de 2022 hasta Mayo, el. 08, de 2022 KBr Photography Center, A. Litoral, 30 – 08005 Barcelona - Tel: +34 93 272 31 80 https://kbr.fundacionmapfre.org/

©Adolf Mas

genes en las que se aprecia la presencia de personas que humanizan las vistas arquitectónicas. Además, otras imágenes del catalán documentan una gran variedad de acontecimientos y actos culturales locales, y sus retratos por encargos vinculados a revistas ilustradas dejan un testimonio único de los círculos artísticos e intelectuales de la época. Dos de sus reportajes más destacados son los que dedicó a la bailarina Tórtola de Valencia, «una de las grandes liberadoras de la danza de aquel momento», y a la cantante de ópera María Barrientos, en los que logra plasmar la personalidad de ambas con auténtica maestría. Junto a la obra del fotógrafo, la muestra incluye piezas de artistas como Ramon Casas, Alexandre de Riquer o Eusebi Arnau producidas

LOVE SONGS

artistas, incluidas las dos estrellas íntimas Nan Goldin y Nobuyoshi Araki. Al llegar a la «Maison européenne de la photographie», Simon Baker se da cuenta de que la institución posee obras tan importantes como «La balada de la dependencia sexual» (1986) de Goldin o la serie «Viaje sentimental» de Araki, por lo que considera que se debe mostrar las y hacer una exposición con

estas obras maestras. La exposición está organizada como un casete de audio yendo de éxitos en éxitos con una cara A y una cara B. Varía los temas, como los placeres íntimos, pasando del amor loco a la ruptura dolorosa, de la luna de miel a la desaparición de la persona amada, de la banalidad de lo cotidiano a la escena extraordinaria... Mezcla técnicas y prácticas: blanco y negro, color, retoque, Polaroids, cut-outs, collages,... El visitante se encuentra con todos los formatos. La exposición no es exhaustiva ni didáctica, lo que es un punto muy positivo. Es una flanerie poética, un ensayo sociológico, un espejo sobre el espejo, un recorrido singular tanto en la forma como en el fondo. Entendemos que el amor es fraterno con Sally Mann, eterno con Araki, conflictivo con Goldin... 16 importantes fotógrafos de nuestra historia reflejan en imágenes su vida amorosa volcando sus lentes hacia sus propias vivencias: hay obras personales de Larry Clark, Emmet Gowin, Nobuyoshi Araki, Nan Goldin, Sally Mann, Hideka Tonomura, Leigh Ledare,

Hervé Guibert o Alix Cléo Roubaud... y de artistas contemporáneos como JH Engström & Margot Wallard, RongRong&inri, Lin Zhipeng, Hideka Tonomura o Collier Schorr. El conjunto reúne obras maestras de la colección del MEP y préstamos de importantes artistas contemporáneos, algunos de los cuales se presentan por primera vez en Europa. JMG «Love Songs : photographies de l’intime», Hasta el 21 agosto 2022. “Maison Européenne de la Photographie” 5/7 rue de Fourcy, 75004 Paris. https://www.mep-fr.org/

©René Roebli

©Hervé Guibert

El título de esta exposición ya es en sí mismo un programa, hermoso como un poema de Dylan. Como las recopilaciones de música, que los enamorados creaban e intercambiaban para sellar su pasión. Nada menos que tres comisarios para montar esta exposición (incluido Simon Baker, el nuevo director del MEP). Reunieron a 16

©Nan Goldin

«La maison européenne de la photo» nos lleva a una inmersión en las relaciones íntimas, las relaciones amorosas, el cuerpo a cuerpo, los sentimientos perdidos, es decir, sigue un hilo conductor seductor, romántico, nostálgico y amoroso con su exposición de primavera: «Love Songs».

“MUJERES FOTÓGRAFAS DE GUERRA”

La exposición demuestra que las mujeres fotógrafas de guerra no tienen una perspectiva diferente a la de sus colegas hombres, pero también muestra que su condición de mujeres les permite un contacto más fácil con ciertos círculos. De hecho, dedicaron más visibilidad a las familias afectadas por los conflictos.

©Carolyn Cole

A través de un centenar de documentos, más de 80 fotografías, así como una decena de periódicos y revistas originales, descubrimos la excepcional obra de Lee Miller (1907-1977), Gerda Taro (1910-1937), Catherine Leroy (1944 -2006), Christine Spengler (nacida en 1945), Françoise Demulder (1947-2008), Susan Meiselas (nacida en 1948), Carolyn Cole (nacida en 1961) y Anja Niedringhaus (1965-2014). Todas han documentado los combates de múltiples guerras, capturando tanto las batallas, como los beligerantes y la vida familiar. También han humanizado los conflictos, haciéndolos muy emotivos, enfatizando a las víctimas, ofreciendo una nueva mirada a la guerra...

©Françoise Demulder

Ocho mujeres fotógrafas son homenajeadas en el Museo de la Liberación, del 8 de marzo al 31 de diciembre de 2022, a través de la exposición “Mujeres fotógrafas de guerra”. Ellas fotografiaron en los mayores lugares de conflicto: Alemania nazi, Afganistán, Camboya, España, Etiopía, Francia, Irak, Nicaragua, Vietnam...

La exposición confronta al visitante con una visión compartida de la violencia de la guerra. Genera preguntas sobre la noción de género y obviamente cuestiona la especificidad de la mirada femenina sobre la guerra...

“Mujeres fotógrafas de guerra”, Museo de la Liberación, París, hasta el 31 de diciembre de 2022. https://www.museeliberation-leclerc-moulin.paris.fr/

JMG

FOTOLIBROS

UN MUNDO ONÍRICO CON REFERENCIAS SURREALISTAS

so íntimo y enigmático del fotógrafo, en una panorámica poética de tripletes narrativas, o más, tanto metafórica como simbólicamente.. La obra constituye una meditación sobre la mirada, que interroga la historia y la condición humana mediante temas como la identidad y el recuerdo, la introversión y la intimidad, la reflexión sobre el poder y la representación de lo no visible, el arte grafico o la música...

El libro «Los huesos del agua” del artista guatemalteco muestra el univer-

Javier Payeras que escribió el texto de presentación explica: “En ningún artista latinoamericano he visto tantos símbolos hundidos, tantos plazos y tantas conjeturas negadas. Revisar sus imagines es como andar por un pasillo donde el eco de nuestros pasos

nos confunde y nos hace voltear la mirada” y mas tarde explica que “Luis me dijo que en la fotografía suceden accidentes, que algunas imágenes están destinadas a otro tipo de significado y representación.” A mi me gustan mucho las series VI, XII, XIX y los textos de las series “Haikus” (2018), o “Música callada, Luz de luna” (2018). Un libro precioso, editado con exquisitez en in papel muy delicado. ¡Todo en el libro funciona como representación metafórica de la realidad! €JMG

Luis Gonzalez Palma, «Los huesos del agua», Anómalas, 2022, 192 p.,30 €, https://www. edicionesanomalas.com/

BARAJEAR LAS CARTAS

Hay muchos libros sobre Claude Cahun, el referente “Claude Cahun, la brecha y la metamorfosis”, brillante ensayo escrito y publicado por François Leperlier en 1992 en Jean-Michel Place; “Claude Cahun, exotismo interior”, publicado por Fayard en 2006 por el mismo autor y desde 2017 el librito muy poético (bilingüe) “Claude Cahun” publicado por Fage-Edition. En este último librito, muy tierno, es maravilloso para un bello acercamiento a este gran artista: descubrimos los autorretratos, que no solo son referentes en la historia de la fotografía, sino también elementos clave en el desarrollo de una estética de la auto representación. Este librito destaca por su erudición, por la elegancia de su escritura poética, por la elección de sus fotografías (pp. 12, 14, 16, 28, 46, 52) y la calidad de las reflexiones sobre el arte. «Claude Cahun», Fage Editions, 2017, 64 p, 6,50 € https://www.fage-editions.com/

¿EL MARCO ES EL MARCO? Gérard Rondeau ha fotografiado los backstages de escenas de museos y grandes exposiciones. Pinturas y esculturas surgen envueltas, ceñidas, en varias posiciones, a veces increíbles o incongruentes, siempre sorpren-

dentes...Con sus imágenes tomadas en varios lugares, él se libera de las convenciones habituales, del marco de la imagen, del saber convencional, y ofrece una mirada poco convencional y deliciosamente antigua que otorga un encanto original a sus fotografías en blanco y negro. ¡Es una clase magistral disruptiva sobre el encuadre!

Gérard Rondeau, “Hors cadre”, Réunion des Musées nationaux, 2005, 190 p., 20 €

UN LIBRO ESCENOGRAFÍCO “Galerna” es un proyecto fotográfico en el que Jon Cazenave, nacido en San Sebastián en 1978, cuestiona su identidad y su pérdida territorial.

Este es un ensayo iniciático sobre el poder de la naturaleza y su dimensión universal; cuestiona los conceptos de transmisión de los conocimientos, pero también de la cultura y de los patrimonios culturales. Un libro muy emocionante, con unas imágenes novedosas, plurales, muy elaboradas y subjetivas, que despierta nuestros sentidos. Jon Cazenave, «Galerna», Dalpine, 2020, 248 p., 42 € https://www.dalpine.com/

SECRETOS DE FAMILIA ‘Mato Grosso’, de Raquel Bravo, ha sido el proyecto ganador de la cuarta edición de la convocatoria Fotolibro<40 de la Comunidad de Madrid, editado por Fuego Books. El tema es una investigación familiar centrada en la figura del padre de la autora que murió cuando ella era una niña. Su familia le habían hecho creer que fue un antropólogo aventurero investigando en comunidades remotas de Brasil, en vez de ser un misionero... salesiano. La autora critica la mentira, la memoria familiar, las estructuras de poder -incluso del poder familiar-, el funcionamiento del colonialismo, el capitalismo y las misiones de la iglesia católica. “Mato Grosso” es el nombre de un estado brasileño que concentra más del 10% de la selva amazónica donde vivió el padre de la autora como misionero. Raquel descubrió un archivo formado por diapositivas en color, degradadas, usadas, deterioradas por el paso del tiempo, cuya restauración se ha encargado ella misma, así como negativos de medio formato en blanco y negro muy preciosos. Después, ella realizó la narración y la edición para incluirlas en el fotolibro. Este descubrimiento la interpela, tanto como autora, así como fotógrafa e hija. Obviamente el lector salta de sorpresa en sorpresa. Mato Grosso no es un libro sencillo. Es una obra laberíntica, con muchos conceptos que se puede leer de muchas formas, porque es polisémico.

R. Bravo, “Mato Grosso”, Editorial Fuego Books, 2022, 128p, 26 € https://www.fuegobooks.com/

EDITORIAL COMISURA

Fomentar la reflexión y el intercambio entre disciplinas artísticas.

na y coral con autores de gran nivel, destinada a captar la atención de diferentes públicos. El resultado está a un nivel muy alto de calidad. Laura C Vela, Carlota Visier y Carol Caicedo siguen respectivamente las fotos, el texto y el diseño, pero trabajan de grupo. La presentación en Grisart fue chula y llena de pasión. A mi me gusta sobre todo “Siempre van solos, los bichos”, de Laura C, Vela y Suso Mourelo. Con una portada muy atractiva y formato como un libro de oraciones, de diseño bien hecho, trata sobre las ruinas de un antiguo poblado minero enlazando imagen y palabra. Las fotos son poéticas, documentales, algunas veces metafóricas o antropológicas... ¡y muchas son mágicas! Jean-Matthieu Gosselin https://estoesuncuerpo.com/

©Comisura

El 30 de abril se presentaba en Grisart Escola Internacional de Fotografia Barcelona el trabajo de la editorial Comisura (editado por “Esto es un cuerpo”) que trabaja conjuntamente la imagen y el texto con inteligencia, tanto en formato revista (muy bien compaginada con una impresión de calidad) como en formato libro. La línea editorial de Comisura nace de un hilo conductor que responde a la pasión de las editoras. Proponen una dinámica que recuerda la energía de los grandes editores de los años 70-80; además ellas saben utilizar las técnicas modernas para buscar financiaciones con antelación. Esta editorial, que se debe descubrir por obligación, es un proyecto potente desarrollado entre los años 2018 y 2021 que apuesta por un lenguaje fotográfico sencillo (pero con grandes nombres de la fotografía) y una escritura cerca-

©Comisura

EXCELENCIA

«Fotografiamos los objetos para sacarlos de la mente.»

Franz Kafka

JEAN-MATTHIEU GOSSELIN- 2016-2018 (fotógrafo)

«Y la ventana abrí: revolcando vi entonces un cuervo venerando como ave de otra edad; sin mayor ceremonia entró en mis salas

con gesto señorial y negras alas y sobre un busto, en el dintel, de Palas posóse y nada más.», Edgar Allan Poe IRENE MONTEAGUDO - 2020-2021 (fotógrafa)

«Paseando por una naranja me pasé más de una vida repitiendo el globo terrestre: la geografía y la ambrosía;

los jugos color de jacinto y un olor blanco de mujer...», Pablo Neruda SUSANA VELASCO - 2021-2022 (fotógrafa)

«El batir del sueño es toda mi mente. Soy mi ritmo. Ovillo mi madeja más y más profundo en el laberinto para hallar la unión de los caminos,

para hallarlo antes que el héroe encuentre al prisionero del Laberinto...», Ursula K. Le Guin CHRISTIAN MÜLLER - 2021-2022 (fotógrafa)

©Marta_Segú

«Pensé que podría perseguir mi camino hasta la felicidad pero nada fuera

no me cumplió Como prometido» Rupi Kaur MARTA_SEGÚ - 2021-2012 (fotógrafa)

«At last our bodies coindice, I’ll bet your thought this would never happen, Neither did I. Its a pleasant

surprise.», Richard Brautigan GIOVANA BERTOLDI - 2021-2022 (fotógrafa)

«Placeres, gloria, juventud, poesía, Sueños del corazón enamorado, Á través de las brumas del pasado Aun os evoca la memoria mía

Cual eco de lejana melodía Regocijais mi espíritu apenado...», Manuel del Palacio SOFIIA SYPALOVA - 2021-2022 (fotógrafa)

©Lára Lind

«Si tu frescura a veces nos sorprende tanto, dichosa rosa, es que en ti misma, por dentro, pétalo contra pétalo, descansas.

Conjunto bien despierto cuyo centro duerme, mientras se tocan, innumerables», Rainer Maria Rilke LÁRA LIND - 2021-2022 (fotógrafa)

«And someone says “You’re in the wrong place My friend You better leave”

And the only sound that’s left After the ambulances go.», Bob Dylan (Desolation Row) CARLOS MERINO - 2021-2022 (fotógrafo)

«In an old city bar That’s never too far From the places that gather The dreams that have been

In the safety of night With it’s old neon light.», Paul O’Neill NORDIN DE BLAS - 2021-2022 (fotógrafo)

NIKOS ALIAGAS ¡MIRADAS DE ESPEJOS!

cula de casi 20 min sobre una pantalla de 800 m2 puntuada por la música original de Ibrahim Maalouf y su orquesta Free Spirit Ensemble. Cercano a las sensibilidades artísticas de

©Nikos Aliagas

Nikos Aliagas, presentador, periodista y fotógrafo. Desde abril de 2022 hasta el 3 de noviembre ofrece una nueva exposición de sus retratos de artistas artistas llamada “Regards Miroirs”. Después de la Conciergerie de la Sainte Chapelle, del techo del Grande Arche de la Défense así como del Ville de París; después de los retratos, las manos, de Grecia, o de sus fotos íntimas... Aliagas propone esta vez más de 100 fotos de personalidades internacionales: Tim Burton, Laetitia Casta, Jean-Claude Van Damme, Alicia Keys, Taylor Swift, etc. y ofrece una pelí-

Foto de cover::©Irene Monteagudo Foto de primera: ©Lucas Sánchez Fotos de contra ©Pascal Bois Global Grisart es una publicación de Grisart Escola Internacional de Fotografia, C/ Méndez Núñez, 14 · 08003 Barcelona. Director: Albert Gusi - Coordinador: Jean-Matthieu Gosselin Textos/Imagenes: Jean-Matthieu Gosselin;Elena Ramírez; Esteban Burillo de Sande; Irene Monteagudo Tudela; Marina Plana; Chiara Secchi; Laura Rodríguez; Susana Velasco; Carolina Diaz-Barrios; Marta Sellarés; Maria Gutiérrez; KBr Photography Center; Maison Européenne de la Photographie; Musée de la Liberation;Irene Monteagudo; Susana Velasco; Christain Muller; Marta_Segú; Giovana Bertoldi; Sofiia Sypalova; Lára Lind; Carlos Merino; Nordin De Blas; Ediciones Anómalas;Fage Edition; Editions Albin Michel; Dalpine; Seine Musicale de Boulogne Billancourt; Pascal Bois Archivos: Ivan Ferreres Pujol - Mail: GlobalGrisart@grisart.com

©Nikos Aliagas

La “Seine Musicale de Boulogne Billancourt” presenta la última exposición de

Sebastião Salgado, Josef Koudelka o Vassilis Artikos, Nikos Aliagas intenta captar la esencia de cada persona, el misterio de su existencia.

JMG

“Regards Miroirs”, Nikos Aliagas, Seine Musicale de Boulogne Billancourt -15.04 - 03.11 https://www.laseinemusicale.com/

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NUEVAS CÁPSULAS 2021-2022

mal de Archivo con Natasha Christia del 20 al 22 de mayo 2022

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©Pascal Bois

Pascal Bois (nacido en 1956) fotógrafo independiente, piloto remoto de drones, es formador en la “Escuela Nacional de Fotografía de Arles” (ENSP) y también es comisario de exposiciones como parte de los proyectos presentados durante el “Off de los Rencontres d’Arles” con la asociación “Regards & Mémoires”. Continúa un trabajo personal y las fotografías realizadas se presentan como parte de la serie: “Instantáneas”.

LIBRE OPINIÓN «¡Haz tus haikus!» La composición de un fotolibro es a menudo una narración interior fruto de los viajes por los que nos ha llevado la vida. En mi caso, está compuesto por vistas en formato cuadrado de momentos de un largo viaje por Francia (Annecy, Ile d’Oléron, Bretaña, Cévennes, Saintes-Maries de la Mer, Mâcon, Arles, Alpilles...), Europa (Lisboa, Escocia) y África del Norte (Tánger). En mi libro “L’instant même”, cuyas imágenes son siempre explosiones de color, las fotos son una invitación a viajar para los lectores. Didier Ben Loulou, capturó mi enfoque con estas palabras: “Pascal Bois camina por estos paisajes como esos monjes poetas que escribieron haikus en camino. La imagen se convierte en un logro, un arte de vivir, un rito de pasaje, una invitación a viajar, a volver a aprender a mirar el mundo.» Así que no dudes en hacer tus haikus en color o en blanco y negro. Reconoce la plenitud del momento, como si el mundo estuviera burbujeando con partículas divinas. ¡De hecho, lo está! Pascal Bois