Global Grisart Nº17

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GLOBAL GRISART

JUNIO DE 2021

LA REVISTA DE LOS ALUMNOS Y AMIGOS DE GRISART ESCUELA INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA

SUMARIO

EDITORIAL

EDITORIAL JOAN FONTCUBERTA: EL HOMBRE QUE CRITICA LA REALIDAD Y LA FOTOGRAFÍA ENTREVISTA DE JOAN FONTCUBERTA ENTREVISTA DE MONTSE PUIG UNA OBRA POLIMÓRFICA E INNOVADORA ¡CUBA ESTÁ DENTRO DE CUBA! Alejandro Alfonso Herrera ¡EL RETRATO SE DEMOCRATIZA! Exposición “Más allá del Rostro” ENTREVISTA DE IVAN FERRERES “LA CASA DE PIEDRA” ENTREVISTA DE MARTA SELLARÉS

NUEVAS CÁPSULAS EN GRISART 2021

VERBATIM DE JOAN FONTCUBERTA

©Maria Munzi

EXCELENCIA

La poesía es moldeada por imágenes y la fotografía es una poesía. Desde el principio de mi aprendizaje en fotografía, tuve presente en mi mente esta idea, a la vez que me acordaba de la siguiente frase de Rudolf Arnheim: “¿Para qué sirve la forma si no es para hacer legible un contenido?” En la imagen podemos encontrar no sólo una composición que respeta reglas, sino también una sintaxis que juega con el silencio, una melodía, una textura, palabras en filigranas...cada elemento compone un poema. Creo que la poesía tiene una dimensión universal, porque de lo particular de los sentimientos ha llegado a lo general, es decir, la vida en sí. Los grandes “fotógrafos poetas” que me molan más y que me abren a la poesía son: Juanan Requena, experto absoluto en compartir su emoción con nosotros mediante pocos elementos y escribir la foto como si fuera un haiku japonés; Saul Leiter que electrifica poéticamente el campo de los colores y el desenfoque creativo de lo más poético; Lucien Clergue, quien buscaba su inspiración escuchando Johan Sebastian

Bach; Israel Ariño creador de imágenes en blanco y negro que son consecuencias de una abstracción, de un estado mental particular en el que él explora en los límites de la fotografía; Denis Roche con quien la foto evoca un tiempo perdido, algo que se puede relacionar con el desgaste, la ausencia, la nostalgia, y que combinó la fotografía con su talento como poeta-escritor... Hay muchos más creadores: Mario Giacomelli, Navia, Kansuke Yamamoto, Allan Sekula, Brassaï, Juan Rulfo, Katsue Kitazono, Karl Blossfeldt, Paco Gómez, Atget, Rafa Badia, David Jiménez...y obviamente Josef Sudek el maestro del vagabundeo íntimo. Sergio Larrain escribió: “Quiero que las fotos que tomo sean una experiencia inmediata y no un mordisco. [...] La fotografía perfecta es como un milagro, ocurre en un instante de luz, formas, tema y estado de ánimo perfecto; Tú aprietas el botón casi sin saberlo, y se produce el milagro”. ¡Y la alegría de la epifanía del momento prevalece sobre el deseo de sentido! Jean-Matthieu Gosselin


©Jean-Matthieu Gosselin

JOAN FONTCUBERTA El hombre que crítica la realidad y la fotografía en sí

©©Joan Fontcuberta - Herbarium (1982-85)

Desde el comienzo de su carrera profesional en los años 70, Joan Fontcuberta ha centrado su trabajo en la manipulación fotográfica, la reflexión sobre la imagen, lo real, la verdad y lo verosímil. El artista piensa que lo que verdaderamente importa es el impacto que la fotografía causa en público, tanto a los espectadores o lectores, más que individualmente. A través de múltiples obras, fotolibros, ensayos, exposiciones, el artista ha tratado de mostrar que las fotografías son manipulables -individualmente o en secuencia- sea cual sea la obra. De esta forma, él trata de hacer entender que éstas no son siempre una representación fidedigna de la realidad. La obra de Joan Foncuberta es, en la fotografía, lo que a la radio fue Orson Wells -quien el 30 de octubre de 1938 había llevado al pueblo americano al pánico al hacerle creer que era invadido por hordas de extraterrestres tras escuchar una adaptación radiofónica de la novela de ciencia-ficción “La guerra de los mundos”, de H. G. Wells-; o bien lo que en la literatura fue Romain Gary, alias Emile Ajar-, que llevó al extremo los límites entre la realidad y la ficción Sus creaciones, en este sentido, la más conocidas como Herbarium (19821985) -1a serie de Fontcuberta basada en la famosa publicación de Karl Blossfeldt- Fauna (1987), Constelaciones (1993), El artista y la fotografía (1995), Sputnik (1997), La sirena de Tormes (2000), Milagros & Co (2002),


©Joan Fontcuberta - Anómalas


La isla de los vascos (2003), Deconstructing Osama (2007)... eran una reflexión crítica en vivo sobre la veracidad del documento fotográfico, mediante relatos independientes, cada uno con una narrativa, precisa, controlada: el discurso científico, los temas políticos, la paleontología, o bien la historia... Fontcuberta demuestra que la fotografía es un lenguaje que se puede aplicar a muchos dominios. El artista catalán inventa tramas que consigue hacer creer a todos los espectadores y lectores que son auténticas. Lo hace partiendo de conceptos complejos, contando historias, reales fakes, con una gran imaginación y mucho sentido del humor, -el humor es indispensable en todo acto de creación-. Todo eso permite retar a ciertas disciplinas que ejercen su autoridad como la ciencia o la religión.

fotografía, es un filósofo de la imagen. Utiliza la duda para socavar la autoridad de los organismos institucionales, y en ese sentido, el fotógrafo confiere una orientación didáctica a su trabajo y su pensamiento sobre la imagen: enseñar lo que es la duda, enseñar a dudar, alentar la incertidumbre, abrir a la creación, a nuevas lecturas de la iconografía. Fontcuberta explicó en una entrevista a “The Eyes”, en 2018, su relación con las obras creadas y las manipulaciones propuestas: “Mi nombre no está pegado al proyecto porque no soy un artista narcisista. ¡No pretendo que mi nombre sea reconocido! ¡Afirmo que el proyecto funciona! Mi gran satisfacción llega cuando el trabajo que he lanzado se vuelve autónomo y logra generar diálogo con el público, aunque ya no sea yo quien lo controle”.

libro sobre sus obras de los años 70 y 80. Aborda lo que él llama las “Contravisiones” que transgreden a la vulgata de la verdad analógica de las fotografías, para ir en la exploración de territorios mucho más transgresores.

Fontcuberta, ademas de ser un activista de la creación y un pensador de la

Este abril de 2021, Fontcuberta acaba de publicar en Anómalas Ediciones un

Joan Fontcuberta, «Contravisiones», Ediciones Anómalas, 2021, 108 pp., 38€

La fotografía era ya, para él, traicionera, mentirosa, engañosa; ya en su juventud reflexionó sobre este tema. Sus fotos proponen ironía, juegos de palabras visuales, chistes, enigmas de formas, poesía surrealista... Territorio de las trampas visuales y mentales más atrevidas, «Contravisiones» es un libro de imaginación superior, una sorpresa en cada pagina, llevado por una gran risa y un gran espíritu de libertad creativa.

©Joan Fontcuberta - Anómalas

Jean-Matthieu Gosselin


©Joan Fontcuberta


INTERVIEW DE JOAN FONTCUBERTA

©Joan Fontcuberta

“La contravisión opta por la libertad y el azar; apuesta por la imprevisibilidad, la incertidumbre y el riesgo.”

1-¿Por qué publicar un fotolibro formado con imágenes del archivo de lo que la prensa llama tu “primera época”? Aparte del valor que puedan tener las obras presentadas, el conjunto ilustra mis primeros pasos, unas exploraciones todavía a tientas pero que anticipan y hacen más comprensibles proyectos posteriores más consolidados. Hay por tanto una voluntad de documentar una etapa incipiente de mi trayectoria, pero implementada con un propósito didáctico. A efectos internos, bucear en mi caótico archivo ha supuesto la oportunidad para clasificar y poner algo de orden. Y todo esto lo ha facilitado el tiempo disponible durante el confinamiento. 2-¿Cómo surgió la idea de este libro, cuál fue el detonante? Fue una iniciativa de Israel Ariño, de Ediciones Anómalas. Me propuso ha-

Creador visual, comisario de exposiciones y docente. Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) es uno de los representantes más significativos de la fotografía contemporánea internacional. Ha publicado varios libros de temáticas relacionadas con la historia, la estética y la pedagogía de la fotografía. Sus obras forman parte de grandes museos en el mundo.

cer una publicación que recogiese una selección de mis primeros trabajos. Mi obra posterior aparece profusamente en libros y catálogos, pero en los años 70 y principios de los 80 no era tan fácil publicar, faltaba mucho para la consolidación del fenómeno fotolibro. La oferta editorial entonces era escasa y todavía no existían los medios de autoedición actuales. El resultado es que la obra de aquellos primeros años no quedaba reflejada en ninguna parte. Consciente de todo esto, acogí la propuesta de Israel de forma entusiasta. 3-¿Cuál fue su método de trabajo de selección editorial en sus archivos? ¿Cómo te has sentido cuando encontraste fotos tuyas que tenían hasta 45 años? La idea era que Israel y Montse, los editores de Anómalas, tuvieran un acceso franco a mis archivos, examinasen todo el material y realizasen una selección que yo debería refrendar. Es decir,

me reservaba un droit de régard. Esta fórmula me gustaba porque significaba proyectar sobre las imágenes un doble sistema de criba: la mirada distante y la mirada distinta. - Distante porque recuperaba negativos y hojas de contacto treinta o cuarenta años más tarde, de manera que el yo que mira ha cambiado respecto al yo que tomó las fotos, son dos yos distantes en el tiempo. - Y distinta porque Israel y Montse aportaban otra sensibilidad que en algunos casos revalorizaba aquello por lo que yo había pasado por alto. En muchos casos esto me proporcionaba una sensación de descubrimiento, o de sorpresa: ¿ostras, esto lo he hecho yo? A veces me producía algo de vergüenza, lo que haces a los veinte años tiendes a juzgarlo más tarde con indulgencia, como “obra de juventud”. Pero la verdad es que otras veces los hallazgos me producían una gran satisfacción. Hemos procurado, claro está, privilegiar estos casos.


4-¿Puedes explicarnos el concepto de “contravisión”? En el libro intento explicarlo. Que ahora me lo preguntes significa que debo haber fracasado. Bueno, en realidad bromeo. Lo tomaré como una pregunta retórica. Pero voy a parafrasear algunas frases que aparecen en mi introducción: “el principio de realidad que se atribuye a la cámara no es un imperativo ontológico sino un protocolo social...”. “La condición contravisual exige una triple subversión: la del «inconsciente tecnológico» de la cámara, la del estatus ontológico de la fotografía y la del significado usual del concepto de libertad.” Y por último: “Consideremos el dispositivo fotográfico como un sistema caótico. Los fotógrafos documentales siguen una doctrina precisa que rige disciplina y predicción de resultados. Obedecen unas reglas convencidos de que el futuro es predecible. La contravisión opta, en cambio, por la libertad y el azar. Apuesta por la imprevisibilidad, la incertidumbre y el riesgo frente al modelo determinista y prefijado del mundo. La contravisión implica aceptar también que hay un azar imbricado en la naturaleza más íntima de la fotografía, que no es consecuencia de la ignorancia del operador, sino que es una propiedad fundamental del propio dispositivo.”

«La contravisión implica aceptar también que hay un azar imbricado en la naturaleza más íntima de la fotografía.» 5-¿Cuáles son los vínculos que deben engancharnos y crear nuestras relaciones con lo que vemos en las imágenes? Tiendo a concebir las imágenes como palabras, o sea, como elementos significantes con los que construimos discurso. Tanto las palabras como las imágenes tienen mucho que ver en el modo en que nos constituimos en co-

munidad. Es decir, participan de la argamasa de aquello que nos constituye en individuos sociales que se comunican entre sí. La fotografía la hemos reducido durante más de un siglo y medio a una dialéctica entre arte y técnica, o entre expresión y documento, y ya es hora de darnos cuenta de que nos interpela en muchos otros niveles, seguro que más importantes.

«Para mí la fotografía es ante todo una forma de pensar.» Por ejemplo ¿qué papel ha jugado la fotografía en una historia del tiempo? ¿O en la forja de conciencias? Últimamente me interesa vincular la fotografía a una historia de la curiosidad o a una historia de la atención. Para mí la fotografía es ante todo una forma de pensar. 6-En tu libro con tus fotos de juventud ya, hay miradas e imágenes que contradicen imágenes consensuadas y que cambian los sentidos de lo común. ¿Tenias ya en tu mente la idea de la “Countervision” aunque no esta definida ya? Sí, el primer texto que publiqué sobre la idea de contravisión es de 1977, por tanto, el impulso de subversión de los modelos fotorrealistas dominantes está presente desde el comienzo. De hecho, mi trabajo se origina como una crítica del lenguaje y, en el caso concreto de la fotografía, como una acometida al autoritarismo con que nos impone unos determinados prejuicios. La razón por la que opté por la fotografía como territorio de trabajo fue porque problematizar su autoridad, por ejemplo, su capacidad de convicción podía extrapolarse al cuestionamiento de cualquier otra forma de autoridad. 7-¿En este libro, las imágenes, las fotos, tienen un vinculo con lo irreal, lo mágico, lo onírico; todavía es lo que te gusta en la imagen hoy en día? Al principio la posibilidad de burlar el mandato realista del medio fotográfico

«Mi trabajo se origina como una crítica del lenguaje y, en el caso concreto de la fotografía, como una acometida al autoritarismo con que nos impone unos determinados prejuicios.» era una tentación muy seductora. Que un aparato como la cámara, aparentemente concebido, y subrayo “aparentemente”, para fijar la escena frente al objetivo fuese capaz de renunciar a su predestinación y escaparse hacia otros mundos posibles, implicaba una afirmación de libertad, de no dejarse doblegar por las imposiciones del aparato, dicho en términos de Vilém Flusser. Además, lo reconozco, en esos primeros pasos resuenan a menudo la contracultura y el neodadaismo, con toda la imaginería provocadora que comportaron. Con el tiempo he ido incorporando elementos más reflexivos, más conceptuales, pero aquel trasfondo tan combativo como ingenuo persiste. Entrevista realizada Por J-M Gosselin


©Joan Fontcuberta


©Joan Fontcuberta



©Joan Fontcuberta - Anómalas


ENTREVISTA DE MONTSE PUIG Fundadora y editora de Anómalas «UN DIÁLOGO MUY ENRIQUECEDOR»

vinan ya muchas de las ideas que ha desarrollado a lo largo de toda su carrera.

La idea en origen fue de Israel Ariño, y a partir de ahí le planteamos a Joan que nos gustaría hacer un libro con su trabajo inicial. Es un trabajo poco conocido, que, a excepción de algunas imágenes publicadas en su Photobolsillo, no se habían publicado en formato libro. El libro ha contado con el apoyo y participación de la Fundación Antonio Pérez de Cuenca.

Son fotografías de los años 70, cuando él tenía apenas 20 años, y en ellas ya se puede ver a alguien que cuestiona algunos de los pilares establecidos en esa época en cuanto a imagen fotográfica.

2 - ¿Que te ha gustado en estas imágenes de juventud? Creo que en estas imágenes se adi-

3 - Cómo has trabajado con un autor «5 estrellas» como él, que tiene un recorrido y un bagaje tan grande en la foto, tal como en la edición de libros. Joan ha sido muy respetuoso con todos los que hemos participado del proceso de edición. Hemos trabajado

muy libremente y eso siempre redunda en un mejor trabajo. A la vez, también ha participado y el proceso ha sido un diálogo muy enriquecedor con él y con Underbau, artífices del diseño. Entrevista realizada por J-M Gosselin

©Joan Fontcuberta - Anómalas

1 - ¿Cómo ha nacido la idea de publicar el nuevo libro de Joan Fontcuberta?


©Joan Fontcuberta - Anómalas


©Joan Fontcuberta - Anómalas


UNA OBRA POLIMÓRFICA E INNOVADORA “El acto fotográfico es como un instante decisivo, sobrenatural, epifánico, de comunión entre el mundo y el espíritu.”

Joan Fontcuberta (Barcelona, España, 1955), es uno de los fotógrafos españoles más conocidos actualmente. Estudió Ciencias de la Información en la Universidad Autónoma de Barcelona y tuvo una extendida experiencia profesional en el ámbito de la publicidad y del periodismo. Pero, sobre todo, en su vida propfesional Fontcuberta ha reunido las múltiples facetas de creador, ensayista, curador y de intelectual. Fue cofundador del “Grupo Alabern” y de la revista “Photovisión”. Como lo explica en este numero de Global Grisart al principio de su carrera fue impregnado por el surrealismo y “la contracultura y el neodadaismo”. “Soy un homo photographicus de la última etapa evolutiva del homo pictor, el que produce y consume imágenes a la vez, y acomete ambas tareas con total naturalidad” explica en Cronica.com. Entre sus series fotográficas destacamos Herbarium y Frottogrammes, definidas como una forma híbrida entre el frottage y la objetividad fotográfica, pero también Sputnik -conocido de todas partes- , Fauna, Constelaciones, El artista y la fotografía, La sirena de Tormes, Milagros & Co, Deconstructing Osama, etc. En 1996 fue nombrado director artístico del Festival Internacional de Fotografía de Arlés. Está multipremiado: en 1998 obtuvo el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura de España; en 2011 obtuvo el Premio Nacional

de Ensayo por su obra La cámara de Pandora (hoy es un clásico tal como “La camera lucida”); en 2013 ganó el prestigioso Premio Internacional de Fotografía Hasselblad; en 2016 obtuvo el Premio Graffica... Y obtuvo muchos más. Su extensa obra fotográfica se caracteriza por el uso libre y muy razonado de herramientas informáticas en su tratamiento de la fotografía, tanto como de los media y del fotolibro. Al igual que otros artistas contemporáneos, representa una visión crítica de la realidad, las verdades fotográficas, históricas o ficticias, a través de la fotografía y su contexto. Entre 1985 y 2013, la obra de Fontcuberta ha sido expuesta en más de una treintena de museos y salas de arte de Europa, América del Norte y Japón como el Museo Folkwang de Essen en 1987, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en 1988, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, en 1989, el IVAM de Valencia, 1992, la Parco Gallery de Tokio, 1992, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, 1995, el Museo del Elíseo de Lausana, 1999, el Museo Nacional de Arte de Cataluña de Barcelona, 1999, o el Museo Redpath de Montreal, 1999. Tambien ha realizado obra monumental tal como la mosaica “El mundo nace en cada beso”, en Barcelona, y otras... Entre sus libros de teoría sobresalen: “Estética Fotográfica: una selección de textos” (1984); “Fotografía: conceptos y procedimientos”, (1990); “El beso de Judas. Fotografía y Verdad” (1997); “Historias de la

fotografía española. Escritos 19772004. Jorge Ribalta” (ed. 2008); “La cámara de Pandora: La fotografía después de la fotografía” (2010); “La furia de las imágenes. Nota sobre la postfotografía” (2016) ... Su trabajo de creación ha sido objeto de numerosas muestras monográficas. Entre las más recientes, se puede anotar: en el Hasselblad Center, de Gotemburgo (2013); Maison Européenne de la Photographie, de París (2014); Science Museum, de Londres (2014), Cosmocaixa, de Barcelona (2015), Museum Angewandte Kunst de Frankfurt (2015), Canal de Isabel II de Madrid (2015) y Museo de la Universidad de Navarra, de Pamplona (2016) ... Actualmente expone: “Kintsugi” en el Museu Fàbrica Reig Sant Julià de Lòria, Andorra; “Paisajes sin memoria” y “La fotografía del purgatorio” en La Fundación Antonio Pérez en Cuenca y Huete... Obras suyas se encuentran en colecciones como las del MoMA (NY), Metropolitan Museum of Art (NY), San Francisco MoMA, National Gallery of Art (Ottawa), Folkwang Museum (Essen), Musée National d’Art Contemporain – Centre Georges Pompidou (Paris), MEP (Paris), Stedelijk Museum (Amsterdam), MACBA (Barcelona) y MNCARS (Madrid)... Fontcuberta es un ilusionista que cuestiona constantemente las nociones de la verdad y de la quasi verdad, jugando con la realidad y la ficción para agudizar nuestro sentido crítico y obligarnos a utilizar todos los lenguajes.



©Joan Fontcuberta - Herbatium-Fauna-Milagro-La Sirena

Herbarium (1982) homenaje, con ironía, a la obra de Karl Blossfeldt y una desmitificación de la idea de objetividad; Fauna (19851989), la serie más reconocida del artista, es una falsa divulgación del archivo inédito de une desconocido criptozoólogo; Milagros & Co (2002) trata de lo religioso y las creencias; La sirena de Tormes (2000): un engaño paleontológico; ideas sobre la credulidad.


©Joan Fontcuberta

En Sputnik (1997) Fontcuberta relata las desventuras del invisibilizado cosmonauta soviético Iván Istochnikov y de su perrita Kokla. Es lectura sobre el manejo de la información, tanto en un régimen totalitario como en uno democrático, con ironía, filosofía; es una crítica sobre la falsificación...


¡CUBA ESTÁ DENTRO DE CUBA! Alejandro Alfonso Herrera (2021)

«Cuba una isla de contraste, tan rica como pobre, tan alegre como triste. Un pedazo de tierra en el Caribe que de alguna manera ha sobrevivido y lo hace gracias a ese realismo mágico. Un espacio donde el tiempo se maneja de forma diferente. Una palabra: Resiliencia.

Un experimento que no llamaremos fallido porque cualquier resultado a una experimentación siempre es válido. La fotografía documental ha sido la herramienta para mí de observación e interaccion con este contexto, la manera de aproximarme a esos fenóme-

nos con los que crecí y que ahora con la distancia veo con cierta extrañeza y añoranza» AA.H Alejandro Alfonso Herrera (1991), Graduado de Diseño Gráfico en el Instituto de Diseño (ISDI) en La Habana, fotografo profesional analógico-digital, documentalista y artista visual.





La imagen fotográfica es la herramienta de estudio y análisis del contexto que me rodea, y es en la práctica de fotografiar donde encuentro mi posición con respecto a este. Es en el acto de obturar donde tomo acción decantando el resto de la realidad para centrarme en un encuadre dentro de esta. Me interesa la exploración de distintos lenguajes visuales y narrativas, como parte del proceso de autodescubrimiento como individuo. Alejandro Alfonso Herrera “Cuba es tu corazón, Cuba es mi cielo, Cuba en tu libro mi palabra sea.” José Martí







Y EL RETRATO SE DEMOCRATIZA El espíritu elegante de una época...

©Ivan Ferreres

¡«Más allá del Rostro», la nueva muestra en el espacio expositivo de la escuela Grisart es fantástica! Es una exquisita selección de fotografías del siglo XIX que se utilizaron como tarjetas de visita; creación patentada en Paris alrededor de 1855 . Se decia que es Disdéri es el creador; pero en realidad, Disdéri no «inventa» nada; la idea de pegar una fotografía en una cartulina del tamaño de una tarjeta de visita ya había sido comercializada por un fotógrafo de Marsella llamado Louis Dodéro en 1850 y luego la «invención francesa» cruzaba El Canal y luego “El Charco”.

El recorrido expositivo reúne piezas de varios fotógrafos ingleses y se estructura en ámbitos: mujeres, la familia, los bebés, los caballeros... . Son fotografías rectangulares en vertical (de poco más de 7 centímetros de altura por 4,5 o 5,5 de ancho aprox.) montadas sobre soportes de cartulina algo mayor en el que figuran impresos en el dorso algunos datos: el fotógrafo, el taller, nombres, el creador de la imagen, logos, nombre del fotografiado... El retrato fotográfico del siglo XIX inaugura la era democrática de la representación del individuo. El re-

trato marcha del mundo elitista de la nobleza acercándose más a la pintura y de la escultura, para, con la fotografía, aproximarse al mundo de la burguesía, del comercio, las profesiones jurídicas, los funcionarios y la gente de la industria y también de los artistas. La exposición ha sido comisariada por Enric Montes e Ivan Ferreres, a partir de una colección privada donada por Chris Hewitson a Grisart Escola Internacional de Fotografía. El texto de la expo, sobre el «Rostro», muy potente, está escrito por Anna Bayó Duran. Jean-Matthieu Gosselin


©Ivan Ferreres


©Ivan Ferreres


©Ivan Ferreres


INTERVIEW DE IVAN FERRERES PUJOL

¿Cuáles son los criterios que habéis usado para la exposición?

Desde un inicio quisimos que la exposición fuese educativa, otra clase más de historia de la fotografía, pero que en este caso no pasara en el aula, sino que tuviera lugar en la galería de la escuela. No buscamos ir más allá de lo objetivo. El texto que acompaña la exposición de Anna Bayó, ya se encarga de la parte subjetiva, de generarnos preguntas y de que busquemos las respuestas El primer paso era ver, leer y empezar a buscar entre todas las imágenes. En ese proceso, se fueron creando algunos de los grupos que después utilizaríamos para la exposición: Diferentes tipos de planos, parecidos razonables, familias, parejas, niños. El principal motivo de descarte era que muchas de ellas estaban muy deterioradas por el tiempo (debemos pensar que algunas de ellas tienen 150 años) pero también los había por repeticiones, encuadres etc. Finalmente seleccionamos 136 cartes de visite, 24 de las cuales eran para mostrar la información que albergan en la parte posterior: fotógrafo, ciudad, logo corporativo etc.

Ivan Ferreres es fotografo, docente, curador. Estudió fotografía en Grisart (2010-2013) y se especializó en Fotografía Documental y Creación Multimedia. En 2013 consigue la beca de Creación de Proyectos con Pedro Arroyo como tutor y complementa su formación con el curso de postproducción profesional. Ha expuesto en varios festivales.

mente no debería explicarlo yo) intentaba no participar nunca en las clases de retrato cuando era alumno de Grisart! ¡Lo pasaba realmente mal! Como en todo retrato, seguramente la sintonía entre el fotógrafo y el modelo es crucial. Supongo que eso no ha cambiado. Muchas personas no se sienten cómodas delante del objetivo, y aquí es donde entra el trabajo psicológico del fotógrafo. Hacer un retrato es mucho más que un clic.

ya que, al ser originales de época, no podíamos utilizar ningún método expositivo que las dañara. La idea de mostrarlas encima de un listón de madera aparece en una conversación entre Enric Montes, Marta Sellarés y yo. Marta disponía de pequeños listones de madera con unas perforaciones, que fueron determinantes para entender que ese era el soporte ideal para mostrarlas.

¿Qué ha cambiado en la manera de fotografiar el rostro? Para mí no ha cambiado la manera de fotografiar el rostro. Objetivamente, cuando veo y leo las cartes de visite estoy viendo también los retratos de Alec Soth o Rineke Dijkstra entre muchos otros. O comparo los primeros planos de las cartes de visite con los retratos de Thomas Ruff o los murales infinitos de Antoine d’Agata. Evidentemente todos ellos con conceptos totalmente diferentes. Creo que más que cambiar la manera de fotografiar el rostro, lo que ha cambiado es el significado del rostro para gran parte de la sociedad, pero seguramente aquí, entraríamos en otro debate.

¿Cuáles son para ti y Enric Montes las cualidades de la carte de visite que podemos encontrar hoy en el retrato?

¿Cuáles son los retos a los que te enfrentas como comisario en este espacio y con este tipo de colección?

Tengo que reconocer que hacer retratos no es lo mío. ¡De hecho (y esto segura-

El mayor reto que teníamos por delante era el como mostrar las cartes de visite,

©Ivan Ferreres

©Ivan Ferreres

¡Hacer un retrato es mucho más que un clic!

El reto principal del espacio venía determinado por el tamaño de las cartes de visite (6,5 x 10 centímetros). No nos importaba que quedara una exposición minimalista, pero tampoco queríamos que la mancha blanca de la pared se comiera las imágenes. De ahí los dos vinilos ampliados y que hayamos trabajado la disposición en tres líneas y separadas entre ellas por 20 centímetros. El equilibrio visual que conseguimos, equilibra la de diferencia de tamaños (cartes de visite y paredes). Entrevista realizada por J-M Gosselin


©Ivan Ferreres

“Al dejar una tarjeta como carta de visita, se dejaba la huella fotográfica del cuerpo”, John Berger


©Ivan Ferreres

«A TRAVÉS DEL ROSTRO SE HA CONSEGUIDO VER, OÍR Y PERCIBIR.»

El rostro que mira, El rostro que calla, El rostro que evoca.

tamente a los ojos para recordarle que él era sujeto; que él tenía una de las cualidades más importantes para el individuo: identificarlo.

«Se ha hablado mucho del rostro. Tanto es así que las teorías que han nacido de él han terminado borrándolo. Se ha encarcelado al rostro, se ha mirado al rostro direc-

Porque a través de él se ha conseguido ver, oír y percibir. Así, uno fue rostro ligado al cuerpo, otros fueron rostros sin cuerpos y que

con el tiempo se convirtieron en cabezas sin rostros. La representación artística del hombre nació del rostro parlante, y se consumió en él a través del silencio.» Anna Bayó Duran


©Ivan Ferreres ©Ivan Ferreres

«El discurso construido en las cartes de visite se articula sobre tres elementos: El cuerpo, el vestuario y el escenario. El tratamiento de los tres elementos raramente escapa a una estandarización idealizada que le dice al individuo cómo debe mostrarse y qué debe esperar de las imágenes de los demás.», Félix del Valle Gastaminza


LA CASA DE PIEDRA La presencia de la ausencia

©Marta Sellarés

«La Casa de Piedra» es un libro mágico, de un formato precioso, centrado sobre la presencia de la ausencia, con una estética de lo impermanente. Es un proyecto que se despliega a través del laberinto de relaciones entre lugares e individuos, repasando esos imaginarios creados y sentidos que son una constante en nuestra memoria. Percibida más o menos conscientemente, esta esfera se expresa en nuestro interior mientras, a su vez, nos expresamos en él, y así configuramos nuestro espacio vital personal. Como en la expresión artística casi japonesa encontramos en este libro de bolsillo de Marta Sellarés, el espíritu de un Himitsu-Bako, este rompecabezas en forma de caja que nos explica algunas claves sobre nuestra psique donde predomina fuertemente lo sensorial. Se revela el mundo para ser sentido y vivido directamente, sin filtros que podrían desvirtuar todo y, por tanto, no se cargan los acentos en las premisas lógicas;

es más una inclinación por los intuitivo y concreto. En una narración muy sensible el trabajo gira en torno a espacios familiares y lo que ocurre en ellos. Cada elemento es fotografiado desde un punto de vista autobiográfico, trazando un mapa emocional de una forma específica de relacionarse con él y con el espacio. La exploración del territorio es un hilo conductor en su obra, y mas allá de su mente. Marta persigue su propia visión personal del entorno e incluye referencias a la memoria, la emoción enraizada en el espacio y la búsqueda de lo insólito que envuelve la experiencia humana La compaginación y los pequeños detalles son muy potentes. Ofrecen múltiples lecturas. Cada viaje dentro este libro propone al lector unas herramientas únicas que le permiten conectar con el mundo, relacionarse con él mismo y los demás, hacer frente a adversidades, de viajar con la memoria, tanto la de Marta como la suya.

En este libro sensible, libre, nostálgico, se encuentra un casamiento entre la naturaleza, la nostalgia romántica y la integración en de esa unión; y por otro, un esfuerzo por cubrir el vacío que percibe el hombre moderno en una idealización del pasado que deriva hasta vivir una ascética: personal y abierta. La expresión del vacío y el silencio, al hacer tan visible la nada, no parece difícil al artista, tampoco no obliga a un gran esfuerzo al lector gracias a la calidad de las imágenes. El conjunto tiene una gran capacidad para la invención conceptual. Este libro recuerda a un poema de Richard Brautigan: «The umbilical cord cannot be refastened and life flow through it again our tears never totally dry...” (June 30th, June 30th) Jean-Matthieu Gosselin


©Marta Sellarés


©Marta Sellarés


©Marta Sellarés


INTERVIEW DE MARTA SELLARÉS

© Marta Sellarés

“¡El fotolibro invita a mirar de una forma más íntima y pausada!”

1 – ¿Cómo tu proyecto ha llegado a convertirse en un fotolibro? ¿Cómo surgió la idea de este libro, cuál fue el detonante? La idea del proyecto surge ante la necesidad de reconectar y re-explorar los vínculos familiares y la relación que estos establecen con el territorio. Más concretamente con la casa familiar y sus alrededores. Lo realicé durante mi último año en Bellas Artes en 2018, como trabajo final de la carrera, y a finales del año pasado tuve la suerte de que Montse Puig e Israel Ariño me propusieran publicarlo en Ediciones Anómalas. 2 – Cuáles son las etapas del trabajo para llegar a este trabajo editado tan delicado y cuál es la diferencia con el montaje de una expo como la de Vendome, por ejemplo? Cuando Montse e Israel me propusieron publicarlo, iniciamos un proceso de revisión de las imágenes de mi maqueta, reemprendiendo la edición iniciada en la Facultad de Bellas Artes. En ese tiempo algunas imágenes se descartaron y a aquellas imágenes más centrales y representativas se les incorporaron otras que quedaron sin seleccionar en 2018. De esta manera conseguimos ampliar las

Marta Sellarés es fotógrafa y docente. A través de sus proyectos personales explora el territorio como hilo conductor desde el que encontrar una mirada singular hacia lo que nos rodea, haciendo referencias a la memoria, la emoción arraigada en el espacio y búsqueda de lo insólito que envuelve la vivencia humana.

capas de significado del proyecto, incorporar personajes y escenarios nuevos y quitar elementos o significados que se repetían. La diferencia fundamental que veo al relacionar el libro con la propuesta expositiva es el tiempo en la lectura de las imágenes. El fotolibro invita a mirar de una forma más íntima y pausada. En el caso de la propuesta expositiva, mi objetivo era que cada persona estableciera vínculos entre las imágenes menos lineales, más rápidos y que obtuviera una idea del proyecto al mirar las imágenes de una forma más global. 3 – Tu libro configura una cartografía emocional personal, insólita, explorando el territorio como hilo conductor, ¿el resultado te parece conforme a tu intención inicial? Estoy mucho más satisfecha del resultado ahora que en 2018. Ver las imágenes y el proyecto con más perspectiva y a través la mirada de Montse, Israel y el resto de personas que han colaborado en este proceso me ha permitido conseguir una selección más concisa y rica en significados. 4- ¿Cómo has trabajado con el diseñador y la editora? Cuéntanos. Ha sido un placer trabajar con Ediciones Anómalas. Les estoy muy agradecida por

la oportunidad y la confianza en el proyecto. Es muy fácil trabajar con ellos, desde el principio y hasta los últimos detalles. Además cuentan con la colaboración de Underbau para el diseño y de Eduardo Nave para la preimpresión y ha sido todo un lujo. Es fantástico sentirse acompañada por un equipo humano tan potente y cercano, creo que eso es lo que marca la diferencia. 5 – ¿Cuáles son tus autores de referencias en el fotolibro? Estuve muy influenciada por autorxs como Castro Prieto y su proyecto “Extraños”, Nolwenn Brod y sus proyectos “Even a mare horse is a kind of man” y “La Ritournelle”, Patrick Taberna con “À contretemps”, el trabajo de Raymond Meeks, Israel Ariño, Juanan Requena, Sam Contis entre muchos otros/as. Ver cómo cada uno/a se acercaba a la representación de su territorio más cercano o de su vida familiar y lo cargaba de significado y de magia fue fundamental para plantear mi propia visión del entorno y encontrar todos aquellos elementos que ayudaban a trasmitirla.

Entrevista realizada por J-M Gosselin


©Marta Sellarés


ENTREVISTA DE MONTSE PUIG Fundadora y editora de Anómalas

«un primer trabajo muy reflexivo y maduro»

1 - ¿Cuál es tu idea del papel de un editor en relación con los jóvenes fotógrafos? ¿Cómo descubres nuevos talentos?

©Marta Sellarés

Desde el inicio, nos hemos sentido comprometidos con los autores jóvenes y, de hecho, hemos publicado varios primeros libros de fotógrafos. Leí hace poco un texto de Llorenç Raich en el que decía: «Me consta el compromiso

abnegado y constante de gente joven, o desconocida, en aras de la fotografía, y esa actitud merece ser reconocida y valorada.» (leído en «Sobre la imagen poética. Correspondencia». Ed. Muga.)

parece un primer trabajo muy reflexivo y maduro, y ella una autora a la que seguir de cerca. Entrevista realizada para Jean-Matthieu Gosselin

2 - ¿Que te gusta en el libro de Marta Sellarés? Marta es una de esas personas jóvenes comprometidas con la fotografía. Me

Para descubrir el catalogo delibros de Ediciones anómalas https://www.edicionesanomalas.com


©Marta Sellarés ©Ivan Ferreres

«Si considero atentamente la casa, y sin ningún pensamiento, esta tiene un aire de eternidad, emana de la misma una especie de estupor. Es indudable que la veo desde cierto punto de mi duración, pero es la misma casa que vi ayer, un día mas vieja; es la misma casa que contempla un anciano y un niño. Si se derrumbara, seguiría siendo verdad para siempre jamás que la casa existió hoy.», Maurice Merleau-Ponty


EXPERIMENTACIÓN CON EL LENGUAJE POÉTICO

Tras la lectura de una de sus poesías, Laia nos introdujo al manifiesto sobre la videopoesía del poeta canadiense Tom Konyves, donde se define la videopoesía como un género de poesía ilustrado en pantalla y que, mezclando imágenes, texto y sonido, produce una experiencia poética en el espectador. Junto a la visión de algunos videopoemas, fruto de la colaboración entre poetas y videoartistas, Laia nos acompañó a visitar la exposición ‘La violencia ilustrada’ sobre Nanni Ballestrini, intelectual, poeta y artista visual italiano y mayor referente de la ‘Neoavanguardia’, movimiento de disidencia estética y ideológica que a partir de los años setenta encabezó una experimentación formal con el lenguaje poético. La parte final del encuentro en La Virreina fue la más interesante. A parte leer poesías de poetisas iberoamericanas propuestas por Laia que hasta ese momento desco nocíamos, hubo un momento más í ntimo en el cual compañeres can

©Jean-Matthieu Gosselin

Una clase inédita la que se llevó a cabo en el museo de La Virreina, donde nosotres les alumnes del curso de multimedia con Aleix Mateu, tuvimos la oportunidad de intercambiar ideas sobre el tema de la videopoesía, un debate liderado por la poeta catalana Laia Carbonell.

taron publicamente por primera vez sus propias poesías. En conclusión, la mañana no solo nos brindó la ocasión de conocernos de manera más profunda, sino que también generó nuevos espacios de reflexión y experimentación sobre una temática nueva como la videopoesía, con la posibilidad de poder presentar nuestros videopoemas al festival de videopoesía ‘Nudo’ de Barcelona. Sean Sborlino

En el marco de esta sesión los alumnos han visitado la exposición «Nanni Balestrini: La violencia ilustrada» (La Virreina, Centre de la imatge). Es un amplio recorrido de la trayectoria artística, política y editorial de este artista escritor, poeta, activista revolucionario, artista plástico, editor, conocido por su poesía y sus collages... La muestra se articula en cuatro apartados que transcurren cronológicamente e incluyen gran cantidad de material procedente del archivo personal del autor, tal como destacamos: La violencia proletaria (1975-2016), Les terroristes (1980), La strage (1993), Ytalietta 6 (2006), etc. “nuestro mundo está desapareciendo los ocasos suceden a los ocasos se puede oír su desgarro silencioso correr la sangre la vida que huye en hojas de papel corroídas marchitas acariciando las palabras aún visibles ...” (In Cosmogonia, 2010) donde desarrolla una inquietud poética, una aprehensión ontológica.

Fragment d’un poema de Laia Carbonell: Serà una branca sobre el capó d’un cotxe uns kilòmetres per sota d’on pasturen les vaqes. Serà una branca com una esllavissada, que avui no hem pujat a cavall. Serà una branca que no sortirà a la fotografia de la teva esquela, serà només una branca, un dia, com una broma, com una esllavissada assenyalant la fi d’un poble: colgant l’església, partint les terres, matant les bèsties. Laia Carbonell, «Dins de Nibrós» (Mon de Llibres, 2019; Premi Ciutat de Manacor de poesia Miquel Àngel RIera 2019)

Creación de videopoema

En su clase de multimedia Aleix Mateu, animó a los alumnos a realizar creaciones poéticas. Aquí está el trabajo de Sean Sborlino, el autor de este artículo.

https://youtu.be/aGfBjOZbr0k


EL PROYECTOR 2021

Un año más y Grisart tuvo la suerte de compartir El Proyector 2021 con Fundació Foto Colectania, con sus alumnos y con todos los que han venido a compartir el evento y ver los trabajos del año 2020-2021. Este año, la excepcionalidad de la situación ha hecho aún más emocionante que este tipo de encuentros tenga lugar, así que hay que agradecer a la Fundació Foto Colectania por hacer posible que se puede compartir tanta fotografía y que se puede seguir la vida critica artística, las muestras y también las relaciones sociales sobre el sujeto de la imagen. Desde cinco miradas diversas, Pilar Rodríguez, Lucas Sánchez, Romina Aguilera, Vicenç Vidal y Alba Serra presentaron diferentes formas de crear y transmitir en torno a la imagen y de las dificultades en el proceso creativo tras un año de pandemia. Los 5 proyectos seleccionados son los siguiente, todos de súper calidad: - “Ombligo” de Pilar Rodríguez - “Another Day in Paradise” de Lucas Sánchez - “Helena, Marta, Sara y el espejo” de Romina Aguilera - “Delta” de Vicenç Vidal - “Manual de gestos rusos” de Alba Serra Al contemplar estos trabajos me suena lo que decía Stephen Shore, con motivo de la publicación del libro «Steel Town», en una entrevista en “Libération”: «La ambición es fundamental para los artistas jóvenes. Siempre necesitas el equilibrio adecuado entre talento y voluntad, y también una cierta ética de trabajo.»

De izquierda a derecha y de arriba a abajo: 1 . Vicenç Vidal - 2. Alba Serra 3. - Lucas Sánchez - 4. Romina Aguilera - 5. Pilar Rodríguez. El Proyector : http://fotocolectania. org/


EXCELENCIA

«Las ganas de ganar, las ganas de triunfar, las ganas de alcanzar todo tu potencial ... Estas son las claves que te abrirán la puerta a la excelencia personal»

©Jean-Matthieu Gosselin

Confucio

JEAN-MATTHIEU GOSSELIN - 2016-2018 (fotógrafo)


©Olga Soria

«Pero los ojos de la sombra en nuestros ojos se endurecen y arañemos el muro o resbalemos por la roca, la sombra nos rechaza:

en esa piedra no hay olvido..» Octavio Paz OLGA SORIA - 2013-2015 (fotógrafa)


©Alba Serra

«Bajo una pequeña estrella Que me disculpe la coincidencia por llamarla necesidad. Que me disculpe la necesidad, si a pesar de ello me equivoco. Que no se enoje la felicidad por considerarla mía.

Que me olviden los muertos que apenas si brillan en la memoria.», Wislawa Szymborska ALBA SERRA - 2019-2020 (fotógrafa)


©Nathalie Vigini

«Es difícil decirlo, lo sé con la certeza de un puño que se rompe, del gesto torrencial que une ciertas estrellas. Quiero saber por qué a pesar de todo

hay ritmos que se agotan, en qué consiste el agua....», Miguel Sánchez Gatell NATHALIE VIGINI - 2017-2018 (fotógrafa)


©Ullic Narducci

«Blackbird singing in the dead of night Take these sunken eyes and learn to see All your life You were only waiting for this moment to be free

Blackbird fly, blackbird fly Into the light of a dark black night» The Beatles ULLIC NARDUCCI - 2017-2018 (fotógrafo)


©Anna Borbolla

«Querido poeta lejos de casa contigo y con tu sagrada Metrópoli en la maravillosa calma de una larga tarde donde la muerte es una sombra

que proyecta el Rockefeller Center Allen Ginsberg ANNA BORBOLLA - 2019-2020 (fotógrafa)


©Sabrina Azevedo

«Me desaté. Me abandoné del todo y fui. Hacia los placeres, que medio reales, medio imaginados en mi cerebro estaban, fui en la noche iluminada.

Y bebí licores fuertes, como los que beben los temerarios de la voluptuosidad. Constantino Kavafis SABRINA AZEVEDO - 2016-2017 (fotógrafa-Retoque)


©Isabel Serra

«Mi otoño: entro en la calma, lejos del mundo y sus peleas. No más afán que regresar, desaprender entre los árboles.

El viento del pinar abre mi capa, mi flauta saluda a la luna serrana.», Wang Wei ISABEL SERRA - 2016-2028 (Fotografa)


©Juan Casares

«Desde la ventana más alta de mi casa, con un pañuelo blanco digo adiós a mis versos, que viajan hacia la humanidad. Y no estoy alegre ni triste.

Ése es el destino de los versos.» Aberto Caeiro JUAN CASARES - 2012-2014 (fotógrafo)


©Flavio Edreira

«Mi Ángel no el de la Guarda. Mi Ángel es del Hartazgo y Retazo, que me lleva sin término, tropezando, siempre tropezando,

en esta sombra deslumbrante que es la Vida, y su engaño y su encanto...», Martín Adán FLAVIO EDREIRA - 2017- 2018 (fotógrafo)


Flavio Edreira (Promocion 20172018), Brasil, presentó su trabajo “Placebo” (finalista de la Convocatoria Fotograma Livre 2021) durante el Festival FestFotoPoA en abril-mayo. Es un trabajo reivindicativo y muy creativo, sobre el Brasil en pandemia, realizado a lo largo de estos 16 meses... . Durante la 14a edición del Festival, se se presentó la producción fotográfica de 2020, tocada profundamente por la pandemia del covid-19. El tema del festival era: “Fotografía y silencio - Nubes de es

©Flavio Edreira

“PLACEBO”: UN GRITO DE AYUDA A LOS BRASILEÑOS

cucha”. El programa se centra en la reflexión de cada artista sobre las relaciones sociales y ambientales a partir de la experiencia de aislamiento impuesta por la pandemia. Flavio explica “Placebo” así: “El

Foto de cover:© Maria Munzi Foto de primera: ©Jean-Matthieu Gosselin Fotos de contra ©Joan Fontcuberta Global Grisart es una publicación de Grisart Escola Internacional de Fotografia, C/ Méndez Núñez, 14 · 08003 Barcelona. Director: Albert Gusi - Coordinador: Jean-Matthieu Gosselin Textos/Imagenes: Joan Fontcuberta; Jean-Matthieu Gosselin; Albert Gusi; Montse Puig; Alejandro Alfonso Herrera; Ivan Ferreres; Anna Bayó Duran; Maria Sallarès ; Sean Sborlino; Vicenç Vidal; Alba Serra; Lucas Sánchez; Romina Aguilera; Pilar Rodriguez; Olga Soria; Ullic Narducci; Nathalie Vigini; Anna Borbolla; Sabrina Azevedo; Isabel Serra; Juan Casares, Flavio Edreira. Archivos: Ivan Ferreres Pujol - Mail: GlobalGrisart@grisart.

proyecto fue realizado para ser un grito de ayuda. ¡Un “Help” a la intención de la comunidad internacional! ¡Trabajo hecho para que la gente sepa un poco sobre cómo Brasil ha sido contagiado ‘por el virus de la política’ y por el ‘descuido de los poderes públicos’ ante los numerosos problemas que azotan al país! En las fotos se podrá apreciar el descuido del medio ambiente, como el problema de la ‘liberación del uso de armas a fuegos” en el país. Estos son ejemplos del descuido de parte de los poderes públicos y del ‘jefe supremo de Brasil’. Brasil pertenece a su pueblo y no a seres políticos que se autodenominan dueños del poder. ¡Seguiré gritando con mis fotos!”

Para contactar con los autores y fotógrafos: http://rafabadia.net/; Joan Fontcubertahttps://www.fontcuberta. com; www.jmgosselin.com; @ @jeanmatthieug; agusi@grisart. com; mireiasallares.com; www.enricmontes.com; iferreres@ grisart.com; https://www.grisart.com/; serraferreralba@gmail. com; msellares@grisart.com; alejandroalfonso1991@icloud.com; seansborlino@gmail.com; @vicensvidal_; @rominaaguilera__; @_pilarrodriguez_; @l4olg4; @ullic.lab; @nathalie_vigini_; @isaserra___; wwjuancasares.eu; https://www.flavioedreira.com/.


NUEVAS CÁPSULAS 2021

Estés donde estés, en Cataluña, en España, en Europa o más allá; ya seas antiguo alumno, o apasionado de la fotografía, de las imágenes o del vídeo, o bien de las nuevas tecnologías digitales... ¡Tenemos cursos, talleres, módulos, clases adaptadas para ti! ¡no dudes en contáctarnos, en escribirnos!


©Joan Fontcuberta

Joan Fontcuberta (1955), es artista, ensayista, crítico y promotor de arte especializado en fotografía. Tambien es profesor de comunicación audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra y en la Harvard University de Cambridge (Massachusetts). Colabora en varios proyectos artisticos. Su obra se ha expuesto en más de una treintena de museos y salas de arte en el mundo. Es autor de varios libros de fotos y de ensayos. Acaba de publicar en primavera «Contravisiones» en Anomalas ediciones, y «Kintsugi» en Editorial RM. Entre sus numerosos proyectos destacamos: Herbarium, Sputnik, Fauna, Deconstruir Ossama, Deletrix, Googlegrames o bien Milagros & Co...

VERBATIM DE JOAN FONTCUBERTA “Una manera de estar en el mundo” Toda fotografía es una ficción que se presenta como verdadera. Contra lo que nos han inculcado, contra lo que solemos pensar, la fotografía miente siempre, miente por instinto, miente porque su naturaleza no le permite hacer otra cosa. Pero lo importante no es esa mentira inevitable. Lo importante es cómo la usa el fotógrafo, a que intenciones sirve. Lo importante, en suma, es el control ejercido por el fotógrafo para imponer una dirección ética a su mentira. El buen fotógrafo es el que miente bien la verdad. Joan Fontcuberta, «El beso de Judas: Fotografía y verdad», p. 15, Editorial Gustavo Gili, 1997

«Creo que no hay buenas o malas fotos, sino buenos o malos usos de las fotos. La historia de la fotografía está llena de ‘errores’ y de fotos ‘defectuosas’... La fotografía en sí puede ser igual o muy parecida a la que se hacía años atrás; lo que cambia es lo que hacemos con ella. O sea, es en el ámbito de los usos donde se está produciendo una revolución. Incluso la importancia de los cambios no subyace en la novedad de esos usos, sino en la intensidad con que se aplican. Hace años ya enviábamos postales: una combinación de fotografía y texto que componía un mensaje. Hoy no cesamos de repetir

ese gesto con los emails, whatsapps y todo tipo de mensajes electrónicos. Lo hacemos con tanta profusión que al final hemos adoptado la fotografía como una forma de lenguaje con el que nos expresamos corrientemente. Antes, la fotografía era escritura; hoy es, sobre todo, lenguaje.» Joan Fontcuberta: «Antes la fotografía era escritura. Hoy es lenguaje», El Cultural, 11 de diciembre 2015

«Aceptamos el advenimiento de la posfotografía, pero desconocemos todavía el estatuto del nuevo escenario. Ante el exorcismo imposible que le libere el alma de la prisión de un cuerpo ajeno, la fotografía digital sigue encorsetada en la fotografía analógica y eso representa el gran desquite del pictorialismo. Porque en ese ajuste de cuentas con el destino se han cambiado las tornas: hoy toda foto es ineludiblemente pictorialista. El pictorialismo digital inunda el mercado de la imagen. ¿es eso todavía fotografía?» Joan Fontcuberta, «La caja de Pandora», p.189, Editorial Gustavo Gili, 2010

«El selfie tiene más que ver con el estado, que con la esencia. Desplaza la certificación de un hecho, por la certificación de nuestra presencia en ese hecho, por nuestra condición de testi-

go. El documento se ve así relegado por la inscripción autobiográfica (en cierta forma, como cuando los periodistas se convierten a si mismos en la noticia, el mensajero deviene mensaje).» Joan Fontcuberta, «La furia de las imágenes: Notas sobre la postfotografía», p.87, Galaxia Gutenberg, 2016

“El vídeo está siguiendo el mismo camino que la fotografía. Las antiguas fronteras entre medios comienzan a evaporarse. Hoy, las cámaras que usamos dependen del botón que apretemos, hacen vídeo o fotos. La imagen fija no es más que un fotograma, un momento congelado de una secuencia videográfica, y al revés un vídeo no es más que una multiplicidad de imágenes presentadas secuencialmente que producen la ilusión del movimiento” Joan Fontcuberta: «Yo nunca me he creído la fotografía», El Periódico, 04 de abril del 2013

«En el fondo, pues, la contravisión no es una vocación ni una doctrina, sino más bien una ética de la visión, un acto de imagen como pensamiento, una manera de estar en el mundo.» Joan Fontcuberta, «Contravisiones», Apuntes sobre la contravision, Ediciones Anómalas, 2021