Global Grisart Nº15

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GLOBAL GRISART

FEBRERO DE 2021

LA REVISTA DE LOS ALUMNOS Y AMIGOS DE GRISART ESCUELA INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA

SUMARIO EDITORIAL LA FOTO, EL CAMINO PARA EL FUTURO INAUGURACIÓN DE FESTIVAL PANORÀMIC «Public, Privat, Secret»

EDITORIAL

EXPOSICIONES DE TRES INTIMIDADES «Amnesia, Duelo, Reconstrucción»

Hace más de dos años, cuando lanzamos esta revista Global Grisart con Albert Gusi, decidimos que era de capital importancia dar a las artistas mujeres el protagonismo que se merecen. En dos años hemos tenido el placer de publicar resultados fotográficos de artistas excepcionalmente talentosas: Anna Galí, Maria Munzi, Marta Sellarés, Selva Ramírez, Simone Coitiño, Irene Royo, Maria Sintonen... y tantas otras.

UNA EXPOSICIÓN DE FOTOLIBROS ANTOINE D’AGATA Y «LA NUDA VIDA» MIREIA SELLARÈS Y LAS MUERTAS CHIQUITAS ROMPER BARRERAS Y #PANORÀMIC FROMHOME

EXPOSICIONES Y EXCELENCIA NUEVAS CÁPSULAS EN GRISART 2021 LIBRE OPINIÓN DE SOPHIE CALLE

©Leah Fresneda y Pablo Varela

ENTREVISTA DE ULLIC NARDUCCI

El humor, el absurdo, la poesía, el despertar de la heroína que está en cada una de ellas, los detalles de la vida, la visibilidad, el color, las emociones, los cuerpos en movimiento, etc. han ofrecido burbujas de aire a los espectadores o lectores.

Esta fotografía, a menudo joven, creativa y fresca, sumerge al sumergir el lector en territorios inexplorados. Además, el mundo de la fotografía está globalizado, permitiendo el reconocimiento progresivo de fotógrafas desde todos los continentes: Argentina, Uruguay, Cataluña, España, Finlandia... demostrando que sea cual sea el género, es fascinante y posible viajar por el planeta. Todas ellas son “artistas”, que rechazan ser solamente reconocidas con la única etiqueta de “fotógrafa”. Sus cámaras son unos vínculos entre todos los artistas del mundo, sin exclusividad, para romper todos los códigos. Jean-Matthieu Gosselin


©Pilar Rodriguez

©Alejandra_Lezcano

LA FOTOGRAFÍA, EL CAMINO PARA EL FUTURO Explorar las intersecciones entre fotografías, cine, imágenes, computadoras, redes, 3D, CGI, realidad aumentada, inteligencia artificial, etc., es el objetivo de la escuela Grisart. Crear una plataforma de análisis de imágenes contemporáneas, en sentido crítico y pedagógico, partiendo del convencimiento de que, a pesar de los incesantes bombardeos que recibimos, seguimos siendo analfabetos en imágenes, y que se debe trabajar con socios institucionales, museográficos y editoriales, sabiendo que la fotografía es el camino para el futuro... socios tal como Panoràmic -del que en este número se presentan los trabajos del cuarto festival. Panoràmic es el festival internacional que tiene a la fotografía como gran protagonista y que también se expresa de manera más amplia a través de disciplinas afines como el cine, el video, las instalaciones y otras prácticas artísticas contemporáneas. Además, la escuela apoya las exposiciones de muchos de sus alumnos y ex alumnos, algunos de los cuales tienen eco a nivel internacional; también ha estado presente durante muchos años en Arles, o en multitud de ferias y festivales. Como veréis en este número, multiplicaremos las iniciativas en el mundo de la imagen, ya sea hacia el mundo del texto o mediante las nuevas tecnologías, con varias cápsulas de formación. Como escribe el Dr. Jay Friedenberg: “Creemos percibir lo que nos rodea, pero percibimos conscientemente muy poco”. Así que todavía hay mucho por descubrir y enseñar.

©Grisart

Albert Gusi, director de Grisart escuela



CONFERENCIA INAUGURAL DEL FESTIVAL PANORÀMIC 2020

JOAN FONTCUBERTA «Públic, Privat, Secret»

©DR

Organizado en una situación sanitaria muy complicada, pero mantenido y realizado con ánimo por Grisart y dirigido por Joan Fontcuberta, Albert Gusi y Laia Casanova, el festival Panoràmic de Granollers, ha acogido en octubre y noviembre de 2020 a varios artistas e intelectuales, desde Anna Galí, Jacqui Barrowcliffe, Jean-Matthieu Gosselin, Daniel G. Andújar, Andrés Hispano y Félix Pérez-Hita, Lolita Bosch, Mireia Sallarès o Antoine d’Agata... También muchas charlas, desde Sophie Calle, Itziar Okariz o hasta el mismo Fontcuberta...

El tema escogido para esta cuarta edición ha sido el concepto de «extimidad», es decir, «la intimidad publicada», expuesta, en libre circulación, en autonomía de la imagen. El festival ha permitido pasar de lo «secreto, privado y escondido» en la imagen «mostrada, descubierta y pública», hasta la reivindicación en sí de esta misma.

LA PRIVACIDAD: UNA CONSTRUCCIÓN CULTURAL Y POLÍTICA

CON LAS REDES REALIZAMOS NUESTRO “REALITY SHOW” PERSONAL

El título, bastante enigmático «Extimitat», visto desde el exterior, ya nos da unas indicaciones sobre cuál fueron las narrativas visuales de las exposiciones del festival. ¿Donde viene el concepto? «La palabra extim aparece por primera vez en un texto de Albert Thibaudet en 1923, pero no es hasta 1969 que el psiquiatra y psicoanalista Jacques Lacan la utiliza en uno de sus seminarios. Hoy, el uso intensivo de las redes sociales y la necesidad de explicar la intimidad en el objetivo de perder el carácter privado para convertirse en público han realzado este concepto.» En su conferencia inaugural Joan Fontcuberta explica que «asistimos a una época de paradoja a medida que la sociedad civil y la legislación protege legalmente los derechos de la imagen la protección de datos, a medida que avanzamos en este sentido más renunciamos voluntariamente a esta intimidad y somos capaces de dar los datos de nuestra vida privada, gratuitamente, a las grandes corporaciones internacionales o a las instituciones políticas. La verdad es que la privacidad no es un concepto eterno siempre en funcionamiento, sino que es una construcción cultural y política.»

Las redes sociales han sido desde una década un territorio favorecido de la gente de hoy para la práctica de la extimidad, a la que sobre todo recurren los usuarios más jóvenes para obtener una forma de reconocimiento social. El concepto ha sido objeto de estudio de las ciencias sociales y un tema de inspiración por la literatura, el cine y las artes visuales. «Yo soy otro» afirmó Arthur Rimbaud. «Yo» soy poeta, enamorado, visionario, obsceno, irreverente, kitsch, vulgar, minimalista, peligroso, artista, secreto, diverso, confesional, agnóstico, los recuerdos ... El extime es, en esencia, el más íntimo. Según Fontcuberta: «con las redes sociales realizamos un “reality show” personal permanente. Estamos participando en un proceso acelerado para disolver el concepto de confidencialidad». Y el fotógrafo de analizar lo que ha pasado en la historia... 1 - Jean-Léon Gerome 1885, «La grande piscine de Brousse» 2 - Un fresco erótico de Pompeya 3 - Dibujo sobre la vida Romana 4 - Icono bizantino de «San Antonio y San Pablo de Tebas»


LAS VARIACIONES DE LOS PARÁMETROS HISTÓRICOS - Jean-Léon Gerome, 1885, «La grande piscine de Brousse», (in The Bohdan and Varvara Khanenko National Museum of Arts), p. 4. Gérome era un oponente -como maestro de la pintura estrictamente académicade los pintores impresionistas. Esta obra muestra la cuestión de la promiscuidad, reserva, intimidad, todo a partir de composiciones y temas religiosos, filosóficos, morales, culturales, políticos... «La intimidad es una construcción, la privacidad es un artificio según parámetros históricos». - En otro tipo de dibujo (cf. pagina anterior) descubrimos la vida romana «con su lado modesto-desvergonzado, con necesidades fisiológicas». Y entendemos que una escena que ahora se ha vuelto privada era entonces un acto público. - En los frescos de Pompeya, por ejemplo, se abordaron temas eróticos en público. «Esto permite entender que la especie humana es una de las raras especies que a la hora de copular busca cierta reserva, el secreto». ¿Es esto el resultado de una evolución genérica, o de una revuelta cultural y sociológica? - En la Edad Media la iglesia cristiana quería reuniones de adoración regulares, por lo que comenzó a proponer la interioridad, la separación grupal, el diálogo directo, la experiencia mística... «Es a este momento que el ser humano se acerca a las primeras conquistas de la intimidad (de lo privado)». En la p. anterior se puede descubrir un icono bizantino de «San Antonio y San Pablo de Tebas». - El paso más importante de esta historia tiene lugar en el Concilio de Letrán de 1215, con la obligación de la confesión para los creyentes. “Los fieles hablan directamente a Dios en un coloquio organizado; el

ser humano está aislado, se conecta con Dios a través de un solo interlocutor y habla de su privacidad, de su intimidad.» - Durante el Renacimiento, la imagen se multiplicó (pintura), pero sobre todo a través de la imprenta permitió pensar, reflexionar, difundir. Esto ha permitido crear una reflexión sobre la personalidad, sobre su propio “yo”. - Llegan entonces dos personajes fundamentales de la cultura occidental: Michel de Montaigne y René Descartes. Ambos hablan de la dimensión del sujeto: de Montaigne con «¿quién soy yo?» ¿Cuál es mi verdadero rostro en este mundo donde todos usan una máscara?» y Descartes que sitúa la cuestión del alma: «aquello por lo que soy lo que soy ...»? - La Revolución Industrial tendrá grandes consecuencias para el hombre y la sociedad, especialmente en términos de privacidad, «por un lado, la industrialización creará una fuerza de masificación de los trabajadores, y por otro lado, una posibilidad de acceso a nuevos medios para independizarse, de modo que las unidades familiares se vuelvan más autónomas.»

Exposicion «Sense intimitat» comisarada por Andrés Hispano i Fèlix Pérez-Hita en el Museu de Granollers, con su confesionario

- Este acceso a la era doméstica privada generará «un aumento de la conciencia de la propiedad de lo íntimo, hasta el punto de provocar un antagonismo entre lo que podría ser el derecho a la intimidad como síntoma de libertad y su doble antinómico derivado de pensamiento marxista opuesto a la propiedad. Pensamiento burgués versus pensamiento colectivista.» . Llegó 1890 y la 1a legislación defensora de lo íntimo, «El derecho a la privacidad», publicado en el Harvard Law Review bajo la firma de Louis Brandeis. En este texto se discute por primera vez el derecho al uso de la fotografía. El autor aboga por imponer sanciones a la invasión de la intimidad (invasion of privacy) y que los tribunales reconozcan «el derecho a quedarse en paz» (The right to be left alone). Y también nace «la inviolabilidad de la correspondencia» (a causa de la moda de las postales). «Luego se desarrollaron los canales de comunicación modernos: prensa, radio, TV. El consumo de información es desde hace décadas colectivo y familiar.»



con un grupo de tres fotógrafos de finales del siglo XIX fotografiándose con una gran cámara (foto de la pagina anterior, tres fotógrafos desconocidos fotografiándose a sí mismo con una cámara grande).

«El derecho a la privacidad», en el Harvard Law Review bajo la firma de Louis Brandeis

- Después viene la distopía orwelliana marcada por la proliferación de cámaras. De ahí la obsesión por ser espiados constantemente. ¿Y se cumple la profecía de Georges Orwell? La novela de 1984 se escribió en 1948. «¿Pero este mundo orwelliano es realmente una predicción o una fuerte advertencia?» - Hoy no podemos escaparnos de las cámaras, de la vigilancia de la imagen. En el espacio público, durante un evento, con el móvil, toda la gente fotografía o graba. «Todos somos hoy Homophotografo, no solo podemos consumir imágenes todo el tiempo, sino también producirlas. Esto nos lleva al selfie que es la quintaesencia de la extimitat, la quintaesencia de la postfotografía, de la cultura digital, para concebir una forma completamente nueva de aprehendernos en el mundo, en la sociedad y en la historia y darle otro rol a la imagen. Con el selfie, que algunos consideran tal como un regulador de emociones, hay una inversión entre sujeto y objeto. Antes, el fotógrafo se interesaba por una realidad, hoy está interesado en sí mismo.» Fontcuberta indica que esto no es nada nuevo, y muestra una imagen

Añadió: «Hoy la herramienta es pequeña y fácil de usar. El dispositivo se ha convertido en un apéndice de nosotros mismos. Lo más interesante es que hoy se muestra como creemos que somos, enseñando atributos, informaciones periféricas sobre el entorno, las marcas de los objetos de la vida, el decorado, la información intima, que no hace parte de lo que digamos, pero que revela una vida interior y exterior.»

DOS ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS CLAVES Para Joan Fontcuberta dos fotógrafos son característicos de esta reflexión: Antoine d´Agata que considera que el fotógrafo debe participar plenamente en todo y no debe ser un outsider ni tampoco un turista, y Sophie Calle quien ha trabajado en el conflicto entre lo público y lo privado, lo íntimo y lo notorio, durante 40 años. Ambos son paradigmas y reveladores de este tema. De cualquier manera, la extimidad no significa la desaparición del pudor, sino una administración diferente de las apariencias. Jean-Matthieu Gosselin

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Antoine d’Agatha, Phnom Penh, Cambodia, 2011, @Antoine d’Agata / Magnum Photos

«Hoy tengo mucha humildad

cuando veo esa profusión de imágenes generadas en todo momento, que son mucho más complejas y desafiantes que cualquier cosa que yo hubiera podido imaginar», Antoine d’Agata


Sophie Calle, Suite Vénitienne, 1980, @Sophie Calle

«No tengo una relación precisa con la realidad, trato de escenificar paradojas, lo absurdo ...», Sophie Calle


©Jacqui Barrowcliffe


EXPOSICIONES EN ESPAI ROCA UMBERT DE GRANOLLERS, PANORÀMIC 2020

TRES INTIMIDADES «Amnesia, Duelo, Reconstrucción»

El Festival Panoràmic se desplegó en octubre y noviembre 2020 por Granollers y Barcelona, centrado en una reflexión sobre las intimidades hechas públicas. En el terreno de las exposiciones, en el espacio Roca Umbert de Granollers estaban «Time on quaaludes and red wine», de Anna Galí; «Transitional», de Jacqui Barrowcliffe y «No surrender’» de Jean-Matthieu Gosselin. «TRANSITION»

El camino fotográfico se convierte en metáfora del espacio emocional interno. Eso es lo que significan estas imágenes, en las que Jacqui Barrowcliffe primero se enfrenta al armario lleno de la ropa de su difunto esposo, y debe ser capaz de aceptar-

Jacqui Barrowcliffe, «Transition», J.Barrocliffe / Festival Panoràmic 2020, @foto Anna Gali

lo, experimentar el dolor y gradualmente transformarlo en otra cosa. El espectador la sígue paso a paso, en silencio, como en meditación, en los diferentes momentos del proceso de duelo, comenzando con el shock, terminando con la aceptación y

©Jmg

Con nueve imágenes potentes, organizada como en un camino de cruz con sus etapas, la fotógrafa británica Jacqui Barrowcliffe medita en primera persona sobre la pérdida de su marido. La artista reflexiona sobre la privación de un ser querido -aquí su esposo- y sobre cómo superar su ausencia. También explica como la pérdida afecta el entorno familiar, cómo su ausencia en el espacio se convierte en una carencia en lo íntimo.

«Lo que me interesaba era explorar cómo la ausencia del ser querido afecta lo domestico... y la conexión entre los espacios externo e intimo.», Jacqui Barrowcliffe

pasando por la negación, la ira, la negociación, el agotamiento, la depresión, el vacío y la reflexión. Jacqui explica su trabajo así: «Me enfrento a un armario lleno de ropa de mi marido fallecido e intento, en varias etapas personales e intimas, ser capaz de aceptar la transformación de ese espacio es una metáfora de mi capacidad para enfrentarnos al dolor. No fue fácil.»


ŠJean-Matthieu Gosselin


«NO SURRENDER» Otro fotógrafo que presentaba una exposición bajo el tema de la extimidad era Jean-Matthieu Gosselin, un ex editor francés de 60 años. Hace siete años, el autor sufrió un derrame cerebral severo que lo dejó sin memoria y sin poder hablar, leer ni calcular. Desde entonces, la fotografía lo ha ayudado a avanzar y encontrar todo lo que ha perdido, incluso comenzar de nuevo estudios en Grisart, escuela donde se ha graduado. Como explicaron los organizadores del festival: «las imágenes lo invitaban a meditar, a redescubrir el entorno, a leer, a escribir. La fotografía le abrió la puerta a la rehabilitación física y la búsqueda de recuerdos». Su obra se presenta por etapas: el choque; la rehabilitación (cinco años de rehabilitación diaria con logopeda, psicóloga, y neuróloga); el reaprendizaje a escribir, leer, contar, aplicar la lógica, simetrías...; también el regreso a la infancia, a través las imágenes de lo que le quedaba; etc. Finalmente llega un capítulo largo con la fototerapia y el uso de la fotografía en su vida cotidiana como herramienta para una nueva memoria.

de que nada es público ni íntimo tal como lo definió Jacques Lacan en 1969, hasta llegar incluso a la tiranía de la verdad y la falsedad.

©Jmg

Bruce Springsteen, No surrender

Sobre este asunto Jean-Matthieu Gosselin explicó: «El descubrimiento de la fotografía fue capital en mi vida. ¡Otro mundo! Un pequeño espacio de memoria personal que se abre, con posibilidades creativas. Yo adquirí así otro idioma, una nueva escritura. ¡E incluso una nueva posibilidad de vivir! Al contar mi historia, ilustro el hecho

La pregunta es, entonces, ¿cómo evitar el exhibicionismo, los detalles? ... ¿Cómo presentar adecuadamente los fragmentos del yo íntimo a los ojos de los demás? Esta es una pregunta que los fotógrafos y los novelistas contemporáneos se hacen de forma recurrente hoy en día, llevados por la moda, incluso la tiranía de la auto-ficción.»

©Jmg

«Like soldiers in the winter’s night With a vow to defend No retreat baby, no surrender»

Jean-Matthieu Gosselin, «No Surrender», J-M Gosselin / Festival Panoràmic 2020, @foto Albert Gusi

Y agrega: «No se puede vivir sin memoria, sea verdadera, verosímil o falsa. Siempre se necesita. Cuando te levantas piensas en lo que hiciste ayer y en lo que vas a hacer hoy, pero piensas en un pasado y en una vida. Sin memoria, no somos nada.»


©Anna Gali


«TIME ON QUAALUDES AND RED WINE»

a través la «creación narrativa» realizada post-mortem por su madre. A través de sus textos, sus objetos,

La exposición de «más importancia mural» es el trabajo laureado en Cataluña, en España y en Europa estos últimos años, obra de la fotógrafa Anna Galí.

«He tenido la necesidad de utilizar siempre la fotografía como herramienta de documentación, pero también como elemento de escritura narrativa y descubrimiento de su espacio, de sus objetos...»

©Jmg

Anna Galí

©Anna Gali

Así descubre que, tras la apariencia de los encuentros familiares, se hallaba una persona atormentada por el pasado que buscó una vía de escape a su día a día difícil en el mundo. Y, si este trabajo fue un proceso de duelo para Anna, sobre todo es una forma de dar voz a Tomeu y dejar que sea él quien se explique a sí mismo.

Es una artista, pero también una madre que cuenta la historia real de su hijo Tomeu, de 18 años, encontrado muerto por sobredosis en su habitación de una residencia universitaria de Barcelona. Anna Galí expone cómo, a raíz de este hecho trágico, ha desarrollado el proyecto artístico «Time on quaaludes and red wine», con el que reconcilia las piezas conocidas y ocultas de la vida de su hijo.

©Anna Gali

Ex alumna de Grisart, fotógrafa profesional, Anna Galí ha hecho un trabajo fantástico de memoria y de reconstrucción de identidad. Su proyecto es un un proceso de búsqueda en el que la autora recompone la identidad de su hijo Tomeu, que murió inesperadamente. A partir de la búsqueda intima, de la herencia y huella digital que su hijo dejó, Anna reconstruye una parte de él que conocía y desconocía.

Anna no teme a las revelaciones sobre lo que pasó, sobre sí misma, sobre el dolor, sobre las ansiedades, sobre la intimidad de una historia familiar y tan personal, la de un joven adulto de 18 años que descubrimos

©Anna Gali

Anna Galí, «Time on quaaludes and red wine», Anna Galí / Festival Panoràmic 2020, @foto J-M Gosselin

sus cuadernos, sus realidades digitales e imágenes, madre e hijo nos hablan. Él nos cuenta sus experiencias, el porqué de sus decisiones y su particular historia; ella habla de su amor maternal a través de su creatividad, su invención y su capacidad de superación. Jean-Matthieu Gosselin


UNA EXPOSICIÓN DE ENRIC MONTES Y IVAN FERRERES PUJOL, DE

FOTOLIBROS SOBRE LA EXTIMITAD “Tell me your truth”

Marco Marzocchi, Oyster, Void, Elláda, 2019

«Toda historia tiene tres puntos de vista: El tuyo, el mío, y la verdad. Y ninguno miente.», Robert Evans

to. A lo mejor podría decir: Yo soy todo lo que queda fuera de estos libros de fotografía.

«Tell me your truth» es el titulo de una exposición de fotolibros comisariado por Enric Montes i Ivan Ferreres y presentada durante el festival Panoràmic 2020, en Granollers. Los 32 libros hablan del tema de la “extimidad” y son populares o desconocidos. En este recorrido los lectores se lanzan en busca de los “gozos” éxtimas, las delicias de la identidad revelada, los tratamientos de los sufrimientos, las sorpresas de las imágenes entre alienación y separación, entre revelación y secreto.

La extimidad y otros desastres. Yo soy. Yo soy esta fotografía. Aunque pensándolo bien, no sé si soy como me muestro o como me ocul-

Lukas Birk, The Penis & Vagina, Selfie Book 2.0,

La construcción de nuestra identidad es el reflejo de un espejismo

fragmentado, algunas de sus partes definidas por lo que otros ven, o por lo que nosotros dejamos que otros vean. Somos esta edificación entre la ficción que decidimos mostrar y la realidad que los demás imaginan detrás. Somos los que tenemos el poder de decisión de transformarnos sabiendo que somos observados. Nuestra intimidad ha desaparecido para convertirse en visible. Intimidad oculta. Extimidad mostrada. La proyección al exterior de una intimidad que se construye justo en su proceso de expulsión del adentro al afuera. En la exposición de este exilio, vemos en el otro lo que nosotros somos en realidad: un vaivén de ecos que viajan por la luz. Anna Bayó Duran


©Nancy Borowick, The Family Imprint, Hadje Cantz, Deutschland, 2017

©Märta Thisner, Drunk in love, Journal, Sweden 2019

LIBROS QUE COMPONÍAN LA EXPOSICIÓN - Akihiro Yoshida, Une Double Absence, Xavier Barral, France, 2019 - Claudia Hans, Silent Songs, RM Editorial, Spain, 2018 - Claudia Herrán, He sentido arrepentimiento por haber querido tanto, Self-published, 2019 - Cristiano Volk, Sinking Stone, Witty Books, Italia, 2018 - Eneka Fernandez, Terra-Nova, Self- published, 2017 - Henrique Carneiro, Luciara, Editora Madalena, Brasil, 2018 - Hiro Tanaka, Chicharron, Witty Books, Italia, 2018 - Indrè Urbonaité, State of Shame, Self-published, 2020 - Isabelle Evertse, Anthropoides Paradiseus, A-Jump Books, 2016 - Johan Sundgren, I lampans sken / By lamplight, Journal, Sweden, 2012 - Kent Klich, Picture Imperfect, Journal, Sweden, 2006 - Laia Abril, On Abortion, Dewi Lewis Publishing, UK, 2018 - Larry Clark, Tulsa, Grove Atlantic, US, 2000 - Larry Sultan, Pictures From Home, Mack Books, UK, 2017 - Lukas Birk, The Penis & Vagina, Selfie Book 2.0, Self-published, 2019 - Marco Marzocchi, Oyster, Void, Elláda, 2019 - Märta Thisner, Drunk in love, Journal, Sweden 2019 - Max Pinckers, Margins Of Excess, Self-published, 2018

- Michele Tagliaferri, A Swimming Pool, Dalpine, España, 2019 - M L Casteel, American Interiors, Dewi Lewis Publishing, UK, 2018 - Nan Goldin, The Ballad Of Sexual Dependency, Aperture, US, 2012 - Nancy Borowick, The Family Imprint, Hadje Cantz, Deutschland, 2017 - Ofer Wolberger, Billie, Skinnerboox, Italia, 2017 - Olivier Degorce, Fridge-Food-Soul, Patrick Frey, Switzerland, 2018 - Peter de Ru, Sven, Journal, Sweden, 2008 POV, Païen, France, 2016 - S. Overzee & A. Butterworth, The Narratee, Self-published, 2017. - Susanne Otterberg, Resort, Journal, Sweden 2018 - Tiane Doan na Champassak, Toys for sale, RVB Books, France, 2014 - Tina Enghoff, Possible Relatives / Eventuella anhöriga, Journal, Sweden, 2004 - Visvaldas Morkevičius, The Public Secrets, Self-published, 2015. - Ylva Sundgren, Inga kan älska som vi / No one can love like we do, Journal, Sweden, 2010 Yvonne Venegas, María Elvia de Hank, RM Editorial, España, 2010


ANTOINE D’AGATA EN EL FESTIVAL PANORÀMIC 2020 ¿ESTÁ LA VIDA DESNUDA? Antoine D’Agata es un viajero nato, un nómada en su vida y en su mente, un explorador del lado oscuro del ser humano, un artista que escapa a todos los lazos, a todas las referencias o escuelas, y que funda su vida y su trabajo fotográfico sobre la experimentación y la búsqueda del riesgo y la libertad. Fue uno de los grandes invitados de la cuarta edición del festival Panoràmic.

En una charla en directo desde Arts Sant Mónica, Antoine d’Agata y Joan Fontcuberta hablaron sobre el proceso creativo del fotógrafo francés de la agencia Magnum (este punto fue uno de los puntos de partida de la entrevista: por qué y cómo se mueve Agata en esta agencia legendaria). Luego, tras recordar su trayectoria, sus inicios, sus orígenes marcados por el situacionismo, su obra en México, se acercaron a la obra expuesta en Barcelona “La nuda vida” y al hecho de que, en las circunstancias que han marcado al mundo en los últimos meses, el fotógrafo ambicionaba descubrir otra faceta del virus y mostrar el mundo tal como es, a través de sus ojos y desde varios puntos de vista, como las resonancias sociales y políticas del cambio provocado por la Covid-19 en la sociedad. D’Agata explica su ambición. «Quiero mostrar la violencia institucional, política, social, que viene de arriba hacia abajo, y que en este ejemplo de fotografía necesidad un tipo de crueldad, de frialdad y también de distancia... Para enseñar el horror, lo horroroso de esta violencia institucional, traté de fotografiar de la manera lo más mecánica, más repetitiva posible. Para mí, todo funciona cuando la intensidad y el caos esta enseñado de manera

©Jmg

UN CONSTRUCTOR PARA NARRAR EL CAOS

estable. Porque así me permite abarcar una situación física, emocional y psicológica en una mirada sola. ¡Así es, hay todo en una foto! Entonces, la mejor manera de enseñar lo que pasa es con la descomposición de los momentos, del tiempo, para construir una narración.» 13.000 IMÁGENES Y 1.000 FOTOS EXPUESTAS La estrella de la agencia Magnum -que es un alma sensible y poética-, ha documentado en París durante el confinamiento de primavera, con una cámara termográfica, las calles, las entradas a los lugares funerarios y lugares donde la vida estaba en juego, es decir: los hospitales. Buscaba «la esencia de la humanidad», aquello que se expresa en las imágenes incandescentes y casi abstractas que realizaba a partir de la fuente de calor detectada por esta tecnología que utiliza su cámara. El proyecto fue creado en la Ópera de París y, sin haber sido expuesto en otro lugar, se expuesto en el Arts Santa Mònica en el marco del Festival Pan

oràmic 2020 ligado con la temática: Extimidat. La exposición presenta una instalación de cerca de mil imágenes de las 13.000 producidas por Antoine d’Agata entre el 11 de marzo y el 11 de mayo de 2020. Además de «Virus», la exposición reúne la serie: «Sacrificio» , «El grito del mundo», las siete ediciones de su fotolibro «Dar» y la película «White Noise»... Antoine intenta mostrar el dolor, la violencia, el sexo, el amor, y el acercamiento -e incluso sus límites extremos- hasta la muerte... En toda su obra propone descubrir un universo abstracto, inquietante, inflamado y también una efervescencia humana. Además, en octubre de 2020 se lanzó una nueva obra del artista, publicada por el Studio Vortex. La museografía de Barcelona era espectacular, única, silenciosa, contemplativa y alucinatoria al mismo tiempo, una especie de teatro de sombras secas de cualquier parecido con una realidad reconocida, que golpea la superficie misma de las cosas. Jean-Matthieu Gosselin


©Jmg ©Jmg - Exposicion “La nuda vida” d’Antoine d’Agata

A pesar de las diferencias formales entre las imagenes, todas sus fotografias proceden del mismo mundo, el mundo de la alienación contemporánea. Antoine d’Agata se siente pertenecer a la misma “sucia especie” -repitiendo la cita de Michel Foucault- que sus modelos fotografiados.


©Jmg - Exposicion “La nuda vida” d’Antoine d’Agata


©Antoine d’Agata - “Virus” - @Antpone d’Agata / Magnum, 2020


UNA EXPOSICION EN EL FESTIVAL PANORÀMIC, DE

MIREIA SALLARÈS “Tras el rastro del orgasmo”

Con “Las muertes chiquitas” la artista visual Mireia Sallarès emprende una búsquedauna búsqueda mas allá de las apariencias por encontrar las lógicas referentes al deseo, la vida en pareja, el gozo, pero también la violencia, el dolor, los machismos, y los tabúes sobre el orgasmo y las palabras para decirlo.

«La cuestión formal –es decir, el cómo, con qué y de qué manera– es fundamental en las artes visuales y es una cuestión que tiene causas y consecuencias de dimensión política.» Mireia Sallarès

pluralidad, la cuestión de la identidad mexicana o el compromiso ético del arte con las realidades sociopolíticas, y económicas.

©DR

Es difícil olvidar esta expo, a causa de la imágenes potentes, del video, de las imágenes de estas mujeres fuertes, de los textos escritos sobre post-it o las páginas de pliego... y obviamente del anuncio en neón de color rosa mexicano donde se lee el título de su proyecto: “Las muertes chiquitas”. La película es importante en el proyecto (además de los textos, de los post-it muy ásperos, plenos de crueldad y de verdad). El film, de cinco horas de duración, es el resultado de entrevistas, charlas y vivencias con cerca de 30 mujeres mexicanas

de diversas zonas, edades, estratos sociales, profesiones e ideologías que enlazan el placer con el poder, colonialismo, la transexualidad, el gé-

Mireia Sallarès, artista catalana trabajando en ambitos sociológicos y antropològicos

nero, la prostitución, la enfermedad, el exilio, la teología de la liberación, la

Para Mireia Sallarès, “El orgasmo es un espacio en donde puede haber mucha violencia, es el espacio de resistencia para las mujeres. Es desde el placer que hay que resistir pues, como se dice en Las muertes chiquitas, los orgasmos, como la tierra, son de quienes los trabajan”. Jmg


ROMPER BARRERAS

El Festival Panoràmic este año 2020 buscaba explorar el concepto de privacidad en un momento en que las redes sociales han derribado las barreras entre lo privado y lo público.

“Them Run Away”

... O EN FORMA DE ACTUACIÓN Por ejemplo, en la exposición “L’altre ubic. Migracions del cos fragmentat” organizado por Alsina en Arts Santa Mónica, donde exponen artistas como Teemu Mäki, Mar C. Llop, Mengwen Cao, Isa Fontbona, Francesca Steele, Itziar Okariz i Ricardo Muñoz. Ellos intentaban revertir los atributos sociales tradicionales reflexionando sobre las identidades plurales de nuestro tiempo y llamando a la resistencia; especie de emancipación de índole social, política y cultural, contribuyendo a reinventar la transformación social y los procesos de liberación de la humanidad.

... O CUESTIONANDO A TRAVÉS DE LA IMAGEN ANALÓGICA Pero la privacidad, la intimidad y su doble antinómico la extimidad también se pueden encontrar en un entorno puramente clásico de la fotografía.

Así con “Them Run Away”, un álbum familiar inmersivo lleno de miseria, frustraciones y sueños desvanecidos, a través del cual Martina Zanin, en la sala de la escuela Grisart, nos invitaba a cuestionar y saltar en “la dinámica de las relaciones modernas”. Jmg

Obra de @Ricardo Muñoz in “L’altre ubic. Migracions del cos fragmentat” y Foto de la exposicion ““Them Run Away”” de @Martina Zanin

“Los artistas cuestionan cómo las diferencias, el género, o las frustraciones condicionan nuestros comportamiento público.”


#PANORAMICFROMHOME

FOTOS DE LAS INTIMIDADES El periodo de confinamiento

vivido en la primavera 2020 se transformó en un momento de pura extimidad donde lo interno se convirtió externo, a partir del uso masivo de las nuevas tecnologías y las redes sociales.

El confinamiento fue un momento en que el uso de Internet expandió los límites de la privacidad y los usuarios compartieron sus vidas, diluyendo de dentro hacia fuera las fronteras entre lo público y lo privado. Asistimos, en otras palabras, a una intimidad compartida, a un voyeurismo colectivo, a una estética en busca del aspecto más revelador, indiscreto y exhibicionista. En este marco, el festival Panoràmic 2020 invitó mediante convocatoria abierta a personas de todo el mundo a través de Instagram. Durante el festival, ha mostrado una selección de estas imágenes indiscretas en la sala de Roca Umbert en Granollers. Jean-Matthieu Gosselin

Panoràmic 2020


AdriĂ Romero



De izquierda a derecha, de arriba a abajo: Belen Atienza Monina - Carla Oset - Carleds LLonc Molina Emili Argemi - Andrea Tejeda - Carla Barck



De izquierda a derecha, de arriba a abajo: Francesca Ceccotti - Gemma Polanco Enric Sirera - Danierla Olave - David Morella


De izquierda a derecha, de arriba a abajo: Gemma Polanco - ` Irina Gual Gonzalez - Jmg


Juan JosĂŠ Todoli



De izquierda a derecha, de arriba a abajo: Juan Luis Sanz Herruzo - Leticia Zeca - Maria Doce Paloma Bercovich - Lluis Agea - Maria Paton


De izquierda a derecha, de arriba a abajo: Mariana Medeiros Nuria Rosello - Shivkumar K. V.


PARA MIRAR LAS CHARLAS Ciclos de conferencias Panoràmic – KBr Fundación MAPFRE Sophie Calle: “Historias de pared” Presentación y moderación a cargo de Joan Fontcuberta. Pau Waelder: “Comparto, luego existo: vigilancia y autoexposición” Presentación y moderación a cargo de Andrés Hispano. Antoine d’Agata: “La nuda vida” Presentación y moderación a cargo de Joan Fontcuberta. Lolita Bosch: “La intimitat literària i la intimitat personal. Dos camins que la creació bifurca” Presentación y moderación a cargo de Fèlix Perez-Hita. Mireia Sallarès: “Els orgasmes com a espai de lluita política” Presentación y moderación a cargo de Mercè Alsina. https://kbr.fundacionmapfre.org/actividades/panoramic-festival/

Conferencias en la WEB de PANORÀMIC

De arriba a abajo: Rita Isabel Soares - Rosa Alonso García

«Conferencia Inaugural», a cargo de Joan Fontcuberta y Andrés Hispano. «Càpsula de Confort», a cargo de Daniel G. Andújar «Que puede silenciar el ego del fotógrafo?», a cargo de Arnau González i Vilalta. «No surrender», «Transitional», «Time on quaaludes and red wine », A cargo de Jacqui Barrowcliffe, Jean-Matthieu Gosselin y Anna Gali «Pasqual Maragall mira, 10 años después », a cargo de Cristina Maragall, Rafa Badia y Caro Garcia «La petite mort», presentación a cargo de Joan Fontcuberta y Pilar Rosado «Joan Fontcuberta en conversación con Kurt Caviezel» http://panoramicgranollers.cat/es/conferencias-y-activitats/


©Ullic Narducci

Exposición de Ullic Narducci en junio 2020 en Chappaz (Annecy, Francia)


INTERVIEW DE ULLIC NARDUCCI

©Jmg

“Hacer sus gamas, atreverse, desafiarse”

1 - ¿Qué exploras como formas de arte: la fotografía en blanco y negro? ¿Otros? Desde que regresé a Australia estoy pensando en el seguimiento de mi trabajo fotográfico. Cuando me incorporé a la escuela Grisart, ya estaba exhibiendo trabajos en blanco y negro y era un poco conocido por ello. Pero mi año en Grisart estudiando con dos profesores maestros como Rafa Badia y Enric Montes, codeándome con artistas como Txema Salvans o Albert Gusi, o fotógrafos documentales como Alfons Rodríguez, me abrió las puertas a otros caminos, especialmente hacia el color y también hacia la foto documental. Me cuestiono mucho de cómo la fotografía está transformando las cosas, de cómo el mundo de la imagen cambia. Me quedé muy profundamente marcado por una charla entre Enric Montes y Israel Ariño mirando algunas de mis imágenes. El tema era cómo no buscar en todo caso la foto perfecta y más documentar el momento como es, o como pensemos que se presenta, y poner más atención al entorno y a los detalles. 2 - ¿Hoy qué quieres hacer? Hoy estoy trabajando en ambos, todavía dudando sobre qué camino tomar. Es-

Artista visual, arquitecto de formación, Ullic Narducci es italiano-francés. Despliega una visión creativa a través una exploración estética en el contexto de su investigación fotográfica de la noche y lugares extraños. Expone en Italia, Francia y Australia. Ex alumno de la escuela Grisart, Ullic vive y trabaja en Sidney.

toy hablando con “agentes”, no solo por razones de acceso al comercio y a las galerías, sino para ayudarme en mi pensamiento estético. También trabajo con mis compañeros de mi colectivo: VEO. Fui seleccionado el año pasado para el festival fotográfico de Sidney, que debía realizarse en noviembre y se pospone hasta la primavera de 2021. He hecho una exposición en Annecy a la salida del primer confinamiento del Covid. 3 - ¿Que quieres realizar después de estos años de formación y de reorganización profesional? El blanco y negro me sigue atrayendo, pero ya no es el único medio que me interesa. Mis trabajos en el desierto australiano o mi reportaje en Ceilán fueron laboratorios fantásticos para ir más allá en el color. Meyerowitz, Stephen Shore, Alex Webb, Saul Leiter, Rafa Badia, Txema Salvans, son los que más me interesan y que estudio, tanto por la calidad de la toma, tal como por los puntos de vista, el juego del color, o la manera de desarrollar un sujeto... Escribí un artículo para esta revista (Global Grisart) sobre un apasionante trabajo fotográfico en color. Es de Ying Ang, “Gold Coast” (Selfedicion, 2014) y fue publicado en el N° 14. Es este tipo de trabajo el que me atrae.

Ahora trabajo de acuerdo con Picasso: “Aprende las reglas como un profesional, para que puedas romperlas como un artista”. 4 - ¿Cuáles son tus proyectos fotográficos actuales y cuáles tus consejos a los jóvenes fotógrafos? No sé cómo será mi futuro. Y nadie lo sabe. Por eso, en el mundo de la fotografía hay que estar muy preparado para todo: técnicamente, intelectualmente y sobre los temas de la actualidad... y ser muy flexible. Esto significa: trabajar, repetir, hacer tus gamas, atreverse, desafiarse a sí mismo. También significa que hay que saber utilizar los medios modernos como, por ejemplo, Instagram. Esta red puede ser una gran herramienta si, y solo si, la utilizas para seguir a fotógrafos, colectivos (hay muchos de notables), revistas de fotos, o bien “#” interesantes. Yo soy adepto de la frase de Marc Riboud que he hecho mía: “La fotografía no puede cambiar el mundo, pero puede mostrar el mundo, especialmente cuando el mundo está cambiando”.

Entrevista realizada por J-M Gosselin


EXPOSICIONES Y LIBROS

TOSHIO SHIMAMURA En la excelente Galería L’ANGLE de Hendaya, el artista japonés Toshio Shimamura expone su universo fotográfico. Nacido en Kyoto, Japón, tiene una trayectoria única, entre estudios en diseño de moda, experiencia como pastelero en Kobe, un diploma de la escuela nacional de creación industrial en París, antes pasar a trabajar como asistente del arquitecto y diseñador Gaetano Pesce en Nueva York. Luego descubrió realmente la fotografía, que lo llevó a nuevas vías creativas y, en particular, a su predilección por el mundo floral. Encontramos esta faceta en su última exposición “Eva”, presentada por primera vez en Hendaya en la galería de L’Angle, que propone excelentes artistas. “Me mezclo con la planta, que se ha vuelto alucinatoria y peligrosa. Luego me alejo, las fotos se vuelven más abstractas, como manchas de tinta negra profunda hasta que la imagen desaparece”.

Todo empezó con su encuentro con Eva - luego dibujada -; más tarde él observó una impresión de una foto de un girasol proyectando la silueta de ella en la foto ... “Este encuentro de un universo que se fusiona en otro, estas dos imágenes que se hablan en secreto este “Eva-Girasol” me produjo una sorpresa, pero también una alegría silenciosa. Este es el comienzo de esta serie de fotos ...” « L’ANGLE: expositions_médiations_formations » - 64700 Hendaye - Tel. 06 80 06 28 57 - “Eva” de Toshio Shimamura desde el 17 diciembre 2020 hasta el 31 de enero 2021. contact@langlephotos.fr www.langlephotos.fr facebook.com/langlephotos/ Instagram.com/l_angle_photographies

«La cuestión formal –es decir, el cómo, con qué y de qué manera– es fundamental en las artes visuales y es una cuestión que tiene causas y consecuencias de dimensión política.» Mireia Sallarès


WILLIAM KENTRIDGE: CRÓNICA DE LA HISTORIA SUDAFRICANA Con “Lo que no está dibujado” William Kentridge muestra algunas de sus obras más representativas que, a través de la animación, el dibujo, el cine y la música, constituyen -en su trabajo de artista- una crónica crítica de la historia sudafricana desde el apartheid hasta el presente. La exposición del CCCB está formada a partir de tapices de gran formato, la impactante instalación audiovisual “More Sweetly Play the Dance”, la serie completa de los once cortometrajes de animación “Drawings for Projection”, y siete dibujos en papel. El discurso creativo de Kentridge se desarrolla en torno al deber ético del artista que, según él, “pasa por carcomer los pilares del dogma con las

NOIR ET BLANC UNE ESTHETIQUE DE LA PHOTOGRAPHIE Organizada por la RMN-Grand Palais y la Biblioteca Nacional de Francia, la exposición debía inaugurarse el 8 de abril de 2020. Debido al primer confinamiento, se había pospuesto al 12 de noviembre de 2020, luego, al anuncio del segundo confinamiento la exposición se pospuso una vez más para el 16 de diciembre, luego se pospuso nuevamente otra vez. Pero el catálogo estaba publicado y es un libro excepcional. El propósito de este trabajo de altísima calidad es el siguiente: “un viaje que abarca 150 años de historia de la fotografía en blanco y negro, desde sus orígenes en el siglo XIX hasta la creación contemporánea.» Allí nos encontramos 200 artistas de más de 30 nacionalidades diferentes: Man Ray, Ansel Adams, Helmut Newton, Florence Henri, Ralph Gibson, William Klein, Mario Giacomelli, pero también Israel Ariño, Joseph Koudelka, Renato D’Agostin, Laurence Leblanc, Gilbert Fastenaekens, Fujimo-

William Kentridge “Drawing for Tide Table”, 2011. Carbón vegetal sobre papel.

herramientas de la incertidumbre, la ambigüedad y la contradicción”. ¡Visita imprescindible y vital! Grisart

to, Paul Caponigro, Jean-Luc Tartarin, y tantos otros... Renato D’Agostin explica una cosa sencilla: “Dominar el blanco y negro significa dominar el negro, el blanco y el gris ...” En este libro, estas fotos, estas composiciones muestran cuánto ayuda la fotografía en blanco y negro a salir de la inmediatez para que tomamos el tiempo de mirar, de construir, de pensar, de degustar la poesía, la emoción, como un

Visita de la expo W. Kentridge en el CCCB, de Barcelona, hasta el próximo 21.02 https://www.cccb.org/.../ficha/william-kentridge/232743

silencio enmedio de lo más loco tumulto de colores las chillonas lecturas de las pantallas. Como dice Sylvie Aubenas: “El blanco y negro no es nostálgico, es más bien atemporal y una apuesta segura.” J-M Gosselin «Noir et blanc. Une esthétique de la photographie», 2020, RMN-Grand Palais, 45 €.


EXCELENCIA

«La excelencia es un arte que solo se puede lograr mediante el ejercicio constante. Somos lo que hacemos repetidamente. La excelencia, por tanto, no es una acción, sino un hábito »,

©Michaela Fenton

Aristóteles

MICHAELA FENTON - 2017-2018 (fotógrafa, producer)


©Ullic Narducci

«¡Pero no! Máscara es sólo, mentiroso decorado, ese rostro que luce un mohín exquisito, y, contémplalo cerca: atrozmente crispados, la auténtica cabeza, el rostro más real,

se oculta al amparo de la cara que miente. ¡Oh mi pobre belleza! El río esplendoroso...» Baudelaire ULLIC NARDUCCI - 2017-2018 (fotógrafo)


©Maria Munzi

«Acuérdate, me crié con más cerros y montañas que con rosas y claveles y sus luces y sus sombras

aun me caen a la cara. Los cerros cuentan historias» Gabriel Mistral MARIA MUNZI - 2017-2018 (fotógrafa)


©Marta Sellarès

«¡Y las demás! En tantos climas, en tantas tierras siempre son, si no pretextos de mis rimas fantasmas de mi corazón.

En vano busqué a la princesa que estaba triste de esperar...», Rubén Darío MARTA SELLARÉS - 2018-2019 (fotógrafa, docente)


©Jean-Matthieu Gosselin

«Serena voluptuosidad e inmensa ternura, A los transeúntes ocupados ya no les ofrezcas una carícia: Una tiene los brazos clavados, la otra tiene los brazos rotos. El hombre, sin caridad, revende lo que compra;

La mujer lo regatea una noche meditabundo: Los abrazos hermosos ya no ocurren.» René-François Sully Prudhomme JEAN-MATTHIEU GOSSELIN - 2016-2018 (fotógrafo)


©Alba Serra

«Dicen que finjo o miento en todo cuanto escribo. No. Yo simplemente siento con la imaginación.

No uso el corazón.», Fernando Pessoa ALBA SERRA - 2019-2020 (fotógrafa, diseñadora)


©Marina Ruiz

«...Viene de un lugar que está más allá Por encima del sueño No espero a nadie Pero aquí está la noche

Coronada por el fuego» Philippe Soupault MARINA RUIZ- 2011-2012 (fotógrafa)


©Violette Letient

«¿Quieres tú saber de mi vida? Yo sólo sé de mi paso, de mi peso, de mi tristeza y de mi zapato.

¿Por qué preguntas quién soy, adónde voy?... Porque sabes harto lo del Poeta...», Martín Adán VIOLETTE LETIENT - 2015-2016 (Artista)


©David Molero

«A la dolorosa luz de las grandes lámparas eléctricas de la fábrica, Tengo fiebre y escribo. Escribo rechinando los dientes, fiera para esta belleza,

Esta belleza totalmente desconocida por los antiguos. ¡Oh ruedas, oh engranajes, r-r-r-r-r-r eterno!» Álvaro de Campos DAVID MOLERO - 2015-2016 (fotógrafo - docente)


©Anna Gali

«The cat’s in the well, the wolf is looking down. The cat’s in the well, the wolf is looking down. He got his big bushy tail dragging all over the ground. The cat’s in the well, the gentle lady is asleep.

Cat’s in the well, the gentle lady is asleep. She ain’t hearing a thing, the silence is a-stickin’ her deep.», Bob Dylan ANNA GALÍ - 2017- 2018 (fotógrafa)


Grisart en 2021 ofrece nuevas capsulas de formación, una amplia e innovadora propuesta de cursos, talleres, clases de formacion profesionales sobre todos los aspectos de la fotografía, de la imagen, del texto, del vídeo y el tratamiento de la imagen (photoshop, CGI, etc.). Os presentamos aqui las nuevas capsulas. La escuela ofrece programas propios que evolucionan año tras año al ritmo de la tecnología y la sociedad para formar profesionales de la

cultura visual contemporánea. Este año se podrá encontrar: - Programa de cursos cortos para tener un primer contacto de formación básica o esencial entorno a la fotografía y la cultura de la imagen. - Programa de cursos profesionales destinado a aquellos que quieren formarse en el mundo de la fotografía y el vídeo. - Programa de formación abierto y evolutivo, que aborda la creación y el tratamiento de la imagen desde la tecnología más avanzada. Objetivo: aprender con la última ingeniería tecnológica de la imagen, en un proceso de formación y conocimiento que va más allá de la fotografía y el vídeo convencionales. - Cursos online para tener suerte de

Foto de cover:© Leah Fresneda y Pablo Varela Barca Foto de primera: ©Pilar Rodriguez - Fotos de contra © Sophie Calle Global Grisart es una publicación de Grisart Escola Internacional de Fotografia, C/ Méndez Núñez, 14 · 08003 Barcelona. Director: Albert Gusi - Coordinador: Jean-Matthieu Gosselin Textos/Imagenes: ©Alejandra_Lezcano; Jean-Matthieu Gosselin; Albert Gusi; Joan Fontcuberta; @Antoine d’Agata / Magnum Photos; @Sophie Calle; @ Marco Marzocchi; @Lukas Birk; Anna Bayó Duran; @Maria Sallarès ; @Martina Zanin ;@Ricardo Muñoz; @ Adrià Romero; @Belen Atienza Monina; @Carla Oset; @Carleds LLonc Molina; @Emili Argemi; @Andrea Tejeda; @Carla Barck; @ Francesca Ceccotti @Gemma Polanco, @Enric Sirera; @Danierla Olave; @David Morella; @Gemma Polanco; @Juan José Todoli; @Juan Luis Sanz Herruzo; @Leticia Zeca; @Maria Doce; @Paloma Bercovich; @Lluis Agea; @Maria Platon; @Irina Gual Gonzalez; @Mariana Medeiros; @Nuria Rosell; @Shivkumar K. V.; @ Rita Isabel Soares; @Rosa Alonso García Ullic Narducci; Anna Galí; Jacqui Barrowcliffe; Enric Montes; Ivan Ferreres; David Molero; Sophie Calle. Archivos: Ivan Ferreres Pujol - Mail: GlobalGrisart@grisart.

©Jmg ©Jmg

GRISART ESCOLA INTERNACIONAL DE FOTOGRAFIA EN 2021

El trabajo de la clase de Autoedicion presentado el 18 de decembre 2020.

aprender a distancia: creacion de proyecto; CGI; retoque de fotos... Contactos: info@grisart.com Tél.: 00 34 934 57 97 33 https://www.grisart.com/

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NUEVAS CÁPSULAS 2021

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Sophie Calle (París, 1953) es una artista francesa que, desde finales de los años 70, ha expuesto extensamente en todo el mundo. A menudo identificada como artista conceptual, fotógrafa, directora de cine e incluso detective, ha desarrollado una práctica inmediatamente reconocible por sus diversos elementos narrativos, así como la frecuente combinación de imagen y texto.

©Sophie Calle

Cada uno de sus proyectos puede entenderse como un capítulo dentro de un vasto conjunto de referencias y ecos, donde Calle a menudo difumina las fronteras entre lo íntimo y lo público, la realidad y la ficción, el arte y la vida.

LIBRE OPINIÓN DE SOPHIE CALLE “Historias de pared” Entre las historias de pared y las historias de papel hay una resonancia, pero no son las mismas. Cuando empecé quería seducir a mi padre. Él era un coleccionista de arte contemporáneo; la dirección que tomó mi trabajo era para encantar a mi papá: trabajar la pared. Además, me he dado cuenta de que “escribir” para la pared es mucho mas complicado porque hay que tener un lenguaje sobrio, un idioma rápido, corto, ofrecer un mensaje conciso y contundente para un publico que visita una exposición de pie, en un tiempo definido. De todo eso resulta mi manera de escribir, mi estilo particular, es decir: una obligación de ser obligatoriamente tajante y no tomar caminos tortuosos para esquivar el punto crucial. Cuando realizo un trabajo nuevo, siempre hago un libro y una exposición. Esta es algo mucho mas difícil realizar para mí. Hacer el libro es alegre, es sensual. El libro, a mí, me viene sencillamente. La pared por otro lado es más una lucha. No sabia pintar. Pero escribir era natural para mi y fotografiar me parecía fácil. Yo empecé con la mezcla de los dos artes. Numerosas de mis instalaciones se montaban en lugares desafectados, en edificios históricos, en zonas de huellas,

pero no lo hice para cada trabajo. Lo utilizo según el sujeto. Lo hice, por ejemplo, para la exposición relativa a la muerte de mi madre porque necesitaba el misterio de un sitio, la obscuridad natural, los aspectos laberínticos de la arquitectura... ¡A cada proyecto tiene su lugar y su tipo de territorios de exposición! Pero cuando estamos en un sitio estético, debemos hacer todo lo posible para no dañarlo, no destruirlo y crear armonía. Es todo un juego entre el sitio, el artista y la instalación. En este contexto la exposición de pared es más fácil porque tenemos un tercer elemento en el juego: el sitio. En el proyecto de los “últimos momentos de la vida de mi madre”, he buceado en el íntimo profundo. Sé que algunos califican el trabajo de chocante, porque toco un tabú, la muerte y su llegada. En realidad, es la realización de una voluntad común para pasar ambos, los últimos momentos de vida de mi madre. Los médicos habían dicho, “mas o menos tres meses”. Me puse al lado de su cama y decidí de no moverme y de poner la cámara a su lado también. Este era el vigilante que me sirve cuando no estaba presente. Esta organización funcionaba perfectamente para ambos. Mi madre era extravertida y estaba contenta por fin de ser por primera

vez el sujeto de mi trabajo. Para nuestras dos era un acto de amor. Este proyecto fue posible porque había cariño, belleza, complicidad, suavidad en los momentos pasados entre nosotras y la connivencia de la música... He grabado tres meses sin parar. Me quedé a su lado hasta el final y la filmé. El último deseo de mi madre era escuchar una pieza de Mozart. Durante los once minutos que murió, no sé si estaba viva o si realmente no me di cuenta de que se había ido. Entonces puse Mozart. Son estos momentos que he ensenado en la exposición, el momento donde no sabes si el ser querido vive o no. Esta muestra, es mi exposición que nunca dejo, sin acompañarla. La acepto solo cuando tengo todo el control y cuando soy la única artista. Decido todo, los marcos, los colores, las pinturas, la luz, etc. Cuando soy espectadora de este trabajo particular, no puedo verlo. Tengo la distancia necesaria solo cuando me ocupo de la expo como una labor. Los problemas relacionados con la muerte son la ausencia, la falta o incluso la memoria... Charla de Sophie Calle en el festival Panoràmic 2020 https://kbr.fundacionmapfre.org/actividades/ panoramic-festival/


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