Godot febrero 15 by Godot

Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero

Teatro Valle-Inclán

LA PECHUGA DE LA SARDINA de Lauro Olmo

Sala Francisco Nieva

Dirección Manuel Canseco Reparto (por orden alfabético) Manuel Brun Marta Calvó Jesús Cisneros Víctor Elías María Garralón Nuria Herrero Marisol Membrillo Cristina Palomo Amparo Pamplona Natalia Sánchez Juan Carlos Talavera Alejandra Torray

Del 25 de febrero al 29 de marzo

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SALVATOR ROSA O

EL ARTISTA

de Francisco Nieva

Reparto (por orden alfabético) Isabel Ayúcar Beatriz Bergamín Alfonso Blanco Javier Ferrer Gabriel Garbisu Carlos Lorenzo Ángeles Martín Juan Matute Juan Meseguer Nancho Novo Sergio Reques Sara Sánchez José Luis Sendarrubias Alfonso Vallejo

Dirección Guillermo Heras Teatro María Guerrero Del 27 de febrero al 5 de abril

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Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero

LA OLA Texto Ignacio García May

Idea y dirección Marc Montserrat Drukker a partir del experimento real de Ron Jones

Teatro Valle-Inclán

Del 30 de enero al 22 de marzo

Reparto (por orden alfabético) Javier Ballesteros David Carrillo Jimmy Castro Carolina Herrera Ignacio Jiménez Helena Lanza Xavi Mira Alba Ribas

Escenografía Jon Berrondo Iluminación Albert Faura Vestuario María Araujo Sonido Francisco Grande Igor Pinto Vídeo Xavier Bergés

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6 10

25 26

43 #elartedelactor María Morales

portada Federico Luppi

la visual Ne m’oublie pas

panorámica La Ola

entrevista Inma Cuevas y Fran Calvo

críticas Don Juan Tenorio

Especial Nº 50

16 20

reportaje Banqueros vs. Zombis

noticias Mira Teatro / Madferia

30 32 estrenos Laribleando

estrenos Buena gente entrevista Roberto Cerdá

estrenos Las amistades peligrosas

reportaje Como si pasara un tren

estrenos Hey boy hey girl

Generación 21 Una foto histórica

EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot. com, David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén González FOTOGRAFÍA Karlos Sanz COLABORADORES Rafa Romero de Ávila, Irene L. Navarro, Juan Vinuesa. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor.

Sumario. Febrero 2015

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#elArtedelActor

La obediencia sin control... Hace poco me llegó un video en el que a Clint Eastwood se le pedía un consejo para los actores y él decía: “keep your eyes open, your big mouth shut up”, algo así como “mantened los ojos abiertos y cerrad la bocaza”. Al principio me reí y dije qué bueno, pero al rato noté que estaba enfadadilla por dentro, como si me hubiesen insultado un poco. No es nueva la sensación, he oído cosas parecidas de otros directores, incluso he conocido gente que cree que los actores deben ser un poco ‘tontos’ para poder obedecer. La punzada que noto cada vez que oigo algo que tiene que ver con que la opinión del actor sobra, o que somos unos pesados con tanta pregunta, es dolor señoras y señores. Dolor porque siento que a la niña creativa que está en marcha y buscando, se le da una bofetada para que no moleste a los mayores. La obediencia parece estar muy valorada en nuestra profesión; sin embargo, la obediencia absoluta nos convierte en ejecutores, no en artistas. Conozco demasiados casos de actrices y actores, yo incluída, que hemos estado tan pendientes de averiguar lo que se quiere de nosotros, a nivel de dirección, producción, guión, maquillaje, etc., que nos hemos olvidado de que estamos ahí para generar una experiencia en el espectador, no en el resto del equipo. De la obediencia a la muerte en escena hay un paso si una se descuida un poco. Nadie llamaría pesado a un arquitecto que va a diseñar nuestra casa y nos pregunta sobre lo que queremos que haya, y sólo vamos a vivir nosotros dentro de la casa. Por qué hacerlo con alguien que, con suerte, va a llevar nuestra propuesta ante los ojos y el corazón de mucha gente. Hablemos, preguntemos, miremos, escuchemos y hagamos todo aquello que nos ayude a alimentar la imaginación, que abra puertas a la inspiración y a la vida, que expanda nuestras ganas de comunicar y de llegar al otro. No paremos hasta saber qué quiere contar el proyecto y cuál es nuestro papel en él. Incluso, permitámonos ir más allá y buscar donde no se nos ha pedido para romper nuestros propios límites y crecer. Hagamos lo que haga falta para enamorarnos locamente y desear contar la obra en cada una de sus frases y movimientos, cada día de su vida. Es difícil, lo sé, ¿y qué? Más difícil y menos efectivo es el arte de “adivinar lo que se espera de mí” y lo llevamos ejerciendo mucho tiempo. Atrevámonos a indagar y mostrar lo que era desconocido hasta para nosotras.

María Morales. Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid (www.institutodelcine.org)

Las propuestas del MIRA Teatro La semana pasada se presentó la programación del MIRA Teatro para el último tramo de la temporada, del 1 de febrero al 31 de mayo. En un acto presidido por la alcaldesa de Pozuelo de Alarcón, Paloma Adrados y la concejal de Cultura, Isabel González, nos mostraron un amplio abanico de posibilidades que abarca muy distintos estilos y géneros. 19 espectáculos conforman el total de la oferta que está marcada por distintos nombres propios. Para comenzar el de David Bustamante, que presentará su trabajo Vivir el 7 de marzo. También en el apartado musical estará Estrella Morente, que ofrecerá su Autorretrato el día 30 de mayo. La danza también llegará al MIRA Teatro con la compañía Antonio Gades que interpretará sus Bodas de sangre el 7 de febrero y con el Ballet Víctor Ullate que realizará un homenaje a Enrique Morente en su espectáculo El Sur el 16 de mayo. El teatro, como no podía ser de otra forma, ocupará un lugar muy importante dentro de este último tramo de la temporada. Para abrir boca llegará una compañía de reconocido prestigio como Yllana que subirá a las tablas de este teatro municipal con su Olimplaff el 15 de febrero. A continuación podremos descubrir a Ana Belén en Kathie y el hipopótamo dirigida por Magüi Mira el 21 de febrero. Rafael Álvarez ‘El Brujo’ llegará el 14 de marzo con El asno de oro. El 11 de abril será el turno de Blanca Portillo como protagonista

de la obra El testamento de María. Amparo Larrañaga junto a Kira Miró y Antonio Molero cogerán el testigo el 25 de abril con El nombre y Javier Gurruchaga el 9 de mayo al frente del reparto de Pluto de Aristófanes. A partir del 22 de mayo y hasta el día 24 tendremos tres jornadas para convertir el escenario del MIRA Teatro en un patio de butacas en el ciclo ‘Teatro en escena’. Este programa incluye tres producciones: Como si pasara un tren (reportaje en este número en la pág. 32), Sexpearemente y Ojos de agua, este último, basado en el texto de La Celestina. Aladdin, Tarzán y Eureka, formarán la oferta escénica familiar. En la primera los actores y títeres desgranarán una de las historias más conocidas de las Mil y una noches; mientras el musical del hombre mono nos invitará a una fiesta en la que los bailes y la música acercan al eterno mito; para finalizar, las marionetas gigantes y actores en luz negra de Eureka divertirán a grandes y pequeños. Este año debido al 25 aniversario de la fundación de la Banda Sinfónica La Lira de Pozuelo dos citas se antojan imprescindibles, el 14 de febrero y el 21 de marzo, donde podremos asistir a sendos conciertos conmemorativos. Por su parte, el cine estará presente a través del ciclo Domingos de cine con películas seleccionadas por el director y crítico Fernando Méndez Leite. La información completa sobre esta programación se puede consultar en: www.culturapozuelo.es

noticias

MADFERIA·MATADERO·MADRID Todo llega y todo pasa y lo importante es lo que queda detrás. Llegó la XI Edición de Madferia y para algunos como nosotros se fue demasiado rápido. Del 20 al 23 del pasado mes pudimos asistir a un portentoso esfuerzo por dinamizar el mercado escénico con producciones de alta calidad tanto de teatro como de danza. 17 espectáculos mostró en 4 espacios teatrales diferentes la organización (la Asociación de Empresas Productoras de Artes Escénicas de Madrid, apoyada por el INAEM, la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid) a más de 250 profesionales y empresas que se acercaron por la feria. De ellas 10 eran compañías madrileñas y 3 de los espectáculos estrenos absolutos. No sabemos los contratos firmados, pero podemos aventurar que se iniciaron muchas relaciones, y ya se sabe que una cosa lleva a la otra. Sí sabemos que en las 3 jornadas debatieron más de 40 representantes de Instituciones, Universidades Públicas y Privadas, Masters, Asociaciones, Federaciones y Escuelas de Artes Escénicas. COFAE (Coordinadora de Ferias de Artes Escénicas del Estado Español), por su parte, a través de su taller nos ofreció las estrategias de presentación de proyectos y modelos de venta, buscando captar la atención y el interés del posible comprador. Además, las compañías mutisAEscena y Chirigóticas presentaron un adelanto de sus nuevos espectáculos en sus respectivos Work In Progress. En definitiva, un granito de arena más para revitalizar la mermada situación escénica actual. El año que viene más. www.artemad.com/madferia

La Fundación Coca-Cola ya tiene preparado el inicio de los MiniCampus de Invierno que tendrán lugar durante los meses de febrero y marzo. Os recordamos que han podido optar a ellos aquellos grupos que ya han formalizado su inscripción en la 12ª edición de los Premios Buero de Teatro Joven. Para los que no lo habéis hecho todavía aún tenéis hasta el 15 de abril. Los Premios son convocados por la Fundación Coca-Cola, el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y el Centro Dramático Nacional, y están dirigidos a grupos de teatro escolares o no escolares, formados por entre 2 y 30 miembros de entre 14 y 21 años. Su objetivo es dar apoyo y divulgación al trabajo que los grupos de teatro joven llevan a cabo. Los grupos escogidos participarán en el Campus Coca-Cola de Teatro Joven y en la Semana del Teatro en el Teatro María Guerrero de Madrid. www.fundacioncocacola.com

Teatro y campaña electoral ¡Ay! Hemos debido defenderlas tanto, insistir en lo bueno de su programación, que hasta les hemos hecho daño. Ha comenzado la campaña electoral y se ha iniciado ‘la caza de brujas’ contra las salas alternativas. Los más ingenuos creen que eso no existe; los menos ingenuos, que se trata de ‘un afán recaudatorio’. Son los que nunca han entendido que el 21% de I.V.A. es puramente ideológico. Un maltrato a la cultura. Ha empezado la campaña electoral y se han puesto más absurdos que nunca. Ya no porque hayan conseguido que cierre La Trastienda (que tantas alegrías nos ha dado, ahí está Como si pasara un tren, que llega al Español en febrero). Ya no porque hayan intentado cargarse la sala mejor programada de Madrid, a lo que se ve, para fastidio de muchos, como la Kubik (ahora reconvertida en LAZONAKUBIK). Es que llegan a la Sala Tú, nacida del esfuerzo, como todas, de Alfonso Lara y Micalea Quesada, y les piden, en el rigor del absurdo, 5 plazas de aparcamiento reservadas para poder seguir manteniendo la programación. Un día de estos voy a tener que contar la jugada, sucia, que le hicieron a Alfonso con Sonata de Otoño, uno de esos sueños que él propuso, obviamente, a la productora equivocada: se lo quitaron.

Chiuti

No sé ustedes, pero yo llevo bastante hartura de ir a otros teatros, en teoría acondicionados al circuito ‘on’, que no cumplen ninguna norma y ahí están. Por poner un ejemplo, el Teatro Bellas Artes, al que no se puede ir en silla de ruedas o muletas. Estará muy ‘en la onda’ o muy arrimado a quien sea... pero no cumple ni una norma. Tienes que bajar dos pisos para alcanzar el patio de butacas y, no es que no haya un ascensor, es que no hay una plataforma para minusválidos que te ayude a llegar hasta tu butaca. ¿Cuántas plazas de aparcamiento se le han exigido a este teatro para seguir programando cuando ni siquiera facilita el acceso? ¿Por qué una sala de Malasaña, currada, con criterio de programación, tiene que cumplir requisitos que a los demás no se les exigen? ¿Demasiada libertad para un Madrid que pretenden cargarse desde dentro? No habrá nada que ofrecer al público sin libertad... y en el teatro, por lo que se ve, no existe. Un día de estos tendremos que hablar de Antonio Fuentes (bien hallado); de que el mejor teatro en Madrid no está en las salas oficiales, ni públicas ni privadas; y, si me apuran, de qué hace Ricard Reguant programando para marzo un Jekill y Hyde con Anthony Blake.

en portada

Federico Luppi “Los militares argentinos fueron más allá que los nazis al inventar el desaparecido” por Álvaro Vicente Este mes cumple 79. Es uno de los grandes. Gran talento, gran sabiduría, gran amabilidad. Oírlo al otro lado del teléfono y recibir un torrente de fotogramas en la mente es todo uno. Habla con una seguridad rotunda, carácter indómito. Viene a Madrid a interpretar a un tremendo hijoputa, que no deja de ser una persona y un personaje apetitoso, para hacer y para ver.

en las películas americanas que aparece un nazi y es un monstruo tan tan tremendo que uno al final termina por no creerlo. Mientras tengan dimensión humana, y tengan la condición de persona reconocible como próxima a nosotros, me interesan.

En este caso, en El reportaje, usted da vida a un general de la dictadura argentina, que a priori podríamos calificar como monstruoso. Es una persona que está enLa última vez que tuve la suerte y el privilegio de hacarcelada por su supuesta participación en los sucesos blar con usted fue hace 7 años, con motivo del estreno del 81, el incendio del Teatro Picadero, y un periodista en Madrid de El guía del Hermitage en el Teatro Bellas le entrevista. ¿Qué es lo que quiere averiguar exacArtes. ¿No había vuelto a hacer teatro en Madrid? tamente el reportero, qué relación se establece entre En Madrid no. En Buenos Aires no he dejado de ambos, sobre qué se quiere arrojar luz en esta obra? hacerlo. Tengo la sensación de que en general lo que la gente intenta desde el punto de vista de la difusión es agotar ¿Cómo está el teatro por allí, que para nosotros siemel asombro de cómo esta gente ha existido, cómo pre es una referencia envidiable? esta gente hizo lo que hizo, porque lo increíble, lo Es verdad que Buenos Aires es una plaza de enorme monstruoso, lo aberrante de todo esto es que esos trascendencia y hay una suerte de profusión de teatro individuos pertenecían a un país que les pagaba unien todos los niveles, seguramente porque está la traformes, sueldos y vida y usaban todo eso justamente dición de que el actor argentino no intenta depender para denostar y castigar oprobiosadel cine o de la tv y se dedica mente a sus propios habitantes. Una al teatro todo lo que puede, aún Hugo Urquijo dirige al de las cosas más llamativas desde con una silla y una lamparilla. gran actor argentino en El el punto de vista de la represión de reportaje, obra de Santiago estos individuos, es que así como los ¿Qué tiene que tener un persoVarela sobre el militar que nazis con su metodología tan estricta naje teatral para que usted se ordenó la quema del Teadejaban anotada cada cosa que decida a encarnarlo? hacían, estos individuos inventaron tro Picadero de Buenos Que sea reconocidamente como perversamente lo que se llamó el humano. Abjuro de los personaAires en 1981 desaparecido, o sea nadie, o sea jes monstruosos, ditirámbicos, un individuo carente de existencia exagerados, supradimensionaprevia, un no humano, un individuo dos, porque en definitiva, transiDel 10 al 22 de febrero Teatros del Canal que no tenía una existencia reconotan una línea muy cercana a la cible en ninguna parte del mundo. incredulidad, y se parecen más a Y estos individuos fueron nuestros fantasías infantiles que a concepcompañeros y amigos en la escuela seguramente, a tos adultos de la vida. Así como no me gusta el mundo lo mejor hemos compartido un partido de fútbol, o rosa, planteado en términos literarios o creativos, tamhemos estado juntos en un teatro viendo una función, poco me gusta la exageración, esto que es tan común

en portada

o compartiendo la grada de un estadio. Estos individuos aparentemente normales, que tenían todas las posibilidades reales y concretas de cumplir institucionalmente con la ley, eran sencillamente feroces, animales, carentes de todo tipo de ética, y que aun hoy a muchísima gente le sigue llamando la atención cómo es posible que se comportasen de tal manera, cómo es posible que un individuo de 30 o 40 años, con familia, hijos, nietos, padres, abuelos, se ensañara con una mujer embarazada por ejemplo, o se le ocurriera arrojar gente al mar. Usted como persona estará muy lejos de ese pensamiento y de esa forma de obrar, tan salvaje, pero en este caso se tiene que meter en la piel de un personaje al que muy probablemente odia en algún punto de su interior… debe ser muy complicado, ¿no? Muy complicado, sí, pero fíjese, desde que yo tengo uso de razón, he vivido permanentemente bajo la tutela de los militares en la Argentina, cada 2 o 3 años soportaba como individuo golpes militares, y toda la posibilidad cotidiana de vivir democráticamente se arrojaba a la basura. ¿Estaba usted en Argentina en el 81? Sí, pero cuando arrancó el ciclo Teatro Abierto yo tuve que ir a Perú 20 días por motivos de trabajo.

Debió ser terrible. Por un lado, la decisión de enfrentarse con el ciclo Teatro Abierto al aparato militar desde la cultura y luego la respuesta del aparato, no por esperada, Argentina vivía bajo una brutal dictadura menos brutal... militar desde 1976. En 1981 todavía el En realidad, lo pueblo desconocía la magnitud del genocique demostró la dio que se había perpetrado y sus detalles más perversos. Sólo las Madres de Plaza quema del Picade Mayo desafiaban a la dictadura con dero, fue algo su rito semanal y sus pañuelos blancos así como la meen la cabeza. Pronto empezaron a surgir táfora definitiva tímidos brotes de resistencia, uno de ellos de lo que son los desde el teatro. Se trataba de decir “aquí militares. Había estamos” frente a la humillación y el desuna viejísima crédito. Ahí nació Teatro Abierto, un ciclo frase atribuida a de 21 obras en un acto para representar 3 Goebbels: “cada por día durante una semana. Arrancó un vez que escucho 28 de julio en el Teatro Picadero. El 6 de la palabra cultuagosto ardió el teatro. ra llevo la mano al revolver”. Esta gente era eso.

Teatro Abierto

El Picadero se reabrió en 2012, 30 años después... Y justo este trabajo se hizo para celebrarlo. La reapertura de un teatro siempre me hace pensar un poco en los nacimientos tribales, cuando todo el mundo se pone contento porque apareció un chico nuevo.

estrenos

Laribleando

barista. En su personal estilo, que incluye Vamos a tener la suerte de poner una enorla maestría para interactuar con el público me sonrisa al frío del invierno. David Lariy hacerlo partícipe de sus espectáculos ble vuelve al Teatro Circo Price. Dos años de una forma cercana, siempre nos mira después de su última función en el recinto a los ojos con una sonrisa. Saca lo mejor madrileño, el payaso italiano presentará, del público con la pureza de esa alma que en estreno mundial, su nuevo espectáculo irradia luz y llena de felicidad y magia para toda la familia: Laribleando. cada función que David Larible es considerealiza. David seduce y rado el mejor payaso del El considerado mejor conmueve. Conmueve mundo. Pertenece a una payaso del mundo por la simplicidad, por familia con una larga presenta en Madrid su la naturalidad con la tradición, nada menos nuevo espectáculo en que delante de nuestros que seis generaciones, estreno mundial ojos plasma la realidad como artistas de circo de todos los días ha(como suele ser lo habiciendo que pierdan su tual con los más grandes) Del 6 al 22 de febrero valor serio y cotidiano. y reconoce influencias Teatro Circo Price Y al final de cada de Grock, Charlie Rivel aventura con Larible, y Charlie Chaplin. El el público se mira sonveronés comenzó su riente al reconocer las cosas cotidianas que carrera en 1973, con su primera aparición brillan con luz propia y que descubrimos en el Circo Medrano. Desde entonces, ha a través de la nariz del payaso. El público trabajado en los mejores circos del mundo se mira, nos miramos, sabiendo que hemos y ha recibido algunos de los más destacavivido un momento irrepetible, un momendos galardones. En 1999 recibió el Payaso to que nos hace sacar lo mejor de cada de Oro del Festival Internacional de Circo uno de nosotros: nuestra sonrisa. Y eso es de Montecarlo. gracias a un payaso. A un simple payaso. Larible posee un amplio repertorio como Sergio Díaz cómico, bailarín, cantante, músico y mala-

Ya no estamos en 2014, cuando se cumplían los 500 años de la muerte de Doménikos Theotokópoulos, pero la figura y el legado de este pintor inmortal permanece inalterable y siempre tiene relevancia. Alfonso Zurro ha elaborado una indagación a través del tiempo para descubrir los caminos, intereses, manipulaciones, trasiegos, idas y venidas de un cuadro de El Greco hasta llegar al germen inicial: la razón que lo motivó y la creación de esa pintura. Así pues el camino que recorre esta historia es a la inversa en el tiempo. Desde la época contemporánea hasta la Roma de 1576, en la que el joven Doménico vive un momento crucial en su vida y decide trasladarse a España. Un viaje sin retorno hacia Toledo. Un viaje al olimpo de los pintores. Un cuadro. ¿Una posible obra de arte? ¿Por qué? ¿Para quién? ¿Qué visiones se tienen al enfrentarse a una misma pintura en distintas épocas y por personas diferentes? Aquí lo podremos descubrir.

FOTO: Hugo Glendinning

Tomorrows Parties Del 19 al 21 de febrero Teatro de La Abadía

Historia de un cuadro Del 3 al 15 de febrero Teatro Fernán Gómez

La programación del Festival de Otoño a Primavera nos sorprende este mes con la comparecencia de la compañía inglesa Forced Entertainment, pioneros del teatro europeo de vanguardia. Traen una pieza en la que imaginan una multitud de hipotéticos futuros. Dos intérpretes envueltos en luces de colores, como si de una extraña atracción de feria se tratase, especulan sobre lo que ocurrirá en el mañana. Explorando visiones utópicas y distópicas, escenarios de ciencia ficción, pesadillas políticas y fantasías absurdas, guían al público a través de conjeturas, posibilidades y sueños. Conmovedora y delirante.

la visual

Ne m’oublie pas Si has visto alguna vez un espectáculo de Philippe Genty, dificilmente lo habrás olvidado. Es pura magia escénica. Este “no me olvides” del director francés llega a Madrid como revisión, 20 años después, de uno de sus montajes más celebrados, de belleza incontestable. Con su cómplice de siempre, su mujer y coreógrafa Mary Underwood, Genty hace bailar los sueños y los eleva. El ingenio no ha envejecido y su pericia para engañarnos los sentidos sigue intacta. Juguete hipnótico llevado a cabo por nueve actores de la escuela de teatro gestual de Verdal, en Noruega, plantea una odisea visual donde personas y marionetas se mezclan y confunden. Teatros del Canal. Del 12 al 22 de febrero

entrevista

Roberto Cerdá “Orphans podría ser un guión de cine” Orphans es una obra de un conocido guionista británico que llega a España por primera vez tras obtener estupendas críticas y hasta un premio en el Fringe de Edimburgo. Danos las primeras pinceladas de la obra. El texto de Dennis Kelly pertenece a un tipo de teatro que mezcla la realidad y la imaginación y que mantiene siempre una relación directa con situaciones muy profundas en los problemas de nuestra sociedad occidental. Dennis Kelly procede del mundo de la televisión. Como director teatral, ¿crees que el lenguaje audiovisual ha marcado la obra o Kelly también domina el lenguaje teatral? Creo que tiene un gran talento que le permite fusionar ambos lenguajes. Su serie de televisión Utopía está llena de personajes y situaciones teatrales y Orphans podría ser perfectamente un guión cinematográfico. Dennis Kelly maneja a la perfección ambos territorios y su influencia va de uno a otro con gran fluidez. Helen, Danny y Liam. Danos un titular de cada uno de estos personajes. Helen: Amor a la familia por encima de todo. Danny: La lucha entre el bien y el mal. Liam: La venganza.

FOTO: Luis Malibrán

El prestigioso director pone en escena Orphans, de Dennys Kelly, una obra intrigante donde la tensión y la duda son protagonistas Del 5 al 22 de febrero Teatro Galileo

Orphans tiene un marcado carácter británico ¿Se ha respetado en el montaje español? La puesta en escena se mantiene en el ámbito británico por consenso. No pensamos que esto sea un problema para el público español, que está muy acostumbrado a ver todo tipo de teatro. Nuestra idea es trabajar desde la mesura valorando los instantes de furia. ¿Cómo ha sido la experiencia de poner en pie esta obra con Rafa Rojas, Borja Elgea y Nuria Aparicio? Muy agradable y enriquecedora. Realmente los tres hicieron un trabajo previo muy profundo que ayudó muchísimo a encauzar el montaje. Durante los ensayos fueron descubriendo a los personajes y sus situaciones a través de su expresión. ¿Qué supone Orphans en tu carrera? Un texto muy complejo y profundo; una oportunidad para explorar rincones abruptos del alma humana. Irene L. Navarro

panorámica

La Ola movimiento ficticio llamado “La tercera ola”, 1967. Cubberly High School. Palo Alto. inspirado en la noción popular de que la tercera California. Estados Unidos. Sólo hace dos años de una serie de olas es siempre la más fuerte. La que los estudiantes negros son admitidos en los referencia oculta quizás sea el Tercer Reich. El institutos. Los llaman “invitados”. El Ku Kux Klan experimento cobra una fuerza inusitada, tanta todavía es legal en algunos estados. En Vietnam que se les va de las manos. se libra la guerra de la vergüenza nacional. No existe Internet. Cubberly es un instituto de gente Ni violencia gratuita ni historias de de clase media alta, acomodada, protegida, amor feliz. Un profesor llamado El experimento de Ron Jones Ron Jones acostumbra a Inspirada directamente fue cobrando una tremenda utilizar en sus clases de en el experimento del trascendencia a medida que Historia juegos de rol profesor Ron Jones, Marc se difundió a través de varios para explicar determiMontserrat e Ignacio soportes (novelas, películas o nados acontecimientos. musicales) hasta el punto de García May presentan una Tras ver un documental ser un instrumento socorrido obra sobre las dinámicas sobre el Holocausto para hablar del nazismo y sus nazi, se abre un debate. fascistas consecuencias. Un experi¿Cómo es posible que los mento reducido a unas pocas alemanes no se hubieran personas dentro de un aula enterado de lo que estaba Hasta el 22 de marzo de un instituto de clase media Teatro Valle-Inclán ocurriendo en los campos norteamericano, dio lugar de concentración? Con el a un movimiento fascista, objetivo de comprender lo cual da idea de que no es necesaria una los mecanismos del fascismo, Jones les propone condición previa. Puede ocurrir en cualquier a sus alumnos un experimento. Él hará el papel sitio y en cualquier momento. En ciertos kibutzs de líder y ellos acatarán sus órdenes. Crean un

de Israel, en los 80, solía montarse una obra de teatro amateur basada en el experimento de Ron Jones para hablar del Holocausto a los jóvenes judíos. Eso fue lo primero que supo de todo esto Marc Montserrat Drukker, el director del montaje que se presenta en el Teatro Valle-Inclán del Centro Dramático Nacional. “Me atrajo mucho porque yo siempre he tenido la necesidad de hacer memoria histórica sobre el Holocausto, un episodio en el que murieron 6 millones de judíos. Para mí se convirtió en un largo proceso vital y personal, me empeñé en algo que entonces, hace más de 10 años, en España era totalmente desconocido. Existía una novela desde 1981 que recreaba el experimento de Jones, de lectura obligada en Estados Unidos, Alemania o Israel, pero aquí se tradujo en 2010, poco después de la película”. La obra se estrenó en el Teatre Lliure de Barcelona en 2013, como resultado de un proceso de investigación y creación que le llevó a Marc Montserrat más de 7 años. En él también ha participado, como co-autor, Ignacio García May, que resalta la importancia de haber acudido a las fuentes originales para contar la historia sin adornos: “las películas que se han hecho son un poco tramposas, porque introducen historias de

Recreaciones varias La obra que podemos ver en el Valle-Inclán no es la única inspirada en el experimento de Ron Jones, ni mucho menos. La lista es larga. Lo más conocido por todos es el film alemán cuyo cartel vemos aquí al lado, dirigido por Dennis Gansel y protagonizado por el profesor Rainer Wenger (Jürgen Vogel), que pasa de perro flauta a fürher en un abrir y cerrar de ojos y donde se especula con las consecuencias personales que tuvo el experimento para su instigador. La película está basada en un best seller de 1981 de idéntico título, firmado por Morton Rhue, pseudónimo de Tod Strasser, que a su vez se inspiraba en una tv movie. En el teatro, cabe destacar de entre las varias obras que toman este punto de partida, el musical estrenado en San Francisco en 2010, The third wave musical, cuyos textos y canciones son del propio Ron Jones. En su web, www.ronjoneswriter.com pueden conocerse más detalles.

FOTOS: David Ruano

panorámica

amor y episodios violentos que no estaban en el experimento original. Era innecesario, porque la historia en sí era muy poderosa”. El propio Montserrat cita una frase que le dijo Ron Jones: “el Holocausto no se salva con una historia de amor.”

Espectador-alumno

Con un grupo de 7 actores elegidos para este nuevo montaje en castellano, más Xavi Mira que da vida al propio Ron Jones, se ha pretendido recrear el microcosmos del aula y contar las cosas tal y como pasaron, casi a la manera de un docudrama, sin aportar puntos de vista propios de autor y director. “El público se debe sentar en la butaca y vivir el experimento igual que los

alumnos, disponiendo sólo de la información de que disponen ellos”, explica Montserrat. “Cada escena es un avance sobre la anterior”, continúa García May, “igual que en el experimento se iba añadiendo una clave nueva cada día. Sobre eso hemos construido la historia, de manera que va creciendo, como una escalera, de manera implacable”. Durante un rato, sentados en el teatro, volveremos a vivir en un mundo no tan informado e hiperconectado como el actual. Recuperar la inocencia para entender el peligro y asumir nuestra responsabilidad. Ya lo dijo Voltaire: “cualquiera que tenga el poder de hacerte creer idioteces, tiene el poder de hacerte cometer injusticias”. Álvaro Vicente

Aulas, lugares de riesgo Los centros escolares son un microcosmos donde todo tiene resonancias. Una suma de vidas que percibimos fragmentadas, en tiempo y espacio, durante apenas unas horas y que, ante nosotros, se convierten en un lugar tan cargado de opciones como de obstáculos. ¿Somos conscientes de la responsabilidad que eso entraña cada vez que cruzamos sus límites? Intentamos serlo, pero docentes y alumnos acabamos confundidos en un espejismo donde resulta difícil individualizar los nombres y circunstancias que se agolpan en cada pasillo. Por eso no resulta fácil abordar ese día a día desde la innovación. Porque la comodidad del dictado, el vómito cognitivo y el alud de deberes puede que no aseguren ni el éxito ni el entusiasmo, pero sí la tranquilidad. Sabemos que si no arriesgamos, no habrá olas que, como en el montaje que se estrena ahora en el CDN, desborden nuestra práctica educativa, pues –nos dicen- los alumnos son impresionables. Manipulables. Y se puede encender en ellos la llama que provoque el incendio. La marejada que desborde los márgenes. Se puede, sí. Y también se debe. No se trata de jugar con los límites de lo sensato, ni de emular en su obecación al profesor Wenger, sino de buscar el modo de conciliar al adulto responsable con el profesional innovador. Los métodos de siempre no funcionan, así que se impone el enfoque experiencial y la inducción, la búsqueda de maneras que fomenten el espíritu crítico en nuestros estudiantes y que, por eso mismo, les permitan distinguir las olas que les moverán hacia delante de las que acabarán ahogándolos en el mar de la uniformidad y el totalitarismo. Podemos engañarnos y creer que basta con dominar la asignatura y transmitir sus conceptos. Podemos pensarlo, sí, pero entonces estaremos confundiendo educación con instrucción. Porque educar, como escribir, exige mancharse, supone transmitir una visión del mundo y, por tanto, cuanto hagamos y digamos en el aula estará contribuyendo a que esos adolescentes sientan y vean la realidad de una u otra manera. Tenemos un tiempo muy valioso para hacerles amar u odiar nuestra materia. Un tiempo que podemos aprovechar para comunicarnos y hacer que se comuniquen o para condenarlos al cansino sonido de sus bolígrafos copiando apuntes en el cuaderno. El aula es un lugar de riesgo. Un lugar donde muchos hemos deseado alguna vez encontrarnos con un entusiasta profesor Keating. Porque sabemos bien que el tedio es el riesgo más terrible de todos. Fernando J. López. Escritor, dramaturgo y profesor

Grandes estrenos

Teatro, danza y m煤sica

FEDERICO LUPPI en

El reportaje de Santiago Varela Con Susana Hornos Direcci贸n: Hugo Urquijo

11 al 22 | febrero de 2015

Con la colaboraci贸n de:

Con el apoyo de:

Producci贸n:

Entradas desde 15 e Revista Godot 162x230.indd 1

21/01/15 16:14

estrenos

La abducción de Luis Guzmán Del 6 de febrero al 1 de marzo Teatro Lara

Detrás de este extraño título hay una obra que ya llenó la sala Off del Lara el año pasado y que antes había sorprendido en el Fringe del Matadero. Detrás de este extraño título se esconde la primera obra de teatro que Pablo Remón escribe y dirige y tres interpretaciones -las de Ana Alonso, Francisco Reyes y Emilio Tomé- que merecen mucho la pena. Luis Guzmán es un joven de treinta años que cree tener un programa de radio de misterio y fenómenos paranormales con numerosos oyentes. Ha vivido toda su vida en un pueblo de Castilla y ahora, tras la muerte de su padre, es incapaz de vivir solo, por lo que tiene que volver a la casa familiar su hermano Max, que abandonó aquel extraño hogar en cuanto pudo. Al volver a su pueblo, Max se da cuenta de que en esa casa hay un misterio: su padre parece haber sido abducido por extraterrestres. Detrás de este extraño título se esconde un montaje muy interesante... Está claro que no hay que prejuzgar a las obras por su título. Sergio Díaz

La trama de la pieza -escrita y dirigida por Eduardo Recabarren- concentra y precipita en tres días la crisis de una familia madrileña de clase media, larvada durante años entre los manejos de una madre invasora, la ausencia del padre y un adolescente sin perspectivas vitales. Una comedia agridulce, con toques de humor negro, sobre el sufrimiento que circula en la familia. Un chaval de diecisiete años vive aislado, agobiado por la manipulación materna, con la única complicidad de una tía pintora. Una extraña circunstancia lo pone frente al reto de tener que decidir por sí mismo.

El malestar que insiste Jueves de febrero Teatro Lara

Buena gente siquiera sabe si va a poder seguir yendo allí. Ya pudimos ver a la gran Verónica Forqué en el Acaba de ser despedida y todos sabemos que teatro hace un par de temporadas en la piel de en la vida real no hay muchas ofertas de trabajo Shirley Valentine. Ahora, dirigida por David Separa una mujer de su edad y sin estudios. Pero rrano, protagoniza esta obra en la que se explocomo todo puede cambiar en menos de un ran los desafíos, las lealtades y los deseos que segundo, Margarita se una persona adulta, normal y reencuentra, cuarenta corriente, debe transitar para no años después, con Raúl bajar los brazos en la búsqueda Verónica Forqué protago(Juan Fernández), el de una nueva oportunidad para niza esta historia llena de amor de su adolescensu vida. Buena gente (Good humor, emoción y sensicia convertido ahora People) es una de las obras más bilidad, escrita por David en un médico de gran aclamadas del teatro contempoLindsay-Abaire prestigio que sí vive ráneo norteamericano, escrita en una mansión de por el ganador del Premio lujo y sí conduce un Pulitzer David Lindsay-Abaire. Desde el 11 de febrero deportivo. Margarita, Teatro Rialto Bienvenidos a la vida real, donque no ha pedido de la buena gente no vive en ayuda a nadie en su mansiones de lujo, no conduce vida, tal vez tenga que coches deportivos y donde, hacer una excepción con Raúl si quiere pagar cada mes, hace malabarismos para pagar sus sus facturas. Quizá, por primera vez en mucho facturas. Bienvenidos a la vida de Margarita tiempo, Margarita haya tenido un golpe de suer(Verónica Forqué), una mujer de casi sesenta te. Acompañados de Pilar Castro, Susi Sánchez años, madre soltera de una chica discapacitada y Diego Paris, todos juntos darán vida a esta de cuarenta, cuyos únicos respiros son los ratos historia llena de humor, emoción y sensibilidad. que pasa en el bingo. O eran, porque ya ni FOTO: Javier Naval

reportaje

Banqueros vs. Zombis El pasado mes de noviembre falleció R. A. Montgomery, el creador de la serie de libros Elige tu propia aventura. El juego y la lectura unidos para deleite de los niños y jóvenes en los ‘80. Luego, cuando fuimos creciendo, algunos tomaron el camino de la vídeo consola y otros el de la Rayuela, la de Cortázar. El teatro no ha explorado tanto esta participación activa y lúdica del público en el devenir de las tramas, que es lo que propone de partida este espectáculo en el que, además, hay otros alicientes como un acercamiento tan crítico como desenfadado a la crisis financiera que nos trajo donde estamos, una aplicación informática desarrollada específicamente para la obra, la ciencia ficción plasmada en un futuro distópico y, sobre todo, los zombis.

En el 15-M está el origen de todo

Las dos ideólogas y creadoras de este pifostio, bendita locura creativa, se llaman Pilar G. Almansa y Dolores Garayalde. Más tarde se les unió Ignacio García May en labores dramatúrgicas. Pilar rememora cómo, tras establecerse la acampada en Sol del 15-M, ambas se pasaban día y noche por allí hablando con unos y con otros para enterarse bien de qué era lo que estaba ocurriendo. “De pronto -sigue Pilar- nos dimos cuenta de que no entendíamos nada o entendíamos muy poco y nos pusimos a documentarnos y leer muchos libros. Uno de ellos fue el Informe Lugano, de

Teatro interactivo, de ciencia ficción, crítico con la situación político-económica y que presenta el concepto de zombificación por deuda Desde el 13 de febrero Teatro Galileo

por Álvaro Vicente

Susan George, que hace 16 años planteó cómo el neoliberalismo aspira a eliminar personas porque ante el agotamiento de los recursos naturales, necesitan que muera más gente para así mantener los beneficios y privilegios de las élites capitalistas, de los ricos vaya. Una de las estrategias es el empobrecimiento de la población, porque la pobreza hace descender la esperanza de vida. Así que un día, estando de risas con Loli, que es una friki de los zombis, dijimos: te imaginas banqueros y zombis juntos en una obra, jaja jiji... Y luego otro día: te imaginas que eres pobre y no puedes pagar tus deudas y te zombifican para trabajar hasta que te pudras, jaja jiji jaja...” Y así es como nació el

El neoliberalismo recurre al empobrecimiento de la población para mantener los privilegios de los ricos concepto de zombificación por deuda, que es la piedra angular de este espectáculo. Un espectáculo, volviendo al principio, interactivo, en el que los espectadores son los banqueros y tienen el poder de decisión.

No apaguen sus teléfonos móviles

Con un smartphone o una tablet en mano, el público asiste el Foro Mediterráneo para la Zombificación y las Finanzas, en un mundo donde la zombificación por deuda es ya absolutamente normal. Tras ver un vídeo narrado por Carlos Hipólito (uno de los célebres actores que, junto con Pepe Viyuela o Silvia Marsó, hacen cameos en el abundante aparato audiovisual que sustenta la obra) sobre el origen y las virtudes de esta revolucionaria medida y escuchar a la típica gurú de las finanzas, de forma imprevista nos enteramos de pronto que la deuda zombi sale a bolsa. A partir de ahí, el patio de butacas se convierte en el mercado global y en adelante puede pasar cualquier cosa. La obra plantea una situación tragicómica y terrible, más que terrorífica, como bien matiza Pilar, porque en el fondo está la mercantilización extrema de la mano de obra. El concepto de zombificación por deuda tampoco flota en el aire sin sustento alguno, sino que tiene que ver, por un lado, con la zombificación ritual en las zonas caribeñas, en Haití sobre todo, donde a través de sustancias narcóticas se induce un trance a personas que pierden su voluntad y se convierten en esclavos, y por otro en el concepto de la esclavitud por deuda aplicado en el Imperio Romano, donde si no pagabas tu deuda, te convertías en esclavo de otro hasta que la saldabas. En este caso se ha llevado al extremo, porque trabajas hasta que te pudres y, encima, habrás pagado tu deuda y seguirás trabajando y generándole riqueza a la empresa para la que trabajas, porque eres no más que un zombi que ni come, ni duerme, ni caga, ni sueña... sólo trabaja.

estrenos

FOTO: José Tomás Biosca

En el baño

V y S de febrero Teatro Arlequín Gran Vía

Atrévete a subir a la Luna, el show para escapar de la mediocridad terrícola que nos envuelve. En este rincón alejado de los convencionalismos se ofrece un original espectáculo donde los protagonistas hacen subir la temperatura con originales y calientes números, aderezados con grandes dosis de humor, conformando una función que hace que te vaya sobrando toda la ropa. Además, algunos de los asistentes tendrán la fortuna de llevarse un cuadro pintado en morboso directo por los propios actores... Y da igual que seas hetero, gay, lesbiana, bisexual, transexual o caballo de mar, después de visitar este sugerente cabaret solo podrás recordar y soñar con esta noche lunática. Un espectáculo erótico como nunca antes lo habías visto.

Luna, el show

Viernes de febrero Teatro Alﬁl

Cuando las mujeres van al cuarto de baño no es necesariamente para retocarse. Es un lugar de confidencias, un santuario de la intimidad femenina, por eso nunca suelen ir solas. Esta alocada comedia escrita por la autora francesa Astrid Veillon -y dirigida aquí por Gabriel Olivares-, nos presenta la historia de tres amigas que han decidido montar una fiesta sorpresa para una cuarta amiga en casa del novio de ésta. Cumple 40 años y es una fecha muy especial. Por sorpresa también aparece la madre de la cumpleañera y por casualidad las cinco coinciden en un lugar que se presta a la confianza... ¡el cuarto de baño! A lo largo de una noche de fiesta, borrachera, desencuentros y descubrimientos sin salir de la habitación de la casa destinada al aseo, las cuatro amigas se enfrentan a una noche de locura, pero también a la verdad de su amistad.

Mi cabeza de adolescente incipiente aún recuerda las imágenes de la película de Stephen Frears (1988) como una de las más excitantes y morbosas que hubiese visto hasta aquel momento. Me fascinó la libidinosa y manipuladora Glenn Close y el manipulador y libidinoso John Malkovich. Las amistades peligrosas es una famosa novela epistolar escrita por Pierre Choderlos de Laclos y publicada por primera vez en 1782. Se narra en ella el duelo perverso y libertino de dos miembros de la nobleza francesa a finales del siglo XVIII. Javier L. Patiño y Darío Facal han traducido y adaptado la novela original para conformar un montaje distinto al que pudimos ver en la gran pantalla, “mucho más ácido y perverso que la película. La película es mucho más romántica y los personajes encuentran la redención, pero yo quería la mirada ácida y perversa del original de Laclos, la condena que hace a la frivolidad de las clases altas” según ha manifestado el propio Facal. La obra ya se estrenó con gran éxito en la edición del Festival Clásicos en Alcalá de 2013. Está protagonizada por Carmen Conesa, Cristóbal Suárez y Edu Soto (que se irán alternando en el papel de Valmont) e Iria del Río. En esta versión están presentes el amor, el humor, la perversión y el poder, combinando texto y música en directo con escenas coreografiadas a ritmo de rock y jazz y conservando los pilares más determinantes de la novela, como esa crítica feroz hacia una sociedad -la de los ricos- donde rige la decadencia moral y que desprecia el dolor ajeno. Emociones intensas se nos avecinan en las Naves del Español-Matadero. Emociones nuevas que se superpondrán a esas imágenes que el film dejó marcadas en nosotros... o al menos en mí. S. Díaz

Las amistades peligrosas Versión teatral de la obra de Choderlos de Laclos -mucho más ácida y perversa- dirigida por Darío Facal Del 4 de febrero al 8 de marzo Matadero-Naves del Español

entrevista

Inma Cuevas y Fran Calvo “Imagina lanzar un dado seis mil veces...” por Álvaro Vicente Tras estrenarla el año pasado en la sala Kubik, llevarla por algunas plazas españolas con igual éxito y ganar el premio al Mejor Espectáculo en la Feria de Huesca, los que un día bautizamos como reyes del Off madrileño desembarcan en el Lara con esta obra cuántica de Nick Payne, el último fenómeno del teatro británico. Con ella, el clásico chico conoce chica -o viceversa- salta literalmente por los aires en mil pedazos. ¿De qué habla Constelaciones? ¿Es posible una sinopsis? Inma Cuevas: Habla del destino. Es la eterna pregunta: ¿qué hacemos aquí? ¿Tenemos decisión, voz y voto en lo que hacemos y decimos? ¿Puedes modificar tu destino? Tiene que ver con cuando te planteas cambiar los patrones de vida que te vienen marcados por tus antecesores, cuando dices: quiero ir por otro lado, esto ya no lo quiero hacer, yo no soy así y hay algo en mí que no quiero que sea así, quiero cambiar hasta la genética. ¿Tengo capacidad real para hacerlo o la alineación de los planetas lo impide?

haga preguntas, pero también a nosotros se nos abren mil posibilidades a la hora de trabajarlo. El texto no tiene ninguna acotación, el autor no marca nada, salvo los lugares en los que ocurren las cosas, nada más.

I.C.: Cuántas veces hemos ido en el metro y hemos sentido que alguien nos mira, y hemos pensado ¿y si me bajara con él? ¿Y si le dijera “hola buenos días”? ¿Esa persona Obra de original estructura estaba ahí para mí que ha dirigido Fernando o no? Soto, Constelaciones pre-

tende demostrar que, en el amor, las posibilidades son infinitas

Fran Calvo: Es una historia de amor, para resumirlo de una forma muy sencilla, lo que pasa es que lo que nos enamoró a nosotros del texto es cómo lo cuenta el autor, la estructura que tiene, las infinitas posibilidades que tiene una historia de amor, no de una manera lineal, la narrativa que plantea no es lineal, sino que te va abriendo distintas puertas, en un juego de “que hubiera pasado si…” ¿Quiénes son esos dos amantes que interpretáis? F.C.: Marianne, el personaje femenino, es física cuántica. Trabaja en la universidad. Él, Roland, es apicultor, trabaja con las abejas. De primeras, sus mundos no tienen nada que ver y eso es lo interesante, dos personas tan distintas que intentan conocerse y la vida les va llevando por unos derroteros determinados. Mezcla la teoría de las cuerdas, de la física cuántica, eso de que todos estamos conectados, que existen muchos multiversos paralelos en los que suceden las cosas. El texto está muy bien escrito, pero el autor, inteligentemente, deja muchas cosas abiertas, como para que el público se

¿Qué exige de vosotros como actores una obra así? I.C.: Hay que ser muy A partir del 2 de febrero honesto con lo que se Teatro Lara hace frente al compañero, porque estás en el vacío, no te puedes agarrar a nada, estás tú y la otra persona y está en medio lo que se crea entre ambos, y si eso no está se cae todo. Es de una gran dificultad. F.C.: Para mí es un trabajo totalmente nuevo, hiperrealista, con una parte formal también muy marcada, con un ritmo muy concreto, donde hay 100 escenas en las que trabajamos los mismos personajes con distintas capas, personajes que llamándose igual pueden tener distintas personalidades en los diferentes multiversos que existen. Es súper rico, en cada ensayo se encuentran cosas nuevas porque la propia repetición te va dando matices que vas acumulando. Es un trabajo de muchísima precisión. Para conseguir este hiperrealismo hay que conseguir olvidarse casi de una circunstancia o un entorno teatral, y jugar en esa desnudez donde sólo tienes a tu compañero para apoyarte. Fernando Soto, el director, dice siempre una cosa, que es lo que nos dirige y es una gran verdad, que manda la circunstancia siempre, por encima del texto y las pajas mentales que tenemos los actores.

Sabrás más sobre esta obra en www.escenagodot.com

reportaje

Como si pasara un tren

FOTO: LaconT

Si no hubiera titulado esta página con el nombre de la obra, habría dos titulares posibles. Uno, el poder de las historias sencillas. Dos, el curioso caso de Como si pasara un tren. Empecemos por el segundo. El curioso y paradójico caso de una obra nacida en una pequeña sala como La Trastienda, que nueve meses después, tras estar programada un día a la semana en el teatro Lara, aterriza en el teatro del Ayuntamiento de Madrid, una entidad que con sus normativas ha propiciado el cierre de La Trastienda. Que alguien me lo explique, por favor. Sea como sea, esta joya bronceada de sencillez pero preñada de complejidad emocional, nació del deseo de hacer algo entre amigos, sin expectativas. Y eso ha permitido que se cueza a fuego lento como un buen puchero de abuela, de esos que no puedes dejar de saborear pensando: si no es nada, joder, pero qué delicia, qué manjar, qué maná. “Así es como yo misma -dice María Morales- me he ido dando cuenta de que esta es una señora obra y Susana es un señor personaje. Y nos ha ayudado a verlo lo que sucede fuera, en el espectador, que

se va reconciliado con el teatro habiendo atravesado una experiencia inolvidable.

El poder de las historias sencillas

Marina Salas cita a la directora Adriana Roffi y nosotros recitamos: “habla de tu aldea y hablarás del María Morales, Marina mundo”. La historia Salas y Carlos Guerrero de una madre sobrehacen parada en la plaza protectora, de su hijo de Santa Ana con esta pecon un leve retraso queña gran joya del teatro madurativo, donde la llegada al pueblo de la prima adolescente Del 25 de febrero al 22 de marzo desde la ciudad Teatro Español pone patas arriba las vidas de tres personas como cada día se nos ponen patas arriba nuestras vidas por cosas muy pequeñas, aparentemente. Y luego, que este Tren está conducido por una mano firme y comprometida con la historia, no con su ego. Adriana Roffi es como ese pintor hiperrealista siempre pincel en mano, nunca dando por terminada su obra. Eso es la vida. Álvaro Vicente

Adriana Roffi. Directora

Lorena Romanin. Autora

Esther Ortega. Souler

apoyar. verbo transitivo 1. Poner una cosa de manera que otra la sostenga para que no se caiga, para poder hacer un esfuerzo o, simplemente, para descansar. 2. Ayudar a que una persona consiga algo o a que una cosa se desarrolle o suceda, colaborando o influyendo en ciertos aspectos, o manifestando conformidad o acuerdo.

Me encontré con una historia llena de humanidad, y humor, nada pretenciosa. Con personajes errantes como protagonistas; que se enfrentan a sus dificultades cotidianas; que luchan por sus deseos mundanos. Me los encontré en un momento de crisis económica, social y también de una profunda crisis en el arte. Creo que las crisis son una oportunidad para avanzar, para superarnos. Y yo, como artista en crisis, necesito contar historias humanas que me representen. Esta historia con personajes que arrastran y resuelven, de la mejor manera que ellos consideran -que no siempre es lo mejor para el otro-, se convierte humanamente en la vida misma. El teatro, el arte, tienen, entre otros objetivos, la función de transformarse y transformar.

Un día, mi amiga Adriana Roffi, a quien había conocido durante nuestra formación teatral siendo aún adolescentes, me pidió un texto para montar. Le envié Como si pasara un tren, un material que yo misma quería montar en Buenos Aires y al que le tenía muchísima confianza. Adriana lo leyó e inmediatamente me dijo que le había encantado. Desde ese día hasta hoy, ella y sus actores han hecho crecer ese texto de una forma que me emociona y me sorprende. Además en un país como España con el que hay tanto intercambio a nivel artístico y cultural; y una conexión que hace que los argentinos nos sintamos como en casa. No puedo más que estar encantada con lo que está sucediendo con mi texto. Es como si hubiera florecido.

“Quiero montar Como si pasara un tren y tú no me das para la madre”. Estas fueron las palabras de Adriana Roffi que me dejaron claro que en nuestro nuevo proyecto juntas lo que se dice actuar... no iba a actuar. Pero yo creo en Adriana, creo en su forma de vivir y hacer la dirección y creí necesario montar ‘el Tren’. Dinero no tenía... pero tenía mi criterio, mi tiempo, mi salón (donde empezamos a ensayar) y mi fe. Y digo fe porque creo que es la fe la que te hace inasequible al desaliento. Estoy enamorada de la forma de hacer y de lo que hacen Adriana, María, Marina y Carlos y eso hace a su vez que yo cocine el arroz para cada función, sea ayudante de dirección, en ocasiones gerente de compañía, ayudante de producción de nuestra querida Eva (Paniagua), y honesta fan del TREN. Durante este proceso, cuando alguien me veía feliz a la salida de una función y me preguntaba “¿perdona, tú que haces aquí?”, yo contestaba “soy la asistenta” y a mí éste término me hacía cierta gracia, pero parece ser que solo me la hacía a mí y mis compañeros empezaron a ir por ahí diciendo que yo era el Alma del Tren. Como ustedes comprenderán, una no se puede presentar como el Alma de algo: ¡Hola! Buenas tardes, soy el Alma de este proyecto... imposible, eso no se puede hacer. Así que María Morales tuvo a bien ‘sajonizar’ el término, con la ventaja de que al hacerlo además se convierte en una acción: alma = soul = ‘souling’. Sí, conceptualmente, es un bello término, “¿Cómo participas en este proyecto?”, “Hago el Souling”... Pero vamos, que también lo tenemos en castellano, solo que la sustantivación no queda tan fina... FOTO: www.alvaroserranosierra.com

estrenos

FOTO: Javier Naval

Hey Boy, Hey Girl años, guiados por profesionales del circuito “Hey girls, hey boys, Superstar DJ’s, teatral nacional, que ya han puesto en Here we go!!!” Atronan los Chemicals Bromarcha varios espectáculos con gran éxito thers en la piscina de la casa de Guadalix, (Fuenteovejuna, Punk Rock, El señor de las de Gandía Shore o Magaluf y todo da Moscas...). En esta ocasión le han encarigual, sólo importa bailar y desfasar. Divergado un texto a Jordi Casanovas y el autor sión a tope. No hay límites, no importan las catalán le ha dado una vuelta de tuerca a cámaras, da igual lo que piense el resto de un clásico de ShakesEspaña, somos jóvenes peare -pervirtiéndolo y sólo importa divertirse, Jordi Casanovas escribe de alguna manera-, sólo importa el ahora, para La Joven Compañía Romeo y Julieta, para sólo nosotros. Alcohol, una versión libre de pensar, redescubrir y sexo y música. Sexo y Romeo y Julieta tratar de comprender alcohol. Sexo. La vida es las inquietudes y las nuestra... o no. nuevas formas de diverYa hemos hablado en tirse, de comunicarse y anteriores ocasiones de Del 4 al 28 de febrero de relacionarse de la la asociación Jóvenes Teatro Conde Duque juventud actual. al Teatro, un lugar de Un interesante montaje encuentro de profesoque nos acerca a un res de secundaria y estrato de la sociedad complejo y alejado bachillerato, y profesionales del circuito del radar de los adultos, al que solemos nacional teatral comprometidos con un demonizar con pruebas superficiales, pero objetivo común: fomentar la presencia de al que no siempre sabemos acercarnos de nuestros jóvenes en escenarios y patios de la forma adecuada. Una obra sobre los butacas y cuya principal herramienta es nuevos modelos de consumo televisivo que una compañía profesional: La Joven Comnos permite ver la fuerza de la juventud y pañía. Dirigida por José Luis Arellano y la tragedia encerrada en sí misma en una David R. Peralto, está formada por más de época complicada de la vida. Sergio Díaz una treintena de jóvenes de entre 18 y 25

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CRÍTICAS

Crituits

Crítica: Un hombre con gafas de pasta Teatro Lara Por Alvaro Vicente

Misantropía Cuando una obra empieza y no puedes apartar la vista de los actores, no te acuerdas del reloj, sientes cómo te recorren por dentro el asombro, la incredulidad, la perplejidad y hasta la indignación y vives la situación como si te estuviera pasando a ti en ese momento... significa que estás disfrutando una buena obra de teatro. En este caso, no hay duda, el texto de Jordi Casanovas es una escalera que sube implacable y en cada peldaño la tensión y la sorpresa crecen hasta la conmoción. Del argumento sólo cabe contar el detonante, por ponernos en situación, pero lo idóneo es sentarse y dejarse llevar. Aina siempre ha tenido un sueño: escribir. Un sueño siempre aparcado. Ahora que se acaba de separar, sus amigos Laia y Óscar creen que es el momento preciso para hacerlo realidad. Quedan para cenar en casa de Aina y se traen a Marcos, una suerte de misántropo de incontenible sinceridad, una de esas personas cultas que o son protagonistas estén en la situación que estén, o no son nada. Poeta de maneras altivas, su porte seguro le da un atractivo embargante. Allí donde llega libera su red y atrapa a los incautos que asisten boquiabiertos a su espectáculo. Pero Aina no parece sentir la fascinación por Marcos. Aina de pronto es un bicho raro, engullida por una espiral sofocante, simplemente porque no le sigue el juego al invitado que todo lo sabe y todo lo pinta con los colores precisos. Esos dos polos son puestos en juego por dos actores sobresalientes: Inge Martín y José Luis Alcobendas. No menos sobresalientes están Olga Rodríguez y un Markos Marín que transita ánimos encontrados con una verosimilitud apabullante. Es una pieza fantástica que revela cómo la perversión y la manipulación son armas sociales más establecidas de lo que parece.

Crítica: Don Juan Tenorio Teatro Pavón Por Álvaro Vicente

El absoluto disoluto Sólo por el hecho de que dos o tres personas se hayan sentado a leer el Tenorio de Zorrilla con una mirada alejada de convenciones, mitos y tradiciones, este montaje ya vale la pena. Despojar a Don Juan de ese halo romántico de canalla seductor y verlo sólo como canalla, sin bailarle el agua, sin salvarle la vida como una madre salva siempre al tarambana de su hijo “porque los hombres son así”, hace necesario este montaje. Sólo cabe felicitar a Blanca Portillo por afrontarlo como directora, a José Luis García Pérez por enfrentarlo como actor, a Juan Mayorga por leerlo desde la perspectiva de una nueva masculinidad y a Helena Pimenta por incluirlo en la programación de la Compañía Nacional de Teatro Clásico que dirige. El resultado, teatralmente hablando, puede ser más o menos discutible, pero este provechoso intento de sacar la donjuanía de nuestro manual de instrucciones como hombres, ya es digno de mención y aplauso. Don Juan es un cabronazo, un irresponsable para el que las mujeres son trofeos que coleccionar, un pendenciero, un asesino, un violador. Un chulo de

la peor calaña. Este es el patrón sobre el que García Pérez modula sus variaciones, con más aplomo que nunca sobre un escenario, aprovechando su voz rota. Gigante en su egolatría, villano de y con su victimismo barato, arrogante... Todo está en el actor pintando a su personaje y él solo es ya espectáculo, aunque a veces se le desborden las maneras. En torno a él tiene mucho oficio, el de Juanma Lara o el de Miguel Hermoso, el de Beatriz Argüello (hay acciones de su Brígida que no entiendo, ojalá un día me las explique la directora) o el de Eduardo Velasco. Pero hay que pararse y descubrirse ante Ariana Martínez. Su Inés debería estar ya en las antologías por riqueza y verdad, y por darse el gusto que se da en el momento final de la obra, que no contaremos, pero que sin duda cierra el arco que se abrió con el portazo de Nora en Casa de muñecas. En definitiva, un montaje audaz, de momentos estéticamente bellísimos, con su poco de Bob Wilson y su poco del Kubrik más carnavalesco (el último), y que en los entreactos, por cierto, tiene un tesoro en la voz de Eva Martín.

Las más valoradas en www.escenagodot.com a 29 de enero

DANZA

La bella durmiente Sí, lo sé, una vez más La bella durmiente. Lo que podremos ver en los Teatros del Ya todos conocemos de sobra este cuento Canal durante -únicamente- tres días de surgido de la tradición oral y que gente febrero es una versión oscura y de estética como Giambattista Basile, Charles Perrault contemporánea del cuento de La Bella Duro los Hermanos Grimm se encargaron miente, convertido en ballet por Tchaikovsky de dar forma. Pero esta historia siempre a finales del siglo XIX. guarda sorpresas, siempre hay versiones La compañía de danza canadiense presenque nos pueden emocionar más que otras, ta una adaptación moderna y rompedora siempre hay novedades... creada en 1996 por el coreógrafo y bailaEn este montaje, la novedad rín sueco Mats Ek, más importante es que lo donde la princesa Moderna y oscura versión realiza la compañía Les Aurora es una de Mats Ek sobre música Grands Ballets Canadiens adolescente rebelde Tchaikovsky llevada de Montréal. Esta compañía de aburrida de a cabo por Les Grands canadiense lleva desde su perfecta vida. 1957 haciendo maravillosas El destino de la Ballets de Montreal creaciones y ahora llega por joven se trastoca fin a España, ya que nunca cuando conoce a Del 5 al 8 de febrero habíamos tenido la suerte de un traficante de Teatros del Canal disfrutar de ellos en nuestro drogas -el Príncipe país. Esa es la gran razón Encantado- que para ver esta obra porque le ofrece una jeLes Grands Ballets se han ganado gran ringuilla de heroína y que llevará a Aurora fama y reconocimiento mundial dentro del a un profundo viaje por los infiernos de su ámbito de la danza tras 50 años mantealma... niéndose leales a la esencia pura del ballet El montaje llega a España avalado por su clásico, pero innovando siempre en cada gran acogida en el resto de lugares que ha una de sus creaciones, buscando nuevos visitado y seguro que aquí tampoco defraulímites estéticos y dotando a las historias de dará y nos hará mirar con otros ojos y otras una mayor profundidad y belleza. perspectivas este cuento inmortal. S. Díaz

Eva Garrido, ‘la Yerbabuena’, ha enseñado su talento por todos los rincones del planeta. Ha bailado con los mejores y los mejores han bailado con ella. En 2001, con sólo 31 años, recibió el Premio Nacional de Danza. En 2005, obtuvo dos premios Max de las Artes Escénicas por su obra Eva: a cal y canto, en las modalidades de mejor intérprete de danza y mejor espectáculo de danza. Podíamos llenar páginas con su extenso curriculum pero para sintetizar podemos decir que Eva está entre las grandes figuras del baile flamenco de todos los tiempos. Ahora vuelve a Madrid con este montaje que ya pudimos ver el año pasado y del que ya tuvimos tiempo de hablar en números pasados, así que

dejaremos que sea la propia Eva la que nos explique lo que nos quiere transmitir, lo que siente al subirse al escenario con Ay!. “Me siento sola en el silencio y me traslado en el tiempo para darme cuenta de algo que siempre me ha parecido incuestionable: la atemporalidad del flamenco. Desde el viejo gramófono, la pizarra gris me grita que el flamenco, voces, sonidos, toques, movimientos, sigue siendo una expresión suprema del sentimiento, sin normas ni medidas. En Sevilla, una expresión popular ‘chirrín-malacatín’ anuncia que algo se acaba, y yo lo hago por tangos, exponiendo, sin traba alguna, lo que encierro, por ver la luz de mi cuerpo en movimiento”.

Ay!

Del 11 al 20 de febrero Naves del Español-Matadero

MIRA TEATRO PROGRAMACIÓN FEBRERO-MAYO 2015 Sáb 7 febrero 20:00 h - 15 €

Sáb 28 febrero 20:00 h - 15 €

Sáb 21 marzo 20:00 h - 5 €

Sáb 9 mayo 20:00 h - 20 €

Sáb 23 mayo 20:00 h - 10 €

BODAS DE SANGRE COMPAÑÍA ANTONIO GADES

JOBS CLOWNIC

REQUIEM DE MOZART CORAL KANTOREI y OSPAL

PLUTO de Aristófanes

SEXPEAREMENTE Producciones Sexpeare

Danza

Humor

Música

Sáb 14 febrero 20:00 h - 5 €

Sáb 7 marzo 20:00 h - 15 €

Sáb 11 abril 20:00 h - 15 €

NOCHE DE BOLERO DAVID MONTES BANDA SINFÓNICA LA LIRA

DAVID BUSTAMANTE “VIVIR”

EL TESTAMENTO DE MARÍA de Colm Tóibin

Música

Teatro

Sáb 14 marzo 20:00 h - 15 €

Sáb 18 abril 17:00 h - 6 €

OLIMPLAFF YLLANA

RAFAEL ÁLVAREZ “EL BRUJO” “EL ASNO DE ORO”

TARZÁN EL MUSICAL

Sáb 21 febrero 20:00 h - 20 €

Dom 15 marzo 17:00 h - 6 €

KATHIE Y EL HIPOPÓTAMO de Mario Vargas Llosa

ALADDIN GORAKADA

Dom 15 febrero 17:00 h - 6 €

Teatro

Espectáculo familiar

Teatro

Espectáculo familiar

Sáb 25 abril 20:00 h - 20 € Teatro

EL NOMBRE de Mathieu Delaporte y Alexandre de la Patellière

Teatro

Dom 10 mayo 17:00 h - 6 €

Ciclo Teatro en Escena

Espectáculo familiar

Dom 24 mayo 19:00 h - 10 €

Sáb 16 mayo 20:00 h - 15 €

OJOS DE AGUA Basada en La Celestina de Fernando de Rojas

EUREKA, El Cau de L´Unicorn

Danza

BALLET VÍCTOR ULLATE COMUNIDAD DE MADRID “EL SUR” Homenaje a Enrique Morente

Ciclo Teatro en Escena

Sáb 30 mayo 20:00 h - 15 € Música

ESTRELLA MORENTE “AUTORRETRATO”

Vie 22 mayo 20:30 h - 10 €

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COMO SI PASARA UN TREN de Lorena Romanín

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en familia

FETEN Esta revista es de ámbito madrileño y solemos hacer mención a los espectáculos que podemos encontrar en nuestra ciudad, pero no podemos dejar de destacar, por su importancia a nivel mundial, esta Feria Europea de Teatro para Niños y Niñas -FETEN- que se celebra cada año por estas fechas en la ciudad de Gijón. FETEN es un espacio que promueve los intercambios y la cooperación entre los distintos sectores de creación y distribución de las artes escénicas tratando entre todos de elevar y dignificar una, cada vez mayor, calidad de las artes escénicas hechas para y por los menores.

Más de 580 espectáculos se podrán disfrutar en la edición más internacional

PIES DE FOTO: Three Monks, China National Theatre For Children, foto arriba. El gato con botas, Teatro Colon Producciones, foto de enmedio. En un lugar de la galaxia, Teatro del cuervo, foto abajo izquierda. Potted, La Trocola Circ., foto abajo derecha.

Vuelve La Feria Europea de Teatro para Niños y Niñas de Gijón que este año cumple su 24º Edición

Del 22 al 27 de febrero Gijon

En su afán de seguir creciendo y seguir siendo un evento de refencia mundial, en esta edición quieren ser más internacionales que nunca y nos proponen más de 580 espectáculos procedentes de Asia, África, América y Europa. Esta vigésimo cuarta edición supera así cifras de producciones recibidas en anteriores ediciones. La Feria, que reúne el mayor abanico de oferta destinada al sector escénico infantil y juvenil del país, basa su selección de contenidos en un cuidado equilibrio que atiende tanto a la calidad de las representaciones como a la diversidad de formatos y contenidos, intentando representar en su programación la pluralidad creativa del territorio nacional y las interesantes propuestas que se realizan más allá de nuestras fronteras. Cojánse una semana blanca teatral con sus hij@s y suban a Gijón a disfrutar del buen teatro para público familiar. Seguro que los pequeños aprenden y disfrutan más que yendo al colegio esos días... Toda la info en: http://feten.gijon.es/

en familia

Pinocchio...

La Baldufa presenta este delicioso montaje del clásico cuento de Collodi

Del 8 al 20 de febrero Teatro de la Abadía

...la historia del niño de madera. Pinocchio, el títere travieso y desobediente, se llama así porque está hecho de madera de pino. Su famosa historia da pie al nuevo proyecto de la reconocida compañía La Baldufa. Desde que se publicara por primera vez a finales del XIX, esta historia se ha convertido en uno de los cuentos más leídos de la literatura universal. Pinocchio es la historia de un niño libre, sin prejuicios ni complejos, desobediente y travieso, pero, a la vez, ingenuo, muy ingenuo. Geppetto, con el instinto protector de un padre, intenta velar por su educación. En cambio, Pinocchio, desobediente, se verá inmerso en diversas aventuras, que le harán crecer y madurar como persona. Ahora, de la mano de La Baldufa, las aventuras de la marioneta Pinocchio se convierten en el argumento de este espectáculo ‘hecho a mano’, en el que la escenografía compuesta por materiales orgánicos se va transformando y creciendo a partir de sombras, proyecciones e ingenio. El uso escueto de la palabra y la sencillez y versatilidad de materiales conforman un espectáculo muy sencillo y poético que nos cautivará y que nos hará reflexionar sobre aspectos como el valor de la educación, la relación padre-hijo, el camino iniciático, la ingenuidad infantil, la generosidad, la responsabilidad o el perdón.

Laura y el enigma de la música...

Domingos de febrero Teatro Galileo

...perdida en un vagón de metro es un musical original protagonizado por niños. Algo ha sucedido en la rutina diaria de Laura, algo inusual, en su camino diario del colegio a casa no se ha encontrado con el músico del vagón de metro que todos los días ameniza su ida y vuelta al cole y por extraño que parezca, ni siquiera consigue recordar la canción que cada día durante el último año ha tocado para ella. Acompañada por su

hermano y sus tres vecinos, Laura vivirá una inolvidable aventura de noche en la ciudad a través de la música para resolver el enigma de la música pérdida en el vagón de metro. Sara Pérez, autora y directora del musical, invita a grandes y pequeños a revivir aquellos momentos llenos de felicidad que hemos pasado y que han marcado nuestra vida... y todo ello con la música como herramienta para lograrlo.

lírica

El público Poner en liza los textos que han escrito grandes genios de la literatura siempre es complicado, pero si además hay que adaptar ese texto teatral a una ópera tiene un gran mérito. El Público es la obra más difícil y misteriosa de Lorca, y uno de los grandes mitos del teatro español moderno. Lorca la escribió en Cuba en FOTO: Javier del Real una época de intensa experimentación artística y vital. El tema de la homosexualidad se trata abiertamente aquí. La obra pretende ser un grito de desafío contra la hipocresía burguesa y es un alegato a favor de la libertad amorosa y artística. Dos formas de entender el arte se enfrentan en la obra, el Teatro al Aire Libre, comercial y deseoso de Ópera con libreto de Anagradar al público, y el Teatro Bajo la Aredrés Ibáñez basado en la na, que pretende revelar lo oculto y poner obra de teatro de Federico en cuestión los valores establecidos. La obra García Lorca aborda también el tema de la máscara en el teatro, que conduce al corazón de la pieza, y que define una realidad en estado de perpetuo cambio, una especie de sueño donde Desde el 24 de febrero los personajes y las identidades cambian sus Teatro Real papeles sin cesar. Nos sumerge en el interior de la conciencia, y cuestiona la noción de individualidad y de voluntad propia. Se plantea, además, el tema del arte como un instrumento de transformación de la realidad en su conjunto. Lorca estaba convencido, con los surrealistas, de que el arte tenía la capacidad de transformar al ser humano. Con ese mismo espíritu, el compositor Mauricio Sotelo y el libretista Andrés Ibañez, junto al escultor y escenógrafo Alexander Polzin, han acometido el desafío de transformar El Público en una ópera del siglo XXI. Tiene mucho mérito, sí. El Teatro de la Zarzuela nos propone un programa doble que nos permitirá viajar de Nueva York a Madrid con el sabor ligero de la comedia musical. En la primera parte se estrena en España la pieza Lady, be good!, de los hermanos Gershwin, donde disfrutaremos de la música en números tan conocidos como Fascinating Rhythm, So Am I o Soon. En la segunda parte se pone en escena Luna de miel en El Cairo, del maestro Francisco Alonso. Este programa doble contará con Emilio Sagi en la dirección de escena y Kevin Farrell como responsable musical.

Lady, be good/ Luna de miel en El cairo Hasta el 15 de febrero. Teatro de la Zarzuela.