Global Grisart Nº5 by Grisart Escola Internacional de Fotografia

GLOBALGRISART

JUNIO DE 2019

LA REVISTA DE LOS ALUMNOS Y AMIGOS DE GRISART ESCUELA INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA

SUMARIO EDITORIAL

EDITORIAL

TODO SOBRE EL FOTOLIBRO: Editar: un acto maravilloso INTERVIEW DE ANNA GALI: “¡Además de sufrir, que se sufre!” LOS PROYECTOS DEL MES DESCUBRIR UN DOCENTE ALEIX MATEU : «El Castellbisbal de Fellini» BREVES INTERVIEW DE MAITE SOLÉ: «¡Con la foto siempre podré estar aprendiendo!» EXPOSICIONES

¡FOTOLIBROS! LIBRE OPINIÓN DE CLAUDE IVERNÉ

@Cover: Ullic Narducci

¡EXCELENCIA!

“La fotografía es un instrumento para describir el mundo o para derrotar a los demás (...) Refuto el elitismo. Nuestra práctica es dirigirse a quien quiera, al mayor número posible.“, escribe el fotógrafo Claude Iverné en ”Libre opinión“, provocando una reflexión sobre la creatividad. En cualquier caso, la creatividad opera de una manera misteriosa, algunos dicen que procedente de “ninguna parte”. Pero la neurociencia aborda la creatividad como una suma, no de un todo sino de cosas pequeñas, racionales y analíticas, creativas y emocionales: - Un sentido exacerbado de observación donde cada situación, cada escena u objeto es una nueva fuente de pensamientos e ideas. - Los obstáculos encontrados, técnicos, inventivos son escalones de desafío o superación. - No debes temer la opinión de los demás. La distancia, la escucha, el análisis y la ob-

jetividad son claves para el análisis crítico. - No debes tener miedo a atreverte a lo enorme, lo anormal o lo incongruente; todo es cuestión de dosificación. - Tu vida interior es rica, más de lo que crees. Es colorida, no necesariamente agitada, llena de ideas apoyadas por emociones que debes expresar. - Revela tus diálogos internos, descubre tus actitudes rebeldes (a veces no las conoces) y, con el mismo espíritu, actualiza tu mundo de referencias. “Caer 7 veces, levantarse 8 veces””, como expresa el título de la novela de Philippe Labro, es la llave de la creatividad. Ambicionar, intentar, fracasar, tener éxitos... La creatividad está fuera del tiempo, son segundos que pueden durar horas, una hermosa idea que surgió y tomó forma, se hinchó, cambió, evolucionó, tomó otros caminos. Como dice Maite Solé: «¡Con la foto siempre podré estar aprendiendo! “ Jean-Matthieu Gosselin

TODO SOBRE EL FOTOLIBRO Análisis con Montse Puig, de Ediciones Anómalas

EDITAR: UN ACTO MARAVILLOSO En los últimos tiempos publicar un libro se ha convertido en el sueño de muchos fotógrafos. Muchos motivos han llevado a esta necesidad, entre otros la dificultad para producir exposiciones (y financiarlas), en contraposición las grandes posibilidades para difundir a un trabajo a través de un libro. Antes de plantearse la publicación de un libro cualquier fotógrafo debería preguntarse dos cuestiones fundamentales: - Qué quiero mostrar o explicar - Por qué y para qué quiero publicar un libro. Parecen preguntas muy obvias, pero detrás de las respuestas se esconden algunos de los problemas o interrogantes más importantes del proceso de edición. Un buen libro de fotografía, o fotolibro en estos tiempos, es un compendio de muchas cosas: un buen trabajo es esencial, pero también una buena edición, un diseño que refuerce la narración, una elección acertada de materiales, etc. Vamos a intentar plantear algunos de los principios básicos de la edición aplicada al fotolibro.

©Anómalas

La dificultad de editar Los tiempos son difíciles. Las librerías han disminuido en un 40% en 10 años en España, aunque también es verdad que el canal Internet ha aumentado sin parar en este tiempo; algunas de las mejores librerías especializadas operan solo online y los editores pueden vender directamente desde su página web. Sin esta opción sería imposible sobrevivir hoy en día en el mundo del libro de fotografía.

Martin Parr: “Think of England”, 1999.

Es importante tener un conocimiento mínimo de las estructuras que participan de la difusión del libro. Editar no es solo publicar, también es difundir el trabajo del autor. Esta es una parte importante de la labor del editor, quien deberá trabajar estrechamente con su distribuidor y con las librerías para conseguir la mejor difusión del libro. Es conveniente conocer un poco los porcentajes y gastos de la venta de un libro. Algunos autores piensan, erróneamente, que si hacen una tirada de 1.000 libros y el PVP es de 30€, el beneficio es de 30.000€. Analicemos un poco la realidad de esos números con un ejemplo práctico. Un libro con un PVP de 35€. Los porcentajes de gastos en cantidades reales, son: IVA (4%) = 1,35€ IRPF (15%) = 5,05€ ya nos quedamos en 28,60€, a los que restamos el 50% del margen para el distribuidor que incluye el porcentaje del librero. Ya solo quedan 14,30€, a los que

debemos restar el coste de los derechos de autor, que estaría en unos 2,69€, con lo que quedaría 11,61€. Si el coste de producción del libro fue de 10€ por unidad, el beneficio real para el editor sería de: 1,60€. Evidentemente es imposible poder sobrevivir con esos márgenes, así que el gran problema del editor es cómo conseguir romper ese círculo infernal de libros caros de producir con tiradas pequeñas.

Editorial vs Autoedición Una de las primeras preguntas que debemos hacernos es si queremos trabajar con una editorial o preferimos autoeditar nuestro trabajo. Imaginemos que nuestra intención es buscar una editorial que publique nuestro trabajo. ¿Cuales serían los pasos a seguir?: 1. Hay que bucear a fondo en el mundo editorial para saber dónde encaja nuestro

trabajo. Ir a las bibliotecas, a las ferias o incluso ¡comprar libros!, es una buena forma de conocer por dónde se mueve cada editorial y a quien podemos contactar. 2. Una vez tenemos el listado de las “deseables” y habiendo estudiado su fondo y sus actividades de promoción, podemos pensar en cómo mandarles una propuesta. 3. Hay editoriales que en su página web tienen especificado cómo desean recibir propuestas. Hay que hacerles caso, no enviar maquetas físicas por ejemplo, si lo que piden son PDF por correo electrónico. 4. Caso de que no lo tengan estipulado, podemos enviar un correo preguntando cómo se les puede mandar una propuesta. 5. Hay que evitar a toda costa los correos mal redactados o con insuficiencia de datos. Es mejor ser breve y educado que intentar ser gracioso sin tener ni idea del sentido del humor del editor, ni tan siquiera de si lo tiene... Es muy conveniente hacer alguna referencia a porqué contactamos con ellos,

El montaje del libro “New-York” de William Klein - Exposición “Fenómeno fotolibro” , CCCB, Barcelona en 2017 - ©Jmg

En lo que respecta a la autoedición hay muchas cosas a tener en cuenta. La parte positiva es que cualquier persona puede publicar su trabajo. Lo han hecho posible los cambios en los sistemas de impresión, con la aparición de la impresión digital y la posibilidad de tiradas más cortas, y la difusión y venta on-line.

Por contra, el autor que decida autoeditarse puede encontrarse con dificultades importantes, entre las que podemos destacar: - inversión más o menos elevada de dinero; - gestión de proveedores. Hay que tratar con diseñadores, impresores... Hay muchas variables técnicas importantes a tener en cuenta. Por ejemplo ¿qué tamaño debe tener el libro para aprovechar mejor el papel? Son temas muy interesantes pero que nos pueden robar mucho tiempo si no los dominamos; - la distribución, este es el gran hándicap de cualquier editorial, y mucho más para un autor. Uno recibe sus libros en casa y debe empezar a repartirlos. Las librerías no compran, cogen depósitos y debemos acordarnos de llamar periódicamente para ver si se ha vendido algo. Cuantos más se reparten, más hojas de depósito se nos acumulan... - la difusión en ferias. Es muy complicado, y casi imposible, que un autor pueda acudir a una de las ferias importantes con sus libros, tanto por costes como por la dificultad de acceder a una mesa propia.

©Dragan Lekic

quizás pueda ser una referencia al interés de su catálogo, a cómo los conocimos, autores que nos interesan... En todo caso, que vean que les conocemos, no que estamos escribiendo un correo estándar igual para todos los editores del mundo. 6. ¡Esperar! Es muy difícil que un editor reciba un correo y nos llame corriendo para publicar nuestro trabajo. Muchas veces ese correo es solo un primer contacto. Si surge la oportunidad será bueno acercarse a saludar en alguna feria, sin avasallar ni mostrar maquetas porque no es buen momento, pero simplemente presentarse y quizás recordar el envío de algún trabajo. Si el editor no se acuerda, han que ser piadosos... reciben centenares de propuestas.

La portada del Libro de Dragan Lekic, vendido en print of demand. «Paris de nuit» de Brassaï, con una encuadernación en espiral y 12,000 copias de primera edición en 1932 y «Los americanos» de Robert Frank en 1958, son, sin ningún género de dudas, los «Don Quijote» de los fotolibros. Pocas obras han influido tanto en la fotografía como estos libros.

Y a pesar de todas las dificultades, pocas cosas hay más estimulantes para un autor que intentar publicar su trabajo. Editar, diseñar, imprimir... todo el proceso que envuelve a un libro es un aprendizaje maravilloso. Sin olvidar el encuentro con un lector, el mejor aliciente para seguir adelante con todo. Montse Puig, editora, Ediciones Anómalas Jean-Matthieu Gosselin, editor

Juanan Requena y Montse Puig presentando «Al borde de todo mapa» (ediciones Anomalas), en 2016 @Grisart

INTERVIEW DE ANNA GALÍ (PROMOCIÓN 2017-2018)

“¡Además de sufrir, que se sufre!”

1 - ¿Cómo has empezado con la fotografía? ¿Después que querías hacer con una cámara? En los 70 mis hermanos montaron un cuarto oscuro en el garaje y me fascinó el ritual y la magia de ver aparecer la imagen en la oscuridad. A los 15 trabajé el verano entero para comprarme una cámara, quería ser fotoperiodista y cubrir zonas en conflicto. La vida me llevó por otros caminos, pero la fotografía y la luz siempre han estado ahí como medio de documentación familiar y de expresión. Y siempre ha sido una herramienta terapéutica y de meditación: el acto fotográfico me ayuda a vaciar la mente. Y viceversa, vaciar la mente me ayuda a ver la foto.

©Grisart

2 - ¿Cuáles fueron sus primeros proyectos fotográficos? Ghosts of Comala, a raíz de la colaboración con Àlex Torío; las fotos eran

Anna Galí (1968) vive en la Costa Brava, compagina la docencia y la fotografía de arquitectura e interiores con el desarrollo de proyectos fotográficos. Éstas suelen unir imagen y texto como forma de multiplicar el potencial comunicativo.

para su disco (basado en Pedro Páramo de Juan Rulfo) pero fueron creciendo hasta ser un proyecto expositivo sobre la infancia perdida, el paso del tiempo y la muerte. Este proyecto mezcla mis imágenes, textos de Rulfo y de Álex y su música. En el Taller de Foto y Texto con Alberto Prieto hice una cosa pequeñita e íntima y después, ya con Enric Montes en Proyectos, un trabajo sobre Instagram que quiero desarrollar más. 3 - ¿Para tí cuales son las cualidades que necesita un fotógrafo profesional? Además de las obvias (técnica, seriedad, responsabilidad, organización, paciencia, saber escuchar al cliente...) creo que no hay que olvidar nunca esa parte de intuición, de pasión y de juego que nos mueve como fotógrafos. Además de sufrir, que se sufre, hay que divertirse trabajando.

4 - ¿Tienes nuevos proyectos en marcha ya o bien te enfocas en el seguimiento de “Tomeu”? El Curso de Proyectos ha sido muy intenso en todos los sentidos y me sentía incapaz de pensar en otros proyectos, necesitaba dedicarle toda mi energía. Ahora están pasando cosas bonitas alrededor de ToQaRW y quiero centrarme en ponerle todo el amor y la dedicación que necesita, pero ya siento la necesidad de empezar algo nuevo. Ahora ya sé qué quiero hacer con la fotografía: seguir explorando su relación con la memoria/identidad, usando su potencial comunicativo para contar historias y experimentando con la mezcla de distintos lenguajes.

Entrevista realizada por J-M Gosselin

PROYECTOS

CROSSDRESSERS TRABAJO DE JOSE NAVARRETE SÁNCHEZ (PROMOCIÓN 2017-2018)

«“Crossdressers” es un fotorreportaje que se adentra en un mundo oculto de dobles vidas. Siguiendo de algún modo la estela dejada por Anders Petersen en “Cafe Lehmitz” a finales de los 60 o la de su maestro Christer Strömholm con “Les nuits de la Place

Blanche” en la década de los 50, pero con una mirada más contemporánea. Un trabajo donde los desenfoques o aparición de elementos como cortinas, reflejos,... nos trasladan esa idea de lo oculto y de la doble vida...»

WHAT IT IS AND WHAT IT COULD BE TRABAJO DE ERICK SUAREZ (PROMOCIÓN 2016-2017) «El proyecto muestra la escuela de fotografía como un espacio que muta cíclicamente de una apariencia física a un estado mental, donde sus alumnos se ven inmersos en un divagar de ideas e intenciones.

ENTRE LAS CUERDAS TRABAJO DE ELENA CASTRO (PROMOCIÓN 2014-2015) «El “Pollo Ramírez”, entrenador de boxeo, viaja en metro. Este antiguo campeón venido de República Dominicana se mueve por la gran Barcelona para

Erick ha invertido mucho tiempo en observar tanto pasiva como activamente cada uno de los rincones de la escuela y a disparar los sujetos y los lugares.

de un proyecto. Sin este espacio, ves tus tiempos interrumpidos por todo tipo de distracciones. Cuando tienes un pico creativo, tienes que haber dedicado tiempo al proyecto para poder aprovechar ese flujo de inspiración.”»

En las conclusiones de su trabajo Erick escribe que “la importancia de tener un espacio de trabajo propio en el que sentirte cómodo es esencial si quieres llevar a delante la formación

formar en gimnasios a los jóvenes púgiles que ya despuntan y ganan campeonatos a nivel europeo. Lejos de los focos y la atención de los medios de comunicación, un puñado de chavales, la mayoría inmigrantes, entrenan y combaten persiguiendo un sueño: el título que reconozca el esfuerzo, la

entrega a lo que ellos consideran “un noble arte”. Elena Castro, que en la actualidad reside en Berlín, se sirvió de una potente estética de imágenes en blanco y negro para mostrar un mundo de entrenamientos y de combates regidos por la voluntad de superación y el respeto al contrincante. »

DESCUBRIR UN DOCENTE DE GRISART ESTE MES: ALEIX MATEU «El Castellbisbal de Fellini»

Intentaré arreglarlo un poco. De hecho, si algo me gusta de la foto, no es fotografiar en sí, sino tener una excusa para conocer a gente, para entrar en lugares en los que normalmente no podría, trabajar con personas con las que aprendo... Es, sin duda, una forma de saciar mi sed de conocer y entender. Y luego, si me acuerdo, hago fotos. Quizás fue cuestión de suerte, aunque ahora, y visto con un poco de perspectiva, pienso que no. Al terminar de estudiar empecé a trabajar de inmediato, primero para una productora de TV y luego para distintos clientes hasta hacerme autónomo. He ocupado el tiempo en realizar proyectos fotográficos o videográficos para otros; pero muy poco o casi nada para mí.

NOTICIAS BREVES HEAD ON PHOTO FESTIVAL El sábado 4 de mayo ha empezado en Sídney el 10 aniversario de Head On Photo festival, evento más importante del continente australiano con la participación de artistas de todo el globo. Durante la primera mitad de mayo la ciudad de Sídney, gracias a todas las galerías de arte, se ha posicionado como filtro de todo el movimiento fotográfico. Incluido la exposición del Moran Prize, el más importante premio de la fotografía en Oceanía.

Para mí, y ya que es lo que más me gusta, me he dedicado a disfrutar de la familia y a montar en bici. Pero de hace un tiempo me ocupa la cabeza el realizar algún proyecto propio. Uno de los primeros trabajos que hice y que aún conservo, es el de fotógrafo del ayuntamiento de Castellbisbal.

“L’ESMOLET - 2016.“ @Aleix Mateu En el televisor contaban que la sonda espacial Juno había ingresado con éxito en la órbita de Júpiter tras 5 años, 11 meses y 1.000.000 de kilómetros. En ese momento el afilador pasaba por delante de casa con el sonido del “xiflo”. Apagué la tele y salí del estudio. Un regalo para los ojos y los oídos. El hombre vino de Jaén con su bici, que según me cuenta, tiene 150 años y que ya utilizaba su abuelo. Me destrozó un cuchillo, pero me dejó esta foto para el recuerdo.

Con el tiempo, los encargos han ido variando y he hecho de todo: campañas publicitarias, seguimientos de obras, reportajes de eventos y festejos... Creo que he cubierto casi todo aquello que se puede filmar o fotografiar. En más de seis años creo que he fotografiado en todas las calles, y en mis fotos, ya sea de más cerca o más lejos, han aparecido la mayor parte de los vecinos. ¡No pocos, unos doce mil!

Lo más parecido a un trabajo personal que tengo es una pequeña carpeta en el escritorio virtual que me acompaña desde que empecé a fotografiar: se titula “El Castellbisbal de Fellini”.Son fotos que realicé con poca premeditación. Que no buscaba, en realidad encuentros de forma casual, que por una u otra razón me trasladan a aquellos años. Pueden ser objetos, momentos, personas o espacios supervivientes de aquellos tiempos. En realidad, yo quería hablar de lo que me apasiona y con lo que me gusta ocupar el

Ahora no, pero quizás con el tiempo me convierta en un cronista del pueblo y a través de la fotografía pueda mostrar los cambios, a veces imperceptibles, pero constantes que van sucediendo. Soy muy nostálgico y con 36 años decir esto resulta algo patético, pero en cierta forma echo de menos el Castellbisbal de mi infancia, entonces con poco más de dos mil habitantes, aún muy rural, quizás algo precario, pero sin duda más auténtico.

Juliet Taylor, una fotógrafa publicitaria que ha trabajado para Saatchi & Saatchi, Clemenger BBDO y Ogilvy y que también es videoartista, ha ganado el premio 2019 del Head Photo Festival. Para ella parece una ironía ya que su foto se titula ‘Desafortunado’. Hay mucho más que una oportunidad que descubrir detrás de esta imagen y detrás de esa lente. El programa comportaba 109 exposiciones en Sydney y exhibía el talento de 1.064 artistas australianos e internacionales. Ullic Narducci

tiempo: la familia y montar en bici. Aleix Mateu

©Juliet Taylor

Teniendo en cuenta que trabajo como fotógrafo y que soy profesor de video en Grisart, probablemente es empezar mal el artículo diciendo que hacer fotos no es lo que más me apasiona. Por ejemplo, si dispongo de tiempo libre, prefiero ocuparlo con mi pareja y mi hija, o bien montando en bici. No quiero decir con esto que no me guste fotografiar, pero está claro que disfruto más haciendo lo otro.

LA FOTO EN SÍ ES VIDA «Lo que me encanta de la fotografía es que no se termina nunca. Siempre hay cosas para aprender, siempre hay cosas para probar, siempre hay cosas para disfrutar...», trabajo de MAITE SOLÉ (2017-2019)

INTERVIEW DE MAITE SOLÉ (PROMOCIÓN 2017-2019)

©Aleix Mateu

¡Con la foto: siempre podré estar aprendiendo!

1 - ¿Por qué has decidido empezar en la fotografía, qué buscabas? No fue una decisión muy meditada: en junio de 2016, tras una vida profesional de 40 años, pude prejubilarme, pasar de un día lleno de actividades (entrevistas, reuniones, formación de formadores...) a despertarme sin tener la agenda repleta. Fue un gran soplo de libertad porque pasé a decidir yo como administraba mi tiempo. Los siguientes dos meses fueron para hacer lo que me apetecía en cada momento: playa, amigos, deporte, excursiones, viajes, clases de patinaje... Y perder el concepto de tiempo comprimido. Empecé a plantearme en que me gustaría emplear mi tiempo en un futuro próximo, algo que realmente me gustara, pero no sabía muy bien qué... ¿Por qué no fotografía? comprometiéndome dejarla en el primer momen-

Maite Solé (1960) vive, ama y disfruta Barcelona. Ha realizado estudios de Psicología. Hoy, es aprendiz de fotógrafa. Experimentadora de nuevas emociones. Madre de dos hijas y abuela de un niño de año y medio. Desde hace dos años ella disfruta de una nueva vida con diferentes e intensos colores...

to que para mí se convirtiera en una carga y no una ilusión. Me atrajo este nuevo reto porque no sabía nada de eso; solo que al apretar un botón la consecuencia era una fotografía. Así que me apunté en Grisart con todas las expectativas abiertas. Fue una catarsis, conocer un mundo nuevo personal y profesional. 2 -¿Que te ha aportado la fotografía tras una carrera profesional variada? Ganas de aprender cada día más, una nueva forma de mirar, el deseo de experimentar, la búsqueda de la parte creativa tanto tiempo olvidada. 3 - ¿Cuales son las cualidades que necesita un fotógrafo profesional? Curiosidad por lo que nos rodea, intentar ver lo que a simple vista no se ve, observar desde prismas diferentes, pasión, aprender de los errores y obs-

táculos, mirar con emoción, fijarse en los detalles. Al menos esto es lo que yo quiero hacer. 4 - Muy pronto estarás graduada de fotografía ¿que quieres hacer después de estos años de escuela profesional? Seguir formándome en este apasionante mundo de la fotografía. Una de las cosas que más me atrae es que siempre podré aprender, que tendré siempre nuevos retos, satisfacciones por lo conseguido y errores para modificar y superar. Puedo plasmar la vida como la veo, puedo hablar con lo que fotografío, puedo llegar a sitios a los que sin esta nueva visión no alcanzaría. Quiero seguir navegando poco a poco y donde los vientos me lleven. Entrevista realizada por J-M Gosselin

EXPOSICIONES

©Grisart

«SONIQUETE» LA EMOCIÓN DEL FLAMENCO

« Soniquete » es un trabajo fotográfico documental de estilo clásico, que muestra la actualidad del Arte Flamenco en Barcelona. Con fotografías en blanco y negro, la autora, Noelia Iniesta, capta la jondura de uno de los géneros musicales más antiguos

de Europa. El reportaje muestra un recorrido por los tablaos más emblemáticos de la Ciudad Condal: festivales, espectáculos, peñas flamencas y escuelas de cante, toque y baile. Las fotos acercan al público al entramado cultural del flamenco manifestado dentro y fuera de los escenarios. Los protagonistas de las imágenes son los artistas y aficionados, que construyen, mantienen y difunden este arte de generación en generación. El trabajo fue presentado en la escuela durante el mes de mayo. Las fotos irradian felicidad y alegría, pero también silencios e interioridad. Mirar la exposición era casi una experiencia mística.

©Jean-Matthieu Gosselin

DURERO EN BARCELONA

Los grabados más representativos de Alberto Durero se pueden contemplar en la exposición “Durero, maestro del Renacimiento”, que ocupa el Real Círculo Artístico, la Catedral y el Museo Diocesano de Barcelona, tres lugares del centro de Barcelona. Con unas 70 obras procedentes de la colección italiana de Elisa Moretti, la exposición

cuenta con la colaboración del Museo Casa Durero de Nuremberg y el Museo Fugger y Welser de Augsburgo. Entre las piezas exhibidas figuran títulos emblemáticos como el “Gran carro triunfal de Maximiliano I”, “Melancolía”, “San Eustaquio”, “El caballero la muerte y el diablo” o la serie de “la pasión”... Durero, que durante toda su vida trabajó para unir arte y ciencia, geometría y naturaleza, supo aprovechar, como pocos, los cambios y avances tecnológicos que le tocaron vivir. Era un referente, un maestro influyente hasta el siglo XX. Este hombre que abandono el lenguaje gótico alemán para abrazar el renacentista era un artista capaz de crear lazos culturales entre las artes gráficas y la sociedad. JMG

©August Sander

AUGUST SANDER CAPTAR Y REGISTRAR SU TIEMPO Y LA SOCIEDAD La Virreina Centro de la Imagen de Barcelona presenta la mayor exposición dedicada al fotógrafo alemán August Sander, conocido por su proyecto documental “Gente del siglo XX”, una cartografia de la sociedad alemana de la República de Weimar. La exposición presenta por primera vez en España 187 fotografías de “Gente del siglo XX”, con copias modernas realizadas a partir de negativos originales en placas de cristal, así como piezas de la serie “Estudios: el ser humano”, casi inédita en el ámbito museográfico internacional. El comisario de la exposición es Valentí Roma, en colaboración con Guillermo Zuaznabar. August Sander (1876-1964) ocupa una posición “absolutamente tutelar” en la historia de la fotografía, es uno de los 10 fotógrafos fundamentales de la historia. Las fotos que se exponen a la Virreina se realizaron

entre 1892 y 1954. En estas fotos Sander muestra una vocación casi entomológica, científica. Enseña a los personajes tal como ellos se quieren representar, de forma desapasionada, objetiva, la más neutral posible. Sander intenta categorizarlos, presentándolos sin nombre, tan sólo clasificándolos por profesiones, o por situaciones sociales con títulos neutrales clasificados por género, por credenciales, por trabajos... En resumen, él buscaba la imparcialidad. Sander fotografiaba a todo el mundo, con la intención de que sus fotos no favorecieran ni perjudicaran a nadie. El maestro alemán empezó a hacer de retratista cuando era muy joven. Pronto se situó cerca de intelectuales. Desde el principio se movió en la calle para fotografiar a la gente en sus casas y en sus faenas (sea lo que sea el trabajo), dando una visión mucho más social del individuo. Trabajó 15 años hasta que el nazismo interrumpió este proyecto como tal, aunque fotografió a nazis. De ellos encontramos una docena en la exposición de la Virreina, retratados con la misma banalidad, la misma neutra-

lidad. Al menos en apariencia porque, con el nazismo, su trabajo perdió su aspecto frió, neutral y adquirió un tono más trágico. Junto a campesinos, notarios, burgueses, entre los retratos figuran también algunos como “Víctimas de persecución” o “Presos políticos”... La exposición de la Virreina se organiza en 7 capítulos y en 45 carpetas, tal como la diseñó el propio Sander. Sus fascinantes fotos colocan al ser humano dentro de una especie

de modelo cíclico social. La muestra, se puede ver en La Virreina Centro de la Imagen hasta el próximo 26 de junio. J-M Gosselin

LA FAXX FERIA EN CHILE RECIBE A MARIA MUNZI

©Maria Munzi

Maria Munzi, alumna de Grisart en 20172018, que expuso en Arles el año pasado, y así como en el Fotover de París y en el Fotover de Lilles en 2019, estaba en el FAXX Feria en Chile, como fotógrafa “invitada”. El FAXX es un espacio de encuentro de artistas visuales de Sudamérica que, durante 4 días, interactúan, exponen y venden sus obras. Su trabajo «No me arrepiento

de nada» ha conocido un gran éxito. El periódico cotidiano “El Mercurio” ha consagrado un artículo a su trabajo, su mirada de las situaciones surreales fotografiadas, las cosas extrañas, lo raro en la vida. Maria explica : “fue la primera vez que la gente sin conocerme se ha interesado y ha conectado con mis imágenes hasta tal punto de querer comprarlas. He escuchado comentarios, reflexiones, aprobaciones y desaprobaciones sobre mi trabajo que me enriquecieron mucho.”

ZARAGOZA SE ILUMINA CON UNA ”CIERTA LUZ”

Esta es una muestra colectiva marcada por el sello personal de cada autora. Sus obras trasmiten intimidad, ingenio, belleza, creatividad, sensibilidad; pero también rebeldía, transgresión y mucho compromiso social. Expresa cómo un nutrido grupo de mujeres fotógrafas percibe el mundo y cómo lo plasma a través de los instantes captados por sus objetivos. Es una mirada a lo real y lo imaginado, a lo cercano y lo distante reflejando la vivencia de cada una de las cincuenta y dos artistas, todas pertenecientes a distintas generaciones y que han nacido en Aragón o están estrechamente vinculadas con

Visibilizar la experiencia de un colectivo históricamente ninguneado y revalorizar su trayectoria. Con ese objetivo surge la exposición “Cierta luz. De fotógrafas aragonesas”.

esta tierra. A través de las siete salas se puede observar fotografías, tanto en color como en blanco y negro, que captan temáticas muy diversas como el periodismo documental y de guerra, la autobiografía, la pintura, los diarios visuales o los paisajes. En total, más de 150 imágenes, entre instantáneas impresas e instalaciones

Este pasado mes de abril la Escola Grisart ha inaugurado la exposición ‘’Quan sigui gran vull ser fotògraf!’’ en el Centre Cultural Can Rajoler del Ajuntament de Parets del Vallès. La exposición fue inaugurada también en el Festival Belgrade Photo Month de Serbia. La muestra recoge las fotografías de niños y niñas de dos campos de refu-

©Grisart

GRISART EN ERBIL: 2 EXPOS

incluidas dentro de una proyección audiovisual de gran impacto visual. ¡No quiero acabar este artículo, sin otorgar una cierta luz...a las fotografías de ellas, así como al coraje también del amor creativo! Silvia Bernal Martín Lonja de Zaragoza , organizado por el Colectivo 4F

giados de Erbil (Iraq), que participaron en los talleres que realizó Grisart junto a UNICEF en 2018. El equipo Grisart del proyecto estaba compuesto por: Fidel Balaguer, Chiara Fabro, Ivan Ferreres, Camila Marinone, y Dani Solsona. Dos oportunidades en Cataluña y en Europa para mostrar al mundo la mirada y el mensaje de los niños y niñas que viven la guerra y situaciones muy difíciles.

©Cristina De Middel; Panoramic

FESTIVAL PANORÀMIC 2019: ÚLTIMA THULE. LA COLONIZACIÓN DE L’ESPACIO « La luna, como una flor en el alto arco del cielo, con deleite silencioso, se instala y sonríe en la noche. », William Blake. Grisart y Roca Umbert Fàbrica de les Arts organizan la tercera edición del pionero festival de fotografía, cine y

nuevos lenguajes visuales que se celebrará entre el 17 y el 20 de octubre en Granollers. Este año el festival se centra en la Luna, coincidiendo con los 50 años que el hombre pisó por primera vez el emblemático satélite, tal como nos recuerda lo que escribe Arthur C. Clarke « La luna es el primer hito del camino hacia las estrellas. » Panoràmic 2019 contará con ambiciosos proyectos de Cristina de Middel, Marcellí Antúnez,

Ruben Torras, Joan Fontcuberta, entre otros... “El hombre está llegando a la luna, pero hace más de veinte siglos que un poeta supo de los ensalmos capaces de hacer bajar la luna hasta la tierra. ¿Cuál es, en el fondo, la diferencia?”, escribía Julio Cortazar. 17-20 octubre de 2019, Roca Umbert Fàbrica de les Arts de Granollers, c. Enric Prat de la Riba, 77, 08401 Granollers (Barcelona), Instagram: @panoramicfestival

GRISART EN ARLES ¡La ciudad de Arles es a la fotografía lo que Cannes es al cine! Este año 2019 Grisart estará presente en uno de los espacios más espectaculares del festival, la Bourse du Travail. Es importante estar presente porque esta edición verá el festival cumplir su 50° aniversario. Es el tercer año que la escuela participará activamente en Les Rencontres, con exposiciones (y cada año con sorpresas). Este año en la Bourse, Grisart presenta una exposición espectacular de Anna Galí -un trabajo de una gran calidad- varias charlas, encuentros internacionales, visitas de exposiciones en el On y en el Off, y, obviamente, sorpresas que os contaremos en el numero de septiembre. Aquí vamos a presentar un verbatim y un reportaje fotográfico de los años anteriores.

VERBATIM “Para mi Arles es el Verbo de la fotografía”, Albert Gusi, director de Grisart “Lo que pasa en Arles, queda en Arles”, Israel Ariño, fotógrafo, artista “Si tuviera que destacar sólo una cualidad, diría que es el festival más “horizontal” que conozco, pues durante su semana de apertura se transforma en un territorio de oportunidades “reales” para todo el que quiera avanzar en su carrera.”, Enric Montes, Fotógrafo, artista “En Arles descubrí a Francesca Woodman. Ello cambió mi percepción de la fotografía, que hasta entonces era netamente documental. Para mí supuso un cambio de ciclo.”, Rafa Badia, fotógrafo, docente “Arles en julio para mi son los libros, la fotografía, los colegas de todos sitios que acuden con sus libros, y trabajos, el intercambio reconfortante con los lectores,... y también mucho calor y mosquitos agresivos.”, Montse Puig, editora «Redescubrir la magnitud y la belleza que tienen las imágenes expuestas en la pared.», David Morero, fotografo «Arles, es un puente de inspiraciones», Nathalie Vigini, fotógrafa, organizadora de festivales “Arles transformo mis más profundos suenos en alucinaciones y pesadillas”, Flavio Edreira, fotógrafo

©Pascal Bois

Mi colaboración con Les Rencontres photo d’Arles comenzó en 1998 con la creación de un servicio educativo, realizando actividades de sensibilización sobre la imagen fotográfica entre el público joven y participando, en particular, durante dos años en un proyecto europeo que se refería al patrimonio desconocido en la región de Provences-Alpes-Côtes Azur. Luego he dirigido algunas prácticas durante tres años. Más tarde, me uní al equipo de la Agencia de patrimonio regional como fotógrafo con esta pregunta: ¿cuál es el papel que podría jugar Regards & Mémoires, asociación que creé en 1996, en un festival tan prestigioso como Arles? En 2004, nos imaginamos con Fred Boucher, hoy director de Diaphane, un viaje fotográfico que presentó trabajos fotográficos en la Comandancia “Sainte-Luce” y que se terminó en el distrito de La Roquette, un barrio que en ese momento era muy pequeño, frecuentado por alguna gente del público del festival. Muy rápidamente me di cuenta de que estas exposiciones tenían un papel que cumplir, especialmente en La Roquette. La imagen se convertía como algo unificador para poblaciones que no se encontraban. Gitanos, magrebíes, franceses de todos los ámbitos de la vida se reunieron para celebrar momentos de convivencia en el bar de Ali o en las tiendas de los comerciantes. Desde 2004 hemos presentado fotógrafos de múltiples horizontes: cubano, americano, inglés, africano y, por supuesto, europeo. Centros fotográficos como FOAM o Diaphane confiaban en nosotros. Este año, damos la bienvenida a Grisart por segunda vez en la Bourse du Travail y en le Bar El Sarto, siempre con el espíritu presentar trabajos de calidad, pero también para acoger a un gran número de estudiantes de Grisart y compartir con ellos estas emociones suscitadas por el festival Les Rencontres d’Arles. Pascal Bois, fotógrafo ©Grisart, J-M. Gosselin, Anna Galí

COMPARTIR MEDIANTE FOTOS: EXPERIENCIA EN MARRUECOS

En el inicio de este año 2019, durante más de un mes, Nathalie Vigini ha organizado un taller en Marruecos utilizando “Photovoice”. “Photovoice” es un proceso en el que las personas (generalmente aquellas con poder limitado debido a las barreras del idioma, raza, clase, etnia, género, cultura u otras circunstancias) utilizan imágenes fotográficas para capturar aspectos de su entorno y experiencias para compartirlas con otros. Ella pasaba un mes en Casablanca en un Instituto ONG local (INSAF) que ayuda a las madres solteras a superar su nueva situación como tales en Marruecos. Tienen un hijo fuera del matrimonio: todavía no se acepta esta situación en muchas familias y aldeas rurales. Por lo tanto, las chicas deben que abandonar su ciudad para traer a la luz el bebé o simplemente para tener una vida normal.

Durante el taller que ha montado Nathalie les enseño lo básico de la fotografía, como la teoría y la técnica, pero sobre todo a leer imágenes. Utilizaban la foto como terapia individual, como puente para discutir; hablaban sobre el simbolismo y sobre cómo cada una puede crear su historia con imágenes. Nathalie ofrecía un espacio para compartir experiencias y hablar sobre su realidad como su situación personal; después ha ampliado los argumentos para discutir y reflexionar sobre los temas de sus fotografías. Con todo eso las participantes han llegado a una comprensión más clara de sus circunstancias. Esta práctica, nos cuenta Nathalie, “es una forma segura de fomentar la conciencia crítica y utilizar la fotografía como una diversión y crear un arma de expresión. A final del mes nos reunimos con un proyecto colectivo que se expuso en Casablanca en el mismo Instituto. También se expondrá en Suiza en el verano como parte del programa del Festival Verzasca Foto 2019.” Es una forma, con creatividad, de dar la oportunidad a otros de hablar sobre

su vida y realidad. El objetivo era de darles la voz a través de la fotografía como herramienta de expresión. Y Nathalie Vigini nos confiesa: “Creo firmemente en la fotografía como herramienta de transformación personal y social.” Fotos de los miembros del Taller de enero en Casablanca

Nathalie Vigini es suiza, fotógrafa freelance y pertenece a dos colectivos: Veo-Collective e Instant collective

EXCELENCIA

HARRIZKO AZALA Harrizko Azala es un proyecto fotográfico donde el ser huma no de hoy en día, se ve indefenso frente a excepcionales paisajes naturales.

Es un intento de volver a vivir como nuestros antepasados, dejando las comodidades atrás, se hace evidente que es casi imposible adaptarse a las condiciones extremas. Hay filósofos, topógrafos, naturalistas, observadores de árboles, piedras y ríos, que han intentado durante décadas la experiencia de «simplificar radicalmente el modo de vida de los civilizados», como expresó el escritor Joel Cornuault. En su texto Alberto Alonso Díez explica que «Los instintos permanecen en nosotros, son el legado de millones de años. Nuestras calles de asfalto que rápidamente se transforman en una huella indeleble, nuestros edificios cuya simetría imposible se va haciendo mas evidente en la naturaleza, nuestros alimentos industriales, nuestra ropa, nuestro trabajo, nuestras leyes escritas ... ¿Qué significan todas estas cosas para los instintos? ¡Nada! Vivimos ajenos a la naturaleza que nos envuelve, hasta el punto de que jamás podríamos regresar a ella. Cuando nos escapamos y nos escondemos en esos rincones del mundo, en los que la naturaleza se conserva de manera excepcional, nos sorprendemos de la gran belleza al ver una puesta de sol, unas montanas o simplemente el movimiento de las olas. Somos animales fuera de lugar, para sobrevivir hemos sido capaces de modificar el medio. Aun así, reclamamos ser dueños de este lugar sin ni siquiera saber caminar en él.»

ALBERTO ALONSO DÍEZ – (2013-2014) Fotógrafo

©Alba Duque

FOTO DE ILUMINACIÓN & ESTUDIO «Es el misterio de las cosas lo que me atrae. Cuando por casualidad los objetos se componen con significado, cuando te llevan a pensar en qué fueron antes o en qué van a devenir,

quién tuvieron alrededor, qué causaron en quienes los observaron. Algunos objetos también tienen alma.» ALBA DUQUE - 2016-2018 (Fotógrafa)

©Adriana Domínguez

FOTO DE MODA

«La moda es arquitectura, es una cuestión de proporciones.» – Coco Chanel ADRIANA DOMÍNGUEZ - 2015-2016 (Fotógrafa)

FOTO DE PAISAJE URBANO «La fotografía paisajística llega a examinar activamente y, al mismo tiempo, a conciliar las problemáticas ambientales, sociales, económicas y políticas. El arte contemporáneo pone

en evidencia una de las principales características del paisaje que es su función de mediador.» LAURENT PERROT - (2017-2018) Fotógrafo

FOTO DE CGI «Para la Iluminación se usó la inspiración de una foto del editorial « Eclipse » fotografiada por E. Haust: destaca la despreocupación con la luz nocturna y la naturalidad de la ima-

gen. Styling inspirado de la serie « Stranger Things ». Escena de la película « El club de los cinco » como inspiración para los pros.» RERICSON OLIVEIRA - 2017-2018 (Photo Retoucher)

FOTO DE REPORTAJE «Esta ciudad de contrastes se refleja, por ejemplo, en la imagen de la estatua de Colon con la sombra del perro: metáfora del lobo de cuidad que sale dispuesto a luchar por su super-

vivencia siendo consciente de los peligros, pero insensible al miedo. Reportaje en el parque Walter Benjamin de la ciudad de Barcelona.» LUCA AIMI - 2013-2014 (Fotógrafo)

STREET PHOTOGRAPHY « Mi objetivo es contar una historia, no me limito a mostrarla. Sé que nunca podrá contarlo todo. Pero sí que puede transmitir una emoción. No quiero decirle a la gente lo que tiene que

pensar. Me interesa que primero sientan y luego, con suerte, se hagan las preguntas adecuadas...» SILVIA BERNAL MARTÍN - 2017-2018 - (Fotógrafa)

FOTO NARRATIVA «Fotografiar a mis seres queridos me ha ayudado a entender lo importantes que son para mí.» DAVID MOLERO SAURA- 2015-2016 - (Fotógrafo)

©Anna Galí

FOTO DE ARQUITECTURA «Me interesa como se relacionan los espacios con las personas, la luz y el entorno. Al fotografiarlos intento ir más allá de la mera documentación y capturar ese algo inmaterial que

en ellos quienes los diseñan, pero también quienes los usan y les dan sentido » ANNA GALÍ - 2017-2018 - (Fotógrafa)

FOTOLIBROS

¡Y SIEMPRE ROBERT FRANK!

UNA DINÁMICA NOCTAMBULA

DESCÚBRELO DE URGENCIA

En este libro, Robert Frank, 94 años, reconoce y se mueve más allá de sus diarios visuales que yuxtapone imágenes icónicas (39 fotos), actuales y fragmentos de texto sugerentes, a menudo autobiográficos. Su mensaje está principalmente en la secuencia lírica de las fotos, un enfoque influyente para el fotolibro pionero y hoy en los manos de un hombre maduro que analiza su vida. Lástima, aunque el libro se mantendrá en inglés, que se publica por país y que las fotos aparezcan en masa, sin orden ni edición bien hecha, en la red. Un fotógrafo de este renombre no merece este trato. “Robert Frank : good days Quiet”, Steidl Verlag, 64 p., 35 €

Cuando abres el fotolibro «Wake», de Adam Jeppesen en vez de despertar quizás tienes una sensación de entrar en una dinámica noctámbula y llena de penumbras, dibujada por una luz y unos colores que construyen una atmósfera de suspense.

Hesse y Romier fotografiaron a partir de 2014 la costa de “Côtes-d’Armor”. Luego organizaron su trabajo como un cuento visual donde se encadenan extrañas representaciones, elementos de sofisticación, poemas de simplificación. Desde objetos cotidianos recuperados a lo largo de sus caminatas, reflejando emociones, posibilidades visuales, inmersión en el olor, encuentro en las sensibilidades o creencias ecológicas... Ellos ofrecen pinturas donde se puede imaginar, soñar, reactivando recuerdos de la infancia o encontrando elementos familiares. Y si las imágenes son mudas, de hecho, lloran, gritan, gruñen, resoplan o soplan. Y, por último, no olvides prestar atención a la suntuosa portada en negro y en relieve. « Barbarians », GwinZegal, 44p., 24 €

En las imágenes surrealistas de gran formato de Jeppesen, todo pareciera estar congelado, incluyendo los más mínimos detalles. El título del proyecto hace alusión a una claridad emocional y estética, producto de un periodo de soledad. Este libro es una joya que juega a la parálisis del tiempo.

Wake”, Steidl Verlag, 48 p., 32 €

dos del fin del mundo, la realidad de una jungla humana y rebelde. Hay un poo de Diane Arbus en él y de William Klein

¡PARADIGMAS DISTINTOS! ¡Y aquí hay un libro que, a mí me ha encantado! Propone imágenes partidas e incompletas apenas anotado con una única frase de Miguel Romero: “Es en los negativos donde descansan las imágenes unas con otras, separadas por el tiempo”. Es igual que mi cerebro después del Ictus, una otra visión, libertad de interpretación, los intersticios de la línea del tiempo como los espacios nuevos de la normalidad clásica... Las texturas como los colores son imperfectos, no es “vintage”, nada de la moda de los filtros “insta”; es una temporalidad azarosa, un espacio donde la memoria que desaparece o se rencuentra, depende lo que quiere el artista, o bien el lectores-espectador. También es un regreso, como dice Aznavour a “un tiempo, Que menos de veinte años, No puedo saber” cuando los fotogramas en los carretes estaban acostumbrados o condenados (depende de nuestro estado de animo) a vivir unos con otros pasando de un momento a otro; una época donde cada foto suponía mas tiempo, mas dinero, mas conocimiento artesanal que actualidad. Este viaje personal del autor se convierte en un viaje del lector que encuentra nuevos reflejos y paradigmas distintos. “Elipsis”, ed. Anómalas, 48 p., 15 €

DESCUBRIR A CLAUDE IVERNÉ Claude Iverné observa, y fotografía en blanco y negro, con grises sutiles con calma y lentamente, sin olvidar nunca dónde mira: los nómadas, espacios saturados de arenas y cielos, firmamentos saturados de vacío y plenitud, humanos reinventando presencias, días cotidianos limpios en sus repeticiones, composiciones perfectas y puras, geometrías minerales y misteriosas. «Bilad es Sudan», Ed. Xavier Barral, 240 p., 45 €

EXHIBICIÓN EN RIO El artista visual y fotógrafo JR publica un nuevo libro en Actes Sud. La edición inteligente permite (re) descubrir sus proyectos más destacados, incluida la exhibición de atletas de tamaño natural en la ciudad brasileña ... El libro esta pensado de un punto de visto editorial como una serie de muñecas rusas, donde se encadenas las epopeyas plásticas de JR, desde el Río Favella hasta los Juegos Olímpicos de Verano, ocho años después. El diseño es obviamente original, no puede ser de otra manera con JR, y está lleno de escenas emocionantes, incluido un intercambio cruzado entre JR y Vik Muniz, que dice mucho sobre el requisito de la ética del fotógrafo francés. Descubramos su técnica de collage, su gran sensibilidad visual. Este libro cuenta 10 años de creaciones artísticas y la participación artística y humana de un hombre que ha creado vínculos en una de las mayores mega-ciudades del mundo. “JR, JR Géants, JR Rio”, Actes sud, 176p., 55 €

EL CARTUCHO: EN LA JUNGLA MODERNA! Stanislas Guigui escribió, en texto y fotos, una suma sobre la vida cotidiana en el distrito d’El Cartucho, este ghetto de Bogotá, en el centro de la ciudad, a dos cuadras del palacio presidencial. Durante tres años ha vivido el día a día de los grupos más peligrosos del mundo, pero también en los entornos de lo más pobres. Testifica y narra la marginalidad, la violencia, la exclusión, la vida de los olvida-

también. Stanislas Guigui rastrea el carácter humano en lo más profundo del alma. “El Cartucho”, Ed. Chêne, 224p, 22,9 €

MIGRACION Y SUEÑOS “Fata Morgana” es el fotolibro ganador de

la tercera edición de Concurso Fotocanal libro de fotografía 2018, organizado por la Comunidad de Madrid y Ediciones Anómalas. Es el nombre de un espejismo complejo que distorsiona los objetos y se desvanece muy rápido. “Visible desde la región del sur de Italia de la que procedo, Salento, crea la ilusión de estar contemplando las montañas de Albania desde el mar Adriático, pero para mí representa una potente metáfora de la situación geopolítica contemporánea”, explica Alessia Rollo. Este proyecto fotofrafico es una narración entre lo real y lo ficticio donde a partir de una historia personal, la autora propone llenar huecos y brindar a los personajes del libro la posibilidad de duplicarse y transformarse en otras personas. Ofrece sueños y caminos de sueños, que es un aspecto fundamental de la existencia de todos los seres humanos. Es una mirada innovadora sobre un tema pretendiente como es el conflicto migratorio entre Europa y África. “Fata Morgana”, ed. Anómalas, 80 p., 28 €

UN SEMESTRE DE REVISTA

Febrero 2019

Marzo 2019

«Las fotos de Laura García Berlanga, Txoa Datchary, Ullic Narducci, Maria Munzi, Laurent Perrot o Pep Buades, entre otros, no sólo fijan la imagen de Barcelona: también presentan a la capital catalana como un amplio territorio de expresión íntimo, personal e intransferible.» Rafa Badia, N° 1 «El paso del tiempo, en forma de sedimento, se acumula capa tras capa. Como si fueran placas tectónicas comprimiéndose unas con otras hasta la más mínima expresión de la me-moria. Algunas marcas perduran, pero a la vez otras, las voy olvidando.», Jon Arruti, N° 1 «Al final para mi la fotografía, es «poder ir más allá del horizonte.», Andreja Veluscek, N° 1

Abril 2019

«Creo que la fuerza de nuestra serie reside en la pasión con la que narramos las historias.», Sacha Goldberger, N° 1 «El camping es uno de estos lugares, que Eleonora Ferri califica como «un mundo de plástico». Nos viene una pregunta: «¿Por qué necesitamos ir a un lugar de diversión para estar de vacaciones?», Jean-Matthieu Gosselin, N° 2 «Me supone un reto capturar algo que no tiene sentido sin el movimiento y el tiempo, como puede ser una coreografía, y me interesan las creaciones artísticas de músicos y bailarines.», Núria Aguadé, N° 3

«Además de sufrir, que se sufre, hay que divertirse trabajando.», Anna Gali, N° 5

Foto de cover: ©Ullic Narducci Foto de primera: ©Jean-Matthieu Gosselin Foto de contraportada: ©Claude Iverné Global Grisart es una publicación de Grisart Escola Internacional de Fotografía, C/ Méndez Núñez, 14 · 08003 Barcelona. Director: Albert Gusi - Coordinador: Jean-Matthieu Gosselin Textos: Montsé Puig; Jean-Matthieu Gosselin; José Navarrete Sánchez; Erick Suárez; Rafa Badia; Ullic Narducci; Silvia Bernal Martín; Pascal Bois; Nathalie Vigini; Alberto Alonso Drez; Alba Duque; Laurent Perrot; Rericson Oliveira; Luca Aimi; David Molero Saura; Selva Ramirez; Claude Iverné Entrevista: de Anna Galí y Maité Solé Révision: Rafa Badia Archivos: Ivan Ferreres Pujol - Mail: GlobalGrisart@grisart.com

Mayo 2019

Junio 2019

«Creo que, para hacer un buen trabajo requiere poca cosa: un objetivo bien definido, esencial, y más allá de límites ... y la locura latente que exige.», Violette Letient, N° 3 «No olvides que la riqueza es en lo humano, en su sufrimiento y en sus alegrías. », Dragan Lekic, N° 3 «La luz es energía y contiene información. En este sentido, veo una(s) conexión(es) muy profunda(s) con el trabajo fotográfico,.», Alessandro Perego, N° 4 «Todo el proceso que envuelve a un libro es un aprendizaje maravilloso. Sin olvidar el encuentro con un lector, el mejor aliciente para seguir adelante con todo.», Montse Puig, N° 5

Para contactar con los autores y fotógrafos: www.edicionesanomalas.com; www.ullicnarducci.com; www.jmgosselin.com; www.annagali.cat; @Maite Solé; sramirez@grisart.com; @panoramicfestival; regardsetmemoires@wanadoo.fr; www.rafabadia.net; www.facebook.com/alberto.alonsodiez; www.albaduque.com; adrianadominguezmata@gmail; es.linkedin.com/in/rericson-oliveira-2916b912a; www.lucaaimi.com; www.davidmolero.com; www.facebook.com/nathalieviginiphotography ; @veo.collective; www.nathalievigini.com; gwinzegal.com; steidl.de; exb.fr ; www. actes-sud.fr; www.editionsduchene.fr; www.laurentperrot.com; www.elnour.org; GlobalGrisart@grisart.com

ANÁLISIS

FOTOGRAFÍA PAISAJÍSTICA COMO CUESTIONAMENTO SOCIO-POLÍTICO

Describir la naturaleza como algo a parte - fuera de la ciudad, donde el límite marca la separación entre naturaleza y cultura es ilusorio. Naturaleza y cultura son una sola y misma cosa. No hay separación.

Hablar acerca de la relación entre el arte y el paisaje contemporáneo, es poner en evidencia nuevas relaciones entre la sociedad y la naturaleza. El paisaje, mediador de nuestra relación al mundo, es un espejo crítico de la sociedad. El paisaje habla del respeto del hombre por la naturaleza, donde tiene su sitio legítimo, pero en el que también deja su huella. El paisaje puede tanto ser pensado en términos de armonía, como en términos de confrontación. La crisis ambiental de los años 70, y el desafío de la protección del medio ambiente y de los movimientos de la naturaleza, nutrieron la visión de una ocupación humana contaminadora e invasiva, rompiendo las tradicionales representaciones entre naturaleza y paisaje. La afirmación de la ecología refuerza una corriente de pensamiento que reafirma la relación existencial del hombre con la naturaleza, negando de esa manera el dualismo entre naturaleza y sociedad, e imponiendo una visión ética de una tierra habitable con la cual hay que reconciliarse.

¿Cuándo la fotografía arquitectónica se convierte en un arte? y ¿Cómo distinguir la variante artística de su gemela documental?

Adrian schulz

Lo que en última instancia no escapa al fotógrafo es la sensación de una naturaleza domesticada, de un paisaje construido. El hombre modela la naturaleza para sus necesidades (despilfarro de recursos), su deseo de comodidad (la naturaleza como jardín de agradecimiento). Se trata de dar a ver que la naturaleza ha cesado de existir originariamente. Pero es importante no asociar un pensamiento sistemáticamente peyorativo a la huella dejada por el ser humano, porque el fotógrafo no hace más que interrogar el lugar del hombre frente a la naturaleza. El proceso de la naturaleza debe integrar las acciones humanas sean o no destructivas.

La fotografía y el paisaje pueden interactuar para cuestionar todas las temáticas actuales de nuestra sociedad contemporánea, como la relación hombre-naturaleza, la construcción del proyecto urbano, la definición de espacio público, etcétera. La fotografía paisajista llega a examinar activamente y, al mismo tiempo, a conciliar las problemáticas ambientales, sociales, económicas y políticas. El arte contemporáneo pone en evidencia una de las principales características del paisaje que es su función de mediador.

Laurent Perrot, (2017-2018), fotógrafo

CLAUDE IVERNÉ (1963) vive y trabaja en Francia y Sudán. Ganador del Premio Henri Cartier-Bresson 2015. Claude expone su trabajo “Bilad Es Sudan” en 2017 en la Fundación Henri Cartier-Bresson y la Fundación Aperture en Nueva York. Su libro homónimo es publicado por Xavier Barral. En 2003, fundó Elnour (“la luz”), una oficina internacional de investigación, documentación y publicación, donde conviven fotógrafos, artistas, científicos y escritores . Ganó el “premio 3P” en 2004 y curó la exposición “Sudán” en Rencontres Internationales de Bamako en 2005. Foto inédita de Claude Iverné

LIBRE OPINIÓN DE CLAUDE IVERNÉ “Lo que no se comparte es inútil” Recientemente fui descrito como “inmanejable”. ¡Qué cumplido! De joven, quería aprender a dibujar de un amigo pintor. Acercó un cuenco y me dijo: “Míralo de verdad, descríbelo y sabrás cómo dibujarlo.” Esto es lo que tienes que aprender, vuelve a aprender. Prestar atención. La fotografía es un instrumento para describir su mundo de uno o para derrotar a los demás. La cámara es una herramienta. Las melodías que toco pueden recordar a algunas otras partituras. Me siento animado y conmovido cuando revives los recuerdos de la infancia. Es esencial alimentarse del cine, la pintura, la historia, la literatura, de la luz sobre la piedra y especialmente de la vida. Aquí es donde la cuerda de todos se estira, lista para vibrar. Lo más difícil es deshacerse de su propia contaminación, cultural, familiar, social. A mi me gusta que una imagen no se desviste demasiada rápidamente, no en un primero vistazo. Me gusta lo que se revela

poco a poco. Es como en el amor, ¿follamos nada más presentarnos? ¿En la primera cita? Me gusta que me invite a salir de su marco. La imagen exitosa combina el lirismo y el documento, la descripción y la poética, en un conjunto de pistas y espejos. Animo al público a jugar. No acecho ni lucho contra las influencias. Según Picasso “los malos artistas copian, los buenos roban”. Todos están de acuerdo en que era muy bueno. El tiempo pasa, nosotros también. Otros se comprometen con el cuerpo y el alma: Apollinaire. Las tendencias están desactualizadas, los rebeldes se unen a los clásicos. Yo refuto el elitismo. Nuestra práctica es dirigirse a quien quiera, al mayor número posible; a riesgo de producir sólo un producto vulgar. Giacometti se negó a exhibir durante 10 años porque no estaba satisfecho. Lo que no se comparte es inútil. Es una cuestión de actitud: flirtear con su época, servir, pasar, incitar al movimiento ético-social, crear un significado, dudas, despertar. Es una posición política de vigilancia.

Es en el margen donde vi las mejores imágenes. El reconocimiento nos tranquiliza o nos pone a dormir. Mejor usar un apodo para guardar lucidez y un ego equilibrado. Las disciplinas artísticas son espejismos. El arte puede existir en todas partes. Algunos artistas practican la fotografía. Podrían expresarse con un podadera o una cacerola. La fotografía mantiene una relación ambigua con la realidad, un pie dentro y un pie afuera Reproduzco la visión del ojo humano, pero en blanco y negro, mis colores son de tonos bajos. Reclamo una actitud abierta, que toma en cuenta mi cuerpo al considerar una imagen. El fotógrafo invisible se mistifica a sí mismo, las piedras permanecen sordas. El estilo es estéril. El espejo lo contiene todo. El reto es sólo la ilusión. Es la búsqueda lo que cuenta, el camino.

Claude Iverné