Global Grisart Nº18 by Grisart Escola Internacional de Fotografia

GLOBAL GRISART

OCTUBRE DE 2021

LA REVISTA DE LOS ALUMNOS Y AMIGOS DE GRISART ESCUELA INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA

SUMARIO

EDITORIAL

EDITORIAL RAFA BADIA: FOTOGRAFÍAS SIN CONCESIONES UN LIBRO: “AÑOS EN PLATA” “SER LOBAS”: ENTREVISTA DE LURDES R. BASOLI Y ELISA MIRALLES ¡EN LAS HUELLAS DE GOETHE Y STENDHAL! Ivan Ferreres ¡BARCELONA, UN FUTURO SIN LIMITES! Ullic Narducci SILENCIO DE PARÍS Jean-Matthieu Gosselin

NOTICIAS Y EXCELENCIA

VERBATIM DE EPSE PONS

©Alba Serra

¡BRASILIA: EL PULSO DE NIEMEYER EN EL PALACE HOTEL! Flavio Edreira

¿Y si miramos al otro lado de la pared para ver lo oculto u lo desconocido, para ir hacia una incógnita?. No hagamos la misma imagen todos los días, porque es, nos dicen, “nuestro estilo”, o la técnica con la cual estamos bien. En su libro “El muro”, Sartre explica que «el muro es infinito, impenetrable; es lo que nos impide huir de nuestra existencia (...) la que tenemos que afrontar. Tienes que mirarlo, e incluso ir al otro lado». En este número conocerás a autores que han saltado la pared. – Rafa Badia, conocido como fotógrafo callejero, docente, historiador de la fotografia, amante de los colores y del kodachrome, nos descubre sus primeros amores, sus años de fotógrafo de viajes, también su poesía del detalle, su visión de artista en blanco y negro, y como él es un amante de la composición. ¡Va y viene sobre la pared! – Lurdes R. BasoLí y Elisa Miralles, fotógrafas multipremiadas con diferentes estilos, han iniciado un trabajo común y hacen una muestra para formular visualmente los extraños mecanismos que operan el mundo, donde las mujeres son vulnerables.

– Brasaï, abre caminos hacia la reflexión interior y la evocación de la memoria con un tratamiento casi documental de los lugares y de la poesía del silencio. – Cuatro ex-alumnos presentan ciudades diferentes de manera subjetiva y con cambios estéticos en sus fotografias: Ivan Ferreres va desde Roma a Nápoles con colores saturados, imagenes borrosas, ruidosas, con las que cambia el enfoque habitual; Ullic Narducci, conocido por su blanco y negro, ofrece una visión de Barcelona a través de un filtro nostálgico ligeramente marrón; Jean-Matthieu Gosselin viaja a un París silencioso con fotos “menos” perfectas, imágenes torcidas y desgarrada; Flavio Edreira, el hombre de “Tormenta” y “Spam,” nos descubre Brasilia a través de una visión totalmente libre, tomando el núcleo arquitectónico que es el “Brasilia: Palace Hotel”. «Cuanto más te alejas de ti mismo, más desafiante es. No estar en tu zona de confort es muy divertido» dice el actor Benedict Cumberbatch. Jean-Matthieu Gosselin

©Pau Martínez

RAFA BADIA: FOTOGRAFÍA SIN CONCESIONES «Soy de una generación educada en la idea de que la fotografía es táctil»

Este otoño, Rafa Badia, fotógrafo, editor grafico, historiador del arte de la fotografía, profesor, publica un libro sobre aquellos años que nunca volverán. “Años en Plata”, no es un libro nostálgico, es un ensayo sobre los 30 años que han cambiado nuestro mundo, transformado la foto, superado nuestra juventud... Y si es una vuelta hasta su juventud propia, es un viaje en la evolución de la fotografía de los años 80 hacia el inicio de 2000. Para muchos alumnos Rafa Badia es un fotógrafo del kodakolor, de “street photography”, de bodegones brillantes, de poesía urbana... Pero él es, sobre todo, un artista de la composición de la imagen, un fotógrafo de viajes, un humanista, un sociológico, un reportero de las emociones. Cuando se descubre sus fotos en blanco y negro, la profundidad de su trabajo, que es muy amplio, nos lo parece más. Nos ha parecido muy importante entrevistarle en Global Grisart sobre sus fotos de juventud, y también sobre la fotografía en blanco y negro, sobre la cual Rafa ha reflexionado tanto.

Rafa Badia

1 - ¿Como ha nacido la idea de tu libro, ¿primero el concepto y después su diseño?

La mayoría de las fotos de la entrevista son publicadas en el libro «Años en plata». Pero dos no: la imagen del “trozo” del Discóbolo, que Rafa Badia realiza en 1979, cuando solo tenía 15 años; o el retrato de él mismo, en 1996, época en la que hacía las fotos para el libro.

El origen está en un pdf que realicé hace unos años, una publicación digital con 60 fotos que estuvo “colgada” de mi página web hasta 2019. Hacia 2014 me di cuenta que a mis alumnos y seguidores en las redes sociales les interesaban las imágenes en blanco y

©Rafa Badia

2 - ¿Porque vuelves de nuevo a tu amor de adolescencia: el blanco y negro? ¿Cuál ha sido tu evolución fotográfica en los últimos años? Vuelvo al blanco y negro para descansar de un color que me ha dado gran-

des alegrías en estos últimos 25 años, pero con el cual, en este momento, me siento un poco encajonado. Volver a mi particular “punto de partida” tal vez me ayude a volver a mirar la realidad de una manera directa e, incluso, ingenua. Se trata de volver a aproximarse al hecho fotográfico como hacía hace 40 años, cuando era un adolescente que se perdía por las calles de Madrid con su Pentax Spotmatic y un carrete de Ilford de reserva en el bolsillo, sin saber con qué iba a encontrarme.

Mirar la realidad de una manera directa e, incluso, ingenua... Creo que, resumiendo mucho, mi trayectoria fotográfica parte de la iniciación a la técnica y al léxico de la imagen en la adolescencia; para una posterior evolución, durante mi juventud, como fotógrafo de viajes profesional en blanco y negro; luego llega la fotografía callejera en color durante la edad adulta y, tal vez, ahora me encuentro en una vuelta a los orígenes en la edad madura. De hecho, el título provisional para mis nuevas fotos monocromáticas es “Punto de partida”.

“Usar la palanca de avance de la película me parece un acto tan agradable e inapelable como apretar el botón del disparo. El tacto de la máquina, así como el sonido que se produce cada vez que se realiza una foto, refuerza la sensación de que se trabaja con una herramienta sencilla pero precisa y fiable, una aliada que no esconde secretos y que permite desarrollar tus capacidades expresivas. Es, en resumidas cuentas, un objeto similar a un instrumento musical que, además de útil, genera un pequeño placer cuando es empleado. Entiendo perfectamente que el músico Miles Davies, para estar tranquilo, necesitara tener siempre a mano su trompeta, aunque no se la llevara a los labios. Salvando las distancias, a mí me ocurre algo parecido cuando tengo mi Nikon FM2 entre las manos”

©Rafa Badia

negro de mis años de reportero de viajes para el diario “El País”. Entendí, además, que esas fotos que hice con cámara de carrete entre finales de los 80 y la década de los 90, se habían convertido en “clásicas”, que no “viejas”. El diseño “Años en plata” responde a una voluntad de crear un álbum de imágenes (una edición de autor) consonante con el espíritu de la fotografía en mis años de juventud. Es por ello que es pretendidamente convencional en su compaginación, con todas las imágenes en el centro de las páginas y un amplio margen blanco. Todas las fotos, salvo la última, que es una suerte de epílogo, tienen las mismas dimensiones: quise evitar que, al recurrir a tamaños diferentes, se creara una jerarquía, con unas principales (las más grandes) y otras complementarias, las más pequeñas. Para mí todas tienen el mismo valor.

©Rafa Badia

3 - ¿Con el Blanco y negro que encuentras como gustos, alegrías, sentimientos, facilidades o dificultades, tras haber disparado tantos años en color? Son lenguajes diferentes, que exigen aproximaciones distintas y ofrecen respuestas diversas.

El blanco y negro, como el dibujo al carbón es pura síntesis, casi la idea mental... En blanco y negro no hay que preocuparse porque ningún tono de la escena sea disonante, como ocurre con el color; pero por otra parte no puedes apoyarte en el cromatismo para reforzar la estética de la imagen o generar un sentimiento, un determinado estado de ánimo en el espectador. Se podría establecer un paralelismo con el dibujo y la pintura: el blanco y negro, como el dibujo al carbón es pura síntesis, casi la idea mental; el color es más parecido a la pintura, más sensorial y rico, pero también más apegado a la realidad, y por lo tanto más difícil sugerir ideas, metáforas...

4 - ¿Cómo puedes definir tus fotografías en blanco y negro? ¿Cuál es tu filosofía del trabajo con esta técnica? Son imágenes sencillas del mundo real, sin grandes eventos ni situaciones que se puedan describir. Estoy fotografiando muchos objetos, trabajando, quizás, más sobre el eje del espacio (el real y el fotográfico, a través del encuadre y la composición), que no del tiempo. Mi filosofía es intentar preguntarme acerca de aquello común y cotidiano de mi realidad, tratando de ofrecer una imagen personal de la misma. Creo que, inconscientemente, tiendo a acercarme a la visión que aportan fotógrafos que me interesan mucho, que hacen fotos de “nada”, como Bernard Plossu, Francisco Gómez o Lee Friedlander. 5 - ¿Eres de los que llevas siempre tu cámara a todos lados? ¿Qué equipo sueles utilizar para la foto en blanco y negro? ¿Qué es lo que te llama la atención de la fotografía en blanco y negro? Procuro salir lo más posible con mi única cámara analógica que uso desde

hace más de 20 años, una Nikon FM2 y una lente de 50 mm. de luminosidad 1:2. He tenido muchas cámaras a lo largo de las últimas tres décadas (que he vendido o regalado), pero creo que esta resume perfectamente lo que yo busco de un aparato: sencillez, fiabilidad y, como soy muy torpe y las golpeo sin querer, resistencia. Me la cuelgo al hombro y salgo a la calle, sin planes previos. Hay días en que disparo mucho (es decir, casi un carrete de 36 fotos) y hay otros en los que vuelvo a casa sin haber realizado ni una sola toma.

Del blanco y negro me llama la atención que “unifica” todos los temas: la división en “retrato, bodegón o paisaje” es puramente convencional; de hecho, procuro fotografiar un trozo de pared como si fuera un paisaje, o una planta como si se tratara del rostro de una persona.

©Rafa Badia

6 - Sé que para ti una de las diferencias entre la foto química y la foto digítal reside en el efecto de que la foto digital «nos cuentas con unas dimensiones fijas». ¿Nos puede explicar este concepto y como influencia tu relación con tu arte y también lo que llamas «el síndrome de santo Tomás»?

©Rafa Badia

Toda fotografía, hasta que se copia o imprime, tiene unas dimensiones vagas: puede alterarse en la pantalla, carece de dimensiones fijas. No sabemos exactamente en que formato verán nuestras fotos que hemos colgado en internet, ya que se pueden visionar en un móvil, una tablet, una gran pantalla de ordenador…Creo que fijar unas dimensiones a una fotografía es importante. Yo, incluso, pienso “esto lo veo impreso en A5”, o “para que se entienda, esta imagen tocaría publicarla a doble página en una revista de A3”, incluso en el mismo momento de la toma. Creo que es una deformación profesional que adquirí en mis años de reportero de viajes, donde siempre tenía presente si, por ejemplo, la foto que estaba tomando era apta para soportar

el corte de página si se publicaba en una revista a doble página y a sangre. Soy de una generación educada en la idea de que la fotografía es táctil: solo existe de verdad cuando puedes tocarla. La toma, revelado de negativo y copiado en papel eran los tres pasos ineludibles para los fotógrafos analógicos. En la era digital yo no me quedo tranquilo hasta que, de mis capturas numéricas, hago una impresión de trabajo en formato A5... 7 - Actualmente que vivimos inmersos en una cultura visual permanente que tiende a la saturación de color, ¿cómo se consigue captar la atención del público con la foto en blanco y negro? Es difícil, porque en las pantallas, casi siempre parece que las fotos en blanco y negro solo son imágenes a las que se les ha quitado el color. Un recurso es “solidificar” la imagen con negros densos y mucho contraste. Por eso, la gran mayoría de las fotos en blanco y negro que se publican en las redes sociales suelen estar en clave baja. Las fotos donde dominan los grises medios pasan desapercibidas.

El problema acaba cuando las imágenes en blanco y negro se imprimen: en este momento es cuando la foto monocromática adquiere su contundencia y solvencia característica. 8 - ¿Cuál es tu consejo para cualquiera que quiera tomar imágenes de estilo documental? Algo obvio, pero que en demasiados casos no se realiza: antes de crear imágenes de carácter documental hay que leer mucho, informarse, documentarse acerca del tema que se pretende contar. Cierto es que hay subgéneros documentales, como la fotografía de calle, que no exigen mucha documentación previa; pero incluso en este caso una buena estrategia es conocer de antemano el terreno, ya sea a través de documentación escrita y visual creada por otras personas, o pateándolo previamente y sin cámara, con los ojos bien abiertos. Entrevista realizada Por J-M Gosselin

©Rafa Badia

AÑOS EN PLATA

©Rafa Badia

Un libro que nos susurra que lo inmediato no se convierte, casi al instante, en un irremediable pretérito.

Cuando en junio Rafa Badia me envió las primeras pruebas de su libro «Años en Plata», más allá del honor que me hizo, me encantó su selección y lo cuidado de la edición de las 81 fotos en una obra de autor. Es un libro con fotografías en blanco y negro del periodo 1988-98, con imágenes realizadas en 15 países mientras colaboraba con la sección «Viajes» de «El País». Mientras tanto, Rafa también elaboraba en paralelo sus perspectivas personales, moldeaba su mente, afinaba su filosofía de la vida. Rafa Badia me explicó que necesita revisar el punto de origen de su fotografía, un momento -“les belles années”del cual se siente orgulloso. ¡Algo que se entiende al comprobar la excelencia de su trabajo! Pero también, a menudo encontramos las referencias que él señala durante todas sus clases, sus conferencias, sus visitas de exposiciones...: Koudelka se cruza en sus imágenes como en el Belén en Cisjordania (foto tomada en 1990); Peter Lindbergh se encuentra en sus retratos femeninos...; Lee Friedlander esta en sus juegos de corte de cabezas, de obstrucción de la visión tal como en la foto «del banco en un jardín de Barcelona» (foto de 1997)... Además, la fotografía de la joven en «El bar de Helsinki», (foto tomada en

Rafa Badia (1964) es un fotógrafo, editor gráfico y profesor de fotografía español, referente en narrativa fotográfica, fotografía documental y fotografía urbana y de calle. Ha publicado varios libros: «A Barcelona», «Barcelona Blues»... En 2010 comenzó su proyecto «Ventanas de Papel». Este 2021 publica «Años en Plata».

1995) recuerda algunas de las imágenes del «Cafe Lehmitz» de Andres Petersen. Sus escenas de café parisinos (en 1990) son de la calidad altísimo de Léon Herschtritt. El autor utiliza la calle de Barcelona como Depardon las vías de Nueva York. Todo eso para explicar su visión humanista, sociológica y estética en estos años ochenta y noventa ya llenas de un enfoque universalista de la imagen. Este libro de fotografías blanco y negro no solo cuenta con las imágenes que contiene: también es casi el ejemplo perfecto para referirnos a lo que nosotros, los fotógrafos, debemos saber acerca de la composición y de lo que es la luz a partir del gris, siempre a través de la delicadeza y la exquisitez del arte de Rafa. La obra nos recuerda que las imágenes del ser humano dialogan con un entorno, un espacio, un área mas o menos libre: como el hombre al sombrero foto tomada de espalda en 1997 en Berlín, 10 años después de la caída del muro pero que nos recuerda una época anterior, los años 50, con el “Tercer hombre” casi vislumbrando la silueta de Harry Lime; o bien esta inglesa al sombrero en el museo en Roma -quiero creer que es una inglesa- que mira el grupo escultórico de Laocoonte (tomada en 1993), cuya composición del disparo tiene un toque de humor

increíble, aunque el final de Laocoonte fuera brutal. Entre las curiosidades y la variedad de los sujetos, la foto de Rafa Badia parece impecable (¡qué nivel de calidad y representatividad para “un trabajo de juventud”, como él dice!), no menos excelente es la reproducción y calidad de impresión, el tamaño de libro bien escogido, la maquetación tan sencilla y que sirve para todas las fotos sin excepción, así como la portada elegante y la tela graciosa. El conjunto sirve para introducir un trabajo tanto de reportero como de artista. Atemporal y decididamente contemporáneo, el blanco y negro en la obra de Rafa Badia encarna la esencia de la disciplina a través de su fuerza estética y su plasticidad. Lo que ha sido el campo de expresión de los más grandes fotógrafos, es buscado en «Años en Plata» mediante la riqueza de sus matices, su ductilidad, su delicadeza y, en ocasiones, su radicalismo. Son fotos sirven para ilustrar estas frases de la canción de Ed Sheeran, «The photograph»:: «...We made these memories for ourselves Where our eyes are never closing Our hearts were never broken And time’s forever frozen still.» Jean-Matthieu Gosselin

SER LOBAS La tierra fértil de los volcanes

Del 7 de octubre al 7 de noviembre de 2021 en Terrassa, Lurdes R. Basolí y Elisa Miralles presentan un trabajo común comisariado por María Santoyo. La exposición “Ser lobas” es el resultado de un proceso poco común, de un dialogo visual e íntimo, fruto de un encuentro. No es un proyecto colectivo, sino la suma de dos investigaciones de dos fotógrafas de primer rango. La investigación común se inició hace más de seis años, con relatos no resueltos hasta que sus autoras tropezaron la una con la otra, en circunstancias muy adversas: el lockdown de 2020 a través de discusiones on-line. Estas artistas que no se conocían hasta ahora, compartieron vivencias, ideas, reflexiones, sincronicidades y procesos creativos. Organizaban sesiones semanales para Zoom, siempre retroalimentándose y apoyándose como autoras y como mujeres. Descubrieron que “la fotografía no es documento, ni especulación, ni visión privilegiada, sino herida sangrante, hendidura en erupción, espejo roto, unas cenizas de las cuales emerge un ser aún sin forma, pero con poderes que se vislumbran extraordinarios.”

©Ser Lobas

Al final de este trabajo y de estos intercambios decidieron montar una exposición para formular visualmente los extraños mecanismos que operan el mundo y donde las mujeres son vulnerables, no escuchadas... “En esta propuesta, el dolor primigenio de ser mujer da a luz. No hay tierra mas fértil que la de los volcanes”, escribe María Santoyo. Y la actualidad refuerza esta imagen volcánica.

ENTREVISTAS A LURDES R. BASOLÍ Y ELISA MIRALLES

1 – Lurdes, ya has participado en trabajos colectivos, pero, ¿es la primera vez que comparten el trabajo con una sola artista, en un dialogo íntimo para realizar una obra de arte original? En el proyecto Danube Revisited: The Inge Morath Truck Project compartí proyecto con compañeras fotógrafas tanto en el trabajo de campo (en la carretera) como en la sala. La diferencia en este caso es que fundimos dos trabajos muy diferentes para contar una sola historia; ahí está el reto… 2 - Elisa, si te hubiesen propuesto colaborar con un/a artisto/a para

llevar a cabo una obra conjunta, ¿cuál es la primera pregunta que le habrías hecho? La primera pregunta que le hubiese planteado es sobre sus temas de interés, para confrontarlos con mis ejes de trabajo y ver qué tenemos en común. 3 - ¿Cómo surgió este proyecto y qué presenta vuestro dialogo? La convergencia surgió durante el confinamiento por la pandemia de Covid-19. Fue entonces cuando comenzamos a conversar a través de la pantalla, a ayudarnos y acompañarnos en nuestros procesos de

edición y revisión de proyectos fotográficos.

“Como mujeres y fotógrafas nos encontrábamos en etapas vitales muy similares” Pero también surgió una dinámica de sostén de la otra, surgida a raíz del darnos cuenta de que como mujeres y fotógrafas nos encontrábamos en etapas vitales muy similares – y compartíamos un pasado con sorprendentes paralelismos. Nuestro diálogo surge por lo tanto de una forma radicalmente orgánica, desde la conversación y la escucha de la otra y de sus imágenes.

Lurdes R. Basolí es fotógrafa, y docente. Licenciada Universitaria y postgraduada en Fotoperiodismo. Ha publicado en revistas como El País Semanal o The Sunday Times Magazine. Ha recibido prestigiosas becas y premios, como el FotoPres’09, el Inge Morath Award de la agencia Magnum Photos y el Joop Swart Masterclass de World Press Photo. Ha expuesto en muchos espacios de arte internacionales.

©Elisa Miralles

©Lurdes R. Basoli

«Ser Llobes», Elisa Miralles y Lurdes R. Basolí, Sala Muncunil, Plaça Didó, 3, 08221 Terrassa.

Elisa Miralles, licenciada en Ingeniería Química, es fotógrafa desde 2007, año en que expone su primer trabajo en el Festival de Fotografía de Roma. Recibe la beca World Press Photo para el proyecto Urban Youth en Manila. Luego gano muchos premios fotográficos y expuso en varios sitios; trabaja como editora y comisaria. Obtuvo la Residencia artística de Granitti Murales (Sicilia), donde comenzó a desarrollar su proyecto «Loba». Su obra explora temas relacionados

con el generó, los estereotipos, la construcción de identidades y la cosificación desde una perspectiva feminista.

Del 7 de octubre al 7 de noviembre de 2021. terrassaartsvisuals@terrassa.cat

“La fotografia es herida sangrante, grieta en erupcion, espejo roto, unas cenizas de las que emerge un ser todavia informe, pero con poderes que se intuyen extraordinarios”

4 - En la práctica, cómo se trabajó: ¿como se hicieron los intercambios, la elección de las fotos, el ritmo de los envíos, fotos de archivo o fotos del día, los descartes, cómo se hizo la edición...?

©Elisa Mirallesi

Después de más de un año de intercambios y conversaciones se nos planteó la posibilidad de exponer juntas y quisimos que la muestra fuera un encuentro de los dos proyectos en los que estábamos trabajando en ese momento, Loba y Ser Otra. Estéticamente son muy diferentes, pero conceptualmente parten de un lugar muy cercano entre sí. Además, ambas llevamos 6 años trabajando en sendos proyectos y ninguno ha visto la luz todavía, ahora será la primera vez, con Ser llobes (Ser Lobas). Llegó el momento en que necesitamos encontrarnos físicamente, para editar sobre papel, desarrollar la narración y empezar a diseñar la exposición. Fue entonces cuando nos dimos cuenta de que nuestras imágenes, al ser confrontadas, adquieren una potencia visual inesperada y hacen más compleja la historia que

queremos contar. Con todo, son tres las veces que nos hemos reunido, entre Madrid y Barcelona. 5 - ¿Cuál fue el papel de la curadora que trabajó con ustedes dos? ¿Qué os trajo? María Santoyo lee nuestros trabajos, tanto el de cada una por separado como el resultado de nuestra confluencia, de una forma instantánea, orgánica, como si nos conociese mejor que nosotras mismas. Hace una lectura que consideramos mágica de nuestras imágenes y de sus relaciones, pone las palabras exactas a lo que nosotras sólo sabemos decir con fotografías. En la narración y disposición en sala María nos ha acompañado y ha hecho mejor nuestra propuesta, respetando siempre la esencia de Ser Lobas. Para nosotras es, sencillamente, un lujo contar con ella. 6 - En el mito de Sísifo (1942), Albert Camus escribe: «La lucha por llegar a las cumbres basta para llenar un corazón de hombre. Hay que

imaginarse a Sísifo feliz», ¿podemos decir que habéis alcanzado la cumbre? Es la idea que da vuestra obra acabada. Aunque... ¿piensan que este acabado? Nuestros trabajos no están acabados. Esta exposición es una parada en el camino, nos estimula la idea de exponer un proyecto que está vivo y que convierte la muestra en un organismo que evoluciona con nosotras. 7 - Para cada una de vosotras: ¿Un museo o un libro que nadie se debería perder y por qué? Elisa: : “1Q84” de Murakami. Porque parece que estás leyendo dos libros al mismo tiempo, son dos mundos paralelos, los de los dos protagonistas, pero tienen un mismo sentido. Me inspira la fascinación por lo desconocido y lo surrealista que está presente en los libros de Murakami. Lurdes: “Cartas a un joven poeta”, de Rilke, para regresar al silencio. Entrevista realizada por Jean-Matthieu Gosselin

©Lurdes R. Basoli

©Elisa Mirallesi

¡EN LAS HUELLAS DE GOETHE Y STENDHAL!

©Ivan Ferreres

Ivan Ferreres Pujol (2010-2013)

«Todos los poetas de Roma que pasaron a Tibur se complacieron en pintar la celeridad de nuestra existencia: Carpe diem! decía Horacio; Te spectem, suprema mihi cum venerit hora! exclama Tíbulo; Virgilio pintaba esta hora suprema, diciendo: Invalidasque tibi tendens, heu! Non tua, palmas.

¿Quién no ha perdido algún objeto de su cariño? ¿Quién no ha visto dirigírsele unas manos inutilizadas por la proximidad de la muerte? [...] Heu! non tua! Este verso del vate de Mantua es admirable por la ternura y el dolor que respira. Desgraciado aquel que no ama a los poetas! Yo diría de ellos casi lo mis-

mo que dice Shakespeare de los hombre insensibles a la armonía » F-R de Chateaubriand, “Viaje a italia” Ivan Ferreres es fotografo, docente, curador. Estudió fotografía en Grisart y se especializó en Fotografía Documental y Creación Multimedia. Ha expuesto en varios festivales.

©Ivan Ferreres

©Ivan Ferreres ©Ivan Ferreres

©Ivan Ferreres

DE ROMA A NÁPOLES PARA CAUTIVAR LA IMAGINACIÓN Ivan Ferreres y Anna Bayó Duran han hecho un viaje en Roma y Nápoles este verano y traen de ahí muchas imagenes en color, en la cuales nos contan una historia orgánica y civilizacionista hecha con huellas de historias humanas, de sangre y de sudor. Acaban de publicar en estas paginas «En las huellas de Goethe y Stendhal», un reportaje con fotografías de estas bellas y caóticas ciudades italianas que dicen con orgullo «Ver Nápoles y después morir...y Roma tambien». Tanto si ya conoces Nápoles o Roma, como si aún no la has descubierto, o las han visto solo en películas, podrás recorrer a lo largo de este número un laberinto de esculturas, de residencia de reyes o no, de refugios de turistas, escenarios de la vida vernacular, una anárquica y monárquica zona colorada todavia en construcion, en cambios y en obras desde la prehistoria; que gusta de tener rey los domingos de fútbol y una república cuando necesita justicia social.

©Ivan Ferreres

Anna e Ivan dejan a un lado los paisajes de postal, las luces del “lungomare” y la música llorosa, alegre e incesante con cuernos de coches de la ciudad; y se toman el tiempo para conocer dos metrópolis menos marítimas y más oscuras, atormentadas por misterios insondables y llenas de pequeños bodegones secretos.

©Ivan Ferreres

©Ivan Ferreres ©Ivan Ferreres

©Ivan Ferreres

¡BARCELONA: UN FUTURO SIN LÍMITES! Ullic Narducci (2018)

©Ullic Narducci

Desde mi primer viaje a Barcelona en 1997 entendí que me gustaría hacer una parte de mi vida aquí. Lo hice. ¡Y definitivamente regresaría! Barcelona es un fuego impulsor de la creación artística, un lugar de intercambios múltiples. ¡Con la atmósfera del mar, una ciudad centrada en el movimiento alrededor

de la arquitectura de Gaudí y llena de historias, todo es posible! Sabía que aquí tenía que vivir, ser feliz, crear... que aquí se mezclarían culturas latinoamericanas, europeas, norteafricanas ... Es un verdadero crisol de razas para quienes, como yo, aman los intercambios y la creación artística. “Mil fragan-

cias y mil colores, Barcelona tiene mil caras”, decía Joan Manuel Serrat. Ullic Narducci Nacido en Francia, Ullic Narducci vivió la mayor parte de su vida en Italia, estudió en la Facultad de Arquitectura del Politécnico de Turín. Estudio en la agencia estadounidense Seven, luego se graduó en el curso de itinerario narrativo de Grisart. Ha realizado en 7 años más de 12 muestras en: Sidney, Turín, Barcelona, Annecy...

©Ullic Narducci

©Ullic Narducci ©Ullic Narducci

©Ullic Narducci

“Y te equivocas también con Barcelona, por que aunque tu creas que la tenes vista, yo te garantizo que no es así.”

©Ullic Narducci

Ruíz Zafón La sombra del viento

SILENCIO DE PARÍS

Un reportaje sobre París como contrapunto a lo que es la realidad de la ciudad desde hace tres o cuatro años: una ciudad sucia, un gigantesco sitio de construcción al aire libre, monumentos en ruinas, señales de tráfico superpuestas, semáforos en muy mal estado, escaparates llenos de pegatinas o carteles «Se vende», «Se alquila» o con números de teléfono. También al amparo de la ecología encontramos malezas de más de 50 cm de altura en las aceras, un mal estado de los botes de basura, un problema de pobreza con familias y personas sin vivienda en la calle que el ayuntamiento no llega a frenar ni a ayudar, sin olvidar el tema de las zonas de «crack» que se despliegan en la ciudad... Los ciudadanos se rebelan y envían miles de mensajes en las redes sociales con el #: #SaccageParis. Este proyecto fotográfico realizado durante estos dos últimos años relata un París silencioso, un París vivo con sus recuerdos de piedra, de vegetación, con sus encuentros imprevistos. De hecho, un turista no puede conocerla realmente, excepto saliendo de los caminos trillados y mirando la ciudad de otra manera. Esta obra fotográfica considera el silencio como contrapunto, o doble o sombra de los testimonios o de los diálogos callejeros. Un poco como en los libros de Modiano, los retazos de realidad y las palabras que se remontan del pasado, o del alma de las cosas que se envuelven en un silencio que impide que se establezca un sentido; o que el habla desempeñe su papel comunicativo, en favor de la imagen polisémica. El silencio se instala para reemplazar las oscuras noticias diarias. Jean-Matthieu Gosselin J-M Gosselin tiene 61 años, fue editor durante 35 años, , lleva cinco años dedicado a la fotografía; ha participado en 5 exposiciones últimamente. Es miembro del colectivo Veo.

©Jean-Matthieu Gosselin

Jean-Matthieu Gosselin (2016-2018)

©Jean-Matthieu Gosselin

¡BRASILIA: EL PULSO DE NIEMEYER EN EL PALACE HOTEL!

©Flavio Edreira

Flavio Edreira (2017-2018)

Niemeyer ofreció una visión poética y utópica de la arquitectura. Acabó con el dogma de lo «rectilíneo», el del ángulo recto para liberar la línea, trazando curvas concretas que supieran desafiar la ley de la gravedad y hablar con la naturaleza. Al crear Brasilia en un lugar poco probable, creó edificios que eran a la vez monumentales y sensuales,

que llevaron la arquitectura a la modernidad, ofreciendo una ciudad abierta al exterior. Es este mundo que capturé durante el lockdown de 2020, en un dia de octubre, en el corazón de Brasilia, rodeado de mi familia, alrededor del famoso «Brasila Palace Hotel», símbolo de esta modernidad. Con el mismo entusiasmo que Niemeyer,

intenté grabar esta utopía para trabajar por un mundo mejor. Flavio Edreira Flavio Edreira estudió Fotografía Profesional en SENAC (Brasil, 2014) y Curso de Fotografía Narrativa en GRISART (Barcelona, 2018). Trabajó como fotógrafo autónomo en Brasil hasta 2017. Se incorporó a VEO Collective en 2018. Participó en varios festivales.

©Flavio Edreira

©Flavio Edreira ©Flavio Edreira

©Flavio Edreira

©Flavio Edreira ©Flavio Edreira

©Flavio Edreira

CARTIER-BRESSON, VIGILIA DE LO INESPERADO Nuestro amigo y maestro Rafa Badia, cuando vio las fotografías de la exposición de Cartier Bresson en el museo Carnavalet «Revoir Paris» me escribió: “obviamente es lógico de que los talentosos cachorros de 1968 intentaran a matar al padre en fotografía; pero sea lo que sea, es imposible no considerar que HCB es «El» gran fotógrafo documental del siglo XX». Y si bien es cierto que Henri Cartier-Bresson viajó mucho a los cuatro rincones del mundo, siempre volvió a París. Y en esta ciudad que conocia de memoria, siguió descubriendo constantemente cosas nuevas, Leica en mano. Captaba el momento decisivo, grababa a sus contemporáneos, «dibujaba» las líneas de la ciudad, cuyo conjunto conforma una suma de imágenes excepcionales.

se muestra, y mostrárselo a «Todos». «La vida está en las calles y las calles son vida». La exposición podría llamarse: «una vida en las calles de París». Cartier Bresson es un agrimensor metódico, interesado por todo y por todos, un humanista, un constructor de bocetos profundos, en vigilia de lo imprevisto, de lo inesperado.

La exposición es el resultado de varios años de trabajo, especialmente en los archivos cedidos por la fotógrafa Martine Franck, viuda de Cartier-Bresson, a la fundación HCB. Los grabados, que incluyen una treintena de obras inéditas, y los informes publicados en revistas, proceden de la colección de la fundación y de las fotos entregadas en 1984 al museo Carnavalet. Podemos ahora con este muestra magisral entender perfectamente el profundo deseo de Cartier-Bresson: mostrar lo que no se ve, lo que no

Ahora más que nunca entendemos que Cartier-Bresson tiene una dimensión documental única: registra, archiva, documenta, almacena para la posteridad archivos visuales perfectamente capturados y compuestos, mezclando lo psicológico, lo social, lo poético y lo político. Permite a la gente, a los ciudadanos, a los bur-

gueses, a los miserables, a los intelectuales o los invisibles de la periferia social de la ciudad, expresar, a traves el rostro, el gesto, el cuerpo, la postura, un discurso impregnado de Historia e intimidad. Por fin, la exposición muestra de manera contundente la relación de Cartier-Bresson con la pintura, con las artes visuales, y cómo estas son omnipresentes en sus fotografías. JMG Todas fotos © Henri Cartier-Bresson «Henri Cartier-Bresson - Revoir Paris», Musée Carnavalet, Paris, del 15 de junio al 31 de octubre de 2021.

Marc Riboud pertenece a mi panteón personal desde que estudié fotografía: elegante, observador del mundo, profundo humanista, poeta, portador de una mirada siempre respetuosa, peregrino de la mirada... El Museo Guimet de Arte Asiático, en París, exhibe en verano una selección de imágenes legadas por el fotógrafo: más de 50.000 fotografías. Muestra una selección de unas 200 imágenes tomadas en todo el planeta (Francia, Inglaterra, Yugoslavia, Turquía, Anatolia, Irán, China, Japón, Alaska, Estados Unidos, Cuba, Corea, Japón, Vietnam, Camboya y siempre China...) en una escenografía cronológica y un sutil viaje de transiciones, entre países y viajes. También hay cartas a Henri Cartier-Bresson, quien, junto con Robert Capa, fue su mentor. Y sus cámaras, incluida la primera, un Vest Pocket Kodak, regalado por su padre a un niño conocido por ser tímido. Fue miembro de Magnum gracias a la mítica fotografía “El pintor de la torre Eifel”, vendida en la portada de Life por el mismo Capa. Marc Riboud atravesó el siglo XX, sus conflictos y sus dramáticos acontecimientos. En sus fotografías en blanco y negro (tiene unas pocas fotos en colores interesantes también) el artista juega con las perspectivas, busca la armonía de la simetría o la fuerza de composiciones desordenadas. Viajó mucho por Asia y trajo noticias reales, poesía y mucha ternura. Tenía el arte de capturar la belleza de los gestos, como suspendido en el tiempo. Zao Wou-ki le había dicho a Marc Riboud: “Tienes que ir a Huang Shan. No se puede contar, hay que verlo”. Se enamoró de los paisajes, los silencios, de la niebla, los picos rocosos que se elevan, las montañas erizadas de pinos que brotan de la roca y del misterio de las nubes. JMG Marc Riboud, el catalogo, “Histoires possibles”, MNAAG,, 274 p, 35€

©Marc Riboud

MARC RIBOUD: IMÁGENES COMO SUSPENDIDAS EN EL TIEMPO

EXCELENCIA

«Si la mediocridad no reconoce nada superior a ella, la excelencia reconoce inmediatamente el verdadero genio.»

Arthur Conan Doyle

YOLANDA BERZOSA - 2020-2021 (fotógrafa)

«El cielo estaba lleno de azul, girasoles floreciendo en reverencia, campanas gritando fuerte a cada hora ... La noche fue dentro de una vieja oficina de correos, transformada en casa de peregrinos en verano

y en una escuela el resto del año.», Flavio Edreira FLAVIO EDREIRA - 2017-2018 (fotógrafo)

©Sean Sborlino

«Espíritu que naufraga en medio de un torbellino, porque manda mi destino que lo que no quiero haga;

frente al empuje brutal de mi terrible pasión», Amado Nervo SEAN SBORLINO - 2020-2021 (fotógrafo)

©Lucas Salter

«I like it when one is not certain of what one sees. When we do not know why we are looking at it, all of a sudden we discover something that we start seeing.

I like this confusion.», Saul Leiter LUCAS SALTER - 2020-2021 (fotógrafo)

©Pau Martínez

«Si el paraíso terrenal fuera así igualmente ilegible el infierno sería preferible al ruidoso país que nunca rompe

su silencio, en Babel» Enrique Lihn PAU MARTÍNEZ - 2020-2011 (fotógrafo)

©Marina Plana

«Behave (comportarse). Actuar correctamente, de manera adecuada. Be (ser). El más general de los términos. Existir. Have (tener). Eso que posees, lo que

es de uno propio.», Marina Plana MARINA PLANA - 2020-2021 (fotógrafa)

©Olga Soria

«No habrá una sola cosa que no sea una nube. Lo son las catedrales de vasta piedra y bíblicos cristales que el tiempo allanará. Lo es la Odisea,

que cambia como el mar. Algo hay distinto cada vez que la abrimos. Jorge Luis Borges OLGA SORIA - 2019-2020 (fotógrafa)

«Extraño, andar en la neblina, solitario está cada arbusto y cada piedra, ningún árbol ve al otro, cada uno está solo.

Lleno de alegrías para mi estaba el mundo, cuando aún era luminosa mi vida.», Hermann Hesse ELEONORA FERRI - 2016-2018 (fotógrafa)

©Lluis Camell

«Desde la ventana más alta de mi casa, con un pañuelo blanco digo adiós a mis versos, que viajan hacia la humanidad. Y no estoy alegre ni triste.

Ése es el destino de los versos.» Aberto Caeiro LLUIS CAMELL - 2018-2019 (fotógrafo)

«Considera, alma mía, esta textura áspera al tacto, a la que llaman vida. Repara en tantos hilos tan sabiamente unidos y en el color, sombrío pero noble,

firme, y donde ha esparcido su resplandor el rojo.», Rosario Castellanos SIMONE COITIÑO - 2018- 2019 (fotógrafa)

El libro publicado por Anómalas como ganador de la última edición del prestigioso premio Fotocanal organizado por la Comunidad de Madrid y Ediciones Anómalas es precioso y muy estético. El tema del libro de Irene Zottola es “volar”. Es un estudio gráfico, artístico, donde las técnicas, los soportes, el uso de archivos, los materiales y, obviamente, los tamaños y las medidas -tanto de los ¿objetos?, las imágenes, o bien del libro en sí- son fundamentales. El vuelo es lo eterno y ascendente al mismo tiempo, lo perecedero y descendente, la esperanza y angustia. La autora quería volar, como sinónimo de sus actos de aprendizaje y así elevarse

©Irene Zottola

“ÍCARO”: PARA VOLAR CON EL MITO GRIEGO

en su mente hasta el riesgo de precipitarse contra el suelo o el fracaso. Todo esto como sinónimo de un tiempo humano: la vida y la muerte. La autora, técnicamente, casi empezo pintar a partir de fotos, con técnicas de Bellas Artes. Fotograficámente disparaba a palomas muertas, como una coleccionista. Luego ella trabajaba con imagenes de archivo. Pero un día en-

Foto de cover:©Alba Sera Foto de primera: ©Pau Martínez Fotos de contra ©Brassaï Global Grisart es una publicación de Grisart Escola Internacional de Fotografia, C/ Méndez Núñez, 14 · 08003 Barcelona. Director: Albert Gusi - Coordinador: eJ an-Matthieu Gosselin Textos/Imagenes: eJ an-Matthieu Gosselin; Rafa Badia; Lurdes B. Basolí ; Elisa Miralles; Ivan Ferreres; Anna Bayó Duran; Ullic Narducci; Flavio Edreira; Alba Serra;Yolanda Berzosa; Sean Sborlino;Lucas Salter; Pau Martínez; Marina Plana; Olga Soria; Eleonora Ferri; Lluïs Camell; Simone Coitiño;Ediciones Anómalas Archivos: Ivan Ferreres Pujol - Mail: GlobalGrisart@grisart.

contró en un contenedor una Enciclopedia ilustrada de aves. Este libro creó un punto de inflexión en su trabajo, porque asociaba sus imágenes a otras, o a textos editados ya, creando un diálogo entre los vuelos, la naturaleza, el entorno humano y la presencia del ser humano. Finalmente, el resultado es una fábula a través del vuelo, sobre el deseo de volar (es decir salir del nido, ser autónomo, libre), tener miedo, conocer la alegría, temer desde la caída hasta el propio impacto. Este libro está muy bien editado, con una calidad grafica y de maquetacion y de diseño genial; no es un libro informativo sobre Ícaro, es una poesía, una metáfora visual libre que recuerda esta frase de E.L. James: “Sol. Me quemé las alas y aún sigo aquí ...” JMG “Icaro”, Irene Zottola, 108 p., Ediciones Anomalas, 2021, 28 €

PARA CONTACTAR CON LOS AUTORES Y FOTÓGRAFOS: http://rafabadia.net/; com; www.jmgosselin.com; @ @jeanmat thieug; agusi@grisart.com; iferreres@grisart.com; https://www. grisart.com/; serraferreralba@gmail.com; seansborlino@gmail. com; https://www.flavioedreira.com/; www.lurdesbasoli.com; https://elisamiralles.es/; https://www.ullicnarducci.com/; @yolandaberzosa; seansborlino.wixsite.com/mysite; https; @ mzviews (Pau Martinez); https://www.marinaplana.com/; @lucassalter; @l4olg4 (Olga Soria); @eleonoraferri_: @ lluiscamell; @simonecoitino; https://www.edicionesanomalas.com/; https:// www.carnavalet.paris.fr/; https://www.guimet.fr/

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©Brassaï

Fotógrafo francés de origen húngaro, Brassaï (1899-1984) estuvo muy unido al movimiento surrealista y, sobre todo, a Picasso. Tambien fue amigo de: Miro, Dali, Braque, Cocteau... Supo captar los aspectos más insólitos y fantásticos de la vida cotidiana. Fue también autor de esculturas con cantos pulidos que evocan gráciles formas femeninas. Conocido por su libro,(el primer fotolibro) «París la Nuit» (1933), seguido de «Placeres de París»(1935). Llevó a cabo, al final de su carrera, una serie basada en los grafitis de las paredes de París, en la que mostraba una visión surrealista, más bien que sociológica, del mundo vernacular («Graffiti», 1958)

LIBRE OPINIÓN Diez reflexiones de Brassaï sobre la fotografía

1 – “El surrealismo de mis imágenes no era otro que lo real hecho fantástico por la visión.” 2 – “Era para capturar la belleza de las calles, bajo la lluvia y la niebla, era para capturar la noche de París por lo que me convertí en fotógrafo.“ 3 – “La noche sugiere, no muestra. Nos turba y sorprende en su extrañeza, libera en nosotros sus fuerzas que a la luz del día están dominadas por la razón.” 4 – “Solo intentaba expresar la realidad, porque nada es más surrealista. Mi ambición siempre ha sido mostrar un aspecto de la vida cotidiana como si lo descubriéramos por primera vez.” 5 – “Siempre me he negado a es-

pecializarme, siempre he hecho muchas cosas: fotos, dibujos, esculturas, películas, libros; al final también es difícil tener mucho talento, porque cada uno de ellos te acapara. Solo puedes actuar alternativamente, siguiendo tus instintos. No tengo miedo de dispersarme, quiero ser libre.” 6 – “La fotografía es la conciencia misma de la pintura. Ella le recuerda constantemente lo que no debe hacer. Que la pintura asuma, pues, sus responsabilidades.” 7 – “Siempre he considerado que la estructura formal de una foto, su composición, es tan importante como el tema en sí. Debemos eliminar todo lo superfluo, debemos dirigir la mirada como un dictador (...)

8 – «Lo que me gusta son las fotos donde hay un sujeto muy simple que, gracias a una captura particular, se convierte en un objeto de lujo. 9 – “El muro pertenece a los que se quedan atrás, a los inadaptados, a los rebeldes, a los simples, a todos los que tienen el corazón apesadumbrado. Él es el pizarrón ausente. (...) “Estos signos sucintos son nada menos que el origen de la escritura, estos animales, estos monstruos, estos demonios, estos héroes, estos dioses fálicos, nada menos que los elementos de la mitología.” 10 – “Me interesan demasiadas cosas, es una tragedia.”