Brutalismo y Distopía - Filmografía

BRUTALISMO Y DISTOPÍA

IMÁGEN Y FUNCIÓN DE LA ARQUITECTURA MODERNA EN EL CINE

DIRECTOR: KOLDO LUS ARANA

UNIVERSIDAD DE ZARAGOZA

ESCUELA DE INGENIERÍA Y ARQUITECTURA 2020

AUTOR: GERARDO MARTÍNEZ MARCO

¿Cúal ha sido el papel de la arquitectura brutalista en el cine? ¿Qué relación existe entre las aspiraciones manifestadas por sus impulsores y el relato desde la cámara? El cine, como medio artístico eminentemente popular se dispone como un potente instrumento de crítica arquitectónica, capaz de medir los resultados de una arquitectura con una vocación igualmente popular.

Las discordancias entre el significado pretendido por el Movimiento Moderno y el percibido por el público general se acusa entre los años 50 y 70, coincidiendo con la aparición de corrientes alternativas, y el auge del brutalismo. Se propone el estudio en detalle de esta corriente no solo por que aparezca de forma recurrente en el cine, sino porque además lo hace revistiendo significados comunes, entendida habitualmente como el soporte arquitectónico de la distopía por excelencia. Aunque la arquitectura moderna no hubiese gozado de connotaciones exclusivamente positivas en el cine precedente, la nitidez con la que se identifica al brutalismo con la idea de un progreso amenazante e inhumano resulta suficientemente atractiva como para convertirlo en el eje principal de la investigación. Por último, se concluye con una reflexión sobre como el cine, desde su condición externa puede servir para iluminar conflictos e incongruencias de la arquitectura; o al menos reflejar la percepción del público general.

FICHA TÉCNICA

AÑO:

DURACIÓN:

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DIRECTOR:

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MÚSICA:

FOTOGRAFÍA:

PRODUCTORA:

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SINOPSIS:

Alphaville 1965 f1

1965

99 min.

Francia

Jean-Luc Godard

Jean-Luc Godard

Paul Misraki

Raoul Coutard (B&W)

Coproducción Francia-Italia; Athos Films, Chaumiane, Filmstudio

Eddie Constantine, Anna Karina, Akim Tamiroff, Valérie Boisgel, Jean-Louis Comolli, Michel Delahaye, Jean-André Fieschi, Christa Lang, Jean-Pierre Léaud, Laszlo Szabo, Howard Vernon

Lemmy Caution, un agente secreto de los países exteriores, es enviado a Alphaville, una ciudad/territorio comandada por la inteligencia artificial Alpha 60. Bajo la identidad secreta de Ivan Johnson, Lemmy sigue la pista del profesor Von Braun, creador de la máquina, y en última instancia trata de destruirla.

Alphaville presenta una sociedad en la que la dimensión humana queda reducida al plano exclusivamente racional. La confianza total en el desarrollo tecnológico como protagonista del progreso ha derivado en la creación de un dispositivo automático que regula prácticamente todos los aspectos de la vida. Alpha 60 explica directamente al protagonista y al espectador (a través de una voz gutural) su naturaleza y propósito. La realidad en su conjunto es entendida como una sucesión de procesos lógicos con consecuencias determinables. La máquina ha sido capaz de evolucionar de forma autónoma, alcanzando una complejidad que supera a sus creadores, quienes ya no ejercen control directo sobre ella. Los habitantes de Alphaville están sometidos a sus designios, y todos los rasgos que se desvían de conductas lógicas son erradicados.

El planteamiento puramente racional de la dimensión humana genera conflictos manifiestos con los humanos “no asimilables”, que discuten esta reducción de la esencia humana apelando a categorías emocionales (amor) y religiosas (fe) como partes fundamentales de la misma. Todo humano no asimilable es inevitablemente exterminado. La inteligencia artificial es capaz de tomar control sobre sí misma, se presenta como un ente superior al humano y trata de adaptarlo a su naturaleza. Elimina de su vocabulario las palabras (conceptos) que no encajen en el sistema y los convierte prácticamente en autómatas.

La acción se desarrolla en la segunda mitad del siglo XX, a juzgar por el contexto y algún comentario del protagonista (dice ser veterano de Guadalcanal). Los escenarios son reales y no se pretende recrear un panorama “sci-fi” en el sentido habitual. La tecnología aparece en formas contemporáneas a la época del rodaje, consta en su mayoría de grandes grabadoras de cinta, transistores, y sistemas electrónicos propios del comienzo de la guerra fría [1-3]. A pesar de que sabemos que el conjunto conforma una intelgencia artificial complejísima, las partes visibles se alejan de las posteriores representaciones propias de la estética computacional. No hay apenas planos exteriores con amplitud suficiente para abarcar arquitecturas completas, siempre son visiones parciales en las que aparecen calles bastante convencionales (Todo el rodaje se hace en París), por lo que aquí no encuentro acentos singulares. En los interiores sin embargo, si que encontramos materiales y formas propias del movimiento moderno más ortodoxo, nada extraordinario desde la óptica del presente, pero tal vez si resaltable para el espectador de los 60s [4-9]. La arquitectura que mejor obedece a dicha tesis es la que comprende el edificio en el que Alpha 60 se aloja [10]

Lo interesante del film es la claridad con la que se discuten los postulados modernos, de confianza en un progreso que solo se apoya en el desarrollo tecnológico, ignorando o reduciendo el resto de aspectos al primero. No lo es tanto por como ubica la narrativa en espacios arquitectónicos vinculados a esas ideas sino por plasmar la percepción colectiva (o al menos de Godard) de las mismas. Esta discusión se explicita verbalmente a lo largo de la cinta, y sugiere la lectura de que la aceptación de estas premisas deriva en la deshumanización, en la reducción de la condición humana a la de la máquina, con el abandono de toda dimensión que no encaje en su lógica.

10. Torre Esso (demolida) La Défense, París. Gréber, Lathrop Douglass, 1965. Fue la primera torre de oficinas moderna de toda Francia y en la película aloja a la computadora Alpha 60.

FICHA TÉCNICA

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SINOPSIS:

Farenheit 451 1966 f2

1966 108 min.

Reino Unido

François Truffaut

François Truffaut, Jean-Louis Richard (Novela: Ray Bradbury)

Bernard Herrmann

Nicolas Roeg

Anglo Enterprises, Vineyard Film

Julie Christie, Oskar Werner, Cyril Cusack, Anton Diffring, Jeremy Spenser, Ann Bell, Alex Scott, Bee Duffell, Caroline Hunt, Anna Palk

Fahrenheit 451 es la temperatura a la que arde el papel de los libros. En un futuro opresivo Guy Montag, un disciplinado bombero encargado de quemar los libros prohibidos por el gobierno, conoce a una revolucionaria maestra que se atreve a leer. Poco a poco Guy comenzará a tener dudas sobre su libertad intelectual, y sobre el precio que esta libertad tendría sobre su seguridad personal.

La primera secuencia de la cinta trata de sintetizar la nueva labor del cuerpo de bomberos, que ha pasado de apagar los incendios a generarlos. Es una especie de policía política que se dedica a rastrear y destruir todas las publicaciones escritas, realizando redadas sistemáticas en las viviendas de los sospechosos. Los primeros minutos no solo sirven para mostrar una de estas operaciones, sino que además permiten ambientar la narración emplazándola en la arquitectura brutalista de Alton West Estate [1-4] (véase página 25). Aunque la película no trate de transmitir constantemente una imagen futurista (aparecen muchas arquitecturas convencionales de baja densidad que rara vez se asocian al género sci-fi) los elementos elegidos a tal efecto son la arquitectura de vanguardia, el monorraíl [5-6] y la televisión (que se representa como un entretenimiento vacío pensado para mantener sedada a la población) y las omnipresentes superficies frías de hormigón caracterizando los elementos más distópicos.

El uso de Alton West Estate como primer escenario sirve para que el espectador reconozca una realidad ajena a la suya (a pesar de haber sido construído 7 años antes), y contextualiza el resto de elementos decididamente alejados de nuestro presente. Probablemente la elección de esta arquitectura estuvo vinculada a los motivos habituales; la dureza de sus superficies y acabados, sumada a la escala masiva de sus bloques proyecta una imagen fría y hostil sobre sus habitantes. Aunque apenas aparezca en la apertura es capaz de enmarcar el resto de la acción en un futuro convincente y distópico.

El hormigón visto, como estandarte de la arquitectura brutalista (y punta de lanza del progreso entonces) es utilizado de forma absolutamente intencional en el diseño de la estación de bomberos [7-10]. El edificio ficticio fue construido en los Pinewood Studios de Buckinhamshire y tanto sus exteriores como sus interiores presentan duras superficies de cemento marcadas por los encofrados de madera. La identificación de este elemento como el rasgo identitario de la arquitectura moderna es razonable desde el punto de vista del público general, pero cabe preguntarse si su utilización en el cine para representar futuros (casi siempre distópicos) es circunstancial; es decir, responde únicamente a su asociación con la arquitectura de vanguardia que anunciaba el porvenir, o posee además características intrínsecas que generan el rechazo del espectador, configurando formas e imágenes antipáticas por naturaleza.

1-4. Alton West Estate Housing, Roehampton-Londres, London County Council Architect’s Department. (1959). 5-6. Vía experimental de monorriel de suspensión en Châteauneuf-sur-Loire. (1963).

7-10. Estación de bomberos construida para la película.

FICHA TÉCNICA

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SINOPSIS:

1967 155 min.

Francia

Jacques Tati

Jacques Tati, Jacques Lagrange

Francis Lemarque

Jean Badal, Andréas Winding

Specta Films, Jolly Film

Jacques Tati, Barbara Dennek, Jacqueline Lecomte, Valérie Camille, France Rumilly, Rita Maiden, Erika Dentzler, Nicole Ray, Billy Kearns, Georges Faye, John Abbey

Un grupo de turistas americanas hace un viaje por Europa, que prevé la visita de una capital por día. Al llegar a París, se dan cuenta de que el aeropuerto es exactamente igual al de Roma, de que las carreteras son idénticas a las de Hamburgo y que las farolas guardan un curioso parecido con las de Nueva York. En resumidas cuentas, el escenario no cambia de una ciudad a otra. Y ya que no pueden conocer París, se conformarán con pasar veinticuatro horas con parisinos de verdad, entre ellos Monsieur Hulot

Playtime es un film singular por varios motivos; además de su relevancia dentro del cine francés por tratarse de la producción más cara hasta el momento, cede a la arquitectura moderna un papel omnipresente y protagonista. Todo el rodaje se desarrolló en un set completamente artificial a las afueras de París que construía una versión de la capital plagada de rascacielos clónicos de Estilo Internacional (Apodado Tativille en referencia a Alphaville, dos años anterior) [1-7]

El tema central del film es la crítica a la arquitectura impersonal a través de la interacción con sus personajes, a los que resulta extraña y a menudo confunde. La absoluta homogenización urbana también es culpable de despojar a la ciudad histórica de cualquier rasgo identitario. Otro tema en el que incide la cinta es en la proliferación masiva del automóvil promovida en buena medida por el Movimiento Moderno, mostrando imágenes de aparcamientos abarrotados y atascos infinitos [8-11]

PAPEL DEL AUTOMÓVIL

f4 1969 Stereo

FICHA TÉCNICA

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1969 65 min.

Canadá

David Cronenberg

David Cronenberg -

David Cronenberg (B&W)

Emergent Films Ltd. Productor: David Cronenberg

Ronald Mlodzik, Jack Messinger, Ian Ewing, Clara Mayer, Paul Mulholland, Arlene Mlodzik, Glenn McCauley

La historia gira entorno a los experimentos sexuales telepáticos que se ejercen en la Academia Canadiense para la Investigación Erótica.

FICHA TÉCNICA

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SINOPSIS:

Crimes of the Future 1970 f5

1970 70 min.

Canadá

David Cronenberg

David Cronenberg -

David Cronenberg

Emergent Films Ltd. Productor: David Cronenberg

Ronald Mlodzik, Jon Lidolt, Tania Zolty, Jack Messinger, Paul Mulholland, William Haslam, William Poolman

Cuando las mujeres comienzan a sufrir una extraña dolencia provocada por el uso de un nuevo cosmético, surgen sectas que intentan secuestrar a las pocas mujeres que no padecen esta enfermedad. Una de las secuestradas es una niña de cinco años, a quien busca un agente secreto.

1-7. Scarborough College, Toronto, John Andrews (1964). [véase pag. 22-23]

1-3. Ontario Science Centre, Toronto, Raymond Moriyama. (1964) 4-7. Centre of Addiction and Mental Health (CAMH), Toronto, John Andrews. (1964)

FICHA TÉCNICA

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SINOPSIS:

1971 88 min.

Estados Unidos

George Lucas

George Lucas, Walter Murch (Historia: George Lucas)

Lalo Schifrin

Albert Kihn, David Myers

American Zoetrope. Distribuida por Warner Bros.

Robert Duvall, Donald Pleasence, Don Pedro Colley, Maggie McOmie, Ian Wolfe, Marshall Efron, Sid Haig, John Pearce, Irene Forrest, Gary Alan Marsh, John Seaton, Eugene I. Stillman, Jack Walsh, Mark Lawhead

Una visita al futuro donde el amor es el máximo crimen. THX 1138, LUH 3417, y SEN 5241 intentan escapar de una sociedad futurista localizada debajo de la superficie de la tierra, y donde se ha prohibido el sexo, usando drogas que controlan a la gente.

Se plantea un futuro distópico muy similar al descrito por Orwell en su novela 1984 (con guiños explícitos al Big Brother) en el que la sociedad está completamente deshumanizada y vive únicamente para trabajar en plantas de producción seriadas. Esta percepción queda reforzada por la sustitución de los nombres propios de cada individuo por códigos alfanuméricos (THX1138, SEN 5241 etc).

En el film vemos distintos mecanismos que sirven al propósito del control; por una parte está la computerización de la población para monitorizar sus desplazamientos, estado de ánimo y asignar su alojamiento y por otra su sedación mediante el suministro de medicación constante. Los fármacos consiguen deprimir los desequilibrios anímicos y adormecer los instintos naturales, convirtiendo a las personas en verdaderos autómatas.

Podríamos considerar que la génesis de esta distopía se organiza al rededor de tres ejes principales, y que cada uno tiene asociado un tipo de escenario particular (aunque evidentemente esta distinción es orientativa, y todos ellos se entrelazan entre sí).

En primer lugar tenemos la componente tecnológica, que habla de una sociedad súper-industrial completamente computerizada en la que toda la vida humana se apoya y depende de elementos maquinales (ejemplificado de forma significativa por la máquina de masturbación). Los escenarios que sustentan esta idea están filmados en los interiores del Laboratorio Nacional Lawrence Livermore en Berkeley, California, un complejo científico financiado por los Estados Unidos para la investigación en diversos campos [1-4]

La componente médica, (en estrecha coordinación con la tecnológica) se manifiesta en la sedación sistemática de los individuos, y se apoya en interiores clínicos, completamente blancos e impolutos similares a los de un quirófano. La mayoría de estos espacios sí que fueron construidos para el set de los American Zoetrope Studios [5-6]

Por último encontramos la dimensión arquitectónica, que es la única capaz de contextualizar los escenarios anteriores en un conjunto de mayor escala. Mientras que los interiores tecnológicos/ médicos pueden esbozar imágenes sesgadas y parciales apoyadas en el mobiliario o el material, el fondo que proporciona la arquitectura real es el único capaz de presentar imágenes generales y representativas del entorno propuesto. Es gracias a los interiores del San Francisco BART (Bay Area Rapid Transit, una extensa red de metro sin completar) que comprobamos la realidad subterránea de la civilización [11-12] y el Marin County Civic Center de F.L.Wright se convierte en el complejo residencial que alberga los blancos habitáculos [7-8]. Las infraestructuras de hormigón sucias y toscas de la primera sirven para situar la acción en un entorno completamente construído, reforzando la dimensión tecnológica, mientras que las formas mucho más limpias del segundo generan impresiones futuristas en línea de la componente médica.

1-4.

5-6.

7-8.

9-10.

Laboratorio Nacional Lawrence Livermore, Universidad de California, Berkeley.

Interiores construídos en los American Zoetrope Studios, Hollywood.

Marin County Civic Center, San Rafael, CA. Frank Lloyd Wright (1960-76).

One Maritime Plaza Tower, San Francisco, CA. Skidmore, Owings & Merrill (1964).

11-12. BART (San Francisco Bay Area Rapid Transit) y otros túneles de alrededores junto con efectos especiales.

A Clockwork Orange 1971 f7

FICHA TÉCNICA

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SINOPSIS:

1971

137 min.

Reino Unido

Stanley Kubrick

Stanley Kubrick (Novela: Anthony Burgess)

Wendy Carlos

John Alcott

Warner Bros. Hawk Films

Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates, Adrienne Corri, Warren Clarke, John Clive, Aubrey Morris, Carl Duering, Paul Farrell, Clive Francis, Michael Gover, Miriam Karlin, James Marcus, Geoffrey Quigley, Sheila Raynor, Madge Ryan, Philip Stone, David Prowse

Gran Bretaña, en un futuro indeterminado. Alex (Malcolm McDowell) es un joven muy agresivo que tiene dos pasiones: la violencia desaforada y Beethoven. Es el jefe de la banda de los drugos, que dan rienda suelta a sus instintos más salvajes apaleando, violando y aterrorizando a la población. Cuando esa escalada de terror llega hasta el asesinato, Alex es detenido y, en prisión, se someterá voluntariamente a una innovadora experiencia de reeducación que pretende anular drásticamente cualquier atisbo de conducta antisocial.

La cinta describe un Londres distópico de cronología contemporánea (años 60-70). Para transmitir la impresión de que la realidad representada no corresponde a la del espectador Kubrick se apoya en elementos de vestuario (extravagante y singular para casi todos los actores), conducta (violencia como fin en sí mismo, diálogos teatrales) y en un cuidado diseño de determinados espacios interiores. En este sentido la ornamentación del piso de Alex (redecoración de un piso convencional en Canterbury House, en Borehamwood) y el Korova Milk-Bar (único espacio completamente construido en el set) definen ambientes extraños que refuerzan el distanciamiento del espectador. Por lo demás la película transcurre en localizaciones londinenses reales que apenas reciben tratamiento.

Para ambientar el exterior de la residencia de Alex y sus padres se filman varias escenas en Thamesmead South [2-3], un complejo residencial masivo brutalista (1960-80) elegido probablemente por su escala y homogeneidad material (tanto edificios como entorno están construidos de hormigón). La dimensión de la urbanización en contraste con la presencia exclusiva de los protagonistas refuerzan la hostilidad del espacio y para enfatizar la marginalidad reinante se esparcen montones de basura y escombros.

El uso más decidido de la arquitectura brutalista como recurso expresivo es el de la Universidad de Brunel [4-6], cuyo auditorio aparece para ambientar el exterior del centro médico Ludovico. Es interesante observar como se vincula esta arquitectura (la que mejor responde al canon brutalista coloquial) a una institución dedicada a la manipulación mental de delincuentes (comunes y políticos) al servicio del gobierno. La imagen brutalista más reconocible corresponde a la sede de un organismo en el que se funden las pretensiones de control del Estado y la amenaza de un progreso científico ajeno a consideraciones éticas.

Los interiores de la universidad también se utilizan para representar otros espacios fílmicos, como el vestíbulo de entrada del bloque en el que reside Alex

Aunque fuera del espectro brutalista, cabe mencionar la aparición de dos arquitecturas singulares superpuestas para construir la casa del escritor que los drugos asaltan. El exterior corresponde a la casa de Milton Grundy (New House) y su jardín japonés [7] mientras que los interiores fueron rodados en la Skybreak House del Team 4 [8]

1. Paso peatonal entre Trinity Road y Swandon Way, Londres.

2-3. Thamesmead South. (2) Tavy Bridge Centre (3) Belvedere Road.

4. Centro de conferencias, Universidad de Brunel, Londres. Richard Sheppard Robson & Partners (1965-71)

5-6. Interiores Universidad de Brunel. (5) Entrada a la Torre D del campus (6) Entrada al Crank Building.

7. Milton Grundy House, Londres. Roy Stout and Patrick Litchfield (1964).

8. Jaffe House (Skybreak), Radlett (Inglaterra). Team 4 (1965).

FICHA TÉCNICA

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SINOPSIS:

1971

98 min.

Estados Unidos

Boris Sagal

John William Corrington, J. Hooper Corrington, William Peter Blatty (Novela: Richard Matheson)

Ron Grainer

Russell Metty

Warner Bros.

Charlton Heston, Anthony Zerbe, Rosalind Cash, Paul Koslo, Lincoln Kilpatrick, Eric Laneuville

Como consecuencia de la guerra bacteriológica entre Rusia y China, un individuo parece ser el único superviviente: se trata del coronel Neville, famoso científico, que se salva gracias a una dósis de vacuna que estaba experimentando. A partir de este momento, y durante dos largos años, tendrá que defenderse del asedio de unos seres que también han conseguido salvarse, pero que, al no poseer la defensa de unos anticuerpos, han ido degenerando hasta convertirse en unos seres monstruosos, y cuyo único afan es acabar con Neville, en el que polarizan la responsabilidad de la destrucción de la humanidad...

IMÁGENES DE LOS ÁNGELES

3. La filmación se realizó tanto en escenarios reales de la ciudad puntualmente vaciados como en los estudios de la Warner Bros. de Burbank (con sectores urbanos completamente construídos en el set).

FICHA TÉCNICA

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Get Carter 1971 f9

1965

107 min.

Reino Unido

Mike Hodges

Mike Hodges (Novela: Ted Lewis)

Roy Budd

Wolfgang Suschitzky

Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

Michael Caine, Ian Hendry, Britt Ekland, John Osborne, Tony Beckley, George Sewell, Geraldine Moffat, Dorothy White, Rosemarie Dunham, Petra Markham, Alun Armstrong, Bryan Mosley, Glynn Edwards, Bernard Hepton, Terence Rigby, John Bindon, Geoffrey Quigley, Kevin Brennan, Maxwell Deas, Liz McKenzie, John Hussey, Ben Aris, Kitty Atwood, Denea Wilde, Geraldine Sherman, Joy Merlyn, Yvonne Michaels, Alan Hockey, Karl Howard

Jack Carter es uno de los gángsters más poderosos de toda inglaterra. Su hermano acaba morir y se dirige a Newcastle para el funeral. Pero cree que no ha sido una muerte natural. Carter ha decidido investigar quién es el culpable y, por ello, se verá dentro de una red de mentiras que espera le conduzcan hasta el hombre que ordenó el asesinato de su hermano.

La película se desarrolla enteramente en la ciudad británica de Newcastle upon Tyne; en este caso el espacio fílmico y el de rodaje coinciden. La localidad se presenta como un lugar frío e inhóspito, con una densa niebla como elemento permanente. Complejos fabriles, muelles mercantes, y residuos de la revolución industrial, acusan estas características. Gran parte de la acción sucede en espacios vinculados al extrarradio, marginales y decadentes; en los que las distintas arquitecturas colaboran para enfatizar esta atmósfera. La industria pesada en retirada impregna a todos sus espacios vinculados connotaciones inhumanas; ambientes contaminados, hacinamiento, pobreza y escala.

El Trinity Square Car Park en Gateshead caracteriza es una de las escenas más características del film. A pesar de su importante significación arquitectónica, tanto en forma como en uso, adquiere una relevancia relativa. Contribuye a afianzar la imagen pretendida de ciudad inhóspita, y tiene el mérito de aglutinar los significados de los panoramas previos en un solo edificio. La inhabitabilidad es explícita, y la “soledad” de los protagonistas en la escena se magnifica al encontrarse con la escala de los espacios.

TRINITY SQUARE CAR PARK

1. Casa del hermano de Jack - Frank Street Benwell

3. 17 Queens Lane, High Level Bridge

2. North Blyth coal staithes

4. Blackhall Colliery Beach

5-7. Trinity Square Car Park - Gateshead, Newcastle. Owen Luder. (1962).

FICHA TÉCNICA

AÑO:

DURACIÓN:

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DIRECTOR:

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MÚSICA:

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REPARTO:

SINOPSIS:

1973 88 min.

Estados Unidos

Woody Allen

Woody Allen, Marshall Brickman

Woody Allen

David M. Walsh

Jack Rollins & Charles H. Joffe Production, United Artists (Distribuidora)

Woody Allen, Diane Keaton, John Beck, Mary Gregory, Don Keefer, John McLiam, Bartlett Robinson, Chris Forbes, Susan Miller, Lou Picetti

Tras permanecer 200 años en estado de hibernación, Miles Monroe, clarinetista y propietario de una tienda de comida sana, despierta en el año 2.174 en una América regida por un estado policial que vigila día y noche a todos los habitantes del país, es decir, a aquellos que habiendo sido ciudadanos han dejado de serlo para convertirse en súbditos, en autómatas.

Se plantea un futuro posterior a una guerra nuclear en el que las ciudades han desaparecido para dar lugar a “centros de población”, la tecnología domina la vida cotidiana (mayordomos robóticos, técnicas de clonación, inductores de orgasmos) y la sociedad está dirigida por un líder aparentemente totalitario al que todos llaman “El Jefazo”. La mayor parte de los elementos futuristas se plantean en clave de humor al forzar los contrastes con el pasado (1970s) del que viene Miles. La sociedad dibujada comparte con otras cintas distópicas los elementos habituales; una élite política estática y autoritaria, feroces mecanismos para reprimir la disidencia y el apoyo de sus instituciones en el progreso tecnológico-científico. Aunque es difícil tomarselo en serio, ya que tanto las acciones de las fuerzas del orden como los planes de dominación de la clase dirigente son manifiestamente ridículos (el proyecto AIRES pretende reconstituir al gran líder recién fallecido a partir del único vestigio restante: su nariz).

La mayor parte del rodaje tuvo lugar en Denver, Colorado y sus alrededores. El mundo que se presenta parece estar poblado de un modo muy disperso, y las arquitecturas escogidas para ambientarlo son piezas singulares y modernas aisladas en medio de la naturaleza. La mayoría de edificios seleccionados son de la década de los 60s, y presentan rasgos comunes respectivos a sus formas curvilíneas y su estética sci-fi [1-4]. Aunque el hormigón es el material predominante sería muy optimista considerarlos ejemplos de arquitectura brutalista, ya que las superficies aparecen pulidas y lisas, conformando cascarones escultóricos que poco tienen que ver con la dureza y apariencia cruda del estilo.

Frente a la fluidez y sofisticación de estas arquitecturas aparece la rigidez y el ángulo recto de los Laboratorios Delta, unas instalaciones científicas del Gobierno que materializa la arquitectura brutalista del Centro Nacional de Investigación Atmosférica de Boulder, Colorado (1961) [5-7]. Las formas rotundas del complejo y su apariencia imponente sirven al propósito de representar al poder político y tecnológico del mundo narrado. En el film está habitado por médicos/investigadores que desarrollan distintas actividades, como la adaptación de Miles a la sociedad futura (mediante un lavado de cerebro) o el intento de clonación del Jefazo Resulta especialmente interesante el papel del brutalismo en este film particular, porque revela que frente al resto de arquitecturas perfectamente solventes a la hora de transportarnos al futuro esta es la única capaz de sumar connotaciones de poder y opresión.

1. Church of the Risen Christ en Monaco, Denver. James Sudler (1969).

2. Sculptured House, Denver. Charles Deaton (1963).

3. Brenton House, Boulder (Colorado). Charles Haertling (1969).

4. Mile Hi Church, Lakewood (Colorado). (1973).

5-7. Centro Nacional de Investigación Atmosférica, Boulder (Colorado). I.M. Pei (1961).

FICHA TÉCNICA

AÑO:

DURACIÓN:

PAÍS:

DIRECTOR:

GUIÓN:

MÚSICA:

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PRODUCTORA:

REPARTO:

SINOPSIS:

Logan’s Run 1976 f11

1976 120 min.

Estados Unidos

Michael Anderson

David Zelag Goodman

Jerry Goldsmith

Ernest Laszlo

Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

Michael York, Richard Jordan, Peter Ustinov, Jenny Agutter, Roscoe Lee Browne, Farrah Fawcett

La vida transcurre plácidamente en una megalópolis del siglo XXIII. Sus habitantes dedican la mayor parte del tiempo a gozar de los placeres de la vida y frecuentan tiendas en las que pueden cambiar de personalidad y aspecto físico, gracias a la cirugía plástica instantánea. Sin embargo, al cumplir los 30 años, deben morir. Logan, un policía encargado de cazar a los que huyen de la muerte, decide también rebelarse y huir hacia el desierto que rodea la ciudad.

La película diseña una distopía futurista particularmente hortera (incluso para los 70s) en la que la población vive confinada bajo enormes cúpulas en ciudades controladas por máquinas. Independientemente de sus singularidades, la trama cuenta el desengaño de Logan frente al orden establecido (todos las personas acaban su vida a los 30 años en una ceremonia pública, acata órdenes que recibe de un ordenador etc.) y su posterior huida. Con tal de no desembolsar cantidades imposibles de dinero en decorados los escenarios generales se construyeron mediante la filmación de maquetas (con carencias evidentes) [1-4] , construcciones en el set [5-6] y arquitectura real de la ciudad de Dallas [7-13]

Los principales escenarios arquitectónicos, aún caracterizándose por conformar enormes espacios de hormigón dan “impresiones brutalistas” a distintos niveles, siendo tal vez la sede de los Vigilantes (un singular cuerpo de policía) el que mejor conserva la dimensión impositiva. Otro escenario especialmente pintoresco es el de los Jardines de Agua de Fort Worth en Texas, que representan el sistema de energía hidráulica de la ciudad

5-6. El anfiteatro donde se desarrolla el “Carrusel” fue completamente construído en los Estudios MGM. 7-9. Fort Worth Water Gardens, Arlington, TX. Philip Johnson & John Burgee. (1974). Esta enorme fuente es la pieza más importante de un parque mayor en medio de la ciudad, descontextualizada en el film con fondos naturales.

10. Apparel Mart Great Hall (Dallas Market Center), Dallas, TX. (1964).

11. Apparel Mart West Atrium (Dallas Market Center), Dallas, TX. (1964).

12-13. Antigua Sede de ExxonMobil (previamente Zale), Dallas, TX. (1970). Actualmente remodelada con un muro cortina que envuelve las pilastras de hormigón hasta la primera planta.

FICHA TÉCNICA

AÑO:

DURACIÓN:

PAÍS: DIRECTOR:

GUIÓN:

MÚSICA:

FOTOGRAFÍA:

PRODUCTORA:

REPARTO:

SINOPSIS:

1978

113 min.

Estados Unidos

Michael Crichton

Michael Crichton (Novela: Robin Cook)

Jerry Goldsmith

Victor J. Kemper

Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

Michael Douglas, Geneviève Bujold, Richard Widmark, Ed Harris, Elizabeth Ashley, Tom Selleck, Rip Torn, Lois Chiles, Joanna Kerns

Dos jóvenes médicos internos, Susan Wheeler y Mark Bellows, hacen su período de prácticas en el Boston Memorial Hospital. Una amiga suya reacciona de manera imprevisible a la anestesia y cae en estado de coma. Esta situación permite que Susan descubra una macabra organización que funciona al amparo de la eficaz asistencia hospitalaria del centro.

En esta película se construye un thriller bajo la premisa de un mercado secreto de órganos gestionado por un grupo de médicos en posiciones de poder. La acción se desarrolla en dos escenarios principales; el Boston Memorial Hospital (Boston Medical Center Place real) y el Jefferson Institute, un edificio aparentemente dedicado a la manutención de pacientes en estado de coma. El entramado criminal se dedica a inducir muertes cerebrales a pacientes jóvenes y sanos compatibles con los clientes de transplantes en el hospital (los órganos se subastan en secreto) para trasladarlos después al Instituto Jefferson, donde se les extirpan.

Mientras que el hospital es un edificio relativamente convencional y la acción criminal pasa desapercibida entre la enorme cantidad de casos regulares, el Instituto aparece como una imponente estructura aislada en el campo, dedicada exclusivamente a los designios de la organización [7] Por si la imagen del edificio brutalista no fuese lo suficientemente imponente, un tétrico tema de la BSO compuesta por Goldsmith se dedica específicanebte para acompañar la aproximación de Susan y Mark al complejo, tiñendo a la arquitectura de una atmósfera todavía más macabra [1-2] Existen otros factores que contribuyen a formar esta impresión; en primer lugar el coloso está ocupado únicamente por una doctora (al menos es lo que se nos cuenta durante la primera incursión) y pequeños equipos de seguridad y mantenimiento que no vemos, ya que la mayor parte de las funciones médicas las desarrolla un ordenador central. Las visitas están restringidas a ocasiones muy puntuales y la breve interacción con la doctora se presenta extraña e incómoda, envolviendo al edificio en un misterio todavía mayor.

Cuando más tarde Susan accede al interior en una de las escasas visitas guiadas se nos muestra una lúgubre sala en la que los pacientes de coma están suspendidos por cables, optimizando el coste de su mantenimiento (función del Instituto de cara al público y al Gobierno) [5-6]. Si bien esta imagen no corresponde a la acción criminal resulta igual de alienante que las colmenas humanas vistas en Matrix (2001), con múltiples humanos vegetativos conectados a un soporte vital (Estas imágenes en particular se rodaron en los estudios de la MGM).

Cuando Susan descubre el resto de dependencias y su propósito real la impresión ténebre del edificio queda más fundada si cabe.

Como en otras ocasiones la arquitectura brutalista es útil para transmitir sensaciones de angustia y opresión a través del contraste entre su escala y el individuo (véase toda la secuencia de la persecución) [3-4] y sirve para simbolizar instituciones de poder, en este caso ligada simultáneamente al progreso tecnológico carente de ética, y el servicio a élites millonarias.

1-7. Antiguas Oficinas de Ventas de Xerox, Lexintong MA. Apenas hay información acerca de su autoría y la cronología corresponde a principios de los 70s. Actualmente el edificio se encuentra prácticamente irreco nocible tras sufrir una reforma que adosó muros cortina de vidrio a sus fachadas.

5-6. Interiores Construídos en los estudios de MGM.

FICHA TÉCNICA

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Tenebrae 1982 f13

1982 110 min. Italia

Dario Argento

Dario Argento (Historia: Dario Argento)

Máximo Morante, Fabio Pignatelli, Claudio Simonetti

Luciano Tovoli

Sigma Cinematografica Roma, Titanus (Distribuidora)

Anthony Franciosa, Christian Borromeo, Mirella D’Angelo, Ania Pieroni, Veronica Lario, Eva Robins, Carola Stagnaro, John Steiner, John Saxon, Lara Wendel, Daria Nicolodi, Giuliano Gemma, Isabella Amadeo, Mirella Banti, Ennio Girolami, Marino Masé, Fulvio Mingozzi, Gianpaolo Saccarola

Un famoso escritor de novelas de terror visita Roma para promocionar su nuevo libro: Tenebrae. Unos terribles asesinatos comienzan a sucederse en Roma, y lo curioso es que son idénticos al que el escritor describe en su libro.

La mayor parte de la acción discurre en Roma, tanto en la narración como en el rodaje, pero no aparece ningún elemento reconocible de la ciudad histórica. A primera vista la acción representada parece contemporánea y natural (vestuario, vehículos, máquinas de escribir) pero una mirada más atenta descubre que está envuelta por un fondo arquitectónico exclusivamente modernista. Según el propio Argento esta decisión respondía a la idea de representar un futuro próximo (5-15 años) en el que el número de población había disminuido considerablemente tras un acontecimiento traumático (en declaraciones posteriores afirmó que se trataba de una explosión atómica). Tanto el espectador presente como la crítica de su momento precisamos de las declaraciones del director para conocer tal contexto, ya que la cinta por sí sola se niega a transmitir esta información con claridad.

El papel de la arquitectura como único elemento referente a esta premisa es insuficiente para hacerla legible, pero si consigue construir una Roma algo inquietante, con escenarios reales que resultan paradójicamente artificiales. En cualquier caso no hay elementos del contexto espacio-temporal que repercutan de forma determinante en el desarrollo de la trama como ocurría en otras películas (1984, Farenheit451, RoboCop etc.). Quiero decir con esto que el objetivo de ambientar la cinta en un futuro próximo y sus elementos respectivos responden más a criterios estéticos que funcionales siendo perfectamente posible desarrollar la historia de los asesinatos en otro contexto espacio-temporal (hablando desde la interpretación menos esotérica de la cinta).

Una vez comentada la función de los espacios toca caracterizarlos; gran parte del rodaje tuvo lugar en la Esposizione Universale de Roma, un complejo urbanísitico comenzado en 1935 por Mussolini plagado de arquitectura moderna en su vertiente fascista. De todos modos exteriores más utilizados tienen que ver con los desarrollos post-fascistas de los años 50s y 60s, que proporcionan fondos arquitectónicos decididamente brutalistas (Hotel, Estudio de TV etc) [1-4] Otra localización en esta línea es la Piazza Filippo il Macedone, un espacio abierto rodeado de arquitectura de hormigón que se utiliza para ambientar el asesinato de Bulmer [5-6]

La obra brutalista con más protagonismo del film es también la más dramática; la Villa Ronconi construida en 1973 sirve para alojar a la pareja de lesbianas y cobra un protagonismo autónomo en la secuencia de su asesinato [7]. La cámara recorre el exterior con una serie de travellings de planos cortos en los que retratan sus ásperas superficies de hormigón, pasando de una estancia a otra. La extensión de esta parte del metraje y la minuciosidad con la que se plasma el detalle le confiere un protagonismo singular dentro del film.

1-2. Hotel Villa Carpegna en los 80s. 3-4. Piazza Filippo il Macedono, Municipio Roma X, Roma. 7. Villa Ronconi, Distrito Casal Palocco, Roma. Saverio Busiri Vici (1973).

FICHA TÉCNICA

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SINOPSIS:

Brainstorm 1983 f14

1983 106 min.

Estados Unidos

Douglas Trumbull

Philip Frank Messina, Robert Stitzel (Historia: Bruce Joel Rubin)

James Horner

Richard Yuricich

Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

Christopher Walken, Natalie Wood, Louise Fletcher, Cliff Robertson, Jordan Christopher, Donald Hotton, Alan Fudge, Joe Dorsey, Bill Morey,

El doctor Brace y la doctora Reynolds están a punto de culminar un proyecto: una máquina grabadora que, unida a unos sofisticados sensores de ondas cerebrales, puede leer y grabar todas las sensaciones físicas y emocionales del individuo. Y como colofón, quieren conseguir que esa suma de sensaciones, grabadas en una cinta de diez centímetros, pueda ser reexperimentada por otra persona diferente.

La trama se desarrolla al rededor del dispositivo creado por Brace (Christopher Walken) y Reynolds (Louise Fletcher) capaz de grabar y reproducir con total fidelidad la experiencia de una persona [1-2]. El argumento se complica cuando empiezan a surgir conflictos éticos sobre su empleo, y el ejército se interesa para llevar a cabo el lavado de cerebros. De este modo la película expone los potenciales peligros del desarrollo tecnológico guiado únicamente por criterios económicos y su posible aplicación como elemento de control al servicio del poder.

La arquitectura protagonista es la que alberga los laboratorios del proyecto, el edificio real (actualmente en lista de demolición) corresponde a la antigua sede de la corporación farmacéutica Burroughs Wellcome & Company diseñada por Paul Rudolph en el Research Triangle Park (Carolina del Norte) [5-9].Se trata de un edificio marcadamente brutalista que además desarrolla las consignas megaestructuralistas al proponerse como un sistema flexible, capaz de crecer linealmente alargando sus volúmenes hexagonales. La arquitectura que en origen respondía a conformar una imagen corporativa aquí se deforma ligeramente para adquirir el particular tinte hi-tech.

5-9. Burroughs-Wellcome Company Corporate Headquarters, Durham, CN. Paul Rudolph. (1969-72)

FICHA TÉCNICA

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SINOPSIS:

1984 113 min.

Reino Unido

Michael Radford

Michael Radford (Novela: George Orwell)

Dominic Muldowney (Canciones: Eurythmics)

Roger Deakins

Virgin, Umbrella-Rosenblum Films Production

John Hurt, Richard Burton, Suzanna Hamilton, Cyril Cusack, Gregor Fisher, James Walker, Andrew Wilde, Shirley Stefox, Phyllis Logan

El futuro, año 1984. Winston Smith (John Hurt) soporta una abyecta existencia bajo la continua vigilancia de las autoridades de la Oceanía totalitaria. Pero su vida se convertirá en una pesadilla cuando pruebe el amor prohibido y cometa el crimen de pensar libremente. Enviado al siniestro “Ministerio del Amor”, se encuentra a merced de O’Brien (Richard Burton), un cruel oficial decidido a destruir su libertad de pensamiento y a quebrantar su voluntad.

Se plantea una sociedad distópica basada en un régimen totalitario que controla a la población mediante eficaces instrumentos de propaganda. La adhesión de los ciudadanos a los designios de la clase dominante (El Partido) está garantizada por la exposición constante a pantallas que difunden el pensamiento único, y sus condiciones de vida permanentemente limitadas bajo la premisa de una guerra continua contra otras potencias (real o inventada por los dirigentes con tal de garantizar el statu quo) [1-4] Conforme avanza la cinta comprobamos el alcance total del Partido, con instituciones tales como el Ministerio del Amor, que pretende erradicar todo vínculo afectivo que rivalice con el debido al líder Gran Hermano (prohibición de las relaciones sexuales y abolición de la familia); o el Ministerio de la Verdad, que no solo persigue “crímenes de pensamiento” sino que además delimita el lenguaje de uso permitido mediante la censura de conceptos (Diccionarios oficiales de Neo-Lengua). El riguroso control de todos los aspectos de la vida humana por parte de una élite oligarca es el marco que condiciona toda la acción, y el que precisa más atención para la selección de escenarios.

A pesar de su cronología (1984) la estética de Oceanía corresponde a la de los años 40, con la proyección directa de imágenes de la WWII en sus pantallas y la casi explícita referencia al régimen soviético. Gran parte de los escenarios exteriores se corresponden con escombreras de posguerra casi imposibles de contextualizar con dos excepciones singulares.

Para representar la estación de tren que lleva a Winston al extrarradio se utilizan tanto los exteriores como los interiores de la Battersea Power Station [7-8], una central eléctrica abandonada construida en 1939 al sur de Londres. La decadencia propia del edificio en desuso y su escala masiva la convierten en un edificio perfectamente adecuado al contexto de la historia y su estética naturalmente maquinal proyecta una presencia fría y distante sobre los que lo ocupan. El otro caso es el del centro administrativo de la Universidad de Londres (Senate House) [9-10], que da vida a la sede del Ministerio de la Verdad Se trata de un edificio sobrio de líneas art decó inaugurado en 1937 que sirve al propósito de simbolizar el poder del Partido por su monumentalidad, rigidez y simetría.

Aunque ninguno de los expuestos comprende arquitectura de hormigón, el material es un elento omnipresente durante toda la cinta. Tanto los interiores construídos en el set (Twickenham Studios) como los reales ofrecen superficies continuas de cemento pobladas de óxido y humedad, y su protagonismo es tal que incluso parece revestir los edificios construidos con otros materiales (Battersea con ladrillo rojo y Senate House con piedra de Portland) mediante filtros fríos de fotografía, que tiñen todo el metraje de un gris lúgubre.

Si bien no aparece arquitectura brutalista como tal, lo hacen sus materiales, texturas y formas con el objetivo de conformar ambientes hostiles e inhumanos.

3. La Victory Square es en realidad uno de los salones del Alexandra Palace de Londres (1873), filmado tras sufrir un incendio en 1980 que destruyó su cubierta. Los escombros y las superficies calcinadas encajan perfectamente con la narrativa.

LES

FICHA TÉCNICA

AÑO: DURACIÓN: PAÍS: DIRECTOR: GUIÓN: MÚSICA: FOTOGRAFÍA:

PRODUCTORA: REPARTO:

SINOPSIS:

1985

138 min.

Reino Unido

Terry Gilliam

Terry Gilliam, Tom Stoppard, Charles McKeown

Michael Kamen

Roger Pratt

Arnon Milchan Production. Universal Pictures

Jonathan Pryce, Kim Greist, Michael Palin, Katherine Helmond, Ian Holm, Bob Hoskins, Ian Richardson, Peter Vaughan, Robert De Niro, Jim Broadbent, Barbara Hicks, Charles McKeown, Derrick O’Connor, Kathryn Pogson

En un extraño y deprimente universo futurista donde reinan las máquinas, una mosca cae dentro de un ordenador y cambia el apellido del guerrillero Harry Tuttle (Robert de Niro) por el del tranquilo padre de familia Harry Buttle, que es detenido y asesinado por el aparato represor del Estado. El tranquilo burócrata Sam Lowry (Jonathan Pryce) es el encargado de devolver un talón a la familia de la víctima, circunstancia que le permite conocer a Jill Layton (Kim Greist), la mujer de sus sueños. Y, mientras la persigue, hace amistad con Harry Tuttle y se convierte en su cómplice.

Podemos considerar Brazil como una revisión de 1984 con una estética surrealista y sentido del humor. El protagonista se encuentra inmerso en una sociedad futurista regida por un gobierno autoritario con implacables fuerzas del orden. En este caso el acento no se pone en la restricción de la libertad de pensamiento o la disidencia política sino en el tamaño e ineficacia del aparato estatal. El peso de la burocracia es aplastante durante toda la película y sus funcionarios son completos inútiles cuyos errores suponen la ejecución indiscriminada de inocentes [1-2]. No vemos tanto la perfección de la máquina estatal del film anterior pero sí su capacidad ejecutiva.

En sus escenarios encontramos una variedad importante, entre otras cosas porque la sociedad representada no pretende ser igualitaria y se divide en clases con distintos status (aparecen escenarios victorianos relativos a la clase alta). A efectos del tema de estudio nos interesan particularmente los que ambientan la vida de las clases más humildes y las instituciones del gobierno.

Una de las localizaciones más utilizadas en el rodaje es la Central Térmica de Croydon en Londres, que sirve tanto para recrear el complejo residencial-industrial de Shangri La Towers [3-5] como para alojar las instalaciones del ministerio de información [6]. Aunque no es arquitectura brutalista en su acepción común, los espacios industriales crudos y baratos presentan sus superficies de hormigón características.

Otra obra recurrente en el film es Les Espaces d’ Abraxas, construída por Ricardo Bofill en Noisy-leGrand y que también representa distintos espacios fílmicos. Se utiliza para alojar el apartamento de Lowry [7-8] como escenario por el que transcurre la persecución del camión [9] y para acoger el funeral con el que delira el protagonista en los últimos minutos [10] Esta pieza de arquitectura posmoderna resulta especualmente adecuada a la estética expresionista de la cinta, que en ocasiones destila una atmósfera casi onírica.

2. CWS Flour Mill at the Royal Victoria Dock (Londres). Interiores del Departamento de Registros. 3-6. Croydon Power Station (1896-1984). Las imágenes del conjunto están modificadas con matte painting. 7-10. Les Espaces d’ Abraxas, Noisy-le-Grand. Ricardo Bofill (1978-83).

FICHA TÉCNICA

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SINOPSIS:

Robocop 1987 f17

1987 103 min.

Estados Unidos

Paul Verhoeven

Edward Neumeier, Michael Miner

Basil Poledouris

Jost Vacano

Orion Pictures

Peter Weller, Nancy Allen, Kurtwood Smith, Miguel Ferrer, Ronny Cox, Dan O’Herlihy, Robert DoQui, Paul McCrane, Ray Wise, Jesse D. Goins, Felton Perry, Del Zamora

Ambientada en una sociedad futura. Alex J. Murphy, agente de policía de Detroit, es asesinado en acto de servicio. Para acabar con la delincuencia en la ciudad, las autoridades aprueban la creación de una máquina letal, mitad robot, mitad hombre, a la que llaman Robocop, y para fabricarla utilizan el cuerpo de Murphy. El experimento parece un éxito, pero el policía, a pesar de estar muerto, conserva la memoria y decide vengarse de sus asesinos.

La cinta plantea un Detroit futuro a corto plazo en el que la tecnología ha ido colonizando diversos aspectos de la vida cotidiana (casas informatizadas, cyborgs militares) de la mano de la megacorporación OCP (Omni Consumer Products). La sociedad presentada no es muy distinta a la norteamericana real (al menos en su manifestación hollywodiense) , y los únicos elementos distópicos son los asociados a la alta tasa de criminalidad y al papel de OCP, que empieza a hacerse cargo de las funciones propias del Estado (tiene división médica, militar, aeroespacial etc...) al firmar un acuerdo para comandar el departamento de policía a cambio de permisos para desarrollos urbanísticos.

La potencial distopía no solo va asociada al monopolio de una entidad privada sobre tantos sectores estratégicos sino que también está ligada a la caricatura del capitalismo salvaje que encarnan sus propios directivos, cuya única ética es el beneficio económico y personal. Es interesante mencionar que en esta película la tecnología no recibe una lectura negativa (a excepción de ED209); el programa RoboCop es un éxito y la crítica recae solo sobre sus impulsores

No parece que RoboCop se tome tan en serio el análisis-crítica social como otras cintas (véase 1984, Clockwork Orange...) siendo más bien una película de acción que utiliza el marco “distópico” para justificar su planteamiento (un policía cyborg venga su propia muerte), pero no deja de ser interesante analizar los escenarios escogidos para representar sus elementos característicos.

En primer lugar es importante notar que casi todos los escenarios que representan Detroit fueron filmados en realidad en Dallas, Texas a excepción de la fundición de acero ubicada en Monessen, Pennsylvania. El edificio que más atención recibe en la cinta y que más nos interesa resaltar es el Ayuntamiento de Dallas, una obra contundentemente brutalista que representa la sede de OCP [7]. Si bien la imagen del edificio original ya es lo suficientemente imponente Verhoeven decidió adosarle un gigantesco rascacielos de hormigón encima con técnicas de matte painting para maximizar el efecto [1, 6-7] El edificio ficticio se compone además de fragmentos de otras arquitecturas como es el caso del complejo comercial Plaza of the Americas donde se ruedan los planos de los ascensores exteriores (también trucados para aparentar mayor profundidad) [3-4]

La arquitectura brutalista es la escogida para alojar al colosal poder empresarial, la representativa de sus desarrollos tecnológicos y la que se impregna de las connotaciones malignas que la película atribuye a sus dueños. La caracterización en esta película es especialmente nítida porque contrasta con un “Detroit” de barrios suburbanos y arquitectura perfectamente convencional.

1. La técnica del Matte Painting se usa de forma recurrente en el film, y consiste en pintar fondos estáticos (normalmente sobre vidrio) a los que luego se les superpone la acción.

3-4. Plaza of the Americas, Dallas (Texas). Harwood K. Smith (1978-80).

7. Ayuntamiento de Dallas (Texas). I. M. Pei (1978).

Total Recall 1990 f18

FICHA TÉCNICA

AÑO: DURACIÓN: PAÍS: DIRECTOR: GUIÓN:

MÚSICA:

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PRODUCTORA:

REPARTO:

SINOPSIS:

1990 109 min. Estados Unidos

Paul Verhoeven

Dan O’Bannon, Gary Goldman, Ronald Shusett (Relato: Philip K. Dick)

Jerry Goldsmith

Jost Vacano

Carolco Pictures, TriStar Pictures (Distribuidora)

Arnold Schwarzenegger, Sharon Stone, Michael Ironside, Rachel Ticotin, Ronny Cox, Marshall Bell, Mel Johnson Jr., Ray Baker, Michael Champion, Roy Brocksmith, Lycia Naff, Debbie Lee Carrington, Dean Norris, Alexia Robinson, Erika Carlsson

La Tierra, año 2084. Doug Quaid, un hombre que lleva una vida aparentemente tranquila, vive atormentado por una pesadilla que todas las noches lo transporta a Marte. Decide entonces recurrir al laboratorio de Recall, una empresa de vacaciones virtuales que le ofrece la oportunidad de materializar su sueño gracias a un fuerte alucinógeno, pero la droga hace aflorar a su memoria una estancia verdadera en Marte cuando era el más temido agente del cruel Coohagen.

La película se divide en dos actos claramente diferenciados; el primero se desarrolla en la Tierra y comprende la presentación de Quaid y su traumático paso por MemoRekall mientras que el segundo sucede en Marte, una vez el protagonista viaja para reanudar su misión. La estancia en la Tierra se caracteriza por presentar una ciudad familiar en algunos aspectos (el trabajo en la obra podría perfectamente haber estado ambientado en los años 70s) y definitivamente futura en otros (vehículos, interiores de las viviendas con pantallas en vez de ventanas). Los tintes distópicos de la acción son más bien parciales (o solo aplican a Marte); como en RoboCop la amenaza es una megacorporación que en este caso se dedica a extraer los recursos de Marte manteniendo a su población en condiciones inhumanas para abaratar costes. Más adelante se descubre que Coohagen, su presidente (Ronny Cox, el mismo villano que en RoboCop), conoce la existencia un macro-reactor alienígena capaz de generar una atmósfera respirable y se niega a usarla al comprender que cuestionaría su hegemonía en el planeta; este hecho refuerza todavía más su caracterización malvada.

La ciudad anónima en la que tiene lugar el primer acto es en realidad Ciudad de México (originalmente se planteó Houston, Texas) y cuenta con varias localizaciones recurrentes. Es interesante observar como todos los elementos arquitectónicos que convierten a la ciudad en una convincente visión futurista son brutalistas. El edificio elegido para representar la sede de MemoRekall es el construído para las Oficinas Infonavit [1-2], y el bloque de viviendas de Quaig es en realidad el Heroico Colegio Militar [3-4]. Ambos edificios son ejemplos de brutalismo tardío, caracterizados por su contundencia formal y la monotonía material. El segundo es especialmente notable, diseñado para acoger un enorme programa de formación militar presenta un planteamiento afín al de las pseudo-megaestructuras. Sus volúmenes imponentes y ciegos responden a la monumentalidad y simbolismos propios del ejército y la extensión del complejo presenta espacios abiertos y de conexión completamente integrados en su universo formal. La coherencia visual de un complejo tan variado lo convierte en el decorado futurista perfecto. Otra localización que aparece de forma recurrente es la Estación de Metro de los Insurgentes y su centro comercial [5-8]. Aunque no es un edificio tan dramático sus interiores ofrecen una potente estructura de hormigón a la vista que mantiene el aire de familia del resto de escenarios. El hecho de que pasen trenes reales es un argumento contundente para convertirla en la estación de metro fílmica.

En el escenario marciano del segundo acto la mayor parte de los sets fueron diseñados en los Churubuscu Studios, construyendo espacios teatrales y opresivos (toda la fotografía del planeta pasa por un filtro rojo) para alojar a los más desfavorecidos [9-10]

1-2. Oficinas Infonavit, Ciudad de México. Teodoro González de León y Abraham Zabludovsky (1975).

3-4. Edificio del heróico colegio militar, Ciudad de México. Agustín Hernández, Manuel González Rul (1976).

5-8. Glorieta de los Insurgentes Metro Línea 1, Ciudad de México.

FICHA TÉCNICA

AÑO:

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REPARTO:

SINOPSIS:

Trainspotting 1996 f19

1996 90 min.

Reino Unido

Danny Boyle

John Hodge (Novela: Irvine Welsh)

Varios

Brian Tufano

Jersey Films, Columbia Pictures

Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner, Kelly MacDonald, Kevin McKidd, Peter Mullan, James Cosmo, Eileen Nicholas, Susan Vidler, Pauline Lynch

Mark Renton, un joven escocés de Edimburgo, y sus amigos son adictos a la heroína, lo que significa que viven fuera de la realidad, en un mundo aparte. Dentro del grupo hay un psicópata alcohólico y violento, un joven desesperado, un mujeriego con un conocimiento enciclopédico sobre Sean Connery y un entusiasta de las caminatas y de Iggy Pop.

A pesar de que la novela situa la acción en Edinburgo la película se rodó casi por completo en la ciudad vecina de Glasgow, que presenta numerosos escenarios urbanos en los que se desarrolla el argumento. A efectos de nuestra investigación nos interesa resaltar los escenarios escogidos para ambientar los narco-pisos en los que Renton y sus amigos se dedican a meterse.

La película nos lanza distintas imágenes exteriores de complejos residenciales populares (Estates) para situar los pisos marginales; tanto el que utiliza el grupo completo como el de Tommy [1-3]. El problema es que ninguna aporta suficiente información como para identificar los proyectos más allá de situarlos en el contexto de los desarrollos brutalistas de los 60s-70s. Sabemos sin embargo que en la novela el piso de Sick Boy sí tenía nombre y apellidos, ubicado por Welsh en el edificio Cables Wynd House (Banana Flats) de Leith, Edinburgo. Se trataba de una construcción residenial muy influida por L’Unité, un edificio de alta densidad y duros acabados de hormigón que servía de alternativa a las viviendas obreras existentes, en las que las condiciones de hacinamiento e insalubridad eran insoportables. Hacia los años 80 se convirtió (como muchos otros) en un área marginal caracterizada por la presencia de las drogas y la criminalidad, justificando su inclusión en la historia como un escenario genuíno, y lo suponemos como inspiración para el uso de distintos complejos brutalistas en la película [4-8]

FICHA TÉCNICA

AÑO:

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PAÍS:

DIRECTOR:

GUIÓN:

MÚSICA:

FOTOGRAFÍA:

PRODUCTORA:

REPARTO:

SINOPSIS:

Gattaca 1997 f20

1997 106 min.

Estados Unidos

Andrew Niccol

Andrew Niccol

Michael Nyman

Slawomir Idziak

Jersey Films, Columbia Pictures

Ethan Hawke, Uma Thurman, Jude Law, Loren Dean, Alan Arkin, Gore Vidal, Xander Berkeley, Elias Koteas, Ernest Borgnine, Tony Shalhoub, Blair Underwood, Maya Rudolph, Lindsey Ginter, Jayne Brook

En un mundo perfecto, Gattaca es un centro de estudios y de investigación espacial para jóvenes con un patrimonio genético impecable. Jerome Morrow, el candidato ideal, ve su vida destruida por un accidente, mientras que Vincent Freeman, un hijo concebido de manera “natural” y por lo tanto sin el ADN adecuado, sueña con ir al espacio. Cada uno de ellos permitirá al otro conseguir sus sueños, desafiando las las leyes de Gattaca. Sin embargo, cuando un director de vuelo es brutalmente asesinado, una pista encontrada en la escena del crimen amenaza con desbaratar los planes de Jerome y Vincent.

Gattaca plantea una distopía basada en la genética (similar a Code 46, 2003) al proponer una realidad en la que los embarazos naturales quedan relegados al pasado en favor de la fecundación in vitro y los hijos de diseño. Vincent es producto de un encuentro natural, lo que le hace virtualmente incapaz (el término que se utiliza es inválido) de optar al puesto de sus sueños, participar en una misión espacial. A pesar de que según su narración la discriminación por cuestiones genéticas “genoismo” es un delito, la mayor parte de empresas y seguros hacen distinciones esquivando las barreras legales y lograr un ascenso en la escala social con los genes equivocados es prácticamente imposible. El tema central de la película es la superación de Vincent frente a las expectativas depositadas en él y el desafío al sistema cuestionando las limitaciones que la ciencia asevera. El tratamiento de la voluntad como fuerza que rebasa las condiciones objetivas y físicas supone una mirada optimista y esperanzadora frente a un futuro humano regido estrictamente por el determinismo científico. Sin embargo, la cinta expone un miedo justificado a los avances científicos despojados de consideraciones éticas, como ya va siendo habitual en las cintas que tratan estos asuntos.

La película utiliza dos localizaciones principales situadas en una ciudad anónima; la primera es el piso de Jerome, ambientado en el icónico CLA Building de 1993 [1-4] y el segundo el centro de lanzamientos Gattaca, materializado por el Marin County Civil Center de F.L.Wright [5-9]. Ambos edificios fueron escogidos por su evidente apariencia futurista, y aunque no podemos considerarlos ejemplos de brutalismo canónico sí que proporcionan imágenes propias del estilo. En el caso del CLA tanto los exteriores generales como las escenas rodadas en los accesos presentan espacios gigantescos construídos exclusivamente de hormigón (el edificio triangular camufla su fachada de aplacado con el filtro de fotografía, y se lee como hormigón). Los interiores también siguen esta línea, con el mobiliario justo y superficies crudas.

El edificio de Wright resulta adecuado por su colosal escala y la estética futurista, en el sentido de la vanguardia arquitectónica. Los arcos, las formas curvas, la cúpula y la antena de radio de 52 metros lo convierten en el candidato perfecto para representar un cosmódromo, pero su imagen general y su ornamentación particular lo situa mucho más cercano al Nautilus de Verne que a la austeridad brutalista. No obstante es capaz de generar imágenes puntuales indudablemente brutalistas como vemos en los planos de la cubierta o los masivos arcos que enmarcan a Vincent e Irene. Ha de notarse que el filtro de fotografía cálido uniformiza la variedad material y cromática de todos los exteriores, generando una impresión de unidad entre localizaciones.

1-4. CLA Building, Universidad Politécnica de California, CA. Antoine Predock (1993). Se trata de un edificio del Campus que comprende clases, laboratorios y administración.

5-7. Marin County Civic Center, San Rafael, CA. Frank Lloyd Wright (1960-76). El edificio principal del centro cívico consta de una estructura de 180m de largo dedicada a la Administración y otra de 270m para el Palacio de Justicia. Ambos brazos se encuentran en la rotonda de 24m de diámetro que contiene la Librería del Condado y una cafetería.

FICHA TÉCNICA

AÑO:

DURACIÓN:

PAÍS:

DIRECTOR:

GUIÓN:

MÚSICA: FOTOGRAFÍA:

PRODUCTORA:

REPARTO:

SINOPSIS:

2000

123 min.

Estados Unidos

Roger Spottiswoode

Cormac Wibberley, Marianne Wibberley

Trevor Rabin

Pierre Mignot

Columbia Pictures

Arnold Schwarzenegger, Robert Duvall, Michael Rapaport, Wendy Crewson, Tony Goldwyn, Michael Rooker, Sarah Wynter, Wanda Cannon, Don McManus, Terry Crews, Rodney Rowland, Colin Cunningham, Ken Pogue, Alexandra Castillo

El piloto de helicóptero Adam Gibson, después de una jornada aparentemente normal, regresa a casa para estar con su familia, y se encuentra que ha sido suplantado por un clon. Cuando los creadores de su réplica descubren que no ha muerto en un accidente, como habían previsto, intentan darle caza.

SEDE DE REPLACEMENT TECH.

FICHA TÉCNICA

AÑO:

DURACIÓN:

PAÍS:

DIRECTOR:

GUIÓN:

MÚSICA:

FOTOGRAFÍA:

PRODUCTORA:

REPARTO:

SINOPSIS:

Antitrust 2001 f22

2001

119 min.

Estados Unidos

Peter Howitt

Howard Franklin

Don Davis

John Bailey

Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Hyde Park Entertainment, Industry Entertainment

Ryan Phillippe, Rachael Leigh Cook, Claire Forlani, Tim Robbins, Tygh Runyan, Douglas McFerran, Richard Roundtree, Yee Jee Tso, Nate Dushku, Ned Bellamy, Tyler Labine, Scott Bellis, David Lovgren, Zahf Paroo, Jonathon Young, Rick Worthy, Nathaniel DeVeaux, Ian Robison, Linda Ko

Milo (Ryan Phillippe), un joven genio, está dotado para convertirse en uno de los mejores informáticos del mundo. En el garaje de su casa, desarrolla la tecnología que ambicionan las mayores empresas del mundo: un revolucionario software que permite el enlace de todas las formas de comunicación digital, a través de una sola fuente de alimentación. Cuando Milo está a punto de conseguir su sueño, recibe una tentadora oferta: dinero, recursos y un sinfin de posibilidades que Gary Winston (Tim Robbins), el director de N.U.R.V., una millonaria y poderosa empresa de software, le ofrece en bandeja.

DE N.U.R.V

FONDO BRUTALISTA

1-2. Vancouver Public Library, Canadá. Moshe Safdie, Richard Archambault & Barry Downs. (1995).

5. Simon Fraser University, Vancouver, Arthur Erickson. (1963). En este caso la arquitectura brutalista juega un papel secundario, sirviendo de fondo para una de las secuencias de acción.

Aparece brevemente para ambientar los exteriores de la sede de n.u.r.v, una gran corporación informática (con aires paródicos hacia Apple y su profeta) que se presenta simpática y “cool” [1-2]. Acaba siendo desenmascarada como una organización criminal. 2 4 5

SEDE

FICHA TÉCNICA

AÑO:

DURACIÓN:

PAÍS:

DIRECTOR:

GUIÓN:

MÚSICA:

FOTOGRAFÍA:

PRODUCTORA:

REPARTO:

SINOPSIS:

2003

93 min

Reino Unido

Michael Winterbottom

Frank Cottrell Boyce

David Holmes

Marcel Zyskind, Alwin H. Kuchler

United Artists

Tim Robbins, Samantha Morton, Om Puri, Jeanne Balibar, Togo Igawa, Essie Davis, Nina Fogg, Bruno Lastra, Emil Marwa, Nabil Massad, Taro Sherabayani, Christopher Simpson, Benedict Wong

Una visión futurista de Shanghái que presenta una sociedad en la que los recuerdos pueden ser borrados y los peligros pueden predecirse. William (Tim Robbins), enviado a Shangai para investigar un fraude en la compañía de seguros Sphinx. Maria (Samantha Morton), que trabaja en Sphinx creando “papelles”, documentos indispensables para que la gente pueda hacer cualquier cosa, es la persona que está cometiendo el fraude, vendiendo “papelles” falsos a las personas que Sphinx no admite como asegurados.

La película describe un futuro cercano y totalmente globalizado, en el que las naciones-estado han desaparecido para dar lugar a un mundo de ciudades-estado en las que la población maneja su particular versión del esperanto.

Tal vez el elemento distópico más novedoso respecto a los ejemplos precedentes es la consecución del cambio climático. Los paisajes exteriores a las ciudades se muestran desérticos [1-2] y la luz del sol es tan peligrosa que toda la actividad social se desarrolla de noche, implicando la destrucción definitiva de la capa de ozono.

La mayor parte de la trama se desarrolla en Shangai, pero no todas las imágenes de la ciudad están rodadas allí. Para dibujar el Shanghái fílmico Winterbottom recurre a imágenes de Dubai [3] y Jaipur que solapa con las reales [4], buscando el contraste entre los imponentes rascacielos de todas y el desierto circundante de la segunda. Que el collage fabricado resulte convincente puede ser entendido como una potente crítica al estilo internacional que nutre los skylines y espacios principales, perfectamente adecuado a la sociedad y cultura global proyectada.

En esta distopía el control total de la población por parte de estados o corporaciones privadas vuelve a ser un eje central, con dos desarrollos principales: el control de movimientos de entrada y salida de las ciudades, por parte de la corporación Sphynx encargada de expedir los “papeles” que los autorizan [5], y el control genético de la población [6]. La civilización descrita necesita mantener dicho control porque las técnicas artificiales de reproducción y clonación posibilitan relaciones incestuosas entre individuos que compartan un gran porcentaje de su genoma sin saberlo. Cuando esto ocurre en el film, descubrimos la existencia de clínicas dedicadas a borrar y modificar la memoria de los implicados acerca del incidente, resaltando el grado de subordinación de los individuos al sistema. Por lo general los interiores que revisten todos los espacios relacionados con un tipo u otro de control presentan superficies blancas y pulcras, propias de la arquitectura moderna y que transmiten la frialdad maquinal de los organismos que monitorizan a los ciudadanos. El Aeropuerto Internacional de Shanghái-Pudong aparece de forma recurrente y su escala se magnifica al rodarse prácticamente vacío [7-8]. Cuando Winterbottom siente la necesidad de encontrar arquitecturas singulares representativas del poder corporativo acude a Londres, donde rueda a William transitando las escaleras mecánicas del Lloyd’s Building [9]

4. Puente Nanpu en Shanghái (1988) 7-8. Aeropuerto Internacional Shanghái-Pudong (1999) 9. Interior del Lloyd’s Building (1986), Richard Rogers

f24 2006 The Departed

FICHA TÉCNICA

AÑO:

DURACIÓN:

PAÍS: DIRECTOR:

GUIÓN:

MÚSICA:

FOTOGRAFÍA:

PRODUCTORA:

REPARTO:

SINOPSIS:

2006 149 min.

Estados Unidos

Martin Scorsese

William Monahan (Remake: Alan Mak, Felix Chong)

Howard Shore

Michael Ballhaus

Warner Bros., Plan B Entertainment, IEG Virtual Studios, Vertigo Entertainment, Media Asia Films. Warner Bros (Distribuidora).

Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson, Mark Wahlberg, Vera Farmiga, Alec Baldwin, Martin Sheen, Ray Winstone, Kevin Corrigan, James Badge Dale, David O’Hara, Anthony Anderson, Mark Rolston, Conor Donovan, Francesca Scorsese

El Departamento de Policía de Massachussets se enfrenta a la mayor banda de crimen organizado de la ciudad de Boston. La estrategia consiste en acabar desde dentro con Frank Costello, el poderoso jefe de la mafia irlandesa (Jack Nicholson). El encargado de infiltrarse en la banda es un joven novato, Billy Costigan (Leonardo DiCaprio). Mientras Billy intenta ganarse la confianza de Costello, otro joven policía, Colin Sullivan (Matt Damon), sube rápidamente de categoría y ocupa un puesto en la unidad de Investigaciones Especiales, grupo de élite cuya misión también es acabar con Costello. Lo que nadie sabe es que Colin es un topo infiltrado en la policía por el propio Costello.

007: Quantum of Solace 2008 f25

FICHA TÉCNICA

AÑO:

DURACIÓN:

PAÍS: DIRECTOR:

GUIÓN:

MÚSICA:

FOTOGRAFÍA:

PRODUCTORA:

REPARTO: SINOPSIS:

2008

106 min.

Reino Unido

Marc Forster

Robert Wade, Paul Haggis, Neal Purvis (Personaje: Ian Fleming)

David Arnold (Tema: Jack White, Alicia Keys)

Roberto Schaefer

Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Columbia Pictures

Daniel Craig, Judi Dench, Olga Kurylenko, Mathieu Amalric, Jesper Christensen, Joaquín Cosío, Jeffrey Wright, Giancarlo Giannini, Gemma Arterton, Fernando Guillén Cuervo, Rory Kinnear, Stana Katic, Oona Chaplin, Jesús Ochoa, David Harbour, Anatole Taubman, Tim Pigott-Smith, Lucrezia Lante della Rovere, Glenn Foster, Paul Ritter, Simon Kassianides, Neil Jackson, Brendan O’Hea, Rufus Wright, Kari Patrice Coley, Sarah Hadland, Jake Seal, Mark Wakeling

Traicionado por Vesper, la mujer a la que amaba, 007 se plantea su nueva misión como algo personal. Durante su investigación, Bond y M interrogan a Mr. White, que les revela que la organización que chantajeó a Vesper es mucho más compleja y peligrosa de lo que imaginan. El servicio de inteligencia forense vincula a un traidor del Mi6 con una cuenta bancaria en Haití, donde Bond conoce a la bella pero combativa Camille, una mujer que tiene sus propios motivos para vengarse. Camille pone a Bond tras la pista de Dominic Greene, un despiadado hombre de negocios y miembro importante de la misteriosa organización. Bond averigua que el objetivo de Green es controlar uno de los recursos naturales más importantes del mundo; pero, para ello, tiene que derrocar al gobierno de un país sudamericano.

En ambas películas el brutalismo cumple un rol puntual y específico, representar la sede de las instituciones policiales. En la de Scorsese el edificio de Servicios Gubernamentales de Boston se convierte en el cuartel general de la Unidad de Investigación Especial (una de las pocas localizaciones filmadas realmente en la ciudad, el resto se rodó en Nueva York) [1-5] mientras que en 007 el Frobisher Crescent Estate de Barbican pasa a representar al del MI6 [6-8]. El hecho de modificar el uso real de los edificios en la ficción (especialmente en el caso de Barbican) para exagerar estas instituciones habla de hasta que punto el brutalismo se percibe como su mejor reflejo arquitectónico.

1-5. Centro de Servicios Gubernamentales, Boston, Paul Rudolph. (1966-71). (Véase pag.20)

1-5. Frobisher Crescent, Barbican Estate, Londres, Chamberlin-Powell-Bon. (1959-82) (Véase pag.20)

f26 2008 The Day the Earth Stood Still

FICHA TÉCNICA

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PAÍS:

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PRODUCTORA:

REPARTO:

Resident Evil: Afterlife 2010 f27

2008

110 min.

Estados Unidos

Scott Derrickson

David Scarpa (Historia: Harry Bates. Remake: Edmund H. North)

Tyler Bates

David Tattersall

20th Century Fox, Earth Canada Productions

Keanu Reeves, Jennifer Connelly, Kathy Bates, John Cleese, Jon Hamm, Jaden Smith, Kyle Chandler, Robert Knepper, James Hong, John Rothman, Tanya Champoux, David Lewis, Mousa Kraish, Juan Riedinger, Sunita Prasad, Kurt Max Runte, Daniel Bacon, Bill Mondy, Lloyd Adams, J.C. MacKenzie, Alisen Down, Rukiya Bernard, Richard Keats, Lorena Gale, Reese Alexander, Judith Maxie

FICHA TÉCNICA

AÑO:

DURACIÓN:

PAÍS:

DIRECTOR:

GUIÓN:

MÚSICA:

FOTOGRAFÍA:

PRODUCTORA: REPARTO:

SINOPSIS:

2010 97 min. Canadá

Paul W.S. Anderson

Paul W.S. Anderson (Videojuego: Capcom)

Tomandandy

Glen MacPherson

Coproducción Canadá-Estados Unidos-Reino Unido; Sony Pictures Entertainment (SPE)

Milla Jovovich, Ali Larter, Wentworth Miller, Spencer Locke, Boris Kodjoe, Kim Coates, Shawn Roberts, Sienna Guillory, Kacey Clarke, Norman Yeung, Sergio Peris-Mencheta

SINOPSIS:

Un día la Dr. Helen Benson (Jennifer Connelly) es sacada repentinamente de su casa por la Agencia de Seguridad Nacional, y llevada junto a otros científicos para intentar explicar las causas de un misterioso objeto del espacio que va a chocar de forma inminente contra la isla de Manhattan. Pero la colisión no se produce pues el OVNI, que resulta ser una nave espacial de origen desconocido, aterriza en medio de Central Park. Las extraordinarias circunstancias que siguen a tan prodigioso acontecimiento, con el planeta entero en estado de shock, llevarán a Helen a conocer a Klaatu (Keanu Reeves), un extraterrestre humanoide que dice llegar a la Tierra -aparentemente con fines pacíficos- para advertir a la población... Remake del clásico de ciencia-ficción de 1951.

La película retoma las preocupaciones climáticas comentadas en Code 46 y narra la llegada de un alienígena humanoide (Keanu Reeves) que pretende salvar al planeta de la especie humana. Dada la emergencia global gran parte de la acción ocupa escenarios militares, uno de los más destacados es el ambientado en el complejo brutalista de la Simon Fraser University en Vancouver. El marcado lenguaje brutalista de los edificios se considera adecuado para representar instalaciones científico-militares, gracias probablemente a su imagen imponente y pesada.

En un mundo arrasado por un virus que transforma a sus víctimas en no muertos, Alice (Milla Jovovich) continúa su viaje en busca de supervivientes para conducirlos hacia un lugar seguro. Su batalla sin fin contra la Corporación Umbrella alcanza nuevas alturas, pero Alice recibe ayuda inesperada de un viejo amigo; un nuevo líder que promete un refugio seguro contra los zombis que los guía hacia Los Ángeles; pero al llegar, la ciudad se encuentra poblada de hordas de muertos vivientes, y Alice y sus camaradas estarán a un paso de una trampa mortal.

PRISIÓN FICTICIA

1-3. Simon Fraser University, Vancouver, Arthur Erickson. (1963). La mayor parte de los exteriores se filmaron al rededor del edificio de la biblioteca principal y la gran cubierta de cerchas que cubre su plaza adyacente.

La película, no menos infame que sus precuelas, utiliza los interiores del Hall principal para representar un pabellón de la prisión en la que el grupo se resguarda. No aparece tan reconocible como en otros films gracias a la absurda cantidad de adiciones digitales.

3-5. Scarborough College, Toronto, John Andrews (1964).

HEYGATE

FICHA TÉCNICA

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GUIÓN:

MÚSICA:

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REPARTO:

SINOPSIS:

Reino Unido

Daniel Barber

Gary Young

Ruth Barrett, Martin Phipps

Martin Ruhe

Marv Films, Prescience Film Fund, UK Film Council

Michael Caine, Emily Mortimer, Iain Glen, Jack O’Connell, Liam Cunningham, Sean Harris, Amy Steel, Ben Drew, David Bradley, Raza Jaffrey, Joseph Gilgun, Charlie Creed-Miles, Chris Wilson

Un ex militar viudo (Michael Caine) vive solo y aislado en medio de un barrio estigmatizado por las drogas y el crimen. Cuando su mejor amigo es asesinado, decide tomarse la justicia por su mano. Pero en el caso está también involucrada una joven policía (Emily Mortimer).

La cinta se desarrolla enteramente en el Heygate Estate, un complejo de vivienda pública construído entre 1971 y 1974 en Walworth (Sur de Londres) [9]. El proyecto formaba parte de los esfuerzos de renovación urbana de la ciudad (slum clearance) y contenía 1.214 viviendas destinadas a cubrir la demanda residencial de los estratos más humildes de la sociedad. La arquitectura era una reproducción canónica de los estándares modernos, organizada según tipologías de vivienda en bloque lineal, uso de elementos prefabricados, galerías de acceso y pasarelas peatonales [5-6]. Los acabados crudos y baratos dejan vistas las superficies de hormigón sin tratar, que junto con la escala de los edificios presentan imágenes perfectamente homologables al brutalismo de los Smithson.

Los motivos por los que se decide ambientar la película aquí residen en la fama que adquirió el complejo a partir de los años 80, que como muchos otros Estates acabó convirtiéndose en un foco de marginalidad asociado al crimen y las drogas. El conflicto entre los nuevos inquilinos jóvenes (banda callejera) y los residentes originales (Harry y Leonard) se plasma literalmente en el film y gran parte de los episodios criminales se concentran en los elementos arquitectónicos/urbanísticos más sensibles del proyecto, como el pasadizo peatonal bajo la carretera donde Leonard es asesinado o las galerías de acceso a las viviendas. El carácter originalmente barato y hostíl de la arquitectura se ve reforzado por un mantenimiento deficiente y la vandalización de sus espacios (graffitis, incendios, destrozos).

En una de las secuencias finales el barrio entero estalla en una revuelta contra la policía, donde se explicita todavía más el carácter endémico de la marginalidad [8]

1-2. Pasadizo bajo la carretera donde tiene lugar el asesinato de Leonard y la venganza de Harry.

3-4. Interior del piso de Harry y el de Leonard, una vez vandalizado.

5-6. Pasarelas peatonales elevadas y corredores de acceso a las viviendas

7-8. Vistas generales del complejo y disturbios.

9. Heygate Estate, Walworth, South London. Tim Tinker (1971-74).

ESTATE (1971-74)

FICHA TÉCNICA

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SINOPSIS:

Attack the Block 2011 f29

2011 88 min

Reino Unido

Joe Cornish

Joe Cornish

Steven Price

Thoman Townend

Studiocanal, Film4 Productions, UK Film Council

John Boyega, Jodie Whittaker, Alex Esmail, Franz Drameh, Leeon Jones, Simon Howard, Luke Treadaway, Jumayn Hunter, Danielle Vitalis, Paige Meade, Sammy Williams, Michael Ajao, Nick Frost, Joey Ansah

Una banda de adolescentes se enfrenta contra una invasión de salvajes alienígenas, convirtiendo una zona marginal de Londres en una zona de peligrosos juegos de ciencia ficción. De la noche a la mañana, un bloque de pisos se convierte en una fortaleza sitiada y un grupo de adolescentes de la calle en héroes. El enfrentamiento entre el ghetto y el espacio exterior está servido.

Toda la acción se desarrolla dentro de un ambiente marginal, que se explicita a través del contexto (todo sucede de noche, los protagonistas viven en una situación marginal, referencias constante a la identidad de barrio y distintos tipos de relaciones con las drogas) e incidentes concretos, como el atraco a la enfermera o el momento en el que le proponen a Moses (John Boyega) empezar a pasar cocaína. Para ambientar a estos estratos sociales el director decidió “diseñar” una urbanización ficticia de vivienda social (Clayton Estate) solapando distintas localizaciones londinenses.

“We wanted to stamp a clear layout on the audience’s minds early, and since we couldn’t afford to show an aerial shot of the estate as it doesn’t exist, the way to show it was by showing this top shot of the map at the very beginning of the film.” - Joe Cornish

El supuesto complejo residencial está situado en el distrito de Brixton Londres, aunque la mayor parte de los exteriores son rodados en el Heygate Estate de Walworth, al sur de la misma ciudad. Los edificios, actualmente demolidos (2011-2014) fueron construidos entre 1971 y 1974 para alojar a más de 3000 personas, y se corresponden formal y cronológicamente a los desarrollos residenciales del New Brutalism propios de los Smithson. El hormigón es el material predominante (espacio público, estructura vista en el garaje, fachadas) y aparecen elementos característicos de la corriente como las pasarelas peatonales elevadas.

En origen, las viviendas fueron bienvenidas por los nuevos residentes, pero progresivamente se fueron convirtiendo en objeto de críticas, que las tildaban de focos de criminalidad y proyectos comunitarios fallidos (a pesar de ser rebatidas por residentes y autor).

Independientemente de su veracidad, la reputación adquirida y su apariencia “barata” justifican su uso en el film como instrumento para reforzar la idea de marginalidad asociada a los personajes que lo habitan. Lo lúgubre de la fotografía, sumado a que los escenarios son recorridos exclusivamente por los protagonistas dan a la arquitectura una apariencia todavía más fría e inhóspita, mostrando sus espacios comunitarios totalmente vacíos. A partir de la mitad de la cinta la torre de apartamentos (Wyndham Tower) se convierte en el escenario principal.

La mayor parte de los interiores fueron rodados en los Three Mills Studios de Newham, representando principalmente los corredores de comunicación de las viviendas. Su apariencia (pintura, gama cromática de la fotografía) enfatiza la idea de vivienda colmena, con acabados baratos e iluminación fría.

1. Mapa ficticio del Clayton Estate.

8. Plantación de marihuana en el ático de la torre.

9. Construcción del Heygate Estate, Walworth, South London. Tim Tinker (1971-74).

f30 2013 Enemy

FICHA TÉCNICA

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PRODUCTORA:

REPARTO:

SINOPSIS:

2013 91 min.

Canadá

Denis Villeneuve

Javier Gullón (Novela: José Saramago)

Danny Bensi, Saunder Jurriaans Nicolas Bolduc

Coproducción Canadá-España; Rhombus Media, Roxbury Pictures, Mecanismo Films

Jake Gyllenhaal, Mélanie Laurent, Sarah Gadon, Isabella Rossellini, Joshua Peace, Tim Post, Kedar Brown, Darryl Dinn, Misha Highstead, Megan Mane, Alexis Uiga

Adam (Gyllenhaal) es un afable profesor de historia que lleva una vida bastante monótona. Un día, viendo una película, descubre a un actor que es idéntico a él. Obsesionado con la idea de tener un doble, la búsqueda de ese hombre tendrá para él consecuencias inesperadas... Libre adaptación de la novela “El hombre duplicado”, de José Saramago.

FICHA TÉCNICA

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SINOPSIS:

2014

129 min.

Reino Unido

Matthew Vaughn

Matthew Vaughn, Jane Goldman (Cómic: Mark Millar, Dave Gibbons)

Henry Jackman, Matthew Margeson

George Richmond

20th Century Fox, Marv Films, TSG Entertainment

Taron Egerton, Colin Firth, Samuel L. Jackson, Mark Strong, Michael Caine, Sofia Boutella, Sophie Cookson, Geoff Bell, Mark Hamill, Jack Davenport, Tom Prior, Neve Gachev, Jordan Long, Edward Holcroft, Hanna Alström, Samantha Womack

Un veterano agente secreto inglés (Colin Firth) debe entrenar a un joven sin refinar (Taron Egerton), pero que promete convertirse en un competitivo agente gracias a un ultra-programa de entrenamiento, al mismo tiempo que una amenaza global emerge procedente de un genio retorcido. Adaptación del cómic de Mark Millar y Dave Gibbons.

5. Scarborough College, Toronto, John Andrews (1964). Aquí la universidad se representa así misma, y es donde Adam (Gyllenhaal) da clase. La arquitectura brutalista sirve para reforzar la atmósfera asfixiante del film creada por la narración y el resto de espacios urbanos filmados (Toronto y Mississauga, Canadá).

1-5. Alexandra Road Estate, Londres, Neave Brown. (1972-79) Dentro del contexto de la película de espías la arquitectura sirve para situar el origen humilde del candidato a Kingsman (Taron Egerton), dejando claro que las residencias corresponden a un estrato marginal plagado de criminalidad callejera.

FICHA TÉCNICA

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PAÍS: DIRECTOR:

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MÚSICA:

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PRODUCTORA:

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SINOPSIS:

High Rise 2015 f32

2015 118 min.

Reino Unido

Ben Wheatley

Amy Jump (Novela: J.G. Ballard)

Clint Mansell

Laurie Rose

Recorded Picture Company (RPC), British Film Institute, Film4 Productions, HanWay Films

Tom Hiddleston, Sienna Miller, Jeremy Irons, Luke Evans, Elisabeth Moss, James Purefoy, Keeley Hawes, Reece Shearsmith, Peter Ferdinando, Sienna Guillory, Stacy Martin, Enzo Cilenti, Augustus Prew, Tony Way, Dan Renton Skinner

Adaptación de High Rise, novela publicada por J.G. Ballard a mediados de los años ‘70. La historia narra la llegada del doctor Robert Laing a la Torre Elysium, un enorme rascacielos dentro del cual se desarrolla todo un mundo aparte, en el cual parece existir la sociedad ideal. Pero secretamente, el recién llegado se sentirá perturbado ante la posibilidad de que este orden utópico no sea tal. Sospechas que rápidamente serán corroboradas de la forma más siniestra.

La historia propone un microcosmos completamente localizado en un rascacielos que según nos cuentan pretende alojar a la sociedad ideal, claro que la organización de esta sociedad depende del criterio de su arquitecto (Jeremy Irons), un ser megalómano con una visión muy paralela a proto-fascista expuesta en Metrópolis (1927). El edificio es el primero de una urbanización aislada que comprenderá 4 más y solo es posible acceder en coche a la vista del masivo parking de su base [1-2]; el propio arquitecto (que por supuesto se adjudica el mejor ático) nos explica como tras su finalización parecerá una mano abierta, con el lago central como palma (cabe preguntarse si una metáfora tan frívola es solo una caricatura del director o un retrato real de la parte más visible de la profesión.).

La torre presenta una metáfora bastante literal de la división social de clases y distingue su ocupación por alturas, con los pisos inferiores habitados por las familias más humildes y los superiores por el estamento más alto. Las tensiones empiezan a crecer cuando los excesos de los privilegiados perjudican a los de abajo (cortes de luz, exclusión de espacios comunes para celebrar fiestas privadas etc) y estos comienzan a cuestionar el statu quo. Hasta la mitad de la cinta Wheatley construye una narración relativamente sólida en la que los símbolos de la lucha social aparecen reconocibles en distintos personajes y sus acciones resultan coherentes; pero a la progresiva degeneración del edificio le acompaña la de un guión que se desentiende de la dialéctica social y decide dedicarse exclusivamente a crear imágenes grotescas de caos y violencia.

A juzgar por la estética general la historia se ubica en los años 70s, y la arquitectura escogida para representar la utopía construida es desde luego la estrictamente brutalista. Para representar las torres se utilizan conjuntamente técnicas de CGI y localizaciones reales, siendo las imágenes exteriores de conjunto las únicas completamente artificiales [1-3,9]. El hormigón es el único material visible y se enfatiza su textura, estriada en [véase pag. 30-31] los poderosos pilares visibles en el interior de los apartamentos y con distintos tactos en las fachadas. La mayoría de los interiores están rodados en el Bangor Leisure Center de Belfast (con las adiciones brutalistas del CGI) [5-6] y en el jardín del ático se solapa la imagen del Jardín Amurallado del Bangor Castle con el resto de la fachada generada por ordenador [8]. En cuanto al diseño de los exteriores la influencia del complejo de Barbican en Londres no solo es evidente, sino que llega a explicitarse en un plano detalle real de sus salientes que apenas dura una fracción de segundo (1:08:15) [4]

La arquitectura brutalista se utiliza aquí para representar el fracaso de la utopía construída, y se retratan con bastante antipatía las pretensiones megaestructuralistas de reducir la complejidad social a un problema únicamente arquitectónico.

4. Barbican Estate, Londres. Chamberlin-Powell-Bon. (1959-82)

5-6. Bangor Leisure Center, Bangor, Irlanda del Norte. Hugo Simpson (1970). A pesar de que el edificio original ya presentaba superficies brutalistas el trabajo de efectos especiales consistió en incluir la enorme estruc tura estriada

8. Walled Garden at Bangor Castle, Bangor, Irlanda del Norte. Los exteriores se utilizan para ambientar el ático elitista de una clase alta nostálgica de la aristocracia del S.XVIII

FICHA TÉCNICA

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PAÍS:

DIRECTOR:

GUIÓN:

MÚSICA:

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PRODUCTORA:

REPARTO:

SINOPSIS:

2017 119 min.

Estados Unidos

Guillermo del Toro

Guillermo del Toro, Vanessa Taylor

Alexandre Desplat

Dan Laustsen

Bull Productions, Fox Searchlight

Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Octavia Spencer, Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg, Lauren Lee Smith, David Hewlett, Nick Searcy, Morgan Kelly, Dru Viergever, Maxine Grossman, Amanda Smith, Cyndy Day, Dave Reachill

En un inquietante laboratorio de alta seguridad, durante la Guerra Fría, se produce una conexión insólita entre dos mundos aparentemente alejados. La vida de la solitaria Elisa (Sally Hawkins), que trabaja como limpiadora en el laboratorio, cambia por completo cuando descubre un experimento clasificado como secreto: un hombre anfibio (Doug Jones) que se encuentra ahí recluido

La película viaja a los años 60 para contar el descubrimiento de un humanoide anfibio por parte de los EE.UU. y la relación que establece con Elisa (Sally Hawkings). Ella trabaja como limpiadora en las instalaciones gubernamentales a las que se le traslada (OCCAM Aerospace Research Center) y acaba forjando un vínculo con él tras varios encuentros furtivos. Independientemente del desarrollo de la narración (personajes vinculados al bloque soviético, tensión sexual interespecie, liberación final de la criatura) nos interesa particularmente el edificio que proporciona el fondo para los laboratorios.

La megaestructura brutalista de la Universidad de Toronto diseñada por John Andrews vuelve a cobrar protagonismo (véase Stereo 1969) para representar instalaciones de máxima seguridad al servicio del gobierno norteamericano [3-7]. Su exterior solo aparece una vez al principio de la cinta, pero sus interiores ocupan una importante proporción del metraje. La homogeneidad material y la extensión de todo el complejo proporciona múltiples espacios útiles; desde la recepción y el comedor (comunes aunque no coincidentes con el edificio real) hasta las instalaciones experimentales.

La autoridad al mando del complejo es un militar despótico y detestable (Michael Shannon), y el equipo de investigación lo lidera un científico soviético infiltrado (Michael Stuhlbarg) que sí comparte la empatía de Elisa por la criatura. Si entendemos a estos personajes como representates de sus respectivos estamentos observamos que la ciencia esquiva la condena, mientras que el Estado (o su brazo militar) reviste las consideraciones habituales. En cualquier caso, el edificio obedece a este último y es por lo tanto el que le imprime significado. La monumentalidad y pesadez del brutalismo parece adaptarse muy bien a la simbología del ejército con robustos volúmenes de hormigón crudo que recuerdan fácilmente a los de un búnker.

Otro factor clave que determina la elección del brutalismo es considerar la perspectiva cronológica; que resulta adecuada considerando su papel en los años 60s y 70s como principal representante del progreso y el poder. Aunque esto imposibilita que la película sustente el argumento de la atemporalidad del estilo para representar determinados valores/instituciones (véase Gattaca 1997) si reafirma sus impresiones opresivas, al trasladar la función original del edificio (parte de la Universidad de Toronto) a la de un complejo militar, como ocurría con la Universidad de Brunel y el Centro Ludovico en A Clockwork Orange (1971).

3-7. Scarborough College, Toronto, John Andrews (1964). [véase pag. 22-23]

FICHA TÉCNICA

AÑO:

DURACIÓN: PAÍS: DIRECTOR:

GUIÓN:

MÚSICA:

FOTOGRAFÍA:

PRODUCTORA:

REPARTO:

Columbus 2017 f34

2017 104 min. Estados Unidos Kogonada

Kogonada

Hammock

Elisha Christian

Depth of Field, Nonetheless Productions, Superlative Films

John Cho, Haley Lu Richardson, Parker Posey, Michelle Forbes, Rory Culkin, Jim Dougherty, William Willet, Wynn Reichert, Rosalyn R. Ross, Reen Vogel, Shani Salyers Stiles, Lindsey Shope, Erin Allegretti Ambientada en un mundo futuro en el que no existe el anonimato ni el crimen, un detective se encuentra con una mujer que amenaza su seguridad.

SINOPSIS:

Un hombre se encuentra atrapado en Columbus, Indiana, donde su padre arquitecto está en coma. El hombre conoce a una joven que quiere quedarse en Columbus con su madre, una adicta que se está recuperando, en lugar de perseguir sus sueños.

1-2. Miller House, Columbus, IN (EE.UU.). Eero Saarinen. (1957).

3-4. Irwin Conference Center, Columbus, IN (EE.UU.). Eero Saarinen. (1954).

5-6. Oficinas Republic, IN (EE.UU.). Myron Goldsmith. (1971).

7-8. Irwin Union Bank, Columbus, IN (EE.UU.). Deborah Berke. (2006).

9-12. Cleo Rogers Memorial Library, Columbus, IN (EE.UU.). I.M.Pei. (1966-69).

13-14. Columbus City Hall, Columbus, IN (EE.UU.). Edward Charles Bassett (Skidmore, Owings & Merrill). (1981).

19. Bartholomew County Veterans Memorial, Columbus, IN (EE.UU.). (1997). 20. Southside Elementary School, Columbus, IN (EE.UU.). Eliot Noyes. (1969).

15-18. First Christian Church, Columbus, IN (EE.UU.). Eliel & Eero Saarinen. (1942).

21-24. Quinco Mental Health Center, Columbus, IN (EE.UU.). James Stewart Polshek. (1969).

25-26. Saitowitz Tower, Mill Race Park, Columbus, IN (EE.UU.). Stanley Saitowitz. (1990).

27-28. North Christian Church, Columbus, IN (EE.UU.). Eero Saarinen. (1964).

FICHA TÉCNICA

AÑO:

DURACIÓN:

PAÍS:

DIRECTOR:

GUIÓN:

MÚSICA:

FOTOGRAFÍA:

PRODUCTORA:

REPARTO: SINOPSIS:

2018 100 min.

Reino Unido

Andrew Niccol

Andrew Niccol

Christophe Beck

Amir M. Mokri

Coproducción Reino Unido-Estados Unidos-Alemania; K5 Film, K5 Film, K5 Media Group Clive Owen, Amanda Seyfried, Colm Feore, Sonya Walger, Mark O’Brien, Joe Pingue, Iddo Goldberg, Sebastian Pigott, Rachel Roberts, Marco Grazzini, Conrad Coates, Mayko Nguyen, Sara Mitich, Damon Runyan, Charles Ebbs, James Tam, Jonathan Potts, David Storch, Billy Parrott, Jean-Michel Le Gal, Jaiden Cannatelli, Doug Murray, Jordan Claire Robbins, Rosalba Martinni, Alyson Bath, Eric Woolfe, Sierra Wooldridge, Joe Vercillo, Neil Girvan

Ambientada en un mundo futuro en el que no existe el anonimato ni el crimen, un detective se encuentra con una mujer que amenaza su seguridad.

La película propone un futuro no muy lejano en el que toda la población está monitorizada a través de dispositivos de realidad aumentada que graban todo lo que ven y oyen (temática muy similar a la explorada en The Entire History of You - Black Mirror -2011). Las personas pueden así acceder a sus propios recuerdos en forma de vídeos dentro de sus registros y se presentan especialmente útiles para la resolución de crímenes. En este contexto asistimos a la investigación de un detective de la policía (Clive Owen) sobre una serie de asesinatos cuyo autor aparece irrastreable. El asesino es capaz de hackear los dispositivos de sus víctimas pasando a ser quien controla lo que ven y oyen, y lo utiliza para garantizar su anonimato cuando les asalta. La fiabilidad del sistema queda en entredicho cuando comprobamos como alguien puede interferir en nuestra percepción, alterar nuestros recuerdos digitales o borrarlos por completo. Independientemente del thriller detectivesco, el conflicto principal que expone el film y motiva a la principal sospechosa (Amanda Seyfried) es la desaparición total de la privacidad individual a cambio de seguridad colectiva a cargo del Estado, que tiene libre acceso.

El edificio que adquiere mayor protagonismo es el que representa al departamento de policía, y está compuesto por dos iconos brutalistas reales. El exterior lo vemos una sola vez al inicio del film y refiere a la antigua sede de AT&T en Nueva York; un edificio radicalmente brutalista diseñado exclusivamente para albergar equipos de conmutación telefónica [3-4] Este peculiar programa caracteriza sus fachadas, que solo comprenden dos filas de huecos dedicados a la ventilación. Para ahondar más aún en el estilo naturalmente inhumano del edificio cabe destacar que está pensado casi como una estructura militar, capaz de resistir esfuerzos extraordinarios y preparado para absorver la lluvia radiactiva (fruto probable de la histeria colectiva que acompañó al auge de la guerra fría). Los interiores, que si tienen una presencia mucho más continua en el metraje están ambientados en el ya clásico Scarborough College de Toronto [5-9]. La monotonía de las superficies grises está enfatizada por un tratamiento de fotografía muy poco saturada que impregna el resto de los materiales de un cariz similar, y la dureza de los interiores es afirmada por un mobiliario escaso pero rotundo. En vista de que la ciudad de Nueva York proyectada no dista en aspectos esenciales de la actual y que la mayoría de los exteriores urbanos son genuinos, la elección de una arquitectura brutalista a tantos kilómetros del set no parece casual [1-2] De nuevo es necesario recurrir al lenguaje brutalista de Scarborough para afirmar una institución de control, en este caso policial. Las formas radicalmente impositivas de ambos edificios junto con su textura son las elegidas para simbolizar tales órganos de poder.

1-2. Exteriores rodados en Nueva York. (2) Franklin D. Roosevelt Four Freedoms Park 3-4. AT&T Long Lines Building, Nueva York. John Carl Warnecke. (1974) 5-9. Scarborough College, Toronto, John Andrews (1964).