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JUNIO DE 2020

¡DESPLEGAR SUS ALAS! Terminamos un curso difícil para todos, doloroso para muchos, por motivos de salud, laborables o de vínculos emocionales. El Covid llegó de golpe para cambiarlo todo. Y mientras leéis este artículo, la escuela sigue cerrada y muchos de vosotros habéis regresado a vuestro país de origen. A pesar de todo, tal y como describe brillantemente Jean-Matthieu en su editorial, debemos aprovechar este escenario impuesto e inesperado, para cambiarlo todo. Allí donde veíamos una dificultad, plantear una oportunidad. Allí donde nos encontramos con una crisis, démosle la vuelta con la creatividad. Este será nuestro camino y esperamos contar con vosotros para hacerlo juntos. Terminamos un curso con una sensación muy extraña. Os echamos en falta. La escuela está sin alumnos y sin profesores, en silencio, sin luces, sin páginas abiertas de libros, sin imágenes saltando en la pantalla, sin presentaciones, ni exposiciones. Malgré tous, gracias por vuestro apoyo y comprensión. No dejéis de pensar ni un solo día en vuestras imágenes, y leer este número, sin duda os ayudará a “desplegar las alas”. Albert Gusi Director de Grisart

© Diego León de la Barra

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GLOBALGRISART LA REVISTA DE LOS ALUMNOS Y AMIGOS DE GRISART ESCUELA INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA

EDITORIAL Incertidumbre, inseguridad, inquietud, desasosiego, dudas, indecisión, vacilaciones, recelo por el futuro, desconfianza... Más o menos cada uno de nosotros ha estado experimentando uno de estos sentimientos durante semanas. Parece que es el momento para robotizar, automatizar y transformar digitalmente nuestro modelo de crecimiento, de intercambio, o de aprendizaje, para no pagar una hipoteca gigantesca que nos conducirá al vagón de cola para siempre. ¡Seamos optimistas! Me permitiré serlo, aunque los caminos serán peligrosos y accidentatos. Por una vez, el colectivo de los fotógrafos y videocreadores, está listo para este cambio de paradigma. Es un grupo que usa desde hace años lo digital, las herramientas informáticas, las nuevas tecnologías. Es un gremio -aunque no está agrupado, lo que puede ser su fallo- creativo, adaptable, elástico... con todas las características necesarias para lograr el cambio necesario. Hay que ser consciente que la automatización no es nuestro

enemigo, al contrario; que la inteligencia artificial no es un problema, sino una nueva opción de creación; que la robotización no vino para destruir empleos: en algunos países se piensa que va a garantizar una renta mínima universal para los que están en paro; que va a dejar espacio para aprender mucho y crear más todavía. Ahora debemos aprovechar el teletrabajo para comunicar, trabajar; también para planear mejor las reuniones, etc. Cuántas veces hemos oído alguien decir: «Hacer de la necesidad una virtud». Parece obvio, ¡pero es tan difícil! En realidad, con un poco de suerte, con nuestra imaginación, con una tenaz voluntad, con ideas potentes, y disruptivas, con un agrupamiento de los talentos, se puede conseguir muchas cosas. Y los ex-alumnos y los alumnos de Grisart tienen muchas de estas aptitudes. Para acabar este último numero de este año peculiar quisiera decir, sencillamente: ¡Viva Grisart, nos vemos en septiembre! Jean-Matthieu Gosselin


©Anna Galí

©Anna Galí

«PARA DAR VOZ A TOMEU»

©Anna Galí

Su proyecto fotográfico es un trabajo de búsqueda en el que la autora recompone la identidad de su hijo Tomeu, que murió inesperadamente a causa de una sobredosis a los dieciocho años.

Ex alumna de Grisart, fotógrafa profesional, Anna Galí ha sido seleccionada junto a otros 4 autores para exponer su obra “Time on Quaaludes and Red Wine” dentro del prestigioso Fotofestival Lenzburg en Suiza, del 12 de septiembre y el 20 de octubre. El proyecto fotográfico que trata sobre su hijo Tomeu, que fue desarrollado en el curso de Creación de Proyectos 2017-18 con nuestro profesor Enric Montes, ha ganado el Open Call Times Under Pressure.

Anna ha hecho dos exposiciones en Grisart, fue la protagonista en Arles de la exposición 2019 en la Bourse du Travail del festival Voies Off de Les Rencontres de la photographie 2019, ha recibido una mención de honor en el Dummy Award del DOCfield Barcelona, festival fotografía documental. También ha sido seleccionada en la Plataforma stArt, preseleccionada en el Images Vevey... Durante los últimos años Anna Galí ha hecho un trabajo fantástico de rememoración y de reconstrucción de identidad. .

A partir de la búsqueda íntima, de la herencia y la huella digital que su hijo dejó, Anna reconstruye una parte de él que conocía y otra que desconocía. Así descubre que tras la apariencia de los encuentros familiares, se hallaba una persona atormentada por el pasado, que buscó una vía para escapar a su día a día difícil en el mundo. Y, si bien este trabajo fue un proceso de duelo para Anna, sobre todo es una forma de dar voz a Tomeu, de dejar que sea él quien se explique a sí mismo.

Jean-Matthieu Gosselin


©Anna Galí


EN LA CARRETERA DE LOS USA

Rafa muestra fotografías de tres libros, American Photographs, de Walker Evans, Uncommon Places de Stephen Shore y Sleeping by The Mississippi de Alec Soth en el que transitábamos por el trabajo de unos autores que, armados con grandes cámaras de placas, han fijado el imaginario americano de la carretera, su evolución desde la década de 1930 hasta casi hoy. Walker Evans inventó imágenes de una América esencial que hemos aceptado durante mucho tiempo, como “La” realidad. American Photographs, publicada por primera vez en 1938 por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, es la expresión más pura y completa de la visión neutral y sin emociones de Evans. En ochenta y siete fotografías, trata de ir a lo esencial, a lo relevante, a la sobriedad, con un sesgo formal estilístico documental, que es similar a una colección de poemas en prosa, así como a un libro narrativo de historia.

©Walker Evcans

“En la carretera, la América de Walker Evans, Stephen Shore y Alec Soth” la séptima y última videoconferencia que ofrecía Rafa Badia durante el confinamiento se centró sobre el imaginario americano de la carretera, su evolución desde la década de 1930 hasta inicios del siglo XXI. ¿Hace cuánto que no recorres una carretera, con el viento en la cara y música de fondo? https:// youtu.be/nhGQFHfMKUU

Stephen Shore es uno de los fotógrafos contemporáneos más influyentes; su obra está influida por Walker Evans y Andy Warhol. Con su serie Uncommon Places, abrió una importante perspectiva en el mundo de la fotografía. Él dirige su mirada hacia el juego de interacciones urbanas, siempre atento a lo que los espacios cuentan sobre su contenido y configuración. Desde el principio de los años 70 Shore usaba el color en la fotografía artística utilizando una cámara de gran formato, contrariamente al canon de la época que era el 35mm y el uso del blanco y negro. ¡Empezaba una revolución! El libro del proyecto fue publicado en 1982 y se convirtió en una especie de Biblia para los nuevos fotógrafos que usaban película de color.

Miembro de la agencia Magnum, Alec Soth recorre las orillas del Mississippi, en silencio, observando; el fotógrafo se encuentra con paisajes, interiores, individuos, cuya presencia en su libro parece milagrosa, como un continuo de bodegones. En Sleeping by The Mississippi, él ve al mundo como un colorista, como los pintores nórdicos del siglo XVII, y captura la fragilidad y lo maravillo. Las fotografías de Walker Evans, Stephen Shore y Alec Soth también están enraizadas en la tradición de Robert Frank: una representación de la vida cotidiana que transmite los ideales estadounidenses de independencia, libertad, espiritualidad e individualismo. JM Gosselin


©Alec Soth ©Stephen Shore


©Mónica Murillo

«MIRADAS ADENTRO»

Foto de Mónica Murillo Varios trabajos realizados en confinamiento ya empiezan a ver la luz. “Miradas Adentro” es una propuesta de 19 fotógrafos de calle españoles que, durante 50 días han trabajado en un territorio hasta entonces desconocido: sus casas. Centenares de imágenes han pasado por la edición de Rafa Badia. Podéis ver una selección de ellas aquí: www.miradasadentro.com Este trabajo ilustra esta cita de Alex Coghe que explica que “La fotografía de

calle es, ciertamente, una instantánea de la vida urbana observada en su faceta cotidiana y que incluye todos sus aspectos: la ironía, la tragedia, la imprevisibilidad, la crueldad y hasta la belleza.” y demuestra que la vida urbana puede estar escondida detrás de las paredes... Este trabajo se inspira de maestros clásicos como Kertész o Sudek, que en momentos de su vida tuvieron que permanecer en sus correspondientes viviendas.

“Don’t worry ‘bout a thing, cause every little thing’s gonna be alright”, Bob Marley... una manera directa de hablar, vinculada con este trabajo, para decir que hay apreciar las pequeñas cosas, como los amaneceres , los detalles de un cuarto familiar, los rayos de luz un sobre el rasgo de un niño...


«COVID19, ¡I WILL SURVIVE!»

©Yurian Quintanas

©Josef Sudek

Niépce, Josef Sudek, Sally Mann, Richard Billingham, Mitch Epstein, Phillip Toledano, Antoine D’Agata, Larry Clark y Larry Sultan, por mencionar sólo algunos, han sabido captar, desde la intimidad de un espacio confinado, imágenes conmovedoras, rompedoras, universales, idílicas,.únicas.... Pero a la vez, la fotografía también puede ser una herramienta de evasión, fantasía y escape, sobre la cual erigir mundos paralelos. Pueden dar fe de ello autores como Joan Fontcuberta, Ruth van Beek, Gilbert Garcin, David Jiménez o Yurian Quintanas, con su trabajo Dream Moons. ¿Cuáles serán los puntos de partida de los alumnos de Grisart; las opciones gráficas, las narraciones propuestas? Adicionalmente, se sorteará entre todos los participantes un lote de libros de Ediciones Anómalas. La editorial, con su editora Montse Puig a la cabeza, se han sumado a esta iniciativa. Queremos mostrarle públicamente nuestro agradecimiento.

©Richard Billingham

El juego visual “Covid19, ¡I will survive!”, creado por Grisart, era un ejercicio liberador en tiempos de aislamiento. Proponía construir un proyecto fotográfico inédito realizado en y desde el confinamiento, con la fecha límite del 11 de mayo 2020. La escuela ha recibido varios proyectos. Se harán públicos los nombres de los ganadores el 12 de junio de 2020 a las 18.00 h. a través de la página web www.grisart.com y las redes sociales de la escuela.


AROMA POÉTICO MEXICANO

Son imágenes donde la visión femenina y el interés por la cultura prehispánica sirven como punto de partida para reflexionar los dos grandes temas: - la fuerza vital de lo femenino conectada con la Tierra; - y, por contrapunto, la omnipresencia de la muerte. Conocida por sus imágenes en blanco y negro de México, Graciela Iturbide aprendió fotografía con el fotógrafo Manuel Álvarez Bravo. Ella descubrió entonces la fotografía humanista. A principios de la década de 1970, fue asistente de Bravo y viajó por América Latina. En 1978, el “Archivo Etnográfico del Instituto Nacional de Pueblos Indígenas de México” le encargó que fotografiara a las comunidades indígenas del país, especialmente al pueblo juchitán. Con ellos publicará su libro “Juchitán de las Mujeres” y desarrollará su apoyo a las causas de las mujeres. Ella luego viajará por todo el mundo. Expuso en el Centro Pompidou de París, en el MoMA de San Francis-

©Flor Garduño

En una videoconferencia titulada “Visiones mexicanas, imágenes de Graciela Iturbide y Flor Garduño Yanez”, Badia analiza los fotolibros “Eyes to fly with” de Iturbide y “Flor: Photographs” de María Garduño Yanez que recogen lo mejor del trabajo de estas autoras, referentes de la fotografía latinoamericana. https://youtu. be/XpFWKgNj6Uo

co, en el museo de Filadelfia, en el museo J. Paul Getty, en la Fundación MAPFRE en Madrid ... Recibió el premio de la Fundación Memorial W. Eugene Smith en 1987, el Gran Premio del Mes de la Fotografía en París en 1988, etc. Con los años, sus fotos se vaciaron gradualmente de toda presencia humana y prestó mayor atención a las texturas, los materiales, los vacíos, los equilibrios, revelando el vínculo metafísico que une al artista con las cosas y, sobre todo, con la naturaleza. María Garduño Yanez es una de las fotógrafas mexicanas más interesantes en la escena contemporánea internacional. Durante cuarenta años, ella ha construido un trabajo intenso y único influenciado por Kati Horna y Manuel Álvarez Bravo. Su complejo

trabajo y talento le han valido el Premio Kodak de la critica fotografica. Es famosa por sus retratos de indios Seris, por su mirada a las mujeres del Juchitán del istmo de Tehuantepec en 1987, por su fascinante ensayo sobre las aves, tanto como por sus trabajos sobre la diversidad cultural, el lenguaje corporal y la dimensión simbólica de las cosas ... En sus imágenes, el sueño, el ritual, la religión, los viajes, los cuerpos o incluso la vida onírica se entremezclan. Con poderosas metáforas visuales la fotografía de estas dos figuras mexicanas ofrece una personalísima narración del mundo que les rodea, siempre en una especie de aroma poético. J-M Gosselin


©Flor Garduño ©Graciela Iturbide


Voyage en pays du Clermontois 2017-2019, Israel AriĂąo


INTERVIEW DE

ISRAEL ARIÑ0

©Israel Ariño - Vu

“Intento subvertir la realidad a partir de la imagen”

1 - ¿Cómo te inicias en la fotografía? ¿Cuál es tú trayectoria artística? Yo llego a la fotografía un poco por casualidad y en parte gracias al abandono de mis estudios en economía. A partir de ahí descubro la magia del laboratorio, del primer revelado, de la primera fotografía y ahí ya decido tomarme en serio la formación y me inscribo en el IEFC y más tarde

Israel Ariño (Barcelona, 1974) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Desde 2001 es profesional en el campo de la imagen, autor de libros, docente y editor en Ediciones Anómalas. El año 2019 crea junto con Clara Gassull, LaBabuch, un proyecto cultural y talleres alrededor de la fotografía.

sigo mi formación en Bellas Artes... Aunque mi verdadera escuela han sido los libros y algunas personas con las que he tenido mucho contacto. La fotografía siempre ha sido para mí una forma de lidiar con la vida, con mis pasiones, mis preocupaciones, mis obsesiones... es un medio maravilloso para contar el mundo, y como dice Navia, para estar en él.

2 - ¿Cómo te defines como fotógrafo? Las clasificaciones son difíciles en la fotografía. Soy un autor que a partir de lo real, intenta generar proyectos que tengan que ver con lo simbólico, con lo metafórico... incluyendo en esa búsqueda reflexiones sobre la mirada. El lugar donde yo me encuentro más cómodo es un territorio que yo llamaría poético, donde La mayor parte del tiempo intento dar forma a las intuiciones, a aquello que no entiendo, a aquello que se me escapa. Mi intención ha sido siempre subvertir la realidad a partir de la imagen, creando una espacio de cuestionamiento, de duda, de ensoñación.

Terra Incognita 2012, Israel Ariño


3 - ¿Nos puedes hablar de tus primeros pasos como fotógrafo profesional? También de las Residencias de artista y todo lo que hay que hacer para encontrarlas, buscar y promover proyectos; los esfuerzos que deben hacer los jóvenes fotógrafos sobre este tema...las dificultades que encontrarán. Y por fin, darnos algunos consejos de alguien que ha vivido muchas experiencias en este ámbito. Yo empiezo a tomarme en serio la fotografía muy pronto, con 18 años. Con el tiempo pude ir mostrando mi trabajo , también empecé a acudir asiduamente al festival de Arles y a ver otras cosas, conocer otras realidades culturales y otra gente... Aquello me abrió mucho la mente, y me dirigió seguramente hacia el tipo de fotógrafo que soy hoy en día. Y poco a poco, tuve la suerte o la desgracia de tener que trabajar fuera de España y eso fue, en verdad, lo mejor que me podía pasar.

acceder a ellas, las convocatorias son públicas y abiertas a cualquier persona que quiera presentarse. El secreto es trabajar, tomar riesgos, creer en lo que haces y no desistir. 4 - Trabajas mucho en Francia donde tu obra es muy conocida, ¿Como puedes comparar el mundo galo con el mundo ibérico o bien el italiano donde estás presente con tu obra y tus libros? También estas expuesto en los UK y Japón, ¿Cuáles son las particularidades de estos países?

ha habido un retraso importante debido a la dictadura y en Francia llevan mucho tiempo desarrollando políticas culturales, que bajo mi punto de vista, sin ser perfectas, están a años luz de las que tenemos nosotros. Pero en fin, aquí hay también propuestas interesantes como Lumínic o Panoràmic que son festivales que están intentando hacer las cosas bien, proponer propuestas de calidad, tratar bien a los artistas. Propuestas hechas con pasión, con actitud, con honradez... a pesar de que tienen un soporte institucional más pequeño del que sería deseable.

Yo no puedo hablar de todos los países que citas, en algunos he expuesto, en otros he estado en ferias de

Atlas 2012, Israel Ariño

libros, aunque diría que sólo conozco bien las dinámicas de España y Francia, que son los lugares donde más he trabajado. . Y bueno, toda comparación es siempre difícil: creo que se resume en un nivel cultural distinto, debido seguramente a que en España

5 - Eres un comprador y lector compulsivo, pero también un editor reconocido de fotolibros; has editado a Juanan Requena, Eduardo Nave, Eugeni Gay, Sebastián Bruno, Navia, Fyodor Telkov, etc. y a tí mismo... ¿Qué es editar para ti? ¿Cómo de-

En el momento en que ya puedes estar en el circuito, todo es más fácil, los contactos van creciendo y las posibilidades de trabajar en proyectos, también. Las residencias llegaron un poco por casualidad. La primera fue la Villa Perochon en Niort, en el centro de Francia. Ahí conocí a personas cruciales en mi trayectoria, fue como un trampolín, me abrió las puertas a otro contexto fotográfico en el que yo tuve un mejor encaje. Más adelante fui invitado a realizar estancias en otros centros, y la mayor parte de las veces, fueron experiencias enriquecedoras. La mayoría de las residencias de artista que yo conozco proponen un tiempo de trabajo en un lugar concreto, normalmente entre 4 y 8 semanas. El artista es invitado a crear y compartir un proyecto creativo en el lugar de residencia. . Es una fórmula habitual en la mayoría de los centros de arte franceses, que tratan de compartir la experiencia artística con el público bajo esa doble premisa: la de dar y recibir. No hay ninguna fórmula para


fines lo que es un fotolibro, o mejor dicho, lo que debe ser un buen fotolibro? Es cierto que la aventura de Ediciones Anómalas con Montse Puig nos ha permitido editar ya unos cuantos libros... Me siento muy afortunado. Entiendo el acto de editar como una forma de dar, de devolver, de contribuir a la existencia de ese maravilloso objeto de transmisión que es el libro. Editar para mí es ante todo un trabajo de equipo, primero construir la historia, luego en la parte del diseño, buscar la mejor forma de transmitir esos contenidos y, finalmente la imprenta, con ese festín de tintas, olores y papeles. Mi parte favorita es la de editar en un sentido narrativo, trabajar la secuencia, el ritmo, las pausas, las sorpresas. Gestionar el tono del relato, eso es lo que a mi más me apasiona. Creo que parte de esa pasión es culpa de dos personas que infundieron en mi el gusanillo de la narración: Llorenç Raich y Carles Costa. En ese sentido editar es seleccionar, quitar, dejar solo esas imágenes que perduran, que pesan, que le dan sentido al relato. 6 - Desde el fotolibro llegamos obviamente al libro, ¿cual es la importancia de la lectura para un fotógrafo? ¿Cuáles han sido tus referencias literarias que has vinculado a tu trabajo? Tienes razón, la literatura ha sido y sigue importante en mi vida y por supuesto en mi fotografía. Forma parte de ella como tantas otras disciplinas: la geografía, la poesía, la música, el viaje... Esa es una cosa bien bonita de la fotografía: te permite abarcar un montón de ámbitos, de disciplinas, de vidas. Si la memoria no me falla, mis primeras lecturas fueron libros de aventuras, cómics ilustrados... Más tarde llegaron los clásicos: Machado, Unamuno, Josep Pla y luego Borges, Cortázar, Poe... Todas ellas me han influenciado porque me han estimulado visualmente, me han ayudado a imaginar de una forma distinta la realidad, a extrañarla, a subvertirla.

Le nom qui efface la couleur, 2014, Israel Ariño

“Es una superficie rasa, sin apenas altibajos, que se extiende hasta el pie de las montañas sin un árbol, sin una casa, cubierta enteramente por una especie de pelaje parejo y lustroso al sol oblicuo, pero que se adivina áspero y con una consistencia de cepillo duro: el color de paja remojada y de trigo trillado, amarillo y gris, y la apariencia nítida de alfombra lisa y nueva, con hebras recién igualadas, semejarían los de un rastrojal. Ese mar de paja de colores apagados, más pálido que el cielo, confiere a todas las cosas un aire extraño y como ajado, una indefinible luz achacosa de postrimerías”. Julien Gracq, Las tierras del ocaso


8 - ¿Vives con la fotografía? ¿Como se puede ganar la vida en este mundo artístico, además en estos momentos de crisis? Sí, desde hace un tiempo vivo de la fotografía (o malvivo) . En mi caso lo que yo he intentado es diversificar mi trabajo: venta de copias con las galerías, encargos/residencias y docencia. Creo que lo importante es que cuando te falle unas de las partes, las otras puedan mantenerte. Pero es difícil, y tengo la sensación que va a serlo aún más a partir de ahora. Vivimos en un país con poca cultura visual y

eso dificulta mucho las perspectivas laborales.

9 - ¿Cuales son tus próximos retos fotográficos? Estoy muy ilusionado con un proyecto reciente llamado Lababuch, creado conjuntamente con Clara Gassull. LaBabuch es un lugar de encuentros, talleres, workshops y en un futuro, una residencia de artistas. Y al mismo tiempo es nuestra casa, que ha sido restaurada con la ayuda de muchos amigos; así que bueno, estamos muy ilusionados y emocionados con todo.

La pesanteur du lieu 2017, Israel Ariño

10 – Desde tu doble punto de vista -fotógrafo y docente- ¿cuales son la o las cualidades que debe desarrollar un/a joven/a fotógrafo/a? No soy mucho de dar consejos, pero, si hay alguno seguramente que tiene que ver con el trabajo: ser exigente, riguroso y sincero con uno mismo. Lo demás llega con el tiempo, la fotografía es una carrera de fondo. Hay que insistir, perseverar y no decaer. Los momentos difíciles son los más complicados de lidiar, pero forman parte de la vida, hay que tomárselos como un estímulo más para seguir recorriendo camino. Entrevista de J-M Gosselin.


Le nom qui efface la couleur, 2014, Israel AriĂąo


©Leah Fresneda y Pablo Varela

«Quitar los cerrojos, Abandonar las murallas que te protegieron, Vivir la vida y aceptar el reto, Recuperar la risa,

Ensayar un canto, Bajar la guardia y extender las manos Desplegar las alas.»

Mario Benedetti

Global Grisart es una publicación de Grisart Escola Internacional de Fotografía, C/ Méndez Núñez, 14 · 08003 Barcelona. Director : Albert Gusi Coordinador: Jean-Matthieu Gosselin - Revisión: Rafa Badia - Mail: GlobalGrisart@grisart.com - Fotos : cover: Diego León de la Barra.

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Global Grisart Nº 14  

LA REVISTA DE LOS ALUMNOS Y AMIGOS DE GRISART ESCUELA INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA

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