Godot abril 16 by Godot

Centro Dramático Nacional

Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva

Dirección Ernesto Caballero

AQUILES Y PENTESILEA

Del 8 de abril al 15 de mayo

Escenografía Dino Ibáñez Vestuario Elena S. Canales Iluminación Rafa Mojas Música Rodrigo Díaz Bueno Espacio sonoro José Luis Álvarez

Reparto (por orden alfabético) Maria Almudéver Marina Barba Rubén Carballés Dayana Contreras Gorsy Edú Camino Fernández Astrid Jones Víctor Massán Didier Otaola José J. Rodríguez “Jabao” Verónica Ronda Rodolfo Sacristán Cecilia Solaguren

ADENTRO

Teatro María Guerrero Sala de la Princesa

de Lourdes Ortiz Dirección Santiago Sánchez

de Carolina Román

Del 20 de abril al 22 de mayo

Dirección Tristán Ulloa Reparto (por orden alfabético) Nelson Dante Araceli Dvoskin Noelia Noto Carolina Román

Escenografía Alexandra Alonso-Santocildes Vestuario Clara Bilbao Iluminación Eduardo A. Chacón Espacio sonoro Nelson Dante

Coproducción Centro Dramático Nacional y Adentro Teatro Síguenos en:

http://cdn.mcu.es www.entradasinaem.es venta telefónica: 902 22 49 49

Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero

ASÍ QUE PASEN CINCO AÑOS

Teatro Valle-Inclán

Del 1 de abril al 15 de mayo

de Federico García Lorca

Dramaturgia y dirección Ricardo Iniesta

Reparto (por orden alfabético) Elena Amada Aliaga Jerónimo Arenal Manuel Asensio Carmen Gallardo Silvia Garzón José Ángel Moreno María Sanz Raúl Sirio Iniesta Raúl Vera Espacio escénico Ricardo Iniesta Iluminación Miguel Ángel Camacho Vestuario Carmen de Giles Composición musical Luis Navarro Coreografía Juana Casado

Coproducción Centro Dramático Nacional y Atalaya-TNT

Síguenos en:

http://cdn.mcu.es www.entradasinaem.es venta telefónica: 902 22 49 49

6 10 14 18 20 22 28 32 38 estrenos Así que pasen cinco años

reportaje La Fiesta

reportaje Tierra del Fuego

entrevista Luis Felipe Blasco Vilches

estrenos CINE

entrevista Alberto Conejero

en familia Teatralia

44 FOTO: Sergio Parra

palabra de Anatoli Vassiliev el arte del actor María Morales

noticias Premios MAX 2016 portada El Cuarto Jinete

reportaje Celestina

reportaje Los amores diversos

panorámica Nao d’Amores

danza Danza a Escena

cómicos Juan Dávila

8 12 16

estrenos Aquiles y Pentesilea

26 30

reportaje Numancia

41 46

FOTO PORTADA: Álvaro Villarrubia

EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot. com, David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén González FOTOGRAFÍA Karlos Sanz COLABORADORES Rafa Romero de Ávila, Irene L. Navarro, Juan Vinuesa. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor.

Sumario. Abril 2016

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@RevistaGodot

COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO DIRECTORA

HELENA PIMENTA

DEL 6/4 AL 8/5 TEATRO DE LA

CELESTINA

Comedia

DE FERNANDO DE ROJAS adecuación para la escena

BRENDA ESCOBEDO JOSÉ LUIS GÓMEZ dirección

JOSÉ LUIS GÓMEZ coproducción

CNTC Teatro de La Abadía

PALABRA DE... Anatoli Vassiliev

¿Necesitamos teatro? Esa es la pregunta que surge en miles de profesionales del teatro decepcionados y en millones de personas cansadas de él. ¿Qué necesitamos de él? Hoy en día la escena es tan insignificante, en comparación con las ciudades y estados donde se juegan auténticas tragedias de la vida real. ¿Qué es él para nosotros? Galerías y balcones, bañados de oro y plata; en las salas, sillones de terciopelo, actores de voces bien pulidas o viceversa, algo que puede lucir aparentemente diferente: cajas negras, manchadas de barro y sangre, con un montón de cuerpos desnudos rabiosos al interior. ¿Qué está dispuesto a decirnos? ¡Todo! El teatro puede decirnos todo. Cómo los dioses habitan en el cielo, y cómo los presos languidecen en cuevas subterráneas, olvidadas, y cómo la pasión nos puede elevar, y cómo el amor puede destruir, y cómo nadie necesita una buena persona en este mundo, y cómo reina la decepción, y cómo la gente vive en apartamentos, mientras que los niños se marchitan en campos de refugiados, y cómo todos tienen que volver de nuevo al desierto, y cómo día tras día nos vemos obligados a apartarnos de nuestros seres amados, el teatro puede decirnos todo. El teatro siempre ha estado y siempre permanecerá. Y ahora, en estos últimos cincuenta o setenta años, es particularmente necesario. Porque si usted ve todas las artes públicas, puede observar de inmediato que sólo el teatro nos da una palabra de boca en boca, una mirada de ojo a ojo, un gesto de mano en mano y de cuerpo a cuerpo. No necesita ningún intermediario para trabajar entre seres humanos, constituye el lado más transparente de la luz, no

pertenece más al sur, o al norte o al este u oeste, oh no, es la esencia de su propia luz, brillando desde todos los rincones del mundo, inmediatamente reconocible por cualquier persona, ya sea hostil o amigable hacia él. Y necesitamos teatro que permanece siempre diferente, necesitamos teatro de muchas formas diferentes. Aún así, creo que entre todas las formas de teatro posibles, sus formas arcaicas demostrarán ahora ser las de mayor demanda. El teatro de formas rituales no debe oponerse artificialmente al de naciones ‘civilizadas’. La cultura secular está siendo cada vez más castrada, la llamada ‘información cultural’ sustituye gradualmente y suplanta entidades simples, así como nuestra esperanza de cumplirles un día. Pero puedo ver claramente ahora: el teatro está abriendo sus puertas de par en par. Entrada gratuita para todos y cada uno. Al diablo con aparatos y dispositivos, ¡ir al teatro!, ¡ocupar filas enteras de butacas en las galerías, escuchar la palabra y mirar imágenes en vivo! El teatro está frente a usted, no lo descuide y no se pierda la oportunidad de participar en él, tal vez la más preciosa oportunidad que tenemos en nuestras vanas y apresuradas vidas. Necesitamos cada forma de teatro. Sólo hay un teatro que seguramente no es necesario para nadie, me refiero al teatro de juegos políticos, un teatro de políticas ‘ratoneras’, un teatro de políticos, un inútil teatro de políticos. Lo que sin duda no necesitamos es un teatro de terror cotidiano, ya sea en lo individual o colectivo, lo que no necesitamos es la escena de cadáveres y sangre en las calles y plazas de las capitales o provincias, un teatro falso sobre los enfrentamientos entre religiones o grupos étnicos... Traducción al español: César C. Muñoz

MENSAJE DEL DÍA MUNDIAL DEL TEATRO (27 de Marzo)

humor

Flora y Fauna de las Artes Escénicas

Espectadores incondicionales Spectadorus per secula seculorum El progenitor

El cónyuge

El aspirante a cónyuge

El actor en busca de público

El progenitor Spectadorus per secula seculorum sangrem de mi sangrem

El aspirante a cónyuge Spectadorus per secula seculorum amor quaerum

Con una sonrisa tierna a prueba de espanto, tratando de ser objetivos con frases que empiezan con “no es porque sea mi niña pero es que…”, encontramos a estos espectadores que hacen que subirse a un escenario merezca la pena.

Es la versión teatrera del pagafantas. Bobo de condición y vocación, asiste con la fatua esperanza de que la abnegación sea el prólogo del sexo.

El actor en busca de público Spectadorus per secula seculorum ego sum tristia vanita vanitatis

El cónyuge Spectadorus per secula seculorum amor habemus El escenario da un +5 al atractivo de quien se sube, y esto es algo que los cónyuges, amantes por activa y/o pasiva, disfrutan cada vez que van a ver a la persona que los tiene tontitos. Son, si cabe, menos objetivos que los progenitores.

Luis Felipe Blasco Vilches

Hay una ley no escrita y a menudo no cumplida que reza que si un teatrero va a ver un espectáculo tuyo, tú estás obligado a ver un espectáculo de ese teatrero. Sin embargo, a veces sucede que un teatrero incansable acude a cualquier cosa que haga otro y este otro…

Andrea Espier www.andreaespier.com

Andrea Espier Ilustración

@LuisFelipe_BV Sigue su blog en www.escenagodot.com/blogs_autor

#elArtedelActor

La duda ofende Creo que es una afirmación que, afortunadamente, va desapareciendo junto con otras que plagaron mi educación y la de algunas generaciones. Si la duda es intrínseca a la propia existencia, lo es aún más a nuestra profesión. Y no sólo por lo externo, tipo: ¿va a funcionar el montaje?, ¿gustará?, ¿por qué (no) me llaman para esto?, ¿soy buena actriz?, etc. Me refiero también a los recursos que tenemos en el escenario: queremos que sean seguros, que nos funcionen siempre, o que siempre funcionen los que ya nos funcionaron. Generamos, cada un@, una especie de zona de confort para interpretar. Creemos que eso nos va a dar seguridad. Sin embargo, la duda no desaparece, sólo va generando más frustración justo porque no se va. Dudar a la hora de interpretar es bueno para mantenernos en búsqueda. Dudemos de la forma, de que la forma que usamos sea la correcta, eso hará que no nos encerremos en una forma que, aunque efectiva en algunos casos, nos limita mucho a la larga. ¿Cuántas veces vemos los mismos tics de actor en algunas interpretaciones? Frases entrecortadas, aparente naturalismo, emocionalidad excesiva o amaneramientos en la expresión. Si lo que importa es la historia que contamos, ¿cómo es posible pensar que sólo tiene una forma? Y si nuestra propia expresión, comportamiento y comprensión va cambiando a diario, para qué atarnos a algo que nos ha funcionado antes. No saber cómo voy a contar hoy esta historia a esta gente que tengo enfrente, que también cambia cada día, es justo lo que les ocurre a los personajes. Ellos no saben cómo hacerse entender, de hecho, la mayoría nunca lo consigue. ¿Por qué queremos conseguirlo nosotros al actuarlos? ¿Por qué no hacernos cómplices de la duda? Tiene muy mala prensa, lo sé, pero no hay nada más humano. Creo, sin embargo, que esto sólo es posible si tenemos una profunda confianza en la disponibilidad de nuestro instrumento, y en que tener plena atención en comunicar lo que necesitemos a quien tengamos enfrente, es lo más interesante que podemos hacer. Entrenémonos en eso, y no en encontrar resultados para luego repetirlos. Entrenemos la propia capacidad para explicarnos y comunicar ahí donde está la dificultad. Entrenémonos en resolver dudas, pero no las erradiquemos de la interpretación porque son su principal alimento.

María Morales. Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid (www.institutodelcine.org)

Grandes estrenos

Teatro, danza y mĂşsica

Del 27 de abril al 15 de mayo de 2016

DEL 2 AL 22 DE MAYO DE 2016

Entradas desde 14 e GODOT 162x230.indd 1

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noticias

Premios Max 2016

Lola Herrera recogerá el Premio Max de Honor 2016 Tras la primera fase de selección de las comisiones territoriales, los miembros de la Academia de las Artes Escénicas de España (AAEE), que conforman el cuerpo electoral de esta edición, han seleccionado ya los finalistas de las 22 categorías que concursan a esta XIX edición de los Premios Max de las Artes Escénicas, que podéis ver en la página de al lado. Lo que sí ya sabemos es el fallo de uno de los 3 premios especiales que se conceden, el de Honor, los otros dos son el de Contribución a las Artes Escénicas (se sabrá el 6 de abril) y el de Aficionado (que conoceremos el 11 de abril). Este año el Max de Honor irá a parar a Lola Herrera. El fallo, anunciado en una fecha tan simbólica como el 8 de marzo, destaca a Herrera como figura clave en la historia de las Artes Escénicas y ha resalta su amplia trayectoria, su dedicación y su compromiso con la profesión. La gala de la XIX edición de los Premios Max de las Artes Escénicas tendrá lugar el próximo 25 de abril en Madrid. El Teatro Circo Price acogerá la ceremonia de entrega.

I Festival Nacional Unir de Teatro Aficionado Reivindicar el espacio y la relevancia que se merece es el objetivo del I Festival Nacional Unir de Teatro Aficionado que ha decidido organizar la Universidad Internacional de La Rioja, en colaboración con Teatro del Trébol. El Festival se celebrará en Madrid, en la sala Arapiles 16, los viernes y sábados del 8 al 30 de abril con la presencia de ocho compañías de la capital madrileña, Majadahonda, Las Rozas, Zamora y Logroño. El festival dedicará dos de las funciones a la conmemoración de los 400 años de las muertes de Miguel de Cervantes y William Shakespeare. Mas info: www.escueladeactoresunir.com/sala-arapiles-16/festival-unir-de-teatro-aficionado

Desayunos conferenciales con Catalina Lladó Aliú En Nueve Norte Teatro nos propopen tres jornadas formativas impartidas por la actriz, pedagoga y directora de teatro Catalina Lladó Aliú. En ellas nos dará a conocer sus reflexiones y experiencias sobre la ‘actuación’ en los distintos ámbitos en los que imparte cursos y talleres. Días y temáticas: ABRIL. Lunes 25. El lenguaje teatral de hoy en día se basa en la Poética Aristotélica del siglo V antes de Cristo. MAYO. Lunes 30. El proceso creativo, a partir de los griegos. JUNIO. Lunes 27. Hoy en día, volver a repensar en común cuál es la finalidad del oficio que desempeñamos. Más info y reservas en: contacto@nuevenorte.com

Finalistas de los Premios Max 2016 Los hermanos Karamazov, Pinoxxio, En el desierto, El señor Ye ama los dragones o La piedra oscura son algunos de los espectáculos con más nominaciones El comité organizador de los Premios Max de las Artes Escénicas dio a conocer el pasado 30 de marzo la lista los finalistas de la XIX edición de estos galardones organizados por la Fundación SGAE, en colaboración con la Academia de las Artes Escénicas de España (AAEE), con el propósito de reconocer el talento de los profesionales del Teatro y la Danza de nuestro país y la promoción de los espectáculos de la temporada. La obra de danza para público familiar de la compañía Ananda Dansa, Pinoxxio, parte con el mayor número de nominacio-

1. Mejor espectáculo de teatro · El alcalde de Zalamea de la Compañía Nacional de Teatro Clásico – INAEM. · La piedra oscura de Lazona Films, S.L. y Centro Dramático Nacional. · Reikiavik de Entrecajas Producc. Teatrales, S.L. 2. Mejor espectáculo de danza · El amor brujo de Víctor Ullate Ballet - Comunidad de Madrid. · En el desierto de Losdedae. · Foot-ball de Teatre Nacional de Catalunya, Gelabert Azzopardi y Mediaproducción, S.L.U. · XV años Cienfuegosdanza de Cienfuegosdanza. 3. Mejor espectáculo musical · Galanteos en Venecia de Teatro de la Zarzuela – INAEM. · L’aneguet lleig (El patito feo) de Albena Produccions, S.L., Centre Teatral Escalante/ Diputació Valencia. · La Celia de Maji, S.L. 4. Mejor espectáculo infantil o familiar · El pájaro prodigioso de La Maquiné. · Moby Dick de Teatro Gorakada. · Pinoxxio de Ananda dansa.

5. Mejor espectáculo revelación · Nosotros no nos mataremos con pistolas de Wichita Co. · Danzad malditos de Malditos. · Penev de La teta calva. 6. Mejor producción privada de artes escénicas · Antígona, Edipo Rey y Medea de Teatro de la Ciudad, S.L. · En el desierto de Losdedae S.L.U. · Pinoxxio de Ananda Dansa. 7. Mejor autoría teatral · Paco Bezerra por El señor Ye ama a los dragones. · Alberto Conejero por La piedra oscura. · Juan Mayorga por Reikiavik. 8. Mejor autoría revelación · Pablo Remón por 40 años de paz. · Víctor Sánchez por Nosotros no nos mataremos con pistolas. · Marco Vargas, Chloé Brûlé, Juan José Amador y Fernando Mansilla por Libertino. 9. Mejor adaptación o versión teatral · Miguel del Arco por Antígona. · Lluís Pasqual por El rei Lear. · Alfredo Sanzol por

nes, siete. Le sigue La piedra oscura, con seis, la obra de Alberto Conejero que dirige Pablo Messiez y que volverá en septiembre a Madrid. Luego, ya con cinco nominaciones, Los hermanos Karamazov, En el desierto, que parte como favorita en las categorías de danza, y El señor Ye ama los dragones, de Paco Bezerra. Queremos felicitar, ya a título más personal, por lo que nos toca, a nuestro colaborador Juan Vinuesa, por su nominación como Mejor Actor de Reparto.

Edipo Rey. 10. Mejor composición musical para espectáculo escénico · Luis Miguel Cobo por Los hermanos Karamázov. · Mariano Marín, Ricardo Miluy y Pablo Martín Jones por En el desierto. · Pep Llopis por Pinoxxio. 11. Mejor coreografía · Chevi Muraday por En el desierto. · Sol Picó por We women. · Rosángeles Valls y Toni Aparisi por Pinoxxio. 12. Mejor dirección de escena · Juan Mayorga por Reikiavik. · Pablo Messiez por La piedra oscura. · Lluís Pasqual por El rei Lear. 13. Mejor diseño de espacio escénico · Max Glaenzel por El público. · Elisa Sanz por La piedra oscura. · Edison Valls por Pinoxxio. · Gerardo Vera por Los hermanos Karamázov. 14. Mejor diseño de vestuario · Alejandro Andújar por Los hermanos Karamázov.

· Ana López Cobos y María Calderón por En el desierto. · Pascual Peris por Pinoxxio. · Elisa Sanz por El señor Ye ama a los dragones. 15. Mejor diseño de iluminación · Valentín Álvarez por Rinoceronte. · Miguel Ángel Camacho por El mercader de Venecia. · Juan Gómez-Cornejo por Los hermanos Karamázov. · Paloma Parra por La piedra oscura. 16. Mejor actriz protagonista · Bárbara Lennie por La Clausura del Amor. · Gloria Muñoz por El señor Ye ama a los dragones. · Aitana Sánchez-Gijón por Medea. 17. Mejor actor protagonista · Carmelo Gómez por El alcalde de Zalamea. · Daniel Grao por La piedra oscura. · Pepe Viyuela por Rinoceronte. 18. Mejor actriz de reparto · Lola Casamayor por El señor Ye ama a los dragones. · Irene Escolar por El público.

· Julieta Serrano por Ninette y un señor de Murcia. 19. Mejor actor de reparto · Óscar de la Fuente por Los hermanos Karamázov. · Joaquín Notario por El alcalde de Zalamea. · Juan Vinuesa por Desde aquí veo sucia la plaza. 20. Mejor bailarina principal · Chloé Brûlé por Libertino. · Ana Luján por Pinoxxio. · Olga Pericet por Flamenco untittled. 21. Mejor bailarín principal · Toni Aparisi por Pinoxxio. · Chevi Muraday por En el desierto. · Marco Vargas por Libertino. 22. Mejor elenco o intérprete solista de danza · Sergio Moya, Diana Noriega, Edoardo Ramírez y Dana Raz por XV años Cienfuegosdanza. · Paloma Calderón, Sara Canet, Ester Garijo, Miguel Machado y Cristina Maestre por Pinoxxio. · Elenco de la Compañía Malditos por Danzad malditos.

en portada

El cuarto jinete por Álvaro Vicente un futuro apocalíptico demasiado próximo, en Podríamos decir que estamos ante una distoel que estos dos hombres se baten en duelo pía, “la distopía de un mundo colapsado y sin por sus principios. Jan opina que nada le ata recursos, cuyos escasos valores residen en una a un mundo que ya no reconoce y Ludvík cree élite que ha logrado sobrevivir a las adversidaque aún hay mucho por hacer, cree en un des, el bastión de una humanidad que ha alporvenir por el que merece la pena apostar. El canzado cotas memorables en muchos ámbitos conformismo, el abatimiento, la desidia, frente (libertad sexual, procreación asistida...) pero al imperativo de la acción y a la también muchas esperanza. otras lamentables (corrupción internaCarlos Be dirige a José Un planeta en crisis cional, monopolio Ygarza y a Manuel Moya “Esperanza, sí, ¿pero a qué de patentes...)” Así en un thriller futurista de precio?”, se pregunta Carlos Be. habla de esta obra Gustavo Van Lee “Ludvík cree en una esperanCarlos Be, un texto za que cambie el rumbo del de Gustavo Van Lee planeta, pero también sabe que que el también autor la esperanza es un valor que en A partir del 3 de abril y director catalán Teatro Alﬁl manos del hombre se desvirtúa. afincado en Madrid Para llevar a cabo su propósito, ha hecho suya para necesita la colaboración de Jan, poner en escena la su mejor amigo, quien, como fiel reflejo del historia de Jan y Ludvík, interpretados por José planeta en el que vive, está pasando por la Ygarza y Manuel Moya. La acción se sitúa en

peor crisis de su existencia.” La ambición se enfrenta al amor y a la amistad en este thriller futurista que tiene un desenlace tan real y humano que nos puede escocer, porque

Conformismo, abatimiento y desidia contra el imperativo de la acción y la esperanza

nos enfrenta como humanidad con nuestros propios límites. En escena, esos límites son transgredidos en una clara apelación al otro, al público. ¿Ahora qué?

Un artista internacional

Al margen de lo que cuenta la obra, es de justicia señalar que la dirección artística del montaje corre a cargo de un debutante en el teatro llamado Manuel Albarrán, un experto en el trabajo con el metal y el cuero afincado en Estados Unidos que ha creado vestuario para películas y vídeo clips de Angelina Jolie, Beyonce, Madonna, Rihanna o Lady Gaga. Él es el autor de las máscaras que llevan los actores y el artífice de toda la estética del montaje. Un aliciente añadido para viajar al futuro a lomos de El cuarto jinete, para, como dice su productor, Eduardo de los Santos, “morir para nacer”.

FOTOS Y DE PORTADA: Álvaro Villarrubia

Suma de talentos y de primeras veces El cuarto jinete es la nueva aventura escénica de una inquieta productora, Serie Teatro, relativamente reciente (se creó hace 3 años al tiempo que se abría la Sala Nada, a la que está íntimamente ligada) pero que ha lanzado ya un buen puñado de productos al mercado teatral entre los que están Píntame (que acababa en marzo sus funciones en el

Teatro Lara y arrancaba su gira) o la comedia ¿Cómo matar a Julio Iglesias? Proyectos llenos de ilusión y de amor al teatro que surgen de las propias ganas de currar de la gente que se reúne en torno a Eduardo de los Santos, gran aglutinador de equipos de trabajo, una de esas personas que saben sumar talentos y que apuesta sin miedo y dando la oportunidad a muchos profesionales de estrenarse en distintos ámbitos de la creación.

estrenos

Así que pasen cinco años primera vez este texto que se ha representado El 15 de septiembre de 1986 la compañía en contadas ocasiones en la escena española. Atalaya estrenó en el Círculo de Bellas Artes Es una obra que goza de un lenguaje marcado de Madrid Así que pasen cinco años bajo la por una clara influencia surrealista y se endirección de Ricardo Iniesta y cuya autoría cuentra dentro del llamado ‘teatro imposible’; corresponde a nuestro inmortal poeta granade hecho, llegó a decirse que la obra era dino Federico García Lorca. Entonces, ilustres irrepresentable. Los personajes carecen de personalidades como Rafael Alberti, Gerardo nombre y el texto está cargado de infinidad de Diego, Antonio Gala… o familiares directos de metáforas y símbolos. El drama comienza del poeta como su tía Isabel y su sobrino con la historia de un joven que Manuel, destacaron la le cuenta a un viejo que ha de frescura del montaje esperar cinco años para casarse al aportar un nuevo La compañía andaluza con su amada... enfoque sobre el texto Atalaya, en coproducción original. Tras varios recon el CDN, vuelve a llevar Así que pasen cinco años se publicó en agosto de 1931. Da conocimientos entre el a los escenarios este mítila casualidad de que exactamenque destaca el Premio co montaje te cinco años después (agosto Nacional de Teatro de 1936) le arrebataron la vida en 2008, Atalaya se al poeta, y además en el propio ha convertido en una Hasta el 15 de mayo Teatro Valle-Inclán contenido del libro uno de los de las compañías más personajes de forma premonitorepresentativas del ria afirma que “dentro de cinco teatro andaluz. años se abrirá un pozo en el que caeremos Treinta años después, el Centro Dramático Natodos…” Ka Penichet cional apuesta por coproducir junto a ellos por

reportaje

FOTO: Sergio Parra

Celestina Además de firmar la puesta en escena, José Luis Gómez asume el papel de la vieja alcahueta por Álvaro Vicente noble linaje, y Melibea (Marta Belmonte), de alta y Lo dijo Juan Goytisolo. La Celestina es “una obra serenísima sangre, heredera única de Pleberio (Chete crucial en el desenvolvimiento y plenitud de nuestra Lera). Los criados y la “mala y astuta mujer” Celestiliteratura y de nuestra lengua.” Y de nuestra lengua na, completan el cuadro. La gran novedad literaria sabe mucho José Luis Gómez, que es académico y está (además del diálogo constante que le otorga su un actor y director teatral respetado en toda Europa. teatralidad intrínseca) en lo que señala Francisco Rico: Nadie mejor que él para afrontar una nueva puesta en el autor, Fernando de Rojas, en vez de seguir la cosescena del texto de Fernando de Rojas (1476-1541), con el morbo añadido de verlo interpretando un papel, tumbre de limitarlos a un registro humorístico, concede a los personajes de baja condición social una atención el de la vieja alcahueta, que han encarnado figuras y una hondura insólitas hasta tiempos mucho más como Nuria Espert (que acaba de hacer de Rey Lear), tardíos en la historia de la literatura occidental. Pura Terele Pávez, Gemma Cuervo o, más recientemente, vanguardia, servida a través Charo López. Si en los últimos tiempos de una belleza lingüística hemos visto ‘hamlets’ y ‘segismundos’ Coproducción de la Comnunca superada. hechos por actrices, no está mal ver una ‘celestina’ hecha por un actor. Al pañía Nacional de Teatro Humanismo fin y al cabo, el género de personajes Clásico y La Abadía para “Celestina es una obra que como estos, que han trascendido y son poner en pie el célebre texto se escribe en escena -señala casi mitos, es un accidente literario y de Fernando de Rojas Gómez-. La acción dramática un actor o una actriz son perfectamenacontece en movimiento: te capaces de ponerse por encima de callejeando, susurrando, ese imperativo. Del 6 de abril al 8 de mayo dudando y haciendo. El Teatro de La Comedia argumento se espesa mienLa dualidad tras a todos los personajes, La de La Celestina es la historia dual independientemente de su por antonomasia, la de los binomios posición social, se les da voz, tiempo y espacio para amor-muerte, juventud-vejez, comedia-tragedia. La del mostrarse en su dimensión más profundamente humaroce entre clases altas y bajas en una sociedad viciana. La urdimbre teatral toma la forma de su propio vaida por la preocupación por la limpieza de sangre, vén.” Sea o no una obra enteramente ideada y escrita donde por otra parte prima una venalidad feroz. Espapor Fernando de Rojas (las dudas sobre la autoría total ña sale de su Edad Media y se puede escribir ya sin o parcial del texto han estado siempre presentes y hay la espada no de Damocles, sino de Dios, encima. En diversos estudios que mantienen igualmente diversas palabras de José Luis Gómez, “las únicas leyes que rihipótesis al respecto), lo cierto es que la vida del gen el universo de ruido y de furia de este texto son las escritor está llena de enigmas y después de publicarse de la soberanía del goce sexual y el poder del dinero. la tragicomedia en torno a 1500, Rojas no volvió a esSujetos a los impulsos de un egoísmo sin trabas, en un cribir nada más. Poco nos ha de importar este punto a mundo en donde los valores consagrados devienen en los espectadores de a pie, pues fuera de quien fuera lo asuntos mercantiles, los personajes de La Celestina no que no deja lugar a dudas es que, volviendo a Gómez, conocen otra ley que la inmediatez del provecho. Bajo se trata de la representación del “hondo drama del este escenario de pesimismo y claridad, encontramos hombre en lucha contra la enajenación desde el Renaque la tragicomedia de Fernando de Rojas tiene una cimiento hasta nuestros días.” El individualismo, hoy terrible vigencia.” La obra, extensa y excelsa, presenta desbordado, principia allí, junto a Calisto y Melibea. las lúbricas vicisitudes de Calisto (Raúl Prieto), de

reportaje

FOTOS: Lacon T

La Fiesta por Álvaro Vicente lecturas e interpretaciones. “Cuando descubrimos Sea por la razón que sea, son tiempos propicios el texto -recuerda Basanta- vimos que la lectura era para crear compañía propia. Y como las cuesmuy inquietante, no sabíamos muy bien de qué tiones económicas no siempre han sido espuelas iba, pero sabíamos que nos gustaba. Lo volvías a para la creación teatral, nos tira más la amistad. leer y encontrabas otra capa más. Deja muchos Jorge Muñoz y Jorge Basanta son compañeros y significantes en el aire que te obligan a ir cerrando amigos desde hace mucho y ya iba tocando llevar cosas, lo cual es muy interesante para trabajar, esa intimidad a un proyecto propio, al que se ha porque has de tomar decisiones todo el rato.” sumado la actriz catalana Marta Betriu. Los tres han creado La lechería El otoño de los sentimientos Teatro. El nombre de la En efecto, la obra plantea una estructucompañía tiene mucho La Lechería trae a España ra muy abierta, pero, paradójicamenque ver con esta priel teatro del italiano Spiro te, a partir de una historia familiar de mera producción que Scimone con esta obra ambiente cerrado, asfixiante, de vicios afrontan, La fiesta, un que dirige Jorge Muñoz y texto del autor italiano protagonizan Marta Betriu, adquiridos y cimentados en 20 años de relación. La fiesta a la que alude el Spiro Scimone, de Jorge Basanta y Carles título es, precisamente, la del vigésimo apariencia sencilla que Moreu aniversario de una pareja que ya, revela su complejidad más que amarse, está acostumbrada en sucesivas lecutras. a convivir, con sus miserias y sus esMás que su complejiHasta el 24 de abril quemas repetitivos, una podredumbre dad, su carácter abierCineteca - Matadero maquillada y cíclica que se imprime to a muchas posibles

igualmente en el hijo que ambos tienen y que también ‘vive’ bajo el mismo techo. El mismo actor (Jorge Basanta, que será sustituido en algunas funciones por Carles Moreu) interpreta

Muchas veces cerramos los ojos a esas pequeñas cosas que destruyen o clausuran el amor a padre e hijo, no sólo por ahorrar sino porque significativamente es una potente metáfora de lo que ocurre en esa familia. “La obra nos llamó mucho la atención”, comenta Jorge Muñoz, “porque no es en absoluto convencional en su escritura, y porque plantea una situación que casi no llama la atención teatralmente, esta especie de otoño de los sentimientos. Creo que tenemos una perspectiva educacional y cultural tatuada, todo eso de que el amor es para siempre, y a veces cerramos los ojos a las pequeñas cosas que destruyen o clausuran el amor. Pensamos que quizás a nosotros no nos vaya a pasar... nadie nos dice que el amor es una rutina y que hay que invertir en el amor, porque nada funciona solo y mucho menos el amor.”

Spiro Scimone La fiesta se estrenó en Italia en 1999 y fue el espaldarazo definitivo para su autor, el siciliano Spiro Scimone, también actor, que junto a Francesco Sframeli había creado la compañía Scimone Sframeli en 1994. Él mismo se encargó de interpretar a la madre en su montaje de La Fiesta (es el de la derecha en la foto). La Comédie Française la montó poco después y en 2012 se montó en catalán en la Sala Beckett de Barcelona. Scimone es una de las voces más interesantes de la dramaturgia contemporánea italiana y otras obras suyas reconocidas son Nunzio, Pali o Amore.

estrenos

FOTO: marcosGpunto

Aquiles y Pentesilea todos nos invade alguna vez -realización última El significado que tienen los nombres de los del ser humano- puede verse afectado por los protagonistas de los poemas épicos generalmente intereses materiales y estratégicos del poder y de determina su suerte. Penthesileia significa aquella la ambición. Este proyecto se ha creado gracias que siente dolor o pena (penthos) por la gente a ‘La vía del actor’ que se desa(lâos); mientras que rrolla en el CDN. Este espacio de Akhilleus también es Santiago Sánchez dirige encuentro, para explorar nuevas aquel que siente dolor este texto de Lourdes formas teatrales, ha posibilitado o pena (achos) por Ortiz sobre una de las más reunir a un amplio equipo de la gente (lâos). Así el bellas historias de amor profesionales para crear un héroe griego y la reina de la mitología griega espectáculo coral a partir de las amazona están unidos diferentes técnicas que, desde la por un mismo destino. antigüedad, ha contado el teatro Pentesilea es el alter ego Hasta el 15 de mayo para transmitir sus historias: de femenino de Aquiles y a Teatro Valle-Inclán la interpretación a la danza, de ambos les une un amor la música al canto, del rito a la imposible, porque sus celebración... mundos son diferentes y Aquiles y Pentesilea se aman por encima de la sus intereses totalmente opuestos. muerte y ambos mueren como deben morir los Aquiles y Pentesilea es, ante todo, una de las más héroes, en medio de su gran momento épico, lo bellas historias de amor de la mitología griega, que les permitirá vivir eternamente. como bien puso de manifiesto el poeta y drama“Solo nos separamos para estar unidos mas turgo alemán Heinrich von Kleist en su Pentesilea. íntimamente, mas divinamente en paz con todo. Esta obra teatral de la dramaturga madrileña Morimos para vivir”. Sergio Díaz Lourdes Ortiz, plantea cómo el gran amor que a

reportaje

Tierra del Fuego por Álvaro Vicente la amiga que murió en el atentado (Gueula, Malena Yael, una azafata de vuelo, judía, se ve enmedio de Gutiérrez), el terrorista (Hasan, Abdelatif Hwidar) y un atentado terrorista perpetrado por dos palestinos su abogado (George, Hamid Krim). En torno a ella en el aeropuerto de Londres. A su lado, su amiga se establece una danza escénica minuciosa que va y compañera, muere. Ella salva su vida milagrosadimensionando el montaje, que vuela desde el asunto mente. A uno de los terroristas le estalla un artefacto personal que lo propicia hasta la universalidad de su en las manos y fallece. El otro lleva 22 años en la mensaje, pasando por la cuestión enquistada de la cárcel y Yael ha decidido ir a verle, entrevistarse con relación entre los palestinos y los israelíes y su apego él y buscar respuestas a preguntas que le llevan dos a la tierra que ambos décadas atormentando. Este es el hecho dicen merecer. real que sirve como punto de partida para Claudio Tolcachir vuelve la obra del autor argentino afincado en Quebrar el círEstados Unidos Mario Diament y que sirve a España para dirigir una culo vicioso también para traer de nuevo a España obra de Mario Diament “Tierra del Fuego es al también argentino Claudio Tolcachir, con Alicia Borrachero, una oportunidad de encargado de poner en escena esta oporAbdelatif Hwidar y Tristán entrar en la Historia tunidad para el diálogo, esta necesidad de Ulloa al frente del reparto -dice Tolcachir-, en la escuchar todas las voces desde el respeto y eterna esperanza de acercar a las personas por encima de sus lograr el encuentro en filiaciones varias. Yael está interpretada por medio de tantos años Alicia Borrachero, un sol alrededor del cual Del 24 de abril al 5 de junio de dolor.” La obra orbitan su marido (Ilán, Tristán Ulloa), su Naves del Español - Matadero tiene trazas polítipadre (Dan, Juan Calot), la madre de Nirit,

cas, aborda cuestiones tan palpitantes hoy como el terrorismo, el desplazamiento forzado de personas, la inocencia y la desprotección de los pueblos frente a las decisiones geoestratégicas de sus gobernantes, los conflictos que se heredan de generación en generación alimentando el monstruo del odio al vecino, la manipulación de los medios de comunicación plegados a los intereses del ‘establishment’. Es todo eso, desde luego, pero es más que eso, porque finalmente apela al ser humano, a la decisión de apartar todo lo externo para hacer caso al impulso interno. Eso es lo que mueve al personaje central y eso es lo que movió a Diament (judío él y periodista que pudo cubrir varios conflictos sobre el terreno en Israel) a escribir la obra tras ver los documentales de Yulie Cohen (la mujer en la que está inspirada la protagonista de la obra, la víctima real del atentado real de Londres en 1978), My Israel y My terrorist. “Esta historia sirve

como reflejo de conflictos no resueltos -ha dicho el autor argentino-. Yael enfrenta al enemigo, se propone quebrar el círculo vicioso.” Y lo hace, añado, no con las armas, sino con las palabras y las emociones, sin ser condescendiente pero tendiendo la mano. Igual de íntegro le recibe Hasan, un hombre que dice haberse arrepentido cada día de lo que hizo, un hombre que pide una oportunidad para dejar de ser ‘el terrorista’, 22 años después de asesinar a una mujer. ¿Se puede dejar de ser terrorista? ¿Se puede uno llamar exterrorista? ¿Se puede limar el odio sin dejar de creer en lo que se cree, sin dejar de señalar las injusticias? Se puede. Y esta obra quiere dar fe, al menos, de que puede y debe intentarse. “Yael es muy valiente pero, finalmente, no hace otra cosa que asumir su responsabilidad como ciudadana. Siente que debe meterse en la piel del otro, que es lo que hacemos constantemente en el teatro”, sentencia Tolcachir.

La obra trata de apartar lo externo para atender al impulso interior más profundo

FOTO: Lacon T

estrenos

Utilizar las candidaturas a los Premios Max siempre es un gran gancho para ‘vender’ un espectáculo. Cuando un montaje tiene 6 candidaturas ya es algo a tener en cuenta. Si detrás de ese montaje se encuentra Alfonso Zurro y el Teatro Clásico de Sevilla es un valor seguro. Un valor seguro como es el conocido texto de Shakespeare. Una nueva versión sobre el príncipe de Dinamarca más famoso de todos los tiempos que se estrenó en la pasada edición del Festival de Almagro. La propuesta escénica coloca a Hamlet frente a un mundo de espejos “para que el espectador escudriñe a través de esas imágenes y sus palabras en su propia conciencia” según palabras del propio Zurro. Recrea un microcosmos para mostrarnos cómo se construyen las sociedades humanas. Las relaciones, las conciencias, los miedos, las aspiraciones, el poder... Ser o no ser. Existir o no existir. Siempre la misma historia. Y la duda, eternamente la duda. La imposibilidad de tomar una decisión. Pero si uno no actúa, otros lo harán por ti... Algo huele a podrido en el ecosistema que habitamos cuando alguien trata de conseguir el poder a toda costa. Sergio Díaz

Adentro

Del 20 de abril al 22 de mayo Teatro María Guerrero

Hamlet

FOTO: Luis Castilla

Hasta el 1 de mayo Teatro Fernán Gómez

Adentro es la historia de una familia argentina de raíces españolas, formada por La Negra, El Negro y la madre de ambos, Marga. Este espectáculo, con texto de dos de los protagonistas del montaje, Carolina Román y Nelson Dante, y dirección de Tristán Ulloa, maneja un continuo juego de contrastes: violencia y ternura, situaciones dramáticas con tintes de humor, tercer mundo versus primer mundo, América Latina versus Europa... Empezó su recorrido por las salas Off de Madrid. Gustó y ya pasó la temporada pasada por el CDN. Y ahora vuelve esta historia que toca la fibra de los espectadores. Es una historia sencilla, pero muy humana, que nos sumerge en la vida de unos personajes atrapados en la melancolía que provoca el sentirse extraños en un país ajeno. A través de sus ojos nos reconocemos y nos emocionamos porque la emigración es un fenómeno global. Todos tenemos el derecho de aspirar a una vida mejor. El corazón es emigrante y no entiende de fronteras. S. Díaz

PROGRAMACIÓN MARZO I JUNIO 2016 www.madrid.org/fop CINE La tristura Teatros del Canal, Sala Verde Del 7 al 9 de abril – 20.30 h 10 de abril – 18.30 h

Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín Aleluya erótica, acompañada del Retablillo y otros poemas de F. G. Lorca Versión y dramaturgia: Alberto Conejero / Dirección: Darío Facal Una coproducción del Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid y Metatarso Producciones Teatro de La Abadía (Sala Juan de la Cruz) 20, 21, 23 y 24 de abril – horario por confirmar Charla coloquio sobre Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín – 22 de abril

Requiem para Cervantes Missa pro defunctis, de Mateo Romero La Grande Chapelle y Schola Antiqua Iglesia de San Jerónimo el Real 22 de abril – 20.00 h Entrada libre hasta completar aforo

Plexus Compagnie 111 / Aurélien Bory y Kaori Ito Teatros del Canal, Sala Verde Del 19 al 21 de mayo – 20.30 h

Habrás de ir a la guerra que empieza hoy Pablo Fidalgo Lareo / Materiais Diversos Sala Cuarta Pared Del 25 al 28 de mayo – 21.00 h

Battlefield (Tiré du Mahabharata) (Campo de batalla, a partir del Mahabharata) Peter Brook y Marie-Hélène Estienne / Théâtre des Bouffes du Nord Teatros del Canal, Sala Roja Del 9 al 11 de junio – 20.00 h 12 de junio – 18.00 h

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reportaje

Los amores diversos por Álvaro Vicente tecía mucho la idea y el desafío de crearlo todo El amor es la piedra angular de este montaje, y no desde la soledad del actor. El monólogo me parece porque esté en el título, que también. El amor es la uno de los géneros más teatrales, sólo tiene sentido médula espinal, atraviesa transversalmente el procomo tal en el teatro, es una yecto, la producción, el texto y el de las formas más directas montaje. Rocío Vidal y Fernando J. de relación con el público, López se conocieron cuando ella Quino Falero dirige a Rolas soledades de la actriz hacía labores de producción en el cío Vidal en un monólogo y del espectador frente a montaje de Cuando fuimos dos, la de Fernando J. López sofrente.” obra con la que Fernando floreció bre la libertad en el amor para el teatro definitivamente. Ahí y sobre cómo los libros El hilo de Ariadna brotó una amistad y un “enamonutren nuestra memoria Del amor entre un autor y ramiento intelectual y artístico” emocional una actriz surgió la historia que culmina (de momento) en este de una mujer, Ariadna, monólogo que el también novelista que, en una noche de duelo ha escrito expresamente para Desde el 11 de abril por la muerte reciente de la actriz malagueña. “Cuando Teatro Lara su padre, se zambulle en Rocío me dijo que quería hacer un los libros y en los poetas y monólogo -rememora Fernandolas poetisas que marcaron encontré la excusa perfecta para episodios determinantes de su vida, buscando no afrontar una idea que llevaba tiempo en mi cabesólo el texto adecuado para leer en el funeral de za: quería escribir sobre cómo los libros influyen en su padre, sino tratando de encontrar respuestas a nuestra vida y quería cambiar de registro, me ape-

muchos interrogantes de su propia existencia, de la misma relación con sus mayores, de su forma de amar a los demás y, sobre todo, a sí misma. “Hay un momento muy importante en nuestras vidas -dice Rocío- y en las relaciones con nuestros padres cuando empiezas a ver a tu padre como a un hombre y a tu madre como a una mujer. Ahí entiendes la dificultad de educar, aunque no seas madre, entiendes que no siempre sabes elegir y que los padres también deben asumir errores. En ese momento la perspectiva cambia

El 22 de abril, en La noche de los libros, habrá una función especial de Los amores diversos en la librería La buena vida mucho.” El amor tiene sus exigencias y sus evoluciones, en paralelo a la propia vida. Pasa igual en la relación con los escritores que nos marcaron o los que denostamos, que pasados los años nos dicen cosas nuevas. El amor a la poesía es otro pilar en la obra. “El reto era encontrar en la poesía una forma de expresión de la cotidianidad de Ariadna. Ella ha convivido realmente con la poesía y no encuentra distinciones intelectuales entre Pedro Salinas y Gloria Fuertes”, explica Rocío. Ellos dos, junto con Cernuda, son básicos en un relato directo lleno de introspección y, finalmente, de una esperanza limpia que se le brinda al público... para seguir viviendo.

Fernando J. Lopez

entrevista

Luis Felipe Blasco Vilches “Tenemos un sistema judicial y político que no cree en la libertad de expresión” por Juan Vinuesa La denuncia, la duda sobre la decencia, el rigor moral. Luis Felipe Blasco Vilches está a punto de mostrar al público su investigación sobre estos temas en El Jurado, una producción de Avanti Teatro inspirada en la idea de 12 hombres sin piedad. El montaje, dirigido por Andrés Lima, tiene un reparto de primeras figuras: Josean Bengoetxea, Víctor Clavijo, Cuca Escribano, Pepón Nieto, Isabel Ordaz, Canco Rodríguez, Luz Valdenebro, Eduardo Velasco y Usun Yoon.

¿Cómo nace El Jurado? La semilla del texto de El jurado está en una llamada que me hizo el actor y productor Eduardo Velasco allá por marzo de 2014 en la que me dijo: “Luis Felipe, se me ha ocurrido que sería interesante un montaje con la mecánica de 12 hombres sin piedad pero actualizando todo el concepto, con un político corrupto o algo así…” No había colgado cuando ya empecé a dibujar en mi cabeza los primeros trazos.

12 hombres sin piedad… ¿El Jurado está ligeramente inspirado o se basa en esta historia? 12 hombres sin piedad es un referente inexcusable y los que conozcan la obra de Reginald Rose, muy recordada en España por aquel Estudio 1, reconocerán inequívocamente la mecánica dramática: en un jurado popular todos piensan que el acusado es culpable menos uno, que apoyándose en una duda razonable, vota no culpable. Éste va exponiendo sus argumentos y los demás van modificando poco a poco su opinión. Ahí terminan las semejanzas con la obra americana. Apoyándome en ese recurso -y modificándolo según mi interés y conveniencia- he procurado construir un texto que diseccione una parte representativa de nuestra sociedad y cuestione nuestro sentido de la justicia. Asimismo, el texto aporta elementos que generan suspense, intriga, dando como resultado un thriller. Trata de un jurado popular que tiene que dictar veredicto tras el juicio a un presidente autonómico acusado de un delito de corrupción. El tema de la integridad de la justicia está muy presente en este país… La obra no está basada en hechos reales. Sin embargo, hay detalles que recuerdan a casos que aún hoy salpican los titulares: el proceso de documentación no sólo fue de los mecanismos legales, donde conté con el asesoramiento de una fiscal y un abogado, sino también de cuáles son las motivaciones íntimas y los mecanismos de los políticos acusados de corrupción. Y en relación a la actualidad, el otro día Andrés me dijo una frase significativa: “esta obra va a escocer por los casos que están saliendo en estos días. Estoy seguro de que si la escribieras ahora hay frases que cambiarías por no ser demasiado literal con la actualidad”. De hecho, promocionáis el montaje con un lema que es familiar: “¿Es justa la justicia?” El Jurado no ofrece una respuesta pero sí presenta varios caminos, tanto racionales como emocionales, para

El autor de Algeciras se inspira en 12 hombres sin piedad para abordar su pieza El jurado, que dirige Andrés Lima Del 14 de abril al 15 de mayo Matadero - Naves del Español

que el espectador cuestione, si así se lo pide la cabeza, el corazón o el vientre, los mecanismos y las instituciones que como sociedad hemos erigido y aceptamos para sancionar nuestros actos. Lo malo de la sociedad es que está compuesta por personas, y no todas son estupendas. A menudo como individuos nos vemos sometidos a las decisiones de muchos miserables que se han puesto de acuerdo. Precisamente, en España un dúo de titiriteros ha ido a la cárcel por una obra de teatro, ¿está preparado este país para entender la ficción? Lo que pasó con la compañía Títeres desde abajo es, en mi opinión, una combinación de ineptitud del programador, mala fe periodística, irresponsabilidad política por parte de todos los grupos y, sobre todo, perversidad judicial. También hubo inocencia -en todos los sentidospor parte de los titiriteros y exceso de celo, a mi juicio, por parte de algún padre, pero son dos aspectos que me parecen menores en el asunto frente a todo lo anterior. Otro tema a debate: la libertad de expresión. Su caso ha puesto nuevamente en los mentideros este asunto y todos sus temas derivados: la distinción entre ficción y realidad, los límites permisibles del humor, etcétera. Como Estado, creo que tenemos un sistema judicial y político que no cree en la libertad de expresión, que somete los mensajes artísticos a unos análisis de corrección que dan fe de su propia inmadurez ética y moral; inmadurez, por cierto, que con la desaparición de la filosofía del currículo escolar puede ir en aumento. Hay políticos, y no pocos, que son adalides de la libertad de expresión para defender chistes sobre Mahoma en Francia pero que, a este lado de los Pirineos, priorizan el respeto a los sentimientos religiosos. No es incoherencia, es miseria moral, manipulación electoralista del dolor y la cultura. Entrevista completa en www.escenagodot.com

reportaje

15 años de Nao d’Amores por Álvaro Vicente

Cumplir 15 años como compañía estable especializada en el teatro medieval y renacentista español es todo un logro digno de mención y celebración. Claro que si se ha visto cualquiera de los espectáculos de Nao D’Amores se entiende que hayan recorrido España y el mundo con sus montajes recogiendo el aplauso y el reconocimiento que merece un trabajo tan exquisito como el que Ana Zamora y compañía llevan haciendo desde que en 2001 estrenaron la Comedia llamada Metamorfosea en el Festival de Almagro. De la mano de Gil Vicente entablaron una especial relación tanto con Portugal como

su trabajo en la que fuera antiEra un salto sin red, pero había gua sede del penal de Ocaña, que hacerlo. Un salto de 5 transformado entonces en hossiglos para una compañía que pital de sangre. Se estrenó en no había pasado de montar 2013 con Elena Rayos como obras anteriores al 1600. Ana protagonista y después otra Zamora, la directora de Nao actriz, Eva Rufo, tomó el testigo D’Amores y de todos sus monDel 21 de abril al 8 de mayo (será ella a quien veamos en tajes, es nieta de María Josefa Teatro de La Abadía La Abadía). Un montaje que ha Canellada, una mujer que, dado muchas satisfacciones, siendo estudiante de Filosofía personales y profesionales, a y Letras en Madrid y discípula Ana Zamora y a toda la compañía, que ha viajado de, entre otros, Pedro Salinas, vio como la Guerra por Europa y por América, y que sobre todo es muy Civil interrumpía una vida entregada al estudio de necesario porque cuenta la historia de una mujer la lengua española. Muchos se fueron del país, que, por encima de posturas políticas y bandos pero ella apartó los libros y se entregó en cuerpo y enfrentados, se puso a favor del ser humano. Un alma a las víctimas del conflicto enrolándose como espectáculo catártico que deja una huella indeleble. enfermera. En su diario, base del montaje, recoge

Penal de Ocaña

con el Teatro de La Abadía, una segunda casa para ellos (la primera está en Segovia, donde reside la compañía) y donde se han podido ver producciones como el Auto de los Cuatro Tiempos, el Auto de los Reyes Magos. También han coproducido con la Compañía Nacional de Teatro Clásico y en 2013 abrieron una nueva línea trabajo con Penal de Ocaña que les traía de golpe al siglo XX. Tanto esta como su último montaje, Triunfo de Amor, se podrán ver entre abril y mayo en La Abadía y las celebraciones del 15º aniversario seguirán en Segovia en verano con la vertiente formativa de la compañía y en otoño con la nueva producción: la Tragicomedia llamada Nao D’Amores, de Gil Vicente. Se cierra el círculo. ¡Felicidades!

La última producción de Nao D’Amores es un canto al amor y una cuenta pendiente, pues es la primera vez que se atreven con el patriarca del teatro español, el que es considerado primer dramaturgo de nuestra lengua: Juan del Enzina (1468-1529). Cocinado a base de combinar diversos textos y músicas de este humanista (el elemento musical, con la dirección siempre de Alicia Lázaro, es otra razón de la brillantez de los montajes de esta compañía), demuestra tam-

Triunfo de Amor

Del 7 al 17 de abril Teatro de La Abadía

bién el alto vuelo poético de Juan del Enzina, que, como anota Ana Zamora, “ensaya estructuras dramáticas que juegan ya a ser teatro, por ejemplo en la Égloga de Plácida y Vitoriano. Trae una serie de influencias italianas y nos pone al nivel de la mejor dramaturgia europea del momento.” La Égloga en requesta de unos amores y la Égloga de Cristino y Febea también forman parte de un espectáculo que se estrenó en el pasado Festival de Clásicos en Alcalá (de Henares) y que ha tenido un recorrido muy vinculado a los estudiantes de bachillerato, que la disfrutan como nadie, puesto que no deja de ser un retrato de los amores a flor de piel.

Y también en abril en La Abadía...

Reina Juana El 28 de abril se estrenará otra de esas perlas que nos hacen la boca agua a los aficionados al teatro. Concha Velasco, dirigida por Gerardo Vera, en un monólogo en el que se mete en la piel de Juana de Castilla, o sea, Juana La Loca, partiendo de un texto de Ernesto Caballero. Estará hasta el 5 de junio y en la Godot de mayo tendremos una suculenta entrevista con la gran actriz vallisoletana. FOTO: Sergio Parra

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CINE desde un lugar absolutamente íntimo, pero con En 2014, cumpliendo 10 años como compaconsecuencias políticas. CINE nace del deseo ñía, habían llegado a un punto que requería por explorar el recorrido secreto entre la mirada la exégesis de sí mismos, comprenderse en el discurrir de sus años. Habían parado. Se habían telescópica y microscópica. Una continuación en la búsqueda del relato íntimo, de la micropodetenido ante el espejo de su pequeña gran lítica, de los lugares en los que se conectan lo trayectoria. Se habían mirado de arriba abajo grande y lo insignificante”. y viceversa, por delante y El texto que sostiene o motiva por detrás y por etcétera. Renace la compañía La la pieza lleva la firma de Y tras este letargo, que no Tristura tras su letargo en Giménez y Arana, pero en ha sido tal sino más bien un busca de la identidad con escena de ellos sólo estará recolocar las prendas y las esta nueva pieza Itsaso acompañada por una prebendas, santones de los outsider como Fernanda Oranuevos lenguajes escénizi y de Pablo Und Destruktion cos, vuelven por la puerta (nombre del proyecto musical grande. O, más bien, por Del 7 al 10 de abril de Pablo García, que vincula la pantalla grande. En el Teatros del Canal el folclore, el avant-rock y marco del Festival de Otoño la poesía). Un cóctel que a Primavera estrenan CINE quiere llevar al arte vivo de apelando a la etimología de la escena ese otro arte enlatado que es el cine. la palabra: movimiento. Así pues, y como dicen En busca de nuevas formas para contar sensaellos mismos (Celso Giménez e Itsaso Arana, ciones eternas, La Tristura se siente, de nuevo, núcleo duro del combo en estos momentos), esta debutando. Quizás ahí radique el secreto de su nueva pieza apela “a la valentía, al viaje y al extraordinaria vitalidad. Álvaro Vicente movimiento. A la búsqueda de la identidad,

Otoño

Festival de

Estrenos

El prisionero

Del 8 al 24 de abril Teatros del Canal Drama dirigido por Mariano de Paco e interpretado por José Manuel Seda en el que se reflexiona sobre la identidad, sobre alguien que quiere ser otro. En un juego de espejos, el escritor quiere ser actor, el actor quiere ser su personaje, y el mito, ignorante de sus mil muertes, lucha por su pervivencia desde el corazón del actor. ¿Merece la pena morir por haber vivido? ¿Se puede encerrar a un mito entre cuatro paredes? Un hombre aguarda la muerte en su celda, mientras escucha cómo construyen el patíbulo donde será ejecutado... Sin embargo, tiene la oportunidad de sobrevivir si firma un documento en el que abjura públicamente de sus ‘crímenes’. ¿La cárcel está dentro o fuera? ¿En qué dirección empieza la celda?

Una nueva comedia musical llega a la Gran Vía. Una historia de amor a través de una pareja que habla únicamente a través de canciones. Desde Rocío Jurado, Raphael o Ana Belén hasta Karina, Marisol y Mocedades; pasando por Mecano, Danza Invisible o Presuntos Implicados para acabar con Chenoa y Shakira. La soledad, el subidón del enamoramiento, la estabilidad, los celos, las crisis… a ritmo de pop, rock, rancheras, coplas, salsa... recordando lo más sublime y lo más friki de la historia musical de nuestro país.

Todo es mentira

Desde el 7 de abril Teatro Lara Versión teatral del film homónimo escrito y dirigido por Álvaro Fernández-Armero. En el teatro es el omnipresente Quino Falero quien dirige a un reparto compuesto por Manuela Velasco, Tamar Novas, Juan Renedo, Vanesa Rasero, Óscar Sinela, Silvia Maya y Carmen Barrantes. Todo es mentira es la historia de tres parejas muy distintas entre sí, pero con algo en común: ninguno dice lo que realmente piensa. Es una historia de amor de hoy en día. Un retrato urgente de las relaciones entre una generación de canosos primerizos. ¿Qué significa querer cuando no nos entendemos ni a nosotros mismos? ¿Cita a ciegas o encerrona? ¿Amor libre o barra libre? ¿Pareja estable o (entre)abierta? ¿Compartes mi piso o invades mi espacio?

Lo tuyo y lo mío, 75 canciones en 75 minutos Hasta el 29 de mayo Pequeño Teatro Gran Vía

reportaje

Numancia Juan Carlos Pérez de la Fuente se despide con la gran tragedia Cervantina de su etapa al frente del Teatro Español y el resto de teatros municipales por Álvaro Vicente nea, tanto que seguirá siendo una gran traCervantes escribió El cerco de Numancia gedia en el futuro. Cervantes ha secularizaen torno a 1585, una tragedia plagada de do la tragedia, ha expulsado a los dioses elementos quijotescos unos cuantos años homicidas y a los héroes caducos siempre antes de que naciera de su pluma el pera cuestas con su pesada carga de trascensonaje más universal de nuestra literatura. dencia metafísica. En Numancia sólo hay Inspirada en la derrota de la ciudad de Numancia a manos del Imperio Romano en seres humanos, unos ejercen el poder y otros lo sufren. Los numantinos de hoy son las Guerras Celtíberas del siglo II a. C., la las personas en paro, obra cuenta el terrilaboral o vital, todas las ble asedio que el gevíctimas de una economía neral Escipión llevó Un elenco numeroso y deshumanizada y cruel.” a cabo, levantando plagado de talentos para Luis Alberto de Cuenca un muro para cercar afrontar una obra de se ha encargado de la a los numantinos, Cervantes de absoluta versión para un montaje un asedio que duró vigencia. La resistencia que cuenta con una lista 11 meses. Es muy numantina está a la orden de actores y actrices que fácil pensar, al leer del día cualquiera querría en su las palabras asedio reparto: Beatriz Argüello, y muro, en Israel y Alberto Velasco, Raúl Palestina, en Melilla, Del 16 de abril al 22 de mayo Sanz, Julia Piera, Chema en la frontera de Teatro Español Ruiz, Carlos Lorenzo, México con Estados Alberto Jiménez, Markos Unidos, en el Muro Marín, Maru Valdivieso, de Berlín, en la deCríspulo Cabezas, Myriam Gallego y Mécisión vergonzosa de la Unión Europea de lida Molina serán los numantinos de hoy. devolver a los refugiados que huyen de la Mañana, ya veremos. guerra de Siria y no hacer nada mientras se ahogan en barro en las fronteras de nuestro primer mundo. Así que es bien fácil entender por qué una obra como esta es más útil y pertinente que nunca en estos momentos.

Ayer, hoy y mañana

Como señala Juan Carlos Pérez de la Fuente, que asume aquí su último montaje como director de los teatros municipales de Madrid, Numancia (han dejado el título en eso, en el nombre de la ciudad asediada, para qué más) “es una tragedia contemporá-

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Una noche Ana y Julio invitan a cenar a sus vecinos Gloria y Brian para enseñarles el piso. A medida que pasa la noche, Ana y Julio van descubriendo las tendencias sexuales de sus vecinos, hecho que les lleva a replantearse su propia relación de pareja, que está llena de reproches e inmersa en la monotonía. El enfrentamiento con los vecinos y entre ellos dos, les llevará al límite y les hará tomar decisiones definitivas sobre su relación... Vivir en comunidad es lo que tiene. Se escuchan cosas. A través de las paredes puedes ser partícipe de retazos de la vida de tus vecinos. Unas veces para mal -si lo que se escuchan son discusiones y gritos-. Otras veces para peor -si lo que se escuchan son los ruidos propios del sexo y por lo que sea tú en esos momentos no lo estás practicando-. Esos ruidos que se filtran a través de las casas contiguas inspiraron a Cesc Gay a escribir su primera obra de teatro, que tras estrenarse en Barcelona, llega ahora a Madrid protagonizada por Candela Peña, Pilar Castro, Xavi Mira y Andrew Tarbet. Estén atentos, si ponen la oreja podrán descubrir muchas cosas... de sus vecinos y de sí mismos. Sergio Díaz

Todo irá bien

Hasta el 24 de abril Teatro Fernán Gómez

Los vecinos de arriba Desde el 7 de abril Teatro La Latina

Pilar trabaja en un supermercado y tiene una relación con Miguel, su encargado. Carmen es la mejor amiga de Pilar y quiere encauzar su vida… Y Luis está solo y tiene problemas, pero ha decidido dejar de estarlo y dejar de tenerlos. Hoy, Pilar cumple treinta años y la historia se va a complicar un poco. Pero, tranquilos… Todo irá bien. Esta obra de José Manuel Carrasco habla sobre personas sin suerte, sin sueños, sin salida… a los que de manera injusta se les puede definir como ‘perdedores’, aunque en realidad son personas que han tenido mala suerte. Son personas que han atravesado esa extraña frontera de los treinta años, una edad en la que como no hayas ajustado las cuentas de tu infancia, adolescencia y juventud… te explotan en la cara y no te dejan avanzar. Una edad en la que tienes que decidirte. Debes tomar la última salida o aceptar que tu vida es la que es (que puede significar ser alguien que no quieres ser). Pero siempre hay lugar para una segunda oportunidad...

entrevista

FOTO: Xoel Yáñez

Alberto Conejero “La explosión de autores y del ‘teatro off’ ha sido contra la crisis, no gracias a ella” por Juan Vinuesa Público y crítica han situado La piedra oscura como uno de los acontecimientos teatrales de su historia reciente. Alberto Conejero (Jaen, 1978) es licenciado en Dirección de Escena y Dramaturgia por la RESAD de Madrid y doctor por la Universidad Complutense. Acaba de triunfar con Sexpeare en los Teatros del Canal con Rinconete y Cortadillo y prepara el estreno para otoño, con dirección de Luis Luque, de Todas las noches de un día, que protagonizarán José Luis García Pérez y Blanca Portillo. Entre tanto, su trabajo sobre la Odisea ve la luz de la mano de La joven compañía y su director José Luis Arellano.

la autoría de este país, pero para mí son cambios insuficientes aún. Deberían existir espacios en los que la dramaturgia española tuviera un lugar continuo porque, si un dramaturgo no está en un escenario, corre el peligro de enquistarse. Me parece muy importante la idea de admitir que un escritor pueda equivocarse y aprenda de ello. Generemos tejido que lo permita.

¿Qué te parece ese lema de que perteneces a una generación que ha surgido “gracias a la crisis”? Me parece un discurso muy nocivo porque se le da cierto beneplácito a este periodo de Guillem Clua con la Ilíada austeridad. La explosión de La Odisea, nada más y nada menos... y Conejero con la Odisea ciertos autores, o del ‘teatro Lo que se respira dentro de La Joven Comson los dramaturgos del off’, ha sido contra la crisis, pañía es fantástico: gente joven, talento y Proyecto Homero de La no gracias a ella. Esa prepomuchas ganas de hacer. Arellano me dio Joven Compañía sición es importante. Es cierto libertad absoluta y este proceso ha sido que la crisis puede aguiun intenso viaje para mí. Cuando llegué jonear ciertos lugares que tieDel 5 al 30 de abril al final con Telémaco, me emocioné como Teatro Conde Duque nen que ver con la vocación, pocas veces me ha ocurrido. No sé qué pero no somos hijos de ella. pasará con el público, pero a mí se me ¿Cuánta gente no ha podido han movido mucho asuntos internos por estudiar debido a la escasez de recursos? Lo poco o mutodo lo que allí aparece: los naufragios, los desplazacho que yo pueda hacer en el teatro no es gracias a la dos, la idea de la patria... crisis, es gracias a que pude disfrutar de una enseñanza pública digna. ¿Cuánta gente no puede ir a la Univer¿Qué te parece la definición de “emergentes” que, sidad porque se le ha retirado la beca? ¿Cuántas clases durante tanto tiempo, se le ha dado a tu generación? se componen de 40 alumnos cuando antes eran de 20? Nunca he estado muy de acuerdo con esa definición. Celebrar los hallazgos de la crisis es terrorífico. Una de “Emergente” tiene que ver con algo que no tiene cabida las consecuencias más terribles de esta recesión ha sido ni en un lugar, ni en otro. No sé qué es un autor emerla retirada de todas aquellas asignaturas que permiten gente, sé qué es un autor teatral. Ojalá eliminemos las a los alumnos ensanchar el espíritu. Impedir que la etiquetas generacionales que tienen que ver con un uso conciencia de un ser humano viaje hacia otros lugares casi mercadotécnico del teatro o con la visualización de es espantoso. Decía Federico García Lorca: “medio un fenómeno. pan y un libro”, porque el libro es el que va a permitir que lleguen más panes. Cuando la corrupción está tan ¿Crees que, desde las instituciones teatrales de este presente, sigue tan impune, y cosechando votos, es que país, se apoya a la dramaturgia española? están fallando muchos estamentos de la sociedad. Ha habido ciertos cambios que hay que aplaudir: Pérez de la Fuente o Ernesto Caballero, desde instituciones como el Teatro Español o el CDN, han apostado por Lee la entrevista completa en www.escenagodot.com

estrenos

Yo, Carmen La obra de Pagés es una voz de mujer que Algo tiene la imagen de la cigarrera más se alza con fuerza ante nosotros, nítida y famosa de la historia para que se sigan contundente, para expresar la realidad que haciendo versiones escénicas sobre su persoafronta, construye y desenvuelve el alma femenaje, el de esa bella e indómita gitana que nina. Quiere ser la voz de todas las mujeres, ideó Prosper Mérimée. La ópera de Georges de esas mujeres que miran sin miedo a los Bizet la consagró para siempre. A partir de ojos de los hombres. Aquel personaje que ahí más versiones de ópera, obras de teatro, Bizet envolviera con su de danza, CD’s musicales... música fascinante sirve todo para construir un mito La coreógrafa María Pagés de punto de partida cuya imagen quizás haya confronta el conocido a un espectáculo que llegado un tanto deformamito de Merimée para pretende desarmar los da hasta nuestros días. La despojarlo de la imagen estereotipos creados bailarina y coreógrafa María para silenciar la esenPagés, en esta creación que estereotipada que posee cia de la mujer real, su ya fue estrenada en 2014, no verdadera naturaleza. pretende hacer una revisión Del 7 al 24 de abril Una mujer que expresa sobre el célebre personaje, Teatros del Canal en voz alta sus deseos, no pretende que sea una que vive el placer y que adaptación más de la obra reivindica la autonode Merimée. No. En esta mía, la libertad y la felicidad como derechos reflexión coreográfica María Pagés busca fundamentales de todo ser humano. confrontar el mito y despojar al público de Una Carmen que enarbola un altavoz femeniesa imagen prefabricada que todos tenemos no, desgraciadamente aún tan necesario en incorporada en nuestro universo cultural, para, nuestros días, llamando a la lucha de las mujedesde ahí, levantar sobre el escenario una res por la libertad y por la igualdad. S. Díaz más certera, más veraz.

DANZA 41

DANZA A ESCENA 2016

FOTO: Francisco Ares

El circuito artístico promovido por el INAEM y desarrollado por La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública en colaboración con sus espacios escénicos asociados regresó el pasado marzo y su programación se desarrollará hasta diciembre de este año. Compañías consolidadas y autores y coreógrafos emergentes conforman la selección de los 24 espectáculos seleccionados entre las 353 propuestas presentadas en la presente convocatoria. Un año más la iniciativa busca reforzar la presencia y visibilidad de los espectáculos coreográficos y los diversos formatos dancísticos, reuniendo desde producciones de danza moderna o 24 compañías dentro de contemporánea, hasta la séptima edición de este obras que fusionan las circuito. 121 funciones, artes del movimiento y 59 espacios escénicos, 11 el circo o piezas que comunidades autónomas recuperan la esencia de la danza flamenca y española. Hasta diciembre de 2016 La danza contemporáVarios espacios nea estará representada por las compañías Kukai Dantza, Enclave Arts del Moviment-Roberto Oliván, SóLODOS y los coreógrafos Guy Nader y Daniel Abreu. Por su parte, los formatos menos convencionales estarán presentes en las obras que firman Mou Dansa, la creadora Vero Cendoya, los andaluces Montgomery o la formación barcelonesa Delrevés Danza Vertical. No faltarán tampoco los solos, un formato por el que apuestan las piezas creadas por Paula Quintana, Pere Faura y Mopa Producciones, o los espectáculos en clave neoclásica, como los del Ballet Carmen Roche y el grupo IT Dansa. Las obras expresamente orientadas al público infantil y familiar llegarán de la mano de la compañía granadina Da.Te Danza, los alicantinos Entremans, la coreógrafa Marisa Amor y la formación Roseland Musical, mientras que la danza urbana lo hará con las producciones de El Punto! Danza Teatro y Brodas Bros. Ya por último, la oferta del circuito se completa con los dos montajes de danza-circo producidos por Atempo Circ y AIREnoAR y dos coreografías de danza española y flamenca a cargo del bailaor gaditano Marco Flores y el dúo que forman Marcos Vargas y Chloé Brûlé. Toda la info en www-danzaaescena.es

FOTOS: De arriba a abajo: Cual es mi nombre de DA.TE Danza, Joc de Atempo Circ, Venere de Daniel Abreu y Xoga de Entremans

LÍRICA

Parsifal

FOTO: Antoni Boﬁll

Festival escénico sacro en tres actos con Libreto de Richard Wagner y dirección escénica de Claus Guth Hasta el 30 de abril Teatro Real

María Moliner

Del 13 al 21 de abril Teatro de la Zarzuela

Parsifal es un festival escénico sacro en tres actos, con música y libreto en alemán compuestos por Richard Wagner. Se basa en el poema épico medieval (del siglo XIII) Parzival de Wolfram von Eschenbach, sobre la vida de este caballero de la corte del Rey Arturo y su búsqueda del Santo Grial. El estreno de Parsifal a partir de 1914 produjo un impacto enorme. No sólo por el descubrimiento de una de las partituras más monumentales y emocionantes de la historia de la música, sino también por una temática turbadora en plenas Gran Guerra y postguerra. Ese Parsifal que llegaba tras años de espera impaciente para salvar el templo del Grial sintetizaba el clima emocional de la Europa del momento, de grandes sacrificios y penurias, desorientación colectiva y búsqueda desesperada de un líder. Parsifal, el inocente educado en la compasión, encarna el espejismo de la redención. Este es el punto de partida de la puesta en escena de Claus Guth, uno de los grandes nombres de la dirección de escena contemporánea, que debuta en el Real con uno de sus más aclamados espectáculos. El decadente hospital para lisiados de guerra en el que transcurre la acción, inspirado en el sanatorio de La montaña mágica de Thomas Mann, encarna los traumas y el desánimo que siguió a la Primera Guerra Mundial, cuyas esperanzas puestas en un nuevo líder desembocarán en un nuevo desastre.

María Moliner fue una bibliotecaria, filóloga y lexicógrafa española. Fue la autora del Diccionario de uso del español, una labor ingente que es uno de los grandes trabajos de la gramática española. Moliner es una mujer que no obtuvo todos los reconocimientos que merecía. Tras su muerte empezó a recibir los premios y homenajes que en vida le negaron. Esta ópera viene a hacer un poco de

justicia y es uno de los grandes montajes de la temporada 15-16 del Teatro de la Zarzuela. Es un encargo del propio teatro a la compositora Lucía Vilanova con un reparto protagonizado por María José Montiel y Gabriel Bermúdez. Según Paco Azorín, su director de escena, se trata de una ópera contemporánea: “Una ópera pensada, compuesta y escrita para la gente de hoy”.

en familia

FOTO: Jorge Dragón

Del 1 al 24 de abril tendrá lugar el XX Festival ladrones, Pinocchio... cuentos clásicos, ya por Internacional de Artes Escénicas para Niños y todos conocidos, imperecederos e inmortales, Jóvenes, que este año cumple veinte ediciones y pero que evolucionan ante nuestros ojos por las lo celebrará con las mejores creaciones internadistintas formas de expresarlos. Screen Man (foto cionales y españolas, especializadas en públicos arriba), Noone’s Land, Starend Meisje, Piccoli infantiles y juveniles por Sentimenti, Nest... nuevas historias diversos escenarios de que abrazan nuevos lenguajes y la Comunidad de Matécnicas escénicas creadas para Llega la XX edición del drid. Teatralia surge con ese público teatral incipiente al que Festival Internacional el objetivo de fomentar tanto debemos cuidar. Algo de un de Artes Escénicas para la afición al teatro del tal Shakespeare, Quijote, el vértigo niños y jóvenes público más joven, y de Sancho, Aventuras de Don Quijose ha convertido en un te... montajes que no se olvidan de festival de referencia de aquellos que en tal alto escalafón las artes escénicas en la pusieron a la palabra escrita. Del 1 al 23 de abril esfera internacional y en La infancia es el lugar común que Varios espacios una cita muy aplaudida nos ha forjado como personas. Un y esperada por el públilugar de juego y aprendizaje. Un co madrileño. Durante lugar al que acudir para buscar las 3 semanas de exhibición podremos disfrutar calidez y una sonrisa. Teatralia ayuda en ese con las representaciones de magia, teatro, viaje de crecimiento personal, dejándonos grabasombras, música, títeres o danza, entre otros, das maravillosas imágenes teatrales que nunca procedentes de diferentes puntos del planeta. podremos olvidar. Toda la info en: La liebre y la zorra, Sirenita, Ali Babá y los 40 www.madrid.org/teatralia Sergio Díaz

en familia

Llega la VIII Edición de Chiquicirco, todo un clásico de la cartelera madrileña que trae las mejores propuestas de circo, clown, magia, malabares... Hasta el 2 de mayo Teatro Tarambana

Del 2 de abril al 2 de mayo llega la VIII Edición de Chiquicirco, Festival de Circo en el Teatro Infantil. Todo un clásico de la Sala Tarambana que hará que los más pequeños disfruten con los espectáculos más divertidos y sorprendentes dentro de las disciplinas de circo, clown, magia, títeres, malabares. Esta edición comienza con el maravilloso clown de Bolo & Claus en busca del gran dragón verde (2 y 3 de abril. Foto), donde nos trasladaremos a un universo en el que la música, la magia, los títeres, los cuentos y el juego son un ingrediente principal. Globus clown nos trae Hoy cocinamos con... (9-10 de abril), un espectáculo que nos sumergirá en la cocina de un prestigioso chef que prepara mágicas recetas de ilusión y pompas de jabón. Los días 16 y 17 de abril disfrutaremos de Las aventuras de Mandarina y Serafín, de la compañía Sin Fín, un espectáculo de humor llevado a cabo por dos actores en clave de clown, con números de circo, teatro y variedades. Magomino se mete en la piel de El Mago Turuleto (23 y 24 de abril), un divertido y alocado mago que nos dejará boquiabiertos con sus trucos y sus malabares. El 30 de abril y el 1 de mayo viajaremos a una isla mágica llena de piratas con Piratas de Punta Cana. Cierra el Festival el espectáculo Tiempo (2 de mayo) de la compañía burgalesa Margarito y cía., que desde el humor y a partir de juego del clown, pretende hacernos reflexionar sobre cómo vivimos obsesionados con perder el tiempo... con aprovechar el tiempo. Descubre en Tarambana toda la magia del mejor circo. Sergio Díaz

CÓMICOS

de risas con... “La potencia intelectual de un hombre se mide por la dosis de humor que es capaz de utilizar”. Lo dijo Nietzsche y nos hemos venido arriba. Jorge García Palomo, periodista en diferentes medios, propone un test ameno para cómicos de aquí y allá, gente lúcida que reivindica la risa como arma de construcción masiva. Porque, como suele decir Jorge en La Sala de RNE, hay que seguir “¡bienhumorando el mundo!” @jorgegpalomo

Juan Dávila

Este tipo es un crack. Lo fue como jugador de fútbol y también como policía local. ¿Cómo, pero qué estamos contando? Sí, lo que quiero subrayar es que Juan Dávila ha cambiado de oficio, ha dejado la llamada ‘zona de confort’ y ha apostado por su vocación: la escena. Lo entrevisté tiempo atrás, cuando iniciaba su andadura en el ‘stand up comedy’, y hoy me reencuentro con un actor hecho y derecho que desata risas con naturalidad y osadía en cada monólogo. “Jorge, te respondo tipo Bukowski, desde la verdad y el corazón”, me dice. Sin filtros. Un test -el del amigo Juan Dávila- que os va a sorprender. Como su espectáculo de moda, La capital del pecado, que llena la Chocita del Loro ¡de pecados capitales! Vamos, que quien esté libre de… que lance la primera carcajada. ¡Bienvenido a Godot!

FOTOS: Aida López

comicos

¿Cómo es La capital del pecado para tener tanto turismo con ganas de reír? La capital del pecado es como un Spa: tiene partes calientes que te relajan, partes frías que te tensan y algún momento en el que piensas: ¿qué coño hago yo aquí? Pero, como al Spa, al final acabas volviendo. ¿Cómo planteas tus espectáculos de humor? Intento que sean de una forma honesta, sencilla y con mucha dosis de verdad. El humor para Juan Dávila es… El humor para mí es una forma de vida, necesario para sobrevivir y también para darnos cuenta de que no somos tan importantes como nos creemos. ¿Qué es lo más pintoresco o pecaminoso que has hecho en escena…? De momento pintarme el cuerpo y chuparle el bigote a un señor... y no necesariamente en ese orden. El teatro y la cultura hoy son… Una parte muy importante para el desarrollo humano que no está, pero que debería estar al alcance de todos. ¿Cómo respira la comedia en estos momentos? ¿Qué salud tiene el humor? Creo que está en un momento de cambio; y todo cambio implica una evolución, tanto a la hora de escribir material nuevo como de crear espectáculos diferentes y arriesgados. Cuando hay trabajo e ilusión detrás de un proyecto, la mayoría de la gente sabe valorarlo y apreciarlo. ¿Qué y quiénes te hacen reír por doquier (cómicos españoles e internacionales)? Cómicos españoles y que empezamos juntos este camino… como Hovik, que me ayudó muchísimo; y Danny Boy, Nene o Salomón. Cómicos internacionales como Louis CK, Ricky Gervais, Gad Elmaleh… Y de humor gestual como Yllana y José Piris. Un momento memorable de tu vida. Una vez fui a actuar a un pueblo de Castilla La Mancha. La actuación era a las seis de la tarde. Cuando llegué la plaza estaba vacía, llamé a la alcaldesa que me había contratado y le dije que no había absolutamente nadie… Ella me contestó que estaba anunciado en el programa de festejos y que la actuación se tenía que hacer y allí estaba yo, micro en mano, un caluro-

so día de agosto, actuando para un público fantasma y pensando: ¿Será esto lo que llaman amor al arte? Has tenido trabajos muy dispares. ¿En qué momento decides que tu camino definitivo es la comedia? Cuando sentí que la zona de confort estaba demasiado presente en mi vida. Estaba cursando 3º de interpretación y tenía un compañero funcionario que me repetía de forma continuada la misma frase: “Si yo a tu edad hubiese tenido los cojones de apostar por lo que realmente me gustaba, ahora no estaría aquí”. Yo siempre le escuchaba en silencio, hasta que un día le contesté sutilmente: ¿Y dónde crees que estarías? Y él me dijo, a caballo entre la nostalgia y la resignación con una leve sonrisa: “Pues no lo sé, pero regulando un paso de peatones, seguro que no”. ¿Alguna anécdota de esas inconfesables… hasta que hemos llegado los de Godot? Las anécdotas inconfesables son de las que hago comedia: venid a verme a La capital del pecado y las escucharéis todas juntas. Un viaje inspirador que nos recomiendes a los pecadores. Hacia el interior de uno mismo. Una película, libro y/o canción para sentirnos bien en tiempos convulsos. Cualquier libro de Bukowski. Un teatro o lugar para reír a carcajadas. La Chocita del Loro. Un rincón de Madrid que te ponga de buen humor El Bar Fiesta, en la Calle Colomer, al lado del Estudio Corazza para el actor. Y el Chelsea en la Cuesta de Santo Domingo, aunque en este último ya no me dejan entrar, pero confío en que el portero me levante el castigo, que últimamente me estoy portando mejor. ¿Y puede ser Madrid capital del pecado? Sólo en Gran Vía 70 los sábados y domingos. Un sueño de futuro… acaso cómico. Seguir disfrutando encima de un escenario como un animal en libertad. ¡Te dejamos seguir pecando! Pero antes... un mensaje a los lectores de Godot y teatreros del mundo, ávidos de cultura y quizá de entretenimiento. Quién sabe. Que no vengan a verme si lo que quieren es no salir de la zona de confort.

estrenos

Fermín Muguruza es el mayor exponente internacional de la cultura musical vasca y uno de los mejores embajadores de Euskadi. Icono del rock con Kortatu, Negu Gorriak o en solitario, sus últimas aventuras fusionando culturas, ya sea en Jamaica junto a Rita Marley, en Palestina o más recientemente en Nueva Orleans, hacen de él un artista inquieto, comprometido y brillante.

No sólo de rumba vive el hombre (1992) situó a Albert Pla en el panorama nacional al mezclar con éxito la rumba y la música de cantautor, con ironía y una pizquita de mala leche, lo que le puso rápidamente el sambenito de artista polémico. Entre el rock catalán pre-Juegos Olímpicos (Sopa de Cabra, Sau, Els Pets) y el revival que se vive en la actualidad (Manel, Mishima, Joan Colomo), Albert Pla siempre estuvo ahí. Irrepetible.

Raül Fernández es uno de los baluartes más potentes de la nueva música independiente. En su proyecto Refree, o produciendo a Roger Mas, Christina Rosenvinge, Josh Rouse, Kiko Veneno o Lee Ranaldo (Sonic Youth), siempre da muestras de su gusto por la belleza, los matices y la delicadeza.

Sinopsis: Una ciudad está siendo estrechamente vigilada por razones humanitarias por las fuerzas del bien, en misión de paz. La tensión entre los habitantes de la ciudad y sus presuntos liberadores va en aumento. ¿Habrá conflicto armado?, ¿se desatará la guerra...? El concepto de guerra humanitaria, o matar en nombre de la paz puesto de manifiesto en su más completa y absoluta paradoja. En estos tiempos tan oscuros en los que se simultanean en los países de Europa atentados terroristas de corte islamista radical, junto con oleadas de refugiados procedentes fundamentalmente de la guerra de Siria, necesitamos autores que nos hagan pensar, artistas que sean capaces de dar pasos audaces y ofrezcan un discurso propio y ajeno al de los medios de comunicación, cada vez más monocorde y alineado con los intereses del poder. Del 1 al 10 de abril Este es el relato de un soldado interpretado por Albert Pla, Teatro Nuevo Apolo una ciudad mitad real y mitad de animación, a la que da vida el siempre intelectual y combativo Fermín Muguruza y un músico en directo, la joven promesa indie Raül Fernández, Refree. Un relato interactivo que nos lleva a cuestionarnos las más primarias de las preguntas: ¿Los conflictos son inevitables? ¿A quiénes interesan? ¿A quiénes terminan beneficiando? ¿Son necesarias? ¿Heroicas? ¿Somos responsables últimos de sus consecuencias? ¿Cuánto tiempo faltará para que nos impacte de lleno cualquier aspecto colateral de las mismas? Tres brillantes músicos ofrecen este conflicto desde una óptica multidisciplinar y multimedia para animarnos a dejar de ser meros espectadores, para comportarnos como verdaderos ciudadanos. Rubén González

Guerra

CRITICAS

Las más valoradas en www.escenagodot.com a 30 de marzo

Crítica: Novecento Teatro Maravillas Por Álvaro Vicente

La dulzura del contador de cuentos Una actriz me decía al terminar la función: lo que hace Miguel Rellán es verdaderamente hercúleo. ¡Y qué fácil parece! Le contesté yo. No, no -me dijo-, no es nada fácil. Parece que salir tímidamente a escena, con el público todavía un poco iluminado, dando pasitos cortos, sin saber todavía si ponerse a hablar o no, con el traje arrugado, y conseguir un silencio y una atención constantes durante hora y cuarto, sin más artilugio que el propio actor... eso está al alcance de muy pocos. Nada de nada, escenario negro y vacío. Nada en sus manos, ni siquiera la trompeta, nada en sus bolsillos, sólo una gran historia, la de su amigo Novecento. Amigo del personaje, no de Rellán, aunque uno llega un momento en el que duda si no será que realmente Rellán fue trompetista en su juventud y se enroló en el Virginia durante 6 años para ir y venir de América a Europa infinidad de veces, tocando en la orquesta del barco junto al pianista más grande que jamás vio la tierra. Bueno, la tierra no lo vio jamás, efectivamente, porque Novecento nunca se bajó de aquel barco, nació y murió a bordo, y lo que ocurrió entre esos dos acontecimientos es lo que nos cuenta su amigo el trompetista, metido en la piel de Miguel Rellán.

El actor le tiene tomado el pulso al relato perfectamente, es un contador de cuentos excepcional. Hace las pausas y carga los silencios de significado, acelera, recorre los escasos metros del escenario desplegando una gestualidad sutil cuando toca, excesiva cuando hace falta, arranca las risas de los espectadores cuando quiere. Y el público, atónito, atiende como un niño embobado al que su abuelo le cuenta una de esas historias increíbles que sólo los abuelos y las abuelas saben contar. Su dulzura, su cercanía, su propia emoción se transmite a medida que vamos conociendo a ese Novecento, un personaje entrañable, cándido, con la inocencia del genio que no ha tenido la desgracia de interactuar con el mundo real, que vive a bordo de su fantasía durante toda su vida. Abandonado cuando sólo era un bebé, es adoptado por la eternidad gracias a un magnífico texto del escritor italiano Alessandro Baricco y gracias, en lo que a nosotros respecta, a un trabajo actoral inmenso. Todo empieza y todo acaba en Miguel Rellán, porque es un perfecto resumen de lo que significa el teatro.