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2019/01.02 READ ON

glamouraffair.vision RIVISTA BIMESTRALE DI FOTOGRAFIA, ARTE E DESIGN BIMONTHLY REVIEW OF PHOTOGRAPHY, ART AND DESIGN

In attesa di registrazione al Tribunale di Milano Waiting for registration at the Law Court of Milan

Cover Credits © GUDA KOSTER

Editorial Staff Direttore responsabile | Editor in Chief ALESSIO GILARDI Direttore artistico | Art Director FLAVIO TORRE - satisfystudio photo Direttore digitale | Digital Director STEFANO GILARDI

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GUDA KOSTER Visual Artist ZENG FENG FEI Fashion Designer GIULIA MOZZINI Storytelling KAZUKI TAKAMATSU Visual Artist MARCELLO VIGONI Analogue Project PECK CITYLIFE Food design VALERIA ZUBTSOVA Model HUI QIN PENG Fashion Designer ELEONORA SIMEONI Illustrator - painter MARC LAMEY Portfolio MiArs Art eEvent SENSATION WHITE Wedding - Food MARTINA FAVARO Fashion Reporter HAN FUTIANXIA Fashion Designer KENZO HAMAZAKI Graphic Designer DOMENICO DONADIO Portfolio #GADDICTED The Instagram selection


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visual artist

Con le sue installazioni, sculture e fotografie, l’artista olandese Guda Koster trasforma il corpo umano e attribuisce una nuova identità ai suoi personaggi o a se stessa, usando l’abbigliamento come la principale forma di arte visiva, i modelli e i colori per creare storie surreali. È l’abito che definisce la vita quotidiana, la nostra posizione sociale, l’interazione con gli altri e come ci vediamo. Spesso esagerato, con colpi di scena umoristici, la realtà è distorta o, per meglio dire, intelligentemente organizzata in codici

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e significati che possiamo sbrogliare concentrandosi sull’ambientazione o sui tessuti solitamente cuciti dall’artista stessa. L’illusione e il contrasto tra ciò che è visibile e ciò che è invisibile è anche qualcosa con cui Guda Koster ama giocare. L’impossibilità di vedere il volto dei soggetti, coperto di piccole case, forme geometriche o certi oneri di natura sociale o religiosa, cancella i limiti tra uomo e contesto, solleva il mistero e l’appetito per saperne di più, offrendo all’opera un valore universale.


With her installations, sculptures and photographs, Dutch artist Guda Koster transforms the human body and attaches a new identity to her characters or to herself, using clothing as the main visual art form, patterns and colours to create surreal stories. It is the outfit that defines daily life, our social position, the interaction with others and how we see ourselves. Often exaggerated, with humorous twists, reality is distorted or, better said, cleverly organized into codes and meanings which we can unriddle by focusing on the setting

or the fabrics usually sewed by the artist herself. The illusion and contrast between what is visible and what is invisible is also something that Guda Koster likes to play with. The impossibility of seeing the face of the subjects, covered with small houses, geometric shapes or certain burdens of social or religious nature, erases the limits between man and context, raises the mystery and appetite to learn more, offering the work an universal value. Andreaa Caazan

Sleeping beauty, 2014 - Photoprint, 50 x 75 cm

GUDA KOSTER

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RED WHIT WHITE DOTS, 2012 - Photoprint, 90 x 60 cm


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STAIRWAY, 2013 - Photoprint, 75 x 50 cm


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ONE LEG, 2017 - Photoprint, 60 x 90 cm


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HI, 2017 - Photoprint, 90 x 60 cm


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INDIAN SUMMER, 2017 - Photoprint, 90 x 60 cm


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KEEP IT UP, 2017 - Photoprint, 90 x 60 cm


WEBSITE | www.gudakoster.nl INSTAGRAM | @guda_koster FACEBOOK | guda.koster

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DECADENT LIFE, 2015 - Photoprint, 50 x 75 cm


fashion designer Although it is one of Zeng Feng Fei’s most classic creations, this qipao dress slit on the sides, surprises with its wide sleeves with laid down folds and its two-tone train. Its sumptuous embroidery draws a delicate landscape which runs down to the opening at the sides.

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Quest’anno Moja ha fatto le valigie e ha portato le sue attrezzature fotografiche in Cina, dove la sua reputazione gli ha valso l’opportunità di essere invitato per una grande campagna per promuovere i fashion designer Zeng Feng Fei, Hui Qin Peng e Han Futianxia, ​​tre dei più citati creatori cinesi di oggi. Desideroso di scoprire questa grande nazione, sia per la sua storia che per la nuova posizione che occupa nel mondo, ha scelto di crearne l’ambientazione. Collocandosi in siti di una bellezza mozzafiato carichi di una storia molto antica, come il Tempio Xichan, il Parco Xihu e le Pietre Moja, Moja ha scelto di raffigurare personaggi impressi nel DNA del popolo cinese, alcuni dei quali rappresentano versioni di leggende universali: gli amanti delle farfalle, da cui Shakespeare deve aver tratto ispirazione per il suo Romeo e Giulietta, le storie sono così simili; Ye Xian, prima versione scritta di Cenerentola, nel nono secolo della nostra epoca; Hou Yi, l’arciere che libera la terra da nove soli, permettendo così agli esseri umani di vivere alla luce di uno solo. Moja assorbe tutti questi personaggi con una luce particolare, che è il suo marchio di fabbrica e dà allo spettatore l’impressione che emani da loro, stessi facendoci dimenticare che questo è in realtà il risultato di un lungo processo di messa a fuoco. Come sempre, la gamma di prestazioni dei suoi shapers leggeri e di altri softbox Broncolour gli consente di ampliare ulteriormente il suo campo di possibilità. Ancora una volta, Moja ha fatto della luce il suo alleato per rivisitare i miti e le tradizioni ancestrali della Cina, offrendo al pubblico colpi di particolare luminosità, al confine con le stelle più luminose.

Vice President of the Chinese Association of Fashion Designers and winner of numerous awards, Zeng Feng Fei particularly appreciates the mix of cultures, particularly in the field of clothing. It does not hesitate therefore to make the Asian tradition coincide with Western modernity. Presents a habit for men, a priori in the western canons; but do not forget to place the pretty Chinese button that adorns all the traditional clothes. Far from being restrained, his inspiration allows him to design very contemporary clothes yet marked by Chinese culture, with the utmost respect, but sometimes even with a touch of malice. This year, Moja packed his bags and transported his photographic equipment to China, where his reputation earned him the opportunity to be called on for a big campaign to promote the fashion designers Zeng Feng Fei, Hui Qin Peng and Han Futianxia, three of the most talked about Chinese creators of today. Eager to discover this great nation, both due to its history and to the new position it occupies in the world, he chose to make it his setting. By setting up in sites of breathtaking beauty loaded with very ancient history, like the Xichan Temple, the Xihu Park and the Moja Stones, Moja chose to draw on characters written into the Chinese people’s DNA, some of which form versions of universal legends: the butterfly lovers, from which Shakespeare must have drawn inspiration for his Romeo and Juliette, the stories being so similar; Ye Xian, first written version of Cinderella, in the ninth century of our age; Hou Yi, the archer who rid the earth of nine supernumerary suns, thus allowing humans to live in the light of a single one. Moja imbibes all these characters with a particular light, which is his trademark and gives the spectator the impression that it emanates from them, making us forget this is in fact the result of a long focusing process. As always, the range of performances of his light shapers and other Broncolour soft boxes enable him to further widen his field of possibilities. Once again, Moja has made light his ally to revisit the myths and ancestral traditions of China, offering the public shots of particular radiance, bordering on the brightest of stars.

ZENG FENG FEI

Vice Presidente dell’Associazione cinese degli stilisti di moda e vincitrice di numerosi premi, Zeng Feng Fei apprezza particolarmente il mix di culture, in particolare nel campo dell’abbigliamento. Non esita quindi a far coincidere la tradizione asiatica con la modernità occidentale. Presenta un abito per uomini, a priori nei canoni occidentali; ma non dimentica di posizionare il grazioso bottone cinese che adorna tutti gli abiti tradizionali. Lontana dall’essere trattenuta, la sua ispirazione gli consente di disegnare abiti molto attuali eppure marcati dalla cultura cinese, con il massimo rispetto, ma a volte anche con un tocco di malizia.

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The pattern of this dress could be that of just a Channel-style little black dress, but the choice of colour and of the pattern give it its shine and make it unique. The big matching cape gives it a majesty that makes the combination a magnificent number.

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These are not just charms fastened to the back of a beautiful dress, there’s a lot more to them: each corresponds to a story that the beauty has buried in the secret garden of her memories. This is at least what we might think when we contemplate her beautiful face immersed in thoughts she alone knows.

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In his new collection, Zeng Feng Fei combines the men’s jacket and shirt pairing in a thousand different ways. Meticulous with detail, he fully revisits these basics by placing an asymmetrical collar here, embroidery drawing on traditional patterns there, or by playing on the placement of the different items of the garment, juxtaposing or superimposing them.

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The butterfly lovers didn’t have time to love each other. Like in Romeo and Juliette, the story of this impossible love ends badly‌ although: Zhu joins Liang in her tomb, they come back out of it immediately in the form of two magnificent butterflies that fly off into infinity.


Zeng Feng Fei loves to play with tradition, sometimes turning it upside down. If this dress is made of a silk and patterns typically used in traditional clothes (not forgetting the little discretely sewn Chinese button), its colour is quite strange and the choice of folds, hollow or laid down, celebrates their modernity.

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In this splendid and mysterious place which houses the Moja stones, the paper dragon, driven by porters dressed in red trousers, seems to pay warm tribute to Lung Mu, mother of dragons. Zeng Feng Fei’s modernity explodes with this combination in shimmering blue, which appears to keep the tradition of the Mandarin collar, while the stones that serve as background to the scene expose the ancestral ideograms with flair, in a blazing red.

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MAROC Prima del mio viaggio in Marocco, a Ottobre 2016, ho letto un libro: “Le voci di Marrakech” di Elias Canetti. Mi ha colpito molto una frase: “Quando si viaggia si prende tutto come viene, lo sdegno rimane a casa. Si osserva, si ascolta, ci si entusiasma per le cose più atroci solo perché sono nuove. I buoni viaggiatori sono gente senza cuore”. Mentre scattavo, sulla spiaggia di Essaouira e nei suq a Marrakech, non avevo in mente un progetto. Non mi figuravo una serie finita e completa degli scatti che avrei voluto. Ho scattato e basta, senza pensare, inseguendo quello che trovavo curioso o esteticamente interessante, che mi colpiva, lasciando che fossero l’ambiente e le persone a disporsi nei miei fotogrammi e a esprimere la propria anima. Solo dopo mi sono accorta dell’estetica nuova che è emersa da questa ricerca inconscia: il Marocco, per come si presenta e come ce lo hanno sempre mostrato, è sole, polvere, contrasti cromatici

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forti, ombre profonde e luci abbaglianti. Qui è emerso un altro aspetto di questo Paese, attraverso una nuova rappresentazione: le ombre leggere, i colori pastellati, i contrasti appiattiti. Non esiste giusto, sbagliato, bianco o nero, ombra o luce. Esiste la coesione di tutto questo, una pasta di cui sono fatte tutte le cose, le persone, che è armonia ed equilibrio, che è gioia, bellezza. Il giudizio, come dice Canetti, rimane a casa. Se non lo avessi lasciato a casa, se non avessi appiattito e zittito le convinzioni e i preconcetti che provengono dal nostro contesto culturale, se avessi camminato per piazza Jemaa el Fna con la mia idea di Marocco in testa, che corrispondeva in tutto e per tutto allo stereotipo che è stato diffuso, non avrei mai realizzato questi scatti. Alleggerire, semplificare, aprire. Essere liberi permette di cogliere ciò che non era ancora stato colto e portare alla luce ciò che non è mai stato raccontato. Marocco è ancora pace, Marocco è anche armonia.


storytelling

CO

Giulia Mozzini

Before my trip to Morocco, in October 2016, I read a book: “Voices of Marrakesh” by Elias Canetti. I was struck by a sentence: “When you travel you take everything as it comes, the judgment remains at home. You observe, you isten, you get excited for The most atrocious things only because they are new. Good travelers are heartless people.“ While I was shooting, on the Essaouira beach and in the souks in Marrakech, I didn’t think about a project. I didn’t imagine a finished and complete series of shots that I’d like to take. I just took, without thinking, chasing what I found curious or aesthetically interesting, allowing he environment and the people to take place in my frames and express their soul. Only when I come back home I realized the new aesthetic emerged from this unconscious search: Morocco, according to the collective imaginary,

is sun, dust, strong color contrasts, deep shadows and dazzling lights. Here’s another aspect of this country, thanks to a new representation: light shadows, pastel colors, flattened contrasts. There is no right, wrong, white or black, shadow or light. There is the cohesion of all this, a paste of wich all the things and people are made with, which is harmony and balance, which is joy, beauty. The judgment, as Canetti says, reamins at home. If I didn’t eft it at home, if I didn’t flattened and silenced the convictions and prejudice that come from our cultural context, if I’d walked to Jemaa el Fna square with my idea of Morocco in mind, I would never made these photos. Lighten, simplify, open. Being free allows one to grasp what has not yet been grasped and bring to light what has never been told. Morocco is still peace, Morocco is also harmony.

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visual artist

KAZUKI TAKA 34


ENTRUST THE BODY TO THE MEMORY. Depth mapping, acrylic, gouache and giclèe on tarpaulin framed, 45,5 x 53 cm

AMATSU

Kazuki Takamatsu nasce nel 1978 a Sendai, in Giappone, dove vive e lavora. Sendai è nota per il suo paesaggio pittoresco e per il suo alto tasso di suicidi, un dualismo che emerge nelle opere malinconiche dell’artista. Nel 2011 Sendai viene devastata dal terremoto e dallo tsunami Tohoku, eventi tragici che segnano indelebilmente l’opera di Takamatsu, che mescola dolore e speranza in una spirale infinita di emozioni. Kazuki frequenta la facoltà di “Pittura ad olio” presso la “Tohoku University of Art and Design”, dove si laurea nel 2001. Le opere di Takamatsu, ispirate dai fumetti giapponesi, sono create attraverso livelli di gouache bianca e traslucida che pare galleggiare sopra uno sfondo nerissimo. Le sue figure femminili come ologrammi sembrano create digitalmente ma sono eseguite interamente a mano. L’artista infatti utilizza un software di “depth-mapping” per parcellizzare ogni immagine in pixel. Il procedimento dell’artista fonde insieme disegno classico, aerografo e pittura gouache con la grafica digitale, facendo apparire ogni singolo pixel come una sfumatura di grigio che è proporzionale alla distanza da cui lo si osserva. Questo metodo offre all’artista la capacità di ottenere una incredibile profondità nello spazio e un effetto ottico disorientante. Le Lolite di Takamatsu nascono in uno studio digitale e acquisiscono le loro forme attraverso le infinite tonalità di bianchi e grigi. I contrasti tra bianco e nero esprimono metaforicamente l’ambiguità del positivo e del negativo, il bene e il male, la razza e la religione, la vita e la morte, illusione e disillusione, tutti temi ricorrenti nella tradizione simbolica orientale. Mescolando fra loro moderni materiali CG digitali con materiali analoghi, l’artista ricrea le emozioni che i giovani ragazzi e ragazze provano verso il sistema moderno della società e, più in generale, la congruenza che intercorre tra l’umano e la società digitale. Le malinconiche Lolite emergono da un abisso di raggi X e galleggiano delicatamente in uno spazio senza limiti di nebbia e sogni allucinogeni, ricordandoci quanta pace si può raggiungere nel mezzo del vuoto. Lo spazio di Takamatsu è una nuvola personale, colmo di una luminosa bellezza, un’implacabile giovinezza e un’elegante fragilità. Nel suo mondo, i segni del tempo svaniscono e la nebbia che avvolge le bambole scompare come in una danza del vento. Tutto è estremamente sensuale e ci incanta attraverso il tocco delle calde pennellate dell’artista e il loro battito vitale. Takamatsu usa sapientemente il pennello per creare curve, motivi floreali e dettagli di luce lattea che si fonde in una spirale di continue trasformazioni. In questa coreografia apocalittica, tutti gli elementi sembrano rincorrersi l’uno con l’altro in una danza infinita, candendo nell’abisso di un mondo che non esiste. Quando la magia finisce, e i nostri piedi ritornano a poggiare a terra, ci rendiamo conto che si è trattato solo di una mera illusione. Kazuki Takamatsu ha esposto le sue opere in gallerie internazionali, in Asia, USA e Europa. Tra le sue più recenti pubblicazioni si ricorda la monografia “Hello Here I am”, la sua partecipazione a “Turn the Page” al Virginia Museum of Contemporary Art (MOCA) e la mostra “Cross The Streets” al MACRO Museo di Arte Contemporanea a Roma nel 2017.

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FLAPPING. Depth mapping, acrylic, gouache and giclèe on tarpaulin framed, 24 x 33 cm


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PRIMP AND PREEN. Depth mapping, acrylic, gouache and giclèe on tarpaulin framed, 45 x 53 cm


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MYSELF. Depth mapping, acrylic, gouache and giclèe on tarpaulin framed, 41 x 32 cm


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PEACE OF MIND. Depth mapping, acrylic, gouache and giclèe on tarpaulin framed, 24 x 33 cm


Kazuki Takamatsu was born in Japan in 1978, in a country that is characteristic for its picturesque landscapes and the high rate of suicide, a contrasting duality that contributes to shape the beautiful melancholy permeating the artist’s work. He attended the Department of Oil Painting at Tohoku University of Art & Design and graduated in 2001. Takamatsu currently lives and works in Sendai, which was devastated by the Tohoku earthquake and tsunami in 2011. The event can still be grasped in Takamatsu’s work, in which he mixes sorrow with hope in an endless spiral of emotions. Takamatsu’s paintings, inspired by Japanese girl’s comics, are created through layers of translucent, white gouache that appear to float over his black backgrounds. His hologram-like, female figures look as if they were digital, though they are executed entirely by hand. That is because the artist uses a depth mapping software for inspiration for his images and carefully renders his figures as if they were parcelled into pixels. His technique fuses classic drawing, airbrush and gouache painting with computer graphics. Through this method, each individual pixel becomes a shade of grey, in proportion with the distance from which the viewer sees it. This combination provides the artist with the ability to achieve amazing depth into space and a general disorienting optical effect.The artist’s Dolls take shape in the infinite declinations of whites and grey. This contrast of light and dark is a metaphor for the opposition between positive and negative, good and evil, race and religion, life and death, illusion and disillusion, all recurrent themes in the Asian symbolic tradition. The combination of modern digital CG materials with analog materials, is used specifically by the artist to document the emotions that young generations feel towards modern systemised society, and in general, the congruence of humans and digital society. Takamatsu’s milky Lolitas, emerge from an abyssal X-ray lighted deepness, and float with grace in a boundless space of fog and hallucinogen dreams. They remind us of how much peace and mystery can get along in the middle of the void. Takamatsu’s dimension is one that each of us would like to live in. A personal cloud, inhabited by luminous beauty, relentless youth, and elegant fragility. In this world, the signs of time fade away like the wispy fog that surrounds the dolls in a windy dance. Everything is sensual and enchants us through the touch of warm brushstrokes and their vital pulse. Those are playfully used to create magnificent details of curving shapes, flowery patterns and light spurts of milk that blend in a unique spiral of magic transformations. In the middle of the apocalyptic choreography, all the elements seem to mirror each other, in an endless dance, and we feel like falling in the groundless abyss of a world that does not exist. When the magic is over, and our feet on the ground, we make out everything was a mere illusion. Kazuki Takamatsu has exhibited all over the world, in galleries based in Asia, USA and Europe. Among his recent achievements are his publications there is his monograph “Hello Here I am”, and his participation in “Turn the Page” at The Virginia Museum of Contemporary Art (MOCA) and “Cross The Streets” exhibition held at MACRO Museum of Contemporary Art in Rome Italy in 2017.

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dorothycircusgallery.it


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TO MOVE FORWARD. Depth mapping, acrylic, gouache and giclèe on tarpaulin framed, 80 x 100 cm


Marcello Vigoni

PAESAGGI DELL’INCONSCIO 42


analogue project “PAESAGGI DELL’INCONSCIO” è un progetto che nasce dallo scontro controverso e attualissimo tra uomo e natura. Uno scontro affrontato concettualmente attraverso fotografie nate dalla giustapposizione di suggestivi paesaggi naturali con immagini del quotidiano urbano, che creano un’ambientazione straniante e desolata. Ci viene sempre più naturale, nel momento presente, pensare al mondo come una connessione di aggregati urbani. L’espansione delle città porta via quelle che un tempo erano le campagne e crea un distacco sempre più marcato tra uomo come animale, nato e cresciuto dalla terra, e uomo cittadino, che non ha più nulla a che fare col mondo naturale nel suo quotidiano. In un mondo sempre più complesso, stimoli e distrazioni fanno perdere la concezione spazio-temporale che la natura ci ha dato, rendendoci sempre più degli animali “artificiali”, plasmati da ciò che noi stessi abbiamo creato. E questo distaccamento ci ha reso sempre più egocentrici dentro una logica antropocentrica. L’uomo, come un demiurgo creatore, rimodella la natura a sua immagine e somiglianza. In “PAESAGGI DELL’INCONSCIO” l’immagine naturale ci appare sospesa, come fosse un ricordo intrinseco nel nostro patrimonio genetico. La si guarda con ammirazione e un senso di nostalgia; rappresenta ciò che non siamo più, la parte di noi che abbiamo distrutto. Ciò che fa invece parte del paesaggio urbano è quello che siamo, quello che abbiamo costruito. Case, scale, porte. Sono i più comuni segni della civiltà, che si fanno portatori inconsapevoli del nostro ego, segni indelebili e incontrovertibili del nostro passaggio. Non esiste sentimento più umano del rimorso. Ed è una cosa che si percepisce dalle fotografie. La colpevolezza che ci annienta sapendo come noi e la nostra specie contribuiamo a distruggere la madre che ci ha donato la vita, la natura, e troviamo nell’indifferenza l’unica cura palliativa al senso di colpa. Intorno al grande tema dello scontro, nelle fotografie ruotano poi tematiche metaforizzate più sottili. Il cielo viene razionalizzato per mezzo di figure geometriche, le finestre, tema ricorrente, sono tutte chiuse e sbarrate, lo specchio di un salotto di lusso riflette un lampadario che assume il ruolo di sole artificiale. Si percepisce sempre una cesura comunicativa e un parallelismo visivo tra l’elemento naturale e quello artificiale. Centrale infine la figura dell’albero, solitario, con poche o privo di foglie, spesso al centro della costruzione della fotografia. Emblematica l’immagine dove l’albero, morto, è posizionato al centro sotto la luce di un lampione che pretende di sostituire la luce solare; illuminato come fosse un oggetto museale appeso su un muro di cemento armato, in posa per un pubblico che può solo ammirarlo con una malinconica lontananza. Dario Polo

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“PAESAGGI DELL’INCONSCIO” is a project that borns from the controversial and topical confrontation between man and nature. A confrontation conceptually faced through photographies, borned from the juxtaposition of evocative landscapes with images from the urban daily, which they create an alienating and desolate setting. There is increasingly more natural for us, in the present-day, to think of the world as a connection of urban aggregates. The expansion of cities takes away what once were the countryside and creates a detachment more pronounced between man as an animal, born and raised from the earth, and man as a citizen, who has nothing to do with the natural world in his everyday. In a world increasingly more complex, stimuli and distractions make us lose the space-temporal conception that nature gave us, making us more and more “artificial” animals, shaped by what we created ourselves. And this detachment has made us more egocentric inside a anthropocentric logic. Man, as a demiurge creator, remodels nature in its image and likeness. In “PAESAGGI DELL’INCONSCIO”, the natural image appears to us suspended, as if it were an intrinsic memory in our genetic heritage. You look at it with admiration and a sense of nostalgia; it represents what we are no longer, the part of us that we have destroyed. What is part of the urban landscape is what we are, what we have built. Houses, stairs, doors. Are the most common signs of our civilization, that become unaware carriers of our ego, indelible and incontrovertible signs of our passage. There is no more human feeling of remorse. And it is something that is perceived by the photos. The awareness that destroys us knowing how we and our species help to destroy the mother who gave us life, nature, and we find in indifference the only palliative cure to the guilt. Around the big theme of confrontation, in the photographs there are then more subtle metaphorized themes. The sky is rationalized by geometric figures, the windows, recurring theme, are all closed and barred, the mirror of a luxury living room reflects a chandelier that assumes the role of artificial sun. A communicative caesura is always perceived and also a visual parallelism between the natural and the artificial element. Finally, the central figure of the tree, solitary, with few or no leaves, often at the center of the construction of photography. Emblematic is the image where the dead tree is positioned in the center under the light of a street lamp that claims to replace sunlight; illuminated like a museum object hung on a reinforced concrete wall, posing for an audience that can only admire it with a melancholy distance. Dario Polo WEBSITE | www.marcellovigoni.it INSTAGRAM | @marcellovigoni

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PECK CityLife CityLife Shopping District, Milano – I miti sono tali per la capacità di essere sempre contemporanei. È il caso di Peck, che con l’apertura di Peck CityLife - gastronomia, ristorante, enoteca, cocktail bar - rinnova e amplia la propria relazione con il pubblico milanese. Il tempio dell’alta gastronomia, a Milano dal 1883, porta nella nuova città verticale, sotto le torri progettate dalle archistar internazionali - oggi quartier generale di Allianz e Generali, domani anche di PWC – tutti i sapori, profumi e il savoir faire che lo hanno reso il riferimento per i cibi di alta qualità e un brand conosciuto nel mondo. Per la prima volta Peck esce dalla Milano storica per arrivare in CityLife Shopping District, il più grande distretto commerciale urbano d’Italia, facendosi ponte verso la città che sale, animata da una nuova borghesia delle professioni: cosmopolita, internazionale, mobile e contemporanea. Peck CityLife sorge in un padiglione di 300 mq dalle forme organiche, posto in Piazza Tre Torri, baricentrico rispetto all’ingresso dello Shopping District e delle architetture simbolo della nuova città. Qui Peck inaugura anche una nuova formula di ristorazione, che ha come tema il mangiare in gastronomia. Gustare il cibo seduti al bancone non è solo un gesto estetico, ma filosofico: ricuce il rapporto tra alimenti e lavorazione, tra selezione e degustazione, tra preparazione e consumo. Il nuovo ristorante – 50 coperti, aperto a pranzo e a cena con due carte diverse - non è solo il posto dove poter andare ogni giorno a gustare una serie di signature dishes come la costata di manzo, il risotto giallo con ossobuco, la cotoletta alla milanese - oltre ad una proposta di piatti del giorno, sempre in divenire - ma è anche l’approdo per trovare piatti speciali come il lesso, la cassoeula, le carni allo spiedo, o prodotti non comuni come la lingua salmistrata o il marbré. Merita una menzione speciale la formula degli antipasti: concepiti per la condivisione, sono pensati per innescare un rito sociale di partecipazione al gusto e per dare ai commensali l’occasione di scoprire più sapori. Le proposte variano moltissimo e consentono di esplorare i must della gastronomia di Peck, come l’insalata russa, il paté, i gamberi in salsa cocktail, lo storione, il vitello tonnato e la famosa bresaola secondo la ricetta di Peck. Come già accade nella grande gastronomia di via Spadari, il nuovo ristorante è il luogo ideale per mangiare il tartufo, il jamon iberico de bellota, il foie gras, i salumi selezionati ed i formaggi particolari dell’ampio assortimento di Peck. Il ristorante in gastronomia permette all’ospite di poter ordinare fuori carta tutto ciò che è esposto al grande bancone di ingresso. L’enoteca mette in scena una collezione di vini e distillati disposti teatralmente su un’importante parete che espone una selezione di 150 etichette, italiane e francesi. La punta dell’iceberg rispetto alle oltre 3 mila etichette – sempre disponibili su ordinazione – che hanno reso il negozio di Via Spadari la migliore enoteca d’Italia. Appassionati e curiosi potranno farsi consigliare dai sommelier di Peck sia per la mescita sul luogo sia per l’acquisto di bottiglie da asporto. L’enoteca sarà anche teatro di incontri dove poter conoscere i produttori di alcune etichette pregiate, durante una serie di eventi su prenotazione in cui sarà possibile degustare annate importanti delle migliori cantine. L’ultima sorpresa di questa nuova apertura è il banco della cocktail station – decorato da piastrelle dipinte a mano con un disegno ricavato da una fotografia storica del Peck anni ‘50 – affidata alle sapienti cure di Riccardo Brotto, affiancato da uno staff di giovani barman e barlady, che hanno creato una carta di cocktail interpretando sia la storia di Peck sia la contemporaneità.

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food design

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Nelle parole di Leone Marzotto – la cui famiglia ha rilevato il marchio nel 2013 dalla famiglia Stoppani e che dal 2016 è AD Peck è tante cose: “un’istituzione milanese, un negozio storico che si sta diffondendo a Milano con l’apertura di negozi-figli, un’autorità in fatto di conoscenza del prodotto, un insieme di persone accomunate da competenze, valori e dalla passione per quello che fanno” “Peck è passato da una famiglia all’altra 4 volte nella sua storia – prosegue Marzotto – Ogni volta si è arricchita delle visioni di un nuovo imprenditore ed ogni volta ha cambiato un po’ i propri connotati, spesso aggiungendo, sapendosi adattare ai nuovi tempi, senza mai tradire il DNA originario. L’apertura di Peck in CityLife Shopping District è doppiamente storica: non solo è la prima volta che Peck apre a Milano fuori dal proprio quartiere, ma questo negozio è anche il primo dei nuovi Peck. La sfida è portare la nostra altissima idea di qualità, di servizio e la nostra passione a contatto con pubblici nuovi: con innovazioni destinate a durare nel tempo e senza inseguire trend o mode passeggere.” Peck CityLife è aperto sette giorni su sette, dalle 9 alle 23 (domenica alle 21), impiega 25 persone di cui 5 “veterani” e 20 nuove figure selezionate tra oltre 300 candidati: per offrire al pubblico uno staff di grande professionalità, motivazione e affiatamento. Tutti i nuovi assunti hanno passato quattro mesi di formazione nel Peck di via Spadari per assorbire i segreti e lo stile senza tempo di un mito che si rinnova ogni giorno. IL DESIGN DELLA QUALITÀ Peck CityLife non è soltanto uno scrigno di sapori, prodotti freschi e confezionati, savoir faire e tradizioni, ma è anche un luogo di atmosfera dove i diversi riti divengono tempi, dove il cibo è un ingrediente di una più ampia esperienza. Un ruolo centrale nel definire l’insieme di questi significati, in un messaggio unico, lo gioca il design degli interni, cui è stata affidata la responsabilità di esprimere i valori profondi dell’identità Peck: portandola in una linguistica contemporanea ad un nuovo pubblico. Il progetto è stato affidato allo Studio VudafieriSaverino Partners che ha una consolidata esperienza nel definire concept di design per ristoranti e molti esempi di qualità già nella stessa Milano. Claudio Saverino e Tiziano Vudafieri hanno definito un concept capace di esprimere i tratti fondamentali dell’identità storica di Peck, portandola in un progetto al contempo senza tempo e fortemente contemporaneo. Si tratta prima di tutto di un progetto di “design delle relazioni”: tra persone e momenti diversi. Il design degli interni è stato articolato in modo da garantire una continuità narrativa nelle diverse aree per creare una relazione fluida tra gastronomia, ristorante, enoteca e cocktail bar. Quattro luoghi diversi per funzione e relazione con il pubblico, ma che definiscono un’esperienza unica. Lo spazio rende omaggio alla Milano del dopoguerra, della ricostruzione, del miracolo economico, della grande operosità e progettualità meneghina – quella Milano dentro cui il mito di Peck si è affermato – pur senza rendere il luogo didascalico. Le citazioni sono omaggi a una storia comune: il pavimento richiama la pietra milanese storica, il ceppo di Gré delle cave del Lago d’Iseo. Il controsoffitto del ristorante, a losanghe di legno, cita Villa Necchi Campiglio di Portaluppi, così come i montanti che reggono le mensole rievocano la Torre Velasca di BBPR. Per le sedute invece è stato scelto Gio Ponti: eleganza ed essenzialità. Messaggi subliminali, non espliciti, di una meneghinità sobria e decisa. Le lampade decorative, modernissime e dal sapore post industriale, vogliono riportare alla tradizione estetica dei palazzi Milanesi, con l’attenzione alla scelta di corpi luminosi dalla peculiare presenza. L’obiettivo è stato quello di realizzare un ambiente ricco di elementi simbolici per ricucire l’identità storica di Peck con la sua dimensione più contemporanea e moderna. Un ponte tra la tradizione dell’alta gastronomia e la nuova città. Il grande banco di gastronomia accoglie il visitatore all’ingresso, mettendo in scena l’identità che passa attraverso il prodotto, il gesto, il rapporto tra personale e ospite. Il bancone è stato interamente disegnato per offrire prestazioni tecniche, estetiche, di praticità, introducendo anche una nuova possibilità: quella di mangiare direttamente seduti al bancone. I tavoli ripiegabili accanto al banco permettono al cliente di avere una visione

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privilegiata dell’autenticità e della qualità del prodotto e un’esperienza nuova e coinvolgente delle tradizioni gastronomiche. Al centro troneggia il grande forno per lo spiedo, sotto una cappa in rame, che mette in scena la preparazione del prodotto. Lo spazio è stato disegnato millimetricamente per sapersi aprire e richiudere moltiplicando i posti tavola – 70 coperti in totale, di cui 50 al ristorante/gastronomia e 20 nell’enoteca cocktail bar. Una serie di tavoli a scomparsa consente infatti di moltiplicare i coperti creando superfici dove prima c’era lo spazio libero. Il ristorante è uno spazio allungato, nel quale gli specchi amplificano la profondità delle pareti espositive: ritmate da montanti verticali e da lunghe mensole in legno per l’esposizione dei prodotti Peck. Per accentuare la sensazione di intimità l’ambiente è ribassato da un soffitto in legno sospeso a maglia romboidale. Il tema delle losanghe caratterizza anche i motivi decorativi dei tavoli mobili, sempre in omaggio alla tradizione architettonica milanese. Nell’enoteca le scaffalature creano una metrica nella quale le bottiglie di vino sono trattate come note di uno spartito, esprimendo il valore della composizione d’insieme nel mettere in scena alcuni grandi solisti. Il senso di verticalità è accentuato delle lesene nere che ritmano sia l’arredo che la boiserie del banco bar. I display espositivi allestiti in vetrina sono stati progettati per evitare la chiusura totale favorendo la permeabilità allo sguardo come al gesto. Vetrine in rame bifronte, costruite come piccole architetture, restituiscono allo spazio una serie di elementi per l’esterno e per l’interno, dando profondità sia alla comprensione dei prodotti che all’uso. Ogni scaffale è anche supporto per i tavoli mobili che rendono versatile e multiforme lo spazio. Il banco della cocktail station è rivestito da piastrelle in gres dipinte a mano con un disegno unico realizzato solo per Peck, ripreso da una fotografia storica degli anni ‘50. Il top è in rame così come il grande specchio appeso sulla parete retrostante. Alla sera il volume si illumina come una lanterna, facendo emergere le vetrine dei prodotti, e accendendo lo sguardo sulle atmosfere del ristorante che trova intimità nella luce puntuale. Sono stati reinterpretati in chiave contemporanea i materiali iconici di Peck, come il legno, il ferro nero e il rame; anche in cucina sono state riutilizzate le piastrelle bianche e blu come nelle cucine di Via Spadari. CityLife Shopping District, Milan – Legends are legendary precisely because of their ability to always keep with the times. Such is the case with Peck which, with the opening of Peck CityLife delicatessen, restaurant, wine bar, cocktail bar - is renewing and expanding its relationship with its Milanese clientele. The temple of haute cuisine, in Milan since 1883, it brought to the new vertical city, under the towers designed by internationally-renowned architects - now the headquarters of Allianz and Generali, and soon also PWC - all the flavours, aromas and expertise that have made it the benchmark for high-quality foods and a brand known around the world. For the first time, Peck is leaving the historic part of Milan for the CityLife Shopping District, the largest urban shopping district in Italy, becoming a bridge towards the rising city, animated by a new professional middle class: cosmopolitan, international, mobile and contemporary. Peck CityLife is located in a 300m² organically-shaped pavilion in Piazza Tre Torri, central in relation to the entrance to the Shopping District and the architecture which is symbolic of the new city. Here, Peck is introducing a new restaurant formula, who theme is delicatessen eating. Enjoying food whilst sat at the counter is not merely an aesthetic gesture, but a philosophical one: it strengthens the relationship between foods and their production, between selection and tasting, between preparation and consumption. The new restaurant - 50 covers, open at lunch and dinner with two different menus - is not just the place you can go every day to enjoy a series of signature dishes such as rib of beef, saffron risotto with osso buco, veal Milanese - in addition to a constantly-changing offering of daily specials - but it is also a location where you can find special dishes such as boiled meats, cassoeula, spit-roasted meats, or less common products such as pickled tongue or marbré.

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The tapas-style starter formula deserves a special mention: designed for sharing, they are meant to evoke a social ritual of participation in tasting and to give the diners the opportunity to discover various flavours. The offering vary greatly and allow diners to explore the must-haves of Peck’s deli selection, such as Russian salad, pâté, prawn cocktail, sturgeon, veal in tuna sauce and Peck’s famous own-recipe bresaola. As is already the case in the large deli in via Spadari, the new restaurant is the ideal place to enjoy truffles, jamon iberico de Bellota, foie gras, carefully-selected cured meats and the interesting cheeses from Peck’s wide selection. The deli-restaurant allows diners to order off-menu, selecting from everything that is displayed in the large display case at the entrance. The wine bar showcases a selection of wines and spirits theatrically arranged on a striking wall which holds a selection of 150 label, both Italian and French. Just the tip of the iceberg compared to the more than 3000 labels - always available to order - which make the shop on via Spadari the finest wine bar in Italy. Enthusiasts and curious drinkers can seek advice from Peck’s sommelier both for wines to drink at the bar and bottles to take home. The wine bar will also be the location for meetings where visitors can meet the producers of certain valuable labels during a series of reservation-only events in which it will be possible to sample important vintages from the best wineries. The final surprise of this new opening is the bar of the cocktail station - decorated with handpainted tiles with a design taken from a historic photograph of Peck circa 1950 - entrusted to the skilled hands of Riccardo Brotto, supported by a staff of young bartenders who have put together a cocktail list which blends the history of Peck with a modern twist. In the words of Leone Marzotto - whose family took over the brand in 2013 from the Stoppani family and who has been CEO since 2016 - Peck is many things: “a Milan institution, a historic shop which is spreading across Milan with the opening of satellite branches, a de facto authority on product knowledge, a collection of people brought together by skills, values and passion for what they do” “Peck has passed from one family to another four times over the course of its history - continues Marzotto - and each time it has been enriched by the visions of a new entrepreneur, and every time it changes its features a little, sometimes adding, knowing how to adapt to changing times, without ever betraying its original DNA. The opening of Peck in the CityLife Shopping District is doubly historic: not only is it the first time that Peck is opening in Milan outside its neighbourhood, but this shop is also the first of the new Pecks. The challenge is to bring our extremely high idea of quality, service and our passion into contact with new audiences: with innovations designed to endure over time, and without chasing trends or passing fads.” Peck CityLife is open seven days a week, from 9.00am to 11.00pm (Sundays until 9.00pm), employing 25 people including 5 ‘veterans’ and 20 new figures selected from more than 300 candidates: to provide the public with a staff with a great deal of professionalism, motivation and team spirit. All the new employees have spent four months training in the Peck in via Spadari to absorb the secrets and timeless style of a legend which further cements its status every day. THE DESIGN OF QUALITY Peck CityLife is not only a treasure trove of flavours, fresh and packaged products, expertise and traditions - it is also an atmospheric place where the different rites become times, where the food is but an ingredient in a larger experience. A central role in defining the overall picture of these meanings, in a single message, is played by the interior design, which has been entrusted with the responsibility of expressing the core values of the Peck identity: bringing it to a new audience with a contemporary linguistic identity. The project was entrusted to the Vudafieri-Saverino Partners firm, which has extensive experience in defining design concepts for restaurants and many high-quality examples already in Milan itself. Claudio Saverino and Tiziano Vudafieri have defined a concept capable of expressing the fundamental features of Peck’s historic identity, bringing it into a design which is at once timeless and highly contemporary.

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It is, first and foremost, a project of “designing relationships”, namely those between different people and times. The interior design was structured so as to provide a narrative continuity throughout the different areas to create a fluid relationship between the delicatessen, restaurant, wine bar and cocktail bar. Four places which differ in their function and relationship with the public, but which all make for a unique experience. The space pays tribute to post-war Milan, the reconstruction, the economic miracle, the hard work and vision of the Milanese - the Milan in which the legend of Peck established itself - without making the place didactic. The quotations pay homage to a shared history: the flooring is redolent of historic Milanese stone, the ceppo di Gré from the quarries of Lake Iseo. The restaurant’s false ceiling, with wooden panelling, recalls Villa Necchi Campiglio in Portaluppi, as well as the struts which hold up the shelves are evocative of the BBPR’s Velasca Tower. For the seating, meanwhile, Gio Ponti was chosen: elegance and essentiality. Subliminal, rather than explicit, messages of a sober yet bold Milanese character. The decorative lamps, with their modern, post-industrial look, are intended to recall the aesthetic tradition of Milanese palaces, with attention to the choice of light fixtures whose presence is peculiar. The aim was to create an environment rich with symbolic elements to reconcile Peck’s historical identity with its more modern and contemporary dimension. A bridge between the tradition of fine dining and the new city. The vast deli counter welcomes visitors at the entrance, showing off the identity which is conveyed through the product, the gesture, the relationship between the staff and the guests. The counter was entirely designed to offer technical performance, aesthetics and practicality, also introducing a new option: that of eating sat directly at the counter. The folding tables by the counter allow diners to a privileged view of the authenticity and quality of the product and a new and involving experience of gastronomic traditions. In the centre stands a large rotisserie oven, under a copper hood, which exhibits the preparation of the product with some theatricality. The space was designed to the millimetre to be able to open and close, multiplying the seats at the tables - 70 covers in total, including 50 at the restaurant/ delicatessen and 20 at the wine and cocktail bar. A series of retractable tables allows the restaurant to multiply its covers by creating surfaces where there was once free space. The restaurant is an elongated space in which the mirrors amplify the depth of the display walls: punctuated by vertical pillars and long wooden shelves to display Peck products. To accentuate the feeling of intimacy, the setting is made cosier by a low suspended wooden ceiling in a diamond mesh shape. The theme of the diamond-shaped panels also characterises the decorative motifs of the moving tables, another tribute to the Milanese architectural tradition. In the wine bar, the shelving units create a metric in which the bottles of wine are treated like notes in a piece of music, expressing the value of the overall composition whilst highlighting a handful of great soloists. The sense of verticality is emphasised by the black lesenes which punctuate both the furnishings and the wainscoting of the bar counter. The displays set up in the window were designed to avoid complete closure, promoting permeability for the eye as well as the hand. Two-faced copper windows, built like small architectures, give the space a series of elements for the exterior and the interior, giving depth to both the understanding of the products and their use. Each shelf is also a support for the moving tables which make the space versatile and multifaceted. The bar of the cocktail station is covered with handpainted porcelain tiles with a unique design created especially for Peck, taken from a historic photograph from the 1950s. The counter is made of copper, along with the large mirror which hangs on the wall behind. In the evening, the volume lights up like a lantern, revealing the product windows and drawing one’s gaze to the atmospheres of the restaurant which finds intimacy in spotlighting. The iconic materials of Peck, such as wood, black iron and copper, have been reinterpreted in a contemporary way; even in the kitchen, the white and blue tiles from the kitchens of via Spadari have been reused.

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Yulia Shesternikova

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Peck CityLife Piazza Tre Torri, 20145 Milano Tel: 02 3664 2660 E-mail: peck.citylife@peck.it

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model

Il mio nome è Valeria Zubtsova, ho 26 anni e sono Ucraina di Kiev. Pratico yoga e sono vegana; seguo una dieta senza glutine e con pochi zuccheri. Sono una grande amante dei gatti. A 5 anni iniziai ad andare a scuola e i miei genitori scelsero la classe economica. Ho frequentato la scuola di ballo per 7 anni e, durante il liceo, ero cheerleader per la squadra professionista di pallavolo della città. A 16 anni, dopo il liceo, ho inizato a frequentare il corso di diritto internazionale all’università. In questo periodo, su suggerimento dei miei genitori, ho iniziato a cimentarmi come modella e, fino ad oggi, ho lavorato come avvocato in una casa editrice. Ho un fratello 5 anni più giovane di me. Sono grata alla mia famiglia e alla vita. Mia madre mi ha insegnato a scrivere e leggere da prima dei 5 anni e mi ha trasmetto il buon gusto per la moda e il vivere sano. Mi ha insegnato a lavorare su me stessa ogni giorni per migliorare.

My name is Valeria Zubtsova, I am 26 years old and I am Ukranian, from Kiev. I practice yoga and I am vegan; I follow a gluten-free diet with few sugars. I am a great cat lover. At 5 I started going to school and my parents chose the economy class. I attended dance school for 7 years and, during high school, I was a cheerleader for the city’s volleyball team. At the age of 16, after high school, I started attending the international law course at the university. In this period, following my parents’s suggestion, I started to try my hand as a model and, until today, I worked as a lawyer in a publishing house. I have a brother 5 years younger than me. I am grateful to my family and life. My mother taught me to write and read before I was 5 and she gave me good taste for fashion and healthy living. He taught me to work every day to improve myself.

VALERIA ZU

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UBTSOVA

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Photo: Dimitris Pastella


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Photo: Anna Damaeva


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Photo: Dre


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Photo: Marva Younes


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Photo: Violett Bilair


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Photos: Elena Paraskeva

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Photo: Ingrit April


INSTAGRAM | @valeria_zubtsova FACEBOOK | Valeria Zubtsova

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Hui Qin Peng vive in Europa dal 1989, da quando è fuggito dopo gli eventi di Tian’anmen. Appassionato di arte contemporanea, ricorda, che mentre suo fratello maggiore creava oggetti che metteva in scatole, lui preferiva decorare la scatola... I vestiti che crea evocano anche altre arti, come la pittura o la scultura. Il suo lavoro appare a volte tormentato, ma quando si vive la giovinezza in Cina e la maturità in Europa, il divario è importante; Hui Qin Peng attinge dalle fonti di queste due culture e dona ai suoi vestiti un carattere unico. Quest’anno Moja ha fatto le valigie e ha portato le sue attrezzature fotografiche in Cina, dove la sua reputazione gli ha valso l’opportunità di essere invitato per una grande campagna per promuovere i fashion designer Zeng Feng Fei, Hui Qin Peng e Han Futianxia, ​​tre dei più citati creatori cinesi di oggi. Desideroso di scoprire questa grande nazione, sia per la sua storia che per la nuova posizione che occupa nel mondo, ha scelto di crearne l’ambientazione. Collocandosi in siti di una bellezza mozzafiato carichi di una storia molto antica, come il Tempio Xichan, il Parco Xihu e le Pietre Moja, Moja ha scelto di raffigurare personaggi impressi nel DNA del popolo cinese, alcuni dei quali rappresentano versioni di leggende universali: gli amanti delle farfalle, da cui Shakespeare deve aver tratto ispirazione per il suo Romeo e Giulietta, le storie sono così simili; Ye Xian, prima versione scritta di Cenerentola, nel nono secolo della nostra epoca; Hou Yi, l’arciere che libera la terra da nove soli, permettendo così agli esseri umani di vivere alla luce di uno solo. Moja assorbe tutti questi personaggi con una luce particolare, che è il suo marchio di fabbrica e dà allo spettatore l’impressione che emani da loro, stessi facendoci dimenticare che questo è in realtà il risultato di un lungo processo di messa a fuoco. Come sempre, la gamma di prestazioni dei suoi shapers leggeri e di altri softbox Broncolour gli consente di ampliare ulteriormente il suo campo di possibilità. Ancora una volta, Moja ha fatto della luce il suo alleato per rivisitare i miti e le tradizioni ancestrali della Cina, offrendo al pubblico colpi di particolare luminosità, al confine con le stelle più luminose.

Hui Qin Peng has been living in Europe since 1989, since he fled after the Tian’anmen events. A lover of contemporary art, he remembers that while his older brother created objects he put in boxes, he preferred to decorate the box... The clothes he creates also evoke other arts, such as painting or sculpture. His work is sometimes tormented, but when you experience youth in China and maturity in Europe, the gap is important; Hui Qin Peng draws from the sources of these two cultures and gives his clothes a unique character. This year, Moja packed his bags and transported his photographic equipment to China, where his reputation earned him the opportunity to be called on for a big campaign to promote the fashion designers Zeng Feng Fei, Hui Qin Peng and Han Futianxia, three of the most talked about Chinese creators of today. Eager to discover this great nation, both due to its history and to the new position it occupies in the world, he chose to make it his setting. By setting up in sites of breathtaking beauty loaded with very ancient history, like the Xichan Temple, the Xihu Park and the Moja Stones, Moja chose to draw on characters written into the Chinese people’s DNA, some of which form versions of universal legends: the butterfly lovers, from which Shakespeare must have drawn inspiration for his Romeo and Juliette, the stories being so similar; Ye Xian, first written version of Cinderella, in the ninth century of our age; Hou Yi, the archer who rid the earth of nine supernumerary suns, thus allowing humans to live in the light of a single one. Moja imbibes all these characters with a particular light, which is his trademark and gives the spectator the impression that it emanates from them, making us forget this is in fact the result of a long focusing process. As always, the range of performances of his light shapers and other Broncolour soft boxes enable him to further widen his field of possibilities. Once again, Moja has made light his ally to revisit the myths and ancestral traditions of China, offering the public shots of particular radiance, bordering on the brightest of stars.


fashion designer

Since the cartoon of the same name, Mulan has become a legendary character well beyond China’s frontiers. The bravery of Mulan, who fought in the place of her ageing father, without revealing that she was a woman, earned her a general’s rank. Did Hui Qin Peng draw inspiration from this when conceiving this dress?

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Here, everything contributes to evoke reverence: the place (Tsingpu Retreat), the dress, in ash grey, and the expression of the model, her eyes lowered, in a posture of reflection which moves her entire body, right down to her hands, which are half closed.... Even the embroidered halo seems to bend to manifest its empathy.

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The legend of the butterfly lovers, also called Liang Zhu, from the name of its two heroes, doesn’t tell us if Zhu also dressed as a boy when she was alone‌ Her outfit, created by Hui Qin Peng, suits her perfectly, in any case, combining a masculine side, with the trouser, and a feminine side, with the lace. Why is she sad? Does the letter she is holding in her hand signal a break-up?

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In this modest place, men in traditional costume are burning incense. It’s the beginning of a ceremony, or the end of one. The head enclosed by a heavenly headdress, is this the empress Wu Zetian who wanted to come to reflect in this modest temple? The sumptuous gold of her dress says, in any case, that she holds a high rank.

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illustrator - painter

ELEONORA Eleonora Simeoni è una giovane illustratrice che nasce a Bassano del Grappa (VI) nel 1995. Nel 2015 si iscrive All’accademia di belle arti dI Bologna al corso di fumetto e illustrazione, dove studia tutt’ora. Ha pubblicato i suoi lavori in riviste italiane (Logos-illustrati, Lahar magazine, Prott Edizioni) messicane (La peste), in cataloghi di illustrazione (Ciak 2015 Associazione Tapirulan). Nel 2018 ha tenuto un’esposizione con alcuni suoi lavori nella galleria di Loreta Larkina a Venezia.

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I suoi disegni e illustrazioni sono caratterizzati da un segno grafico delicato ma espressivo, derivante dalla passione per le opere nordiche fiamminghe, surreali e simboliche. L’emotività e i sentimenti nel generale, sono ciò che maggiormente cerca di far emergere dai propri disegni, la sua è infatti una ricerca che affonda le radici nel mondo dell’infanzia, in quello dei ricordi lontani ma anche nell’assurdo e surreale; l’uso di materiali “vecchi” come le carte rovinate quali supporto al disegno agevolano il trasparire delle emozioni e dei sentimenti, il più delle volte nostalgici e malinconici.


Eleonora Simeoni is a young illustrator who was born in Bassano del Grappa (VI) in 1995. In 2015 he enrolled at the Academy of Fine Arts in Bologna at the course of comics and illustration, where he is still studying. He has published his works in Italian magazines (Logos-Illustrati, Lahar magazine, Prott Edizioni), Mexican (La peste), in illustration catalogs (Ciak 2015 Associazione Tapirulan). In 2018 he held an exhibition with some of his works in the Loreta Larkina gallery in Venice. His drawings and illustrations are characterized by a delicate but expressive graphic sign, deriving from the passion for Flemish, surreal, and symbolic Nordic works. Emotionality and feelings in the general is what most tries to bring out from his own drawings, his is in fact a research that has its roots in the world of childhood, in that of distant memories but also from the absurd and surreal; the use of “old� materials such as ruined cards as a support to the drawing facilitate the transparency of emotions and feelings, most often nostalgic and melancholic.

FIUME BIANCO E NERO - Acrylic and collage on cardboard

SIMEONI

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L’IO E L’OMBRA, 2018 - Acrylic and collage on cardboard

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COLOMBINO, 2018 - Acrylic and collage on cardboard

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DIS-PERCEZIONE, 2018 - Acrylic, graphite and collage on cardboard

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FROM “MAESTRO, FERNANDO PESSOA”, 2018 - Acrylic, graphite and collage on cardboard

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UNTITLED, 2018 - Acrylic and collage on cardboard

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BATMAN E GARGOYLE, 2018 - Acrylic and collage on cardboard

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FROM “MAESTRO, FERNANDO PESSOA”, 2018 - Acrylic, graphite and collage on cardboard


INSTAGRAM | @eleosime FACEBOOK | Eleonora-Simeoni-illustrazioni BEHANCE | eleosimeoni

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Marc Lamey è un fotografo professionista francese con sede a Parigi, Francia. Con una forte ispirazione proveniente dalla musica, Marc si concentra principalmente sulla ritrattistica fotografica, sulla moda e sull’implementazione della bellezza nel paesaggio urbano. Marc ama i ritratti; metti in scena la bellezza del volto di una donna e i colori vivaci ed inizi a entrare nel Marcuniverse. Un tocco di simbolismo e una lettura su più livelli, un contrasto di significato ed ecco il benvenuto nel suo mondo di interpretazione del ritratto e della bellezza. La prima serie di Marc che gli portò riconoscimento aveva il titolo “Donna, acqua e colori” in cui immaginava un ritratto in primo piano nell’acqua colorata, poi ampiamente pubblicato tra il 2010-2012. Marc si avviò come fotografo con la fotografia naturalistica, espandendo la sua passione per la natura selvaggia in Africa ed Asia orientale nella fotografia degli inizi del 2000, mentre oggi pratica la fotografia naturalistica come un piacere per le vacanze. Marc passò alla posa in studio nel 2008 con la ritrattistica e in seguito alla fotografia di moda negli ultimi tempi. In molti casi Marc interpreta il ruolo del creatore artistico nella sua fotografia di moda, assemblando lui stesso gli “ingredienti” dei suoi progetti di moda e collaborando con stilisti indipendenti.

MARC LAMEY Marc Lamey is a professional French photographer located in Paris France. With a strong Inspiration coming from Music, Marc focus mainly on Portraiture Photography, Fashion and on implementing beauty into cityscape. Marc loves portraits; Staging the beauty of a woman’s face and bright colors, and you begin to enter Marc universe. A touch of symbolism and a reading on many levels, a contrast of meaning, and then your arewelcome in his world of interpretation of the portrait and beauty. The first serie of Marc than bring him recognition was a serie titled “Woman, Water and Colors” that was figuring close-up portraiture in colored water that got widely published between 2010-2012. Marc was initially starting photography as “Nature Photography” expanding his passion for the wild in Africa or Eastern Asia to Photography in the beginning of the year 2000 and nowadays keep “Nature Photography” as a vacation pleasure. Marc moved to studio modeling in 2008 with portraiture and later one to fashion photography in the recent time. In many cases Marc is playing the role of artistic creator into his fashion photography in assembling himself the ingredients of his fashion projects while collaborating with independent fashion designers.

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portfolio

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WEBSITE | www.marclamey.com INSTAGRAM | @marc_lamey FACEBOOK | marclameyphotography

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WEBSITE | www.miars.info INSTAGRAM | @damars_milano E-MAIL | arsartspace@gmail.com

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Maurizio Calciolari, Irraggiungibile Milano. Oil on canvas, 90 x 90 cm

art event

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Photos: Alex Dani

Photos: Abraham Caprani

MiArs - Milano, ti amo in tutte le lingue del mondo. Mostra d’arte contemporanea dedicata alla città di Milano, con spunti e riflessioni sulla sua storia e il suo futuro. Una mostra-evento ideata dalle associazioni milanesi Art Space (Eva Amos) e Solidarum (Anastasia Lavrikova) specializzate nell’organizzazione di eventi culturali e nei programmi di sostegno sociale, che comprende un’importante esposizione d’arte contemporanea “MiArs – Milano, ti amo in tutte le lingue del mondo” e la conferenza “I simboli di Milano: la storia e il futuro”. Molti artisti presenti sono nati all’estero, come anche le organizzatrici, e questo evidenzia il fatto che oggi Milano, con il 19% di residenti di origine straniera, rappresenti un vero melting pot di etnie. Grazie alla sua forte internazionalizzazione Milano riceve costantemente l’apporto di forze e di idee dai suoi nuovi cittadini i quali, ringraziando per l’accoglienza ricevuta, contribuiscono attivamente a renderla moderna, bella e multiculturale, fonte di ispirazione e di aspirazione. L’evento si propone come una vera dichiarazione d’amore dei milanesi di nascita e d’adozione verso Milano. Con partecipazione straordinaria di Vittorio Sgarbi.

MiArs - Milan, I love you in all the languages of the world A contemporary art exhibition devoted to the city of Milan, with reflections on its past and future. The exhibition was thought out by Art Space (Eva Amos) and Solidarum (Anastasia Lavrikova), two associations of Milan specialising in programs of social support as well as organisation of cultural events. The latter ones include the important contemporary art exhibition “MiArs - Milano, I love You in All the Languages of the World” and the conference “Milan’s Symbols: The History and the Future”. Both organisers of the exhibition, as well as many of the artists presented there, were born overseas. This well illustrates the fact that contemporary Milan, with 19% of its dwellers being originally from abroad, represents a melting pot of ethnicities. Thanks to its being truly international, Milan gets a constant influx of energy and ideas from its new residents. These people appreciate being warmly welcomed, actively contributing to rendering the city more modern, beautiful and multicultural, making it a source of aspirations and inspiration for many. The event was proposed as a true declaration of love of those who was born in Milan and those adopted by this city. The event featured special guest Vittorio Sgarbi.

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Alessandro Russo, Milano Nuovi Profili, Il Diamante, 2017. Oil on canvas, 130 x 180 cm


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Jessica Faraone and Giorgio Maggiorelli, Zucchero e Catrame, 2018. Mixed technique on paper, 40 x 60 cm

Lorenzo Raffo, Present Land, 2018. Mixed technique, 80 x 100 cm


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SENSATION WHITE photographer MATTEO ANATRELLA

stylist ANNARITA MATTEI

photo assistant LUCA ANATRELLA

stylist assistant EDOARDO COLBERTALDO

make-up artist MARIA REA

models KRYSTYN and ANNARITA

wedding dresses MY BRIDE COUTURE

location IL CASTELLO DEL DUCA FAICCHIO (BN)

special thanks CHEF SALVATORE CIARAMELLA

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108 fur jacket: SIMONETTA RAVIZZA | t-shirt: STELLA JEAN

fashion reporter

ITALIAN FASHION BLOG


coat: RIZAL | bag: EMANUELA CARUSO | pants: NORA BARTH

Con l’inizio del nuovo anno, è ora di ricominciare a pensare ai prossimi appuntamenti con l’alta moda. Eccoci quindi ancora qui a parlare di fashion week! Nello scorso numero avevamo parlato dell’abbigliamento più adatto a questi eventi e della necessità di indossare scarpe comode per arrivare indenni alla fine della settimana. Questa volta vedremo come affrontare le temperature rigide delle prossime fashion week, senza ricordare l’abominevole uomo delle nevi ! Eh sì, quelle invernali sono piuttosto impegnative dal punto di vista del meteo e non è semplice apparire al meglio in situazioni come queste. La prossima edizione della settimana della moda di Milano, ad esempio, si terrà dal 19 al 25 di febbraio, solitamente il mese più freddo dell’anno. L’anno scorso penso proprio di aver rischiato una polmonite. I brand mi avevano inviato dei capi da indossare agli eventi, ovviamente parliamo di nuove collezioni, quelle della primavera-estate. Girare per Milano con abitini leggeri con temperature prossime allo zero è stata decisamente una pazzia! Così ho deciso che questa volta porterò con me dei pellicciotti di diversi colori, da indossare sopra le collezioni primaverili e che ai piedi ci saranno, ancora più dell’anno scorso, stivaloni e cuissardes, ancora di gran moda. Le tendenze di quest’anno amano ancora il colore. C’è da scommettere che le città della moda, New York, Londra, Parigi e Milano, si animeranno di una marea di faux fur super colorate. Un mio trucco per stare ancora più al caldo? Il chiodo sotto la pelliccia, meglio se indossato sopra un maglioncino in morbido cachemire. Bellissime e caldissime anche le cappe in ecopelliccia da indossare sopra piumini leggeri o cappotti. Che cos’altro dovremo aspettarci? Grande protagonista sarà senz’altro l’animalier, non soltanto a piccole dosi, ma sempre più in total look. Vedremo probabilmente anche tanti tailleur pantalone in modelli e stampe diversi. Il tartan sarà immancabile, come pure gli scacchi. Non dimentichiamoci qualche nota brillante: paillettes, cristalli, tonalità lunari e bagliori dorati renderanno qualsiasi look più modaiolo e glamour e saranno ancora super trendy per la prossima stagione. Voglio soffermarmi per un attimo sui capelli. Gli ultimi trend vogliono teste importanti e vaporose di ispirazione Eighties. Soprattutto di sera, le acconciature saranno impreziosite da fermagli e accessori insoliti, come le pinze che di solito usano i parrucchieri, ma in versione preziosa. Se i capelli, anche a causa di freddo e umidità, non sono proprio a posto, via libera a cappellini di tutti i tipi, che mai come quest’anno sono stati così presenti negli outfit delle fashioniste!

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coat: BALLANTINE | bag: EMANUELA CARUSO | pants: NORA BARTH

A New Year has just begun and it’s now time to think about the next couture events. Here we are again, then, speaking about fashion weeks ! In the last number we talked about the proper clothing for these events and about the need to wear comfortable shoes to survive till the end of the week. This time we’ll see how to face the low temperatures of the next fashion weeks, avoiding looking like an Abominable Snowman ! The winter fashion weeks are definitely challenging because of the weather conditions and it’s not easy to look your best in situations like these. Next MFW edition will take place from the 19th to the 25th of February, usually the coolest month of the year. Last year I risked a pneumonia. Some brands had sent to me some clothes to wear during the events, they obviously belonged to the new Spring/ Summer collections. Strolling around Milan wearing lightweight outfits was really crazy ! That’s why I decided that this time I’ll bring with me some faux fursin different colours to wear on the new collections and some pairs of boots and cuissardes so trendy this year. The latest trends love colors. I guess that the fashion cities, New York, London, Parisand Milan, will fill up with many coloured faux furs. Here’s one of my tips to stay warmer : wear a biker jacket under the fur, better if worn over a soft cachemire sweater, or capes over coats and light duvets. What else will we able to see ? The animalier will be a great protagonist, non only in small doses, but more and more in total look. We’ll probably see many pantsuits in different models and prints. Tartan will be everywhere, like checks. Don’t forget some sparkling details : sequines, crystals, moonlight and golden shades will turn each outfit into a glamourous and cool one and will be super trendy also for next season. As for the hairstyle, the trendiest are fluffy of Eighties inspiration. At night, hairdoes will be made precious by hairpins and unusual accessories such as the clips used by hairdressers, in a precious version. If the hair is messy, due to bad weather, the right thing to do is to wear hats or caps, so trendy and present this year in the most stylish outfits.

WEBSITE | www.martinafavaro.it INSTAGRAM | @martina.favaro

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coat: BALLANTINE | jeans: DSQUARED | shirt: DSQUARED

Photos: Alessandro Pellicciari


HAN FUTIANXIA 112

La collezione del designer Han Futianxia è probabilmente la più classica delle tre, ma non la meno impressionante. Molto ispirato ai costumi tradizionali, come Pien Fu o Han Fu, dà loro il loro pieno posto, rifiutando di obbedire alle richieste del mondo moderno, che vuole che tutti gli abiti siano soprattutto funzionali. Questo non gli impedisce di rimanere radicato nel suo tempo, mettendo qua e là un dettaglio: una gonna a pieghe (molto popolare in questa stagione), uno scollo rotondo stile francese, un accappatoio Han Fu aperto... Han Futianxia rende omaggio alle tradizioni e dimostra, se necessario, che ha molte cose da dirci. Quest’anno Moja ha fatto le valigie e ha portato le sue attrezzature fotografiche in Cina, dove la sua reputazione gli ha valso l’opportunità di essere invitato per una grande campagna per promuovere i fashion designer Zeng Feng Fei, Hui Qin Peng e Han Futianxia, ​​tre dei più citati creatori cinesi di oggi. Desideroso di scoprire questa grande nazione, sia per la sua storia che per la nuova posizione che occupa nel mondo, ha scelto di crearne l’ambientazione. Collocandosi in siti di una bellezza mozzafiato carichi di una storia molto antica, come il Tempio Xichan, il Parco Xihu e le Pietre Moja, Moja ha scelto di raffigurare personaggi impressi nel DNA del popolo cinese, alcuni dei quali rappresentano versioni di leggende universali: gli amanti delle farfalle, da cui Shakespeare deve aver tratto ispirazione per il suo Romeo e Giulietta, le storie sono così simili; Ye Xian, prima versione scritta di Cenerentola, nel nono secolo della nostra epoca; Hou Yi, l’arciere che libera la terra da nove soli, permettendo così agli esseri umani di vivere alla luce di uno solo. Moja assorbe tutti questi personaggi con una luce particolare, che è il suo marchio di fabbrica e dà allo spettatore l’impressione che emani da loro, stessi facendoci dimenticare che questo è in realtà il risultato di un lungo processo di messa a fuoco. Come sempre, la gamma di prestazioni dei suoi shapers leggeri e di altri softbox Broncolour gli consente di ampliare ulteriormente il suo campo di possibilità. Ancora una volta, Moja ha fatto della luce il suo alleato per rivisitare i miti e le tradizioni ancestrali della Cina, offrendo al pubblico colpi di particolare luminosità, al confine con le stelle più luminose.

The collection of designer Han Futianxia is probably the most classic of the three, but not the least impressive. Very inspired by traditional costumes, such as Pien Fu or Han Fu, he gives them their full place, refusing to obey the demands of the modern world, which wants all clothes to be above all functional. This does not prevent him from remaining rooted in his time, putting a detail here and there: a pleated skirt (very popular this season), a French style round neckline, a Han Fu bathrobe open... Han Futianxia pays tribute to tradition and demonstrates, if necessary, that has many things to tell us. This year, Moja packed his bags and transported his photographic equipment to China, where his reputation earned him the opportunity to be called on for a big campaign to promote the fashion designers Zeng Feng Fei, Hui Qin Peng and Han Futianxia, three of the most talked about Chinese creators of today. Eager to discover this great nation, both due to its history and to the new position it occupies in the world, he chose to make it his setting. By setting up in sites of breathtaking beauty loaded with very ancient history, like the Xichan Temple, the Xihu Park and the Moja Stones, Moja chose to draw on characters written into the Chinese people’s DNA, some of which form versions of universal legends: the butterfly lovers, from which Shakespeare must have drawn inspiration for his Romeo and Juliette, the stories being so similar; Ye Xian, first written version of Cinderella, in the ninth century of our age; Hou Yi, the archer who rid the earth of nine supernumerary suns, thus allowing humans to live in the light of a single one. Moja imbibes all these characters with a particular light, which is his trademark and gives the spectator the impression that it emanates from them, making us forget this is in fact the result of a long focusing process. As always, the range of performances of his light shapers and other Broncolour soft boxes enable him to further widen his field of possibilities. Once again, Moja has made light his ally to revisit the myths and ancestral traditions of China, offering the public shots of particular radiance, bordering on the brightest of stars.


fashion designer

Who are these three women and what has brought them together? Are they the Emperor’s concubines, servants of the empress Wu Zetian, protégés of Bixia Yuanjin, goddess of fertility? All three dressed in their finery, they seem to be waiting for something.

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A sumptuous head jewellery and a delicate pendant further enhance the beauty of the dress, even if this could be worn as it is, as its line and its central pattern are enough for it to be admired.

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Silk is an integral part of Chinese heritage and it takes as many forms as one can have ideas. It can be printed, embroidered, damasked...or all these at the same time. Han Futianxia’s know-how arouses admiration, his designs being so varied, be it in their shape, colour or textures. From the finest and most transparent silk to the heaviest and most colourful damasked silk, everything here testifies to the creator’s inventiveness.

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In this scene, red is omnipresent, right down to the composition of the service itself, creating a ceremony that is all delicacy and solemnity. Each gesture contributes, through its grace and slowness, to making the ritual even more refined.

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graphic designer

COR DE ROSA E CARVÃO KENZO HAMAZAKI 118


THE MEMORY Sono un grafico e illustratore brasiliano, amo il caffè, il buon umore e parlo con estranei. Cerco sempre di esprimere emozioni, sentimenti, ricordi, tutto ciò che ci ha resi così come siamo. Il mio obiettivo è ricreare le emozioni degli altri invece che le mie, perché tanto più faccio questo, più la mia empatia verso gli altri cresce e, per me, capire gli altri sentimenti e rappresento che con accuratezza è qualcosa di bello.

I’m a Brazilian Graphic Designer and Illustrator, love coffee, a goodbeer and talk with strangers. I always trying to express emotions, feelings, memories, everything that made us as we are. I’m aim to recreate others emotions instead of mine, because as much as I do this, my empathy to other grows, and for me, understand other feelings and represent that with accuracy is something beautiful.

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MOBILE SOCIETY

LOSING THE MASKS 120


LET IT GO

THE PAST 121


FANTASTIC BEASTS

LONELINESS 122


MISS

INSTAGRAM | @kz.hz BEHANCE | kzhz WEBSITE | www.dribbble.com/kzhz

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portfolio

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Il fotografo Domenico Donadio nasce a Tursi, un piccolo paese del sud Italia, in provincia di Matera. Sin da piccolo è attratto dall’arte in ogni sua forma e dall’estetica che essa sprigiona. Dall’età di 16 anni inizia a creare segmenti musicali lavorando come dj produttore di musica elettronica per ben 15 anni. Smette di dedicarsi esclusivamente alla musica quando capisce che può dare molto di più in fotografia. Vive per 11 anni a Roma ma il suo obiettivo è diventare un affermato fotografo di moda trasferendosi a Milano, la capitale della moda italiana. Per lui fotografare significa dare vita ad immagini e visioni mentali altrimenti sconosciute al resto del mondo. La sua idea è rappresentare la bellezza e l’estetica umana, non ha la pretesa di catturare l’anima o i pensieri delle modelle. La sua arte è rappresentare la moda da un punto di vista estremamente personale e soggettivo. Considera la moda l’espressione della bellezza, è lusso, è eleganza, raffinatezza ma anche trasgressione ed eccesso. È grinta, forza, carattere, comunicazione ed ogni sua immagine è più eloquente di milioni di parole. Tutto può essere fonte di ispirazione: un film, una passeggiata al museo, la gente che cammina affannata per strada, un brano musicale elettronico o di musica classica, un viaggio alla scoperta di nuove culture e tradizioni. Le sue origini ed i suoi valori restano però il fulcro di tutto, il collante tra immaginazione e realtà che portano il fotografo ad essere apprezzato da influenti riviste di moda e marchi di fama internazionale. La musica è rimasta la sua passione ed appena possibile non perde l’occasione di ritornare a scatenarsi dietro la consolle in compagnia dei suoi amici. The photographer Domenico Donadio was born in Tursi, a small town in southern Italy, in the province of Matera. From an early age he is attracted by art in all its forms and by the aesthetics it emanates. From 16 years old he began to create musical segments working as an electronic music producer DJ for 15 years. He stops to dedicating only to the music when he understands that he can give much more in photography. He lived for 11 years old in Rome but his goal is to become a successful fashion photographer. He moved to Milan, the capital of Italian fashion to start a new era of your life. For him taking pictures means giving life to images and mental visions otherwise unknown to the rest of the world. His idea is to represent beauty and human aesthetics, he does not pretend to capture the soul or thoughts’ models. His art is representing fashion from an extremely personal and subjective point of view. Fashion for him means the expression of beauty, luxury, elegance but also transgression and excess. It is strength, character, communication and every image of it is more eloquent than millions of words. Everything can be a source of inspiration: a film, a walk into the museum, people walking in the streets, an electronic or classical music piece, a journey to discover new cultures and traditions. Its origins and values remain the fulcrum of everything, the bridge between imagination and reality that lead the photographer to be appreciated by influential fashion magazines and internationally renowned brands. The music has remained his passion and as soon as possible does not lose the opportunity to return behind the console.

WEBSITE | www.idsuperlative.com INSTAGRAM | @domenicodonadiofotografo FACEBOOK | domenicodonadiophoto

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#GAddicted THE GLAMOURAFFAIR INSTAGRAM SELECTION

ph: FLAVIO TORRE model: ANNARITA MATTEI


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Ph: @schallschmidt_photographer_ Model: @sismeneghini

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GlamourAffair Vision 2019/01.02  

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GlamourAffair Vision 2019/01.02  

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